먼 곳을 들여다보는 일본 미술. 공예소녀
히메지는 일본에서 가장 오래된 성 중 하나입니다.
고대 일본 미술
일본 문화는 특별한 자연 및 역사적 조건에서 형성되고 발전했습니다. 일본은 바다로 씻겨진 크고 작은 4개의 섬에 위치하고 있습니다. 그녀는 동쪽 끝자락에 있었기 때문에 중국과 한국과 같은 본토 문화의 영향력이 주기적으로 증가했다가 다시 사라지는 것을 경험했습니다. 외부 세계와의 교류 기간은 일본 역사에서 오랜 세기에 걸친 문화적 고립(10~14세기 및 17~19세기 중반)으로 대체되었습니다. 후자의 상황은 많은 고유 기능의 개발 및 통합에 기여했습니다. 일본 문화일반적으로 그리고 특히 예술. 서양 문화에 대한 지식은 원래 일본 문명의 주요 특징이 이미 형성되었던 16 세기에 일어났습니다. 1854년까지 일본은 단 하나의 항구를 통해 중국 및 네덜란드와 교역했습니다.
사냥꾼과 어부 등 일본 섬의 고대 주민으로부터 고고학 발굴의 결과로 발견된 돌도끼, 작살, 화살촉, 손으로 조각한 도자기 그릇이 나왔습니다. 따라서 일본의 신석기 문화를 조몬이라고도 한다. 시베리아, 폴리네시아, 이후 한국과 중국에서 도착한 정착민들은 서로 다른 수준에 서 있었습니다. 문화 발전. 이는 신석기 시대와 청동기 시대의 기념물이 일부 문화 층에서 발견된다는 사실을 설명합니다. 일본어는 Altaic 그룹의 언어에 가깝습니다. 와의 접촉으로 인한 경우 중국 문화아, 일본인은 중국어 상형 문자에 대해 알게 되었지만 중국어 상형 문자를 일본어 음성으로 전달하기 위해 적용하는 것이 매우 어려운 것으로 판명되었습니다.
신뢰할 수있는 데이터가 보존 된 일본 문화의 초기 기간을 고분 (고분) 시대라고합니다. 매장지의 땅 부분은 특징적인 모양의 흙으로 된 마운드였습니다. 원과 사다리꼴의 조합은 열쇠 구멍과 비슷하며 흙과 물의 결합을 상징합니다. 그들은 상당한 크기 였고 물이있는 이중 도랑으로 둘러싸여 있었고 마운드 위로 풀이 자랐으며 마운드의 내부 둘레를 따라 30cm에서 1.5m 높이의 사람, 동물, 보트 모델 및 집의 속이 빈 점토 인물이있었습니다. 그들은 "하니와"라고 불 렸습니다. 매장 실 안에는 귀족의 죽은 대표자들이있는 관이 있었는데, 거기에는 의식 물건이 놓여있었습니다. 거울, 동탁 종, 그 소리는 악령을 겁주고 경운기의 후원자 인 신을 끌어들이는 것으로 여겨졌습니다. 야마토 왕의 매장에는 항상 옥 펜던트와 검과 같은 권력의 의식적 상징이 포함되어 있습니다. 야마토 일족의 왕을 높이기 위해 역사의 시작을 정하고 신의 위계를 정하고 신 아마테라스("하늘에서 빛나는")를 뽑아 권력을 이양했습니다. 일본 열도야마토 일족의 왕. "떠오르는 태양의 땅"을 의미하는 "Nippon" 또는 "Nihon"이라는 이름은 7세기에 등장했습니다. 608년에 중국 유학이 시작되어 2세기 이상 계속되었습니다.
Dotaku-의식 청동 종-상단까지 좁아진 실린더, 둥근 선반이있는 넓은 고리로 얹혀 있으며 벽은 그래픽 이미지로 채워진 사각형으로 나뉩니다.
원시적 애니미즘과 물신숭배의 특징이 많은 일본인의 이질적인 신앙이 신도에 반영되어 있다. 신도("신의 길")는 본질적으로 자연의 보편적인 영성에 대한 일본의 생각을 반영합니다. 비와코 호수와 후지산과 같은 기적적인 풍경 물체와 사람이 만든 물건 (검, 거울)에는 수많은 소위 "카미"(정령)가 존재합니다. 마법의 속성. 신사는 목조 구조의 단순함으로 구별되었습니다. 단일 홀 방은 죽마 위에 놓여 있고 사방이 베란다로 둘러싸여 있습니다. 신사 내부는 어두컴컴하고 텅 비어 있었다. 신자들은 성전에 들어가지 않았습니다.
파라 시대(645-794 AD)
나라는 당시 일본 최초의 수도이자 유일한 도시의 이름입니다. 이것은 일본 국가 수립, 불교 도입 및 불교 예술 기념물 (사원, 탑, 다양한 불상)의 생성시기였습니다. 이 기간 동안의 불교는 법원 정책의 연속만큼 사람들의 믿음이 아니 었습니다. 다양한 불교 종파가 궁정에서 매우 중요한 역할을 했고, 불교 사원의 토지 보유가 증가했으며, 승려들은 궁정에서 큰 영향력을 행사했습니다. 직사각형 벽으로 둘러싸인 지역에 위치한 목조 건물 그룹 인 불교 사원이 나타납니다. 특히 중요한 것은 정문으로 이어지는 넓은 골목과 사찰 앞 광장, 멀리서도 보이는 다층탑이었다. 목조 사원은 붉은 옻칠로 칠하고 돌 기초 위에 올려졌으며 넓은 곡선 이중 지붕-irimoya가 있습니다.
초기 불교 사원 중에는 Asukadera, Horyuji가 있으며 후자의 건설은 당시 통치하는 황태자 Shotoku Taishi의 요청에 따라 607 년에 시작되었습니다. 수도원은 90,000m2의 면적에 위치한 53개의 건물로 구성되었습니다. 사원의 정면은 남쪽을 향하고 주요 건물은 남북 축에 위치하고 신성한 구역은 북쪽에 있으며 코도, 콘도 및 오층탑과 같은 설교 홀이 있습니다. Horyuji에는 265 개의 동상이 있었고 주요 조각 이미지는 두 명의 보살과 함께 신조 창시자의 조각으로 대표되는 석가모니의 삼위 일체였습니다. 8세기 큰 수도원에는 이미 조각가들의 작업장이 있었다. 관세음보살 숭배가 확산되었는데, 그 이름은 산스크리트어 Avalokiteshvara(세상의 소리에 대한 주의)를 번역한 것입니다. 중생에 대한 연민으로 가득 찬 보살은 고통받는 사람들이 어디에 있든 그들의 소리를 들을 수 있습니다. Avalokiteshvara 숭배는 인도 북서부에서 시작되어 중국으로 퍼졌습니다. 법화경에서 보살은 그를 부르는 존재의 형상을 취했다고 합니다. 일본에서는 관음 숭배의 확산으로 그녀의 이미지가 많이 등장했습니다. 지옥에서 돕는 성자 관음, 말 머리가있는 관음은 소에게 자비를 퍼 뜨리고 악령-아수라는 천 팔 관음에 의해 구해지며 어촌 숲이있는 관음은 사람을 구합니다.
헤이안 시대(794-1185)
794년에 수도를 헤이안(지금의 교토)으로 옮겼다. 헤이안 시대에는 세련된 궁중 문화가 번성했습니다. 일본어 음절이 만들어졌습니다-가나 (jap.-빌린 상형 문자). 처음에는 여성만 이 문자를 사용했지만 공식 문자는 계속 중국어였습니다. X 세기 동안. 여성의 글은 개인 연습에 사용되기 시작했습니다. XI 세기에. 일본 고전 문학의 전성기가 시작되었습니다. 그 좋은 예는 궁녀 Murasaki Shikibu가 만든 소설 "겐지 모노 가타리"입니다.
헤이안 예술에서 주요 장소는 모든 생명체가 부처의 본질을 가지고 있다고 가르친 당시 중국에서 온 밀교 종파 천태종과 진곤의 불상이 차지하고 있습니다. 정신과 육체를 단련하고 서원을 이행함으로써 누구나 몇 번의 환생 과정에서 부처의 정수를 얻을 수 있습니다. 이 종파의 사원은 산 꼭대기와 바위 선반에 지어졌으며 그 안의 예배당은 두 부분으로 나뉩니다. 신성한 이미지가있는 내부에는 일반 신자가 허용되지 않았습니다.
헤이안 시대는 지배층의 사치의 시대입니다. 이때 shinden 주거 유형이 형성되었습니다. 따뜻한 기후의 벽과 조건은 자본이 아니었고 기준 가치가 없었습니다. 매우 쉽게 분리할 수 있고, 추운 날씨에 더 내구성이 뛰어난 것으로 교체하거나 따뜻한 날씨에 완전히 제거할 수 있습니다. 창문도 없었다. 유리 대신 흰 종이를 격자 틀 위에 펼쳐서 희미하게 확산된 빛이 방안으로 들어오게 했다. 지붕의 넓은 처마 장식은 습기와 햇빛으로부터 벽을 보호했습니다. 내부, 영구 가구가없고 슬라이딩 칸막이 벽이있어 홀이나 여러 개의 작은 격리 된 방을 마음대로 만들 수 있었기 때문에 바닥은 같은 크기 (180 x 90cm)의 짚 매트-다다미로 덮여있었습니다.
유교와 불교 문헌은 헤이안 시대에 중국에서 들여왔습니다. 종종 그들은 이미지로 장식되었습니다. 처음에 일본 예술가들은 중국의 "유명한 장소"를 복사했지만 10세기부터 시작되었습니다. 풍경과 관습의 이미지로 전환 본국. 일본의 시, 단편소설, 소설 등을 주제로 하여 중국화와 다른 "야마토에" 그림을 디자인하였습니다. 민속 전설. 이 그림은 일본의 국가가 형성된 혼슈 섬의 남서부 지역 인 야마토 지역의 이름에서 이름을 따 왔습니다.
이미지는 종종 해당 텍스트가 있는 삽화의 두루마리를 나타내며, 손으로 잡고 오른쪽에서 왼쪽으로 회전하면서 해당 섹션을 읽으면서 그 뒤에 오는 그림을 고려했습니다.
야마토에 그림은 헤이안 시대 후기에 절정을 이루었습니다. 이때 스크린, 슬라이딩 파티션 (쇼지) 및 두루마리-emakimono에 세속적 인 주제에 그림을 그리는 전문 예술가가 나타났습니다. 가장 오래된 두루마리는 Genji Monogatari입니다. Emakimano 두루마리는 그림 이야기였습니다. Murasaki Shikibu의 유명한 소설 "Genji-monogatari-emaki"의 두루마리는 오늘날까지 살아 남았으며 귀족의 나태한 삶을 선명한 색상으로 묘사했으며 서예, 문학 및 그림의 종합입니다. 소설의 54개 챕터 중 살아남은 19개 챕터에는 삽화에 단일 플롯과 액션이 없습니다. 묘사 된 장면의 대부분은 실내에서 이루어지며 보이는 모든 것이 위에서 표시되며 단일 소실점이 없으며 인물과 건축물의 대규모 대응이 있으며 모든 캐릭터의 얼굴은 동일하며 헤어 스타일과 옷만 다릅니다. 작가의 관심의 주요 주제는 모두에게 잘 알려진 소설에서 일어나는 사건의 감정적 내용을 전달하는 것입니다. 주요 기술은 공간 구성과 색상 가능성의 사용입니다. 캐릭터의 내부 상태와 각 장면의 분위기를 전달하기 위해 두루마리의 아래쪽 가장자리와 관련하여 대각선이 향하는 각도가 아티스트에게 중요합니다. 이는 구조물의 빔이나 커튼의 처마 장식 또는 베란다의 가장자리를 나타냅니다. 정서적 긴장 정도에 따라 이 각도는 30도에서 54도까지 다양합니다.
Bodhisattva - Kannon은 주로 여성의 형태로 주전자, 버드 나무 가지 및 올가미를 들고 중국, 한국 및 일본에 나타납니다.
귀족의 집에는 칸막이가 없었고 스크린과 커튼에 최고의 아티스트야마토에의 그림을 그렸습니다. 야마토에 그림은 문학 작품, 스크린과 커튼에도 배치되었습니다. X-XIII 세기의 시집에서. 9-10세기의 스크린에 쓰여진 구절은 드문 일이 아닙니다. 그러한 시의 가장 많은 수는 선집 "Sui-shu"에 포함되어 있습니다. 시가 사계절에 관한 것인 것처럼 화면을 위한 그림도 마찬가지였습니다. 민요와 함께 일정한 시적 공식 체계가 발전하여 일본 고전 시학의 기초가 되었다. 그래서 봄의 징조는 안개 낀 연무, 버드 나무, 여름의 징조-뻐꾸기, 매미, 가을-주홍 단풍, 사슴, 달, 겨울-눈과 매화였습니다.
교토는 일본의 고대 보석입니다.
언어의 풍부한 동음이의어는 구절에 많은 의미를 부여할 수 있게 했습니다. 주제와 줄거리는 세부 사항이나 힌트를 통해 매우 간결한 시적 형식(단카당 31음절)으로 감정 상태의 모든 음영의 다양성을 표현할 수 있도록 했습니다. 텍스트가 있는 화면에서 텍스트가 없는 화면으로 점진적으로 전환되었습니다. 이것이 실제 화보 장르 세분화가 발전한 방식입니다. 메이세에(“유명한 장소의 사진”).
그러한 그림의 구성은 중국화의 어떤 범주에도 해당하지 않습니다. 자연과 인간의 가장 큰 융합은 일본의 다양한 예술 장르의 특징이 될 것입니다.
가마쿠라 시대(1185-1333) 및 무로마치 시대(1333-1568)
12 세기 말에 수도가 다시 옮겨졌고 피비린내 나는 내전의 결과로 나라의 권력이 미나모토 일족에 의해 점령되었습니다. 그의 머리는 수도를 가마쿠라로 옮겼습니다. 사무라이의 군사 계급이 나라에서 권력을 잡았으며 그 중 쇼군이 나왔습니다. 일본의 실제 군사 통치자 인 나라에 남아 있던 황제는 명목상의 권력 속성 만 유지했습니다. 사무라이 궁정 문화의 세련미는 단순함을 선호했습니다. 선종의 수도원에는 더 이상 탑이 없었고 사원은 시골 오두막과 비슷했습니다. XIII 세기 말부터. 선종의 범신론 사상의 영향으로 풍경은 모든 풍경 대상에 불교 신의 존재에 대한 생각을 구현하기 시작했습니다. 가마쿠라 수도원에서는 민스크 총대주교 초상화의 도상학이 개발되었습니다. 선종(禪宗)의 영향으로 조각은 뒷전으로 밀려나고 그림, 특히 풍경화는 이 시대 사람들의 태도를 표현한다.
무로마치 시대는 1333년 혼슈 남동부의 봉건 영주가 가마쿠라를 점령하고 불태워 수도를 헤이안으로 되돌린 사건으로 시작됩니다. 봉건 씨족의 내부 투쟁과 전쟁의 시대였습니다. 고난의 시대를 이끈 것은 자연과의 합일을 이루면 삶의 고난을 받아들이고 세상과의 합일을 이룰 수 있다는 선종 신도들의 가르침이었습니다. 1위 일본 미술부처의 "몸"이 자연이라는 선의 가르침의 영향으로 풍경화가 대두되었습니다. XII 세기 후반. 중국에서 일본으로 침투한 검정 잉크로 그림을 그립니다. 주로 그러한 그림을 그린 일본인은 선종의 일원이었습니다. 그들은 새로운 신조(shigaku - 그림과 시의 결합)를 설명하는 새로운 스타일을 만들었습니다. 15세기와 16세기 - 수묵화의 전성기, 그 대표 거장은 셋슈 도요(1420~1506). 이 스타일과 병행하여 야마토에 스타일도 존재했습니다.
군계급을 전면에 내세운 사회정치적 관계의 변화도 16세기에 등장하게 되었다. 건축 양식"세인". 집의 이전 단일 볼륨은 이제 미닫이 문(shoji), 미닫이 칸막이(fusuma)의 도움으로 분할됩니다. 방에는 수업을위한 특별한 장소가 나타났습니다. 책을위한 선반과 넓은 창틀이있는 창문과 기발한 모양의 꽃다발이나 돌이 놓여 있고 수직 두루마리가 매달린 틈새 (tokonoma)가 있습니다.
XVI 세기에. 일본 건축사에서 차관은 다도의 올바른 수행의 필요성과 관련하여 등장합니다. 차는 가마쿠라 시대에 불교 승려들에 의해 물약으로 일본에 전해졌습니다. 차 의식(차노유)은 선승 무라타 슈코의 주도로 도입되었으며 이를 구현하기 위한 특별한 방법이 필요했습니다. 그래서 일어났다 새로운 유형건축 구조-chashitsu (다도를위한 파빌리온), 건설적인 기반은 주거용 건물에 가깝고 기능면에서 불교 사원에 가깝습니다. 차관의 지지대는 나무로 되어 있었고 천장은 대나무나 갈대로 마감되었다. 매트가 늘어선 오두막, 어도비 벽이있는 1.5 또는 2 개의 다다미, 다양한 수준의 작은 창문, 매달린 단색 풍경이있는 토코 노마 틈새, 꽃병에 꽃, 난로,기구 선반이있었습니다.
무로마치 시대에는 원예 기술이 번창했습니다. 일본 정원은 다릅니다. 작은 정원은 대부분 사원에 있거나 전통 가옥과 관련되어 있으며 볼 수 있도록 설계되었습니다. 대형 조경 정원은 내부에서 인식되도록 설계되었습니다.
콘도 - (jap. 황금 홀) - 본당성상, 조각상, 벽화가 있는 불교 단지
선종 정원은 단색 산수 두루마리 원칙에 따라 지어졌습니다. 작가는 종이 한 장 대신 자갈로 덮인 넓은 호수나 플랫폼을 사용했고, 반점과 유실물 대신 덤불은 돌, 이끼, 나무 잎과 관목을 사용했습니다. 점차적으로 정원에서 꽃이 사라지고 이끼와 관목으로 대체되었으며 다리 대신 돌이 사용되기 시작했습니다. 일부 정원은 풍경, 구릉지(츠키야마)였습니다. Tsukiyama 정원은 바위, 이끼, 나무, 연못과 같은 자연 요소의 조합으로 해안에 의무적인 파빌리온이 있습니다. 가장 오래된 조경 정원은 교토에 있으며 소호지 수도원에 속합니다. 마른 정원은 "hiraniva"라고 불 렸습니다. 평평한. Hiraniva는 시청자에게 발전된 상상력을 요구했기 때문에 "철학적"정원입니다. 히라니와 정원은 “돌, 모래, 자갈이 남아 있었습니다. 정원을 둘러싼 벽으로 삼면이 폐쇄된 이 정원은 명상을 위한 용도로만 사용되었습니다. XV 세기 말에. Ryoanji 수도원에서 가장 유명한 마른 정원 중 하나를 만들었습니다. 그것은 직사각형 자갈 지역에 위치한 15개의 돌을 포함합니다. 1509년에 조성된 다이토쿠지 사원의 히라니와 정원에서는 자연이 돌과 자갈의 구성으로 표현됩니다. 정원의 한 부분은 "공허의 바다"라고 불렸고 직사각형 영역 중앙에 두 개의 낮은 자갈 언덕으로 구성되어 있습니다. 정원은 서로를 보완할 수 있습니다.
XV 세기 말에. 장식 그림 Kano의 법원 학교가 형성되었습니다. 학교 설립자 Kano Masanobu(1434-1530)는 군대 출신으로 인정받는 궁정 전문 예술가가 되었습니다. 그의 풍경화에는 전경만 있었고 나머지는 모두 안개로 뒤덮였습니다. 이미지의 특정 주제에 대한 강조는 Kano 학교의 특징이 될 것입니다. Kano 학교 예술가들의 작업에서 주요 장소는 장르 그림이있는 장식용 벽화와 스크린이 차지했습니다. 벽화는 건축적 형태와의 통합의 주요 구성요소이자 건축 공간의 조형적 의미에 영향을 미치는 수단이 되었다. 차례로 건축 양식의 특징은 그림의 특정 문체 특성을 요구했기 때문에 새로운 문체 캐논이 점차 형성되어 19 세기까지 일본 회화에서 보존되었습니다.
신덴은 주거용 건물의 일종입니다. 평면도가 직사각형인 단일 홀 본관은 남쪽 정면이 있는 광장을 향하고 있으며 동쪽과 서쪽의 갤러리로 둘러싸여 있습니다.
모모야마 시대(1X73-1614)
그리고 이번에는 봉건 전쟁의 시대가 끝나고 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이야에스 등 연속적인 군사 독재자에게 국가의 권력이 넘어갔습니다. 도시 성장, 문화의 세속화와 민주화, 새로운 가치 지향의 침투의 시대였습니다. 컬트 건축은 이전의 의미를 잃었습니다. 일본의 새로운 통치자는 웅장한 성을 건설하여 권력을 선언했으며, 그 건설은 일본의 총기 출현과 이에 따른 전투 및 방어 전술의 변화로 인해 발생했습니다. 성은 근본적으로 새로운 유형의 일본 건축이되었습니다. 해자와 경비 및 모퉁이 탑으로 둘러싸인 비대칭으로 위치한 성의 영토에는 중앙 광장과 많은 안뜰과 방, 지하 대피소 및 통로가 포함되었습니다. 거처는 사회적 계층을 반영하여 내부 공간의 엄격한 계층 구조로 성의 영토에 위치한 목조 건물에 위치했습니다. 황혼에 잠긴 성의 내부는 황금색 배경에 밝은 색상으로 채워진 웅장한 크기의 장식용 벽화에 가장 적합했습니다.
가노 에이토쿠(1543-1590). 군사 독재자를 미화하기 위해 고안된 새로운 스타일의 벽화를 만든 사람. 그는 먼저 큰 수평면에 단일 구성의 원리를 개발하여 형태를 확대하고 포기했습니다. 작은 부품실루엣뿐만 아니라 형태의 역동성을 전달합니다. Eitoku는 장식적인 특성을 향상시키기 위해 그림의 평탄도를 높이려는 욕구가 특징입니다. 그래서 빈 공간을 상징하는 곳에는 금가루가 섞인 반점이 있다. 구도의 공간은 깊이가 아니라 시선을 따라 펼쳐진다.
1576년, 독재자 오다 노부나가의 권력을 과시하기 위해 비와코 호숫가에 거대한 7층 탑이 있는 이전에 본 적이 없는 성이 세워졌습니다. 성의 특징은 공식실뿐만 아니라 개인실도 있다는 것입니다. 방의 주요 장식은 벽화로, 많은 조수들과 함께 3년 동안 작업한 Kano Eitoku에게 의뢰되었습니다. 명령의 집행으로 독재자에 의해 서둘렀던 Kano Eitoku는 간결한 예술적 언어에 의지하여 볏짚으로 만든 두꺼운 붓을 사용하여 형태를 확대하기 시작했습니다. 주요 장소는 나무, 꽃, 새 및 동물의 이미지가 차지했습니다. 색 구성표가 밝고 색상 뉘앙스가 없었습니다.
도쿠가와 쇼군이 권력을 잡은 후 국가의 사회적 상황의 변화로 인해 성 건설이 금지되었습니다.
XVII 세기의 1/3 예술가들의 작품에서. 새로운 특성이 이어지기 시작합니다. 회화에서는 균형 잡힌 차분한 구성에 대한 열망, 장식적인 형태의 성장, 헤이안 시대 문화에 대한 관심, 야마토에 작품에 대한 관심이 더욱 두드러졌습니다. 이 시기 가노파의 특징은 장식성과 장식성을 높인 것이다. XVII 세기의 2/4 분기에 언제. 성 건설이 금지되었고 스크린이 장식 그림의 주요 형태가되었습니다. Kano Eitoku의 기념비는 장식 그림을 남겼습니다. 예술은 문체 특성에 영향을 미치는 개인 색상을 획득했습니다. 장식적인 회화 XVII V. 부족 귀족과 떠오르는 부르주아 엘리트의 닥스훈트의 관심 범위를 반영하여 고전 문학의 영웅과 주제에서 가장 자주 영감을 받았습니다. 옛 수도인 교토에서 발달한 장식화.
Ogata Korin은 도시 거주자, 상인 및 장인과 같은 새로운 예술 소비자의 취향을 대변하는 대변인이되었습니다. 새 대표카노 학교.
Emakimano는 끝에 나무 롤러가있는 비단 테두리가있는 프레임에 붙여진 종이 또는 실크로 만든 수평 두루마리입니다.
Ogata Korin(1658-1716)은 부유한 갈퀴처럼 살았고, 끊임없이 "재미있는 지역"을 방문했습니다. 폐허가 된 후에야 생계를 꾸려야 하는 절박한 필요성에 직면한 그는 직물과 그림을 그리기 시작했습니다. 오가타 고린은 도자기와 칠기, 채색 기모노와 부채를 모두 다루었습니다. 어떻게
주인님, 그는 알아가는 것에서 시작했습니다 전통 회화그리고 그녀의 방법. Korin은 항상 간결함, 형태의 균형, 두드러진 특징창의적인 방식 - 여러 플롯 모티프의 개발, 반복되는 반복 및 변형에 중점을 둡니다. 오가타 고린의 작품에는 처음으로 자연에서 온 작품이 등장했다. 화면 “홍백매화”의 그림에서 고린이 찍은 줄거리 모티프는 이른 봄과 깨어나는 자연의 이미지로 고전 시로 거슬러 올라간다. 스트림의 양쪽에는 황금색 배경에 꽃이 만발한 나무가 쓰여 있습니다. 두껍고 구부러진 줄기와 거의 수직으로 솟아 오르는 가지가있는 땅딸막 한 나무, 붉은 매화 나무 및 다른 나무는 줄기의 발로만 표시되고 급격하게 구부러져 마치 물에 떨어지는 것처럼 갑자기 흰색 꽃이 흩어져있는 가지를 쏘았습니다.
소나무 위의 카노 에이토쿠 매. 화면. 16세기 말의 세부 사항.
오가타 겐잔(1663-1743)은 형 오가타 고린과 달리 젊은 시절부터 영적 가치관에 이끌려 선불교의 추종자였으며 중국어와 일본어를 알고 있었습니다. 고전 문학, 극장 노, 차 의식. 닌나지 사원에 속한 영토에서 Kenzan은 1712년까지 13년 동안 제품을 생산하는 자신의 도자기 가마를 건설할 수 있는 허가를 받았습니다. 처음으로 그는 체적화에 전통적인 수묵화 기법을 사용했습니다. Kenzan은 색을 사용하기 시작했고 젖은 조각에 썼고 다공성 점토는 수묵화의 종이처럼 페인트를 흡수했습니다. 대중적인 하이쿠 장르를 계시로 바꾼 그의 위대한 현대 시인 바쇼처럼 오가타 겐잔은 평범한 도자기 접시, 컵, 꽃병이 실용적인 물건인 동시에 시적인 예술 걸작이 될 수 있음을 보여주었습니다.
에도 시대(1614-1868)
1615년 사무라이는 교토에서 에도로 재정착했습니다. 마라, 교토, 오사카에 집중된 상인, 상인 및 고리대금업자 계급의 중요성이 커졌습니다. 이들 대표에게 사회 단체삶에 대한 세속적 인식, 봉건적 도덕의 영향에서 벗어나려는 열망이 특징입니다. 처음으로 예술은 소위 삶을 포함하여 일상 생활의 주제를 다룹니다. 재미있는 동네 - 찻집의 세계, 가부키 극장, 스모 선수. 목판화의 출현은 문화의 민주화와 관련이 있습니다. 판화는 유통, 저렴 및 접근성이 특징이기 때문입니다. 후에 가정용 그림판화는 우키요에(문자 그대로 - 변할 수 있는 필멸의 세계)로 알려지게 되었습니다.
조각의 생산은 넓은 범위를 얻었습니다. 우키요에 그래픽 개발의 초기 기간은 찻집 주민, 장인의 삶에서 복잡하지 않은 장면을 서로 관련이없는 서로 다른 시간에 하나의 조각으로 결합한 Hasikawa Moronobu (1618-1694)의 이름과 관련이 있습니다. 판화의 배경은 흰색으로 유지되었고 선은 선명했습니다. 점차 조각의 주제 범위가 확장되고 캐릭터의 외부 세계뿐만 아니라 내면 세계에 대한 관심도 깊어졌습니다. 1780-1790년 일본 판화. 전성기를 맞이합니다. 스즈키 하라노부(1725-1770)가 최초로 밝히기 시작한 내면 세계"매화 가지를 뽑는 미녀", "눈 덮인 정원의 연인"과 같은 판화의 영웅. 그는 어두운 톤에서 밝은 톤으로 전환하고 선의 두께와 질감을 변화시키는 롤링 기법을 처음으로 사용했습니다. 그는 실제 색상에 신경 쓰지 않았고 판화의 바다는 분홍색, 하늘은 모래, 잔디는 파란색, 모든 것은 일반에 달려 있습니다. 감정적 기분장면. 그의 최고의 작품 중 하나인 "같은 샤미센을 연주하는 연인들"은 "음악이 사랑을 촉진한다면 놀이하라"는 일본 속담에서 영감을 받았습니다.
도코노마 - 찻집 내부의 틈새
키타가와 우타마로(1753-1806) - 탁월한 우키요에 대가. 그의 작업은 "The Book of Insects", "Songs of Shells"앨범으로 시작되었습니다. 반신, 흉상 길이의 여성 초상화에서 Utamaro는 처음으로 운모 가루를 사용하여 반짝이는 배경을 만듭니다. 단아한 모양과 머리의 핏으로 완벽한 미인 우타마로,
얇은 목, 작은 입, 짧은 검은 눈썹. 시리즈 "텐 여성 캐릭터"그리고"여성의 날과 시간 "그는 여성의 다양한 외모와 성격을 식별하려고 노력했습니다. 90년대 후반. Utamaro에서 "Mother with Child"및 "Ball Game"과 같은 판화에서 모성의 주제를 다루면서 동시에 그는 삼부작과 용종을 만듭니다. 역사적 주제, 간접 지정에 의지합니다 (국가의 영웅은 미녀로 묘사됩니다). Teshusai Shyaraku는 가부키 연극 배우와 스모 선수의 초상화 시리즈를 만들었습니다. 그는 일반적으로 받아 들여지는 전통을 버리고 그로테스크를 그의 주요 기술로 삼았습니다. 우키요에 판화 발전의 세 번째 시기는 1800-1868년입니다. 이때 일본 미술에 대한 네덜란드와 독일 에칭의 영향이 커졌습니다. 예술왕조 우타가와(Utagawa)의 독창성에는 개성 추구의 거부, 형식적 우아함에 대한 열망이 등장인물이 되었다. 조각에서 풍경 장르의 전성기는 Katsushika Hokusai (1760-1849)의 이름과 관련이 있습니다. Hokusai는 고대 및 현대 일본 미술을 공부하고 중국 미술을 알고 유럽 판화에 대해 알게되었습니다. 거의 50세가 될 때까지 Hokusai는 우키요에 예술가의 전통적인 방식으로 작업했습니다. 호쿠사이는 1812년에 첫 권이 출판된 만화집(스케치집)에서만 자신의 예술 분야를 찾았습니다. 이제 그는 일상적인 장면, 풍경, 군중을 그렸습니다.
일본 조경 정원
70세의 나이에 호쿠사이는 후지산을 묘사한 각 판화에 "후지산 36경" 시리즈를 만들었습니다. 장르 테마와 풍경의 조합은 Hokusai의 특징입니다. 고대의 풍경화가들과 달리 호쿠사이는 땅을 아래에서 바라본다. 동시에 그는 "국가의 폭포를 통한 여행", "다리", "큰 꽃", "후지 100 전망"시리즈를 만듭니다. 호쿠사이는 예상치 못한 각도에서 사물을 전달할 수 있었습니다. 후지 100경 판화에서 산은 환상처럼 밤의 어둠 속에서 나타나거나 대나무 줄기 뒤에 보이거나 호수에 반사됩니다. Hokusai의 추종자 Ando Hiroshige (1797-1858)는 자연을 훨씬 더 사실적으로 그렸습니다. 하천 요원을 직업으로 삼은 그는 전국을 많이 여행하며 "도카이도 53개 역", "오미 호수 8경", "기시카이도 69경" 시리즈를 만들었습니다. 히로시게의 예술은 유럽 회화에 접근하여 우키요에 판화의 200년 전성기를 완성합니다.
아르텔리노가쓰시카 호쿠사이(1760-1849)의 가나가와 앞바다의 큰 파도는 가장 유명한 판화 중 하나이자 후지 삼십육경 시리즈의 첫 장입니다. 1830년대 초, Eijudo 출판사의 의뢰를 받은 Katsushika Hokusai는 46매(본 36매와 추가 10매)의 시리즈를 만들기 시작했으며, The Great Wave off Kanagawa는 전체 시리즈를 여는 판화입니다.
이러한 판화 컬렉션은 당시 마을 사람들에게 일종의 "가상 여행" 역할을했으며 호기심을 만족시키는 편리하고 저렴한 방법이었습니다. 후지산과 같은 판화 가격은 약 20몬으로 당시 일본 식당에서 국수의 두 배에 해당합니다. 그러나 성공이 너무 커서 1838년까지 호쿠사이의 시트 비용은 거의 50몬으로 증가했으며 마스터가 사망한 후 웨이브만 새 보드에서 1000번 이상 재인쇄되었습니다.
놀랍게도 전체 시리즈의 명시된 주제에도 불구하고 The Wave의 Fuji는 부차적인 역할을 하는 것 같습니다. 이 조각의 주요 "캐릭터"는 파도이며 전경에는 요소와의 투쟁의 극적인 장면이 펼쳐집니다. 폼 크레스트의 가장자리는 환상적인 화난 악마의 꼬인 손가락처럼 보이며 보트에있는 인간 인물의 얼굴이없고 활동하지 않는 것은이 싸움에서 누가 승자가 될지 의심의 여지가 없습니다. 그러나 판화의 플롯을 만들어내는 것은 갈등인 이 대립이 아니다.
배가 충돌하는 순간을 멈춤으로써 Hokusai는 관객이 지평선을 향해 어두워지는 회색 하늘을 배경으로 잠시 후지산을 볼 수 있도록 합니다. 일본 조각가들은 이미 유럽의 선형 및 공중 관점, 그들은이 리셉션의 필요성을 느끼지 않았습니다. 어두운 배경과 파도의 움직임을 통해 후지까지 보트를 타고 전경에서 눈의 긴 여행은 신성한 산이 바다의 창공으로 우리와 분리되어 있음을 눈으로 확신시킵니다.
후지산은 폭풍우와는 반대로 안정과 불변의 상징으로 해안에서 멀리 솟아 있습니다. 반대의 통일성과 상호 의존성은 극동 세계관의 우주적 질서와 절대적인 조화라는 개념의 밑바탕에 깔려 있으며, 카츠 시카 호쿠사이의 시리즈를 연 "가나가와의 대파" 판화의 주요 주제가 된 것은 바로 그들이었습니다.
Kitagawa Utamaro, 1795-1796의 "Beauty Nanivaya Okita"
시카고 아트 인스티튜트
Kitagawa Utamaro(1753-1806)는 일본 판화에서 여성 미인의 가수라고 할 수 있습니다. 우키요에: 그는 일본 미인의 표준 이미지를 많이 만들었습니다. 비진가) - 일본의 수도인 에도의 찻집과 유명한 유흥가인 요시와라의 주민 에도 — 1868년 이전의 도쿄 이름..
bijinga 판화에서는 모든 것이 현대 시청자에게 보이는 것과 다릅니다. 풍족한 옷을 입은 귀족 여성은 원칙적으로 부끄러운 공예에 종사하고 하층에 속했으며 미인의 초상화가 새겨진 판화는 공개적으로 광고 기능을했습니다. 동시에 조각은 소녀의 모습에 대한 아이디어를 제공하지 않았으며 Asakusa 사원 근처의 Nanivaya 찻집의 Okita는에도의 첫 번째 아름다움으로 간주되었지만 조각의 그녀의 얼굴은 완전히 개성이 없습니다.
10세기 이후 일본 미술의 여성 이미지는 미니멀리즘의 정경에 종속되었습니다. "라인 아이, 매부리코" - 리셉션 히키메카기하나작가는 특정 여성이 묘사되었다는 것만 표시하도록 허용했습니다. 일본 전통 문화에서 육체적 아름다움의 문제는 종종 생략되었습니다. 귀족 출신 여성의 경우 "마음의 아름다움"과 교육이 훨씬 더 중요했으며 쾌활한 구역의 주민들은 모든면에서 최고의 모범을 모방하기 위해 노력했습니다. Utamaro에 따르면 Okita는 정말 아름다웠습니다.
"Beauty Nanivaya Okita"시트는 1795-1796 년에 9 세기 작가 중 한 명이 각 아름다움에 해당하는 "6 명의 불멸의 시인에 비유 된 유명한 미녀"시리즈에서 인쇄되었습니다. 왼쪽 상단 모서리에 오키타의 초상화가 있는 시트에는 일본에서 가장 존경받는 시인 중 한 명인 아리바라노 나리히라(825-880)의 이미지가 있으며, 전통적으로 소설 이세모노가타리가 그에게 귀속됩니다. 이 고귀한 귀족이자 뛰어난 시인은 또한 그의 연애로 유명해졌으며 그중 일부는 소설의 기초를 형성했습니다.
이 시트는 기술의 독특한 사용입니다 mitate(비교) 일본 조각. 권위있는 "원형"의 자질은 묘사 된 아름다움으로 옮겨지고 손님에게 차 한 잔을 제공하는 고요한 얼굴을 가진 우아한 기녀는 이미시와 사랑의 행위에 능숙한 여성으로 시청자에게 읽혀집니다. Arivara no Narihira와의 비교는 진정으로에도 미인 중 그녀의 우월성을 인정한 것입니다.
동시에 Utamaro는 놀랍도록 서정적인 이미지를 만듭니다. 잎사귀의 어두운 부분과 밝은 부분의 균형을 잡고 선율적이고 우아한 선으로 형태를 윤곽을 그리며 그는 진정으로 완벽한 우아함과 조화의 이미지를 만들어냅니다. "광고"는 사라지고 Utamaro가 포착한 아름다움은 영원합니다.
Ogata Korin의 화면 "Irises", 1710년대
Wikimedia Commons / 네즈 미술관, 도쿄
현재 일본의 국보인 6면 창포 한 쌍은 1710년경 오가타 고린(1658-1716)이 교토의 니시혼간지 사원을 위해 제작했습니다.
16세기 이후 벽 패널과 종이 병풍 그림은 일본 장식 예술의 주요 장르 중 하나가 되었으며 린파 미술 학교의 설립자인 오가타 고린은 가장 위대한 거장 중 한 명이었습니다.
일본 인테리어의 스크린은 중요한 역할을했습니다. 널찍한 궁궐은 내벽이 거의 없고 병풍으로 공간을 구획한 단순한 일본인 주거지와 구조적으로 다르지 않았다. 높이가 1.5미터가 조금 넘는 스크린은 모든 계층의 일본 공통 전통이 바닥에 거주하도록 설계되었습니다. 일본에서는 19세기까지 높은 의자와 탁자가 사용되지 않았으며 화면의 높이와 그림의 구성도 무릎에 앉은 사람의 시선을 고려하여 디자인되었습니다. 이 관점에서 놀라운 효과가 발생합니다. 홍채가 앉은 사람을 둘러싸고있는 것처럼 보이며 사람은 꽃으로 둘러싸인 강둑에서 자신을 느낄 수 있습니다.
홍채는 비 윤곽 방식으로 칠해져 있습니다. 거의 인상주의적이고 넓은 진한 파란색, 라일락 및 자주색 온도가이 꽃의 무성한 장엄함을 전달합니다. 그림 같은 효과는 홍채가 묘사된 금색의 흐릿한 반짝임으로 강화됩니다. 화면에는 꽃만 묘사되어 있지만 각진 성장선은 꽃이 강의 구불구불한 코스나 나무 다리의 지그재그 주위로 구부러져 있음을 암시합니다. 일본인이 스크린에서 빠진 다리, 특별한 "8개의 널빤지 다리"를 보는 것은 자연스러운 일입니다. 야츠하시듣기)), 일본 고전 문학의 홍채와 관련이 있습니다. 소설 Ise Monogatari(9세기)는 수도에서 추방된 영웅의 슬픈 여정을 묘사합니다. 그의 후계자와 함께 Yatsuhashi 다리 근처의 강둑에 정착 한 영웅은 붓꽃을보고 그의 사랑하는 사람을 기억하고시를 작곡합니다.
내 사랑하는 옷
수도에서 우아하게
사랑이 떠났다...
그리움으로 얼마나
나는 그녀와 거리가 멀다... N. I. Konrad의 번역.
"그래서 그는 접었고 모두가 마른 쌀에 눈물을 흘려 수분으로 부풀어 올랐습니다. "라고 이야기의 작가이자 가사 주인공 인 Arivara no Narihira는 덧붙입니다.
교육받은 일본인에게 다리 옆의 홍채와 Ise monogatari, 홍채와 이별의 주제 사이의 연결은 분명했으며 Ogata Korin은 장황함과 설명을 피합니다. 그는 장식적인 회화의 도움으로 빛과 색채, 문학적 의미로 가득 찬 이상적인 공간을 창조할 뿐이다.
금각사 금각사, 교토, 1397
예브겐 포고리에로프 / flickr.com, 2006
황금사원은 아이러니하게도 건설보다 파괴로 더 미화된 일본의 상징 중 하나입니다. 1950년, 이 건물이 속한 로쿠온지 승려의 정신적으로 불안정한 승려가 수면에 서 있는 연못에 불을 질렀습니다.
누각 1950년 화재로 사원은 거의 파괴되었습니다. 킨카쿠지의 복원 작업은 1955년에 시작되어 1987년에 전체 재건이 완료되었지만 완전히 사라진 실내 장식의 복원은 2003년까지 계속되었습니다.. 그의 행동의 진정한 동기는 불분명했지만 작가 미시마 유키오의 해석에 따르면이 사원의 거의 신비로운 아름다움을 얻을 수 없었습니다. 실제로 수세기 동안 긴카쿠지는 일본 미의 전형으로 여겨졌습니다.
1394년, 거의 모든 일본을 자신의 의지에 따라 정복한 쇼군 아시카가 요시미츠(1358-1408)는 공식적으로 은퇴하고 교토 북부에 특별히 지어진 별장에 정착했습니다. 인공 호수 Kyokoti ( "호수 거울")의 3 층 건물은 휴식, 독서 및기도를위한 한적한 파빌리온 인 일종의 암자 역할을했습니다. 그것은 쇼군의 그림 모음, 도서관 및 불교 유물 모음을 포함했습니다. 해안가 가까운 물가에 위치한 킨카쿠지는 해안과 배로만 교신할 수 있었고 교코티 주변에 돌과 소나무가 흩어져 있는 인공섬과 같은 섬이었다. "천상의 섬"이라는 개념은 불멸의 섬인 봉래 섬이 천상의 거처의 이미지 역할을 한 중국 신화에서 차용되었습니다. 물에 비친 파빌리온은 이미 불교 진리 세계의 광채를 희미하게 반영한 필멸의 세계의 환상적 본질에 대한 아이디어와 불교의 연관성을 불러 일으 킵니다.
이 모든 신화적인 배음은 추측이지만 파빌리온의 위치는 놀라운 조화와 조화를 제공합니다. 반사는 건물의 쪼그려진 부분을 가려 더 크고 가늘게 만듭니다. 동시에 연못의 모든 둑에서 항상 어두운 녹지 배경을 배경으로 볼 수 있는 것은 파빌리온의 높이입니다.
그러나이 파빌리온이 얼마나 황금색이었는지는 완전히 명확하지 않습니다. 원형. 아마도 아시카가 요시미츠 아래서 정말 금박으로 덮여 있었고 보호층광택. 그러나 19 세기 ~ 20 세기 초 미시마 유키오의 사진을 믿는다면 20 세기 중반에 금박이 거의 벗겨지고 그 잔해는 건물의 상층에서만 볼 수있었습니다. 이때 그는 오히려 가장 아름다운 것에도 거침없는 황량함의 매력, 시간의 흔적으로 영혼을 감동시켰다. 이 우울한 매력은 미적 원리에 부합했습니다. 사비일본 문화에서 매우 존경받습니다.
어쨌든 이 건물의 화려함은 전혀 금이 아니었다. 킨카쿠지 절의 절묘한 형태와 풍경과의 완벽한 조화는 일본 건축의 걸작 중 하나입니다.
XVI-XVII 세기 카라츠 스타일의 그릇 "아이리스"
다이앤 마르티노 /pinterest.com/메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
단어 명물- 이름이 있는 것. 이 컵의 정확한 시간과 장소, 마스터의 이름이 보존되지 않았기 때문에 이 컵의 이름만 실제로 살아 남았습니다. 그럼에도 불구하고 그것은 일본의 국보에 등재되어 있으며 국가 스타일의 도자기 중 가장 밝은 예 중 하나입니다.
16세기 말 다도는 차노유세련된 것을 버렸다 중국 도자기귀중한 재료를 연상시키는 유약이 있는 도자기. 그들의 눈부신 아름다움은 다도인들에게 너무 인위적이고 솔직해 보였다. 완벽하고 값 비싼 품목 (그릇, 물통 및 차 통)은 다도가 발전한 정신으로 선불교의 거의 금욕적인 영적 대포와 일치하지 않았습니다. 차 활동의 진정한 혁명은 일본의 작업장이 대륙 도자기 기술을 막 습득하기 시작했을 때 훨씬 더 단순하고 예술적인 일본 도자기에 대한 매력이었습니다.
아이리스 그릇의 모양은 단순하고 불규칙합니다. 벽의 약간의 곡률, 몸 전체에 보이는 도공의 움푹 들어간 곳은 그릇에 거의 순진한 편안함을 제공합니다. 점토 조각은 균열 네트워크 인 craquelure가있는 가벼운 유약으로 덮여 있습니다. 다도 중에 손님을 맞이하는 앞면에는 홍채 이미지가 유약 아래에 적용됩니다. 그림은 순진하지만 마치 선 서예의 정신으로 마치 한 번의 움직임처럼 활기찬 브러시로 실행됩니다. 형태와 장식 모두 특수한 힘을 가하지 않고 자발적으로 만들 수 있었던 것 같습니다.
이 자발성은 이상을 반영합니다. 와비- 단순함과 무능함, 영적 자유와 조화를 일으킴. 일본인 선불교 추종자들의 관점에서 볼 때 사람이나 무생물조차도 부처의 깨달은 본성을 가지고 있으며 숙련자의 노력은 자신과 주변 세계에서 이러한 본성을 발견하는 데 목적이 있습니다. 다도에 사용되는 물건은 그 모든 서투름에도 불구하고 진실에 대한 깊은 경험, 매 순간의 관련성을 불러 일으켜 가장 평범한 형태를 들여다보고 그 안에서 진정한 아름다움을 보도록 강요 받았어야했습니다.
그릇의 거친 질감과 단순함의 대비는 작은 금칠을 사용한 복원입니다. 긴쓰기). 복원 작업은 18세기에 이루어졌으며 일본 다도 장인들이 다도 도구를 다루는 경외심을 보여줍니다. 그래서 다도는 참가자들에게 아이리스 그릇과 같은 사물의 진정한 아름다움을 발견할 수 있는 "방법"을 제공합니다. 암시, 비밀은 와비의 미적 개념의 기초이자 일본 세계관의 중요한 부분이 되었습니다.
승려 간진의 초상, 나라, 763
도쇼다이지, 2015
VIII 세기에 조각은 일본 국가 형성 및 불교 강화와 관련된 나라 시대 (710-794) 시대의 예술적 표현의 주요 형태가되었습니다. 일본의 거장들은 이미 견습의 단계와 대륙의 기술과 이미지를 맹목적으로 모방하는 단계를 넘어 조각으로 시대정신을 자유롭고 생생하게 표현하기 시작했습니다. 불교의 권위가 확산되고 성장하면서 불상이 등장하게 되었다.
이 장르의 걸작 중 하나는 763년에 제작된 간진의 초상화입니다. 천으로 덮인 나무틀에 옻칠을 겹겹이 쌓는 건칠기법으로 실물 크기에 가까운 조각상을 사실적으로 표현했고, 절의 황혼 속에서 간진은 “살아 있는 듯” 명상의 자세로 앉아 있었다. 이 생생함은 그러한 초상화의 주요 컬트 기능이었습니다. 교사는 항상 나라시의 도다이지 수도원 벽 안에 있어야 하고 가장 중요한 예배에 참석해야 했습니다.
나중에 11 ~ 13 세기에 조각 초상화는 거의 무자비한 환상에 이르렀으며 존경하는 교사의 노인성 병약, 움푹 들어간 입, 처진 뺨 및 깊은 주름을 묘사했습니다. 이 초상화는 암석 수정과 나무로 박힌 살아있는 눈으로 불교 신자들을 바라보고 있습니다. 그러나 Gandzin의 얼굴은 흐릿하고 명확한 윤곽과 명확한 형태가 없습니다. 반쯤 감은 눈꺼풀과 눈꺼풀이 벗겨지지 않은 눈꺼풀이 부어 보입니다. 긴장된 입과 깊은 팔자 주름은 명상의 집중보다는 습관적인 주의를 나타냅니다.
이 모든 기능은 놀라운 금욕주의와 비극에 대한 이야기 인이 승려의 극적인 전기를 보여줍니다. 중국의 승려 간진이 나라 최대의 절인 도다이지 절의 봉헌식을 위해 일본에 초청받았다. 배는 해적에게 나포되었고 먼 일본 사원을 대상으로 한 귀중한 두루마리와 불상이 화재로 손실되었고 간진은 얼굴을 태우고 시력을 잃었습니다. 그러나 그는 문명의 먼 변두리, 즉 당시 대륙에서 일본이 어떻게 인식되었는지에 대해 설교하려는 열망을 버리지 않았습니다.
바다를 건너려는 몇 번의 시도는 같은 실패로 끝났고 다섯 번째 시도에서만 이미 중년의 눈이 멀고 병든 간진이 일본 수도 나라에 도착했습니다.
일본에서 간진은 불교법을 오랫동안 가르치지 않았습니다. 그의 삶의 극적인 사건들이 그의 건강을 해쳤습니다. 그러나 그의 권위는 너무 높아 아마도 그가 죽기 전에도 그의 조각품을 만들기로 결정했을 것입니다. 의심 할 여지없이 예술가 승려들은 조각품이 모델과 최대한 유사하도록 노력했습니다. 그러나 이것은 저장하기 위해 수행되지 않았습니다 모습개인의 영적 경험을 포착하기 위해 간진이 겪었고 불교의 가르침이 부르는 그 어려운 길.
대불 - 8세기 중반 나라 도다이지 사원의 대불
토드/flickr.com
8세기 중반, 일본은 천재지변과 역병에 시달렸고 영향력 있는 후지와라 가문의 음모와 그들이 일으킨 반란으로 인해 쇼무 천황은 수도인 나라에서 도망칠 수밖에 없었습니다. 망명 중에 그는 불교의 가르침을 따르겠다고 맹세했고 743년에 나라의 주요 사원 건설을 시작하고 거대한 동상 Buddha Vairochana (Buddha Great Sun 또는 All Illuminating Light). 이 신은 불교 가르침의 창시자 석가모니 부처님의 보편적 화신으로 간주되었으며 불안과 반란의시기에 황제와 전국을 보호하는 보증인이되어야했습니다.
작업은 745년에 시작되었으며 중국 수도 뤄양 근처의 용문 동굴 사원에 있는 거대한 불상을 모델로 했습니다. 나라의 불상은 다른 불상과 마찬가지로 "부처의 크고 작은 표식"을 나타내야 했습니다. 이 도상적 정경에는 길쭉한 귓불이 포함되어 있는데, 이는 석가모니 부처가 왕자 가문 출신이고 어린 시절부터 무거운 귀걸이, 머리 꼭대기의 높이(우쉬니샤), 이마의 점(항아리)을 착용했다는 사실을 연상시킵니다.
불상의 높이는 16m, 얼굴의 폭은 5m, 펼친 손바닥의 길이는 3.7m, 항아리는 사람의 머리보다 컸다. 건설에는 444 톤의 구리, 82 톤의 주석 및 엄청난 양의 금이 필요했으며 특별히 북부에서 검색이 수행되었습니다. 신사를 보호하기 위해 동상 주위에 대불전이라는 홀이 세워졌습니다. 그 작은 공간에는 약간 몸을 숙이고 앉은 부처상이 전체 공간을 채우고 있으며, 이는 불교의 주요 가정 중 하나인 신이 편재하고 모든 곳에 퍼져 있으며 모든 것을 포용하고 채우고 있다는 생각을 설명합니다. 얼굴의 초월적인 고요함과 신의 손짓(무드라, 보호를 주는 몸짓)은 부처의 고요하고 웅장함과 힘의 느낌을 보완합니다.
그러나 오늘날에는 원래 동상의 몇 조각만 남아 있습니다. 12세기와 16세기에 화재와 전쟁으로 인해 동상이 막대한 피해를 입었고 현대 동상은 주로 18세기 주물입니다. 18세기 복원 과정에서 청동상은 더 이상 금으로 덮이지 않았습니다. 8세기 쇼무 천황의 불교 열심은 국고를 거의 비우고 이미 충격을 받은 나라를 피흘리게 했으며, 이후의 통치자들은 더 이상 그러한 과도한 지출을 감당할 수 없었습니다.
그럼에도 불구하고 Daibutsu의 중요성은 금이 아니며 신뢰할 수있는 진품도 아닙니다. 불교 가르침의 장대 한 구체화라는 아이디어 자체가 일본 시대의 기념비입니다. 기념비적인 예술진정한 개화를 경험하고 대륙 모델의 맹목적인 복사에서 벗어나 나중에 잃어버린 무결성과 표현력을 얻었습니다.
일본? 어떻게 발전했습니까? 기사에서 이러한 질문과 다른 질문에 답할 것입니다. 일본 문화는 일본인이 본토에서 열도로 이주하여 조몬 시대의 문명이 탄생하면서 시작된 역사 운동의 결과로 형성되었습니다.
이 민족의 현재 계몽은 유럽, 아시아(특히 한국과 중국)의 영향을 강하게 받았고, 북아메리카. 일본 문화의 징후 중 하나는 메이지 시대가 시작되는 19 세기 중반까지 지속 된 도쿠가와 막부 통치 기간 동안 다른 모든 국가로부터 국가가 완전히 고립 된 시대 (사 코쿠 정책)의 오랜 발전입니다.
영향
일본의 예술 문화는 어떻게 발전했는가? 문명은 국가의 고립된 지역적 위치, 기후 및 지리적 특징, 자연 현상(태풍 및 잦은 지진)의 영향을 크게 받았습니다. 이것은 살아있는 존재로서 자연에 대한 인구의 특별한 태도로 표현되었습니다. 특징 국민성일본인은 작은 나라에서 여러 형태의 예술로 표현되는 우주의 현재의 아름다움을 감상할 수 있는 능력입니다.
일본의 예술 문화는 불교, 신도, 유교의 영향으로 만들어졌습니다. 이러한 동일한 추세가 추가 개발에 영향을 미쳤습니다.
상대
동의합니다. 일본의 예술 문화는 훌륭합니다. 신도주의는 고대에 뿌리를 두고 있습니다. 불교는 우리 시대 이전에 나타났지만 5세기부터 전파되기 시작했다. 헤이안 시대(8~12세기)는 일본 건국의 황금기로 여겨진다. 같은시기에이 나라의 그림 같은 문화는 절정에 이르렀습니다.
유교는 13세기에 나타났다. 이 단계에서 공자와 불교의 철학이 분리되었습니다.
상형문자
일본 예술 문화의 이미지는 전설에 따르면 천상의 신성한 이미지에서 비롯된이 나라에서는 서예 예술도 고도로 발달 된 독특한 검증으로 구현됩니다. 글쓰기에 생명을 불어넣은 것은 바로 그들이었기 때문에 사람들은 철자의 모든 기호에 친절했습니다.
각인을 둘러싼 이미지가 등장했기 때문에 일본 문화를 부여한 것이 상형 문자라는 소문이 있습니다. 조금 후에 한 작품에서 회화와 시의 요소가 강하게 결합되는 것이 관찰되기 시작했습니다.
일본 두루마리를 연구하면 작품에 두 종류의 기호가 포함되어 있음을 알 수 있습니다. 이들은 물개,시, kolofen 및 그림 같은 글쓰기의 징후입니다. 동시에 가부키 극장은 큰 인기를 얻었습니다. 다른 유형의 극장 -하지만 -은 주로 군인이 선호합니다. 그들의 가혹함과 잔인함은 No.1에 강한 영향을 미쳤습니다.
그림
예술 문화는 많은 전문가들에 의해 연구되었습니다. 그 형성에 큰 역할을 한 것은 일본어로 그림이나 그림을 의미하는 카이가 그림이었습니다. 이 예술은 수많은 솔루션과 형식에 의해 결정되는 가장 오래된 국가 회화 유형으로 간주됩니다.
그 안에는 신성한 원칙을 결정하는 자연이 특별한 장소를 차지합니다. 수미에와 야마토에로 회화를 구분하는 것은 10세기부터 존재해 왔습니다. 첫 번째 스타일은 14세기에 가깝게 발전했습니다. 일종의 단색 수채화입니다. 야마토에란 문학 작품의 장식에 흔히 사용되는 가로로 접은 두루마리입니다.
조금 후인 17 세기에 우키요에라는 태블릿 인쇄가 나라에 나타났습니다. 마스터는 풍경, 게이샤, 가부키 극장의 유명 배우를 묘사했습니다. 18세기에 이러한 유형의 그림은 유럽 예술에 강한 영향을 미쳤습니다. 떠오르는 경향은 "일본주의"라고 불 렸습니다. 중세 시대에 일본의 문화는 국경을 넘어 전 세계의 세련되고 세련된 인테리어 디자인에 사용되기 시작했습니다.
달필
오, 일본의 예술 문화는 얼마나 아름다운가! 자연과의 조화에 대한 이해는 각 부분에서 볼 수 있습니다. 현대 일본 서예란? 이를 shodo("알림 방식")라고 합니다. 서예는 글쓰기와 마찬가지로 필수 과목입니다. 과학자들은 이 예술이 한문과 동시에 거기에 왔다는 것을 발견했습니다.
그런데 고대에는 서예 수준으로 사람의 문화를 판단했다. 오늘날 많은 수의 문체들이 있고, 불교 승려들이 그것들을 발전시킨다.
조각품
일본 문화는 어떻게 생겼습니까? 우리는 인간 삶의 이 영역의 발달과 유형을 가능한 한 자세히 연구할 것입니다. 조각은 일본에서 가장 오래된 예술 유형입니다. 고대에 이 나라 사람들은 우상의 조각상과 도자기로 접시를 만들었습니다. 그런 다음 사람들은 무덤에 구운 점토로 만든 khaniv 동상을 설치하기 시작했습니다.
현대 일본 문화에서 조각 공예의 발전은 국가의 불교 확산과 관련이 있습니다. 일본 기념물의 가장 오래된 대표자 중 하나는 Zenko-ji 사원에 놓인 나무로 만든 아미타불 부처님의 동상으로 간주됩니다.
조각품은 종종 빔으로 만들어졌지만 매우 풍부 해 보였습니다. 장인이 광택제, 금색 및 밝은 색상으로 조각품을 덮었습니다.
종이접기
일본의 예술 문화를 좋아합니까? 자연과의 조화에 대한 이해는 잊을 수 없는 경험을 선사할 것입니다. 특징일본 문화는 종이접기("접은 종이")의 놀라운 제품이 되었습니다. 이 기술은 실제로 양피지가 발명된 중국에서 유래되었습니다.
처음에는 종교 의식에서 "접힌 종이"가 사용되었습니다. 이 예술은 상류층에서만 연구할 수 있었습니다. 그러나 제2차 세계대전 이후 종이접기는 귀족들의 집을 떠나 전 세계에서 종이접기를 숭배하는 사람들을 찾았습니다.
이케바나
모두가 동양 국가의 예술 문화가 무엇인지 알아야 합니다. 일본은 개발에 많은 노력을 기울였습니다. 이 문화의 또 다른 요소 멋진 나라이케바나("살아있는 꽃", "꽃의 새 생명")입니다. 일본인은 미학과 단순함의 팬입니다. 작품에 투자되는 것은 바로 이 두 가지 특성입니다. 이미지의 정교함은 초목의 자연미를 이롭게 활용함으로써 달성됩니다. 꽃꽂이는 종이접기와 마찬가지로 종교 의식의 일부로도 사용되었습니다.
미니어처
아마도 많은 사람들이 고대 중국과 일본의 예술 문화가 밀접하게 얽혀 있다는 것을 이미 이해했을 것입니다. 그리고 분재는 무엇입니까? 실제 나무와 거의 똑같은 미니어처 복제품을 재배하는 것은 일본 고유의 기술입니다.
일본에서는 네츠케(열쇠고리의 일종인 작은 조각품)를 만드는 것도 일반적입니다. 종종이 용량의 인형은 주머니가없는 일본인의 옷에 부착되었습니다. 그들은 그것을 장식했을뿐만 아니라 원래의 균형추 역할도했습니다. 열쇠 고리는 열쇠, 주머니, 고리 버들 바구니 형태로 만들어졌습니다.
회화의 역사
고대 일본의 예술 문화는 많은 사람들의 관심을 받고 있습니다. 이 나라의 회화는 일본 구석기 시대에 시작되어 다음과 같이 발전했습니다.
- 야마토 시대. 아스카와 고훈 시대(4~7세기)에는 상형 문자의 도입, 중국식 국가 체제의 형성, 불교의 대중화와 함께 많은 예술 작품이 중국에서 일본으로 유입되었습니다. 이후 욱일국에는 중국식 회화가 재현되기 시작했다.
- 나라시. VI 및 VII 세기에. 불교는 일본에서 계속 발전했습니다. 이와 관련하여 귀족이 지은 수많은 사원을 장식하는 데 사용되는 종교 그림이 번성하기 시작했습니다. 일반적으로 나라시대에는 회화보다 조각과 미술의 발전에 기여한 바가 컸다. 이 시기의 초기 그림에는 나라 현의 호류지 사원 내부 벽에 석가모니 부처의 생애를 묘사한 벽화가 포함됩니다.
- 헤이안 시대. 일본화에서는 10세기 이후부터 앞서 기술한 바와 같이 야마토에의 경향이 두드러진다. 이러한 그림은 책을 설명하는 데 사용되는 가로 두루마리입니다.
- 무로마치 시대. XIV 세기에는 Supi-e 스타일 (단색 수채화)이 등장했고 XVII 세기 전반기에 나타났습니다. 예술가들은 판화에 판화를 인쇄하기 시작했습니다-우키요에.
- 아즈치 모모야마 시대의 회화는 무로마치 시대의 회화와 뚜렷한 대조를 이룹니다. 그녀는 은과 은을 많이 사용하는 다색 스타일로 이 시기에 큰 위신과 명성을 누렸다. 교육 기관카노. 설립자는 천장과 미닫이 문을 별도의 방으로 칠한 Kano Eitoku였습니다. 그러한 그림은 군사 귀족의 성과 궁전을 장식했습니다.
- 마이지 시대. 두 번째부터 XIX의 절반세기, 예술은 경쟁하는 전통 스타일과 유럽 스타일로 나뉩니다. 마이지 시대에 일본은 당국에 의해 조직된 근대화와 유럽화 과정을 거치면서 사회적, 정치적으로 큰 변화를 겪었습니다. 젊은 유망한 예술가들이 유학을 갔고, 해외 예술가들이 학교 미술 프로그램을 만들기 위해 일본에 왔습니다. 어쨌든 서양 미술 스타일에 대한 호기심이 처음 급증한 후 추는 뒤로 물러나고 일본 전통 스타일이 다시 태어났습니다. 1880년 서양 미술 관행은 공식 전시회에서 금지되었고 심한 비판을 받았습니다.
시
고대 일본의 예술 문화는 여전히 연구되고 있습니다. 그것의 특징은 다른 종교의 영향으로 형성되었기 때문에 다재다능함, 일부 합성입니다. 일본 고전시는 일상 생활에서 등장하여 그 안에서 행동했으며, 이러한 소박함은 뚜렷한 대중적 성격으로 구별되는 3 행 하이쿠와 5 행 단카와 같은 오늘날의 전통적인 시 형식에서 어느 정도 보존 된 것으로 알려져 있습니다. 그건 그렇고, 20 세기 초 유럽시의 영향으로 일본에 등장한 엘리트주의에 끌리는 '자유시'와 구별되는 것은 바로 이러한 특성입니다.
일본 예술 문화의 발전 단계가 다면적이라는 사실을 알고 계셨습니까? 이 나라 사회에서 시는 특별한 역할을 했다. 가장 유명한 장르 중 하나는 하이쿠이며, 그 역사를 숙지해야만 하이쿠를 이해할 수 있습니다.
헤이안 시대에 처음 등장했으며, 와우의 사려 깊은 시에서 잠시 휴식을 취하고자 했던 시인들을 위한 일종의 배출구였던 렌가 스타일과 유사했습니다. 하이카이는 렌가가 너무 심각해지고 하이쿠에 의존하면서 16세기에 독자적인 장르로 발전했습니다. 구어체여전히 유머러스했습니다.
물론 일본의 예술문화는 많은 작품에서 간략하게 기술되어 있지만, 좀 더 자세히 이야기해보도록 하겠습니다. 중세 시대에 가장 유명한 일본 문학 장르 중 하나는 탄카("간결한 노래")였습니다. 대부분의 경우 이것은 고정된 수의 음절이 있는 한 쌍의 연으로 구성된 5행입니다. 첫 번째 연의 세 줄에는 5-7-5 음절, 두 번째 연의 두 줄에는 7-7 음절입니다. 내용에 관해서는 tanka는 다음과 같은 체계를 사용합니다. 첫 번째 연은 특정 자연 이미지를 나타내고 두 번째 연은 이 이미지를 반영하는 사람의 감정을 반영합니다.
- 먼 산에서
졸고 있는 긴꼬리 꿩 -
이 길고 긴 밤
나 혼자 자도 돼? ( Kakinomoto no Hitovaro, 8세기 초, Sanovich 번역.)
일본 드라마투르기
많은 사람들은 중국과 일본의 예술 문화가 매혹적이라고 주장합니다. 당신은 공연 예술을 좋아합니까? 욱일국의 전통적인 극작술은 조루리(인형극), 노가쿠극(교겐과 요쿄쿠), 가부키극과 신게키로 나뉩니다. 이 예술의 관습에는 교겐노, 부가쿠, 가부키, 분라쿠의 다섯 가지 기본적인 연극 장르가 포함됩니다. 이 다섯 가지 전통은 모두 오늘날에도 여전히 존재합니다. 엄청난 차이에도 불구하고 그들은 일본 예술을 뒷받침하는 공통의 미적 원칙으로 연결되어 있습니다. 그런데 일본의 드라마투르기(dramaturgy)는 1번을 무대로 해서 생겨났다.
가부키 연극은 17세기에 등장하여 18세기 말에 전성기를 맞았습니다. 특정 기간 동안 발전한 공연 형식은 현대 가부키 무대에서 보존됩니다. 이 극장의 제작물은 고대 예술 애호가의 좁은 범위에 초점을 맞춘 No의 무대와 달리 대중을 위해 설계되었습니다. 가부키 기술의 뿌리는 코미디언의 공연에서 비롯됩니다. 작은 희극의 연기자, 춤과 노래로 구성된 장면입니다. 가부키의 연극적 기교는 조루리와 노의 요소를 흡수했다.
가부키 극장의 모습은 교토(1603년)의 불교 성소인 오구니의 일꾼 이름과 관련이 있습니다. O-Kuni는 Nembutsu-odori의 민속 춤 동작을 포함하는 종교 춤으로 무대에서 공연했습니다. 그녀의 공연은 코믹 연극으로 산재해 있었다. 이 단계에서 작품은 유조 가부키(창녀 가부키), 오쿠니 가부키 또는 온나 가부키(숙녀 가부키)라고 불렸습니다.
판화
지난 세기에 유럽인과 러시아인은 조각을 통해 일본 미술 현상을 접했습니다. 한편, 떠오르는 태양의 땅에서 나무에 그림을 그리는 것은 저렴함, 가용성, 유통과 같은 대중 문화의 모든 속성을 가지고 있었지만 처음에는 전혀 기술로 간주되지 않았습니다. Ukiyo-e 감정가는 플롯의 구현과 선택 모두에서 최고의 명료성과 단순성을 달성할 수 있었습니다.
우키요에는 예술의 특수학교였기 때문에 뛰어난 거장들을 많이 배출할 수 있었다. 따라서 Hisikawa Moronobu (1618-1694)의 이름은 음모 조각 개발의 초기 단계와 관련이 있습니다. 18세기 중반에 최초의 다색 판화 감정가인 스즈키 하루노부(Suzuki Harunobu)가 만들어졌습니다. 그의 작업의 주요 동기는 행동이 아니라 사랑, 부드러움, 슬픔과 같은 기분과 감정의 전달에주의를 기울인 서정적 장면이었습니다. 헤이안 시대의 절묘한 고대 예술처럼 우키요에 거장들은 개조된 도시 환경에서 여성의 절묘한 아름다움에 대한 비범한 숭배를 되살렸습니다.
유일한 차이점은 인쇄물이 자랑스러운 헤이안 귀족 대신 에도의 유흥가에서 온 우아한 게이샤를 묘사했다는 것입니다. 예술가 Utamaro (1753-1806)는 아마도 다양한 삶의 상황에서 다양한 포즈와 드레스를 입은 여성을 묘사하는 데 자신의 창작물을 바친 회화 역사상 전문가의 독특한 예일 것입니다. 그의 최고의 작품 중 하나는 모스크바의 푸쉬킨 회화 박물관에 보관되어 있는 판화 "게이샤 오사마"입니다. 작가는 제스처와 분위기, 표정의 통일성을 유난히 미묘하게 전달했다.
만화와 애니메이션
많은 예술가들이 일본의 회화를 연구하려고 합니다. 애니메이션(일본 애니메이션)이란? 다른 애니메이션 장르와 달리 성인 시청자에 맞춰져 있다. 여기에는 모호하지 않은 스타일에 대한 중복 분할이 있습니다. 대상 청중. 크러쉬의 척도는 영화를 보는 사람의 성별, 나이 또는 심리적 초상화입니다. 종종 애니메이션은 큰 명성을 얻은 일본 만화 만화의 영화 각색입니다.
만화의 기본 부분은 성인 시청자를 위해 설계되었습니다. 2002년 자료에 따르면 일본 전체 도서 시장의 약 20%가 망가 만화가 차지했다.
일본은 지리적으로 우리와 가깝지만 그럼에도 불구하고 오랫동안 전 세계에서 이해하기 어렵고 접근하기 어려웠습니다. 오늘날 우리는 이 나라에 대해 많은 것을 알고 있습니다. 오랜 자발적인 고립은 그 문화가 다른 국가의 문화와 완전히 다르다는 사실로 이어졌습니다.
매우 풍부한 역사를 가지고 있습니다. 그 전통은 광범위하며 세계에서 일본의 독특한 위치는 일본 예술가들의 지배적인 스타일과 기술에 크게 영향을 미칩니다. 알려진 사실일본이 수세기 동안 상당히 고립되어 있었던 것은 지리학적인 것뿐만 아니라 일본의 역사를 특징짓는 고립에 대한 일본의 지배적인 문화 성향 때문이기도 합니다. 우리가 "일본 문명"이라고 부를 수 있는 세기 동안 문화와 예술은 다른 세계와는 별개로 발전했습니다. 그리고 이것은 일본화의 실천에서도 눈에 띕니다. 예를 들어, 일본화는 일본 회화 관행의 주요 요소 중 하나입니다. 천년 이상의 전통을 바탕으로 그림을 그리는데 보통 유(일본 종이)나 에기나(실크)에 붓으로 그린다.
그러나 일본 미술과 회화는 외국 예술 관행의 영향을 받았습니다. 첫째, 16세기 중국 미술과 여러 면에서 특히 영향을 미친 것은 중국 회화와 중국 미술 전통이었습니다. 17세기 이후 일본화도 서양화의 영향을 받았다. 특히 1868년부터 1945년까지 지속된 전쟁 전 기간 동안 일본화는 인상주의와 유럽 낭만주의의 영향을 받았다. 동시에 새로운 유럽 예술 운동도 일본의 영향을 크게 받았습니다. 예술적 기법. 미술사에서 이러한 영향은 "일본주의"라고 불리며 특히 인상파, 입체파 및 모더니즘과 관련된 예술가에게 중요합니다.
일본화의 오랜 역사는 인정받는 일본 미학의 일부를 창조하는 여러 전통의 종합으로 볼 수 있습니다. 우선 불교미술과 화법, 종교화는 일본화의 미학에 중요한 족적을 남겼다. 중국 문예화 전통의 수묵화 산수화는 많은 유명한 일본화에서 인정되는 또 다른 중요한 요소입니다. 동물과 식물, 특히 새와 꽃의 그림은 일본의 구성과 일반적으로 관련된 것입니다. 일상 생활. 마지막으로 고대 일본의 철학과 문화에서 아름다움에 대한 고대의 생각은 일본 회화에 큰 영향을 미쳤습니다. 일시적이고 거친 아름다움을 의미하는 와비, 자연의 녹청과 노화의 아름다움, 유겐(깊은 우아함과 미묘함)은 여전히 일본 회화의 이상에 영향을 미치고 있습니다.
마지막으로 일본에서 가장 유명한 10대 걸작을 꼽는다면 판화에 속하지만 일본에서 가장 대중적인 예술 장르 중 하나인 우키요에를 빼놓을 수 없다. 그것은 17세기에서 19세기까지 일본 미술을 지배했으며, 이 장르에 속하는 예술가들은 아름다운 소녀, 가부키 배우, 스모 선수와 같은 주제의 목판화와 그림, 역사와 민화, 여행 장면과 풍경, 동식물, 심지어 에로티카의 장면을 제작했습니다.
목록을 작성하는 것은 항상 어렵습니다. 최고의 사진~에서 예술적 전통. 많은 놀라운 작품이 제외됩니다. 그러나이 목록에는 세계에서 가장 잘 알려진 일본 그림 10 개가 있습니다. 이 기사에서는 19세기부터 현재까지 제작된 그림만 소개합니다.
일본화는 매우 풍부한 역사를 가지고 있습니다. 수세기에 걸쳐 일본 예술가들은 예술계에 대한 일본의 가장 귀중한 공헌인 많은 독특한 기술과 스타일을 개발했습니다. 이러한 기술 중 하나는 sumi-e입니다. Sumi-e는 말 그대로 "잉크 드로잉"을 의미하며 서예와 수묵화를 결합하여 붓으로 그린 구성의 희귀한 아름다움을 창조합니다. 이 아름다움은 역설적입니다. 고대적이면서도 현대적이며, 단순하지만 복잡하고, 대담하면서도 차분하며, 의심할 여지없이 선불교 예술의 영적 기반을 반영합니다. 불교 승려들은 6세기에 중국에서 일본으로 딱딱한 먹과 대나무 붓을 가져왔고, 지난 14세기 동안 일본은 풍부한 수묵화 유산을 발전시켰습니다.
아래로 스크롤하여 10개의 일본 회화 걸작을 확인하십시오.
1. 카츠시카 호쿠사이 "어부 아내의 꿈"
가장 잘 알려진 일본 그림 중 하나는 어부 아내의 꿈입니다. 유명한 화가 호쿠사이가 1814년에 그렸습니다. 엄격한 정의에 따르면 Hokusai의 이 놀라운 작품은 3권의 춘화 책인 Young Pines(Kinoe no Komatsu)의 우키요에 목판화이기 때문에 그림으로 간주될 수 없습니다. 이 구성은 한 쌍의 문어와 성적으로 얽힌 젊은 아마 다이버를 묘사합니다. 이 이미지는 19세기와 20세기에 큰 영향을 미쳤습니다. 이 작품은 Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf 및 Pablo Picasso와 같은 후기 예술가들에게 영향을 미쳤습니다.
2. 토미오카 테사이 "아베노 나카마로가 달을 바라보며 그리운 시를 쓴다"
Tessai Tomioka는 유명한 일본 예술가이자 서예가의 가명입니다. 그는 분징 전통의 마지막 주요 예술가이자 일본화 스타일의 첫 번째 주요 예술가 중 한 명으로 간주됩니다. 분진가는 에도 시대 말기에 자신을 문인 또는 지식인이라고 생각하는 예술가들 사이에서 번창한 일본 화파였습니다. Tessaia를 포함한 이 예술가들은 각자 자신의 스타일과 기술을 개발했지만 모두 중국 예술과 문화의 열렬한 팬이었습니다.
3. 후지시마 다케지 "동해의 일출"
Fujishima Takeji는 19세기 말과 20세기 초 요가(서양 스타일) 예술 운동에서 낭만주의와 인상주의를 발전시킨 것으로 알려진 일본 예술가입니다. 1905년에 그는 프랑스로 여행을 떠났고 그곳에서 당시 프랑스 운동, 특히 1932년 그림 동해의 일출에서 볼 수 있는 인상주의의 영향을 받았습니다.
4. 키타가와 우타마로 "10가지 여성의 얼굴, 군림하는 미녀 모음"
Kitagawa Utamaro는 1753년에 태어나 1806년에 사망한 일본의 저명한 예술가입니다. 그는 Ten Types of Women's Faces라는 시리즈로 가장 잘 알려져 있습니다. 지배 미인, 테마 컬렉션 위대한 사랑고전시"(때때로 "사랑에 빠진 여성"이라고 불리며 "벌거 벗은 사랑"과 "생각에 잠긴 사랑"이 별도의 판화 포함). 그는 우키요에 목판화 장르에 속하는 가장 중요한 예술가 중 한 명입니다.
5. 가와나베 쿄사이 "호랑이"
Kawanabe Kyosai는 에도 시대의 가장 유명한 일본 예술가 중 한 명입니다. 그의 예술은 16세기 가노 화가인 도하쿠의 영향을 받았는데, 그는 당시의 유일한 화가로서 섬세한 금가루 배경에 잉크로 화면 전체를 그렸습니다. Kyosai는 만화가로 알려져 있지만 유명한 그림일본 역사상 예술 XIX세기. "호랑이"는 Kyosai가 수채화와 잉크를 사용하여 만든 그림 중 하나입니다.
6. 가와구치코 호수의 요시다 히로시 후지산
요시다 히로시(吉田博)는 20세기 초 다이쇼(大正)와 쇼와(昭和) 시대에 부활한 일본의 신한가(新昌和) 양식의 주요 인물 중 한 명으로 알려져 있다. 전통 예술에도와 메이지 시대(XVII-XIX 세기)에 뿌리를 둔 우키요에. 그는 메이지 시대에 일본에서 받아들여진 서양 유화의 전통에서 훈련을 받았습니다.
7. 무라카미 타카시 "727"
무라카미 다카시는 아마도 우리 시대의 가장 유명한 일본 예술가일 것입니다. 그의 작품은 주요 경매에서 천문학적인 가격에 팔리고 있으며 그의 작품은 이미 일본뿐만 아니라 해외의 신세대 예술가들에게 영감을 주고 있습니다. Murakami의 예술은 다양한 매체를 포함하며 일반적으로 매우 평평한 것으로 묘사됩니다. 그의 작품은 일본 전통 문화와 대중 문화의 모티프를 통합한 색상 사용으로 유명합니다. 그의 그림의 내용은 종종 "귀엽다", "환각적"또는 "풍자적"이라고 묘사됩니다.
8. 쿠사마 야요이 "호박"
쿠사마 야오이(Yaoi Kusama)는 일본에서 가장 유명한 예술가 중 한 명이기도 합니다. 그녀는 페인팅, 콜라주, 스캣 조각, 공연 예술, 환경 예술, 설치 등 다양한 매체로 작업하며 대부분 사이키델릭한 색상, 반복 및 패턴에 대한 주제별 관심을 보여줍니다. 이 위대한 예술가의 가장 유명한 시리즈 중 하나는 호박 시리즈입니다. 밝은 노란색의 물방울 무늬 일반 조롱박이 그물에 대해 표시됩니다. 이러한 모든 요소는 함께 예술가의 스타일에 틀림없는 시각적 언어를 형성하며 수십 년 동안 공들인 제작 및 복제를 통해 개발되고 개선되었습니다.
9. 텐묘야 히사시 "일본 정신 #14"
Tenmyoya Hisashi는 네오 니혼가 그림으로 유명한 일본 현대 미술가입니다. 그는 현대 일본화와 정반대인 일본화의 옛 전통을 되살리는 데 참여했다. 2000년에는 새로운 화풍인 부토하(부토하)를 선보이기도 했는데, 이는 그의 그림을 통해 권위 있는 예술 시스템에 대한 확고한 태도를 보여줍니다. "일본 정신 14호"는 일본 문화에서 전국 시대 하층 귀족의 반항적인 행동으로 해석되는 "BASARA" 예술 계획의 일부로 만들어졌습니다. 당국이 호화롭고 호화로운 옷을 입고 그들의 사회 계급에 맞지 않는 자유 의지에 따라 행동함으로써 이상적인 생활 방식을 달성할 수 있는 능력을 박탈하기 위한 것입니다.
10. 가쓰시카 호쿠사이 "카나가와의 큰 파도"
마지막으로, 가나가와 앞바다의 큰 파도는 아마 가장 잘 알려진 것입니다. 일본화적. 정말 가장 유명한 작품일본에서 만든 예술. 가나가와 현 연안에서 배를 위협하는 거대한 파도를 묘사합니다. 때때로 쓰나미로 오인되기도 하지만, 그림의 이름에서 알 수 있듯이 파도는 단순히 비정상적으로 높은 높이를 가지고 있을 가능성이 큽니다. 그림은 우키요에 전통으로 만들어졌습니다.
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일본은 372,000 평방 킬로미터로 극동에서 가장 작은 나라입니다. 그러나 일본이 세계 문화사에 기여한 공헌은 위대한 고대 국가의 공헌에 못지 않습니다.
이 고대 국가 예술의 기원은 기원전 8천년으로 거슬러 올라갑니다. 그러나 그녀의 예술 생활의 모든 영역에서 가장 중요한 단계는 AD 6-7세기에 시작된 기간이었습니다. 그리고 19세기 중반까지 계속되었다. 일본 미술의 발전은 고르지 않게 진행되었지만 너무 급격한 변화나 급격한 쇠퇴를 알지 못했습니다.
일본 미술은 특별한 자연 및 역사적 조건에서 발전했습니다. 일본은 4개의 큰 섬(혼슈, 홋카이도, 규슈, 시오쿠)과 많은 작은 섬에 위치해 있습니다. 오랫동안 난공불락이었고 외부 전쟁을 알지 못했습니다. 본토와 일본의 근접성은 고대 중국 및 한국과의 접촉 확립에 영향을 미쳤습니다. 이것은 일본 예술의 발전을 가속화했습니다.
일본 중세 미술은 한국과 중국 문화의 영향을 받아 성장했습니다. 일본은 중국 문자와 중국 세계관의 특징을 채택했습니다. 불교는 일본의 국교가 되었다. 그러나 일본인들은 중국의 사상을 나름대로 굴절시켜 자신들의 생활방식에 적응시켰다.
일본 가옥, 일본식 인테리어
일본 가옥은 외부만큼이나 내부도 깨끗하고 소박합니다. 그것은 항상 깨끗하게 유지되었습니다. 광택이 나는 바닥은 가벼운 짚 매트-다다미로 덮여 방을 직사각형으로 나누었습니다. 문앞에서 신발을 벗고 옷장에 물건을 보관했으며 부엌은 거실과 분리되었습니다. 방에는 일반적으로 영구적인 물건이 없었습니다. 그들은 필요에 따라 가져오고 가져갔습니다. 그러나 텅 빈 방에 있는 모든 것, 꽃병에 꽂힌 꽃, 그림, 옻칠한 탁자 등 모든 것이 시선을 끌었고 특별한 표현력을 얻었다.
모든 유형의 예술은 중세 일본의 집, 사원, 궁전 또는 성의 공간 디자인과 관련이 있습니다. 각각은 서로를 보완하는 역할을 했습니다. 예를 들어, 능숙하게 선택한 꽃다발은 풍경화에서 전달되는 분위기를 보완하고 돋보이게 합니다.
일본 가옥의 장식과 같은 흠잡을 데 없는 정밀함, 동일한 소재감이 장식 예술 제품에서도 느껴졌습니다. 다도에서 가장 큰 보석으로 손으로 만든 도구가 사용되는 것은 당연합니다. 부드럽고 울퉁불퉁한 그릇은 젖은 진흙을 조각한 손가락의 흔적을 간직하고 있었다. 핑크 펄, 청록색 라일락 또는 그레이 블루 유약은 눈에 띄지 않았지만 일본 예술의 모든 대상과 관련된 삶과 함께 자연 자체의 광채를 느꼈습니다.
일본 도자기
유약을 바르지 않고 손으로 빚어 저온에서 구운 점토 그릇은 다른 고대 민족의 도자기와 비슷했습니다. 그러나 그들은 이미 일본 문화 고유의 특징을 가지고 있었습니다. 다양한 모양의 주전자와 접시의 패턴은 허리케인, 바다 및 불을 뿜는 산의 요소에 대한 아이디어를 반영했습니다. 이 제품들의 환상은 자연 그 자체에서 촉발된 것 같았다.
볼록한 점토 묶음 패턴이 붙은 거의 1미터 높이에 이르는 거대한 주전자는 구불구불한 조개껍질, 분지형 산호초, 얽힌 조류 또는 들쭉날쭉한 화산 가장자리와 비슷합니다. 이 웅장하고 기념비적인 꽃병과 그릇은 가정에서뿐만 아니라 의식용으로도 사용되었습니다. 그러나 기원전 1 천년 중반. 청동 제품이 사용되었고 도자기 도구는 의식 목적을 잃었습니다.
도자기 옆에 무기, 보석, 청동 종 및 거울과 같은 예술 공예품의 신제품이 나타났습니다.
일본 가정 용품
서기 9~12세기에는 일본 귀족의 취향이 장식 예술에서 드러난다. 매끄럽고 습기에 강한 옻칠 제품에 금은 가루를 뿌려 마치 일본식 방의 황혼을 비추는 것처럼 가볍고 우아하며 다양한 일상 용품을 구성했습니다. 옻칠은 그릇과 관, 상자와 탁자, 악기를 만드는 데 사용되었습니다. 사원과 일상 생활의 모든 작은 것-음식을위한은 수저, 꽃을위한 화병, 편지를위한 무늬 종이, 수 놓은 벨트-세계에 대한 일본인의 시적이고 감정적 인 태도를 드러 냈습니다.
일본 회화
기념비적인 궁궐 건축의 발달과 함께 궁중 화가들의 활동은 더욱 활발해졌다. 예술가들은 벽뿐만 아니라 방의 그림과 이동식 칸막이 역할을하는 여러 장의 종이 병풍을 넓은 표면에 칠해야했습니다. 재능있는 장인의 창의적인 방식의 특징은 벽 패널이나 스크린의 광대한 평면에서 풍경의 크고 다색적인 세부 사항을 선택하는 것입니다.
두껍고 육즙이 많은 반점이있는 황금빛 빛나는 배경에서 Kano Eitoku가 수행 한 꽃, 허브, 나무 및 새의 구성은 우주의 힘과 화려함에 대한 일반화 된 아이디어입니다. 16세기 일본 도시의 삶과 삶을 반영하는 그림과 새로운 주제에 포함된 자연 모티프와 함께 카노파의 대표자.
궁전 화면에는 단색 풍경도있었습니다. 그러나 그들은 훌륭한 장식 효과가 있습니다. 셋슈의 제자인 하세가와 도하쿠(1539-1610)가 그린 병풍입니다. 흰색 무광택 표면은 화가에 의해 두꺼운 안개 베일로 해석되어 환상처럼 오래된 소나무의 실루엣이 갑자기 터집니다. 몇 개의 대담한 잉크 방울로 Tohaku는 가을 숲의 시적인 그림을 만듭니다.
부드러운 아름다움을 지닌 단색 산수 두루마리는 궁전 방의 스타일과 일치하지 않았습니다. 그러나 그들은 영적 집중과 평화를 위해 설계된 chashitsu 차 파빌리온의 필수 불가결 한 부분으로서의 의미를 유지했습니다.
일본 거장들의 예술 작품은 고대 스타일에 충실할 뿐만 아니라 항상 다른 예술 작품에는 없는 새로운 것을 담고 있습니다. 일본 미술에는 진부한 표현과 템플릿이 들어갈 자리가 없습니다. 그 안에는 자연과 마찬가지로 완전히 동일한 두 개의 창조물이 없습니다. 그리고 지금도 일본 거장들의 작품은 다른 나라의 작품과 혼동될 수 없다. 일본 미술에서 시간은 느려졌지만 멈추지는 않았다. 일본 미술에서는 고대의 전통이 오늘날까지 살아 남았습니다.
