Musikkultur der Romantik: Ästhetik, Themen, Genres und Musiksprache. Russische Musik der Romantik Welche Musiker gehören zur französischen Schule der Romantik
Skrjabina Swetlana Anatoljewna
MBOU DOD DSHI Uvarovo, Gebiet Tambow
Lehrer
Aufsatz
„Klavierwerke romantischer Komponisten“
Einführung.
2. Romantik in der Musik.
4. Der Einfluss des romantischen Stils auf Klavier Kreativität F. Liste.
5. Schlussfolgerung.
6. Referenzliste.
Einführung.
Die Romantik als künstlerische Bewegung entstand Ende des 18. Jahrhunderts, frühes XIX Jahrhunderts, zuerst in der Literatur (in Deutschland, Großbritannien und anderen Ländern Europas und Amerikas), dann in der Musik und anderen Kunstformen. Der romantische Stil ist originell, fantastisch und erhaben.
Die Ära der Romantik spielte bei der Entwicklung eine große Rolle musikalische Kultur. Die Romantik umfasste alle Bereiche der Kultur: Philosophie, Ästhetik, Theater, Literatur, Musik und andere. Humanitäre Wissenschaften. In Verbindung mit verschiedenen nationalen Traditionen und historischen Aspekten erwarb die Romantik, die sich in verschiedenen Ländern entwickelte, besondere nationale Merkmale: bei den Deutschen - in der Mystik, bei den Briten - in einer Persönlichkeit, die sich rationalem Verhalten widersetzen wird, bei den Franzosen - in ungewöhnliche Geschichten. Der romantische Stil ist geprägt von der Berufung auf die innere Welt eines Menschen, dem Wunsch nach Emotionalität, dies bestimmte den Vorrang von Literatur und Musik in der Romantik.
Relevanz Dieses Thema liegt darin begründet, dass die Romantik für viele Komponisten eine Stütze war und eine große Rolle in der Entwicklung der Musikkultur spielte und auch die Entwicklung des Klavierwerks romantischer Komponisten anregte.
Der Zweck dieser Arbeit– die Grundzüge der Romantik zu bestimmen und deren Widerspiegelung im Klavierwerk romantischer Komponisten zu studieren, indem folgende Aufgaben gelöst werden:
- Betrachten Sie die Hauptmerkmale der Romantik;
- Identifizieren Sie Manifestationen der Romantik in der Musik;
- Studium der Stilmerkmale der Romantik im Klavierwerk;
- Zur Charakterisierung des Klavierwerks von F. Liszt.
Um ihre Ideen zum Leben zu erwecken, wandten sich romantische Komponisten neuen Formen zu: Klavierminiaturen, Balladen, Nocturnes, Polonaisen, Impromptu, lyrische Lieder haben Softwareprodukte eine wichtige Rolle gespielt. Es gab einen freieren Umgang mit sonaten-symphonischen und Variationsformen, die Schaffung neuer großer einstimmiger Formen - Sonate, Konzert, symphonische Dichtung, die Verwendung spezieller Entwicklungstechniken - Leitmotive, Monothematismus, Vokalrezitation, Färbung.
1. Die Ursprünge der Romantik und ihre Merkmale.
Im Zusammenhang mit der bürgerlichen Revolution in Frankreich änderten sich die Ansichten und Vorstellungen der Menschen. Historische Ereignisse hinterließen ihre Spuren in der Seele aller, die Zeugen revolutionärer Umwälzungen waren. Für Künstler, Schriftsteller und Musiker wurden die Ideen von Gleichheit, Brüderlichkeit und Freiheit eng. Damit endete das Zeitalter der Aufklärung. Aber die neue Gesellschaftsordnung entsprach nicht den Erwartungen dieser Gesellschaft, und die Enttäuschung setzte ein und die Entstehung eines neuen Weltanschauungssystems, der Romantik, wurde unumkehrbar.
Romantik ist ein ideologisches und künstlerische Leitung in der europäischen und amerikanischen spirituellen Kultur des späten 18. - ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die den Klassizismus ablöste. Im Inhalt der Kunst, in der Bewegung des ästhetischen Denkens, im Charakter künstlerische Bilder Es finden tiefgreifende Veränderungen statt.
Im Mittelpunkt der Welt der Romantik steht die Persönlichkeit eines Menschen, der nach völliger innerer Freiheit, nach Vollkommenheit und Erneuerung strebt. Er drückt seine Einstellung zum Leben, zur Welt um ihn herum durch Texte aus emotionale Erfahrungen und Gefühle. Die Lyrik künstlerischer Bilder wurde von der Wende der Kunst beeinflusst, die ihre Entwicklung, ihre Verbindungen zur Vergangenheit und ihre Bewegung in die Zukunft richtete.
Die Grundlage der Romantik war das Konzept der Dualität (die Welt der Träume und die reale Welt). Die auch für frühere Strömungen charakteristische Diskrepanz zwischen Ideal und Wirklichkeit gewinnt in der Romantik eine außerordentliche Schärfe und Spannung.
Die Hauptaufgabe der Romantik war das Bild der inneren Welt, geistiges Leben. Mit der Romantik beginnt der echte Psychologismus zu erscheinen. Zurückhaltung und Demut wurden abgelehnt, sie wurden ersetzt starke Emotionen oft bis zum Äußersten. Bei den Romantikern war die menschliche Psychologie mystisch gekleidet, sie wurde dominiert von Momenten des Irrationalen, Obskuren, Mysteriösen.
Romantiker wandten sich den mysteriösen, mysteriösen, sogar schrecklichen Volksglauben und Märchen zu. Ablehnen Alltagsleben moderne zivilisierte Gesellschaft als farblos und prosaisch, Romantiker strebten nach allem Ungewöhnlichen. Sie wurden von Fantasy, Volkslegenden und Volkskunst im Allgemeinen angezogen.
Der Held der Romantik ist vor allem ein individualistischer Übermensch. Ein Mensch ist für Romantiker ein kleines Universum, ein Mikrokosmos. Ein intensives Interesse an starken und lebendigen Gefühlen, alles verzehrenden Leidenschaften, an den geheimen Bewegungen der Seele, an ihrer "Nachtseite", ein Verlangen nach dem Intuitiven und dem Unbewussten sind die wesentlichen Merkmale romantischer Kunst.
2. Romantik in der Musik.
Im zweiten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts erschien die musikalische Romantik, die unter dem Einfluss von entstand Literarische Kunst. Es war ein historisch neues Phänomen, obwohl tiefe Verbindungen zu musikalischen "Klassikern" gefunden wurden. Wenn man die Werke romantischer Komponisten studiert und aufführt, kann man die Erhebung der spirituellen Struktur und die Erhabenheit der Gefühle, den dramatischen Kontrast, das tiefe Pathos und die aufrichtige Lyrik spüren.
Die Begründer der Ära der Romantik sind solche Komponisten wie: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. In mehr Spätzeit der musikalische "Impressionismus" von Debussy, Ravel, Skrjabin war geboren.
Klavierminiaturen von Schubert, „Lieder ohne Worte“ von Mendelssohn, Klavierzyklen, Nocturnes, Schumanns Präludien, Chopins Balladen - all dieser Reichtum hat alte Gattungen und Formen transformiert, ist in die musikalischen Schatzkammern der Welt eingegangen und hat in der klassischen Musik Bedeutung erlangt.
Den dominierenden Platz nimmt das Thema Liebe ein, es ist dieser Geisteszustand, der alle Tiefen und Nuancen am umfassendsten und vollständigsten widerspiegelt menschliche Psyche. Die Liebe eines Menschen zu seiner Heimat, zu seinem Vaterland, zu seinem Volk zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk aller romantischen Komponisten.
Romantiker haben ein Naturbild, das eng und untrennbar mit dem Thema eines lyrischen Geständnisses verwoben ist. Wie die Bilder der Liebe verkörpert das Bild der Natur den Geisteszustand des Helden, der so oft von einem Gefühl der Disharmonie mit der Realität geprägt ist.
Das Thema Science-Fiction konkurriert oft mit den Bildern der Natur, und dies wird durch den Wunsch erzeugt, der Gefangenschaft zu entkommen. wahres Leben. Unter den Komponisten der romantischen Schule erhalten fabelhafte, fantastische Bilder eine national einzigartige Färbung. Chopins Balladen sind inspiriert von den Balladen von Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn, schaffen Werke mit einem fantastischen grotesken Plan, symbolisieren sozusagen die falsche Seite des Glaubens und streben danach, die Ideen der Angst vor den Mächten des Bösen umzukehren.
Die Spätzeit des Lebens und Schaffens des letzten großen klassischen Komponisten Ludwig van Beethoven fiel mit der Blütezeit des Schaffens des ersten großen romantischen Komponisten Franz Schubert zusammen. Diese bedeutsame Koinzidenz zeugt von der engen Verbindung zwischen klassischer und romantischer Musikkunst. Trotz der Kontinuität zwischen diesen beiden Erbe gibt es wichtige Unterschiede, die typisch für die Beziehung zwischen den Werken klassischer und romantischer Komponisten sind. Der Hauptunterschied besteht in der besonderen Betonung der romantischen Musik auf der Verkörperung lyrisch-verträumter und erregter lyrisch-pathetischer Bilder und Stimmungen.
Komponisten der Romantik begannen, großes Interesse an der nationalen Identität der einheimischen Musik sowie an der Musik anderer Völker zu zeigen. In diesem Zusammenhang begann ein sorgfältiges Studium der volksmusikalischen Kreativität - der musikalischen Folklore. Gleichzeitig nahm das Interesse an der nationalen historischen Vergangenheit, an alten Legenden, Erzählungen und Traditionen zu, was zur Grundlage für die Entstehung von Faszination wurde fantastische Bilder. Die Beherrschung neuer Themen und Bilder, romantische Musik erhöhte die Interaktion mit romantische Poesie Und romantisches Theater. Dies bestimmte im 19. Jahrhundert die Hochblüte der romantischen Oper – einer Gattung, in der eine Synthese aller Kunstgattungen stattfindet. Einer der Hellsten romantische Opern - « magischer Shooter» Deutscher Komponist Carl Maria von Weber.
romantisch Musikalische Kunst brachte viele hervorragende Komponisten hervor, die oft auch wunderbare Konzertkünstler waren.
3. Stilistische Merkmale der Epoche der Romantik im Klavierwerk.
Im Musikstil der Romantik nehmen modale und harmonische Mittel eine sehr wichtige Rolle ein. Der erste dieser Prozesse – Dynamik – ist die Sättigung von Akkorden in Stücken mit Veränderungen und Dissonanzen, die ihre Instabilität verschlimmerten, die Spannung erhöhten, die Auflösung im weiteren Spiel erforderte. Solche Eigenschaften der Aufführung von Werken romantischer Komponisten drückten sich in der für diesen Stil typischen „Müdigkeit“ aus, dem Strom „unendlich“ sich entwickelnder Gefühle, der sich in besonderer Vollständigkeit in den Werken von Chopin, Schumann, Grieg verkörperte. Eine Vielzahl von Farben, Farbigkeit des Klangs wurde extrahiert natürliche Modi, mit deren Hilfe der volkstümliche oder archaische Charakter der Musik betont wurde. Bei der Darstellung fantastischer, fabelhafter oder bizarrer Bilder spielten Ganzton- und Farbskalen eine große Rolle.
In der romantischen Melodik wirkten folgende Tendenzen: der Wunsch nach Weite und die Kontinuität der Phrasierungsentwicklung. Viele Komponisten der Romantik haben „endlose Melodien“ mit riesigen Mehrtaktligen in ihren Werken. Besonders deutlich wird dies in den Werken von Chopin, Tschaikowsky, frühe Periode 80er - 90er Rachmaninov ("Elegy", "Melody", "Romance", "Serenade" und seine anderen Werke).
Von großer Bedeutung beim Kennenlernen der Musik romantischer Komponisten ist die Klangerzeugung, das „Stilgefühl“, hier ist es sehr wichtig zu beachten, dass es bei der Arbeit an der Phrasierung in einem bestimmten Stück notwendig ist, dass die Phrasen einander aufgreifen , klammern sich aneinander und bilden Girlanden, aber zusammen damit überlappen sie sich nicht.
Sprechen über Stilmerkmale Klavieraufführungen von Musikwerken romantischer Komponisten, Professor des Leningrader Konservatoriums V.Kh.
Erforderlich in der Ausführung lyrische Werke Fühle den Atem, er kann durch Berührung gefühlt werden: voller Lufthintergrund, atmender Bass, präzises Pedal.
Zu den stilistischen Merkmalen der Musik von F. Chopin sagte Liszt: „Seine Musik ähnelt einer Windenblume, die ihre Blütenkronen auf einem ungewöhnlich dünnen Stiel schüttelt. Diese Blütenkronen von außergewöhnlicher Schönheit bestehen aus einem so duftenden und zarten Stoff, dass sie bricht bei der kleinsten Berührung."Chopin ist die "Spitze" darstellende Künste Zeitalter der Romantik.
Erfüllend Musikalische WerkeÄra der Romantik muss daran erinnert werden, dass es notwendig ist, um den gewünschten "Klang" - samtig und überirdisch - zu erreichen spezielles Geschenk harte Arbeit und Sinn für Stil. Wie Neuhaus sagte: „Klang ist eine heilige Sache, pflege den Klang wie Gold, wie ein Juwel, er wird in einer Vorschallatmosphäre geboren, seine Geburt ist ein Sakrament, es ist sehr wichtig, das notwendige „Klangmaß“ zu finden.
Zum Vorschein kommen Melodien. Die Melodie wird intonatorisch und kompositorisch aktualisiert. Zwei erscheinen verschiedene Quellen Intonationserneuerung: Folklore und Sprachintonationen. Was von der klassischen Norm abweicht, fällt zunächst einmal auf. Die Klassiker hatten Rezitation (Oratorium), aber die Romantiker hatten es intimer, lyrischer, offener, emotionaler.
5. Der Einfluss des romantischen Stils auf das Klavierwerk von F. Liszt.
Liszt ist wie ein Virtuose ein Phänomen unter diesen
die einmal in mehreren Jahrhunderten erscheinen,
schrieb Serow
Im Werk von F. Liszt Klavierwerke bilden den besten Teil seines kreativen Vermächtnisses.
Liszts künstlerische Persönlichkeiten als Pianist und Komponist verbanden sich, um neue Wege in der Musikkunst zu eröffnen.
Dem Klavier vertraute er all seine Gedanken, Träume, Leiden und Freuden an. Und so fand Liszt vor allem im Bereich der Klaviermusik neue Kompositionsmethoden und Ausdrucksmittel.
F. Liszt war ein brillanter Pianist und konnte mit seiner Darbietung tausende Zuhörer überzeugen und fesseln. In gleicher Weise erreichte er in der Kompositionspraxis eine erleichterte und verständliche Darstellung musikalischer Gedanken. Andererseits aktualisierte er als ein unablässig suchender Künstler, der mit einem brillanten kreativen Flair ausgestattet war, die gesamte Struktur und den Charakter des Klavierklangs und machte ihn, wie Stasov es treffend formulierte, zu „einem unbekannten und unerhörten Ding – einem ganzen Orchester ."
Der Komponist führte die symphonische Interpretation des Klaviers in die moderne Performance und Kreativität ein. In seinen Entwicklungen erzielte er einen kraftvollen Orchesterklang des Instruments und bereicherte ihn mit koloristischen Möglichkeiten. In einem der Briefe wies Liszt darauf hin, dass sein Ziel darin bestand, „... den Geist des Pianisten-Interpreten mit Orchestereffekten zu verbinden und innerhalb der begrenzten Grenzen des Klaviers verschiedene Instrumentalstücke sensibel zu machen Soundeffekte und Schattierungen. Liszt erreichte dies, indem er die Klavierwerke mit Klangfarben und melodischem Warenhaus sättigte. In Liszts Klavierstücken finden sich oft Autorenangaben – quasi tromba (wie eine Trompete), quasi flauto (wie eine Flöte) etc., Nachahmung des Cellos (zum Beispiel in Oberman’s Valley), Hörner (die Etüde „Hunt“ ), Glocken ("Genfer Glocken"), Orgel usw. Liszt erweiterte die Ausdrucksmöglichkeiten des Pianismus in den Vordergrund und brachte die Kraft, Brillanz und Brillanz des Klangs zum Vorschein.
F. Liszt entdeckte neue Methoden der Klaviertechnik. Er versuchte, alle Register des Klaviers zu nutzen: Er verwendete Bässe, die saftig und tief klangen, er verlegte die Melodie in das mittlere, „Cello“-Register, und im oberen Register offenbarte er einen transparenten, glasklaren Klang. Beim Vergleich von Registern verwendete der Komponist Passagen, er sättigte sie mit Akkordkomplexen in einem weiten Arrangement. Liszt machte ausgiebig Gebrauch von orchestralen Tremolo-Effekten, akkordischen Trillern oder Martellato-Oktaven, um dramatische oder dynamische Momente prominenter und eingängiger zu vermitteln. Besonderes Augenmerk legte er auf die Verteilung des Klangmaterials zwischen den beiden Händen, deren Übertragung und Übertragung auf verschiedene Register des Klaviers. Unter anderen Lieblingstechniken von Liszt sind Passagen in Oktaven, Doppelnoten, meisterhaft eingesetzte Probentechnik. Diese Techniken beeinflussten die Entwicklung der vielschichtigen Textur von Liszts Werken. Ihre Entwicklung ist wie in Orchesterkompositionen in mehreren Dynamik- und Farbplänen angegeben.
Als großer Reformer des Klavierspiels lehrte Liszt die Pianisten, „sich daran zu gewöhnen, Akzente zu setzen und Motive zu gruppieren, Wichtigeres hervorzuheben und Unwichtiges unterzuordnen, mit einem Wort, sich selbst den Maßstab des Orchesters zu setzen. ”
Die Merkmale von Liszts Klavierstil wurden nicht sofort geformt, sie können in vier Stufen unterteilt werden. Die erste Stufe (20er – Mitte der 30er Jahre) ist mit dem Studium der Möglichkeiten des Klaviers verbunden, mit der Nachahmung der bravourösen Manier moderner Virtuosen, in der zweiten (Ende der 30er – 40er Jahre) entwickelt Liszt einen individuellen Stil, der seinen bereichert Technik u musikalische Sprache die neuesten Errungenschaften romantischer Komponisten (Paganini, Berlioz, Chopin). Die dritte Stufe (späte 40er – 60er Jahre) – die Krönung von Liszts Kunstfertigkeit – ist gekennzeichnet durch die Berechtigung aller technischen Methoden durch die Anforderungen an Ausdruckskraft und Gehalt, das Fehlen virtuoser „Exzesse“, die vierte Stufe (70er–80er Jahre) ist geprägt von neuen quests: die verwerfung monumentaler ideen, die suche nach kammerklang, subtiler farbgebung.
Die Tradition des "Listov"-Konzertpianismus wurde in der Kunst von A.G. Rubinstein, A. Siloti und besonders S. Rachmaninov.
Abschluss.
Romantik als Methode und Richtung in der Kunst war ein komplexes und umstrittenes Phänomen. In jedem Land hatte er einen hellen Nationalausdruck. Es ist nicht einfach, Merkmale in Literatur, Musik, Malerei und Theater zu finden, die Chateaubriand und Delacroix, Mickiewicz und Chopin, Lermontov und Kiprensky vereinen.
ZU kritische Bereiche Zu den Werken romantischer Komponisten gehören: Lyrik, Fantasie, Originalität in der Aufführung charakteristischer nationaler Motive (Beispiel E. Grieg). Beginnend mit Schubert und Weber bezogen die Komponisten in die gemeinsame europäische Musiksprache die intonatorischen Wendungen der alten, überwiegend bäuerlichen Folklore ihrer Länder ein.
Der neue Inhalt der Musik erforderte Neues Ausdrucksmittel. Dies ist vor allem ein enormer melodischer Reichtum sowie der melodische Reichtum einer entwickelten strukturellen Präsentation, die erhöhte Komplexität und Farbigkeit der harmonischen Sprache.
Referenzliste.
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Ende des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts entstand eine künstlerische Bewegung wie die Romantik. In dieser Zeit träumten die Menschen davon ideale Welt und "fliehen" in der Fantasie. Seine lebendigste und figurativste Verkörperung fand dieser Stil in der Musik. Unter den Vertretern der Romantik sind Komponisten des 19. Jahrhunderts wie Carl Weber,
Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt und Richard Wagner.
Franz Liszt
Die Zukunft wurde in der Familie eines Cellisten geboren. Sein Vater brachte ihm Musik bei frühe Jahre. Als Kind sang er in einem Chor und lernte Orgel spielen. Als Franz 12 Jahre alt war, zog seine Familie nach Paris, damit der Junge Musik studieren konnte. Am Konservatorium wurde er jedoch nicht aufgenommen, seit seinem 14. Lebensjahr komponiert er Skizzen. Ein solches 19. Jahrhundert wie Berlioz, Paganini, hatte einen großen Einfluss auf ihn.
Paganini wurde Liszts wahres Idol, und er beschloss, seine eigenen Klavierkünste zu verbessern. Die Konzerttätigkeit von 1839-1847 war von einem glänzenden Triumph begleitet. In diesen Jahren schuf Ferenc die berühmte Theaterstücksammlung „Years of Wanderings“. Ein Virtuose des Klavierspiels und Publikumsliebling ist zu einer wahren Verkörperung der Epoche geworden.
Franz Liszt komponierte Musik, schrieb mehrere Bücher, unterrichtete, leitete offenen Unterricht. Komponisten des 19. Jahrhunderts aus ganz Europa kamen zu ihm. Wir können sagen, dass er sich fast sein ganzes Leben lang mit Musik beschäftigt hat, weil er 60 Jahre lang gearbeitet hat. Und das bis heute musikalisches Talent und handwerkliches Können sind ein Vorbild für zeitgenössische Pianisten.
Richard Wagner
Das Genie schuf Musik, die niemanden gleichgültig lassen konnte. Sie hatte sowohl Bewunderer als auch erbitterte Gegner. Wagner war seit seiner Kindheit vom Theater fasziniert, und im Alter von 15 Jahren beschloss er, mit Musik eine Tragödie zu schaffen. Mit 16 Jahren brachte er seine Kompositionen nach Paris.
3 Jahre lang versuchte er vergeblich, eine Oper zu inszenieren, aber niemand wollte sich mit einem unbekannten Musiker auseinandersetzen. Solch beliebte Komponisten Das 19. Jahrhundert wie Franz Liszt und Berlioz, die er in Paris kennengelernt hat, bringen ihm kein Glück. Er lebt in Armut und niemand will seine musikalischen Ideen unterstützen.
Nach dem Scheitern in Frankreich kehrt der Komponist nach Dresden zurück, wo er als Dirigent am Hoftheater zu arbeiten beginnt. 1848 emigrierte er in die Schweiz, weil er nach seiner Teilnahme am Aufstand zum Verbrecher erklärt wurde. Wagner war sich der Unvollkommenheit der bürgerlichen Gesellschaft und der abhängigen Stellung des Künstlers bewusst.
1859 sang er die Liebe in der Oper Tristan und Isolde. In Parsifal wird die universale Brüderlichkeit utopisch dargestellt. Das Böse wird besiegt, und Gerechtigkeit und Weisheit gewinnen. Alle großen Komponisten des 19. Jahrhunderts wurden von Wagners Musik beeinflusst und lernten aus seinem Werk.
Im 19. Jahrhundert wurde in Russland eine nationale Kompositions- und Aufführungsschule gegründet. Es gibt zwei Perioden in der russischen Musik: frühe Romantik und klassisch. Die erste umfasst solche russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts wie A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.
Michail Glinka
Mikhail Glinka gegründet Komponistenschule in unserem Land. Der russische Geist ist in all seinen präsent berühmte Opern, wie "Ruslan und Ljudmila", "Leben für den Zaren" sind von Patriotismus durchdrungen. Glinka zusammengefasst Charakterzüge im Volk musikalische Kreativität, verwendete alte Melodien und Rhythmen Volksmusik. Der Komponist war auch ein Innovator in der musikalischen Dramaturgie. Seine Arbeit ist der Aufstieg der nationalen Kultur.
Russische Komponisten gaben der Welt viele geniale Werke die noch heute die Herzen der Menschen erobern. Unter den brillanten Russen Komponisten des XIX Jahrhundert verewigte Namen wie M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tschaikowsky.
Klassische Musik spiegelt anschaulich und sinnlich die innere Welt eines Menschen wider. Der strenge Rationalismus wurde von der Romantik des 19. Jahrhunderts abgelöst.
I Musik (aus dem Griechischen musike, wörtlich Kunst der Musen) ist eine Kunstform, die die Realität widerspiegelt und durch sinnvolle und speziell organisierte Klangfolgen, die hauptsächlich aus Tönen bestehen, auf den Menschen einwirkt ... ... Groß Sowjetische Enzyklopädie
- (griech. moysikn, von mousa muse) eine Art Anzug, der die Realität widerspiegelt und durch sinnvolle und in Höhe und Zeit speziell organisierte Tonfolgen auf einen Menschen einwirkt, die hauptsächlich aus Tönen bestehen ... ... Enzyklopädie der Musik
Inhalt 1 Historische Aspekte 2 Literatur 2.1 Entstehung 2.2 Realismus ... Wikipedia
Dieser Begriff basiert auf dem Griechischen ή μουσική (impliziert τέχνη Kunst), dh die Kunst der Musen (hauptsächlich die Göttinnen des Singens und Tanzens). Später erhielt es bei den Griechen eine weitere Bedeutung, im Sinne der harmonischen Entwicklung des Geistes im Allgemeinen, und bei uns wieder ... ... Enzyklopädisches Wörterbuch F. Brockhaus und I.A. Efron
SPIRITUELLE MUSIK- Musik. Werke Christi. Inhalte, die nicht dazu bestimmt sind, während des Gottesdienstes aufgeführt zu werden. D. m. steht oft der weltlichen Musik gegenüber, und in diesem Sinne werden mitunter verschiedenste Phänomene aus der liturgischen Musik auf diesen Bereich bezogen ... ... Orthodoxe Enzyklopädie
Die Wurzeln von N. m reichen bis in die Antike zurück. Archäologische Daten. Studien weisen auf die Existenz anderer Keime hin. Stämme verschiedener Arten von Geistern. Werkzeugen (lurs) geht die Herstellung von Krykh auf die Bronzezeit zurück. Zündete. und historisch ... ... Enzyklopädie der Musik
Merkmale der Musenbildung. US-Kultur, die in con begann. 17. Jahrhundert, waren maßgeblich von der kolonialen Art der Entwicklung des Landes bestimmt. Nach Amer übertragen. der Boden der Musik die Traditionen Europas, Afrikas, später Asiens wurden assimiliert und interagieren, ... ... Enzyklopädie der Musik
Die Ursprünge von R. m. gehen auf die Arbeit des Ostens zurück. Ruhm. Stämme, die das Gebiet von Dr. Rus' vor der Entstehung im 9. Jahrhundert. der erste Russe geht va. UM alte Arten Ost Ruhm. Musik kann hypothetisch von otd beurteilt werden. historisch Beweis... ... Enzyklopädie der Musik
Die Ursprünge von F. m. gehen auf die Folklore der keltischen, gallischen und fränkischen Stämme zurück, die in der Antike auf dem Gebiet des heutigen Frankreichs lebten. Nar. Die Liedkunst sowie die gallo-römische Kultur wurden zur Grundlage für die Entwicklung von F. m. Ancient lit. Und… … Enzyklopädie der Musik
Das romantische Weltbild ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Traum gekennzeichnet. Die Wirklichkeit ist niedrig und seelenlos, sie ist durchdrungen vom Geiste des Spießbürgertums, des Spießbürgertums und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber für den Verstand unerreichbares und unbegreifliches.
Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, „das Leben des Herzens“, gegenüber. Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele bilden als der Verstand. „Der Künstler appelliert an das Gefühl, nicht an die Vernunft“, so Wagner. Und Schumann sagte: "Der Verstand irrt, Gefühle - niemals." Es ist kein Zufall, dass die Musik zur idealen Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Besonderheit die Bewegungen der Seele am vollständigsten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik in der Ära der Romantik, die eine führende Stellung im System der Künste einnahm.
Wenn in Literatur und Malerei romantische Richtung schließt seine Entwicklung im Grunde in der Mitte ab 19. Jahrhundert dann Leben musikalische Romantik viel länger in Europa. Die musikalische Romantik als Strömung entstand zu Beginn des 19. Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Erste Stufe die musikalische Romantik ist vertreten durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini; die nachfolgende Phase (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi.
Die Spätphase der Romantik reicht bis spätes XIX Jahrhundert.
Das Problem der Persönlichkeit wird als Hauptproblem der romantischen Musik in einem neuen Licht - in ihrem Konflikt mit der Außenwelt - dargestellt. romantischer Held für immer allein. Das Thema Einsamkeit ist vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Oft wird damit der Gedanke an verbunden kreative Persönlichkeit: ein Mensch ist einsam, wenn er gerade ein herausragender, begabter Mensch ist. Der Künstler, Dichter, Musiker sind die Lieblingshelden in den Werken der Romantik („Die Liebe des Dichters“ von Schumann, „Fantastische Sinfonie“ von Berlioz mit dem Untertitel „Eine Episode aus dem Leben eines Künstlers“, Liszts symphonische Dichtung „Tasso“).
Der romantischen Musik innewohnend ist ein tiefes Interesse an menschliche Persönlichkeit in der Dominanz eines persönlichen Tons darin ausgedrückt. Die Enthüllung eines persönlichen Dramas erhielt bei den Romantikern oft einen Hauch von Autobiographie, was der Musik eine besondere Aufrichtigkeit verlieh. So sind beispielsweise viele von Schumanns Klavierwerken mit der Geschichte seiner Liebe zu Clara Wieck verbunden. Autobiographischer Charakter Wagner betonte seine Opern auf jede erdenkliche Weise.
Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel - die Texte erhalten eine dominante Position, in der Bilder der Liebe vorherrschen.
Das Thema Natur ist sehr oft mit dem Thema „lyrische Beichte“ verwoben. Resonanz mit Geisteszustand einer Person, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie gefärbt. Die Entwicklung der Gattung und der lyrisch-epischen Symphonik ist eng mit den Naturbildern verbunden (eines der ersten Werke ist Schuberts „große“ Symphonie in C-Dur).
Die eigentliche Entdeckung romantischer Komponisten war das Thema der Fantasie. Zum ersten Mal hat die Musik gelernt, fabelhaft-phantastische Bilder in einer reinen Form zu verkörpern musikalische Mittel. In den Opern des 17. – 18. Jahrhunderts werden „überirdische“ Gestalten (wie zum Beispiel die Königin der Nacht aus Mozarts „ Zauberflöte“) sprach in der „allgemein akzeptierten“ musikalischen Sprache, die sich wenig vom Hintergrund abhob echte Menschen. Komponisten der Romantik haben gelernt, die Fantasiewelt als etwas ganz Bestimmtes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmonikfarben).
IN der höchste Grad Charakteristisch für die musikalische Romantik ist das Interesse an Volkskunst. Wie die romantischen Dichter, die auf Kosten der Folklore bereichert und aktualisiert haben literarische Sprache, Musiker wandten sich weithin der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, episch. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert.
Der wichtigste PunktÄsthetik der musikalischen Romantik war die Idee eines Gesamtkunstwerks, die ihren lebendigsten Ausdruck fand Oper Wagner und in der Programmmusik von Berlioz, Schumann, Liszt.
Hektor Berlioz. "Fantastische Symphonie" - 1. Träume, Leidenschaften...
Robert Schumann - "Im Glanz ...", "Ich treffe den Blick ...."
Aus dem Vokalzyklus „Poetenliebe“
Robert Schumann Heinrich Heine „Im Glanz warmer Maitage“
Robert Schumann - Heinrich "Ich begegne deinem Blick"
Robert Schumann. "Fantastische Stücke".
Schumann Fantasiestücke, op. 12 Teil 1: Nr. 1 des Abends und Nr. 2 Aufschwung
Blatt. Symphonisches Gedicht"Orpheus"
Frederic Chopin - Präludium Nr. 4 in e-Moll
Frederic Chopin - Nocturne Nr. 20 in cis-Moll
Schubert hat vielen neuen musikalischen Gattungen den Weg geebnet - Improvisation, musikalische Momente, Liederzyklen, lyrisch-dramatische Sinfonie. Aber in welcher Gattung auch immer Schubert geschrieben hat – in traditioneller oder von ihm geschaffener – überall tritt er als Komponist auf neue Ära Zeitalter der Romantik.
Viele Merkmale des neuen romantischen Stils wurden dann in den Werken von Schumann, Chopin, Liszt, russischen Komponisten der zweiten entwickelt Hälfte XIX Jahrhundert.
Franz Schubert. Symphonie C-Dur
Franz Liszt. "Träume der Liebe"
Weber. Jägerchor aus der Oper "Free Shooter"
Franz Schubert. Improvisation Nr. 3
Der Text wird von verschiedenen Seiten zusammengestellt. Zusammengestellt von:Ninel Nick
