Om arbeidet til Dmitrij Sjostakovitsj. Symfoniske verk av D.D.
Dmitri Shostakovich ble en verdensberømt komponist i en alder av 20, da hans første symfoni ble fremført i konsertsalene i Sovjetunionen, Europa og USA. Etter 10 år var hans operaer og balletter i de ledende teatrene i verden. Sjostakovitsjs 15 symfonier ble kalt «den store æra av russisk og verdensmusikk» av samtidige.
Første symfoni
Dmitri Sjostakovitsj ble født i St. Petersburg i 1906. Faren hans jobbet som ingeniør og var lidenskapelig glad i musikk, moren hans var pianist. Hun ga sønnen sin første pianotimer. I en alder av 11 begynte Dmitry Shostakovich å studere ved en privat musikkskole. Lærere bemerket hans utøvende talent, fantastisk minne og absolutt tonehøyde.
I en alder av 13 år gikk den unge pianisten allerede inn i Petrograd-konservatoriet i pianoklassen, og to år senere - på fakultetet for komposisjon. Shostakovich jobbet på kino som pianist. Under øktene eksperimenterte han med tempoet i komposisjonene, valgte ledende melodier for karakterene og arrangerte musikalske episoder. Han brukte senere de beste av disse passasjene i sine egne komposisjoner.
Dmitri Sjostakovitsj. Foto: filarmonia.kh.ua
Dmitri Sjostakovitsj. Foto: propianino.ru
Dmitri Sjostakovitsj. Foto: cps-static.rovicorp.com
Siden 1923 jobbet Shostakovich med den første symfonien. Arbeidet ble hans avhandling, hadde premiere i 1926 i Leningrad. Senere husket komponisten: «Symfonien gikk veldig bra i går. Prestasjonen var utmerket. Suksessen er enorm. Jeg gikk ut for å bukke fem ganger. Alt hørtes bra ut."
Snart ble den første symfonien kjent utenfor Sovjetunionen. I 1927 deltok Shostakovich i den første internasjonale Chopin-klaverkonkurransen i Warszawa. Et av jurymedlemmene i konkurransen, dirigent og komponist Bruno Walter, ba Shostakovich sende partituret til symfonien til ham i Berlin. Den ble fremført i Tyskland og USA. Et år etter premieren ble Sjostakovitsjs første symfoni spilt av orkestre over hele verden.
De som tok feil av hans første symfoni for ungdommelig bekymringsløs, munter. Den er fylt med et så menneskelig drama at det til og med er rart å forestille seg at en 19 år gammel gutt levde et slikt liv... Den ble spilt overalt. Det var ikke noe land der symfonien ikke ville ha lått like etter at den dukket opp.
Leo Arnshtam, sovjetisk filmregissør og manusforfatter
"Det er slik jeg hører krigen"
I 1932 skrev Dmitri Sjostakovitsj operaen Lady Macbeth Mtsensk-distriktet". Den ble iscenesatt under navnet "Katerina Izmailova", premieren fant sted i 1934. I løpet av de to første sesongene ble operaen fremført i Moskva og St. Petersburg mer enn 200 ganger, og spilt også på teatre i Europa og Nord-Amerika.
I 1936 så Joseph Stalin operaen Katerina Izmailova. Pravda publiserte en artikkel med tittelen "Muddle Instead of Music", og operaen ble erklært "anti-folk". Snart forsvant de fleste av komposisjonene hans fra repertoarene til orkestre og teatre. Sjostakovitsj avlyste premieren på symfoni nr. 4 som var planlagt til høsten, men fortsatte å skrive nye verk.
Et år senere fant premieren på symfoni nr. 5. Stalin kalte det "en forretningsmessig kreativ respons sovjetisk kunstner til rettferdig kritikk", og kritikere - "et eksempel på sosialistisk realisme" i symfonisk musikk.
Shostakovich, Meyerhold, Mayakovsky, Rodchenko. Foto: doseng.org
Dmitri Sjostakovitsj fremfører den første klaverkonserten
Plakat for Shostakovich Symphony Orchestra. Foto: icsanpetersburgo.com
I de første månedene av krigen var Dmitrij Sjostakovitsj i Leningrad. Han jobbet som professor ved konservatoriet, tjenestegjorde i et frivillig brannvesen – slukket brannbomber på taket av konservatoriet. Mens han var på vakt, skrev Shostakovich en av sine mest kjente symfonier, Leningrad-symfonien. Forfatteren avsluttet den i evakuering i Kuibyshev i slutten av desember 1941.
Jeg vet ikke hvordan dette vil slå ut. Inaktive kritikere vil nok bebreide meg for å imitere Ravels Bolero. La dem bebreide, men det er slik jeg hører krigen.
Dmitrij Sjostakovitsj
Symfonien ble første gang fremført i mars 1942 av Bolshoi Theatre Orchestra evakuert til Kuibyshev. Noen dager senere ble komposisjonen spilt i Hall of Columns i Moscow House of Unions.
I august 1942 ble den syvende symfonien fremført i det beleirede Leningrad. For å spille en komposisjon skrevet for en dobbel komposisjon av orkesteret, ble musikerne tilbakekalt fra fronten. Konserten varte i 80 minutter, musikk ble sendt fra Filharmonien på radio - den ble lyttet til i leiligheter, på gata, foran.
Da orkesteret entret scenen, reiste hele salen seg ... Programmet var kun en symfoni. Det er vanskelig å formidle stemningen som rådde i den overfylte salen til Leningrad-filharmonien. Salen ble dominert av folk i militæruniformer. Mange soldater og offiserer kom til konserten rett fra frontlinjene.
Karl Eliasberg, dirigent for Bolshoi Symphony Orchestra i Leningrad Radio Committee
Leningrad-symfonien ble kjent for hele verden. I New York kom en utgave av magasinet Time med Sjostakovitsj på forsiden. I portrettet hadde komponisten på seg en brannhjelm, teksten lød: «Brannmann Sjostakovitsj. Blant bombeeksplosjonene i Leningrad hørte jeg seiersakkordene. I 1942–1943 ble Leningrad-symfonien spilt mer enn 60 ganger i forskjellige konsertsaler i USA.
Dmitri Sjostakovitsj. Foto: cdn.tvc.ru
Dmitri Shostakovich på forsiden av magasinet Time
Dmitri Sjostakovitsj. Foto media.tumblr.com
Sist søndag ble din symfoni fremført for første gang i hele Amerika. Musikken din forteller verden om et stort og stolt folk, et uovervinnelig folk som kjemper og lider for å bidra til den menneskelige åndens og frihetens skattkammer.
Den amerikanske poeten Carl Sandburg, utdrag fra forordet til en poetisk melding til Sjostakovitsj
"Sjostakovitsjs æra"
I 1948 ble Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev og Aram Khachaturian anklaget for «formalisme», «borgerlig dekadanse» og «groveling foran Vesten». Shostakovich ble sparket fra Moskva-konservatoriet, musikken hans ble forbudt.
I 1948, da vi ankom konservatoriet, så vi en ordre på oppslagstavlen: «D.D. Shostakovich. er ikke lenger professor i komposisjonsklassen på grunn av manglende samsvar mellom professorkvalifikasjoner ... ”Jeg har aldri opplevd en slik ydmykelse.
Mstislav Rostropovich
Et år senere ble forbudet offisielt opphevet, komponisten ble sendt til USA som en del av en gruppe kulturpersonligheter i Sovjetunionen. I 1950 var Dmitri Shostakovich medlem av juryen ved Bach-konkurransen i Leipzig. Han ble inspirert av kunst tysk komponist: « musikalsk geni Bach er spesielt nær meg. Det er umulig å gå forbi ham likegyldig... Hver dag spiller jeg et av verkene hans. Dette er mitt akutte behov, og konstant kontakt med Bachs musikk gir meg enormt mye. Etter at han kom tilbake til Moskva, begynte Shostakovich å skrive en ny musikalsk syklus - 24 preludier og fuger.
I 1957 ble Shostakovich sekretær for Union of Composers of the USSR, i 1960 - Union of Composers of the RSFSR (i 1960–1968 - første sekretær). I løpet av disse årene presenterte Anna Akhmatova komponisten sin bok med en dedikasjon: "Til Dmitry Dmitrievich Shostakovich, i hvis tid jeg bor på jorden."
På midten av 1960-tallet kom Dmitri Sjostakovitsjs komposisjoner fra 1920-tallet, inkludert operaen Katerina Izmailova, tilbake til sovjetiske orkestre og teatre. Komponisten skrev symfoni nr. 14 til dikt av Guillaume Apollinaire, Rainer Maria Rilke, Wilhelm Küchelbecker, en syklus av romanser til verkene til Marina Tsvetaeva, en suite til ord av Michelangelo. I disse brukte Shostakovich noen ganger musikalske sitater fra hans tidlige partiturer og melodier av andre komponister.
I tillegg til balletter, operaer og symfoniske verk Dmitri Sjostakovitsj skapte musikk for filmer - " Enkle mennesker”, “Young Guard”, “Hamlet” og tegneserier – “Puppet Dances” og “The Tale of the Silly Mouse”.
Når jeg snakker om Sjostakovitsjs musikk, ville jeg si at den på ingen måte kan kalles musikk for kino. Den eksisterer på egen hånd. Det kan ha sammenheng med noe. Dette kan være forfatterens indre verden, som snakker om noe inspirert av noen fenomener i livet eller kunsten.
Regissør Grigory Kozintsev
I i fjor Komponisten var alvorlig syk i løpet av livet. Dmitri Sjostakovitsj døde i Moskva i august 1975. Han ble gravlagt på Novodevichy-kirkegården.
Navnet på D. D. Shostakovich er kjent over hele verden. Han er en av de største kunstnerne i det 20. århundre. Musikken hans blir hørt i alle land i verden, den blir lyttet til og elsket av millioner av mennesker av forskjellige nasjonaliteter.
Dmitry Dmitrievich Shostakovich ble født 25. september 1906 i St. Petersburg. Faren hans, en kjemisk ingeniør, jobbet i hovedkammeret for vekter og mål. Mor var en begavet pianist.
Fra han var ni år gammel begynte gutten å spille piano. Høsten 1919 gikk Shostakovich inn på Petrograd-konservatoriet. Avgangsarbeid ung komponist var den første symfonien. Hennes rungende suksess - først i USSR, deretter i fremmede land - markerte begynnelsen på den kreative veien til en ung, lyst begavet musiker.
Sjostakovitsjs verk er uatskillelig fra hans samtid, fra de store hendelsene på 1900-tallet. Med stor dramatisk kraft og fengslende lidenskap fanget han de grandiose sosiale konfliktene. Bilder av fred og krig, lys og mørke, menneskelighet og hat kolliderer i musikken hans.
Militærår 1941–1942. I «jernnettene» i Leningrad, opplyst av eksplosjoner av bomber og granater, oppstår den syvende symfonien – «The Symphony of All-Conquering Courage», som den ble kalt. Den ble fremført ikke bare her, men også i USA, i Frankrike, England og andre land. I løpet av krigsårene styrket dette arbeidet troen på lysets triumf over fascistisk mørke, sannhet over de svarte løgnene til Hitlers fanatikere.
Krigen er forbi. Shostakovich skriver "The Song of the Forests". Den karmosinrøde gløden av branner erstattes av en ny dag med fredelig liv - dette bevises av musikken til dette oratoriet. Og etter den dukker det opp kordikt, preludier og fuger for pianoforte, nye kvartetter, symfonier.
Innholdet reflektert i verkene til Shostakovich krevde nytt uttrykksmiddel, ny kunstneriske teknikker. Han fant disse midlene og teknikkene. Stilen hans er preget av en dyp individuell originalitet, ekte innovasjon. Den bemerkelsesverdige sovjetiske komponisten var en av de kunstnerne som følger ubeseirede veier, beriker kunsten og utvider dens muligheter.
Shostakovich skrev et stort antall verk. Blant dem er femten symfonier, klaverkonserter, fiolin- og cellokonserter, kvartetter, trioer og andre kammerinstrumentalverk, vokalsyklusen "From Jewish Folk Poetry", operaen "Katerina Izmailova" basert på Leskovs historie "Lady Macbeth of the Mtsensk District". ", balletter , operette "Moskva, Cheryomushki". Han eier musikken til filmene "Golden Mountains", "Oncoming", "Great Citizen", "Man with a Gun", "Young Guard", "Meeting on the Elbe", "Gadfly", "Hamlet", etc. Sangen er viden kjent på vers av B. Kornilov fra filmen "Oncoming" - "The morning meets us with coolness."
Sjostakovitsj førte også et aktivt sosialt liv og fruktbart pedagogisk arbeid.
Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor
Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.
Vert på http://www.allbest.ru/
Saint Petersburg State University
Essayom temaet:
“ Kreativitet D.D. Sjostakovitsj”
St. Petersburg, 2011
Idirigere
Shostakovich Dmitry Dmitrievich (1906-1975) - en av de største komponistene i vår tid, en fremragende pianist, lærer og offentlig person. Shostakovich ble tildelt tittelen People's Artist of the USSR (1954), Hero of Socialist Labour (1966), State Prize of the USSR (1941, 1942, 1946, 1950, 1952, 1968), State Prize of the RSFSR (1974) , Premie til dem. Sibelius Internasjonal pris fred (1954). Æresmedlem av akademier og universiteter i mange land i verden.
I dag er Shostakovich en av de mest fremførte komponistene i verden. Hans kreasjoner er sanne uttrykk for det indre menneskelige dramaet og kronikken om forferdelige lidelser som falt på 1900-tallet, hvor det dypt personlige er sammenvevd med menneskehetens tragedie.
Sjangeren og det estetiske mangfoldet i Sjostakovitsjs musikk er enormt. Hvis vi bruker allment aksepterte begreper, så kombinerer det elementer av tonal, atonal og modal musikk, modernisme, tradisjonalisme, ekspresjonisme og «grand style» er flettet sammen i komponistens arbeid.
Det er skrevet mye om Sjostakovitsj. Nesten alle verkene hans har blitt studert i detalj, hans holdning til musikksjangre er bestemt, ulike fasetter av hans stil og liv har blitt utforsket. Som et resultat har det utviklet seg en stor og mangfoldig litteratur: fra dybdestudier til semi-tabloide publikasjoner.
KunstverkD.D. Sjostakovitsj
Sjostakovitsj symfonikomponistdikt
Polsk opprinnelse, Dmitrij Sjostakovitsj ble født i St. Petersburg 12. september (25), 1906, døde i Moskva 9. august 1975. Far er kjemiingeniør, musikkelsker. Mor - en begavet pianist, hun ga de første ferdighetene til å spille piano. Etter å ha studert ved en privat musikkskole i 1919, ble Shostakovich tatt opp på Petrograd-konservatoriet i pianoklassen, og begynte senere å studere komposisjon. Mens han fortsatt var student, begynte han å jobbe - han var pianist under visningen av "stum" filmer.
I 1923 ble Shostakovich uteksaminert fra konservatoriet som pianist (under L.V. Nikolaev), og i 1925 som komponist. Avhandlingen hans var First Simony. Hun ble den største begivenheten musikkliv og markerte begynnelsen på forfatterens verdensberømmelse.
Allerede i den første symfonien kan man se hvordan forfatteren viderefører tradisjonene til P.I. Tsjaikovskij, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, Lyadov. Alt dette manifesterer seg som en syntese av de ledende strømningene, brutt på hver sin måte og friskt. Symfonien er kjent for sin aktivitet, dynamiske trykk og uventede kontraster.
I løpet av disse årene holdt Sjostakovitsj konserter som pianist. Han mottok et æresdiplom ved den første internasjonale konkurransen. F. Chopin i Warszawa sto i noen tid overfor et valg - å gjøre musikkkomposisjon eller konsertvirksomhet til sitt yrke.
Etter den første symfonien begynte en kort periode med eksperimenter, jakten på nytt musikalske virkemidler. På dette tidspunktet dukket opp: den første klaversonaten (1926), skuespillet "Aforismer" (1927), den andre symfonien "oktober" (1927), den tredje symfonien "May Day" (1929).
Fremkomsten av kino og teatermusikk("New Babylon" 1929), "Golden Mountains" 1931, forestillinger "The Veggebug" 1929 og "Hamlet" 1932) er forbundet med dannelsen av nye bilder, spesielt sosial karikatur. En fortsettelse av dette ble funnet i operaen The Nose (basert på N.V. Gogol 1928) og i operaen Lady Macbeth of the Mtsensk District (Katerina Izmailova) basert på N.S. Leskov (1932).
Handlingen i historien med samme navn av N.S. Leskov ble omtenkt av Sjostakovitsj som et drama av enestående kvinnelig karakter i en urettferdig sosial orden. Forfatteren kalte selv operaen sin for «tragedie-satire». I hennes musikalske språk kombineres det groteske i «The Nose»s ånd med elementer av russisk romantikk og dvelende sang. I 1934 ble operaen satt opp i Leningrad og Moskva under tittelen "Katerina Izmailova"; dette ble fulgt av en rekke premierer på teatre i Nord-Amerika og Europa (operaen ble utgitt 36 ganger i (omdøpt) Leningrad, 94 ganger i Moskva, den ble også satt opp i Stockholm, Praha, London, Zürich og København. en triumf og Sjostakovitsj ble gratulert som et geni.)
Fjerde (1934), Fifth (1937), Sjette (1939) symfonier er ny scene i arbeidet til Sjostakovitsj.
Sjostakovitsj utvikler den symfoniske sjangeren og legger samtidig økende vekt på kammerinstrumentalmusikk.
Klar, lys, grasiøs, balansert Sonate for cello og piano (1934), Første strykekvartett (1938), Kvintett for strykekvartett og piano (1940) fremstår som store begivenheter i musikklivet.
Den syvende symfonien (1941) ble den stores musikalske monument Patriotisk krig. Fortsettelsen av ideene hennes var den åttende symfonien.
I etterkrigsårene ga Shostakovich mer og mer oppmerksomhet til vokalsjangeren.
En ny bølge av angrep på Sjostakovitsj i pressen overgikk betydelig den som steg i 1936. Tvunget til å underkaste seg å diktere, leverte Sjostakovitsj, "innser sine feil", oratoriet Song of the Forests (1949), kantaten The Sun Shines Over Vårt hjemland (1952) , musikk til en rekke filmer med historisk og militærpatriotisk innhold m.m., som delvis lettet hans stilling. Samtidig ble det komponert verk av andre meritter: Konsert nr. 1 for fiolin og orkester, vokalsyklusen "Fra jødisk folkediktning" (begge 1948) (siste syklus var på ingen måte i samsvar med den antisemittiske politikken til staten), strykekvartetter N4 og N5 (1949, 1952), syklus "24 Preludes and Fugues" for piano (1951); med unntak av den siste, ble alle henrettet først etter Stalins død.
Sjostakovitsjs symfonisme gir interessante eksempler bruken av den klassiske arven fra hverdagssjangre, massesanger (Elvte symfoni "1905" (1957), tolvte symfoni "1917" (1961)). Videreføringen og utviklingen av arven til L.-V. Beethoven var den trettende symfoni (1962), skrevet til versene til E. Yevtushenko. Forfatteren sa selv at i hans fjortende symfoni (1969) ble ideene til Mussorgskys «dødssanger og -danser» brukt.
En viktig milepæl - diktet "The Execution of Stepan Razin" (1964), det ble kulminasjonen av den episke linjen i arbeidet til Shostakovich.
Den fjortende symfonien kombinerte prestasjonene fra kammervokale, kammerinstrumentale og symfoniske sjangere. Tekst av F. Garcia Loki, T. Appolinaro, V. Kuchelbecker og R.M. Rilke skapte et dypt filosofisk, lyrisk verk.
Fullføring flott jobb Utviklingen av den symfoniske sjangeren var den femtende symfonien (1971), som kombinerte alt det beste som ble oppnådd på forskjellige stadier av D.D. Sjostakovitsj.
Komposisjoner:
Operas - The Nose (etter N.V. Gogol, libretto av E.I. Zamyatin, G.I. Ionin, A.G. Preis og forfatteren, 1928, iscenesatt 1930, Leningradsky Maly Opera teater), Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet (Katerina Izmailova, etter N.S. Leskov, libretto av Preis og forfatteren, 1932, iscenesatt 1934, Leningrad Maly Opera Theatre, Moskva Musikkteater dem. I OG. Nemirovich-Danchenko; ny utgave 1956, dedikert til N.V. Shostakovich, iscenesatt 1963, Moscow Musical Theatre. K.S. Stanislavsky og V.I. Nemirovich-Danchenko), Players (ifølge Gogol, ikke fullført, konsertopptreden 1978, Leningrad Philharmonic);
Balletter - The Golden Age (1930, Leningrad Opera and Ballet Theatre), Bolt (1931, ibid.), Bright Stream (1935, Leningrad Maly Opera Theatre); den musikalske komedien Moskva, Cheryomushki (libretto av V.Z. Mass og M.A. Chervinsky, 1958, satt opp i 1959, Moskva operetteteater);
for solister, kor og orkester - oratoriet Song of the Forests (ord av E.Ya. Dolmatovsky, 1949), kantate Over vårt moderland skinner solen (ord av Dolmatovsky, 1952), dikt - Dikt om moderlandet (1947), Henrettelse av Stepan Razin (ord av E.A. Evtushenko, 1964);
for kor og orkester - Hymn to Moscow (1947), Hymn of the RSFSR (ord av S. P. Shchipachev, 1945);
for orkester - 15 symfonier (nr. 1, f-moll op. 10, 1925; nr. 2 - oktober, med siste refreng til ordene til A.I. Bezymensky, H-dur op. 14, 1927; nr. 3, Pervomaiskaya , for orkester og kor, ord av S. I. Kirsanov, Es-dur op. 20, 1929; nr. 4, c-moll op. 43, 1936, nr. 5, d-moll op. 47, 1937; nr. 6, h-moll op. 54, 1939; nr. 7, C-dur op. 60, 1941, dedikert til byen Leningrad; nr. 8, c-moll op. 65, 1943, dedikert til E. A. Mravinsky; nr. 9 , Es-dur op. 70, 1945, nr. 10, e-moll op. 93, 1953, nr. 11, 1905, g-moll op. 103, 1957, nr. 12-1917, dedikert til minnet om V. I. Lenin, d-moll op. 112, 1961; nr. 13, b-moll op. 113, tekst av E. A. Yevtushenko, 1962; nr. 14, op. 135, tekst av F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. og R. M. Rilke , 1969, dedikert til B. Britten, nr. 15, op. 141, 1971), symfonisk dikt oktober (op. 131, 1967), ouverture på russisk og kirgisisk folketemaer(op. 115, 1963), Holiday Overture (1954), 2 scherzos (op. 1, 1919; op. 7, 1924), ouverture til Christopher Columbus av Dressel (op. 23, 1927), 5 fragmenter (op. 42 , 1935), Novorossiysk chimes (1960), Begravelse og triumfforspill til minne om helter Slaget ved Stalingrad(op. 130, 1967), suiter - fra operaen The Nose (op. 15-a, 1928), fra musikken til balletten The Golden Age (op. 22-a, 1932), 5 ballettsuiter (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931), fra filmpartiturene Golden Mountains (op. 30-a, 1931), Meeting on the Elbe (op. 80-a, 1949), First Echelon (op. 99-a, 1956), fra musikk til tragedien "Hamlet" av Shakespeare (op. 32-a, 1932);
konserter for instrument og orkester - 2 for piano (c-moll op. 35, 1933; F-dur op. 102, 1957), 2 for fiolin (a-moll op. 77, 1948, dedikert til D. F. Oistrakh; cis-moll op. 129, 1967, dedikert til ham), 2 for cello (Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966);
for blåseorkester - mars sovjetisk milits (1970);
for jazzorkester - suite (1934);
kammerinstrumentalensembler - for fiolin og pianosonate (d-moll op. 134, 1968, dedikert til D. F. Oistrakh); for bratsj og pianosonate (op. 147, 1975); for cello og pianosonate (d-moll op. 40, 1934, dedikert til V. L. Kubatsky), 3 stykker (op. 9, 1923-24); 2 pianotrioer (op. 8, 1923; op. 67, 1944, til minne om I.P. Sollertinsky), 15 strykere, kvartetter (nr. l, C-dur op. 49, 1938: nr. 2, A-dur op. 68, 1944, dedikert til V. Ya. Shebalin, nr. 3, F-dur op. 73, 1946, dedikert til Beethoven-kvartetten, nr. 4, D-dur op. 1952, dedikert til Beethoven-kvartetten, nr. 6, G-dur op. 101, 1956, nr. 7, fis-moll op. 108, 1960, dedikert til minnet om N. V. Shostakovich, nr. 8, c-moll op. 110, 1960, dedikert til minnet om ofre for fascisme og krig, nr. 9, Es-dur op.117, 1964, dedikert til I. A. Shostakovich, nr. 10, As-dur op. 118, 1964, dedikert til M. S. Weinberg, nr. 11, f-moll op. .122, 1966, til minne om V. P. Shiriisky, nr. 12, Des-dur op.133, 1968, dedikert til D. M. Tsyganov, nr. 13, b-moll, 1970, dedikert til V. V. Borisovsky; nr. 14, Fis. dur op. 142, 1973, dedikert til S. P. Shirinsky; nr. 15, es-moll op. 144, 1974), pianokvintett (g-moll op. 57, 1940), 2 stykker for strykeoktett (op. 11, 1924) -25);
for piano - 2 sonater (C-dur op. 12, 1926; h-moll op. 61, 1942, dedikert til L.N. Nikolaev), 24 preludier (op. 32, 1933), 24 preludier og fuger (op. 87, 1951) ), 8 preludier (op. 2, 1920), Aforismer (10 stykker, op. 13, 1927), 3 fantastiske danser (op. 5, 1922), Barnebok (6 stykker, op. 69, 1945), Dukkete danser (7 stykker, ingen op., 1952);
for 2 pianoer - concertino (op. 94, 1953), suite (op. 6, 1922, dedikert til minnet om D. B. Shostakovich);
for stemme og orkester - 2 Krylovs fabler (op. 4, 1922), 6 romanser til ord fra japanske poeter (op. 21, 1928-32, dedikert til N.V. Varzar), 8 engelske og amerikanske folkesanger til tekster av R. Burns og andre, oversatt av S. Ya. Marshak (uten op., 1944);
for kor med piano - Ed til folkekommissæren (ord av V.M. Sayanov, 1942);
for kor a cappella - Ti dikt til ordene til russiske revolusjonære poeter (op. 88, 1951), 2 arrangementer av russiske folkesanger (op. 104, 1957), Lojalitet (8 ballader til ordene til E.A. Dolmatovsky, op. 136 1970);
for stemme, fiolin, cello og piano - 7 romanser til ord av A. A. Blok (op. 127, 1967); vokalsyklus Fra jødisk folkediktning for sopran, kontralt og tenor med piano (op. 79, 1948); for stemme fra piano - 4 romanser til ord av A.S. Pushkin (op. 46, 1936), 6 romanser til ord av W. Raleigh, R. Burns og W. Shakespeare (op. 62, 1942; versjon med et kammerorkester), 2 sanger til ord av M.A. Svetlov (op. 72, 1945), 2 romanser til ord av M.Yu. Lermontov (op. 84, 1950), 4 sanger til ordene til E.A. Dolmatovsky (op. 86, 1951), 4 monologer til ordene til A.S. Pushkin (op. 91, 1952), 5 romanser til ordene til E.A. Dolmatovsky (op. 98, 1954), spanske sanger (op. 100, 1956), 5 satirer på ordene til S. Cherny (op. 106, 1960), 5 romanser på ordene fra magasinet "Crocodile" (op. 121, 1965), Spring (ord av Pushkin, op. 128, 1967), 6 dikt av M.I. Tsvetaeva (op. 143, 1973; variant med kammerorkester), Sonnetsuite av Michelangelo Buonarroti (op. 148, 1974; variant med kammerorkester); 4 dikt av kaptein Lebyadkin (ord av F. M. Dostojevskij, op. 146, 1975);
for solister, kor og piano - arrangementer av russiske folkesanger (1951);
musikk for forestillinger av dramateatre - Mayakovsky's Bedbug (1929, Moskva, V.E. Meyerhold Theatre), Bezymensky's Shot (1929, Leningrad TRAM), Gorbenko og Lvov's Virgin Land (1930, ibid), "Rule, Britannia!" Piotrovsky (1931, ibid.), Shakespeares Hamlet (1932, Moskva, Vakhtangov Theatre), " menneskelig komedie Sukhotin, etter O. Balzac (1934, ibid), Afinogenov's Salute, Spain (1936, Pushkin Leningrad Drama Theatre), Shakespeares King Lear (1941, Leningrad Bolshoi) Teater for drama dem. Gorky);
musikk for filmer - "New Babylon" (1929), "One" (1931), "Golden Mountains" (1931), "Counter" (1932), "Love and Hate" (1935), "Girlfriends" (1936), trilogi - Maxim's Youth (1935), Maxim's Return (1937), Vyborg Side (1939), Volochaev Days (1937), Friends (1938), Man with a Gun (1938), "Great Citizen" (2 episoder, 1938-39) ), "Stupid Mouse" (tegneserie, 1939), "The Adventures of Korzinkina" (1941), "Zoya" (1944), "Ordinary People" (1945), "Pirogov" (1947), "Young Guard" (1948) ), "Michurin" (1949), "Meeting on the Elbe" (1949), "Unforgettable 1919" (1952), "Belinsky" (1953), "Unity" (1954), "The Gadfly" (1955), " The First Echelon" (1956), "Hamlet" (1964), "A Year, Like Life" (1966), "King Lear" (1971) og andre;
instrumentering av verk av andre forfattere - M.P. Mussorgsky - operaene Boris Godunov (1940), Khovanshchina (1959), vokalsyklusen Songs and Dances of Death (1962); opera "Rothschilds fiolin" av V.I. Fleishman (1943); Horov A.A. Davidenko - "At den tiende verst" og "Gaten er bekymret" (for kor og orkester, 1962).
OMsamfunnet ogD.D. Wostakovich
Shostakovich gikk raskt og med ære inn i musikken på 1900-tallet. Hans første symfoni turnerte mange konsertsaler i verden på kort tid, og kunngjorde fødselen av et nytt talent. I de påfølgende årene skriver den unge komponisten mye og på forskjellige måter - vellykket og ikke særlig bra, overgir seg til sine egne ideer og oppfyller bestillinger fra teatre og kino, blir infisert av søket etter et mangfoldig kunstnerisk miljø og hyller politisk engasjement . Det var ganske vanskelig å skille kunstnerisk radikalisme fra politisk radikalisme i disse årene. Futurisme, med sin idé om "industriell hensiktsmessighet" av kunst, åpenhjertig anti-individualisme og appell til "masse", på en eller annen måte forbundet med den bolsjevikiske estetikken. Derav dualiteten til verkene (andre og tredje symfoni), skapt etter det revolusjonerende temaet som var så populært i disse årene. Slik dobbeltadressering var generelt typisk på den tiden (for eksempel Mayerholds teater eller Mayakovskys poesi). Det virket for datidens kunstinnovatører som om revolusjonen samsvarte med ånden i deres dristige søk og bare kunne bidra til dem. Senere vil de se hvor naiv deres tro på revolusjonen var. Men i de årene da de første store opusene til Sjostakovitsj ble født - symfonier, operaen "Nesen", preludier - det virkelig surret og kokte kunstnerlivet, og i en atmosfære av lyse nyskapende foretak, ekstraordinære ideer, en broket blanding av kunstneriske trender og uhemmet eksperimentering, kunne han finne anvendelser for sitt slående over kanten av kreativ energi ethvert ungt og sterkt talent. Og Shostakovich i disse årene ble fullstendig fanget av livets flyt. Dynamikken var på ingen måte gunstig for rolig meditasjon, og krevde tvert imot en effektiv, moderne, ikke-aktuell kunst. Og Shostakovich, som mange artister på den tiden, forsøkte i noen tid bevisst å skrive musikk i tråd med tidens generelle tone.
Sjostakovitsj fikk sitt første alvorlige slag fra den totalitære kulturmaskinen i 1936 i forbindelse med sin produksjon av sin andre (og siste) opera Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet. Den illevarslende betydningen av slike politiske splittelser lå i det faktum at i 1936 var den dødelige undertrykkelsesmekanismen allerede i full gigantisk rekkevidde. Ideologisk kritikk betydde bare én ting: enten er du på "den andre siden av barrikadene", og derfor på den andre siden av væren, eller du anerkjenner "kritikkens rettferdighet", og så er livet gitt deg. På bekostning av å forlate sitt eget "jeg" måtte Shostakovich for første gang ta et så smertefullt valg. Han «forsto» og «gjenkjente», og trakk dessuten den fjerde symfonien fra urfremføringen.
Påfølgende symfonier (femte og sjette) ble tolket av offisiell propaganda som en handling av "realisering", "korrigering". Faktisk brukte Shostakovich formelen til symfonien på en ny måte, og kamuflerte innholdet. Ikke desto mindre støttet (og kunne ikke annet enn å støtte) den offisielle pressen disse skriftene, fordi ellers ville bolsjevikpartiet måtte innrømme den fullstendige inkonsekvensen i sin kritikk.
Sjostakovitsj bekreftet sitt rykte som en "sovjetpatriot" under krigen ved å skrive sin syvende "Leningrad"-symfoni. For tredje gang (etter første og femte) høstet komponisten fruktene av suksess, og ikke bare i sitt eget land. Hans autoritet som mester samtidsmusikk syntes allerede å bli gjenkjent. Dette hindret imidlertid ikke myndighetene i 1948 i å utsette ham for politisk juling og trakassering i forbindelse med publiseringen av resolusjonen fra sentralkomiteen for bolsjevikenes kommunistiske parti «Om operaen Det store vennskapet av V. Muradeli». ". Kritikken var voldsom. Sjostakovitsj ble utvist fra konservatoriene i Moskva og Leningrad, hvor han tidligere hadde undervist, ble utførelse av arbeidet hans forbudt. Men komponisten ga ikke opp og fortsatte å jobbe. Først i 1958, 5 år etter Stalins død, ble avgjørelsen offisielt anerkjent som feilaktig, om ikke i bestemmelsene, men i alle fall i forhold til noen komponister. Fra den tiden begynte Sjostakovitsjs offisielle stilling å forbedre seg. Han er en anerkjent klassiker Sovjetisk musikk, staten kritiserer ikke lenger, men bringer seg selv nærmere. Bak ytre velvære lå konstant og økende press på komponisten, som Shostakovich skrev en rekke komposisjoner under. Det tyngste presset kom da Shostakovich, som ble vurdert for ledelsen av Union of Composers of the RSFSR, begynte å tvinge ham til å bli med i partiet, noe som var påkrevd av statusen til denne stillingen. På den tiden ble slike handlinger betraktet som en hyllest til spillereglene og ble et nesten dagligdags fenomen. Medlemskapet i partiet har fått en rent formell karakter. Og likevel opplevde Sjostakovitsj smertefullt å bli med i partiet.
Tstråling
På slutten av 1900-tallet, når en utsikt over fortiden åpner seg fra høyden av det siste tiåret, er Sjostakovitsjs plass bestemt i tråd med den klassiske tradisjonen. Klassisk ikke av stilistiske trekk og ikke i betydningen av nyklassisistiske tilbakeblikk, men av den dype essensen av å forstå formålet med musikk, i helheten av dens komponenter musikalsk tenkning. Alt som komponisten opererte på og skapte opusene hans, uansett hvor nyskapende de virket på den tiden, hadde til syvende og sist sitt opphav i wienerklassisismen, og også - og mer bredt - det homofoniske systemet som helhet, sammen med det tonale-harmoniske grunnlaget , et sett med typiske former, sammensetning av sjangere og forståelse av deres spesifisitet. Sjostakovitsj fullførte en æra i historien til moderne europeisk musikk, hvis begynnelse går tilbake til 1700-tallet og er assosiert med navnene til Bach, Haydn og Mozart, selv om de ikke er begrenset til dem. Slik sett spilte Sjostakovitsj den samme rollen i forhold til den klassisk-romantiske epoken som Bach spilte i forhold til barokken. Komponisten syntetiserte i sitt arbeid mange linjer i utviklingen av europeisk musikk i de siste århundrene og utførte denne siste funksjonen i en tid da helt andre retninger allerede var fullt utviklet, og et nytt musikkbegrep tok av.
Sjostakovitsj var langt fremmed for holdningen til musikk som et selvstendig spill av lydformer. Han kunne knapt være enig med Stravinsky i at musikk, om noe, bare uttrykker seg selv. Sjostakovitsj var tradisjonell ved at han, i likhet med de store musikkskaperne før ham, så i den et middel til komponistens selvrealisering – ikke bare som en musiker som er i stand til å skape, men også som person. Ikke bare beveget han seg ikke bort fra den grufulle virkeligheten han observerte rundt seg, men tvert imot opplevde han det som egen skjebne som skjebnen til hele generasjoner, landet som helhet.
Språket i Sjostakovitsjs verk kunne først ha blitt dannet før etterkrigstidens avantgarde, og er tradisjonelt i den forstand at faktorer som intonasjon, modus, tonalitet, harmoni, metrorytme, typisk form og det historisk etablerte sjangersystemet. den europeiske akademiske tradisjonen beholder fullt ut sin betydning for den. Og selv om dette er en annen intonasjon, spesielle typer moduser, en ny forståelse av tonalitet, eget system harmoni, form og sjanger tolket på en ny måte, allerede tilstedeværelsen av disse nivåene musikalsk språk snakker om å tilhøre en tradisjon. Samtidig balanserte alle datidens oppdagelser på grensen til det mulige, og rystet det historisk etablerte språksystemet, men holdt seg innenfor kategoriene utviklet av det. Takket være innovasjoner avslørte det homofoniske konseptet av det musikalske språket fortsatt ubrukte reserver, ubrukte muligheter, beviste bredden og utviklingsmuligheter. Det meste av musikkhistorien på 1900-tallet gikk under tegnet av disse utsiktene, og Sjostakovitsj ga et utvilsomt bidrag til det.
Sovjetisk symfoni
Vinteren 1935 deltok Sjostakovitsj i en diskusjon om sovjetisk symfonisme som fant sted i Moskva i tre dager – fra 4. til 6. februar. Det var en av de mest betydningsfulle forestillingene til den unge komponisten, som skisserte retningen for videre arbeid. Han understreket ærlig talt kompleksiteten til problemene på stadiet for dannelsen av den symfoniske sjangeren, faren for å løse dem med standard "oppskrifter", motarbeidet overdrivelse av fordelene til individuelle verk, og kritiserte spesielt den tredje og femte symfonien til L. K. Knipper for "tygget språk", elendighet og stilens primitivitet. Han hevdet frimodig at "... det er ingen sovjetisk symfoni. Vi må være ydmyke og innrømme at vi ikke har det ennå musikalske verk, i en utvidet form som reflekterer de stilistiske, ideologiske og emosjonelle delene av livet vårt, og reflekterer i en vakker form ... Det må innrømmes at i vår symfoniske musikk har vi bare noen tendenser til dannelsen av ny musikalsk tenkning, sjenerte konturer av fremtidens stil ... ".
Shostakovich oppfordret til å oppfatte opplevelsen og prestasjonene Sovjetisk litteratur, hvor nære, lignende problemer allerede har funnet implementering i verkene til M. Gorky og andre mestere av ordet. Musikken lå etter litteraturen, ifølge Sjostakovitsj.
Med tanke på utviklingen av moderne kunstnerisk kreativitet, så han tegn på konvergensen av prosessene i litteratur og musikk, som begynte i sovjetisk musikk som en jevn bevegelse mot lyrisk-psykologisk symfonisme.
For ham var det ingen tvil om at temaet og stilen til hans andre og tredje symfoni var et bestått stadium, ikke bare egen kreativitet, men også av sovjetisk symfonisme som helhet: en metaforisk generalisert stil er blitt foreldet. Mennesket som symbol, en slags abstraksjon, forlot kunstverkene for å bli en individualitet i nye verk. En dypere forståelse av handlingen ble styrket, uten bruk av forenklede tekster av korepisoder i symfonier. Spørsmålet ble reist om handlingen til "ren" symfonisme.
I erkjennelse av begrensningene ved sine siste symfoniske erfaringer, tok komponisten til orde for å utvide innholdet og stilistiske kilder til sovjetisk symfoni. For dette formål trakk han oppmerksomheten til studiet av utenlandsk symfonisme, insisterte på behovet for musikkvitenskap for å identifisere de kvalitative forskjellene mellom sovjetisk symfonisme og vestlig symfonisme.
Med utgangspunkt i Mahler snakket han om en lyrisk bekjennelsessymfoni med en aspirasjon til en samtids indre verden. Prøver fortsatte å bli utført. Sollertinsky, som visste bedre enn noen annen om Sjostakovitsjs planer, sa under en diskusjon om sovjetisk symfonisme: "Vi forventer med stor interesse at Sjostakovitsjs fjerde symfoni dukker opp" og forklarte tydelig: "... dette verket vil være på stor avstand fra de tre symfoniene, som Shostakovich skrev tidligere. Men symfonien er fortsatt i sin embryonale tilstand.»
To måneder etter diskusjonen, i april 1935, kunngjorde komponisten: «Nå har jeg et stort arbeid foran meg - den fjerde symfonien.
Alle de tidligere jeg har musikalsk materiale for dette arbeidet er nå avvist av meg. Symfonien skrives om. Siden dette er en ekstremt vanskelig og ansvarlig oppgave for meg, vil jeg først skrive noen komposisjoner i kammer- og instrumentalstil.
Sommeren 1935 var Sjostakovitsj absolutt ute av stand til å gjøre noe, bortsett fra utallige kammer og symfoniske passasjer, som inkluderte musikken til filmen "Girlfriends".
Høsten samme år satte han seg nok en gang i gang med å skrive den fjerde symfonien, og bestemte seg bestemt for, uansett hvilke vanskeligheter som ventet ham, å fullføre verket, realisere det grunnleggende lerretet, lovet i vår som "en slags credo for kreativt arbeid."
Etter å ha begynt å skrive symfonien 13. september 1935, hadde han mot slutten av året fullstendig fullført første og for det meste andre sats. Han skrev raskt, noen ganger til og med krampaktig, og kastet ut hele sider og erstattet dem med nye; håndskriften på klaverskissene er ustabil, flytende: fantasien overtok opptaket, notatene var foran pennen og fløt som et snøskred på papiret.
Artiklene fra 1936 fungerte som en kilde til snever og ensidig forståelse av slike kritiske prinsipielle spørsmål. Sovjetisk kunst, som et spørsmål om holdning til den klassiske arven, problemet med tradisjon og innovasjon. Tradisjonene til musikalske klassikere ble ikke ansett som grunnlag for videre utvikling, men som en slags uforanderlig standard, som det var umulig å gå utover. En slik tilnærming lenket nyskapende søk, lammet komponistenes kreative initiativ.
Disse dogmatiske holdningene kunne ikke stoppe veksten av sovjeten musikalsk kunst, men de kompliserte utvilsomt utviklingen, forårsaket en rekke kollisjoner og førte til betydelige skjevheter i estimater.
Datidens skarpe stridigheter og diskusjoner vitnet om kollisjonene og forskyvningene i vurderingen av musikkens fenomener.
Orkestreringen av den femte symfonien kjennetegnes, sammenlignet med den fjerde, av en større balanse mellom messing og strengeinstrumenter med overvekt mot strykerne: i Largo er det ingen messinggruppe i det hele tatt. Timbre-høydepunkter er gjenstand for essensielle utviklingsmomenter, de følger av dem, de er diktert av dem. Fra ballettpartiturens ukuelige generøsitet vendte Shostakovich seg til klangfargeøkonomien. Orkesterdramaturgi bestemmes av formens generelle dramatiske orientering. Den intasjonale spenningen skapes av kombinasjonen av melodisk relieff og dens orkestrale innramming. Sammensetningen av selve orkesteret bestemmes også jevnt og trutt. Etter å ha gått gjennom forskjellige prøvelser (opp til det firedobbelte i den fjerde symfonien), holdt Sjostakovitsj seg nå til trippelkomposisjonen - han ble etablert nettopp fra den femte symfonien. Både i den modale organiseringen av materialet og i orkestreringen uten å bryte, innenfor rammen av allment aksepterte komposisjoner, varierte komponisten, utvidet klangmulighetene, ofte på grunn av solostemmer, bruken av piano (det er bemerkelsesverdig at etter å ha introdusert det inn i partituret til den første symfonien, slapp Shostakovich deretter pianoet under andre, tredje, fjerde symfonier og inkluderte det igjen i partituret til den femte). Samtidig økte betydningen av ikke bare klangskjæring, men også klangsammensmelting, veksling av store klanglag; i kulminasjonsfragmentene vant teknikken med å bruke instrumenter i de høyeste uttrykksfulle registre, uten bass eller med ubetydelig bassstøtte (det finnes mange eksempler på slike i symfonien).
Dens form markerte bestilling, systematisering av tidligere implementeringer, oppnåelse av strengt logisk monumentalitet.
La oss merke oss de typiske for den femte symfoniens trekk ved forming som forblir og utvikler seg i videre arbeid Sjostakovitsj.
Verdien av epigrafinnføringen øker. I den fjerde symfonien var det et hardt, krampaktig motiv, her er det den harde, majestetiske kraften til sangen.
I den første delen fremheves rollen til utstillingen, dens volum og følelsesmessige integritet økes, noe som også settes i gang av orkestreringen (lyden av strykerne i utstillingen). Strukturelle grenser mellom hoved- og sidepartiene er overvunnet; det er ikke så mye de som kontrasteres som vesentlige avsnitt både i utstillingen og i utviklingen. Rekapitulasjonen endrer seg kvalitativt, og går over i dramaturgiens klimaks med fortsettelsen av tematisk utvikling: noen ganger får temaet en ny figurativ betydning, som fører til en ytterligere utdyping av de konfliktdramatiske trekkene i syklusen.
Utviklingen stopper heller ikke i koden. Og her fortsetter de tematiske transformasjonene, modale transformasjonene av temaer, deres dynamisering ved hjelp av orkestrering.
I finalen av den femte symfonien ga forfatteren ikke en aktiv konflikt, som i finalen til forrige symfoni. Finalen er lett. "Med et stort pust fører Sjostakovitsj oss til et blendende lys der alle sorgfulle opplevelser, alle tragiske konflikter på den vanskelige forrige veien forsvinner" (D. Kabalevsky). Konklusjonen hørtes ettertrykkelig positiv ut. "Jeg plasserte en mann med alle hans erfaringer i sentrum av ideen om arbeidet mitt," forklarte Shostakovich, "og finalen av symfonien løser de tragisk anspente øyeblikkene i de første delene på en munter, optimistisk måte."
En slik avslutning la vekt på klassisk opphav, klassisk kontinuitet; i hans lapidaritet ble tendensen tydeligst manifestert: å skape en fri type tolkning av sonateformen, ikke avvike fra det klassiske grunnlaget.
Sommeren 1937 begynte forberedelsene til et tiår med sovjetisk musikk for å markere tjueårsjubileet for den store sosialistiske oktoberrevolusjonen. Symfonien ble inkludert i tiårets program. I august dro Fritz Stiedry til utlandet. M. Shteiman, som erstattet ham, var ikke i stand til å presentere en ny kompleks komposisjon på riktig nivå. Henrettelsen ble overlatt til Evgeny Mravinsky. Sjostakovitsj kjente ham knapt: Mravinskij kom inn på konservatoriet i 1924, da Sjostakovitsj var på sitt siste år; Sjostakovitsjs balletter i Leningrad og Moskva ble dirigert av A. Gauk, P. Feldt, Y. Fayer, symfonier ble «iscenesatt» av N. Malko, A. Gauk. Mravinsky var i skyggen. Individualiteten hans ble langsomt dannet: i 1937 var han trettifire år gammel, men han dukket sjelden opp på filharmonisk konsoll. Lukket, tvilende på sin egen styrke, aksepterte han denne gangen tilbudet om å presentere den nye Shostakovich-symfonien for publikum uten å nøle. Da han husket sin uvanlige besluttsomhet, kunne dirigenten senere selv ikke forklare det psykologisk.
I nesten to år ble ikke Sjostakovitsjs musikk hørt inn Storhall. Noen av musikerne var på vakt mot henne. Disiplinen til orkesteret uten en viljesterk sjefdirigent var på vei ned. Filharmoniens repertoar ble kritisert av pressen. Ledelsen for Filharmonien endret seg: den unge komponisten Mikhail Chudaki, som ble regissør, gikk akkurat inn i virksomheten og planla å involvere I.I. Sollertinsky, komponist og musikalsk-utøvende ungdom.
Uten å nøle M.I. Chudaki delte ut ansvarlige programmer blant tre dirigenter som startet aktiv konsertvirksomhet: E.A. Mravinsky, N.S. Rabinovich og K.I. Eliasberg.
Gjennom hele september levde Shostakovich bare for symfoniens skjebne. Komposisjon av musikk for filmen "Volochaev days" presset tilbake. Han nektet andre ordrer, med henvisning til ansettelse.
Han tilbrakte mesteparten av tiden sin ved Filharmonien. Spilte symfonien. Mravinsky lyttet og spurte.
Dirigentens samtykke til å debutere med den femte symfonien var påvirket av håpet om å få hjelp fra forfatteren i prosessen med å utføre arbeid, for å stole på hans kunnskap og erfaring. Metoden for møysommelig Mravinsky skremte først Sjostakovitsj. «Det virket for meg som om han graver for mye i detaljene, legger for mye vekt på detaljer, og jeg trodde det ville gjøre vondt generell plan, generelt formål. Om hver takt, om hver tanke, gjorde Mravinsky meg til et ekte avhør, og krevde fra meg et svar på all tvilen som oppsto hos ham.
Wkonklusjon
D.D. Shostakovich er en kompleks kunstner tragisk skjebne. Forfulgt gjennom nesten hele livet, utholdt han mot tråling og forfølgelse av hensyn til det som var hovedsaken i livet hans - for kreativitetens skyld. Noen ganger, under vanskelige forhold med politisk undertrykkelse, måtte han manøvrere, men uten dette ville hans arbeid ikke eksistere i det hele tatt. Mange av de som begynte med ham døde, mange brøt sammen. Han motsto og overlevde, holdt ut alt og klarte å realisere sitt kall. Det er viktig ikke bare hvordan han blir sett og hørt i dag, men også hvem han var for sin samtid. Musikken hans lange år forble et utløp som i korte timer tillot deg å spre brystet og puste fritt. Lyden av Sjostakovitsjs musikk har alltid ikke bare vært en feiring av kunst. De visste hvordan de skulle lytte til den og bære den bort fra konserthusene.
Liste over brukt litteratur
1. L. Tretyakova "Sider med sovjetisk musikk", M.
2. M. Aranovsky, Musikal "Anti-Utopias" av Shostakovich, kapittel 6 fra boken "Russian Music of the 20th Century".
3. Khentova S.D. Sjostakovitsj. Liv og arbeid: Monografi. I 2 bøker, bok 1.-L.: Sov. komponist, 1985. S. 420.
5. Internett-portal http://peoples.ru/
Vert på Allbest.ru
Lignende dokumenter
Barndomsårene til den russiske sovjetiske komponisten, fremragende pianist, lærer og offentlig person Dmitri Dmitrievich Sjostakovitsj. Studerer ved det kommersielle gymnaset til Maria Shidlovskaya. Første pianotimer. Hovedverk av komponisten.
presentasjon, lagt til 25.05.2012
Biografi og karriere til Shostakovich - sovjetisk komponist, pianist, lærer og offentlig figur. Shostakovichs femte symfoni, fortsetter tradisjonen til komponister som Beethoven og Tsjaikovskij. Komposisjoner fra krigsårene. Preludium og fuga i D-dur.
test, lagt til 24.09.2014
Beskrivelse av biografien og arbeidet til D. Shostakovich - en av de største komponistene i den sovjetiske perioden, hvis musikk er preget av rikdommen av figurativt innhold. Sjangerområdet til komponistens verk (vokal, instrumental, symfoni).
sammendrag, lagt til 01.03.2011
Filmmusikk i D.D. Sjostakovitsj. Tragedien til W. Shakespeare. Skapelseshistorie og livet i kunsten. Historien om opprettelsen av musikk til filmen av G. Kozintseva. Musikalsk inkarnasjon hovedpersonene i filmen. Musikkens rolle i dramaturgien til filmen "Hamlet".
semesteroppgave, lagt til 23.06.2016
kreativ måte Dmitri Dmitrievich Shostakovich, hans bidrag til musikalsk kultur. Opprettelse strålende komponist symfonier, instrumental og vokalensembler, korkomposisjoner(oratorier, kantater, korsykluser), operaer, partiturer.
sammendrag, lagt til 20.03.2014
Barndom. Musikalsk utvikling av en ung pianist og komponist. Shostakovich - utøver og komponist. Kreativ måte. Etterkrigstiden. Hovedverk: "Syvende symfoni", opera "Katerina Izmailova".
avhandling, lagt til 06/12/2007
Metoden for å jobbe med sjangermodeller i arbeidet til Shostakovich. Overvekt av tradisjonelle sjangere i kreativitet. Funksjoner ved forfatterens valg av sjangertematiske grunnleggende prinsipper i den åttende symfonien, deres analyse kunstnerisk funksjon. Sjangersemantikkens ledende rolle.
semesteroppgave, lagt til 18.04.2011
russisk komponistskole. "Copy" med Vivaldi på Bortnyansky. Grunnleggeren av russisk profesjonell musikk er Mikhail Glinka. Appell til den hedenske opprinnelsen til Igor Stravinsky. Virkningen av musikken til Dmitri Shostakovich. Verket til Frederic Chopin.
sammendrag, lagt til 11.07.2009
Folkloretrender i musikken fra første halvdel av 1900-tallet og arbeidet til Bela Bartok. Ballettpartiturer av Ravel. Teateropus av D.D. Sjostakovitsj. Pianoverk av Debussy. Symfoniske dikt av Richard Strauss. Kreativiteten til komponister av gruppen "Six".
jukseark, lagt til 29.04.2013
sølvalder som en periode i russisk kulturhistorie, kronologisk assosiert med begynnelsen av det 20. århundre. Kort curriculum vitae fra livet til Alexander Skrjabin. Matchende farger og toner. Den revolusjonerende naturen til komponistens og pianistens kreative søk.
Hver kunstner fører en spesiell dialog med sin tid, men karakteren av denne dialogen avhenger i stor grad av egenskapene til hans personlighet.D. Sjostakovitsj, i motsetning til mange av hans samtidige, var ikke redd for å komme så nær den uattraktive virkeligheten som mulig og gjøre opprettelsen av dens nådeløse generaliserte symbolske skildring til en sak og plikt for livet hans som kunstner. I følge sin natur var han ifølge I. Sollertinsky dømt til å bli en stor «tragisk poet».
I verkene til innenlandske musikologer har det blitt bemerket gjentatte ganger høy grad konflikt i verkene til Shostakovich (verkene til M. Aranovsky, T. Leie, M. Sabinina, L. Mazel). Som en del av den kunstneriske refleksjonen av virkeligheten, uttrykker konflikten komponistens holdning til fenomenene i den omgivende virkeligheten. L. Berezovchuk viser overbevisende at konflikt i Sjostakovitsjs musikk ofte manifesterer seg gjennom stilistiske og sjangerinteraksjoner. Utgave. 15. - L .: Musikk, 1977. - S. 95-119 .. Gjenskapt i samtidsarbeid tegn på forskjellige musikalske stiler og sjangre fra fortiden kan være involvert i konflikten; avhengig av komponistens intensjon, kan de bli symboler på en positiv begynnelse eller bilder av ondskap. Dette er en av variantene av "generalisering gjennom sjangeren" (A. Alschwangs begrep) i musikken på 1900-tallet. Generelt blir retrospektive trender (appellerer til stiler og sjangere fra tidligere epoker) ledende innen ulike forfatters stiler av 20. århundre (verket til M. Reger, P. Hindemith, I. Stravinsky, A. Schnittke og mange andre).
I følge M. Aranovsky var en av de viktigste aspektene ved Sjostakovitsjs musikk kombinasjonen av ulike metoder for å oversette en kunstnerisk idé, som for eksempel:
direkte følelsesmessig åpen uttalelse, som om "direkte musikalsk tale";
· visuelle teknikker, ofte assosiert med filmatiske bilder assosiert med konstruksjonen av et "symfonisk plot";
· metoder for betegnelse eller symbolisering assosiert med personifiseringen av kreftene til "handling" og "mothandling" Aranovsky M. Tidens utfordring og artistens svar // Musikkakademiet. - M.: Musikk, 1997. - Nr. 4. - S.15 - 27..
I alle disse manifestasjonene av Sjostakovitsjs kreative metode er det en klar avhengighet av sjangeren. Og i det direkte uttrykket av følelser, og i visuelle teknikker, og i symboliseringsprosessene - overalt bærer tematikkens eksplisitte eller skjulte sjangergrunnlag en ekstra semantisk belastning.
Sjostakovitsjs verk er dominert av tradisjonelle sjangere - symfonier, operaer, balletter, kvartetter, etc. Deler av syklusen har også ofte sjangerbetegnelser, for eksempel: Scherzo, Resitativ, Etude, Humoresque, Elegy, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March. Komponisten gjenoppliver også en rekke eldgamle sjangre - chaconne, sarabande, passacaglia. Det særegne ved Sjostakovitsjs kunstneriske tenkning er at velkjente sjangre er utstyrt med semantikk som ikke alltid er sammenfallende med den historiske prototypen. De blir til originale modeller - bærere av visse verdier.
I følge V. Bobrovsky tjener passacagliaen det formålet å uttrykke høye etiske ideer. Bobrovsky V. Implementering av Passacaglia-sjangeren i Sonata-Symphonic Cycles of D. Shostakovich // Music and Modernity. Utgave 1. - M., 1962.; en lignende rolle spilles av sjangrene chaconne og sarabande, og i kammerkomposisjonene fra den siste perioden - elegier. Ofte er det resitative monologer i Sjostakovitsjs verk, som i midtperioden tjener formålet med en dramatisk eller patetisk-tragedisk uttalelse, og i den senere perioden får de en generalisert filosofisk betydning.
Polyfonien til Sjostakovitsjs tenkning manifesterte seg naturlig ikke bare i teksturen og metodene for utvikling av tematisk kunst, men også i gjenopplivingen av fugasjangeren, så vel som tradisjonen med å skrive sykluser med preludier og fuger. Dessuten har polyfoniske konstruksjoner svært forskjellig semantikk: kontrasterende polyfoni, så vel som fugato, er ofte assosiert med en positiv figurativ sfære, manifestasjonssfæren til et levende, menneskelig prinsipp. Mens det menneskefiendtlige er nedfelt i strenge kanoner ("invasjonens episode" fra 7. symfoni, seksjoner fra utviklingen av del I, hovedtemaet i del II av 8. symfoni) eller i enkel, noen ganger bevisst primitiv homofon skjemaer.
Scherzo tolkes av Sjostakovitsj på forskjellige måter: dette er både muntre, rampete bilder og lekedukke, i tillegg er scherzo en favorittsjanger for komponisten for å legemliggjøre de negative handlingskreftene, som fikk et overveiende grotesk bilde i denne sjanger. Scherzo-vokabularet, ifølge M. Aranovsky, skapte et fruktbart intonasjonsmiljø for utplassering av maskemetoden, som et resultat av at "... det rasjonelt oppfattede var lunefullt sammenvevd med det irrasjonelle og hvor grensen mellom liv og absurditet ble fullstendig utvisket " (1, 24 ). Forskeren ser i dette en likhet med Zosjtsjenko eller Kharms, og kanskje innflytelsen fra Gogol, hvis poetikk komponisten kom i nærkontakt med i arbeidet med operaen The Nose.
B.V. Asafiev trekker frem galoppsjangeren som spesifikk for komponistens stil: "... det er ekstremt karakteristisk at Sjostakovitsjs musikk inneholder galopprytmen, men ikke den naive oppkvikkegaloppen fra 20-30-tallet av forrige århundre og ikke Offenbachs tannete cancan, men galoppkinoen, galoppen til den siste jakten med alle slags eventyr.I denne musikken er det en følelse av angst, og nervøs kortpustethet, og frekk bravader, men bare latter, smittende og gledelig, mangler.<…>De skjelver, krampaktig, lunefullt, som om hindringer blir overvunnet "(4, 312 ) Galoppen eller cancanen blir ofte grunnlaget for Sjostakovitsjs «danses macabres» – originale dødsdanser (for eksempel i Trioen til minne om Sollertinsky eller i III-delen av åttende symfoni).
Komponisten bruker mye hverdagsmusikk: militær- og sportsmarsjer, hverdagsdanser, urban lyrisk musikk, etc. Som du vet, ble urban hverdagsmusikk poetisert av mer enn én generasjon romantiske komponister, som så dette kreativitetsområdet hovedsakelig som en "skattkammer av idylliske stemninger" (L. Berezovchuk). Hvis hverdagssjangeren i sjeldne tilfeller var utstyrt med negativ, negativ semantikk (for eksempel i verkene til Berlioz, Liszt, Tchaikovsky), økte dette alltid den semantiske belastningen, og skilte denne episoden ut fra den musikalske konteksten. Det som var unikt og uvanlig på 1800-tallet ble imidlertid et typisk trekk ved den kreative metoden for Sjostakovitsj. Hans tallrike marsjer, valser, polkaer, galopper, to-trinns, cancans har mistet sin verdi (etiske) nøytralitet, som tydelig tilhører den negative figurative sfæren.
L. Berezovchuk L. Berezovchuk. Sitat Op. forklarer dette med en rekke historiske årsaker. Perioden der komponistens talent ble dannet var svært vanskelig for sovjetisk kultur. Prosessen med å skape nye verdier i det nye samfunnet ble ledsaget av et sammenstøt av de mest motstridende tendensene. På den ene siden er dette nye metoder for uttrykksevne, nye temaer, plott. På den annen side - et snøskred av rullende, hysterisk og sentimental musikalsk produksjon, som feide over lekmannen på 20-30-tallet.
Hverdagsmusikk, en umistelig egenskap ved borgerlig kultur, blir på 1900-tallet et symptom på den småborgerlige levemåten, trangsynthet og mangel på spiritualitet for ledende kunstnere på 1900-tallet. Denne sfæren ble oppfattet som et arnested for ondskap, riket av dårlige instinkter som kunne vokse til en forferdelig fare for andre. Derfor, for komponisten, ble begrepet ondskap kombinert med sfæren av "lave" hverdagssjangre. Som M. Aranovsky bemerker, "i dette fungerte Shostakovich som Mahlers arving, men uten hans idealisme" (2, 74 ). Det som ble poetisert, opphøyet av romantikken, blir gjenstand for grotesk forvrengning, sarkasme, latterliggjøring.Sjostakovitsj var ikke alene om denne holdningen til «urban tale». M. Aranovsky trekker paralleller med språket til M. Zosjtsjenko, som bevisst forvansket talen til hans negative tegn.. Eksempler på dette er "Politivalsen" og de fleste pausene fra operaen "Katerina Izmailova", marsjen i "Invasjonsepisoden" fra den syvende symfonien, hovedtemaet i den andre delen av den åttende symfonien, temaet for menuetten fra andre del av den femte symfonien og mye mer.
De såkalte "sjangerlegeringene" eller "sjangerblandingene" begynte å spille en viktig rolle i den kreative metoden til den modne Shostakovich. M. Sabinina i sin monografi Sabinina M. Shostakovich er en symfonist. - M .: Music, 1976. bemerker at fra og med den fjerde symfonien får tema-prosessene der det går fra å fange eksterne hendelser til å uttrykke psykologiske tilstander stor betydning. Shostakovichs streben etter å fange og omfavne kjeden av fenomener i en enkelt utviklingsprosess fører til kombinasjonen i ett tema av funksjonene til flere sjangere, som avsløres i prosessen med utplasseringen. Eksempler på dette er hovedtemaene fra de første delene av den femte, syvende, åttende symfonien og andre verk.
Dermed er sjangermodellene i Sjostakovitsjs musikk svært mangfoldige: eldgamle og moderne, akademiske og hverdagslige, åpenlyst og skjult, homogen og blandet. Et viktig trekk ved Sjostakovitsjs stil er koblingen av visse sjangre med de etiske kategoriene Godt og Ondt, som igjen er de viktigste komponentene som fungerer som krefter i komponistens symfoniske konsepter.
Tenk på semantikken til sjangermodeller i musikken til D. Shostakovich ved å bruke eksemplet på hans åttende symfoni.
(1906-1975).
Stor russisk komponist fra XX århundre. Et fenomen ikke bare i musikken, men også i verdenskulturen. Musikken hans er den mest komplette sannheten om hans tid, uttrykt i påstanden. Det uttrykkes ikke av en forfatter, men av en musiker. Ordet har blitt ekskludert, vanæret, men lydene forblir frie. Tragisk. tid - sovjetmaktens totalitære tid. Prokofiev og Shostakovich - 2 genier, musikk. mulighetene er like. Prokofiev er et europeisk geni, og Shostak. - Sovjet, stemmen til sin tid, stemmen til tragedien til hans folk.
Kreativitet er mangefasettert. Dekket alle sjangre og former for sin tid: fra sang til opera og symfoni. Flott innhold: fra store tragiske hendelser til hverdagsscener. Musikken hans er en bekjennelse fra 1. person, yavl. og forkynnelse. Det er et hovedtema - sammenstøtet mellom godt og ondt. tragisk oppfatning. Nådeløs tid, ødeleggende for samvittigheten. Han bestemte seg for hvordan han skulle stå en mann. Ulike former for ondskap. Det er en ny harmoni i musikk (kaos, dodekafoni). Stil: musikk. XX århundre med alle kompleksitetene. Melodika ikke yavl. main i det XX århundre, ble det en instrumental karakter.
Shostakovich har 2 typer:
Melodier som går bredt- 5 symboler 1h.PP.
Melodier i dybden- 5 symf.1h.GP.
Bred rekkevidde, beveger seg med brede intervaller, brudd.
LAD - eget moll, frygisk moll med redusert 2. og 4. Fra russisk. musikk det er rytmisk frihet - et hyppig skifte av meter. Bildene av ondskap er mekaniske.
Polyfoni - den største polyfonisten på 1900-tallet, en viktig del av uttrykksmidlene, utvidet omfanget av polyfoni. Fuge, fugato, kanon, passacaglia - begravelsesprosesjon. Shostakovich gjenopplivet denne sjangeren. Fuge i symfoni, i ballett, på kino.
Symphonism of Shostakovich og hans rolle i musikk. kultur på 1900-tallet. Problemer. Karaktertrekk dramaturgi og strukturen i syklusen.
fenomen i verdenskulturen. Symfonien gjorde Sjostakovitsj til en stor russer. komponist, en modell for moralsk utholdenhet. Han var en filosof, en kunstner og en borger. Symfonier - instrumenter. dramaer som legemliggjør hans forståelse av livet.
Symfonisk dramaturgi:
1t- skrevet i sonateform, men i sakte tempo. Komponisten begynner med refleksjon, ikke handling. Konflikten begynner mellom eksponering og utvikling. Klimakset er slutten på utviklingen, begynnelsen på reprise. Reprise unøyaktig (Leningrad symfoni).
2t- scherzo av 2 typer. 1) tradisjonell zhiznerad. naiv musikk 2) ondskap - satire, dyster fantasi.
3t-sakte - høy pol, bilder av godhet, renhet, noen ganger en form for passacaglia.
4t- slutt, heroisk karakter, grotesk, ironisk, karneval, sjeldnere lyriske avslutninger.
Symfoni nr. 1 i f-moll 1925. Komponert 19 år gammel. Dette er et arrangement i inn- og utland 4 deler. Hun er bisarr, rar. 1t i sonateform. GP - fancy marsj, PP - vals. På slutten av konservatoriet gikk han inn i det sovjetiske livet, og begynte. eksperimenttid. Skrev musikk. for filmer, teaterproduksjoner, skrev 2 symfonier.
2 symfoni"Dedikasjon til oktober".
3 symfoni"Pervomaiskaya" - enstemmig, med kor til dikt av Komsomol-poeter. Full av entusiasme, glede over å bygge en ny verden.
2 balletter: "Golden Age", "Bolt"
Symfoni
Opera Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet. Iscenesatt vellykket, deretter ødelagt, utvist i 30 år, forbudt å fremføre symfonien. Dette er et vendepunkt for Sjostakovitsj. Bevisstheten hans blir delt.
D. Sjostakovitsj. Symfoni nr. 5 i d-moll. Problematikk ved verket og dets avsløring i konfliktmusikalsk dramaturgi.
Symfoni om omvendelse, rettelser. Samtiden tolket: "Om hvordan en person sliter med sine mangler og forbereder seg på et nytt liv." Skrevet i 1937. Datoen symboliserer toppen av undertrykkelse, det er sannhetens stemme. Om hvordan en person prøver å redde sjelen sin under grusomme forhold. Hans mest klassiske symfoni, 4 deler.
1 time- sonata moderato. Vst.: energiske utrop fra orkesteret - samvittighetens stemme. Den går gjennom hele symfonien. Ch.p. - en vandrende tanke, bankende på jakt etter en vei ut. P.p. - kontrast, dukker opp. Utviklet - en formidabel trampeklapp av pho-no. Tempoet er høyere, temaene er forvrengt, et forsøk på å pervertere en persons liv. Etter prinsippet om en voksende bølge - på toppen siste bølgen ond marsj. Slutter 1 time. liten kode, men veldig viktig. Alle krefter er borte. Koda - utmattet pust - stille, gjennomsiktig celesta. Utmattelse.
2t.- scherzo-vindu, åpent. Prøver å glemme alle livets vanskeligheter. Dans, marsjerende rytmer. De ekstreme delene er en munter serie ironiske sketsjer. Midtpartiet er en trio - en fiolinsolo - en skjør, forsvarsløs melodi.
3t.–largo, gå tilbake til refleksjon. Sonateform uten utvikling. Bildet av barmhjertighet, medfølelse, lidelse. En av høydepunktene i arbeidet hans, Gopak, er dypt, virkelig menneskelig. Minner meg om en sang: trist, sublim ch.p. , p.p. - en ensom stemme til en person, intonasjoner av bønn, lidelse. Det er ingen utvikling, men en reprise - det som var trist blir sint, lidenskapelig.
4t.- finalen er den mest uvanlige, bitre, forferdelige delen av symfonien. De kaller ham heroisk. Det begynner i D-moll og slutter i D-dur. Kampen til en person med omverdenen - han knuser ham (til og med ødelegger ham). Starter med en tremolo messingakkord. Hvordan beats høres ut pauke. Bildet av prosesjonen, folkemengden, katten. bærer oss med fryktelig kraft.
D. Sjostakovitsj. Symfoni nr. 7, C-dur, Leningradskaya. skapelseshistorie. Programmeringsfunksjoner. Trekk av museformet dramaturgi av 1. del.
(1941). Den ble skrevet veldig raskt, siden materialet og konseptet ble dannet før krigen. Det er en kollisjon mellom det menneskelige og det umenneskelige. Den ble ferdigstilt i Kuibyshev, hvor dens første forestilling fant sted. 1. forestilling i Leningrad fra 9. august 1942. Denne dagen planla tyskerne å innta byen. Partituret ble levert med fly, K. Iliasberg var dirigent, orkesteret inkluderte de mest vanlige gjenlevende. Symfonien ble umiddelbart verdensberømt, den ble et symbol på menneskelig mot. Symfonien har 4 deler, den mest kjente og perfekte - 1t. Navn for hver del ble unnfanget, men så ble de fjernet.
1 time– Sonata Ph. I stedet for utvikling – en ny episode og en sterkt modifisert reprise. utstilling- bildet av et fredelig, rimelig menneskeliv; episode- invasjon, krig, ondskap; reprise- en ødelagt verden. GP - i C-dur, marsjering, sang; PP - salt - dur lyrisk, stille, mild, et bilde av sinnsro, lykke; episode – Jeg ville understreke at dette er et annet liv, derav konstruksjonen av episoden på nytt materiale, i form av en sopranostinato, som symboliserer ondskap. Rytmen er uendret. Es-dur uten avvik i andre tonearter. Temaet er dumt, ondt, ingen forandring. Tema og 11 varianter. Dette er klangvariasjoner, hvor temaet i hver variasjon får nye nyanser, som om det fra en ansiktsløst blir mettet. For hver variasjon blir hun mer skremmende og møter ingen motstand, bare i den siste varianten møter hun et hinder og går inn i kampen. Det er ødeleggelse; reprise - et requiem for et ødelagt liv. GP - i c-moll, PP - gravklage. Fagott solo. Hver stolpe skifter meter fra ¾-13/4. Alle temaene er fullstendig endret. Delen varer i 30 minutter.
D. Sjostakovitsj. Symfoni nr. 9, Es-dur. Problemer, struktur og musikk. dramaturgi.
(1945). Symfonien var forventet å være en ode til seier. Men hun forårsaket forvirring, ble ikke gjenkjent. Symfonien er villedende. Kort, 20 min. Dypt, skjult. Letthet og frivolitet av musikk bare i begynnelsen.
1 time- Sonata allegro. GP er en munter, rampete sang, PP er en rampete, leken sang.
2t.– Moderat. Menneskets tanker om fremtiden alene med seg selv Sonate dannes uten utvikling. 1. tema - klarinett. En rørende bekjennelse av svært personlig karakter, bli med i andre åndelige instrumenter og få en samtale.; 2. tema - fremsyn i fremtiden, kromatiske trekk. Forutanelse om det bitre, redd for det som ligger foran oss.
(3,4,5 timer går uten pause)
3t.- Presto. Heroiske Scherzzo. Følelsen av å løpe livet. Sereina - solo ved trompeten - en oppfordring til det store, det vakre.
4t. -- Largo. 4 tromboner (skjebneinstrument). Det kommer et tema der skjebnens og menneskets stemme (fagottens stemme) blir hørt. For å overleve, må du late som, "ta på deg en maske."
5t. - Rask slutt. Musikk med andres "ansiktsmaske", men reddet liv.
Med denne symfonien spådde Šrstakovich hva som ville skje med ham om noen år. Etter denne symfonien inntrer en dyster periode, hvor all musikken knuses.Symfonien etter 9. ble ikke skrevet på 8 år.
