Ο Ντμίτρι Βντοβίν από το master class έκανε μια έλξη. Ντμίτρι Βντοβίν - Αναπληρωτής Επικεφαλής της Εταιρείας Όπερας Μπολσόι - Τι ήταν αυτό; Ματαιοδοξία ή τελειομανία

Ο Ντμίτρι Βντοβίν γεννήθηκε στις 17 Απριλίου 1962 στο Αικατερινούπολη. Αποφοίτησε Κρατικό Ινστιτούτοθεατρικές τέχνες στη Μόσχα, και στη συνέχεια σπούδασε στο μεταπτυχιακό σχολείο αυτού του πανεπιστημίου υπό την καθοδήγηση της καθηγήτριας Inna Solovieva ως κριτικός θεάτρου, που δημοσιεύτηκε στη μεγαλύτερη εθνικές εφημερίδεςκαι περιοδικά. Στη συνέχεια, υποβλήθηκε σε επανεκπαίδευση και αποφοίτησε από την Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης V.S. Popov ως τραγουδιστής και δάσκαλος φωνητικής. Από το 1987 έως το 1992 - υπάλληλος υπεύθυνος για εργασία στον τομέα μουσικό θέατροΈνωση θεατρικών μορφών της ΕΣΣΔ.

Εκπαιδεύτηκε ως δάσκαλος φωνητικής στο ECOV - το Ευρωπαϊκό Κέντρο Όπερας και Φωνητικής Τέχνης στο Βέλγιο υπό την καθοδήγηση του επικεφαλής του τμήματος φωνητικής του Ινστιτούτου Μουσικής Curtis στη Φιλαδέλφεια Michael Elaysen. Το 1992, ο Ντμίτρι Βντοβίν έγινε καλλιτεχνικός διευθυντής του Κέντρου Μουσικής και Θεάτρου της Μόσχας, ενός οργανισμού τέχνης που συμμετείχε σε κοινές δημιουργικά έργαμε τα μεγαλύτερα διεθνή θέατρα, φεστιβάλ και μουσικούς οργανισμούς.

Από το 1996, η D.Vdovin συνεργάστηκε με τη σπουδαία Ρωσίδα τραγουδίστρια I.K. Arkhipova ως δασκάλα και επικεφαλής του Θερινού της Σχολείου, συμπαρουσιάστρια της τηλεόρασης και προγράμματα συναυλιών. Από το 1995 - δάσκαλος, από το 2000 έως το 2005 - επικεφαλής του τμήματος φωνητικής του Κρατικού Ιατρικού Πανεπιστημίου Gnessin, το 1999-2001 - δάσκαλος της Μουσικής Ακαδημίας Gnessin, από το 2001 - αναπληρωτής καθηγητής, επικεφαλής του τμήματος σόλο τραγούδιακαδημίες Χορωδιακή τέχνηπήρε το όνομά του από τον V.S. Popov, από το 2008 - Καθηγητής της Αχίας.

Ο D. Vdovin έδωσε master classes σε πολλές πόλεις της Ρωσίας, καθώς και σε ΗΠΑ, Μεξικό, Ιταλία, Λετονία, Γαλλία, Πολωνία, Ελβετία. Ήταν μόνιμος προσκεκλημένος δάσκαλος του Προγράμματος Νεολαίας στη Μεγάλη Όπερα του Χιούστον. Από το 1999 έως το 2009 - καλλιτεχνικός διευθυντής και δάσκαλος της Μόσχας Διεθνές σχολείοφωνητική μαεστρία, η οποία επέτρεψε στους μεγαλύτερους δασκάλους και ειδικούς όπερας από τη Ρωσία, τις ΗΠΑ, την Ιταλία, τη Γερμανία, τη Μεγάλη Βρετανία να έρθουν στη Μόσχα για να δουλέψουν με νέους τραγουδιστές

Μέλος της κριτικής επιτροπής πολλών διάσημων φωνητικών διαγωνισμών - του Διεθνούς Διαγωνισμού Glinka, 1ος και 2ος Πανρωσικός μουσικούς διαγωνισμούς, ο διεθνής διαγωνισμός Le voci verdiane στο Busseto, ο διεθνής διαγωνισμός φωνητικών Viotti και Pavarotti στο Vercelli, AsLiCo στο Κόμο, Διεθνείς αγώνεςστο Παρίσι και το Μπορντό, Competizione dell'opera Italiana στο Θέατρο Μπολσόι, ο Διεθνής Διαγωνισμός στο Μόντρεαλ, ο διαγωνισμός του τηλεοπτικού καναλιού "Culture" "Big Opera", ο φωνητικός διαγωνισμός στη Σμύρνη, οι Διεθνείς Διαγωνισμοί Moniuszko στη Βαρσοβία, "Die Meistersinger von Nürnberg» στη Νυρεμβέργη, Όπερα της Τενερίφης στην Ισπανία.

Από το 2009 - ένας από τους ιδρυτές και καλλιτεχνικός διευθυντήςΠρόγραμμα Όπερας Νέων του Θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας. Από το 2015 - προσκεκλημένος δάσκαλος του Διεθνούς στούντιο όπεραςΌπερα Ζυρίχης. Master classes στη Metropolitan Opera της Νέας Υόρκης.

Μουσικός σύμβουλος για την ταινία του Pavel Lungin " Βασίλισσα των Μπαστούνι". Επίσης, ο D.Yu. Vdovin ήταν ο αναπληρωτής διευθυντής δημιουργικές ομάδεςΌπερα του Θεάτρου Μπολσόι.

Ο γνωστός δάσκαλος φωνητικής, επικεφαλής του προγράμματος για τη νεολαία του θεάτρου Μπολσόι Ντμίτρι Βντοβίν πραγματοποίησε ένα διαδραστικό master class στο Winter International μουσικό φεστιβάλΟ Γιούρι Μπασμέτ στο Σότσι.

Όταν οδηγούσα εδώ, δεν ήμουν σίγουρος ότι κάποιος κατά τη διάρκεια των Ολυμπιακών Αγώνων θα ενδιαφερόταν για το master class ενός δασκάλου φωνητικής, - παραδέχτηκε αμέσως ο Vdovin. - Μα έχετε μαζευτεί, που σημαίνει ότι υπάρχει ενδιαφέρον για τη μουσική ακόμα και στους Ολυμπιακούς Αγώνες. Δουλεύουμε με τη φωνή, και αυτό δεν είναι ένα όργανο που μπορεί να καθαριστεί με ένα κουρέλι και να τεθεί σε μια γωνία. Αυτή είναι η όλη πολυπλοκότητα της δουλειάς μας.

Ένα χαρακτηριστικό των master classes στα φεστιβάλ του Yuri Bashmet είναι η γεωγραφία. Χάρη στη συνεργασία με την εταιρεία Rostelecom, ο δάσκαλος που ήρθε στο φεστιβάλ διεξάγει ένα master class σε πολλές πόλεις ταυτόχρονα. Στις αίθουσες μουσικά σχολείαΕγκαθίστανται κιτ βίντεο, ο ήχος και η εικόνα εισέρχονται χωρίς καθυστέρηση στην αίθουσα οργάνων της Φιλαρμονικής του Σότσι. Αυτή τη φορά παρακολούθησαν το master class και, κυρίως, συμμετείχαν το Rostov, το Yekaterinburg, η Samara και το Novosibirsk.

Αλλά ξεκίνησαν το ίδιο με το Σότσι. Πρώτος στη σκηνή τόλμησε να ανέβει ο David Chikradze, μαθητής 2ου έτους της Σχολής Τεχνών του Σότσι, ο οποίος τραγούδησε στον διάσημο δάσκαλο μια άρια από τον Handel, το δεύτερο ειδύλλιο του Δαίμονα.

Έχεις έναν όμορφο βαρύτονο, αλλά για δημόσια παράσταση επέλεξαν ένα κομμάτι όπου έπρεπε να ξεπεράσεις το φάσμα. Αλλά πρώτα, μια σημαντική σημείωση. Ερχόμενοι στο master class, θα πρέπει να έχετε τρία σετ σημειώσεων - ένα για τον συνοδό, ένα άλλο για τον δάσκαλο και το τρίτο για τον εαυτό σας. Γιατί για τον εαυτό σου; Επειδή ανησυχείτε και πιθανότατα θα ξεχάσετε πολλά από όσα ειπώθηκαν, επομένως πρέπει να σημειώσετε στο αντίγραφό σας.

Ιδιαίτερα αυστηρά ο Ντμίτρι Βντοβίν επέπληξε τους νέους καλλιτέχνες για ασαφή ή λανθασμένη προφορά - τόσο ρωσικά όσο και ιταλικά.

Η προφορά είναι πολύ σημαντική. Συχνά πρέπει να τραγουδήσετε στα ιταλικά, επιπλέον, αρκετές εκατοντάδες εκατομμύρια άνθρωποι μιλούν αυτή τη γλώσσα. Η σωστή προφορά θα σας δώσει το κλειδί για την απόδοση, ακούστε την ομορφιά της προφοράς των φράσεων από τους Ιταλούς!

Μια άλλη ιδιότητα που ο Vdovin δεν αγνόησε είναι η οργανική φύση του τραγουδιστή.

Το τραγούδι πρέπει να είναι αυθόρμητο, φυσικό. Όπως είπε ο Όσκαρ Ουάιλντ, το πιο δύσκολο πράγμα είναι να είσαι φυσικός. Έτσι για το τραγούδι, το κύριο πράγμα είναι να παραμείνει φυσικό. Τώρα στον ρόλο της όπερας σκηνοθέτης θεάτρουέχει γίνει πιο σημαντικό, οι καλλιτέχνες της όπερας πρέπει να δουλέψουν σκληρά πάνω στις εικόνες και η φυσικότητα είναι ο πιο σημαντικός βοηθός του ρόλου. Τραγουδήστε με μεγάλη αίσθηση απόλαυσης - απολαύστε τον όμορφο ήχο που πετάει.

Και ο δάσκαλος θύμισε στον βαρύτονο Ντέιβιντ:

Ο Handel δεν έχει μέρη για βαρύτονες· οι ίδιοι οι βαρύτονοι εμφανίστηκαν μόλις τον 19ο αιώνα. Αυτήν την άρια θα την αφήσουμε στους τενόρους και τους κόντρα-τενόρους και εσείς θα αναζητήσετε κάτι πιο κατάλληλο για τη φωνή σας.

Η επόμενη ακρόαση ήταν ένα 12χρονο αγόρι από τη Σαμάρα, ο Valery Makarov, ο οποίος έδειξε ένα όμορφο τρεμπλ πέρα ​​από τα χρόνια του.

Έχεις όμορφη φωνή και μουσικότητα, και αυτό είναι σημαντικό. Ξεχωριστοί ειδικοί εργάζονται με παιδιά, δεν το κάνω αυτό, αλλά θα πω μερικές σκέψεις. Αυτό είναι ένα γλυκό τραγούδι! Όχι εκείνο όπου πρέπει να δείξεις τη δύναμη της φωνής, την πίεση. Μόλις περάσατε στα απαλά χρώματα, φάνηκε αμέσως για τι τραγουδούσατε. Τι λέει αυτό το τραγούδι? Ο ήρωας του τραγουδιού έχει μια γριά μητέρα, και της τραγουδάει ότι σίγουρα θα επιστρέψει κοντά της και θα την αγκαλιάσει. Έχετε νεαρή μητέρα;

Ναί! απάντησε χωρίς δισταγμό η Βαλέρα.

Και ο ήρωας αυτού του τραγουδιού είναι ήδη μεγάλος. Και όσο για την προφορά. Υπάρχουν λέξεις στα ιταλικά που προφέρονται όπως "mamma" και "mama" - έχουν διαφορετικές έννοιες- «μαμά» και «σ’ αγαπώ», αντίστοιχα. Σε αυτό το τραγούδι - "μαμά". Προσπαθήστε να τραγουδάτε πιο ψυχικά. Έχετε ένα όμορφο ηχόχρωμο - και η χροιά είναι το πιο όμορφο πράγμα στη φωνή.

Με υπερβολική πίεση τραγούδησε άλλος εκπρόσωπος από τη Σαμαρά. Ο Vdovin άρχισε να εξηγεί για τη λιτότητα στα οπτικά μέσα.

Πριν σηκώσετε τη μελωδία, η φωνή καλύπτεται. Το εξώφυλλο δεν είναι για να σπρώξει τη φωνή πίσω και κάτω, αλλά για να γίνει πιο φωτεινή! Πρέπει να τραγουδάς περισσότερο μουσικά. Όταν βγαίνει ένας νέος, φυσικά, όλοι περιμένουν μια φωνή, αλλά ακόμα περισσότερο - περιμένουν ταλέντο. Οι ψήφοι είναι πολλές. Αλλά συμβαίνει ότι η φωνή είναι μικρή, αλλά όλοι λένε - πώς τραγουδά! Δώστε προσοχή στην παρουσίαση του ίδιου του υλικού.

Το Novosibirsk παρουσίασε η 18χρονη Irina Kolchuganova, τραγουδώντας απαλά και δειλά την άρια της Gilda από τον Rigoletto του Verdi. Η Vdovin επέστησε την προσοχή στο πώς ονόμασε το έργο.

Όταν ανακοινώνετε ποια άρια θα τραγουδήσετε, προσθέστε πάντα τις πρώτες λέξεις της άριας στον τίτλο - και όλοι οι ακροατές από διαφορετικές χώρες θα καταλάβουν τι ακριβώς πρόκειται να τραγουδήσετε.

Τραγουδάς σιγανά. Το πρόβλημα με τους τραγουδιστές μας, τους οποίους ακούω στις ακροάσεις στο Θέατρο Μπολσόι και σε διαγωνισμούς, είναι ότι δεν εκτιμούν την τρυφερότητα. Οι ερμηνευτές θέλουν αμέσως επιθετικότητα, μια δυνατή παράδοση, προσπαθούν να τραγουδήσουν εκείνα τα μέρη που είναι γραμμένα για τραγουδιστές ενός ισχυρότερου μηχανήματος. Και η τρυφερότητα - αγγίζει τους ακροατές από την καρδιά. Αποθηκεύστε αυτήν την τρυφερότητα, την ευθραυστότητα στον εαυτό σας - κάντε το πλεονέκτημά σας.

Ο Vdovin έδωσε άλλη μια πολύτιμη συμβουλή σχετικά με την ικανότητα παρουσίασης υλικού.

Ένα άλλο όνομα αυτής της άριας είναι "The Story". Πρέπει να δείτε το άτομο στο οποίο λέτε αυτήν την ιστορία, και είναι σε εκείνον να πει την άρια. Η Gilda λέει πώς έφυγε κρυφά πίσω από τον αγαπημένο της - καλά, δεν μπορείς να τραγουδήσεις forte εδώ! Όλοι ξέρουν πώς είναι με την πρώτη αγάπη -το κρυφό, αυτό είναι ένα ιδιαίτερο συναίσθημα- και πρέπει να το δείξει στον ακροατή.

Ο Ροστόφ ήταν επόμενος στη μετάδοση βίντεο. Ο 21χρονος βαρύτονος Vadim Popechuk τραγούδησε εξαιρετικά συναισθηματικά τον Leoncavallo. Πρώτα απ 'όλα, ο Vdovin επέστησε την προσοχή στο βροντερό χειροκρότημα στην αίθουσα του Μουσικού Κολλεγίου του Ροστόφ.

Ο καλλιτέχνης είναι τόσο δύσκολο επάγγελμα που πρέπει να τον στηρίξεις και - να παλαμάκια! Συχνά πολλοί ειδικοί κάθονται στην αίθουσα του θεάτρου Μπολσόι για οντισιόν, αλλά ο καλλιτέχνης τραγούδησε - και κανείς δεν χειροκρότησε. κάτω από την αξιοπρέπειά τους. Και πρέπει να χειροκροτήσεις!

Σχετικά με την παράσταση του Βαντίμ, ο δάσκαλος είπε αυτό:

21 χρόνια δεν είναι αρκετά για έναν βαρύτονο. Aria που γράφτηκε για πλήρης φωνή, ένας ώριμος βαρύτονος. Ο Leoncavallo έχει ήδη πολλά συναισθήματα και δεν χρειάζεται να στηρίζεστε σε συναισθήματα, μείνετε legato, διαφορετικά δεν εμφανίζεται ιταλικός, αλλά τσιγγάνικος τόνος.

Ακολουθώντας ο Ντμίτρι Βντοβίν διατύπωσε ένα άλλο σημαντικό αξίωμα:

Το επάγγελμά μας σχετίζεται με τα μαθηματικά, παραδόξως. Πρέπει να υπολογίσεις κάθε ξεκούραση, κάθε νότα, τη διάρκεια κάθε φερματά. Για τι? Για να μολυνθεί το κοινό με τα συναισθήματά σας στις προτεινόμενες συνθήκες, αυτό είναι σημαντικό - είμαστε στο θέατρο. Ο τραγουδιστής πρέπει να γνωρίζει εκ των προτέρων ακριβώς τη διάρκεια κάθε νότας, να ξέρει πότε θα εισπνεύσει, - να υπολογίσει τα πάντα στο χιλιοστό του δευτερολέπτου.

Και τότε άρχισε η πραγματική έλξη. Στην αίθουσα, ο Βντοβίν παρατήρησε τον βαρύτονο Αντρέι Ζιλιχόφσκι, ο οποίος συμμετέχει στο Πρόγραμμα Νέων του Θεάτρου Μπολσόι υπό την επίβλεψή του, και ήρθε στο Σότσι για να τραγουδήσει στην παραγωγή του Γιούρι Μπασμέτ του Ευγένιου Ονέγκιν. Και ο Andrei Zhilikhovsky προσκλήθηκε στη σκηνή, προσφέροντάς του να του τραγουδήσει ένα ντουέτο με τον Vadim, δίστιχα με τη σειρά του. Παρατηρώντας το σαστισμένο βλέμμα του Ζιλιχόφσκι, εξήγησε ότι θα συνόδευαν από το Ροστόφ. Και λειτούργησε! Η σύνδεση αποδείχθηκε σταθερή, χωρίς την παραμικρή καθυστέρηση (την οποία βλέπουμε συχνά σε ζωντανές μεταδόσεις τηλεοπτικών καναλιών), - δύο βαρύτονοι τραγούδησαν με τη σειρά τους, συγχωνευόμενοι στο coda.

Δεν μου αρέσουν πραγματικά τα master classes, γιατί υπάρχουν λίγα πράγματα που μπορούν πραγματικά να διορθωθούν. Αλλά μου επιτρέπει να κάνω μερικές σκέψεις... Τώρα η κατάσταση είναι εκπληκτική, καθόμαστε στην ακτή της Μαύρης Θάλασσας, ο Αντρέι είναι από τη Μολδαβία, ο Βαντίμ και η συνοδεία στο Ροστόφ. Έχουμε τους δικούς μας Ολυμπιακούς Αγώνες!

Μια άλλη ένταξη από το Αικατερινούμπουργκ. Ο 15χρονος τενόρος Αλέξανδρος τραγούδησε το ειδύλλιο του Τσαϊκόφσκι «In the midst of a noisy ball».

Λίγο ανακριβώς επιλεγμένο υλικό - πολύ καλά τραγούδια, αλλά αυτό το ειδύλλιο είναι για πολλούς ηλικιωμένους, με μεγάλη εμπειρία ζωής. Αλλά τραγούδησες τόσο συγκινητικά που είναι πολύ πολύτιμο, και πρέπει να κρατήσεις αυτό το νήμα για μια ζωή. Τραγουδήστε όλες τις φράσεις στα ρωσικά. Όχι «σωλήνας», αλλά «σωλήνας». Όχι "λεπτή", αυτή είναι μια ξεπερασμένη προφορά, αλλά "λεπτή". Τραγουδήστε όλες τις φράσεις όπως πρέπει να ακούγονται σύμφωνα με τους κανόνες της ρωσικής γλώσσας - και θα αποδειχθεί πολύ πιο καθαρά και πιο δυνατά. Δεν μπορείτε να τραγουδήσετε το φωνήεν "U" - πηγαίνει στο "O" και η αντίληψη του κειμένου υποφέρει από αυτό, το οποίο είναι ιδιαίτερα σημαντικό για ένα ειδύλλιο.

Τέλος, ο Ντμίτρι Βντοβίν έδωσε συμβουλές σε όλους τους νέους ερμηνευτές.

Πάντα συμβουλεύω τους νέους καλλιτέχνες - τραγουδήστε παντού και σε όποιον μπορείτε. Εμφανιστείτε παντού, συμμετάσχετε σε διαγωνισμούς. Η χώρα είναι μεγάλη και είναι πολύ δύσκολο να ξεπεράσεις. Όλοι μπορούν να υποβάλουν αίτηση για είσοδο στο Πρόγραμμα Νέων του Θεάτρου Μπολσόι. Ανακοίνωση για την εισαγωγή στο Πρόγραμμα Νέων θα εμφανιστεί σύντομα στον ιστότοπο του Θεάτρου Μπολσόι, ισχύει ηλεκτρονική αίτηση- και θα σε ακούσουμε. Να θυμάστε ότι θα υπάρχει πάντα ένας άνθρωπος που θα σας ακούει κάπου στο φεστιβάλ, θα σας συμβουλεύει, θα σας προσκαλεί κάπου, θα βοηθάει - έτσι λειτουργεί η επαγγελματική μας ζωή.

Το master class ολοκληρώθηκε με το ειδύλλιο του Τσαϊκόφσκι «To the Yellow Fields» βασισμένο σε στίχους του Alexei Tolstoy, που ερμήνευσε ο βαρύτονος Andrei Zhilikhovsky.

Vadim Ponomarev
Φωτογραφία - Αλεξέι Μολτσανόφσκι

- Αγαπητέ Ντμίτρι Γιούριεβιτς, σύντομες βιογραφικές πληροφορίες για εσάς μπορείτε να βρείτε στο διαδίκτυο, αλλά ας ξεκινήσουμε ξανά από την αρχή: από την οικογένειά σας, από την παιδική ηλικία. Πώς και με τι ξεκινήσατε να ενταχθείτε στον κόσμο της μουσικής, της φωνητικής, του θεάτρου της όπερας;

Γεννήθηκα και μεγάλωσα στο Σβερντλόφσκ. Οι γονείς μου, γενικά, όλοι οι συγγενείς, είναι εξ ολοκλήρου φυσικοί και μαθηματικοί. Η μαμά είναι δασκάλα ανώτερων μαθηματικών στο Uralsky κρατικό Πανεπιστήμιο, ο μπαμπάς είναι φυσικός, ήταν διευθυντής ενός μεγάλου ερευνητικού ινστιτούτου, ο θείος είναι επίσης φυσικός, η θεία είναι αλγεβριστής, ο αδερφός είναι επικεφαλής. Τμήμα Μαθηματικών στην Ακαδημία τώρα στο Αικατερινούπολη. Διάσπαρτα σε όλο τον κόσμο ξαδέρφια και αδερφές - όλοι μαθηματικοί.

Οπότε είμαι η μόνη εξαίρεση, όπως λένε, σε μια οικογένεια όχι χωρίς ... μουσικό!

Αλλά ταυτόχρονα, όλοι σπούδασαν μουσική στην παιδική ηλικία: τόσο ο μπαμπάς όσο και ο αδερφός. Αλλά εδώ είμαι, κάπως «καθυστερώ» σε αυτό. Αποφοίτησε από μια μουσική σχολή στο πιάνο, μπήκε στο GITIS στο τμήμα θεάτρου. Και τότε ο πιανισμός μου αποδείχτηκε πολύ χρήσιμος, έζησα από αυτό, συνοδεύοντας τους τραγουδιστές. Δηλαδή, ήταν ένα είδος «ανταλλάγματος» – έμαθα φωνητικά από φίλους και γνωστούς και τα «ξεπλήρωνα» παίζοντας άριες, ρομάντζα στο πιάνο, μαθαίνοντας μαζί τους νέα έργα. Ήθελα πολύ να τραγουδήσω τον εαυτό μου στη νεολαία μου, αλλά οι γονείς μου, ως σοβαροί άνθρωποι, με συμβούλεψαν να πάρω πρώτα μια πιο αξιόπιστη ειδικότητα, έτσι αποφοίτησα από το ινστιτούτο ως κριτικός θεάτρου, με ειδικότητα στην όπερα και μετά μεταπτυχιακό.

Αλίμονο, δεν συνάντησα έναν πραγματικό δάσκαλο φωνητικής που θα πίστευε σε μένα, έδωσε την αρχή. Ίσως δεν υπήρχαν αρκετές προσωπικές ιδιότητες για μια καριέρα ως σολίστ, και δόξα τω Θεώ που το κατάλαβα εγκαίρως. Ό,τι δεν γίνεται είναι προς το καλύτερο. Γενικά τραγούδησα αξιοπρεπώς αρκετά αργά, στα 30 μου. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, πολλοί άνθρωποι με γνώριζαν ήδη κόσμο της όπεραςμε διαφορετική ιδιότητα. Η κατάσταση ήταν λεπτή - στο Σωματείο Εργαζομένων στο Θέατρο «κουμάντο» στο μουσικό θέατρο. Ήταν ένας σύλλογος που δεν έζησε πολύ στην παρακμή της Σοβιετικής Ένωσης, διοργανώνοντας τεράστια φεστιβάλ και διαγωνισμούς με εκατομμύρια προϋπολογισμούς και καλές προθέσεις...

Στις αρχές της δεκαετίας του '90, πήγα στο Βέλγιο για να βελτιωθώ ως δάσκαλος φωνητικής και όταν μου πρότειναν συμβόλαιο με ένα αρκετά μεγάλο πρακτορείο ως τραγουδίστρια, ξαφνικά συνειδητοποίησα ότι ήταν πολύ αργά, όπως λένε, «πάτησε όλος ο ατμός. έξω», ή μάλλον, κατευθύνθηκε προς την άλλη κατεύθυνση - για τη διδασκαλία.

- Αλλά υπάρχει ιστορικά παραδείγματαόψιμες φωνητικές σταδιοδρομίες - ο τενόρος Nikandr Khanaev, ο οποίος ξεκίνησε στα 36, το μπάσο Boris Gmyrya - στα 33, η Antonina Nezhdanova έκανε το ντεμπούτο της στην επαγγελματική σκηνή μόλις στα 29.

Πρώτον, έζησαν στις αρχές έως τα μέσα του 20ου αιώνα, όσο πιο κοντά είναι στους συγχρόνους τους, τόσο πιο δύσκολο είναι να βρεις τραγουδιστές που να ξεκινούν από την ηλικία των 30 ετών και μετά, ο καθένας έχει το δικό του «περιθώριο ασφαλείας» στο επιμονή για την επίτευξη του στόχου.

Όταν διαλύθηκε Σοβιετική Ένωση, διοργανώσαμε «πάνω στα συντρίμμια» STD ένα πρακτορείο συναυλίας και υποκριτικής, αρκετά επιτυχημένο. Θυμάμαι εκείνες τις μέρες με ιδιαίτερη ευγνωμοσύνη, γιατί για πρώτη φορά σε ηλικία 28 ετών άρχισα να ταξιδεύω στο εξωτερικό, πριν από αυτό δεν με άφηναν να βγω για κάποιο λόγο. Αυτό έδωσε μια τεράστια εμπειρία ακρόασης, την ευκαιρία να γνωριστούμε με τις καλύτερες παραγωγές όπερας σε παγκόσμιες σκηνές, να αξιολογήσουμε ζωντανές φωνές διάσημους τραγουδιστές. Ανακάλυψα μόνος μου νέο κόσμο, όπου τραγουδούσαν καθόλου σαν τους δικούς μας, με σπάνιες εξαιρέσεις.

Έπρεπε να σπάσω κάποιες ιδέες μέσα μου, γιατί το αυτί ήταν «θολωμένο» από τη σοβιετική παράδοση της όπερας, τόσο σε καλό όσο και σε κακή αίσθησηαυτή η λέξη. Ανακατασκευασμένο τεχνικά, στυλιστικά, το γούστο μου έχει αλλάξει. Δεν ήταν εύκολο, μερικές φορές έκανε βλακείες. Για κάποιο διάστημα σπούδαζα με τα παιδιά μάλλον από ενδιαφέρον, δεν θυμάμαι καν να έπαιρνα χρήματα για μαθήματα.

Και μετά με κάλεσαν να διδάξω φωνητικά στη σχολή Gnessin, στη Σχολή Ηθοποιών Μουσικού Θεάτρου. Για μένα, ειδικά για ένα επιπλέον σετ, πήραν τον μοναδικό μαθητή - τον Rodion Pogosov. Τότε ήταν 16 ετών, δεν τραγούδησε ποτέ και γενικά ονειρευόταν να γίνει δραματικός ηθοποιός. Αλλά σε θεατρικά πανεπιστήμιαδεν έγινε δεκτός και «από στεναχώρια» μπήκε στο σχολείο και ήρθε σε μένα. Ήδη σε ηλικία 19 ετών, στο 3ο έτος του, έκανε το ντεμπούτο του ως Παπαγένο στο " Νέα Όπερα”, και σε ηλικία 21 ετών έγινε ο νεότερος συμμετέχων στο πρόγραμμα νεολαίας στο Metropolitan κ.ο.κ. Τώρα ο Rodion είναι ένας περιζήτητος καλλιτέχνης διεθνούς κλάσης.

- Λοιπόν, ούτε η «πρώτη τηγανίτα» δεν σου βγήκε σβούρα!

Ναι, η συνεργασία με τον πρώτο μου μαθητή απαιτούσε πολλή δύναμη και ενέργεια από εμένα. Τον ανάγκασα να κάνει φωνητικά όλη την ώρα, συνεργαζόμενος με τη μητέρα του. Δεν ήταν συνηθισμένα μαθήματα δύο φορές την εβδομάδα για 45 λεπτά, αλλά μαθήματα σχεδόν κάθε μέρα. Με απλά λόγια, τον κυνήγησα, ξεπερνώντας τις αντιστάσεις και την απροθυμία να μάθω. Μπορείτε να καταλάβετε απόλυτα νεαρό αγόρι, εκτός του ότι δεν πιστεύουν στις φωνητικές τους ικανότητες. Γέλασε ακόμη και με τους τραγουδιστές, η ίδια η διαδικασία του ακαδημαϊκού τραγουδιού του φαινόταν γελοία.

- Αποδεικνύεται ότι έπρεπε να σπουδάσεις από την αρχή! Και έχει κανείς την εντύπωση ότι οι μαθητές του Vdovin - γνωρίζουμε περισσότερα για τους αποφοίτους της Χορωδιακής Ακαδημίας - είναι ήδη προετοιμασμένοι τύποι από την παιδική ηλικία, τραγουδώντας από την ηλικία των 6-7 ετών, πολύ ικανοί μουσικοί.

Τώρα λένε για μένα ότι παίρνω "κρέμα" στην τάξη μου, καλύτερες φωνές. Και τι, είναι απαραίτητο να πάρεις τα κακά; Ή πρέπει να αποδείξω κάτι σε κάποιον; Κάθε κανονικός καλλιτέχνης (καλλιτέχνης, κύριος) επιλέγει πάντα το καλύτερο. Ναι, τώρα έρχονται νέοι σε εμένα, βλέποντας τα αποτελέσματα της δουλειάς μου, και έχω τη δυνατότητα να επιλέξω. Και στην αρχή μου έδωσαν διαφορετικούς μαθητές. Πέρασα, λοιπόν, από τη σχολή του να βγάλω τους δύσκολους μαθητές πλήρως και νομίζω ότι αυτό είναι απαραίτητο για έναν νεαρό δάσκαλο.

- Υπήρξαν εντελώς απελπιστικές επιλογές; Για να χάσει κάποιος τη φωνή του τελείως ή να εγκαταλείψει τη φωνητική του καριέρα, έστω και αν δεν φταίτε εσείς;

Η εξαιρετικά μικρή ηλικία των σημερινών αρχαρίων είναι επίσης ένα από τα προβλήματα. Παλαιότερα, άρχισαν να μαθαίνουν επαγγελματικά φωνητικά σε ηλικία 23-25 ​​ετών, ιδιαίτερα άντρες, δηλαδή άτομα με σωματική ικανότητα, δυνατοί όχι μόνο στο σώμα αλλά και στο πνεύμα, που επέλεξαν με νόημα το επάγγελμά τους. Τώρα έρχονται παιδιά 15-16 ετών στα σχολεία, στην Ακαδημία Χορωδίας στην τάξη μου - στα 17 μου.

Αποδεικνύεται ότι στα 22 τους είναι ήδη πτυχιούχοι. Είχα έναν τέτοιο τύπο, μπάσο, πολύ καλό, κέρδισε διαγωνισμούς. Μεταφέρθηκε αμέσως στο πρόγραμμα νεολαίας σε ένα από ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣκαι μετά στο θέατρο. Και αυτό ήταν - Δεν έχω ακούσει τίποτα για αυτόν εδώ και πολύ καιρό, έχει φύγει. Τα λεγόμενα συμβόλαια φεστιβάλ στα θέατρα ρεπερτορίου είναι ιδιαίτερα επικίνδυνα για πολύ νέους τραγουδιστές. Αυτό σημαίνει - να τραγουδάς τα πάντα, είτε ταιριάζουν είτε όχι στη φωνή σου. Σήμερα - Rossini, αύριο - Mussorgsky, μεθαύριο - Mozart, και ούτω καθεξής μέχρι τον Bernstein και την οπερέτα. Κοιτάς, δεν πέρασαν καν δυο χρόνια, αλλά αντί για φωνή - τα απομεινάρια περασμένων καλλονών.

- Αλλά τελικά, στη ρωσοσοβιετική παράδοση, πολύ διαφορετικά στυλ και ονόματα στην αφίσα εναλλάσσονταν πάντα και οι κορυφαίοι σολίστες δεν τραγούδησαν επίσης 6-7 "La Traviata" ή "Peak", όπως είναι τώρα στη Δύση , αλλά 4-5 πιο διαφορετικούς ρόλους το μήνα .

Πιστεύω ότι τακτικοί θίασοι και θέατρο ρεπερτορίουξεπερασμένα, είναι κακά για όλους: καλλιτέχνες, μαέστρους, κοινό. Πρώτον, υπάρχει πάντα έλλειψη προβών για να διατηρήσουμε τους τρέχοντες τίτλους σε καλή κατάσταση. Δεν υπάρχουν αρκετές πρόβες ακόμη και σε τόσο δυνατά σύνολα όπως η Metropolitan Opera στη Νέα Υόρκη ή η Staatsoper της Βιέννης. Μην νομίζετε λοιπόν ότι όλα είναι άσχημα μαζί μας, αλλά είναι όλοι ευημερούν εκεί. Μπορώ να θυμηθώ πώς η μαθήτριά μου έκανε το ντεμπούτο της στο Met στο πιο δύσκολο κύριο κόμμαχωρίς ούτε μια σκηνική πρόβα! Έτσι βγήκε - και τραγούδησε, ακόμα και το πικάπ κόλλησε και ξεκίνησε την άρια από τα παρασκήνια.

Δεν είμαι λοιπόν υποστηρικτής του συστήματος ρεπερτορίου, στη χώρα μας το θεωρώ λείψανο της σοβιετικής εποχής, που δεν σχετίζεται με την τέχνη, αλλά συνδέεται μόνο με την εργατική νομοθεσία, την ιδεολογία κ.λπ. Οπότε τώρα καθόμαστε σε αδιέξοδο και δεν ξέρουμε τι να κάνουμε. Οι τραγουδιστές δεν είναι σίγουροι για το μέλλον τους, αλλά, παρεμπιπτόντως, για το επάγγελμα καλλιτέχνης της όπεραςγενικά αρκετά επικίνδυνο, η φωνή είναι ένα πολύ εύθραυστο όργανο, αν έχετε αμφιβολίες - μπορείτε και πρέπει αρχικά να επιλέξετε άλλο πεδίο. Οι μαέστροι δεν είναι ευχαριστημένοι, γιατί ο τραγουδιστής δεν μπορεί να ερμηνεύσει εξίσου πειστικά τον Μότσαρτ σήμερα και τον Προκόφιεφ αύριο. Το κοινό σήμερα είναι επίσης κακομαθημένο και χρειάζεται αστέρια ή νέα ονόματα. Και επιτυγχάνονται συμβιβασμοί που είναι εις βάρος του άρθρ.

Σε μια κατάσταση free lanser, οι κορυφαίοι τραγουδιστές έχουν πάντα περισσότερες πιθανότητες να κατακτήσουν το σωστό ρεπερτόριο για αυτούς, να συναντήσουν ενδιαφέροντες μαέστρους, συνεργάτες ίσου επιπέδου κ.λπ. Και πόσο προσεκτικά μπορούν να δοκιμαστούν τα πάντα στην περίπτωση μιας ομάδας παραγωγής για ένα συγκεκριμένο έργο!

- Αλλά τότε, σε μια κατάσταση που δεν υπάρχουν ούτε 5-6, και μερικές φορές ακόμη και 12 παραστάσεις με το ίδιο όνομα στη σειρά, οι καλλιτέχνες έχουν την επίδραση του αυτοματισμού, όπως οι σολίστ στα μιούζικαλ; Δεν μπορώ να καταλάβω πώς είναι δυνατόν να εκπονηθούν εκατοντάδες παραστάσεις στη σειρά στο Broadway με μια μέρα άδεια, συχνά χωρίς αντικατάσταση, που απεικονίζουν συναισθήματα, γέλια και δάκρυα στη σκηνή ...

Σε αντίθεση με το Μπρόντγουεϊ, στην όπερα κάθε βράδυ οι καλλιτέχνες δεν βγαίνουν έξω (εκτός από περιπτώσεις έκτακτης ανάγκης), υπάρχει πάντα μία ή δύο ημέρες ανάπαυσης. Και οι παραστάσεις σπάνια συνεχίζονται περισσότερες από πέντε φορές στο σκηνικό μπλοκ. Τα καλύτερα θέατρα, όπως το Metropolitan, προσπαθούν να συγκεντρώσουν τους καλύτερους ερμηνευτές αυτής της όπερας σε όλο τον κόσμο σήμερα. Και πιστέψτε με, στην ατμόσφαιρα υψηλό επαγγελματισμόκαι τελειότητα κάθε λεπτομέρειας, είναι πολύ πιο εύκολο για τον καλλιτέχνη να εστιάσει στην εικόνα.

Το παράδειγμα του Met είναι επίσης ενδιαφέρον για το κοινό, γιατί σε μια εβδομάδα μπορείτε να ακούσετε τα έργα των περισσότερων διαφορετικά στυλστην καλύτερη απόδοση. Εξάλλου, δεν είναι μυστικό ότι οι επισκέπτες, οι τουρίστες, πιο συχνά από τους «ιθαγενείς» τείνουν να φτάνουν στην όπερα. Έτσι, ενώ βρισκόμουν στη Νέα Υόρκη τον Ιανουάριο του τρέχοντος έτους, σε λίγες μέρες επισκέφτηκα την ταλαντούχα μπαρόκ συλλογή Enchanted Island, είδα τον συγκλονιστικό Faust, μετά τον Tosca και την Daughter of the Regiment. Και για τους νωθρούς «ντόπιους» οι πιο επιτυχημένοι τίτλοι επαναλαμβάνονται μετά από περίπου έξι μήνες, όπως το ίδιο «Anne Boleyn», που άνοιξε την τρέχουσα σεζόν όπερας.

Γενικά, το θέμα των διαφόρων παραδόσεων της ύπαρξης της όπερας είναι τρελά ενδιαφέρον και δύσκολο, κάθε χώρα έχει τις δικές της λογικές στιγμές που μπορούν να συνδυαστούν για τα καλά, απλά πρέπει να τις γνωρίζετε και να ξέρετε πώς να το κάνετε.

- Σε εσάς προσωπικά, ειδικά στην αρχή παιδαγωγική δραστηριότητα, δεν παρενέβη στην έλλειψη της σκηνικής του εμπειρίας;

Στην αρχή βέβαια, ναι, παρενέβη! Φυσικά, όταν κάθομαι σε ένα master class με την Elena Vasilievna Obraztsova, την οποία λατρεύω, απλώς απολαμβάνω τις συγκρίσεις της, τον παραστατικό λόγο της. Η τεράστια εμπειρία της, η δουλειά με εξαιρετικούς δασκάλους, καθώς και η προσωπική της πλουσιότερη καλλιτεχνική φαντασίωση - όλα μαζί συναρπάζουν! Όταν δουλεύει ένα κομμάτι από μια όπερα ή ένα ειδύλλιο που γνωρίζει καλά, τότε χτίζει έναν ολόκληρο κόσμο από γνώση και ταλέντο μαζί, στον οποίο δεν υπάρχει μόνο υποκριτική, αλλά και σκηνοθεσία, ακόμη και διεύθυνση.

Μαθαίνω συνέχεια! Σπούδασε ενώ δούλευε με την αξέχαστη Irina Konstantinovna Arkhipova, τώρα δίπλα στην Obraztsova, με τον Evgeny Evgenievich Nesterenko, με τους δασκάλους του Προγράμματός μας για τη Νεολαία. Περνάω με τους μαθητές μου τους υφάλους νέων πάρτι και παραγωγών, συμπεριλαμβανομένων και ξένων. Όλα αυτά είναι μια αναζήτηση, ένα σχολείο, ένας εμπλουτισμός της προσωπικής πρακτικής. Ήμουν τυχερός από άποψη χρόνου, άρχισα να διδάσκω ενεργά στην ηλικία που τραγουδιστές της όπεραςσυνήθως απασχολούνται μόνο με τον εαυτό τους και την καριέρα τους. Είχα την ευκαιρία να βυθιστώ σε παιδαγωγικά προβλήματα πολύ βαθιά και ευρέως - να αποκτήσω παιδαγωγική εμπειρία, να εργαστώ με όλα τα είδη φωνών, να μελετήσω διάφορα ρεπερτόρια.

Επιτρέψτε μου να κάνω μια κάπως απροσδόκητη σύγκριση εδώ. Υπάρχει η άποψη ότι οι καλύτεροι μαιευτήρες είναι οι άνδρες, γιατί δεν μπορούν να καταλάβουν, να φανταστούν πόνους τοκετού και να ενεργήσουν πιο αποφασιστικά και ήρεμα.

Ναι, ίσως, η στιγμή της απομάκρυνσής μου από την παράσταση ως τέτοια μπορεί να είναι ευεργετική. Το σκέφτηκα πολύ και κατέληξα στο συμπέρασμα ότι το τραγούδι της όπερας και η φωνητική παιδαγωγική είναι δύο διαφορετικά επαγγέλματα, κατά κάποιο τρόπο, βέβαια, παρόμοια, αλλά όχι σε όλα.

Πώς υπάρχουν, αν απευθυνθείτε στην ιατρική, έναν χειρουργό και έναν διαγνωστικό. Ένας εξαιρετικός χειρουργός με «χρυσά χέρια» μπορεί να κάνει κακή διάγνωση και το αντίστροφο. Αυτά τα επαγγέλματα απαιτούν διαφορετικές γνώσεις.

Το δικό μας, παιδαγωγικό, είναι μάλλον στενό όταν πρόκειται μόνο για φωνητική τεχνική και απαιτεί τεράστιο εύρος απόψεων όταν προκύπτουν ερωτήματα του ρεπερτορίου, γνώση του επαγγέλματος του τραγουδιστή από όλες τις πλευρές. Ναι, δεν τραγουδάω στη σκηνή, αλλά το κάνω όλη την ώρα στην τάξη, δείχνοντας με τη φωνή μου. Δεν παίζω πιάνο δημόσια, αλλά μπορώ να συνοδεύσω καλά τους μαθητές. Ήμουν μάνατζερ, άρα μπορώ να πω στους φοιτητές για τις «παγίδες» των συμβολαίων, για κακές και καλές συνθήκεςομιλίες. Εκτός κι αν δεν διηύθυνα και δεν ανέβαζα ο ίδιος όπερες, αλλά, πάλι, εκτελώ αυτές τις λειτουργίες στις πρόβες.

- Και παρ 'όλα αυτά, εσύ, Ντμίτρι, είσαι μια εξαίρεση στον κανόνα - ένας επιτυχημένος δάσκαλος φωνητικής που δεν έχει εμφανιστεί στη σκηνή. Υπάρχουν άλλοι συνάδελφοι με παρόμοια τύχη;

Μπορώ να ονομάσω τη Svetlana Grigoryevna Nesterenko (τη συνονόματη του μεγάλου μας μπάσου), δουλεύουμε μαζί στο Πρόγραμμα Νέων του Θεάτρου Μπολσόι, είναι επικεφαλής του τμήματος φωνητικής στην Ακαδημία Χορωδίας. V. S. Popova. Ανάμεσα στους μαθητές της είναι ο Alexander Vinogradov, η Ekaterina Lekhina, η Dinara Alieva και πολλοί άλλοι άξιοι τραγουδιστές. Και το ευρύ κοινό, ως τραγουδιστές, δεν γνωρίζει πολλούς εξέχοντες δυτικούς δασκάλους. Γενικά εμείς οι δάσκαλοι της φωνητικής είμαστε μαχητές στο αόρατο μέτωπο.

Και με όλα τα παράπονα, το γενικό επίπεδο των τραγουδιστών στον κόσμο είναι πλέον αρκετά υψηλό, υπάρχει ακόμη και μια ορισμένη υπεραφθονία, αλλά η έλλειψη αξιόλογων σοβαρών δασκάλων φωνητικής είναι συνεχής, καθώς υπήρχε επάγγελμα κομματιού και παρέμεινε. Εδώ είναι το παράδοξο.

Στην αρχή της δουλειάς, οι παρατηρήσεις έμπειρων τραγουδιστών ότι εγώ, λένε, δεν είμαι τραγουδιστής ο ίδιος, δεν μύρισα το μακιγιάζ, δεν το δοκίμασα, πόνεσαν, όχι πολύ, αλλά γρατζουνισμένα. Και τώρα - απολύτως δεν με νοιάζει. Ηρέμησα με αυτή την έννοια, έχω τόσα καθήκοντα, και τέτοια ευθύνη για δεκάδες επιτυχημένους μαθητές μου που σκόρπισαν σε όλο τον κόσμο. Είναι απαραίτητο να τους κρατήσετε από το να κάνουν λάθη, από την επιθυμία να σκαρφαλώσουν σε λάθος ρεπερτόριο, πρέπει να τους γράψετε, να τους τηλεφωνήσετε, να τους πείσετε. Μέχρι μια σύγκρουση - αυτό είναι σπάνιο, αλλά συνέβη ότι κατέληξε σε μια διαμάχη και ένα διάλειμμα (όχι από την πλευρά μου). Όλοι θέλουν να γίνουν ενήλικες και ταυτόχρονα όλοι είναι ευάλωτοι, όπως τα παιδιά! Μερικές φορές δεν καταλαβαίνουν ότι το καλό τους τραγούδι είναι το βαθύ μου ενδιαφέρον, και όχι ότι είμαι τόσο τύραννος με το μαστίγιο, ήρθα σε μια παράσταση ή συναυλία για να τους ασκήσω αυστηρή κριτική.

- Ένας πολύ ηλικιωμένος και σοφός δάσκαλος σε ένα μουσικό σχολείο πάντα αμέσως μετά τη συναυλία επαίνεσε μόνο τους μαθητές και ανέβαλε την «ανασκόπηση» για την επόμενη μέρα. Επειδή η σκηνή είναι αδρεναλίνη, έτσι κι αλλιώς, η κριτική δεν θα ληφθεί σοβαρά υπόψη στην ευφορία του χειροκροτήματος, αλλά τα φτερά, η επιθυμία να παίξει μουσική μπορεί να τα κόψει ένα παιδί με μια αιχμηρή παρατήρηση.

Από αυτή την άποψη, έχω έναν δύσκολο χαρακτήρα. Ξέρω ότι κάνω λάθος, είμαι συναισθηματικός και σκληρός άνθρωπος, αλλά δεν μπορώ πάντα να συγκρατηθώ, αν και προσπαθώ.

Πρόσφατα υπήρξε μια συναυλία, εξαιρετικά ανεπιτυχής. Έτσι και έγινε - μια δύσκολη κατάσταση, λίγες πρόβες, κακή επαφή με την ορχήστρα. Στο τέλος, πήγα στα παιδιά και απλώς παρέθεσα ξανά την E.V. Obraztsova: "Σύντροφοι, σήμερα δεν είχαμε θέατρο, αλλά ένα κλαμπ με το όνομα Tsuryupa". Όλοι φυσικά στεναχωρήθηκαν πολύ, αλλά αυτό δεν εμπόδισε τη δεύτερη συναυλία της επόμενης μέρας να πάει πολύ καλύτερα!

Μερικές φορές, βέβαια, πληγώνεις μαθητές. Αλλά λέω ταυτόχρονα: παιδιά, αλλά βλάπτω τον εαυτό μου και προσβάλλω τον εαυτό μου με παρατηρήσεις, δεν σας κατηγορώ για όλα, αυτά είναι τα κοινά μας λάθη, εγώ ο ίδιος δεν κοιμάμαι τα βράδια, υποφέρω, αναλύω.

- Δάσκαλος που δεν μαλώνει είναι ο ίδιος γιατρός που δεν θεραπεύει!

Υπάρχουν και θέματα ψυχικών διαφορών. Μια από τις συναδέλφους μου, η πολύ διάσημη πιανίστα μας και υπέροχη δασκάλα, κάποτε στην Αμερική ύψωσε τη φωνή της στην καρδιά της και πέταξε τις νότες προς την κατεύθυνση μιας μαθήτριας. Ακριβώς εκεί - μια έρευνα, μια αστυνομία, ένα σκάνδαλο ... Ως εκ τούτου, στις ΗΠΑ δεν ήταν εύκολο για μένα να συνηθίσω να εργάζομαι από αυτή την άποψη: καλά, μερικές φορές θέλω να προσθέσω συναισθήματα, να υψώσω τη φωνή μου σε έναν μαθητή, αλλά αυτό είναι αδύνατο εκεί.

Υπάρχουν όμως και άλλοι μαθητές! Σοκαρίστηκα στην πρώτη μου επίσκεψη σε ένα master class στο Χιούστον. Ένας καλός νεαρός βαρύτονος ήρθε κοντά μου και μου έδειξε την άρια του Yeletsky. του πρόσφερα επιπλέον μάθηματο βράδυ άλλωστε. Ήθελε να περάσει την καβατίνα της Φίγκαρο από τη Σεβίλλη. Αλλά στις 18 η ώρα, στο λεπτό, η πιανίστα σηκώθηκε και έφυγε - η εργάσιμη μέρα της είχε τελειώσει, όλα ήταν αυστηρά. Εγώ ο ίδιος συνειδητοποίησα ότι θα έσκαγα πολύ βαθιά στη μπραβούρα συνοδεία του Ροσίνι και είπα: «Θα τραγουδήσεις ξανά τον Yeletsky;» Συμφώνησε πρόθυμα και με κατέπληξε - στις λίγες ώρες που πέρασαν από το πρωινό μάθημα, τα έφτιαξε όλα! Όλα τα σχόλιά μου σχετικά με τη φρασεολογία, την προφορά, τον τονισμό, το υποκριτικό περιεχόμενο - όλα λαμβάνονται υπόψη!

"Ναι πως είσαι?" Τον ρωτάω. «Μαέστρο, κάθισα, κοίταξα τις νότες για 15 λεπτά, άκουσα την ηχογράφηση του μαθήματος μας, κατάλαβα τι είπες - και η άρια είναι τώρα έτοιμη».

Για μένα ήταν ένα χαρούμενο σοκ! Επιστρέφοντας στη Μόσχα, πώς επέπληξε τους δικούς του μαθητές με αυτό το περιστατικό, γιατί μέχρι να τους το πεις είκοσι φορές, δεν θα το κάνουν! Έρχονται στην τάξη χωρίς μαγνητόφωνο, μερικές φορές ακόμη και χωρίς μολύβι και ένα επιπλέον αντίγραφο της μουσικής για να κρατήσουν σημειώσεις. Τι μπορείς να πεις? Πρέπει να είσαι σκληρός.

- Έχεις κορίτσια στην τάξη σου. Υπάρχει διαφορά στις προσεγγίσεις;

Είναι πιο εύκολο με τα αγόρια σε κάποιο βαθμό, αλλά χωρίς κορίτσια στην τάξη θα ήταν απλά βαρετό! Φυσικά, η γυναικεία φωνή απαιτεί από εμένα μια διαφορετική προσέγγιση της φωνητικής πραγματικότητας, μεγαλύτερη συγκέντρωση προσοχής. Διαφορετικό υλικό και, κατά συνέπεια, διαφορετικά εργαλεία. Απαιτεί περισσότερο χρόνο για αναστοχασμό, περισσότερη προσπάθεια και ακόμη τεχνική γνώσηκαι εμπειρία. Αλλά, όπως έδειξε η ζωή, γενικά, και με γυναικείες φωνέςτο καταλαβαίνω. Και στην τάξη, η παρουσία διαφορετικών φύλων δίνει ένα τεράστιο πλεονέκτημα στο ρεπερτόριο, μπορείτε να εκτελέσετε σύνολα, ντουέτα.

- Υπάρχει γενική κρίση στα παγκόσμια φωνητικά στα τέλη του 20ού - αρχές του 21ου αιώνα; σε σύγκριση, για παράδειγμα, με το 60-70 του 20ού αιώνα, και αν ναι, γιατί;

Αν ναι, η κρίση υπήρχε πάντα. Την εποχή της ακμής της Κάλλας και του Ντελ Μονακό, υπήρχαν άνθρωποι που μιλούσαν με λαχτάρα για την εποχή των Ponselle, Gigli και Caruso, και ούτω καθεξής, πηγαίνοντας πίσω στο χρόνο, στις αρχές του 19ου αιώνα, μέχρι τα εντελώς θρυλικά ονόματα. Αυτό είναι από τη σειρά: "Ο ουρανός ήταν πιο μπλε και το γρασίδι ήταν πιο πράσινο".

Καταρχήν, το σχολείο έχει γίνει καλύτερο και πιο ομοιόμορφο διαφορετικές χώρες, επειδή αρχίσαμε να ζούμε σε έναν ενιαίο χώρο πληροφοριών, είχαμε την ευκαιρία να ακούμε συχνά ζωή σε μια πολύ φρέσκια ηχογράφηση όλων των καλύτερων στις παγκόσμιες σκηνές όπερας. Για πολλούς λάτρεις της μουσικής, η επιβίβαση σε αεροπλάνο και σε λίγες ώρες το να βρεθείς σε οποιαδήποτε μουσική πρωτεύουσα έχει γίνει προσιτή πραγματικότητα.

Κατά τη γνώμη μου, η κρίση βρίσκεται αλλού. Υπάρχουν πολλοί δυνατοί επαγγελματίες τώρα, οι άνεργοι πολλαπλασιάζονται μεταξύ των μεσαίων στελεχών, αλλά υπάρχουν πολύ λίγες εξαιρετικές, εξαιρετικές φωνές. Και όχι τόσο σε ομορφιά, αλλά σε δύναμη, ένταση ήχου.

- Συντάσσομαι ολόψυχα - λίγοι από τους σημερινούς ακόμη και τους καλύτερους τραγουδιστές της όπερας μπορούν να αναγνωριστούν χωρίς ανακοίνωση στο ραδιόφωνο, αν και οι "παλιοί" - αμέσως, από δύο νότες!

Και αυτό είναι και το κόστος της τεχνολογίας! Όλοι άρχισαν να τραγουδούν εξίσου καλά. Πολλοί πρώην μεγάλοι ήταν αναγνωρίσιμοι, εξαιρετικοί και όμορφοι όχι μόνο για τα πλεονεκτήματά τους, αλλά και για τις «θεϊκές παρατυπίες», όπως η ίδια ασύγκριτη Κάλλας. Δεν λείπει μόνο φωτεινά ηχοχρώματα, αλλά πάνω από όλα ατομικότητα, με σπάνιες εξαιρέσεις. Εν μέρει επειδή οι τραγουδιστές έχουν πλέον γίνει εξαιρετικά εξαρτημένοι από τη δικτατορία του σκηνοθέτη και το επάγγελμά τους δεν βρίσκεται στην πρώτη σειρά από άποψη σημασίας για την όπερα.

- Α, το αγαπημένο μας θέμα είναι για τον «επαναχειριστή»! Πώς νιώθεις για αυτήν;

Υπάρχει μια περίοδος στο μουσικό θέατρο αυτή τη στιγμή που όλοι περνάμε όπως αρρώστια ή κακοκαιρία. Θυμάστε όταν μελετούσαμε την ιστορία της μουσικής και μιλούσαμε για την «πτώση της όπερας» στην εποχή του μπαρόκ, για τη «συναυλία με τα κοστούμια»; Στα μέσα του 20ού αιώνα, στις παγκόσμιες σκηνές, μαζί με την Κάλλας και τον Λουκίνο Βισκόντι, η όπερα άρχισε να συγχωνεύεται με τον κόσμο του δράματος, του κινηματογράφου, να αντλεί εικόνες από τη ζωγραφική και κατά κάποιο τρόπο να ανεβαίνει στο καλλιτεχνικό επίπεδο. Όμως, ως αποτέλεσμα, η όπερα πήγε στο άλλο άκρο, τον μανιερισμό. Αυτό είναι ιδιαίτερα ριζοσπαστικό στη Γερμανία, τόσο πολύ που ο Peter Stein έχει ήδη πει κάπου, μιλώντας για τη γερμανική σκηνοθεσία όπερας: «Συγγνώμη, αλλά σε αυτό το πλαίσιο αισθάνομαι άβολα να αποκαλώ τον εαυτό μου Γερμανό σκηνοθέτη, δεν θεωρώ τον εαυτό μου».

Αλλά είναι ενδιαφέρον ότι εδώ και αιώνες γίνεται λόγος για τον θάνατο της όπερας. Φτάνει στα άκρα όλη την ώρα. Αλλά όταν, όπως φαίνεται, όλα έχουν ήδη τελειώσει, ξαφνικά καταφέρνει να βρει κάποια νέα μέσα και να εμφανιστεί ξανά με όλη της την ομορφιά.

- Ναι ναι! Γι' αυτό οι παραγωγές παραδοσιακών κοστουμιών, όπως ο Werther το 2010 στην Όπερα της Βαστίλης στο Παρίσι, η Adrienne Lecouvreur την περασμένη σεζόν στο Covent Garden ή το πιο πρόσφατο Enchanted Island στο Met, σπάνε το χειροκρότημα από το πρώτο άνοιγμα της αυλαίας.

Αλλά σε αυτήν την κατάσταση δεν θα ήθελα να μοιάζω με τρελή ορθόδοξη, ανάδρομη και συντηρητική. Υπάρχουν εκπληκτικά λεπτά και βαθιά σύγχρονες παραγωγέςΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ.

Ο καθένας καθορίζει τον βαθμό πειστικότητας και ταλέντου του ίδιου του σκηνοθέτη, και εγώ ανέπτυξα μια προσωπική άποψη για αυτό το θέμα. Νομίζω ότι αν η παραγωγή έχει τη δική της βαθιά λογική, αν κάθε «όπλο πυροβολεί», τότε η παραγωγή έχει επιτυχία. Και αν σε μια παράσταση ο σκηνοθέτης απλώς συγκέντρωσε όλες τις εικόνες και τις μεταφορές που έσωσε τα προηγούμενα χρόνια της διακοπής, και δεν μπορεί να τα βγάλει πέρα, και καθόμαστε και δεν καταλαβαίνουμε - τότε γιατί είναι αυτό; Θεωρητικά, το κυριολεκτικά «να περπατάς στο κεφάλι σου» μπορεί επίσης να γίνει πειστικό, όπως έδειξε η Natalie Dessay στο Ariadne auf Naxos.

- Δεν μπορεί όμως ο φωνητικός δάσκαλος Vdovin να πει ότι είναι δύσκολο και όχι φυσιολογικό να περπατάς ανάποδα ενώ τραγουδάς, να υπερασπίζεσαι τους μαθητές;

Όχι, δυστυχώς, δεν μπορώ να πω τίποτα, αν και μερικές φορές αγανακτώ με πολλά πράγματα. Στο θέατρο - όλοι οι άνθρωποι εξαρτώνται και πρέπει να είναι πιστοί στο σχέδιο του σκηνοθέτη. Μερικές φορές βλέπω ότι οι άνθρωποι ντρέπονται να ντρέπονται στη σκηνή σε κάποιο είδος σκηνοθετικής διάταξης. Για τι είδους καλλιτεχνική πειθώ μιλάμε εδώ! Και το πιο λυπηρό είναι ότι, εκτός από εγωισμό και ιδιοτροπία, μερικές φορές αυτό δεν έχει κανένα νόημα. Αλλά από την άλλη, συμφωνώ ότι είναι δυνατόν να δείξεις έναν καλλιτέχνη ακόμη και με άσχημο τρόπο, αν υπάρχει ένα πραγματικά βαθύ καλλιτεχνικό έργο σε αυτό.

Είμαι θεατρολόγος από την πρώτη εκπαίδευση, του οποίου ο πρώτος ηγέτης ήταν ο Πάβελ Αλεξάντροβιτς Μάρκοφ και ο κύριος δάσκαλος ήταν η Inna Natanovna Solovyova, σπουδαίοι άνθρωποι. Βρήκα καλές στιγμές για το θέατρο - πήγα στις παραστάσεις των A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, και υπήρχαν τόσες περιοδείες στη Μόσχα ...

- Υπάρχουν φοιτητές που δεν θέλουν να «λυγίσουν» κάτω από την τυραννία των σκηνοθετών και σκέφτονται τον εαυτό τους μόνο σε ένα καθαρό είδος συναυλίας δωματίου;

Γνώρισα έναν τέτοιο, ωστόσο, δεν είναι μαθητής μου. Έχει τα πάντα για να γίνει ένα εξαιρετικό φαινόμενο της εποχής μας - αυτός είναι ο μπάσος Ντμίτρι Μπελοσέλσκι. Έφυγε από τη χορωδία, για πολύ καιρό τραγουδούσε μόνο μουσική καντάτα-ορατόριο, συναυλίες. Δεν ήθελα να πάω στην όπερα. Μόλις πρόσφατα, σε ηλικία 34 ετών, άλλαξε γνώμη, ήρθε στο θέατρο Μπολσόι και, δόξα τω Θεώ, έτσι είναι. Σε αυτή την ηλικία έχει περισσότερες πιθανότητες να μην εγκαταλείψει πρόωρα τον αγώνα, να χτίσει μια μεγάλη ζωή με εξυπνάδα και κατανόηση. επιτυχημένη καριέρα. Ο Ντμίτρι έχει πλέον τρομερή επιτυχία όπου κι αν εμφανίζεται. Από τον Μητροπολίτη στα Μπολσόι. Όμως, δυστυχώς, είναι δύσκολο για έναν «καθαρό» τραγουδιστή συναυλιών να επιβιώσει οικονομικά, το επάγγελμα του ερμηνευτή δωματίου πρακτικά πεθαίνει. Αλίμονο!

- Έχει νόημα η έννοια της «ρωσικής φωνητικής σχολής» σήμερα; Από αυτή την άποψη, στη συναυλία αποφοίτησης του Προγράμματος Νέων του Θεάτρου Μπολσόι την περασμένη άνοιξη, την οποία εσύ, Ντμίτρι, επικεφαλής, εξεπλάγην δυσάρεστα από το πόσο καλύτερα, πιο πειστικά οι νέοι τραγουδιστές αντιμετωπίζουν τη δυτική μουσική και πόσο προβληματική είναι για να εκτελούν ρωσικά.

Η ρωσική σχολή αναμφίβολα υπάρχει, αφού υπάρχει τεράστια κληρονομιά της όπερας και η ρωσική γλώσσα. Και ως συστατικό - θεατρική παράδοση. Το ίδιο το ρωσικό ρεπερτόριο υπαγορεύει μια διαφορετική τεχνική προσέγγιση από τα έργα των Ιταλών, Γάλλων, Γερμανική μουσική. Το πρόβλημα, κατά τη γνώμη μου, είναι ότι η μουσική μας έχει σχεδιαστεί κυρίως για πολύ δυνατές φωνές, για ώριμους τραγουδιστές. Δεδομένου ότι οι περισσότερες όπερες γράφτηκαν για τα δύο Αυτοκρατορικά Θέατρα, που πάντα φημίζονταν για τις δυνατές και βαθιές φωνές τους. Το ερώτημα για το πού να βρεθεί ο πραγματικός Herman ή Marfa για τον Khovanshchina σήμερα γίνεται όλο και πιο δύσκολο να λυθεί ...

Παρεμπιπτόντως, στην Αμερική, η Τατιάνα θεωρείται πιο δυνατό πάρτι ηλικίας ακόμη και από τη Λίζα στο "Peak". Και ο Yeletsky είναι πιο δυνατός από τον Κόμη στο Le nozze di Figaro. Ο Λένσκι και ο Όνεγκιν δεν θεωρούνται επίσης νεανικοί ρόλοι, όπως συνηθίζεται σε εμάς, μόνο επειδή ο Πιότρ Ίλιτς έγραψε τις λυρικές σκηνές του για φοιτητές του Ωδείου της Μόσχας. Υπάρχει όμως μια πολύ πυκνή ενορχήστρωση και μια περίπλοκη φωνητική τεσιτούρα, με μεγάλα άλματα πάνω-κάτω στο εύρος, που πιστέψτε με, ως δάσκαλος, δεν μπορούν να κάνουν όλοι οι νέοι τραγουδιστές. Και δεδομένης της προβληματικής ακουστικής που έχουμε σε πολλές αίθουσες και του τρόπου με τον οποίο οι ορχήστρες λατρεύουν να βροντοφωνάζουν, πρέπει να έχεις πολύ δυνατές δυνατές φωνές για να αντέχεις όλο αυτό. Με συγχωρείτε, αλλά νομίζω ότι η καβατίνα της Αντωνίδας της Γκλίνκα, για παράδειγμα, είναι τόσο δύσκολο να γραφτεί για αυτήν καλή απόδοσηαμέσως πρέπει να δώσεις ένα μετάλλιο στα φτερά μιας σοπράνο! Ένα άλλο λεπτό σημείο - οι Ρώσοι συνθέτες, με όλη τους την ιδιοφυΐα, δεν γνώριζαν πάντα τις περιπλοκές της φωνητικής γραφής. Και αυτό είναι κατανοητό - η ίδια οπερατική παράδοσηστη Ρωσία δεν είναι τόσο παλιά, και πολλοί από τους εκπροσώπους της το έμαθαν οι ίδιοι.

Περισσότερα για τη Γκλίνκα, σε σχέση με το εντυπωσιακό τελευταία πρεμιέρα"Ruslana", τώρα μιλάω μόνο για τη φωνητική πλευρά, γιατί υπήρξαν δηλώσεις στον Τύπο ότι, λένε, δεν υπάρχει κανείς να τραγουδήσει σωστά σε σύγκριση με την προηγούμενη παραγωγή του θεάτρου Μπολσόι της δεκαετίας του '70 του B. A. Pokrovsky. Θα πω ως ζωντανός μάρτυρας και ακροατής - ναι, σε εκείνη την παράσταση υπήρχαν λαμπροί Ruslan - Evgeny Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Αλλά μεταξύ της αφθονίας των χαρακτήρων (και η παράσταση ήταν σε 2-3 καστ) υπήρχαν τραγουδιστές που, για άγνωστο λόγο, εμφανίστηκαν στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι και, δεν είναι μυστικό ότι υπήρχαν παραστάσεις, έχοντας μπει σε θα μπορούσες να χάσεις το ενδιαφέρον σου για την όπερα για πάντα, ως τέτοια.

Θα επιστρέψω ξανά στον διαχωρισμό των ειδών - υπάρχουν υπέροχοι τραγουδιστές που είναι μοναδικοί στις όπερες του Μότσαρτ και τίποτα παραπάνω. Και άλλοι θα πρέπει να τραγουδούν αποκλειστικά ρωσική μουσική - αυτό είναι το δυνατό τους σημείο. Αλλά όταν αρχίζουν να τραγουδούν αυτό και εκείνο, είναι χειρότερο για τον Μότσαρτ και τη Γκλίνκα και για τους ακροατές.

- Δυστυχώς, δεν έχουν όλοι οι τραγουδιστές το δικό τους νηφάλιο αναλυτικό μυαλό και θέληση να αρνηθούν τα περιπετειώδη έργα, όπως ο Ντμίτρι Κόρτσακ, που έχει ήδη προταθεί να τραγουδήσει τον Χέρμαν!

Ναι, ο Dima είναι υπέροχος από αυτή την άποψη, αλλά το γεγονός ότι υπάρχει τόσο λίγη ρωσική μουσική στο ρεπερτόριό του, επειδή η φωνή του είναι πολύ ελαφριά - είναι κρίμα, το κάνει πολύ καλά. Και ο Vasily Ladyuk, παρεμπιπτόντως, επίσης. Θυμάμαι το βράδυ που ερμήνευσε ρωσικά ειδύλλια - αν και δεν μου αρέσουν τα ενορχηστρωμένα έργα δωματίου, ο Mikhail Pletnev το έκανε εκπληκτικά καλά, έλαβε χώρα μια από τις καλύτερες συναυλίες διείσδυσης στο νόημα της μουσικής!

Γενικά, για να τραγουδήσετε καλά τη ρωσική μουσική, πρέπει να δουλέψετε πολύ σκληρά για να απαλλαγείτε από έναν τεράστιο αριθμό δικών μας κλισέ, από το να χάσουμε την αίσθηση της φρεσκάδας. Μερικές φορές οι ξένοι έχουν εκπληκτικές νέες αποχρώσεις και μερικές φορές άθελά μας αντιλαμβανόμαστε την παράδοση ως μια urtext, κλισέ ηχογράφηση ενός αναγνωρισμένου κλασικού της ρωσικής σκηνής πριν από πολύ καιρό.

- Σχετικά με το «άκουσμα» παλιών δίσκων. Για πολύ καιρό, η δήλωση του Svyatoslav Teofilovich Richter έχει βυθιστεί στην ψυχή, ότι σύγχρονη νεολαίαΗ ταλαιπωρημένη από τη διαθεσιμότητα του εξοπλισμού ηχογράφησης, συνηθίζει να ελέγχει συνεχώς τον εαυτό της απ' έξω, μετά την παράσταση. Και οι προηγούμενες γενιές μουσικών, που στερήθηκαν αυτή την ευλογία του πολιτισμού, ανέπτυξαν τη λεγόμενη «προακρόαση», δηλαδή την ικανότητα να αισθάνονται εκ των προτέρων την επόμενη μουσική φράση, με το εσωτερικό αυτί.

Μέχρι κάποιο σημείο. Πρόσφατα άκουσα μια ηχογράφηση από το Met - "The Marriage of Figaro". Και κατά τη διάρκεια των συνόλων, μερικές φορές δεν μπορούσα να καταλάβω, καθισμένος χωρίς νότες, ποιος έπαιζε τώρα - η Κοντέσα, η Σουζάνα ή ο Χερουμπίνο. Γιατί και οι τρεις, συγγνώμη, μικρέ Ρενέ Φλέμινγκ! Φυσικά, η διαθεσιμότητα ηχογραφήσεων των πάντων και όλων, You Tube κ.λπ. αφήσουν το στίγμα τους σύγχρονους ερμηνευτές, και η κλισέ ερμηνεία προέρχεται από εδώ.

- Επιτρέπετε όμως προσωπικά στους μαθητές να χρησιμοποιούν την τεχνολογία σε μαθήματα, παραστάσεις;

Επιτρέπω ναι. Ως θεατρικός άνθρωπος, καταλαβαίνω ότι όταν ξεκινάς να χτίζεις εργασίες με τα παιδιά, αναζητώντας την προέλευση αυτής ή της άλλης μουσικής εικόνας, αιτίες και αποτελέσματα, τότε τα κλισέ εξαφανίζονται, η πίεση των ηχογραφήσεων και των βίντεο άλλων ανθρώπων φεύγει.

- Χρειάζονται οι τραγουδιστές ιστορικό πλαίσιο, γνώση για τον χρόνο και τον τόπο δράσης του ήρωά τους, για τη βιογραφία του συγγραφέα;

Λοιπόν, φυσικά! Ο καλλιτέχνης της όπερας, τραγουδιστής πρέπει να είναι μορφωμένος άνθρωπος! Να γεμίσει το έργο, το κείμενο με νόημα - ακόμα και επάνω μητρική γλώσσαείναι απαραίτητο να κατανοήσουμε όχι μόνο τις λέξεις, αλλά και την όλη κατάσταση γύρω από τον χαρακτήρα, την πλοκή, ιστορικούς δεσμούςαν είναι τέτοιο το υλικό. Είναι τρομερό όταν οι νέοι δεν γνωρίζουν τα ονόματα των ποιητών που έγραψαν τα κείμενα για ειδύλλια ή όταν χάνουν το μέρος που βρίσκεται η Φλάνδρα, για την οποία τραγουδιέται στην άρια του Δον Κάρλος. Ή δεν φαντάζεται ότι η άρια απευθύνεται στον σύντροφο και στην ουσία πρόκειται για ντουέτο.

Το πιο σημαντικό είναι να αναπτύξεις την καλλιτεχνική φαντασίωση στον τραγουδιστή, να τον κάνεις να δει και να καταλάβει τι υπάρχει στο βάθος και ανάμεσα στις γραμμές.

- Μια κάπως προκλητική ερώτηση: τι προτιμάτε - τα λαμπρά φωνητικά του τραγουδιστή σε συνδυασμό με την περιορισμένη καλλιτεχνική απόδοση και την απεριόριστη εμφάνιση, ή το αντίστροφο, λαμπερή καλλιτεχνία με πολύ μέτρια φωνητικά;

Προσωπικά προτιμώ πλέον να μένω σπίτι σε μια τέτοια κατάσταση! Αλλά, σοβαρά, σε μια όπερα, η λαμπρή τέχνη σε συνδυασμό με τα μέτρια φωνητικά είναι ακατάλληλη, μπορεί να υπάρχει ένας ασυνήθιστος τραγουδιστής από άποψη δύναμης ή χροιάς, αλλά πρέπει να κυριαρχήσει πλήρως στο όργανό του. Δεν έχει άλλο τρόπο, ένα λεπτό σώμα, τα σωστά χαρακτηριστικά του προσώπου και η υποκριτική πλαστικότητα, αν χάνουν εντελώς τις νότες, δεν θα σώσουν - τι να κάνουμε, ένα συνθετικό είδος.

Ως εκ τούτου, εκτιμούμε τόσο πολύ τα πιο σπάνια παραδείγματα της αρμονίας των πάντων: μια εκπληκτική φωνή, μουσικότητα, ένα τεράστιο ταμπεραμέντο ηθοποιού, σε συνδυασμό με μια φωτεινή, πολύ θαρραλέα ομορφιά - τέτοιος ήταν ο Βλαντιμίρ Αντρέεβιτς Ατλάντοφ στη σκηνή, ο οποίος βασίλεψε στη σκηνή των Μπολσόι Θέατρο. Είχα τη χαρά να τον γνωρίσω στα φοιτητικά μου χρόνια. Ο Atlantov, μάλλον, δεν ήταν παράδειγμα ιδανικού, εκλεπτυσμένου φωνητική σχολή, αλλά μου έδωσε πολλά όσον αφορά την κατανόηση της διαδικασίας του τραγουδιού της όπερας, στο τι πρέπει να είναι ένας πραγματικός Καλλιτέχνης.

Συνέντευξη από την Tatyana Elagina

Αξιοσημείωτο είναι ότι στο τρεις όπερεςπου παρουσιάστηκε στο φεστιβάλ ROF φέτος, τα κύρια μέρη τενόρου θα ερμηνευτούν από τραγουδιστές από τη Ρωσία, και όλοι τους είναι μαθητές του καθηγητή Dmitry Yuryevich Vdovin.

Οι καλοκαιρινοί μήνες, όπως φαίνεται, θα έπρεπε να φέρουν πτώση της έντασης των θεατρικών παθών, αλλά αυτό δεν συμβαίνει. Μόνο το καλοκαίρι υπάρχουν πολλοί δύσκολοι και πολύ διάσημοι διαγωνισμοί και φεστιβάλ. Ανάμεσα στον τεράστιο αριθμό των φεστιβάλ, μια ξεχωριστή θέση ανήκει στο ROF - το Rossini Opera Festival, που πραγματοποιείται κάθε χρόνο στην πόλη Pesaro της Ιταλίας, την πατρίδα του Gioacchino Rossini. Στις 10 Αυγούστου θα πραγματοποιηθούν τα εγκαίνια αυτού του φεστιβάλ.

Το πρόγραμμα ROF-2017 θα ανοίξει με την παράσταση της όπερας Η Πολιορκία της Κορίνθου του Γ. Ροσίνι, στον ομώνυμο τενόρο Σεργκέι Ρομανόφσκι. Την επομένη, 11 Αυγούστου, θα παρουσιαστεί η όπερα The Touchstone του G. Rossini με τη συμμετοχή του τενόρου Maxim Mironov. Η όπερα «Torvaldo and Dorlisca» του G. Rossini θα παρουσιαστεί στις 12 Αυγούστου, σε αυτήν θα τραγουδήσει ο τενόρος Dmitry Korchak. Όλοι τους είναι μαθητές του Ντμίτρι Βντοβίν.

- Ποιο είναι το μυστικό του «φαινομένου της σχολής του Βντοβίν»;

Ένα ερώτημα που δεν είναι εύκολο να απαντηθεί, καθώς έχει κάπως «φανφάρα» χαρακτήρα. Και, ως γνωστόν, «στο φανφάρα» μπορείς να βροντοφωνάξεις. (γέλια)Από την άλλη, όμως, δεν θα προκριθώ, υπάρχουν αποτελέσματα και οι τραγουδιστές με τους οποίους συνεργάστηκα καταλαμβάνουν μια συγκεκριμένη και σοβαρή θέση στο παγκόσμιο θέατρο της όπερας. Είναι περίεργο ότι στην εφηβεία μου με ενδιέφερε πολύ ο Ροσίνι. Αυτό οφειλόταν στις ηχογραφήσεις των "The Barber of Seville" και "Italian in Algeria". Έγιναν στα ρώσικα, που έπαιξαν επίσης σημαντικό ρόλο, ήμουν πολύ μικρός και ίσως να μην με είχε συνεπάρει τόσο πολύ το να τραγουδήσω στα ιταλικά. Με συνεπήρε η θεατρικότητα του Ροσίνι, το χιούμορ του, η εκπληκτική μελωδική του γενναιοδωρία και ο ηδονισμός ζωής. Και για μένα, που ζούσα στο σκληρό κλίμα των Ουραλίων και στις όχι λιγότερο σκληρές συνθήκες της ΕΣΣΔ, όχι μόνο η μουσική του, αλλά ολόκληρη η ιστορία του (διάβασα τη «Ζωή του Ροσίνι» του Στένταλ) φαινόταν κάτι ασυνήθιστο και γιορτινός κόσμος. Στο οποίο μπόρεσα να μπω μόνο ως μέτριος ιδιοκτήτης δίσκων βινυλίου.

Έτυχε, όμως, στην αρχή του διδακτικού μου έργου, τρεις τενόροι ήρθαν κοντά μου με ένα μικρό κενό στο χρόνο, οι οποίοι έγιναν ειδικοί στο ρεπερτόριο των Ροσίνιων. Είναι αλήθεια ότι όλα δεν έγιναν τόσο απλά. Ο 18χρονος Maxim Mironov θεωρήθηκε αμέσως από εμένα ως τενόρος του Rossini λόγω των ιδιαιτεροτήτων της ασυνήθιστα υψηλής και πολύ κινητής φωνής του. Η πρώτη άρια που του έδωσα ήταν το Languir per una bella από το The Italian Girl in Algiers και μετά το O come mai non senti από τον Othello. Και τώρα είναι ένας από τους καλύτερους Lindor και Rodrigo.

Σεργκέι Ρομανόφσκι... Τους πρώτους μήνες και μάλιστα έναν χρόνο, μάλλον, μελέτησα περισσότερο μαζί του τον Ντον Οττάβιο, τον Νεμορίνο, τον Λένσκι. Όχι, αρχίσαμε να τραγουδάμε τη Σταχτοπούτα πολύ σύντομα, και θυμάμαι πώς το άκουσε για πρώτη φορά ο Μιρόνοφ όταν με κάλεσε στο τηλέφωνο, όπως κάποιος άλλος τραγουδάει τον Ροσίνι. Ήταν ο Ρομανόφσκι! Αλλά μια σοβαρή είσοδος με τον Serezha στο Rossini συνέβη όταν αποφάσισα να κάνω μια ημισκηνική παράσταση του Journey to Reims στη Μόσχα. Πρέπει να πω ότι αυτή η ιστορία πριν από 10 χρόνια εισήγαγε πολλούς ανθρώπους τόσο στο επάγγελμα όσο και στον κόσμο των Rossini. Αλλά ειδικά έδωσε πολλά στον Ρομανόφσκι, που ήταν ο μοναδικός κόμης Λίμπενσκοφ. Αυτό είναι το πιο δύσκολο, πιο βιρτουόζο μέρος και χάρη σε αυτό τράβηξε την προσοχή ειδικών, πολλοί από τους οποίους ήρθαν ειδικά στη Μόσχα εκείνη την εποχή για να δουν την ουσιαστικά φοιτητική μας παράσταση. Λίγο αργότερα, έκανε το ντεμπούτο του σε αυτόν τον ρόλο στην Ιταλία, στο Τρεβίζο και στο Τζέσι, και σύντομα αποδείχθηκε ότι σε μια σειρά παραστάσεων στη Σκάλα, ο Liebenskoff τραγουδήθηκε με τη σειρά του από τον Korczak και τον Romanovsky. Ήταν μια πολύ ριψοκίνδυνη στιγμή, ήταν πολύ νωρίς για να πρωτοεμφανιστεί σε ένα τόσο σημαντικό θέατρο σε τόσο μικρή ηλικία. Ωστόσο, όλα προχώρησαν. Ο Mironov τραγούδησε το πρώτο του Rossini στο La Fenice της Βενετίας (Mohammed II), αυτό ήταν το πρώτο του συμβόλαιο στη Δύση μετά τον διαγωνισμό Neue Stimmen, όπου πήρε το E flat της ανώτερης στρατόσφαιρας στο τέλος της άριας του Lindor. Παρεμπιπτόντως, πρέπει να πω ότι στις αρχές της δεκαετίας του 2000 δεν υπήρχαν τόσοι πολλοί τενόροι των υψηλών Rossini όσο είναι τώρα. Ο ανταγωνισμός έχει αυξηθεί αισθητά.

Ο Ντμίτρι Κόρτσακ, τον οποίο θεωρούσα περισσότερο τενόρο για τον Μότσαρτ, Γάλλο λυρική όπερακαι ρωσικό ρεπερτόριο (και μέχρι σήμερα πιστεύω ότι αυτά είναι τα περισσότερα του δυνάμεις), ωστόσο, ο Rossini άρχισε να τραγουδάει πολύ. Οι εξαιρετικές μουσικές του ικανότητες τράβηξαν την προσοχή των μεγάλων μαέστρων (Muti, Chaya, Maazel, Zedda), καθώς και του Ernesto Palacio, ενός πολύ εξέχοντος Ρωσσινού τενόρου στο παρελθόν, αργότερα μέντορα του Juan Diego Flores και τώρα το πρώτο πρόσωπο στο Ροσσινικός κόσμος, επικεφαλής του φεστιβάλ, και τώρα η Ακαδημία στο Πέζαρο, την πατρίδα του Ροσίνι. Ήταν αυτός, ο Maestro Palacio, που συγκέντρωσε τους τρεις τενόρους μας φέτος, για τους οποίους δεν μπορώ παρά να είμαι περήφανος.

Υπάρχουν τρεις τενόροι στο ROF-2017 και όλοι οι μαθητές σας. Αυτοί είναι οι Korchak, Mironov, Romanovsky. Διαφέρουν φυσικά, αλλά τι τους ενώνει ως μαθητές σας;

Είναι ταλαντούχοι, πολύ έξυπνοι, ο καθένας με τον τρόπο του και πολύ εργατικοί. Δεν αντέχω τους τεμπέληδες. τεμπέληδες ιδιοκτήτες ωραίες φωνές- για μένα, αυτοί είναι φιλισταίοι από την τέχνη, ένα είδος διανοητικά αδικοχαμένου ενοικιαστή των φωνητικών τους ικανοτήτων. Αυτά τα τρία δεν είναι καθόλου έτσι. Πολύ υπεύθυνοι, σοβαροί, στοχαστικοί καλλιτέχνες. Αυτό είναι που τους ενώνει.

Ντμίτρι Γιούριεβιτς Βντόβιν(γεννήθηκε) - Ρωσική φιγούρα όπερας και δάσκαλος φωνητικής, Επίτιμος Καλλιτέχνης της Ρωσικής Ομοσπονδίας, καθηγητής στην Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης.

Καλλιτεχνικός διευθυντής του Προγράμματος Όπερας Νέων του Θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας.

Βιογραφία

Γεννήθηκε στις 17 Απριλίου 1962 στο Sverdlovsk (τώρα Αικατερινούπολη). Αποφοίτησε από το Κρατικό Ινστιτούτο Θεατρικών Τεχνών (τώρα RATI) στη Μόσχα και στη συνέχεια σπούδασε στο μεταπτυχιακό σχολείο αυτού του πανεπιστημίου υπό την καθοδήγηση της καθηγήτριας Inna Solovieva ως κριτικός θεάτρου (όπερας), που δημοσιεύτηκε σε μεγάλες εθνικές εφημερίδες και περιοδικά. Στη συνέχεια, μετεκπαιδεύτηκε και αποφοίτησε από την Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης. V. S. Popova ως τραγουδιστής και δάσκαλος φωνητικής. Από το 1987 έως το 1992 - υπάλληλος υπεύθυνος για εργασία στον τομέα του μουσικού θεάτρου της Ένωσης Θεατρικών Εργαζομένων της ΕΣΣΔ. Εκπαιδεύτηκε ως δάσκαλος φωνητικής στο ECOV - Ευρωπαϊκό Κέντρο Όπερας και Φωνητικής Τέχνης στο Βέλγιο υπό την καθοδήγηση του επικεφαλής του τμήματος φωνητικής του Curtis Institute of Music στη Φιλαδέλφεια Michael Elaysen (1992-1993). Το 1992, ο Ντμίτρι Βντοβίν έγινε καλλιτεχνικός διευθυντής του Κέντρου Μουσικής και Θεάτρου της Μόσχας, ενός πρακτορείου τέχνης που συμμετείχε σε κοινά δημιουργικά έργα με μεγάλα διεθνή θέατρα, φεστιβάλ και μουσικούς οργανισμούς. Από το 1996, η D. Vdovin συνεργάζεται με τη σπουδαία Ρωσίδα τραγουδίστρια I. K. Arkhipova ως δασκάλα και επικεφαλής του Θερινού της Σχολείου, συμπαρουσιάστρια των τηλεοπτικών και συναυλιακών της προγραμμάτων. Από το 1995 - δάσκαλος, από το 2000 έως το 2005. - Υπεύθυνη του τμήματος φωνητικής του Κρατικού Ιατρικού Πανεπιστημίου. Gnesins, το 1999-2001 - δάσκαλος της Ρωσικής Ακαδημίας Επιστημών. Gnesinykh, από το 2001 - Αναπληρωτής Καθηγητής, Επικεφαλής (μέχρι το 2003) του Τμήματος Σόλο Τραγουδιού της Ακαδημίας Χορωδιακής Τέχνης. V. S. Popova, από το 2008 - Καθηγητής της Ακαδημίας Τεχνών. Ο D. Vdovin έδωσε master classes σε πολλές πόλεις της Ρωσίας, καθώς και σε ΗΠΑ, Μεξικό, Ιταλία, Λετονία, Γαλλία, Πολωνία, Μονακό, Ελβετία. Υπήρξε τακτικός προσκεκλημένος δάσκαλος στο Houston Grand Opera House Youth Program (HGO Studio). Από το 1999 έως το 2009 - καλλιτεχνικός διευθυντής και δάσκαλος της Διεθνούς Σχολής Φωνητικής Τέχνης της Μόσχας, που επέτρεψε στους μεγαλύτερους δασκάλους και ειδικούς όπερας από Ρωσία, ΗΠΑ, Ιταλία, Γερμανία, Μεγάλη Βρετανία να έρθουν στη Μόσχα για να δουλέψουν με νέους τραγουδιστές

Μέλος της κριτικής επιτροπής πολλών διάσημων φωνητικών διαγωνισμών - του Διεθνούς Διαγωνισμού. Glinka, ο 1ος και ο 2ος Πανρωσικός Διαγωνισμός Μουσικής, ο Διεθνής Διαγωνισμός Le voci verdiane (φωνές Verdi) στο Busseto, ο Διεθνής Διαγωνισμός Φωνητικής. Viotti και Pavarotti στο Vercelli, AsLiCo στο Κόμο (Ιταλία), Διεθνείς Διαγωνισμοί στο Παρίσι και Μπορντό (Γαλλία), Competizione dell'opera Italiana στη Μόσχα και στο Λιντς, Διεθνής Διαγωνισμός στο Μόντρεαλ (Καναδάς), διαγωνισμός τηλεοπτικού καναλιού "Culture" "Big Opera », ο διαγωνισμός Elena Obraztsova στην Αγία Πετρούπολη, ο διαγωνισμός φωνητικής στη Σμύρνη (Τουρκία), οι Διεθνείς Διαγωνισμοί. Moniuszko στη Βαρσοβία, «Die Meistersinger von Nürnberg» στη Νυρεμβέργη, Opera de Tenerife στην Ισπανία.

Από το 2009 - ένας από τους ιδρυτές και καλλιτεχνικός διευθυντής του Προγράμματος Όπερας Νέων του Θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας. Από το 2015 είναι προσκεκλημένος δάσκαλος στο International Opera Studio της Όπερας της Ζυρίχης. Master classes στη Metropolitan Opera, Νέα Υόρκη (Lindemann Young Artist Development Program).

Μουσικός σύμβουλος για την ταινία του Pavel Lungin "The Queen of Spades" (2016).

Επίσης, ο D. Yu. Vdovin ήταν ο αναπληρωτής διευθυντής των δημιουργικών ομάδων του θιάσου όπερας του θεάτρου Μπολσόι (2013-2014)