Der Beweis eines jeden Kunstwerks ist wie der Erhalt der Macht. Zeitgenössische Kunst als Instrument der Einflussnahme auf die Politik der Russischen Föderation
Thema: "Beeinflussungskraft der Kunst. Kunst und Macht."
In Entwicklung menschliche Kultur ein merkwürdiges Muster wird ständig beobachtet. Kunst als Manifestation der freien, schöpferischen Kräfte eines Menschen, der Flucht seiner Vorstellungskraft und seines Geistes, wurde oft zur Stärkung weltlicher und religiöser Macht eingesetzt.
Dank Kunstwerken stärkte die Macht ihre Autorität, und Städte und Staaten bewahrten ihr Ansehen. Die Kunst verkörperte in sichtbaren Bildern die Ideen der Religion, verherrlichte und verewigte die Helden. Bildhauer, Maler, Musiker andere Zeiten schuf idealisierte majestätische Bilder von Herrschern und Führern. Ihnen wurden außergewöhnliche Qualitäten, besonderes Heldentum und Weisheit verliehen, was natürlich Respekt und Bewunderung in den Herzen erregte gewöhnliche Menschen. Traditionen aus der Antike manifestieren sich deutlich in diesen Bildern - die Verehrung von Idolen, Gottheiten, die nicht nur bei jedem, der sich ihnen näherte, Ehrfurcht erregten, sondern auch bei denen, die aus der Ferne hinsahen. Die Tapferkeit von Kriegern und Feldherren wird durch monumentale Kunstwerke verewigt. Reiterstatuen werden errichtet, Triumphbögen und Säulen errichtet, um an die errungenen Siege zu erinnern.
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Beschriftungen der Folien:
Die Macht der Kunst. Kunst und Macht. Lektion Nr. 1 Kunst Klasse 9 Kunstlehrerin Somko E.V.
Kunst als Manifestation der freien, schöpferischen Kräfte eines Menschen, der Flucht seiner Vorstellungskraft und seines Geistes, wurde oft zur Stärkung weltlicher und religiöser Macht eingesetzt.
"Der eherne Reiter" Das Reiterstandbild von Petrus wurde 1768-1770 vom Bildhauer E. Falcone geschaffen.
Dank Kunstwerken stärkte die Macht ihre Autorität, und Städte und Staaten bewahrten ihr Ansehen. Die Kunst verkörperte in sichtbaren Bildern die Ideen der Religion, verherrlichte und verewigte die Helden. "Napoleon am St. Bernhard Pass"
Die Tapferkeit von Kriegern und Feldherren wird durch monumentale Kunstwerke verewigt. Reiterstatuen werden errichtet, Triumphbögen und Säulen errichtet, um an die errungenen Siege zu erinnern. Triumphbogen von Konstantin, Rom, Italien.
Auf Anordnung Napoleons I., der den Ruhm seiner Armee verewigen wollte, wurde das Triumphtor in Paris errichtet. An den Wänden des Bogens sind die Namen der Generäle eingraviert, die an der Seite des Kaisers gekämpft haben. Frankreich, Paris, Triumphbogen
1814 wurden in Russland für das feierliche Treffen der russischen Befreierarmee, die nach dem Sieg über Napoleon aus Europa zurückkehrte, an der Tverskaya Zastava hölzerne Triumphtore errichtet. Mehr als 100 Jahre stand der Bogen im Zentrum Moskaus und wurde 1936 abgerissen. Erst in den 60er Jahren. 20. Jahrhundert Der Triumphbogen wurde auf dem Siegesplatz in der Nähe nachgebaut Poklonnaya-Berg, an der Stelle, an der Napoleons Armee in die Stadt einmarschierte.
Triumphaler Alexanderbogen. Es wird auch „Königstor“ genannt. Ursprünglich 1888 zu Ehren der Ankunft des Kaisers in Jekaterinodar erbaut AlexanderIII mit Familie. 1928 wurde der Bogen auf Beschluss der örtlichen sowjetischen Behörden unter dem Vorwand abgerissen, dass der Bau aus der Zarenzeit den Straßenbahnverkehr behindert, obwohl seit 1900 Straßenbahnen recht erfolgreich direkt unter dem Bogen verkehren. Die Zeichnungen blieben nicht erhalten, sie wurden anhand von Fotografien restauriert. Früher befand sich der Bogen an der Kreuzung der Straßen Ekaterininskaya (heute Mira) und Kotlyarevskaya (Sedina). 2009 an der Kreuzung der Straßen Krasnaya und Babushkina nachgebaut.
Die Moskauer Zaren betrachteten sich als Erben römischer Traditionen, und dies spiegelte sich in den Worten wider: "Moskau ist das dritte Rom, und es wird kein viertes geben."
Die Glinka-Chorkapelle ist ein majestätisches Denkmal der russischen Kultur, das auf der ganzen Welt berühmt ist. Die Kapelle trägt dazu bei, den Zusammenhang der Zeiten und die Kontinuität der Traditionen aufrechtzuerhalten.
Auferstehung Novo - Jerusalemer Kloster - ein Denkmal.
Im 20. Jahrhundert, in der Ära des Stalinismus in unserem Land, betonte pompöse, prächtige Architektur die Stärke und Macht des Staates, reduzierte die menschliche Persönlichkeit auf ein unbedeutend kleines Niveau und ignorierte die individuelle Identität jedes Menschen.
Nicht realisierte Projekte von Moskauer Architekten der 30-50er Jahre.
Kunst und Macht
Sukhareva Svetlana Viktorovna - Kunstlehrerin, MBOU-Sekundarschule, Dorf Nikolskoye
- Studenten mit Kunstwerken bekannt zu machen, wodurch die Behörden ihre Autorität stärkten und Städte und Staaten ihr Ansehen bewahrten.
In der menschlichen Entwicklung
Kultur ständig
ein interessantes Muster wird beobachtet. Kunst als Manifestation der freien, schöpferischen Kräfte eines Menschen, der Flug seiner Phantasie und seines Geistes wurde oft genutzt
Macht zu stärken - weltlich und religiös.
August von Prima Port- mehr als zwei Meter hohe Statue des Augustus, gefunden 1863 in der Villa der Gemahlin des Kaisers Augustus. Entdeckt wurde die Villa unweit von Rom an der Via Flaminius im Bereich Prima Porta, der in der Antike so hieß Ad Gallinas Albas. Die Statue ist eine Kopie eines bronzenen Originals, das 20 v. Chr. vom römischen Senat in Auftrag gegeben wurde. e. Es wird angenommen, dass die Statue im Gegensatz zu den meisten erhaltenen Bildern von Augustus eine Porträtähnlichkeit hat. Es ist sehr wahrscheinlich, dass es nach alter Überlieferung polychrom war. Derzeit wird die Statue im Vatikanischen Museum von Chiaramonti aufbewahrt.
Frankreich Paris
Baujahr: 1836
Der berühmteste der Triumphbögen befindet sich im Herzen von Paris auf den Champs Elysees. Der Bau dauerte über 30 Jahre!
Die Errichtung des Arc de Triomphe zu Ehren der Siege der französischen Armee wurde von Kaiser Napoleon angeordnet. Seine Nachkommen hat er jedoch nie gesehen.
Der Bau des Bogens wurde nach seinem Tod abgeschlossen.
Russland, Moskau
Baujahr: 1968
Der wichtigste Arc de Triomphe Russlands wurde wieder aufgebaut, demontiert und sogar transportiert. Ursprünglich war es ein Holzbogen, der in der Nähe der Tverskaya Zastava gebaut wurde, um russische Soldaten aus dem Befreiungsfeldzug in ganz Europa im Jahr 1814 zu treffen. Zu Sowjetzeiten war der Bogen 30 Jahre lang in einem Museum versteckt.
"Portrait of Catherine II - the Legislator" löste in der russischen Presse eine breite Kontroverse aus. Die Diskussion wurde vom Dichter I. F. Bogdanovich eröffnet. Er wandte sich mit einem poetischen Gruß an den Künstler
Levitsky! Nachdem ich die russische Gottheit gezeichnet hatte,
Durch die die sieben Meere in Freude ruhen,
Mit Ihrem Pinsel haben Sie in Petrovgrad aufgedeckt
Unsterbliche Schönheit und sterblicher Triumph.
Mariä Himmelfahrt-Kathedrale des Moskauer Kreml- eine orthodoxe Kirche auf dem Kathedralenplatz des Moskauer Kremls. Es wurde 1475 - 1479 unter der Leitung des italienischen Architekten Aristoteles Fioravanti erbaut. Der Haupttempel des Moskauer Staates. Das älteste vollständig erhaltene Gebäude in Moskau.
Kathedrale der Auferstehung Das 1658-1685 erbaute Kloster Neu-Jerusalem war als Kopie der Grabeskirche in Jerusalem konzipiert, aber der Bau entpuppte sich nicht als exakte Wiederholung des Vorbilds, sondern als dessen künstlerische Umsetzung. Die Kathedrale wurde nach aus Jerusalem gebrachten Maßen und in der ersten Bauphase bis 1666 errichtet. Arbeit wurde persönlich von Patriarch Nikon kontrolliert. Er entsandte auch die Herren des patriarchalischen Gerichts. Aufgrund der Schande und des Exils von Nikon wurde der Bau des gesamten Klosters und insbesondere der Kathedrale ausgesetzt und auf Erlass von Zar Fjodor Alekseevich im Jahr 1679 fortgesetzt.
Palast der Sowjets- ein nicht realisiertes grandioses Bauprojekt der Sowjetregierung, an dem in den 1930er und 1950er Jahren gearbeitet wurde: ein grandioses Verwaltungsgebäude, ein Ort für Kongresse, Feste usw. Es sollte die Krönung des Hochhausbaus sein in der UdSSR in den Nachkriegsjahren der neunte, der zentrale und wichtigste stalinistische Wolkenkratzer
Die Liebe zum Singen und zur Musik ging auf ihn von seinem Vater Boleslaw Schostakowitsch über, einem Berufsrevolutionär, der von der zaristischen Regierung in eine ewige Niederlassung in Sibirien verbannt wurde.
Die ersten ernsthaften Errungenschaften Schostakowitschs in der Entwicklung ziviler Themen in der Musik sind seine Zweite und Dritte Symphonie (1927-1929). Sowohl im Werk des Komponisten als auch in der Geschichte Sowjetische Musik sie nehmen einen besonderen Platz ein, denn sie waren eines der ersten symphonischen Werke, in denen sich das revolutionäre Thema widerspiegelte.
Der 1941 beginnende Krieg verzögerte die Umsetzung der Friedenspläne lange: „Unserem Kampf gegen den Faschismus, unserem bevorstehenden Sieg über den Feind, meiner Heimatstadt Leningrad – widme ich meine 7. Sinfonie“, schrieb Schostakowitsch auf der Partitur in Sommer 1941.
Mit außerordentlichem Enthusiasmus machte sich der Komponist an die Entstehung seiner Siebten Symphonie. „Die Musik brach unkontrolliert aus mir heraus“, erinnerte er sich später. Weder Hunger, noch beginnende Herbstkälte und Treibstoffmangel, noch häufiger Beschuss und Bombenangriffe konnten die inspirierte Arbeit beeinträchtigen.
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Einführung
1. Antike
1.1 Kunst und Macht des alten Ägypten
1.2 Kunst und Macht der Antike. Antikes Griechenland und antikes Rom
1.3 Kunst und Macht von Byzanz
2. Mittelalter
2.1 Kunst und Macht Frankreichs (XI-XIV Jahrhunderte)
3. Renaissancezeit
3.1 Kunst und Macht Italiens (XIV-XVI Jahrhundert)
3.2 Die Kunst und Macht Spaniens (XV-XVII Jahrhundert)
4. Neue Zeit
4.1 Kunst und Macht Frankreichs (XVIII Jahrhundert)
4.2 Kunst und Macht in Russland (XIX Jahrhunderte)
5. Macht und Kunst Sowjetzeit Russland (XX Jahrhunderte)
6. Macht und Kunst in unserer Zeit
Abschluss
Literaturverzeichnis
Einführung
Es gibt eine gewisse Regelmäßigkeit in der Entwicklung der menschlichen Kunst. Kunst wurde oft verwendet, um Macht zu stärken. Durch die Kunst stärkt die Macht ihre Autorität, und Staaten und Städte bewahren ihr Ansehen.
Kunstwerke verkörpern die Ideen der Religion, die Verewigung und Verherrlichung von Helden. Musiker, Künstler, Bildhauer und Architekten ihrer Zeit schufen majestätische Bilder ihrer Herrscher. Sie gaben ihnen außergewöhnliche Eigenschaften wie Weisheit, Heldentum und Furchtlosigkeit, die Bewunderung und Ehrfurcht in den Herzen der einfachen Menschen hervorriefen. All dies ist eine Manifestation der Traditionen der Antike - der Verehrung von Gottheiten und Idolen.
IN monumentale Kunst Kommandeure und Krieger werden verewigt. Zu Ehren der errungenen Siege werden Triumphbögen und Säulen errichtet. Neue Ideen spiegeln sich in allen Kunstformen wider und Macht ist da keine Ausnahme.
Dementsprechend setze ich in meiner Arbeit folgendes fest ZieleUndAufgaben:
Ziel Forschung ist der Wandel der Kunst unter dem Einfluss der Macht im Laufe der Jahrhunderte in verschiedenen Ländern der Welt
Aufgaben:
* die Abhängigkeit des Einflusses von Macht auf die Kunst analysieren;
* Erforschen Sie die Abhängigkeit von Veränderungen in der künstlerischen Kreativität unter dem Einfluss von Autoritäten in verschiedenen Ländern der Welt;
* die Hauptmerkmale von Macht in der bildenden Kunst identifizieren;
* Analysieren Sie die Stadien der Veränderung kreatives Erbe beeinflusst.
Objekt Forschung ist Macht in der Kunst.
ArtikelForschung- Kunst der Länder in verschiedenen Epochen.
methodischBase zusammengesetzt: Gemälde von Künstlern, Skulpturen, Fresken, Tempel, Triumphbögen, Klöster.
InformativBase- Bücher zur Kunstgeschichte (T. V. Ilyina History, A. N. Benois, F. I. Uspensky), Artikel aus Internetquellen.
1. Antike
1.1 KunstUndLeistungaltÄgypten
Im III. Jahrtausend v. e. Infolge der Vereinigung der beiden Staaten Unter- und Oberägypten entstand einer der ältesten Staaten, der eine wichtige Rolle bei der Bildung der antiken Kultur spielte.
Ägyptische Kunst ist insofern sehr interessant, als viele Werke, die vom ägyptischen Volk in der Geschichte der Menschheit geschaffen wurden, zum ersten Mal gemacht wurden. Ägypten gab zum ersten Mal monumentale Steinarchitektur, ein realistisches skulpturales Porträt, Gute Qualität handwerkliche Produkte. Sie verarbeiteten hervorragend Steine verschiedener Art, fertigten feinste Schmuckarbeiten an, schön geschnitzte Hölzer und Knochen, stellten farbiges Glas und transparente leichte Stoffe her.
Natürlich kann man nur über die großen ägyptischen Pyramiden sagen, die viel über sich selbst erzählen können. Sie erzählen uns von einer Gesellschaft, die so klar organisiert war, dass es möglich wurde, diese künstlichen riesigen Hügel zu Lebzeiten des Herrschers zu bauen.
heim UnterscheidungsmerkmalÄgyptische Kunst liegt darin, dass sie darauf abzielt, die Bedürfnisse der Religion zu verkörpern, insbesondere den Staats- und Bestattungskult des göttlichen Pharaos. Religion war ein integraler Bestandteil, der die ägyptische Kultur während ihrer gesamten Existenz beeinflusst hat.
Die ägyptische Kunst wurde zum Ruhm der Könige geschaffen, zum Ruhm unerschütterlicher und unverständlicher Ideen, die auf despotischer Herrschaft beruhten. Und dies wiederum wurde in den Bildern und Formen dieser Ideen selbst und der Macht, mit der der Pharao ausgestattet war, nachgezeichnet. Die Kunst begann, den Machthabern zu dienen, die wiederum aufgerufen waren, Denkmäler zu schaffen, die Könige und Adel der Despotie verherrlichen. Diese Arbeiten mussten nach bestimmten Regeln ausgeführt werden, die später die Kanons bildeten.
Ein Beispiel für ein Denkmal zur Verherrlichung des Pharaos ist die Namerna-Schieferplatte, auf deren beiden Seiten ein Reliefbild angebracht ist, das von einem historischen Ereignis erzählt: dem Sieg des Königs von Oberägypten Namerna über Unterägypten und der Einigung des Niltals ein einziger Staat. Hier ist die für diese frühe Klassengesellschaft charakteristische Betonung der Größe und Ungleichheit des Herrschers auf Kosten der Verhältnismäßigkeit deutlich zu erkennen. Dieses Prinzip lässt sich in der altägyptischen Kunst seit Jahrzehnten nachvollziehen. In verschiedenen Fresken, Reliefskulpturen, ist der Pharao um ein Vielfaches größer dargestellt als alle anderen Figuren. Die Sphinx von Khafre aus dem III. Jahrtausend v. Chr., die vor dem Begräbnistempel des Pharaos steht, überrascht mit ihrer Pracht. Diese Sphinx ist die größte in Ägypten. Trotz ihrer enormen Größe weist das Gesicht der Sphinx die Züge des Pharaos Chephren auf. In der Antike sollte die Sphinx zusammen mit den Pyramiden eine Vorstellung von der übermenschlichen Macht des Herrschers wecken.
Um die göttliche Herkunft, Größe und Macht der Pharaonen zu betonen, haben die Bildhauer ihre Herrscher idealisiert. Sie zeigten körperliche Stärke, verwarfen kleine Details, behielten aber gleichzeitig eine Porträtähnlichkeit bei. Ein Beispiel für solche Werke ist die Statue von Khafre, dem Herrscher der IV. Dynastie. Hier ist das Bild des Herrschers voller majestätischer Ruhe, er sitzt stolz auf seinem Thron. Diese Statue hat kultischen Charakter, der nach Ansicht der Ägypter das Behältnis der spirituellen Essenz des Herrschers ist. Das Porträt von Khafre ist sehr real, aber hier zeigte der Bildhauer keine Porträtähnlichkeit mehr, sondern den Charakter des Pharaos selbst.
Neben Reliefs, Fresken und Skulpturen wurden auch Tempel zu Ehren des göttlichen Herrschers errichtet. Eines der besten Beispiele ist das Grab der Königin Hatschepsut, das Ende des 16. Jahrhunderts erbaut wurde. BC. im Dray el-Bahri-Tal. Dieser Tempel ist dem Sonnengott Amon-Ra, Hathor und Anubis gewidmet, aber die Hauptgottheit ist die Königin selbst. Es gibt noch andere Denkmäler, die ihr zu Ehren errichtet wurden, zum Beispiel zwei Obelisken, die sich im Heiligtum des Tempels in Karnak befinden, eine Inschrift in der Kapelle von Stab el Antara. Trotz der Tatsache, dass diese Königin nur 12 Jahre regierte, hinterließ sie zahlreiche Denkmäler, wurde aber leider nicht in den offiziellen Königslisten aufgeführt.
So wurde der Pharaonenkult, der in der Ära des Alten Reiches seinen Höhepunkt erreichte, zur Staatsreligion und fand seine Verkörperung in der Kunst, die den Kreis der Kunstwerke beeinflusste: skulpturale Porträts von Pharaonen, malerische und reliefartige Darstellungen von Szenen aus dem Leben ihrer Familien und natürlich Pyramiden und Tempel, die zu Ehren des Herrschers errichtet wurden, waren im alten Ägypten von herausragender Bedeutung.
1.2 KunstUndLeistungAntike.AltGriechenlandUndAltRom
Das Konzept der "alten Kunst" tauchte in der Renaissance auf, als schöne Werke antikes Rom Und Antikes Griechenland galt als vorbildlich. Dies ist die griechisch-römische Antike, die den Zeitraum ab dem 8. Jahrhundert v. - VI Jahrhundert. ANZEIGE Zu dieser Zeit herrscht das ästhetische Ideal vor. in Malerei, Bildhauerei u angewandte Künste es dominiert das Bild eines ideal schönen und harmonisch entwickelten menschlichen Bürgers, eines tapferen Kriegers und ergebenen Patrioten, in dem sich die Schönheit eines athletisch trainierten Körpers mit moralischer Reinheit und geistigem Reichtum verbindet.
Griechische Meister untersuchten während der Olympischen Spiele die Plastizität von Bewegungen, Proportionen und Strukturen des menschlichen Körpers. Künstler suchten Realismus in der Vasenmalerei und Skulptur, wie den Statuen von Myron „Discobolus“, Polikleitos „Dorifor“ und der Statue für die Athener Akropolis, Phidias.
Antike griechische Architekten leisteten einen großen Beitrag zur Kunst. Die Herrscher verehrten ihre Götter sehr und die Griechen errichteten ihnen zu Ehren zahlreiche Tempel. Sie schufen den majestätischen Stil des Tempels, indem sie Architektur mit Skulpturen kombinierten.
Als Ersatz für die Klassik ab Ende des 4. Jahrhunderts. BC. Ein tieferes Verständnis der Welt kommt, ein gesteigertes Interesse an der inneren Welt eines Menschen, die Übertragung von kraftvoller Energie, Dynamik und Gerechtigkeit des Bildes, zum Beispiel in den Skulpturen von Skopas, Praxiteles, Leochar, Lysippus. In der Kunst dieser Zeit gibt es auch eine Leidenschaft für mehrfigurige Kompositionen und riesige Statuen.
Die letzten drei Jahrhunderte in der griechischen Zivilisation werden als Ära des Hellenismus bezeichnet. Rom wurde der Erbe der künstlerischen Kunst der hellenischen Zivilisation.
Die Römer schätzten das Erbe des antiken Griechenlands sehr und trugen zur Weiterentwicklung der antiken Welt bei. Sie bauten Straßen, Aquädukte und Brücken, schufen spezielles System Bau öffentlicher Gebäude durch die Verwendung von Gewölben, Bögen und Beton.
Große Aufmerksamkeit verdient das skulpturale römische Porträt, das sich durch Genauigkeit und Realismus auszeichnet.
Kaiser befahl zu bauen triumphierendBögen die ihren Siegen gewidmet waren. Der Kaiser ging während des Triumphs unter dem Bogen hindurch. Die Herrscher versuchten, ihre Macht auf Kosten der Kunst zu stärken. In den Foren, Plätzen und Straßen der Städte standen Herrscherstatuen. Die Bildhauer stellten ihre Anführer triumphierend über ihre Feinde dar, und manchmal konnte der Kaiser auch wie ein Gott aussehen. Zum Beispiel befahl Kaiser Trajan den Bau einer Säule zu Ehren seiner Siege, deren Höhe so hoch war wie ein siebenstöckiges Gebäude.
Die Römer planten die Städte perfekt, bauten die kaiserlichen Bäder - die Bäder, das Amphitheater - das Kolosseum, errichteten den Tempel aller Götter des Römischen Reiches - das Pantheon, all dies ist ein großes Erbe der Welt.
Die antike Kunst hatte die stärkste Entwicklung der Kunst nachfolgender Epochen. Es ist schwer, seine Bedeutung für die Entwicklung der westlichen Zivilisation zu überschätzen.
1.3 KunstUndLeistungByzanz
Byzantinisch Kunstkultur eher mit Religion verbunden. Die Kirche in Byzanz diente der weltlichen Macht. Der Kaiser galt als Diener Gottes auf Erden und verließ sich auf die Kirche wie auf die Bürokratie. In einem solchen Umfeld stand die Kunst unter der strengen Kontrolle der Kirche und der herrschenden Klassen.
Da Byzanz unter dem Druck aller Art von Kriegen stand, zielte seine künstlerische Arbeit darauf ab, das Volk zu sammeln. Religiös-staatlicher Patriotismus schuf eine Form byzantinischer Kunst. Gleichzeitig wurden lebenswichtige Probleme als spirituelle gelöst. Ihre Interpretation sollte ästhetische Ideale schaffen, einschließlich staatlicher, religiöser und persönlicher Prinzipien.
Tempel spielten eine wichtige ideologische und erzieherische Rolle, daher arbeiteten die besten Handwerker in der Kirchenarchitektur, die den bedeutendsten Bau ermöglichten und ermöglichten künstlerische Probleme. In der Architektur wurden komplexe Innenräume geschaffen, die gleichsam eine Person einbeziehen.
In Byzanz gab es keine Entwicklung der Skulptur als solche, da die Skulptur als Idol galt. Aber es gab eine Erleichterung, insbesondere bei Elfenbein.
Die Malerei stand unter strenger kirchlich-staatlicher Vormundschaft. Ihre Entwicklung verlief über drei Kanäle: Kirchenmosaiken und Fresken, Ikonenmalerei und Buchminiaturen. Hier waren strenge Regeln bei der Darstellung von Heiligen und Begebenheiten aus „Heiligen Geschichten“ im Vorteil. Der Künstler verliert die Möglichkeit, nach der Natur zu arbeiten. Nur hochgradig Handwerkskunst ermöglichte es, kanonische Bilder mit einer Fülle menschlicher Gefühle und Ideen zu füllen.
Es sollte auch betont werden, dass weltliche Kunst einen großen Platz in der künstlerischen Kultur von Byzanz einnahm. Befestigungsanlagen, Wohngebäude, Paläste wurden gebaut. Die weltliche Skulptur spielte eine wichtige Rolle. Miniaturen mit historischem und naturwissenschaftlichem Inhalt verschwanden nie aus der byzantinischen Malerei. Die meisten dieser Kunstdenkmäler sind nicht erhalten, aber ihre Bedeutung für die künstlerische Kultur von Byzanz muss berücksichtigt werden.
Die Komplexität der stilistischen Entwicklung der byzantinischen Kunst wurde noch dadurch erschwert, dass sich im Laufe der Zeit auch die Grenzen der Verbreitung der byzantinischen Kultur veränderten. Infolge von Kriegen und Invasionen benachbarter Völker änderten sich die Grenzen des Staates. Von Byzanz fielen getrennte Gebiete ab, in ihnen wurden neue Kunstschulen gegründet.
2. Mittelalter
2.1 KunstUndLeistungFrankreich(XI- XIVJahrhunderte)
Die Kunst dieser Zeit wurde von Kirchen und Klöstern beeinflusst, die wiederum Verbündete der königlichen Macht waren. Viele Politiker, die die Autorität und Macht der Könige stärkten, waren gleichzeitig Kirchendiener. Abt Suger beispielsweise ist Erbauer vieler Kirchen und Berater von Ludwig VI. und Ludwig VII. Daher wurde die Kunst, insbesondere Architektur, Malerei und Skulptur, von den Klöstern beeinflusst. Der Bau von Klöstern wurde meistens nicht von Bürgern geleitet, sondern von einem Mönchsorden oder Bischof, der gleichzeitig der feudale Herrscher dieser Stadt war.
Die romanische Architektur war ein wesentlicher Bestandteil der monumentalen Skulptur und der Steinmetzarbeiten. Sie verzierte Kapitelle, Portale, die die gesamte Fassade ausfüllten, zum Beispiel Notre-Dame-la-Grand in Poitiers. Plastische Dekorationen sind in den Kirchen von Burgund (Tympanone der Kathedralen in Vezelay und Autun) und im Languedoc (Saint-Sernin in Toulouse, XI-XIII Jahrhundert) zu finden.
Malerei und Skulptur erhielten einen monumentalen Charakter. Die Außenfassade war mit Kapitellen, Skulpturen oder Reliefs verziert. Die Wände im Inneren des Tempels waren mit großen Fresken bemalt und in der Regel nicht mit Skulpturen geschmückt. Eines der frühesten Skulpturdenkmäler, das sich an der Fassade des Tempels befindet, ist das Relief des Architravs der Kirche Saint Jean de Fontaine im Südwesten Frankreichs. Monumentale Gemälde waren in den Kirchen Frankreichs weit verbreitet. Jetzt haben wir etwa 95 Freskenzyklen, die uns überliefert sind. Das Hauptdenkmal sind die Fresken der Kirche Saint Saven sur Gartan in der Region Poitou (Anfang des 12. Jahrhunderts), das seltenste Beispiel, das die malerische Dekoration Frankreichs bewahrt hat.
Weltliche Possen und religiöse Mysterien wetteiferten in den Städten. Überall gab es einen Kampf zwischen dem Phantastischen und dem Realen und dem Mystischen und dem Rationalen. Aber fast immer wurde im künstlerischen Schaffen das Leben in seiner widersprüchlichen und wechselhaften Balance wahrgenommen.
Ein Abbild der Kunst der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts ist das Portal der St. Stephen auf der Südseite der Kathedrale Notre Dame (ca. 1260-1270). Zu den Meisterwerken der Hochgotik gehören auch die vielen unzähligen Statuen der Kathedrale von Reims, die im 13. Jahrhundert entstanden sind. 30-70er Mitte des 13. Jahrhunderts. eine miniatur entstand nach dem prinzip der dekoration.
Den Meistern der gotischen Bildhauerei in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts gelang es jedoch, in dieser Zeit neue Kräfte zu zeigen, als die Schwierigkeiten des Hundertjährigen Krieges die Bauarbeiten und die Zahl der künstlerischen Aufträge stark reduzierten. Im 13.-14. Jahrhundert. Buchminiatur und Glasmalerei waren weit verbreitet. Die Hauptzentren der Glasmalerei waren im 13. Jahrhundert. Chartres und Paris. In der Kathedrale von Chartres ist eine relativ große Anzahl von Buntglasfenstern erhalten geblieben. Sehr gutes BeispielÜbergang von der Romanik zur Gothic Style ist das Bild der Muttergottes, die mit dem Baby auf ihren Knien sitzt, die auf ist dieser Moment befindet sich in dem Teil der Kathedrale, der den Brand von 1194 überlebte.
Miniaturen des späten 13.-14. Jahrhunderts. jetzt schmücken sie den Text nicht nur, sondern ergänzen und kommentieren ihn und erhalten illustrativen Charakter. Typische Werke der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts. dies sind die Werke des Miniaturmalers Jean Pucel, zu dessen Werken die Bibel von Robert Bilsing (1327) und das berühmte Brevier von Belleville (bis 1343) gehören.
Die mittelalterliche Kunst Frankreichs spielte eine große Rolle in der Geschichte der Kunst seines Volkes und der Völker des Ganzen Westeuropa. Seine Echos (insbesondere in der Architektur) lebten sehr lange und traten erst Mitte des 16. Jahrhunderts in die Vergangenheit zurück.
Kunst kreativ kunst Leistung
3. ZeitraumRenaissance
3.1 Italien(XIV- XVI)
Die italienische Renaissance ist eine Zeit großer Errungenschaften und Veränderungen, die in Italien im 14. Jahrhundert begann und bis ins 16. Jahrhundert andauerte und den Übergang vom Mittelalter zum modernen Europa markierte.
Die bekanntesten Errungenschaften liegen in den Bereichen Malerei und Architektur. Darüber hinaus gab es auch Leistungen in Naturwissenschaften, Philosophie, Musik und Literatur. Im 15. Jahrhundert wird Italien in all diesen Bereichen führend. Die italienische Renaissance wurde vom Zusammenbruch der Politik begleitet. Daher wurde ganz Italien in einzelne kleine Staaten aufgeteilt. Die Renaissance hatte einen großen Einfluss auf Rom. Im 16. Jahrhundert erreichte die italienische Renaissance ihren Höhepunkt, als es ausländische Invasionen gab, die Italien in Kriege verwickelten. Trotzdem behielt Italien die Ideen und Ideale der Renaissance bei und verbreitete sich in ganz Europa, wobei es die nördliche Renaissance in den Schatten stellte.
In der Kunst dieser Zeit sind Heiligenbilder und Szenen aus der Heiligen Schrift üblich. Künstler weichen von allen Kanonen ab, Heilige konnten für diese Zeit in modernen Kleidern dargestellt werden. Es war beliebt, den Heiligen Sebastian darzustellen, da man glaubte, dass er vor der Pest schützt. Die Malerei wird realistischer, wie die Werke von Giotto, Masaccio, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Botticelli.
Künstler erfinden neue Farben, experimentieren mit ihnen. Zu dieser Zeit ist der Beruf des Künstlers sehr gefragt und Aufträge kosten viel Geld. Das Porträtgenre entwickelt sich. Der Mann wurde als ruhig, weise und mutig dargestellt.
In der Architektur hatte der Architekt Filippo Brunelleschi großen Einfluss, nach dessen Entwürfen die Kirche San Lorenzo, der Pallazo Rusellai, Santissima Annunziata, die Fassaden der Kirchen Santo Maria Navella, San Francesco, San Sebastiano und Sant'Anrea gebaut wurden .
So wird die Wahrnehmung der Welt komplexer, die Abhängigkeit von menschlichem Leben und Natur wird klarer realisiert, Vorstellungen von der Variabilität des Lebens entwickeln sich, die Ideale von Harmonie und Integrität des Universums gehen verloren.
3.2 SpanienXV- XVIIIJahrhunderte
Die spanische Renaissance ist eng mit der italienischen verwandt, kam aber viel später. Als „goldenes Zeitalter“ der spanischen Renaissance gilt das Ende des 16. bis zur zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts.
Die Entwicklung der Blütezeit der spanischen Kultur ist die Vereinigung eines zuvor zersplitterten Landes unter der Herrschaft von Ferdinand von Aragon und Isabella von Kastilien. Der jahrhundertealte Krieg mit den Arabern hörte auf, wonach neue Ländereien im Besitz Spaniens waren, die ihnen zuvor nicht gehört hatten.
Ausländische Architekten, Künstler und Bildhauer wurden vom königlichen Hof angezogen. Spanien wurde für kurze Zeit zum mächtigsten europäischen Staat.
Nachdem Philipp II. Madrid gegründet hatte, konzentrierte sich das künstlerische Leben des Landes dort, wo Paläste gebaut wurden. Diese Paläste waren mit Gemälden geschmückt Spanische Künstler und große Maler - Tizian, Tintorentto, Bassano, Bosch, Brueghel. Der Innenhof wurde zum Hauptzentrum für die Entwicklung der Kunst.
In der Architektur wurden unter der Herrschaft katholischer Könige Kirchen geschaffen, in denen sie die Macht und Größe der königlichen Macht propagierten. Es entstanden auch Gebäude, die den spanischen Siegen gewidmet waren: zum Beispiel die Kirche des Klosters San Juan de los Reyes in Toledo – als Denkmal für die Siege über die Portugiesen in der Schlacht von Toro, Escorial – als Denkmal für den Sieg über die Franzosen bei San Quenten.
Die berühmtesten Bildhauer dieser Zeit sind Alonso Berruguete, Juan de Juni, Juan Martinez Montañez, Alonso Cano, Pedro de Mena.
Damit leistete Spanien einen bedeutenden Beitrag zur Weltkunstgeschichte, der die weitere Einstellung der Menschen beeinflusste.
4. NeuZeit
4.1 KunstUndLeistungFrankreich(XVIIIv.)
Im 18. Jahrhundert gab es in Frankreich einen Kampf gegen den Absolutismus, die Kirche, die Aristokratie, das freie Denken, dieser Kampf bereitete das Land auf die bürgerliche Revolution vor.
Die französische Kunstkultur ist auf dem Vormarsch. Es weicht von den früher verwendeten Kanons ab, religiöse Malerei gehört der Vergangenheit an und weltliche realistische und "galante" Genres werden zu den führenden. Künstler wenden sich den intimen Sphären des menschlichen Lebens und kleinen Formen zu. Realismus verkörpert sich in der Offenlegung des Bildes einer Person.
Im 18. Jahrhundert gab es regelmäßige Ausstellungen der Royal Academy - Salons, die im Louvre stattfanden, sowie Ausstellungen der Academy of St. Luke, die direkt auf den Plätzen stattfanden. Ein neues, charakteristisches Merkmal war die Geburt der Ästhetik und die Entwicklung Kunstkritik, die den Kampf der Strömungen in der Kunst widerspiegelte.
Die Menschen reisten zu dieser Zeit durch die Länder und liehen sich gegenseitig Wissen aus. Es gibt viele Enzyklopädien. Menschen analysieren Kunstwerke. Zum Beispiel die Werke von Diderot "Salons", "Experience on Painting", die Werke von Rousseau "Art and Morality", "Discourses on the Sciences and Arts" und "Emil oder on Education".
So wurde das 18. Jahrhundert als Zeitalter der Aufklärung bekannt. Aufklärerische Ideen beeinflussten nicht nur die Entwicklung der Kunst, die Aufklärer griffen aktiv in ihren Verlauf ein. Die Aufklärung ist zu einer mächtigen Bewegung geworden, die frühere Weltanschauungen gebrochen hat.
4.2 KunstUndLeistungRussland(XIXv.)
Im 19. Jahrhundert In den ersten Jahrzehnten in Russland gab es einen landesweiten Aufschwung nach dem Vaterländischen Krieg von 1812. Künstler werden im Vergleich zum 18. Jahrhundert immer gefragter. Sie können in ihren Werken die Bedeutung ihrer Persönlichkeit, ihrer Freiheit zum Ausdruck bringen, wo soziale und moralische Probleme aufgeworfen werden.
Russland ist jetzt mehr interessiert künstlerische Kreativität. Es erscheinen Kunstzeitschriften: „The Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts“ (1801), „Journal Bildende Kunst"zuerst in Moskau (1807) und dann in St. Petersburg (1823 und 1825), die Gesellschaft zur Förderung der Künstler (1820), das Russische Museum ..." P. Svinin (1810) und die Russische Galerie in der Eremitage (1825).
Die Ideale der russischen Gesellschaft spiegeln sich in Architektur, monumentaler und dekorativer Skulptur wider. Nach einem Brand 1812 wird Moskau neu restauriert, hier setzen die Bauherren auf die Architektur der Antike. Bildhauer errichten Denkmäler für Militärführer, zum Beispiel ein Denkmal für Kutuzov in der Kasaner Kathedrale in St. Petersburg. Der größte Architekt dieser Zeit, Andrei Nikiforovich Voronikhin. Er entwarf eine Reihe von Springbrunnen für die Pulkovo-Straße, stellte das Büro „Taschenlampe“ und die ägyptische Vorhalle im Pawlowsk-Palast, die Viskontiev-Brücke und den Rosa Pavillon im Pawlowsker Park fertig. Die wichtigste Idee von Voronikhin ist die Kasaner Kathedrale (1801-1811). Die halbkreisförmige Kolonnade des Tempels, die er nicht von der Seite der Haupt-West-, sondern von der Seiten-Nordfassade errichtete, bildete einen Platz in der Mitte des Newski-Prospekts und verwandelte die Kathedrale und die umliegenden Gebäude in die meisten wichtiger städtebaulicher Knotenpunkt.
Künstler stellen dar historische Ereignisse die in der Antike stattfanden, zum Beispiel K.P. Bryullov „Der letzte Tag von Pompeji“, A.A. Ivanov, Die Erscheinung Christi vor den Menschen. Porträts von Herrschern sind abgebildet, zum Beispiel ein Porträt von Elizabeth II., Peter I. Denkmäler werden zu Ehren der Herrscher errichtet, ein Denkmal für Katharina II. In dieser Zeit traten viele Künstler auf: Kramskoy, Ge, Myasoedov, Makovsky, Shishkin, Vasiliev, Levitan, Repin, Surikov usw.
Komplexe Lebensprozesse bestimmten die Formenvielfalt des künstlerischen Lebens dieser Jahre. Alle Kunstgattungen – Malerei, Theater, Musik, Architektur – standen für die Erneuerung der künstlerischen Sprache, für hohe Professionalität.
5. LeistungUndKunstSowjetischZeitraumRussland(XXv.)
Während der Sowjetzeit in Russland kommt es zu revolutionären Umwälzungen, diese revolutionären Transformationen fordern Künstler zu neuen kreativen Experimenten auf. Das künstlerische Leben des Landes erfordert eine akut soziale und verständliche Kunst für eine unvorbereitete ästhetische Masse. Die Oktoberereignisse, die zur Revolution führten, begannen die Künstler in ihrer Arbeit zu verherrlichen. Der Sieg der Kunst an der Front wird zu einem festen Element des bolschewistischen Sieges.
Künstler nehmen zu dieser Zeit eine sehr aktive und sehr beliebte Position ein. Sie beschäftigen sich mit der Gestaltung von Demonstrationsstädten, die Bildhauer führten den „leninistischen Plan für monumentale Propaganda“ aus, die Grafiker arbeiten aktiv an der Gestaltung klassischer Ausgaben des Russischen und ausländische Literatur. Eine Vielzahl neuer, bisher nicht realisierter künstlerischer Richtungen werden entwickelt. Neue Namen und neue Richtungen erscheinen: „Russischer Impressionismus“ - A. Rylov und K. Yuon; "Blaue Bären" P. Kuznetsov und M. Saryan; Vertreter des "Karo-Buben" P. Konchalovsky und I. Mashkov mit dem Karnevalsfest ihrer Gemälde, dekorativ in Farbe und Komposition, A. Lentulov, der das Bild des Russen machte mittelalterliche Architektur Erleben Sie die intensiven Rhythmen der modernen Stadt. Pavel Filonov arbeitete in den 1920er Jahren. Basierend auf der Methode, die er "analytisch" nannte, schuf er in diesen Jahren seine berühmten "Formeln" ("Formel des Petrograder Proletariats", "Formel des Frühlings" usw.) - symbolische Bilder, die sein Ideal des Ewigen und Beständigen verkörpern . K. Malevich setzte seinen Weg in der Nichtobjektivität fort, und der von seinen Schülern I. Puni, L. Popova, N. Udaltsova und O. Rozanova entwickelte Suprematismus begann sich in angewandter Kunst, Architektur, Design und Grafik auszubreiten.
In der Skulptur wurden in den 1920er Jahren von Ivan Dmitrievich Shadr (richtiger Name Ivanov) Werke geschaffen, die von "revolutionärer Romantik" inspiriert waren. Diese werden im Auftrag von Goznak (für das Bild auf neuen sowjetischen Banknoten, Briefmarken und Anleihen) "Sämann", "Arbeiter", "Bauer", "Rotarmist" (alle 1921-1922) hergestellt. Eines seiner bekanntesten Werke ist das Werk „Kopfsteinpflaster – Die Waffe des Proletariats, 1905“. Dieses Werk ist dem 10. Jahrestag der Sowjetmacht gewidmet. Shadr versuchte, die Traditionen der Weltkunst zu nutzen und ein Werk zu schaffen, das vom Geist der Moderne inspiriert war, wie er es verstand.
So mussten Maler, Bildhauer, Schriftsteller und viele andere nach öffentlichen Lösungen suchen. Die Mittel zur Schaffung monumentaler Bilder sind geworden: sowjetische Heraldik, figurative Symbole, die zu einer beliebten Bezeichnung des Atoms, des Weltraums geworden sind. Symbole für Freundschaft, Arbeit, Frieden … nur großartige Ideen können großartige Lösungen hervorbringen.
6. VerhältnisBehördenUndKunstvist unserZeit
Hinter jüngster Zeit alles hat sich geändert, aber das zusammenspiel von macht und kunst bleibt sehr wichtig und aktuelles Thema. Die Beziehung zwischen diesen beiden Branchen zeigt sich besonders in Zeiten des politischen und gesellschaftlichen Wandels. Jetzt gibt es keine Zensur, was bedeutet, dass jeder, der seine Gedanken und Ideen durch Kunst ausdrücken möchte, dies ohne Angst vor Bestrafung tun kann. Dies ist ein kolossaler Durchbruch auf dem Gebiet der Freiheit von Kreativität und Geist.
Derzeit finden in verschiedenen Städten zahlreiche Ausstellungen statt andere Themen. In regelmäßigen Abständen finden Ausstellungen statt, die das Problem von Kunst und Macht beleuchten. Diese Ausstellungen sind für Geschichts- und Politikwissenschaftler interessant. Kürzlich fand im Schwedischen Museum eine ähnliche Ausstellung mit dem Titel "Kunst für die Herrscher" statt. Bei dieser Ausstellung gab es mehr als 100 Ausstellungen und mit der Teilnahme von 400 Exponaten aus verschiedenen Epochen.
Kunst steht nicht still, sie entwickelt sich rasant von verschiedenen Seiten. Heutzutage gibt es viele verschiedene Richtungen. Welt kulturelles Erbe aufgefüllt und aufgefüllt, und das ist sehr gut für unsere Zeit.
Abschluss
Im Laufe der Arbeit haben wir herausgefunden, dass sich die Kunst in verschiedenen Ländern der Welt über die Jahrhunderte unter dem Einfluss der Macht verändert hat.
Nach Analyse der Situation haben wir herausgefunden, dass Kunst vom politischen System und vom Herrscher des Landes abhängt. Kunst und Macht entstanden und entwickelten sich gleichzeitig und sind integraler Bestandteil der Gestaltung des gesellschaftlichen Lebens.
Ich denke, dass die Regierung mehr Möglichkeiten hatte, die Gesellschaft zu kontrollieren und ihre Macht durch Kunst zu stärken, als sie es jetzt tut. Jahrzehnte später befreiten wir uns endgültig von strengen Kanons und allen möglichen Verboten. Ein Mensch kann seine Individualität ausdrücken, sobald er erfindet und will. Künstler, Bildhauer und Musiker haben grenzenlose Freiheit, aber es ist schwer zu sagen, ob es gut ist oder nicht. Aber nach vielen Jahren und Jahrhunderten werden unsere Nachkommen sie bewundern und stolz sein.
AufführengebrauchtLiteratur:
1. Fernsehen Iljin. Kunstgeschichte. heimische Kunst. Moskau. Jahr 2000
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Alexander Alexandrowitsch Wlaskin
Politische Motive der Kunst
Künstlerische Kreativität, Selbstdarstellung sowie die Aktivitäten von Politikern haben einen großen Einfluss auf die Gesellschaft. Über die enge Verbindung von Kunst und Politik ist viel gesagt und geschrieben worden, diese Verbindung wurde schon in der Antike verstärkt, als sich Bildhauer und Künstler bildeten heroische Bilder Herrscher, spiegelten ihre Heldentaten und Siege wider. Späte Kunst begann, bestimmte Figuren oder Ideologien nicht nur zu loben, sondern auch anzuprangern, zu diffamieren. Was sind die politischen Motive der Kunst, derer, die sie schaffen?
Politiker machen Geschichte, bleiben in ihr, genauso wie Künstler und Schriftsteller danach streben, in ihr zu bleiben... Die Autoren bilden nicht nur die Welt für die Nachwelt ab, sondern tragen auch zur Gestaltung der Moderne bei, geben eine Einschätzung ab und bieten ihre Vision an. Gleichzeitig sind beide Prozesse politisch engagiert, denn was öffentliches Interesse weckt, kommt denen zugute, die an die Macht kommen wollen.
Massenkultur, Fortschritte im Bereich der Informationsvermittlung, das Aufkommen globaler Kommunikationsmittel sowie die Dominanz des Clip-Bewusstseinsmodells – all dies hat Kunst und Politik maßgeblich beeinflusst. In der Tat, moderner Mann Es ist schwierig, sich vor Propaganda, Angeboten anderer Meinungen zu verstecken, und Kunst kann einige Ideome in eine populäre und modische Form kleiden.
Zeitgenössische Kunst ist an sich Teil des ästhetischen und ethischen Paradigmas, materialisiert den Zeitgeist in bestimmten Werken und hält sich daher nicht abseits von aktuellen Themen.
Moderne Kunst sucht die Mode zu prägen, Mode beeinflusst die Lebensweise und das Weltbild der Konsumgesellschaft. Der Autor wiederum kann künstlerische Etikettierungen betreiben, die einen verteufeln, die anderen verherrlichen, und ein Teil des Publikums übernimmt seine Ansichten, interessiert sich nicht einmal für die Politik als solche. Da zeitgenössische Kunst oft ein Protest ist, eine Rebellion des Autors, eine Antwort auf etablierte Normen, Stereotypen, ein Test der öffentlichen Moral, dann ist auch politische Opposition für sie charakteristisch. Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst in verschiedenen Epochen der Geschichte waren Sänger und Künstler der Revolution, auch wenn einige später die Tragik eines solchen Weges verstanden haben. Zeitgenössische Kunst in Russland wird heute jedoch teilweise als politisches Instrument eingesetzt.
Zeitgenössische Kunstintervention und postsowjetisches Russland
Mayakovsky, der für seine Zeit ein provokanter und fortschrittlicher Autor war, sprach von „einem Schlag ins Gesicht des Publikumsgeschmacks“. Ende des 20. Jahrhunderts wurden Ohrfeigen zu einer Serie von Schlägen, zu einer Art provozierendem Wettbewerb.
Die Zeit der Perestroika und später der 90er Jahre ist dadurch gekennzeichnet, dass eine Reihe von Skandalautoren eine Art „Geländewagen-Pass“ in alle Gesellschaftsschichten erhielten. Der Wettbewerb der Freizügigkeit führte zu Dutzenden von Ausstellungen, Veranstaltungen, Performances, bei denen die moralische Messlatte gesenkt wurde, es gab einen Angriff auf traditionelle, konservative Grundlagen und Werte.
Das wegweisende Ereignis, von dem Vladimir Salnikov spricht, ist sehr charakteristisch geworden: „Die Kunst der 90er Jahre selbst wurde am 18. April 1991 geboren, als die Gruppe „These“ von Anatoly Osmolovsky das Wort ihrer drei Buchstaben mit ihren Körpern auf dem Roten Platz auslegte. ”
Eines der Symbole für die Stärkung und Verbreitung neuer Ansätze war der nackte Oleg Kulik, der einen Hund darstellte. Bezeichnend ist auch die Vorgeschichte dieser weltweit beachteten Tat - der Künstler wurde aus Hunger „ein Hund“. Er gab den Kritikern einfach das, was sie der westlichen Gesellschaft erfolgreich präsentierten, was aber für Russland wild blieb.
Trotz der Tatsache, dass die Mehrheit der Bürger noch konservativen Ansichten anhängte und weit davon entfernt war, die Feinheiten der Kunstgeschichte zu studieren, bildete sich in der sterbenden Sowjetunion eine große und lebendige Gemeinschaft von Informellen. Aus dem informellen Umfeld gingen Dutzende von Künstlern, Dichtern und Musikern hervor, die in der Zeit der Freizügigkeit und Ermutigung, den moralischen Rahmen zu überschreiten, unbegrenzte Möglichkeiten für kreative Experimente erhielten.
Die neue Kunst, die einen gewissen Freibrief erhielt und durch Auszeichnungen unterstützt wurde, konnte das Bewusstsein der älteren Generation nicht neu formatieren, aber sie konnte sehr ernste Auswirkungen auf junge Menschen haben, insbesondere in Ermangelung staatlicher Programme in diesem Bereich.
Wie helle, aber künstliche und oft schädliche Produkte, im Gefolge der Perestroika, Proben von Westliche Kunst, die vorher nicht weit verbreitet waren, aber als fortgeschritten und progressiv bezeichnet wurden. Hier ist Abstraktion, die versucht, Realismus und existenzielle Erfahrungen zu verdrängen, und Depressivität und die Verleugnung der Kanons und Experimente mit dem Körper, anstatt die Seele zu erforschen. Und ein solches Produkt wurde angebaut, wie Kaugummi oder Alkohol angebaut wurde.
Es gibt jedoch Dutzende Beispiele von Werken und Autoren, die keine zerstörerische Wirkung auf die Gesellschaft hatten, aber einige Präzedenzfälle können als im Dienste pro-westlicher politischer Interessen angesehen werden. Zum Beispiel die Figur des professionellen politischen Strategen Marat Gelman, der zum Dirigenten zeitgenössischer Kunst wurde. Er beteiligte sich in den 90er und frühen 2000er Jahren aktiv am politischen Leben des Landes, aber nach einer Reihe von Skandalen, als seine Ausstellungen als Beleidigung und Verletzung der Grundlagen der russischen Gesellschaft bezeichnet wurden, kündigte er die Einschränkung des Marktes für zeitgenössische Kunst in Russland an zog später nach Montenegro und kritisierte aktiv die Politik von Wladimir Putin.
Nennt sich politischer Aktivist und Alexander Brener. Er erlangte Berühmtheit, indem er an bestimmten Orten nackt auftrat und dies mit verschiedenen Subtexten erklärte. Eine seiner denkwürdigsten Aktionen war eine Show auf dem Hinrichtungsplatz des Roten Platzes in Boxhandschuhen mit einer Herausforderung zum Kampf des damaligen Präsidenten Boris Jelzin. Stimmt, hinein dieser Fall Brener trug immer noch seine Shorts.
In den Prozessen der Förderung neuer und unverständlicher Kreativität treten Kunstmanager und Galeristen in den Vordergrund, die zur Entwicklung und zum Wohlstand des Autors beitragen können. Sie senden auch Anfragen zu seinen Aktivitäten, bringen ggf. eine politische Komponente in die Bestellung oder Auswahl der Werke ein.
Zu Beginn des 21. Jahrhunderts hatte sich in Russland eine Community entwickelt, die sich weniger mit klassischer Kunst als vielmehr mit provokativen Experimenten beschäftigte. Dies galt für die bildende Kunst, das Kino und das Theater. Depressive Kunst, die Autorität leugnet und klassische Kanons verachtet, begann zur Norm erhoben zu werden. Es erinnert auch an „Norma“ von Vladimir Sorokin, einem Kultautor, der gerade um die Jahrhundertwende an Popularität gewann. Nicht umsonst wurde seine Prosa „exkrementell“ genannt, da dem Exkrement viel Aufmerksamkeit geschenkt wurde.
Merkmale der Positionierung zeitgenössischer Kunst
Natürlich verfolgen nicht alle Autoren und Galeristen politische Ziele und steigern ihre Popularität durch Provokationen. So sprach etwa der bekannte Galerist Sergei Popov über das Zerschneiden von Ikonen und anderen Spott auf Ausstellungen: „Ich habe extrem negativ auf die Ausstellung „Vorsicht, Religion“ reagiert – es war eine Provokation in Reinform. Und es hat zu einer sehr schlechten Reaktion der konservativen Öffentlichkeit auf die zeitgenössische Kunst geführt, wir ernten immer noch die Früchte solch idiotischer Aktionen. Als Provokation darf Kunst nur in Ländern präsentiert werden, in denen sie dafür bereit sind. Aber Künstler haben in Ländern, in denen die Scharia gilt, nicht das Recht, Schweine zu schlachten und Bilder nackter Frauen zu zeigen – dafür werden sie geköpft. Und in Russland ist es unmöglich, Provokationen zu religiösen Themen zu organisieren, ohne den Kontext des Landes zu berücksichtigen.
Provokation ist also keine Voraussetzung für zeitgenössische Kunst. Dies ist eher eine Entscheidung und eine bewusste und motivierte Entscheidung. Diejenigen, die diese Wahl getroffen haben, werden oft nicht nur Teilnehmer an künstlerischen, sondern auch an politischen Prozessen, ein Werkzeug in den Händen von Polittechnologen.
Aktionismus ist zu einem wichtigen Merkmal der postsowjetischen Zeit geworden. Einer der führenden Künstler, Anatoly Osmolovsky, beschrieb dieses Phänomen wie folgt: „In einer kunstunempfindlichen Gesellschaft muss der Künstler mit einem Mikroskop auf den Kopf schlagen, anstatt einige nützliche Bakterien darin zu beobachten. Die Gesellschaft in Russland ist kunstunempfindlich, deshalb praktizieren unsere Künstler seit den 90er Jahren den direkten Eintritt in die Gesellschaft selbst - das sind Aktionen, Interventionen.
Der Aktionismus als Ausweg aus den üblichen künstlerischen Räumen ist auch der Politik nahe, und eine Reihe von Aktionen tragen politische Untertöne. Diese Art von Aktivität zieht auch die Medien an, die aktiv helle und provokative Aktionen verbreiten. Mit der Entwicklung des Internets werden Clip- und Viral-Events zu einem beliebten Produkt, das ein breites Publikum erreicht. Dies ist der unbestrittene Vorteil, zeitgenössische Kunst zu nutzen, um die gewünschte Ideologie zu fördern.
Journalisten haben den Aktionismus, der oft unter den Artikel des Strafgesetzbuches der Russischen Föderation über Rowdytum fällt, auf eine neue Ebene der Popularität gebracht. Seltsam ist an sich schon, dass die Aktion der Gruppe „War“ mit dem Umkippen Polizeiauto allgemein künstlerischer Akt genannt. Aber auch diese Gruppe erhielt 2011 den renommierten Kandinsky-Staatspreis, gestiftet vom Kulturministerium für eine Aktion mit einer Zeichnung eines Mitglieds auf einer Zugbrücke gegenüber dem FSB-Gebäude in St. Petersburg.
Die aktuellen „Unruhestifter“, die eine ideologisch destruktive Botschaft umsetzen, sind der Künstler Pavlensky, „ Pussy Riot“, „Blue Rider“, ehemals die Kunstgruppe „War“ – alle wurden direkt unter dem Einfluss des Stils der 90er Jahre gegründet und förderten die Freizügigkeit, die zum Synonym für Freiheit wurde. Und solche Beispiele können als eine der Waffen des Informationskrieges bezeichnet werden. Genau wie Ende der 80er Jahre wurde Rock and Roll zu einer Waffe gegen Kommunismus und "Sowjetismus". Im Gegensatz zu Rockhymnen finden die Aktionen, riesige Phallusse zu ziehen oder Stacheldraht einzuwickeln, zwar nicht so viele Fans.
Die politischen Untertöne von Brener oder die Provokationen von Ter-Oganyan, der Ikonen mit einer Axt schnitt, wurden durch eine Orgie der Kunstgruppe "Voina" im Museum ersetzt, die im Tempel tanzte, aber die Essenz blieb dieselbe - der Autor Berühmtheit (wenn auch skandalös) und Erwähnung erlangt, und ein möglicher Kunde oder Gönner - eine massentaugliche politische Metapher, die in Zukunft aktiv genutzt werden kann.
Laut dem Künstler Nikas Safronov entscheiden heute etwa hundert Menschen über die Politik aller Kunst auf der Welt, und es spielt keine Rolle, ob man zeichnen kann oder nicht. Wenn Sie Charisma haben, wenn Sie Menschen dazu gebracht haben, über sich selbst zu sprechen, kann dies bereits Teil der Kunst sein.
Clash von Provokateuren und Konservatismus
In der Tat, wie viele Experten, darunter A. Konchalovsky in seinem berühmten Vortrag über zeitgenössische Kunst, feststellten, ersetzt das Ziel der Provokation oft das künstlerische Können, wie man an den Flaggschiffen des Genres sehen kann.
Mit dem Erstarken konservativer Stimmungen, mit dem Erstarken Bürgerlicher Patriotismus und Staatlichkeit im Allgemeinen wurden die freien Aktionen von Künstlerprovokateuren immer mehr kritisiert.
Zu Beginn des neuen Jahrhunderts war die postmoderne Mode im Theater, in der Literatur und in der bildenden Kunst stärker geworden, während der gewählte konservative Kurs des Staates zu einem Aufeinanderprallen von Interessen und Vorlieben im künstlerischen Umfeld führte. Einige wollten etwas zeigen, das zusätzlicher Erklärung bedarf, etwas, das weitgehend die westliche Tradition von vor zehn, zwanzig und dreißig Jahren wiederholt. Aber die Prinzipien der Schocktherapie in der Kunst, die zur gleichen Zeit populär wurden, als die Schocktherapie in der Wirtschaft im ganzen Land angewendet wurde, fesselten die Mehrheit der Bürger nicht. Unverschämt, arrogant, obskur, trotzig, manchmal aggressiv und deprimierend – all das blieb fremd. Als die Dirigenten dieser Kunst dies erkannten, begannen sie, auf dem Elitismus ihres Produkts zu bestehen, auf der Tatsache, dass es nur für die Elite, gebildet und hoch entwickelt ist. Diese Teilung wurde zu einem der Faktoren des Konflikts. Dieses Merkmal hat sich in der russischen Geschichte bereits mehr als einmal manifestiert, aber nicht jeder zieht Schlussfolgerungen. Die Menschen heißen Vieh, graue Masse, Steppjacken und so weiter. Der orthodoxen Gemeinschaft, die als "Obskurantist" registriert wurde, werden separate Beinamen verliehen. Dieser Ansatz kleine Gruppe Zäune ab und unterbindet auch die Möglichkeit, Popularität in der breiten Öffentlichkeit zu verbreiten, indem er sein Produkt "Kunst nicht für die Masse" nennt. Nehmen Sie zum Beispiel das Theaterstück "Boris Godunov" von Bogomolov, wo auf der Bühne stand akademisches Theater Die Machtverhältnisse werden mit einem Hauch von Modernität dargestellt, und auf großen Bildschirmen laufen die Titel „Das Volk ist dummes Vieh“ weiter und weiter.
Das Befolgen der Traditionen und Prinzipien für einen Teil der Gesellschaft wird als etwas Schändliches und Rückständiges dargestellt, und dies ist eine der wichtigen Aufgaben der russischen liberalen Ideologie. Das Bild des "stehlenden Priesters" erscheint in Filmen ("Leviathan"), in Liedern (Vasya Oblomovs "Multi-Move") und auf der Bühne ("Boris Godunov"). All dies sieht aus wie die Entwicklung eines Trends, und das wirksamste Heilmittel dagegen scheint die Schaffung eines alternativen künstlerischen Produkts einer Massenorientierung zu sein. Hervorragende Beispiele in diesem Bereich sind der Film „The Island“, das Buch „Unholy Saints“ usw.
Die vielleicht widerhallendsten Konflikte aus Provokation und Konservatismus waren die jüngste Situation mit der Oper Tannhäuser sowie die Skandale um die Ausstellung Verbotene Kunst im Jahr 2006. Hier können wir bereits über das Aufeinanderprallen politischer Konzepte, Liberalismus und Westernismus gegen Vormundschaft sprechen, wenn auf Gegenstände und Gegenstände religiöser Verehrung absichtlich destruktiv eingewirkt wird.
Die Kirche und die Orthodoxie im Allgemeinen werden zu einem der Ziele künstlerischer Provokation, die als eine Art der Beeinflussung nationaler Archetypen bezeichnet werden kann. Dies sind die berühmten Kathedralen der blauen Klistiere und das Schneiden von Ikonen und so weiter.
Zeitgenössische Kunst kann die Politik zwar direkter beeinflussen. Das gleiche Stück "Boris Godunov" ist eine Karikatur der aktuellen Regierung mit Bildern sowohl des Präsidenten als auch des Patriarchen. Es gibt auch Aufführungen im „unabhängigen“ Theatre.doc, wo die Stücke Berlusputin, Bolotnaya Delo, ATO auftraten, und jetzt bereiten sie ein Stück über den ukrainischen Regisseur Sentsov vor, der wegen Vorbereitung von Terroranschlägen auf der Krim verurteilt wurde. Hier gibt es eine Verteidigung des Rechts, auf der Bühne zu schwören, was als integrales künstlerisches Mittel bezeichnet wird.
Zur gleichen Zeit, als dieses Theater begann, Probleme mit den Räumlichkeiten zu haben, haben sie sich aktiv dafür eingesetzt, dass es berühmt ist Russische Zahlen Kulturen ebenso wie westliche. Die Einbeziehung ausländischer Kulturstars in die politische Agenda ist eine beliebte Technik. Sie traten für die "Tannhäuser" ein, und für denselben Senzow. Es lohnt sich, an Madonna zu erinnern, die mit der Aufschrift "Russian Riot" auf dem Rücken zu einem der Konzerte ging, obwohl sie wirklich nichts über diese Band wusste. Solche Beispiele demonstrieren die Einheit politischer Ziele und die allgemeinen Linien, denen Regisseure, Schauspieler und Künstler zu folgen bereit sind.
Interessant ist auch das Vordringen politisierter Gegenwartskunst in die Regionen. Liberale waren in den Provinzen traditionell wenig beliebt, und Kunst kann jene Thesen vermitteln, die aus den Lippen von Politikerbesuchern schwer zu verstehen sind. Die Perm-Erfahrung mit der massiven Einführung moderner und unverständlicher Kunst in die Ural-Region hat sich als bewiesen auf die beste Weise. Die Apotheose der Beteiligung der Politik an diesem Prozess war die Ausstellung von Vasily Slonov, der die Symbole der Olympischen Spiele in Sotschi auf ekelhafte und beängstigende Weise darstellte. Aber Theaterproduktionen sind verständlicher, mit ihrer Hilfe ist es einfacher, das Weltbild zu verbreiten. Deshalb tourt Theatre.doc mit Vergnügen, deshalb versuchten sie, in Pskow ein skandalöses Stück „Der Bademeister“ aufzuführen, deshalb erscheint der „orthodoxe Igel“ in Tomsk.
Eine Reihe von Kulturschaffenden schloss sich den Kolonnen von Demonstranten und Demonstranten an. An sich ist das nicht neu, da es in der Kunst schon immer viele Rebellen gegeben hat, das ist eben der Strom Russische Situation frei von jedem romantischen Revolutionismus ist es eher ein monotones Dissidenzspiel, dem sich Ulitskaya, Makarevich, Achedzhakova, Efremov, teilweise Grebenshchikov und andere anschlossen talentierte Menschen meist Rentenalter. Sie sind froh, Vertreter der alten Intelligenz zu sehen, die sich noch an die Küchenpolitik und den Samizdat erinnern, aber die Jugend sind solche "Führer". öffentliche Meinung„Irgendwie nicht beeindruckt. Unter den jungen Oppositionellen sind neben Tolokonnikowa und Alyokhina, die selbst von der Opposition zweideutig wahrgenommen werden, die Musiker Vasya Oblomov und Noize MC hervorzuheben, die jedoch nicht so radikal sind.
Wächter in der zeitgenössischen Kunst
Neben den liberalen Kräften, die in der modernen prowestlichen, postmodernen Kunst ihr lebensspendendes Umfeld und die Möglichkeit sehen, eine ihnen nahestehende Ideologie zu verbreiten, traten auch immer mehr Autoren in Erscheinung kreative Gewerkschaften die im avantgardistischen Stil der Pop-Art bereits patriotische Werte verteidigen.
Modische Kunstbereiche können und sollten ein Mittel zur Selbstdarstellung und Übermittlung der notwendigen Thesen für die Beschützer sein, für diejenigen, die ein unabhängiges Russland brauchen, das traditionelle Werte ehrt.
Beispiele für politischen Schutz in der Kunst finden sich nicht nur in den Sälen und Galerien, sondern auch auf den Straßen unserer Städte. Viele Ausstellungen von Künstlern, die die Politik des Kremls unterstützen, sowie thematische Aufführungen finden unter statt offener Himmel, das sowohl Hunderte von Zuschauern als auch Journalisten anzieht.
Separat kann man Straßenkultur bemerken - Straßenkunst, deren beliebteste Manifestationen Graffiti sind. In Moskau und einigen anderen Städten tauchten immer mehr patriotische Graffiti auf, und zwar großformatige, die Hunderte von Quadratmetern der Oberfläche bedeckten.
Es gibt auch Künstler, die sich von patriotischen Themen und Bildern der Führer des Landes inspirieren lassen. Eine Entdeckung auf diesem Gebiet war also vor einigen Jahren der St. Petersburger Künstler Alexei Sergienko, der durch eine Porträtserie von Wladimir Putin berühmt wurde. Dann schuf er eine Reihe von Gemälden im Stil von Andy Warhol, jedoch nur mit ikonischen russischen Symbolen, sowie eine Sammlung „patriotischer“ Kleidung, in der das Ornament von Nestpuppen und anderen klassischen Elementen der russischen Kultur stammte.
In Musik und Literatur hat sich um das Thema Donbass eine gewisse patriotische Schicht gebildet. Dies sind Zakhar Prilepin, der früher als Oppositioneller galt und mit der NBP zusammenarbeitete, und Sergey Shargunov, und die beliebteste Gruppe "25/17" mit herzlichen Texten und eine Reihe anderer berühmte Autoren. Diese Menschen und Kollektive, die jeweils Tausende oder Zehntausende von Fans haben, bilden ein ernsthaftes Gegengewicht zum liberalen Flügel der Kreativen.
Auch ganze Vereine erregen Aufmerksamkeit. So sorgte die Stiftung Art Without Borders mit der Ausstellung „At the Bottom“, die Beispiele unmoralischer und teilweise anstößiger Szenen in der Moderne sammelte, für große Resonanz Russisches Theater. Gleichzeitig wurde darauf aufmerksam gemacht, dass für eine Reihe von Skandalproduktionen Haushaltsmittel erhalten wurden. Diese Aktion hat in einem Teil des Theaterumfelds einen Sturm der Empörung ausgelöst.
Der Fonds selbst ist aber auch bekannt Kunstausstellungen, in der junge Autoren Arbeiten zu aktuellen politischen Themen im Stil der Pop-Art zeigen.
Es gab auch Theateraufführungen im patriotischen Geist. Man kann sich an den Versuch des Wladimir-Theaters erinnern, die Geschichte der "Jungen Garde" in die moderne Ukraine zu übertragen - diese Aufführung erhielt viele wütende Kritiken von Kritikern.
Dazu kommt das SUP-Projekt, das nicht nur für Lesungen zum Ukraine-Konflikt bekannt wurde, sondern auch für eine kleine politische Performance über Revolutionsträume und historische Erfahrungen, die eben diese Revolutionen leugnen.
In der begonnenen Saison (sowohl politisch als auch kreativ) ist eher mit einer Stärkung der schützenden Verbindung, einer Stärkung und größeren künstlerischen Vielfalt zu rechnen. Die Aussicht, ein Publikum anzuziehen, hängt zumindest von der Qualität eines künstlerischen Produkts ab, seiner Originalität und Spektakulärität, und dies ist in der Tat ein Kampf um die Intelligenz, um diejenigen, die die öffentliche Meinung anführen können. Und die Reflexion von Meinungen und Überzeugungen auf den Bühnen und in den Hallen ist nicht weniger wichtig als Straßenauftritte.
Zur aktuellen Situation im Bereich der zeitgenössischen Kunst
In der Saison 2015-2016 sprach der liberale Teil der Kunstszene weiterhin davon, „die Schrauben anzuziehen“ und den Druck der Regierung zu erhöhen. Der Skandal mit dem Preis " goldene Maske“, die sie neu formatieren wollten. Der etablierte Expertenrat aus dem Kreis der „Eigenen“ wurde verändert, was viele Kritiker und Regisseure verärgerte. Kirill Serebrennikov und Konstantin Bogomolov weigerten sich sogar, an bevorstehenden Veranstaltungen teilzunehmen. Aber die Experten wurden einfach anders, mit unterschiedlichen Meinungen und Ansichten, und nicht Leute aus demselben Lager. Aber auch das verärgerte die Liberalen, die die Politik in der Veränderung sahen. Es stellt sich heraus, dass die sogenannten "Freiberufler" Kritik nicht vertragen und am angesehensten sind Theaterpreis wurde usurpiert, um seine eigenen Kanons und Prinzipien, weit entfernt von Klassik und Akademismus, in das heimische Theater einzuführen. Die Autoren der Hauptbühnenskandale wurden einst Eigentümer dieser Auszeichnung. Die „Goldene Maske“ wiederum spielte die Rolle eines gewissen Schutzes: „Nun, man kann ihn nicht schelten, er ist der Gewinner der „Maske“.
Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst versuchen, sich als besonders, herausragend zu präsentieren und gleichzeitig zu diktieren eigene Meinung der Politik Beachtung schenken. Politische Motive können sich nur im nächsten Jahr verstärken, das Parlamentswahlen und folglich eine Zunahme der politischen Aktivität bringen wird. Dank des Internets erhalten eine Reihe von Autoren und Kritikern Zugang zu einem breiten Publikum, und helle und originelle Werke werden darauf abzielen, die notwendigen Ideologien zu verbreiten. Auch Manifestationen einer neuen Welle des politischen Aktionismus sind nicht ausgeschlossen.
Natürlich ist es sowohl schwierig als auch irrational, eine solche Welle mit Verboten und Einschränkungen zu unterdrücken. Andererseits scheint die Praxis symmetrischer Antworten durchaus praktikabel zu sein – was in der Außenpolitik bereits erfolgreich erprobt wurde. Das heißt, in der Welt der Kunst wird es eine Antwort von Kreativität auf Kreativität, Kreativität auf Kreativität, ein Kampf um das Publikum geben, obwohl die Mehrheit der Bevölkerung immer noch zu konservativen und traditionellen Werten neigt, die nicht gesucht werden Möglichkeiten, das Abstrakte zu verstehen, ist nicht bereit, seinen Geschmack für "Ohrfeigen"-Künstler zu ersetzen. Diese Aussage gilt natürlich nicht für offene Provokationen und Rechtsverstöße, für deren Abwehr es ganz andere zuverlässige Mechanismen gibt.
