Debussys beste Werke. Claude Debussy: eine kurze Biografie des Komponisten, Lebensgeschichte, Kreativität und beste Werke

Chappe Claude Chappe Claude (25. Dezember 1763, Brulon, Departement Sarthe, - 23. Januar 1805, Paris), französischer Mechaniker, Erfinder des optischen Telegraphen. 1793 erhielt er den Titel eines Telegrapheningenieurs. 1794 baute er zusammen mit seinen Brüdern die erste optische Telegrafenlinie zwischen Paris und

Wagner und Debussy Deshalb begrüßten die Symbolisten den „göttlichen Richard Wagner im Heiligenschein des Sakramentsvollstreckers“ mit so großer Begeisterung. Seine herrische und ungeteilte Dominanz nährte die eifersüchtigen Träume der Meister der Wort- und Bildkunst.

Jean-Claude Killy (* 1943) französischer Skirennläufer. Xwinter-Champion Olympische Spiele in Grenoble (Frankreich), 1968 Als Jean-Claude Killy gefragt wurde, wie man ein großer Skifahrer wird, antwortete er: „Zuerst auf den Berg kommen und zuletzt ihn verlassen – das ist der einzige Weg

Claude Debussy (Debussy, Claude) Einmal fragte ein Lehrer am Konservatorium den jungen Debussy: „Was hast du, junger Mann, das komponiert? Das ist gegen alle Regeln." Debussy antwortete ohne mit der Wimper zu zucken: „Für mich als Komponist gibt es keine Regeln; Was ich will, ist die Regel.“ Und später

Ich versuche, neue Realitäten zu finden... Dummköpfe nennen es Impressionismus.
C. Debussy

Der französische Komponist C. Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Klang, jeder Akkord, jede Tonalität auf neue Weise gehört werden kann, ein freieres, bunteres Leben führen kann, als würde man seinen eigenen Klang genießen, seine allmähliche, geheimnisvolle Auflösung in Stille. Vieles macht Debussy wirklich mit dem bildnerischen Impressionismus in Verbindung: die selbstgenügsame Brillanz flüchtiger, fließend bewegter Momente, die Liebe zur Landschaft, das luftige Zittern des Raums. Nicht umsonst gilt Debussy als Hauptvertreter des Impressionismus in der Musik. Er ist jedoch weiter als die impressionistischen Künstler, er hat sich von traditionellen Formen entfernt, seine Musik ist viel tiefer auf unser Jahrhundert gerichtet als die Malerei von C. Monet, O. Renoir oder C. Pissarro.

Debussy glaubte, dass Musik in ihrer Natürlichkeit, unendlichen Variabilität und Formenvielfalt wie die Natur ist: „Musik ist genau die Kunst, die der Natur am nächsten steht ... Nur Musiker haben den Vorteil, die ganze Poesie von Tag und Nacht, Erde und Himmel einzufangen , ihre Atmosphäre neu zu erschaffen und ihre immense Pulsation rhythmisch zu vermitteln. Sowohl die Natur als auch die Musik werden von Debussy als Mysterium empfunden, und vor allem das Mysterium der Geburt, ein unerwartetes, einzigartiges Design eines kapriziösen Glücksspiels. Daher die skeptische und ironische Haltung des Komponisten gegenüber allerlei theoretischen Klischees und Etiketten in Bezug auf künstlerische Kreativität, die unwillkürlich die lebendige Wirklichkeit der Kunst schematisiert.

Debussy begann im Alter von 9 Jahren Musik zu studieren und trat bereits 1872 in die Juniorabteilung des Pariser Konservatoriums ein. Bereits in den Konservatoriumsjahren manifestierte sich die Unkonventionalität seines Denkens, was zu Auseinandersetzungen mit Harmonielehren führte. Wahre Befriedigung erhielt der Novize hingegen in den Klassen von E. Guiraud (Komposition) und A. Mapmontel (Klavier).

1881 begleitete Debussy als Hauspianist den russischen Philanthropen N. von Meck (einen guten Freund von P. Tschaikowsky) auf einer Europareise und besuchte dann auf ihre Einladung zweimal Russland (1881, 1882). So begann Debussys Bekanntschaft mit russischer Musik, die die Bildung seines eigenen Stils stark beeinflusste. „Die Russen werden uns neue Impulse geben, um uns aus dem absurden Zwang zu befreien. Sie ... öffneten ein Fenster mit Blick auf die Weite der Felder. Debussy war fasziniert von der Brillanz der Klangfarben und der subtilen Darstellung, der Bildhaftigkeit der Musik von N. Rimsky-Korsakov, der Frische der Harmonien von A. Borodin. Er nannte M. Mussorgsky seinen Lieblingskomponisten: „Niemand hat das Beste, was wir haben, mit größerer Zärtlichkeit und größerer Tiefe angesprochen. Er ist einzigartig und wird einzigartig bleiben dank seiner Kunst ohne weit hergeholte Techniken, ohne vergängliche Regeln. Die Flexibilität der Vokal-Sprach-Intonation des russischen Innovators, die Freiheit von vorgefertigten, „administrativen“, wie Debussy sagte, Formen wurden auf ihre Weise umgesetzt Französischer Komponist sind zu einem festen Bestandteil seiner Musik geworden. „Geh und hör dir Boris an. Sie enthält den gesamten Pelléas“, sagte Debussy einmal über die Ursprünge der Tonsprache seiner Oper.

Nach seinem Abschluss am Konservatorium im Jahr 1884 nimmt Debussy an Wettbewerben um den Großen Preis von Rom teil, der das Recht auf eine vierjährige Verbesserung in Rom in der Villa Medici verleiht. Während der Jahre, die er in Italien verbrachte (1885-87), studierte Debussy Chormusik Die Renaissance (J. Palestrina, O. Lasso) und die ferne Vergangenheit (sowie die Originalität der russischen Musik) brachten einen frischen Strom und aktualisierten sein harmonisches Denken. Die für ein Gutachten nach Paris geschickten symphonischen Werke („Zuleima“, „Frühling“) gefielen den konservativen „Meistern musikalischer Schicksale“ nicht.

Debussy kehrt vorzeitig nach Paris zurück und nähert sich dem Kreis symbolistischer Dichter um S. Mallarme an der Spitze. Die Musikalität symbolistischer Poesie, die Suche nach geheimnisvollen Zusammenhängen zwischen Seelenleben und Naturwelt, ihre gegenseitige Auflösung – all das hat Debussy sehr angezogen und seine Ästhetik maßgeblich geprägt. Es ist kein Zufall, dass die originellsten und vollendetsten frühen Werke des Komponisten Romanzen zu den Worten von P. Verdun, P. Bourget, P. Louis und auch C. Baudelaire waren. Einige davon ("Wonderful Evening", "Mandoline") sind während der Studienjahre am Konservatorium entstanden. Das erste reife Orchesterwerk, das Vorspiel „Afternoon of a Faun“ (1894), war von den Bildern der symbolistischen Poesie inspiriert. In dieser musikalischen Illustration von Mallarmés Ekloge entwickelte sich Debussys eigentümlicher, subtil nuancierter Orchesterstil.

Die Wirkung der Symbolik war am deutlichsten in Debussys einziger Oper Pelléas et Mélisande (1892-1902) zu spüren, die eingeschrieben ist Prosatext Dramen von M. Maeterlinck. Dies ist eine Liebesgeschichte, in der laut dem Komponisten Figuren„Sie streiten nicht, sondern ertragen ihr eigenes Leben und Schicksal.“ Debussy argumentiert hier gewissermaßen kreativ mit R. Wagner – dem Autor von Tristan und Isolde, er wollte sogar einen eigenen Tristan schreiben – obwohl er Wagners Oper in seiner Jugend sehr mochte und auswendig kannte. Statt der offenen Leidenschaft Wagnerscher Musik ist hier der Ausdruck eines raffinierten Klangspiels voller Anspielungen und Symbole. „Musik existiert für das Unaussprechliche; Ich möchte, dass sie sozusagen aus der Dämmerung herauskommt und in wenigen Augenblicken in die Dämmerung zurückkehrt; damit sie immer bescheiden bleibt“, schrieb Debussy.

Debussy ist ohne Klaviermusik nicht vorstellbar. Der Komponist selbst war ein begabter Pianist (sowie ein Dirigent); „Er spielte fast immer in Halbtönen, ohne jede Schärfe, aber mit einer solchen Fülle und Klangdichte wie Chopin“, erinnerte sich der französische Pianist M. Long. Es war Chopins Leichtigkeit, die Räumlichkeit des Klangs des Klavierstoffs, die Debussy bei seinen koloristischen Recherchen abwehrte. Aber es gab noch eine andere Quelle. Die Zurückhaltung, Gleichmäßigkeit des emotionalen Tons von Debussys Musik brachte sie unerwartet näher an die alte vorromantische Musik - insbesondere an die französischen Cembalisten des Rokoko (F. Couperin, J. F. Rameau). Die antiken Gattungen aus der „Suite Bergamasco“ und der Suite für Klavier (Präludium, Menuett, Passier, Sarabande, Toccata) repräsentieren eine eigentümliche, „impressionistische“ Version des Neoklassizismus. Debussy greift überhaupt nicht auf Stilisierung zurück, sondern schafft sein eigenes Bild Alte Musik, eher ein Eindruck von ihr als ihr "Porträt".

Das Lieblingsgenre des Komponisten ist eine Programmsuite (Orchester und Klavier), wie eine Reihe verschiedener Gemälde, in denen die statischen Landschaften von sich schnell bewegenden, oft tänzerischen Rhythmen unterbrochen werden. Dazu gehören die Suiten für Orchester Nocturnes (1899), The Sea (1905) und Images (1912). Für das Klavier entstehen „Prints“, 2 Notizbücher „Images“, „Children's Corner“, die Debussy seiner Tochter gewidmet hat. In Prints versucht der Komponist erstmals, sich an die musikalischen Welten der Meisten zu gewöhnen unterschiedliche Kulturen und Völker: das Klangbild des Ostens („Pagodas“), Spaniens („Evening in Grenada“) und eine Landschaft voller Bewegung, Licht- und Schattenspiel mit einem französischen Volkslied („Gardens in the Rain“) farbenfroh in Szene gesetzt voneinander ab.

Die Suite „Meer“ besteht aus drei Teilen: „Auf dem Meer von morgens bis mittags“, „Das Spiel der Wellen“ und „Das Gespräch des Windes mit dem Meer“. Die Bilder des Meeres haben schon immer die Aufmerksamkeit von Komponisten auf sich gezogen. verschiedene Richtungen Und nationale Schulen. Zahlreiche Beispiele für programmatische symphonische Werke westeuropäischer Komponisten zu „marine“ Themen lassen sich anführen (Mendelssohns Ouvertüre „Fingals Höhle“, symphonische Episoden aus „Der fliegende Holländer“ von Wagner etc.). Aber die Bilder des Meeres wurden am lebhaftesten und vollständigsten in der russischen Musik verwirklicht, insbesondere in Rimsky-Korsakov (das symphonische Bild Sadko, die gleichnamige Oper, die Scheherazade-Suite, die Pause zum zweiten Akt der Oper The Tale of Zar Saltan),

Im Gegensatz zu Rimsky-Korsakovs Orchesterwerken stellt Debussy in seinem Werk keine Handlung, sondern nur malerische und koloristische Aufgaben. Er versucht, mittels Musik den Wechsel von Lichteffekten und Farben auf dem Meer zu vermitteln andere Zeit Tag, unterschiedliche Seegangszustände - ruhig, aufgewühlt und stürmisch. In der Wahrnehmung des Komponisten der Meeresbilder gibt es absolut keine Motive, die ihrer Farbgebung ein Zwielichträtsel verleihen könnten. Debussy wird dominiert von hellem Sonnenlicht, vollblütigen Farben. Der Komponist zieht kühn an und Tanzrhythmen, und ein breites episches Bild, um musikalische Reliefbilder zu vermitteln.

Im ersten Teil entfaltet sich ein Bild vom langsam-ruhigen Erwachen des Meeres im Morgengrauen, den träge dahinrollenden Wellen, dem Schein der ersten Sonnenstrahlen darauf. Besonders farbenfroh ist der orchestrale Beginn dieses Satzes, wo vor dem Hintergrund des „Raschelns“ der Pauken, der „tropfenden“ Oktaven zweier Harfen und der „eingefrorenen“ Tremologeigen in der hohen Lage kurze melodische Phrasen der Oboe zu hören sind erscheinen wie der Glanz der Sonne auf den Wellen. Das Erscheinen eines Tanzrhythmus bricht nicht den Charme vollkommener Ruhe und verträumter Kontemplation.

Der dynamischste Teil der Arbeit ist der dritte – „Das Gespräch des Windes mit dem Meer“. Aus dem bewegungslosen, eingefrorenen Bild einer ruhigen See zu Beginn des Teils, das an den ersten erinnert, entfaltet sich ein Bild eines Sturms. Debussy nutzt alle musikalischen Mittel zur dynamischen und intensiven Entfaltung – melodisch-rhythmisch, dynamisch und vor allem orchestral.

Zu Beginn des Satzes sind kurze Motive zu hören, die sich in Form eines Dialogs zwischen Celli mit Kontrabässen und zwei Oboen vor einem Hintergrund gedämpfter Klangfülle abspielen. Schlagzeug, Pauken und Tom-Tama. Neben dem schrittweisen Anschluss neuer Gruppen des Orchesters und einer gleichmäßigen Steigerung der Klangfülle bedient sich Debussy hier des Prinzips der rhythmischen Entwicklung: Immer neue Tanzrhythmen einführend, sättigt er den Stoff des Werks mit einer flexiblen Kombination mehrerer Rhythmen Muster.

Das Ende der gesamten Komposition wird nicht nur als Schwelgerei des Meereselements wahrgenommen, sondern als enthusiastische Hymne an das Meer, die Sonne.

Viel drin figuratives System"Sea", die Prinzipien der Orchestrierung bereiteten das Erscheinen des symphonischen Stücks "Iberia" vor - eines der bedeutendsten und originellsten Werke von Debussy. Es besticht durch seine engste Verbindung mit dem Leben der Spanier, ihrer Gesangs- und Tanzkultur. In den 900er Jahren wandte sich Debussy mehrfach Themen zu, die mit Spanien zu tun hatten: „Ein Abend in Grenada“, die Vorspiele „Tor der Alhambra“ und „Die unterbrochene Serenade“. Aber „Iberia“ gehört zu den besten Werken von Komponisten, die aus der unerschöpflichen Quelle der spanischen Volksmusik geschöpft haben (Glinka in „Aragonese Jota“ und „Nights in Madrid“, Rimsky-Korsakov in „Spanish Capriccio“, Bizet in „Carmen“, Ravel in „Bolero“ und Trio, ganz zu schweigen von den spanischen Komponisten de Falla und Albeniz).

"Iberia" besteht aus drei Teilen: "Auf den Straßen und Straßen Spaniens", "Düfte der Nacht" und "Morgen der Feiertage". Der zweite Teil enthüllt Debussys Lieblings-Naturbilder, durchdrungen von einem besonderen, würzigen Aroma der spanischen Nacht, „geschrieben“ mit der subtilen Bildsprache des Komponisten, einem schnellen Wechsel von flackernden und verschwindenden Bildern. Der erste und der dritte Teil malen Bilder Volksleben Spanien. Besonders farbenfroh ist der dritte Teil, der eine Vielzahl verschiedener spanischer Lied- und Tanzmelodien enthält, die durch einen schnellen Wechsel zueinander ein lebendiges Bild bunter Musik erzeugen. Nationalfeiertag. Der größte spanische Komponist de Falla sagte über Iberia: „Das Echo des Dorfes in Form des Hauptmotivs des ganzen Werks („Sevillana“) scheint in der klaren Luft oder im zitternden Licht zu flattern. Der berauschende Zauber der andalusischen Nächte, die Lebhaftigkeit der festlichen Menge, die zu den Klängen der Akkorde der „Bande“ aus Gitarristen und Banduristen tanzt … – all dies liegt in einem Wirbelsturm in der Luft, der sich jetzt nähert, dann entfernt, und unsere stets wache Vorstellungskraft wird geblendet von den mächtigen Tugenden ausdrucksstarker Musik mit ihren reichen Nuancen.

Das letzte Jahrzehnt in Debussys Leben ist bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs von unaufhörlicher schöpferischer und darstellerischer Tätigkeit geprägt. Konzertreisen als Dirigent nach Österreich-Ungarn brachten den Komponisten ins Ausland. 1913 wurde er in Russland besonders herzlich aufgenommen. Konzerte in St. Petersburg und Moskau waren ein großer Erfolg. Debussys persönlicher Kontakt zu vielen russischen Musikern verstärkte seine Verbundenheit mit der russischen Musikkultur zusätzlich.

Der Beginn des Krieges ließ bei Debussy patriotische Gefühle aufkommen. In gedruckten Statements nennt er sich mit Nachdruck: „Claude Debussy – französischer musiker». Ganze Linie die Werke dieser Jahre sind vom patriotischen Thema inspiriert: „Heroic Lullaby“, das Lied „Christmas of Homeless Children“; in suite für zwei Klaviere

Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet, weil er den Klang jedes Akkords und jeder Tonart auf neue Weise wiedergeben konnte. musikalisches Talent Debussy war so vielseitig, dass er sich als exzellenter Interpret, Dirigent und Musikkritiker beweisen ließ.

Claude Debussy wurde in der Kleinstadt Saint-Germain-en-Laye geboren. Claude von Kindheit an begann groß zu demonstrieren musikalische Fähigkeit. Seine erste Lehrerin war seine Schwiegermutter berühmter Dichter P. Verlaine Antoinette-Flora Mote, die sich selbst als Chopin-Schülerin bezeichnete.Unter ihrer Anleitung zeigte der Junge unglaubliche Erfolge und wurde im Alter von 11 Jahren am Pariser Konservatorium eingeschrieben. Student Debussy arbeitete mehrere Jahre in Teilzeit Sommersaison bei der Pianistin N. von Meck und unterrichtete auch ihre Kinder in Musik. Dank dessen besuchte er Russland und wurde von einem Arrangement für die Werke der Komponisten der Mighty Handful durchdrungen.

Am Ende des 11-jährigen Studiums präsentierte Claude seine Abschlussarbeit - die Kantate "The Prodigal Son", geschrieben auf einer biblischen Geschichte. Später wurde ihm für sie der Große Römische Preis verliehen. Debussy verbrachte die nächsten Jahre als Preisträger in Italien in der Villa Medici. Laut Vertrag hätte er es tun sollen musikalische Kreativität, aber der Komponist wurde ständig von tiefen inneren Widersprüchen gequält. Unter der Haube akademischer Traditionen suchte Claude seine zu finden musikalische Sprache und Stil. Dies führte zu zahlreichen Konflikten und sogar zu Streitigkeiten mit Lehrern.

1894 schrieb Claude The Afternoon of a Faun. Dieses Vorspiel für großes Orchester erstellt auf der Grundlage eines Gedichts von S. Malarme, geschrieben auf der Grundlage einer mythologischen Handlung. Diese Musik inspirierte S. Diaghilev, ein von Nezhinsky choreografiertes Ballett zu inszenieren. Ohne das vorherige Werk abzuschließen, machte sich Debussy daran, drei "Nocturnes" für zu schreiben Symphonieorchester. Sie wurden im Dezember 1900 in Paris uraufgeführt, die beiden Teile „Clouds“ und „Celebrations“ wurden aufgeführt, und das dritte „Nocturne“ namens „Sirens“ wurde ein Jahr später präsentiert.

Debussy erklärte, dass "Clouds" das Bild eines bewegungslosen Himmels mit langsam schwebenden Wolken verkörperte. "Celebrations" zeigte den tanzenden Rhythmus der Atmosphäre, begleitet von hellen Lichtblitzen, und in "Sirens" wird das Bild des Meeres präsentiert, wo inmitten der mondbeschienenen Wellen der geheimnisvolle Gesang der Sirenen mit Gelächter erfüllt wird und verschwindet . In dieser Arbeit wurde der Wunsch des Autors deutlich, lebensechte Bilder in Musik zu verkörpern. „Musik ist nur die Kunst, die der Natur am nächsten steht“, argumentierte Debussy.

In den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts schuf der Komponist die einzige vollendete Oper Pellas et Mélisande. Es wurde 1902 in Paris gezeigt und hatte einen guten Publikumserfolg, obwohl Kritiker eher negative Bewertungen äußerten. Dem Autor gelang eine gelungene Verbindung der psychologischen Verfeinerung der Musik mit inspirierter Poesie, die es ermöglichte, eine neue Stimmung für den musikalischen Ausdruck zu setzen. 1903 erschien der Musikzyklus "Prints", in dem der Autor versuchte, zu synthetisieren Musikstile verschiedenen Kulturen der Welt.

Der Beginn des 20. Jahrhunderts war die fruchtbarste Zeit in Debussys Schaffen. Er verlässt nach und nach die Gefangenschaft der Symbolik und geht in das Genre der Alltagsszenen über musikalische Porträts. 1903-1905 schrieb Claude das größte seiner symphonischen Werke, The Sea. Er beschloss, dieses Werk aufgrund tiefer persönlicher Eindrücke zu schreiben, die er bei der Beobachtung des riesigen Wasserelements erhalten hatte. Darüber hinaus wurde er erneut von den impressionistischen Malern und dem japanischen Meister der Holzschnittlandschaften Hokusai beeinflusst. " Das Meer hat mich gut behandelt».

Der groß angelegte Essay besteht aus drei Teilen. Das erste „From Dawn Till Noon at Sea“ beginnt langsam, dann beginnen Holzinstrumente einander zuzurufen und die Bewegung der Meereswellen erscheint. Auch im „Play of the Waves“ bleibt die schillernde Stimmung erhalten, unterstrichen durch Orchestereffekte und Glockengeläute. Im dritten Teil des „Dialogs des Windes und des Meeres“ wird das Meer auf eine ganz andere Art und Weise gezeigt – stürmisch und gewaltig wird sein Erscheinungsbild durch dramatische Bilder ergänzt, die eine düstere und verstörende Stimmung andeuten.

Der Name Debussy ist untrennbar mit Klaviermusik verbunden. Er komponierte nicht nur wunderbar, sondern war auch ein brillanter Pianist und trat sogar als Dirigent auf. Der Pianist M. Long verglich Debussys Spiel mit Chopins Stil, in dem die Geschmeidigkeit der Aufführung sowie die Fülle und Dichte des Klangs vermutet wurden.

versucht, eine starke Verbindung mit national zu finden musikalische Ursprünge. Dies wurde durch eine Reihe von Klavierwerken "Gardens in the Rain", "Evening in Granada", "Island of Joy" bestätigt.

Der Beginn des 20. Jahrhunderts war geprägt von der Suche nach neuen, nicht-traditionellen Mitteln musikalische Ausdruckskraft. Viele Autoren waren überzeugt, dass sich klassische und romantische Formen erschöpft hätten. Auf der Suche nach neuen Wegen wandten sich Komponisten zunehmend den Ursprüngen außereuropäischer Musik zu. Unter den Genres, die angezogen haben Aufmerksamkeit Debussy entpuppte sich als Jazz. Mit seiner Vorlage wurde diese Musikrichtung in der Alten Welt sehr populär.

Trotz Anfang ernsthafte Krankheit, an diese Zeit erinnern die aktivsten Kompositions- und Aufführungsaktivitäten von Debussy. Er nahm an Konzertreisen durch Europa und Russland teil.

1908 widmete Claude Debussig die Suite seiner Tochter"Kinderecke". In dieser Arbeit versuchte er, die Welt mit Hilfe von Musik durch die Augen eines Kindes darzustellen, indem er erkennbare Bilder verwendete - einen Spielzeugelefanten, eine Puppe, einen kleinen Hirten. In den Jahren 1910 und 1913 wurden Präludien-Notizbücher erstellt, in denen sich die figurative Welt von Debussy dem Zuhörer vollständig offenbart. In „Delphian Dancers“ gelang es ihm, eine einzigartige Kombination aus der Strenge des antiken Tempels und ritueller heidnischer Sinnlichkeit zu finden, und in der „Sunken Cathedral“ hallen die Motive einer alten Legende deutlich wider.

In den Präludien präsentiert Debussy sein ganzes Musikwelt in prägnanter, konzentrierter Form, verallgemeinert sie und verabschiedet sich in vielerlei Hinsicht von ihr - mit ihrem einstigen System visuell-musikalischer Korrespondenzen. Und dann, in den letzten 5 Jahren seines Lebens, erweitert seine Musik, die noch komplizierter wird, den Genrehorizont, eine Art nervöse, kapriziöse Ironie beginnt darin zu spüren. Zunehmendes Interesse an Bühnengenres. Dies sind Ballette („Kamma“, „Games“, inszeniert von V. Nijinsky und der Truppe von S. Diaghilev im Jahr 1912 und ein Puppenballett für Kinder „A Box with Toys“, 1913), Musik für das Geheimnis des Italieners Futurist G. d'Annunzio „Das Martyrium des Heiligen Sebastian“ (1911). An der Produktion des Mysteriums nahmen die Ballerina Ida Rubinshtein, der Choreograf M. Fokin und der Künstler L. Bakst teil.

Während des Ersten Weltkriegs begann die kreative Tätigkeit des Autors zu sinken, er wurde von tiefen patriotischen Gefühlen umarmt. Er hat es sich zur Aufgabe gemacht, Schönheit trotz der massiven Zerstörungen des Krieges zu verherrlichen. Dieses Thema kann in einer Reihe von Werken nachgezeichnet werden - "Ode an Frankreich", "Heroisches Wiegenlied", "Weihnachten obdachloser Kinder".

Claude war extrem deprimiert von allem, was im Land passierte. Der Schrecken von Krieg, Blut und Zerstörung verursachte tiefe spirituelle Angst. Die schwere Krankheit, die den Komponisten 1915 traf, verstärkte die schwierige Wahrnehmung der Realität.Bis in seine letzten Tage blieb Debussy der Musik treu und hörte nicht auf, kreativ zu suchen. Der Komponist starb am 26. März 1918 in Paris bei der Bombardierung der Stadt durch deutsche Truppen.