Beethoven und andere deutsche Komponisten. Musikkultur Deutschlands in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Widersprüche in der Entwicklung der deutschen Musik

Max Bruchs Sinfonien erfreuen sich nicht so großer Beliebtheit wie seine Violinkonzerte oder die Schottische Fantasie und werden selten aufgeführt. In ihnen herrscht jedoch die Harmonie, die in der Seele des Zuhörers das Streben nach Weisheit und Stärke weckt, den Geist stärkt und hilft, alle Schwierigkeiten zu bewältigen. Zu den bemerkenswerten Aufnahmen von Bruchs Werken gehören neben den Hauptkonzertstücken auch drei seiner selten gespielten Sinfonien; Projekt des Dirigenten Kurt Masur. Eine dieser Aufnahmen wird jetzt erklingen – ein sehr schönes Adagio aus der Dritten Symphonie in E-Dur

Gewandhausorchester Leipzig

Kurt Masur, Dirigent

Musik ist die Kunst der Klänge und jeder Ton darin hat seine eigene Bezeichnung. Note (lat. nōta – „Zeichen“, „Markierung“) ist in der Musik eine grafische Bezeichnung des Klangs eines Musikwerks, eines der Hauptsymbole der modernen Musiknotation. Variationen in…

Der Name Max Bruch (1838-1920) ist in der Musikwelt nicht so laut wie die Namen Mendelssohns und Brahms. Aber sein Violinkonzert Nr. 1 in g-Moll, Op. 26, nimmt einen würdigen Platz im Stammbaum der Großen ein romantische Meisterwerke. Max Bruch wurde im selben Jahr geboren, in dem Mendelssohn die ersten Entwürfe seines Violinkonzerts in e-Moll anfertigte. Das Bruch-Konzert wurde zehn Jahre nach Schumanns Tod uraufgeführt. Ein Jahrzehnt später gab es berühmtes Konzert für Violine und Orchester von Brahms. Es gibt jedoch noch einen weiteren toller Musiker, dessen Kunst die genannten Violinkonzerte zu einer seit einem Jahrhundert ununterbrochenen Tradition vereinte. Sein Name war Joseph Joachim. An Titelblatt Die Partitur des Bruch-Violinkonzerts ist Josef Joachim als Zeichen der Freundschaft gewidmet.

Die Skizzen für das Konzert in g-Moll stammen möglicherweise aus dem Jahr 1857, als der 19-jährige Bruch sein Studium am Kölner Konservatorium abschloss, wo Ferdinand Hiller und Carl Reinecke seine Lehrer waren. Bereits im Alter von 20 Jahren unterrichtete Bruch am Konservatorium musiktheoretische Fächer. Nacheinander die Uraufführungen seiner Opern, Oratorien, Sinfonien, Instrumentalkonzerte, Kammerensembles, Gesangszyklen... Bruchs Chöre erfreuen sich vor allem in Deutschland großer Beliebtheit. Er dirigiert Opernaufführungen und Sinfoniekonzerte in verschiedenen Städten im In- und Ausland. Unter den Schülern von Max Bruch sind Vertreter nationaler Komponistenschulen, so herausragende Meister des 20. Jahrhunderts wie der Italiener Ottorino Respighi, der Engländer Ralph Vaughan Williams.

Max Bruch

Johann Philipp Kirnberger (deutsch Johann Philipp Kirnberger; getauft 24. April 1721, Saalfeld - 27. Juli 1783, Berlin) – deutscher Musiktheoretiker, Komponist, Geiger, Lehrer.

Laut F. W. Marpurg studierte Kirnberger 1739–41 in Leipzig bei J. S. Bach, den er für den größten deutschen Komponisten hielt. In den Jahren 1741–50 diente er als Musiklehrer und Kapellmeister in polnischen Adelsfamilien und war Kapellmeister Kloster in Lemberg. Seit 1754 unterrichtete Kirnberger, Geiger und Kapellmeister an der Berliner Hofkapelle, Komposition bei Anna Amalia von Preußen, der jüngeren Schwester König Friedrichs des Großen von Preußen.
Kirnberger bemühte sich um die Veröffentlichung von Bachs Chorbearbeitungen, worüber er in einem Brief an den Leipziger Verleger Breitkopf schrieb:

Im Hinblick auf die mehr als 400 Bach-Choräle, die C. F. E. Bach gesammelt hat und von denen viele von ihm selbst transkribiert wurden, ist es mir äußerst wichtig, dass diese Choräle, die mir jetzt zur Verfügung stehen, für zukünftige Musiker, Komponisten und Musikanten erhalten bleiben Kenner.

Kirnberger kaufte die Choralmanuskripte von C. F. E. Bach. Um die Veröffentlichung zu fördern, überließ Kirnberger diese Manuskripte kostenlos dem Breitkopf-Verlag (der nach Kirnbergers Tod ihr Eigentümer blieb).

Der prominenteste Vertreter des Geigenspiels in Deutschland in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war der berühmte Ludwig Spohr.

Spohr, der Sohn eines in Braunschweig lebenden Arztes, wurde schon in jungen Jahren in äußerst günstige Bedingungen für seine Entwicklung gebracht musikalisches Talent. Spohrs Vater spielte Flöte (!), seine Mutter war Sängerin und recht gute Pianistin. Der Junge hörte mit besonderer Freude Hausmusik und war sehr froh, als sie ihm eine kleine Geige kauften: Er konnte Lieder und Romanzen, die seine Mutter gesungen hatte, nach Gehör spielen. Die Talente des Jungen wurden von einem französischen Emigranten, Dufour, bemerkt, der in der Stadt lebte, in die auch Spohrs Eltern aus Braunschweig zogen. Dufour, der selbst recht gut Geige und Cello spielte, betreute Spohrs Studien und begann, eigene Kompositionen zu schreiben (aus dieser Zeit stammen angeblich Spohrs Violinduette).

Es folgten Studienjahre, Arbeit als Solist in der Kapelle des Herzogs von Braunschweig, Tourneen durch europäische Städte. In Dänemark beispielsweise unterhielt sich Spohr zufällig mit einer Dame, die sein Talent sehr bewunderte. Sie bat mich, ihr einige Details von ihm zu erzählen vergangenes Leben und fragte beiläufig, ob es Spohr nicht besser ergangen wäre, wenn er das Handwerk seines Vaters übernommen hätte. Spur antwortete wie folgt:

Christian Cannabich (deutsch: Christian Cannabich; 28. Dezember 1731 - 20. Januar 1798, Frankfurt am Main) - deutscher Kapellmeister, Geiger und Komponist, Vertreter der Mannheimer Schule.

Schüler von J. Stamitz, N. Jommelli (Komposition). Er arbeitete in den Orchestern von Mannheim und München. Geiger der Mannheimer Hofkapelle (seit 1774 deren Leiter). Ab 1778 lebte er in München. Nach dem Tod von J. Stamitz wurde er zum Leiter der Mannheimer Schule ernannt. Freund V.A. Mozart. Cannabih wandte neue Orchestrierungsprinzipien an, die auf einer gleichmäßigen Verteilung des thematischen Materials unter allen basierten Orchestergruppen, einer der ersten, der vorstellte Symphonieorchester Klarinetten. Das führende Genre der Kreativität ist die Symphonie. Autor von etwa 90 Sinfonien, 40 Opern und Balletten, Konzerten für Violine und Orchester, Kammer- und Instrumentalensembles. Mozart lobt in seinen Briefen Cannabihs Talent. Wie dem auch sei, Mozart beschreibt ihn als den besten Musikdirektor, den er je gesehen habe.

Carl Orff (Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, 10. Juli 1895, München – 29. März 1982, München) ist ein deutscher Komponist und Lehrer, der vor allem für die Kantate Carmina Burana (1937) bekannt ist. Als bedeutender Komponist des 20. Jahrhunderts leistete er auch einen großen Beitrag zur Entwicklung Musikalische Bildung.

Karl Orffs Vater, ein Offizier, spielte Klavier und vieles mehr Streichinstrumente. Seine Mutter war auch eine gute Pianistin. Sie war es, die das musikalische Talent ihres Sohnes entdeckte und seine Ausbildung begann.

Orff lernte im Alter von 5 Jahren Klavier spielen. Bereits im Alter von neun Jahren schrieb er lange und kurze Musikstücke für sein eigenes Puppentheater.

Von 1912 bis 1914 studierte Orff an der Münchner Musikakademie. 1914 setzte er sein Studium bei Herman Zilcher fort. 1916 arbeitete er als Kapellmeister am Münchner Kammertheater. Im Jahr 1917, während des Ersten Weltkriegs, meldete sich Orff freiwillig zum Heeresdienst beim Ersten Bayerischen Feldartillerie-Regiment. 1918 wurde er zum Kapellmeister berufen Nationaltheater Mannheim unter der Leitung von Wilhelm Furtwängler und begann dann seine Tätigkeit am Schlosstheater des Großherzogtums Darmstadt.

1923 lernte er Dorothea Günther kennen und gründete 1924 gemeinsam mit ihr die Günther-Schule in München. Von 1925 bis zu seinem Lebensende war Orff Leiter der Abteilung dieser Schule, wo er mit jungen Musikern arbeitete. Durch den ständigen Kontakt mit Kindern entwickelte er seine Theorie der Musikpädagogik.

Carl (Heinrich Karsten) Reinecke(Deutsch Carl (Heinrich Carsten) Reinecke ; 23. Juni1824, Altona, heute Teil von Hamburg – 10. März 1910, Leipzig) – deutscher Komponist, Dirigent und Pianist.

Ab seinem sechsten Lebensjahr studierte er Musik bei seinem Vater Johann Rudolf Reinecke. IN 1835 debütierte in seiner Heimatstadt als Pianist und tourte anschließend durch Europa, wo er als „anmutiger Interpret von Werken“ berühmt wurde Mozart ". Die musikalischen Idole der jungen Männer waren Clara Wieck und Franz List; Aufgrund der schüchternen Natur Reineckes war er für die Rolle eines reisenden virtuosen Pianisten ungeeignet.

MIT 1843 bis 1846 Dank eines Stipendiums von König Christian VIII. von Dänemark studierte er am Leipziger Konservatorium Klavier und Komposition. Felix Mendelssohn, der damalige Gewandhauskapellmeister, organisierte für ihn öffentliche Auftritte. Im gleichen Zeitraum lernte Reinecke Robert Schumann kennen. Reinecke wurde stark von den Werken Mendelssohns und Schumanns beeinflusst, die großen Einfluss auf seine eigenen Kompositionen hatten.

Wie wäre unser Leben ohne Musik? Seit Jahren stellen sich Menschen diese Frage und kommen zu dem Schluss, dass die Welt ohne die schönen Klänge der Musik ein ganz anderer wäre. Musik hilft uns, Freude besser zu erleben, unser Inneres zu finden und mit Schwierigkeiten umzugehen. Komponisten ließen sich bei der Arbeit an ihren Werken von einer Vielzahl von Dingen inspirieren: Liebe, Natur, Krieg, Glück, Traurigkeit und vielen anderen. Einige davon haben sie erstellt Musikalische Kompositionen wird für immer in den Herzen und in der Erinnerung der Menschen bleiben. Hier ist eine Liste der zehn größten und talentiertesten Komponisten aller Zeiten. Unter jedem der Komponisten finden Sie einen Link zu einem seiner berühmtesten Werke.

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Franz Peter Schubert - Österreichischer Komponist, der nur 32 Jahre lebte, aber seine Musik wird noch sehr lange weiterleben. Schubert schrieb neun Sinfonien, etwa 600 Vokalkompositionen sowie zahlreiche Kammer- und Soloklaviermusiken.

„Abendserenade“

Deutscher Komponist und Pianist, Autor von zwei Serenaden, vier Sinfonien und Konzerten für Violine, Klavier und Cello. Er trat ab seinem zehnten Lebensjahr auf Konzerten auf, erstmals mit dabei Solokonzert mit 14 Jahren. Zu seinen Lebzeiten erlangte er vor allem dank der von ihm verfassten Walzer und ungarischen Tänze große Popularität.

„Ungarischer Tanz Nr. 5“.

Georg Friedrich Händel – Deutsch und Englischer Komponist In der Barockzeit schrieb er etwa 40 Opern, viele Orgelkonzerte sowie Kammermusik. Händels Musik wird seit 973 bei der Krönung englischer Könige gespielt, sie erklingt auch bei königlichen Hochzeitszeremonien und wird (mit etwas Arrangement) sogar als Hymne der UEFA Champions League verwendet.

„Musik auf dem Wasser“

Joseph Haydn- ein berühmter und produktiver österreichischer Komponist der Klassik; er wird als Vater der Symphonie bezeichnet, da er maßgeblich zu deren Entwicklung beigetragen hat Musik Genre. Joseph Haydn ist Autor von 104 Sinfonien, 50 Klaviersonaten, 24 Opern und 36 Konzerten

„Symphonie Nr. 45“.

Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky ist der berühmteste russische Komponist und Autor von mehr als 80 Werken, darunter 10 Opern, 3 Ballette und 7 Sinfonien. Zu seinen Lebzeiten war er als Komponist sehr beliebt und bekannt und trat in Russland und im Ausland als Dirigent auf.

„Blumenwalzer“ aus dem Ballett „Der Nussknacker“.

Frederic Francois Chopin ist ein polnischer Komponist, der auch als einer der bedeutendsten gilt besten Pianisten aller Zeiten. Er hat viel geschrieben Musikalische Werke für Klavier, darunter 3 Sonaten und 17 Walzer.

„Regenwalzer“.

Der venezianische Komponist und Geigenvirtuose Antonio Lucio Vivaldi ist Autor von mehr als 500 Konzerten und 90 Opern. Er hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der italienischen und weltweiten Geigenkunst.

„Elfenlied“

Wolfgang Amadeus Mozart ist ein österreichischer Komponist, der die Welt mit seinem Talent in Erstaunen versetzte frühe Kindheit. Bereits im Alter von fünf Jahren komponierte Mozart kleine Stücke. Insgesamt schrieb er 626 Werke, darunter 50 Sinfonien und 55 Konzerte. 9.Beethoven 10.Bach

Johann Sebastian Bach – deutscher Komponist und Organist des Barock, bekannt als Meister der Polyphonie. Er ist Autor von mehr als 1000 Werken, die nahezu alle bedeutenden Genres der damaligen Zeit umfassen.

„Musikalischer Witz“

Hans Leo Hassler(getauft am 26.10.1564 – 08.06.1612) – deutscher Komponist und Organist der Spätrenaissance und des Frühbarocks. Einer der bedeutendsten Komponisten, die im frühen 17. Jahrhundert den italienischen Stil in Deutschland entwickelten.

Johann Heinrich Scheidemann(ca. 1595 – 26. September 1663) – deutscher Organist und Komponist des Barock. Einer der Leiter der Norddeutschen Orgelschule. Ein wichtiger Vorgänger von Dietrich Buxtehude und J.S. Bach.

Heinrich Schütz(08.10.1585 - 06.11.1672) – der große deutsche Komponist und Organist des Barock. Gilt auf Augenhöhe mit Claudio Monteverdi und Johann Sebastian Bach. Er kombinierte die venezianische antiphonische und monodische Technik mit protestantischer Musik und schuf auch die erste deutsche Oper.

Hieronymus Praetorius(10.08.1560 - 27.01.1629) - Norddeutscher Komponist und Organist Spätrenaissance und Frühbarock. Der Namensgeber des bekannteren Komponisten Michael Pretorius, obwohl es in der Familie von Jerome Pretorius viele gab herausragende Musiker 16.-17. Jahrhundert

Johann Adam Reincken(getauft 10. Dezember 1643 – 24. November 1722) – niederländisch-deutscher Komponist und Organist des Barock. Einer der prominenten Vertreter der norddeutschen Schule, ein Freund von Dietrich Buxtehude, hatte großen Einfluss auf den jungen Johann Sebastian Bach.

Johann Hermann Schein (Schein) (Johann Hermann Schein)(20.01.1586 - 19.11.1630) - Deutscher Komponist und Dichter des Frühbarock. Er war einer der ersten, der den innovativen italienischen Stil in der deutschen Musik entwickelte. Er galt als raffinierter und eleganter Komponist seiner Zeit.

Johannes Nucius (Nux, Nucis))(ca. 1556 – 25.03.1620) – deutscher Komponist und Musiktheoretiker der Spätrenaissance und des Frühbarocks. Weit weg sein von Hauptzentren Aufgrund seiner musikalischen Tätigkeit war er ein exquisiter Komponist im Stil des französisch-flämischen Komponisten Orlando di Lasso. Zusammengestellt ein sehr einflussreiches Abhandlungüber die rhetorische Anwendung kompositorischer Techniken.

Johann Ulrich Steigleder(22. März 1593 – 10. Oktober 1635) – süddeutscher Komponist und Organist des Barock. Das bekannteste Mitglied der Stuttgarter Musikerfamilie Steigleder, zu der sein Vater Adam (1561-1633) und sein Großvater Utz (gest. 1581), der Hofmusiker und Diplomat war, gehören.

Johann Jakob Froberger(getauft 19. Mai 1616 – 7. Mai 1667.) – deutscher Barockkomponist, virtuoser Cembalist und Organist. Als einer der berühmtesten Komponisten seiner Zeit leistete er einen großen Beitrag zur Entwicklung des Klavierrepertoires und schuf die ersten Beispiele für Programmmusik. Dank zahlreicher Reisen leistete er einen großen Beitrag zum Austausch Musikalische Traditionen Deutschland, Italien und Frankreich. Sein Werk wurde im 18. Jahrhundert von Musikern studiert, darunter Komponisten wie Händel und Bach und sogar Mozart und Beethoven.

Richard Wagner hatte nicht nur einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Musik der europäischen Tradition, sondern auch der Welt künstlerische Kultur im Allgemeinen. Wagner erhielt keine systematische musikalische Ausbildung und ist in seiner Entwicklung zum Meister der Musik entscheidend sich selbst verpflichtet. Vergleichsweise früh zeigte sich das Interesse des Komponisten, das sich ganz auf die Gattung Oper konzentrierte.

In viel größerem Maße als alle anderen Europäische Komponisten Im 19. Jahrhundert betrachtete Wagner seine Kunst als Synthese und als Ausdruck eines bestimmten philosophischen Konzepts. Sein Wesen wird in der folgenden Passage aus Wagners Artikel in die Form eines Aphorismus gebracht: Kunstwerk der Zukunft“: „So wie der Mensch nicht frei sein wird, bis er freudig die Bande annimmt, die ihn mit der Natur verbinden, so wird die Kunst erst dann frei werden, wenn er keinen Grund mehr hat, sich seiner Verbundenheit mit dem Leben zu schämen.“ Aus diesem Konzept gehen zwei grundlegende Ideen hervor: Kunst muss von einer Gemeinschaft von Menschen geschaffen werden und zu dieser Gemeinschaft gehören; Die höchste Kunstform ist das Musikdrama, verstanden als organische Einheit von Wort und Ton. Bayreuth wurde zur Verkörperung der ersten Idee, wo Opernhaus erstmals wurde es als Kunsttempel und nicht als Unterhaltungsinstitution interpretiert; Die Verkörperung der zweiten Idee ist die von Wagner geschaffene neue Opernform „Musikdrama“. Es war ihre Schöpfung, die zum Ziel wurde kreatives Leben Wagner. Einige seiner Elemente wurden in verkörpert frühe Opern Komponist der 1840er Jahre – „Der fliegende Holländer“, „Tannhäuser“ und „Lohengrin“.

Die Theorie des Musikdramas wurde am besten in Wagners Schweizer Artikeln („Oper und Drama“, „Kunst und Revolution“, „Musik und Drama“, „Kunstwerk der Zukunft“) und in der Praxis – in seinen späteren Opern – verkörpert: „ Tristan und Isolde“, die Tetralogie „Ring des Nibelungen“ und das Mysterium „Parsifal“. Ein Musikdrama ist nach Wagner ein Werk, in dem die romantische Idee des Gesamtkunstwerks (Musik und Schauspiel) verwirklicht wird, ein Ausdruck der Programmatik in der Oper. Um diesen Plan umzusetzen, gab Wagner die damals bestehenden Traditionen der Opernformen auf – vor allem italienische und französische. Den ersteren kritisierte er wegen Exzessen, den zweiten wegen Pomp. Mit heftiger Kritik griff er die Werke der führenden Vertreter der klassischen Oper (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert) an und nannte ihre Musik „süße Langeweile“. Beim Versuch, die Oper lebendiger zu machen, kam er auf die Idee einer durchgehenden dramatischen Entwicklung – vom Anfang bis zum Ende, nicht nur eines Aktes, sondern des gesamten Werkes und sogar eines Werkzyklus (alle vier Opern von der Zyklus „Der Ring des Nibelungen“.

IN klassische Oper Verdi und Rossini trennen Nummern (Arien, Duette, Ensembles mit Chören) und zerlegen einen einzelnen Musiksatz in Fragmente. Wagner verzichtete vollständig auf sie zugunsten großer, durchgehender Gesangs- und Symphonieszenen, die ineinander übergingen, und ersetzte Arien und Duette durch dramatische Monologe und Dialoge. Wagner ersetzte Ouvertüren durch Präludien – kurze musikalische Einleitungen zu jedem Akt, die auf semantischer Ebene untrennbar mit der Handlung verbunden sind. Darüber hinaus wurden diese Präludien, beginnend mit der Oper Lohengrin, nicht vor dem Öffnen des Vorhangs, sondern bereits bei geöffneter Bühne aufgeführt. Die äußere Handlung wird in den späten Wagner-Opern (besonders in Tristan und Isolde) auf ein Minimum reduziert, sie wird auf die psychologische Seite, in den Bereich der Gefühle der Figuren, verlagert. Wagner glaubte, dass das Wort nicht in der Lage sei, die volle Tiefe und Bedeutung innerer Erfahrungen auszudrücken, weshalb das Orchester und nicht der Gesangspart die Hauptrolle im Musikdrama spielt. Letzteres ist vollständig der Orchestrierung untergeordnet und wird von Wagner als eines der Instrumente eines Sinfonieorchesters angesehen. Gleichzeitig ist der Gesangspart in einem Musikdrama das Äquivalent einer theatralisch-dramatischen Rede. Es gibt fast kein Lied, Arioznost darin. Im Zusammenhang mit den Besonderheiten des Gesangs in Wagners Opernmusik (außergewöhnliche Länge, zwingende Anforderung dramatischer Fähigkeiten, gnadenlose Ausnutzung der extremen Lagen der Tessitura der Stimme) haben sich in der solistischen Aufführungspraxis neue Stereotypen etabliert. singende Stimmen- Wagnerischer Tenor, Wagnerischer Sopran.

Wagner legte besonderen Wert auf die Orchestrierung und im weiteren Sinne auf die Symphonie. Wagners Orchester wird mit einem antiken Chor verglichen, der das Geschehen kommentierte und eine „verborgene“ Bedeutung vermittelte. Der Komponist reformierte das Orchester, schuf ein Tubaquartett, führte eine Basstuba und eine Kontrabassposaune ein und erweiterte es String-Gruppe, verwendete sechs Harfen. In der gesamten Operngeschichte vor Wagner hat kein Komponist ein Orchester dieser Größenordnung eingesetzt (z. B. wird „Der Ring des Nibelungen“ von einem Viererorchester mit acht Hörnern aufgeführt). Auch Wagners Innovation auf dem Gebiet der Harmonielehre wird allgemein anerkannt. Die Tonalität, die er von der Wiener Klassik und der Frühromantik übernommen hatte, erweiterte er durch die Intensivierung der Chromatik und modalen Veränderungen erheblich. Indem er (unkompliziert für die Klassiker) die Einzigartigkeit der Verbindungen zwischen dem Zentrum (Tonika) und der Peripherie abschwächte und bewusst die direkte Auflösung von Dissonanz in Konsonanz vermied, verlieh er der Modulationsentwicklung Spannung, Dynamik und Kontinuität. Visitenkarte Wagnersche Harmonik gilt als „Tristan-Akkord“ (aus dem Vorspiel zur Oper „Tristan und Isolde“) und als Leitmotiv des Schicksals aus dem „Ring des Nibelungen“. Wagner führte ein entwickeltes Leitmotivsystem ein. Jedes dieser Leitmotive (kurze musikalische Merkmale) ist eine Bezeichnung für etwas: eine bestimmte Figur oder ein Lebewesen (zum Beispiel das Leitmotiv des Rheins im Rheingold), Gegenstände, die oft als Charakterfiguren fungieren (der Ring, das Schwert und das Gold in der Ring, ein Liebestrank bei Tristan und Isolde), Handlungsszenen (die Leitmotive des Grals bei Lohengrin und Walhalla im Rheingold) und sogar eine abstrakte Idee (zahlreiche Schicksals- und Schicksalsleitmotive im Ring des Nibelungen-Zyklus, Trägheit, ein liebevoller Blick bei Tristan und Isolde).

Das Wagner-Leitmotivsystem wurde im „Ring“ am umfassendsten entwickelt – von Oper zu Oper anhäufend, miteinander verflochten, jedes Mal neue Entwicklungsmöglichkeiten erhaltend, vereinen und interagieren alle Leitmotive dieses Zyklus in der komplexen musikalischen Textur des letzte Oper Der Tod der Götter. Das Verständnis der Musik als Personifikation der kontinuierlichen Bewegung, der Entwicklung von Gefühlen führte Wagner auf die Idee, diese Leitmotive zu einem einzigen Strom symphonischer Entwicklung, zu einer „unendlichen Melodie“ zu verschmelzen. Das Fehlen einer tonischen Unterstützung (während der gesamten Oper „Tristan und Isolde“) und die Unvollständigkeit jedes Themas (während des gesamten Zyklus „Der Ring des Nibelungen“, mit Ausnahme des Höhepunkts des Trauermarsches in der Oper „Der Tod der Götter“) tragen dazu bei ein kontinuierlicher Aufbau von Emotionen, der keine Auflösung findet und es ermöglicht, den Zuhörer in ständiger Spannung zu halten (wie in den Vorspielen zu den Opern Tristan und Isolde und Lohengrin). A. F. Losev definiert die philosophische und ästhetische Grundlage von Wagners Werk als „mystische Symbolik“.

Der Schlüssel zum Verständnis des ontologischen Konzepts Wagners sind die Tetralogie „Ring des Nibelungen“ und die Oper „Tristan und Isolde“. Erstens wurde Wagners Traum vom musikalischen Universalismus in „Der Ring“ vollständig verkörpert. „In The Ring wurde diese Theorie durch die Verwendung von Leitmotiven verkörpert, wenn jede Idee und jedes poetische Bild sofort mithilfe eines musikalischen Motivs spezifisch organisiert wird“, schreibt Losev. Darüber hinaus spiegelte der „Ring“ die Leidenschaft für die Ideen Schopenhauers voll und ganz wider. Es muss jedoch daran erinnert werden, dass die Bekanntschaft mit ihnen erfolgte, als der Text der Tetralogie fertig war und mit der Arbeit an der Musik begonnen wurde. Wagner spürt wie Schopenhauer die ungünstige und sogar sinnlose Grundlage des Universums. Es wird angenommen, dass der einzige Sinn der Existenz darin besteht, auf diesen universellen Willen zu verzichten und in den Abgrund des reinen Intellekts und der Untätigkeit einzutauchen, um wahre ästhetische Freude an der Musik zu finden. Allerdings hält Wagner im Gegensatz zu Schopenhauer eine Welt für möglich und sogar vorherbestimmt, in der die Menschen nicht mehr im Namen des ständigen Strebens nach Gold leben werden, das in der Wagner-Mythologie den Willen der Welt symbolisiert. Über diese Welt ist nichts Sicheres bekannt, aber es besteht kein Zweifel daran, dass sie nach der globalen Katastrophe kommen wird. Das Thema der globalen Katastrophe ist für die Ontologie des „Rings“ von großer Bedeutung und stellt offenbar ein neues Umdenken der Revolution dar, die nicht mehr als Veränderung des Gesellschaftssystems verstanden wird, sondern als kosmologische Aktion, die das verändert das Wesentliche des Universums.

Was Tristan und Isolde betrifft, so wurden die darin verkörperten Ideen maßgeblich von einer kurzen Faszination für den Buddhismus beeinflusst und gleichzeitig dramatische Geschichte Liebe zu Mathilde Wesendonck. Hier findet Wagners seit langem angestrebte Verschmelzung der geteilten menschlichen Natur statt. Dieser Zusammenhang entsteht mit dem Abgang von Tristan und Isolde in die Vergessenheit. Als völlig buddhistische Verschmelzung mit der ewigen und unvergänglichen Welt gedacht, löst es laut Losev den Widerspruch zwischen dem Subjekt und dem Objekt auf, auf dem die Europäische Kultur. Am wichtigsten ist das Thema Liebe und Tod, die für Wagner untrennbar miteinander verbunden sind. Die Liebe ist einem Menschen inhärent und ordnet ihn sich völlig unter, so wie der Tod das unvermeidliche Ende seines Lebens ist. In diesem Sinne ist Wagners Liebestrank zu verstehen. „Freiheit, Glückseligkeit, Vergnügen, Tod und fatalistische Vorherbestimmung – das ist ein Liebesgetränk, das Wagner so brillant darstellt“, schreibt Losev. Wagners Opernreform hatte erhebliche Auswirkungen auf die europäische und russische Musik, markierte die höchste Stufe der musikalischen Romantik und legte gleichzeitig den Grundstein für zukünftige modernistische Bewegungen. Die direkte oder indirekte Aneignung der Wagnerschen Opernästhetik (insbesondere der innovativen „durch“ musikalischen Dramaturgie) prägte einen wesentlichen Teil der späteren Opernwerke. Die Verwendung des Leitmotivsystems in Opern nach Wagner wurde trivial und universell. Nicht weniger bedeutsam war die Wirkung von Innovationen musikalische Sprache Wagner, insbesondere seine Harmonielehre, in der der Komponist die „alten“ (bisher als unerschütterlich geltenden) Tonalitätskanons überarbeitete.

Unter den russischen Musikern war Wagners Freund A. N. Serov ein Experte und Propagandist. N. A. Rimsky-Korsakov, der Wagner öffentlich kritisierte, erlebte dennoch (insbesondere in späteres Werk) Wagners Einfluss auf Harmonie, Orchestersatz und musikalische Dramaturgie. Ein bedeutender Russe hinterließ wertvolle Artikel über Wagner Musikkritiker G. A. Larosh. Im Allgemeinen ist „Wagnerian“ in den Werken „pro-westlicher“ Komponisten direkter zu spüren. Russland XIX Jahrhundert (zum Beispiel A. G. Rubinshtein) als Vertreter der nationalen Schule. Der Einfluss Wagners (musikalisch und ästhetisch) wird in Russland in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts in den Werken von A. N. Skrjabin festgestellt. Im Westen entstand die sogenannte Weimarer Schule (Eigenname - Neu Deutsch Schule), die sich um F. Liszt in Weimar entwickelte. Ihre Vertreter (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff und andere) unterstützten Wagner vor allem in seinem Wunsch, den Wirkungsbereich zu erweitern musikalische Ausdruckskraft(Harmonie, Orchestersatz, Operndramaturgie).

Zu den von Wagner beeinflussten westlichen Komponisten zählen Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Béla Bartók, Karol Szymanowski, Arnold Schönberg (in frühe Arbeit). Die Reaktion auf den Wagner-Kult war die „anti-Wagnerianische“ Tendenz, die sich ihm entgegenstellte, Hauptvertreter das waren die Komponisten Johannes Brahms und Musikalische Ästhetik E. Hanslik, der die Immanenz und Selbstgenügsamkeit der Musik verteidigte, ihre Unverbundenheit mit äußeren, nichtmusikalischen „Reizstoffen“

In Russland sind antiwagnerische Gefühle charakteristisch für den nationalen Flügel der Komponisten, vor allem M. P. Mussorgsky und A. P. Borodin. Die Haltung gegenüber Wagner unter Nichtmusikern (die weniger Wagners Musik als vielmehr seine widersprüchlichen Aussagen und seine „ästhetisierenden“ Veröffentlichungen bewerteten) ist zweideutig. Beispielsweise schrieb Friedrich Nietzsche in seinem Artikel „Casus Wagner“:

War Wagner überhaupt ein Musiker? Auf jeden Fall war er mehr als etwas anderes ... Sein Platz liegt in einem anderen Bereich und nicht in der Geschichte der Musik: Er sollte nicht mit ihren großen wahren Vertretern verwechselt werden. Wagner und Beethoven sind Blasphemie…“ Laut Thomas Mann sah Wagner „in der Kunst eine heilige okkulte Handlung, ein Allheilmittel gegen alle Wunden der Gesellschaft…“.

Die musikalischen Schöpfungen Wagners im XX.-XXI. Jahrhundert leben weiterhin auf höchstem Prestige Opernbühnen, nicht nur Deutschland, sondern die ganze Welt (mit Ausnahme von Israel).Wagner schrieb „Der Ring des Nibelungen“ mit wenig Hoffnung, dass ein Theater gefunden würde, das das gesamte Epos aufführen und seine Ideen dem Zuhörer vermitteln könnte. Die Zeitgenossen erkannten jedoch seine spirituelle Notwendigkeit und das Epos fand seinen Weg zum Betrachter. Die Rolle des „Rings“ bei der Bildung des deutschen Nationalgeistes kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. IN Mitte des neunzehnten In dem Jahrhundert, als der „Ring des Nibelungen“ geschrieben wurde, blieb die Nation gespalten; die Deutschen erinnerten sich an die Demütigung der napoleonischen Feldzüge und der Wiener Verträge; Kürzlich donnerte eine Revolution, die die Throne der Apanagekönige erschütterte – als Wagner die Welt verließ, war Deutschland bereits vereint, wurde ein Reich, Träger und Zentrum aller deutschen Kultur. Der „Ring des Nibelungen“ und das Werk Wagners insgesamt, wenn auch nicht das einzige, waren für das deutsche Volk und für die deutsche Idee der mobilisierende Impuls, der Politiker, Intelligenz, Militär und die gesamte Gesellschaft zur Vereinigung zwang .

Nachdem er die Gunst des bayerischen Königs Ludwig II. gewonnen hatte, der seine Schulden bezahlte und ihn weiter unterstützte, zog er 1864 nach München, wo er schrieb komische Oper„Die Nürnberger Meistersinger“ und die letzten beiden Teile des Nibelungenrings: „Siegfried“ und „Der Tod der Götter“. 1872 fand in Bayreuth die Grundsteinlegung für das Haus der Feste statt, das 1876 eröffnet wurde. Dort fand vom 13. bis 17. August 1876 die Uraufführung der Tetralogie „Ring des Nibelungen“ statt. 1882 wurde in Bayreuth die Mysterienoper Parsifal aufgeführt. Im selben Jahr reiste Wagner aus gesundheitlichen Gründen nach Venedig, wo er 1883 an einem Herzinfarkt starb. Wagner ist in Bayreuth begraben.

Die größten Komponisten der Welt aller Zeiten: Chronologische und alphabetische Auflistungen, Referenzen und Werke

100 große Komponisten der Welt

Liste der Komponisten in chronologischer Reihenfolge

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Händel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Johann Sebastian Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Glück (1713-1787)
14. Joseph Haydn (1732 -1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitri Stepanowitsch Bortnjanski (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 -1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 -1826)
23. Gioacchino Rossini (1792 -1868)
24. Franz Schubert (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hector Berlioz (1803 -1869)
28. Michail Iwanowitsch Glinka (1804 -1857)
29. Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Frédéric Chopin (1810 -1849)
31. Robert Schumann (1810 -1856)
32. Alexander Sergejewitsch Dargomyschski (1813 -1869)
33. Franz Liszt (1811 -1886)
34. Richard Wagner (1813 -1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 -1872)
38. Jacques Offenbach (1819 -1880)
39. Alexander Nikolajewitsch Serow (1820 -1871)
40. César Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Anton Bruckner (1824 -1896)
43. Johann Strauss (1825 -1899)
44. Anton Grigorjewitsch Rubinstein (1829 -1894)
45. Johannes Brahms (1833 -1897)
46. ​​​​Alexander Porfiryevich Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saëns (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836 -1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 -1910)
50. Georges Bizet (1838 -1875)
51. Bescheidener Petrowitsch Mussorgski (1839–1881)
52. Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky (1840–1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Jules Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Nikolai Andrejewitsch Rimski-Korsakow (1844 -1908)
57. Gabriel Fauré (1845 -1924)
58. Leos Janacek (1854 -1928)
59. Anatoli Konstantinowitsch Ljadow (1855–1914)
60. Sergej Iwanowitsch Tanejew (1856 -1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 -1919)
62. Giacomo Puccini (1858 -1924)
63. Hugo Wolf (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Richard Strauss (1864 -1949)
67. Alexander Tichonowitsch Gretschaninow (1864 -1956)
68. Alexander Konstantinowitsch Glasunow (1865 -1936)
69. Jean Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870–1945)
71. Alexander Nikolajewitsch Skrjabin (1872 -1915)
72. Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow (1873–1943)
73. Arnold Schönberg (1874 -1951)
74. Maurice Ravel (1875 -1937)
75. Nikolai Karlowitsch Medtner (1880 -1951)
76. Bela Bartok (1881 -1945)
77. Nikolai Jakowlewitsch Mjaskowski (1881–1950)
78. Igor Fedorovich Strawinsky (1882 -1971)
79. Anton Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Sergej Sergejewitsch Prokofjew (1891–1953)
83. Arthur Honegger (1892 -1955)
84. Darius Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paul Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Isaak Osipovich Dunayevsky (1900 -1955)
89. Aram Iljitsch Chatschaturjan (1903–1978)
90. Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch (1906–1975)
91. Tichon Nikolajewitsch Chrennikow (geb. 1913)
92. Benjamin Britten (1913 -1976)
93. Georgi Wassiljewitsch Swiridow (1915–1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinowitsch Schtschedrin (geb. 1932)
96. Krzysztof Penderecki (geb. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Bob Dylan (geb. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) und Paul McCartney (geb. 1942)
100. Sting (geb. 1951)

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