어린이를 위한 정물화 정의란 무엇입니까? 사진 속의 정물
정물 (fr. nature morte - "죽은 자연")은 서로 의미 론적 연결이있는 우리 주변의 물체를 묘사하는 미술 장르입니다. 이러한 유형의 예술은 구성 기술 및 색상 구성의 개발에 기여하는 뛰어난 시각적 가능성으로 매력을 느낍니다.
정물은 우리 주변 세계의 특정 이미지와 상징을 전달합니다. 대담 자의 역할을 할 수있는 기회를 제공하여 객체 통신의 세계에 우리를 참여시킵니다. 진정한 예술가보는 사람이 볼 수 있도록 비밀의 의미우리 주변의 사물. 특정 의미 작업을 수행하는 특정 구성으로 특정 속성을 미리 선택하고 구축합니다.
정물화는 16세기와 17세기에 유럽에서 시작되었지만 그 선사시대는 훨씬 더 일찍 시작되었습니다. 와 동등 일상 장르오랫동안 정물화는 그림에서 선두 자리를 차지할 수 없었습니다. 이러한 유형의 그림을 통해 주요 사회 사상을 전달하는 것은 불가능하다고 여겨졌기 때문입니다. 거장들 덕분에 이 장르는 다양한 사회적 조건을 충분히 전달할 수 있고, 따라서 다양한 사회적 덕목에 영향을 미칠 수 있는 것으로 인식되었습니다. 다양한 속성의 도움으로 주요 아이디어의 의미를 반영하여 하나 또는 다른 이미지가 생성되었습니다. 생활용품은 주인의 신분과 생활 방식을 구분하는데 있어 계층의 이미지를 전달하는데 중요한 의미를 갖는다.
미술사의 연대기를 살펴보면 정물화와 같은 독특한 장르의 흥망성쇠의 연속성을 추적할 수 있습니다.
« 독립적 인 그림 장르로서의 정물의 형성은 네덜란드와 플랑드르의 작업 때문이었습니다. XVII의 예술가들세기. 유럽의 17세기는 정물화의 전성기로 기록된다. 이 기간 동안 모든 주요 종류의 정물이 만들어졌습니다.
서유럽에서 정물화의 점진적 발전 회화 XVII세기는 일반적인 문화적 및 세계관 상황의 특성, 특히 물질적 및 영적, 개인 및 보편적 범주의 궁극적인 희석과 동시에 상호 의인화로 크게 설명될 수 있습니다. 정물화에서 이 세상의 모든 특수성 중 가장 구체적인 것이 예술적으로 확인되었습니다. 사물, 매우 특정한 인간 활동의 산물인 동시에 이 지상의 인공 사물에는 우화적이고 상징적인 의미가 부여되었습니다. , 의미에 대한 의인화 된 명상으로 비 물질적, 영적 가치의 표시로 인식 인간의 삶. 우화적 의미를 상실한 사물은 더 이상 위대한 예술의 대상이 아닙니다. 정물 장르는 점차 구식이 되기 시작합니다.
그 부흥은 19세기 말에서 20세기 초에 일어납니다. 그 음모와 어느 정도 의미 론적 불임으로 인해 예술 발전을위한 폭풍우의 수십 년 동안의 정물은 창의적인 실험에 특히 편리한 것으로 판명되었습니다. 도상학의 관점에서 볼 때 가장 보수적 인 것 중 하나이며 구성 측면에서 가장 잘 확립 된 것 중 하나 인 정물은 예술가가 장르의 법칙에 대해 가장 대담하고 때로는 역설적 인 위반을 수행 할 수 있도록 허용했습니다. 그것. 이 분야의 대부분의 실험은 가장 완전한 플롯과 사물의 비 유적 분리를 과제로 삼았습니다.
말하자면 사물은 경계를 넘어 자기 의미를 잃고 자신과 동등하지 않습니다. 그것들은 빛과 색으로 용해되거나, 에너지 방사에 분산되거나, 물질 덩어리로 응축되어 가장 단순한 부피의 조합을 형성하거나, 많은 조각으로 부서집니다. 캔버스에 사물이 생성됩니다. 17세기의 그림에서와 같이 그것들은 우화적인 의미를 가지고 있지만, 고전적인 정물화와 달리 이 그림 암호에서 주요 요소의 역할은 개체 자체가 아니라 개별적인 특징에 의해 수행되며, 그 품질은 포화 상태입니다. 의미 론적 긴장이 증가했습니다.
20세기 초에는 정물 내 사물의 경계가 흐려졌을 뿐만 아니라 장르 자체의 경계도 상당히 흐려졌습니다. 마티스의 열린 캔버스에서 자연의 유기적 리듬이 스며든 정물을 구성하는 오브제들은 풍경과 합치거나 그 자체로 풍경이 되어 산 자의 세계와 무생물의 세계 사이의 장벽을 넘어선다. . 피카소의 구축된 입체파 풍경화에서는 자연 자체가 대상화되어 만들어지는 것, 물질성을 획득하며, 풍경은 정물화에 비유된다. .
“정물화는 또한 프랑스 인상파 예술가들(마네, 세잔, 모네 등)의 작품에서 두드러진 위치를 차지했습니다. 그들은 작품에서 처음 본 신선한 인상을 구현하려고 노력했습니다. 그들의 정물과 일반적으로 인상파의 그림의 경우 자연에서 직접 인식되는 순수한 색상의 조화, 구성의 자연 스러움 및 활력이 특징입니다.
중 하나 최고의 장인정물은 유명했다 프랑스 예술가침투에 성공한 Chardin 친밀한 삶가장 평범한 것들은 보는 사람에게 더 가까이 다가갑니다. 이것은 그의 그림의 부드러운 색상에 의해 크게 촉진되며, 깊이 생각하고 사물 배열의 삶, 단순성 및 자연성에 대한 관찰에서 비롯됩니다.
Chardin의 정물에는 네덜란드 학교에서 개발 한 엄격한 체계가 없으며 단조 로움이 있습니다. 작곡 기법, 개체 선택, 색상 팔레트. .
러시아에서는 정물화 독립 장르그림은 XVIII 세기 초에 나타났습니다. 그에 대한 아이디어는 원래 사람을 둘러싼 다양한 사물의 세계인 지구와 바다의 선물 이미지와 관련이 있습니다. 까지 XIX 후반초상화와 달리 세기 정물 역사적 사진, "열등한"장르로 간주되었습니다. 주로 교육적 제작물로 존재했고 꽃과 열매를 그린 그림으로 제한적으로만 허용되었다.
20세기의 시작은 러시아 정물화의 번성으로 특징지어졌으며, 처음으로 다른 장르들 사이에서 평등을 얻었습니다. 회화적 언어의 가능성을 확장하고자 하는 작가들의 열망은 색채, 형태, 구성 분야에서의 적극적인 탐색을 동반하였다. 이 모든 것은 정물에서 특히 분명합니다. 새로운 테마, 이미지 및 예술적 기법, 러시아 정물화는 비정상적으로 빠르게 발전했습니다. 10년 반 만에 인상주의에서 추상적인 형태의 창조로 넘어갔습니다.
20세기 30-40년대에 이르러 이러한 발전은 멈췄지만 50년대 중반부터 정물화는 소비에트 회화새로운 급증과 그 때부터 마침내 다른 장르와 동등한 수준으로 확고하게 상승합니다.
그림의 정물 - 하나의 앙상블로 결합된 정적 무생물의 이미지. 정물은 하나의 독립된 캔버스로 제시될 수도 있지만, 때로는 장르적 장면이나 전체 그림의 구성의 일부가 되기도 한다.
정물이란 무엇입니까?
그러한 그림은 세상에 대한 사람의 주관적인 태도로 표현됩니다. 이것은 화신이 되는 대가의 고유한 아름다움에 대한 이해를 보여준다. 공공 가치그리고 당시의 미학적 이상. 그림의 정물은 점차 별도의 중요한 장르로 변모했습니다. 이 과정은 100년 이상이 걸렸고, 각 신세대 예술가들은 시대의 흐름에 따라 캔버스와 색상을 이해했습니다.
그림의 구성에서 정물의 역할은 단순한 정보, 주요 내용에 우연히 추가되는 것에 국한되지 않습니다. 에 따라 역사적 조건그리고 공개 요청에 따라 개체는 구성 또는 호텔 이미지를 만드는 데 어느 정도 적극적으로 참여하여 하나 또는 다른 목표를 가릴 수 있습니다. 독립적인 장르로서의 회화의 정물화는 일상적으로 사람을 둘러싼 사물의 아름다움을 안정적으로 전달하도록 설계되었습니다.
때로는 하나의 세부 사항이나 요소가 갑자기 깊은 의미를 갖게 되고 고유한 의미와 소리를 갖게 됩니다.
이야기
오래되고 존경받는 장르로서 회화의 정물화는 기복을 알고 있었습니다. 엄격하고 금욕적이며 미니멀리즘은 불멸의 기념비적이고 일반화 된 고상한 영웅 이미지를 만드는 데 도움이되었습니다. 뛰어난 표현력을 가진 조각가들은 개별 사물의 이미지를 즐겼습니다. 그림의 정물 유형과 모든 종류의 분류는 미술사가 형성되는 동안 시작되었지만 캔버스는 첫 번째 교과서가 작성되기 오래 전에 존재했습니다.
아이콘 페인팅 전통과 정물화
고대 러시아 아이콘 그림에서 작가가 정경 작품의 엄격한 간결함에 감히 도입 한 몇 가지가 큰 역할을했습니다. 그것들은 즉각적인 모든 것의 표현에 기여하고 추상적이거나 신화적인 플롯에 전념하는 작품에서 감정의 표현을 보여줍니다.
그림의 정물 유형은 아이콘 그림 작품과 별도로 존재하지만 엄격한 정경은 장르에 내재 된 일부 대상의 묘사를 금지하지 않습니다.
정물 르네상스
그러나 15-16세기의 작품들은 르네상스에서 중요한 역할을 한다. 화가는 처음으로 주변 세계에 관심을 끌었고 인류를 위해 봉사하는 각 요소의 중요성을 결정하려고 노력했습니다.
현대 회화, 인기 있고 사랑받는 장르로서의 정물은 Tricento 시대에 시작되었습니다. 가정 용품은 그들이 섬기는 주인의 특정한 고귀함과 중요성을 얻었습니다. 큰 캔버스에서 정물은 일반적으로 매우 겸손하고 눈에 띄지 않게 보입니다. 유리 병의 물, 우아한 꽃병의 은색 또는 얇은 줄기에 섬세한 백합은 가난하고 잊혀진 것처럼 종종 그림의 어두운 구석에 모여 있습니다. 친척.
그럼에도 불구하고 아름답고 친밀한 것들의 이미지 속에는 시적인 형태의 사랑이 너무도 많이 담겨 있어서 현대 회화, 정물과 그 역할은 이미 풍경의 틈새와 장르 장면의 무거운 커튼을 통해 소심하게 엿보고있었습니다.
결정적인 순간
주제는 꽃이 있는 정물이 만연하고 지배했던 17세기에 그림에서 진정한 요소와 새로운 의미를 얻었습니다. 이런 종류의 그림은 귀족과 성직자들 사이에서 수많은 찬사를 얻었습니다. 뚜렷한 문학적 스토리 라인이있는 복잡한 구성에서 장면은 주인공과 함께 자리를 잡았습니다. 당대 작품을 분석해보면 정물화의 중요한 역할이 문학, 연극, 조각 등에서도 유사하게 발현되었음을 쉽게 알 수 있다. 이 작품에서 사물은 "행동"하고 "살기"시작했습니다. 사물의 가장 좋고 가장 유익한 측면을 보여주는 주인공으로 등장했습니다.
근면하고 재능있는 장인이 만든 예술품에는 특정인의 생각, 욕구 및 성향이 각인되어 있습니다. 그림이 최고다 심리 테스트정신 감정 상태를 추적하고 달성하는 데 도움 내면의 조화무결성.
물건은 충실하게 사람에게 봉사하고 가정 용품에 대한 그의 열정을 채택하고 소유자가 아름답고 우아한 새 물건을 구입하도록 영감을줍니다.
플랑드르 르네상스
구 아슈 그림, 장르로서의 정물화는 사람들이 즉시 받아들이지 않았습니다. 다양한 아이디어와 원칙의 출현, 개발 및 광범위한 구현의 역사는 생각의 끊임없는 발전을 상기시켜줍니다. 정물화는 17세기 중반에 유명해지고 유행하게 되었습니다. 장르는 자연 자체가 아름다움과 재미에 도움이되는 밝고 축제적인 플랑드르의 네덜란드에서 시작되었습니다.
구 아슈 그림, 정물화는 장대 한 변화, 정치적, 사회적 및 종교적 제도의 완전한 변화의시기에 번성했습니다.
플랑드르 전류
플랑드르의 발전에 대한 부르주아적 방향은 유럽 전체를 위한 참신함이자 진보였습니다. 변경 사항 정치 생활문화의 유사한 혁신으로 이어졌습니다. 예술가 이전에 열린 지평은 더 이상 종교적 금지에 국한되지 않고 관련 전통에 의해 지원되지 않았습니다.
정물은 자연스럽고 밝고 아름다운 모든 것을 미화하는 새로운 예술의 주력이되었습니다. 천주교의 엄격한 규범은 더 이상 화가의 상상력과 호기심의 비행을 방해하지 않았으며 따라서 과학과 기술은 예술과 함께 발전하기 시작했습니다.
이전에는 비열하고 언급할 가치가 없다고 여겨졌던 일상적인 사물과 사물이 갑자기 면밀한 연구의 대상으로 떠올랐습니다. 장식 그림, 정물과 풍경은 일상, 다이어트, 문화, 아름다움에 대한 아이디어와 같은 삶의 진정한 거울이되었습니다.
장르 속성
여기에서 주변 세계에 대한 의식적이고 심층적인 연구를 통해 별도의 장르가정 그림, 풍경, 정물.
17세기에 특정 대포를 획득한 예술은 장르의 주요 품질을 결정했습니다. 그림, 세상에 헌신사물, 사람을 둘러싼 사물에 내재 된 기본 속성을 설명하고, 보여지는 것에 대한 주인과 가상의 동시대의 태도를 보여주고, 현실에 대한 지식의 본질과 완전성을 표현합니다. 작가는 필연적으로 사물의 물질적 존재, 부피, 무게, 질감, 색상, 가정 용품의 기능적 목적 및 인간 활동과의 중요한 연결을 전달했습니다.
정물의 과제와 문제
장식 그림, 정물 및 국내 장면은 대포에서 벗어나 이미지의 보수적 자연주의를 동시에 보존하는 시대의 새로운 경향을 흡수했습니다.
부르주아지의 완전한 승리 동안의 혁명 시대의 정물은 새로운 형태에 대한 예술가의 존중을 반영합니다. 국민생활동포, 평범한 장인의 작품에 대한 존경, 아름다운 이미지아름다움.
17세기에 공식화된 장르의 문제와 과제는 19세기 중반까지 유럽 학교에서 일반적으로 논의되지 않았습니다. 한편 아티스트들은 끊임없이 새롭고 새로운 작업을 설정했으며 기성 구성 솔루션과 색 구성표를 계속해서 기계적으로 재현하지 않았습니다.
현대 캔버스
현대 스튜디오에서 준비된 회화 정물 사진은 현대인과 중세인의 세계 인식의 차이를 분명히 보여줍니다. 오늘날 물체의 동역학은 상상할 수 있는 모든 한계를 넘어섰고 당시에는 물체의 정역학이 표준이었습니다. 17세기의 색 조합은 밝기와 색의 순도가 특징입니다. 채도가 높은 음영은 구성에 조화롭게 어울리며 아티스트의 아이디어와 아이디어를 강조합니다. 캐논의 부재 최선의 방법으로 20세기와 21세기의 정물화에 영향을 미쳤으며 때로는 추함이나 고의적인 잡색으로 상상력을 자극했습니다.
정물의 문제를 해결하는 방법은 10년마다 빠르게 변화하고 있으며, 방법과 기술은 인정받는 사람이나 그렇지 않은 주인의 상상력을 따라가지 못합니다.
오늘날 회화의 가치는 동시대 미술가의 눈으로 본 현실의 표현에 있다. 캔버스의 구현을 통해 미래의 사람들에게 제작자에 대해 많은 것을 알릴 수 있는 새로운 세계가 생깁니다.
인상파의 영향
정물의 역사에서 다음 이정표는 인상주의였습니다. 방향의 전체적인 진화는 색상, 기술 및 공간에 대한 이해를 통해 구성에 반영되었습니다. 최근 낭만주의수천 년 동안 삶은 그대로 캔버스로 옮겨졌습니다. 빠르고 밝은 획과 표현적인 세부 사항이 스타일의 초석이되었습니다.
회화, 정물 현대 예술가이미지의 색상, 방법 및 기법을 통해 영감을 주는 인상파의 각인을 확실하게 지닙니다.
고전주의의 표준 대포에서 출발 - 세 가지 계획, 중앙 구성 및 역사적 영웅- 예술가들이 색상과 빛에 대한 자신만의 인식을 개발할 수 있게 해주고 접근 가능하고 시각적인 방식으로 관객에게 감정의 자유로운 비행을 보여줄 수 있도록 했습니다.
인상파의 주요 임무 - 변화 회화 기법그림의 심리적 내용. 그리고 오늘날에는 그 시대의 상황을 알면서도 시처럼 즐겁고 순진한 인상파 풍경이 왜 까다로운 평론가와 계몽된 대중들에게 날카로운 거부감과 무례한 조롱을 불러일으켰는가에 대한 정답을 찾기 어렵다.
인상파 그림은 일반적으로 받아들여지는 틀에 맞지 않았기 때문에 정물과 풍경은 다른 고급 예술의 찌꺼기와 함께 저속하고 인정할 가치가 없는 것으로 인식되었습니다.
이색적이 된 미술 전시회 선교 활동그 당시의 유명한 예술가들에게는 마음에 닿고 아름다움과 우아함을 보여줄 수있었습니다. 사물과 사물의 이미지는 모두에게 사용 가능한 수단~이 되다 평소와 같이 사업원칙만을 공언하는 강력한 기관의 벽 안에서도 고전 예술. 정물화의 개선 행렬은 19세기 말 이후 멈추지 않았으며, 오늘날 다양한 장르와 기법은 색채, 질감, 재료에 대한 어떤 실험도 두려워하지 않을 수 있게 한다.
정물이란 무엇입니까?
정물화(프랑스의 자연 morte - "죽은 자연"에서 유래)는 특별히 제작된 구성으로 무생물을 묘사하는 예술 장르입니다.
정물이 무엇인지, 어떤 유형으로 나눌 수 있는지 자세히 살펴 보겠습니다.
17세기 네덜란드 정물화
이 시대의 네덜란드 정물에서는 대부분 얼어 붙은 생명처럼 측정되었습니다.
현재 네덜란드에서는 장르로서의 정물이 상당히 집중적으로 발전했으며 이는 다양한 요인에 의해 촉진되었습니다. 당시에는 수준이 높았다. 과학적 발전수학, 물리학, 자연 과학, 사회 과학. 네비게이터들은 해외에서 많은 새로운 아이템을 가져왔고, 다양한 물건을 제조하는 새로운 기술이 생겨났고, 창문에 다양한 아름다운 물건을 놓았습니다.
현재 인기있는 정물에는 꽃과 과학자의 두 가지 유형이 있습니다.
꽃 정물
40대부터. XVII 세기 정물은 독립적인 장르로 발전하기 시작했습니다. 그 인기는 쉽게 설명할 수 있습니다. 그 당시에는 호화로운 정원을 갖고 활발하게 꽃을 재배하는 것이 전통적인 것으로 여겨졌습니다.
대표자: Ambrosius Bosschaert the Elder, Balthasar van der Ast, Jan David de Heem.
과학자 정물
그것은 정물의 지적 유형으로 간주됩니다. 그러한 정물을 이해하려면 성경을 이해하고 종교적 상징. 이 장르에서 착시를 사용하여 착시를 일으키는 것은 드문 일이 아닙니다. 그들은 네덜란드와 해외에서 17세기 중반에 가장 큰 인기를 얻었습니다.
인기 있는 아티스트로는 Jacob de Gijn the Younger, Floris van Dyck, Hans van Essen, Amborius Bosschaert the Elder and Younger, Clara Peters, David Bailey, Maria van Osterwijk, Cornelis Briese, Abraham Mignon, Willem van Aelst, Jan이 있습니다. 반 Huysum.
러시아 XVIII-XX 세기의 정물.
장르로서 정물화는 18세기 초 러시아에서 형성되었습니다. 19세기까지 그것은 주로 단순한 구성, 예를 들어 과일과 꽃의 생산으로 제한된 방식으로 이해되는 하위 장르로 간주되었습니다. 처음에 정물화는 바다와 땅의 선물, 다양한 것들을 묘사했습니다.
20 세기에이 장르는 한 단계 상승했으며 지금은 러시아에서 전성기입니다. 새로운 색상, 모양, 구성에 대한 검색이 시작되었습니다. 문자 그대로 15년 안에 정물화는 인상주의에서 추상 미술로 바뀌었습니다.
30-40대. 20세기 들어 장르의 발전이 조금 멈췄지만 50년대에 접어들며 새롭게 부상하면서 정물화는 다른 회화 장르들 사이에서 그 위상을 확고히 했다.
당시 작업 중인 러시아 예술가: Pyotr Konchalovsky, Viktor Teterin, Sergei Zakharov, Nikolai Pozdneev, Ilya Meshkov, Konstantin Korovin, Sergei Osipov, Maya Kopyttseva, Evgenia Antipova, Yaroslav Krestovsky, Kapitolina Rumyantseva 등
정물 XX-XXI 세기.
이 시대의 정물화는 실험의 넓은 영역이다. 이 장르는 다양한 영역에서 발전합니다.
이제 정물이 무엇인지 알면 원하는 경우이 장르에서 연습 할 수 있습니다. 당신은 또한 기사가 필요합니다 유용한 재료섹션에서 찾을 수 있습니다.
정물(French Nature morte - 죽은 자연), 자연의 선물(과일, 꽃, 생선, 사냥감)과 인간의 손으로 만든 것(식기, 꽃병, 시계 등)을 묘사하는 그림 장르 중 하나. 때때로 무생물은 곤충, 새, 동물 및 사람과 같은 살아있는 존재와 공존합니다.
정물 모티프는 고대 동양과 고대의 예술에서 이미 발견되었습니다. 고대 그리스 예술가 Apelles가 포도를 너무 능숙하게 묘사하여 새들이 그를 진짜 포도로 착각하고 쪼아 먹기 시작했다는 전설이 있습니다.
정물에 대한 첫 번째 언급은 XV-XVI 세기에서 찾을 수 있습니다. 오랫동안정물은 종교적 그림과의 연결을 유지했습니다.
독립적인 장르로서 정물화는 17세기에 발전했습니다. 그런 다음 네덜란드, 플랑드르 및 스페인 마스터의 작업에서 밝은 전성기를 경험했습니다. 당시의 유형과 형태의 다양성은 국가적인 사실주의 회화 학교의 발전과 관련이 있습니다.
네덜란드에는 여러 종류의 정물이 있었습니다. 작가들은 마치 사람이 근처 어딘가에 있고 곧 돌아올 것 같은 방식으로 "아침 식사"와 "디저트"를 그렸습니다. 파이프가 테이블에서 담배를 피우고 냅킨이 구겨지고 잔에 담긴 와인이 완성되지 않고 레몬이 잘리고 빵이 부러집니다 (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf).
주방 용품, 꽃이 든 화병의 이미지도 인기가 있었고 마지막으로 바니타스( "허영심의 허영심"), 삶의 연약함과 단기적 기쁨을 주제로 한 정물화, 기억을 불러 일으킴 참값그리고 영혼의 구원을 돌보십시오. "Vanitas"의 가장 좋아하는 속성은 해골과 시계입니다(J. van Strek. "Vanity of vanities").
을 위한 네덜란드 정물화, 일반적으로 17 세기 정물의 경우 숨겨진 철학적 배음, 복잡한 기독교 또는 사랑의 상징주의가 특징적입니다 (레몬은 절제의 상징, 개는 충실 함 등).
반대로 Flemings는 궁전 홀을 장식하기 위해 크고 때로는 거대한 캔버스를 그렸습니다. 그들은 축제의 다색, 풍부한 물건 및 구성의 복잡성으로 구별됩니다. 그런 정물을 불렀다 "상점"(J. 페이트, F. 스나이더스). 그들은 게임, 해산물, 빵이 흩어져있는 테이블을 묘사했으며 그 옆에는 물건을 제공하는 주인이있었습니다. 풍성한 음식은 테이블에 맞지 않는 듯 늘어져 청중에게 직접 떨어졌습니다.
안에 이탈리아와 스페인정물화의 부상은 카라바조의 작업에 크게 기여했습니다. 정물에서 가장 좋아하는 주제는 꽃, 야채 및 과일, 해산물, 주방 용품 등이었습니다. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis 등).
스페인 예술가 작은 항목 세트로 자신을 제한하는 것을 선호하고 신중하게 작업했습니다. 색 구성표. 형태는 단순하고 고귀합니다. 거의 눈에 띄는 chiaroscuro로 조심스럽게 성형되었으며 구성이 엄격하게 균형을 이룹니다 (F. Zurbaran. "오렌지와 레몬이있는 정물", 1633; A. Pereda. "시계가있는 정물").
러시아에서는 18세기에 최초의 정물화가 등장했습니다. 궁전 벽의 장식 그림과 물체가 너무 정확하게 재현되어 실제처럼 보이는 "더미"그림에서 (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov).
19세기 속임수 전통이 다시 생각되었습니다. 정물은 1 층에서 상승을 경험하고 있습니다. 19 세기 F.P. 톨스토이, "트릭"( "빨간색과 흰색 건포도의 열매", 1818)의 전통을 재고 한 예술가 베네치아 학교, I. T. Khrutsky. 일상적인 사물에서 예술가들은 아름다움과 완벽함을 보려고 노력했습니다.
18세기에 프랑스 거장 J.-B. 와 함께. 샤르댕. 소박하고 견고한 식기(그릇, 구리 수조), 채소, 소소한 음식을 그린 그의 그림은 삶의 숨결이 가득하고 난로의 시로 따뜻해지며 일상의 아름다움을 긍정한다. Chardin은 또한 우화적인 정물화를 그렸습니다(Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
새 꽃장르는 사기꾼에 온다. 19 - 구걸. 20세기, 정물화는 창작 실험의 실험실, 작가의 개성을 표현하는 수단이 된다. 정물화 중요한 장소후기 인상파의 작품에서 - V. 반 고흐, 피. 고갱그리고 무엇보다 P. 세잔. 피. 피카소, ㅏ. 마티스
정물 정물
(French nature morte, Italian natura morta, 말 그대로 - 죽은 자연, 네덜란드어 stilleven, 독일어 Stilleben, 영어 정물, 문자 그대로 - 조용하거나 움직이지 않는 삶), 이미지 사물에 전념하는 미술 장르(주로 이젤 그림) 일반적으로 실제 가정 환경에 배치되고 구성 적으로 단일 그룹으로 구성되는 사람을 둘러싸고 있습니다. 동기의 특수 조직(소위 스테이징)은 주요 구성 요소 중 하나입니다. 비유적 체계정물 장르. 무생물 (예 : 가정 용품) 외에도 정물은 자연 연결에서 격리되어 테이블 위의 물고기, 꽃다발의 꽃 등 사물로 변한 야생 동물의 물체를 묘사합니다. 생활에는 사람, 동물, 새, 곤충의 이미지가 포함될 수 있습니다. 정물화의 사물 묘사는 독자적인 예술적 가치를 지니지만, 발전 과정에서 종종 상징적 내용을 표현하거나 장식적인 문제를 해결하거나 자연 과학에서 객관적인 세계를 정확하게 고정하는 등의 역할을 했습니다. 삶은 그 자체로 사물뿐만 아니라 그 소유자의 사회적 지위, 내용 및 생활 방식을 특징으로 할 수 있으며 수많은 연관성과 사회적 유추를 야기합니다.
구성의 세부 사항으로서의 정물 모티프는 고대 동양과 고대의 예술에서 이미 발견되었으며 중세 예술의 일부 현상은 정물과 부분적으로 유사합니다. 극동(예를 들어, 소위 "꽃-새"장르) 그러나 독립적 인 장르로서의 정물의 탄생은 물질 세계, 구체적인 감각적 이미지에 대한 관심이 다음과 같은 작업에서 발전하는 현대에 발생합니다. 이탈리아, 특히 네덜란드 르네상스 거장. 이젤 그림의 한 장르로서 정물화의 역사, 특히 "trompe l" oeil(소위 걸림돌) 유형은 이탈리아 Jacopo de Barbari(1504)의 "Still Life"에 의해 시작됩니다. 개체를 정확하게 재현합니다. XVI의 절반-이 시대의 특징 인 자연 과학 성향, 일상 생활과 개인 생활에 대한 예술의 관심, 예술적 발전을위한 방법 개발에 의해 촉진 된 17 세기 초 세계 (Dutchman P. Aartsen, Fleming J. Brueghel Velvet 등의 작품).
정물의 전성기 - XVII 세기. 당시의 유형과 형태의 다양성은 국가적인 사실주의 회화 학교의 발전과 관련이 있습니다. 이탈리아와 스페인에서는 Caravaggio와 그의 추종자들의 작업으로 인해 정물화의 부상이 크게 촉진되었습니다. 센티미터. Caravaggism). 정물에서 가장 좋아하는 주제는 꽃, 야채 및 과일, 해산물, 주방 용품 등이었습니다. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis 등). 스페인 정물은 숭고한 엄격함과 사물 이미지의 특별한 의미가 특징입니다 (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda 등). 사물의 일상적인 본질에 대한 관심, 친밀감, 종종 이미지의 민주주의는 네덜란드 정물화에서 분명하게 나타났습니다. V. Kheda와 P. Klas의 "단색 아침 식사"의 절묘하게 겸손한 색상에서 V. Kalf ( "디저트")의 강렬하고 대조적이고 색채가 화려한 구성. 네덜란드 정물은 "물고기"(A. Beyeren), "꽃과 과일"(J. D. de Hem), "구타 게임"(J. Venike, M. Hondekuter), 우화적인 정물 "vanitas"("vanity of vanities") 등 플랑드르 정물(주로 "시장", "상점", "꽃과 과일")은 그 범위와 동시에 장식적인 구성으로 두드러집니다. 다산과 풍요에 대한 찬송가입니다 (F. Snyders, J. Feit) , XVII 세기. 독일어 (G. Flegel, K. Paudis) 및 프랑스어 (L. Bozhen) 정물도 개발 중입니다. 17세기 말부터 프랑스 정물화에서 궁정 예술의 장식적 경향이 승리했습니다(J. B. Monnoyer와 그의 학교의 꽃, A. F. Deport와 J. B. Oudry의 정물 사냥). 이러한 배경에서 프랑스 정물의 가장 중요한 거장 중 한 명인 J. B. S. Chardin의 작품은 엄격함과 구성의 자유, 색상 솔루션의 미묘함이 특징이며 진정한 인간성과 민주주의로 돋보입니다. XVIII 세기 중반. 장르의 학문적 계층 구조가 최종적으로 형성되는시기에 "살아있는 자연"이라는 장르를 선호하는이 장르의 학문주의 지지자들에 대한 경멸적인 태도를 반영한 "자연 죽음"이라는 용어가 생겼습니다. 역사적 장르, 초상화 등).
19세기 정물화의 운명은 많은 장르에서 작업하고 정물화를 투쟁에 참여시킨 주요 회화 거장들에 의해 결정되었습니다. 미적 관점그리고 예술적 아이디어(스페인의 F. Goya, 프랑스의 E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet). 이 장르를 전문으로 한 19세기 거장들 중에는 A. Fantin-Latour(프랑스)와 W. Harnet(미국)도 눈에 띈다. 정물화의 새로운 부상은 사물의 세계가 주요 주제 중 하나가 된 후기 인상주의 거장들의 공연과 관련이 있습니다(P. Cezanne, V. van Gogh). XX세기 초부터. 정물화는 일종의 창조적 회화 실험실입니다. 프랑스에서는 야수파의 거장들(A. Matisse 등)이 색상과 질감의 정서적, 장식적 표현 가능성과 입체파의 대표자들(J. Braque, P. Picasso, X. Gris 및 기타) 정물의 예술적 및 분석적 가능성을 사용하여 공간과 형태를 전달하는 새로운 방법을 확립하고자 합니다. 정물은 또한 다른 트렌드의 주인을 끌어들입니다 (독일의 A. Kanoldt, 이탈리아의 G. Morandi, 루마니아의 S. Lukyan, 체코의 B. Kubista 및 E. Filla 등). 20 세기 정물의 사회적 경향은 멕시코의 D. Rivera와 D. Siqueiros, 이탈리아의 R. Guttuso의 작품으로 대표됩니다.
정물화는 18세기 러시아 예술에 등장했습니다. 시대의인지 적 파토스와 객관적인 세계를 진실하고 정확하게 전달하려는 욕구를 반영하는 세속적 회화의 확언과 함께 (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov 등의 "속임수"). 상당한 시간 동안 러시아 정물화의 추가 개발은 일시적이었습니다. XIX 세기 전반기에 일부 상승했습니다. (F. P. Tolstoy, A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky 학교)는 작고 평범한 아름다움을 보려는 욕구와 관련이 있습니다. XIX 세기 후반. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan은 가끔 스케치 자연의 정물화로 전환했습니다. Wanderers의 예술 시스템에서 정물의 보조적 의미는 줄거리 주제 그림의 지배적 역할에 대한 아이디어에서 따랐습니다. 정물화 연구의 독립적인 중요성은 19세기와 20세기로 접어들면서 증가합니다. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). 러시아 정물화의 전성기는 20세기 초입니다. 그의 가장 좋은 예는 K. A. Korovin, I. E. Grabar의 인상주의 작품을 포함합니다. 사물의 역사적이고 일상적인 성격을 미묘하게 다루는 "예술의 세계"(A. Ya. Golovin 등)의 예술가들의 작품; 날카롭게 장식 이미지 P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan 및 기타 Blue Rose 서클의 화가; "Jack of Diamonds"(P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova)의 주인이 충만한 밝은 정물. 예술과 함께 발전하는 소비에트 정물 사회주의 리얼리즘새로운 콘텐츠로 풍성해졌습니다. 20-30대. 그것은 구성적으로 날카롭게 된 작품(K. S. Petrov-Vodkin)과 주제별 "혁명적" 정물화(F. S. Bogorodsky 및 기타)에서 근대성에 대한 철학적 이해를 모두 포함하며, 소위 비- 색상과 질감(D. P. Shterenberg, N. I. Altman) 분야의 실험을 통한 목표와 객관적 세계의 다채로운 풍부함과 다양성의 완전한 재현(A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin 및 기타), 미묘한 색상 조화 검색, 사물 세계의 시화 (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa 및 기타). 40~50대. P. V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich는 정물에서 활발히 활동하고 있습니다. 연합 공화국의 정물 마스터 중 아르메니아의 A. Akopyan, 아제르바이잔의 T. F. Narimanbekov, 라트비아의 L. Svemp 및 L. Endzelina, 에스토니아의 N. I. Kormashov가 눈에 띕니다. 이미지의 증가 된 "객관성"에 대한 매력, 사람을 둘러싼 사물 세계의 미학은 70 년대와 80 년대 초반의 젊은 예술가들의 정물에 대한 관심을 결정했습니다. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis 등).
V. 케다. "블랙베리 파이로 아침을." 1631. 사진 갤러리. 드레스덴.
P. 세잔. "복숭아와 배" 1880년대 후반 A. S. Pushkin의 이름을 딴 미술관. 모스크바.
K. S. Petrov-Vodkin. "아침 정물". 1918. 러시아 박물관. 레닌그라드.
I. I. Mashkov. "스네드 모스크바: 빵". 1924. 트레차코프 갤러리. 모스크바.
출처: 대중 미술 백과사전. 에드. 필드 VM; M.: 출판사 " 소비에트 백과사전", 1986.)
정물(French nature morte - dead nature) 회화의 장르 중 하나. 정물화는 자연의 선물(과일, 꽃, 생선, 게임)과 인간의 손으로 만든 것(식기, 꽃병, 시계 등)을 묘사합니다. 때때로 무생물은 곤충, 새, 동물 및 사람과 같은 살아있는 존재와 공존합니다.
플롯 구성에 포함된 정물화는 이미 그림에서 발견됩니다. 고대 세계(벽화는 폼페이). 고대 그리스 예술가 Apelles가 포도를 너무 능숙하게 묘사하여 새들이 그를 진짜 포도로 착각하고 쪼아 먹기 시작했다는 전설이 있습니다. 독립적인 장르로서 정물화는 17세기에 발전했습니다. 그런 다음 네덜란드, 플랑드르 및 스페인 마스터의 작업에서 밝은 전성기를 경험했습니다.
네덜란드에는 여러 종류의 정물이 있었습니다. 작가들은 마치 사람이 근처 어딘가에 있고 곧 돌아올 것 같은 방식으로 "아침 식사"와 "디저트"를 그렸습니다. 파이프가 테이블에서 담배를 피우고 냅킨이 구겨지고 잔에 담긴 와인이 완성되지 않고 레몬이 잘리고 빵이 부러집니다 (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). 또한 주방 용품, 꽃병, 마지막으로 "Vanitas"( "허영심의 허영심"), 삶의 연약함과 단기적 기쁨을 주제로 한 정물 이미지가 인기를 얻었으며 진정한 가치를 기억하도록 요구합니다. 그리고 영혼을 구원하는 돌봄. "Vanitas"의 가장 좋아하는 속성은 해골과 시계입니다(J. van Strek. "Vanity of vanities"). 일반적으로 17세기 정물화뿐만 아니라 네덜란드 정물화는 숨겨진 철학적 함축, 복잡한 기독교 또는 사랑의 상징주의(레몬은 절제의 상징, 개는 충실함 등)의 존재가 특징입니다. 시간이 지나면서 예술가들은 세상의 다양성을 사랑과 열정으로 정물화로 재창조했습니다(비단과 벨벳, 두꺼운 카펫 식탁보, 반짝이는 은, 즙이 많은 딸기, 고귀한 포도주). 정물의 구성은 단순하고 안정적이며 대각선 또는 피라미드 모양에 따라 다릅니다. 주요 "영웅"은 예를 들어 유리, 주전자와 같이 항상 강조 표시됩니다. 마스터는 물체 사이의 관계를 미묘하게 구축하고 반대하거나 반대로 색상, 모양, 표면 질감을 일치시킵니다. 조심스럽게 퇴원 가장 작은 세부 사항. 크기가 작은 이 그림은 면밀한 조사, 오랜 숙고 및 숨겨진 의미 이해를 위해 설계되었습니다.
반대로 Flemings는 궁전 홀을 장식하기 위해 크고 때로는 거대한 캔버스를 그렸습니다. 그들은 축제의 다색, 풍부한 물건 및 구성의 복잡성으로 구별됩니다. 이러한 정물화를 "상점"이라고 불렀습니다(J. Feit, F. 스나이더스). 그들은 게임, 해산물, 빵이 흩어져있는 테이블을 묘사했으며 그 옆에는 물건을 제공하는 주인이있었습니다. 풍성한 음식은 테이블에 맞지 않는 듯 늘어져 청중에게 직접 떨어졌습니다.
스페인 예술가들은 자신을 작은 개체 세트로 제한하는 것을 선호했고 절제된 색 구성표로 작업했습니다. F의 그림에 나오는 접시, 과일 또는 조개. 수르바라나그리고 A. 앞면은 테이블 위에 차분하게 놓여 있습니다. 그들의 형태는 단순하고 고귀합니다. 거의 눈에 띄는 chiaroscuro로 조심스럽게 성형되었으며 구성이 엄격하게 균형을 이룹니다 (F. Zurbaran. "오렌지와 레몬이있는 정물", 1633; A. Pereda. "시계가있는 정물").
18세기에 프랑스 거장 J.-B. 와 함께. 샤르댕. 소박하고 견고한 식기(그릇, 구리 수조), 채소, 소소한 음식을 그린 그의 그림은 삶의 숨결이 가득하고 난로의 시로 따뜻해지며 일상의 아름다움을 긍정한다. Chardin은 또한 우화적인 정물화를 그렸습니다(Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
러시아에서는 18세기에 최초의 정물화가 등장했습니다. 궁전 벽의 장식 그림과 물체가 너무 정확하게 재현되어 실제처럼 보이는 "더미"그림에서 (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). 19세기 속임수 전통이 다시 생각되었습니다. 정물은 1 층에서 상승을 경험하고 있습니다. 19 세기 F.P. 톨스토이, "트릭"( "빨간색과 흰색 건포도의 열매", 1818)의 전통을 재고 한 예술가 베네치아 학교, I. T. Khrutsky. 일상적인 사물에서 예술가들은 아름다움과 완벽함을 보려고 노력했습니다.
장르의 새로운 전성기는 마지막에 온다. 19 - 구걸. 20세기, 정물화는 창작 실험의 실험실, 작가의 개성을 표현하는 수단이 된다. 정물은 후기 인상파 V의 작업에서 중요한 위치를 차지합니다. 반 고흐, 피. 고갱그리고 무엇보다 P. 세잔. 세잔의 그림에서 구성의 기념비성, 인색한 선, 기본적이고 엄격한 형태는 사물의 구조와 기초를 드러내고 세계 질서의 흔들리지 않는 법칙을 상기하도록 설계되었습니다. 작가는 형태를 색으로 조형하여 물질성을 강조한다. 동시에 애매한 색상, 특히 차가운 파란색은 그의 정물화에 공기와 공간감을줍니다. Cezanne 정물 라인은 러시아에서 마스터에 의해 계속되었습니다. " 잭 오브 다이아몬드"(I.I. 마시코프, P.P. 콘찰로프스키등), 러시아의 전통과 결합 민속 예술. 아티스트 "파란 장미"(N.N. 사푸노프, S. Yu. 수데이킨) 향수를 불러 일으키는 골동품 스타일의 구성을 만들었습니다. 철학적 일반화는 K. S. 페트로바-보드키나. 20세기에 정물화 장르에서 P. 피카소, ㅏ. 마티스, D. 모란디. 러시아에서 이 장르의 가장 위대한 대가는 M.S. 사리안, P.V. 쿠즈네초프, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov 및 기타.
