드미트리 쇼스타코비치의 작품. D.D.
Dmitri Shostakovich는 그의 첫 번째 교향곡이 소련, 유럽 및 미국의 콘서트홀에서 공연되었을 때 20세에 세계적으로 유명한 작곡가가 되었습니다. 10년 후, 그의 오페라와 발레는 세계 유수의 극장에서 상영되었습니다. 쇼스타코비치의 15개 교향곡은 동시대 사람들에게 "러시아와 세계 음악의 위대한 시대"라고 불렸습니다.
교향곡 1번
드미트리 쇼스타코비치는 1906년 상트페테르부르크에서 태어났다. 그의 아버지는 엔지니어로 일했고 열정적으로 음악을 사랑했고 그의 어머니는 피아니스트였습니다. 그녀는 아들에게 첫 피아노 레슨을 제공했습니다. 11세에 Dmitry Shostakovich는 사립 음악 학교에서 공부하기 시작했습니다. 선생님들은 그의 공연 재능에 주목했고, 멋진 기억그리고 절대 피치.
13 세에 젊은 피아니스트는 이미 피아노 수업에서 Petrograd Conservatory에 들어갔고 2 년 후 작곡 학부에 입학했습니다. Shostakovich는 영화관에서 피아니스트로 일했습니다. 세션 동안 그는 작곡의 템포를 실험하고 캐릭터의 주요 멜로디를 선택하고 뮤지컬 에피소드를 편곡했습니다. 그는 나중에 자신의 작곡에서 이러한 구절 중 가장 좋은 부분을 사용했습니다.
드미트리 쇼스타코비치. 사진: filarmonia.kh.ua
드미트리 쇼스타코비치. 사진: propianino.ru
드미트리 쇼스타코비치. 사진: cps-static.rovicorp.com
1923년부터 쇼스타코비치는 교향곡 1번을 작업했다. 작품은 그의 것이 되었다 명제, 1926년 레닌그라드에서 초연. 작곡가는 나중에 이렇게 회상했습니다. “어제 교향곡이 아주 잘 들렸습니다. 성능은 훌륭했습니다. 성공은 엄청납니다. 나는 다섯 번 절하러 나갔다. 모든 것이 훌륭하게 들렸습니다."
곧 교향곡 1번이 외부에 알려지게 되었습니다. 소련. 1927년 쇼스타코비치는 바르샤바에서 열린 제1회 쇼팽 국제 피아노 콩쿠르에 참가했습니다. 콩쿠르 심사위원 중 한 명인 지휘자이자 작곡가인 브루노 발터는 쇼스타코비치에게 베를린에 있는 그에게 교향곡 악보를 보내달라고 요청했습니다. 독일과 미국에서 공연되었습니다. 초연 1년 후 쇼스타코비치 교향곡 1번은 전 세계 오케스트라에서 연주되었습니다.
그의 첫 번째 교향곡을 젊고 평온하고 쾌활한 것으로 착각한 사람들은 착각했습니다. 19세 소년이 그런 삶을 살았다는 게 상상만 해도 이상할 정도로 휴먼 드라마로 가득 차 있다… 교향곡이 나오자마자 울려 퍼지지 않을 나라는 없었다.
소련의 영화 감독이자 시나리오 작가인 레오 안슈탐(Leo Arnshtam)
"그게 내가 전쟁을 듣는 방식이야"
1932년 드미트리 쇼스타코비치는 오페라 레이디 맥베스를 썼다. 므첸스크 지구". "Katerina Izmailova"라는 이름으로 상연되었으며 1934 년 초연되었습니다. 처음 두 시즌 동안 오페라는 모스크바와 상트 페테르부르크에서 200회 이상 공연되었으며 유럽과 북미 극장에서도 상영되었습니다.
1936년 이오시프 스탈린은 오페라 카테리나 이즈마일로바를 관람했다. Pravda는 "음악 대신 혼란"이라는 제목의 기사를 발표했고 오페라는 "반인"으로 선언되었습니다. 곧 그의 작품 대부분은 오케스트라와 극장의 레퍼토리에서 사라졌습니다. 쇼스타코비치는 가을로 예정된 교향곡 4번 초연을 취소했지만, 계속해서 새로운 작품을 썼다.
1년 후, 교향곡 5번의 초연이 열렸습니다. 스탈린은 이것을 "비즈니스와 같은 창의적인 반응"이라고 불렀습니다. 소비에트 예술가공정한 비판"과 비평가 - 교향곡의 "사회주의 리얼리즘의 예".
쇼스타코비치, 메이어홀드, 마야콥스키, 로드첸코. 사진: doseng.org
드미트리 쇼스타코비치의 피아노 협주곡 1번
쇼스타코비치 심포니 오케스트라의 포스터. 사진: icsanpetersburgo.com
전쟁 첫 달에 Dmitry Shostakovich는 레닌 그라드에있었습니다. 그는 음악원에서 교수로 일했고 자원 봉사 소방대에서 봉사했습니다. 음악원 지붕에서 소이 폭탄을 진압했습니다. 근무 중에 쇼스타코비치는 그의 가장 유명한 교향곡 중 하나인 레닌그라드 교향곡을 썼습니다. 저자는 1941년 12월 말 Kuibyshev에서 대피를 마쳤습니다.
이 일이 어떻게 될지 모르겠습니다. 한가한 평론가들은 아마도 라벨의 볼레로를 모방했다고 나를 비난할 것입니다. 그들이 비난하게 놔두십시오. 그러나 그것이 내가 전쟁을 듣는 방식입니다.
드미트리 쇼스타코비치
이 교향곡은 1942년 3월 Kuibyshev로 대피한 볼쇼이 극장 오케스트라에 의해 초연되었습니다. 며칠 후 작곡은 Moscow House of Unions의 Hall of Columns에서 연주되었습니다.
1942년 8월, 포위된 레닌그라드에서 교향곡 7번이 연주되었습니다. 오케스트라의 이중 구성을 위해 작성된 작곡을 연주하기 위해 음악가들은 전면에서 소환되었습니다. 콘서트는 80 분 동안 지속되었으며 필 하모닉 홀에서 라디오로 음악이 방송되었습니다. 아파트, 거리, 정면에서 들렸습니다.
오케스트라가 무대에 오르자 홀 전체가 일어서고… 프로그램은 교향곡뿐이었다. 레닌그라드 필하모닉의 과밀한 홀에 만연한 분위기를 전달하기는 어렵다. 홀은 군복을 입은 사람들이 지배했습니다. 많은 군인과 장교들이 최전선에서 곧바로 콘서트에 왔습니다.
레닌그라드 라디오 위원회 볼쇼이 심포니 오케스트라 지휘자 칼 엘리아스베르크
레닌그라드 교향곡은 전 세계에 알려지게 되었습니다. 뉴욕에서는 쇼스타코비치를 표지로 한 타임지의 한 호가 나왔습니다. 초상화에서 작곡가는 소방 헬멧을 쓰고 있었고 캡션은 "소방관 쇼스타코비치. 레닌그라드의 폭탄 폭발 속에서 나는 승리의 화음을 들었다. 1942~1943년에 레닌그라드 교향곡은 미국의 여러 콘서트홀에서 60번 이상 연주되었습니다.
드미트리 쇼스타코비치. 사진: cdn.tvc.ru
타임지 표지를 장식한 드미트리 쇼스타코비치
드미트리 쇼스타코비치. 사진 media.tumblr.com
지난 일요일에 미국 전역에서 처음으로 당신의 교향곡이 연주되었습니다. 당신의 음악은 인간 정신과 자유의 보고에 기여하기 위해 싸우고 고통받는 무적의 사람들, 위대하고 자랑스러운 사람들에 대해 세상에 전합니다.
미국 시인 칼 샌드버그, 쇼스타코비치에게 보내는 시적 메시지의 서문에서 발췌
"쇼스타코비치의 시대"
1948년 드미트리 쇼스타코비치, 세르게이 프로코피예프, 아람 하차투리안은 "형식주의", "부르주아 퇴폐", "서방 앞에서 비굴함"으로 고발당했다. Shostakovich는 모스크바 음악원에서 해고되었고 그의 음악은 금지되었습니다.
1948년 음악원에 도착했을 때 게시판에 “D.D. 쇼스타코비치. 교수 자격 불일치로 더 이상 작곡 수업 교수가 아닙니다 ...”이런 굴욕을 경험 한 적이 없습니다.
므스티슬라프 로스트로포비치
1 년 후 금지령이 공식적으로 해제되었고 작곡가는 소련 문화 인물 그룹의 일원으로 미국으로 파견되었습니다. 1950년 드미트리 쇼스타코비치는 라이프치히에서 열린 바흐 콩쿠르의 심사위원이었습니다. 그는 예술에서 영감을 받았다 독일 작곡가: « 음악 천재바흐는 특히 저에게 가깝습니다. 그를 무심히 지나칠 수 없다... 나는 매일 그의 작품 중 하나를 연주한다. 이것이 나의 긴급한 필요이며 바흐의 음악과의 끊임없는 접촉은 나에게 엄청난 양을 제공합니다. 모스크바로 돌아온 후 Shostakovich는 24 개의 전주곡과 푸가라는 새로운 음악주기를 쓰기 시작했습니다.
1957 년 Shostakovich는 1960 년 RSFSR 작곡가 연합 (1960-1968 년-첫 번째 비서) 인 소련 작곡가 연합의 비서가되었습니다. 이 기간 동안 Anna Akhmatova는 작곡가에게 "내가 지구에 살고있는 시대에 Dmitry Dmitrievich Shostakovich에게"라는 헌신과 함께 그녀의 책을 선물했습니다.
1960년대 중반, 오페라 Katerina Izmailova를 포함하여 Dmitri Shostakovich의 1920년대 작곡이 소련 오케스트라와 극장으로 돌아왔습니다. 작곡가는 Guillaume Apollinaire, Rainer Maria Rilke, Wilhelm Küchelbecker의 시에 교향곡 14번을 썼습니다. 여기에서 Shostakovich는 때때로 다른 작곡가의 초기 악보와 멜로디에서 음악적 인용을 사용했습니다.
발레 뿐만 아니라 오페라, 교향곡 작품 Dmitri Shostakovich는 영화 음악을 만들었습니다 - " 단순한 사람들", "Young Guard", "Hamlet", 만화 - "Puppet Dances"및 "The Tale of the Silly Mouse".
Shostakovich의 음악에 대해 말하면서 결코 영화 음악이라고 할 수 없다고 말하고 싶었습니다. 그것은 그 자체로 존재합니다. 무언가와 관련이 있을 수 있습니다. 이것은 삶이나 예술의 어떤 현상에서 영감을 받아 말하는 작가의 내면세계일지도 모른다.
감독 그레고리 코진체프
안에 지난 몇 년작곡가는 평생 동안 중병에 걸렸습니다. 드미트리 쇼스타코비치는 1975년 8월 모스크바에서 사망했다. 그는 Novodevichy 공동 묘지에 묻혔습니다.
D. D. Shostakovich의 이름은 전 세계적으로 알려져 있습니다. 그는 20세기의 가장 위대한 예술가 중 한 명입니다. 그의 음악은 전 세계 모든 국가에서 들리며 다양한 국적의 수백만 명의 사람들이 듣고 사랑합니다.
Dmitry Dmitrievich Shostakovich는 1906년 9월 25일 상트페테르부르크에서 태어났습니다. 화학 엔지니어인 그의 아버지는 Main Chamber of Weights and Measures에서 일했습니다. 어머니는 재능있는 피아니스트였습니다.
아홉 살 때부터 소년은 피아노를 연주하기 시작했습니다. 1919년 가을, 쇼스타코비치는 페트로그라드 음악원에 들어갔다. 졸업 작품 젊은 작곡가교향곡 1번이었다. 처음에는 소련에서, 그다음에는 외국에서 그녀의 놀라운 성공은 젊고 밝은 재능을 가진 음악가의 창의적인 길의 시작을 알 렸습니다.
쇼스타코비치의 작품은 동시대, 20세기의 위대한 사건들과 불가분의 관계에 있습니다. 엄청난 극적 힘과 매혹적인 열정으로 거창한 사회적 갈등을 포착했다. 그의 음악에는 평화와 전쟁, 빛과 어둠, 인간성과 증오의 이미지가 충돌한다.
1941~1942년 군사연도. 폭탄과 포탄의 폭발로 밝혀진 레닌 그라드의 "철의 밤"에서 "모든 것을 정복하는 용기의 교향곡"이라는 일곱 번째 교향곡이 발생합니다. 이곳뿐만 아니라 미국, 프랑스, 영국 등지에서도 공연되었다. 전쟁 기간 동안 이 작품은 파시스트 어둠에 대한 빛의 승리, 히틀러 광신자들의 검은 거짓말에 대한 진실에 대한 믿음을 강화했습니다.
전쟁은 지나갔습니다. Shostakovich는 "숲의 노래"를 씁니다. 진홍색 불의 빛은 평화로운 삶의 새로운 날로 대체됩니다. 이것은이 오라토리오의 음악으로 입증됩니다. 그리고 합창시, 전주곡, 피아노포르테를 위한 푸가, 새로운 4중주, 교향곡이 등장합니다.
Shostakovich의 작품에 반영된 내용은 새로운 것을 요구했습니다. 표현 수단, 새로운 예술적 기법. 그는 이러한 수단과 기술을 찾았습니다. 그의 스타일은 깊은 개인의 독창성과 진정한 혁신으로 구별됩니다. 주목할만한 소비에트 작곡가는 무적의 길을 따라 예술을 풍요롭게하고 가능성을 확장하는 예술가 중 한 명이었습니다.
Shostakovich는 엄청난 수의 작품을 썼습니다. 그중에는 15개의 교향곡, 피아노 협주곡, 바이올린 및 첼로 협주곡, 4중주, 트리오 및 기타 실내악 작품, "유태인 민속 시에서" 보컬 사이클, Leskov의 이야기 "므첸스크 지구의 레이디 맥베스"를 기반으로 한 오페라 "Katerina Izmailova"가 있습니다. ", 발레 , 오페레타 "모스크바, Cheryomushki". 그는 영화 "황금산", "다가온다", "위대한 시민", "총을 든 사나이", "젊은 근위병", "엘베 강에서의 만남", "개파리", "햄릿" 등의 음악을 소유하고 있습니다. 이 노래는 영화 "Oncoming"의 B. Kornilov의 구절에서 널리 알려져 있습니다. "아침은 시원함으로 우리를 만납니다."
Shostakovich는 또한 활동적인 사회 생활과 유익한 교육 작업을 수행했습니다.
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상트페테르부르크 주립대학교
수필주제:
“ 창의성 D.D. 쇼스타코비치”
2011년 상트페테르부르크
안에지휘
Shostakovich Dmitry Dmitrievich (1906-1975) - 우리 시대의 가장 위대한 작곡가 중 한 명, 뛰어난 피아니스트, 교사 및 공인. Shostakovich는 소련 인민 예술가 (1954), 사회주의 노동 영웅 (1966), 소련 국가 상 (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), RSFSR 국가 상 (1974)을 수상했습니다. , 그들에게 상. 시벨리우스 국제상평화 (1954). 세계 여러 나라의 아카데미 및 대학교 명예 회원.
오늘날 쇼스타코비치는 세계에서 가장 많이 연주되는 작곡가 중 한 명입니다. 그의 창작물은 인간 내면의 드라마와 20세기에 닥친 끔찍한 고통의 연대기를 진정으로 표현한 것입니다.
Shostakovich 음악의 장르와 미적 다양성은 엄청납니다. 일반적으로 받아 들여지는 개념을 사용하면 작곡가의 작업에 음조, 무조 및 모달 음악, 모더니즘, 전통주의, 표현주의 및 "웅장한 스타일"의 요소가 얽혀 있습니다.
Shostakovich에 대해 많이 쓰여졌습니다. 그의 거의 모든 작품이 자세히 연구되었고, 음악 장르에 대한 그의 태도가 결정되었으며, 그의 스타일과 삶의 다양한 측면이 탐구되었습니다. 결과적으로 심층 연구에서 세미 타블로이드 간행물에 이르기까지 크고 다양한 문헌이 개발되었습니다.
삽화D.D. 쇼스타코비치
쇼스타코비치 교향곡 작곡가 시
폴란드 출신인 Dmitry Shostakovich는 1906년 9월 12일(25) 상트페테르부르크에서 태어나 1975년 8월 9일 모스크바에서 사망했습니다. 아버지는 화학 엔지니어이자 음악 애호가입니다. 어머니 - 재능있는 피아니스트, 그녀는 피아노 연주의 초기 기술을 제공했습니다. 1919년 사립 음악학교에서 공부한 후 쇼스타코비치는 페트로그라드 음악원 피아노반에 입학했고 나중에 작곡을 공부하기 시작했다. 아직 학생이었을 때 그는 일을 시작했습니다. 그는 "조용한"영화를 상영하는 동안 피아니스트였습니다.
1923년 쇼스타코비치는 음악원을 피아니스트(L.V. Nikolaev 휘하)로, 1925년에는 작곡가로 졸업했습니다. 그의 논문은 First Simony였습니다. 그녀는 가장 큰 사건이되었습니다 음악 생활작가의 세계적인 명성의 시작을 알렸다.
이미 First Symphony에서 저자가 P.I의 전통을 어떻게 이어가는지 볼 수 있습니다. 차이코프스키, N.A. 림스키-코르사코프, M.P. 무소르그스키, 리아도프. 이 모든 것은 자신의 방식으로 신선하게 굴절되는 주요 흐름의 합성으로 나타납니다. 교향곡은 활동성, 역동적인 압력, 예상치 못한 대비로 유명합니다.
이 기간 동안 Shostakovich는 피아니스트로서 콘서트를 열었습니다. 그는 제1회 국제 콩쿠르에서 명예 졸업장을 받았습니다. F. 바르샤바의 쇼팽은 한동안 음악 작곡이나 콘서트 활동을 자신의 직업으로 삼는 선택에 직면했습니다.
첫 번째 교향곡 이후 짧은 기간의 실험이 시작되었고 새로운 탐색이 시작되었습니다. 음악적 수단. 이때 첫 번째 피아노 소나타 (1926), 연극 "Aphorisms"(1927), 두 번째 교향곡 "October"(1927), 세 번째 교향곡 "May Day"(1929)가 등장했습니다.
영화의 등장과 연극 음악( "New Babylon"1929), "Golden Mountains"1931, 공연 "The Bedbug"1929 및 "Hamlet"1932)은 새로운 이미지, 특히 사회적 캐리커처의 형성과 관련이 있습니다. 이것의 연속은 오페라 The Nose (N.V. Gogol 1928 기반)와 N.S. 기반 오페라 Lady Macbeth of the Mtsensk District (Katerina Izmailova)에서 발견되었습니다. 레스코프(1932).
N.S. Leskov는 Shostakovich에 의해 부당한 사회 질서에서 뛰어난 여성 본성의 드라마로 다시 생각되었습니다. 작가는 자신의 오페라를 "비극 풍자"라고 불렀습니다. 그녀의 음악 언어에서 "The Nose"정신의 그로테스크는 러시아 로맨스와 여운의 요소와 결합됩니다. 1934년 이 오페라는 "카테리나 이즈마일로바"라는 제목으로 레닌그라드와 모스크바에서 상연되었다. 그 후 북미와 유럽의 극장에서 여러 차례 초연되었습니다(이 오페라는 (이름이 변경된) 레닌그라드에서 36회, 모스크바에서 94회 공개되었으며 스톡홀름, 프라하, 런던, 취리히 및 코펜하겐에서도 상연되었습니다. 그것은 승리했고 쇼스타코비치는 천재로 축하받았다.)
교향곡 4번(1934), 5번(1937), 6번(1939)은 새로운 무대쇼스타코비치의 작품에서
교향곡 장르를 발전시키면서 동시에 쇼스타코비치는 실내악에 점점 더 중요성을 부여합니다.
맑고 밝고 우아하며 균형 잡힌 첼로와 피아노를 위한 소나타(1934), 현악 4중주 1번(1938), 현악 4중주와 피아노를 위한 5중주(1940)는 음악 인생의 주요 사건으로 등장한다.
교향곡 7번(1941)은 위대한 음악가의 기념비가 되었습니다. 애국 전쟁. 그녀의 아이디어의 연속은 여덟 번째 교향곡이었습니다.
전후 몇 년 동안 Shostakovich는 보컬 장르에 점점 더 많은 관심을 기울였습니다.
언론에서 Shostakovich에 대한 새로운 공격의 물결은 1936 년에 발생한 공격을 훨씬 능가했습니다. 지시에 복종하도록 강요받은 Shostakovich는 "그의 실수를 깨닫고"오라토리오 Song of the Forests (1949), 칸타타 The Sun Shines Over를 전달했습니다. 우리 조국 (1952) , 역사 및 군사 애국적인 내용의 여러 영화를위한 음악 등으로 그의 입장을 부분적으로 완화했습니다. 동시에 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡 1번, 보컬 사이클 "유대인 민속 시에서"(둘 다 1948년)(마지막 사이클은 반유대주의 정책과 전혀 일치하지 않았습니다. 상태), 현악 사중주 N4 및 N5(1949, 1952), 피아노를 위한 "24개의 전주곡 및 푸가" 사이클(1951); 마지막을 제외하고 모두 스탈린이 죽은 후에야 처형되었습니다.
쇼스타코비치의 교향곡은 흥미로운 예일상 장르의 고전적 유산 사용, 대량 노래 (11 번째 교향곡 "1905"(1957), 12 번째 교향곡 "1917"(1961)). L.-V 유산의 지속과 발전. 베토벤은 E. Yevtushenko의 구절에 쓰여진 13 번째 교향곡 (1962)이었습니다. 저자 자신은 그의 교향곡 14번(1969)에서 무소르그스키의 "죽음의 노래와 춤"의 아이디어가 사용되었다고 말했습니다.
중요한 이정표-시 "스테판 라진의 처형"(1964)은 쇼스타코 비치의 작품에서 서사시의 정점이되었습니다.
교향곡 14번은 실내악, 실내악, 교향곡 장르의 성과를 결합했습니다. F. Garcia Loki, T. Appolinaro, V. Kuchelbecker 및 R.M. Rilke는 매우 철학적이고 서정적인 작품을 만들었습니다.
완성 잘 했어교향곡 장르의 발전은 D.D. 쇼스타코비치.
작곡:
오페라-코 오페라 극장), Mtsensk District의 Lady Macbeth (Katerina Izmailova, NS Leskov 이후, Preis와 저자의 대본, 1932, 1934, Leningrad Maly Opera Theatre, Moscow 뮤지컬 극장그들을. 그리고. 네미로비치-단첸코; N.V. 전용 새 에디션 1956. 쇼스타코비치, 1963년 모스크바 뮤지컬 극장. K.S. Stanislavsky와 V.I. Nemirovich-Danchenko), 플레이어 (Gogol에 따르면 완료되지 않음, 콘서트 공연 1978, Leningrad Philharmonic);
발레 - The Golden Age(1930, Leningrad Opera and Ballet Theatre), Bolt(1931, ibid.), Bright Stream(1935, Leningrad Maly Opera Theatre); 뮤지컬 코미디 모스크바, Cheryomushki (V.Z. Mass 및 M.A. Chervinsky의 대본, 1958, 1959 년 모스크바 오페레타 극장에서 상연);
솔리스트, 합창단 및 오케스트라를위한-숲의 오라토리오 노래 (E.Ya. Dolmatovsky의 단어, 1949), cantata Over Our Motherland the sun shines (words by Dolmatovsky, 1952),시-Poem about the Motherland (1947), Stepan Razin의 처형 (E.A. Evtushenko, 1964);
합창단과 오케스트라를 위해 - Hymn to Moscow (1947), Hymn of the RSFSR (S. P. Shchipachev, 1945);
오케스트라-15 교향곡 (No. 1, f-moll op. 10, 1925; No. 2-10 월, A.I. Bezymensky, H-dur op. 14, 1927의 단어에 대한 최종 합창단, No. 3, Pervomaiskaya , 오케스트라와 합창의 경우 S. I. Kirsanov, Es-dur op. 20, 1929; No. 4, c-moll op. 43, 1936; No. 5, d-moll op. 47, 1937; No. 6, h-moll op. 54, 1939, No. 7, C-dur op. 60, 1941, 레닌그라드 시에 헌정, No. 8, c-moll op. 65, 1943, E. A. Mravinsky에 헌정, No. 9 , Es-dur op. 70, 1945; No. 10, e-moll op. 93, 1953; No. 11, 1905, g-moll op. 103, 1957; No. 12-1917, V. I. Lenin, d-moll op. 112, 1961; 13번, b-moll op. 113, E. A. Yevtushenko 작사, 1962년, No. 14, op. 135, F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. Kuchelbecker 작사 및 R. M. Rilke, 1969, B. Britten에게 헌정, No. 15, op. 141, 1971), 교향시 October(op. 131, 1967), 러시아어 및 키르기스어로 된 서곡 민속 테마(op. 115, 1963), Holiday Overture(1954), 2개의 scherzos(op. 1, 1919; op. 7, 1924), Dressel의 Christopher Columbus 서곡(op. 23, 1927), 5개의 단편(op. 42) , 1935), Novorossiysk chimes (1960), 영웅을 기리는 장례 및 개선 전주곡 스탈린그라드 전투(op. 130, 1967), 모음곡 - 오페라 The Nose (op. 15-a, 1928), 발레 음악 The Golden Age (op. 22-a, 1932), 5개의 발레 모음곡 (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931), 영화 악보 Golden Mountains(op. 30-a, 1931), Meeting on the Elbe(op. 80-a, 1949), First Echelon(op. 99-a, 1956) , 음악에서 셰익스피어의 비극 "햄릿"까지(op. 32-a, 1932);
악기와 관현악을 위한 협주곡 - 피아노 2번(c-moll op. 35, 1933; F-dur op. 102, 1957), 바이올린 2번(a-moll op. 77, 1948, D. F. Oistrakh 전용, cis -minor op. 129, 1967, 그에게 헌정), 첼로용 2개(Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966);
윈드 밴드 - 3월 소련 민병대 (1970);
재즈 오케스트라 - 모음곡 (1934);
실내악 앙상블 - 바이올린 및 피아노 소나타용(d-moll op. 134, 1968, D. F. Oistrakh 전용); 비올라와 피아노 소나타(op. 147, 1975); 첼로와 피아노 소나타(d-moll op. 40, 1934, V. L. Kubatsky 전용), 3곡(op. 9, 1923-24); 피아노 트리오 2개(1923년 op. 8; 1944년 I.P. Sollertinsky를 기념하여 op. 67), 현악기 15개, 사중주(No. l, C-dur op. 49, 1938: No. 2, A-dur op. 68 , 1944, V. Ya. Shebalin, No. 3, F-dur op. 73, 1946, Beethoven Quartet, No. 4, D-dur op. 1952, Beethoven Quartet, No. 6, G장조 op. 101, 1956, No. 7, fis-moll op. 108, 1960, N. V. Shostakovich를 기리기 위해, No. 8, c-moll op. 110, 1960, 파시즘과 전쟁의 희생자, 9번, Es-dur op.117, 1964, I. A. Shostakovich에게 헌정, 10번, As-dur op. 118, 1964, M. S. Weinberg에게 헌정, 11번, f-moll op. .122, 1966, V. P. Shiriisky, No. 12, Des-dur op.133, 1968, D. M. Tsyganov 전용, No. 13, b-moll, 1970, V. V. Borisovsky 전용; No. 14, Fis- 142, 1973, S. P. Shirinsky에게 헌정; No. 15, es-moll op. 144, 1974), 피아노 5중주(g-moll op. 57, 1940), 현악 옥텟을 위한 2개의 작품(1924, op. 11) -25);
피아노 - 소나타 2개(C-dur op. 12, 1926; h-moll op. 61, 1942, L.N. Nikolaev 전용), 전주곡 24개(op. 32, 1933), 전주곡 24개 및 푸가(op. 87, 1951) ), 8개의 전주곡(op. 2, 1920), 격언(10개의 소품, op. 13, 1927), 3개의 환상적인 춤(op. 5, 1922), 어린이 수첩(6개의 소품, op. 69, 1945), Puppet Dances (7편, op. 없음, 1952);
피아노 2대용 - 콘체르티노(op. 94, 1953), 모음곡(op. 6, 1922, D. B. Shostakovich를 기리기 위해 헌정);
음성 및 오케스트라 - 2 Krylov의 우화 (op. 4, 1922), 일본 시인의 말에 대한 6 개의 로맨스 (op. 21, 1928-32, N. V. Varzar 전용), 8 영어 및 미국 민요 S. Ya. Marshak이 번역한 R. Burns 등의 텍스트(op. 없음, 1944);
피아노가있는 합창단-인민위원회에 대한 맹세 (V.M. Sayanov, 1942);
아카펠라 합창단 - 러시아 혁명 시인의 가사에 대한 10개의 시(op. 88, 1951), 러시아 민요의 편곡 2개(op. 104, 1957), Loyalty(E.A. Dolmatovsky의 가사에 대한 8개의 발라드, op. 136 , 1970);
음성, 바이올린, 첼로 및 피아노 - A. A. Blok의 가사에 대한 7개의 로맨스(op. 127, 1967); 보컬 사이클 소프라노, 콘트랄토, 피아노와 테너를 위한 유대 민속 시에서 발췌(op. 79, 1948); 피아노의 목소리를 위해 - A.S. Pushkin(op. 46, 1936), W. Raleigh, R. Burns 및 W. Shakespeare의 가사에 대한 6개의 로맨스(op. 62, 1942; 챔버 오케스트라 버전), M.A. Svetlov (op. 72, 1945), M.Yu의 단어에 대한 2 개의 로맨스. Lermontov (op. 84, 1950), E.A. Dolmatovsky (op. 86, 1951), A.S. Pushkin (op. 91, 1952), E.A. Dolmatovsky (op. 98, 1954), 스페인 노래 (op. 100, 1956), S. Cherny의 가사에 대한 5 개의 풍자 (op. 106, 1960), 잡지 "Crocodile"의 단어에 대한 5 개의 로맨스 (op. 121, 1965) , 봄 (Pushkin의 단어, op. 128, 1967), M.I. Tsvetaeva(op. 143, 1973; 실내 오케스트라 변형), Michelangelo Buonarroti의 소네트 모음곡(op. 148, 1974; 실내 오케스트라 변형); Lebyadkin 대위의시 4 개 (F. M. Dostoevsky, op. 146, 1975의 단어);
솔리스트, 합창단 및 피아노 - 러시아 민요 편곡 (1951);
드라마 극장 공연을 위한 음악 - Mayakovsky의 Bedbug(1929, Moscow, V.E. Meyerhold Theatre), Bezymensky의 Shot(1929, Leningrad TRAM), Gorbenko 및 Lvov의 Virgin Land(1930, ibid), " Rule, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid.), Shakespeare's Hamlet (1932, 모스크바, Vakhtangov Theatre), " 휴먼 코미디 Sukhotin, O. Balzac 이후(1934, ibid), Afinogenov's Salute, Spain(1936, Pushkin Leningrad Drama Theatre), 셰익스피어의 King Lear(1941, Leningrad Bolshoi) 연극의 극장그들을. 고리키);
영화 음악 - "New Babylon"(1929), "One"(1931), "Golden Mountains"(1931), "Counter"(1932), "Love and Hate"(1935), "Girlfriends"(1936), 3부작 - Maxim's Youth(1935), Maxim's Return(1937), Vyborg Side(1939), Volochaev Days(1937), Friends(1938), Man with a Gun(1938), "Great Citizen"(2개의 에피소드, 1938-39) ), "Stupid Mouse"(만화, 1939), "Korzinkina의 모험"(1941), "Zoya"(1944), "Ordinary People"(1945), "Pirogov"(1947), "Young Guard"(1948) ), "Michurin"(1949), "Elbe에서의 만남"(1949), "잊을 수 없는 1919"(1952), "Belinsky"(1953), "Unity"(1954), "The Gadfly"(1955), " The First Echelon"(1956), "Hamlet"(1964), "A Year, Like Life"(1966), "King Lear"(1971) 등;
다른 저자의 작품 계측 - M.P. Mussorgsky-오페라 Boris Godunov (1940), Khovanshchina (1959), 보컬 사이클 Songs and Dances of Death (1962); V.I. Fleishman(1943); 호로프 A.A. Davidenko - "At the tenth verst" 및 "The Street is Kart"(합창단 및 오케스트라, 1962).
에 대한사회와D.D. 여오스타코비치
쇼스타코비치는 20세기 음악에 빠르고 영광스럽게 입문했습니다. 그의 첫 교향곡은 단기간에 전 세계의 많은 공연장을 순회하며 새로운 인재의 탄생을 알렸다. 그 후 몇 년 동안 젊은 작곡가는 자신의 아이디어에 굴복하고 극장과 영화의 명령을 이행하고 다양한 예술적 환경에 대한 검색에 감염되고 정치적 참여에 대한 경의를 표하며 성공적으로 그리고 그다지 좋지 않은 방식으로 많은 글을 씁니다. . 그 당시 예술적 급진주의와 정치적 급진주의를 분리하는 것은 상당히 어려웠습니다. 예술의 "산업적 편의성"에 대한 아이디어, 솔직한 반 개인주의 및 "대량"에 대한 호소력을 가진 미래주의는 어떤면에서 볼셰비키 미학과 관련이 있습니다. 따라서 그 당시 매우 인기있는 혁명적 주제로 만들어진 작품의 이중성 (두 번째 및 세 번째 교향곡). 이러한 이중 주소 지정은 당시 일반적으로 일반적이었습니다(예: Mayerhold의 연극 또는 Mayakovsky의 시). 당시의 예술 혁신가들에게는 혁명이 그들의 대담한 탐구 정신과 일치하고 그들에게만 기여할 수 있다고 생각했습니다. 나중에 그들은 혁명에 대한 그들의 믿음이 얼마나 순진했는지 알게 될 것입니다. 그러나 Shostakovich의 첫 번째 주요 작품이 탄생 한 해-교향곡, 오페라 "The Nose", 전주곡-예술적 삶은 실제로 끓고 끓였으며 밝고 혁신적인 사업, 특별한 아이디어, 예술적 경향의 잡다한 혼합의 분위기에서 억제되지 않은 실험을 통해 그는 젊고 강력한 재능의 가장자리를 뛰어 넘는 창의적인 에너지에 대한 응용 프로그램을 찾을 수 있습니다. 그리고 그해 Shostakovich는 삶의 흐름에 완전히 사로 잡혔습니다. 역학은 결코 차분한 명상에 도움이 되지 않았고, 반대로 효과적이고 현대적이며 비 주제적인 예술을 요구했습니다. 그리고 그 당시의 많은 예술가들과 마찬가지로 쇼스타코비치는 한동안 의식적으로 그 시대의 일반적인 톤에 맞춰 음악을 쓰려고 노력했습니다.
쇼스타코비치는 1936년 그의 두 번째(그리고 마지막) 오페라 므첸스크 지구의 레이디 맥베스의 제작과 관련하여 전체주의적 문화 기계로부터 첫 번째 심각한 타격을 받았습니다. 그러한 정치적 분열의 불길한 의미는 1936년에 치명적인 탄압 메커니즘이 이미 그 거대한 범위에서 작동하고 있었다는 사실에 있습니다. 이데올로기 비판은 단 한 가지를 의미했습니다. 당신이 "바리케이드의 반대편"에 있으므로 존재의 반대편에 있거나 "비판의 정의"를 인식하면 생명이 부여됩니다. 자신의 "I"를 포기하는 대가로 Shostakovich는 처음으로 그러한 고통스러운 선택을해야했습니다. 그는 "이해"하고 "인정"했으며, 더욱이 네 번째 교향곡을 초연에서 철회했습니다.
후속 교향곡 (5 번째 및 6 번째)은 공식 선전에 의해 "실현", "수정"의 행위로 해석되었습니다. 실제로 쇼스타코비치는 교향곡의 공식을 새로운 방식으로 사용하여 내용을 위장했습니다. 그럼에도 불구하고 공식 언론은 이러한 글을 지지했다(그리고 지지하지 않을 수 없었다). 그렇지 않으면 볼셰비키당이 비판의 완전한 모순을 인정해야 했기 때문이다.
쇼스타코비치는 7번째 교향곡 "레닌그라드"를 작곡함으로써 전쟁 중 "소비에트 애국자"로서의 명성을 확인했습니다. 세 번째로 (첫 번째와 다섯 번째 이후) 작곡가는 자국뿐만 아니라 성공의 열매를 거두었습니다. 주인으로서의 권위 현대 음악이미 인정받은 것 같았다. 그러나 이것은 1948 년 당국이 볼셰비키 전 연합 공산당 중앙위원회 결의안 "V. Muradeli의 오페라 The Great Friendship에서"발표와 관련하여 정치적 구타와 괴롭힘을당하는 것을 막지는 못했습니다. ". 비판은 거세다. Shostakovich는 이전에 가르쳤던 모스크바와 레닌 그라드 음악원에서 추방되었으며 그의 작품 공연은 금지되었습니다. 그러나 작곡가는 포기하지 않고 작업을 계속했습니다. 스탈린이 사망한 지 5년 후인 1958년에야 이 결정은 공식적으로 잘못된 것으로 인정되었습니다. 그때부터 Shostakovich의 공식 입장이 개선되기 시작했습니다. 그는 인정받는 고전이다 소비에트 음악, 국가는 더 이상 비판하지 않고 자신에게 더 가까워집니다. 외부 웰빙 뒤에는 Shostakovich가 여러 작곡을 썼던 작곡가에 대한 지속적이고 증가하는 압력이있었습니다. RSFSR 작곡가 연합의 지도력으로 간주되는 Shostakovich가이 게시물의 지위에 따라 요구되는 파티에 가입하도록 강요하기 시작했을 때 가장 큰 압력이 가해졌습니다. 그 당시 그러한 행동은 게임 규칙에 대한 찬사로 간주되어 거의 일상적인 현상이 되었습니다. 당원은 순전히 공식적인 성격을 얻었습니다. 그러나 Shostakovich는 고통스럽게 파티에 참여했습니다.
티방사능
20세기 말, 지난 10년의 정점에서 과거에 대한 관점이 열릴 때 쇼스타코비치의 위치는 고전적 전통에 따라 결정됩니다. 양식적 특징이나 신고전주의 회고의 의미가 아니라 음악의 목적을 구성 요소 전체에서 이해하는 깊은 본질에 의해 고전적입니다. 음악적 사고. 작곡가가 작업한 모든 것, 그의 작품을 만드는 것은 그 당시에 얼마나 혁신적으로 보이든 궁극적으로 비엔나 고전주의에 기원을 두고 있으며, 더 광범위하게는 음조-화음 기반과 함께 전체 동음 체계에 기원을 두고 있습니다. , 일련의 전형적인 형태, 장르 구성 및 특이성에 대한 이해. Shostakovich는 현대 유럽 음악의 역사에서 한 시대를 완성했으며 그 시작은 18 세기로 거슬러 올라가며 Bach, Haydn 및 Mozart의 이름과 관련이 있습니다. 이런 의미에서 Shostakovich는 바로크 시대와 관련하여 Bach가 수행 한 것과 동일한 역할을 고전 낭만주의 시대와 관련하여 수행했습니다. 작곡가는 지난 세기 유럽 음악의 발전 과정에서 그의 작품에서 많은 라인을 합성했으며 완전히 다른 방향이 이미 완전히 개발되고 새로운 개념의 음악이 시작되는 시기에 이 마지막 기능을 수행했습니다.
Shostakovich는 소리 형식의 독립적인 게임으로서의 음악에 대한 태도와는 거리가 멀었습니다. 그는 음악이 자기 자신만을 표현할 뿐이라는 스트라빈스키의 의견에 거의 동의할 수 없었습니다. Shostakovich는 그 이전의 위대한 음악 제작자와 마찬가지로 작곡가의 자기 실현 수단을 창작 할 수있는 음악가뿐만 아니라 사람으로도 보았다는 점에서 전통적이었습니다. 그는 주변에서 목격한 끔찍한 현실에서 벗어나지 않았을 뿐만 아니라, 반대로 그것을 경험했다. 자신의 운명전체 세대, 국가 전체의 운명으로.
쇼스타코비치 작품의 언어는 전후 아방가르드 이전에야 형성될 수 있었고, 억양, 선법, 조성, 화성, 박자, 전형적인 형식, 역사적으로 확립된 유럽의 학문적 전통은 그것에 대한 중요성을 완전히 유지합니다. 그리고 이것은 다른 억양, 특별한 유형의 모드, 음조에 대한 새로운 이해, 자체 시스템새로운 방식으로 해석되는 조화, 형식 및 장르, 이미 이러한 수준의 존재 음악적 언어전통에 속하는 것을 말합니다. 동시에 그 당시의 모든 발견은 역사적으로 확립된 언어 체계를 뒤흔들면서 가능성의 직전에 균형을 이루고 있었지만 그에 의해 발전된 범주 안에 남아 있었습니다. 혁신 덕분에 음악 언어의 동음이의 개념은 여전히 소진되지 않은 매장량, 사용되지 않은 기회를 드러내고 그 폭과 발전 전망을 입증했습니다. 20세기 음악 역사의 대부분은 이러한 전망 아래 지나갔고 쇼스타코비치는 의심할 여지 없이 여기에 기여했습니다.
소비에트 교향곡
1935년 겨울, 쇼스타코비치는 2월 4일부터 6일까지 3일 동안 모스크바에서 열린 소비에트 심포니즘에 대한 토론에 참여했습니다. 그것은 젊은 작곡가의 가장 중요한 공연 중 하나였으며 추가 작업의 방향을 설명했습니다. 그는 교향곡 장르 형성 단계에서 문제의 복잡성, 표준 "레시피"로 문제를 해결할 위험, 개별 작품의 장점 과장에 반대하며 특히 교향곡 3 번과 5 번을 비판하면서 솔직하게 강조했습니다. L. K. Knipper "씹는 언어", 스타일의 비참함 및 원시성 . 그는 “... 소비에트 교향곡은 없다. 우리는 겸손해야 하고 우리가 아직 가지고 있지 않다는 것을 인정해야 합니다. 뮤지컬 작품, 우리 삶의 문체, 이데올로기 및 정서적 부분을 반영하고 아름다운 형태로 반영하는 확장 된 형태로 ... 교향곡에서 우리는 새로운 음악적 사고, 소심한 윤곽을 형성하는 경향이 있음을 인정해야합니다 미래 스타일의 ... ".
Shostakovich는 경험과 업적을 인식하도록 촉구했습니다. 소비에트 문학, 가까운 유사한 문제가 이미 M. Gorky 및 기타 단어 마스터의 작업에서 구현을 찾았습니다. Shostakovich에 따르면 음악은 문학보다 뒤떨어져 있습니다.
현대의 발전을 생각하면 예술적 창의성, 그는 서정적-심리적 교향곡을 향한 꾸준한 움직임으로 소련 음악에서 시작된 문학과 음악 과정의 수렴의 징후를 보았습니다.
그에게 교향곡 2번과 3번의 주제와 스타일은 과거의 무대일 뿐만 아니라 자신의 창의력, 뿐만 아니라 소비에트 교향곡 전체에 대해서도 마찬가지입니다. 은유 적으로 일반화 된 스타일은 구식이되었습니다. 상징, 일종의 추상으로서의 인간은 새로운 작품 속에서 개성이 되기 위해 예술 작품을 떠났다. 교향곡에서 합창 에피소드의 단순화 된 텍스트를 사용하지 않고 줄거리에 대한 더 깊은 이해가 강화되었습니다. "순수한"교향곡의 음모에 대한 질문이 제기되었습니다.
그의 최근 교향곡 경험의 한계를 인식한 작곡가는 소련 교향곡의 내용과 양식적 소스를 확장할 것을 주장했습니다. 이를 위해 그는 외국 교향곡 연구에 주목했고, 소련 교향곡과 서양 교향곡의 질적 차이를 규명하기 위한 음악학의 필요성을 주장했다.
말러를 시작으로 동시대인의 내면 세계에 대한 열망을 담아 서정적인 고백 교향곡을 이야기했다. 시련은 계속되었습니다. 쇼스타코비치의 계획에 대해 누구보다 잘 알고 있던 솔러틴스키는 소비에트 교향곡에 대한 토론에서 "우리는 큰 관심을 가지고 쇼스타코비치 교향곡 4번의 등장을 기대하고 있다"고 명확하게 설명했다. Shostakovich가 이전에 썼던 세 개의 교향곡에서. 그러나 교향곡은 아직 초기 단계에 있습니다.”
토론 2개월 후인 1935년 4월 작곡가는 이렇게 발표했습니다.
내가 가진 모든 전자 음악적 소재이 작업은 이제 나에게 거부되었습니다. 교향곡이 다시 쓰여지고 있습니다. 이것은 저에게 매우 어렵고 책임감 있는 작업이기 때문에 먼저 실내악과 기악 스타일로 몇 곡의 작곡을 쓰고 싶습니다.
1935년 여름, 쇼스타코비치는 셀 수 없이 많은 방과 교향곡, 영화 "Girlfriends"의 음악이 포함되었습니다.
같은 해 가을, 그는 어떤 어려움이 그를 기다리고 있더라도 작품을 완성하고 봄에 "일종의 창조적인 일의 신조."
1935년 9월 13일에 교향곡을 쓰기 시작한 그는 연말까지 1악장과 대부분 2악장을 완전히 완성했습니다. 그는 빠르게, 때로는 경련을 일으켜 전체 페이지를 버리고 새 페이지로 교체했습니다. clavier 스케치의 손글씨는 불안정하고 유창합니다. 상상력이 녹음을 추월했고 메모는 펜보다 앞서 종이에 눈사태처럼 흘러갔습니다.
1936년 기사는 그러한 중요한 원칙 문제에 대한 편협하고 일방적인 이해의 원천이 되었습니다. 소비에트 미술, 고전 유산에 대한 태도의 문제, 전통과 혁신의 문제. 뮤지컬 클래식의 전통은 추가 개발의 기초가 아니라 일종의 불변의 표준으로 간주되어 그 이상으로 갈 수 없었습니다. 이러한 접근 방식은 혁신적인 검색을 방해하고 작곡가의 창의적인 주도권을 마비시켰습니다.
이러한 독단적인 태도는 소련의 성장을 막을 수 없었다. 음악 예술, 그러나 그들은 의심할 여지없이 개발을 복잡하게 만들고 많은 충돌을 일으켰으며 추정치에 상당한 편향을 초래했습니다.
당시의 첨예한 논쟁과 논의는 음악 현상에 대한 평가의 충돌과 변화를 증언했다.
교향곡 5번의 오케스트레이션은 4번에 비해 금관악기와 현악기현에 우세함: Largo에는 브라스 그룹이 전혀 없습니다. 음색 하이라이트는 발전의 본질적인 순간에 따라 달라지며, 그 순간을 따르고 그에 따라 결정됩니다. 억누를 수 없는 발레 악보의 관대함에서 쇼스타코비치는 음색의 절약에 눈을 돌렸습니다. 관현악 극작술은 형식의 일반적인 극적 방향에 의해 결정됩니다. 인토내셔널 텐션은 멜로디 릴리프와 오케스트라 프레이밍의 조합으로 만들어집니다. 오케스트라 자체의 구성도 착실하게 정해진다. 다양한 시도(교향곡 4번에서 4번까지)를 거친 Shostakovich는 이제 3번 구성을 고수했습니다. 그는 교향곡 5번에서 정확하게 확립되었습니다. 재료의 모달 구성과 깨지지 않는 오케스트레이션 모두에서 일반적으로 받아 들여지는 구성의 틀 내에서 작곡가는 다양하고 종종 솔로 음성, 피아노 사용으로 인해 음색 가능성을 확장했습니다. 쇼스타코비치는 교향곡 2번, 3번, 4번에서 피아노를 생략하고 다시 5번의 악보에 포함시켰다. 동시에 음색 절단의 중요성뿐만 아니라 큰 음색 층의 교대 인 음색 융합도 증가했습니다. 절정 조각에서는 저음이 없거나 저음 지원이 미미한 (심포니에 그러한 예가 많이 있음) 가장 높은 표현 음역에서 악기를 사용하는 기술이 우세했습니다.
그것의 형태는 순서화, 이전 구현의 체계화, 엄격하게 논리적 기념비의 달성을 표시했습니다.
남아 있고 발전하는 조형의 특징인 교향곡 5번의 전형적인 특징에 주목합시다. 추가 작업쇼스타코비치.
서문 항목의 가치가 증가합니다. 교향곡 4번에서 그것은 거칠고 경련적인 동기였지만 여기서는 성가의 거칠고 장엄한 힘입니다.
첫 번째 부분에서는 박람회의 역할이 제시되고 볼륨과 정서적 무결성이 증가하며 이는 오케스트레이션 (박람회의 현 소리)으로도 시작됩니다. 주요 당사자와 측면 당사자 간의 구조적 경계가 극복됩니다. 박람회와 개발 모두에서 중요한 부분으로 대조되는 것은 그다지 많지 않습니다. 요약은 질적으로 변화하여 주제 개발의 지속과 함께 극작술의 절정으로 변합니다. 때때로 주제는 새로운 비 유적 의미를 획득하여주기의 갈등-극적 특징을 더욱 심화시킵니다.
개발은 코드에서도 멈추지 않습니다. 그리고 여기에서 테마 변형, 테마의 모달 변형, 오케스트레이션을 통한 동적화가 계속됩니다.
5번 교향곡의 피날레에서 저자는 이전 교향곡의 피날레에서처럼 적극적인 갈등을 주지 않았다. 결승전은 쉽습니다. "큰 호흡으로 Shostakovich는 모든 슬픈 경험, 어려운 이전 경로의 모든 비극적 갈등이 사라지는 눈부신 빛으로 우리를 인도합니다"(D. Kabalevsky). 결론은 매우 긍정적으로 들렸습니다. Shostakovich는 "나는 그의 모든 경험을 가진 남자를 내 작업 아이디어의 중심에 두었습니다. 교향곡의 피날레는 첫 부분의 비극적으로 긴장된 순간을 쾌활하고 낙관적 인 방식으로 해결합니다. "라고 설명했습니다.
그러한 결말은 고전적 기원, 고전적 연속성을 강조했다. 그의 lapidarity에서 경향이 가장 분명하게 나타났습니다. 고전적 기반에서 벗어나지 않고 소나타 형식에 대한 자유로운 유형의 해석을 만드는 것입니다.
1937년 여름, 사회주의 10월 대혁명 20주년을 기념하기 위한 10년 간의 소비에트 음악 준비가 시작되었습니다. 교향곡은 10년의 프로그램에 포함되었습니다. 8월에 Fritz Stiedry는 해외로 나갔습니다. 그를 대신한 M. Shteiman은 적절한 수준에서 새로운 복잡한 구성을 제시하지 못했습니다. 처형은 Evgeny Mravinsky에게 맡겨졌습니다. Shostakovich는 그를 거의 알지 못했습니다. Mravinsky는 Shostakovich가 그의 마지막 해였던 1924 년에 음악원에 들어갔습니다. Leningrad와 Moscow에서 Shostakovich의 발레는 A. Gauk, P. Feldt, Y. Fayer가 지휘했으며 교향곡은 N. Malko, A. Gauk가 "연주"했습니다. Mravinsky는 그림자 속에있었습니다. 그의 개성은 천천히 형성되었습니다. 1937 년에 그는 34 세 였지만 필 하모닉 콘솔에는 거의 나타나지 않았습니다. 닫히고 자신의 힘을 의심하면서 이번에는 주저없이 새로운 Shostakovich 교향곡을 대중에게 발표하겠다는 제안을 수락했습니다. 그의 특이한 결단력을 기억하면서 지휘자는 나중에 그것을 심리적으로 설명할 수 없었다.
거의 2년 동안 쇼스타코비치의 음악은 큰 회관. 일부 음악가들은 그녀를 경계했습니다. 의지가 강한 상임지휘자가 없는 오케스트라의 규율은 쇠퇴하고 있었다. Philharmonic의 레퍼토리는 언론의 비판을 받았습니다. 필 하모닉의 리더십이 바뀌 었습니다. 감독이 된 젊은 작곡가 Mikhail Chudaki는 막 사업에 뛰어 들어 I.I. Sollertinsky, 작곡가 및 뮤지컬 공연 청소년.
망설이지 않고 M.I. Chudaki는 활발한 콘서트 활동을 시작한 세 명의 지휘자 E.A. Mravinsky, N.S. Rabinovich와 K.I. 엘리아스버그.
9월 내내 쇼스타코비치는 교향곡의 운명만을 위해 살았다. 영화 "Volochaev days"의 음악 작곡이 뒤로 밀려났습니다. 그는 고용을 이유로 다른 명령을 거부했습니다.
그는 대부분의 시간을 필하모닉에서 보냈습니다. 심포니를 연주했습니다. Mravinsky는 듣고 물었습니다.
교향곡 5번으로 데뷔하겠다는 지휘자의 동의는 작품을 연주하는 과정에서 작가의 도움을 받아 자신의 지식과 경험에 의탁하고자 하는 바람에서 영향을 받았다. 처음에 Shostakovich를 놀라게 한 Mravinsky의 근면 한 방법. “그가 세부 사항을 너무 많이 파고들고 세부 사항에 너무 많은 관심을 기울이는 것 같았고 상처를 줄 것이라고 생각했습니다. 일반 계획, 범용. 모든 전술, 모든 생각에 대해 Mravinsky는 저에게 그에게 발생한 모든 의심에 대한 답을 요구하는 진정한 심문을 만들었습니다.
여결론
D.D. 쇼스타코비치는 콤플렉스의 예술가다. 비극적 운명. 거의 평생 동안 박해를 받았던 그는 자신의 삶에서 가장 중요한 것, 즉 창의성을 위해 트롤링과 박해를 용감하게 견뎌냈습니다. 때때로 정치적 억압의 어려운 상황에서 그는 기동해야했지만 이것 없이는 그의 작업이 전혀 존재하지 않을 것입니다. 그와 함께 시작한 많은 사람들이 죽었고 많은 사람들이 무너졌습니다. 그는 견디고 살아 남았고 모든 것을 견디며 자신의 소명을 깨달았습니다. 오늘날 그가 어떻게 보이고 들리는가 뿐만 아니라 동시대인들에게 그가 어떤 사람이었는지도 중요합니다. 그의 음악 오랜 세월짧은 시간 동안 가슴을 펴고 자유롭게 숨을 쉴 수 있는 배출구였습니다. Shostakovich의 음악 소리는 항상 예술을 축하하는 것만이 아닙니다. 그들은 그것을 듣고 콘서트 홀에서 멀리 가져가는 방법을 알고 있었습니다.
사용 문헌 목록
1. L. Tretyakova "소련 음악의 페이지", M.
2. M. Aranovsky, Shostakovich의 뮤지컬 "Anti-Utopias", 책 "20세기 러시아 음악"의 6장.
3. 켄토바 S.D. 쇼스타코비치. 삶과 일: 모노그래프. 2 권의 책에서 책 1.-L.: Sov. 작곡가, 1985. S. 420.
5. 인터넷 포털 http://peoples.ru/
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각 아티스트는 자신의 시간과 특별한 대화를 진행하지만 이 대화의 성격은 주로 그의 성격 특성에 따라 달라집니다.D. 많은 동시대 사람들과 달리 Shostakovich는 매력없는 현실에 가능한 한 가까워지고 무자비하고 일반화 된 상징적 묘사의 창조를 예술가로서의 삶의 문제이자 의무로 만드는 것을 두려워하지 않았습니다. I. Sollertinsky에 따르면 그의 본성 상 그는 위대한 "비극적 시인"이 될 운명이었습니다.
국내 음악 학자들의 작품에서 반복적으로 언급되었습니다. 높은 온도 Shostakovich의 작품 (M. Aranovsky, T. Leie, M. Sabinina, L. Mazel의 작품)의 충돌. 현실의 예술적 반영의 구성 요소이기 때문에 갈등은 주변 현실 현상에 대한 작곡가의 태도를 표현합니다. L. Berezovchuk은 Shostakovich 음악의 갈등이 문체와 장르의 상호 작용을 통해 종종 나타남을 설득력 있게 보여줍니다. 문제. 15. - L .: 음악, 1977. - S. 95-119 .. 재창조 현대 작품과거의 다양한 음악 스타일과 장르의 징후가 갈등에 연루될 수 있습니다. 작곡가의 의도에 따라 긍정적인 시작의 상징이 되기도 하고 악의 이미지가 되기도 한다. 이것은 20세기 음악에서 "장르를 통한 일반화"(A. Alschwang의 용어)의 변종 중 하나이다. 20 세기 (M. Reger, P. Hindemith, I. Stravinsky, A. Schnittke 및 기타 여러 작품).
M. Aranovsky에 따르면 Shostakovich 음악의 가장 중요한 측면 중 하나는 다음과 같은 예술적 아이디어를 번역하는 다양한 방법의 조합이었습니다.
마치 "직접적인 음악적 연설"처럼 직접적인 감정적으로 열린 진술;
· "심포닉 플롯"의 구성과 관련된 영화 이미지와 관련된 시각적 기술.
· "행동" 및 "대응" 세력의 의인화와 관련된 지정 또는 상징화 방법 Aranovsky M. 시간의 도전과 예술가의 반응 // 음악 아카데미. - M.: 음악, 1997. - 4번. - P.15 - 27..
Shostakovich의 창의적인 방법의 이러한 모든 표현에는 장르에 대한 분명한 의존이 있습니다. 그리고 감정의 직접적인 표현, 시각적 기술 및 상징화 과정에서 주제주의의 명시적 또는 숨겨진 장르 기반은 모든 곳에서 추가적인 의미 론적 부하를 수반합니다.
Shostakovich의 작품은 교향곡, 오페라, 발레, 사중주 등 전통적인 장르가 지배합니다. 주기의 일부에는 종종 장르 지정이 있습니다. 작곡가는 또한 chaconne, sarabande, passacaglia와 같은 여러 고대 장르를 부활시킵니다. Shostakovich의 예술적 사고의 특징은 잘 알려진 장르에 역사적 원형과 항상 일치하지 않는 의미론이 부여된다는 것입니다. 그들은 특정 가치의 운반자 인 원래 모델로 변합니다.
V. Bobrovsky에 따르면, passacaglia는 높은 윤리적 아이디어를 표현하는 목적을 제공합니다. Bobrovsky V. D. Shostakovich의 Sonata-Symphonic Cycles // Music and Modernity에서 Passacaglia 장르 구현 문제 1. -M., 1962.; chaconne과 sarabande의 장르와 마지막 기간의 실내 구성 인 elegies에서도 비슷한 역할을합니다. 종종 Shostakovich의 작품에는 암송 독백이 있는데, 중기에는 극적이거나 한심한 비극적 진술의 목적에 기여하고 후기에는 일반화 된 철학적 의미를 얻습니다.
Shostakovich의 사고의 다 성음은 주제 개발의 질감과 방법뿐만 아니라 푸가 장르의 부활과 전주곡과 푸가의 쓰기주기 전통에서도 자연스럽게 나타났습니다. 더욱이 다 성음 구조는 매우 다른 의미를 가지고 있습니다. 대조적 인 다 성음과 fugato는 종종 살아있는 인간 원칙의 표현 영역 인 긍정적 인 비 유적 영역과 관련이 있습니다. 반 인간은 엄격한 캐논 (7 번째 교향곡의 "침략의 에피소드", 8 번째 교향곡 2 부의 주요 주제 인 1 부 개발 부분) 또는 단순하고 때로는 고의적으로 원시적 인 동성애로 구현됩니다. 양식.
Scherzo는 Shostakovich에 의해 다양한 방식으로 해석됩니다. 이들은 쾌활하고 장난스러운 이미지와 장난감 꼭두각시 이미지입니다. 또한 scherzo는 작곡가가 부정적인 행동력을 구현하는 데 가장 좋아하는 장르이며 주로 그로테스크 한 이미지를 받았습니다. 장르. M. Aranovsky에 따르면 scherzo 어휘는 마스크 방법을 배포하기 위한 비옥한 억양 환경을 만들었으며 그 결과 "... 합리적으로 이해된 것은 비이성적인 것과 기발하게 얽혀 있었고 삶과 부조리 사이의 경계가 완전히 지워졌습니다. " (1, 24 ). 연구원은 이것에서 Zoshchenko 또는 Kharms와의 유사점, 그리고 아마도 작곡가가 오페라 The Nose에 대한 그의 작업에서 밀접하게 접촉하게 된 시학 Gogol의 영향을 봅니다.
B.V. Asafiev는 작곡가의 스타일에 특정한 갤럽 장르를 골라냅니다. 그러나 갤럽 영화, 모든 종류의 모험과 함께하는 마지막 추격전의 갤럽 이 음악에는 불안감, 긴장된 숨가쁨, 뻔뻔스러운 허세가 있지만 전염성이 있고 즐거운 웃음 만 빠져 있습니다.<…>그들은 마치 장애물을 극복하는 것처럼 경련하고 변덕스럽게 떨립니다. "(4, 312 ) 갤럽이나 캉캉은 종종 쇼스타코비치의 "댄스 마카브레스"의 기초가 됩니다 - 원래 죽음의 춤(예: 솔러틴스키를 기리는 트리오 또는 교향곡 8번의 III 부분).
작곡가는 군사 및 스포츠 행진, 일상적인 춤, 도시 서정 음악 등 일상 음악을 광범위하게 사용합니다. 아시다시피 도시의 일상 음악은 주로 "목가적 인 분위기의 보물"(L. Berezovchuk)을이 창의성 영역에서 본 한 세대 이상의 낭만적 인 작곡가에 의해 시화되었습니다. 드문 경우지만 일상적인 장르에 부정적이고 부정적인 의미론이 부여된 경우(예: Berlioz, Liszt, Tchaikovsky의 작품에서) 이것은 항상 의미론적 부하를 증가시키고 음악적 맥락에서 이 에피소드를 분리했습니다. 그러나 19세기에 독특하고 이례적인 것은 쇼스타코비치의 창작 방식의 전형적인 특징이 되었다. 그의 수많은 행진, 왈츠, 폴카, 갤럽, 투 스텝, 캉캉은 가치(윤리적) 중립성을 잃어버렸고, 분명히 부정적인 비유적 영역에 속한다.
L. Berezovchuk L. Berezovchuk. 인용 Op. 이것은 여러 가지 역사적 이유에 의해 설명됩니다. 작곡가의 재능이 형성되는 시기는 소비에트 문화에 매우 어려웠다. 새로운 사회에서 새로운 가치를 창출하는 과정은 가장 모순적인 경향의 충돌을 동반했다. 한편으로는 새로운 표현 방법, 새로운 주제, 플롯입니다. 반면에-20-30 대 평신도를 휩쓸었던 롤리 킹, 히스테리 및 감상적인 음악 제작의 눈사태.
20세기 부르주아 문화의 불가분의 속성인 일상음악은 20세기를 대표하는 예술가들에게 소부르주아적 삶의 방식과 편협함, 영성 결핍의 징후가 된다. 이 영역은 다른 사람들에게 끔찍한 위험으로 성장할 수 있는 원초적인 본능의 영역인 악의 온상으로 인식되었습니다. 따라서 작곡가에게는 악의 개념이 "낮은"일상 장르의 영역과 결합되었습니다. M. Aranovsky가 언급했듯이 "이 쇼스타코비치는 말러의 후계자 역할을 했지만 그의 이상주의는 없었다"(2, 74 ). 시화되고 낭만주의에 의해 고양되는 것은 기괴한 왜곡, 풍자, 조롱의 대상이됩니다.. "도시 연설"에 대한 이러한 태도는 Shostakovich 혼자가 아닙니다. M. Aranovsky는 M. Zoshchenko의 언어와 유사점을 그립니다. 부정적인 문자.. 이것의 예는 "Police Waltz"와 오페라 "Katerina Izmailova"의 대부분의 중단, 7 번째 교향곡의 "Invasion Episode"행진, 8 번째 교향곡 두 번째 부분의 주요 주제 인 주제입니다. 교향곡 5번 2부의 미뉴에트 등.
소위 "장르 합금" 또는 "장르 혼합"은 성숙한 쇼스타코비치의 창작 방법에서 중요한 역할을 하기 시작했습니다. 그의 논문 Sabinina M. Shostakovich의 Sabinina는 교향곡 연주자입니다. -M .: Music, 1976. 교향곡 4번부터 시작하여 외부 이벤트 캡처에서 심리적 상태 표현으로 전환되는 주제 프로세스가 매우 중요해집니다. 하나의 발전 과정에서 일련의 현상을 포착하고 포용하려는 쇼스타코비치의 노력은 전개 과정에서 드러나는 여러 장르의 특징을 하나의 주제로 결합하는 것으로 이어집니다. 이에 대한 예는 교향곡 5번, 7번, 8번 및 기타 작품의 첫 번째 부분의 주요 주제입니다.
따라서 Shostakovich 음악의 장르 모델은 매우 다양합니다. 고대와 현대, 학문과 일상, 명백한 것과 숨겨진 것, 동질적인 것과 혼합 된 것입니다. Shostakovich 스타일의 중요한 특징은 작곡가의 교향곡 개념에서 힘으로 작용하는 가장 중요한 구성 요소 인 선과 악의 윤리적 범주와 특정 장르의 연결입니다.
그의 여덟 번째 교향곡의 예를 사용하여 D. Shostakovich의 음악에서 장르 모델의 의미를 고려하십시오.
(1906-1975).
XX 세기의 위대한 러시아 작곡가. 음악뿐만 아니라 세계 문화의 현상. 그의 음악은 주장에 표현된 그의 시대에 대한 가장 완전한 진실입니다. 작가가 아니라 음악가가 표현합니다. 단어는 제외되고 불명예를 얻었지만 소리는 여전히 무료입니다. 비참한. 시간 - 소비에트 권력의 전체주의적 시간. Prokofiev와 Shostakovich - 2 천재, 음악. 기회는 평등합니다. Prokofiev는 유럽의 천재이고 Shostak입니다. - 소비에트, 그의 시대의 목소리, 그의 민족의 비극의 목소리.
창의성은 다면적입니다. 노래에서 오페라, 교향곡에 이르기까지 그의 시대의 모든 장르와 형식을 망라했습니다. 훌륭한 콘텐츠: 위대한 비극적 사건부터 일상적인 장면까지. 그의 음악은 1인칭 yavl의 고백이다. 그리고 설교. 선과 악의 충돌이라는 주요 주제가 있습니다. 비극적 인식. 양심에 파괴적인 무자비한 시간. 그는 남자를 어떻게 서 있는지 결정했습니다. 다양한 형태의 악. 음악에는 새로운 하모니(카오스, 12음)가 있습니다. 스타일: 음악. XX세기 모든 복잡성과 함께. yavl이 아닌 멜로디카. XX 세기에 주요한 도구 캐릭터가되었습니다.
Shostakovich에는 두 가지 유형이 있습니다.
넓게 퍼지는 멜로디- 5 기호 1h.PP.
깊이있는 멜로디- 5 symph.1h.GP.
넓은 범위, 넓은 간격으로 이동, 파손.
LAD - 2도와 4도가 줄어드는 자체 단조 프리지안 단조. 러시아어에서. 음악 리드미컬 한 자유가 있습니다-잦은 미터 변경. 악의 이미지는 기계적입니다.
폴리포니 - 표현 수단의 중요한 부분인 20세기 최대의 폴리포니 연주자는 폴리포니의 범위를 확장했습니다. 푸가, 푸가토, 캐논, 파사칼리아 - 장례 행렬. Shostakovich는 이 장르를 되살렸습니다. 교향곡, 발레, 영화에서의 푸가.
Shostakovich의 교향곡과 음악에서의 그의 역할. 20세기의 문화. 문제. 캐릭터 특성드라마투르기와 사이클의 구조.
세계 문화의 현상. 교향곡은 Shostakovich를 위대한 러시아인으로 만들었습니다. 도덕적 체력의 모델 인 작곡가. 그는 철학자, 예술가, 시민이었습니다. 교향곡 - 악기. 삶에 대한 그의 이해를 구현하는 드라마.
교향곡 드라마투르기:
1시간- 소나타 형식으로 쓰지만 느린 속도. 작곡가는 행동이 아니라 반성으로 시작합니다. 갈등은 노출과 개발 사이에서 시작됩니다. 클라이맥스는 개발의 끝, 재현의 시작입니다. Reprise inaccurate (Leningrad Symphony).
2시간- 2가지 유형의 스케르초. 1) 전통적인 zhiznerad. 순진한 음악 2) 악 - 풍자, 우울한 환상.
3시간-slow - high pole, 선함, 순결의 이미지, 때때로 passacaglia의 한 형태.
4시간-결말, 영웅적 성격, 그로테스크, 아이러니, 카니발, 덜 자주 서정적 결말.
교향곡 1번 1925년 F단조. 19세에 작곡. 국내외 행사로 4부작. 그녀는 기이하고 이상합니다. 소나타 형식의 1시간. GP - 멋진 행진곡, PP - 왈츠. 음악원이 끝나면 그는 소비에트 생활에 들어갔습니다. 실험 시간. 음악을 썼다. 영화, 연극 제작을 위해 2 개의 교향곡을 썼습니다.
교향곡 2번"10월에 대한 헌신".
교향곡 3번"Pervomaiskaya"-Komsomol 시인의시에 합창단이있는 한 부분. 새로운 세상을 만들어가는 열정, 기쁨이 넘칩니다.
발레 2곡: "황금시대", "볼트"
교향곡
므첸스크 지구의 오페라 레이디 맥베스.성공적으로 공연되었다가 파괴되고 30년 동안 추방되었으며 교향곡 연주가 금지되었습니다. 이것은 Shostakovich의 전환점입니다. 그의 의식은 분열된다.
D. 쇼스타코비치. 교향곡 5번 D단조. 작품의 문제와 갈등 뮤지컬 극작술에서의 공개.
회개의 교향곡, 수정. 동시대 사람들은 "사람이 자신의 결점과 어떻게 싸우고 새로운 삶을 준비하는지에 대해"라고 해석했습니다. 1937년에 작성되었습니다. 날짜는 억압의 절정을 상징하며 진실의 목소리입니다. 잔인한 상황에서 사람이 자신의 영혼을 구하려는 방법에 대해. 그의 가장 고전적인 교향곡. 4성부.
1 시간- 소나타 모데라토. Vst .: 오케스트라의 활기찬 느낌표-양심의 목소리. 전체 교향곡에 걸쳐 실행됩니다. Ch.p. -출구를 찾아 헤매는 생각. P.p.-대비, 팝업. 개발됨 - 포노의 강력한 스톰프. 속도가 빨라지고 주제가 왜곡되어 사람의 삶을 왜곡하려는 시도입니다. 성장하는 파도의 원리에 따라 - 문장에서 마지막 물결사악한 행진. 1시간 종료. 작은 코드이지만 매우 중요합니다. 모든 힘이 사라졌습니다. 코다 - 지친 숨 - 조용하고 투명한 셀레스타. 피로.
2시간- 스케르초 창 열기. 삶의 모든 고난을 잊으려고 합니다. 춤, 행진하는 리듬. 극단적인 부분은 명랑한 일련의 아이러니한 스케치입니다. 중간 부분은 트리오-바이올린 솔로-연약하고 무방비 멜로디입니다.
3시.-largo, 반성으로 돌아갑니다. 전개가 없는 소나타 형식. 자비, 연민, 고통의 이미지. 그의 작품의 정점 중 하나인 고박은 깊고 진정으로 인간적이다. 노래가 생각나네요: sad, sublime ch.p. , p.p.-사람의 외로운 목소리,기도의 억양, 고통. 발전은 없지만 반복됩니다. 음울했던 것이 화를 내고 열정적입니다.
4시간.- 피날레는 교향곡에서 가장 독특하고 씁쓸하며 끔찍한 부분입니다. 그들은 그를 영웅이라고 부릅니다. D단조로 시작하여 D장조로 끝난다. 외부 세계와 사람의 투쟁-그는 그를 분쇄합니다 (심지어 그를 파괴합니다). 트레몰로 브라스 코드로 시작합니다. 팀파니의 박자 소리. 행렬, 군중, 고양이의 이미지. 무서운 힘으로 우리를 옮깁니다.
D. 쇼스타코비치. 교향곡 7번, C-dur, Leningradskaya. 창조의 역사. 프로그래밍 기능. 1부의 뮤즈형 드라마투르기의 특징.
(1941). 자료와 개념이 전쟁 이전에 형성되었기 때문에 매우 빠르게 작성되었습니다. 인간과 비인간의 충돌이다. 첫 공연이 열렸던 Kuibyshev에서 완성되었습니다. 1942년 8월 9일 레닌그라드에서 첫 공연. 이날 독일군은 도시 점령을 계획했다. 점수는 비행기로 전달되었고 K. Iliasberg는 지휘자였으며 오케스트라에는 가장 평범한 생존자들이 포함되었습니다. 교향곡은 즉시 세계적으로 유명해졌고 인간 용기의 상징이 되었습니다. 교향곡에는 가장 유명하고 완벽한 1h의 4 부분이 있습니다. 각 부분의 이름이 고안되었지만 제거되었습니다.
1 시간– 소나타 Ph. 개발 대신 - 새로운 에피소드와 크게 수정된 재현. 박람회- 평화롭고 합리적인 인간생활의 이미지 삽화- 침략, 전쟁, 악; 재현부- 망가진 세상. GP - C 장조, 행진, 노래; PP - 소금 - 주요 서정적, 조용하고 온화하며 마음의 평화, 행복의 이미지; 에피소드 - 나는 이것이 다른 삶이라는 것을 강조하고 싶었고, 따라서 악을 상징하는 소프라노 오스티나토의 형태로 새로운 소재로 에피소드를 구성했습니다. 리듬은 변하지 않습니다. 다른 조에서 편차가 없는 E-플랫 장조. 주제는 바보, 악, 변화 없음입니다. 테마 및 11개의 변형. 이들은 음색 변형으로, 각 변형에서 테마는 마치 얼굴이없는 것에서 포화 상태가되는 것처럼 새로운 음영을 얻습니다. 각 변형에서 그녀는 더 무서워지고 어떤 저항도 만나지 않습니다. 마지막 변형에서만 그녀는 장애물을 만나 전투에 들어갑니다. 파괴가 있다. Reprise - 망가진 삶에 대한 레퀴엠. GP - C 단조, PP - 무덤 애도. 바순 솔로. 각 막대는 ¾-13/4에서 미터를 변경합니다. 모든 테마가 완전히 변경되었습니다. 파트는 30분 동안 진행됩니다.
D. 쇼스타코비치. 교향곡 9번 Es-dur. 문제, 구조 및 음악. 극 법.
(1945). 교향곡은 승리의 찬가가 될 것으로 예상되었습니다. 그러나 그녀는 당황하게 만들었고 인식되지 않았습니다. 교향곡은 기만적입니다. 짧게, 20분. 깊고 숨겨져 있습니다. 처음에만 음악의 가벼움과 경박함.
1 시간- 소나타 알레그로. GP는 경쾌하고 장난스러운 노래이고 PP는 장난스럽고 장난스러운 노래입니다.
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(3,4,5시간 쉬지 않고 갑니다)
3시.- 프레스토. 영웅적인 스케르초. 인생을 달리는 느낌. Sereina - 트럼펫 솔로 - 위대하고 아름다운 부름.
4시간. -- 라르고. 4 트롬본(운명의 악기). 운명과 인간의 목소리(바순의 목소리)가 들려오는 주제가 나온다. 살아남기 위해서는 "마스크를 쓰는" 척을 해야 합니다.
5시. - 빠른 엔딩. 다른 사람의 "마스크"가 있는 음악이지만 생명을 구했습니다.
이 교향곡으로 Šrstakovich는 몇 년 안에 그에게 일어날 일을 예측했습니다. 이 교향곡 이후 암울한 시기가 시작되어 모든 음악이 박살나고 9번 이후의 교향곡은 8년 동안 작곡되지 않았습니다.
