쇼스타코비치 교향곡의 바로크 장르. 창의성 d
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상트페테르부르크 주립대학교
수필주제:
“ 창의성 D.D. 쇼스타코비치”
2011년 상트페테르부르크
안에지휘
Shostakovich Dmitry Dmitrievich (1906-1975) - 우리 시대의 가장 위대한 작곡가 중 한 명, 뛰어난 피아니스트, 교사 및 공인. 쇼스타코비치가 수상했다. 인민 예술가소련(1954), 사회주의 노동의 영웅(1966), 국가 상소련 (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), RSFSR 국가 상 (1974), 상. 시벨리우스, 국제 평화상(1954). 세계 여러 나라의 아카데미 및 대학교 명예 회원.
오늘날 쇼스타코비치는 세계에서 가장 많이 연주되는 작곡가 중 한 명입니다. 그의 창작물은 인간 내면의 드라마와 20세기에 닥친 끔찍한 고통의 연대기를 진정으로 표현한 것입니다.
Shostakovich 음악의 장르와 미적 다양성은 엄청납니다. 일반적으로 받아 들여지는 개념을 사용하면 작곡가의 작업에 음조, 무조 및 모달 음악, 모더니즘, 전통주의, 표현주의 및 "웅장한 스타일"의 요소가 얽혀 있습니다.
Shostakovich에 대해 많이 쓰여졌습니다. 그의 거의 모든 작품이 자세히 연구되었고, 음악 장르에 대한 그의 태도가 결정되었으며, 그의 스타일과 삶의 다양한 측면이 탐구되었습니다. 결과적으로 심층 연구에서 세미 타블로이드 간행물에 이르기까지 크고 다양한 문헌이 개발되었습니다.
삽화D.D. 쇼스타코비치
쇼스타코비치 교향곡 작곡가 시
폴란드 출신인 Dmitry Shostakovich는 1906년 9월 12일(25) 상트페테르부르크에서 태어나 1975년 8월 9일 모스크바에서 사망했습니다. 아버지는 화학 엔지니어이자 음악 애호가입니다. 어머니 - 재능있는 피아니스트, 그녀는 피아노 연주의 초기 기술을 제공했습니다. 1919년 사립 음악 학교에서 공부한 후 쇼스타코비치는 페트로그라드 음악원 피아노반에 입학했고 나중에 작곡을 공부하기 시작했습니다. 아직 학생이었을 때 그는 일을 시작했습니다. 그는 "조용한"영화를 상영하는 동안 피아니스트였습니다.
1923년 쇼스타코비치는 음악원을 피아니스트(L.V. Nikolaev 휘하)로, 1925년에는 작곡가로 졸업했습니다. 그의 논문은 First Simony였습니다. 그것은 뮤지컬 인생에서 가장 큰 사건이 되었고 작가의 세계적 명성의 시작을 알렸다.
이미 First Symphony에서 저자가 P.I의 전통을 어떻게 이어가는지 볼 수 있습니다. 차이코프스키, N.A. 림스키-코르사코프, M.P. 무소르그스키, 리아도프. 이 모든 것은 자신의 방식으로 신선하게 굴절되는 주요 흐름의 합성으로 나타납니다. 교향곡은 활동성, 역동적인 압력, 예상치 못한 대비로 유명합니다.
이 기간 동안 Shostakovich는 피아니스트로서 콘서트를 열었습니다. 그는 제1회 국제 콩쿠르에서 명예 졸업장을 받았습니다. F. 바르샤바의 쇼팽은 한동안 음악 작곡이나 콘서트 활동을 자신의 직업으로 삼는 선택에 직면했습니다.
첫 번째 교향곡 이후 새로운 음악적 수단을 찾기 위해 짧은 기간의 실험이 시작되었습니다. 이때 첫 번째 피아노 소나타 (1926), 연극 "Aphorisms"(1927), 두 번째 교향곡 "October"(1927), 세 번째 교향곡 "May Day"(1929)가 등장했습니다.
영화 및 연극 음악 ( "New Babylon"1929), "Golden Mountains"(1931), 공연 "The Bedbug"(1929) 및 "Hamlet"(1932))의 등장은 새로운 이미지, 특히 사회적 캐리커처의 형성과 관련이 있습니다. 이것의 연속은 오페라 The Nose (N.V. Gogol 1928 기반)와 N.S. 기반 오페라 Lady Macbeth of the Mtsensk District (Katerina Izmailova)에서 발견되었습니다. 레스코프(1932).
N.S. Leskov는 Shostakovich에 의해 부당한 사회 질서에서 뛰어난 여성 본성의 드라마로 다시 생각되었습니다. 작가는 자신의 오페라를 "비극 풍자"라고 불렀습니다. 그녀의 음악 언어에서 "The Nose"정신의 그로테스크는 러시아 로맨스와 여운의 요소와 결합됩니다. 1934년 이 오페라는 "카테리나 이즈마일로바"라는 제목으로 레닌그라드와 모스크바에서 상연되었다. 극장에서 일련의 시사회가 이어졌습니다. 북아메리카그리고 유럽(오페라가 레닌그라드에서 36회, 모스크바에서 94회 공개되었으며 스톡홀름, 프라하, 런던, 취리히, 코펜하겐에서도 상연되었습니다. 그것은 승리였으며 쇼스타코비치는 천재로 축하받았습니다.)
4번(1934), 5번(1937), 6번(1939) 교향곡은 쇼스타코비치 작품의 새로운 단계를 나타냅니다.
교향곡 장르를 개발하는 Shostakovich는 동시에 모든 것을 제공합니다. 더 큰 가치실내악.
맑고 밝고 우아하며 균형 잡힌 첼로와 피아노를 위한 소나타(1934), 현악 4중주 1번(1938), 현악 4중주와 피아노를 위한 5중주(1940)는 음악 인생의 주요 사건으로 등장한다.
교향곡 7번(1941)은 위대한 음악가의 기념비가 되었습니다. 애국 전쟁. 그녀의 아이디어의 연속은 여덟 번째 교향곡이었습니다.
전후 몇 년 동안 Shostakovich는 보컬 장르에 점점 더 많은 관심을 기울였습니다.
언론에서 Shostakovich에 대한 새로운 공격의 물결은 1936 년에 발생한 공격을 훨씬 능가했습니다. 지시에 복종하도록 강요받은 Shostakovich는 "그의 실수를 깨닫고"오라토리오 Song of the Forests (1949), 칸타타 The Sun Shines Over를 전달했습니다. 우리 조국 (1952) , 역사 및 군사 애국적인 내용의 여러 영화를위한 음악 등으로 그의 입장을 부분적으로 완화했습니다. 동시에 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡 1번, 보컬 사이클 "유대인 민속 시에서"(둘 다 1948년)(마지막 사이클은 반유대주의 정책과 전혀 일치하지 않았습니다. 상태), 현악 사중주 N4 및 N5(1949, 1952), 피아노를 위한 "24개의 전주곡 및 푸가" 사이클(1951); 마지막을 제외하고 모두 스탈린이 죽은 후에야 처형되었습니다.
Shostakovich의 교향곡은 가장 흥미로운 사용 예를 제공합니다. 고전 유산일상 장르, 대량 노래 (11 번째 교향곡 "1905"(1957), 12 번째 교향곡 "1917"(1961)). L.-V 유산의 지속과 발전. 베토벤은 E. Yevtushenko의 구절에 쓰여진 13 번째 교향곡 (1962)이었습니다. 저자 자신은 그의 교향곡 14번(1969)에서 무소르그스키의 "죽음의 노래와 춤"의 아이디어가 사용되었다고 말했습니다.
중요한 이정표-시 "스테판 라진의 처형"(1964)은 쇼스타코 비치의 작품에서 서사시의 정점이되었습니다.
교향곡 14번은 실내악, 실내악, 교향곡 장르의 성과를 결합했습니다. F. Garcia Loki, T. Appolinaro, V. Kuchelbecker 및 R.M. Rilke는 매우 철학적이고 서정적인 작품을 만들었습니다.
교향곡 장르의 발전에 대한 위대한 작업의 완성은 D.D. 쇼스타코비치.
작곡:
오페라-코 오페라 극장), Mtsensk 지역의 Lady Macbeth (Katerina Izmailova, N.S. Leskov 이후, Preis와 저자의 대본, 1932, 1934 년 상연, Leningrad Maly Opera House, V.I. Nemirovich-Danchenko의 이름을 딴 모스크바 뮤지컬 극장, 1956 년 새 버전, NV 전용 Shostakovich, 1963 년 상연, KS Stanislavsky 및 VI Nemirovich-Danchenko의 이름을 딴 모스크바 뮤지컬 극장), 플레이어 (Gogol에 따르면 완료되지 않음, 콘서트 공연 1978, Leningrad Philharmonic Society);
발레 - The Golden Age(1930, Leningrad Opera and Ballet Theatre), Bolt(1931, ibid.), Bright Stream(1935, Leningrad Maly Opera Theatre); 뮤지컬 코미디 모스크바, Cheryomushki (V.Z. Mass 및 M.A. Chervinsky의 대본, 1958, 1959 년 모스크바 오페레타 극장에서 상연);
솔리스트, 합창단 및 오케스트라를위한-숲의 오라토리오 노래 (E.Ya. Dolmatovsky의 단어, 1949), cantata Over Our Motherland the sun shines (words by Dolmatovsky, 1952),시-Poem about the Motherland (1947), Stepan Razin의 처형 (E.A. Evtushenko, 1964);
합창단과 오케스트라를 위해 - Hymn to Moscow (1947), Hymn of the RSFSR (S. P. Shchipachev, 1945);
오케스트라 - 15 개의 교향곡 (No. 1, f-moll op. 10, 1925; No. 2 - October, A.I. Bezymensky, H-dur op. 14, 1927의 단어에 대한 최종 합창단, No. 3, Pervomaiskaya , 오케스트라와 합창의 경우 S. I. Kirsanov, Es-dur op. 20, 1929; No. 4, c-moll op. 43, 1936; No. 5, d-moll op. 47, 1937; No. 6, h-moll op. 54, 1939, No. 7, C-dur op. 60, 1941, 레닌그라드 시에 헌정, No. 8, c-moll op. 65, 1943, E. A. Mravinsky에 헌정, No. 9 , Es-dur op. 70, 1945; No. 10, e-moll op. 93, 1953; No. 11, 1905, g-moll op. 103, 1957; No. 12-1917, V. I. Lenin, d-moll op. 112, 1961, 13번, b-moll op. 113, E. A. Yevtushenko 작사, 1962년, No. 14, op. 135, F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. Kuchelbecker 작사 및 R. M. Rilke, 1969, B. Britten에게 헌정, No. 15, op. 141, 1971), 교향시 October(op. 131, 1967), 러시아어 및 키르기스어로 된 서곡 민속 테마(op. 115, 1963), Holiday Overture(1954), 2개의 scherzos(op. 1, 1919; op. 7, 1924), Dressel의 Christopher Columbus 서곡(op. 23, 1927), 5개의 단편(op. 42) , 1935), Novorossiysk chimes (1960), Stalingrad 전투 영웅을 기념하는 장례식 및 승리 전주곡 (op. 130, 1967), 모음곡 - 오페라 The Nose (op. 15-a, 1928)에서 발레 The Golden Age ( op. 22-a, 1932), 5 개의 발레 모음곡 (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931), 영화 악보 Golden Mountains (op. 30-a) , 1931), Elbe에서의 회의( op. 80-a, 1949), First Echelon(op. 99-a, 1956), 음악에서 셰익스피어의 비극 Hamlet(op. 32-a, 1932)까지;
악기와 관현악을 위한 협주곡 - 피아노 2번(c-moll op. 35, 1933; F-dur op. 102, 1957), 바이올린 2번(a-moll op. 77, 1948, D. F. Oistrakh 전용, cis -minor op. 129, 1967, 그에게 헌정), 첼로용 2개(Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966);
을 위한 브라스 밴드- 소비에트 경찰의 행진(1970);
재즈 오케스트라 - 모음곡 (1934);
실내악 앙상블 - 바이올린 및 피아노 소나타용(d-moll op. 134, 1968, D. F. Oistrakh 전용); 비올라와 피아노 소나타(op. 147, 1975); 첼로와 피아노 소나타(d-moll op. 40, 1934, V. L. Kubatsky 전용), 3곡(op. 9, 1923-24); 피아노 트리오 2개(1923년 op. 8; 1944년 I.P. Sollertinsky를 기념하여 op. 67), 현악기 15개, 사중주(No. l, C-dur op. 49, 1938: No. 2, A-dur op. 68 , 1944, V. Ya. Shebalin, No. 3, F-dur op. 73, 1946, Beethoven Quartet, No. 4, D-dur op. 1952, Beethoven Quartet, No. 6, G장조 op. 101, 1956, No. 7, fis-moll op. 108, 1960, N. V. Shostakovich를 기리기 위해, No. 8, c-moll op. 110, 1960, 파시즘과 전쟁의 희생자, 9번, Es-dur op.117, 1964, I. A. Shostakovich에게 헌정, 10번, As-dur op. 118, 1964, M. S. Weinberg에게 헌정, 11번, f-moll op. .122, 1966, V. P. Shiriisky, No. 12, Des-dur op.133, 1968, D. M. Tsyganov 전용, No. 13, b-moll, 1970, V. V. Borisovsky 전용; No. 14, Fis- 142, 1973, S. P. Shirinsky에게 헌정; No. 15, es-moll op. 144, 1974), 피아노 5중주(g-moll op. 57, 1940), 현악 옥텟을 위한 2개의 작품(1924, op. 11) -25);
피아노 - 소나타 2개(C-dur op. 12, 1926; h-moll op. 61, 1942, L.N. Nikolaev 전용), 전주곡 24개(op. 32, 1933), 전주곡 24개 및 푸가(op. 87, 1951) ), 8개의 전주곡(op. 2, 1920), 격언(10개의 소품, op. 13, 1927), 3개의 환상적인 춤(op. 5, 1922), 어린이 수첩(6개의 소품, op. 69, 1945), Puppet Dances (7편, op. 없음, 1952);
피아노 2대용 - 콘체르티노(op. 94, 1953), 모음곡(op. 6, 1922, D. B. Shostakovich를 기리기 위해 헌정);
음성 및 오케스트라용 - Krylov의 우화 2개(op. 4, 1922), 일본 시인의 가사에 대한 로맨스 6개(op. 21, 1928-32, N. V. Varzar 전용), R의 텍스트에 대한 영국 및 미국 민요 8개 . Burns 및 S. Ya. Marshak이 번역한 기타 번역본(op., 1944);
피아노가있는 합창단-인민위원회에 대한 맹세 (V.M. Sayanov, 1942);
아카펠라 합창단 - 러시아 혁명 시인의 가사에 대한 10개의 시(op. 88, 1951), 러시아 민요의 편곡 2개(op. 104, 1957), Loyalty(E.A. Dolmatovsky의 가사에 대한 8개의 발라드, op. 136 , 1970);
음성, 바이올린, 첼로 및 피아노 - A. A. Blok의 가사에 대한 7개의 로맨스(op. 127, 1967); 보컬 사이클 소프라노, 콘트랄토, 피아노와 테너를 위한 유대 민속 시에서 발췌(op. 79, 1948); 피아노의 목소리를 위해 - A.S. Pushkin(op. 46, 1936), W. Raleigh, R. Burns 및 W. Shakespeare의 가사에 대한 6개의 로맨스(op. 62, 1942; 챔버 오케스트라 버전), M.A. Svetlov (op. 72, 1945), M.Yu의 단어에 대한 2 개의 로맨스. Lermontov (op. 84, 1950), E.A. Dolmatovsky (op. 86, 1951), A.S. Pushkin (op. 91, 1952), E.A. Dolmatovsky (op. 98, 1954), 스페인 노래 (op. 100, 1956), S. Cherny의 가사에 대한 5 개의 풍자 (op. 106, 1960), 잡지 "Crocodile"의 단어에 대한 5 개의 로맨스 (op. 121, 1965) , 봄 (Pushkin의 단어, op. 128, 1967), M.I. Tsvetaeva(op. 143, 1973; 실내 오케스트라 변형), Michelangelo Buonarroti의 소네트 모음곡(op. 148, 1974; 실내 오케스트라 변형); Lebyadkin 대위의시 4 개 (F. M. Dostoevsky, op. 146, 1975의 단어);
솔리스트, 합창단 및 피아노 - 러시아 민요 편곡 (1951);
드라마 극장 공연을 위한 음악 - Mayakovsky의 Bedbug(1929, Moscow, V.E. Meyerhold Theatre), Bezymensky의 Shot(1929, Leningrad TRAM), Gorbenko 및 Lvov의 Virgin Land(1930, ibid), " Rule, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid.), Shakespeare's Hamlet (1932, 모스크바, Vakhtangov Theatre), " 휴먼 코미디 Sukhotin, O. Balzac 이후(1934, ibid), Afinogenov's Salute, Spain(1936, Pushkin Leningrad Drama Theatre), 셰익스피어의 King Lear(1941, Gorky Leningrad Bolshoi Drama Theatre);
영화 음악 - "New Babylon"(1929), "One"(1931), "Golden Mountains"(1931), "Counter"(1932), "Love and Hate"(1935), "Girlfriends"(1936), 3부작 - Maxim's Youth(1935), Maxim's Return(1937), Vyborg Side(1939), Volochaev Days(1937), Friends(1938), Man with a Gun(1938), "Great Citizen"(2개의 에피소드, 1938-39) ), "Stupid Mouse"(만화, 1939), "Korzinkina의 모험"(1941), "Zoya"(1944), " 단순한 사람들"(1945), "Pirogov"(1947), "Young Guard"(1948), "Michurin"(1949), "Meeting on the Elbe"(1949), "Unforgettable 1919"(1952), "Belinsky"(1953) ), "Unity"(1954), "The Gadfly"(1955), "First Echelon"(1956), "Hamlet"(1964), "A Year Like Life"(1966), "King Lear"(1971) 및 등.;
다른 저자의 작품 계측 - M.P. Mussorgsky-오페라 Boris Godunov (1940), Khovanshchina (1959), 보컬 사이클 Songs and Dances of Death (1962); V.I. 플레시먼(1943); 호로프 A.A. Davidenko - "At the tenth verst" 및 "The Street is Kart"(합창단 및 오케스트라, 1962).
에 대한사회와D.D. 여오스타코비치
쇼스타코비치는 20세기 음악에 빠르고 영광스럽게 입문했습니다. 그의 첫 교향곡은 단기간에 전 세계의 많은 공연장을 순회하며 새로운 인재의 탄생을 알렸다. 그 후 몇 년 동안 젊은 작곡가는 자신의 아이디어에 굴복하고 극장과 영화의 명령을 이행하고 다양한 예술적 환경에 대한 검색에 감염되고 정치적 참여에 대한 경의를 표하며 성공적으로 그리고 그다지 좋지 않은 방식으로 많은 글을 씁니다. . 그 당시 예술적 급진주의와 정치적 급진주의를 분리하는 것은 상당히 어려웠습니다. 예술의 "산업적 편의성"에 대한 아이디어, 솔직한 반 개인주의 및 "대량"에 대한 호소력을 가진 미래주의는 어떤면에서 볼셰비키 미학과 관련이 있습니다. 따라서 그 당시 매우 인기있는 혁명적 주제로 만들어진 작품의 이중성 (두 번째 및 세 번째 교향곡). 이러한 이중 주소 지정은 당시 일반적으로 일반적이었습니다(예: Mayerhold의 연극 또는 Mayakovsky의 시). 당시의 예술 혁신가들에게는 혁명이 그들의 대담한 탐구 정신과 일치하고 그들에게만 기여할 수 있다고 생각했습니다. 나중에 그들은 혁명에 대한 그들의 믿음이 얼마나 순진했는지 알게 될 것입니다. 그러나 Shostakovich의 첫 번째 주요 작품이 탄생 한 그해에-교향곡, 오페라 "The Nose", 전주곡-예술적 삶은 실제로 끓고 끓였으며 밝고 혁신적인 사업, 특별한 아이디어, 다채로운 혼합의 분위기에서 예술적 방향억제되지 않은 실험을 통해 젊고 강한 재능을 가진 사람이라면 누구나 그의 넘치는 창의적 에너지에 대한 응용 프로그램을 찾을 수 있습니다. 그리고 그해 Shostakovich는 삶의 흐름에 완전히 사로 잡혔습니다. 역학은 결코 차분한 명상에 도움이 되지 않았고, 반대로 효과적이고 현대적이며 비 주제적인 예술을 요구했습니다. 그리고 그 당시의 많은 예술가들과 마찬가지로 쇼스타코비치는 한동안 의식적으로 그 시대의 일반적인 톤에 맞춰 음악을 쓰려고 노력했습니다.
쇼스타코비치는 1936년 그의 두 번째(그리고 마지막) 오페라 므첸스크 지구의 레이디 맥베스의 제작과 관련하여 전체주의적 문화 기계로부터 첫 번째 심각한 타격을 받았습니다. 그러한 정치적 분열의 불길한 의미는 1936년에 치명적인 탄압 메커니즘이 이미 그 거대한 범위에서 작동하고 있었다는 사실에 있습니다. 이데올로기 비판은 단 한 가지를 의미했습니다. 당신이 "바리케이드의 반대편"에 있으므로 존재의 반대편에 있거나 "비판의 정의"를 인식하면 생명이 부여됩니다. 자신의 "I"를 포기하는 대가로 Shostakovich는 처음으로 그러한 고통스러운 선택을해야했습니다. 그는 "이해"하고 "인정"했으며, 또한 초연에서 네 번째 교향곡을 제거했습니다.
후속 교향곡 (5 번째 및 6 번째)은 공식 선전에 의해 "실현", "수정"의 행위로 해석되었습니다. 실제로 쇼스타코비치는 교향곡의 공식을 새로운 방식으로 사용하여 내용을 위장했습니다. 그럼에도 불구하고 공식 언론은 이러한 글을 지지했다(그리고 지지하지 않을 수 없었다). 그렇지 않으면 볼셰비키당이 비판의 완전한 모순을 인정해야 했기 때문이다.
쇼스타코비치는 7번째 교향곡 "레닌그라드"를 작곡함으로써 전쟁 중 "소비에트 애국자"로서의 명성을 확인했습니다. 세 번째로 (첫 번째와 다섯 번째 이후) 작곡가는 자국뿐만 아니라 성공의 열매를 거두었습니다. 주인으로서의 권위 현대 음악이미 인정받은 것 같았다. 그러나 이것은 1948 년 당국이 볼셰비키 전 연합 공산당 중앙위원회 결의안 "V. Muradeli의 오페라 The Great Friendship에서"발표와 관련하여 정치적 구타와 괴롭힘을당하는 것을 막지는 못했습니다. ". 비판은 거셌다. Shostakovich는 이전에 가르쳤던 모스크바와 레닌 그라드 음악원에서 추방되었으며 그의 작품 공연은 금지되었습니다. 그러나 작곡가는 포기하지 않고 작업을 계속했습니다. 스탈린이 사망한 지 5년 후인 1958년에야 이 결정은 공식적으로 잘못된 것으로 인정되었습니다. 그때부터 Shostakovich의 공식 입장이 개선되기 시작했습니다. 그는 소련 음악의 인정받는 고전이며 국가는 더 이상 비판하지 않고 자신에게 더 가까워집니다. 외부 웰빙 뒤에는 Shostakovich가 여러 작곡을 썼던 작곡가에 대한 지속적이고 증가하는 압력이있었습니다. RSFSR 작곡가 연합의 지도력으로 간주되는 Shostakovich가이 게시물의 지위에 따라 요구되는 파티에 가입하도록 강요하기 시작했을 때 가장 큰 압력이 가해졌습니다. 그 당시 그러한 행동은 게임의 규칙에 대한 찬사로 간주되어 거의 현상이되었습니다. 가계 계획. 당원은 순전히 공식적인 성격을 얻었습니다. 그러나 Shostakovich는 고통스럽게 파티에 참여했습니다.
티방사능
20세기 말, 지난 10년의 정점에서 과거에 대한 관점이 열릴 때 쇼스타코비치의 위치는 고전적 전통에 따라 결정됩니다. 문체 적 특징이 아니라 신고전주의 회고의 의미가 아니라 음악적 사고의 구성 요소 전체에서 음악의 목적을 이해하는 깊은 본질에 의해. 작곡가가 운영하는 모든 것, 그의 작품을 만드는 것은 그 당시에 아무리 혁신적으로 보였더라도 궁극적으로 그 출처를 가졌습니다. 비엔나 고전주의, 뿐만 아니라 - 그리고 더 광범위하게 - 톤-하모닉 기반, 일련의 전형적인 형식, 장르 구성 및 세부 사항에 대한 이해와 함께 전체 동음 시스템. Shostakovich는 현대 유럽 음악의 역사에서 한 시대를 완성했으며 그 시작은 18 세기로 거슬러 올라가며 Bach, Haydn 및 Mozart의 이름과 관련이 있습니다. 이런 의미에서 쇼스타코비치는 바로크 시대와 관련하여 바흐가 했던 것과 같은 고전-낭만 시대와 관련하여 같은 역할을 했다. 작곡가는 지난 세기 유럽 음악의 발전 과정에서 그의 작품에서 많은 라인을 합성했으며 완전히 다른 방향이 이미 완전히 개발되고 새로운 개념의 음악이 시작되는 시기에 이 마지막 기능을 수행했습니다.
Shostakovich는 소리 형식의 독립적인 게임으로서의 음악에 대한 태도와는 거리가 멀었습니다. 그는 음악이 자기 자신만을 표현할 뿐이라는 스트라빈스키의 의견에 거의 동의할 수 없었습니다. Shostakovich는 그 이전의 위대한 음악 제작자와 마찬가지로 작곡가의 자기 실현 수단을 창작 할 수있는 음악가뿐만 아니라 사람으로도 보았다는 점에서 전통적이었습니다. 그는 주변에서 목격한 끔찍한 현실에서 벗어나지 않았을 뿐만 아니라, 반대로 그것을 경험했다. 자신의 운명전체 세대, 국가 전체의 운명으로.
쇼스타코비치 작품의 언어는 전후 아방가르드 이전에야 형성될 수 있었고, 억양, 선법, 조성, 화성, 박자, 전형적인 형식, 역사적으로 확립된 유럽의 학문적 전통은 그것에 대한 중요성을 완전히 유지합니다. 그리고 이것은 다른 억양, 특별한 유형의 모드, 음조에 대한 새로운 이해, 자체 조화 시스템, 형식 및 장르에 대한 새로운 해석이지만 이러한 수준의 음악 언어의 존재는 이미 전통에 속한다고 말합니다. 동시에 그 당시의 모든 발견은 역사적으로 확립된 언어 체계를 뒤흔들면서 가능성의 직전에 균형을 이루고 있었지만 그에 의해 발전된 범주 안에 남아 있었습니다. 혁신 덕분에 음악 언어의 동음이의 개념은 여전히 소진되지 않은 매장량, 사용되지 않은 기회를 드러내고 그 폭과 발전 전망을 입증했습니다. 20세기 음악 역사의 대부분은 이러한 전망 아래 지나갔고 쇼스타코비치는 의심할 여지 없이 여기에 기여했습니다.
소비에트 교향곡
1935년 겨울, 쇼스타코비치는 2월 4일부터 6일까지 3일 동안 모스크바에서 열린 소비에트 교향곡에 대한 토론에 참여했습니다. 그것은 젊은 작곡가의 가장 중요한 공연 중 하나였으며 추가 작업의 방향을 설명했습니다. 그는 교향곡 장르 형성 단계에서 문제의 복잡성, 표준 "레시피"로 문제를 해결할 위험, 개별 작품의 장점 과장에 반대하며 특히 교향곡 3 번과 5 번을 비판하면서 솔직하게 강조했습니다. L. K. Knipper "씹는 언어", 스타일의 비참함 및 원시성 . 그는 “... 소비에트 교향곡은 없다. 우리는 겸손해야하며 확장 된 형태로 우리 삶의 문체, 이데올로기 및 감정적 부분을 반영하고 훌륭한 형태로 반영하는 음악 작품이 아직 없다는 것을 인정해야합니다 ... 교향곡에서 우리는 새로운 음악적 사고, 미래 스타일의 소심한 스케치를 교육하는 경향이 있습니다...”.
Shostakovich는 M. Gorky와 다른 단어의 거장들의 작품에서 이미 가깝고 유사한 문제가 구현 된 소련 문학의 경험과 업적을 인식하도록 요청했습니다. Shostakovich에 따르면 음악은 문학보다 뒤떨어져 있습니다.
현대 예술적 창의성의 발전을 고려하면서 그는 서정적-심리적 교향곡을 향한 꾸준한 움직임으로 소비에트 음악에서 시작된 문학과 음악 과정 사이의 수렴의 징후를 보았습니다.
그에게 교향곡 2번과 3번의 주제와 스타일은 과거의 무대일 뿐만 아니라 자신의 창의력, 뿐만 아니라 소비에트 교향곡 전체에 대해서도 마찬가지입니다. 은유 적으로 일반화 된 스타일은 구식이되었습니다. 상징, 일종의 추상으로서의 인간은 새로운 작품 속에서 개성이 되기 위해 예술 작품을 떠났다. 교향곡에서 합창 에피소드의 단순화 된 텍스트를 사용하지 않고 줄거리에 대한 더 깊은 이해가 강화되었습니다. "순수한"교향곡의 음모에 대한 질문이 제기되었습니다.
그의 최근 교향곡 경험의 한계를 인식한 작곡가는 소련 교향곡의 내용과 양식적 소스를 확장할 것을 주장했습니다. 이를 위해 그는 외국 교향곡 연구에 주목했고, 소련 교향곡과 서양 교향곡의 질적 차이를 규명하기 위한 음악학의 필요성을 주장했다.
말러에서 시작하여 그는 서정적인 고백 교향곡에 대해 이야기했습니다. 내면 세계현대의. 시련은 계속되었습니다. 쇼스타코비치의 계획에 대해 누구보다 잘 알고 있던 솔러틴스키는 소비에트 교향곡에 대한 토론에서 "우리는 큰 관심을 가지고 쇼스타코비치 교향곡 4번의 등장을 기대하고 있다"고 명확하게 설명했다. Shostakovich가 이전에 썼던 세 개의 교향곡에서. 그러나 교향곡은 아직 초기 단계에 있습니다.”
토론 2개월 후인 1935년 4월 작곡가는 이렇게 발표했습니다.
내가 가진 모든 전자 음악적 소재이 작업은 이제 나에게 거부되었습니다. 교향곡이 다시 쓰여지고 있습니다. 이것은 저에게 매우 어렵고 책임감 있는 작업이기 때문에 먼저 실내악과 기악 스타일의 몇 가지 작곡을 쓰고 싶습니다.
1935 년 여름, Shostakovich는 영화 "Girlfriends"의 음악을 포함하는 수많은 실내악과 교향곡을 제외하고는 아무것도 할 수 없었습니다.
같은 해 가을, 그는 어떤 어려움이 그를 기다리고 있더라도 작품을 완성하고 봄에 "일종의 창조적인 일의 신조."
1935년 9월 13일에 교향곡을 쓰기 시작한 그는 연말까지 1악장과 대부분 2악장을 완전히 완성했습니다. 그는 빠르게, 때로는 경련을 일으켜 전체 페이지를 버리고 새 페이지로 교체했습니다. clavier 스케치의 손글씨는 불안정하고 유창합니다. 상상력이 녹음을 추월했고 메모는 펜보다 앞서 종이에 눈사태처럼 흘러갔습니다.
1936년 기사는 고전 유산에 대한 태도 문제, 전통 및 혁신 문제와 같은 소비에트 예술의 중요한 근본적인 문제에 대한 편협하고 일방적인 이해의 원천이 되었습니다. 클래식 음악의 전통은 음악의 기초로 간주되지 않았습니다. 추가 개발, 그러나 일종의 불변의 기준으로서 그 이상으로는 갈 수 없었습니다. 이러한 접근 방식은 혁신적인 검색을 방해하고 작곡가의 창의적인 주도권을 마비시켰습니다.
이러한 독단적인 태도는 소비에트 음악 예술의 성장을 막을 수는 없었지만 의심할 여지 없이 그 발전을 복잡하게 만들고 많은 충돌을 일으켰으며 평가에서 상당한 편향을 초래했습니다.
당시의 첨예한 논쟁과 논의는 음악 현상에 대한 평가의 충돌과 변화를 증언했다.
교향곡 5번의 오케스트레이션은 4번과 비교하여 금관 악기와 현악기 사이의 더 큰 균형이 특징이며 현악기가 우세합니다. Largo에는 금관 그룹이 전혀 없습니다. 음색 하이라이트는 발전의 본질적인 순간에 따라 달라지며, 그 순간을 따르고 그에 따라 결정됩니다. 억누를 수 없는 발레 악보의 관대함에서 쇼스타코비치는 음색의 절약에 눈을 돌렸습니다. 관현악 극작술은 형식의 일반적인 극적 방향에 의해 결정됩니다. 인토내셔널 텐션은 멜로디 릴리프와 오케스트라 프레이밍의 조합으로 만들어집니다. 오케스트라 자체의 구성도 착실하게 정해진다. 다양한 시도(교향곡 4번에서 4번까지)를 거친 Shostakovich는 이제 3번 구성을 고수했습니다. 그는 교향곡 5번에서 정확하게 확립되었습니다. 재료의 모달 구성과 깨지지 않는 오케스트레이션 모두에서 일반적으로 받아 들여지는 구성의 틀 내에서 작곡가는 다양하고 종종 솔로 음성, 피아노 사용으로 인해 음색 가능성을 확장했습니다. 쇼스타코비치는 교향곡 2번, 3번, 4번에서 피아노를 생략하고 다시 5번의 악보에 포함시켰다. 동시에 음색 절단의 중요성뿐만 아니라 큰 음색 층의 교대 인 음색 융합도 증가했습니다. 절정 조각에서는 저음이 없거나 저음 지원이 미미한 (심포니에 그러한 예가 많이 있음) 가장 높은 표현 음역에서 악기를 사용하는 기술이 우세했습니다.
그것의 형태는 순서화, 이전 구현의 체계화, 엄격하게 논리적 기념비의 달성을 표시했습니다.
Shostakovich의 추가 작업에서 보존되고 발전된 교향곡 5번의 전형적인 형성 특징에 주목해 보겠습니다.
서문 항목의 가치가 증가합니다. 교향곡 4번에서 그것은 거칠고 경련적인 동기였지만 여기서는 성가의 거칠고 장엄한 힘입니다.
첫 번째 부분에서는 박람회의 역할이 제시되고 볼륨과 정서적 무결성이 증가하며 이는 오케스트레이션 (박람회의 현 소리)으로도 시작됩니다. 주요 당사자와 측면 당사자 간의 구조적 경계가 극복됩니다. 박람회와 개발 모두에서 중요한 부분으로 대조되는 것은 그다지 많지 않습니다. 요약은 질적으로 변화하여 주제 개발의 지속과 함께 극작술의 절정으로 변합니다. 때때로 주제는 새로운 비 유적 의미를 획득하여주기의 갈등-극적 특징을 더욱 심화시킵니다.
개발은 코드에서도 멈추지 않습니다. 그리고 여기에서 테마 변형, 테마의 모달 변형, 오케스트레이션을 통한 동적화가 계속됩니다.
5번 교향곡의 피날레에서 저자는 이전 교향곡의 피날레에서처럼 적극적인 갈등을 주지 않았다. 결승전은 쉽습니다. "큰 호흡으로 Shostakovich는 모든 슬픈 경험, 어려운 이전 경로의 모든 비극적 갈등이 사라지는 눈부신 빛으로 우리를 인도합니다"(D. Kabalevsky). 결론은 매우 긍정적으로 들렸습니다. Shostakovich는 "나는 그의 모든 경험을 가진 남자를 내 작업 아이디어의 중심에 두었습니다. 교향곡의 피날레는 첫 부분의 비극적으로 긴장된 순간을 쾌활하고 낙관적 인 방식으로 해결합니다. "라고 설명했습니다.
그러한 결말은 고전적 기원, 고전적 연속성을 강조했다. 그의 lapidarity에서 경향이 가장 분명하게 나타났습니다. 고전적 기반에서 벗어나지 않고 소나타 형식에 대한 자유로운 유형의 해석을 만드는 것입니다.
1937년 여름, 사회주의 10월 대혁명 20주년을 기념하기 위한 10년 간의 소비에트 음악 준비가 시작되었습니다. 교향곡은 10년의 프로그램에 포함되었습니다. 8월에 Fritz Stiedry는 해외로 나갔습니다. 그를 대신한 M. Shteiman은 적절한 수준에서 새로운 복잡한 구성을 제시하지 못했습니다. 처형은 Evgeny Mravinsky에게 맡겨졌습니다. Shostakovich는 그를 거의 알지 못했습니다. Mravinsky는 Shostakovich가 그의 마지막 해였던 1924 년에 음악원에 들어갔습니다. Leningrad와 Moscow에서 Shostakovich의 발레는 A. Gauk, P. Feldt, Y. Fayer가 지휘했으며 교향곡은 N. Malko, A. Gauk가 "연주"했습니다. Mravinsky는 그림자 속에있었습니다. 그의 개성은 천천히 형성되었습니다. 1937 년에 그는 34 세 였지만 필 하모닉 콘솔에는 거의 나타나지 않았습니다. 닫히고 자신의 힘을 의심하면서 이번에는 주저없이 새로운 Shostakovich 교향곡을 대중에게 발표하겠다는 제안을 수락했습니다. 그의 특이한 결단력을 기억하면서 지휘자는 나중에 그것을 심리적으로 설명할 수 없었다.
거의 2년 동안 쇼스타코비치의 음악은 그레이트 홀에서 들리지 않았습니다. 일부 음악가들은 그녀를 경계했습니다. 의지가 강한 상임지휘자가 없는 오케스트라의 규율은 쇠퇴하고 있었다. Philharmonic의 레퍼토리는 언론의 비판을 받았습니다. Philharmonic의 리더십이 변경되었습니다. 감독이 된 젊은 작곡가 Mikhail Chudaki는 I.I. Sollertinsky, 작곡가 및 뮤지컬 공연 청소년.
망설이지 않고 M.I. Chudaki는 활발한 콘서트 활동을 시작한 세 명의 지휘자 E.A. Mravinsky, N.S. Rabinovich와 K.I. 엘리아스버그.
9월 내내 쇼스타코비치는 교향곡의 운명만을 위해 살았다. 영화 "Volochaev days"의 음악 작곡이 뒤로 밀려났습니다. 그는 고용을 이유로 다른 명령을 거부했습니다.
그는 대부분의 시간을 필하모닉에서 보냈습니다. 심포니를 연주했습니다. Mravinsky는 듣고 물었습니다.
교향곡 5번으로 데뷔하겠다는 지휘자의 동의는 작품을 연주하는 과정에서 작가의 도움을 받아 자신의 지식과 경험에 의탁하고자 하는 바람에서 영향을 받았다. 처음에 Shostakovich를 놀라게 한 Mravinsky의 근면 한 방법. “제가 보기에는 그가 너무 작은 것까지 파고들고, 세부 사항에 너무 많은 관심을 기울이는 것 같았고, 이것이 전체 계획과 전체 아이디어를 손상시킬 것 같았습니다. 모든 전술, 모든 생각에 대해 Mravinsky는 저에게 그에게 발생한 모든 의심에 대한 답을 요구하는 진정한 심문을 만들었습니다.
여결론
D.D. 쇼스타코비치는 콤플렉스의 예술가다. 비극적 운명. 거의 평생 동안 박해를 받았던 그는 자신의 삶에서 가장 중요한 것, 즉 창의성을 위해 트롤링과 박해를 용감하게 견뎌냈습니다. 때때로 정치적 억압의 어려운 상황에서 그는 기동해야했지만 이것 없이는 그의 작업이 전혀 존재하지 않을 것입니다. 그와 함께 시작한 많은 사람들이 죽었고 많은 사람들이 무너졌습니다. 그는 견디고 살아 남았고 모든 것을 견디며 자신의 소명을 깨달았습니다. 오늘날 그가 어떻게 보이고 들리는가 뿐만 아니라 동시대인들에게 그가 어떤 사람이었는지도 중요합니다. 그의 음악 오랜 세월짧은 시간 동안 가슴을 펴고 자유롭게 숨을 쉴 수 있는 배출구였습니다. Shostakovich의 음악 소리는 항상 예술을 축하하는 것만이 아닙니다. 그들은 그것을 듣고 콘서트 홀에서 멀리 가져가는 방법을 알고 있었습니다.
사용 문헌 목록
1. L. Tretyakova "소련 음악의 페이지", M.
2. M. Aranovsky, Shostakovich의 뮤지컬 "Anti-Utopias", 책 "20세기 러시아 음악"의 6장.
3. 켄토바 S.D. 쇼스타코비치. 삶과 일: 모노그래프. 2 권의 책에서 책 1.-L.: Sov. 작곡가, 1985. S. 420.
5. 인터넷 포털 http://peoples.ru/
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Dmitri Shostakovich는 세계가되었습니다 유명한 작곡가 20세 때 소련, 유럽, 미국의 콘서트홀에서 교향곡 1번을 연주했습니다. 10년 후, 그의 오페라와 발레는 세계 유수의 극장에서 상영되었습니다. 쇼스타코비치의 15개 교향곡은 동시대 사람들에게 "러시아와 세계 음악의 위대한 시대"라고 불렸습니다.
교향곡 1번
드미트리 쇼스타코비치는 1906년 상트페테르부르크에서 태어났다. 그의 아버지는 엔지니어로 일했고 열정적으로 음악을 사랑했고 그의 어머니는 피아니스트였습니다. 그녀는 아들에게 첫 피아노 레슨을 제공했습니다. 11세에 Dmitry Shostakovich는 사립 음악 학교에서 공부하기 시작했습니다. 교사들은 그의 공연 재능, 뛰어난 기억력 및 완벽한 피치에 주목했습니다.
13 세에 젊은 피아니스트는 이미 피아노 수업에서 Petrograd Conservatory에 들어갔고 2 년 후 작곡 학부에 입학했습니다. Shostakovich는 영화관에서 피아니스트로 일했습니다. 세션 동안 그는 작곡의 템포를 실험하고 캐릭터의 주요 멜로디를 선택하고 뮤지컬 에피소드를 편곡했습니다. 그는 나중에 자신의 작곡에서 이러한 구절 중 가장 좋은 부분을 사용했습니다.
드미트리 쇼스타코비치. 사진: filarmonia.kh.ua
드미트리 쇼스타코비치. 사진: propianino.ru
드미트리 쇼스타코비치. 사진: cps-static.rovicorp.com
1923년부터 쇼스타코비치는 교향곡 1번을 작업했습니다. 이 작품은 그의 졸업작품이 되었고 1926년 레닌그라드에서 초연되었다. 작곡가는 나중에 이렇게 회상했습니다. “어제 교향곡이 아주 잘 들렸습니다. 성능은 훌륭했습니다. 성공은 엄청납니다. 나는 다섯 번 절하러 나갔다. 모든 것이 훌륭하게 들렸습니다."
곧 교향곡 1번은 소련 밖에서도 알려지게 되었습니다. 1927년 쇼스타코비치는 바르샤바에서 열린 제1회 쇼팽 국제 피아노 콩쿠르에 참가했습니다. 콩쿠르 심사위원 중 한 명인 지휘자이자 작곡가인 브루노 발터는 쇼스타코비치에게 베를린에 있는 그에게 교향곡 악보를 보내달라고 요청했습니다. 독일과 미국에서 공연되었습니다. 초연 1년 후 쇼스타코비치 교향곡 1번은 전 세계 오케스트라에서 연주되었습니다.
그의 첫 번째 교향곡을 젊고 평온하고 쾌활한 것으로 착각한 사람들은 착각했습니다. 19세 소년이 그런 삶을 살았다는 게 상상만 해도 이상할 정도로 휴먼 드라마로 가득 차 있다… 교향곡이 나오자마자 울려 퍼지지 않을 나라는 없었다.
소련의 영화 감독이자 시나리오 작가인 레오 안슈탐(Leo Arnshtam)
"그게 내가 전쟁을 듣는 방식이야"
1932년 드미트리 쇼스타코비치는 므첸스크 지구의 오페라 레이디 맥베스를 썼습니다. "Katerina Izmailova"라는 이름으로 상연되었으며 1934 년 초연되었습니다. 처음 두 시즌 동안 오페라는 모스크바와 상트 페테르부르크에서 200회 이상 공연되었으며 유럽과 북미 극장에서도 상영되었습니다.
1936년 이오시프 스탈린은 오페라 카테리나 이즈마일로바를 관람했다. Pravda는 "음악 대신 혼란"이라는 제목의 기사를 발표했고 오페라는 "반인"으로 선언되었습니다. 곧 그의 작품 대부분은 오케스트라와 극장의 레퍼토리에서 사라졌습니다. 쇼스타코비치는 가을로 예정된 교향곡 4번 초연을 취소했지만, 계속해서 새로운 작품을 썼다.
1 년 후 교향곡 5 번 초연이 열렸는데 스탈린은 이것을 "공정한 비판에 대한 소련 예술가의 사업적인 창의적 반응"이라고 불렀고 비평가들은 교향곡에서 "사회적 현실주의의 모델"이라고 불렀습니다.
쇼스타코비치, 메이어홀드, 마야콥스키, 로드첸코. 사진: doseng.org
드미트리 쇼스타코비치의 피아노 협주곡 1번
쇼스타코비치 심포니 오케스트라의 포스터. 사진: icsanpetersburgo.com
전쟁 첫 달에 Dmitry Shostakovich는 레닌 그라드에있었습니다. 그는 음악원에서 교수로 일했고 자원 봉사 소방대에서 봉사했습니다. 음악원 지붕에서 소이 폭탄을 진압했습니다. 근무 중에 쇼스타코비치는 그의 가장 유명한 교향곡 중 하나인 레닌그라드 교향곡을 썼습니다. 저자는 1941년 12월 말 Kuibyshev에서 대피를 마쳤습니다.
이 일이 어떻게 될지 모르겠습니다. 한가한 평론가들은 아마도 라벨의 볼레로를 모방했다고 나를 비난할 것입니다. 그들이 비난하게 놔두십시오. 그러나 그것이 내가 전쟁을 듣는 방식입니다.
드미트리 쇼스타코비치
이 교향곡은 1942년 3월 Kuibyshev로 대피한 볼쇼이 극장 오케스트라에 의해 초연되었습니다. 며칠 후 작곡은 Moscow House of Unions의 Hall of Columns에서 연주되었습니다.
1942년 8월, 포위된 레닌그라드에서 교향곡 7번이 연주되었습니다. 오케스트라의 이중 구성을 위해 작성된 작곡을 연주하기 위해 음악가들은 전면에서 소환되었습니다. 콘서트는 80 분 동안 지속되었으며 필 하모닉 홀에서 라디오로 음악이 방송되었습니다. 아파트, 거리, 정면에서 들렸습니다.
오케스트라가 무대에 오르자 홀 전체가 일어서고… 프로그램은 교향곡뿐이었다. 레닌그라드 필하모닉의 과밀한 홀에 만연한 분위기를 전달하기는 어렵다. 홀은 군복을 입은 사람들이 지배했습니다. 많은 군인과 장교들이 최전선에서 곧바로 콘서트에 왔습니다.
레닌그라드 라디오 위원회 볼쇼이 심포니 오케스트라 지휘자 칼 엘리아스베르크
레닌그라드 교향곡은 전 세계에 알려지게 되었습니다. 뉴욕에서는 쇼스타코비치를 표지로 한 타임지의 한 호가 나왔습니다. 초상화에서 작곡가는 소방 헬멧을 쓰고 있었고 캡션은 "소방관 쇼스타코비치. 레닌그라드의 폭탄 폭발 속에서 나는 승리의 화음을 들었다. 1942~1943년에 레닌그라드 교향곡은 미국의 여러 콘서트홀에서 60번 이상 연주되었습니다.
드미트리 쇼스타코비치. 사진: cdn.tvc.ru
타임지 표지를 장식한 드미트리 쇼스타코비치
드미트리 쇼스타코비치. 사진 media.tumblr.com
지난 일요일에 미국 전역에서 처음으로 당신의 교향곡이 연주되었습니다. 당신의 음악은 인간 정신과 자유의 보고에 기여하기 위해 싸우고 고통받는 무적의 사람들, 위대하고 자랑스러운 사람들에 대해 세상에 전합니다.
미국 시인 칼 샌드버그, 쇼스타코비치에게 보내는 시적 메시지의 서문에서 발췌
"쇼스타코비치의 시대"
1948년 드미트리 쇼스타코비치, 세르게이 프로코피예프, 아람 하차투리안은 "형식주의", "부르주아 퇴폐", "서방 앞에서 비굴함"으로 고발당했다. Shostakovich는 모스크바 음악원에서 해고되었고 그의 음악은 금지되었습니다.
1948년 음악원에 도착했을 때 게시판에 “D.D. 쇼스타코비치. 교수 자격 불일치로 더 이상 작곡 수업 교수가 아닙니다 ...”이런 굴욕을 경험 한 적이 없습니다.
므스티슬라프 로스트로포비치
1 년 후 금지령이 공식적으로 해제되었고 작곡가는 소련 문화 인물 그룹의 일원으로 미국으로 파견되었습니다. 1950년 드미트리 쇼스타코비치는 라이프치히에서 열린 바흐 콩쿠르의 심사위원이었습니다. 그는 독일 작곡가의 작품에서 영감을 받았습니다. 음악 천재바흐는 특히 저에게 가깝습니다. 그를 무심히 지나칠 수 없다... 나는 매일 그의 작품 중 하나를 연주한다. 이것이 나의 긴급한 필요이며 바흐의 음악과의 끊임없는 접촉은 나에게 엄청난 양을 제공합니다. 모스크바로 돌아온 후 Shostakovich는 24 개의 전주곡과 푸가라는 새로운 음악주기를 쓰기 시작했습니다.
1957 년 Shostakovich는 1960 년 RSFSR 작곡가 연합 (1960-1968 년-첫 번째 비서) 인 소련 작곡가 연합의 비서가되었습니다. 이 기간 동안 Anna Akhmatova는 작곡가에게 "내가 지구상에 살고있는 시대에 Dmitry Dmitrievich Shostakovich에게"라는 헌신과 함께 그녀의 책을 선물했습니다.
1960년대 중반, 오페라 Katerina Izmailova를 포함하여 Dmitri Shostakovich의 1920년대 작곡이 소련 오케스트라와 극장으로 돌아왔습니다. 작곡가는 Guillaume Apollinaire, Rainer Maria Rilke, Wilhelm Küchelbecker의 시에 교향곡 14번을 썼습니다. 여기에서 Shostakovich는 때때로 다른 작곡가의 초기 악보와 멜로디에서 음악적 인용을 사용했습니다.
발레 뿐만 아니라 오페라, 교향곡 작품 Dmitry Shostakovich는 "Ordinary People", "Young Guard", "Hamlet"과 같은 영화 음악과 "Dances of the Dolls"및 "The Tale of the Stupid Mouse"만화를 만들었습니다.
Shostakovich의 음악에 대해 말하면서 결코 영화 음악이라고 할 수 없다고 말하고 싶었습니다. 그것은 그 자체로 존재합니다. 무언가와 관련이 있을 수 있습니다. 이것은 삶이나 예술의 어떤 현상에서 영감을 받아 말하는 작가의 내면세계일지도 모른다.
감독 그레고리 코진체프
그의 생애 말년에 작곡가는 중병에 걸렸습니다. 드미트리 쇼스타코비치는 1975년 8월 모스크바에서 사망했다. 그는 Novodevichy 공동 묘지에 묻혔습니다.
Shostakovich의 작품에 대해 말하면서 우리는 몇 가지를 만져야했습니다. 문체 기능그의 창의력. 이제 우리는 말한 내용을 요약하고 이 책에서 아직 간략한 설명조차 받지 못한 스타일의 특징을 지적해야 합니다. 현재 저자가 직면한 작업은 그 자체로 복잡합니다. 이 책은 전문 음악가만을 위한 책이 아니기 때문에 더욱 어려워집니다. 나는 음악적 기술, 특별한 음악적 분석과 관련된 많은 것을 생략해야 할 것입니다. 그러나 이론적 문제를 전혀 다루지 않고 작곡가의 작업 스타일, 음악 언어에 대해 이야기하는 것은 불가능합니다. 나는 그것들을 조금이라도 만져야 할 것입니다.
음악 스타일의 근본적인 문제 중 하나는 멜로의 문제로 남아 있습니다. 우리는 그녀에게로 향할 것입니다.
한 번은 Dmitry Dmitrievich의 수업 중에 학생들과 분쟁이 발생했습니다. 더 중요한 것은 멜로디 (테마) 또는 개발입니다. 일부 학생들은 베토벤 교향곡 5번의 1악장을 언급했다. 이 악장의 주제는 그 자체로 기본적이고 눈에 띄지 않으며 베토벤은 이를 바탕으로 훌륭한 작품을 만들었습니다! 그리고 같은 저자의 세 번째 교향곡의 첫 번째 Allegro에서 가장 중요한 것은 주제가 아니라 개발에 있습니다. 이러한 주장에도 불구하고 쇼스타코비치는 주제 소재인 멜로디가 여전히 음악에서 가장 중요하다고 주장했습니다.
이 단어의 확인은 Shostakovich 자신의 작업입니다.
사실적인 음악 예술의 중요한 특성 중 하나는 노래인데, 이는 다음에서 널리 나타납니다. 기악 장르. 이 문맥에서 이 단어는 넓은 의미로 사용됩니다. 작곡은 반드시 "순수한" 형태로 나타나는 것은 아니며 종종 다른 경향과 결합됩니다. 이 작품을 헌정한 작곡가의 음악도 마찬가지입니다.
다양한 노래 소스로 돌아가서 Shostakovich는 늙은 러시아 민속을 지나치지 않았습니다. 그의 멜로디 중 일부는 여운이 남는 서정적 노래, 탄식과 애도, 서사시, 댄스 곡에서 비롯되었습니다. 작곡가는 양식화, 고대 민족 지학의 길을 따르지 않았습니다. 그는 그의 음악 언어의 개별적인 특성에 따라 민속 선율 전환을 깊이 재 작업했습니다.
"Katerina Izmailova"의 "The Execution of Stepan Razin"에는 오래된 민요의 보컬 구현이 있습니다. 예를 들어 죄수 합창단에 대해 이야기하고 있습니다. Kaverina 자신의 입장에서 지난 세기 전반기 (이미 언급 한)의 서정적 일상 도시 로맨스의 억양이 부활합니다. "draped little man"( "I had a godfather")의 노래는 댄스 곡과 곡으로 가득 차 있습니다.
멜로디가 "Lucinushka"를 연상시키는 오라토리오 "Song of the Forests"( "Remembrance of the Past")의 세 번째 부분을 떠올려 보겠습니다. 오라토리오의 두 번째 부분 ( "Let 's Dress the Motherland in Forests")에서는 다른 곡 중에서 "Hey, let 's go"라는 노래의 첫 번째 턴이 깜박입니다. 그리고 마지막 푸가의 주제는 옛 노래 "Glory"의 멜로디를 반영합니다.
오라토리오의 세 번째 부분, 합창시 "The Ninth of January", 교향곡 11번, 일부 피아노 전주곡 및 푸가에는 슬픔에 잠긴 애도와 애도가 나타납니다.
Shostakovich는 민요 장르와 관련된 많은 기악 멜로디를 만들었습니다. 여기에는 트리오의 첫 번째 악장, 두 번째 사중주의 피날레, 첫 번째 첼로 협주곡의 느린 악장의 주제가 포함됩니다. 물론 이 목록은 계속될 수 있습니다. 왈츠 리듬을 기반으로 한 쇼스타코비치의 선율에서 곡의 결을 찾는 것은 어렵지 않다. 러시아 민속무용의 영역은 바이올린 협주곡 1번의 피날레인 교향곡 10번(측면)에서 드러난다.
혁신적인 작곡은 쇼스타코비치의 음악에서 중요한 위치를 차지합니다. 이것에 대해 이미 많이 언급되었습니다. 혁명적 투쟁 노래의 영웅적이고 적극적인 억양과 함께 Shostakovich는 그의 음악에 정치적 고된 노동과 망명에 대한 용감하고 슬픈 노래의 선율 전환을 도입했습니다 (하향 운동이 우세한 부드러운 삼중 항 움직임). 이러한 억양은 일부 합창시를 채웁니다. 6번 교향곡과 10번 교향곡에서도 같은 유형의 선율적 움직임이 발견되지만 내용상 합창시와는 거리가 멀다.
그리고 Shostakovich의 음악을 먹인 또 다른 노래 "저수지"- 소련 대중 노래. 그는 자신이 이 장르의 작품을 만들었습니다. 그의 멜로디 영역과의 연결은 오라토리오 "숲의 노래", 칸타타 "The Sun Shines Over Our Motherland", Festive Overture에서 가장 두드러집니다.
오페라 아리오스 스타일의 특징은 "Katerina Izmailova" 외에도 쇼스타코비치의 교향곡 13번과 14번, 실내 보컬 주기에 등장했습니다. 그는 또한 아리아나 로맨스를 연상시키는 기악 칸틸레나(두 번째 악장의 오보에 주제와 일곱 번째 교향곡의 아다지오의 플루트 독주)를 가지고 있습니다.
위에서 언급한 모든 것은 작곡가 작업의 중요한 구성 요소입니다. 그들 없이는 존재할 수 없습니다. 그러나 그의 창의적인 개성은 다른 스타일 요소에서 가장 분명하게 나타났습니다. 예를 들어, 암송을 의미합니다. 보컬뿐만 아니라 특히 기악입니다.
대화 억양뿐만 아니라 등장 인물의 생각과 감정도 전달하는 선율이 풍부한 암송이 Katerina Izmailova를 채 웁니다. "유태인 민속 시에서"라는 시는 보컬 및 스피치 기술로 구현된 특정 음악적 특성의 새로운 예를 제공합니다. 보컬 선언은 기악 선언(피아노 부분)에 의해 지원됩니다. 이 추세는 Shostakovich의 후속 보컬 사이클에서 개발되었습니다.
기악 암송은 기악 수단으로 변덕스러운 "말의 음악"을 전달하려는 작곡가의 끈질긴 열망을 드러냅니다. 여기에서 혁신적인 연구를 위한 거대한 범위를 열었습니다.
Shostakovich의 일부 교향곡 및 기타 기악 작품을들을 때 악기가 살아나 사람, 드라마 배우, 비극, 때로는 코미디로 변하는 것 같습니다. 이것은 "웃음이나 눈물에 대한 모든 것이 분명한 극장"이라는 느낌이 듭니다 (Shostakovich의 음악에 대한 K. Fedin의 말). 화난 느낌표는 속삭임, 슬픔에 잠긴 느낌표로 바뀌고 신음 소리는 조롱하는 웃음으로 바뀝니다. 악기는 노래하고 울고 웃는다. 물론 이러한 인상은 억양 자체에 의해서만 만들어지는 것이 아닙니다. 음색의 역할은 유난히 크다.
쇼스타코비치의 기악주의의 선언적 성격은 제시의 독백과 연결되어 있다. 바이올린과 첼로 협주곡, 4 중주에서 마지막 15 번째를 포함하여 그의 거의 모든 교향곡에는 기악 독백이 있습니다. 이들은 일부 악기에 지정된 확장되고 광범위하게 개발된 멜로디입니다. 그들은 리드미컬 한 자유로 표시되며 때로는 즉흥적 인 스타일, 웅변 적 표현력이 내재되어 있습니다.
그리고 Shostakovich의 창조적 개성이 큰 힘으로 드러난 멜로의 또 하나의 "영역". - 노래와는 거리가 먼 순수한 기악의 "영역", "대화" 인토네이션에서 m. 여기에는 "꼬임", "날카로운 모서리"가 많은 주제가 포함됩니다. 이 테마의 특징 중 하나는 풍부한 멜로디 도약(6도, 7도, 옥타브, 없음)입니다. 그러나 그러한 점프나 선율적인 목소리의 던지기는 종종 선언적인 웅변적 원리를 표현하기도 합니다. Shostakovich의 기악 멜로디는 때때로 밝게 표현되며 때로는 전동화되고 의도적으로 "기계적"이며 감정적으로 따뜻한 억양과는 거리가 멀습니다. 예를 들면 교향곡 4번 1부의 푸가, 8번 교향곡의 "토카타", 피아노 푸가 Des-dur가 있습니다.
20세기의 다른 작곡가들과 마찬가지로 Shostakovich는 4단계가 우세한 멜로디 전환을 광범위하게 사용했습니다(이러한 동작은 이전에는 거의 사용되지 않음). 바이올린 협주곡 1번(야상곡, 스케르초, 파사칼리아의 제2주제)으로 가득하다. B-dur의 피아노 푸가 주제는 4도에서 짜여져 있습니다. 4도와 5도의 움직임은 교향곡 14번의 "경비대" 부분의 주제를 형성합니다. 로맨스에서 분기 운동의 역할에 대해 "그런 부드러움은 어디에서 오는가?" M. Tsvetaeva의 말은 이미 말했습니다. Shostakovich는 이런 종류의 전환을 다른 방식으로 해석했습니다. 4분의 1 악장은 제4중주단의 멋진 서정적 멜로디 안단티노의 주제별 곡식입니다. 그러나 구조상 유사하며 작곡가의 스케르초, 비극적 및 영웅적 주제에도 움직임이 있습니다.
Quart 멜로디 시퀀스는 Scriabin에서 자주 사용되었습니다. 그와 함께 그것들은 영웅적 주제("환희의 시", "프로메테우스", 후기 피아노 소나타)의 주요 속성인 매우 특정한 성격을 가졌습니다. Shostakovich의 작업에서 그러한 억양은 보편적 중요성을 얻습니다.
우리 작곡가의 멜로의 특징과 하모니와 폴리포니는 모달 사고의 원칙과 불가분의 관계입니다. 여기에서 그의 스타일의 개별 기능이 가장 큰 영향을 미쳤습니다. 더 가시적입니다. 하지만 이 분야는 아마도 다른 어떤 뮤지컬 분야보다 표현 수단, 필요한 이론적 개념을 사용하는 전문적인 대화가 필요합니다.
다른 동시대 작곡가들과 달리 쇼스타코비치는 수세기에 걸쳐 개발되고 개선된 음악적 창의성의 법칙을 무차별적으로 부정하는 길을 따르지 않았습니다. 그것들을 버리고 20세기에 탄생한 음악 체계로 대체하려 하지 않았다. 그의 창조적인 원리오래된 것의 개발과 갱신이 포함되었습니다. 이것이 모두의 방식이다 위대한 예술가, 왜냐하면 진정한 혁신은 연속성을 배제하지 않고 오히려 그것의 존재를 전제로 하기 때문입니다. "시대의 연결"은 어떤 상황에서도 결코 무너질 수 없습니다. 이것은 또한 Shostakovich의 작업에서 모드의 진화에도 적용됩니다.
Rimsky-Korsakov조차도 소위 고대 모드 (Lydian, Mixolydian, Phrygian 등)를 사용하여 더 일반적인 현대 모드 (장조 및 단조)와 관련된 러시아 음악의 국가적 특징 중 하나를 올바르게 보았습니다. 쇼스타코비치는 이 전통을 이어갔다. 에올리안 모드( 자연미성년자) 5 중주 푸가의 아름다운 주제에 특별한 매력을 더해 러시아 서정적 작곡의 정신을 고양시킨다. 같은 주기의 Intermezzo의 감미롭고 숭고하게 엄격한 멜로디가 같은 하모니로 구성되었습니다. 그것을 들으면 러시아 곡, 러시아 음악 가사-민속하고 전문적인 것을 다시 기억합니다. 나는 또한 민속 기원의 전환으로 가득 찬 트리오의 첫 부분에서 주제를 지적할 것입니다. 교향곡 7번의 시작 부분은 또 다른 모드인 리디안 모드의 예입니다. 컬렉션 "24 Preludes and Fugues"의 "White"(즉, 흰색 건반에서만 연주됨) 푸가 C-dur는 다양한 모드의 꽃다발입니다. . S. S. Skrebkov는 그것에 대해 다음과 같이 썼습니다.
Shostakovich는 이러한 모드를 독창적이고 미묘하게 사용하여 그 안에서 신선한 색상을 찾습니다. 그러나 여기서 가장 중요한 것은 응용 프로그램이 아니라 창의적인 재구성입니다.
Shostakovich에서는 때때로 한 모드가 다른 모드로 빠르게 대체되며 이는 하나의 음악 구조, 하나의 테마의 틀 내에서 발생합니다. 이 기법은 음악 언어에 독창성을 부여하는 수단의 수에 속합니다. 그러나 모드의 해석에서 가장 중요한 것은 척도의 단계를 낮추는(거의 올리지 않는) 단계를 자주 도입한다는 것입니다. 그들은 "큰 그림"을 극적으로 바꿉니다. 새로운 선법이 탄생했고 그 중 일부는 쇼스타코비치 이전에는 사용되지 않았으며 이러한 새로운 선법 구조는 음악적 사고의 모든 측면에서 멜로디뿐만 아니라 화성에서도 나타납니다.
작곡가가 자신의 "쇼스타코비치" 모드를 사용한 많은 예를 자세히 인용할 수 있습니다. 분석하다. 그러나 이것은 특별한 작업의 문제입니다.2 여기서 나는 몇 가지 언급으로 제한하겠습니다.
1 Skrebkov S. D. Shostakovich의 전주곡과 푸가. - "소비에트 음악", 1953, No. 9, p. 22.
레닌그라드 음악학자 A.N. Dolzhansky. 그는 작곡가의 양식적 사고에서 여러 가지 중요한 규칙성을 발견한 최초의 사람이었습니다.
이러한 Shostakovich 모드 중 하나가 큰 역할을 합니까? 11번 교향곡에서. 이미 언급했듯이 그는 전체주기의 주요 억양 곡물 구조를 결정했습니다. 이 leittonation은 전체 교향곡에 스며들어 가장 중요한 부분에 모달 각인을 남깁니다.
두 번째 피아노 소나타는 작곡가의 모달 스타일을 잘 보여줍니다. Shostakovich가 가장 좋아하는 모드 중 하나(4도가 낮은 단조)는 첫 번째 악장에서 주 키의 비정상적인 비율을 정당화했습니다(첫 번째 테마는 h-moll이고 두 번째는 Es-dur입니다. 이 두 키는 동시에 소리가 납니다). 다른 많은 작품에서 Shostakovich의 모드가 음조 계획의 구조를 지시한다는 점에 주목합니다.
때때로 Shostakovich는 낮은 단계로 멜로디를 점차 포화시켜 모달 방향을 향상시킵니다. 이것은 복잡한 멜로디 프로필을 가진 특정 기악 테마뿐만 아니라 단순하고 명확한 인토네이션에서 자라는 일부 노래 테마(두 번째 사중주의 피날레 테마)에서도 마찬가지입니다.
다른 낮은 단계 외에도 Shostakovich는 VIII 낮은 단계를 소개합니다. 이 사실은 특히 중요합니다. 이전에는 7단계 척도의 "적법한" 단계의 비정상적인 변화(변경)에 대해 언급했습니다. 이제 우리는 작곡가가 일반적으로 축소 된 형태로만 존재할 수있는 오래된 클래식 음악에 알려지지 않은 단계를 합법화한다는 사실에 대해 이야기하고 있습니다. 예를 들어 설명하겠습니다. 음, 적어도 D-마이너 스케일을 상상해보세요: re, mi, fa, sol, la, b-flat, do. 그러다가 다음 옥타브의 D 대신 8번째 낮은 스텝인 D-flat이 갑자기 등장한다. 교향곡 5번 1부의 주제가 작곡된 것은 이 모드(두 번째 낮은 단계의 참여로)이다.
여덟 번째 낮은 단계는 옥타브 폐쇄의 원칙을 확인합니다. 모드의 메인 톤(주어진 예에서 - re) 한 옥타브 더 높은 메인 톤이 중단되고 옥타브가 닫히지 않습니다. 순수한 옥타브를 감소된 옥타브로 교체하는 것은 모드의 다른 단계와 관련하여 발생할 수도 있습니다. 즉, 한 레지스터에서 모달 사운드가 예를 들어 C이면 다른 레지스터에서는 C-플랫이 됩니다. 이런 종류의 경우는 Shostakovich에서 일반적입니다. 옥타브가 닫히지 않으면 단계의 레지스터 "분할"이 발생합니다.
음악의 역사는 금지된 기술이 나중에 허용되고 심지어 규범이 된 많은 경우를 알고 있습니다. 방금 논의된 기술은 이전에 "목록 작성"이라고 불렸습니다. 그것은 박해를 받았고, 오래된 음악적 사고의 조건에서 그것은 정말로 거짓된 인상을 주었다. 그리고 Shostakovich의 음악에서는 모달 구조의 특성 때문이므로 이의를 제기하지 않습니다.
작곡가가 개발 한 모드는 마치 "가시적"인 것처럼 날카 롭고 특징적인 억양의 전 세계를 불러 일으켰습니다. 그들은 그의 음악의 많은 페이지의 비극적이거나 극적인 표현을 향상시키고 감정, 분위기, 내부 갈등 및 모순의 다양한 뉘앙스를 전달할 기회를 제공합니다. 작곡가의 모달 스타일의 특성은 기쁨과 슬픔, 평온함과 기민함, 부주의함과 용감한 성숙함을 포함하는 다중 가치 이미지의 특이성과 관련이 있습니다. 이러한 이미지는 전통적인 모달 기법만으로는 만들 수 없습니다.
드문 경우에 Shostakovich는 bitonicity, 즉 두 키의 동시 소리에 의지합니다. 위에서 우리는 피아노 소나타 2번 1악장에서 bitonicity에 대해 이야기했습니다. 네 번째 교향곡의 두 번째 부분에 있는 푸가 섹션 중 하나는 다음으로 작성됩니다. 여기에 d-moll, es-moll, e-moll 및 f-moll의 네 가지 키가 결합됩니다.
메이저와 마이너를 기반으로 쇼스타코비치는 이러한 기본 모드를 자유롭게 해석합니다. 때때로 개발 에피소드에서 그는 색조 영역을 떠납니다. 그러나 그는 변함없이 그것으로 돌아갑니다. 그래서 해안에서 폭풍우에 실려 온 항해사는 자신 있게 배를 항구로 인도합니다.
Shostakovich가 사용하는 하모니는 매우 다양합니다. "Katerina Izmailova"(유령이있는 장면)의 다섯 번째 장면에는 온음계 시리즈의 일곱 가지 사운드로 구성된 하모니가 있습니다 (베이스의 여덟 번째 사운드가 추가됨). 그리고 교향곡 4번의 첫 번째 부분의 전개가 끝날 무렵, 우리는 12개의 다른 소리로 구성된 화음을 발견합니다! 작곡가의 조화로운 언어는 매우 복잡하고 단순함의 예를 제공합니다. 칸타타 "태양이 우리 조국을 비추고있다"의 하모니는 매우 단순합니다. 그러나이 작품의 조화로운 스타일은 Shostakovich의 특징이 아닙니다. 또 다른 것은 상당한 명료함, 때로는 투명함과 긴장을 결합한 그의 후기 작품의 조화입니다. 복잡한 폴리포닉 콤플렉스를 피하면서 작곡가는 선명도와 신선함을 유지하는 조화로운 언어를 단순화하지 않습니다.
Shostakovich의 하모니 분야에서 많은 부분은 멜로디 보이스("라인")의 움직임에 의해 생성되며 때로는 풍부한 사운드 콤플렉스를 형성합니다. 즉, 화음은 다성음을 기반으로 하는 경우가 많습니다.
쇼스타코비치는 20세기 최고의 다성음악가 중 한 사람이다. 그에게 폴리포니는 음악 예술의 가장 중요한 수단 중 하나입니다. 이 분야에서 쇼스타코비치의 업적은 세계 음악 문화를 풍요롭게 했습니다. 동시에 그들은 러시아 폴리포니 역사에서 유익한 단계를 기록했습니다.
푸가는 가장 높은 폴리포닉 형식입니다. Shostakovich는 오케스트라, 합창단 및 오케스트라, 5 중주, 4 중주, 피아노를 위해 많은 푸가를 썼습니다. 그는 이 형식을 교향곡과 실내악뿐만 아니라 발레("황금 시대"), 영화 음악("황금 산")에도 도입했습니다. 그는 푸가에 새로운 생명을 불어넣었고, 그것이 현대성의 다양한 주제와 이미지를 구현할 수 있음을 증명했다.
Shostakovich는 2성, 3성, 4성 및 5성부, 단순성 및 이중성으로 푸가를 썼으며, 여기에는 높은 폴리포닉 기술이 필요한 다양한 기술이 사용되었습니다.
작곡가는 또한 파사칼리아에 많은 창의적 독창성을 투자했습니다. 이것 고대 형태, 푸가의 형식뿐만 아니라 그는 현대 현실의 구현과 관련된 문제 해결에 종속되었습니다. 거의 모든 Shostakovich의 passacaglia는 비극적이며 훌륭한 인본주의 적 내용을 담고 있습니다. 그들은 악의 희생자들에 대해 이야기하고 악에 대항하며 높은 인간성을 주장한다.
Shostakovich의 다성 스타일은 위에서 언급한 형식에 국한되지 않았습니다. 다른 형태로도 나타났습니다. 나는 다양한 주제의 모든 종류의 짜임새, 설명에서의 다성적 발전, 소나타 형식인 부분의 발전을 염두에 두고 있습니다. 작곡가는 민속 예술에서 태어난 러시아 서브 보이스 폴리포니 (합창시 "On the Street", "Song", 10 번째 교향곡 첫 부분의 주요 주제)를 통과하지 못했습니다.
Shostakovich는 다성 고전의 문체 틀을 확장했습니다. 그는 소위 선형주의 분야와 관련된 새로운 기술과 수세기에 걸쳐 개발된 기술을 결합했습니다. 그 특징은 조화로운 "수직"을 무시하고 멜로디 라인의 "수평"운동이 완전히 지배하는 곳에서 나타납니다. 작곡가에게는 어떤 하모니가 발생하는지, 소리의 동시 조합이 중요한 것이 아니라 중요한 것은 음성 라인, 자율성입니다. 일반적으로 Shostakovich는 음악 구조의이 원칙을 남용하지 않았습니다 (선형주의에 대한 과도한 관심은 예를 들어 두 번째 교향곡에서 그의 초기 작품 중 일부에만 영향을 미쳤습니다). 그는 특별한 경우에 그것에 의지했습니다. 동시에 다성 요소의 의도적 인 불일치는 소음 효과에 가까운 효과를 냈습니다. 반 인본주의 원칙 (교향곡 4 번째 부분의 푸가)을 구현하는 데 이러한 기술이 필요했습니다.
호기심 많고 탐구적인 예술가인 쇼스타코비치는 20세기 음악에서 12음과 같이 널리 퍼진 현상을 무시하지 않았습니다. 이 페이지에는 지금 논의되는 크리에이티브 시스템의 본질을 자세히 설명할 기회가 없습니다. 나는 매우 간단할 것이다. Dodecaphony는 음조 음악의 법칙과 원칙 (메이저 또는 마이너)에 이질적인 무조 음악의 틀 내에서 사운드 자료를 간소화하려는 시도로 발생했습니다. 그러나 나중에 12음계 기술과 음조 음악의 결합을 기반으로 하는 절충안 경향이 나타났습니다. dodecafony의 기술적 기반은 복잡하고 신중하게 개발된 규칙 및 기술 시스템입니다. 건설적인 "건설"의 시작이 앞장서고 있습니다. 12개의 사운드로 작동하는 작곡가는 모든 것이 엄격한 계산과 논리적 원칙에 따라 다양한 사운드 조합을 생성합니다. 12음과 그 가능성에 대해 많은 논의가 있었습니다. 찬반 투표가 부족하지 않았습니다. 이제 많은 것이 명확해졌습니다. 엄격한 규칙에 대한 무조건적인 복종과 함께이 시스템의 틀 내에서 창의성의 제한은 음악 예술을 빈곤하게 만들고 독단주의로 이어집니다. 도데카폰 기법의 특정 요소(예: 일련의 12음)를 음악적 요소의 많은 구성 요소 중 하나로 자유롭게 사용하면 음악 언어를 풍부하게 하고 새롭게 할 수 있습니다.
쇼스타코비치의 입장은 이러한 일반 명제와 일치했다. 그는 한 인터뷰에서 이렇게 말했습니다. 미국 음악 학자 Brown은 Dmitry Dmitrievich의 관심을 끌었습니다. 최근 글그는 때때로 dodecaphone 기술을 사용합니다. Shostakovich는 "저는 이 작품에서 12음의 일부 요소를 정말 사용했습니다."라고 말했습니다. -그러나 나는 작곡가가 어떤 종류의 시스템을 적용하고 그 틀과 표준에만 자신을 제한하는 방법에 대해 단호한 반대자라고 말해야합니다. 그러나 작곡가가 이런저런 기법의 요소가 필요하다고 느낀다면, 그는 자신이 사용할 수 있는 모든 것을 가져다가 적합하다고 생각하는 대로 사용할 권리가 있습니다.”
교향곡 14번의 12음조에 대해 Dmitry Dmitrievich와 이야기할 기회가 있었습니다. 시리즈물('온 더 룩아웃'의 일부)인 한 테마에 대해서는 "그런데 작곡할 때는 4도, 5도에 대해 더 많이 생각했다"고 말했다. Dmitry Dmitrievich는 테마의 간격 구조를 암시했으며 이는 다른 출처의 테마에서도 발생할 수 있습니다. 그런 다음 "In the prison of Sayte"라는 악장에서 나온 12음 다성음 에피소드(fugato)에 대해 이야기했습니다. 그리고 이번에 쇼스타코비치는 도데카폰 기법 자체에는 거의 관심이 없다고 주장했다. 우선 그는 Apollinaire의 시가 말하는 것 (끔찍한 감옥의 침묵, 그 안에서 태어난 신비한 소리)을 음악으로 전달하려고했습니다.
이러한 진술은 Shostakovich에게 12음 체계의 개별 요소가 실제로 그가 자신의 창의적인 개념을 번역하는 데 사용한 많은 수단 중 하나에 불과했음을 확인시켜 줍니다.
Shostakovich는 여러 소나타 사이클, 교향곡 및 실내악(교향곡, 협주곡, 소나타, 4중주, 5중주, 트리오)의 저자입니다. 이 양식은 그에게 특히 중요해졌습니다. 그것은 그의 작품의 본질과 가장 잘 맞아떨어졌고, '삶의 변증법'을 보여줄 수 있는 충분한 기회를 주었다. 심포니스트인 쇼스타코비치는 소나타 사이클에 의존하여 그의 주요 창작 개념을 구현했습니다.
작곡가의 의지에 따라이 보편적 형식의 범위는 그가 자신을 위해 설정 한 작업에 따라 끝없는 확장을 포함하거나 축소됩니다. 예를 들어 교향곡 7번과 9번, 트리오, 7번 사중주처럼 길이와 규모가 다른 작품을 비교해 봅시다.
Shostakovich를 위한 소나타는 작곡가를 학문적 "규칙"으로 묶는 모든 계획 중에서 가장 적었습니다. 그는 자신의 방식으로 소나타 주기의 형식과 그 형식을 해석했습니다. 구성 부품. 이전 장에서 이것에 대해 많이 언급되었습니다.
나는 쇼스타코비치가 종종 소나타 사이클의 첫 부분을 느린 속도, "소나타 알레그로"(설명, 전개, 재현)의 구조를 고수하지만. 이러한 종류의 부분에는 반사와 반사에 의해 생성된 동작이 모두 포함됩니다. 그들에게는 음악 자료의 서두르지 않는 배치, 내부 역학의 점진적인 축적이 일반적입니다. 감정적 "폭발"(개발)로 이어집니다.
주요 주제 앞에는 종종 서론이 있으며, 서론의 주제가 중요한 역할을 합니다. 첫 번째, 네 번째, 다섯 번째, 여섯 번째, 여덟 번째, 열 번째 교향곡에 소개가 있습니다. 교향곡 12번에서 서론의 주제는 본편의 주제이기도 하다.
주요 주제는 언급될 뿐만 아니라 즉시 전개됩니다. 그 다음에는 새로운 주제 자료(사이드 게임)가 포함된 다소 별도의 섹션이 이어집니다.
Shostakovich의 박람회 주제 간의 대조는 종종 아직 주요 갈등을 드러내지 않습니다. 그는 정교하고 감정적으로 반대되는 설명에서 완전히 벌거벗은 상태입니다. 템포가 빨라지고 음악 언어는 더 큰 억양 모달 선명도를 얻습니다. 개발은 매우 역동적이고 극적으로 강렬해집니다.
때때로 Shostakovich는 특이한 유형의 개발을 사용합니다. 따라서 교향곡 6번의 첫 번째 부분에서 전개는 마치 관악기의 즉흥 연주처럼 확장된 독주입니다. Fifth의 피날레에서 "조용한"서정적 정교함을 상기시켜 드리겠습니다. 일곱 번째 개발의 첫 번째 부분은 침략 에피소드로 대체됩니다.
작곡가는 박람회에 있었던 내용을 정확히 반복하는 보복을 피합니다. 일반적으로 그는 이미 익숙한 이미지를 훨씬 더 높은 감정 수준으로 끌어 올리는 것처럼 재현을 역동적으로 만듭니다. 이 경우 재현의 시작은 일반적인 절정과 일치합니다.
Shostakovich의 scherzo는 두 가지 유형이 있습니다. 한 가지 유형은 장르에 대한 전통적인 해석입니다(쾌활하고 유머러스한 음악, 때로는 약간의 아이러니, 조롱이 가미됨). 다른 유형은 더 구체적입니다. 장르는 작곡가가 직접 해석하는 것이 아니라 조건부 의미로 해석합니다. 재미와 유머는 그로테스크하고 풍자적이며 다크 판타지에 자리를 내줍니다. 예술적 참신함은 형식이나 구성 구조에 있지 않습니다. 새로운 것은 콘텐츠, 이미지, 자료를 "제시"하는 방법입니다. 거의 대부분 대표적인 예이런 종류의 스케르초는 교향곡 8번의 세 번째 악장입니다.
"사악한" scherzoness는 또한 Shostakovich 주기의 첫 번째 부분(교향곡 4번, 5번, 7번, 8번)에 침투합니다.
이전 장에서는 작곡가의 작업에서 스케르초 원리의 특별한 의미에 대해 이야기했습니다. 그것은 비극과 병행하여 발전했고 때로는 비극적 이미지와 현상의 이면으로 작용하기도 했다. Shostakovich는 Katerina Izmailova에서도 이러한 비 유적 구체를 합성하려고 시도했지만 그러한 합성이 모든면에서 성공하지 못했고 모든 곳에서 설득력이 없습니다. 앞으로이 길을 따라 작곡가는 놀라운 결과를 얻었습니다.
비극과 스케르초 - 그러나 사악하지는 않지만 반대로 삶을 긍정하는 - Shostakovich는 13 번째 교향곡에서 대담하게 결합합니다.
이러한 상이하고 반대되는 예술적 요소의 조합은 Shostakovich의 혁신, 그의 창의적인 "I"의 필수 표현 중 하나입니다.
쇼스타코비치가 만든 소나타 사이클에 있는 느린 악장은 놀라울 정도로 내용이 풍부합니다. 그의 scherzos가 종종 삶의 부정적인 측면을 반영한다면 느린 부분에는 선함, 아름다움, 인간 정신의 위대함, 자연의 긍정적 이미지가 드러납니다. 이것은 작곡가의 음악적 반영의 윤리적 중요성을 결정합니다. 때로는 슬프고 가혹하며 때로는 깨달았습니다.
Shostakovich는 피날레의 가장 어려운 문제를 다양한 방식으로 해결했습니다. 그는 아마도 최종 부분에서 특히 자주 느껴지는 패턴에서 더 멀어지기를 원했을 것입니다. 결말 중 일부는 예상치 못한 것입니다. 교향곡 13번을 생각해 보십시오. 첫 번째 부분은 비극적이며 두 번째 부분("두려움")에는 많은 암울함이 있습니다. 그리고 피날레에서는 유쾌한 조롱의 웃음이 울린다! 결말은 예상치 못한 동시에 유기적입니다.
Shostakovich에는 어떤 유형의 교향곡 및 실내악 피날레가 있습니까?
우선 - 영웅적인 계획의 결승전. 그들은 영웅 비극 주제가 드러나는 일부 주기를 닫습니다. 효과적이고 극적이며 투쟁으로 가득 차 있으며 때로는 마지막 소절까지 계속됩니다. 이러한 유형의 마지막 악장은 교향곡 1번에 이미 설명되어 있습니다. 교향곡 5번, 7번, 11번에서 가장 전형적인 예를 찾을 수 있습니다. 트리오의 피날레는 전적으로 비극의 영역에 속합니다. 교향곡 14번의 간결한 마지막 악장은 동일합니다.
Shostakovich는 영웅적이지 않은 쾌활한 축제 피날레를 가지고 있습니다. 그들은 투쟁의 이미지가 부족하고 장애물을 극복합니다. 무한한 기쁨이 지배합니다. 1악장의 마지막 알레그로입니다. 이것이 여섯 번째 교향곡의 피날레이지만 여기서는 교향곡 형식의 요구 사항에 따라 더 넓고 다채로운 그림이 제공됩니다. 일부 협주곡의 결선은 연주 방식은 다르지만 같은 범주에 포함되어야 합니다. 피아노 협주곡 1번의 피날레는 그로테스크하고 익살스러운 분위기가 지배적입니다. 바이올린 협주곡 1번의 벌레스크는 민속 축제를 묘사합니다.
서정적 결승에 대해 말해야합니다. 서정적 이미지는 때때로 허리케인이 격노하고 강력한 화해 할 수없는 세력이 충돌하는 Shostakovich의 작품을 장식합니다. 이 이미지는 목가적으로 표시됩니다. 작곡가는 사람에게 기쁨을주고 영적 상처를 치유하는 자연으로 향합니다. 5중주의 피날레인 6중주에서는 목가적이 일상의 춤 요소와 결합됩니다. 교향곡 8번의 피날레("카타르시스")도 상기시켜 드리겠습니다.
작곡가가 "호환되지 않음"을 결합한 반대 감정 영역의 구현을 기반으로 한 비정상적이고 새로운 결승전. 이것은 다섯 번째 사중주의 피날레입니다 : 가정, 평온 및 폭풍. 7중주의 끝에서 성난 푸가는 슬프고 매혹적인 낭만적인 음악으로 대체됩니다. 교향곡 15번의 피날레는 존재의 극점을 포착하는 다중 구성 요소입니다.
Shostakovich가 가장 좋아하는 기술은 결승전에서 이전 부분의 청취자에게 알려진 주제로 돌아가는 것입니다. 이것은 여행 경로의 기억이자 동시에 "전투는 끝나지 않았다"는 알림입니다. 이러한 에피소드는 종종 절정을 나타냅니다. 그들은 First, Eighth, Tenth, Eleventh 교향곡의 결승에 있습니다.
결승전의 형식은 쇼스타코비치의 작품에서 소나타의 원리에 속하는 유난히 중요한 역할을 확인시켜준다. 여기에서도 작곡가는 기꺼이 소나타 형식(론도 소나타의 형식과 마찬가지로)을 사용합니다. 1악장에서처럼 그는 이 형식을 자유롭게 해석한다(교향곡 4번과 7번의 피날레에서 가장 자유롭게).
Shostakovich는 다양한 방식으로 소나타 사이클을 구축하고 부품 수, 교대 순서를 변경합니다. 연속된 끊어지지 않는 부분을 결합하여 루프 내에 루프를 만듭니다. 전체의 통일성에 대한 성향은 교향곡 11번과 12번에서 쇼스타코비치가 악장 사이의 휴식을 완전히 포기하도록 자극했습니다. 그리고 14번에서 그는 소나타-교향곡 주기 형식의 일반적인 패턴에서 벗어나 다른 구성 원칙으로 대체합니다.
전체의 통일성은 또한 Shostakovich에 의해 모든 부분의 주제적 특성을 포용하는 복잡하고 분기된 억양 연결 시스템으로 표현됩니다. 그는 또한 크로스 커팅 테마를 사용하여 부분에서 부분으로 전달하고 때로는 leitmotif 테마를 사용했습니다.
Shostakovich의 절정은 감정적이고 조형적인 매우 중요합니다. 그는 전체 파트의 정점, 때로는 전체 작품의 정점인 일반적인 절정을 세심하게 강조한다. 그의 교향곡 개발의 일반적인 규모는 일반적으로 절정이 "고원"이고 상당히 확장되는 정도입니다. 작곡가는 절정 부분에 기념비적이거나 영웅적이거나 비극적인 성격을 부여하기 위해 다양한 수단을 동원합니다.
말한 것에 대해 Shostakovich에서 큰 형식을 펼치는 과정 자체가 대체로 개별적이라는 점을 추가해야합니다. 그는 짧은 구성과 빈번한 휴지기를 피하면서 음악적 흐름의 연속성에 끌립니다. 음악적 아이디어를 표현하기 시작한 그는 그것을 끝내기 위해 서두르지 않습니다. 따라서 교향곡 7번 2악장의 오보에(코앵글레로 가로채기)의 주제는 49마디(보통 템포)로 지속되는 하나의 거대한 구성(주기)입니다. 갑작스러운 대조의 대가인 쇼스타코비치는 동시에 큰 음악 섹션 전체에 걸쳐 하나의 분위기, 하나의 색상을 유지하는 경우가 많습니다. 확장된 음악 레이어가 있습니다. 때때로 그들은 도구적인 독백입니다.
Shostakovich는 동기, 문구 또는 대규모 구성 등 이미 말한 내용을 정확히 반복하는 것을 좋아하지 않았습니다. 음악은 "통과 단계"로 돌아 가지 않고 더 멀리 흐릅니다. 이 "유동성"(표현의 다성적 창고와 밀접한 관련이 있음)은 다음 중 하나입니다. 중요한 기능작곡가 스타일. (교향곡 7번의 침략 에피소드는 주제의 반복적 반복에 기반을 두고 있으며, 이는 작가가 스스로 설정한 과제의 특성에 기인한다.) 파사칼리아는 주제의 반복에 기반한다(베이스로) ; 그러나 여기서 "유동성"의 느낌은 상위 성부의 움직임에 의해 만들어집니다.
이제 Shostakovich에 대해 "음색 극작술"의 거장으로 말할 필요가 있습니다.
그의 작품에서 오케스트라의 음색은 음악, 음악적 내용 및 형식과 분리할 수 없습니다.
Shostakovich는 음색 그림이 아니라 인간의 감정과 경험과 관련된 음색의 정서적, 심리적 본질을 드러내는 데 끌 렸습니다. 이와 관련하여 그는 Debussy, Ravel과 같은 거장과는 거리가 멀다. 그는 Tchaikovsky, Mahler, Bartok의 오케스트라 스타일에 훨씬 더 가깝습니다.
쇼스타코비치 오케스트라는 비극의 오케스트라다. 음색의 표현은 최대의 강도에 도달합니다. 다른 모든 소련 작곡가보다 Shostakovich는 뮤지컬 드라마의 수단으로 음색을 마스터하여 무한한 깊이의 개인적인 경험과 세계적인 규모의 사회적 갈등을 모두 드러냈습니다.
교향곡과 오페라 음악은 금관악기와 현악기의 도움으로 극적인 갈등의 음색 구현의 많은 예를 제공합니다. Shostakovich의 작업에는 그러한 예가 있습니다. 그는 종종 황동 그룹의 "집단"음색을 악, 공격성 및 적군의 맹공격의 이미지와 연결했습니다. 교향곡 4번의 1악장을 상기시켜 드리겠습니다. 주요 주제는 적의 뼈에 강력한 왕좌를 세우고 싶어하는 군단의 "주철"짓밟기입니다. 그것은 2개의 트럼펫과 2개의 옥타브 트롬본과 같은 황동으로 위임되었습니다. 그들은 바이올린에 의해 복제되지만 바이올린의 음색은 구리의 강력한 소리에 흡수됩니다. 개발 과정에서 금관악기(타악기뿐만 아니라)의 극적 기능이 특히 명확하게 드러납니다. 폭력적인 푸가가 절정으로 이어집니다. 여기에서 현대 Huns의 발걸음이 더욱 분명하게 들립니다. 브라스 그룹의 음색은 알몸이며 "클로즈업"으로 표시됩니다. 테마는 포르테 포르티시모로 들리며 8개의 호른이 동시에 연주합니다. 그런 다음 네 개의 트럼펫이 들어간 다음 세 개의 트롬본이 들어갑니다. 그리고 이 모든 것은 4개의 타악기에 맡겨진 전투 리듬의 배경에 대한 것입니다.
교향곡 5번 1악장의 전개에서도 브라스 그룹을 사용하는 것과 같은 극적 원리가 드러난다. 황동과 여기에는 뮤지컬 드라마의 부정적인 라인, 카운터 액션의 라인이 반영됩니다. 이전에는 현악기의 음색이 박람회를 지배했습니다. 개발 초기에는 이제 악의 힘의 화신이 된 다시 생각한 메인 테마가 뿔에 맡겨집니다. 그 전에 작곡가는 이러한 악기의 높은 음역을 사용했습니다. 부드럽고 가볍게 들렸습니다. 이제 처음으로 혼 부분이 극도로 낮은 베이스 레지스터를 포착하여 음색이 흐릿해지고 불길해집니다. 조금 더 나아가서 주제는 다시 낮은 음역에서 재생되는 파이프로 바뀝니다. 나는 세 개의 트럼펫이 같은 주제를 연주하는 절정을 더 지적할 것이며, 그것은 잔인하고 영혼 없는 행진으로 변했습니다. 이것이 절정의 절정입니다. Copper가 전면에 등장하고 솔로로 청취자의 관심을 완전히 사로 잡습니다.
주어진 예는 특히 다양한 레지스터의 극적인 역할을 보여줍니다. 하나의 동일한 악기는 작업의 음색 팔레트에 어떤 색상 레지스터가 포함되어 있는지에 따라 상이하고 반대되는 극적인 의미를 가질 수 있습니다.
구리 바람 그룹은 때때로 다른 기능을 수행하여 긍정적인 시작의 운반자가 됩니다. 쇼스타코비치 교향곡 5번의 마지막 두 악장을 살펴보겠습니다. Largo의 현악기를 진심으로 노래한 후, 피날레의 첫 번째 마디는 교향곡 액션의 급격한 전환을 표시하며 금관악기에 대한 매우 활기찬 도입부로 표시됩니다. 그들은 결승에 구현 행동을 통해, 의지가 강한 낙관적 이미지를 주장합니다.
Shostakovich the symphonist의 매우 특징적인 것은 마지막 Largo 섹션과 피날레 시작 사이의 강조된 대조입니다. 현악기 피아니시모의 가장 훌륭하고 녹는 울림, 첼레스타가 더빙한 하프, 그리고 팀파니의 포효를 배경으로 하는 파이프와 트롬본의 강력한 포르티시모입니다.
우리는 음색의 대조 충돌 교대, "원거리"비교에 대해 이야기했습니다. 이러한 비교를 수평이라고 할 수 있습니다. 그러나 서로 반대되는 음색이 동시에 들리는 수직 대비도 있습니다.
여덟 번째 교향곡의 첫 번째 부분 개발 섹션 중 하나에서 상위 멜로디 보이스가 고통과 슬픔을 전달합니다. 이 목소리는 현악기(제1바이올린과 제2바이올린, 비올라, 그 다음 첼로)에 맡겨졌다. 그들은 목관 악기로 합류하지만 지배적 인 역할은 현악기에 속합니다. 동시에 우리는 전쟁의 "단호한 목소리"를 듣습니다. 트럼펫, 트롬본, 팀파니가 이곳을 지배합니다. 그런 다음 리듬이 스네어 드럼으로 이동합니다. 그것은 전체 오케스트라를 가르고 채찍질과 같은 건조한 소리가 다시 가장 날카로운 음색 충돌을 만듭니다.
다른 주요 교향곡 연주자들과 마찬가지로 쇼스타코비치는 음악이 고상하고 흥미진진할 정도로 강한 감정과 모든 것을 정복하는 인간성을 전달해야 할 때 현악기로 눈을 돌렸습니다. 그러나 현악기는 그에게 금관 악기와 같은 부정적인 이미지를 구현하는 정반대의 극적 기능을 수행하는 경우도 있습니다. 이 경우 작곡가는 선율의 현, 음색의 따뜻함을 앗아갑니다. 소리가 차갑고 단단해집니다. 교향곡 4번, 8번, 14번 교향곡에 그러한 음향의 예가 있습니다.
쇼스타코비치의 악보에서 목관악기는 독주곡이 많다. 일반적으로 이들은 거장 솔로가 아니라 서정적이고 비극적이며 유머러스 한 독백입니다. Flute, oboe, cor anglais, clarinet은 특히 서정적이며 때로는 극적인 색조의 멜로디를 재생합니다. Shostakovich는 바순의 음색을 매우 좋아했습니다. 그는 우울한 애도에서 코미디 그로테스크에 이르기까지 다양한 주제를 그에게 맡겼습니다. Bassoon은 종종 죽음, 심한 고통에 대해 이야기하며 때로는 "오케스트라의 광대"(E. Prout의 표현)입니다.
Shostakovich에서 타악기의 역할은 매우 책임이 있습니다. 그는 관현악의 울림을 우아하게 만들기 위해서가 아니라 장식용으로 사용하지 않는 것이 일반적입니다. 그를위한 드럼은 드라마의 원천이며 음악에 특별한 내면의 긴장과 긴장된 날카로움을 가져다줍니다. 이런 종류의 개별 악기의 표현 가능성을 미묘하게 느낀 Shostakovich는 가장 중요한 솔로를 맡겼습니다. 그래서 이미 First Symphony에서 그는 팀파니 솔로를 전체 사이클의 일반적인 정점으로 만들었습니다. Seventh의 침공 에피소드는 스네어 드럼의 리듬과 우리의 상상 속에서 불가분의 관계가 있습니다. 교향곡 13번에서 종의 음색이 리드 음색이 되었습니다. 교향곡 11번과 12번의 그룹 독주 타악기 공연을 상기시켜 드리겠습니다.
Shostakovich의 오케스트라 스타일은 특별한 대규모 연구의 주제입니다. 이 페이지에서는 일부 측면만 다루었습니다.
쇼스타코비치의 작품은 우리 시대의 음악, 주로 소비에트 음악에 강력한 영향을 미쳤습니다. 그 견고한 토대는 18세기와 19세기 고전 작곡가들의 전통뿐 아니라 프로코피예프와 쇼스타코비치를 창시한 전통이기도 했습니다.
물론, 우리는 지금 모방에 대해 말하는 것이 아닙니다. 누가 모방하든 상관없이 그것들은 무익합니다. 우리는 전통의 발전, 그들의 창의적 풍요로움에 대해 이야기하고 있습니다.
현대 작곡가에 대한 Shostakovich의 영향은 오래 전부터 나타나기 시작했습니다. 교향곡 1번은 이미 들었을 뿐만 아니라 주의 깊게 연구되었습니다. V. Ya. Shebalin은 이 젊은 악보에서 많은 것을 배웠다고 말했습니다. Shostakovich는 여전히 젊은 작곡가이지만 V. Zhelobinsky와 같은 Leningrad의 젊은 작곡가에게 영향을 미쳤습니다 (Dmitry Dmitrievich 자신이 그의 영향에 대해 말한 것이 궁금합니다).
전후 몇 년 동안 그의 음악의 영향력 반경이 확대되었습니다. 그것은 모스크바와 다른 도시의 많은 작곡가들을 수용했습니다.
매우 중요한 것은 G. Sviridov, R. Shchedrin, M. Weinberg, B. Tchaikovsky, A. Eshpay, K. Khachaturian, Yu. Levitin, R. Bunin, L. Solin, A의 작곡가 작품에 대한 Shostakovich의 작품이었습니다. .슈니트케. Mussorgsky, Prokofiev, Shostak-< вича. Талантливая опера С. Слонимского «Виринея»
сочетает традиции Мусоргского с традициями автора «Катерины Измайловой».
Назову А. Петрова; его симфоническая Поэма памяти жертв 레닌그라드 봉쇄, 스타일이 완전히 독립적 인 작품이기 때문에 Shostakovich의 일곱 번째 교향곡 (더 정확하게는 느린 부분)의 전통과 관련이 있습니다. 심포니와 실내 음악우리의 유명한 주인은 B. Tishchenko에게 큰 영향을 미쳤습니다.
그 중요성은 소비에트 국립 음악 학교에도 매우 중요합니다. 인생은 쇼스타코 비치와 프로코피예프에 대한 우리 공화국 작곡가의 호소가 그들의 작품의 국가적 기반을 전혀 약화시키지 않으면 서 큰 이점이 있음을 보여주었습니다. 이것이 사실이라는 사실은 예를 들어 Transcaucasia 작곡가의 창의적인 관행에 의해 입증됩니다. 현대 아제르바이잔 음악의 최대 거장이자 세계적으로 유명한 작곡가인 카라 카라예프는 쇼스타코비치의 제자입니다. 의심 할 여지없이 그는 깊은 창의적 독창성과 스타일에 대한 국가적 확신을 가지고 있습니다. 그러나 Shostakovich와의 연구와 그의 작품 연구는 Kara Abulfasovich가 창의적으로 성장하고 사실적인 음악 예술의 새로운 수단을 마스터하는 데 도움이되었습니다. 뛰어난 아제르바이잔 작곡가 Dzhevdet Hajiyev에 대해서도 마찬가지입니다. V. I. Lenin을 기리는 그의 네 번째 교향곡에 주목하겠습니다. 그것은 국가 이미지의 확실성으로 구별됩니다. 저자는 아제르바이잔 무감의 억양과 모달의 풍부함을 깨달았습니다. 동시에 Gadzhiev는 소비에트 공화국의 다른 뛰어난 작곡가와 마찬가지로 지역 표현 수단의 영역에 국한되지 않았습니다. 그는 Shostakovich의 교향곡에서 많은 것을 가져 왔습니다. 특히 아제르바이잔 작곡가의 폴리포니의 일부 특징은 그의 작품과 관련이 있습니다.
아르메니아 음악에서는 서사적 그림 교향곡과 함께 극적이고 심리적으로 심오한 교향곡이 성공적으로 발전하고 있습니다. A. I. Khachaturian과 D. D. Shostakovich의 음악은 아르메니아 교향곡 창의성의 성장에 기여했습니다. 이것은 적어도 D. Ter-Tatevosyan의 첫 번째 및 두 번째 교향곡, E. Mirzoyan 및 기타 작가의 작품에 의해 입증됩니다.
조지아의 작곡가들은 뛰어난 러시아 마스터의 악보에서 많은 유용한 것들을 배웠습니다. 나는 A. Balanchivadze의 교향곡 1번을 예로 들겠습니다.
소비에트 우크라이나의 뛰어난 작곡가 중 우크라이나 교향곡의 가장 위대한 대표자 인 B. Lyatoshinsky는 Shostakovich와 가장 가깝습니다. Shostakovich의 영향은 최근 몇 년 동안 전면에 등장한 젊은 우크라이나 작곡가에게 영향을 미쳤습니다.
벨로루시 작곡가 E. Glebov와 예를 들어 에스토니아 J. Ryazts 및 A. Pyart와 같은 소련 발트해 연안 국가의 많은 작곡가가이 행에 언급되어야합니다.
본질적으로 Shostakovich가 따랐던 길에서 창의적으로 매우 멀리 떨어진 사람들을 포함하여 모든 소비에트 작곡가는 그에게서 무언가를 가져갔습니다. Dmitry Dmitrievich의 작업에 대한 연구는 그들 각자에게 확실한 이점을 가져 왔습니다.
T. N. Khrennikov는 1976 년 9 월 24 일 쇼스타코 비치 탄생 70 주년을 기념하여 기념 콘서트 개막 연설에서 Prokofiev와 Shostakovich가 소련 음악 발전에서 중요한 창의적 경향을 결정했다고 말했습니다. 이 진술에 동의하지 않을 수 없습니다. 전 세계의 음악 예술에 대한 우리의 위대한 심포니스트의 영향도 의심의 여지가 없습니다. 그러나 여기서 우리는 풀리지 않은 처녀지를 만지고 있습니다. 이 주제는 아직 전혀 연구되지 않았으며 아직 개발되지 않았습니다.
Shostakovich의 예술은 미래를 지향합니다. 그것은 우리를 인도합니다 큰 길"거센 바람에 활짝 열린 세상"인 아름답고 불안한 세상으로의 삶. Eduard Bagritsky의 이러한 말은 그의 음악에 대해 Shostakovich에 대한 것처럼 말합니다. 그는 평화롭게 살기 위해 태어나지 않은 세대에 속합니다. 이 세대는 많은 것을 견뎌냈지만 승리했습니다
Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906-1975)의 창작 경로는 전체 소비에트 예술 문화의 역사와 불가분의 관계가 있으며 언론에 적극적으로 반영되었습니다 (작곡가에 대한 많은 기사, 책, 에세이 등이 그의 생애 동안 출판되었습니다) . 언론 페이지에서 그는 천재라고 불 렸습니다 (작곡가는 당시 17 세였습니다).
“쇼스타코비치의 게임에서 ... 천재의 즐겁고 차분한 자신감. 내 말은 쇼스타코비치의 뛰어난 연주뿐만 아니라 그의 작곡에도 적용됩니다.”(V. Walter, 평론가)
Shostakovich는 가장 독창적이고 독창적이며 밝은 예술가. 그의 전체 창작 전기는 진정한 혁신가의 길입니다. 전선비 유적 및 장르 및 형식, 모달 억양 분야의 발견. 동시에 그의 작품은 최고의 음악 예술 전통을 유기적으로 흡수했습니다. 그에게 큰 역할은 작곡가가 교향곡 영역에 가져온 원칙 (오페라 및 실내악)의 창의성에 의해 수행되었습니다.
또한 Dmitry Dmitrievich는 베토벤의 영웅적 교향곡, 서정적 극적 교향곡을 이어갔습니다. 그의 작품에 대한 삶을 긍정하는 아이디어는 셰익스피어, 괴테, 베토벤, 차이코프스키로 거슬러 올라갑니다. 예술적인 본성으로
"Shostakovich는 "극장의 남자"이며 그를 알고 사랑했습니다."(L. Danilevich).
동시에 작곡가이자 인간으로서의 그의 삶은 소비에트 역사의 비극적 페이지와 연결되어 있습니다.
D. D. Shostakovich의 발레와 오페라
첫 번째 발레 - "Golden Age", "Bolt", "Bright Stream"
작품의 집단적 영웅은 축구 팀입니다 (작곡가가 스포츠를 좋아하고 게임의 복잡성에 전문적으로 정통하여 축구 경기에 대한 보고서를 작성할 수있는 기회를 제공 한 적극적인 팬 이었기 때문에 우연이 아닙니다. 축구 심판 학교 졸업). 다음은 산업화를 주제로 한 발레 "볼트"입니다. 대본은 전직 기병이 썼고 그 자체로 현대적인 관점에서 볼 때 거의 패러디적이었습니다. 발레는 구성주의 정신으로 작곡가에 의해 만들어졌습니다. 동시대 사람들은 초연을 다른 방식으로 회상했습니다. 일부는 프롤레타리아 청중이 아무것도 이해하지 못하고 작가를 야유했다고 말하고 다른 일부는 발레가 박수를 받았다고 회상합니다. 집단 농장에서 열리는 발레 The Bright Stream (초연-01/04/35)의 음악은 서정적 일뿐만 아니라 작곡가의 운명에 영향을 미칠 수밖에없는 코믹 억양으로도 가득 차 있습니다. .
Shostakovich는 초기에 많은 작곡을했지만 예를 들어 Pushkin 이후의 첫 번째 오페라 "집시"와 같이 일부 작품은 그에 의해 개인적으로 파괴 된 것으로 판명되었습니다.
오페라 "코"(1927-1928)
격렬한 논란을 일으켜 오랫동안 극장 레퍼토리에서 제외됐다가 다시 부활했다. 쇼스타코비치는 자신의 말로 다음과 같이 말했습니다.
“... 무엇보다도 오페라가 주로 음악이라는 사실에 의해 안내됩니다. "The Nose"에서는 액션과 음악의 요소가 균등화됩니다. 어느 쪽도 다른 쪽도 지배적 인 위치를 차지하지 않습니다.
음악과 연극 공연을 합성하려는 노력의 일환으로 작곡가는 자신의 창의적인 개성과 다양한 예술적 경향을 작품에 유기적으로 결합했습니다 (Love for Three Oranges, Berg의 Wozzeck, Krenek의 Jump Over the Shadow). 리얼리즘의 연극 미학은 작곡가에게 큰 영향을 미쳤으며 전체적으로 The Nose는 한편으로는 사실적인 방법의 토대를 다른 한편으로는 소련 오페라 드라마 투르 기의 "고골 리안"방향의 토대를 마련했습니다.
오페라 카테리나 이즈마일로바(므첸스크 지구의 레이디 맥베스)
비극적 요소가 이미 The Nose에서 볼 수 있었지만 하위 텍스트를 구성하는 유머 (발레 Bolt에서)에서 비극으로의 급격한 전환으로 표시되었습니다.
이것 - “... 인간의 모든 것이 짓밟히고 사람들이 불쌍한 꼭두각시 인 작곡가가 묘사 한 세상의 끔찍한 말도 안되는 비극적 느낌의 구체화; 그의 각하 코가 그들 위로 솟아 있습니다”(L. Danilevich).
이러한 대조에서 연구원 L. Danilevich는 Shostakovich의 창의적 활동, 더 광범위하게는 세기의 예술에서 탁월한 역할을 봅니다.
오페라 "Katerina Izmailova"는 작곡가의 아내 N. Varzar에게 헌정되었습니다. 원래 아이디어는 대규모였습니다. 다른 시대에 여성의 운명을 묘사하는 3 부작입니다. "Katerina Izmailova"는 "어두운 왕국"에 대한여 주인공의 자발적인 항의를 묘사하여 그녀를 범죄의 길로 몰아 넣는 첫 번째 부분이 될 것입니다. 다음 부분의여 주인공은 혁명가 여야했고 세 번째 부분에서 작곡가는 소련 여성의 운명을 보여주고 싶었습니다. 이 계획은 실현되지 않았습니다.
동시대 사람들의 오페라 평가에서 I. Sollertinsky의 말은 다음과 같습니다.
“스페이드의 여왕 이후 러시아 뮤지컬 극장의 역사에서 Lady Macbeth와 같은 규모와 깊이의 작품이 등장하지 않았다고 전적으로 말할 수 있습니다.
작곡가 자신은 오페라를 "비극 풍자"라고 불렀고, 따라서 그의 작품의 가장 중요한 두 가지 측면을 통합했습니다.
그러나 1936년 1월 28일, Pravda 신문은 쇼스타코비치가 형식주의로 고발된 오페라(이미 대중으로부터 높은 평가와 인정을 받았음)에 대한 "음악 대신 혼란"이라는 제목의 기사를 게재했습니다. 이 기사는 오페라가 제기한 복잡한 미적 문제에 대한 오해의 결과로 밝혀졌지만, 그 결과 작곡가의 이름이 부정적으로 날카롭게 지적되었다.
이 어려운시기에 많은 동료들의 지원이 그에게 매우 귀중한 것으로 판명되었으며 Baratynsky에 대한 Pushkin의 말로 Shostakovich를 환영한다고 공개적으로 말했습니다.
"그는 우리에게 독창적입니다. 왜냐하면 그는 생각하기 때문입니다."
(비록 Meyerhold의 지원은 그 해에 거의 지원이 될 수 없었습니다. 오히려 그것은 작곡가의 삶과 작업에 위험을 초래했습니다.)
무엇보다도 2 월 6 일 같은 신문은 실제로 발레 "Bright Stream"을 가로 지르는 "Ballet Falsity"라는 기사를 게재했습니다.
작곡가에게 큰 타격을 준이 기사들로 인해 수년 동안 다양한 프로젝트에 끊임없이 관심을 가졌음에도 불구하고 오페라와 발레 작곡가로서의 그의 활동은 끝났습니다.
쇼스타코비치의 교향곡
교향곡 작품(작곡가는 15개의 교향곡을 작곡함)에서 Shostakovich는 종종 음악적 주제에 대한 깊은 재고를 바탕으로 비 유적 변형 방법을 사용하여 결과적으로 복수의 의미를 얻습니다.
- 에 대한 교향곡 1번미국의 한 음악 잡지는 1939년에 이렇게 썼습니다.
이 교향곡(논문 작업)은 작곡가의 창작 전기에서 견습 기간을 완성했습니다.
- 두 번째 교향곡-이것은 작곡가의 현대 생활을 반영한 것입니다. 국영 출판사 뮤지컬 부문 선전 부서에서 10 월 혁명 10 주년을 맞아 주문한 "10 월"이라는 이름이 있습니다. 그것은 새로운 방법을 찾는 시작을 표시했습니다.
- 교향곡 3번두 번째에 비해 민주적이고 노래 같은 음악적 언어가 특징입니다.
몽타주 극작술의 원리, 연극성, 이미지의 가시성이 부조 속에서 추적되기 시작한다.
- 교향곡 4번- Shostakovich 교향곡 발전의 새로운 단계를 표시하는 교향곡 비극.
"Katerina Izmailova"처럼 그녀는 일시적으로 잊혀졌습니다. 작곡가는 "시간이 부족할 것"이라고 믿고 초연을 취소했습니다 (1936 년에 열릴 예정임). 1962년에야 작업이 수행되었고 내용의 복잡성, 선명도 및 음악적 언어에도 불구하고 열광적으로 받아들여졌습니다. G. Khubov (비평가)는 다음과 같이 말했습니다.
"교향곡 4번의 음악에서는 삶 자체가 끓어오르고 거품을 일으킵니다."
- 교향곡 5번종종 셰익스피어 유형의 드라마, 특히 "햄릿"과 비교됩니다.
"예를 들어 셰익스피어 비극의 삶을 긍정하는 파토스와 같은 긍정적인 아이디어로 스며들어야 합니다."
그래서 그는 교향곡 5번에 대해 이렇게 말했습니다.
“내 교향곡의 주제는 성격의 형성입니다. 이 작품의 컨셉의 중심에 내가 본 것은 그의 모든 경험을 가진 남자였다.
- 정말 아이코닉 교향곡 7번("레닌그라드"), 제 2 차 세계 대전의 끔찍한 사건에 대한 직접적인 인상을 받아 포위 된 레닌 그라드에서 작성되었습니다.
쿠세비츠키에 따르면 그의 음악은
"엄청나고 인도적이며 세계 격변의 시대에 쇼스타코비치처럼 태어난 천재 베토벤의 인류애의 보편성과 비교할 수 있습니다…".
교향곡 7번의 초연은 42년 8월 9일 포위된 레닌그라드에서 라디오 콘서트 방송과 함께 열렸습니다. 작곡가의 아들인 막심 쇼스타코비치는 이 작품이 파시스트 침략의 반인간주의뿐만 아니라 소련 스탈린주의 테러의 반인간주의를 반영한다고 믿었다.
- 교향곡 8번(1943년 11월 4일 초연) 작곡가 작품의 비극적 라인의 첫 번째 정점(두 번째 절정은 교향곡 14번)으로, 그 음악은 그 중요성을 경시하려는 시도로 논란을 일으켰지만 20세기 최고의 작품.
- 교향곡 9번에서(1945년 완성) 작곡가(그런 의견이 있다)는 종전을 답했다.
그 경험을 없애기 위해 고요하고 즐거운 감정에 호소하려 했다. 그러나 과거에 비추어 볼 때 이것은 더 이상 가능하지 않았습니다. 주요 이데올로기 라인은 필연적으로 극적인 요소에 의해 시작됩니다.
- 10번 교향곡교향곡 4번에 나오는 대사를 계속했다.
그 후 Shostakovich는 인민의 혁명적 서사시를 구현하는 다른 유형의 교향곡으로 전환합니다. 그래서 "1905"(10 월 40 주년 기념 교향곡 11 번)와 "1917"(교향곡 12 번)이라는 이름이 붙은 교향곡 11 번과 12 번이 나타납니다.
- 교향곡 13번과 14번또한 특수 장르 기능(오라토리오의 기능, 오페라 하우스의 영향)으로 표시됩니다.
이들은 보컬 및 교향곡 장르의 합성에 대한 성향이 완전히 드러난 다중 파트 보컬 교향곡주기입니다.
작곡가 Shostakovich의 교향곡 작품은 다면적입니다. 한편으로 이들은 국가에서 일어나는 일에 대한 두려움의 영향으로 작성된 작품이며 일부는 명령에 따라 작성되고 일부는 자신을 보호하기 위해 작성되었습니다. 반면에 이들은 삶과 죽음에 대한 진실하고 깊은 반성, 음악의 언어로만 유창하게 말할 수 있었던 작곡가의 개인적인 진술입니다. 타코바 교향곡 14번. 이것은 F. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. Rilke의 구절이 사용되는 보컬 악기 작품입니다. 교향곡의 주요 주제는 죽음과 인간에 대한 성찰입니다. 그리고 Dmitry Dmitrievich 자신이 초연에서 이것이 음악과 삶이라고 말했지만 음악 자료 자체는 사람의 비극적 인 길, 죽음에 대해 이야기합니다. 진정으로 작곡가는 여기에서 철학적 성찰의 절정에 이르렀습니다.
쇼스타코비치의 피아노 작품
새로운 스타일 연출 피아노 음악 20 세기는 낭만주의와 인상주의의 전통을 여러면에서 부정하고 그래픽 (때로는 고의적 건조 함) 표현을 발전 시켰으며 때로는 선명도와 음파를 강조했습니다. 리듬이 특히 중요했습니다. 그것의 형성에서 중요한 역할은 Prokofiev에 속하며 많은 것이 Shostakovich의 특징입니다. 예를 들어, 그는 다양한 레지스터를 널리 사용하고 대조되는 음파를 비교합니다.
이미 아이들의 창의력그는 역사적 사건(피아노 곡 "Soldier", "Hymn to Freedom", "Funeral March in Memory of the Revolution of the Revolution")에 반응하려고 노력했습니다.
N. Fedin은 젊은 작곡가의 음악원 시절을 회상하며 다음과 같이 말합니다.
"그의 음악은 말하고, 수다를 떨고, 때로는 꽤 장난스럽게 들렸습니다."
작곡가는 초기 작품의 일부를 파괴했으며 Fantastic Dances를 제외하고 First Symphony 이전에 작성된 작품을 출판하지 않았습니다. "Fantastic Dances"(1926)는 빠르게 인기를 얻었고 뮤지컬 및 교육학 레퍼토리에 확고하게 진입했습니다.
"전주곡"의 주기는 새로운 기술과 방법을 찾는 것으로 표시됩니다. 여기의 음악 언어에는 허세와 의도적인 복잡성이 없습니다. 개별 작곡가 스타일의 개별 기능은 전형적인 러시아 멜로와 밀접하게 얽혀 있습니다.
피아노 소나타 1번(1926)은 원래 "10월"이라고 불렸으며 관습과 학문에 대한 대담한 도전입니다. 이 작품은 프로코피예프의 피아노 스타일의 영향을 분명히 보여준다.
반대로 10곡으로 구성된 피아노 곡 "Aphorisms"(1927)의 순환 특성은 친밀감과 그래픽 표현으로 표시됩니다.
첫 번째 소나타와 격언에서 Kabalevsky는 "외적인 아름다움으로부터의 탈출"을 봅니다.
1930년대(오페라 Katerina Izmailova 이후) 24개의 피아노 전주곡(1932-1933)과 피아노 협주곡 1번(1933)이 등장했습니다. 이 작품에서 Shostakovich의 개별 피아노 스타일의 특징이 형성되며 나중에 두 번째 소나타와 Quintet 및 Trio의 피아노 부분에 명확하게 표시됩니다.
1950-51년에 "24개의 전주곡과 푸가" op. 87, 구조에서 Bach의 CTC를 참조합니다. 또한 러시아 작곡가 중 누구도 Shostakovich 이전에 그러한 사이클을 만들지 않았습니다.
두 번째 피아노 소나타 (op. 61, 1942)는 L. Nikolaev (피아니스트, 작곡가, 교사)의 죽음의 영향으로 작성되었으며 그의 기억에 전념합니다. 동시에 그것은 전쟁의 사건을 반영했습니다. 친밀감은 장르뿐만 아니라 작품의 드라마투르기에도 영향을 미쳤다.
"아마 여기만큼 피아노 질감 분야에서 금욕적인 Shostakovich는 없었을 것입니다."(L. Danilevich).
챔버 아트
작곡가는 15개의 사중주를 만들었습니다. First Quartet (op. 40, 1938) 작업을 위해 그는 자신의 인정으로 "특별한 생각과 감정없이"시작했습니다.
그러나 쇼스타코비치의 작품은 마음을 사로잡았을 뿐만 아니라 각 키마다 하나씩 24중주 주기를 만드는 아이디어로 발전했습니다. 그러나 인생은 이 계획이 실현될 운명이 아니라고 선언했습니다.
전쟁 전 그의 창조력을 완성한 이정표 작곡은 두 대의 바이올린, 비올라, 첼로, 피아노를 위한 5중주(1940)였습니다.
이것은 “서정적인 시로 부채질된 차분한 반성의 영역입니다. 축제의 재미와 목가적 인 이미지와 결합 된 고상한 생각, 절제되고 순결한 감정의 세계가 있습니다.”(L. Danilevich).
나중에 작곡가는 그의 작품에서 그러한 평화를 찾을 수 없었습니다.
따라서 Sollertinsky를 기념하는 트리오는 떠난 친구의 기억과 끔찍한 전쟁에서 죽은 모든 사람들의 생각을 모두 구현합니다.
칸타타 오라토리오 독창성
Shostakovich는 새로운 유형의 오라토리오를 만들었습니다. 그 특징은 노래 및 기타 장르와 형식, 홍보 및 후손의 광범위한 사용입니다.
이러한 기능은 삼림 보호 벨트의 생성 인 "녹색 건설"의 활성화와 관련된 "이벤트의 발 뒤꿈치에 뜨거운"을 만든 햇볕이 잘 드는 오라토리오 "Song of the Forests"에 구현되었습니다. 그 내용은 7부작으로 공개
( "전쟁이 끝나면", "우리는 조국을 숲으로 옷 입힐 것입니다", "과거의 기억", "숲을 심는 개척자", "Stalingraders가 앞으로 나아갑니다", "미래 산책", "영광").
Op.의 오라토리오 칸타타 "The Sun Shines Over Our Homeland"(1952)의 스타일에 가깝습니다. Dolmatovsky.
오라토리오와 칸타타 모두 작곡가 작품의 합창과 교향곡을 합성하는 경향이 있습니다.
같은 시기에 10편의 시가 등장한다. 혼성 합창단세기 전환기(1951)의 혁명적 시인들의 말을 동반하지 않은 이 시는 혁명적 서사시의 뛰어난 예입니다. 사이클은 작곡가의 작품 중 첫 번째 작품으로, 기악. 일부 비평가들은 평범하지만 소련 명명법에서 큰 자리를 차지한 Dolmatovsky의 말로 만들어진 작품이 작곡가가 창의력을 발휘하는 데 도움이되었다고 믿습니다. 따라서 Dolmatovsky의 말에 대한주기 중 하나는 마치 반대되는 것처럼 14 번째 교향곡 직후에 만들어졌습니다.
영화 음악
영화 음악은 Shostakovich의 작업에서 큰 역할을합니다. 그는 새롭고 알려지지 않은 모든 것에 대한 그의 영원한 열망을 실현한 이런 종류의 음악 예술의 선구자 중 한 명입니다. 그 당시 영화는 여전히 조용했고 영화 음악은 실험으로 여겨졌습니다.
영화 음악을 만드는 Dmitry Dmitrievich는 시각적 범위 자체의 설명이 아니라 음악이 화면에서 일어나는 일의 깊은 심리적 하위 텍스트를 드러내는 정서적 및 심리적 영향을 위해 노력했습니다. 또한 영화 작업으로 인해 작곡가는 이전에 알려지지 않은 국가 계층으로 전환했습니다. 민속 예술. 영화 음악은 그의 주요 작품이 들리지 않을 때 작곡가를 도왔습니다. 번역이 Pasternak, Akhmatova, Mandelstam을 도왔던 것처럼.
Shostakovich의 음악이 포함된 일부 영화(이들은 다른 영화였습니다):
"막심의 청춘", "젊은 근위대", "개파리", "햄릿", "리어왕" 등
작곡가의 음악 언어는 종종 확립 된 규범과 일치하지 않았으며 여러 측면에서 그의 개인적인 특성을 반영했습니다. 그는 유머, 예리한 단어를 높이 평가했으며 그 자신은 재치가있었습니다.
"그의 진지함은 성격의 생동감과 결합되었습니다"(Tyulin).
그러나 Dmitry Dmitrievich의 음악 언어는 시간이 지남에 따라 점점 더 우울해졌습니다. 그리고 유머에 대해 이야기하면 자신감을 가지고 그것을 풍자라고 부를 수 있습니다 (도스토옙스키의 소설 "악마"의 영웅 인 Lebyadkin 대위의 구절에서 잡지 "Crocodile"의 텍스트에 대한 음성주기)
작곡가, 피아니스트인 Shostakovich는 G. Sviridov, K. Karaev, M. Weinberg, B. Tishchenko, G. Ustvolskaya 등 뛰어난 작곡가를 키운 교사(Leningrad Conservatory 교수)이기도 했습니다.
그에게는 시야의 폭이 매우 중요했으며, 그는 항상 음악의 외부적인 장관과 깊은 내면의 감정적 측면 사이의 차이를 느끼고 주목했습니다. 작곡가의 장점은 높이 평가되었습니다. Shostakovich는 소련 국가 상을 수상한 첫 번째 수상자 중 하나이며 Red Banner of Labor의 명령을 받았습니다 (당시에는 극소수의 작곡가 만 달성 할 수 있음).
그러나 작곡가의 인간적이고 음악적인 운명은 천재의 비극을 보여줍니다.
당신은 그것을 좋아 했습니까? 세상에서 기쁨을 숨기지 마십시오 - 공유각 아티스트는 자신의 시간과 특별한 대화를 진행하지만 이 대화의 성격은 주로 그의 성격 특성에 따라 달라집니다.D. 많은 동시대 사람들과 달리 Shostakovich는 매력없는 현실에 가능한 한 가까워지고 무자비하고 일반화 된 상징적 묘사의 창조를 예술가로서의 삶의 문제이자 의무로 만드는 것을 두려워하지 않았습니다. I. Sollertinsky에 따르면 그의 본성 상 그는 위대한 "비극적 시인"이 될 운명이었습니다.
국내 음악 학자의 작품에서 Shostakovich의 작품에서 높은 수준의 갈등이 반복적으로 언급되었습니다 (M. Aranovsky, T. Leie, M. Sabinina, L. Mazel의 작품). 현실의 예술적 반영의 구성 요소이기 때문에 갈등은 주변 현실 현상에 대한 작곡가의 태도를 표현합니다. L. Berezovchuk은 Shostakovich 음악의 갈등이 문체와 장르의 상호 작용을 통해 종종 나타남을 설득력 있게 보여줍니다. 문제. 15. - L.: Music, 1977. - S. 95-119 .. 현대 작품으로 재창조 된 과거의 다양한 음악 스타일과 장르의 징후가 갈등에 참여할 수 있습니다. 작곡가의 의도에 따라 긍정적인 시작의 상징이 되기도 하고 악의 이미지가 되기도 한다. 이것은 20세기 음악에서 "장르를 통한 일반화"(A. Alschwang의 용어)의 변형 중 하나입니다. 일반적으로 회고적 경향(과거 시대의 스타일과 장르에 대한 호소)은 20세기(M. Reger, P. Hindemith, I. Stravinsky, A. Schnittke 등의 작업).
M. Aranovsky에 따르면 Shostakovich 음악의 가장 중요한 측면 중 하나는 다양한 구현 방법의 조합이었습니다. 예술적 아이디어, 와 같은:
마치 "직접적인 음악적 연설"처럼 직접적인 감정적으로 열린 진술;
· "심포닉 플롯"의 구성과 관련된 영화 이미지와 관련된 시각적 기술.
· "행동" 및 "대응" 세력의 의인화와 관련된 지정 또는 상징화 방법 Aranovsky M. 시간의 도전과 예술가의 반응 // 음악 아카데미. - M.: 음악, 1997. - 4번. - P.15 - 27..
Shostakovich의 창의적인 방법의 이러한 모든 표현에는 장르에 대한 분명한 의존이 있습니다. 그리고 감정의 직접적인 표현, 시각적 기술 및 상징화 과정에서 주제주의의 명시적 또는 숨겨진 장르 기반은 모든 곳에서 추가적인 의미 론적 부하를 수반합니다.
Shostakovich의 작품은 교향곡, 오페라, 발레, 사중주 등 전통적인 장르가 지배합니다. 주기의 일부에는 종종 장르 지정이 있습니다. 작곡가는 또한 chaconne, sarabande, passacaglia와 같은 여러 고대 장르를 부활시킵니다. Shostakovich의 예술적 사고의 특징은 잘 알려진 장르에 역사적 원형과 항상 일치하지 않는 의미론이 부여된다는 것입니다. 그들은 특정 가치의 운반자 인 원래 모델로 변합니다.
V. Bobrovsky에 따르면, passacaglia는 높은 윤리적 아이디어를 표현하는 목적을 제공합니다. Bobrovsky V. D. Shostakovich의 Sonata-Symphonic Cycles // Music and Modernity에서 Passacaglia 장르 구현 문제 1. -M., 1962.; chaconne과 sarabande의 장르와 마지막 기간의 실내 구성 인 elegies에서도 비슷한 역할을합니다. 종종 Shostakovich의 작품에는 암송 독백이 있는데, 중기에는 극적이거나 한심한 비극적 진술의 목적에 기여하고 후기에는 일반화 된 철학적 의미를 얻습니다.
Shostakovich의 사고의 다 성음은 주제 예술의 질감과 개발 방법뿐만 아니라 푸가 장르의 부활과 전주곡과 푸가의 쓰기주기 전통에서도 자연스럽게 나타났습니다. 더욱이 다 성음 구조는 매우 다른 의미를 가지고 있습니다. 대조적 인 다 성음과 fugato는 종종 살아있는 인간 원칙의 표현 영역 인 긍정적 인 비 유적 영역과 관련이 있습니다. 반 인간은 엄격한 캐논 (7 번째 교향곡의 "침략의 에피소드", 8 번째 교향곡 2 부의 주요 주제 인 1 부 개발 부분) 또는 단순하고 때로는 고의적으로 원시적 인 동성애로 구현됩니다. 양식.
Scherzo는 Shostakovich에 의해 다양한 방식으로 해석됩니다. 이들은 쾌활하고 장난스러운 이미지와 장난감 꼭두각시 이미지입니다. 또한 scherzo는 작곡가가 부정적인 행동력을 구현하는 데 가장 좋아하는 장르이며 주로 그로테스크 한 이미지를 받았습니다. 장르. M. Aranovsky에 따르면 scherzo 어휘는 마스크 방법을 배포하기 위한 비옥한 억양 환경을 만들었으며 그 결과 "... 합리적으로 이해된 것은 비이성적인 것과 기발하게 얽혀 있었고 삶과 부조리 사이의 경계가 완전히 지워졌습니다. " (1, 24 ). 연구원은 이것에서 Zoshchenko 또는 Kharms와의 유사점, 그리고 아마도 작곡가가 오페라 The Nose에 대한 그의 작업에서 밀접하게 접촉하게 된 시학 Gogol의 영향을 봅니다.
B.V. Asafiev는 작곡가의 스타일에 특정한 갤럽 장르를 골라냅니다. 하지만 갤럽 시네마, 모든 종류의 모험과 함께하는 마지막 추격의 갤럽 이 음악에는 불안감, 긴장된 숨가쁨, 뻔뻔스러운 허세가 있지만 전염성이 있고 즐거운 웃음 만 빠져 있습니다.<…>그들은 마치 장애물을 극복하는 것처럼 경련하고 변덕스럽게 떨립니다. "(4, 312 ) 갤럽 또는 캉캉은 종종 Shostakovich의 "danses macabres"의 기초가 됩니다. - 원래 죽음의 춤(예: Sollertinsky를 기념하는 트리오 또는 8번 교향곡의 III 부분).
작곡가는 군사 및 스포츠 행진, 일상적인 춤, 도시 음악 등 일상 음악을 광범위하게 사용합니다. 서정적인 음악등등. 아시다시피 도시의 일상 음악은 주로 "목가적 인 분위기의 보물"(L. Berezovchuk)로이 창의성 영역을 본 한 세대 이상의 낭만적 인 작곡가에 의해 시화되었습니다. 드문 경우지만 일상적인 장르에 부정적이고 부정적인 의미론이 부여된 경우(예: Berlioz, Liszt, Tchaikovsky의 작품에서) 이것은 항상 의미론적 부하를 증가시키고 음악적 맥락에서 이 에피소드를 분리했습니다. 그러나 19세기에 독특하고 이례적인 것은 쇼스타코비치의 창작 방식의 전형적인 특징이 되었다. 그의 수많은 행진, 왈츠, 폴카, 갤럽, 투 스텝, 캉캉은 가치(윤리적) 중립성을 잃어버렸고, 분명히 부정적인 비유적 영역에 속한다.
L. Berezovchuk L. Berezovchuk. 인용 Op. 이것은 여러 가지 역사적 이유에 의해 설명됩니다. 작곡가의 재능이 형성되었던 시기는 소비에트 문화. 새로운 사회에서 새로운 가치를 창출하는 과정은 가장 모순적인 경향의 충돌을 동반했다. 한편으로는 새로운 표현 방법, 새로운 주제, 플롯입니다. 반면에-20-30 대 평신도를 휩쓸었던 롤리 킹, 히스테리 및 감상적인 음악 제작의 눈사태.
20세기 부르주아 문화의 불가분의 속성인 일상음악은 20세기를 대표하는 예술가들에게 소부르주아적 삶의 방식과 편협함, 영성 결핍의 징후가 된다. 이 영역은 다른 사람들에게 끔찍한 위험으로 성장할 수 있는 원초적인 본능의 영역인 악의 온상으로 인식되었습니다. 따라서 작곡가에게는 악의 개념이 "낮은"일상 장르의 영역과 결합되었습니다. M. Aranovsky가 언급했듯이 "이 쇼스타코비치는 말러의 후계자 역할을 했지만 그의 이상주의는 없었다"(2, 74 ). 시화되고 낭만주의에 의해 고양되는 것은 기괴한 왜곡, 풍자, 조롱의 대상이됩니다.. "도시 연설"에 대한 이러한 태도는 Shostakovich 혼자가 아닙니다. M. Aranovsky는 M. Zoshchenko의 언어와 유사점을 그립니다. 의도적으로 부정적인 캐릭터의 연설을 왜곡했습니다. 이에 대한 예는 "Police Waltz"와 오페라 "Katerina Izmailova"의 대부분의 중단, "Invasion Episode의 행진"입니다. " 교향곡 7번, 교향곡 2부 8번 메인 테마, 5번 교향곡 2부 미뉴에트 테마 등.
소위 "장르 합금" 또는 "장르 혼합"은 성숙한 쇼스타코비치의 창작 방법에서 중요한 역할을 하기 시작했습니다. 그의 논문 Sabinina M. Shostakovich의 Sabinina는 교향곡 연주자입니다. -M .: Music, 1976. 네 번째 교향곡부터 시작하여 큰 중요성외부 사건을 각인하는 것에서 심리적 상태를 표현하는 것으로 전환되는 주제 프로세스를 습득합니다. 하나의 발전 과정에서 일련의 현상을 포착하고 포용하려는 쇼스타코비치의 노력은 전개 과정에서 드러나는 여러 장르의 특징을 하나의 주제로 결합하는 것으로 이어집니다. 이에 대한 예는 교향곡 5번, 7번, 8번 및 기타 작품의 첫 번째 부분의 주요 주제입니다.
따라서 Shostakovich 음악의 장르 모델은 매우 다양합니다. 고대와 현대, 학문과 일상, 명백한 것과 숨겨진 것, 동질적인 것과 혼합 된 것입니다. Shostakovich 스타일의 중요한 특징은 작곡가의 교향곡 개념에서 힘으로 작용하는 가장 중요한 구성 요소 인 선과 악의 윤리적 범주와 특정 장르의 연결입니다.
그의 여덟 번째 교향곡의 예를 사용하여 D. Shostakovich의 음악에서 장르 모델의 의미를 고려하십시오.
