Il problema di creare una città ideale. Città ideale

Il Rinascimento è uno dei periodi più importanti in sviluppo culturale umanità, perché è in questo momento che le fondamenta di fondamentalmente nuova cultura, c'è una ricchezza di idee, pensieri, simboli che saranno utilizzati attivamente dalle generazioni successive in futuro. Nel XV sec. in Italia sta nascendo una nuova immagine della città, che si sviluppa più come un progetto, un modello futuro che una vera e propria incarnazione architettonica. Certo, nell'Italia rinascimentale hanno abbellito molto le città: hanno raddrizzato strade, livellato facciate, speso molti soldi per creare marciapiedi, ecc. Gli architetti hanno anche costruito nuove case, adattandole a spazi vuoti o, in rari casi , li ha eretti invece di demolire i vecchi edifici. In generale, la città italiana in realtà è rimasta medievale nel suo paesaggio architettonico. Non era un periodo di attivo sviluppo urbano, ma fu proprio in questo momento che le questioni urbane iniziarono ad essere riconosciute come una delle aree più importanti della costruzione culturale. Sono apparsi molti trattati interessanti su cosa sia una città e non solo come fenomeno politico, ma anche socioculturale. Come appare agli occhi degli umanisti rinascimentali una città nuova, diversa da quella medievale?

In tutti i suoi modelli urbanistici, progetti e utopie, la città si è innanzitutto liberata dal suo prototipo sacro: la Gerusalemme celeste, l'arca, simbolo dello spazio della salvezza umana. Durante il Rinascimento, l'idea città ideale, che è stato creato non solo per il prototipo divino, ma come risultato dell'individuo attività creativa architetto. Il famoso L. B. Alberti, autore del classico Dieci libri sull'architettura, sosteneva che le idee architettoniche originali gli vengono spesso di notte, quando la sua attenzione è distratta e fa sogni in cui appaiono cose che non si rivelano durante la veglia. Questa descrizione secolarizzata del processo creativo è molto diversa dai classici atti di vedere cristiani.

La nuova città apparve nelle opere degli umanisti italiani corrispondente non alle norme celesti, ma a quelle terrene nelle sue finalità sociali, politiche, culturali e domestiche. Fu costruito non sul principio della contrazione sacro-spaziale, ma sulla base di una delimitazione spaziale funzionale, del tutto laica, ed era suddiviso in spazi di piazze, strade, che si raggruppavano attorno a importanti edifici residenziali o pubblici. Tale ricostruzione, sebbene effettivamente realizzata in una certa misura, ad esempio a Firenze, si è realizzata in misura maggiore nelle arti visive, nella costruzione di dipinti rinascimentali e in progetti architettonici. La città rinascimentale simboleggiava la vittoria dell'uomo sulla natura, la convinzione ottimistica che la "separazione" della civiltà umana dalla natura nel suo nuovo mondo creato dall'uomo avesse motivi ragionevoli, armoniosi e belli.

L'uomo del Rinascimento è un prototipo della civiltà della conquista dello spazio, che ha completato con le proprie mani ciò che si è rivelato incompiuto dal creatore. Ecco perché, quando progettavano le città, gli architetti amavano creare bei progetti, basati sul significato estetico di varie combinazioni di forme geometriche, in cui era necessario collocare tutti gli edifici necessari alla vita della comunità urbana. Le considerazioni utilitaristiche passarono in secondo piano e il libero gioco estetico delle fantasie architettoniche soggiogò la coscienza degli urbanisti dell'epoca. L'idea della libera creatività come base dell'esistenza dell'individuo è uno degli imperativi culturali più importanti del Rinascimento. La creatività architettonica in questo caso incarnava anche questa idea, che si esprimeva nella creazione di progetti edilizi che assomigliavano più ad intricate fantasie ornamentali. In pratica, queste idee si sono rivelate attuate principalmente nella realizzazione di vari tipi di pavimentazioni in pietra, che sono state rivestite con lastre di forma regolare. Erano loro, come le principali innovazioni, di cui i cittadini erano orgogliosi, chiamandoli "diamante".

La città era originariamente concepita come un prodotto artificiale, opposto alla naturalezza del mondo naturale, perché, a differenza della città medievale, soggiogava e dominava lo spazio abitativo e non si limitava a inserirsi nel terreno. Pertanto, le città ideali del Rinascimento avevano una rigorosa forma geometrica sotto forma di quadrato, croce o ottagono. Secondo l'appropriata espressione di I. E. Danilova, i progetti architettonici di quel tempo erano, per così dire, sovrapposti al terreno dall'alto come sigillo del dominio della mente umana, a cui tutto è soggetto. Nell'era della New Age, l'uomo ha cercato di rendere il mondo prevedibile, ragionevole, per sbarazzarsi dell'incomprensibile gioco del caso o della fortuna. Così, L. B. Alberti, nella sua opera "Sulla famiglia", ha sostenuto che la ragione gioca un ruolo molto più importante negli affari civili e nella vita umana rispetto alla fortuna. Il celebre teorico dell'architettura e dell'urbanistica parlò della necessità di mettere alla prova e conquistare il mondo, estendendo ad esso le regole della matematica applicata e della geometria. La città rinascimentale, da questo punto di vista, era la forma più alta di conquista del mondo, dello spazio, perché i progetti urbanistici comportavano la riorganizzazione del paesaggio naturale per effetto dell'imposizione su di esso di una griglia geometrica di spazi delimitati. Esso, a differenza del Medioevo, era un modello aperto, il cui centro non era la cattedrale, ma lo spazio libero della piazza, che si apriva su tutti i lati con strade, con vedute in lontananza, oltre le mura cittadine.

Gli specialisti moderni nel campo della cultura stanno prestando sempre più attenzione ai problemi dell'organizzazione spaziale delle città rinascimentali, in particolare, il tema della piazza cittadina, la sua genesi e semantica sono discussi attivamente in vari simposi internazionali. Scrive R. Barth: “La città è un tessuto costituito non da elementi equivalenti in cui si possono elencare le loro funzioni, ma da elementi significativi e insignificanti... Inoltre, devo notare che tutto ciò maggior valore iniziano a dare un vuoto significativo invece del vuoto del significativo. In altre parole, gli elementi diventano sempre più significativi non in se stessi, ma a seconda della loro collocazione.

La città medievale, i suoi edifici, la chiesa incarnavano il fenomeno della vicinanza, la necessità di superare qualche barriera fisica o spirituale, che fosse una cattedrale o un palazzo simile a una piccola fortezza, questo è un luogo speciale, separato da mondo esterno spazio. La penetrazione lì simboleggiava sempre la familiarizzazione con qualche segreto nascosto. La piazza, invece, era simbolo di un'epoca completamente diversa: incarnava l'idea di apertura non solo verso l'alto, ma anche ai lati, attraverso strade, vicoli, finestre, ecc. La gente entrava sempre nella piazza da uno spazio chiuso. Al contrario, qualsiasi piazza creava la sensazione di uno spazio immediatamente aperto e aperto. Le piazze cittadine, per così dire, simboleggiavano il processo stesso di liberazione dai segreti mistici e incarnavano lo spazio apertamente desacralizzato. L. B. Alberti scriveva che la decorazione più importante delle città era data dalla posizione, direzione, corrispondenza, collocazione delle strade e delle piazze.

Queste idee furono rafforzate dalla pratica concreta della lotta per la liberazione degli spazi urbani dal controllo dei singoli clan familiari, svoltasi a Firenze nei secoli XIV e XV. F. Brunelleschi in questo periodo progetta tre nuove piazze della città. Le lapidi di vari nobili vengono rimosse dalle piazze, i mercati vengono ricostruiti di conseguenza. L'idea di spazio aperto è incarnata da L. B. Alberti in relazione alle pareti. Consiglia di utilizzare i colonnati il ​​più spesso possibile per enfatizzare la convenzionalità delle pareti come ostacolo. Ecco perché l'arco dell'Alberti è percepito come l'opposto delle porte chiuse della città. L'arco è sempre aperto, come se servisse da cornice per aprire le viste e quindi collegare lo spazio urbano.

L'urbanizzazione rinascimentale non implica la vicinanza e l'isolamento dello spazio urbano, ma, al contrario, la sua distribuzione al di fuori della città. Il pathos offensivo aggressivo del "conquistatore della natura" è dimostrato dai progetti di Francesco di Giorgio Martini. Yu. M. Lotman ha scritto di questo impulso spaziale, caratteristico dei suoi trattati. Le fortezze Martini hanno nella maggior parte dei casi la forma di una stella, che è scoperta in tutte le direzioni dagli angoli delle mura con bastioni fortemente estesi verso l'esterno. Questa soluzione architettonica è stata in gran parte dovuta all'invenzione della palla di cannone. I cannoni, montati su bastioni molto avanzati nello spazio, permettevano di contrastare attivamente i nemici, colpirli a grande distanza e impedire loro di raggiungere le mura principali.

Leonardo Bruni, nelle sue opere elogiative su Firenze, ci presenta piuttosto che una città reale, ma una dottrina socioculturale incarnata, perché sta cercando di "correggere" l'impianto urbano e descrivere la posizione degli edifici in un modo nuovo. Di conseguenza, il Palazzo Signoria risulta essere al centro della città, da cui, come simbolo del potere urbano, divergono cinte murarie, fortificazioni, ecc., più ampie che in realtà.In questa descrizione, Bruni si discosta dal modello chiuso di una città medievale e cerca di incarnare nuova idea l'idea di espansione urbana, che è una sorta di simbolo di una nuova era. Firenze si impadronisce delle terre vicine e soggioga vasti territori.

Così, la città ideale nel XV secolo. è concepito non in una proiezione verticale sacralizzata, ma in uno spazio socio-culturale orizzontale, inteso non come sfera di salvezza, ma come confortevole ambiente di vita. Ecco perché la città ideale è rappresentata dagli artisti del XV secolo. non come una meta lontana, ma dall'interno, come una sfera bella e armoniosa della vita umana.

Tuttavia, è necessario notare alcune contraddizioni che erano inizialmente presenti nell'immagine della città rinascimentale. Nonostante in questo periodo siano apparse magnifiche e confortevoli dimore di un nuovo tipo, create principalmente “per il bene del popolo”, la città stessa comincia già a essere percepita come una gabbia di pietra, che non consente lo sviluppo di una personalità umana libera e creativa. Il paesaggio urbano può essere percepito come qualcosa che contraddice la natura e, come sapete, è la natura (sia umana che non umana) oggetto di ammirazione estetica per artisti, poeti e pensatori dell'epoca.

L'inizio dell'urbanizzazione dello spazio socio-culturale, anche nelle sue forme primarie, rudimentali ed entusiasticamente percepite, suscitava già un sentimento di solitudine ontologica, di abbandono nel mondo nuovo, “orizzontale”. In futuro, questa dualità si svilupperà, trasformandosi in un'acuta contraddizione della coscienza culturale dei tempi moderni e portando all'emergere di scenari utopici antiurbani.

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Arte rinascimentale in Italia (secoli XIII-XVI).

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Caratteristiche dell'arte del Rinascimento in Italia.

L'arte del Rinascimento è nata sulla base dell'umanesimo (dal latino humanus - "umano") - una tendenza del pensiero sociale che ha avuto origine nel XIV secolo. in Italia, e poi nella seconda metà del XV e nel XVI secolo. diffusione in altri paesi europei. L'umanesimo ha proclamato il valore più alto dell'uomo e del suo bene. I seguaci di questa tendenza credevano che ogni persona avesse il diritto di svilupparsi liberamente come persona, realizzando le proprie capacità. Le idee dell'umanesimo erano incarnate in modo più completo e vivido nell'arte, il cui tema principale era una persona bella, sviluppata armoniosamente con possibilità spirituali e creative illimitate. Gli umanisti sono stati ispirati dall'antichità, che è servita per loro come fonte di conoscenza e modello di creatività artistica. Il grande passato dell'Italia, che ricorda costantemente se stesso, era percepito all'epoca come la massima perfezione, mentre l'arte del Medioevo sembrava inetta e barbara. Il termine "revival", sorto nel XVI secolo, significava la nascita di una nuova arte, facendo rivivere la cultura antica classica. Tuttavia, l'arte del Rinascimento deve molto alla tradizione artistica del Medioevo. Il vecchio e il nuovo erano indissolubilmente legati e confrontati. Con tutta la diversità contraddittoria delle sue origini, l'arte del Rinascimento è segnata da una profonda e fondamentale novità. Ha gettato le basi della cultura europea dei tempi moderni. Tutte le principali forme d'arte - pittura e grafica, scultura, architettura - sono cambiate enormemente.
In architettura, i principi dell'antico rielaborati creativamente sistema di ordini , sono emersi nuovi tipi di edifici pubblici. La pittura è stata arricchita da lineare e prospettiva aerea conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano. Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Aumento dell'interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. Insieme ai monumentali dipinti murali che adornavano strutture architettoniche, apparve un'immagine; origine della pittura a olio.
L'arte non ha ancora cessato di essere un mestiere, ma l'individualità creativa dell'artista, le cui attività a quel tempo erano molto diverse, aveva già preso il primo posto. Il talento universale dei maestri del Rinascimento è sorprendente: spesso hanno lavorato contemporaneamente nel campo dell'architettura, della scultura e della pittura, unendo la loro passione per la letteratura, la poesia e la filosofia con lo studio delle scienze esatte. Il concetto di una personalità creativamente ricca, o "rinascimentale", divenne in seguito una parola familiare.
Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
La formazione della cultura rinascimentale in Italia ebbe luogo in città economicamente indipendenti. Nell'ascesa e nel fiorire dell'arte del Rinascimento, la Chiesa e le magnifiche corti dei sovrani senza corona - le ricche famiglie regnanti, che erano i maggiori mecenati e clienti di opere di pittura, scultura e architettura, giocarono un ruolo importante. I principali centri della cultura rinascimentale furono dapprima le città di Firenze, Siena, Pisa, poi Padova, Ferrara, Genova, Milano e successivamente, nella seconda metà del Quattrocento, la ricca Venezia mercantile. Nel XVI sec. capitale Rinascimento italiano divenne Roma. Da quel momento, tutti gli altri centri di cultura, ad eccezione di Venezia, hanno perso la loro antica importanza.
Nell'era del Rinascimento italiano, è consuetudine distinguere diversi periodi:

Protorinascimentale (seconda metà dei secoli XIII-XIV),

Primo Rinascimento (XV secolo),

Alto Rinascimento (fine XV - primo terzo del XVI secolo)

Tardo Rinascimento (ultimi due terzi del XVI secolo).

Protorinascimento

Nella cultura italiana dei secoli XIII-XIV. Sullo sfondo delle ancora forti tradizioni bizantine e gotiche, iniziarono ad apparire le caratteristiche di una nuova arte, che in seguito sarebbe stata chiamata l'arte del Rinascimento. Pertanto, questo periodo della sua storia è stato chiamato Protorinascimentale(dal greco "protos" - "primo", cioè preparato l'inizio del Rinascimento). Non c'è stato un periodo di transizione simile in nessuno dei paesi europei. Nella stessa Italia, l'arte proto-rinascimentale sorse e si sviluppò solo in Toscana ea Roma.
Nella cultura italiana si intrecciavano i tratti del vecchio e del nuovo. L'ultimo poeta del Medioevo e il primo poeta della nuova era, Dante Alighieri (1265-1321), creò la lingua letteraria italiana. Ciò che Dante iniziò fu continuato da altri grandi fiorentini del XIV secolo: Francesco Petrarca (1304-1374), il fondatore della poesia lirica europea, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), il fondatore del genere del romanzo (racconto) nel mondo letteratura. Vanto dell'epoca sono gli architetti e scultori Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e il pittore Giotto di Bondone .
Architettura
L'architettura italiana ha seguito a lungo le tradizioni medievali, che si esprimevano principalmente nell'uso di un gran numero di motivi gotici. Allo stesso tempo, lo stesso gotico italiano era molto diverso dall'architettura gotica del nord Europa: gravitava verso la calma grandi forme, luce uniforme, divisioni orizzontali, ampie superfici murarie. Nel 1296 iniziò la costruzione a Firenze Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio volle coronare l'altare della cattedrale con un'enorme cupola. Tuttavia, dopo la morte dell'architetto nel 1310, la costruzione fu ritardata, fu completata già in quel periodo Primo Rinascimento. Nel 1334, su progetto di Giotto, fu iniziata la costruzione del campanile della cattedrale, il cosiddetto campanile, una slanciata torre rettangolare con scansioni orizzontali per piani ed eleganti finestre gotiche, la cui forma ad arco ogivale era conservato nell'architettura italiana per lungo tempo.
Tra i palazzi cittadini più famosi c'è Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) a Firenze. Si ritiene che sia stato costruito da Arnolfo di Cambio. È un cubo pesante con un'alta torre, rivestita di bugnato di pietra dura. La facciata a tre piani è decorata da finestre binate inscritte in archi semicircolari, che conferiscono all'intero edificio un'impressione di sobria austerità. L'edificio definisce l'aspetto del centro storico, invadendo la piazza con una mole aspra.
Scultura
Ancor prima che nell'architettura e nella pittura, le ricerche artistiche si delinearono nella scultura, e soprattutto nella scuola pisana, il cui capostipite fu Niccolò Pisano (1220 circa - tra il 1278 e il 1284). Niccolò Pisano è nato in Puglia, nel sud Italia. Si ritiene che abbia studiato scultura nelle scuole meridionali, dove fiorì lo spirito di rinascita delle tradizioni classiche dell'antichità. Senza dubbio Niccolò studiò la decorazione scultorea dei sarcofagi tardo romani e paleocristiani. Il primo di oggi opere famose scultore - esagonale pulpito di marmo, da lui realizzato per il battistero di Pisa (1260), divenne un'opera eccezionale della scultura rinascimentale e ebbe un enorme impatto sul suo ulteriore sviluppo. Il risultato principale dello scultore è che è riuscito a dare volume ed espressività alle forme, e ogni immagine ha potere corporeo.
Dalla bottega di Niccolò Pisano provenivano i notevoli maestri della scultura del Proto-Rinascimento - suo figlio Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, noto anche come architetto. Arnolfo di Cambio (circa 1245 - dopo il 1310) gravitava verso la scultura monumentale, nella quale utilizzava le sue osservazioni di vita. Uno dei migliori lavori che ha fatto insieme a suo padre e suo figlio Pisano - Fontana in Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, ornata da numerose statue e rilievi, è diventata l'orgoglio della città. Era vietato bere animali da esso, prendere acqua nelle botti di vino o dentro piatti non lavati. Il museo cittadino conserva frammenti di figure distese realizzate da Arnolfo di Cambio per la fontana. In queste figure lo scultore è riuscito a trasmettere tutta la ricchezza dei movimenti del corpo umano.
Pittura
Nell'arte del Rinascimento italiano, la pittura murale occupava un posto dominante. È stato realizzato con la tecnica dell'affresco. Le pitture preparate sull'acqua venivano dipinte su intonaco bagnato (in realtà un affresco) o su asciutto - questa tecnica è chiamata "a secco" (tradotto dall'italiano - "secco"). Il principale legante dell'intonaco è la calce. Perché la calce impiega un po' di tempo per asciugarsi, la pittura ad affresco doveva essere fatta velocemente, spesso in parti, tra le quali c'erano giunture di collegamento. Dalla seconda metà del XV sec. la tecnica dell'affresco cominciò ad essere integrata con la pittura a secco; quest'ultimo consentiva un lavoro più lento e consentiva la finitura delle parti. Il lavoro sulle pitture murali è stato preceduto dalla realizzazione delle sinopie - disegni ausiliari applicati sotto l'affresco sul primo strato di intonaco. Questi disegni sono stati realizzati con ocra rossa, estratta dall'argilla vicino alla città di Sinop, situata sulla costa del Mar Nero. Secondo il nome della città, la vernice si chiamava Sinop, o sinopia, in seguito i disegni stessi iniziarono a essere chiamati allo stesso modo. La sinopia è stata utilizzata nella pittura italiana dal XIII alla metà del XV secolo. Tuttavia, non tutti i pittori hanno fatto ricorso all'aiuto della sinopia, ad esempio Giotto di Bondone, il più importante rappresentante dell'era del Proto-Rinascimento, ne fece a meno. A poco a poco, la sinopia fu abbandonata. Dalla metà del XV secolo. I cartoni erano ampiamente utilizzati nella pittura: disegni preparatori realizzati su carta o su tessuto delle dimensioni di opere future. I contorni del disegno sono stati trasferiti sull'intonaco umido con l'aiuto della polvere di carbone. È stato soffiato attraverso i fori praticati nel contorno e pressato nell'intonaco con uno strumento affilato. A volte la sinopia da uno schizzo si trasformava in un disegno monumentale finito e i cartoni acquisivano il valore di opere di pittura indipendenti.

Il fondatore del nuovo stile pittorico italiano è Cimabue (in realtà Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue era famoso a Firenze come maestro di dipinti d'altare solenni e di icone. Le sue immagini sono caratterizzate da astrazione e carattere statico. E sebbene Cimabue seguisse le tradizioni bizantine nel suo lavoro, nelle sue opere cercò di esprimere sentimenti terreni, ammorbidire la rigidità del canone bizantino.
Piero Cavallini (tra il 1240 e il 1250 - 1330 circa) visse e operò a Roma. È autore dei mosaici della Chiesa di Santa Maria in Trastevere (1291), nonché degli affreschi della Chiesa di Santa Cecilia in Trastevere (1293 circa). Nelle sue opere Cavallini ha dato volume e tangibilità alle forme.
Realizzazioni Cavallini adottato e continuato Giotto di Bondone(1266 o 1267 - 1337), il più grande artista del proto-rinascimento. Il nome di Giotto è associato a una svolta nello sviluppo della pittura italiana, alla sua rottura con i canoni artistici medievali e le tradizioni dell'arte italo-bizantina del XIII secolo. Maggior parte opere famose Giotto - affreschi della Cappella dell'Arena a Padova (1304-06). Gli affreschi si distinguono per la chiarezza, la semplicità narrativa, la presenza di dettagli quotidiani che danno vitalità e naturalezza alle scene rappresentate. Rifiutando il canone ecclesiastico che dominava l'arte dell'epoca, Giotto dipinge i suoi personaggi come simili a persone reali: con corpi proporzionati, tozzi, facce rotonde (anziché allungate), il taglio corretto degli occhi, ecc. I suoi santi non si librano sopra il suolo, ma stanno saldamente su di esso con entrambi i piedi. Pensano più al terreno che al celeste, provando sentimenti ed emozioni completamente umani. Per la prima volta nella storia della pittura italiana, lo stato d'animo degli eroi di un dipinto viene trasmesso dalle espressioni facciali, dai gesti, dalla postura. Al posto del tradizionale fondo dorato, gli affreschi di Giotto raffigurano paesaggi, interni o gruppi scultorei sulle facciate delle basiliche.
Nella seconda metà del XIV sec. viene alla ribalta la pittoresca scuola senese. Il più grande e raffinato maestro della pittura senese del XIV secolo. era Simone Martini (c. 1284-1344). Il pennello di Simone Martini possiede la prima immagine nella storia dell'arte di un cemento evento storico con un ritratto di un contemporaneo. Questa immagine " Condottiero Guidoriccio da Fogliano"nella sala del Mappamondo del Palazzo Pubblico (Siena), che fu il prototipo di numerosi futuri ritratti equestri. La pala d'altare L'Annunciazione di Simone Martini, oggi conservata alla Galleria degli Uffizi di Firenze, gode di meritata fama.

Caratteristiche del Rinascimento. Protorinascimentale

Caratteristiche del Rinascimento

Primo Rinascimento

Nel XV sec. l'arte d'Italia occupava una posizione dominante nella vita artistica d'Europa. A Firenze furono gettate le basi di una cultura umanistica laica (cioè non ecclesiastica), che relegò Siena e Pisa in secondo piano. Il potere politico qui apparteneva a mercanti e artigiani, l'influenza più forte sugli affari cittadini era esercitata da diverse famiglie benestanti, che erano costantemente in competizione tra loro. Questa lotta terminò alla fine del XIV secolo. vittoria della casa bancaria dei Medici. Il suo capo, Cosimo de' Medici, divenne il tacito sovrano di Firenze. Scrittori, poeti, scienziati, architetti, artisti accorrevano alla corte di Cosimo Medici. La cultura rinascimentale di Firenze raggiunse il suo apice sotto Lorenzo de' Medici, soprannominato il Magnifico. Lorenzo fu un grande mecenate delle arti e delle scienze, il creatore dell'Accademia Platonica, dove si riunivano le menti eminenti d'Italia, poeti e filosofi, dove si tenevano raffinati dibattiti che elevavano lo spirito e la mente.

Architettura

Sotto Cosimo e Lorenzo Medici, avvenne una vera rivoluzione nell'architettura di Firenze: qui fu avviata un'ampia costruzione, che cambiò notevolmente il volto della città. L'antenato dell'architettura rinascimentale in Italia era Filippo Brunelleschi(1377-1446) - architetto, scultore e scienziato, uno dei creatori della teoria scientifica della prospettiva. Il più grande risultato ingegneristico del Brunelleschi fu la costruzione della cupola. Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze. Grazie al suo genio matematico e tecnico, Brunelleschi riuscì a risolvere il problema più difficile del suo tempo. La principale difficoltà che il maestro dovette affrontare fu causata dalla gigantesca luce della croce mediana (42 m), che richiedeva sforzi particolari per facilitare la diffusione. Brunelleschi risolse il problema applicando un ingegnoso disegno: una leggera cupola cava costituita da due gusci, un sistema di intelaiatura di otto nervature portanti collegate da anelli che le cingono, una lanterna leggera che chiudeva e caricava l'arco. La cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore divenne il precursore di numerose chiese a cupola in Italia e in altri paesi europei.

Brunelleschi fu uno dei primi nell'architettura d'Italia a comprendere in modo creativo e interpretare originariamente l'antico sistema di ordini ( Ospedale degli Innocenti (Rifugio per trovatelli), 1421-44), segnò l'inizio della creazione di chiese a cupola basate sull'antico ordine ( Chiesa di San Lorenzo ). Un vero gioiello del Primo Rinascimento fu creato da Brunelleschi su commissione di una ricca famiglia fiorentina Cappella Pazzi(iniziato nel 1429). L'umanesimo e la poesia dell'opera di Brunelleschi, la proporzione armoniosa, la leggerezza e l'eleganza dei suoi edifici, che conservano un legame con le tradizioni del gotico, la libertà creativa e la validità scientifica delle sue idee determinarono la grande influenza di Brunelleschi sul successivo sviluppo dell'architettura rinascimentale .

Una delle principali realizzazioni dell'architettura italiana del XV secolo. fu la creazione di una nuova tipologia di palazzi cittadini, il palazzo, che servì da modello per gli edifici pubblici di un'epoca successiva. Caratteristiche del palazzo quattrocentesco sono una netta divisione del volume chiuso dell'edificio in tre piani, un cortile aperto con arcate al piano estivo, l'uso della ruggine (pietra con una superficie frontale approssimativamente smussata o convessa) per il rivestimento della facciata, nonché una cornice decorativa fortemente estesa . Un esempio lampante di questo stile è la costruzione del capitello dello studente di Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), l'architetto di corte della famiglia Medici, - Palazzo Medici-Riccardi (1444-60), che servì da modello per la costruzione di molti palazzi fiorentini. La creazione di Michelozzo è vicina Palazzo Strozzo(fondata nel 1481), a cui è associato il nome dell'architetto e scultore Benedetto da Maiano (1442-97).

Un posto speciale nella storia dell'architettura italiana è occupato da Leon Battista Alberti(1404-72). Un uomo dotato e ampiamente istruito, fu uno dei più brillanti umanisti del suo tempo. La gamma dei suoi interessi era insolitamente varia. Copreva la morale e il diritto, la matematica, la meccanica, l'economia, la filosofia, la poesia, la musica, la pittura, la scultura, l'architettura. Brillante stilista, l'Alberti ha lasciato numerose opere in latino e in italiano. In Italia e all'estero, Alberti si guadagnò la fama di eccezionale teorico dell'arte. Alla sua penna appartengono i famosi trattati “Dieci libri sull'architettura” (1449-52), “Sulla pittura”, “Sulla statua” (1435-36). Ma l'architettura era la principale vocazione di Alberti. Nel lavoro architettonico, Alberti gravitava verso soluzioni audaci e sperimentali, utilizzando in modo innovativo l'antico patrimonio artistico. Alberti creò un nuovo tipo di palazzo cittadino ( Palazzo Rucellai ). Nell'architettura religiosa, alla ricerca della grandezza e della semplicità, Alberti ha utilizzato motivi di archi e arcate trionfali romani nella progettazione delle facciate ( Chiesa di Sant'Andrea a Mantova, 1472-94). Il nome Alberti è giustamente considerato uno dei primi tra i grandi creatori della cultura del Rinascimento italiano.

Scultura

Nel XV sec. La scultura italiana, che ha acquisito un significato indipendente dall'architettura, è fiorente. Gli ordini per la decorazione di edifici pubblici cominciano a entrare nella pratica della vita artistica; si svolgono concorsi artistici. Uno di questi concorsi - per la lavorazione del bronzo della seconda porta settentrionale del battistero fiorentino (1401) - è considerato un evento significativo che aprì nuova pagina nella storia della scultura rinascimentale italiana. La vittoria fu vinta da Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Una delle persone più istruite del suo tempo, il primo storico Arte italiana, brillante disegnatore, Ghiberti dedicò la sua vita a un tipo di scultura: il rilievo. Il principio principale della sua arte Ghiberti considerava l'equilibrio e l'armonia di tutti gli elementi dell'immagine. L'apice del lavoro di Ghiberti fu porte est del battistero di firenze (1425-52), che immortalò il nome del maestro. La decorazione delle porte comprende dieci composizioni quadrate in bronzo dorato (" Creazione di Adamo ed Eva”), con la loro insolita espressività che ricorda i dipinti pittoreschi. L'artista è riuscito a trasmettere la profondità dello spazio, saturo di immagini della natura, figure di persone, strutture architettoniche. Con la mano leggera di Michelangelo iniziarono ad essere chiamate le porte orientali del battistero fiorentino "Porte del Paradiso".

La bottega del Ghiberti divenne scuola per un'intera generazione di artisti, in particolare vi lavorò il famoso Donatello, il grande riformatore della scultura italiana. L'opera di Donatello (c. 1386-1466), che assorbì le tradizioni democratiche della cultura fiorentina del XIV secolo, è uno dei picchi nello sviluppo dell'arte del primo Rinascimento. Incarnava la ricerca di mezzi nuovi e realistici per rappresentare la realtà, caratteristica dell'arte del Rinascimento, molta attenzione all'uomo e al suo mondo spirituale. L'influenza dell'opera di Donatello sullo sviluppo dell'arte rinascimentale italiana fu enorme.

La seconda generazione di scultori fiorentini gravitava verso un'arte più lirica, pacifica, secolare. Il ruolo di primo piano in esso apparteneva alla famiglia degli scultori della Robbia. Il capofamiglia, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), divenne famoso per l'uso della tecnica dello smalto nella scultura tonda e nel rilievo. La tecnica dello smalto (maiolica), nota fin dall'antichità ai popoli dell'Asia Minore, fu portata nella penisola iberica e nell'isola di Maiorca (da cui il nome) nel Medioevo, per poi diffondersi ampiamente in Italia. Lucca della Robbia realizzò medaglioni con rilievi su fondo blu intenso per edifici e altari, ghirlande di fiori e frutti, busti in maiolica della Madonna, Cristo e santi. L'arte allegra, elegante e gentile di questo maestro ha ricevuto un meritato riconoscimento dai suoi contemporanei. Grande perfezione nella tecnica della maiolica fu raggiunta anche dal nipote Andrea della Robbia (1435-1525) ( rilievi sulla facciata dell'Ospedale degli Innocenti).

Pittura

L'enorme ruolo che Brunelleschi ebbe nell'architettura del primo Rinascimento, e Donatello nella scultura, appartenne a Masaccio (1401-1428) nella pittura. Masaccio morì giovane, prima di raggiungere i 27 anni, eppure riuscì a fare molto nella pittura. Il famoso storico dell'arte Vipper disse: "Masaccio è uno dei geni più indipendenti e coerenti nella storia della pittura europea, il fondatore di un nuovo realismo ..." Continuando la ricerca di Giotto, Masaccio rompe coraggiosamente con le tradizioni artistiche medievali. In affresco "Trinità"(1426-27), realizzato per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, per la prima volta in un murale dipinto di Masaccio applica la prospettiva completa. Nei murales della Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze (1425-28) - la creazione principale della sua breve vita - Masaccio conferisce alle immagini una vitalità senza precedenti, sottolinea la fisicità e la monumentalità dei suoi personaggi, trasmette magistralmente lo stato emotivo della profondità psicologica delle immagini. In Affresco "Cacciata dal Paradiso" l'artista risolve il compito più difficile del suo tempo per rappresentare una figura umana nuda. L'arte aspra e coraggiosa di Masaccio ha avuto un enorme impatto sulla cultura artistica del Rinascimento.

Lo sviluppo della pittura del primo Rinascimento fu ambiguo: gli artisti andarono per conto loro, a volte in modi diversi. L'inizio secolare, il desiderio di una narrazione affascinante, il sentimento lirico terreno trovarono vivida espressione nelle opere di Fra Filippo Lippi (1406-69), monaco dell'ordine carmelitano. Maestro affascinante, autore di molte composizioni d'altare, tra le quali il dipinto è considerato il migliore « Adorazione del Bambino » realizzato per la cappella di Palazzo Medici-Riccardi, Filippo Lippi è riuscito a trasmettere in loro calore umano e amore poetico per la natura.

A metà del XV sec. la pittura dell'Italia centrale conobbe una rapida fioritura, un ottimo esempio cui la creatività può servire Piero della Francesca(1420-92), il più grande artista e teorico dell'arte del Rinascimento. La più notevole creazione di Piero della Francesca - ciclo di affreschi nella chiesa di San Francesco ad Arezzo, che si basano sulla leggenda dell'albero vivificante della croce. Gli affreschi, disposti su tre ordini, ripercorrono la storia della croce vivificante fin dall'inizio, quando un albero sacro cresce dal seme dell'albero del paradiso della conoscenza del bene e del male sulla tomba di Adamo. ("Morte di Adamo") fino alla fine, quando l'imperatore bizantino Eraclio restituisce solennemente la reliquia cristiana a Gerusalemme (« Battaglia tra Eraclio e Cosroe » ). L'opera di Piero della Francesca va oltre le scuole pittoriche locali e determina lo sviluppo dell'arte italiana in generale.

Nella seconda metà del XV secolo, molti valenti artigiani lavorarono nel nord Italia nelle città di Verona, Ferrara e Venezia. Tra i pittori di questo periodo, il più famoso è Andrea Mantegna (1431-1506), maestro della pittura da cavalletto e monumentale, disegnatore e incisore, scultore e architetto. Il modo pittorico dell'artista si distingue per l'inseguimento di forme e disegni, il rigore e la veridicità delle immagini generalizzate. Grazie alla profondità spaziale e alla natura scultorea delle figure, Mantegna ottiene l'impressione di una scena reale congelata per un momento: i suoi personaggi sembrano così voluminosi e naturali. La maggior parte della sua vita Mantegna visse a Mantova, dove creò la sua opera più famosa - murale "Camera degli Sposi" nel castello campestre dei Marchesi L. Gonzaga. Con la sola pittura, ha creato qui un lussuoso interno rinascimentale, un luogo per ricevimenti e feste cerimoniali. L'arte del Mantegna, che godette di grande fama, influenzò l'intera pittura dell'Italia settentrionale.

Appartiene a un posto speciale nella pittura del primo Rinascimento Sandro Botticelli(in realtà Alessandro di Mariano Filipepi), che nacque nel 1445 a Firenze nella famiglia di un ricco conciatore di pelli. Nel 1459-64. il giovane studia pittura con il famoso maestro fiorentino Filippo Lippi. Nel 1470 aprì la propria bottega a Firenze e nel 1472 entrò a far parte dell'Arte di San Luca.

La prima creazione di Botticelli fu la composizione "Forza", che eseguì per la corte mercantile di Firenze. Il giovane artista guadagnò rapidamente la fiducia dei clienti e guadagnò fama, che attirò l'attenzione di Lorenzo il Magnifico, il nuovo sovrano di Firenze, che divenne il suo maestro di corte e favorito. Botticelli eseguì la maggior parte dei suoi dipinti per le case del duca e di altre famiglie nobili fiorentine, nonché per chiese, monasteri ed edifici pubblici fiorentini.

Seconda metà degli anni Settanta e Ottanta del Quattrocento divenne per Botticelli un periodo di fioritura creativa. Per la facciata principale della chiesa di Santa Maria Novella scrive la composizione " Adorazione dei Magi"- una specie di mitizzato ritratto di gruppo la famiglia Medici. Pochi anni dopo, l'artista crea la sua famosa allegoria mitologica "Primavera".

Nel 1481 papa Sisto IV ordinò a un gruppo di pittori, tra cui Botticelli, di decorare la sua cappella con affreschi, che in seguito ricevettero il nome di "Sistina". Affreschi della Cappella Sistina di Botticelli Tentazione di Cristo », « Scene della vita di Mosè », « Punizione di Corea, Dathan e Aviron". Negli anni successivi Botticelli completò una serie di 4 affreschi basati su racconti del Decamerone di Boccaccio, creò le sue opere mitologiche più famose ("La nascita di Venere", " Pallade e Centauro”), oltre a numerose composizioni d'altare per le chiese fiorentine (“ Incoronazione della Vergine Maria », « Altare di San Barnaba"). Molte volte si è rivolto all'immagine della Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna con melograno », « Madonna con un libro”), ha lavorato anche nel genere dei ritratti (“ Ritratto di Giuliano Medici”, “Ritratto di giovane donna”, “Ritratto di giovane uomo”).

Negli anni Novanta del Quattrocento, durante il periodo dei moti sociali che sconvolsero Firenze e le prediche mistiche del monaco Savonarola, nell'arte di Botticelli compaiono note moralistiche e drammatiche (“La calunnia”, “ Compianto per Cristo », « natale mistico"). Sotto l'influsso del Savonarola, in un impeto di esaltazione religiosa, l'artista distrusse addirittura alcune sue opere. A metà degli anni Novanta, con la morte di Lorenzo il Magnifico e la cacciata del figlio Pietro da Firenze, Botticelli perse la sua fama di grande artista. Dimenticato, vive tranquillamente la sua vita nella casa del fratello Simone. Nel 1510 l'artista morì.

La raffinata arte di Botticelli con elementi di stilizzazione (ovvero generalizzazione delle immagini utilizzando tecniche convenzionali - semplificazione di colore, forma e volume) è considerata uno degli apici dello sviluppo della pittura. L'arte di Botticelli, a differenza della maggior parte dei maestri del primo Rinascimento, era basata sull'esperienza personale. Eccezionalmente sensibile e sincero, Botticelli ha attraversato un difficile e tragico percorso di ricerca creativa - dalla percezione poetica del mondo nella sua giovinezza al misticismo e all'esaltazione religiosa nell'età adulta.

RISVEGLIO ANTICIPATO

RISVEGLIO ANTICIPATO

Alto Rinascimento

L'Alto Rinascimento, che ha dato all'umanità grandi maestri come Leonardo Da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione, Tiziano, Bramante, copre un periodo di tempo relativamente breve - la fine del XV e il primo terzo del XVI secolo. Solo a Venezia il fiorire dell'arte continuò fino alla metà del sec.

Cambiamenti fondamentali associati agli eventi decisivi nella storia del mondo, ai successi del pensiero scientifico avanzato, all'infinito ampliamento delle idee delle persone sul mondo, non solo sulla terra, ma anche sullo spazio. La percezione del mondo e della personalità umana sembrava essersi allargata; nella creatività artistica, ciò si rifletteva non solo nella maestosa scala di strutture architettoniche, monumenti, solenni cicli di affreschi e dipinti, ma anche nel loro contenuto, espressività delle immagini. L'arte dell'Alto Rinascimento è un processo artistico vivace e complesso con abbaglianti risvegli luminosi e conseguenti crisi.

Donato Bramante.

Roma divenne il centro dell'architettura dell'Alto Rinascimento, dove si formò un unico stile classico sulla base di precedenti scoperte e successi. I maestri hanno utilizzato in modo creativo l'antico sistema di ordini, creando strutture la cui maestosa monumentalità era in sintonia con l'epoca. Donato Bramante (1444-1514) divenne il più grande rappresentante dell'architettura dell'Alto Rinascimento. Gli edifici del Bramante si distinguono per monumentalità e imponenza, perfezione armoniosa delle proporzioni, integrità e chiarezza delle soluzioni compositive e spaziali e uso libero e creativo delle forme classiche. il più alto realizzazione creativa Bramante è una ricostruzione del Vaticano (l'architetto ha effettivamente creato un nuovo edificio, includendovi organicamente vecchi edifici sparsi). Bramante è anche autore del progetto della Cattedrale di San Pietro a Roma. Con la sua opera Bramante determinò lo sviluppo dell'architettura nel XVI secolo.

Leonardo Da Vinci.

Nella storia dell'umanità non è facile trovarne un altro uguale personalità brillante, come fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento Leonardo Da Vinci(1452-1519). La natura globale delle attività di questo grande artista, scultore, architetto, scienziato e ingegnere divenne chiara solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi del suo lascito, che contavano oltre settemila fogli contenenti progetti scientifici e architettonici, invenzioni e schizzi. È difficile nominare l'area di conoscenza che il suo genio non avrebbe toccato. L'universalismo di Leonardo è così incomprensibile che il famoso biografo delle figure rinascimentali, Giorgio Vasari, non potrebbe spiegare questo fenomeno se non con l'intervento del cielo: "Qualunque cosa quest'uomo si rivolga, ogni sua azione porta il timbro della divinità".

Nel suo famoso "Trattato della pittura" (1498) e in altri appunti, Leonardo prestò grande attenzione allo studio del corpo umano, alle informazioni sull'anatomia, alle proporzioni, al rapporto tra movimenti, espressioni facciali e stato emotivo di una persona. Leonardo si occupò anche dei problemi del chiaroscuro, del modellato volumetrico, della prospettiva lineare e aerea. Leonardo ha reso omaggio non solo alla teoria dell'arte. Ha creato una serie di magnifiche pale d'altare e ritratti. Il pennello di Leonardo appartiene a una delle opere più famose della pittura mondiale: "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo ha creato immagini scultoree monumentali, strutture architettoniche progettate e costruite. Leonardo rimane ancora oggi una delle personalità più carismatiche del Rinascimento. A lui è dedicato un numero enorme di libri, la sua vita è studiata nel modo più dettagliato. E, tuttavia, gran parte del suo lavoro rimane un mistero e continua ad eccitare le menti delle persone.

Raffaele Santi.

Anche l'arte di Raffaello Santi (1483-1520) appartiene ai vertici del Rinascimento italiano. L'idea di sublime bellezza e armonia è associata all'opera di Raffaello nella storia dell'arte mondiale. È generalmente accettato che nella costellazione di brillanti maestri dell'Alto Rinascimento, Raffaello fosse il principale portatore di armonia. L'implacabile ricerca di un inizio luminoso e perfetto permea tutto il lavoro di Raffaello, costituisce il suo significato interiore. Il suo lavoro è straordinariamente attraente nella sua naturale eleganza (" Madonna Sistina"). Forse è per questo che il maestro ha guadagnato una così straordinaria popolarità presso il pubblico e ha avuto sempre molti seguaci tra gli artisti. Raffaello non era solo uno straordinario pittore, ritrattista, ma anche un muralista che lavorava nella tecnica dell'affresco, un architetto e un decoratore. Tutti questi talenti si manifestarono con particolare forza nei suoi dipinti degli appartamenti di Papa Giulio II in Vaticano ("Scuola di Atene"). Nell'arte di un artista geniale è nata una nuova immagine di un uomo del Rinascimento: bello, armonioso, perfetto fisicamente e spiritualmente.

Michelangelo Buonarroti.

Contemporaneo Leonardo Da Vinci e Rafael era il loro eterno rivale - Michelangelo Buonarroti , più grande maestro Alto Rinascimento - scultore, pittore, architetto e poeta. Mio modo creativo questo titano del rinascimento iniziò con la scultura. Le sue colossali statue sono diventate il simbolo di un uomo nuovo: un eroe e un combattente ("David"). Il maestro ha eretto molte strutture architettoniche e scultoree, la più famosa delle quali è la Cappella Medici a Firenze. Lo splendore di queste opere è costruito sulla colossale tensione dei sentimenti dei personaggi ( Sarcofago di Giuliano de' Medici). Ma particolarmente famosi sono i dipinti di Michelangelo in Vaticano, nella Cappella Sistina, in cui si dimostrò un brillante pittore. Forse nessuno nel mondo dell'arte, né prima né dopo Michelangelo, ha creato personaggi così forti nel corpo e nello spirito (“ Creazione di Adamo"). L'enorme e incredibilmente complesso affresco sul soffitto è stato realizzato dal solo artista, senza assistenti; Rimane insuperabile fino ad oggi. opera monumentale pittura italiana. Ma oltre agli affreschi del soffitto della Cappella Sistina, il maestro, già in età avanzata, creò il "Giudizio Universale" ferocemente ispiratore, un simbolo del crollo degli ideali della sua grande epoca.

Michelangelo ha lavorato molto e fruttuosamente in architettura, in particolare ha supervisionato la costruzione della Cattedrale di San Pietro e dell'ensemble Piazza del Campidoglio A Roma. L'opera del grande Michelangelo costituì un'intera epoca ed era molto in anticipo sui tempi, svolse un ruolo colossale nell'arte mondiale, in particolare influenzò la formazione dei principi del barocco.

Giorgione e Tiziano.

Nella storia dell'arte dell'Alto Rinascimento, Venezia è entrata in una pagina luminosa, dove la pittura è al suo apice. Giorgione è considerato il primo maestro del Rinascimento a Venezia. La sua arte è molto speciale. In esso regna lo spirito di chiara armonia e una speciale contemplazione intima e fantasticheria. Scriveva spesso deliziose bellezze, vere dee. Di solito questa è una finzione poetica: l'incarnazione di un sogno irrealizzabile, l'ammirazione per un sentimento romantico e una bella donna. Nei suoi dipinti c'è un accenno di passione sensuale, dolce piacere, felicità ultraterrena. Con l'arte del Giorgione la pittura veneziana acquista un significato tutto italiano, affermando le sue caratteristiche artistiche.

Tiziano dentro passò alla storia dell'arte italiana come titano e capostipite della scuola veneziana, come simbolo del suo massimo splendore. Nel lavoro di questo artista, il respiro di una nuova era si è manifestato con una forza speciale: burrascoso, tragico, sensuale. L'opera di Tiziano si distingue per una copertura eccezionalmente ampia e versatile di tipi e generi di pittura. Tiziano è stato uno dei fondatori della pittura d'altare monumentale, del paesaggio come genere autonomo, di vari tipi di ritratti, compresi quelli solenne-cerimoniali. Nel suo lavoro immagini ideali fianco a fianco con personaggi luminosi, conflitti tragici - con scene di gioia giubilante, composizioni religiose - con dipinti mitologici e storici.

Tiziano ha sviluppato un nuovo tecnica pittorica, che ha avuto un'influenza eccezionale sull'ulteriore, fino al XX secolo, lo sviluppo delle belle arti mondiali. Tiziano appartiene ai più grandi coloristi della pittura mondiale. I suoi dipinti risplendono d'oro e di una complessa gamma di vibranti toni luminosi di colore. Tiziano, vissuto per quasi un secolo, è sopravvissuto al crollo degli ideali rinascimentali, l'opera del maestro appartiene per metà al tardo Rinascimento. Il suo eroe, che entra nella lotta contro le forze ostili, muore, ma conserva la sua grandezza. L'influenza della grande bottega di Tiziano influenzò tutta l'arte veneziana.

ALTO RISVEGLIO

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Tardo Rinascimento

Nella seconda metà del XVI sec. in Italia cresceva il declino dell'economia e del commercio, il cattolicesimo entrava in lotta con la cultura umanistica, l'arte era in profonda crisi. Ha rafforzato le tendenze antirinascimentali, incarnate nel manierismo. Tuttavia, il manierismo quasi non ha influenzato Venezia, che nella seconda metà XVI secolo divenne l'obiettivo principale dell'arte del tardo Rinascimento. In linea con l'alta tradizione umanistica rinascimentale, nelle nuove condizioni storiche di Venezia, si sviluppò l'opera dei grandi maestri del tardo Rinascimento, arricchita di nuove forme: Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

L'opera dell'architetto italiano settentrionale Andrea Palladio (1508-80), basata su uno studio approfondito dell'architettura antica e rinascimentale, è uno dei vertici dell'arte del tardo Rinascimento. Palladio sviluppò i principi dell'architettura, che furono sviluppati nell'architettura del classicismo europeo dei secoli XVII-XVIII. e ricevette il nome di Palladianesimo. L'architetto ha delineato le sue idee nell'opera teorica Four Books on Architecture (1570). Gli edifici del Palladio (principalmente palazzi e ville urbane) sono pieni di aggraziata bellezza e naturalezza, completezza armoniosa e rigoroso ordine, si distinguono per chiarezza e opportunità di pianificazione e connessione organica con l'ambiente ( Palazzo Chiericati). La capacità di armonizzare l'architettura con il paesaggio circostante si manifestò con particolare forza nelle ville palladiane, intrise di un senso elegiaco e illuminato della natura e segnate da classica chiarezza e semplicità di forme e composizione ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio creò il primo edificio teatrale monumentale in Italia, il Teatro Olimpico. L'influenza del Palladio sullo sviluppo dell'architettura nei secoli successivi fu enorme.

Veronese e Tintoretto..

Carattere festoso, che afferma la vita Rinascimento veneziano più chiaramente manifestato nell'opera di Paolo Veronese. Artista monumentale, ha creato magnifici complessi decorativi di pitture murali e sul soffitto con molti personaggi e dettagli divertenti. Veronese ha creato il suo stile: i suoi dipinti spettacolari e spettacolari sono pieni di emozioni, passione e vita, e gli eroi, la nobiltà veneziana, si trovano solitamente in palazzi patrizi o sullo sfondo di una natura lussureggiante. Sono portati via da feste grandiose o feste incantevoli ("Nozze di Cana"). Veronese fu il maestro dell'allegra Venezia, dei suoi trionfi, il poeta del suo splendore dorato. Veronese aveva un dono eccezionale come colorista. I suoi colori sono permeati di luce, intensi e non si limitano a dotare di colore gli oggetti, ma si trasformano essi stessi in oggetto, trasformandosi in nuvole, tessuto, corpo umano. Per questo motivo, la vera bellezza di figure e oggetti viene moltiplicata dalla bellezza del colore e della trama, che produce un forte impatto emotivo sullo spettatore.

L'esatto contrario di Veronese era il suo contemporaneo Tintoretto (1518-94), l'ultimo grande maestro del Rinascimento italiano. L'abbondanza di influenze artistiche esterne si è dissolta nell'individualità creativa unica di Tintoretto. Nella sua opera fu una figura gigantesca, artefice di temperamento vulcanico, passioni violente e intensità eroica. Il suo lavoro è stato un enorme successo sia tra i contemporanei che tra le generazioni successive. Tintoretto si distingueva per una capacità di lavoro davvero disumana, ricerca instancabile. Ha sentito la tragedia del suo tempo in modo più acuto e profondo della maggior parte dei suoi contemporanei. Il maestro si ribellò alle tradizioni consolidate nelle arti visive: l'osservanza della simmetria, il rigoroso equilibrio, la staticità; ha ampliato i confini dello spazio, lo ha saturato di dinamiche, azioni drammatiche, ha iniziato a esprimere i sentimenti umani in modo più vivido. 1590 . L'arte del manierismo parte dagli ideali rinascimentali della percezione armoniosa del mondo. L'uomo è in balia di forze soprannaturali. Il mondo appare instabile, traballante, in uno stato di degrado. Le immagini manieriste sono piene di ansia, irrequietezza, tensione. L'artista si allontana dalla natura, si sforza di superarla, seguendo nel suo lavoro una “idea interiore” soggettiva, la cui base non è il mondo reale, ma l'immaginazione creativa; il mezzo di esecuzione è la "bella maniera" come somma di certe tecniche. Tra questi ci sono l'allungamento arbitrario delle figure, il complesso ritmo serpentino, l'irrealtà dello spazio e della luce fantastici, e talvolta i colori freddi e penetranti.

Jacopo Pontormo (1494-1556) fu il più grande e dotato maestro del manierismo, pittore dal complesso destino creativo. Nel suo dipinto famoso « Discesa dalla Croce» la composizione è instabile, le figure sono pretenziosamente spezzate, i colori chiari sono nitidi. Francesco Mazzola, soprannominato il Parmigianino (1503-40) amava impressionare lo spettatore: ad esempio scrisse il suo " Autoritratto in uno specchio convesso". La deliberata deliberatezza lo distingue dipinto famoso « Madonna dal collo lungo ».

Il pittore di corte dei Medici Agnolo Bronzino (1503-72) è noto per i suoi ritratti cerimoniali. Riecheggiavano l'era delle sanguinose atrocità e del declino morale che attanagliava i circoli più alti della società italiana. I nobili clienti del Bronzino sono, per così dire, separati dallo spettatore da una distanza invisibile; la rigidità delle loro pose, l'impassibilità dei loro volti, la ricchezza dei loro vestiti, i gesti delle loro belle mani anteriori: tutto questo è come un guscio esterno che nasconde una vita interiore imperfetta. Nel ritratto di Eleonora di Toledo con suo figlio (1545 circa), l'inaccessibilità dell'immagine fredda e distaccata è rafforzata dal fatto che l'attenzione dello spettatore è completamente assorbita dal motivo piatto e ampio dei magnifici abiti di broccato della duchessa. Il tipo di ritratto di corte creato dai manieristi influenzò l'arte del ritratto dei secoli XVI-XVII. in molti altri paesi europei.

L'arte del manierismo era transitoria: il Rinascimento stava svanendo nel passato, era giunto il momento per un nuovo paneuropeo stile artistico- barocco.

Arte del Rinascimento settentrionale.

Paesi Europa settentrionale non avevano il loro passato antico, ma nella loro storia spicca il periodo rinascimentale: dalla svoltaXV – XVIper la seconda metàXVIIsecolo. Questa volta si distingue per la penetrazione degli ideali rinascimentali in vari ambiti della cultura e per il graduale cambiamento del suo stile. Come nella culla del Rinascimento, nell'arte del Rinascimento settentrionale, l'interesse per il mondo reale ha cambiato le forme della creatività artistica. Tuttavia, l'arte dei paesi del nord non era caratterizzata dal pathos della pittura italiana, glorificando il potere dell'uomo-titano. I borghesi (i cosiddetti ricchi cittadini) apprezzavano di più l'integrità, la fedeltà al dovere e alla parola, la santità del voto coniugale e il focolare. Nei circoli borghesi si stava sviluppando il proprio ideale di persona: un uomo chiaro, sobrio, pio e professionale. L'arte dei borghesi poeticizza la persona media ordinaria e il suo mondo: il mondo della vita quotidiana e delle cose semplici.

Maestri del Rinascimento nei Paesi Bassi.

Le nuove caratteristiche dell'arte rinascimentale apparvero principalmente nei Paesi Bassi, che era uno dei paesi più ricchi e industrializzati d'Europa. A causa della loro vasta relazioni internazionali I Paesi Bassi hanno accettato le nuove scoperte molto più velocemente di altri paesi nordici.

Lo stile rinascimentale nei Paesi Bassi è stato aperto Jan Van Eyck(1390-1441). La sua opera più famosa è Pala d'altare di Gand, su cui l'artista ha iniziato a lavorare con suo fratello, e ha continuato a lavorare dopo la sua morte in proprio per altri 6 anni. L'altare di Gand, realizzato per la cattedrale della città, è una piega a due livelli, su 12 tavole delle quali sono raffigurate immagini di vita quotidiana, quotidiana (sulle tavole esterne, che erano visibili quando la piega era chiusa) e festosa, giubilante, trasfigurata vita (sulle porte interne, che apparivano aperte durante feste in chiesa). Questo è un monumento d'arte, che glorifica la bellezza della vita terrena. Il sentimento emotivo di Van Eyck - "il mondo è come un paradiso", ogni particella del quale è bella - è espresso in modo chiaro e chiaro. L'artista ha fatto affidamento su molte osservazioni della natura. Tutte le figure e gli oggetti hanno volume e peso tridimensionali. I fratelli Van Eycke furono tra i primi a scoprirne le possibilità pittura ad olio; da questo momento inizia il graduale spostamento della tempera da essa.

Nella seconda metà di Xvsecolo, pieno di conflitti politici e religiosi, nell'arte dei Paesi Bassi spicca un'arte complessa e peculiare Hieronymus Bosch(1450?-1516). Questo è un artista molto curioso con un'immaginazione straordinaria. Viveva nel suo mondo terribile. Nei dipinti di Bosch c'è una condensazione di rappresentazioni folcloristiche medievali, montaggi grotteschi del vivente e del meccanico, del terribile e del comico. Nelle sue composizioni, che non avevano un centro, non c'è un personaggio principale. Lo spazio in più strati è riempito da numerosi gruppi di figure e oggetti: rettili mostruosamente esagerati, rospi, ragni, creature terribili in cui si combinano parti di diverse creature e oggetti. Lo scopo delle composizioni di Bosch è l'edificazione morale. Bosch non trova armonia e perfezione nella natura, le sue immagini demoniache ricordano la vitalità e l'onnipresenza del male mondiale, il ciclo della vita e della morte.

L'uomo nei dipinti di Bosch è patetico e debole. Quindi, nel trittico Trasporto di fieno» l'artista svela la storia dell'umanità. L'ala sinistra racconta la storia della caduta di Adamo ed Eva, quella destra raffigura l'Inferno e tutti gli orrori che qui attendono i peccatori. La parte centrale dell'immagine illustra il proverbio popolare "Il mondo è un pagliaio, ognuno ne prende quello che riesce ad afferrare". Bosch mostra come le persone combattono per un pezzo di fieno, muoiono sotto le ruote di un carro, cercano di arrampicarsi su di esso. In cima al carro, rinunciando al mondo, gli amanti cantano e si baciano. Da un lato c'è un angelo e dall'altro il diavolo: chi vincerà? Creature raccapriccianti trascinano il carro negli inferi. Dietro tutte le azioni delle persone, Dio guarda perplesso. L'immagine è intrisa di uno stato d'animo ancora più cupo " Portare la Croce”: Cristo porta la sua pesante croce, circondato da persone disgustose con occhi sporgenti e bocche spalancate. Per loro il Signore si sacrifica, ma la sua morte in croce li lascerà indifferenti.

Bosch era già morto quando nacque un altro famoso artista olandese: Pieter Brueghel il Vecchio(1525-1569), soprannominato Muzhitsky per molti dipinti raffiguranti la vita dei contadini. Brueghel ha preso come base molti argomenti proverbi popolari, preoccupazioni quotidiane della gente comune. La completezza delle immagini dei dipinti" matrimonio contadino" E " danza contadina"porta il potere degli elementi del popolo. Anche le immagini racconti biblici Le opere di Brueghel sono abitate dagli olandesi, e le vicende della lontana Giudea si svolgono sullo sfondo di strade innevate sotto il cielo cupo della sua Paese d'origine (« Sermone di Giovanni Battista"). Mostrando apparentemente poco importante, minore, l'artista parla della cosa principale nella vita delle persone, ricrea lo spirito del suo tempo.

Una piccola tela Cacciatori nella neve" (Gennaio) della serie "Le stagioni" è considerato uno dei capolavori insuperabili della pittura mondiale. I cacciatori stanchi con i cani tornano a casa. Insieme a loro, lo spettatore entra nella collina, da cui si apre il panorama di un piccolo paese. Rive del fiume innevate, alberi spinosi congelati nell'aria limpida e gelida, gli uccelli volano, si siedono sui rami degli alberi e sui tetti delle case, le persone sono impegnate nelle loro faccende quotidiane. Tutte queste apparentemente sciocchezze, insieme all'azzurro del cielo, agli alberi neri, al bianco della neve, creano nell'immagine un panorama del mondo che l'artista ama appassionatamente.

Il dipinto più tragico di Brueghel Parabola dei ciechi"Scritto dall'artista poco prima della sua morte. Lei illustra racconto evangelico"Se i ciechi guidano i ciechi, cadranno entrambi nella fossa." Forse questa è un'immagine dell'umanità, accecata dai suoi desideri, che si avvia verso la sua morte. Brueghel però non giudica, ma, comprendendo le leggi del rapporto delle persone tra loro, con l'ambiente, penetrando nell'essenza della natura umana, rivela alle persone stesse il loro posto nel mondo.

Pittura in Germania durante il Rinascimento.

Le caratteristiche del Rinascimento nell'arte della Germania compaiono più tardi che nei Paesi Bassi. Il periodo di massimo splendore dell'umanesimo tedesco, delle scienze secolari e della cultura cade nei primi anniXVIv. Fu un breve periodo durante il quale la cultura tedesca diede al mondo i più alti valori artistici. Prima di tutto, dovrebbero includere opere Albrecht Durer(1471-1528) - l'artista più importante del Rinascimento tedesco.

Dürer - rappresentante tipico Rinascimento, fu pittore, incisore, matematico e ingegnere, scrisse trattati sulla fortificazione e teoria dell'arte. SU autoritratti appare intelligente, nobile, concentrato, pieno di profonde riflessioni filosofiche. Nei dipinti, Dürer non si accontenta della bellezza formale, ma cerca di dare un'espressione simbolica di pensieri astratti.

Un posto speciale nell'eredità creativa di Dürer appartiene alla serie Apocalypse, che comprende 15 grandi xilografie. Dürer illustra le predizioni della "Rivelazione di Giovanni il Teologo", ad esempio il foglio " quattro cavalieri"simboleggia terribili disastri: guerra, pestilenza, carestia, giudizio ingiusto. Il presagio di cambiamento, dure prove e disastri, espresso nelle incisioni, si rivelò profetico (presto iniziarono la Riforma e le guerre contadine e di religione che ne seguirono).

Un altro grande artista di quel tempo era Lucas Cranach il Vecchio(1472-1553). L'Hermitage ospita i suoi dipinti Madonna col Bambino sotto il melo" E " Ritratto femminile". In essi vediamo il volto di una donna, catturato in molti dipinti del maestro (si chiama anche "Cranach"): un piccolo mento, una stretta fessura degli occhi, capelli dorati. L'artista scrive con cura gioielli e vestiti, i suoi dipinti sono una festa per gli occhi. La purezza e l'ingenuità delle immagini ti fanno ancora una volta sbirciare in questi dipinti. Cranach è stato un meraviglioso ritrattista, ha creato immagini di molti famosi contemporanei: Martin Lutero (che era suo amico), il duca Enrico di Sassonia e molti altri.

Ma il ritrattista più famoso del Rinascimento settentrionale può essere senza dubbio riconosciuto come un altro pittore tedesco. Hans Holbein il Giovane(1497-1543). Per lungo tempo fu pittore di corte del re inglese EnricoVIII. Nel suo ritratto, Holbein trasmette perfettamente la natura imperiosa del re, che non ha familiarità con il dubbio. Piccoli occhi intelligenti su un viso carnoso tradiscono in lui un tiranno. Ritratto di Enrico VIII era così affidabile che spaventava le persone che conoscevano il re. Holbein dipinse ritratti di molti personaggi famosi dell'epoca, in particolare lo statista e scrittore Thomas More, il filosofo Erasmo da Rotterdam e molti altri.

Lo sviluppo della cultura rinascimentale in Germania, nei Paesi Bassi e in alcuni altri paesi europei fu interrotto dalla Riforma e dalle guerre di religione che ne seguirono. Successivamente, è arrivato il momento della formazione di nuovi principi nell'arte, che sono entrati nella fase successiva del suo sviluppo.

Arte rinascimentale

Rinascimento- questo è il periodo di massimo splendore di tutte le arti, compreso il teatro, la letteratura e la musica, ma, senza dubbio, la principale tra esse, che esprimeva più pienamente lo spirito del suo tempo, erano le belle arti.

Non a caso esiste una teoria secondo cui il Rinascimento ebbe inizio con il fatto che gli artisti non si accontentarono più del quadro dello stile "bizantino" dominante e, alla ricerca di modelli per il loro lavoro, furono i primi a rivolgersi a all'antichità. Il termine "Rinascimento" (Rinascimento) fu introdotto dal pensatore e artista dell'epoca stessa, Giorgio Vasari ("Biografia di famosi pittori, scultori e architetti"). Così chiamò il tempo dal 1250 al 1550. Dal suo punto di vista, questo era il momento della rinascita dell'antichità. Per Vasari l'antichità appare in modo ideale.

In futuro, il contenuto del termine si è evoluto. La rinascita cominciò a significare l'emancipazione della scienza e dell'arte dalla teologia, un raffreddamento verso l'etica cristiana, la nascita delle letterature nazionali, il desiderio dell'uomo di libertà dalle restrizioni della Chiesa cattolica. Cioè, il Rinascimento, in sostanza, cominciò a significare umanesimo.

RISVEGLIO, RINASCIMENTO(Francese renais sance - rinascita) - una delle più grandi epoche, un punto di svolta nello sviluppo dell'arte mondiale tra il Medioevo e il nuovo tempo. Il Rinascimento copre i secoli XIV-XVI. in Italia, secoli XV-XVI. negli altri paesi europei. Il suo nome - Rinascimento (o Rinascimento) - questo periodo nello sviluppo della cultura ricevuto in connessione con la rinascita dell'interesse per arte antica. Tuttavia, gli artisti di quel tempo non solo copiavano vecchi schemi, ma vi inserivano anche un contenuto qualitativamente nuovo. Il Rinascimento non dovrebbe essere considerato uno stile o una direzione artistica, poiché in quest'epoca c'erano vari stili, tendenze, correnti artistiche. L'ideale estetico del Rinascimento si è formato sulla base di una nuova visione del mondo progressista: l'umanesimo. Il mondo reale e l'uomo sono stati proclamati il ​​valore più alto: l'uomo è la misura di tutte le cose. Il ruolo della persona creativa è particolarmente aumentato.

Il pathos umanistico dell'epoca si incarnava al meglio nell'arte, che, come nei secoli precedenti, mirava a dare un'immagine dell'universo. La novità era che cercavano di unire il materiale e lo spirituale in un tutt'uno. Era difficile trovare una persona indifferente all'arte, ma la preferenza era data alle belle arti e all'architettura.

Pittura italiana del XV secolo per lo più monumentali (affreschi). La pittura occupa un posto di primo piano tra i tipi di belle arti. Corrisponde nel modo più completo al principio rinascimentale di "imitare la natura". Un nuovo sistema visivo si forma sulla base dello studio della natura. L'artista Masaccio ha dato un degno contributo allo sviluppo della comprensione del volume, della sua trasmissione con l'ausilio del chiaroscuro. La scoperta e la fondatezza scientifica delle leggi della prospettiva lineare e aerea hanno influenzato in modo significativo l'ulteriore destino della pittura europea. Si sta formando un nuovo linguaggio plastico della scultura, il suo fondatore è stato Donatello. Ha fatto rivivere la statua rotonda indipendente. La sua opera migliore è la scultura del David (Firenze).

In architettura vengono resuscitati i principi dell'antico sistema di ordine, viene aumentata l'importanza delle proporzioni, si formano nuovi tipi di edifici (palazzo cittadino, villa di campagna, ecc.), la teoria dell'architettura e il concetto di città ideale sono in fase di sviluppo. L'architetto Brunelleschi costruì edifici in cui unì l'antica comprensione dell'architettura e le tradizioni del tardo gotico, raggiungendo una nuova spiritualità figurativa dell'architettura, sconosciuta agli antichi. Durante l'alto Rinascimento, la nuova visione del mondo si incarnava al meglio nell'opera di artisti giustamente chiamati geni: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione e Tiziano. Gli ultimi due terzi del XVI secolo detto tardo rinascimentale. In questo momento, la crisi riguarda l'arte. Diventa regolato, cortese, perde il suo calore e la sua naturalezza. Tuttavia, singoli grandi artisti - Tiziano, Tintoretto continuano a creare capolavori durante questo periodo.

Il Rinascimento italiano ha avuto un enorme impatto sull'arte di Francia, Spagna, Germania, Inghilterra e Russia.

L'aumento dello sviluppo dell'arte dei Paesi Bassi, della Francia e della Germania (secoli XV-XVI) è chiamato il Rinascimento settentrionale. L'opera dei pittori Jan van Eyck, P. Brueghel il Vecchio è l'apice di questo periodo nello sviluppo dell'arte. In Germania, A. Dürer è stato il più grande artista del Rinascimento tedesco.

Le scoperte fatte durante il Rinascimento nel campo della cultura e dell'arte spirituale furono di grande importanza storica per lo sviluppo dell'arte europea nei secoli successivi. L'interesse per loro continua ancora oggi.

Il Rinascimento in Italia ha attraversato diverse fasi: primo Rinascimento, alto Rinascimento, tardo Rinascimento. Firenze divenne la culla del Rinascimento. Le basi della nuova arte furono sviluppate dal pittore Masaccio, dallo scultore Donatello e dall'architetto F. Brunelleschi.

Il primo a creare dipinti invece di icone fu il più grande maestro del Proto-Rinascimento Giotto. Fu il primo a sforzarsi di trasmettere idee etiche cristiane attraverso la rappresentazione di veri sentimenti ed esperienze umane, sostituendo il simbolismo con la rappresentazione dello spazio reale e di oggetti specifici. Sui famosi affreschi di Giotto in Cappella dell'Arena a Padova puoi vedere personaggi abbastanza insoliti accanto ai santi: pastori o filatori. Ogni singola persona in Giotto esprime esperienze ben definite, un carattere definito.

Nell'era del primo Rinascimento nell'arte avviene lo sviluppo dell'antico patrimonio artistico, si formano nuovi ideali etici, gli artisti si rivolgono alle conquiste della scienza (matematica, geometria, ottica, anatomia). Il ruolo principale nella formazione dei principi ideologici e stilistici dell'arte del primo Rinascimento è svolto da Firenze. Nelle immagini create da maestri come Donatello, Verrocchio, la statua equestre del condottiero Gattamelata David di Donatello domina i principi eroici e patriottici ("San Giorgio" e "David" di Donatello e "David" di Verrocchio).

Masaccio fu il fondatore della pittura rinascimentale.(murales nella Cappella Brancacci, "Trinità"), Masaccio è stato in grado di trasmettere la profondità dello spazio, ha collegato la figura e il paesaggio con un'unica idea compositiva e ha dato agli individui l'espressività del ritratto.

Ma la formazione e l'evoluzione del ritratto pittorico, che riflette l'interesse della cultura rinascimentale per l'uomo, sono associate ai nomi degli artisti della scuola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Il lavoro dell'artista si distingue nel primo Rinascimento Sandro Botticelli. Le immagini che ha creato sono spiritualizzate e poetiche. I ricercatori notano l'astrazione e il raffinato intellettualismo nelle opere dell'artista, il suo desiderio di creare composizioni mitologiche dal contenuto complicato e crittografato ("Primavera", "La nascita di Venere"). Uno dei biografi di Botticelli ha affermato che le sue Madonne e Veneri danno l'impressione di perdita, provocandoci una sensazione di tristezza indelebile... Alcuni di loro hanno perso il cielo, altri - la terra.

"Primavera" "Nascita di Venere"

Il culmine nello sviluppo dei principi ideologici e artistici del Rinascimento italiano è Alto Rinascimento. Il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento è Leonardo da Vinci, un grande artista e scienziato.

Lui creò intera linea Capolavori: "Mona Lisa" ("La Gioconda") A rigor di termini, il volto stesso della Gioconda si distingue per moderazione e calma, il sorriso che ha creato la sua fama mondiale e che in seguito divenne una parte indispensabile delle opere della scuola di Leonardo è appena percettibile in esso. Ma nella foschia dolcemente fondente che avvolge il viso e la figura, Leonardo è riuscito a far sentire l'infinita variabilità delle espressioni facciali umane. Sebbene gli occhi della Gioconda guardino attentamente e con calma lo spettatore, a causa dell'ombreggiatura delle sue orbite, si potrebbe pensare che siano leggermente accigliati; le sue labbra sono compresse, ma vicino ai loro angoli si delineano ombre appena percettibili, che fanno credere che ogni minuto si apriranno, sorrideranno, parleranno. Il contrasto stesso tra il suo sguardo e il mezzo sorriso sulle sue labbra dà un'idea della natura contraddittoria delle sue esperienze. Non invano Leonardo ha torturato il suo modello con lunghe sessioni. Come nessun altro, è riuscito a trasmettere ombre, sfumature e mezzitoni in questa immagine, che danno origine a una sensazione di vita tremante. Non c'è da stupirsi che Vasari abbia pensato che sul collo della Gioconda si vede come batte una vena.

Nel ritratto della Gioconda, Leonardo non solo ha trasmesso perfettamente il corpo e l'ambiente aereo che lo avvolge. Ci mise anche la comprensione di ciò di cui l'occhio ha bisogno affinché un quadro produca un'impressione armoniosa, motivo per cui tutto sembra che le forme nascano naturalmente l'una dall'altra, come accade nella musica quando si risolve una dissonanza tesa da un accordo armonioso. La Gioconda è perfettamente inscritta in un rettangolo rigorosamente proporzionale, la sua mezza figura forma qualcosa di intero, le mani giunte conferiscono completezza alla sua immagine. Ora, ovviamente, non si poteva parlare dei bizzarri riccioli della prima Annunciazione. Tuttavia, per quanto ammorbiditi tutti i contorni, la ciocca ondulata dei capelli della Gioconda è in sintonia con il velo trasparente, e il tessuto sospeso gettato sulla spalla trova un'eco nelle sinuose curve della strada lontana. In tutto questo Leonardo mostra la sua capacità di creare secondo le leggi del ritmo e dell'armonia. “In termini di tecnica, Monna Lisa è sempre stata considerata qualcosa di inspiegabile. Ora penso di poter rispondere a questo indovinello", dice Frank. Secondo lui, Leonardo ha usato la tecnica che ha sviluppato "sfumato" (italiano "sfumato", letteralmente - "scomparso come il fumo"). Il trucco è che gli oggetti nei dipinti non dovrebbero avere confini chiari, tutto dovrebbe passare agevolmente dall'uno all'altro, i contorni degli oggetti sono ammorbiditi con l'aiuto della foschia leggera e aerea che li circonda. La principale difficoltà di questa tecnica risiede nei tratti più piccoli (circa un quarto di millimetro) che non sono accessibili per il riconoscimento né al microscopio né ai raggi X. Pertanto, ci sono volute diverse centinaia di sessioni per dipingere un dipinto da Vinci. L'immagine della Gioconda è composta da circa 30 strati di pittura ad olio liquida, quasi trasparente. Per tali lavori di gioielleria, apparentemente l'artista doveva usare una lente d'ingrandimento. Forse spiega l'uso di una tecnica così laboriosa per molto tempo lavorare sul ritratto - quasi 4 anni.

, "L'ultima Cena" fa un'impressione duratura. Sul muro, come per superarlo e portare lo spettatore nel mondo dell'armonia e delle visioni maestose, si svolge l'antico dramma gospel della fiducia ingannata. E questo dramma trova la sua risoluzione in un impulso generale diretto al personaggio principale: un marito dal volto addolorato, che accetta quanto sta accadendo come inevitabile. Cristo aveva appena detto ai suoi discepoli: "Uno di voi mi tradirà". Il traditore siede con gli altri; gli antichi maestri raffiguravano Giuda seduto separato, ma Leonardo metteva in risalto in modo molto più convincente il suo cupo isolamento, avvolgendo i suoi lineamenti con un'ombra. Cristo è sottomesso al suo destino, pieno di coscienza del sacrificio della sua impresa. La sua testa inclinata con gli occhi abbassati, il gesto delle sue mani sono infinitamente belli e maestosi. Un incantevole paesaggio si apre attraverso la finestra dietro la sua figura. Cristo è il centro di tutta la composizione, di tutto quel vortice di passioni che imperversano intorno. La sua tristezza e calma sono, per così dire, eterne, naturali - e questo è il significato profondo del dramma mostrato: cercava nella natura le fonti delle forme d'arte perfette, ma N. Berdyaev lo considera responsabile del processo in arrivo di meccanizzazione e meccanizzazione della vita umana, che ha strappato una persona dalla natura.

La pittura raggiunge l'armonia classica nella creatività Raffaello. La sua arte si evolve dalle prime fredde immagini umbre delle Madonne (Madonna Conestabile) al mondo del "cristianesimo felice" delle opere fiorentine e romane. "Madonna con cardellino" e "Madonna in poltrona" sono morbidi, umani e persino ordinari nella loro umanità.

Ma l'immagine della "Madonna Sistina" è maestosa, collegando simbolicamente il mondo celeste e quello terreno. Soprattutto, Raffaello è conosciuto come il creatore di dolci immagini di Madonne. Ma nella pittura incarnava sia l'ideale dell'uomo universale rinascimentale (ritratto di Castiglione), sia il dramma degli eventi storici. La Madonna Sistina (1513 circa, Dresda, Pinacoteca) è una delle opere più ispirate dell'artista. Scritto come pala d'altare per la chiesa del monastero di S. Sisto a Piacenza, questo dipinto, per disegno, composizione e interpretazione dell'immagine, si discosta notevolmente dalle Madonne del periodo fiorentino. Invece di un'immagine intima e terrena di una bella fanciulla che segue con condiscendenza i divertimenti di due bambini, qui abbiamo una visione meravigliosa apparsa improvvisamente nel cielo a causa di una tenda tirata su da qualcuno. Circondata da un fulgore dorato, solenne e maestoso, Maria cammina tra le nuvole, tenendo davanti a sé il Cristo bambino. Sinistra e destra si inginocchiano davanti a lei S. Sisto e S. Barbara. La composizione simmetrica, rigorosamente equilibrata, la chiarezza della silhouette e la monumentale generalizzazione delle forme conferiscono alla Madonna Sistina una grandezza speciale.

In questo quadro Raffaello, forse in misura maggiore che altrove, riuscì a coniugare la veridicità realistica dell'immagine con i tratti della perfezione ideale. L'immagine della Madonna è complessa. La commovente purezza e l'ingenuità di una giovanissima donna si uniscono in lui alla ferma determinazione e all'eroica prontezza al sacrificio. Questo eroismo rende l'immagine della Madonna legata alle migliori tradizioni dell'umanesimo italiano. La combinazione dell'ideale e del reale in questa immagine richiama alla mente le note parole di Raffaello in una lettera all'amico B. Castiglione. "E ti dirò", ha scritto Raphael, "che per scrivere una bellezza, ho bisogno di vedere molte bellezze ... ma a causa della mancanza ... nelle belle donne, uso un'idea che mi viene in mente . Non so se abbia una qualche perfezione, ma mi sforzo molto per raggiungerla. Queste parole fanno luce sul metodo creativo dell'artista. Partendo dalla realtà e facendo affidamento su di essa, si sforza allo stesso tempo di elevare l'immagine al di sopra di tutto ciò che è accidentale e transitorio.

Michelangelo(1475-1564) - senza dubbio uno degli artisti più ispirati nella storia dell'arte e, insieme a Leonardo da Vinci, la figura più potente dell'alto rinascimento italiano. Come scultore, architetto, pittore e poeta, Michelangelo ebbe un'enorme influenza sui suoi contemporanei e sulla successiva arte occidentale in generale.

Si considerava fiorentino, sebbene fosse nato il 6 marzo 1475 nel piccolo villaggio di Caprese vicino alla città di Arezzo. Michelangelo amava profondamente la sua città, la sua arte, la sua cultura e portò questo amore fino alla fine dei suoi giorni. Trascorse la maggior parte dei suoi anni maturi a Roma, lavorando per i papi; lasciò però testamento, secondo il quale il suo corpo fu sepolto a Firenze, in una bella tomba nella chiesa di Santa Croce.

Michelangelo ha eseguito scultura in marmo Pietà(Compianto su Cristo) (1498-1500), che si trova ancora nella sua collocazione originaria - nella Cattedrale di San Pietro. Questa è una delle opere più famose nella storia dell'arte mondiale. La pietà fu probabilmente completata da Michelangelo prima che avesse 25 anni. Questa è l'unica opera che ha firmato. La giovane Maria è raffigurata con il Cristo morto sulle ginocchia, immagine mutuata dall'arte nordeuropea. Lo sguardo di Mary non è tanto triste quanto solenne. Questo il punto più alto opera del giovane Michelangelo.

L'opera non meno significativa del giovane Michelangelo era un'immagine di marmo gigante (4,34 m). Davide(Accademia, Firenze), eseguito tra il 1501 e il 1504, dopo essere tornato a Firenze. Eroe Vecchio Testamento raffigurato da Michelangelo sotto forma di un giovane bello, muscoloso e nudo che guarda in lontananza con ansia, come se stesse valutando il suo nemico - Golia, con il quale deve combattere. L'espressione vivace e tesa del volto di David è caratteristica di molte delle opere di Michelangelo: questo è un segno del suo modo scultoreo individuale. Il David, la scultura più famosa di Michelangelo, è diventato un simbolo di Firenze ed era originariamente collocato in Piazza della Signoria di fronte a Palazzo Vecchio, il municipio fiorentino. Con questa statua, Michelangelo dimostrò ai suoi contemporanei di aver superato non solo tutti gli artisti contemporanei, ma anche i maestri dell'antichità.

Dipinto sulla volta della Cappella Sistina Nel 1505 Michelangelo fu convocato a Roma da papa Giulio II per adempiere a due ordini. Il più importante fu l'affresco della volta della Cappella Sistina. Lavorando sdraiato su un'alta impalcatura proprio sotto il soffitto, Michelangelo realizzò le più belle illustrazioni per alcune storie bibliche tra il 1508 e il 1512. Sulla volta della cappella papale, ha raffigurato nove scene del Libro della Genesi, iniziando con la separazione della luce dalle tenebre e includendo la creazione di Adamo, la creazione di Eva, la tentazione e la caduta di Adamo ed Eva e il diluvio universale . Intorno ai dipinti principali si alternano immagini di profeti e sibille su troni marmorei, altri personaggi dell'Antico Testamento e gli antenati di Cristo.

Per preparare questa grande opera, Michelangelo realizzò un numero enorme di schizzi e cartoni, sui quali raffigurò le figure dei soggetti in una varietà di pose. Queste immagini regali e potenti dimostrano la magistrale comprensione dell'artista dell'anatomia e del movimento umano, che ha dato slancio a una nuova direzione nell'arte dell'Europa occidentale.

Altre due eccellenti statue, Prigioniero legato e Morte di uno schiavo(entrambi c. 1510-13) sono al Louvre, Parigi. Dimostrano l'approccio di Michelangelo alla scultura. A suo avviso le figure sono semplicemente racchiuse all'interno del blocco di marmo, ed è compito dell'artista liberarle asportando la pietra in eccesso. Spesso Michelangelo lasciava le sculture incompiute, o perché non servivano più o semplicemente perché perdevano interesse per l'artista.

Biblioteca di San Lorenzo Il progetto della tomba di Giulio II richiese uno studio architettonico, ma il serio lavoro di Michelangelo in campo architettonico iniziò solo nel 1519, quando gli fu commissionata la facciata della Biblioteca di San Lorenzo a Firenze, dove l'artista tornò nuovamente ( questo progetto non è mai stato realizzato). Negli anni Venti del Cinquecento progettò anche l'elegante atrio della Biblioteca annessa alla chiesa di San Lorenzo. Queste strutture furono completate solo pochi decenni dopo la morte dell'autore.

Michelangelo, aderente alla fazione repubblicana, partecipò negli anni 1527-29 alla guerra contro i Medici. Le sue responsabilità includevano la costruzione e la ricostruzione delle fortificazioni di Firenze.

Cappelle Medicee. Dopo aver vissuto a Firenze per un periodo piuttosto lungo, Michelangelo portò a termine tra il 1519 e il 1534 l'incarico della famiglia Medici di erigere due sepolcri nella nuova sagrestia della chiesa di San Lorenzo. In una sala dall'alta volta a cupola, l'artista fece erigere addossate alle pareti due magnifiche tombe, destinate a Lorenzo De Medici, duca di Urbino ea Giuliano De Medici, duca di Nemours. Due tombe complesse sono state concepite come rappresentazioni di tipi opposti: Lorenzo - una persona chiusa in se stessa, una persona riflessiva, ritirata; Giuliano, invece, è attivo, aperto. Sopra la tomba di Lorenzo, lo scultore ha collocato sculture allegoriche del Mattino e della Sera, e sopra la tomba di Giuliano - allegorie del Giorno e della Notte. I lavori sulle tombe medicee continuarono dopo che Michelangelo tornò a Roma nel 1534. Non ha mai più visitato la sua amata città.

Giudizio Universale

Dal 1536 al 1541 Michelangelo lavorò a Roma per dipingere la parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano. Il più grande affresco del Rinascimento raffigura il giorno del Giudizio Universale: Cristo, con un fulmine infuocato in mano, divide inesorabilmente tutti gli abitanti della terra nei giusti salvati, raffigurati sul lato sinistro della composizione, e i peccatori che scendono in Inferno di Dante (lato sinistro dell'affresco). Seguendo rigorosamente la propria tradizione, Michelangelo originariamente dipinse tutte le figure nude, ma un decennio dopo alcuni artisti puritani le "vestirono" man mano che il clima culturale diventava più conservatore. Michelangelo ha lasciato il proprio autoritratto sull'affresco: il suo volto è facilmente intuibile sulla pelle strappata dal Santo Martire Apostolo Bartolomeo.

Sebbene in questo periodo Michelangelo avesse altre commissioni pittoriche, come la pittura della cappella di San Paolo Apostolo (1940), prima di tutto cercò di dedicare tutte le sue forze all'architettura.

Cupola della Cattedrale di San Pietro. Nel 1546 Michelangelo fu nominato capo architetto della Cattedrale di San Pietro in Vaticano, che era in costruzione. L'edificio fu costruito secondo il progetto di Donato Bramante, ma Michelangelo si occupò infine della costruzione dell'abside dell'altare e dello sviluppo della soluzione ingegneristica e artistica per la cupola della cattedrale. Il completamento della costruzione della Cattedrale di San Pietro fu il più alto traguardo del maestro fiorentino nel campo dell'architettura. Durante la sua lunga vita, Michelangelo fu intimo amico di principi e papi, da Lorenzo de Medici a Leone X, Clemente VIII e Pio III, oltre che di molti cardinali, pittori e poeti. Il carattere dell'artista, la sua posizione nella vita è difficile da comprendere in modo inequivocabile attraverso le sue opere: sono così diverse. Tranne forse nella poesia, nelle sue stesse poesie, Michelangelo si è rivolto più spesso e più profondamente a questioni di creatività e al suo posto nell'arte. Un posto importante nelle sue poesie è dato ai problemi e alle difficoltà che dovette affrontare nel suo lavoro, e ai rapporti personali con i rappresentanti più in vista di quell'epoca.Uno dei più famosi poeti del Rinascimento, Lodovico Ariosto scrisse un epitaffio per Questo artista famoso: "Michele è più di un mortale, è un angelo divino."

PAGINA \* MERGEFORMAT 2

agenzia federale trasporto ferroviario

Università statale dei trasporti siberiana

Dipartimento di "Filosofia"

IMMAGINI ARTISTICHE DEL RINASCIMENTO

Saggio

Nella disciplina "Culturologia"

Testa progettata

Professore studente gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(firma) (firma)

08.12.2012

(data di ispezione) (data di presentazione per ispezione)

anno 2012

introduzione

Il Rinascimento è considerato uno dei periodi più luminosi nella storia dello sviluppo della cultura europea. Possiamo dire che il revival è un'intera era culturale nel processo di transizione dal Medioevo al nuovo tempo, durante il quale si è verificato uno sconvolgimento culturale (un punto di svolta, un cambiamento). I cambiamenti fondamentali sono associati all'eradicazione della mitologia.

Nonostante l'origine del termine Rinascimento (fr. Rinascimento, "Rinascimento"), non ci fu alcun risveglio dell'antichità e non poteva esserlo. L'uomo non può tornare al suo passato. Il Rinascimento, utilizzando le lezioni dell'antichità, ha introdotto innovazioni. Non ha riportato in vita tutti i generi antichi, ma solo quelli che erano caratteristici delle aspirazioni del suo tempo e della sua cultura. Il Rinascimento combinò una nuova lettura dell'antichità con una nuova lettura del cristianesimo.

La rilevanza dell'argomento scelto è dovuta alla connessione tra l'era moderna e il Rinascimento: questa è una rivoluzione, prima di tutto, nel sistema di valori, nella valutazione di tutto ciò che esiste e in relazione ad esso.

Lo scopo principale dell'opera è mostrare i cambiamenti fondamentali avvenuti nella visione del mondo delle più grandi figure dell'epoca in esame.

1. Cultura del Rinascimento

XIII-XVI I secoli sono stati un periodo di grandi cambiamenti nell'economia, nella politica e nella cultura. La rapida crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, e successivamente il passaggio alla produzione manifatturiera, trasformarono il volto dell'Europa medievale.

Le città sono venute alla ribalta. Non molto tempo prima, le forze più potenti del mondo medievale - l'impero e il papato - erano in profonda crisi. IN XVI secolo, il decadente Sacro Romano Impero della nazione tedesca divenne teatro delle prime due rivoluzioni antifeudali: la Grande Guerra dei Contadini in Germania e la Rivolta dei Paesi Bassi.

La natura transitoria dell'epoca, il processo di liberazione dai percorsi medievali in atto in tutti gli ambiti della vita, allo stesso tempo, l'ancora sottosviluppo delle relazioni capitaliste emergenti non poteva che incidere sulle caratteristiche della cultura artistica e del pensiero estetico di quel tempo .

Secondo A. V. Stepanov, tutti i cambiamenti nella vita della società sono stati accompagnati da un ampio rinnovamento della cultura: il fiorire delle scienze naturali ed esatte, della letteratura nelle lingue nazionali e delle belle arti. Nato nelle città d'Italia, questo rinnovamento ha poi catturato altri paesi europei. L'autore ritiene che dopo l'avvento della stampa si siano aperte opportunità senza precedenti per la diffusione di opere letterarie e scientifiche e una comunicazione più regolare e stretta tra i paesi abbia contribuito alla penetrazione di nuove tendenze artistiche.

Ciò non significava che il Medioevo si fosse ritirato prima delle nuove tendenze: le idee tradizionali erano conservate nella coscienza di massa. La chiesa ha resistito a nuove idee, usando un mezzo medievale: l'Inquisizione. L'idea della libertà della persona umana ha continuato ad esistere in una società divisa in classi. La forma feudale di dipendenza dei contadini non è scomparsa del tutto e in alcuni paesi (Germania, Europa centrale) si è verificato un ritorno alla servitù. Il sistema feudale ha mostrato molta vitalità. Ogni Stato europeo l'ha vissuta a modo suo e all'interno del proprio quadro cronologico. Il capitalismo è esistito a lungo come stile di vita, coprendo solo una parte della produzione sia in città che in campagna. Tuttavia, la lentezza patriarcale medievale iniziò a retrocedere nel passato.

Le grandi scoperte geografiche hanno giocato un ruolo enorme in questa svolta. Ad esempio, nel 1492. H. Colombo, alla ricerca di una via per l'India, attraversò l'Oceano Atlantico e sbarcò vicino alle Bahamas, scoprendo un nuovo continente: l'America. Nel 1498 Il viaggiatore spagnolo Vasco da Gama, dopo aver doppiato l'Africa, portò con successo le sue navi sulle coste dell'India. CON XVI v. Gli europei stanno penetrando in Cina e Giappone, di cui prima avevano solo una vaga idea. Dal 1510 inizia la conquista dell'America. IN XVII v. L'Australia è stata scoperta. L'idea della forma della terra è cambiata: il giro del mondo di F. Magellan ha confermato la congettura che abbia la forma di una palla.

Il disprezzo per tutto ciò che è terreno è ora sostituito da un avido interesse per il mondo reale, per l'uomo, per la coscienza della bellezza e della grandezza della natura, che potrebbe essere dimostrato analizzando i monumenti culturali del Rinascimento. Il primato della teologia sulla scienza, indiscutibile nel Medioevo, è scosso dalla fede nelle illimitate possibilità della mente umana, che diventa la misura più alta della verità. Sottolineando l'interesse per l'umano in contrapposizione al divino, i rappresentanti della nuova intellighenzia secolare si definirono umanisti, derivando questa parola dal concetto di " studia humanitanis ”, intendendo lo studio di tutto ciò che è connesso con la natura umana e il suo mondo spirituale.

Per le opere e l'arte del Rinascimento divenne caratteristica l'idea di un essere libero con possibilità creative illimitate. È associato all'antropocentrismo nell'estetica del Rinascimento e alla comprensione del bello, del sublime, dell'eroico. Il principio di una bella personalità umana artistica e creativa è stato combinato dai teorici del Rinascimento con un tentativo di calcolare matematicamente tutti i tipi di proporzioni, simmetria e prospettiva.

Il pensiero estetico e artistico di quest'epoca si basa per la prima volta su percezione umana in quanto tale e su un'immagine sensualmente reale del mondo. Qui colpisce anche la sete soggettivista-individualista di sensazioni di vita, indipendentemente dalla loro interpretazione religiosa e morale, sebbene quest'ultima, in linea di principio, non sia negata. L'estetica del Rinascimento concentra l'arte sull'imitazione della natura. Tuttavia, in primo luogo qui non c'è tanto la natura quanto l'artista, che nella sua attività creativa è paragonato a Dio.

E. Chamberlin considera il piacere uno dei principi più importanti per la percezione delle opere d'arte, perché questo indica una significativa tendenza democratica rispetto all'"apprendimento" scolastico delle precedenti teorie estetiche.

Il pensiero estetico del Rinascimento contiene non solo l'idea di assolutizzazione dell'individuo umano in contrapposizione alla personalità divina nel Medioevo, ma anche una certa consapevolezza dei limiti di tale individualismo, basato sull'assoluta autoaffermazione di l'individuo. Da qui i motivi della tragedia, trovati nelle opere di W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e altri: questa è la natura contraddittoria di una cultura che si è allontanata dagli antichi assoluti medievali, ma a causa di circostanze storiche non ha ancora trovato nuovi basi affidabili.

La connessione tra arte e scienza è uno dei tratti caratteristici della cultura. Gli artisti cercavano sostegno nelle scienze, spesso stimolando il loro sviluppo. Il Rinascimento è segnato dall'emergere di artisti-scienziati, tra i quali il primo posto appartiene a Leonardo da Vinci.

Pertanto, uno dei compiti del Rinascimento è la comprensione da parte dell'uomo di un mondo pieno di bellezza divina. Il mondo attrae una persona perché è spiritualizzata da Dio. Ma nel Rinascimento c'era un'altra tendenza nel sentire una persona della tragedia della sua esistenza.

2. L'immagine del mondo e dell'uomo nelle opere dei grandi maestri Rinascimento

Il termine "Rinascimento" (traduzione del termine francese "Rinascimento") indica il legame della nuova cultura con l'antichità. Come risultato della conoscenza dell'Oriente, in particolare di Bisanzio, durante l'era delle Crociate, gli europei conobbero antichi manoscritti umanistici, vari monumenti di belle arti e architettura antiche. Tutte queste antichità iniziarono ad essere parzialmente trasportate in Italia, dove furono raccolte e studiate. Ma anche nella stessa Italia c'erano molti antichi monumenti romani, che iniziarono anche ad essere attentamente studiati dai rappresentanti dell'intellighenzia urbana italiana. Nella società italiana sorse un profondo interesse per le lingue classiche antiche, filosofia antica, storia e letteratura. La città di Firenze ebbe un ruolo particolarmente importante in questo movimento. Da Firenze è arrivata una lite figure eminenti nuova cultura.

Utilizzando l'antica ideologia, creata un tempo nelle città più vivaci, in senso economico, dell'antichità, la nuova borghesia l'ha rielaborata a modo suo, formulando la sua nuova visione del mondo, nettamente opposta alla visione del mondo del feudalesimo che prevaleva prima. Il secondo nome del nuovo cultura italiana- l'umanesimo lo dimostra.

La cultura umanistica poneva al centro della sua attenzione l'uomo stesso (humanus - umano), e non il divino, ultraterreno, come avveniva nell'ideologia medievale. L'ascetismo non aveva più un posto nella visione umanistica del mondo. Il corpo umano, le sue passioni ei suoi bisogni non erano visti come qualcosa di "peccaminoso" da sopprimere o torturare, ma come fine a se stesso, come la cosa più importante della vita. L'esistenza terrena era riconosciuta come l'unica vera. La conoscenza della natura e dell'uomo è stata dichiarata l'essenza della scienza. In contrasto con i motivi pessimistici che dominavano la visione del mondo degli scolastici e dei mistici medievali, i motivi ottimistici prevalevano nella visione del mondo e nell'umore delle persone del Rinascimento; erano caratterizzati dalla fede nell'uomo, nel futuro dell'umanità, nel trionfo della ragione umana e dell'illuminazione. Una galassia di eccezionali poeti e scrittori, scienziati e personaggi vari tipi l'arte partecipò a questo nuovo grande movimento intellettuale. La gloria dell'Italia è stata portata da artisti così meravigliosi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffaello, Tiziano.

L'indubbia conquista del Rinascimento fu la costruzione geometricamente corretta del quadro. L'artista ha costruito l'immagine utilizzando le tecniche che ha sviluppato. La cosa principale per i pittori di quel tempo era osservare le proporzioni degli oggetti. Anche la natura è caduta sotto i trucchi matematici.

In altre parole, gli artisti del Rinascimento cercavano di trasmettere un'immagine accurata, ad esempio, di una persona sullo sfondo della natura. Se confrontato con i metodi moderni per ricreare un'immagine vista su una sorta di tela, allora, molto probabilmente, una fotografia con successivo aggiustamento aiuterà a capire a cosa aspiravano gli artisti del Rinascimento.

I pittori del Rinascimento credevano di avere il diritto di correggere i difetti della natura, cioè se una persona aveva brutti tratti del viso, gli artisti li correggevano in modo tale che il viso diventasse dolce e attraente.

Raffigurando scene bibliche, gli artisti del Rinascimento hanno cercato di chiarire che le manifestazioni terrene di una persona possono essere rappresentate più chiaramente se usano storie bibliche. Puoi capire cos'è la caduta, la tentazione, l'inferno o il paradiso, se inizi a conoscere il lavoro degli artisti di quel tempo. La stessa immagine della Madonna ci trasmette la bellezza di una donna e porta anche una comprensione dell'amore umano terreno.

Così, nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

Conclusione

Quindi, il Rinascimento, o il Rinascimento, è un'era nella vita dell'umanità, segnata da un colossale aumento dell'arte e della scienza. Il Rinascimento ha proclamato l'uomo il valore più alto della vita.

Nell'arte, il tema principale era una persona con possibilità spirituali e creative illimitate.L'arte del Rinascimento ha gettato le basi della cultura europea della New Age, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte.

In architettura si sono sviluppati nuovi tipi di edifici pubblici.La pittura si arricchì di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano.Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Aumento dell'interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. C'era una foto, c'era un dipinto Dipinti ad olio. L'individualità creativa dell'artista ha preso il primo posto nell'arte.

Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati.L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

Indubbiamente, il Rinascimento è una delle epoche più belle della storia dell'umanità.

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L'architettura italiana del primo Rinascimento (Quattrocento) ha aperto un nuovo periodo nello sviluppo dell'architettura europea, abbandonando il dominante in Europa arte gotica e approvando nuovi principi basati sul sistema degli ordini.

Durante questo periodo, la filosofia, l'arte e la letteratura antiche furono studiate intenzionalmente e consapevolmente. Così, l'antichità si è stratificata sulle forti tradizioni secolari del Medioevo, in particolare sull'arte cristiana, per cui la natura specificamente complessa della cultura del Rinascimento si basa sulla trasformazione e sull'intreccio di soggetti pagani e cristiani.

Il Quattrocento è il tempo delle ricerche sperimentali, quando non l'intuizione, come nell'era del Proto-Rinascimento, ma venne alla ribalta l'esatta conoscenza scientifica. Ora l'arte ha svolto il ruolo di conoscenza universale del mondo circostante, di cui sono stati scritti molti trattati scientifici del XV secolo.

Il primo teorico dell'architettura e della pittura fu Leon Batista Alberti, che sviluppò la teoria prospettiva lineare, basato su una vera immagine nell'immagine della profondità dello spazio. Questa teoria ha costituito la base di nuovi principi di architettura e pianificazione urbana volti a creare una città ideale.

I maestri del Rinascimento iniziarono a rivolgersi nuovamente al sogno di Platone di una città ideale e di uno stato ideale e incarnarono quelle idee che erano già le principali nella cultura e nella filosofia antiche: le idee di armonia tra uomo e natura, le idee dell'umanesimo. Quindi, la nuova immagine della città ideale era inizialmente una certa formula, un'idea, un'audace rivendicazione per il futuro.

La teoria e la pratica dell'urbanistica rinascimentale si svilupparono parallelamente. Furono ricostruiti vecchi edifici, ne furono costruiti di nuovi, mentre contemporaneamente furono scritti trattati di architettura, fortificazione e riqualificazione delle città. Gli autori dei trattati (Alberti e Palladio) erano molto avanti rispetto alle esigenze della costruzione pratica, non descrivendo progetti finiti, ma presentando un concetto raffigurato graficamente, l'idea di una città ideale. Hanno anche ragionato su come dovrebbe essere collocata la città in termini di difesa, economia, estetica e igiene.

L'Alberti fu infatti il ​​primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano ideale del Rinascimento, sviluppato sintetizzando l'antico senso delle proporzioni e l'approccio razionalistico della nuova era. Quindi, i principi estetici degli urbanisti rinascimentali erano:

• coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari;
• il rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio antistante (da 1:3 a 1:6);
• mancanza di contrasti dissonanti;
• equilibrio compositivo.

La città ideale è stata molto eccitante per molti dei grandi maestri del Rinascimento. Ci ha pensato anche Leonardo da Vinci, la cui idea era quella di creare una città a due livelli, dove il trasporto delle merci si muoveva lungo il livello inferiore, e le strade di terra e pedonali si trovavano nel livello superiore. I piani di Da Vinci erano anche associati alla ricostruzione di Firenze e Milano, nonché alla stesura della città del fuso.

Alla fine del XVI secolo, molti teorici dell'urbanistica erano sconcertati dalla questione delle strutture difensive e delle aree commerciali. Così, le torri e le mura della fortezza furono sostituite da bastioni di terra, che furono portati fuori dai confini della città, grazie ai quali, nei loro contorni, le città iniziarono ad assomigliare a una stella a più raggi.

E sebbene nessuna città ideale sia stata costruita in pietra (ad eccezione delle piccole città fortezza), molti principi per costruire una città del genere divennero realtà già nel XVI secolo, quando in Italia e in molti altri paesi iniziarono a posare strade larghe e diritte collegati elementi importanti dell'insieme urbano.