Kultur i Vest-Europa i det XVIII århundre. De viktigste dominantene i kulturen til den europeiske opplysningstiden på 1700-tallet vestlig kultur på 1700-tallet

Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor

Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.

Introduksjon

Kapittel I Opplysningstidens kjerneverdier

Kapittel II Utvikling av vitenskap i opplysningstiden

Kapittel III Stilistiske og sjangertrekk ved 1700-tallets kunst

Konklusjon

Bibliografi

INTRODUKSJON

Relevansen av å studere dette emnet er direkte relatert til betydningen av perioden under vurdering for utviklingen av kulturstudier.

Europeisk kultur fra XVII-XIX århundrer. Det er vanlig å kombinere New Age-kulturen med et felles konsept, som er preget av dannelsen og utviklingen av den kapitalistiske produksjonsmåten.

For landene i Europa, begynnelsen av 1600-tallet. i stor grad preget av den politiske reaksjonen som skjedde som et resultat av hendelsene på slutten av XVI århundre. Bondekrigen i Tyskland (1524-1525), som på mange måter var en fortsettelse av folkebevegelsen mot den katolske kirke, endte med opprørernes nederlag.

Konsekvensen av dette var føydalmaktens triumf, med dens fragmentering, lave sosioøkonomiske og kulturelle utvikling. Faktisk ble den første borgerlige revolusjonen i Europa beseiret. Frankrike er oppslukt av religiøse og borgerkriger.

Temaet for studien er prosessen med kulturell utvikling i Vest-Europa på 1700-tallet.

Målet med studien er de viktigste resultatene av kulturell utvikling i Vest-Europa.

Formålet med dette arbeidet er behovet for å karakterisere prosessen med kulturell utvikling i Vest-Europa i det XVIII århundre.

Å nå dette målet innebærer å løse en rekke av følgende oppgaver:

1. Identifiser hovedverdiene til opplysningstiden.

2. Beskriv vitenskapens utvikling i opplysningstiden.

3. Fremhev hovedstilen og sjangertrekkene ved kunsten på 1700-tallet.

Følgende metoder ble brukt i arbeidet: deskriptiv, syntese, analyse, induksjon, deduksjon, statistikk.

I dette arbeidet brukte vi hovedsakelig monografisk og pedagogisk litteratur. Bruken av denne typen litteratur lar oss karakterisere de viktigste prestasjonene i utviklingen av kulturen på 1700-tallet.

KapittelJeg. Kjerneverdier av opplysningstiden

Opplysning er et nødvendig skritt i den kulturelle utviklingen til ethvert land som skiller seg fra den føydale livsstilen. Opplysning er grunnleggende demokratisk, det er en kultur for folket.

Den ser sin hovedoppgave i oppdragelse og utdanning, i å gjøre alle og enhver kjent med kunnskap.

Som enhver betydelig kulturell og historisk epoke dannet opplysningstiden sitt ideal og forsøkte å sammenligne det med virkeligheten, å implementere det så raskt som mulig og så fullstendig som mulig i praksis.

Etter å ha fremmet ideen om personlighetsdannelse, viste lærerne at en person har et sinn, åndelig og fysisk styrke. Mennesker kommer til verden like, med sine egne behov, interesser, hvis tilfredsstillelse ligger i etableringen av rimelige og rettferdige former for menneskelig fellesskap. Opplysningsmennenes sinn er begeistret av ideen om likhet: ikke bare for Gud, men også for lover, foran andre mennesker.

Ideen om alle menneskers likhet for loven, før menneskeheten er den første trekk opplysningstiden.

Det er ikke overraskende at religion i den form den ble presentert i av kirken virket for ateistiske pedagoger i kampens hete om ytterligheter som menneskets fiende. I øynene til de opplysende deistene ble Gud til en kraft som bare introduserte en viss orden i den evig eksisterende materien. Under opplysningstiden ble ideen om Gud som en stor mekaniker og verden som en enorm mekanisme spesielt populær.

Takket være prestasjonene til naturvitenskapen oppsto ideen om at tiden for mirakler og mysterier har passert, at alle universets hemmeligheter har blitt avslørt, og universet og samfunnet er underlagt logiske lover som er tilgjengelige for menneskesinnet. Fornuftens seier er det andre karakteristiske trekk ved epoken.

Det tredje karakteristiske trekk ved opplysningstiden er historisk optimisme.

Opplysningstiden kan med rette kalles «utopiens gullalder». Opplysningstiden inkluderte først og fremst en tro på evnen til å forandre en person til det bedre, "rasjonelt" transformerende politiske og sosiale grunnlag.

En guide for skaperne av utopier fra det XVIII århundre. tjent som samfunnets "naturlige" eller "naturlige" tilstand, uten å kjenne til privat eiendom og undertrykkelse, inndeling i klasser, ikke drukne i luksus og ikke tynget av fattigdom, ikke påvirket av laster, leve i samsvar med fornuften, og ikke "ifølge til kunstige" lover. Det var en utelukkende fiktiv, spekulativ type samfunn, som ifølge Rousseau kanskje aldri har eksistert og som mest sannsynlig aldri vil eksistere i virkeligheten.

Renessanseidealet om en fri person får egenskapen universalitet. Og ansvar: en opplysningsperson tenker ikke bare på seg selv, men også på andre, på sin plass i samfunnet. Enlighteners fokuserer på problemet med den beste sosiale strukturen. Opplysningsmenn trodde på muligheten for å bygge et harmonisk samfunn.

Dypgripende endringer i det sosiopolitiske og åndelige livet i Europa, assosiert med fremveksten og utviklingen av borgerlige økonomiske relasjoner, bestemte de viktigste dominantene kultur XVIIIårhundre.

Opplysningstidens hovedsentre var England, Frankrike, Tyskland.

Fra 1689 – året for den siste revolusjonen i England – begynner opplysningstiden. Det var en strålende epoke, som begynte med én revolusjon og endte med tre: industriell i England, politisk i Frankrike, filosofisk og estetisk i Tyskland. I hundre år - fra 1689 til 1789. – Verden har endret seg. Restene av føydalismen eroderte mer og mer, borgerlige forhold, som endelig ble etablert etter den store franske revolusjonen, ble høyere og høyere.

Det attende århundre beredte også vei for den borgerlige kulturens dominans. Den gamle, føydale ideologien ble erstattet av filosofer, sosiologer, økonomer, forfattere av den nye opplysningstiden.

I filosofien motarbeidet opplysningstiden enhver metafysikk (vitenskapen om oversanselige prinsipper og værensprinsipper). Det bidro til utviklingen av enhver form for rasjonalisme (som anerkjenner fornuft som grunnlaget for menneskelig kunnskap og atferd), i vitenskapen - til utviklingen av naturvitenskap, hvis oppnåelse den ofte bruker for å rettferdiggjøre den vitenskapelige legitimiteten til synspunkter og tro på framgang. Det er ingen tilfeldighet at selve opplysningstiden i enkelte land ble kalt filosofenes navn. I Frankrike, for eksempel, ble denne perioden kalt Voltaires tidsalder, i Tyskland - Kants tidsalder.

I menneskehetens historie var opplysningsmenn bekymret for globale problemer:

Hvordan oppsto staten? Når og hvorfor oppsto ulikhet? Hva er fremgang? Og det var like rasjonelle svar på disse spørsmålene som i de tilfellene da det var et spørsmål om universets "mekanisme".

Innenfor moral og pedagogikk forkynte opplysningstiden menneskehetens idealer og satte store forhåpninger til dannelsens magiske kraft.

Innenfor politikk, rettsvitenskap og sosioøkonomisk liv - frigjøring av mennesket fra urettferdige bånd, alle menneskers likhet for loven, foran menneskeheten. For første gang måtte epoken i slike akutte former løse det lenge kjente spørsmålet om menneskets verdighet. I ulike områder aktivitet ble den transformert på forskjellige måter, men førte uunngåelig til fundamentalt nye, innovative i sin essens oppdagelser.

Hvis vi snakker om kunst, for eksempel, så er det ingen tilfeldighet at denne epoken var så uventet for seg selv, men så effektivt tvunget til å svare ikke bare på problemet med "kunst og revolusjon", men også på problemet med kunstnerisk oppdagelse, født i dypet av den nye typen bevissthet.

Opplysningsmennene var materialister og idealister, tilhengere av rasjonalisme, sensasjonalisme (sensasjoner ble ansett som grunnlaget for kunnskap og oppførsel) og til og med guddommelig forsyn (de stolte på Guds vilje). Noen av dem trodde på menneskehetens uunngåelige fremgang, mens andre så på historien som en sosial regresjon. Derav det særegne ved konflikten mellom historisk bevissthet epoken og den historiske kunnskapen utviklet av den - konflikten er desto mer forverret, jo mer grundig epoken selv bestemte sine historiske preferanser, en spesiell rolle i den nåværende og fremtidige utviklingen av menneskeheten. Som en sosial tankestrøm var opplysningstiden en slags enhet. Den besto av en spesiell sinnstilstand, intellektuelle tilbøyeligheter og preferanser. For det første er dette opplysningstidens mål og idealer, som frihet, velvære og menneskers lykke, fred, ikke-vold, religiøs toleranse osv., samt den berømte fritenkningen, en kritisk holdning overfor autoriteter av alle slag, avvisning av dogmer, inkludert kirkelige.

Opplysningstiden var et stort vendepunkt i den åndelige utviklingen av Europa, som påvirket nesten alle sfærer av det sosiopolitiske og kulturelle livet. Etter å ha avkreftet de politiske og juridiske normene, estetiske og etiske kodene til det gamle klassesamfunnet, gjorde opplysningsmennene et titanisk arbeid med å skape et positivt verdisystem, rettet først og fremst til en person, uavhengig av hans sosiale tilhørighet, som organisk gikk inn i blodet og kjødet av den vestlige sivilisasjonen.

Opplysningsmenn kom fra forskjellige klasser og eiendommer: aristokrati, adelsmenn, presteskap, ansatte, representanter for kommersielle og industrielle kretser. Forholdene de levde under var også varierte. I hvert land bar opplysningsbevegelsen preg av nasjonal identitet.

KapittelII. Vitenskapens utvikling i opplysningstiden

Frankrike på begynnelsen av århundret er preget av en betydelig utvikling av antireligiøse tendenser, som ble en av de viktigste sidene ved opplysningstiden.

Det første og mest radikale ateistiske verket som sirkulerte i Frankrike på begynnelsen av 1930-tallet var «Testamentet» til landspresten J. Mellier, ifølge hvilket «alt som deres teologer og prester med en slik iver og veltalenhet forkynner for dere om storhet, overlegenhet og sakramentenes hellighet de tvinger deg til å tilbe, alt de forteller deg med en slik alvor om deres imaginære mirakler, alt de beskriver for deg med en slik iver og selvtillit om himmelske belønninger og forferdelige helvetes pinsler - alt dette, i essens, ingenting annet enn illusjoner, vrangforestillinger, bedrag, oppspinn og svindel ... ".

Men som regel var en så tøff stilling ikke karakteristisk for opplysningstiden, som frem til midten av XVIII århundre. basert på deismes prinsipper. Denne teorien anerkjenner skapelsen av verden av Gud, men går ut fra det faktum at Herren i fremtiden slutter å blande seg inn i naturens og samfunnets anliggender. Deistene, som Voltaire, Montesquieu tilhørte, så vel som opplysningstidens senere skikkelser - Rousseau, Condillac, kritiserte alle vanlige religioner og snakket om behovet for en "naturlig religion" rettet mot fornuftens og menneskets fordel. «Sverdet som kuttet hodet av deismen» var Immanuel Kants kritikk av den rene fornuft.

Hvis på 1600-tallet hovedrolle matematikk spilte i naturfag, deretter på 1700-tallet "hente" biologi, fysikk, geografi det.

Vitenskap blir systemisk. Rasjonalisme på 1600-tallet er gradvis i endring. Det gir vei for overbevisning om muligheten og nødvendigheten av utviklingen av sinnet, opplysningen av den menneskelige personlighet.

Andre halvdel av 40-tallet. 18. århundre preget av dannelsen av materialistiske synspunkter.

Verkene til J. La Mettrie inneholder uttalelser som tenkende person vil verken finne teoretisk grunnlag eller praktiske interesser for sin gudstro. Imidlertid mente han at ateisme ikke var gjenstand for distribusjon blant vanlige mennesker og bare ble forstått av noen få utvalgte, som sto over resten i intellektuelle termer.

På slutten av 40-tallet. materialistiske synspunkter er underbygget i verkene til D. Diderot og P. Holbach, som anså ateisme som nødvendig og tilgjengelig for alle.

Mekanistisk naturvitenskap, som dominerte frem til andre halvdel av 1700-tallet, studerte bevegelsen som ble overført fra en kropp til en annen, og forklarte begynnelsen av bevegelsen med Guds handlinger, som for eksempel Newton med sin teori om "første dytt". ".

Voltaire anerkjente også eksistensen av et eller annet evig vesen, som er årsaken til alle andre. Voltaires deisme var grunnlaget for dannelsen av synspunktene til materialistene på 30- og 40-tallet, siden han bare anerkjente skapelsen av verden som Gud, og senere, ifølge Voltaire, blander ikke Gud seg inn i verdens anliggender. La Mettrie, Diderot, Helvetius, Holbach, hvis arbeid falt sammen med utviklingen av kjemi, geologi og biologi, fikk et grunnlag for å hevde utviklingen av naturen fra seg selv.

På 60- og 70-tallet. Voltaire gir også avkall på påstanden om den guddommelige skapelsen av verden, men ikke eksistensen av Gud generelt. Samtidig finner han ikke svar på slike spørsmål som verdens opprinnelse, Guds plassering.

Diderot satte i gang opprettelsen av "Encyclopedia, or Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts", hvis utgivelse varte fra 1751 til 1780.

Det ble senteret som forente opplysningsmenn. Boken inneholdt informasjon om matematikk, astronomi, geografi, beskrev teknologien for produksjon av industrielle produkter.

Manufactory viker gradvis for en mer kompleks organisering av arbeidskraft.

Utviklingen av fabrikker var preget av arbeidsdeling ned til den enkleste operasjonen, som var drivkraften til utviklingen av oppfinnsom virksomhet. Oppfinnelsen av den "flygende" skyttelen i veving, erstatningen av den menneskelige hånden med en mekanisme var begynnelsen på den industrielle revolusjonen.

Fremskyndelsen av veving krevde opprettelsen av en spinnemaskin, oppfunnet av veveren James Hargreaves. I 1784 ga Edmund Cartwright menneskeheten en mekanisk vevstol. I 1771 dukket det opp et foretak hvor maskinen ble drevet av et vannhjul. Det var ikke lenger en fabrikk, men den første fabrikken der driften ble utført med maskiner.

I 1784 skapte mekanikeren James Watt en dampmaskin som kunne brukes uavhengig av tilstedeværelsen av en elv i nærheten, i motsetning til vannhjulet. Dette markerte allerede overgangen fra fabrikk til fabrikk.

Det første fungerende damplokomotivet ble skapt av den selvlærte ingeniøren George Stephenson i 1814.

Massekonstruksjon jernbaner starter på 20-tallet. 1800-tallet Nye materialer og energikilder tas i bruk.

Dermed utviklet utviklingen av vitenskapen i opplysningstiden seg i tråd med rasjonalismens metodikk.

KapittelIII. Stil- og sjangertrekkKunstXVIIIårhundre

Naturen var modell for alt godt og vakkert for opplysningsmennene. Hennes virkelige kult vil bli skapt av sentimentalister på 60-tallet. XVIII århundre, men fascinasjonen for naturlighet, entusiastisk kontemplasjon av det begynner med selve opplysningstiden.

Den synlige legemliggjørelsen av de "bedre verdenene" for folket i opplysningstiden var hager og parker.

Opplysningstidens park ble skapt for et høyt og edelt formål – som et perfekt miljø for en perfekt person.

Opplysningsparker var ikke identiske med naturen. Sammensetningen av parker og hager inkluderte biblioteker, kunstgallerier, museer, teatre, templer dedikert ikke bare til gudene, men også til menneskelige følelser - kjærlighet, vennskap, melankoli. Alt dette sikret implementeringen av opplysningsideer om lykke som en "naturlig tilstand", om " naturlig mann”, hvis hovedbetingelse var en retur til naturen. Blant dem skiller Peterhof (Petrodvorets) seg ut, skapt ved bredden av Finskebukta av arkitektene J. Leblon, M. Zemtsov, T. Usov, J. Quarenghi. Denne praktfulle parken med sine unike palasser og grandiose fontener spilte en eksepsjonell rolle i utviklingen av russisk arkitektur og hagearbeid kunst og generelt i russisk kulturhistorie.

Europeisk kunst på 1700-tallet kombinerte to forskjellige trender: klassisisme og romantikk.

Klassisisme i kunst, musikk, litteratur - dette er en stil basert på å følge prinsippene for gammel gresk og romersk kunst: rasjonalisme, symmetri, målrettethet, tilbakeholdenhet og streng overholdelse av innholdet med formen.

Romantikken setter i forkant kunstnerens fantasi, emosjonalitet og kreative spiritualitet.

Opplysningstidens kunst brukte de gamle stilistiske formene for klassisisme, og reflekterte med deres hjelp et helt annet innhold. I kunsten til forskjellige land og folkeslag danner klassisisme og romantikk noen ganger en slags syntese, noen ganger eksisterer de i alle slags kombinasjoner og blandinger.

En viktig ny begynnelse i kunsten på 1700-tallet var fremveksten av trender som ikke hadde sin egen stilistiske form og ikke følte behov for å utvikle den. En slik kulturologisk trend var først og fremst sentimentalisme (fra den franske følelsen), som fullt ut reflekterte opplysningsideene om den opprinnelige renheten og vennligheten til den menneskelige naturen, som går tapt sammen med samfunnets avstand fra naturen.

Praktisk talt på territoriet til nesten hele Europa er det en invasjon av det sekulære prinsippet i det religiøse maleriet i de landene der det pleide å spille en stor rolle - Italia, Østerrike, Tyskland. Sjangermaleri har noen ganger en tendens til å ta ledelsen. I stedet for et seremonielt portrett – et intimt portrett, i landskapsmaleriet – et stemningslandskap.

I første halvdel av 1700-tallet ble rokokko den ledende trenden innen fransk kunst. All rokokkokunst er bygget på asymmetri, som skaper en følelse av uro – en leken, hånende, kunstnerisk, ertende følelse. Det er ingen tilfeldighet at begrepet "rokoko" kommer fra det franske "rocaille" - bokstavelig talt en diamant- og skalldekorasjon. Plotter - bare kjærlighet, erotiske, elskede heltinner - nymfer, bacchanter, Diana, Venus, som gjør sine endeløse "triumfer" og "toaletter".

Francois Boucher (1703-1770) ble en fremtredende representant for den franske rokokkoen. "Kongens første kunstner", som han offisielt ble kalt, direktøren for akademiet, Boucher var en ekte sønn på sin alder, som visste hvordan han skulle gjøre alt selv: paneler for hoteller, malerier for rike hus og palasser, papp for billedvevfabrikken, teaterkulisser, bokillustrasjoner, tegninger av vifter, tapeter, peishyller, vogner, skisser av kostymer, etc. Typiske plott av lerretene hans er "The Triumph of Venus" eller "The Toilet of Venus", "Venus with Cupid", "Diana's Bathing".

Antoine Watteau (1684-1721) - Fransk maler, vendte seg til bilder av samtidens liv. Watteaus dype refleksjoner over essensen av virkelig høy kunst gjenspeiles i lerretene hans. Innredningen, sofistikeringen av Watteaus verk fungerte som grunnlaget for rokokko as stil retning, og hans poetiske oppdagelser ble videreført av malerne i den realistiske retningen på midten av 1700-tallet.

I tråd med nye estetiske ideer i kunsten, utvikler arbeidet til Jean Baptiste Simon Chardin (1699-1779), en kunstner som i hovedsak skapte et nytt billedsystem. Chardin begynte med et stilleben, malte kjøkkengjenstander: kjeler, gryter, tanker, og gikk deretter over til sjangermaling: "Bønn før middag", "Laundress", og fra det til et portrett.

Fransk skulptur fra 1700-tallet går gjennom de samme stadiene som maleriet. Dette er overveiende rocailleformer i første halvdel av århundret og veksten klassiske funksjoner- i den andre. Funksjoner av letthet, frihet, dynamikk er synlige i skulpturen til Jean Baptiste Pigalle (1714-1785), i sin fulle sjarm, lette raske bevegelse, umiddelbarhet av nåde av "Mercury tieing a sandal".

Jean Antoine Houdon (1741-1828) - en ekte historiograf av det franske samfunnet, formidlet tidens åndelige atmosfære i sitt skulpturelle portrettgalleri. Houdons Voltaire er bevis på det høye nivået av fransk kunst.

Engelsk kunst fra det XVIII århundre. - storhetstiden til den nasjonale malerskolen i England - begynner med William Hogarth (1697-1764), maler, grafiker, kunstteoretiker, forfatter av en serie malerier « Karriere til en prostituert", "Karriere til Mota".

Hogarth var den første maler-opplyseren i Europa.

Den største representanten for den engelske portrettskolen Thomas Gainsborough (1727-1888). Den modne stilen til kunstneren ble dannet under påvirkning av Watteau. Hans portrettbilder er preget av åndelig raffinement, spiritualitet og poesi. Dyp menneskelighet er iboende i hans bilder av bondebarn.

Italiensk maleri fra 1700-tallet nådde sitt høydepunkt bare i Venezia. Ånden i Venezia ble uttrykt av Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), den siste representanten for barokken i europeisk kunst, maler, tegner, gravør. Tiepolo eier monumentale freskomalerier, både kirkelige og sekulære.

Venezia ga verden fine mestere av veduta - det urbane arkitektoniske landskapet: Antonio Canaletto (1697-1768), berømt for de høytidelige bildene av livet til Venezia på bakgrunn av sin fabelaktige teaterarkitektur; Francesco Guardi (1712-1793), som fant inspirasjon i de enkle motivene fra dagliglivet i byen, dens solfylte gårdsrom, kanaler, laguner, overfylte voller. Guardi skapte en ny type landskap, preget av poesi, det umiddelbare i betrakterens inntrykk.

Det attende århundre beredte også vei for den borgerlige kulturens dominans. Tiden for filosofer, sosiologer, økonomer og forfattere har kommet for å erstatte den gamle, føydale ideologien.

Den litterære hovedsjangeren i opplysningstiden er romanen.

Suksessen til romanen, spesielt viktig i England, ble forberedt av suksessen til pedagogisk journalistikk.

Opplysningsforfattere var godt klar over hvor ufullkomment deres moderne samfunn var og hvor ondskapsfull en person var, og ikke desto mindre håpet de at menneskeheten, i likhet med Robinson fra den første delen av romanen til Daniel Defoe (1660-1731), stole på sin egen fornuft og flid, ville stige opp til sivilisasjonens høyder. Men kanskje er dette håpet illusorisk, som Jonathan Swift (1667-1754) så tydelig vitner om i allegoriromanen Gullivers reiser når han sender helten sin til øya med intelligente hester. I pamfletten «Fortellingen om tønnen» han laget, lo han godt av kirkestrid.

For å utvide et positivt program i bøkene sine, presenterte lærerne også bredt hvordan en person lever, bedrar og blir lurt. moralsk ideal alltid side om side med satire. I romanen til G. Fielding (1707-1754) "The Story of Tom Jones, a Foundling", brukes en parallell konstruksjon av handlingen, som minner om et eventyr: om gode og onde brødre, som hver av dem, i slutt, blir belønnet i henhold til sine fortjenester.

Det var en tid med nye filosofiske overbevisninger, en tid da ideer ikke bare ble forklart i avhandlinger, men lett migrerte til romaner, inspirert og glorifisert av poeter.

Et bredt spekter av pedagogisk tankegang er representert i arbeidet til den engelske poeten og satirikeren Alexander Pope (1688-1744). Hans filosofiske og didaktiske dikt "Essay on Man" ble en lærebok i ny filosofi for Europa. Utgivelsen av den første russiske utgaven i 1757 var faktisk begynnelsen på den russiske opplysningstiden.

I siste tiåretårhundre, sammen med klassisisme i skjønnlitteraturen, dukker det opp en ny trend - sentimentalisme, som er mest uttrykt i historiene til N.M. Karamzin (1766-1826) "Stakkars Liza" og "Natalia, guttens datter".

På slutten av XVII-XVIII århundrer. begynner å ta form musikalsk språk, som da vil hele Europa tale.

De første var Johann Sebastian Bach (1685-1750) og Georg Friedrich Handel (1685-1759).

Bach - den store tyske komponisten og organisten, arbeidet i alle musikalske sjangere unntatt opera. Til nå er han en uovertruffen mester i polyfoni. Handel, i likhet med Bach, brukte bibelske emner for verkene sine. De mest kjente er "Saul", "Israel i Egypt", "Messias". Handel skrev mer enn 40 operaer, han eier orgelorkestre, sonater, suiter.

Wienermusikken hadde en enorm innvirkning på Europas musikalske kunst. klassisk skole og dens mest fremtredende mestere Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) og Ludwig van Beethoven (1770-1827). Wien-klassikerne tenkte om og fikk alle musikalske sjangre og former til å høres ut på en ny måte. Musikken deres er den høyeste prestasjonen i klassisismens æra i perfeksjon av melodier og former.

Franz Joseph Haydn, læreren til Mozart og Beethoven, kalles "symfoniens far". Han skapte over 100 symfonier. Mange av dem er basert på temaet folkesanger og danser, som komponisten utviklet med fantastisk kunst. Høydepunktet i arbeidet hans var "12 London Symphonies", skrevet under komponistens triumfreiser til England på 90-tallet.

På 1700-tallet skrev Haydn mange fantastiske kvartetter og klaversonater.

Han eier over 20 operaer, 13 messer, et stort antall sanger og andre komposisjoner. På slutten av karrieren skapte han to monumentale oratorier - The Creation of the World (1798) og The Seasons (1801), som uttrykker ideen om universets storhet og menneskeliv. Haydn brakte symfonien, kvartetten og sonaten til klassisk perfeksjon.

Wolfgang Amadeus Mozart skrev musikk og spilte fiolin og cembalo i en alder da andre barn fortsatt ikke kunne skrive bokstaver. Wolfgangs ekstraordinære evner utviklet seg under veiledning av hans far, fiolinisten og komponisten Leopold Mozart. I operaene Bortføringen fra Seraglio, Figaros ekteskap, Don Giovanni, magisk fløyte» Med utrolig dyktighet skaper Mozart mangfoldige og livlige menneskelige karakterer, viser livet i dets kontraster, beveger seg fra vitser til dypt alvor, fra morsomme til subtile poetiske tekster.

De samme egenskapene er iboende i hans symfonier, sonater, konserter, kvartetter, der han skaper det høyeste klassiske design sjangere. Tre symfonier skrevet i 1788 ble toppene av klassisk symfonisme (Mozart skrev om lag 50 totalt). Symfonien "Es-dur" (nummer 39) viser en full av glede, lek, lystig dansebevegelse menneskelig liv. I symfonien "G-moll" (nummer 40) avsløres den dype lyriske poesien i menneskesjelens bevegelse. Symfoni "i C-dur" (nummer 41), kalt "Jupiter" av samtidige, omfavner hele verden med sine kontraster og motsetninger, bekrefter rimeligheten og harmonien i strukturen.

KONKLUSJON

1700-tallet er preget av en enestående sentralisering av produksjon, kapital, markeder, fremveksten av mektige monopoler, deres ekspansjon på bekostning av eksisterende og nyopprettede kolonier, og omfordeling av innflytelsessfærer mellom stater og monopoler.

Konsekvensen av disse omstendighetene var en kraftig forverring av motsetninger mellom ulike områder av filosofi, etikk, historie og kunst.

Siden 1700-tallet borgerskapets makt strekker seg i Europa til et økende antall land, som utvider og styrker sine kolonier. På 1800-tallet Akutten av sosioøkonomiske og politiske problemer øker, som blir gjenstand for betraktning av filosofi, gjenspeiles i kunstteorien.

A. Schweitzer skrev at de etiske idealene skissert av opplysningstiden og rasjonalismen, i samspill med samfunnets virkelige liv, forvandlet det. Men siden midten av XIX århundre. deres innflytelse opphørte gradvis, fordi den ikke fant støtte i det eksisterende verdensbildet.

Filosofi, som ignorerte kulturproblemene, viste sin fullstendige fiasko, fordi den ikke tok hensyn til at grunnlaget for verdensbildet ikke bare kan være historie og naturvitenskap.

Innen kunstfeltet i andre halvdel av XVIII århundre. det skjedde en oppblomstring av barokkstilen, som var nært knyttet til datidens kirke og aristokratiske kultur. Det manifesterte tendenser til å forherlige livet, all rikdommen i det virkelige liv. Maleri, skulptur, arkitektur, barokkmusikk glorifiserte og forherliget monarker, kirken og adelen. Prakten, allegoriske forviklingene, patosen og teatraliteten til den barokkens kunstneriske stil, kombinasjonen av illusjon med virkelighet i den, ble utviklet i mange kulturminner, og fremfor alt i Italia (arbeidet til billedhuggeren og arkitekten Bernini, arkitekten Borromini, etc.). Barokk spredte seg også i Flandern, Spania, Østerrike, i noen regioner i Tyskland og i Polen. Denne stilen manifesterte seg mindre merkbart i England og Holland, hvis kunst var nærmere sjanger og hverdagsrealisme enn barokkens opphøyelse, overskudd og konvensjonalitet.

En annen type estetikk, det motsatte kunstneriske virkemidler barokk, ble kanonisert i europeisk kunst og litteratur av klassisismen. Nært knyttet til renessansens kultur, vendte klassisismen seg til de eldgamle kunstens normer som perfekte modeller; rasjonalistisk klarhet og strenghet var karakteristisk for den. Klassisismen legitimerte prinsippene om "adlet natur", kunstig inndeling i sjangere - "høy" (tragedie, ode, episk, historisk, mytologisk og religiøs maleri) og "lav" (komedie, satire, fabel, sjangermaleri), innføring av loven. av tre enhet - sted, tid, handling.

LISTEBRUKTLITTERATUR

1. Kravchenko A. I., Kulturologi - 4. utg. - M.: Faglig prosjekt, Tricksta, 2003.- 496s.

2. Kulturstudier. Verdenskulturens historie. Lærebok / Red. T. F. Kuznetsova.- M .: "Academy", 2003.- 607s.

3. Kulturstudier. Verdenskulturhistorie / Ed. A. N. Markova. - 2. utg. revidert og tillegg .- M .: UNITI, 2000.- 600s.

4. Polishchuk V.I., Culturology.- M.: Gardariki, 1999.- 446s.

5. Radugin A. A., Culturology.- M.: Senter, 2001.- 304 s.

6. Chekalov D. A., Kondratov V. A., Verdenskulturens historie. Forelesningsnotater.- Rostov-ved-Don: Phoenix, 2005.- 352s.

7. Shishova N.V., Akulich T.V., Boyko M.I., Historie og kulturstudier. - 2. utg. revidert og tillegg .- M .: Logos, 2000.- 456s.

Lignende dokumenter

Karakteristiske trekk ved opplysningstiden, de særegne trekk ved dens utvikling i England, Frankrike og Tyskland. Filosofisk tanke om opplysningstiden. Stil- og sjangertrekk ved arkitektur, maleri, musikk, litteratur for en gitt tidsperiode, dens lyseste representanter.

kontrollarbeid, lagt til 06.11.2009


Kronologisk rammeverk av moderne tid. Den motstridende karakteren til den europeiske kulturprosessen på 1600-tallet. Kulturen i Europa i absolutismens tid og opplysningstiden. Periodisering av klassisismen. De viktigste filosofiske trendene i Europa på det nittende århundre.

kontrollarbeid, lagt til 01.09.2011


Hovedtrekkene i den vesteuropeiske kulturen i moderne tid. Funksjoner av europeisk kultur og vitenskap i det XVII århundre. Viktige dominanter av kulturen i den europeiske opplysningstiden på 1700-tallet. De viktigste kulturelle trendene i XIX århundre. Stadier av kunstnerisk kultur på XIX århundre.

sammendrag, lagt til 24.12.2010


Utviklingen av russisk kultur i det XVIII århundre: folkekunst, musikk, adelskultur og utdanning. Russisk vitenskap på 1700-tallet, M.V. Lomonosov. Stil- og sjangertrekk ved kunst Europa XVII I århundre, deres innflytelse på utviklingen av russisk kultur.

semesteroppgave, lagt til 23.10.2014


Forutsetninger for utvikling og hovedtrekk ved russisk kultur på 1700-tallet. Retningslinjer for dannelsen av sfæren for utdanning og utdanning, litteratur, arkitektur og maleri. Fremragende representanter for disse trendene og en vurdering av deres viktigste prestasjoner på 1700-tallet.

presentasjon, lagt til 20.05.2012


Bekjentskap med kulturarven fra det XVIII århundre. Betraktning av opplysningstidens hovedverdier. Kjennetegn ved opplysningstiden i Europa. Stil- og sjangertrekk ved kunst. Tider for store oppdagelser og store vrangforestillinger; kult av natur.

semesteroppgave, lagt til 08.09.2014


Intellektuelle strømninger av opplysningstiden. Funksjoner av rokokkokunst. Særtrekk ved europeisk kunst på begynnelsen av 1800-tallet: klassisisme, romantikk og realisme. Essensen og filosofiske og estetiske prinsipper for symbolisme, impresjonisme og post-impresjonisme.

sammendrag, lagt til 18.05.2011


Stiler og trender dominerer verdensskulpturen på 1700-tallet. Hvordan skjedde overgangen fra middelalder til ny tid i russisk skulptur på 1700-tallet. Funksjoner av forskjellige stiler: barokk, klassisisme, rokokko, romantikk, nyklassisisme.

presentasjon, lagt til 27.05.2015


Europeisk kultur i moderne tid, dens funksjoner: humanisme og eurosentrisme. Filosofiske og estetiske trekk ved opplysningstidens kulturelle utvikling. Opplysningsideer og sosiale utopier. Vitenskapelige kulturelle konsepter fra opplysningstiden.

test, lagt til 24.12.2013


Generelle egenskaper og kjennetegn kultur i moderne tid og opplysningstiden. Rokokko som en kunstnerisk stil i New Age. Klassisisme i den kunstneriske kulturen i XIII-XIX århundrer. Sentimentalisme: Kunstnere, poeter, store verk.

18. århundre - siste historisk stadium overgang fra føydalisme til kapitalisme. Utviklingen av kultur i denne perioden i alle land Europa gikk under skiltet ideer fra opplysningstiden.

I dette århundret har Tyskland utviklet seg skole for klassisk tysk idealistisk filosofi. I Frankrike ble den største avdelingen av opplysningsmenn dannet, derfra spredte opplysningstidens ideer seg over hele Europa. I sine verk (-Persian Letters" og "On the Spirit of Laws") uttalte Charles Louis Montesquieu seg mot ubegrenset monarki og føydalisme. Voltaire var en fremragende leder av den franske opplysningstiden. Han skrev vakre litterære, filosofiske og historiske verk som uttrykte hat mot religiøs fanatisme og føydalstaten. Aktivitetene til Jean Jacques Rousseau ble et nytt stadium i utviklingen av den franske opplysningstiden. Verkene hans inneholdt hat til undertrykkerne, kritikk av statssystemet, sosial ulikhet.

Den franske materialismens skjebne er knyttet til navnene til Denis Diderot, Etienne Bonnot Condillac, Paul Holbach. 50-60-tallet 18. århundre - blomstrende aktivitet av de franske materialistene. Denne perioden er preget av samtidig utvikling av vitenskap og teknologi. Takket være Adam Smith blir politisk økonomi en vitenskapelig disiplin. Vitenskapen utviklet seg raskt, den var direkte relatert til teknologi og produksjon. I det XVIII århundre blir litteratur og musikk mer betydningsfulle, gradvis kommer de i forgrunnen blant alle slags kunst. Prosa utvikler seg som en sjanger hvor skjebnen til en enkelt person i datidens sosiale miljø vises i. Romanens sjanger, som beskriver det universelle verdensbildet, utvikler seg spesielt fruktbart. På slutten av XVII-XVIII århundrer. at det musikalske språket begynner å ta form, som hele Europa da vil tale i. De første var J.S. Bach og G.F. Handel. J. Haydn, W. Mozart, L. van Beethoven hadde en enorm innflytelse på musikkkunsten. Oppnådde flotte resultater teaterkunst, dramaturgi, som var realistisk og pre-romantisk av natur.

Et særtrekk ved denne tiden er studiet av hovedspørsmålene om teatrets estetikk, skuespillets natur. 1700-tallet kalles ofte "teatrets gullalder". Den største dramatikeren P. O. Beaumarchais betraktet ham "en kjempe som sårer alle han retter slagene sine dødelig mot." De største dramatikerne var: R. Sheridan (England), K, Goldoni (Venezia), P. Beaumarchais (Frankrike), G. Lessing, I. Goethe (Tyskland), F. Schiller.

Den ledende sjangeren av maleri på XVIII århundre. var et portrett.

Blant artistene fra denne tiden kan Gainsborough, Latour, Houdon, Chardin, Watteau, Guardi skilles ut. Maleri gjenspeiler ikke den universelle fylden av omfanget av det åndelige livet til en person, slik det var før. I forskjellige land er dannelsen av en ny kunst ujevn. Maleri og skulptur i rokokkostil var dekorativ i naturen.

Kunst fra 1700-tallet avsluttes med praktverket til den spanske kunstneren Francisco Goya. Kulturarv fra det XVIII århundre. forbløffer fortsatt med sitt ekstraordinære mangfold, rikdommen av sjangere og stiler, dybden av forståelse av menneskelige lidenskaper, den største optimisme og tro på mennesket og dets sinn. Opplysningstiden er en tidsalder for store oppdagelser og store vrangforestillinger. Det er ingen tilfeldighet at slutten på denne epoken faller på begynnelsen av den franske revolusjonen. Hun ødela troen til opplysningsmennene i «gullalderen» av ikke-voldelig fremgang. Det styrket posisjonen til kritikere av hans mål og idealer.

Nei, du vil ikke glemme, århundret er sinnsykt og klokt! ..
A.N. Radishchev

I en rekke århundrer med europeisk historie inntar 1700-tallet en spesiell plass. Det var tider med mer grandiose prestasjoner, men det var ingen epoke som var mer komplett i stilen, mer, så å si, «hel». Den kjente kunstkritikeren N. Dmitrieva kaller det det siste århundret med den aristokratiske kulturens dominans. Derav dens raffinement og denne "stilen", noen ganger på bekostning av dybden. Og samtidig er dette epoken for bekreftelse av nye verdier i europeernes liv, verdier som fortsatt lever i dag og som faktisk bestemmer det nåværende ansiktet til den europeiske sivilisasjonen.
Under de melodiske klokkespillene fra cembalo og harpe fant flere revolusjoner sted samtidig i europeernes liv, hoder og hjerter, hvorav bare to vi vanligvis kaller egentlige "revolusjoner": den store franske revolusjonen og uavhengighetskrigen i USA. Amerika. I mellomtiden satte de bare punktum i setningene som luktet blod og krutt, som Europa flittig skrev gjennom hele 1700-tallet.
Så, først litt om revolusjonene.

Revolusjon på bordene

Hovedprestasjonen til "det attende århundre" er at det i utgangspunktet gjorde slutt på hungersnøden i hovedlandene i Europa. La "brødopptøyene" i Paris egentlig ikke plage oss: oftere gjorde de opprør på grunn av mangelen på eller høye kostnader for det allerede kjente hvite brødet. Så den useriøse frasen til Marie Antoinette ("Hvis folket ikke har brød, la dem spise kaker") er ikke så useriøst. Ja, avbrudd i tilførselen av brød i store byer skjedde, men når det gjelder absolutt hungersnød, skjøt Europa tilbake for fullt helt på begynnelsen av 1700-tallet, da under en avlingssvikt begynte til og med svart brød å bli servert ved bordet til Madame Maintenon.
På 1700-tallet endret den europeiske menyen seg dramatisk. Den gamle triaden (brødkjøttvin) kompletteres med nye matvarer: poteter, mais, spinat, grønne erter, te, kaffe og sjokolade (som blir mer og mer populære delikatesser). Ja, og de tidligere tre "hvalene" i det europeiske kostholdet endrer "ansiktet" betydelig. Siden midten av 1700-tallet i Frankrike har rugbrød blitt erstattet av hvetebrød i melk (de berømte «franske bodene» ble brakt til Europa på sine bajonetter av Napoleons soldater).
Med forbedringen av dyrehold blir markedet for kjøtt gradvis mettet, ekstremt begrenset av den kraftige økningen i befolkningen i de tre foregående århundrene. Selvfølgelig, for de fleste europeere, er kjøtt fortsatt ikke tilgjengelig i den mest nyttige formen: i form av corned beef og alle slags røkt kjøtt. Men med fisk var det fortsatt vanskeligere: de sa at de fattige bare kunne nyte aromaen av fersk fisk.
Til slutt bestemte klima- og smakspreferansene egenskapene til forbruket. alkoholholdige drikker. Sør- og sørvest-Europa valgte vin, nord- og nordvest-øl, og den mest spreke og kalde nordøst, selvfølgelig, vodka.
Tilstrømningen av sukker (generelt sett, mens den var veldig dyr) gjorde det mulig å høste frukt og bær (og vitaminer for vinteren) for fremtiden. Riktignok var syltetøy på begynnelsen av 1700-tallet fortsatt et så sjeldent og verdifullt produkt at for eksempel pariserne presenterte det som en gave til Peter den store.
Alle disse tilsynelatende rene kulinariske innovasjonene har gjort en reell revolusjon. Det er nok å si at Storbritannia, som ikke kjente til mangelen på kjøttprodukter, skylder mye til denne kraftige befolkningsveksten på 1700-tallet, uten hvilken det britiske imperiet faktisk ikke ville ha skjedd. Og de amerikanske kolonistenes kjærlighet til te førte til deres indignasjon over økningen i plikter på te introdusert av engelske tjenestemenn (det såkalte "Boston Tea Party"). Figurativt sett ble USA født fra en kopp spilt te.
Revolusjonen på bordene førte samfunnsutviklingen videre. Uten den ville ikke Europa og Nord-Amerika blitt hegemonen for resten av verden på 1800-tallet.
(1700-tallet tok forresten tak i dekningen av det europeiske bordet, noe som i stor grad ble lettet av produksjon av porselen, gourmetisme i stedet for fråtsing og økt hygienestandard. Atferdsreglene ved bordet, servise og bestikk kom til oss (i det minste på nivå med ambassade- og restaurantbanketter) derfra, fra "det attende århundre").

Revolusjon i sinnet

1700-tallet kalles vanligvis opplysningstiden, selv om dette ordet i seg selv er for tregt og omtrent definerer prosessene som pågikk i hodet til europeere mellom 1700 og 1804 (jeg angir året for I. Kants død).
Europeiske tenkere bryter med teologien og avgrenser selve filosofiens område fra naturvitenskapen. I følge det newtonske mekanistiske verdensbildet trengs Gud bare som den som ga den første drivkraften til utviklingen av naturen, og deretter rullet verden bort fra ham helt separat.
1700-tallet er utøvernes århundre, og det er derfor tenkere ikke nøyer seg med tomme skolastiske spekulasjoner. Sannhetskriteriet er erfaring. Enhver patos og retorikk virker malplassert under noen omstendigheter. Døende av kreft, markisen, som Rousseau tjente, avgir gasser, erklærer at en kvinne som er i stand til noe slikt fortsatt vil leve, og gir sin sjel til Gud, kan man si, med et dristig uforsiktig smil.
Filosofer beundrer verdens perfeksjon (Leibniz) og kritiserer den nådeløst (leksikon), lovpriser fornuften og sivilisasjonens fremgang (Voltaire) og erklærer fremgang og fornuft som fiender av menneskets naturlige rettigheter (Rousseau). Men alle disse teoriene nå, på en årevis avstand, ser ikke ut til å utelukke hverandre. De dreier seg alle om en person, hans evne til å forstå verden og transformer det i henhold til dine behov og ideer om "de beste".
Samtidig, i veldig lang tid, er filosofer overbevist om at en person er rimelig og god av natur, at bare "omstendigheter" har skylden for hans ulykker. Leseferdighet og poteter plantes av monarkene selv. Den generelle stemningen i europeisk filosofi på 1700-tallet kan kalles «forsiktig optimisme», og slagordet Voltaires oppfordring til alle «dyrke sin egen hage».
Akk, den franske revolusjonens blodige redsler vil tvinge filosofenes velvillige vrangforestilling til å bli radikalt revurdert, men det neste århundre vil gjøre dette. Imidlertid vil den rent europeiske ideen om individuelle rettigheter bli etablert, og på 1700-tallet vil den bli etablert som den mest grunnleggende verdien.

Revolusjon i hjertene

«Fornuftens tidsalder» hadde ikke funnet sted i all sin prakt uten en revolusjon i hjertene. Personen frigjør gradvis, innser sin indre verden som viktig og verdifull. Følelseslivet til europeere blir rikere og mer raffinert.
Udødelige bevis på dette var den store musikken på 1700-tallet, kanskje en av de høyeste prestasjonene i menneskehetens historie.
Herlig fransk komponist tidlig på 1700-tallet J.F. Rameau var den første som formulerte musikkens iboende verdifulle rolle, som tidligere ble ansett som kun en hjelp til ordet. Han skrev: «For virkelig å kunne nyte musikk, må vi oppløses fullstendig i den» (sitert fra: G. Koenigsberger, s. 248).
Musikken uttrykte datidens følelser mye mer nøyaktig og mer subtilt enn det sensurerte ordet, fastklemt av konvensjoner. For den utdannede europeeren har det blitt et presserende behov. I bibliotekene til tsjekkiske og østerrikske slott står musikalske mapper overfylt i hyllene sammen med bøker: musikalske nyheter ble lest her fra bladet, som aviser, og like ivrig!
Musikken fra 1700-tallet er fortsatt full av en masse konvensjoner, gitt formler. Det var tilstedeværelsen av disse vanlige stedene som gjorde at komponister kunne være så produktive (over 40 operaer av G.F. Handel, mer enn 200 fiolinkonserter av A. Vivaldi, mer enn 100 symfonier av I. Haydn!) Samtidig er det fortsatt så demokratisk at det til og med gir en sjanse og amatører: Zh.Zh. Rousseau komponerer en opera, som er en suksess ved hoffet, og kongen selv, fryktelig ustemt, nynner sin favorittarietta derfra.
1700-tallets musikk var nært knyttet til livet og hverdagen. Bach håpet at hans hellige musikk kunne fremføres av koret av sognebarn i kirken, og den mest elskede husholdningsdansen, menuetten, ble en integrert del av enhver symfoni frem til Beethovens æra.
Hvert land på 1700-tallet realiserte sin identitet gjennom musikk. Tyske G.F. Handel brakte den praktfulle italienske operaserien til tåkete London. Men de gamle historiene virket for den britiske offentligheten for abstrakte og livløse. Så å si ingen endring musikalsk form, fortsetter Handel med å lage oratorier, som så å si er de samme operaene, men bare i en konsertforestilling, mens de er skrevet til historier fra Bibelen som lytterne har opplevd lidenskapelig. Og det bredeste publikum reagerer med entusiasme på dette, Händels åndelige oratorier er i ferd med å bli en nasjonal skatt, deres fremførelse helles inn i patriotiske manifestasjoner.
Resultatet av den musikalske utviklingen på 1700-tallet er arbeidet til V.A. Mozart. Den briljante østerrikeren introduserer et nytt tema i musikken - temaet for skjebnen til skaperen hans, det vil si at han introduserer personligheten til en samtid med sine enkle og presserende ønsker, gleder og frykt. "Generelt er mennesket en skapning av Gud" takket være dette, i musikk blir det til en person fra en bestemt epoke, får egenskapene til en ekte personlighet og skjebne

Revolusjon i oppførsel

Et strengt hierarkisk føydalsamfunn legger alltid spesiell vekt på etikette. Det er et middel til å understreke status (ordnet ulikhet) til sosial posisjon.
Selvfølgelig fortsetter etikette å dominere forholdet mellom mennesker på 1700-tallet. Ambassadører utsetter presentasjonen av deres legitimasjon hvis papirer ikke kommer i tide for å bekrefte at adelen deres dateres tilbake til minst 1300-tallet. Ellers vil ikke kongen under presentasjonsseremonien i Versailles kunne klemme og kysse ambassadørens kone, men bare hilse på henne! Etiketten dominerer hoffmennenes sinn i en slik grad at noen av dem i fullt alvor forsikrer at den store Den franske revolusjon brøt ut på grunn av at finanskontrolløren Necker dukket opp foran kongen i sko med sløyfer, og ikke med spenner!
Imidlertid er monarkene selv allerede ganske lei av alle disse konvensjonene. Ludvig den femtende gjemmer seg fra etikettens bånd i boudoarene til sin elskede, Katarina den store i hennes Eremitage, og Marie Antoinette kan ikke svelge en bit ved det tradisjonelle offentlige kongemåltidet og er mett etter, allerede alene.
Retten er motarbeidet av salongen, aristokratisk og borgerlig, hvor eierne og gjestene kommuniserer kort. Tonen er satt av de mest opphøyde personene. Frankrikes regent, Philippe d'Orléans Jr., proklamerer ved sine orgier: "Alt er forbudt her bortsett fra nytelse!"
Men isflaket av føydal etikette smelter sakte og ujevnt. Tilbake i 1726 kan lakeiene til en edel herre slå med pinner den fasjonable forfatteren de Voltaire for et vågalt svar til sin herre. Så tidlig som i 1730 kunne kirken nekte å begrave den berømte skuespillerinnen Adrienne Lecouvreur (til tross for at hun var elskerinnen til marskalken i Frankrike), fordi hun i løpet av livet var engasjert i "en hyklers skammelige håndverk."
Men tjue år senere, i det samme Frankrike, endrer statusen til kunstneren seg, kunstneren vil bokstavelig talt tvinge kongen til å respektere hans menneskeverd. Og det var sånn. Fornærmet av Ludvig den femtende, nektet den berømte mesteren av pastellportrett Latour i lang tid å forevige Marquise de Pompadour. Da hun klarte å overtale de lunefulle, kledde artisten av seg foran henne nesten til skjorten. Under seansen gikk kongen inn. "Hvordan, frue, du sverget til meg at vi ikke ville bli forstyrret!" ropte Latour og skyndte seg for å samle fargestiftene. Kongen og hans herre overtalte knapt pastellvirtuosen til å fortsette seansen.
Selvfølgelig, i et føydalt samfunn bestemmes alt av rang, ikke av talent. Mozart skriver at ved bordet til erkebiskopen i Salzburg er hans plass høyere enn en lakei, men lavere enn en kokk. Men omtrent på dette tidspunktet var det allerede borgerlige England i ferd med å begrave «skuespilleren», den store skuespilleren D. Garrick, i Westminster Abbey!
Krisen i det føydale samfunnet gir opphav til en ny idé om mennesket. Nå er det ideelle ikke en føydalherre eller en hoffadel, men en privatperson, " en snill person i Frankrike, en gentleman i England. Ved slutten av århundret i disse landene bestemmer ikke adel, men suksess, talent og rikdom statusen til et individ i samfunnet.
Her er en typisk anekdote om emnet. Napoleon hatet komponisten Cherubini. En gang, ved en mottakelse i palasset, etter introduksjonen av alle de tilstedeværende, spurte keiseren igjen trassig om navnet på «denne herren». "Fortsatt Cherubini, sir!" Maestroen svarte ham skarpt.
I andre land vil frigjøringen av individet ta nesten halvparten av neste århundre.

Peter oppdager Europa

På 1700-tallet kom en annen stormakt, Russland, inn på den europeiske politiske scenen. «Presentasjonen» av den nye politiske kjempen fant sted våren og sommeren 1717, da ambassaden til de fortsatt mystiske, men allerede litt europeiserte «muskovittene» besøkte en rekke europeiske hovedsteder.
Akk, verken i Paris eller Berlin ble de fascinert av de russiske heltene, ledet av tsar Peter.
Og nå detaljene.
I slutten av april samme år dukket russerne opp på den franske grensen. Versailles sendte en av sine mest elegante hoffmenn, Marquis de Mailly-Nesle, for å møte dem. Markisen fant russerne selvfølgelig på en taverna mens de snorket og kastet opp. Bare Peter snakket med tungen.

"Europas kultur i XVII-XVIII århundrer"

1. Åndelig liv

I Europas historie var 1600-tallet preget av triumfen til den nye barokkstilen innen kunst og skepsis i samfunnets åndelige liv. Etter fylt med entusiasme og tro på evnene til en renessansemann, kommer skuffelse, fortvilelse og den tragiske uenigheten mellom et individ og omverdenen. En mann, som siden middelalderen var vant til å føle seg i sentrum av universet, fant seg plutselig fortapt på en enorm planet, hvis størrelse ble kjent for ham. Stjernehimmelen over hodet sluttet å være en pålitelig kuppel og ble til et symbol på rommets grenseløshet, som vinket og samtidig frastøtet og skremte. Europeerne måtte gjenoppdage seg selv og tilpasse seg den sterkt endrede verden rundt dem.

På begynnelsen av 1700-tallet i det kontinentale Europa ble barokkens skepsis og rasjonalisme erstattet av opplysningstiden og rokokkokunsten. Hovedideen til opplysningstiden var optimisme og en fast tro på at menneskeheten kan endres ved å øke sin utdanning (derav navnet på denne bevegelsen). Opplysningstiden oppsto i Frankrike, som pustet lettet ut etter Ludvig XIVs død og så på fremtiden med håp.

En stor rolle i formidlingen av ideene til opplysningstiden ble spilt av det hemmelige samfunn av frimurere - frimurere. Opprinnelsen til frimureriet er fortsatt et mysterium. Frimurerne selv anser seg selv som etterfølgerne til Knights Templar, som overlevde massakren på begynnelsen av XIV århundre, hvis medlemmer grunnla den første logen - den hemmelige delen. Forskere mener at frimurere som en politisk organisasjon oppsto på begynnelsen av 1700-tallet på grunnlag av håndverksforeninger av byggherrer. Medlemmer av frimurerlogene tok til orde for å bygge en ny verden på grunnlag av universell likhet og brorskap og kjempet mot den katolske kirken, som de gjentatte ganger ble anathematisert for.

2. Barokk- og rokokkokunst

På slutten av 1500-tallet begynte manerismen gradvis å vike for barokken, den høye stilen til den etablerte eneveldige makten til monarker som overlevde katolisismens krise og forsvarte retten til å eksistere for protestantismen. Den høyeste blomstringen av barokk falt den 2 halvparten av XVIIårhundre, da Europa med suksess overvant katastrofene til religiøse kriger.

Barokkarkitektur var preget av overdådige dekorative finisher med mange detaljer, flerfarget støping, en overflod av forgylling, utskjæringer, skulpturer og pittoreske plafonder som skaper en illusjon av å åpne hvelv som går opp. Dette er tiden for dominansen av kurver, intrikate buede linjer som flyter inn i hverandre, høytidelige fasader av bygninger og majestetiske arkitektoniske ensembler. Dominert i maleri formelt portrett, lerreter er fylt med allegorier og virtuose dekorative komposisjoner.

Til tross for barokkens dominans, var ikke denne epoken ensartet når det gjelder stil. I Frankrike, hvor tendensene til streng klassisisme var sterke, prøvde man å følge antikke mønstre. I Nederland var de mer tilbøyelige til en naturalistisk stil.

Barokken som stil oppsto i Italia, hvorfra den skulle bringe lyset av en gjenopplivet katolisisme til Europa. Lorenzo Bernini var en av barokkens mest fremtredende arkitekter. Han ble utnevnt til sjefsarkitekt for St. Pauls katedral – den katolske hovedkirken i Roma. I henhold til prosjektet hans, i 1623-1624, ble det bygget en enorm bronsebaldakin over katedralens alter, som et materiale som, etter ordre fra pave Urban VIII, det antikke taket til Pantheon ble brukt. Også i 1656-1665 bygde Bernini en grandiose oval søylegang foran katedralens fasad. I 1658 reiste arkitekten Sant'Andrea al Quirinale-kirken, i 1663-1666 - den "kongelige trappen" i Vatikanet. Den strålende ferdigheten til Bernini manifesterte seg i konstruksjonen av de berømte romerske fontenene - Triton-fontenen og Four Rivers-fontenen. I tillegg til den strålende arkitektoniske gaven, hadde Bernini en strålende evne som skulptør. Han er forfatter av gravene til pave Urban VIII og Alexander VII i St. Peters katedral, skulpturer "David" (1623), "Apollo og Daphne" (1622-1625), tallrike byster. Spesielt under en reise til Frankrike i 1665 skapte Bernini en byste av Ludvig XIV.

Den viktigste malerskolen i Italia i barokktiden var Bologna-skolen, grunnlagt av tre kunstnere: Aodovico Carracci og søskenbarna hans Annibale og Agostino. I 1585 grunnla de et verksted i Bologna, kalt "Academy of them who entered the right path", der de utviklet de grunnleggende prinsippene for barokkmaleriet. I 1597 flyttet Annibale og Agostino til Roma, hvor de fikk ordre om å male galleriet til Palazzo Farnese. I følge Carracci er virkeligheten for røff, så den bør foredles ved å lage ideelle bilder på lerretet.

En annen fremtredende italiensk barokkkunstner, Caravaggio Michelangelo, tvert imot strebet etter maksimal realisme. Kunstneren laget malerier om bibelske emner, og prøvde spesielt å gjøre dem så demokratiske og enkle som mulig. Dette er lerretene hans "The Conversion of Saul" (1600-1601), "The Entombment" (1602 - 1604) , "Marias død" (1606). I tillegg gjorde han stillebenet til uavhengig sjanger maleri.

Barokkstilen i Spania gjorde 1600-tallet til "gullalderen" for den nasjonale kulturen i dette landet. Kong Filip IV beskyttet malerne på alle mulige måter, skapte de beste forholdene for dem og betalte sjenerøst for arbeidet deres.

den første majoren Spansk kunstner Barokk regnes for å være Jusepe Ribera, til tross for at han dro til Italia i ungdommen, hvor han bodde resten av livet. Arbeidene hans ble påvirket av Caravaggio, og kunstneren prøvde å gjøre karakterene hans så realistiske som mulig. Riberas mest kjente verk er "Saint Hieronymus" (1626), "The Torment of St. Bartholomew" (1630), "The Lame" (1642).

Den største maleren i Spania på 1600-tallet var Diego De Silva Velazquez, siden 1623 - hoffmaleren til Philip IV. Velázquez sin måte var preget av understreket realisme, en viss stivhet i skriften og slående sannhet om livet. I sine yngre år skapte han et helt galleri med lys folketyper, V modne år, som bodde ved hoffet, ga preferanse til aristokrater, medlemmer av kongefamilien, så vel som mytologiske emner. Disse er Bacchus (1628-1629), Venus med et speil (1651), Meninas (1656).

Den spanske barokken hadde en dyp innvirkning på Flandern, hvor den samme stilen tok tak. Høydepunktet i den flamske barokken var verken til kunstneren Peter Paul Rubens. Som mange andre malere reiste Rubens i sin ungdom til Italia, hvor han studerte monumentene fra antikken og arbeidet til renessansemestre. Da han vendte tilbake til hjemlandet, skapte han det klassiske bildet av det monumentale barokke alterbildet - "Korsets opphøyelse" og "nedstigning fra korset" (1610-1614). Rubens er preget av kraftige og praktfulle menneskekropper, fulle av vitalitet, et stort dekorativt omfang. Temaet for maleriene hans var mytologiske og bibelske emner, historiske scener. Han ble skaperen av det seremonielle barokkportrettet. Mest kjente malerier Rubens er: "Bortføringen av Leucippus døtre" (1619-1620), "Perseus og Andromeda" (1621), "Bathsheba" (1636), "Pelsfrakk" (1638).

Rubens' elev var kunstneren Anthony van Dyck, hoffmaleren til Charles I. En etterfølger av ideene til den flamske skolen, arbeidet Van Dyck lenge i Genova, Antwerpen, og flyttet i 1631 til London for alltid. Der ble han en favoritt portrettmaler av kongefamilien og fikk så mange ordre at han ble tvunget til å distribuere arbeid blant studentene sine, og skapte noe som en kunstnerisk manufaktur. Portretter tilhører penslene hans: "Charles I on the hunt" (1633), " Familie portrett» (1621).

I Frankrike, hvor den klassiske tradisjonen konkurrerte med barokken, mest fremtredende representant Den nasjonale malerskolen var Nicolas Poussin. Poussin betraktet lærerne Raphael og Titian, hvis arbeid han studerte under et besøk i Italia. Kunstneren foretrakk å skildre mytologiske og bibelske scener ved å bruke et stort antall karakterer og allegorier. Levende eksempler klassisisme var hans lerreter "The Inspiration of the Poet" (1629-1635), "The Kingdom of Flora" (1632), "The Rape of the Sabine Women" (1633), "Bacchanalia".

Ludvig XIVs regjeringstid var en hel epoke i utviklingen av fransk kunst. Kunstnere og arkitekter ble slått sammen til Akademiet for maleri og skulptur og Arkitekturakademiet. De ble oppfordret til å glorifisere storheten til «Solkongen» og skapte gjennom felles innsats, basert på et kompromiss mellom barokk og klassisisme, en ny trend, som ble kalt stilen til Ludvig XIV. De storslåtte palassene og parkensemblene skulle visuelt legemliggjøre ideen om allmakten til den absolutte monarken og makten til den franske nasjonen.

Guidet av disse prinsippene begynte arkitekten Claude Perrault i 1667 byggingen av den østlige fasaden til Louvre, den såkalte "Søylegangen". I følge prosjektet til Liberal Bruant og Jules Hardouin-Mansart ble Les Invalides bygget - et herberge for krigsveteraner og en katedral. Toppen av fransk arkitektur i denne epoken var byggingen av Versailles (1668-1689). Byggingen av slottet i Versailles og parkensemblet ble ledet av arkitektene Louis Levo og Jules Hardouin-Mansart. I Versailles kombineres strengheten av linjene i palassbygningen, karakteristisk for klassisisme, med den praktfulle barokkdekorasjonen av salene. I tillegg er selve parken, dekorert med mange fontener, et produkt av barokkstilen.

I motsetning til Italia, Spania, England og Frankrike, hvor malere fikk enorme pengesummer for sine lerreter, fikk kunstnere svært lite betalt i Holland. Et godt landskap kunne kjøpes for et par gylden, et godt portrett kostet for eksempel bare 60 gylden, og Rembrandt, som var på toppen av sin berømmelse, fikk bare 1600 gylden for Nattevakten. Til sammenligning utgjorde Rubens' honorarer titusenvis av franc. De nederlandske mestrene levde i svært beskjeden velstand, noen ganger i fattigdom i små verksteder. Kunsten deres reflekterer hverdagen land og var ikke rettet mot å forherlige monarkiet eller Herrens herlighet, men å avsløre psykologien til en vanlig person.

Den første store mesteren av den nederlandske malerskolen var Frans Hals. De aller fleste av maleriene hans er portretter. Han hadde et stort verksted, hadde 12 barn som etter faren ble kunstnere, mange studenter, førte en bohemsk livsstil, ble belastet med tallrike gjeld og døde i fullstendig fattigdom.

De viktigste verkene fra tidlig nederlandsk maleri var gruppeportretter av Hals. Kundene var medlemmer av laugene som ba om å få portrettere dem under en fest eller et møte. Dette er "Officerene i Rifle Company of St. George" (1616), "Arrows of the Guild of St. Adrian in Haarlem" (1627). Kunsten til Hals er blottet for dyp konsentrasjon og psykologiske kollisjoner. I maleriene hans, som gjenspeiler karakteren til kunstneren selv, ler folk nesten alltid. Hals skapte et galleri med enkle nederlendere, litt frekke, men ærlige i sine følelser - "Gypsy", "Malle Babbe", "Boy-fisherman", "Jester".

En elev av Hals, maleren Adrian van Ostade jobbet i hjemlig sjanger. Scenene hans fra landlige og urbane liv er gjennomsyret av humor og et godmodig glis. Tako er du "Kamp", "I en landsbykro", "Kunstnerverksted". Jan van Goyen ble en klassiker av det nederlandske landskapet, som brukte prinsippene for luftperspektiv. Hans beste lerret er "View of Dordrecht" (1648).

Den andre store maleren i Holland, hvis arbeid er på nivå med Hals, var Jan Vermeer fra Delft. Han foretrakk hverdagslyriske komposisjoner som skildrer en eller to kvinner hjemme - "Jente leser et brev", "Kvinne ved vinduet", "Kvinne prøver på et halskjede", "Glass vin", "Lacemaker". Vermeer klarte å vise det personlige livet til byfolket, så vel som en person i enhet med miljøet, med stor følelsesmessig kraft. Han klarte utrolig sannferdig å formidle det sølvblanke dagslyset som spiller på lerretene hans med mange høydepunkter.

Høydepunktet på den nederlandske skolen var arbeidet til Rembrandt Harmensz van Rijn, med sin dype psykologisme og unike gyldenbrune nyanser. I likhet med Hals opplevde Rembrandt en periode med popularitet, men gikk deretter konkurs og endte livet i fryktelig fattigdom.

Rembrandt malte for det meste portretter, både individuelle og grupper, samt malerier om mytologiske og bibelske emner. Kunstneren var en mester i chiaroscuro, og karakterene hans ser ut til å bli revet ut av mørket av en lysstråle. Hans lerreter "Danaë", "Holy Family", "The Return of the Prodigal Son" regnes med rette som uovertruffen mesterverk. Fra gruppeportretter de mest kjente er Doctor Tulip's Anatomy Lesson og Night Watch. Spiritualitet og utrolig følelsesmessig dybde skiller "Portrait of an Old Man in Red".

Fra Italia spredte barokkarkitekturen seg ikke bare mot nord, men også mot øst. Etter slutten av trettiårskrigen i Sør-Tyskland under ledelse av italienske mestere Tallrike barokke bygninger ble reist. På slutten av 1600-tallet dukket deres egne mestere opp i de tyske landene, som arbeidet i barokkstil.

Den prøyssiske arkitekten Andreas Schlüter bygde Slottet og arsenalbygningen i Berlin. Hvis Schluter ble guidet av den italienske billedhuggeren Lorenzo Bernini og franske modeller, så er arbeidet til Daniel Peppelman helt originalt. I følge prosjektet hans ble det berømte Zwinger-palasskomplekset reist i Dresden for Augustus II den sterke. Også, etter ordre fra august, reiste arkitekten Peppelman det kongelige palasset i Grodno.

Spredningen av barokkstilen i Samveldet ble forårsaket av jesuittenes penetrasjon inn i landet. Det første barokke monumentet i Hviterussland og i Europa generelt utenfor Italia var jesuittkirken bygget på slutten av 1500-tallet av den italienske arkitekten Bernardoni for prins Radziwill i Nesvizh. Denne stilen nådde sin sanne storhetstid i 2. halvdel av 1600-tallet, da, etter å ha ervervet nasjonale trekk, tok form i den hviterussiske eller Vilna-barokken. Tallrike kirker og byutviklinger i Vilna, Grodno, Minsk, Mogilev, Brest, Slonim, Pinsk, Polotsk St. Sophia-katedralen gjenoppbygd etter eksplosjonen, klostre i Golypany, Baruny, Berezveche, palasskomplekser i Nesvizh og Ruzhany var klassiske eksempler på hviterussisk barokk. .

På slutten av 1600-tallet penetrerte barokken fra Hviterussland til Russland, hvor den først ble kalt Naryshkin-stilen. Et eksempel på denne trenden er kirken for forbønn i Fili og kirken for tegn i Dubrovitsy. Med begynnelsen av reformene til Peter I, triumferte barokken til slutt i russisk arkitektur, som først og fremst ble manifestert under byggingen av St. Petersburg. Toppen av barokkutviklingen i Russland var arbeidet til den italienske arkitekten Bartolomeo Francesco Rastrelli. Han gjenoppbygde palassene i Peterhof og Tsarskoye Selo, bygde komplekset til Smolny-klosteret og det berømte vinterpalasset i hovedstaden.

På begynnelsen av 1700-tallet ble en ny kunststil, rokokko, født i Frankrike. I motsetning til barokken, som utelukkende var en hoffstil, var rokokko aristokratiets kunst og de øvre sjiktene i borgerskapet. Nå var hovedmålet til mesteren ikke glorifiseringen av noen eller noe, men bekvemmeligheten og gleden til en bestemt person. Hvis barokken så høyt opp, da steg rokokkoen ned fra de himmelske høyder til den syndige jorden og vendte blikket mot menneskene som sto rundt. Noen ganger kalles rokokkostilen kunst for kunstens skyld. Det ville være mer riktig å kalle denne stilen kunst for en person.

Rokokkoarkitekter begynte å bry seg om menneskelig komfort. De forlot pompøsiteten til majestetiske barokkbygninger og prøvde å omgi en person med en atmosfære av bekvemmelighet og ynde. Maleriet forlot også "gode ideer" og ble rett og slett vakkert. Frigjort fra barokkens turbulente følelser, var maleriene fylt med kaldt lys og subtile halvtoner. Rokokko var kanskje den første nesten helt sekulære stilen i europeisk kunsthistorie. I likhet med opplysningstidens filosofi skilte rokokkokunsten seg fra kirken, og presset religiøse temaer langt i bakgrunnen. Heretter skulle både maleri og arkitektur være lett og trivelig. Det galante samfunnet på 1700-tallet var lei av moralisering og forkynnelse, folk ville nyte livet, få mest mulig ut av det.

Den største rokokkomesteren var François Boucher, som gjorde maleriene sine om til dekorative paneler for å dekorere veggen. Slik er lerretene "Bathing Diana", "The Triumph of Venus", "Shepherd's Scene".

Maurice-Kanter Larut var i stand til å skape portrett sjanger rokokko. Menneskene som er avbildet i maleriene hans, i full overensstemmelse med århundrets krav, ser vennlig og galant på betrakteren og prøver å vekke ham ikke beundring, men en følelse av sympati. De sanne karakterene til karakterene er skjult under masken av sekulær høflighet.

Maleriene til Honore Fragonard er fulle av en oppriktig følelse av livets fylde, som foregår i bekymringsløs nytelse. Et eksempel på dette er lerretet "Swing" (1766), "Kiss furtively" (1780).

Rokokkostilen kom til Tyskland på 30-tallet av 1700-tallet, og ble værende i nord, siden barokken regjerte i de sørtyske landene til slutten av århundret.

I 1745 begynte den prøyssiske arkitekten Georg Knobelsdorff byggingen av Sanssouci Palace and Park Ensemble nær Potsdam. Selve navnet (oversatt fra fransk som "uten bekymringer") reflekterte ånden i rokokkotiden. Etter ordre fra Frederick II ble et beskjedent en-etasjes palass bygget på drueterrassen. Imidlertid ble rokokkoen ganske snart erstattet av klassisismens økende styrke.

Engelsk kunst fra 1700-tallet var så særegen at den trosser klassifikasjonene som er akseptert på det kontinentale Europa. Det er en bisarr sammenveving av alle stiler og trender, blant hvilke klassisisme gradvis tar førsteplassen.

William Hogarth ble grunnleggeren av den nasjonale engelske malerskolen. I full overensstemmelse med ånden i datidens engelske samfunn, viet han sitt arbeid til politisk og sosial satire. Serien med malerier "Mot's Career", "Fashionable Marriage", "Elections" brakte ekte berømmelse til kunstneren. For å introdusere arbeidet sitt for så mange seere som mulig, laget Hogarth selv graveringer av alle verkene sine i olje og distribuerte dem i stort antall.

Kunstneren Joshua Reynolds gikk ned i historien som kunstteoretiker, den første presidenten for Royal (London) Academy of Arts og en fremragende portrettmaler. Portrettene hans er fylt med patosen ved å glorifisere heltene som har blitt verdige til å bli preget på lerretet for alltid.

Hvis Reynolds ble preget av en rasjonell tilnærming til maleri, så var arbeidet til Thomas Gainsborough mer emosjonelt. Hans portretter utmerker seg ved en poetisk oppfatning av menneskets natur.

Læring

Trenger du hjelp til å lære et emne?

Ekspertene våre vil gi råd eller gi veiledningstjenester om emner av interesse for deg.
Sende inn en søknad angir emnet akkurat nå for å finne ut om muligheten for å få en konsultasjon.

1600-tallet er en av de lyseste og mest strålende sidene i verdens kunstneriske kulturhistorie. Dette er tiden da ideologien om humanisme og tro på uendelige muligheter en følelse av livets dramatiske motsetninger kom til mennesket. På den ene siden finner en revolusjonerende omveltning sted i naturvitenskapen, Nytt bilde verden, nye stiler dukker opp i kunsten, på den annen side råder politisk konservatisme, pessimistiske syn på samfunnet og mennesket.

Tiden på 1600-tallet i kultur og kunst kalles vanligvis barokktiden. Dannelsen av en ny europeisk kultur ble assosiert med et raskt skiftende "verdensbilde" og krisen med idealene fra den italienske renessansen. For det åndelige samfunnslivet på 1600-tallet var store geografiske funn og naturvitenskapelige funn av stor betydning. Personen begynte å føle akutt skjørheten og ustabiliteten i sin stilling, motsetningen mellom illusjon og virkelighet. Det nye verdensbildet ble brutt på en spesiell måte i kunstnerisk kultur: alt uvanlig, uklart, spøkelsesaktig begynte å virke vakkert, attraktivt og klart og enkelt - kjedelig og uinteressant. Denne nye estetikken fortrengte merkbart de tidligere renessansens prinsipper om imitasjon av naturen, klarhet, balanse.

Så en ny stil oppsto - barokk. Barokk (italiensk barokk - "bisarr", "rar", "overdreven", port. perola barroca - "perle med uregelmessig form" (bokstavelig talt "perle med skrustikke") - slangordet til portugisiske sjømenn for å referere til defekte perler av uregelmessig form form har blitt brukt i betydningen "mykne opp, oppløs konturen, gjør formen mykere, mer pittoresk."

Barokkarkitektur var preget av overdådige dekorative finisher med mange detaljer, flerfarget støping, en overflod av forgylling, utskjæringer, skulpturer og pittoreske plafonder som skaper en illusjon av å åpne hvelv som går opp. Dette er tiden for dominansen av kurver, intrikate buede linjer som flyter inn i hverandre, høytidelige fasader av bygninger og majestetiske arkitektoniske ensembler. Det seremonielle portrettet dominerer i maleri, kontrast, spenning, dynamikk i bildene, ønsket om storhet og pomp, for kombinasjonen av virkelighet og illusjon er karakteristisk.

Begynnelsen av den italienske barokken er assosiert med byggingen av den romerske kirken Il Gesu (1575), hvis fasade ble designet av Giacomo della Porta. Hun bokstavelig talt "skapte en æra", og ble et uttrykk for tidens stilistiske trender: den tradisjonelle inndelingen i 2 etasjer, semi-søyler, nisjer, statuer og de uunngåelige voluttene (krøllene) i hjørnene. Den første og største palassbygningen fra den tiden var Palazzo Quirinale, pavenes sommerresidens, reist på toppen av Quirinal-høyden.

Denne bevegelsen finner sitt mest slående uttrykk i skulptur i Lorenzo Berninis verk. Hans skulptur "David" skildrer et øyeblikk med rask bevegelse, et rush mot den gigantiske Goliat, overgangen fra en bevegelse til en annen. Bernini slutter ikke med å forvrenge ansiktet, formidle et smertefullt eller salig uttrykk. I skulpturen "Apollo og Daphne" av Lorenzo Bernini, i en flygende bevegelse, ble øyeblikket for transformasjon av den unge forsvarsløse Daphne, innhentet av den lettbeinte Apollo, fanget til en laurbær. Den strålende ferdigheten til Bernini manifesterte seg i konstruksjonen av de berømte romerske fontenene - "Tritons fontene" og "Fountain of the Four Rivers".

Navnet Bernini er assosiert med neste trinn i transformasjonen av Peterskirken i Roma: han dekorerte torget foran katedralen, overbygde gallerier-korridorer strakte seg langt frem helt fra kantene av fasaden. Arkitekten skapte 2 firkanter - en stor elliptisk en, innrammet av søyler, og en trapesformet firkant rett ved siden av den, avgrenset på motsatt side av hovedfasaden til katedralen. Samtidig var plassen foran katedralen også et bytorg, dekorert med en obelisk i midten av ovalen og to fontener.

Nederland kommer i forgrunnen innen billedkunst og fremfor alt innen maleri. Peter Paul Rubens (1577-1640), i likhet med de store skikkelsene fra renessansen, viste seg i ulike aktivitetsfelt: han var en diplomat, hoffmann, ble tildelt adelstittelen, var venner og samarbeidet med fremtredende personer fra tiden. Som mange andre malere reiste Rubens i sin ungdom til Italia, hvor han studerte monumentene fra antikken og arbeidet til renessansemestre. Da han vendte tilbake til hjemlandet, skapte han det klassiske bildet av det monumentale barokke alterbildet - "Korsets opphøyelse" og "nedstigning fra korset" (1610-1614). En gruppe bødler og soldater satte opp et stort kors med Kristus spikret til det. Figurenes ulike positurer, deres komplekse forkortninger og hovne muskler uttrykker den ekstreme spenningen av fysiske krefter, denne brutale kraften motarbeides av det idealiserte bildet av Kristus. Rubens er preget av kraftige og praktfulle menneskekropper, fulle av vitalitet, et stort dekorativt omfang. Temaet for maleriene hans var mytologiske og bibelske emner, historiske scener.

Rubens "Exaltation of the Cross" "Descent from the Cross"

I maleriet Jakten på løver, hvor skissen er et av de beste Rubens-verkene i Hermitage-samlingen, er handlingen utstyrt med ekstraordinær hurtighet og lidenskap. Oppdrett av hester, en løve som plager en fallende rytter, og jegere som slår ham, har slått seg sammen til en uatskillelig gruppe, hvor uhemmet styrke og vitalitet blir til raseri.

Han refererer villig til temaene i den antikke verden. Eremitasjemaleriet «Perseus og Andromeda» (1620-1621), som hører til mesterens mesterverk, gir et eksempel på hvor fritt og realistisk han bruker bilder fra den klassiske antikken. Øyeblikket er avbildet når den mytiske helten Perseus, etter å ha ankommet sin bevingede hest Pegasus, frigjør Andromeda lenket til en stein. Han beseiret dragen som holdt henne fanget, og det forferdelige monsteret åpner maktesløst munnen for føttene hans. Fascinert av skjønnheten til den fange, nærmer Perseus seg, herligheten kroner vinneren, amoriner skynder seg for å tjene ham.

Hovedtemaet til Rubens var en mann, levende og jordisk kjærlighet, man kan til og med si lidenskap. Han var forpliktet til livets fylde, styrke, omfang, bevegelsesstorm. Han avbildet ofte nakne figurer, ofte en tung, varm, fullblods kropp, fylt med livets frodige farge og vanligvis fremhevet av en lys flekk på en mørk bakgrunn. Så han skriver "Elena Fourman i en pelsfrakk." I portrettene til Rubens forstyrret ikke tilbehør, bakgrunner - frodige gardiner, etc., men bidro snarere til avsløringen av karakterens karakter, penetrasjon i hans indre verden ("Portrett av en kammerpike").

Realistiske tendenser i maleri kan sees i arbeidet til den store nederlandske maleren Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669). Temaene i arbeidet hans er forskjellige: religiøse emner, mytologi, historie, portretter, sjangerscener. Kunsten til Rembrandt ble først og fremst preget av kjærlighet til mennesket, humanisme, i hvert Rembrandts verk - et forsøk på å formidle menneskets åndelige utvikling, den tragiske veien til å kjenne livet. Heltene hans er mennesker med motstridende karakterer og vanskelige skjebner. Kunstneren studerer alltid naturen, hans modell, ikke begrenset til å skildre fellestrekk. Rembrandt gikk inn i verdensmaleriets historie som en mester i selvportrett. Fra år til år fremstilte han seg selv enten munter eller trist, deretter sint eller likegyldig. De hundre selvportrettene han laget inneholder historien om hans liv, biografien om hans sjel, bekjennelsen til kunstneren.

Maleriet «The Return of the Prodigal Son» skildrer den siste episoden av lignelsen, når den fortapte sønn kommer hjem, «og mens han ennå var langt borte, så faren hans ham og forbarmet seg; og løpende, falt han om halsen og kysset ham, ”og hans eldste rettferdige bror, som ble igjen hos sin far, ble sint og ville ikke gå inn.

"Danae" er skrevet basert på den gamle greske myten om Danae, moren til Perseus. Da kongen av den antikke greske byen Argos fikk vite om profetien, ifølge hvilken han var bestemt til å dø i hendene på sønnen til Danae, hans datter, fengslet han henne i et fangehull og tildelte henne en hushjelp. Guden Zevs penetrerte imidlertid Danae i form av gullregn, hvoretter hun fødte en sønn, Perseus.

Klassisismen dominerte Frankrike på 1600-tallet. Klassisisme (fransk classicisme, fra latin classicus - eksemplarisk) er en kunstnerisk stil og estetisk trend i europeisk kunst på 1600- og 1800-tallet. Klassisismen er basert på rasjonalismens ideer. Et kunstverk, fra klassisismens synspunkt, bør bygges på grunnlag av strenge kanoner, og dermed avsløre harmonien og logikken i selve universet. Klassisismens mestere formidlet ikke i sine verk det umiddelbare, omkringliggende livet. De skildret foredlet virkelighet, søkte å skape ideelle bilder som samsvarte med deres ideer om det rimelige, heroiske og vakre. Temaene for klassisk kunst var hovedsakelig begrenset til gammel historie, mytologi og Bibelen, og figurativt språk og kunstneriske teknikker ble lånt fra klassisk antikkens kunst, som, etter klassisismens mestere, mest av alt samsvarte med det harmoniske idealet om det rimelige og det vakre.

Grunnleggeren av klassisismen i fransk maleri var Nicolas Poussin (1594-1665). Arbeidene hans er preget av dype ideer, tanker og følelser. Han mente at kunst skulle minne en person «om kontemplasjon og visdom, ved hjelp av hvilken han vil være i stand til å forbli fast og urokkelig i møte med skjebnens slag». Innenfor scenene fra gammel mytologi og Bibelen, avslørte Poussin temaene for den moderne tid. I sine arbeider strebet han etter majestetisk ro, edel tilbakeholdenhet, balanse. Hans ideal er en helt som opprettholder uforstyrlig sinnsro i livets prøvelser, i stand til å oppnå en bragd. Ideen om livets forgjengelighet og dødens uunngåelighet vakte ofte oppmerksomheten til Poussin og fungerte som tema for mange av verkene hans. Det beste blant dem er maleriet "The Arcadian Shepherds" (Louvre), tilsynelatende laget på begynnelsen av 1650-tallet. Den skildrer fire innbyggere i det legendariske lykkelige landet - Arcadia, som fant en grav blant buskene og analyserer ordene skåret på den: "Og jeg var i Arcadia." Dette tilfeldige funnet får de arkadiske hyrdene til å tenke, og minner dem om dødens uunngåelige. Den dype filosofiske ideen som ligger til grunn for dette bildet er uttrykt i en krystallklar og klassisk streng form. Figurenes natur, deres statuer og nærhet til eldgamle former og proporsjoner er et tegn på mesterens modne kunst. Bildet er preget av en ekstraordinær integritet av design og utførelse, og den skjulte tristheten som det er gjennomsyret av gir det en helt særegen sjarm. Et av de karakteristiske trekkene ved talentet hans er evnen til å avsløre den indre verdenen til en person i bevegelse, i gester, i rytmer.

I den franske kulturhistorien kalles perioden fra begynnelsen av Ludvig XVs regjeringstid til begynnelsen av revolusjonen (1789) opplysningstiden. En av de viktigste egenskapene opplysningstidens kultur er prosessen med å forskyve religiøse prinsipper for kunst av sekulære. Sekulær arkitektur på 1700-tallet har for første gang forrang over kirkearkitektur i nesten hele Europa.

Opplysningstidens sosiale liv var svært kontroversielt. Opplysningsmenn slet med den "gamle orden", som den gang fortsatt hadde ekte makt. Ikke bare stilen til kunstnerisk kreativitet, men også livsstilen til de kongelige domstolene, som personifiserer den "gamle ordenen" i Europa, blir rokokko (fra det franske "rocaille" - skall). Tittel formidler hovedfunksjon av denne stilen er valget av en kompleks, raffinert form og lunefulle linjer, som minner om silhuetten av et skall.

Begrepet «rococo» (eller «rocaille») kom i bruk på midten av 1800-tallet. I utgangspunktet er "rocaille" en måte å dekorere interiøret i grotter, fonteneboller osv. med forskjellige fossiler som imiterer naturlige (naturlige) formasjoner. Karakteristiske trekk ved rokokko er sofistikering, flott dekorativ belastning av interiør og komposisjoner, grasiøs ornamental rytme, stor oppmerksomhet til mytologi, personlig komfort.

Rokokko arkitektur

I motsetning til barokken, som utelukkende var en hoffstil, var rokokko aristokratiets kunst og de øvre sjiktene i borgerskapet. Nå var hovedmålet til mesteren ikke glorifiseringen av noen eller noe, men bekvemmeligheten og gleden til en bestemt person. Rokokkoarkitekter begynte å bry seg om menneskelig komfort. De forlot pompøsiteten til majestetiske barokkbygninger og prøvde å omgi en person med en atmosfære av bekvemmelighet og ynde. Maleriet forlot også "gode ideer" og ble rett og slett vakkert. Frigjort fra barokkens turbulente følelser, var maleriene fylt med kaldt lys og subtile halvtoner. Rokokko var kanskje den første nesten helt sekulære stilen i europeisk kunsthistorie. I likhet med opplysningstidens filosofi skilte rokokkokunsten seg fra kirken, og presset religiøse temaer langt i bakgrunnen. Heretter skulle både maleri og arkitektur være lett og trivelig. Det galante samfunnet på 1700-tallet var lei av moralisering og forkynnelse, folk ville nyte livet, få mest mulig ut av det.

Rokokko manifesterte seg ikke i den ytre utformingen av bygninger, men bare i interiøret, så vel som i utformingen av bøker, klær, møbler og malerier. Rokokkostilen uttrykte seg også glimrende i alle grener av kunstnerisk og industriell produksjon; med særlig suksess ble det brukt til fremstilling av porselen, og ga en særegen eleganse til både formen og utsmykningen til produktene; takket være ham tok denne fabrikasjonen et stort fremskritt i sin tid og fikk stor respekt blant kunstelskere. I tillegg til porselen er sølv på moten. Sjokoladeboller, terriner, kaffekanner, fat, tallerkener og mer lages. I dette århundret er kokkekunsten i sin moderne form født, inkludert kunsten å dekke. Rokokkomøbler er annerledes karakteristiske trekk. En av de mest slående egenskapene er buede linjer, buede ben. Møbler blir lettere og mer elegante enn før. Nye møbler dukker opp: konsollbord, sekretærer, byråer, kommoder, garderober. De to vanligste typene stoler er "Bergere" og "Marquise". Forgylt kandelaber, klokker, porselensfigurer, billedvev, skjermer er uunnværlige elementer i rokokkostilen. Speil og malerier som veier asymmetrisk brukes i overflod. På sofaer og lenestoler, bruk silkeputer og puffer med plottbroderi. Interessant fakta- det var rokokkodesignstilen som introduserte en slik innovasjon i interiøret som et akvarium i interiøret.

Rokokko interiør

Hovedtemaene i rokokkomaleriet er det utsøkte livet til hoffaristokratiet, "galante festligheter", idylliske bilder av "gjeterens" liv mot bakteppet av uberørt natur. En av de største mesterne innen fransk kunst på 1700-tallet var Antoine Watteau (1684-1721), en kunstner med subtil poetisk følelse og stort billedtalent. En drømmende og melankolsk mester i "galante festligheter", introduserte han ekte poesi og dybde av følelser i skildringen av livet til det sekulære samfunnet, og en nyanse av en slags melankoli og misnøye i tolkningen av kjærlighetsscener og uforsiktige fornøyelser. Svært ofte møter vi i maleriene hans bildet av en ensom drømmer, melankolsk og trist, fordypet i tanker og fjernet fra den støyende moroa, fra mengden forfengelighet. Dette er den sanne helten til Watteau. Verkene hans er alltid dekket av lyrisk tristhet. Vi vil ikke finne stormfulle morsomme, skarpe og klangfulle farger i dem. Han liker spesielt godt å skildre damer og herrer som går eller har det moro mot landskapet som bakteppe, i gjengrodde skyggefulle parker, ved bredden av dammer og innsjøer. Slik er de to sjarmerende maleriene til Dresden-galleriet, for eksempel "Samfunnet i parken", hvor alt er gjennomsyret av en subtil lyrisk stemning, og til og med marmor statuer gamle guder ser ut til å se positivt på elskerne.

“Ankomst til øya Cythera”

Den mest kjente rokokkokunstneren var Francois Boucher, som i tillegg til å male, arbeidet med alle typer dekorativ og brukskunst: han skapte papp til billedvev, tegninger til Sevres-porselen, malte vifter, utførte miniatyrer og dekorative malerier. François Boucher var en kunstner ideologisk assosiert med det aristokratiske samfunnet under dets tilbakegang; han fanget i sine lerreter ønsket om å nyte alle livets velsignelser som hersket blant overklassen på midten av 1700-tallet. I arbeidet til Bush er mytologiske plott mye brukt, noe som gir opphav til skildringen av en naken kvinne- og barnekropp. Spesielt ofte skriver han mytologiske heltinner - i forskjellige øyeblikk av deres kjærlighetsforhold eller travle toaletter. Ikke mindre karakteristisk for Boucher er de såkalte pastoralene, eller gjeterscenene. Lidenskap for pastorale temaer, karakteristisk for hele epoken, var en refleksjon av de da fasjonable teoriene, ifølge hvilke bare naive mennesker som bor langt fra sivilisasjonen, i naturens bryst, er lykkelige. Hans gjetere og gjeterinner er elegante og pene unge menn og kvinner, lett kledd og avbildet på bakgrunn av landskap. I tillegg til pastoraler og mytologiske malerier, malte han sjangerscener fra livet til et aristokratisk samfunn, portretter (spesielt ofte portretter av Marquise Pompadour), religiøse bilder, vanligvis løst i samme dekorative plan ("Hvil på flukten til Egypt" ), blomster, prydmotiver. Boucher hadde et ubestridelig talent som dekoratør, han visste hvordan han skulle koble komposisjonene sine med løsningen av interiør.

Rokokkoste

Spørsmål og oppgaver:

1. Fortell oss om de estetiske trekkene til barokkstilen

2. Fortell oss om egenskapene til barokkmaleriet ved å bruke eksemplet til Rubens

3. Fortell oss om Rembrandts malestil

4. Hvorfor regnes rokokkostilen som stilen til aristokratiet?

5. Lag en korrespondanseomvisning i Versailles