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회화에서 정물의 정의. 그림의 정물 : 유형 및 설명

정물 정물

(프랑스어 nature morte, 이탈리아어 natura morta, 문자 그대로 - 죽은 자연, 네덜란드어 stilleven, 독일어 Stilleben, 영어 정물, 문자 그대로 - 조용하거나 움직이지 않는 삶), 장르 시각 예술(주로 이젤 그림)은 사람을 둘러싼 사물의 이미지에 전념하며 일반적으로 실제 가정 환경에 배치되고 구성적으로 단일 그룹으로 구성됩니다. 동기의 특수 조직(소위 준비)은 주요 구성 요소 중 하나입니다. 비유적인 체계정물 장르. 무생물(예: 가정용품) 외에도 정물은 야생 동물의 물체를 묘사하며 자연 연결에서 분리되어 테이블 위의 물고기, 꽃다발의 꽃 등 사물로 변합니다. 주요 동기를 보완하는 스틸 생활에는 사람, 동물, 새, 곤충의 이미지가 포함될 수 있습니다. 정물 속의 사물의 이미지는 그 자체의 이미지를 가지고 있습니다. 예술적 가치, 개발 과정에서 상징적 내용을 표현하거나 장식적인 문제를 해결하거나 자연 과학 등의 객관적 세계를 정확하게 수정하는 데 종종 사용되었지만 정물은 사물 자체뿐만 아니라 사회적 지위도 특징으로 할 수 있습니다. , 소유자의 콘텐츠 및 라이프 스타일은 수많은 연관성과 사회적 비유를 생성합니다.

구성의 세부 사항인 정물 모티프는 이미 고대 동양과 고대의 예술에서 발견되며, 극동 중세 예술의 일부 현상은 부분적으로 정물과 유사합니다(예: 소위 "꽃새" 장르) ), 그러나 정물의 탄생은 독립 장르이탈리아 인, 특히 네덜란드 르네상스 거장들의 작업에서 물질 세계, 구체적이고 감각적 인 이미지에 대한 관심이 발전하는 현대에 발생합니다. 이젤 그림 장르로서의 정물의 역사, 특히 "trompe l" oeil(소위 걸림돌) 유형은 이탈리아 Jacopo de Barbari(1504)의 "Still Life"에 의해 시작됩니다. 객체를 정확하게 재현합니다. XVI의 절반- 17세기 초, 이 시대의 특징인 자연과학적 성향, 일상생활에 대한 예술의 관심, 그리고 은둔인간뿐만 아니라 세계의 예술적 발전을위한 방법의 개발 (네덜란드 인 P. Aartsen, Fleming J. Brueghel Velvet 등의 작품).

정물의 전성기 - XVII 세기. 당시의 유형과 형태의 다양성은 전국 사실주의 회화 학교의 발전과 관련이 있습니다. 이탈리아와 스페인에서는 카라바조(Caravaggio)와 그의 추종자들의 작품으로 인해 정물의 등장이 크게 촉진되었습니다. 센티미터. Caravaggism). 정물화에서 가장 좋아하는 주제는 꽃, 야채와 과일, 해산물, 주방 용품 등이었습니다. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis 등). 스페인 정물은 사물 이미지의 숭고한 심각성과 특별한 중요성이 특징입니다 (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda 등). 사물의 일상적 성격, 친밀감, 종종 이미지의 민주성에 대한 관심이 네덜란드 정물화에서 분명하게 나타났습니다. V. Kheda와 P. Klas의 "단색 아침 식사"의 정교하고 겸손한 색상부터 V. Kalf("디저트")의 강렬한 대조, 색상적으로 화려한 구성. 네덜란드 정물은 "물고기"(A. Beyeren), "꽃과 과일"(J.D. de Hem), "구타 게임"(J. Venike, M. Hondekuter) 등 다양한 유형의 이 장르로 구별됩니다. 우화적인 정물 "vanitas"( "허영의 허영") 등 플랑드르 정물 (주로 "시장", "상점", "꽃과 과일")은 그 범위와 동시에 장식 구성이 돋보입니다. 다산과 풍요에 대한 찬송가입니다 (F. Snyders, J. Feit) , XVII 세기. 독일 (G. Flegel, K. Paudis)과 프랑스 (L. Bozhen) 정물도 발전하고 있습니다. 와 함께 XVII 후반 V. 프랑스 정물에서는 궁정 예술의 장식 경향이 승리했습니다 (J. B. Monnoyer와 그의 학교의 꽃, A. F. Deport 및 J. B. Oudry의 사냥 정물). 이러한 배경에서 프랑스 정물화의 가장 중요한 거장 중 한 명인 J. B. S. Chardin의 작품은 엄격함과 구성의 자유, 색상 솔루션의 미묘함이 진정한 인간성과 민주주의로 돋보입니다. XVIII 세기 중반. 장르의 학문적 계층 구조가 최종 형성되는 기간에 "자연 죽음"이라는 용어가 생겼는데, 이는 "살아있는 자연"영역의 장르를 선호하는 학문주의 지지자들의 장르에 대한 경멸적인 태도를 반영했습니다. 역사 장르, 초상화 등).

19세기에 정물의 운명은 다양한 장르에서 일하고 정물을 투쟁에 참여시킨 주요 회화 거장들에 의해 결정되었습니다. 미학적 견해그리고 예술적 아이디어(스페인의 F. Goya, 프랑스의 E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet). 이 장르를 전문으로 한 19세기 거장 중에는 A. Fantin-Latour(프랑스)와 W. Harnet(미국)도 눈에 띈다. 정물의 새로운 부상은 사물의 세계가 주요 주제 중 하나가 된 후기 인상주의 거장의 성과와 관련이 있습니다 (P. Cezanne, V. van Gogh). XX 세기 초부터. 정물은 일종의 창의적인 회화 실험실입니다. 프랑스에서는 야수파의 거장(A. Matisse 등)이 색상과 질감의 감정적이고 장식적인 표현 가능성과 입체파의 대표자(J. Braque, P. Picasso, X. Gris)에 대한 고조된 식별의 길을 따릅니다. 및 기타) 정물의 예술적, 분석적 가능성을 활용하여 공간과 형태를 전달하는 새로운 방법을 모색합니다. 정물화는 또한 다른 트렌드의 대가들(독일의 A. Kanoldt, 이탈리아의 G. Morandi, 루마니아의 S. Lukyan, 체코의 B. Kubista 및 E. Filla 등)을 끌어들입니다. 20세기 정물화의 사회적 경향은 멕시코의 D. Rivera와 D. Siqueiros, 이탈리아의 R. Guttuso의 작품으로 대표됩니다.

정물화는 18세기 러시아 미술에 등장했습니다. 시대의인지 적 파토스와 객관적인 세계를 진실하고 정확하게 전달하려는 욕구를 반영하는 세속적 회화의 긍정과 함께 (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov 등의 "트릭"). 상당한 시간 동안 러시아 정물의 추가 발전은 일시적이었습니다. XIX 세기 전반기에 약간의 상승이 있었습니다. (F. P. Tolstoy, A. G. Venetsianov 학교, I. T. Khrutsky)는 작고 평범한 것에서 아름다움을 보려는 욕구와 관련이 있습니다. XIX 세기 후반. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan은 가끔씩만 스케치적인 자연의 정물로 변했습니다. 정물의 보조 가치 예술 시스템 Wanderers는 줄거리 주제 그림의 지배적 역할에 대한 아이디어를 따랐습니다. 정물화 연구의 독립적인 가치는 다음과 같이 증가한다. XIX의 차례그리고 XX세기. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). 러시아 정물의 전성기는 20세기 초입니다. 그의 가장 좋은 예에는 K. A. Korovin, I. E. Grabar의 인상주의 작품이 포함됩니다. 사물의 역사적, 일상적 성격을 미묘하게 활용하는 "예술의 세계"(A.Ya. Golovin 및 기타) 예술가의 작품; P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan 및 Blue Rose 서클의 다른 화가들의 날카로운 장식 이미지; "Jack of Diamonds"(P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova)의 주인이 존재의 충만 함으로 가득 찬 밝은 정물. 예술과 함께 발전하는 소련의 정물 사회주의 리얼리즘새로운 콘텐츠로 풍성해졌습니다. 20~30대. 그것은 포함하고 철학적 성찰구성이 날카로워진 작품(K. S. Petrov-Vodkin)과 주제별 "혁명적" 정물화(F. S. Bogorodsky 외)의 현대성, 그리고 현장 실험을 통해 소위 비목적물이 거부한 "사물"을 유형적으로 되찾으려는 시도 색상과 질감 (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) 및 객관적 세계의 다채로운 풍부함과 다양성에 대한 온전한 재현 (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin 및 기타. ) 미묘한 색상 조화 검색, 사물 세계의 시화 (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa 등). 40~50대. P. V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich는 정물 분야에서 적극적으로 일하고 있습니다. 연합 공화국의 정물 거장 중에는 아르메니아의 A. Akopyan, 아제르바이잔의 T. F. Narimanbekov, 라트비아의 L. Svemp 및 L. Endzelina, 에스토니아의 N. I. Kormashov가 눈에 띕니다. 이미지의 "객관성"증가에 대한 매력, 사람을 둘러싼 사물의 세계의 미학은 70 년대와 80 년대 초 젊은 예술가들의 정물에 대한 관심을 결정했습니다. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis 등).

V. 케다. "블랙베리 파이로 아침을 먹어요." 1631. 미술관. 드레스덴.

P. 세잔. "복숭아와 배" 1880년대 후반 A. S. 푸시킨의 이름을 딴 미술관. 모스크바.

K. S. Petrov-Vodkin. "아침 정물". 1918. 러시아 박물관. 레닌그라드.

I. I. Mashkov. "스네드 모스크바: 빵". 1924. 트레차코프 갤러리. 모스크바.

문학: B. R. Vipper, 정물의 문제와 발전. (사물의 삶), 카잔, 1922; Yu.I. Kuznetsov, 서유럽 정물화, L.-M., 1966; M. M. Rakova, 러시아 정물화 XIX 후반- 20세기 초, M., 1970; I. N. Pruzhan, V. A. Pushkarev, 러시아어 정물화 및 소련 회화. L., (1971); Yu.Ya.Gerchuk, 살아있는 것, M., 1977; 16~20세기 초 유럽 회화의 정물화. 카탈로그, M., 1984; Sterling Ch., La nature morte de l "antiquité a nos jours, P., 1952; Dorf B., 정물화 및 꽃 그림 소개, L., 1976; Ryan A., 정물화 기법, L. , 1978.

출처: 인기 미술백과사전." 에드. 필드 V.M.; M .: 출판사 " 소련 백과사전", 1986.)

정물

(프랑스 자연 모르트 - 죽은 자연), 회화 장르 중 하나. 정물화는 자연의 선물(과일, 꽃, 물고기, 사냥감)뿐만 아니라 인간의 손으로 만든 물건(식기, 꽃병, 시계 등)을 묘사합니다. 때로는 무생물이 곤충, 새, 동물 및 사람과 같은 생명체와 공존합니다.
정물이 포함되어 있습니다. 플롯 구성, 이미 그림에서 발견됨 고대 세계(벽화 폼페이). 고대 그리스 예술가 Apelles가 포도를 너무 능숙하게 묘사했기 때문에 새들이 그를 진짜 포도로 착각하고 쪼기 시작했다는 전설이 있습니다. 독립된 장르로서 정물화는 17세기에 발전하였다. 네덜란드, 플랑드르, 스페인 거장의 작품에서 밝은 전성기를 경험했습니다.
네덜란드에는 여러 종류의 정물이 있었습니다. 작가들은 마치 사람이 근처 어딘가에 있다가 곧 돌아올 것처럼 보이는 방식으로 '아침 식사'와 '디저트'를 그렸습니다. 파이프가 테이블에서 담배를 피우고, 냅킨이 구겨지고, 유리 잔에 담긴 와인이 완성되지 않았고, 레몬이 잘리고, 빵이 부러졌습니다 (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). 또한 주방 용품, 꽃병, 그리고 마지막으로 "Vanitas"( "허영의 허영") 이미지가 인기가 있었는데, 이는 삶의 연약함과 단기적인 기쁨을 주제로 한 정물화로 기억을 불러일으킵니다. 진정한 가치그리고 영혼의 구원을 돌보아 주십시오. "Vanitas"에서 가장 좋아하는 속성은 해골과 시계입니다(J. van Strek. "Vanity of vanities"). 네덜란드 정물화는 일반적으로 17세기 정물화와 마찬가지로 숨겨진 철학적 배음, 복잡한 기독교 또는 사랑의 상징주의가 존재하는 것이 특징입니다(레몬은 절도의 상징, 개는 충실함 등). 시간이 흐르면서 예술가들은 세상의 다양성(실크와 벨벳, 무거운 카펫 식탁보, 반짝이는 은색, 과즙이 풍부한 베리와 고귀한 와인)을 사랑과 열정으로 정물화에 재현했습니다. 정물의 구성은 대각선이나 피라미드 모양에 따라 간단하고 안정적입니다. 주요 "영웅"은 항상 유리 잔, 주전자와 같이 강조 표시됩니다. 마스터는 색상, 모양, 표면 질감을 반대하거나 반대로 일치시키는 개체 간의 관계를 미묘하게 구축합니다. 가장 작은 세부 사항도 신중하게 기록됩니다. 크기가 작은 이 그림들은 면밀히 살펴보고 오랜 숙고와 숨겨진 의미를 이해하도록 설계되었습니다.

반대로 Flemings는 궁전 홀을 장식하기 위해 크고 때로는 거대한 캔버스를 그렸습니다. 그들은 축제적인 다색, 풍부한 물건 및 구성의 복잡성으로 구별됩니다. 이러한 정물화를 "상점"이라고 불렀습니다(J. Feit, F. 스나이더스). 그들은 게임, 해산물, 빵으로 가득 찬 테이블과 그 옆에 상품을 제공하는 소유자를 묘사했습니다. 테이블에 맞지 않는 듯 풍성한 음식이 늘어져 청중에게 직접 떨어졌습니다.
스페인 예술가작은 항목 세트로 제한하고 신중하게 작업하는 것을 선호했습니다. 색 구성표. F의 그림에 나오는 접시, 과일 또는 조개. 주르바라나그리고 A. 앞면이 테이블 위에 차분하게 놓여 있습니다. 그들의 형태는 단순하고 고상하다. 그들은 거의 눈에 띄는 명암법으로 조심스럽게 성형되었으며 구성은 엄격하게 균형을 이루고 있습니다 (F. Zurbaran. "오렌지와 레몬이있는 정물", 1633; A. Pereda. "시계가있는 정물").
18세기에 프랑스 거장 J.-B. 와 함께. 샤르댕. 단순하고 견고한 식기(그릇, 구리 탱크), 야채, 소박한 음식을 묘사하는 그의 그림은 생명의 숨결로 가득 차고 난로의 시로 따뜻해지며 일상의 아름다움을 긍정합니다. 샤르댕은 또한 우화적인 정물화도 그렸습니다(Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
러시아에서는 18세기에 최초의 정물화가 등장했습니다. 궁전 벽의 장식 그림과 물체가 너무 정확하게 재현되어 실제처럼 보이는 "모조"그림 (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). 19세기에 속임수 전통이 다시 생각되었습니다. 정물은 1층에서 상승을 경험하고 있습니다. 19 세기 F.P. 톨스토이, "트릭"( "빨간색과 흰색 건포도 열매", 1818)의 전통을 다시 생각한 예술가 베네치아 학교, I. T. Khrutsky. 일상적인 사물에서 예술가들은 아름다움과 완벽함을 보려고 했습니다.
장르의 새로운 전성기가 끝났습니다. 19 - 구걸하다. 20세기에는 정물이 작가의 개성을 표현하는 수단이자 창의적인 실험의 실험실이 되는 시대이다. 정물화는 후기 인상파의 작품에서 중요한 위치를 차지합니다 - V. 반 고흐, 피. 고갱그리고 무엇보다도 P. 세잔. 세잔 그림의 구성의 기념비성, 인색한 선, 기본적이고 단단한 형태는 사물의 구조와 기초를 드러내고 세계 질서의 흔들리지 않는 법칙을 상기시키기 위해 고안되었습니다. 작가는 형태를 색채로 조각하며 그 물질성을 강조한다. 동시에, 특히 차가운 파란색과 같은 이해하기 어려운 색상의 유희는 그의 정물화에 공기와 광활한 느낌을 줍니다. 세잔의 정물화 라인은 거장들에 의해 러시아에서 계속 이어졌습니다. 잭 오브 다이아몬드"(I.I. 마시코프, P.P. 콘찰로프스키등), 러시아의 전통과 결합 민속 예술. 아티스트 "파란 장미"(N.N. 사푸노프, S. Yu. 수데이킨) 향수를 불러일으키는 앤티크 스타일의 구성을 만들었습니다. 철학적 일반화는 K. S. 의 정물화에 스며들어 있습니다. 페트로바-보드키나. 20세기에는 정물 장르에서 P. 피카소, ㅏ. 마티스, D. 모란디. 러시아에서 이 장르의 가장 위대한 거장은 M.S. 사리안, PV 쿠즈네초프, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov 및 기타.

로저 펜턴. 과일. 1860년 그레이엄 클라크. 사진 작가. 옥스포드, 1997

Fred와 Gloria McDurr의 사진 백과사전에서는 "정물"이라는 단어를 다음과 같이 정의합니다. 일반 용어무생물, 제품 및 상품의 사진을 위해 종종 광고에 사용됩니다. 작은 물체가 테이블 표면에 놓여 있는 경우 정물 사진을 "테이블 탑" 사진이라고도 합니다. 마지막 설명을 제외하고, 이 정의그림과 관련하여 사용되는 것과 완전히 일치합니다. 흥미롭게도 이 용어 자체는 이미지보다 훨씬 늦게 등장했으며 19세기 초를 의미합니다. 프랑스어 조합인 nature morte(죽은 또는 굴욕적인 자연)는 영어의 정물화와 독일어의 stilleben(고요하고, 굴욕적인 자연)과 다릅니다. 조용한 삶) 철자법뿐만 아니라 의미에서도 마찬가지입니다. 네덜란드에서는 단일 용어가 전혀 없었습니다. 각 전문 분야(아침 식사, 꽃다발, 물고기 정물)에는 고유 한 이름이 있습니다.

구석기 시대부터 예술 작품에는 무생물이 등장했습니다. 각기 다른 시기에 각자의 역할과 중요성이 부여됩니다. Hans Holbein, Caravaggio 또는 Jan Vermeer의 작품은 정물이 아니지만 그들의 작품에서 그는 예술적으로나 의미 측면에서 특별한 위치를 차지합니다. 정물화는 17세기에 이르러서야 독립된 장르로 등장했습니다.

회화에서 거의 모든 장르를 차용한 사진도 정물화에 예외를 두지 않았다. 사진의 역사가 보여 주듯이, 이 이야기는 실제로 그것으로 시작되었지만 사진 예술에서 가장 적게 표현된 것으로 밝혀진 것은 정물이었습니다. Nicephore Niepce의 초기 태양광학 실험 중에는 병, 칼, 숟가락, 그릇, 테이블 위에 놓인 빵 한 덩어리로 구성된 정물이 있었습니다. 1839 년 Hippolyte Bayard는 석고 모형으로 구성을 만들었고 Jacques-Louis Daguerre는 석고 모형, 작은 조각품, 그림 및 고대 프리즈 조각, Henry Fox Talbot-껍질과 화석으로 여러 정물을 만들었습니다. 장 바티스트 샤르댕(Jean Baptiste Chardin)의 그림에서도 예술적인 속성을 지닌 정물화가 발견되었다는 점은 주목할 만하다.

사진가들은 종종 구성을 반복하고 예술가와 동일한 주제를 사용했습니다. "네덜란드 회화 학교는 일상, 일상 생활의 대상 묘사에 대한 권위 있는 소스 역할을 한다"는 Henry Fox Talbot의 진술은 예를 들어 Roger Fenton, William Lake의 작품에서 알 수 있듯이 간과되지 않은 것 같습니다. 가격과 드류 다이아몬드. 그러한 정물의 주요 대상은 꽃, 과일 또는 죽은 사냥감이었습니다. 프랑스에서 아돌프 브라운(Adolphe Braun)의 작품은 루이 15세의 왕실 사냥을 그린 19세기 궁정 화가인 장 바티스트 오드리(Jean-Baptiste Oudry)의 사진 버전과 유사했습니다.

정물화는 일반적으로 실내에서 촬영되지만 예외도 있었습니다. 초기 사진 재료의 빛 감도가 좋지 않았기 때문에 많은 사진가들은 정원이나 앞 정원에서 작업하는 것을 선호했습니다. 즉석에서 만든 재료(사다리, 갈퀴, 수레, 양동이 등)가 사용되었으며, 가져온 가정용품, 신선한 꽃, 나무와 무생물이 나란히 혼합되는 경우가 많았습니다. 예를 들어 Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard 및 Richard Jones의 정물이 있습니다.

두개골이 필수 속성인 바니타스(라틴어 "유령", "허영")를 주제로 한 사진 정물화는 19세기 중반에 등장합니다(예: Louis Jules Duboc-Soleil). 20세기에는 Alfred Stieglitz, Irvin Penn, Robert Mapplethorpe 등이 때때로 등장합니다.

20세기 초 사진은 정물화 장르를 구현하기 위한 새로운 방법과 대상을 찾고 있었습니다. 단순히 함께 배열된 개체를 캡처하는 것만으로는 더 이상 충분하지 않습니다. 복잡한 각도, 클로즈업, 포토그램, 물체의 모양과 질감에 대한 열정 등 이 모든 것이 기존 장르에 새로운 모습을 선사합니다. 물체의 범위가 확대되고 있습니다. 포크나 유리잔과 같은 평범한 일상용품과 함께 산업용 물체(도구, 기계 부품 및 공작 기계)가 등장합니다. Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus 사진가, Edward Weston, William Underhill 등도 유사한 검색에 참여했습니다.

평범한 사물의 세계는 세기 중반 Josef Sudek의 정물화와 함께 다시 꽃을 피웁니다. 부드러운 확산광은 유리잔에 담긴 평범한 꽃에 서정적이고 우울한 분위기를 선사합니다.

지난 세기 후반에는 광고 산업에서 정물에 대한 수요가 점점 더 많아지고 있습니다. 상업과 예술의 행복한 결합은 Irwin Pena의 정물화에 구현되어 있습니다. 클래식하고 스타일리쉬하며 아이러니하지만 언제나 심플하고 세련된 느낌을 줍니다. 이 거장의 덕분에 1944년 처음으로 패션 잡지의 표지가 사진 같은 정물화로 장식되었습니다.

이 장르에서 활동한 20세기 후반 러시아 사진가들 중에서 특별한 자리를 차지한 사람은 보리스 스멜로프(Boris Smelov)입니다. 옛 상트페테르부르크의 일상을 그린 그의 고전적인 정물화는 완벽한 구성과 흠잡을 데 없는 기법으로 구별되었습니다. Joel-Peter Witkin은 "충격적인"정물의 탁월한 대가입니다. 프랑스어 "죽은 자연"에서 번역 이 경우작가의 열정을 정확하게 반영 - 다양한 부분 인간의 몸그 자체로(“몸통”) 또는 꽃과 과일로 둘러싸여 있습니다(“여인의 머리”, “바보들의 향연” 등).

양적 측면에서 사진 정물화는 다른 장르보다 훨씬 열등하며 가끔 한 작가 또는 다른 작가의 작품에 등장합니다. 사진 역사 책과 컬렉션 카탈로그를 넘기며 주요 박물관, 정물 전용 섹션을 별도로 찾을 가능성은 거의 없습니다.

대학원 공부

1. 정물 발전의 역사

시각 예술에서 정물(프랑스어 natur morte - "죽은 자연")은 일반적으로 단일 구성 그룹으로 결합된 무생물의 이미지라고 합니다. 많은 사람들에게 독일 또는 영문판명칭 정물 및 정물 레벤(조용한 삶). 네덜란드어로 이 장르를 지정하는 것은 많은 예술가와 미술사가의 의견에 따르면 스틸레븐, 즉 "조용한 삶"처럼 들립니다. 이는 장르의 본질을 가장 정확하게 표현하는 것이지만 이것이 바로 전통의 힘입니다. "정물"은 잘 알려져 있고 뿌리 깊은 이름입니다. 정물은 독립적인 의미를 가질 수도 있고 중요한 부분작곡 장르화. 정물은 인간과 주변 세계의 관계를 표현합니다. 그것은 당대 인간으로서 예술가에게 내재된 아름다움에 대한 이해를 드러낸다.

독립적인 장르인 정물화는 16세기와 17세기에 플랑드르와 네덜란드에서 생겨났으며, 물질 세계의 사물의 다양성을 전달하는 데 있어서 빠르게 탁월한 완성도에 도달했습니다. 정물화가 되는 과정은 많은 나라에서 거의 같은 방식으로 진행되었습니다. 서유럽. 그러나 예술의 역사를 종합적으로 살펴보면 정물화 발전의 첫 번째 단계는 구석기 시대를 의미합니다. 고대 예술가들이 사용한 두 가지 주요 기술은 자연주의와 장식성입니다. 그런 다음 이 두 전류가 점점 더 수렴하기 시작하고 물체의 개별 부분의 이미지인 "반의식" 정물이 나타납니다. 진짜 전체 개체는 청동기 시대에만 찾을 수 있습니다. 정물화 발전의 이 두 번째 단계는 이집트 예술에서 전성기를 맞았습니다. 객체는 항상 서로 분리되어 묘사됩니다. 절화를 주제로 한 꽃을 모티브로 최초로 소개됩니다. 에게해 예술 작품에는 비율의 상관 관계가 나타납니다. 개체는 그룹으로 배열된 3/4로 묘사됩니다. 에게해 회화의 전통은 그리스 문화에서 계속 이어졌습니다. 우리는 이 미술 장르를 꽃병으로 판단할 수 있습니다. 아이템은 더 이상 공중에 매달려 있지 않지만 고유한 " 실제 장소"우주에서: 나무에 기대어 있는 방패, 나뭇가지 위에 던져진 맨틀 - 소위 "매달린" 정물입니다. 또한 학교 장면"음악적인" 정물이 종종 묘사됩니다. 또 다른 유형의 그리스 정물을 구별 할 수 있습니다 - "골동품". 예술가들은 조각상 조각, 톱, 망치, 스케치 판 등 작업장의 이미지를 만듭니다. 그리스 꽃병에서 꽃과 동물의 이미지를 찾는 것은 거의 불가능합니다.

중세 예술에서는 구성이 단편화되고 그림 캔버스가 독특한 레지스터로 분할됨에 따라 주제가 이미지의 대상이 아니라 속성이 됩니다. 장식품은 계속해서 중요한 역할을 하고 있으며, 특히 가톨릭 대성당의 스테인드글라스 창문에 활발히 사용됩니다. 불멸의 기념비적 일반화, 숭고하고 영웅적인 이미지를 창조하는 비잔티움의 엄격하고 강렬한 금욕주의 예술은 탁월한 표현력을 지닌 개별 사물의 이미지를 사용했습니다.

고대 러시아 아이콘 그림에서는 예술가가 엄격하게 표준적인 작품에 도입한 몇 가지 대상도 중요한 역할을 했습니다. 그들은 자발성과 활력을 가져왔고 때로는 추상적인 신화적 음모에 전념하는 작품에서 감정을 공개적으로 표현하는 것처럼 보였습니다.

정물화는 르네상스 시대인 15~16세기 예술가들의 그림에서 훨씬 더 큰 역할을 했습니다. 처음 그림을 그린 화가 세심한 주의주변 세계에서 장소를 표시하고 사람에게 봉사하는 모든 것의 가치를 결정하려고 노력했습니다. 가정용품은 자신이 섬겼던 주인의 고귀함과 자랑스러운 의미를 획득했습니다. 큰 캔버스에서 정물은 일반적으로 매우 겸손한 장소를 차지했습니다. 물이 담긴 유리 그릇, 우아한 은색 꽃병 또는 얇은 줄기에 섬세한 흰색 백합이 종종 그림 구석에 모여 있습니다. 그러나 이러한 묘사에는 자연에 대한 시적인 사랑이 너무 많았고 그 의미가 너무 정신적이어서 여기에서 나중에 결정된 모든 특징을 이미 볼 수 있습니다. 독립적인 개발장르 전체.

물질적 요소인 사물은 정물 장르가 발달한 17세기 그림에서 새로운 의미를 얻었습니다. 문학적 음모가 있는 복잡한 구성에서 그들은 작품의 다른 영웅들과 함께 자리를 잡았습니다. 이번 작품을 분석해 보면 정물화가 그림에서 얼마나 중요한 역할을 하기 시작했는지 알 수 있다. 이 작품들에는 예술가가 이런 예술에 자신의 기술을 바침으로써 무엇을 성취할 수 있는지를 보여주는 주인공들이 등장하기 시작했다.

능숙하고 근면하며 현명한 손으로 만든 물건에는 사람의 생각과 욕망과 성향이 새겨져 있습니다. 그들은 그를 섬기고, 그를 기쁘게 하며, 정당한 자부심을 불러일으킵니다. 고고학자들에게 인류 역사의 흩어진 페이지가 된 접시, 가정 용품 및 의식 물건 조각에서 지구상에서 오랫동안 사라진 시대에 대해 배우는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

들여다 보며 세계, 호기심 많은 마음으로 법칙을 꿰뚫고 삶의 매혹적인 신비를 풀면서 예술가는 그것을 그의 예술에 점점 더 완전하고 다각적으로 반영합니다. 그는 주변 세계를 묘사할 뿐만 아니라 자신의 이해와 현실에 대한 태도도 전달합니다.

다양한 장르의 회화의 형성과 발전의 역사는 지치지 않는 작업의 살아있는 증거입니다 인간의 의식무한한 다양한 활동을 포용하고 미학적으로 이해하려고 노력합니다. 정물 장르는 특히 다음에서 두드러졌습니다. 네덜란드 회화프로토 르네상스. 그것은 여전히 내부의 일부이지만, 동시에 예술가들의 디테일에 대한 사랑은 접시, 작업대, 바닥에 서 있는 신발 등 놀라운 작은 정물화를 만들어냅니다. 이 모든 것은 사람과 성도의 모습과 같은 사랑으로 묘사됩니다. 이탈리아에서는 정물화가 풍경에서 나온다. 미래에는 객체가 일종의 독립적인 활동을 받고 해당 작업에 참여하게 됩니다. 원시 르네상스 이후로 객관적인 세계는 점점 더 현실적이 되었고, 때로는 거의 실체적으로 변하기도 했습니다. 그것은 더 이상 가짜가 아닌 일상이 됩니다. 16세기에 북부 르네상스 예술가들은 물체를 노출시키고 덮개(예: 동물의 피부)를 찢기 시작했습니다.

정물은 상대적으로 젊은 장르입니다. 그것은 17세기에야 유럽에서 독립적인 의미를 얻었습니다. 정물화의 역사는 흥미롭고 유익합니다. 정물화는 플랑드르와 네덜란드에서 특히 완전하고 생생하게 번성했습니다. 정물화는 마침내 독립된 회화 장르로 구체화됩니다. 그 출현은 혁명적 역사적 사건과 관련이 있으며 그 결과 17세기 초 독립을 얻은 이들 국가는 부르주아 발전의 길에 들어섰습니다. 당시 유럽의 경우 이는 중요하고 진보적인 현상이었습니다. 예술 이전에 새로운 지평이 열렸습니다. 역사적 조건, 새로운 사회적 관계는 화가가 직면한 문제 해결의 창의적 요구, 변화를 지시하고 결정했습니다. 직접적으로 묘사하지 않고 역사적 사건, 예술가들은 세상을 새롭게 바라보고 인간에게서 새로운 가치를 발견했습니다. 인생은 지금까지 알려지지 않은 의미와 충만함으로 그들 앞에 일상적으로 나타났습니다. 그들은 국민 생활의 특성에 매료되었습니다. 본래의 성격, 노동과 날의 흔적을 남기는 것들 보통 사람들. 여기에서 시스템 자체가 사람들의 삶에 대한 의식적이고 심층적이며 촉발 된 관심에서 분리되고 독립적 인 장르가 탄생했습니다. 가정용 그림, 풍경, 출현 및 정물.

17세기에 발전한 정물화 예술은 이 장르의 주요 특성을 결정했습니다. 그림, 세상에 헌신하다사람을 둘러싼 사물에 내재 된 기본 속성에 대해 이야기하고 묘사 된 것에 대한 예술가와 현대인의 태도를 드러내고 현실에 대한 지식의 본질과 완전성을 표현했습니다. 화가는 사물의 물질적 존재, 부피, 무게, 질감, 색상, 가정 용품의 기능적 가치, 인간 활동과의 생활 연결을 전달했습니다. 가정용품의 아름다움과 완벽함은 그 필요성뿐 아니라 그것을 만든 사람의 기술에 의해서도 결정됩니다. 승리한 부르주아지의 혁명 시대의 정물은 새로운 형태에 대한 예술가의 존경심을 반영했습니다. 국민생활동포 여러분, 노동을 존중하십시오.

17세기에 공식화된 이 장르의 임무는 일반적으로까지 유럽 학교에 존재했습니다. 19일 중반세기. 그러나 이것이 아티스트가 기성 솔루션을 기계적으로 반복하면서 스스로 새로운 작업을 설정하지 않았다는 의미는 아닙니다.

시대가 지남에 따라 정물을 그리는 방법과 방식이 변했을뿐만 아니라 예술적 경험이 축적되었으며 형성 과정에서 더 복잡하고 지속적으로 풍요로운 세계관이 발전했습니다.

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지침

장르로서의 정물은 당장 눈에 띄지는 않았지만, 오랫동안꽃과 가정용품을 묘사한 그림은 다른 캔버스에 프레임을 추가하고 가구 문 장식으로 사용되었습니다. 최초의 독립 회화는 17세기경에 등장했습니다. 그런 다음 사물의 이미지가 우화로 사용되기 시작했고 각 사물에는 추가적인 상징적 의미가 있습니다. 나중에 정물화는 예술가들 사이에서 인기를 끌었지만 열등한 장르로 간주되었습니다.

정물에는 여러 유형이 있는데, 가장 초기이자 가장 흔한 것 중 하나는 꽃 정물이고, 다음으로 가장 인기 있는 것은 제공되는 테이블의 정물입니다. 상징적인 정물은 계속 존재합니다. 상대적으로 최근에 나타난 또 다른 견해는 추상적인 정물화입니다. 이 스타일에서는 사물이 사실적으로 묘사되지 않고 형태가 개략적이며 색상에 부드러운 전환이 없습니다.

그림 그리기를 좋아한다면 아마도 이 장르의 그림과 그림을 많이 만들어 보았을 것입니다. 정물화를 그리려면 그림에 대한 흥미로운 대상을 찾는 데 시간과 노력을 쏟을 필요가 없으며 언제든지 그릴 수 있습니다. 좋은 구성늘 손에 잡히는 아이템. 커튼을 배경으로 사용하세요. 작은 천 조각도 괜찮습니다. 여러 계획을 세울 수 있도록 물건을 배열하세요. 큰 사이즈배경에 있어야 하며 크기가 더 작아야 합니다. 추가 측면 색상 소스를 추가하면 개체에 볼륨이 추가됩니다. 그러한 작품을 정기적으로 연습하면 그림 그리기 기술을 연마할 수 있습니다.