르네상스 - 이탈리아 르네상스(회화). 초기 르네상스 회화 초기 르네상스 회화

르네상스는 회화 예술에 큰 변화를 가져왔습니다. 아티스트는 빛과 그림자, 공간을 미묘하게 전달하는 능력을 습득했으며 캐릭터의 포즈와 제스처가 자연스러워졌습니다. 뛰어난 기술로 그들은 그림에서 복잡한 인간의 감정을 묘사했습니다.

초기 르네상스 또는 Quattrocento (XV 세기)의 그림에서는 일반적으로 주요 음표가 들립니다. 그것은 순수한 색상으로 구별되며 문자는 배경 및 밝은 배경과 구분되는 어두운 윤곽선으로 정렬되고 윤곽이 그려집니다. 모든 세부 사항은 매우 상세하고 세심합니다. Quattrocento의 그림은 아직 전성기 및 후기 르네상스 예술만큼 완벽하지는 않지만 순수함과 성실함으로 보는 사람의 마음을 감동시킵니다.

초기 르네상스의 가장 중요한 최초의 화가는 마사초였습니다. 작가는 28세밖에 살지 못했지만 르네상스 회화뿐만 아니라 모든 것에 상당한 공헌을 남겼습니다. 세계 예술. 그의 그림은 깊은 색으로 구별되며 인물은 조밀하고 놀랍도록 살아 있습니다. Masaccio는 원근감과 볼륨을 완벽하게 전달하고 chiaroscuro 효과를 소유합니다. 그는 벌거벗은 인간의 몸을 묘사한 최초의 르네상스 초기 화가였으며 그의 영웅들을 아름답고 강하며 존경과 찬사를 받을 가치가 있는 것으로 묘사했습니다. 나중에 Leonardo da Vinci, Michelangelo 및 Raphael과 같은 높은 르네상스의 거장들은 Masaccio의 작품 ( "낙원에서 추방", "수수료가있는 기적")을 연구했습니다.

이 기간 동안 많은 훌륭한 예술가들이 작품을 만들었습니다. Paolo Uccello는 피렌체에서 전투 장면을 그렸고 말과 기수를 복잡한 각도와 포즈로 묘사하는 능력으로 유명했습니다. 16세기에 살았던 평범한 예술가이자 뛰어난 전기작가이자 미술사학자인 조르지오 바사리(Giorgio Vasari)는 우첼로가 몇 주, 심지어 몇 달 동안 집을 떠날 수 없었다고 말했습니다. 가장 어려운 문제관점. 이 연구를 중단 해달라고 간청하는 사랑하는 사람들에게 그는 "저를 떠나십시오. 전망보다 더 달콤한 것은 없습니다. "라고 대답했습니다.

화가 Filippo Lippi는 피렌체에서 일했습니다. 젊었을 때 그는 Carmelite Brothers 수도원의 수도사 였지만 곧 그곳을 떠나 그림에 전념했습니다. 그의 삶에 대한 많은 전설이 있습니다. 플로렌스 전체가 관심을 가지고 이전 스님의 연애를 따랐다고합니다. 예술가는 미래의 아내 Lucrezia Buti를 수도원에서 납치했습니다. 앞으로 그는 마돈나의 이미지로 그녀를 한 번 이상 썼습니다 ( "Coronation of Mary", 1447; "Madonna under the Veil"). Filippo Lippi의 그림은 형식적으로 종교적 주제와 만 연결되어 있습니다. 드라마와 파토스가 없으며 웅장 함과 기념비가 없습니다. 동시에 발랄한 곱슬머리의 천사와 예쁜 아이들, 사랑스러운 여인들의 매력이 보는 이들을 사로잡는다. 작가는 뛰어난 솜씨로 성경적 장면의 배경이 되는 아늑하고 신선한 숲 풍경을 그립니다. 동시대 사람들 사이에서 Filippo Lippi의 작품은 매우 유명했으며 당시 피렌체의 통치자였던 Cosimo de Medici가 가장 좋아하는 예술가였습니다.

동시에 또 다른 피렌체 거장, 도미니카 수도사이자 산 마르코 수도원의 수도 원장 인 Fra Beato Angelico가 일했는데 그의 작품은 깊은 종교적 감정으로 가득 차 있습니다. 평생 프라
Angelico는 수도원의 아이콘과 프레스코 화 제작에 전념했습니다. 그의 그림은 밝고 순수한 색상, 빛나는 금박으로 구별됩니다. 그의 마돈나의 고딕 양식으로 길쭉한 인물은 지상의 모든 것과 분리되어 영적인 것처럼 보입니다. 중 하나 최고의 작품프라 안젤리코 - 제단 구성"마리아의 대관식"(c. 1435-1436). 그의 어머니는 시적이고 순수한 여성 성, 즐겁고 차분한 화신입니다. 피렌체 거장의 그림에는 우울한 신비주의가 없습니다. 왼쪽의 최후의 심판을 주제로 한 여러 형상의 제단에서도 작가는 아름다운 옷을 입은 행복한 천사들의 모습으로 행복한 낙원을 묘사했습니다.

이때 네덜란드에서는 유성 페인트가 발명되어 화가가 색상 전환을 더 미묘하게 만들고 빛을 더 자유롭게 사용하여 색상을 되살릴 수 있었습니다. 그들은 또한 단일 색조를 달성하는 데 도움이되었습니다. 첫 번째 이탈리아 예술가 오일 페인트출생 당시 베네치아 인 Domenico Veneziano 인 피렌체 학교 대표를 쓰기 시작했습니다. 이미 그의 초기 작품 ( "동방 박사의 숭배", 1434)에서 작가의 색채 재능이 분명하게 드러납니다. 빛으로 가득 찬 순수하고 거의 투명한 색상이 단일 색조 범위를 형성합니다. 후기 작품은 가벼운 공기 환경의 거장 전달에 놀라움을 금치 못합니다. Domenico Veneziano는 그의 캔버스에 그것을 처음으로 묘사 한 사람 중 한 명이라고 믿어집니다.

화가의 기술은 특히 Domenico Veneziano의 유명한 피렌체 초상화에서 완전히 표현되었습니다.

가장 자주 그는 묘사했습니다. 여성의 얼굴은빛 하늘이나 풍경을 배경으로 프로필 (대부분의 모델 이름이 설정되지 않음). 작가는 색상을 더 깨끗하고 밝게 만들기 위해 아마인유를 첨가했습니다.

Domenico Veneziano의 업적은 그의 제자이자 추종자인 Piero della Francesca에 의해 개발되었으며, 그는 동시대 사람들이 "회화의 군주"로 간주했습니다. 피렌체에서 일했던 토스카나 출신인 그는 Giotto, Masaccio, Paolo Uccello의 작품을 공부했습니다. 그에게도 약간의 영향이 있었다 네덜란드 회화. 예술가일 뿐만 아니라 저명한 예술 연구자이기도 한 피에로 델라 프란체스카는 이론 논문인 "On Perspective in Painting"과 소책자 "On Five Correct Bodies"를 저술했습니다.

Piero della Francesca의 작품은 명확하고 정확한 구성, 빛과 공기 환경의 능숙한 전달, 깨끗하고 신선한 색상으로 구별됩니다. 그의 그림 속 인물은 후기 르네상스와 바로크 시대의 그림에서 나중에 나타날 내적 갈등이 결여되어 있다. Piero della Francesca의 영웅들은 침착하고 장엄하며 용감합니다. 유명한 쌍의 초상화에서 우르비노 공작과 공작 부인-Federigo da Montefeltro와 그의 아내 Battista Sforza의 이미지에 내재 된 것은 이러한 특성입니다.

Urbino Federigo da Montefeltro의 통치자 인 사령관, 정치인 및 박애주 의자는 예술가의 절친한 친구였습니다. Piero della Francesca는 "성자와 천사가있는 마돈나와 고객 Federigo da Montefeltro"라는 또 다른 유명한 그림에서 공작을 묘사했습니다.

원근법을 완벽하게 전달할 수 있는 Piero della Francesca는 현대 건축가의 작업에 큰 영향을 미친 웅장한 건축 veduta(veduta - "이상적인 도시"의 그림 계획)를 썼습니다.

전성기 르네상스 시대에 피에로 델라 프란체스카의 예술은 구식으로 보이기 시작했고, 교황은 라파엘에게 피에로 델라 프란체스카의 프레스코화로 덮인 바티칸 벽을 칠하도록 초대했습니다. Rafael은 작업에 동의하고 훌륭하게 대처했습니다.

후기 Quattrocento의 가장 생생한 예술적 이상은 Umbrian 회화 학교의 대가인 Pietro Perugino에 의해 표현되었습니다. 차분하고 관조적이며 서정적인 그의 그림은 움브리아의 시적인 언덕 풍경으로 둘러싸인 연약하고 우아한 이미지로 가득 차 있습니다. Perugino 그림의 명확한 조화는 그의 그림을 전성기 르네상스 예술에 더 가깝게 만듭니다 ( "Lamentation of Christ", c. 1494-1495; "Madonna with Saints, 1496). 화가
그의 학생 인 유명한 Raphael에게 큰 영향을 미쳤습니다.

이탈리아의 거의 모든 도시에는 고유한 개성을 지닌 예술 학교가 있었습니다.
그러나 그들은 모두 그들의 예술에서 대지와 인간의 아름다움을 보여주려고 노력했습니다. 이 시대에 가장 중요한 문화 센터 중 하나는 유명한 대학이 있는 파도바였습니다. XV 세기의 이 도시에서. 예술 감정가 Francesco Squarcione이 살았습니다. 그는 고대 동전, 메달, 파도바 인근과 도시 너머에서 옅은 부조 조각을 수집했습니다. 그의 열정은 그를 둘러싸고 그를 스승으로 여겼던 파도바의 화가, 조각가, 금세공인에게 전가되었습니다.

Squarcione은 열 살 소년으로 그의 집에 온 위대한 화가 Andrea Mantegna를 키 웠습니다. 장수 한 Mantegna의 작품은 유난히 다면적입니다. 회화와 판화 외에도 기하학, 광학, 고고학을 좋아했습니다. Squarcione의 집에서 사랑받는 예술 고대 로마(이탈리아 르네상스 시대에 그들은 아직 예술에 대해 몰랐습니다. 고대 그리스), 화가는 자신의 이미지를 작품에 사용하여 영웅적이고 낭만적인 특징을 부여했습니다. 우울한 바위 풍경을 배경으로 그려진 그의 성도, 통치자, 전사는 위대함과 힘의 인상을줍니다. Mantegna의 많은 작품은 깊은 드라마로 스며든다. 감성으로 동시대 사람들을 강타한 그의 유명한 작곡 "죽은 그리스도"입니다.

Mantegna는 또한 재능있는 구리 조각사로 유명해졌습니다. 그는 판화를 미술과 동등한 형태로 만든 최초의 사람이었습니다.

Proto-Renaissance의 그림은 Botticelli의 작업에서 정점에 도달했습니다.

산드로 보티첼리

Sandro Botticelli의 삶과 나중에 세계 미술의 진주가 된 작품 창작의 역사에 대한 정보는 많지 않습니다. 미술 평론가와 역사가들은 거장의 전기에서 일부 사실만을 알게 되었습니다.

Botticelli는 1444년에 태어났습니다. 그는 Filippo Lippi의 미술 워크숍에서 그림을 공부했습니다. 초기 작업 Botticelli는 Lippi의 예술과 Lorenzo de' Medici의 궁정에서 형성된 아이디어의 영향으로 특징지어집니다. 그러나 위대한 예술가가 만든 이미지는 Medici의 후원으로 작업하는 화가의 작품보다 더 방대하고 의미가 있다고 자신있게 말할 수 있습니다.

Botticelli의 초기 초상화에는 Filippo Lippi, Andrea Verrocchio 및 Pollaiolo의 그림 스타일의 영향이 남아 있습니다. 후기 작품에서는 주인의 개성이 더욱 깊이 드러난다. 따라서 잘 알려진 캔버스 The Adoration of the Magi는 Medici 가족의 구성원과 예술가의 자화상을 묘사합니다. 이 구성은 풍부함, 밝기 및 동시에 색상의 부드러움과 미묘한 우아함과 가벼움으로 구별됩니다. Botticelli가 만든 이미지는 영혼 깊은 곳에서 나오는 서정성과 비일상적인 아름다움으로 가득 차 있습니다.

70년대에. 15세기 Botticelli의 첫 번째 그림이 나타나 화가를 데려옵니다. 위대한 명성동시대 사람들 사이에서 수세기 동안 주인의 기억을 남겼습니다. 이 캔버스는 현재 피렌체의 우피치 갤러리에 보관되어 있는 "봄"입니다. 작품은 작가가 Poliziano의 시 중 하나를 읽은 후에 작성되었습니다. 이미지 우화는 멋진 숲 풍경을 배경으로 제공됩니다. 낙원과 마찬가지로 정원은 그 독특함과 소름 끼치는 아름다움으로 놀라움을 금치 못합니다. 구성의 중심 위치는 금성입니다. 그것의 오른쪽에는 멋진 꽃을 흩뿌리는 Flora가 있고 왼쪽에는 흰색의 거의 투명한 구름과 비슷한 춤추는 우아함, 가볍고 통풍이 잘됩니다. 둥근 춤으로 움직이는 우아함의 이미지로 인해 다이나믹이 정확하게 생성됩니다.

전체 그림은 특별한 아름다움과 부드러움으로 구별됩니다. 이름이 '봄'이라는 사실에도 불구하고 사진을 보면 봄을 식별하는 데 익숙하지 않은 약간의 슬픔이 생깁니다. 모든 사람의 마음 속에 봄은 세상의 갱신, 기쁨, 기쁨입니다. 반면 보티첼리는 일반적으로 받아들여지고 친숙한 이미지를 재고하고 있다.

1481년 산드로 보티첼리는 로마로 가서 시스티나 예배당의 벽을 그렸습니다. 그의 붓의 다른 프레스코화 중에는 유명한 "모세의 생애"가 있습니다.

1482년 예술가는 다시 피렌체에 정착했다. 미술사학자와 전기작가들은 올해를 거장의 작품 형성과 발전에 가장 결실을 맺은 해로 여긴다. 당시 피렌체의 우피치 갤러리에 있는 유명한 캔버스 "비너스의 탄생"이 등장했습니다.

그림에는 평면 이미지가 없습니다. 여기서 Botticelli는 공간 선을 전달하는 마스터 역할을합니다.
화보 내러티브에서 캐릭터의 움직임의 역학을 보여주기 위해 고안된 깊이와 볼륨의 인상을 만드는 것은 바로 그들입니다. 캔버스의 밝은 파스텔 색상과 능숙하게 사용된 색상 조합(바다의 투명한 녹색 물, 마시멜로의 파란색 망토, 비너스의 황금 머리카락, 님프의 손에 있는 진한 빨간색 망토)은 특별한 부드러움을 만들고 말을 합니다. 작가의 미묘한 색채감각.

구성의 중심 인물은 푸른 바다에서 막 나온 금성입니다. 그녀는 알몸입니다. 하지만 차분하고 영리한 그녀의 모습 덕분에 보는 이로 하여금 어색함을 느끼지 않는다. 여신은 아름다울수록 아름다워 소름 끼치는 생물하늘에서 내려온 것입니다. 비너스의 이미지는 잘 알려진 성서 모티프를 바탕으로 보티첼리가 만든 캔버스에서 쉽게 알아볼 수 있습니다. 종교적 내용이 담긴 그림 중 가장 주목할만한 것은 Madonna Enthroned (1484)와 Madonna in Glory (Magnificat)입니다.

둘 다 현재 피렌체의 우피치 갤러리에 있습니다. "Madonna in Glory"는 이미지의 미묘한 서정성이 특징입니다. 리듬이 반복되는 그림의 둥근 모양 덕분에 구성의 역학이 만들어집니다.
움직이는 인물의 배열에서. 컴포지션의 배경으로 가져온 풍경은 볼륨과 공간을 만듭니다.

위대한 화가의 초상화 작품도 유난히 아름답고 서정적입니다. 그 중에서 특히 관심을 끄는 것은
Giuliano Medici의 초상화와 "젊은이의 초상화". 그러나 현재 일부 미술사 학자들은 마지막 작품의 저자를 Sandro Botticelli의 학생 Filippino Lippi (Filippo Lippi의 아들)에게 돌립니다.

90년대 15세기는 화가에게 전환점이 되었다. 이번에는 Medici의 추방과 권력의 상승으로 표시됩니다.
교황과 플로렌스의 부유한 가문을 비난하는 것을 목표로 종교 설교를 한 사보나롤라. 그
그는 또한 세속 예술을 비판했으며 Savonarola에 따르면 모든 예술가와 시인은 죽음 이후에 불타는 지옥을 기대했습니다. 이를 피하려면 예술을 포기하고 죄를 회개해야 합니다...

이 설교는 그의 작품에 영향을 미칠 수 밖에 없는 보티첼리의 세계관에 큰 영향을 미쳤다. 이 기간 동안 만들어진 화가의 작품은 비정상적으로 깊은 비관주의, 절망, 파멸로 구별됩니다. 저자는 이제 고대를 잊고 점점 더 기독교 주제로 눈을 돌리고 있습니다. 이 시대의 보티첼리의 특징적인 작품은 현재 로마의 팔라비치니 컬렉션에 보관되어 있는 버려진 여자입니다. 그림의 줄거리는 매우 간단합니다. 우는 여자가 문이 단단히 닫힌 벽에 돌계단에 앉아 있습니다. 그러나 내용의 단순성에도 불구하고 그림은 매우 표현력이 풍부하고 시청자에게 우울하고 슬프고 음울한 분위기를 조성합니다.

1490년대 15세기 단테의 신곡에 대한 보티첼리의 삽화가 등장합니다. 현재까지 96점의 그림만 남아 있으며 현재 베를린과 바티칸 박물관에 있습니다. 스케치의 모든 이미지는 비정상적으로 연약하고 통풍이 잘되며 가볍기 때문에 Botticelli의 모든 작업의 ​​특징입니다.

같은 90년대에. 위대한 거장은 피렌체의 우피치 갤러리에 보관된 캔버스 "비방"을 만들었습니다. 그림은 여기에서 글쓰기 방식이 다소 바뀌고 있다는 사실로 유명합니다. 이미지를 만드는 선이 더 날카롭고 뾰족해집니다. 구성은 다른 작품과 비교할 때 이미지의 확실성보다 파토스, 감성 등으로 가득 차 있습니다.

작가의 종교적 광신주의 표현의 정점은 "그리스도의 애도"라는 그림이었습니다. 현재 캔버스의 변형은 밀라노의 Poldi Pezzoli 박물관과 뮌헨의 Alte Pinakothek에 보관되어 있습니다. 여기서 특히 흥미로운 것은 깊은 슬픔과 갈망으로 가득 찬 그리스도와 가까운 사람들의 이미지입니다. 때로는 어둡고 때로는 밝은 색상의 대조를 사용하여 비극의 인상을 강화합니다. 보는 사람은 더 이상 무형, 거의 무중력, 보이지 않는 이미지가 아니라 상당히 구체적이고 명확한 형상입니다.

관련된 가장 밝은 작품 중 하나 후기 Botticelli의 독창성은 현재 드레스덴에 보관되어 있는 그림 "St. Zenobius의 생애 장면"입니다. 미술관독일에서. 고대 제단 예배당의 그림 스타일로 만들어진 구성은 성인의 삶에 대해 이야기하는 개별 그림으로 구성된 일종의 콜라주입니다. 그러나 닮음에도 불구하고 오래된 예술, 캔버스에서 아주 명확하게 나타납니다. 창조적 개성회화의 대가들. 그의 이미지는 견고하고 명확합니다. 추상적인 공간이 아닌 구체적인 풍경을 배경으로 배치된다. Botticelli의 행동 장소는 명확하게 정의되어 있습니다. 대부분 멀리서 아름다운 숲이 보이는 평범한 도시 거리입니다.

특히 흥미로운 것은 화가가 사용하는 색상의 조합입니다. 이러한 관점에서 글을 쓰는 방식은 밝은 대비가 아니라 차분하고 가까운 색조를 선택하는 고대 아이콘을 그리는 기술과 여러면에서 유사합니다.

Sandro Botticelli는 1510년 5월 17일에 사망했습니다. 그의 작품은 XV-XVI 세기의 거장들뿐만 아니라 후기 시대의 많은 화가들에게도 큰 영향을 미쳤습니다.

Proto-Renaissance 시대에 Duccio와 같은 시대에 살았던 Sienese 화가, 형제 Ambrogio 및 Pietro Lorenzetti와 같은 뛰어난 예술가도 작업했습니다. Florentine Masolino와 Benozzo Gozzoli, Umbrian Gentile de Fabriano; 화가이자 메달리스트인 Pisanello; Florentines Filippino Lippi (Filippo Lippi의 아들)와 Piero di Cosimo. Umbrian 학교의 대표자는 화가 Luca Signorelli, Pinturicchio, Melozzo da Forli였습니다. Cosimo Tura, Ercole Roberti, Francesco del Cossa, Lorenzo Costa는 페라라에서 일했습니다.

XV 세기에. 피렌체에서는 또 다른 화보 장르가 큰 인기를 끌었다. 많은 가정에는 소녀들이 지참금을 보관하는 우아한 상자(카손)가 있었습니다. 주인은 숙련 된 조각과 우아한 그림으로 그들을 덮었습니다. 대부분의 경우 예술가들은 벽화에 신화적인 주제를 사용했습니다.

베네치아 회화

Quattrocento 예술의 특별한 장소는 베니스에 속합니다. 160개의 채널로 서로 분리된 118개의 섬에 위치한 놀라운 도시는 그 시대에 도시 국가였습니다. 이집트, 그리스, 터키, 시리아, 바그다드, 인도, 아라비아, 북아프리카, 독일, 플랑드르와 무역을 하는 상인들의 공화국인 베니스는 다른 문화에 개방되어 있었습니다.

베네치아 회화는 이 위대한 도시의 모든 아름다움, 부, 화려함을 포착하도록 설계되었습니다. 15세기 후반에 절정에 이르렀다. 베네치아 거장의 작품, 화려하고 축제 장식, 장식 된 사원, 궁전, 다양한 공공 기관의 건물, 유쾌한 통치자 및 일반 시민.

대표적인 예 베네치아 회화 Vittore Carpaccio의 작품입니다. 그의 독창적인 내러티브 구성은 엄숙한 행사("대사 접대") 동안 베니스를 시적으로 표현합니다. 작가는 묘사 일상 생활 고향; 그는 신성한 역사의 장면을 그려 현대성의 관점에서 해석합니다. 이것이 그의 "성 베드로의 생애"입니다. Ursula'(1490년대), '마리아의 생애 장면', '성 베드로의 생애' 스티븐"(1511-1520).

초기 르네상스 베네치아 회화의 사실적인 경향은 안토넬로 다 메시나의 작품에 반영되었습니다. 그의 가장 유명한 그림 중 하나는 St. 세바스찬"(1476). 성 베드로의 순교 주제 기독교 Diocletian의 적의 희생자가 된 Sebastian은 르네상스 예술가들 사이에 널리 퍼졌지만 Antonello da Messina는 그것을 특별한 방식으로 해석합니다. Sebastian의 이미지에는 같은 작품의 특징 인 고통받는 승영이 없습니다. 이 주제를 가진 다른 화가들의 주제. 예술가는 시청자가 아름다움에 감탄하게 만듭니다. 인간의 몸아름다운 청년의 용기와 강인함을 존경합니다. 공기와 빛이 Sebastian이 묘사된 고요한 풍경에 스며듭니다. 장엄한 도시 건물이 그의 뒤에 솟아 있고 골동품 기둥이 그의 발에 놓여 있습니다.

Antonello da Messina는 훌륭한 초상화 마스터입니다. 최고의 작품이 장르의 - 소위. "자화상"(c. 1473), "Condottiere", "남자의 초상화"(1470s). 이 작품들은 작가의 동시대 사람들이 그토록 높이 평가했던 자질인 자제와 일반화가 특징입니다. 주인의 초상화 작업은 Giovanni Bellini의 작업을 예상했습니다.

Venetian Quattrocento의 주요 거장인 Giovanni Bellini는 전성기 르네상스의 창시자 중 한 명으로 간주됩니다. 비극적 인 웅장 함은 그의 작품 "성도와 함께하는 마돈나"(1476), "그리스도의 애도"(1475)를 표시했습니다. 프랑스 시에서 영감을 받은 신비한 호수의 성모(1500경)가 눈길을 끈다.
황금 시대 "영혼의 순례"에 대해. 이 사진으로 통일 아름다운 이미지기독교 낙원의 고대와 꿈.

지금까지 연구원들은 성모 옆에 있는 평범한 사람들, 사도들, 성인들을 묘사함으로써 작가가 말하고자 하는 바를 완전히 파악하지 못했습니다.

Bellini는 베니스에서 초상화의 개화를 시작한 몇 가지 멋진 초상화 ( "소년", "Doge Leonardo Loredano의 초상화"등)를 그렸습니다. 그의 모든 작품(St. Francis, 1470년대)의 필수적인 부분인 자연을 묘사하는 화가의 기술은 다음 세대의 많은 베네치아 풍경화가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. Bellini의 학생들은 Giorgione과 Titian과 같은 유명한 화가였습니다.

조르지오네

조르지오네뿐만 아니라 위대한 화가, 그러나 재능있는 음악가이자 시인이기도 한 베네치아 화가들 사이에서 분명히 눈에 띕니다. Vasari는 "그의 류트 연주와 노래는 신성한 것으로 숭배되었습니다. "라고 썼습니다. 아마도 Giorgione의 그림의 특별한 음악성과 시는 아마도 이탈리아뿐만 아니라 세계 예술에서도 동등하지 않습니다.

Giorgione의 삶에 대해서는 알려진 바가 거의 없습니다. 본명은 조르지오 바르바렐리 다 카스텔프랑코. 바사리가 쓴 것처럼,
별명 Giorgione ( "Big Giorgio") 아티스트는 "영의 위대함을 위해"받았습니다.

조르조네는 1478년경 카스텔프랑코에서 태어났습니다. 어린 시절에 그는 베니스에 와서 Giovanni Bellini의 작업장에 들어갔다. 그 이후로 화가는 베니스를 거의 떠나지 않았으며 1510 년 전염병 전염병으로 사망했습니다.

Giorgione의 가장 유명한 그림 중 하나는 Hermitage에 보관된 유명한 "Judith"입니다. 전설에 따르면 아름다운 유디트가 적군 사령관 홀로페르네스의 천막에 들어가 그를 유혹했다고 합니다. 홀로페르네스가 잠들었을 때 소녀는 그를 참수했습니다.

이것에 관해서 신비한 그림러시아 예술가 A. Benois는 다음과 같이 썼습니다. 이상한 그림, Leonardo의 그림과 같은 "모호함"과 "교활함". 주디스인가? -잘린 머리를 차분하게 짓밟는 드레스덴 비너스의 얼굴을 가진이 엄격한 슬픈 아름다움에 대해 묻고 싶습니다. 실제로이 캔버스에는 일종의 모순과 미스터리가 포함되어 있습니다. 무자비한 성서 Judith는 조용하고 조용한 자연을 배경으로 꿈꾸는 소녀의 시적 이미지로 Giorgione의 작품에 나타납니다.

그리고 이것은 Giorgione의 작업에서 유일한 미스터리가 아닙니다.

폭풍우가 치는 하늘 아래 나무와 고대 기둥 조각 사이에서 젊은 여성이 앉아 아이에게 먹이를주고 멀리 걷는 청년을 보는 "뇌우"그림에는 어떤 비밀이 숨겨져 있습니까? 작가가 "컨트리 콘서트"라는 캔버스에 나무 그늘에 앉아있는 두 명의 음악가와 함께 두 명의 나체 여성을 묘사했을 때 작가가 말하고 싶었던 것도 분명하지 않습니다. "컨트리 콘서트"에서-그의 최신작- Giorgione은 배경에서 풍경을 완성할 시간이 없었고 Titian이 그를 위해 해냈습니다. 이미 다른 시대에 구성의 개념은 E. Manet이 그의 유명한 "Breakfast on the Grass"에서 사용했습니다.

Giorgione의 작품에서 나무, 언덕, 밝은 거리는 인물이 묘사되는 배경이 아닙니다. 풍경은 베네치아 마스터의 작품에 대한 아이디어로 캐릭터와 불가분의 관계가 있습니다. 따라서 구성 "세 명의 철학자"에서 골동품 예복을 입은 노인, 동양 터번을 입은 중년 남성, 자연에 대한 지식의 여러 단계를 구현하는 청년은 그것으로 하나의 전체를 나타냅니다. 섬세한 녹지 산골짜기, 바위덩어리, 부드러운 햇살이 비추는 창백한 하늘.

인간과 자연의 조화에 대한 동일한 아이디어가 Giorgione의 걸작 중 하나 인 캔버스 "Sleeping Venus"에 반영되었습니다. 졸린 미녀의 관능적이고 동시에 순결한 누드는 즐겁고 동시에 단순한 이탈리아 풍경의 의인화가되었으며, 황금빛 노란색 톤은 금성의 몸의 따뜻한 색조에서 반복됩니다. 나중에 "잠자는 금성"의 동기는 Titian ( "Venus of Urbino"), D. Velasquez ( "Venus in front a mirror"), F. Goya ( "Mach") 및 E. Manet ( " 올림피아").

구성의 독립적인 요소로서의 풍경에 대한 조르조네의 깊은 관심은 이탈리아 회화에서 새로운 장르인 풍경의 등장을 준비했습니다.

Giorgione의 작품은 Venetian뿐만 아니라 모든 이탈리아 회화에 중요한 영향을 미쳤습니다. 주목할만한 예술가는 전성기 르네상스 예술의 창시자 중 한 사람이되었습니다. 나중에 그의 예술 Giorgione의 원리와 아이디어는 Titian 학생의 작품에 반영되었습니다.

) - 데 글로벌 중요성유럽 ​​문화사에서 중세를 대체하고 계몽주의와 뉴에이지를 앞선 시대. 그것은 이탈리아에서-XIV 세기 초 (유럽의 모든 곳--XVI 세기부터)-XVI 세기의 마지막 분기 및 경우에 따라 XVII 세기의 첫 10 년 동안 떨어집니다. 르네상스의 독특한 특징은 문화의 세속적 성격, 인본주의 및 인간 중심주의 (즉, 무엇보다도 사람과 그의 활동에 대한 관심)입니다. 고대 문화에 대한 관심이 번성하고 있으며 "부흥"이 일어나고 있습니다. 이것이 용어가 등장한 방식입니다.

용어 갱생예를 들어 Giorgio Vasari에서 이미 이탈리아 인본주의 자 사이에서 발견되었습니다. 안에 현대적 의미이 용어는 19세기 프랑스 역사가 Jules Michelet에 의해 만들어졌습니다. 현재 용어 갱생문화적 번영에 대한 은유로 변했습니다.

일반적 특성

도시 공화국의 성장으로 봉건 관계에 참여하지 않은 영지, 즉 장인과 장인, 상인, 은행가의 영향력이 증가했습니다. 그들 모두는 중세에 의해 만들어진 계층 적 가치 체계, 여러 측면에서 교회 문화, 금욕적이고 겸손한 정신에 이질적이었습니다. 이것은 인본주의의 출현으로 이어졌습니다. 사람, 성격, 자유, 활동적이고 창의적인 활동을 사회 제도를 평가하는 최고의 가치이자 기준으로 간주하는 사회 철학적 운동입니다.

과학과 예술의 세속적 중심지가 도시에 나타나기 시작했으며 그 활동은 교회의 통제를 벗어났습니다. 새로운 세계관은 인본주의적이고 금욕적이지 않은 관계의 예를 보면서 고대로 향했습니다. 15세기 중반 인쇄술의 발명은 고대 유산과 새로운 견해를 유럽 전역에 전파하는 데 큰 역할을 했습니다.

르네상스 시대

부흥은 4단계로 나뉩니다.

1. 초기 르네상스(13세기 후반 ~ 14세기)
2. 초기 르네상스(15세기 초 ~ 15세기 후반)
3. 하이 르네상스(15세기 말~16세기 초 20년)
4. 후기 르네상스(16세기 중반~1590년대)

프로토 르네상스

프로토 르네상스는 중세와 밀접한 관련이 있으며 실제로 중세 후기, 비잔틴, 로마네스크 및 고딕 전통과 함께 이 시기는 르네상스의 선구자였습니다. 그것은 Giotto di Bondone의 죽음 이전과 이후(1337)의 두 하위 기간으로 나뉩니다.첫 번째 기간에는 가장 중요한 발견이 이루어지고 가장 뛰어난 주인이 살고 일합니다. 두 번째 부분은 이탈리아를 강타한 페스트 전염병과 관련이 있습니다. 13 세기 말에 주요 사원 건물이 피렌체에 세워졌습니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당, 저자는 Arnolfo di Cambio였으며 피렌체 대성당의 종탑을 설계 한 Giotto가 작업을 계속했습니다.

초기 르네상스의 예술은 조각에서 처음으로 나타났습니다(Niccolò 및 Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). 그림은 두 가지로 표현됩니다. 미술 학교: 피렌체(Cimabue, Giotto) 및 시에나(Duccio, Simone Martini). 그림의 중심 인물은 Giotto였습니다. 르네상스 예술가들은 그를 회화의 개혁가로 여겼습니다. Giotto는 종교 형식을 세속적 내용으로 채우기, 평면 이미지에서 3차원 및 부조 이미지로의 점진적 전환, 사실주의의 증가, 그림에 플라스틱 볼륨을 도입, 그림의 내부 묘사 등 개발 경로를 설명했습니다. .

초기 르네상스

이탈리아의 소위 "초기 르네상스" 기간은 1500년에서 1500년까지의 시간을 다룹니다. 이 80년 동안 예술은 ​​최근 과거(중세)의 전통을 완전히 포기하지는 않았지만 고전 고대로부터 차용한 요소를 혼합하려고 노력하고 있습니다. 나중에, 그리고 점점 더 강하게 변화하는 삶과 문화 조건의 영향으로 예술가들은 중세의 기초를 완전히 버리고 대담하게 모델을 사용합니다. 고대 예술, 그의 작품의 일반적인 개념과 세부 사항 모두에서.

이탈리아의 예술은 이미 단호하게 고전 고대를 모방하는 길을 따르고 있는 반면, 다른 나라에서는 오랫동안 전통을 고수했습니다. 고딕 양식. 알프스 북부와 스페인에서 르네상스는 15세기 말에야 왔고, 초기다음 세기 중반까지 지속됩니다.

하이 르네상스

르네상스의 세 번째 기간 - 그의 스타일이 가장 웅장하게 발전한시기 - 일반적으로 "높은 르네상스"라고합니다. 그것은 약 1527년부터 약 1527년까지 이탈리아에서 확장됩니다. 이때 피렌체의 이탈리아 예술 영향의 중심은 야심 차고 용감하며 진취적인 사람인 줄리어스 2 세의 교황 왕좌에 오른 덕분에 로마로 옮겨졌습니다. 최고의 아티스트수많은 제국을 점령한 이탈리아 중요한 작품다른 사람들에게 예술에 대한 사랑의 모범을 보여줍니다. 동시에 교황과 그의 가장 가까운 후계자 인 로마는 페리클레스 시대의 새로운 아테네가되었습니다. 그 안에 많은 기념비적 인 건물이 지어지고 있습니다. 조각 작품, 벽화와 그림이 그려져 있으며 여전히 그림의 진주로 간주됩니다. 동시에 예술의 세 가지 분야는 모두 조화롭게 손을 맞잡고 서로 돕고 상호 작용합니다. 고대는 이제 더 철저하게 연구되고 있으며 더 엄격하고 일관성 있게 재생산되고 있습니다. 평온함과 위엄은 이전 시대의 열망이었던 장난스러운 아름다움을 대체합니다. 중세의 기억은 완전히 사라지고 모든 예술 작품에 완전히 고전적인 흔적이 남습니다. 그러나 고대인의 모방은 예술가의 독립성을 억누르지 않으며 뛰어난 수완과 상상력의 생동감으로 고대 그리스-로마 예술에서 차용하기에 적절하다고 생각하는 것을 자유롭게 처리하고 비즈니스에 적용합니다.

삼위일체의 창의 이탈리아의 거장르네상스의 정점을 표시하는 이들은 Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) 및 Raphael Santi (1483-1520)입니다.

후기 르네상스

이탈리아의 후기 르네상스는 1530년대부터 1590년대-1620년대까지의 기간을 다룹니다. 이 시대의 예술과 문화는 그 발현이 매우 다양하여 많은 관습성이 있어야만 하나의 분모로 환원될 수 있다. 예를 들어, 브리태니커 백과사전은 "르네상스는 전체론적 역사적 기간 1527년 로마의 멸망으로 끝났다. 남유럽에서는 인체의 구호와 고대 이상의 부활을 포함하여 모든 자유로운 사상을 조심스럽게 바라보는 반종교 개혁이 르네상스 이데올로기의 초석으로 승리했습니다. 세계관 모순과 위기에 대한 일반적인 감각은 인위적인 색상과 파선 - 매너리즘의 "신경"예술에서 플로렌스를 초래했습니다. Correggio가 작업한 Parma에서 매너리즘은 1534년 예술가가 사망한 후에야 도달했습니다. 베니스의 예술적 전통은 나름의 발전 논리를 가지고 있었습니다. 1570년대 말까지 티치아노와 팔라디오가 그곳에서 일했는데, 그의 작품은 피렌체와 로마 예술의 위기 현상과 거의 공통점이 없었다.

북부 르네상스

이탈리아 르네상스는 19세기까지 다른 나라에 거의 또는 전혀 영향을 미치지 않았고, 19세기 이후에는 양식이 대륙 전체에 퍼졌지만 후기 고딕 양식의 영향은 바로크 시대가 도래할 때까지 지속되었습니다.

"르네상스"(rinascita)라는 개념 자체가 14세기 이탈리아에서 시대의 혁신을 이해한 결과 생겨났습니다. 전통적으로 Dante Alighieri는 문학 르네상스의 창시자로 간주됩니다. "코미디"라는 그의 작품에서 처음으로 인간, 그의 열정, 그의 영혼으로 향한 사람은 나중에 " 신곡". 인본주의 전통을 명확하고 단호하게 되살린 최초의 시인은 바로 그 사람이었습니다. 북부 르네상스(Northern Renaissance)는 북유럽, 또는 더 일반적으로는 알프스 북쪽 이탈리아 이외의 모든 유럽의 르네상스를 설명하는 데 사용되는 용어입니다. 북부 르네상스는 다음과 밀접한 관련이 있습니다. 이탈리아 르네상스, 그러나 많은 특징적인 차이점이 있습니다. 따라서 북부 르네상스는 동질적이지 않았습니다. 각 국가마다 특정한 특징이 있었습니다. 현대 문화 연구에서 일반적으로 르네상스 문학에서 시대의 인본주의 적 이상, 조화 롭고 자유롭고 창의적이며 포괄적으로 발전된 성격의 찬미가 가장 완벽하게 표현되었다고 인정됩니다.

네덜란드, 독일, 프랑스의 르네상스 시대는 일반적으로 별도의 스타일 방향, 이탈리아의 르네상스와 약간의 차이가 있으며 "북부 르네상스"라고합니다.

그림에서 가장 눈에 띄는 문체 차이 : 이탈리아와 달리 고딕 예술의 전통과 기술은 오랫동안 그림에서 보존되었으며 고대 유산 연구와 인체 해부학 지식에 대한 관심이 적었습니다.

러시아의 르네상스

이탈리아에 존재했던 르네상스 경향과 중부 유럽, 여러면에서 러시아에 영향을 미쳤지 만이 영향은 러시아와 주요 유럽 국가 간의 거리가 멀기 때문에 매우 제한적이었습니다. 문화 센터한편으로는 러시아 정교회 전통과 비잔틴 유산에 대한 러시아 문화의 강한 애착이 있습니다.

과학

일반적으로 이 시대에 만연한 르네상스의 범신론적 신비주의는 과학지식의 발전에 불리한 이데올로기적 배경을 조성하였다. 최종 형성 과학적인 방법 17세기 과학혁명이 뒤따랐다. 르네상스에 반대하는 종교 개혁 운동과 관련이 있습니다.

철학

르네상스의 철학자

문학

문학에서 르네상스의 진정한 조상은 이탈리아 시인 Dante Alighieri (1265-1321)로 간주되며 나중에 The Divine Comedy라고 불리는 그의 작품에서 당시 사람들의 본질을 진정으로 드러냈습니다. 이 이름으로 후손들은 단테의 장대 한 창조에 감탄했습니다. 르네상스 문학은 시대의 인본주의적 이상, 조화롭고 자유롭고 창의적이며 포괄적으로 발전된 성격의 찬양을 가장 완전하게 표현했습니다. Francesco Petrarch (1304-1374)의 사랑 소네트는 사람의 내면 세계의 깊이, 정서적 삶의 풍요 로움을 드러냈습니다. XIV-XVI 세기에 이탈리아 문학이 번성했습니다-Petrarch의 가사, Giovanni Boccaccio (1313-1375)의 단편 소설, Niccolo Machiavelli (1469-1527)의 정치 논문, Ludovico Ariosto (1474-1533)의시 그리고 Torquato Tasso(1544-1595)는 그녀를 다른 나라의 "고전"(고대 그리스 및 로마와 함께) 문학에 내세웠습니다.

르네상스 문학은 민속시와 "책 같은"고대 문학이라는 두 가지 전통에 의존했기 때문에 합리적 원칙이 시적 소설과 결합되는 경우가 많았고 만화 장르가 큰 인기를 얻었습니다. 이것은 가장 중요한 것으로 나타났습니다. 문학 기념물시대: 보카치오의 데카메론, 세르반테스의 돈키호테, 프랑수아 라블레의 가르강튀아와 팡타그뤼엘. 민족 문학의 출현은 주로 라틴어로 만들어진 중세 문학과 달리 르네상스와 관련이 있습니다. 연극과 드라마가 널리 퍼졌습니다. 이 시대의 가장 유명한 극작가는 윌리엄 셰익스피어(1564-1616, 영국)와 로페 데 베가(1562-1635, 스페인)였습니다.

미술

르네상스 그림은 자연, 해부학 법칙, 삶의 관점, 빛의 작용 및 기타 동일한 자연 현상에 대한 예술가의 전문적인 관점의 매력이 특징입니다.

전통적인 종교적 주제의 그림을 그리는 르네상스 예술가들은 새로운 것을 사용하기 시작했습니다. 예술적 기법: 배경에서 플롯의 요소로 풍경을 사용하여 3차원 구성을 구축합니다. 이를 통해 이미지를 보다 사실적이고 생동감 있게 만들 수 있었으며, 이미지의 관습으로 가득 찬 이전의 도상학적 전통과 그들의 작업 사이에 뚜렷한 차이를 보여주었습니다.

건축학

이 시대를 특징 짓는 가장 중요한 것은 고대, 주로 로마 예술의 원칙과 형식으로 건축이 돌아온 것입니다. 특별한 의미이 방향으로 대칭, 비율, 기하학 및 순서가 주어집니다. 구성 부품, 로마 건축의 살아남은 예에 의해 분명히 입증됩니다. 중세 건물의 복잡한 비율은 기둥, 벽기둥 및 상인방의 질서 정연한 배열로 대체되고 비대칭 윤곽은 아치의 반원, 돔의 반구, 벽감, 이디큘로 대체됩니다. 다섯 명의 거장이 르네상스 건축의 발전에 가장 큰 공헌을 했습니다.

• 필리포 브루넬레스키(Filippo Brunelleschi, 1377-1446) - 르네상스 건축의 창시자, 원근법 이론과 질서 체계를 개발하고 고대 건축의 많은 요소를 건축 관행으로 되돌려 수세기 만에 처음으로 돔(피렌체 대성당)을 만들었습니다. , 여전히 피렌체의 파노라마를 지배합니다.
• Leon Battista Alberti (1402-1472) - 전체 론적 개념의 창시자 인 르네상스 건축의 가장 큰 이론가는 콘스탄틴 시대의 초기 기독교 대성당의 동기를 재고했으며 Rucellai Palace에서 새로운 유형의 도시 거주지를 만들었습니다. 녹슬지 않고 여러 층의 벽기둥으로 해부 된 외관.
• Donato Bramante (1444-1514) - 완벽하게 조정된 비율을 가진 중심 구성의 대가인 전성기 르네상스 건축의 창시자; Quattrocento 건축가의 그래픽 구속은 지각 논리, 세부 사항의 가소성, 디자인의 무결성 및 명확성(Tempietto)으로 대체됩니다.
• Michelangelo Buonarroti (1475-1564) - 후기 르네상스의 수석 건축가, 교황의 수도에서 웅장한 건물 작업을 감독함. 그의 건물에서 플라스틱 원리는 동적 대조로 표현됩니다.

연방 기관교육의

상트페테르부르크 주립 건축 및 토목 대학교

사학과

분야: 문화학

르네상스 문화의 타이탄과 걸작

그룹 1 학생 ES 2

E. Yu.Nalivko

감독자:

에. 그리고. 명., 교사

I. Yu. Lapina

상트 페테르부르크

소개 ..................................................................................3

초기 르네상스 예술 ..................................4

전성기 르네상스 시대 ..................................5

산드로 보티첼리 ..................................5

레오나르도 다빈치 ..................................................7

미켈란젤로 부오나로티 .........................................10

라파엘로 산티...........................................................13

결론 ..................................................................................15

사용 문헌 목록 ..................................16

소개

르네상스는 세계 문화에서 중요한 시기입니다. 처음에는 유럽에서 새로운 현상 문화 생활과학, 철학, 문학 분야에서 고대 문화의 잊혀진 업적으로 돌아가는 것처럼 보였습니다. 르네상스 현상은 고대 유산이 교회 정경과 금지를 전복시키는 무기가 되었다는 사실에 있습니다. 본질적으로 우리는 2세기 반 동안 지속되고 새로운 유형의 세계관과 새로운 유형의 문화의 창조로 끝난 거대한 문화 혁명에 대해 이야기해야 합니다. 당시 유럽 지역 밖에서 이와 같은 것은 관찰되지 않았습니다. 따라서 이 주제는 이 시기를 좀 더 자세히 분석하고 싶은 나의 큰 관심과 열망을 불러일으켰다.

내 에세이에서 나는 그런 것에 집중하고 싶다. 저명한 사람들산드로 보티첼리, 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘로 산티처럼. 이탈리아 르네상스의 주요 단계에서 가장 눈에 띄는 대표자가 된 것은 바로 그들이었습니다.

1. 초기 르네상스의 예술

15세기 첫 10년 동안 이탈리아 예술에 결정적인 전환점이 발생했습니다. 르네상스의 강력한 중심지가 피렌체에 등장하면서 이탈리아 예술 문화 전체가 쇄신되었습니다.

Donatello, Masaccio 및 그 동료들의 작품은 후기 trecento의 고딕 예술의 특징이었던 "세부 사항의 사실주의"와 크게 다른 르네상스 사실주의의 승리를 표시합니다. 이 거장의 작품에는 인본주의의 이상이 담겨 있습니다. 그들은 사람을 영화 롭게하고 영화 롭게하며 그를 일상 생활 수준 이상으로 올립니다.

고딕 전통과의 투쟁에서 초기 르네상스의 예술가들은 고대와 원시 르네상스 예술에 대한 지원을 구했습니다. 프로토르네상스의 거장들이 직관적으로, 만져서만 찾았던 것은 이제 정확한 지식을 기반으로 합니다.

15세기 이탈리아 예술은 매우 다양합니다. 고급 피렌체에서 15 세기 초에 얻은 새로운 예술은 즉시 다른 지역에서 인정과 배포를받지 못했습니다. 브루넬레스키, 마사치오, 도나텔로가 피렌체에서 활동하는 동안 비잔틴과 고딕 예술, 점차적으로 르네상스로 대체되었습니다.

피렌체는 초기 르네상스의 중심지였습니다. 15세기 전반과 중반의 피렌체 문화는 다양하고 풍부했습니다. 1439년 이후, 비잔틴 황제 존 팔라이올로고스와 콘스탄티노플 총대주교가 도착한 플로렌스에서 열린 에큐메니칼 교회 회의 이후, 특히 1453년 비잔티움이 몰락한 이후 많은 과학자들이 동쪽은 피렌체에서 피난처를 찾았고, 이 도시는 고대 그리스의 문학과 철학뿐만 아니라 그리스어 연구를 위한 이탈리아의 주요 중심지 중 하나가 되었습니다. 그럼에도 불구하고 15세기 전반과 중반에 피렌체의 문화 생활에서 주도적인 역할은 의심할 여지없이 예술에 속했습니다. 1

2. 전성기 르네상스 시대

이 기간은 르네상스의 정점을 나타냅니다. 30년 정도의 짧은 기간이었지만, 양적으로나 질적으로나 이 기간은 수 세기에 가깝다. 전성기 르네상스 예술은 15세기의 업적을 요약한 것이지만, 동시에 예술 이론과 구현 면에서 새로운 질적 도약이었습니다. 이 기간의 비정상적인 "밀집화"는 동시에 (한 역사적 기간에) 작업하는 뛰어난 예술가의 수가 예술사 전체에 대한 일종의 기록이라는 사실로 설명 할 수 있습니다. Leonardo da Vinci, Raphael 및 Michelangelo와 같은 이름을 지정하는 것으로 충분합니다.

3. 산드로 보티첼리

산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)라는 이름은 이탈리아 르네상스의 가장 뛰어난 예술가 중 한 사람의 이름으로 전 세계에 알려져 있습니다.

Sandro Botticelli는 1444년(또는 1445년) 태너인 피렌체 시민 Mariano Filippepi의 가족에서 태어났습니다. Sandro는 Philippepi의 넷째 아들 인 막내였습니다. 불행히도 Sandro가 언제 어디서 예술가로 훈련을 받았는지, 그리고 오래된 소식통이 말했듯이 그가 실제로 처음으로 보석을 공부 한 다음 그림을 그리기 시작했는지에 대해서는 알려진 바가 거의 없습니다. 1470년에 그는 이미 자신의 작업장을 가지고 있었고 받은 명령을 독립적으로 수행했습니다.

Botticelli 예술의 매력은 항상 약간의 신비로 남아 있습니다. 그의 작품은 다른 거장들의 작품이 불러일으키지 않는 느낌을 불러일으킨다.

Botticelli는 15세기의 많은 예술가들보다 열등했으며 일부는 용감한 에너지, 다른 일부는 세부 사항의 진정한 진정성에서 열등했습니다. 그의 이미지(매우 드문 예외를 제외하고)에는 기념비와 드라마가 없으며 과장되게 깨지기 쉬운 형태는 항상 약간 임의적입니다. 그러나 15세기의 다른 어떤 화가와도 달리 보티첼리에게는 삶에 대한 최고의 시적 이해 능력이 부여되었습니다. 처음으로 그는 인간 경험의 미묘한 뉘앙스를 전달할 수 있었습니다. 그의 그림에서 즐거운 흥분은 우울한 환상, 재미의 폭발-아픈 우울, 차분한 묵상-통제 할 수없는 열정으로 대체됩니다.

보티첼리 예술의 새로운 방향은 그의 활동의 마지막 시기인 1490년대와 1500년대 초반의 작품에서 극단적으로 표현되었습니다. 여기에서 과장과 불협화음의 장치는 거의 참을 수 없게 됩니다(예: "성 제노비우스의 기적"). 그런 다음 예술가는 절망적 인 슬픔의 심연 ( "Pieta")으로 뛰어 들고 깨달은 승영 ( "성 제롬의 친교")에 굴복합니다. 그의 회화적 방식은 일종의 순진한 혀 묶임으로 구별되는 거의 아이콘 페인팅 관습으로 단순화됩니다. 평면 선형 리듬은 단순함의 한계에 도달한 그림과 지역 색상의 뚜렷한 대비가 있는 색상을 모두 준수합니다. 이미지는 그대로 신비한 상징으로 작용하여 실제 지상 껍질을 잃습니다. 그러나 이것에서, 계속해서 종교 예술인간의 원칙은 큰 힘으로 그 길을 가고 있습니다. 이전에는 예술가가 자신의 작품에 그렇게 많은 개인적인 감정을 투자한 적이 없었고, 그의 이미지가 그토록 높은 도덕적 중요성을 지닌 적이 없었습니다.

Botticelli의 죽음과 함께 초기 르네상스의 피렌체 회화의 역사는 끝납니다. 이것은 이탈리아 예술 문화의 진정한 봄입니다. 레오나르도, 미켈란젤로, 젊은 라파엘과 동시대인인 보티첼리는 그들의 고전적 이상과는 거리가 멀었습니다. 예술가로서 그는 전적으로 15세기에 속했으며 전성기 르네상스 회화의 직접적인 후계자가 없었습니다. 그러나 그의 예술은 그와 함께 죽지 않았다. 그것은 인간의 정신세계를 드러내기 위한 최초의 시도이자 소심한 시도였고 비극적으로 끝났지만, 세대와 세기를 거쳐 다른 거장들의 작품에 무한히 다면적으로 반영되었다.

보티첼리의 예술은 사람들의 마음을 설레게 하고 언제나 설레게 할 위대한 예술가의 시적 고백입니다. 2

4. 레오나르도 다빈치

인류 역사상 전성기 르네상스 미술의 창시자 레오나르도 다빈치(1452~1519)만큼 뛰어난 인물을 찾기란 쉽지 않다. 이 위대한 예술가이자 과학자의 포괄적인 활동은 그의 유산에서 흩어진 원고를 조사한 후에야 분명해졌습니다. 거대한 문학은 레오나르도에게 바쳐졌으며 그의 삶은 자세히 연구되었습니다. 그럼에도 불구하고 그의 작품의 많은 부분은 신비로 남아 있으며 계속해서 사람들의 마음을 자극합니다.

Leonardo da Vinci는 피렌체에서 멀지 않은 Vinci 근처의 Anchiano 마을에서 태어났습니다. 그는 ~였다 사생아번영하는 공증인과 단순한 농민 여성. 소년의 뛰어난 그림 실력을 알아차린 그의 아버지는 그를 Andrea Verrocchio의 작업장에 맡겼습니다. 교사 "그리스도의 세례"의 그림에서 영적인 금발 천사의 모습은 젊은 레오나르도의 붓에 속합니다.

그의 초기 작품 중에는 유화로 그린 꽃을 든 마돈나(1472)가 있는데 당시 이탈리아에서는 드물었다.

1482년경 레오나르도는 밀라노 공작 로도비코 모로에게 복무했습니다. 주인은 먼저 자신을 군사 엔지니어, 건축가, 수력 공학 분야의 전문가로 추천 한 다음 화가와 조각가로 추천했습니다. 그러나 Leonardo의 창의성 (1482-1499)의 첫 번째 밀라노 기간이 가장 유익한 것으로 판명되었습니다. 주인은 이탈리아에서 가장 유명한 예술가가되었고 건축과 조각을 공부하고 프레스코와 제단 그림으로 전환했습니다.

밀라노 시대의 레오나르도의 그림 같은 그림은 우리 시대까지 살아 남았습니다. 전성기 르네상스의 첫 번째 제단화는 동굴의 마돈나(1483-1494)였습니다. 화가는 15세기의 전통, 즉 엄숙한 경직성이 우세한 종교적 그림에서 출발했습니다. 레오나르도의 제단화에는 여성스러운 마리아, 작은 세례 요한을 축복하는 유아 그리스도, 마치 그림 밖을 내다보는 것처럼 무릎을 꿇은 천사 등 인물이 거의 없습니다. 이미지는 완벽하게 아름답고 주변 환경과 자연스럽게 연결됩니다. 이것은 깊이에 틈이있는 어두운 현무암 암석 사이의 일종의 동굴입니다. 전체적으로 레오나르도의 전형적인 풍경은 환상적으로 신비합니다. 인물과 얼굴은 공기가 잘 통하는 안개에 가려져 특별한 부드러움을 선사합니다. 이탈리아인들은 이 기술을 Deonardo sfumato라고 불렀습니다.

밀라노에서 분명히 마스터는 캔버스 "Madonna and Child"( "Madonna Lita")를 만들었습니다. 여기에서 꽃을 든 마돈나와 달리 이미지의 이상성을 더 일반화하기 위해 노력했습니다. 어떤 순간이 아니라 젊고 아름다운 여성이 몰두하는 어떤 장기적인 기쁨의 평화 상태가 묘사됩니다. 차갑고 맑은 빛이 그녀의 가늘고 부드러운 얼굴을 반쯤 숙인 시선과 희미하고 거의 알아볼 수 없는 미소로 비춥니다. 그림은 템페라로 그려져 Mary의 파란색 망토와 빨간색 드레스의 색조에 경쾌함을 더합니다. 유아의 푹신한 짙은 황금색 곱슬 머리가 놀랍도록 칠해져 시청자를 향한 그의 세심한 시선은 유치하게 진지하지 않습니다.

1499년 프랑스군이 밀라노를 점령하자 레오나르도는 밀라노를 떠났습니다. 방황의 시간이 시작되었습니다. 얼마 동안 그는 피렌체에서 일했습니다. 그곳에서 Leonardo의 작품은 밝은 섬광으로 밝혀진 것 같았습니다. 그는 부유한 플로렌스인 Francesco di Giocondo(1503년경)의 아내인 Mona Lisa의 초상화를 그렸습니다. 초상화는 "Gioconda"로 알려져 있으며 세계 회화에서 가장 유명한 작품 중 하나가되었습니다.

청록색 풍경을 배경으로 앉아 바람이 잘 통하는 안개에 싸인 젊은 여성의 작은 초상화는 바사리에 따르면 모나의 심화에서 맥박이 뛰는 것을 볼 수 있을 정도로 생생하고 부드러운 떨림으로 가득 차 있습니다. 리사의 목. 그림이 이해하기 쉬울 것 같습니다. 한편, 모나리자에 관한 광범위한 문헌에서 Leonardo가 만든 이미지에 대한 가장 반대되는 해석이 충돌합니다.

생애 말년에 Leonardo da Vinci는 예술가로서 거의 일하지 않았습니다. 프랑스 왕 프랑수아 1세의 초청을 받아 1517년 프랑스로 떠나 궁정화가가 되었다. 곧 레오나르도가 죽었습니다. 자화상-그림 (1510-1515)에서 깊은 슬픔의 표정을 가진 회색 수염의 족장은 그의 나이보다 훨씬 나이가 들었습니다.

Leonardo의 재능의 규모와 독창성은 예술사에서 명예의 장소 중 하나를 차지하는 그의 그림으로 판단할 수 있습니다. 정확한 과학에 관한 원고뿐만 아니라 예술 이론에 관한 작업도 Leonardo da Vinci의 그림, 스케치, 스케치 및 다이어그램과 불가분의 관계가 있습니다. chiaroscuro, 체적 모델링, 선형 및 공중 원근법의 문제에 많은 공간이 제공됩니다. Leonardo da Vinci는 수학, 역학 및 기타 자연 과학 분야에서 수많은 발견, 프로젝트 및 실험 연구를 소유하고 있습니다.

Leonardo da Vinci의 예술, 그의 과학적 및 이론적 연구, 그의 성격의 독창성은 세계 문화와 과학의 전체 역사를 거쳐 엄청난 영향을 미쳤습니다. 삼

5 미켈란젤로 부오나로티

전성기 르네상스 시대의 반신반인과 거인 사이에서 미켈란젤로는 특별한 위치를 차지합니다. 새로운 예술의 창조자로서 그는 16세기의 프로메테우스라는 이름을 가질 자격이 있다.

피에타로 알려진 아름다운 대리석 조각상은 오늘날까지 로마에 첫 체류와 24세기의 완전한 성숙을 기념하는 기념물로 남아 있습니다. 여름 예술가. 성모는 돌 위에 앉아 무릎 위에 십자가에서 내려진 생명 없는 예수의 몸을 안고 있습니다. 그녀는 그녀의 손으로 그를 지원합니다. 고대 작품의 영향으로 미켈란젤로는 종교적 주제를 묘사할 때 중세의 모든 전통을 버렸습니다. 그는 그리스도의 몸과 전체 작품에 조화와 아름다움을 부여했습니다. 공포를 불러일으키는 것은 예수의 죽음이 아니라 큰 고통을 당하는 사람에 대한 경건한 놀라움의 느낌이었습니다. 벌거벗은 몸의 아름다움은 예술적으로 배열된 Mary의 드레스 주름에 의해 생성된 빛과 그림자의 효과로부터 많은 이점을 얻습니다. 작가가 그린 예수의 얼굴에서 사보나롤라와 닮은 점까지 발견했다. 투쟁과 항의의 영원한 언약, 영원한 기념비예술가 자신의 숨은 고통은 피에타로 남았다.

미켈란젤로는 1501년 피렌체로 돌아왔는데, 도시의 어려운 순간에 거대한 카라라 대리석 블록에서 대성당의 돔을 장식하기 위해 성서에 나오는 다비드의 거대한 조각상을 만들기로 결정했습니다. 크기를 줄이지 않고 완벽하게 작업했으며 David였습니다. 1503년 5월 18일, 동상은 350년 이상 서 있던 세노리아 광장에 설치되었습니다.

미켈란젤로의 길고 암울한 삶에서 행복이 그에게 미소를 지었던 기간은 단 한 번뿐이었습니다. 이것은 그가 교황 율리우스 2세를 위해 일했던 때였습니다. 미켈란젤로는 자신의 방식으로 교황의 날카로운 매너가 전혀 없었던이 무례한 전사 아빠를 사랑했습니다. 교황 율리우스의 무덤은 미켈란젤로가 의도한 것만큼 웅장하지 않았다. 성 베드로 대성당 대신 베드로, 그녀는 성 베드로의 작은 교회에 배치되었습니다. 그녀가 완전히 들어가지도 않은 Peter와 개별 부분이 다른 장소에 흩어져 있습니다. 그러나이 형태에서도 르네상스의 가장 유명한 창조물 중 하나입니다. 그 중심 인물은 이집트 포로에서 그의 백성을 해방시킨 성서의 모세입니다 (예술가는 Julius가 이탈리아를 정복자로부터 해방시키기를 희망했습니다). 모든 것을 소비하는 열정, 비인간적 인 힘은 영웅의 강력한 몸을 긴장시키고 그의 얼굴은 의지와 결단력을 반영하며 행동에 대한 열정적 인 갈증, 그의 시선은 약속의 땅을 향합니다. Olympian majesty에는 반신반인이 앉아 있습니다. 그의 손 중 하나는 무릎 위의 석판에 힘차게 얹혀 있고, 다른 하나는 모든 사람이 복종하기 위해 눈썹만 움직여도 되는 남자에게 합당한 부주의로 여기에서 얹혀 있습니다. 시인이 말했듯이 “그런 우상 앞에서 유대 민족은 엎드려 기도할 권리가 있었다.” 동시대인에 따르면 미켈란젤로의 '모세'는 실제로 신을 보았다.

교황 율리우스의 요청에 따라 미켈란젤로는 바티칸의 시스티나 예배당 천장에 천지 창조를 묘사한 프레스코화를 그렸습니다. 그의 그림은 선과 몸이 지배한다. 20 년 후, 같은 예배당의 벽 중 하나에 미켈란젤로는 최후의 심판 프레스코 화를 그렸습니다. 최후의 심판에서 그리스도의 출현에 대한 놀라운 비전은 죄인들이 지옥의 심연에 빠지는 물결입니다. 근육질의 헤라클레스 거인은 인류의 선을 위해 자신을 희생 한 성서의 그리스도처럼 보이지 않지만 고대 신화의 보복을 의인화 한 프레스코는 필사적 인 영혼, 미켈란젤로의 영혼의 끔찍한 심연을 드러냅니다.

미켈란젤로의 작품에는 이탈리아의 비극으로 인한 고통이 자신의 슬픈 운명에 대한 고통과 합쳐져 표현되며, 고통과 불행이 섞이지 않은 아름다움을 미켈란젤로는 건축에서 찾았다. 미켈란젤로는 브라만테가 죽은 후 성 베드로 대성당 건설을 인수했습니다. Bramante의 가치 있는 계승자인 그는 돔을 만들었고 오늘날까지 그 크기나 웅장함에서 타의 추종을 불허합니다.

미켈란젤로는 제자도 없었고 소위 학교도 없었습니다. 그러나 그가 창조한 온 세상이 있었다. 4

6. 라파엘

Rafael Santi의 작품은 세계적 명성으로 덮일뿐만 아니라 인류의 영적 삶에서 가장 높은 랜드 마크인 특별한 의미를 얻은 유럽 문화 현상 중 하나입니다. 5세기 동안 그의 예술은 미학적 완벽함의 예 중 하나로 인식되었습니다.

Raphael의 천재성은 그림, 그래픽, 건축에서 드러났습니다. 라파엘의 작품은 전성기 르네상스 예술의 고전적 시작인 고전적 선을 가장 완전하고 생생하게 표현한 것입니다(부록 3). Raphael은 육체적으로나 영적으로 완벽한 아름다운 사람의 "보편적 이미지"를 만들어 조화로운 존재의 아름다움에 대한 아이디어를 구현했습니다.

Raphael(보다 정확하게는 Raffaello Santi)은 1483년 4월 6일 우르비노에서 태어났습니다. 그는 아버지 Giovanni Santi로부터 첫 번째 그림 수업을 받았습니다. 라파엘이 11살이었을 때 조반니 산티가 죽고 그 소년은 고아가 되었습니다(그는 아버지가 죽기 3년 전에 소년을 잃었습니다). 분명히 향후 5 ~ 6 년 동안 그는 지방의 작은 거장 인 Evangelista di Piandimeleto와 Timoteo Viti와 함께 그림을 공부했습니다.

우리에게 알려진 라파엘의 첫 번째 작품은 그가 17-19세였던 1500-1502년경에 공연되었습니다. 이들은 미니어처 크기의 작곡 "Three Graces", "Dream of a Knight"입니다. 이 단순하고 여전히 학생처럼 소심한 것들은 미묘한 시와 감정의 성실함으로 표시됩니다. 창의성의 첫 단계부터 Raphael의 재능이 모든 독창성으로 드러나고 자신의 예술적 주제가 설명됩니다.

초기 최고의 작품으로는 Conestabile Madonna가 있습니다. 마돈나와 차일드를 묘사한 작곡은 라파엘로의 폭넓은 명성과 인기를 가져왔습니다. Umbrian 시대의 연약하고 온유하며 꿈꾸는 마돈나는 더 세속적이고 완전한 이미지로 대체되었으며 그들의 내면 세계는 더 복잡해지고 감정적 색조가 풍부해졌습니다. Raphael은 기념비적이고 엄격하며 서정적 인 동시에 마돈나와 차일드에 대한 새로운 유형의 묘사를 만들어이 주제에 전례없는 의미를 부여했습니다.

그는 바티칸 (1509-1517)의 스탠자 (방) 그림에서 인간의 지상 존재, 영적 및 육체적 힘의 조화를 영광스럽게하여 완벽한 비율 감각, 리듬, 비율, 색상의 조화, 인물과 건축 배경의 장엄함. 신의 어머니 ( "Sistine Madonna", 1515-19), Villa Farnesina (1514-18)의 벽화와 바티칸의 로지아 (1519, 학생 포함)의 예술적 앙상블의 많은 이미지가 있습니다. 초상화에서 그는 르네상스 남성의 이상적인 이미지를 만듭니다(Baldassare Castiglione, 1515). 성 베드로 대성당을 설계했습니다. Peter는 로마에 Santa Maria del Popolo 교회의 Chigi 예배당(1512-20)을 세웠습니다.

Raphael의 그림, 스타일, 미적 원칙은 시대의 세계관을 반영했습니다. 16세기의 30년이 되자 이탈리아의 문화적, 영적 상황은 변했습니다. 역사적 현실은 르네상스 휴머니즘의 환상을 파괴했습니다. 부흥이 막바지에 이르렀습니다. 5

결론

르네상스 시대에는 고대 그리스와 로마의 예술에 대한 관심이 높아져 유럽이 변모하여 중세가 끝나고 새로운 시대가 시작되었습니다. 이 기간은 고대 과거의 "부흥"의 시간일 뿐만 아니라 발견과 연구의 시간, 새로운 아이디어의 시간이었습니다. 고전적인 예는 인간의 성격, 능력의 개발 및 표현을 강조하고 중세의 특징이었던 한계가 아닌 새로운 사고에 영감을 불어 넣었습니다. 교육 및 과학적 연구더 이상 교회만의 일이 아니었습니다. 새로운 학교와 대학이 생기고 자연 과학 및 의학 실험이 수행되었습니다. 예술가와 조각가들은 세상과 인간의 사실적인 재현을 위해 자연 스러움을 위해 노력했습니다. 고전 조각상과 인체 해부학을 연구했습니다. 예술가들은 평면 이미지를 버리고 원근법을 사용하기 시작했습니다. 예술의 대상은 인체, 고전 및 현대 주제, 종교적 주제였습니다. 이탈리아에서 자본주의 관계가 부상하고 있었고 외교가 도시 국가 간의 관계에서 도구로 사용되기 시작했습니다. 인쇄기의 발명과 같은 과학 기술의 발견은 새로운 아이디어의 확산에 기여했습니다. 점차 새로운 아이디어가 유럽 전체를 점령했습니다.

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세부 정보 범주: 르네상스(르네상스)의 순수 예술 및 건축 게시일: 2016-12-19 16:20 조회수: 9452

르네상스는 문화가 꽃피는 시대, 모든 예술의 전성기였지만 순수 예술은 그 시대의 정신을 가장 완벽하게 표현했습니다.

르네상스 또는 르네상스(프랑스어 "새롭게" + "태어난")는 유럽 문화의 역사에서 세계적으로 중요했습니다. 르네상스는 중세를 대체하고 계몽주의에 선행했습니다.
르네상스의 주요 특징- 문화의 세속적 성격, 인본주의 및 인간 중심주의 (사람과 그의 활동에 대한 관심). 르네상스 시대에 대한 관심 고대 문화그리고 그것의 일종의 "재생"이 있습니다.
부흥은 이탈리아에서 일어났습니다. 첫 징후는 이미 13-14 세기에 나타났습니다. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna 등). 그러나 15세기 20년대부터 15세기 말까지 확고하게 자리를 잡았다. 최고점에 도달했습니다.
다른 나라에서는 르네상스가 훨씬 늦게 시작되었습니다. XVI 세기에. 르네상스 아이디어의 위기가 시작되고이 위기의 결과는 매너리즘과 바로크의 출현입니다.

르네상스 시대

르네상스는 4개의 기간으로 나뉩니다.

1. 초기 르네상스(13세기 후반~14세기)
2. 초기 르네상스(15세기 초~15세기 말)
3. 전성기 르네상스(15세기 말~16세기 초 20년)
4. 후기 르네상스(16세기 중반~90년대)

가을은 르네상스 형성에 중요한 역할을했습니다. 비잔틴 제국. 유럽으로 이주한 비잔틴인들은 중세 유럽에 알려지지 않은 그들의 도서관과 예술 작품을 가져왔습니다. 비잔티움에서도 고대 문화를 깨뜨리지 않았습니다.
모습 인문주의(인간을 최고의 가치로 간주하는 사회 철학 운동의) 이탈리아 도시 공화국에서 봉건적 관계의 부재와 관련이 있습니다.
과학과 예술의 세속적 중심지가 교회가 통제하지 않는 도시에 나타나기 시작했습니다. 그의 활동은 교회의 통제를 벗어났습니다. XV 세기 중반. 유럽 ​​전역에 새로운 견해를 전파하는 데 중요한 역할을 한 타이포그래피가 발명되었습니다.

르네상스 시대의 간략한 특징

프로토 르네상스

프로토 르네상스는 르네상스의 선구자입니다. 그것은 비잔틴, 로마네스크 및 고딕 전통과 함께 중세 시대와 여전히 밀접하게 연결되어 있습니다. 그것은 Giotto, Arnolfo di Cambio, Pisano 형제, Andrea Pisano의 이름과 관련이 있습니다.

안드레아 피사노. 옅은 "아담의 창조". 오페라 델 두오모 (피렌체)

Proto-Renaissance의 그림은 Florence (Cimabue, Giotto)와 Siena (Duccio, Simone Martini)의 두 예술 학교로 대표됩니다. 그림의 중심 인물은 Giotto였습니다. 그는 회화의 개혁가로 간주되었습니다. 그는 종교적 형식을 세속적 내용으로 채우고 평면 이미지에서 3 차원 및 부조 이미지로 점진적으로 전환하고 사실주의로 전환했으며 그림의 플라스틱 볼륨을 그림에 도입하고 그림의 내부를 묘사했습니다.

초기 르네상스

1420년부터 1500년까지의 기간입니다. 이탈리아 초기 르네상스의 예술가들은 삶에서 모티브를 얻었고 전통적인 종교적 주제를 세속적인 내용으로 채웠습니다. 조각에서 이들은 L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, della Robbia 가족, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio였습니다. 독립형 조각상, 그림 같은 부조, 초상화 흉상 및 승마 기념물이 작업에서 발전하기 시작합니다.
XV 세기의 이탈리아 회화에서. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino 등) 세계의 조화로운 질서, 인본주의의 윤리적 시민적 이상으로의 전환, 현실 세계의 아름다움과 다양성에 대한 즐거운 인식.
필리포 브루넬레스키(Filippo Brunelleschi, 1377-1446)는 건축가, 조각가, 과학자로 과학 이론관점.

이탈리아 건축사에서 특별한 장소는 레온 바티스타 알베르티(1404-1472). 초기 르네상스 시대의 이 이탈리아 학자, 건축가, 작가, 음악가는 파도바에서 교육을 받고 볼로냐에서 법을 공부했으며 나중에는 피렌체와 로마에서 살았습니다. 그는 이론 논문 On the Statue(1435), On Painting(1435–1436), On Architecture(1485년 출판)를 만들었습니다. 그는 문학적 언어로서 "민속"(이탈리아어) 언어를 옹호했으며 윤리적 논문 "On the Family"(1737-1441)에서 조화롭게 발전된 성격의 이상을 개발했습니다. 건축 작업에서 Alberti는 대담한 실험적 솔루션에 끌렸습니다. 그는 새로운 유럽 건축의 선구자 중 한 사람이었습니다.

팔라쪼 루첼라이

Leon Battista Alberti는 건물의 구조적 기초처럼 보이는 3단 벽기둥으로 해부된 파사드가 있는 새로운 유형의 궁전을 설계했습니다. 계획).
Palazzo 맞은 편에는 무역 파트너를위한 리셉션과 연회가 열리고 결혼식이 거행되는 Rucellai Loggia가 있습니다.

로지아 루첼라이

하이 르네상스

이것은 르네상스 스타일의 가장 웅장한 발전의 시간입니다. 이탈리아에서는 약 1500년에서 1527년까지 지속되었습니다. 이제 이탈리아 미술의 중심은 교황의 왕좌에 오른 덕분에 피렌체에서 로마로 옮겨가고 있습니다. 율리아 2세, 이탈리아 최고의 예술가를 그의 궁정으로 끌어 들인 야심 차고 용감하고 진취적인 사람.

라파엘 산티 <교황 율리우스 2세의 초상>

로마에는 많은 기념비적 인 건물이 건설되고 있으며 웅장한 조각품이 만들어지고 있으며 프레스코 화와 그림이 그려져 있으며 여전히 회화의 걸작으로 간주됩니다. 고대는 여전히 높이 평가되고 신중하게 연구됩니다. 그러나 고대인의 모방이 예술가의 독립성을 억누르는 것은 아니다.
르네상스의 절정은 레오나르도 다빈치(1452-1519), 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564), 라파엘 산티(1483-1520)의 작품입니다.

후기 르네상스

이탈리아에서는 1530년대부터 1590년대-1620년대까지의 기간입니다. 이 시대의 예술과 문화는 매우 다양하다. 어떤 이들은(예를 들어 영국 학자들) "통합된 역사적 시기로서의 르네상스는 1527년 로마의 몰락과 함께 끝났다"고 믿습니다. 후기 르네상스의 예술은 다양한 흐름의 투쟁에 대한 매우 복잡한 그림입니다. 많은 예술가들은 자연과 그 법칙을 연구하려고 하지 않고 위대한 거장인 레오나르도, 라파엘, 미켈란젤로의 "매너"를 외적으로만 동화시키려고 했습니다. 이때 나이든 미켈란젤로는 예술가들이 자신의 "최후의 심판"을 어떻게 베끼는지를 보면서 "내 예술은 많은 바보를 만들 것이다"라고 말한 적이 있습니다.
남부 유럽에서는 인체의 노래와 고대 이상의 부활을 포함하여 자유로운 생각을 환영하지 않는 반종교 개혁이 승리했습니다.
이 시기의 유명한 예술가로는 Giorgione(1477/1478-1510), Paolo Veronese(1528-1588), Caravaggio(1571-1610) 등이 있습니다. 카라바조바로크 양식의 창시자로 간주됩니다.

세부 정보 범주: 르네상스(르네상스)의 순수 예술 및 건축 게시일: 2016-12-19 16:20 조회수: 9453

르네상스는 문화가 꽃피는 시대, 모든 예술의 전성기였지만 순수 예술은 그 시대의 정신을 가장 완벽하게 표현했습니다.

르네상스 또는 르네상스(프랑스어 "새롭게" + "태어난")는 유럽 문화의 역사에서 세계적으로 중요했습니다. 르네상스는 중세를 대체하고 계몽주의에 선행했습니다.
르네상스의 주요 특징- 문화의 세속적 성격, 인본주의 및 인간 중심주의 (사람과 그의 활동에 대한 관심). 르네상스 시대에는 고대 문화에 대한 관심이 번창했고, 말하자면 "부흥"이 일어났습니다.
부흥은 이탈리아에서 일어났습니다. 첫 징후는 이미 13-14 세기에 나타났습니다. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna 등). 그러나 15세기 20년대부터 15세기 말까지 확고하게 자리를 잡았다. 최고점에 도달했습니다.
다른 나라에서는 르네상스가 훨씬 늦게 시작되었습니다. XVI 세기에. 르네상스 아이디어의 위기가 시작되고이 위기의 결과는 매너리즘과 바로크의 출현입니다.

르네상스 시대

르네상스는 4개의 기간으로 나뉩니다.

1. 초기 르네상스(13세기 후반~14세기)
2. 초기 르네상스(15세기 초~15세기 말)
3. 전성기 르네상스(15세기 말~16세기 초 20년)
4. 후기 르네상스(16세기 중반~90년대)

비잔틴 제국의 몰락은 르네상스 형성에 중요한 역할을 했습니다. 유럽으로 이주한 비잔틴인들은 중세 유럽에 알려지지 않은 그들의 도서관과 예술 작품을 가져왔습니다. 비잔티움에서도 고대 문화를 깨뜨리지 않았습니다.
모습 인문주의(인간을 최고의 가치로 간주하는 사회 철학 운동의) 이탈리아 도시 공화국에서 봉건적 관계의 부재와 관련이 있습니다.
과학과 예술의 세속적 중심지가 교회가 통제하지 않는 도시에 나타나기 시작했습니다. 그의 활동은 교회의 통제를 벗어났습니다. XV 세기 중반. 유럽 ​​전역에 새로운 견해를 전파하는 데 중요한 역할을 한 타이포그래피가 발명되었습니다.

르네상스 시대의 간략한 특징

프로토 르네상스

프로토 르네상스는 르네상스의 선구자입니다. 그것은 비잔틴, 로마네스크 및 고딕 전통과 함께 중세 시대와 여전히 밀접하게 연결되어 있습니다. 그것은 Giotto, Arnolfo di Cambio, Pisano 형제, Andrea Pisano의 이름과 관련이 있습니다.

안드레아 피사노. 옅은 "아담의 창조". 오페라 델 두오모 (피렌체)

Proto-Renaissance의 그림은 Florence (Cimabue, Giotto)와 Siena (Duccio, Simone Martini)의 두 예술 학교로 대표됩니다. 그림의 중심 인물은 Giotto였습니다. 그는 회화의 개혁가로 간주되었습니다. 그는 종교적 형식을 세속적 내용으로 채우고 평면 이미지에서 3 차원 및 부조 이미지로 점진적으로 전환하고 사실주의로 전환했으며 그림의 플라스틱 볼륨을 그림에 도입하고 그림의 내부를 묘사했습니다.

초기 르네상스

1420년부터 1500년까지의 기간입니다. 이탈리아 초기 르네상스의 예술가들은 삶에서 모티브를 얻었고 전통적인 종교적 주제를 세속적인 내용으로 채웠습니다. 조각에서 이들은 L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, della Robbia 가족, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio였습니다. 독립형 조각상, 그림 같은 부조, 초상화 흉상 및 승마 기념물이 작업에서 발전하기 시작합니다.
XV 세기의 이탈리아 회화에서. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino 등) 세계의 조화로운 질서, 인본주의의 윤리적 시민적 이상으로의 전환, 현실 세계의 아름다움과 다양성에 대한 즐거운 인식.
이탈리아 르네상스 건축의 조상은 과학적 관점 이론의 창시자 중 한 명인 건축가, 조각가 및 과학자 인 Filippo Brunelleschi (1377-1446)였습니다.

이탈리아 건축사에서 특별한 장소는 레온 바티스타 알베르티(1404-1472). 초기 르네상스 시대의 이 이탈리아 학자, 건축가, 작가, 음악가는 파도바에서 교육을 받고 볼로냐에서 법을 공부했으며 나중에는 피렌체와 로마에서 살았습니다. 그는 이론 논문 On the Statue(1435), On Painting(1435–1436), On Architecture(1485년 출판)를 만들었습니다. 그는 문학적 언어로서 "민속"(이탈리아어) 언어를 옹호했으며 윤리적 논문 "On the Family"(1737-1441)에서 조화롭게 발전된 성격의 이상을 개발했습니다. 건축 작업에서 Alberti는 대담한 실험적 솔루션에 끌렸습니다. 그는 새로운 유럽 건축의 선구자 중 한 사람이었습니다.

팔라쪼 루첼라이

Leon Battista Alberti는 건물의 구조적 기초처럼 보이는 3단 벽기둥으로 해부된 파사드가 있는 새로운 유형의 궁전을 설계했습니다. 계획).
Palazzo 맞은 편에는 무역 파트너를위한 리셉션과 연회가 열리고 결혼식이 거행되는 Rucellai Loggia가 있습니다.

로지아 루첼라이

하이 르네상스

이것은 르네상스 스타일의 가장 웅장한 발전의 시간입니다. 이탈리아에서는 약 1500년에서 1527년까지 지속되었습니다. 이제 이탈리아 미술의 중심은 교황의 왕좌에 오른 덕분에 피렌체에서 로마로 옮겨가고 있습니다. 율리아 2세, 이탈리아 최고의 예술가를 그의 궁정으로 끌어 들인 야심 차고 용감하고 진취적인 사람.

라파엘 산티 <교황 율리우스 2세의 초상>

로마에는 많은 기념비적 인 건물이 건설되고 있으며 웅장한 조각품이 만들어지고 있으며 프레스코 화와 그림이 그려져 있으며 여전히 회화의 걸작으로 간주됩니다. 고대는 여전히 높이 평가되고 신중하게 연구됩니다. 그러나 고대인의 모방이 예술가의 독립성을 억누르는 것은 아니다.
르네상스의 절정은 레오나르도 다빈치(1452-1519), 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564), 라파엘 산티(1483-1520)의 작품입니다.

후기 르네상스

이탈리아에서는 1530년대부터 1590년대-1620년대까지의 기간입니다. 이 시대의 예술과 문화는 매우 다양하다. 어떤 이들은(예를 들어 영국 학자들) "통합된 역사적 시기로서의 르네상스는 1527년 로마의 몰락과 함께 끝났다"고 믿습니다. 후기 르네상스의 예술은 다양한 흐름의 투쟁에 대한 매우 복잡한 그림입니다. 많은 예술가들은 자연과 그 법칙을 연구하려고 하지 않고 위대한 거장인 레오나르도, 라파엘, 미켈란젤로의 "매너"를 외적으로만 동화시키려고 했습니다. 이때 나이든 미켈란젤로는 예술가들이 자신의 "최후의 심판"을 어떻게 베끼는지를 보면서 "내 예술은 많은 바보를 만들 것이다"라고 말한 적이 있습니다.
남부 유럽에서는 인체의 노래와 고대 이상의 부활을 포함하여 자유로운 생각을 환영하지 않는 반종교 개혁이 승리했습니다.
이 시기의 유명한 예술가로는 Giorgione(1477/1478-1510), Paolo Veronese(1528-1588), Caravaggio(1571-1610) 등이 있습니다. 카라바조바로크 양식의 창시자로 간주됩니다.