heim › Probefahrten › Merkmale der Komposition des Stücks „The Cherry Orchard. Merkmale des Unterrichts eines dramatischen Werkes in der Schule am Beispiel von A.P. Tschechows Stück „Der Kirschgarten“ Veranstaltungsreihe im Stück „Der Kirschgarten“.

Merkmale der Komposition des Stücks „The Cherry Orchard. Merkmale des Unterrichts eines dramatischen Werkes in der Schule am Beispiel von A.P. Tschechows Stück „Der Kirschgarten“ Veranstaltungsreihe im Stück „Der Kirschgarten“.

BILDUNGSAGENTUR DER RUSSISCHEN FÖDERATION

STAATLICHE BILDUNGSEINRICHTUNG

Höhere Berufsausbildung

MOSKAUER STAATSUNIVERSITÄT

KULTUR UND KUNST.

Analyse des Regisseurs zum Stück

Anton Pawlowitsch Tschechow

„Der Kirschgarten“

Kurs: „Geschichte der russischen Dramaturgie“

Durchgeführt: Student im 2. Jahr

Gruppe 803

Minenko V.S.

Geprüft: Lidyaeva S.V.

Nabereschnyje Tschelny 2010

Das Stück „Der Kirschgarten“ ist Tschechows letztes Werk. In den achtziger Jahren schilderte Tschechow die tragische Situation von Menschen, die den Sinn ihres Lebens verloren haben. Das Stück wurde 1904 im Art Theatre aufgeführt. Das 20. Jahrhundert steht vor der Tür und Russland wird endlich ein kapitalistisches Land, ein Land der Fabriken, Betriebe und Eisenbahnen. Dieser Prozess beschleunigte sich mit der Befreiung der Bauernschaft durch Alexander II. Die Merkmale des Neuen beziehen sich nicht nur auf die Wirtschaft, sondern auch auf die Gesellschaft, die Vorstellungen und Ansichten der Menschen verändern sich, das alte Wertesystem geht verloren.

Tschechow zeichnet sich durch eine sachliche Erzählweise aus, seine Stimme ist in der Prosa nicht zu hören. In dem Drama ist es überhaupt nicht möglich, die eigene Stimme des Autors zu hören. Und doch Komödie, Drama oder Tragödie „The Cherry Orchard“? Wenn man weiß, dass Tschechow die Gewissheit und damit die Unvollständigkeit der Berichterstattung über ein Lebensphänomen mit all seinen Komplexitäten nicht mochte, sollte man vorsichtig antworten: von allem ein bisschen. Das letzte Wort wird in dieser Frage weiterhin das Theater haben.

IDEE UND THEMATISCHE ANALYSE DES STÜCKS

Thema:

Auch Tschechow, der Nachfolger von Iwan Sergejewitsch Turgenjew, beleuchtet in seinem Stück „Der Kirschgarten“ das Problem des Todes edler Nester. Das Hauptthema seiner Arbeit ist das Thema der ausgehenden Welt.

Das Stück spielt auf dem Anwesen der Gutsbesitzerin Lyubov Andreevna Ranevskaya. Der soziale Konflikt des Stücks ist der Konflikt des scheidenden Adels mit dem an seine Stelle tretenden Bürgertum. Ein weiterer Handlungsstrang ist sozioromantisch. „Ganz Russland ist unser Garten“ – so sagt Tschechow selbst durch die Lippen seiner Helden. Aber der Traum von Anya und Petya Trofimov wird durch die Praktikabilität von Lopakhin zerstört, durch dessen Willen die Der Kirschgarten.

Idee:

Tschechow war kein Revolutionär. Daher gelang es ihm nicht, einen wirklichen Ausweg aus der Krise zu finden, in der sich Russland befand. Der Autor hat tiefes Mitgefühl mit den neuen Phänomenen im Land, er hasst die alte Lebensweise. Viele Schriftsteller haben die Traditionen Tschechows fortgeführt.

Superaufgabe:

Der Kirschgarten ist ein vielschichtiges Werk. Tschechow ging darin auf viele Probleme ein, die bis heute nicht an Aktualität verloren haben. Aber das Hauptproblem ist natürlich die Frage der Widersprüche zwischen der alten und der neuen Generation. Diese Widersprüche liegen dem dramatischen Konflikt des Stücks zugrunde. Der scheidenden Welt des Adels stehen Vertreter der neuen Gesellschaft gegenüber.

Tschechows Stück „Der Kirschgarten“ spiegelt einen Wendepunkt wider – eine Zeit, in der das Alte bereits gestorben ist und das Neue noch nicht geboren wurde und das Leben nun für einen Moment stehen blieb, sich beruhigte ... Wer weiß, vielleicht ist das der Fall die Ruhe vor dem Sturm? Niemand kennt die Antwort, aber jeder wartet auf etwas ... Ebenso wartete er und spähte ins Unbekannte, und Tschechow, der das Ende seines Lebens erwartete, wartete auf die gesamte russische Gesellschaft, die unter Unsicherheit litt und ratlos sein. Eines war klar: Das alte Leben war unwiederbringlich verschwunden und ein anderes würde es ersetzen ... Wie würde es sein, dieses neue Leben?

Die Wahrheit des Lebens in seiner ganzen Abfolge und Vollständigkeit – daran ließ sich Tschechow bei der Entstehung seiner Bilder orientieren. Deshalb ist jede Figur in seinen Stücken eine lebendige menschliche Figur, die mit großer Bedeutung und tiefer Emotionalität anzieht und durch ihre Natürlichkeit und Wärme menschlicher Gefühle überzeugt.

Aufgrund seiner direkten emotionalen Wirkung ist Tschechow vielleicht der herausragendste Dramatiker in der Kunst des kritischen Realismus.

Tschechows Dramaturgie, die auf die aktuellen Themen seiner Zeit reagierte, die alltäglichen Interessen, Gefühle und Sorgen der einfachen Menschen thematisierte, weckte den Geist des Protests gegen Trägheit und Routine und rief zu gesellschaftlicher Aktivität zur Verbesserung des Lebens auf. Daher hatte es schon immer einen großen Einfluss auf Leser und Zuschauer. Die Bedeutung von Tschechows Dramaturgie reicht längst über die Grenzen unseres Heimatlandes hinaus, sie ist global geworden. Tschechows dramatische Innovation wird außerhalb unseres großen Heimatlandes weithin anerkannt. Ich bin stolz darauf, dass Anton Pawlowitsch ein russischer Schriftsteller ist, und egal wie unterschiedlich die Meister der Kultur sind, sie sind sich wahrscheinlich alle einig, dass Tschechow mit seinen Werken die Welt darauf vorbereitet hat ein besseres Leben schöner, gerechter, vernünftiger.

KOMPOSITIONELLE ANALYSE DES STÜCKS

Aktennummer, Aktion	Veranstaltungsreihe (Fakt der Vorfälle)	Elementname Veranstaltungsreihe	Name (Komponente) kompositorische Struktur
Akt eins	Die Aktion findet im Anwesen von L. A. Ranevskaya statt. Lyubov Andreevna, Anya, Charlotte Ivanovna mit einem Hund an der Kette, Yasha kehrte aus Paris zurück. Anya sagte, dass sie keinen Cent mehr hätten, dass Ljubow Andrejewna die Datscha in der Nähe von Mentona bereits verkauft habe, sie habe nichts mehr übrig, „wir sind kaum dort angekommen.“ Lopakhin sagte, dass der Kirschgarten wegen Schulden verkauft werde und eine Auktion für den 22. August geplant sei. Und er schlug sein eigenes Projekt vor: das Haus abzureißen, den Kirschgarten abzuholzen und das Land entlang des Flusses in Sommerhäuser aufzuteilen und es dann für Sommerhäuser zu vermieten. Lopakhin reiste für drei Wochen nach Charkow. Gaev schlug Anya vor, nach Jaroslawl zu ihrer Tante-Gräfin (Großmutter) zu gehen und um Geld für die Zinszahlung zu bitten, da sie sehr reich sei. Anya stimmte zu. Alle gingen zu Bett.	Quellereignis, Ankerereignis	Belichtung. Beginnt mit einem relativ langsamen Intro. Die Bewegung des ersten Akts ist recht schnell, energisch, mit einer stetigen Zunahme der Anzahl der Ereignisse und Charaktere, am Ende des ersten Akts kennen wir bereits alle Charaktere mit ihren Freuden und Sorgen, die Karten sind offen und es gibt sie Da gibt es kein „Geheimnis“.
Aktion zwei	Die Handlung spielt auf einem Feld, auf dem sich eine alte, schiefe, längst verlassene Kapelle befindet. Dunyashas Liebe zu Yasha wird gezeigt. Nach Gaev entschieden Ljubow Andrejewna und Lopakhin, was mit dem Nachlass geschehen und wie die Schulden beglichen werden sollten. Später kamen Trofimov, Anya und Warja hinzu. Warja war mit Lopakhin verheiratet. Ljubow Andrejewna schenkte einem Passanten eine der letzten Goldmünzen. Alle außer Anya und Trofimov gingen. Sie gestanden einander ihre Liebe und gingen zum Fluss, damit Warja sie nicht fand. Die Aktion endete mit Warjas Stimme: „Anja! Anya!	Unentschieden-Ereignis	Binden. Die Handlung ist langsam, Andante, Bewegung und allgemeiner Ton sind gedämpft, der allgemeine Charakter ist lyrische Meditation, sogar Elegie, Gespräche, Geschichten über sich selbst. In dieser Aktion wird der Höhepunkt psychologisch vorbereitet – die zu Beginn geplanten Konstruktionen und Bestrebungen der Akteure entwickeln sich, intensivieren sich, bekommen einen Anflug von Ungeduld, das Bedürfnis, etwas zu entscheiden, etwas für sich selbst zu verändern.
Dritter Akt	Abend. Die Aktion findet im Wohnzimmer statt. Die allgemeine Erwartung von Lopakhin und Gaev, die aus der Auktion kommen sollten. Charlotte zeigte Pishchik und allen anderen Tricks. Gegangen. Pishchik eilte ihr nach. Lyubov Andreevna berichtete, dass die Großmutter von Jaroslawl fünfzehntausend geschickt habe, um das Anwesen in ihrem Namen zu kaufen, und dieses Geld nicht einmal ausreichte, um die Zinsen zu bezahlen. Trofimovs Streit mit Lyubov Andreevna, woraufhin er beim Verlassen die Treppe hinunterfiel. Anya lachte. Alle haben getanzt. Warja hat Epikhodov ausgewiesen, weil er nichts getan, das Billardqueue gebrochen und auch gestritten hat. Lopakhin und Gaev erschienen. Lopakhin sagte, er habe ihr Anwesen gekauft. Lyubov Andreevna begann zu weinen. Warja ließ die Schlüssel zurück und ging, Anna blieb, um ihre Mutter zu trösten.	Schlüsselereignis (Hauptereignis), Höhepunktereignis	Höhepunkt. Der Satz des dritten Aktes ist animiert und spielt sich vor dem Hintergrund spannender Ereignisse ab.
Akt vier	Szenerie des ersten Aktes. Fühlt sich leer an. Alle wollten gerade gehen. Lopakhin war zufrieden und bot an, auf der Strecke etwas zu trinken. Ich wollte Trofimov Geld geben. Er verweigerte. In der Ferne hört man das Geräusch einer Axt, die auf Holz schlägt. Alle dachten, Firs sei bereits ins Krankenhaus gebracht worden. Lopachin wagte es nicht, Warja einen Heiratsantrag zu machen. Lyubov Andreevna und Gaev verabschiedeten sich weinend vom Haus und gingen. Sie schlossen die Tür. Die kranken Firs, die man vergessen hatte, erschienen im Zimmer. Das Geräusch einer gerissenen Saite und das Geräusch einer Axt auf Holz.	Abschlussveranstaltung	Austausch. Der letzte Akt ist in der Art der Auflösung ungewöhnlich. Seine Bewegung wird langsamer. „Der Anstiegseffekt wird durch den Abfalleffekt ersetzt.“ Diese Rezession bringt das Geschehen nach der Explosion wieder in seinen gewohnten Gang ... Der alltägliche Fluss des Lebens geht weiter. Tschechow wirft einen Blick in die Zukunft, Auflösung als Vollendung menschliche Schicksale das hat er nicht... Daher sieht der erste Akt wie ein Epilog aus, der letzte - wie ein Prolog zu einem ungeschriebenen Drama.

Merkmale der Poetik“ neues Drama". Zunächst zerstört Tschechow das „Durch die Handlung“, das Schlüsselereignis, das die Handlungseinheit des klassischen Dramas organisiert. Das Drama zerfällt jedoch nicht, sondern setzt sich auf der Grundlage einer anderen, inneren Einheit zusammen. Die Schicksale der Charaktere mit all ihren Unterschieden, mit all ihrer Handlungsunabhängigkeit „reimen“ sich gegenseitig und verschmelzen zu einem gemeinsamen „Orchesterklang“. Aus vielen verschiedenen, sich parallel entwickelnden Leben, aus den vielen Stimmen verschiedener Helden erwächst ein einziges „Chorschicksal“, es bildet sich eine gemeinsame Stimmung für alle. Deshalb sprechen sie oft von der „Polyphonie“ von Tschechows Dramen und nennen sie sogar „soziale Fugen“, wobei sie eine Analogie zur musikalischen Form ziehen, in der zwei bis vier gleichzeitig spielen und sich entwickeln. Musikalische Themen, Melodien.

In Tschechows Drama wird die sprachliche Individualisierung der Figurensprache bewusst ausgeblendet. Ihre Rede ist nur so sehr individualisiert, dass sie nicht aus dem Gesamtton des Dramas herausfällt. Aus dem gleichen Grund ist die Rede von Tschechows Helden melodisch, melodisch, poetisch intensiv: „Anya. Ich werde schlafen gehen. Gute Nacht, Mama". Hören wir uns diesen Satz an: Wir haben eine rhythmisch organisierte Rede vor uns, die dem reinen Jambischen nahe kommt. Die gleiche Rolle spielt in Dramen die so oft anzutreffende rhythmische Wiederholung: „Aber es war doch alles gleich, alles gleich.“ Diese Abschwächung von Ostrovskys Lieblingsindividualisierung der Sprache und die poetische Hochstimmung der Sprache sind für Tschechow notwendig, um eine allgemeine Stimmung zu schaffen, die sein Drama vom Anfang bis zum Ende durchdringt und die an der Oberfläche herrschende Sprachvielfalt und Absurdität in künstlerische Integrität reduziert.

PSYCHOLOGISCHE ANALYSE DES STÜCKS

Tschechows Drama durchdringt die Atmosphäre allgemeiner Unruhe. Es gibt keine glücklichen Menschen darin.

Allgemeine Probleme werden durch das Gefühl allgemeiner Einsamkeit verkompliziert und verstärkt. Taube Tannen sind in diesem Sinne eine Symbolfigur. Als er zum ersten Mal in alter Livree und mit hohem Hut vor dem Publikum auftritt, geht er über die Bühne und führt Selbstgespräche, aber kein einziges Wort ist zu verstehen. Ljubow Andrejewna sagt zu ihm: „Ich bin so froh, dass du noch lebst“, und Firs antwortet: „Vorgestern.“ Im Wesentlichen ist dieser Dialog ein grobes Modell der Kommunikation zwischen allen Charakteren in Tschechows Drama. Dunyasha im Kirschgarten teilt mit Anya, die aus Paris angereist ist, ein freudiges Ereignis: „Der Angestellte Epikhodov hat mir nach dem Heiligen ein Angebot gemacht“, antwortete Anya: „Ich habe alle Haarnadelkurven verloren.“ In Tschechows Drama herrscht eine besondere Atmosphäre der Taubheit – der psychischen Taubheit. Die Menschen sind zu sehr mit sich selbst beschäftigt eigene Angelegenheiten, ihre eigenen Probleme und Misserfolge, und deshalb hören sie einander nicht gut. Die Kommunikation zwischen ihnen wird kaum zu einem Dialog. Bei gegenseitigem Interesse und Wohlwollen können sie in keiner Weise zueinander durchdringen, da sie mehr „mit sich selbst und für sich selbst reden“.

Merkmale des Konflikts:

A.P. Tschechow nannte sein Werk „Der Kirschgarten“ eine Komödie. Nachdem wir das Stück gelesen haben, ordnen wir es eher der Tragödie als der Komödie zu. Es scheint uns tragische Bilder Gaev und Ranevskaya, ihre Schicksale sind tragisch. Wir sympathisieren und fühlen uns in sie hinein. Wir können zunächst nicht verstehen, warum Anton Pawlowitsch sein Stück als Komödie einstufte. Aber wenn wir das Werk noch einmal lesen und verstehen, finden wir das Verhalten von Charakteren wie Gaev, Ranevskaya, Epikhodov immer noch etwas komisch. Wir glauben bereits, dass sie selbst für ihre Probleme verantwortlich sind, und vielleicht verurteilen wir sie dafür. Zu welchem Genre gehört A.P. Tschechows Stück „Der Kirschgarten“ zur Komödie oder Tragödie? Im Stück „The Cherry Orchard“ sehen wir keinen hellen Konflikt, alles scheint wie gewohnt zu verlaufen. Die Helden des Stücks verhalten sich ruhig, es gibt keine offenen Streitereien und Auseinandersetzungen zwischen ihnen. Und doch spüren wir die Existenz eines Konflikts, aber nicht offen, sondern innerlich, verborgen in der ruhigen, auf den ersten Blick friedlichen Atmosphäre des Stücks. Hinter den üblichen Gesprächen der Helden des Werkes, hinter ihrer ruhigen Haltung zueinander sehen wir sie. inneres Missverständnis anderer. Wir hören oft Bemerkungen von Charakteren, die fehl am Platz sind; Wir sehen oft ihre distanzierten Blicke, als ob sie andere nicht hören würden.

Doch der Hauptkonflikt des Stücks „The Cherry Orchard“ liegt im Missverständnis von Generation zu Generation. Es scheint, als ob sich in dem Stück drei Zeiten kreuzen: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Diese drei Generationen träumen von ihrer Zeit, aber sie reden nur und können nichts tun, um ihr Leben zu ändern. Gaev, Ranevskaya, Firs gehören zur vergangenen Generation; bis zum heutigen Lopakhin und Vertreter der zukünftigen Generation sind Petya Trofimov und Anya.

Lyubov Andreevna Ranevskaya, eine Vertreterin des alten Adels, erzählt ständig von ihren besten jungen Jahren, die sie in einem alten Haus, in einem wunderschönen und luxuriösen Kirschgarten verbracht hat. Sie lebt nur mit diesen Erinnerungen an die Vergangenheit, sie ist mit der Gegenwart nicht zufrieden, und sie will nicht einmal an die Zukunft denken. Und wir finden ihren Infantilismus lächerlich. Und die ganze alte Generation in diesem Stück denkt genauso. Keiner von ihnen versucht, etwas zu ändern. Sie reden vom „schönen“ alten Leben, aber sie selbst scheinen sich mit der Gegenwart abzufinden, alles seinen Lauf zu lassen, nachzugeben, ohne für ihre Ideen zu kämpfen. Und deshalb verurteilt Tschechow sie dafür.

Lopakhin ist ein Vertreter der Bourgeoisie, ein Held der Gegenwart. Er lebt für heute. Wir kommen nicht umhin zu bemerken, dass seine Ideen klug und praktisch sind. Er führt lebhafte Gespräche darüber, wie man Leben zum Besseren verändern kann, und scheint zu wissen, was zu tun ist. Aber das sind alles nur Worte. Tatsächlich ist Lopakhin auch nicht der ideale Held des Stücks. Wir spüren seine Selbstzweifel. Und am Ende des Werkes scheinen seine Hände zu sinken und er ruft aus: „Unser ungeschicktes, unglückliches Leben würde sich lieber ändern!“.

Das Stück hat keine klassische Handlung, keinen Höhepunkt und keine dramatische Handlung im klassischen Sinne dieser Konzepte. Der Kirschgarten unterscheidet sich, wie alle Stücke Tschechows, von den üblichen dramatischen Werken. Es fehlt an spektakulären Szenen und äußerer Vielfalt.

Das Hauptereignis – der Verkauf des Anwesens mit Kirschgarten – findet nicht vor Publikum, sondern hinter den Kulissen statt. Auf der Bühne sieht der Zuschauer Szenen des Alltags (Menschen reden über alltägliche Kleinigkeiten, streiten und versöhnen sich, freuen sich über das Treffen, sind traurig über die bevorstehende Trennung).

In der Komödie gibt es 4 Handlungen, die nicht in Phänomene unterteilt werden. Die Spielzeit liegt zwischen Mai und Oktober. Die Komposition ist kreisförmig – das Stück beginnt mit der Ankunft von Ranevskaya aus Paris und endet mit ihrer Abreise nach Paris.

Die Komposition selbst spiegelt das leere, langweilige und ereignisreiche Leben der Adligen wider. Um die Einstellung des Autors zum Geschehen und zu den Figuren zu verstehen, muss man genau auf das durchdachte Bildsystem, die Anordnung der Figuren, den Wechsel von Inszenierungen, die Verkettung von Monologen und Dialogen, individuell achten Bemerkungen und die Bemerkungen des Autors.

Akt eins

Belichtung. Die Charaktere warten auf die Ankunft von Ranevskaya aus Paris. Der Betrachter sieht die Situation im Haus, wo jeder über sein eigenes spricht und nachdenkt, wo eine Atmosphäre der Entfremdung und Uneinigkeit herrscht.

Binden. Ranevskaya erscheint mit ihrer Tochter. Es stellt sich heraus, dass das Anwesen versteigert wird. Lopakhin schlägt vor, es den Datschen zu geben, aber Gaev und Ranevskaya sind nicht in der Lage, eine solche Entscheidung zu treffen.

Dies ist der Beginn eines Konflikts, aber nicht so sehr zwischen Menschen, sondern zwischen Generationen, Vergangenheit und Gegenwart. Der Kirschgarten ist eine Metapher für die schöne Vergangenheit der Adligen, die ihn nicht bewahren können. Die Zeit selbst bringt Konflikte mit sich.

Aktion zwei

Aktionsentwicklung. Das Schicksal des Kirschgartens und des Ranevskaya-Anwesens wird entschieden.

Dritter Akt

Höhepunkt. Irgendwo hinter den Kulissen geht der Verkauf des Anwesens und des Kirschgartens immer weiter
Bühne - ein lächerlicher Ball, den Ranevskaya mit dem letzten Geld arrangiert hat.

Akt vier

Austausch. Nachdem das Problem gelöst ist, beruhigen sich alle und eilen in die Zukunft – sie zerstreuen sich. Man hört Axtschläge – sie fällen einen Kirschgarten. In der letzten Szene bleibt der alte Diener Firs im vernagelten Haus zurück.

Die Originalität der Komposition liegt in der natürlichen Entwicklung der Handlung, die durch parallele Linien, Abschweifungen, alltägliche Kleinigkeiten, Motive außerhalb der Handlung erschwert wird, und in der Art der Dialoge. Die Dialoge sind inhaltlich vielfältig (alltäglich, komisch, lyrisch, dramatisch).

Die Ereignisse im Stück können nur als Probe des Konflikts bezeichnet werden, der in der Zukunft stattfinden wird. Es ist nicht bekannt, was mit den Charakteren des Stücks weiter passieren wird und wie sich ihr Leben entwickeln wird.

Dramatisch“ Kirschgarten" die Sache ist tragische Ereignisse finden nach Ende des Stücks statt. Der Autor verrät nicht, was die Charaktere in der Zukunft erwartet, daher gibt es keine Lösung. Daher sieht der erste Akt wie ein Epilog und der letzte Akt wie ein Prolog des Dramas aus.

Ja, verstehe. Dass vor fast zwei Jahrhunderten alles zu Ende ging, aber mit dem Gedanken, durch den Nachtwald zu wandern und immer noch nicht das Geräusch eines Holzfällers zu hören.

Wir nähern uns einer konkreten Betrachtung des Könnens von A.P. Tschechow im Stück „Der Kirschgarten“. Zuerst gehen wir vorbei Zusammenfassung Bei Dramen legen wir die ideologische und thematische Grundlage in den Figuren fest. Wir benennen das Thema, wir definieren Handlung lenken wir die Aufmerksamkeit auf die Hauptkomponenten des Stücks.

Diese Arbeit umfasst drei Sitzungen. Im Mittelpunkt des Gesprächs standen folgende Fragen:

1. Nennen Sie die sozialen Typen der breiten und tiefen Verallgemeinerung, notieren Sie ihre persönlichen Eigenschaften, heben Sie ihre Hauptmerkmale hervor und beweisen Sie, dass das Hauptmerkmal dominiert, andere jedoch nicht absorbiert.
2. Heben Sie bei der Analyse des Stücks die Charaktere hervor, die ein starkes Drama und eine starke Komödie aufweisen. Wie stellt der Autor die Lyrik, die erhabenen Gefühle der Heldin dar?
3. Achten Sie auf die Originalität der Sprache der Charaktere.
4. Bestimmen Sie die Position des Autors.
5. Beachten Sie die stilistische Einheit aller Komponenten.

Das Stück „Der Kirschgarten“ wurde 1903 von A.P. Tschechow geschrieben. Nicht nur die gesellschaftspolitische Welt, sondern auch die Welt der Kunst bedurfte einer Erneuerung. A.P. Tschechow, Sein talentierte Person, der sein Können in Kurzgeschichten unter Beweis stellte, tritt als Innovator in die Dramaturgie ein. Nach der Uraufführung des Stücks „The Cherry Orchard“ kam es unter Kritikern und Zuschauern, unter Schauspielern und Regisseuren zu heftigen Kontroversen Genremerkmale Theaterstücke. Was ist „The Cherry Orchard“ in Bezug auf das Genre – Drama, Tragödie oder Komödie?

Während der Arbeit an dem Stück sprach A.P. Tschechow in Briefen über ihre Figur als Ganzes: „Ich habe kein Drama herausgebracht, sondern eine Komödie, an manchen Stellen sogar eine Farce ...“. In Briefen an Vl. A. P. Tschechow warnte I. Nemirovich-Danchenko, dass Anya keinen „weinenden“ Ton haben sollte, dass es im Stück im Allgemeinen nicht „viel Weinen“ geben sollte. Trotz des durchschlagenden Erfolgs stellte die Produktion A.P. Tschechow nicht zufrieden. Anton Pawlowitsch äußerte sich unzufrieden mit der allgemeinen Interpretation des Stücks: „Warum wird mein Stück auf Plakaten und in Zeitungsanzeigen so hartnäckig als Drama bezeichnet? Nemirovich und Alekseev (Stanislavsky) sehen in meinem Stück definitiv etwas anderes als das, was ich geschrieben habe, und ich bin bereit, jedem Wort zu sagen, dass sie beide mein Stück noch nie aufmerksam gelesen haben.

Daher besteht der Autor selbst darauf, dass „The Cherry Orchard“ eine Komödie ist. Dieses Genre schloss das Ernste und Traurige in A.P. Tschechow keineswegs aus. Stanislawski hat offensichtlich gegen Tschechows Maßstäbe im Verhältnis von Dramatik und Komik, von Traurigem und Komischem verstoßen. Das Ergebnis war ein Drama, bei dem A.P. Tschechow auf einer lyrischen Komödie bestand.

Eines der Merkmale von „The Cherry Orchard“ ist, dass alle Charaktere in einem doppelten, tragikomischen Licht dargestellt werden. Das Stück enthält rein komische Charaktere: Charlotte Ivanovna, Epikhodov, Yasha, Firs. Anton Pawlowitsch Tschechow lacht über Gaev, der „sein Vermögen von Süßigkeiten lebte“, über die altkluge Ranevskaya und ihre praktische Hilflosigkeit. Sogar über Petja Trofimow, der scheinbar die Erneuerung Russlands symbolisiert, ist A.P. Tschechow ironisch und nennt ihn einen „ewigen Schüler“. Diese Haltung des Autors Petya Trofimov verdiente seine Ausführlichkeit, die A.P. Tschechow nicht tolerierte. Petja hält Monologe über Arbeiter, die „ekelhaft essen, ohne Kissen schlafen“, über Reiche, die „in Schulden leben, auf Kosten anderer“, über einen „stolzen Menschen“. Gleichzeitig warnt er alle, dass er „Angst vor ernsthaften Gesprächen“ habe.

Petja Trofimow, der fünf Monate lang nichts getan hat, sagt anderen immer wieder: „Wir müssen arbeiten.“ Und das mit der fleißigen Warja und dem geschäftsmäßigen Lopakhin! Trofimov studiert nicht, weil er nicht gleichzeitig studieren und seinen Lebensunterhalt bestreiten kann. sehr scharf, aber genaue Beschreibung In Bezug auf „Spiritualität“ und „Takt“ gibt Trofimova Petya Ranevskaya: „... Du hast keine Reinheit, aber du bist einfach ein ordentlicher Mensch.“ A.P. Tschechow spricht in seinen Bemerkungen mit Ironie über sein Verhalten. Trofimow schreit bald „vor Entsetzen“ auf, bald kann er, erstickt vor Empörung, kein Wort mehr hervorbringen, bald droht er zu gehen und kann es auf keinen Fall tun.

A.P. Tschechow hat gewisse sympathische Anmerkungen zum Bild von Lopakhin. Er tut alles, um Ranevskaya dabei zu helfen, das Anwesen zu behalten. Lopakhin ist sensibel und freundlich. Aber in der Doppeldeckung ist er alles andere als ideal: Ihm fehlen geschäftliche Flügel, Lopakhin ist nicht in der Lage, sich mitreißen zu lassen und zu lieben. Im Verhältnis zu Warja ist er komisch und unbeholfen. Das kurzfristige Feiern, das mit dem Kauf eines Kirschgartens verbunden ist, wird schnell von einem Gefühl der Verzweiflung und Traurigkeit abgelöst. Lopachin bringt unter Tränen einen bedeutungsvollen Satz zum Ausdruck: „Oh, wenn das alles nur vorübergehen würde, wenn sich nur unser peinliches, unglückliches Leben irgendwie ändern würde.“ Hier berührt Lopakhin direkt die Hauptquelle des Dramas: Er befindet sich nicht im Kampf um den Kirschgarten, sondern in der Unzufriedenheit mit dem Leben, die alle Helden der Geschichte unterschiedlich erleben. Das Leben geht absurd und unbeholfen weiter und bringt niemandem Freude oder Glück. Dieses Leben ist nicht nur für die Hauptfiguren unglücklich, sondern auch für die einsame und nutzlose Charlotte und für Epikhodov mit seinen ständigen Misserfolgen.

Über „Der Kirschgarten“ gibt es umfangreiche Literatur, darunter auch methodische Literatur, die dem Lehrer dabei helfen wird, interessante und kreative Klassen für das Studium dieses besonderen Stücks von Tschechow aufzubauen.

„Der Kirschgarten“ ist das künstlerische Ergebnis der Beobachtungen des großen russischen Schriftstellers über die gesellschaftlichen Prozesse, die in der modernen Realität stattfanden. Das Stück entwickelte ein wichtiges gesellschaftliches Thema, das die Fantasie des Schriftstellers während seines gesamten Schaffenslebens anregte, beginnend mit dem ersten Jugendstück ohne Titel, und das im letzten Stück, „Der Kirschgarten“, eine künstlerisch vollständige Vollendung fand. Dies ist das Thema der materiellen Verarmung und des moralischen Verfalls des Adels und der Übertragung edler Nester in die Hände eines neuen Besitzers – des Bürgertums.

Der tiefe soziale Inhalt des Stücks kommt auf subtile, originelle künstlerische Weise zum Ausdruck. Vl. I. Nemirovich-Danchenko nannte „Der Kirschgarten“ Tschechows raffiniertestes Werk und fand in dem Stück „subtilen, zarten Schreibstil, auf Symbole verfeinerter Realismus, Schönheit der Gefühle“.

K. S. Stanislavsky schrieb an Anton Pawlowitsch: „Meiner Meinung nach ist „Der Kirschgarten“ Ihr bestes Stück. Ich habe mich noch mehr in sie verliebt als in das süße „Die Möwe“ ... Sie hat mehr Poesie, Texte, Bühnenpräsenz, alle Rollen, auch der Passant, sind brillant ... Ich fürchte, das alles auch subtil für die Öffentlichkeit. Sie wird nicht so schnell alle Feinheiten verstehen. Vielleicht bin ich voreingenommen, aber ich finde keinen Fehler im Stück. Es gibt einen: Sie braucht zu große und dünne Schauspieler, um all ihre Schönheiten zu zeigen.

Tschechows Stück ist trotz seines klaren allgemeinen sozialen Musters ein ziemlich komplexes Werk. Die Komplexität des Stücks liegt in der Vielseitigkeit und Widersprüchlichkeit einzelner Bilder und Tschechows eigentümlicher Haltung gegenüber diesen Charakteren. Komplexität ideologischer Inhalt Tschechows Stück führte zu unterschiedlichen Interpretationen einiger Bilder und Bedeutungen des Stücks in der Literatur- und Theaterkritik, zu unterschiedlichen Bühneninterpretationen von „Der Kirschgarten“.

Für Schüler der neunten Klasse, die „The Cherry Orchard“ studieren, wird eine gewisse Schwierigkeit bei der Analyse dieses Stücks ein hervorragender Anreiz für eine vertiefte Arbeit an diesem Werk, für die Arbeit des unabhängigen Denkens, für „Entdeckungen“ und für den Erwerb der Fähigkeiten einer subtilen Analyse sein komplexer literarischer Phänomene.

Der Prozess der Bildanalyse sollte darin bestehen, dass die Schüler, nachdem sie vom Lehrer die entsprechende Aufgabe erhalten haben, zunächst anhand des Textes des Stücks selbstständig die Charaktereigenschaften der Charaktere offenbaren und der Lehrer dann zusammenfasst und korrigiert , Ergänzung und Systematisierung des von den Studierenden vorgeschlagenen Materials. In einigen Fällen handelt es sich um kritisches und Bühnenmaterial.

Bei der Analyse der Bilder der jüngeren Generation und der Feststellung einer gewissen Unbestimmtheit und Unbestimmtheit dieser Bilder (Tschechow selbst sprach von der „Unvollständigkeit eines Studenten Trofimov“) sollten die Schüler zu dem Schluss kommen, dass diese „Unvollständigkeit“ kein Zufall, sondern ein Ausdruck ist der Unsicherheit von Tschechows sozialen Idealen. Als Tschechow sein Urteil über Vergangenheit und Gegenwart verkündete, stellte er sich vage eine bessere Zukunft vor, von der er träumte und forderte.

Es ist nützlich, die Aufmerksamkeit der Schüler auf die Figur eines Passanten zu lenken, um die interessante Frage herauszufinden, welche Funktion dieses episodische Bild im Bildsystem des Stücks erfüllt. Diese Frage scheint richtig beantwortet zu sein. Nationaler Künstler UdSSR N. V. Petrov: „Die episodische Figur eines Passanten aus dem zweiten Akt von „Der Kirschgarten“ wird als Opposition zu einer anderen Welt benötigt, die die Ranevskys nicht kennen, vor der sie Angst haben und vor der sie bereit sind, aus Angst alles zu geben. wenn er nur ihr ruhiges Leben nicht stört.“

Die Frage nach dem Genre von The Cherry Orchard ist immer noch umstritten. Dieser Umstand kann als Grundlage für eine Debatte im Klassenzimmer dienen. Sollten die Studierenden zunächst aufgefordert werden, den Streit zwischen dem Autor und dem Moskauer Kunsttheater selbst zu klären und sich auf eine Debatte zum Thema „Der Kirschgarten“ – ein Drama oder eine Komödie – vorzubereiten?“ Nach der Debatte fasst der Lehrer den Streitstoff zusammen, fasst ihn zusammen, ergänzt ihn und zieht ein Fazit. Gemäß unserer Meinung, letztes Wort Lehrer nach dem Streit sollten solche Grundbestimmungen enthalten.

Tschechow folgte bereits im Stück „Iwanow“ seinem berühmten Grundsatz: „Auf der Bühne soll alles so kompliziert und zugleich einfach sein wie im Leben.“ In „Iwanow“ wie auch in späteren Ereignissen, darunter „Der Kirschgarten“, versucht Tschechow nicht, einen Komplex unterzubringen lebenswichtige Inhalte, innerhalb der engen Grenzen „reiner“ Genres. Er hat weder Dramen noch Komödien in „reiner“ Form; Seine Stücke zeichneten sich durch ein charakteristisches Merkmal aus: Sie kombinieren, wie im Leben, heterogene Elemente, daher können seine dramatischen Werke so bezeichnet werden, wie Dobrolyubov Ostrovskys Stücke nannte: Dies sind „Spiele des Lebens“. voll tiefe Bedeutung Tolstois Definition des Schriftstellers Tschechow als „Künstler des Lebens“.

Der Volkskünstler der UdSSR B. Zakhava wies auf dieses Merkmal von Tschechows Dramaturgie hin: „Mit überraschender Beharrlichkeit erklärte er die meisten seiner Stücke zu Komödien, da er auf keine Einwände hören wollte. Aber wie viele Texte, Tränen, Traurigkeit und manchmal die wirklich tragischen Töne stecken in diesen „Komödien“!

In dieser Hinsicht ist es sinnvoll Gorkis Definition Genre von Tschechows Stück: lyrische Komödie. Hier geht es nicht nur um einzelne lyrische Szenen (die Beziehung zwischen Petja und Anya, der Abschied von Gaev und Ranevskaya im letzten Akt), sondern auch um die tiefe Lyrik der Idee. und Subtext des Stücks. Im Kirschgarten manifestierte sich Tschechows Lyrik, also eine rein individuelle, bewegte Lebensauffassung, seine tiefen Gedanken über die Gegenwart und Zukunft Russlands.

Die komischen und satirischen Elemente in Tschechows Stück haben ihre eigenen Merkmale. Der bekannte tschechische Historiker V. Yermilov in einer Rezension des Stücks „Der Kirschgarten“ im Zentralen Fernseh- und Fernsehtheater (V. Yermilov. „Die Suche geht weiter.“ „ Sowjetische Kultur“, 29. April 1995. Es wäre nützlich, die Schüler mit dieser Rezension vertraut zu machen, die einen charakteristischen Titel trägt: Die Suche nach einem „Schlüssel“ zur „Entdeckung“ nicht enthüllter Geheimnisse von Tschechow (der Künstler geht in unserer Zeit weiter) hat diese Merkmale richtig notiert : „Es gibt eine besondere, subtile, „unmerkliche“ Tschechow-Satire – gedämpfte Satire …, eine Art lyrisch-satirische Tschechow-Komödie …“

Für Neuntklässler, die Tschechows komplexes Stück studieren, könnten sich noch eine Reihe weiterer interessanter Fragen stellen.

Warum verlangte Tschechow von den Regisseuren von „The Cherry Orchard“ im Landschaftsdesign den zweiten Akt, in dem Trofimov einen patriotischen Monolog über das weit entfernte Russland hält? Das ist kein Zufall. Eines der Merkmale der Steppenlandschaft, die Tschechow mochte und die mit großen Weiten in Verbindung gebracht wurde, ist die Distanz – dieses Landschaftsdetail erlangte bei Tschechow Bedeutung. Es ist mit der Vorstellung verbunden, dass ein Mensch ständig nach einem großen Ziel im Leben streben muss. Damit verbunden war auch der patriotische Gedanke des Schriftstellers an die glänzende Zukunft des Vaterlandes.

Im zweiten Akt von „Der Kirschgarten“ lesen wir die Bemerkung: „Plötzlich ertönt ein fernes Geräusch, wie vom Himmel, das Geräusch einer gerissenen Saite, verklingend, traurig.“ Lopakhin vermutet, dass irgendwo in den Minen ein Eimer heruntergefallen ist. Tschechow, der sich wiederholt im nördlichen Donbass-Teil des Taganrog-Bezirks aufgehalten hatte, beobachtete, wie in diesem Gebiet Kohlebergwerke auftauchten primitive Technik- In den Minen fielen oft Eimer herunter, und das Geräusch des Eimers, der auf den Grund der Mine fiel, fegte bedrohlich durch die Stille der Nacht und „streute“ sich über die Steppe. Tschechow hat dieses Geräusch in der Steppe gut abgedunkelt. Der Schriftsteller erwähnte ihn erstmals in der Erzählung „Happiness“ (1887) und dann im Theaterstück „The Cherry Orchard“. Wenn Tschechow in der Geschichte den Eindruck dieses Geräusches in einem bildlichen Ausdruck vermittelte – es wird in die Steppe „ausgesandt“, dann wird im Stück das Geräusch eines Eimers, der auf den Grund der Mine fällt, mit dem verblassenden Geräusch eines verglichen kaputte Saite.

Warum spricht Lola hin über dieses Geräusch? Warum reist Lopakhin nach Charkow, nachdem er einen Kirschgarten erworben hat? Es ist in Charkow?

Es scheint, dass diese Tatsachen im Inhalt von The Cherry Orchard kein Zufall sind. Es ist möglich, eine solche Hypothese aufzustellen. Zu Tschechows Zeiten war Charkow ein wachsendes Zentrum unternehmerische Tätigkeit Bourgeoisie, in der Stadt gab es eine mächtige kapitalistische Union der Bergleute des Südens Russlands. Lopakhin, ein Bourgeois, war mit Charkow, dem Zentrum der Kohleindustrie im Süden Russlands, verbunden und konnte. Hören Sie das Geräusch eines Eimers, der auf den Minenboden fällt, während Sie durch den Süden Russlands reisen.

Schüler der 9. Klasse, die sich ernsthaft mit der kreativen Welt Tschechows beschäftigt haben, sollten sicherstellen, dass Tschechow ein komplexer und subtiler Künstler ist, dass sein Werk noch viele weitere Geheimnisse und bisher ungelöste Rätsel enthält und dass das Lesen und erneute Lesen Tschechows eine große ästhetische Freude ist, die spirituell bereichert eine Person.

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Einführung

Die Ausbildung eines kulturellen Lesers ist das Ziel der modernen literarischen Bildung von Schülern. Erfahrung im Lesen von Belletristik, journalistischen, kritischen und wissenschaftlichen Texten; stabile Vorstellungen darüber, wie ein literarisches Werk „arrangiert“ wird und Literarischer Prozess; Ein System von Fähigkeiten, das es ermöglicht, die Erfahrungen des Lesens, der Analyse und der Textgenerierung im Laufe des späteren Lebens zu erweitern. Dies sind die Hauptparameter des Bildungsergebnisses im Fach „Literatur“.

Traditionell besteht der Großteil der Lektüre von Literaturliebhabern aus literarischen Werken der epischen und lyrischen Genres. Dramaturgie wird meist mit dem Theater in Verbindung gebracht. Zwar lebt „das Drama auf der Bühne“ (N. Gogol), doch das Anschauen einer Aufführung kann kein adäquater Ersatz für die Lektüre eines Theaterstücks sein, da Inszenierung eine historisch und gesellschaftlich bedingte Lektüre, Konkretisierung möglicher Bedeutungen, zudem nicht alles Dramatische ist Werke können auf der Theaterbühne gesehen werden, was jedoch nicht ihren „Tod“ für das geistige Leben der Gesellschaft bedeuten sollte.

Bekomme eine Vorstellung Literarische Arbeit, sagt Professor G. A. Gukovsky, bedeutet es, die Idee jeder ihrer Komponenten in ihrer Synthese, in ihrer Gesamtheit zu verstehen.

Zur Vorbereitung der Arbeit am Drama „Der Kirschgarten“ verwenden wir literarische Werke: V. I. Sorokin „Theorie der Literatur“, V. V. Vinogradov „Thema und Stil“, G. A. Gukovsky „Studieren eines literarischen Werkes in der Schule“, eine Artikelsammlung „Theorie der Literatur“ hrsg. Abramovich, Elsberg und andere, das Buch von N. Ya. Meshcheryakova „Studieren des Stils eines Schriftstellers in der High School“.

Die Kenntnis der Besonderheiten des Dramas als besonderer Literaturart und der Lehrmethoden wird dazu beitragen, die Originalität und Originalität jedes der untersuchten dramatischen Werke zu verstehen und zu einer sinnvolleren Wahrnehmung davon beizutragen.

„Ein Schauspiel, eine Komödie ist die schwierigste Form der Literatur“, schrieb M. Gorki. „... In einem Roman, in einer Geschichte handeln die vom Autor dargestellten Menschen mit seiner Hilfe, er ist bei ihnen allen.“ Mit der Zeit zeigt er dem Leser das Verstehen, erklärt ihm die geheimen Gedanken, verborgenen Motive des Handelns der dargestellten Figuren, setzt ihre Stimmungen mit Beschreibungen der Natur, der Situation in Szene ... kontrolliert ihre Handlungen, Taten, Worte, Beziehungen ... Das Stück erfordert, dass jede darin agierende Einheit durch Wort und Tat für sich charakterisiert wird, ohne dass der Autor dazu aufgefordert wird ... ".

Der Dramatiker spricht nicht über das Leben, über die Charaktere seiner Figuren, sondern zeigt sie in Aktion. Das Fehlen einer Autorencharakterisierung, eines Porträts und anderer für die Prosa charakteristischer Bildbestandteile erschwert die Wahrnehmung des Dramas durch die Studierenden. Daher ist es notwendig, nach solchen Methoden und Arbeitsformen zu suchen, die es einerseits ermöglichen, Schülerinnen und Schüler mit den Besonderheiten des Theaters als besonderer Literaturgattung vertraut zu machen, und ihnen andererseits helfen Sehen Sie sich in den untersuchten Beispielen Werke an, die für die Bühne gedacht sind und daher vom Leser viel mehr Vorstellungskraft und Anstrengung erfordern. Dies ist die Relevanz der Arbeit, die Originalität des Dramas, sein Unterschied zum Epos und zum Text geben Anlass, die Frage nach einigen Merkmalen im Verhältnis der Arbeitsmethoden und -techniken aufzuwerfen, die bei der Analyse dramatischer Werke in der High School verwendet werden .

Und dann, wenn Sie das Stück lesen, legen Sie die Handlung fest, finden Sie die Handlung, verfolgen Sie die Entwicklung der Handlung, fangen Sie das wachsende Drama ein, bleiben Sie beim Höhepunkt stehen, geben Sie Ihre erste Einschätzung des Werkes als Ganzes ab.

Nur wenn alle Elemente berücksichtigt werden Kunstwerk Durch die Verbindung, in der Verknüpfung nimmt der Leser es als Ganzes wahr. „Auf der Grundlage der „Bewegungen“ der Wahrnehmung und des Verständnisses des gesamten Werks und seiner Teile, ihrer organischen Verbindung untereinander“, schreibt P. M. Yakobson, „hat der Betrachter einen sich vertiefenden ganzheitlichen Eindruck, der mit ausreichend künstlerischer Sicht entsteht.“ Anfälligkeit, ein erhebliches Spektrum an Erfahrungen, Gedankenbestrebungen.

Der Zweck der Arbeit: die Besonderheiten des Unterrichts zu ermitteln dramatisches Werk nach dem Theaterstück von A.P. Tschechow „Der Kirschgarten“.

Um dieses Ziel zu erreichen, ist es notwendig, folgende Aufgaben zu lösen:

Betrachten Sie die Methoden des Schauspielunterrichts in der Schule

Beschreiben Sie die Methoden des Schauspielunterrichts in der Schule

Analysieren Sie die Probleme und die Poetik des betreffenden Werks

Beschreiben Sie das System des Theaterunterrichts von A.P. Tschechow „Der Kirschgarten“

Erstellen Sie eine Präsentation der Lektion „Das Stück von A.P. Tschechow „Der Kirschgarten“

Die Arbeit besteht aus Einleitung, zwei Kapiteln, Schluss, Literatur.

literarisches Drama tschechische Bildung

1. LehrendramatischfunktioniertVSchule

1. 1 MethodikLehrendramatischfunktioniertVSchule

Einer der wesentlichen Mängel des Literaturunterrichts, der in der Schule immer noch weit verbreitet ist, ist das Ignorieren von Fragen kreative Individualität Schriftsteller. Autoren werden in solch allgemeinen Formulierungen dargestellt, dass die Merkmale, die Stärke und der Charme ihrer Kunst ausgelöscht werden.

Erinnern wir uns an was sehr wichtig Belinsky lieferte das Studium der Originalität, der Originalität eines großen Künstlers, in dem „alles in seinen eigenen, ungeliehenen Farben erstrahlt, alles mit originellem und kreativem Denken atmet, alles eine neue, noch nie dagewesene Welt bildet“.

Als Belinsky über den Prozess des Studiums des Werks des Schriftstellers sprach, betonte er die Notwendigkeit, die Originalität eines bestimmten Schriftstellers zu verstehen, um sein „Pathos“ zu bestimmen, das das Hauptmerkmal der künstlerischen Individualität darstellt und „vollständig erfüllt“ ist Kreative Aktivitäten Dichter“ und sei „der Schlüssel zu seiner Persönlichkeit und zu seiner Poesie“.

Belinsky enthüllte auf subtile Weise die Merkmale des kreativen „Pathos“ von Puschkin, Lermontow, Gogol und anderen großen russischen Schriftstellern.

Belinskys fünfter Artikel über Puschkin zeigt die Beziehung zwischen dem Ganzen und dem Besonderen im Werk des Schriftstellers: Jedes einzelne Werk des großen Künstlers lebt sein eigenes Leben und hat sein eigenes Pathos, das sich auf das Pathos des Gesamtwerks des Schriftstellers als „Teil“ bezieht zum Ganzen, als Schatten, als Abwandlung des Grundgedankens, als eine seiner unzähligen Seiten.“

Wie viel steckt in Belinskys wunderbaren Worten über das „Pathos“ des großen Schriftstellers wertvolles „Schlüsselmaterial“ für die Inszenierung des Studiums der schöpferischen Individualität des Schriftstellers in der High School!

Anton Pawlowitsch Tschechow sticht unter anderen großen russischen Schriftstellern durch sein einzigartiges individuelles Erscheinungsbild und seinen künstlerischen Stil hervor. Merkmale der kreativen Individualität Tschechows sind außerordentlich wertvoll und interessantes Material für Schüler der IX. Klasse, in der Tschechow studiert wird. Lassen Sie uns die folgenden Methoden zum Unterrichten eines dramatischen Werks in der Schule bezeichnen

1. Methode der kreativen Wahrnehmung (Methode des kreativen Lesens)

Sein Zweck: einen starken und bleibenden künstlerischen Eindruck zu vermitteln, der sich dann kontinuierlich vertieft (kann durch einen Kommentar oder ein kurzes Gespräch unterbrochen werden).

2. Analyse- und Interpretationsmethode (Suche, Recherche). Sein Zweck: vor allem ein tieferes Eindringen in ein literarisches Werk.

3. Synthesemethode (verwirklicht einen doppelten Aspekt: Kunst und Wissenschaft im Literaturunterricht).

Sein Ziel: die komplexe geistige Aktivität der Studierenden in der letzten Arbeitsphase, die Anforderung hochgradig kreative Tätigkeit der Studierenden. Alle diese Methoden können in allen Phasen des Studiums der Arbeit angewendet werden. Die Methode der kreativen Wahrnehmung (kreatives Lesen) wird jedoch hauptsächlich in der ersten und zweiten Phase des Studiums des Werks, des Analysierens und Interpretierens – hauptsächlich in der zweiten, des Synthetisierens – hauptsächlich in der dritten Phase angewendet. Jede vom Lehrer verwendete Technik sollte mit der entsprechenden Art der Schüleraktivität verknüpft sein.

Die Aufgabe des Lehrers:	Die Methode manifestiert sich durch die Techniken:	Die Methode entwickelt:	Arten von studentischen Aktivitäten:
KREATIVE LESEMETHODE
Eine tiefere, aktivere und umfassendere kreative Wahrnehmung eines Kunstwerks entwickeln und verbessern	1. Ausdrucksstarke (künstlerische) Lektüre des Lehrers, Lektüre von Meistern künstlerisches Wort, einzelne von Schauspielern dargestellte Szenen; 2. Ausbildung ausdrucksstarkes Lesen Studenten; kommentierte Lektüre; 3. Das Wort des Lehrers, der es versteht, völlig richtig und möglicherweise tiefer zu sein emotionale Wahrnehmung Werke; 4. Gespräch (Ziel ist es, die Eindrücke der Studierenden über das gelesene Werk herauszufinden und die Aufmerksamkeit auf ideologische und künstlerische Besonderheiten zu lenken; 5. Inszenierung künstlerischer, moralischer, Philosophisches Problem, die sich direkt aus der gelesenen Arbeit ergeben; 6. Wort oder Gespräch des Lehrers nach dem Studium der Arbeit.	1. Beobachtung; 2. Die Fähigkeit, die Phänomene des Lebens zu sehen und zu hören; 3. Die Fähigkeit, die richtigen Worte und Ausdrücke zu finden, um ihre Eindrücke durch die Ausführung verschiedener kreativer Aufgaben zu vermitteln;	1. Das Lesen funktioniert zu Hause und im Klassenzimmer; 2. Ausdrucksstarkes Lesen; 3. Auswendig lernen; 4. Hören Sie sich künstlerische Lesungen an; 5. Erstellung eines Plans; 6. Nähe zum Text und prägnante Paraphrasen; 7. Künstlerisches Geschichtenerzählen; 8. Mündliche und schriftliche Rezensionen der gerade gelesenen Arbeit; 9. Dramatisierung; 10. Kritische Anmerkungen; 11. Betrachtung von Abbildungen und deren Bewertung; 12. Kompositionen verschiedener Genres.
HEURISTISCHE METHODE
Um den Schülern zu helfen, die Arbeit zu meistern, zu verstehen und die aufgetretenen moralischen, sozialen und künstlerischen Probleme zu lösen. Es ist wichtig, den Schülern bei der Lösung dieser Probleme zu helfen; zu lehren, ein Werk zu analysieren, seine Einheit in der Vielfalt seiner Bestandteile zu verstehen, zu lehren, zu reflektieren, seine Gedanken in Worten, in einer kohärenten, konsistenten, evidenzbasierten Rede – mündlich oder schriftlich – zu formulieren. Bei der Arbeit mit dieser Technik ist Folgendes wichtig: 1. Die Schüler haben den Kern des zu diskutierenden Problems verstanden; 2. es geschafft haben, ihre Urteile mit Fakten zu untermauern; 3. Hat es geschafft, sich die Argumente anderer anzuhören und deren Vor- und Nachteile zu begründen; 4. Klärung der Bedeutung der Begriffskonzepte.	1. Den Schülern beibringen, den Text eines Kunstwerks zu analysieren, eine Episode oder mehrere miteinander verbundene Episoden eines gesamten Werks zu analysieren; Bilder von Helden; Sprache; Kompositionen des Werkes, Vergleich verschiedene Werke; 2. Darstellung eines Fragensystems, und die Antwort auf jede Frage impliziert logischerweise einen Übergang zur nächsten Frage oder den entsprechenden Aufgaben; 3. Die Studierenden suchen selbstständig nach einem wesentlichen Problem zur Analyse, versuchen Fragen zu beantworten und Probleme zu lösen.	Es trägt dazu bei, dass sich die Studierenden die Methode der Wissenschaft weiter aneignen: die Methode zur Analyse eines Kunstwerks schlechthin und einige Methoden der historischen und literarischen Analyse, und im Verlauf dieser Arbeit die durch das Programm bereitgestellten Kenntnisse beherrschen Theorie und Geschichte der Literatur. Entwickelt wissenschaftlich kritisches Denken Studierende entwickeln ihre literarischen Fähigkeiten, vermitteln den selbstständigen Wissenserwerb und Fähigkeiten zur speziellen Analyse eines literarischen Werkes.	1. Arbeit am Text eines Kunstwerks, Analyse einer Episode oder eines ganzen Werkes; 2. Nacherzählen als Analysemethode; 3. Auswahl von Zitaten zur Beantwortung der Frage; 4. Erstellen eines Plans als Technik zur Analyse einer Komposition, eines Teils oder eines gesamten Werks; 5. Analyse des Heldenbildes, vergleichende Eigenschaften der Helden; 6. Erstellen eines Plans für Ihre ausführliche Antwort, für einen Bericht und einen Aufsatz; 7. Eine Zusammenfassung der Ergebnisse der Analyse der Arbeit, vergleichende Analyse funktioniert verschiedene Künste, Analyse des Problems; 8. Rede bei der Debatte. 9. Essay zu privaten Themen als Ergebnis Ihrer Arbeit an der Arbeit.
UNTERSUCHUNGSMETHODE (ähnlich der Heuristik in Funktion und Name, aber der wesentliche Unterschied zwischen dem einen und dem anderen liegt im Unterschied zwischen der Lehrrolle des Lehrers und der pädagogischen, kognitiven Aktivität der Schüler)
Der Lehrer stellt nicht nur eine Reihe von Fragen oder Problemen, sondern erläutert auch Lösungswege, lehrt, Material zu sammeln, zu analysieren, zu systematisieren, zeigt oder erklärt die Bedingungen oder Methoden der Arbeit.	Der Lehrer stellt ein Problem für die ganze Klasse, und eine Reihe von Aspekten dieses Problems werden von Gruppen von Schülern oder einzelnen Schülern entwickelt. (Der Lehrer gibt Quellen an, bietet eine Reihe von Aufsatzthemen an, schlägt Themen für Seminare vor.)	1. An Studierende denken; 2. Beherrschung der mit diesem Thema verbundenen Fähigkeiten	1. Unabhängige Analyse eines Teils, einer Episode der untersuchten Arbeit, Analyse der gesamten Arbeit, die nicht in der Schule studiert wurde; 2. Vergleich in thematischen, problemideologischen, theoretisch-literarischen, historisch-literarischen Plänen von zwei oder mehr Werken; 3. Vergleich, Analyse mehrerer in der Werkkritik geäußerter Standpunkte, das Bild des Helden mit der Begründung seiner Meinung; 4. Vergleich eines literarischen Werkes mit seiner Adaption; 5. Selbsteinschätzung eines literarischen Werkes, Helden (Reportagen, Seminare, Essays, Teilnahme an Streitigkeiten).

Die beim Studium epischer und lyrischer Werke verwendete Konversationsmethode ist auch bei dramatischen Werken wirksam. Die meisten Methodiker empfehlen den Einsatz vor allem bei der Analyse der Handlungsentwicklung, der Klärung von Konflikten, Problemen und ideologischer Bedeutung dramatischer Werke. Dem kann man nur zustimmen, da das Gespräch es ermöglicht, den Text der Arbeit umfassend einzubeziehen und die Fakten zu nutzen, die die Studierenden durch die eigenständige Arbeit an der Arbeit gewonnen haben.

Von besonderer Bedeutung bei der Analyse dramatischer Werke ist die eigenständige Arbeit der Studierenden am Werktext. Eine Analyse der Sprache und Handlungen der Charaktere hilft den Schülern, das Wesen ihrer Charaktere zu verstehen und in ihrer Vorstellung eine konkrete Vorstellung von ihrem Aussehen zu schaffen. In diesem Fall ähnelt die von Studierenden durchgeführte Analyse eines bestimmten Phänomens oder einer bestimmten Szene eines dramatischen Werks in gewissem Maße der Arbeit eines Schauspielers an einer Rolle.

Von großer Bedeutung bei der Analyse des Stücks ist die Klärung des Subtextes der Nachbildungen der Charaktere. Die Arbeit an der Klärung des Subtextes der Heldenrede kann bereits in der 8. Klasse beim Studium von „Woe from Wit“ (Akt. 1, Yavl. 7, Chatskys Treffen mit Sophia) durchgeführt werden.

Bei der Analyse eines dramatischen Werks legen wir besonderen Wert auf die Sprache der Charaktere: Sie hilft beim Enthüllen Spirituelle Welt Der Held, seine Gefühle, zeugen von der Kultur eines Menschen, seiner sozialen Stellung.

Allerdings kann man die Sprache der Charaktere nicht nur in dieser Funktion betrachten; Es sollte im Gedächtnis behalten werden und im Laufe der Arbeit die Aufmerksamkeit der Schüler mehr als einmal auf die Tatsache lenken, dass jeder Satz Schauspieler, jede Nachbildung ist „wie Elektrizität mit Aktion aufgeladen, denn alle sollen das Stück vorantreiben, dazu dienen, seinen Konflikt, seine Handlung zu entwickeln.“

In dem Stück handelt ein vom Dramatiker in bestimmte Umstände versetzter Mensch nach seiner eigenen Logik, die Figuren führen die Ereignisse sozusagen selbst „ohne Eingebung des Autors“ zu einem „tödlichen Ende“. „Mit jedem Satz steigt der Charakter die Leiter seines Schicksals eine Stufe hinauf“, schrieb A. N. Tolstoi. (Davon gibt es in der Regel nur sehr wenige), die Bilder, die in der Fantasie entstehen, basieren auf visuellen Darstellungen einiger Personen. Daher rekonstruieren Schüler oft das Aussehen des Helden anhand der externen Daten des Schauspielers, der seine Rolle in dem Theaterstück oder Film gespielt hat.

In Theaterstücken wird alles durch die Sprache der Figuren selbst erzählt und alles geschieht. Der Autor weist nur in Ausnahmefällen auf ungewöhnliche Weise auf das Verhalten der Figur und die emotionale und intonatorische Seite seiner Rede hin Kurzform(Bemerkungen).

Viele Schüler können beim Lesen eines Theaterstücks weder die Handlungen noch das Verhalten der Charaktere in ihrer Vorstellungskraft nachbilden. Andere, die von der logischen und semantischen Seite der Rede der Charaktere ausgehen und diese als Informationsquelle wahrnehmen, stellen in ihrer Vorstellung nur die Handlungen der Charaktere nach. Einige Schüler (in der Regel sind es nur sehr wenige) achten beim Lesen eines Stücks auf Bemerkungen, die auf die äußeren Handlungen der Charaktere hinweisen, und versuchen auf dieser Grundlage, die äußere (physische) Seite ihres Verhaltens zu „sehen“. ignorieren Geisteszustand Helden, die ihr äußeres Handeln bestimmen. Darüber hinaus bemerken die allermeisten Schulkinder die Bemerkungen, die auf den psychischen Zustand der Charaktere hinweisen, überhaupt nicht. Da die Schüler jedoch nur die physische Seite des Verhaltens des Charakters „sehen“ und nicht seinen inneren Zustand „sehen“, stellen sie ihn nicht als Person dar. Für sie bleibt der Held ein unkörperliches Wesen, das Sprachrohr der Ideen des Autors, der Charakter des Helden ist nicht genau bekannt.

Schulkinder können das psychophysische Verhalten der Figuren in einem dramatischen Werk anhand ihrer Rede nicht nachbilden, weil sie nur dessen Inhaltsseite (das Gesagte) berücksichtigen und die Ausdrucksform dieses Inhalts aus den Augen verlieren. Dies beschränkt sich jedoch nicht nur auf die Besonderheiten der „Vision“ der Studierenden von den Handlungen und Verhaltensweisen der Helden des Dramas, basierend auf der Wahrnehmung der inhaltlichen Seite ihrer Rede. Im besten Fall „sehen“ die Studierenden die Handlung selbst, aber wenn sie sie von einer bestimmten Situation ausschließen, die sie in gewissem Maße vorgibt, können sie den Subtext dieser Handlung nicht offenbaren.

Die Wahrnehmungserfahrung der dramatischen Gattung, die Studierende im Rahmen des Literaturstudiums sammeln, ist die wichtigste Hilfe für die Wahrnehmung eines dramatischen Werkes. Damit meinen wir das sichere Wissen des Schülers über die Besonderheiten des Genres – seine Struktur, Elemente, Merkmale der Rekonstruktion von Charakteren usw.

Eine andere Sache ist der Kreis historischer und alltäglicher Realitäten, menschlicher Beziehungen und sprachlicher Redewendungen.

Manchmal sollte man, um die Fantasie der Schüler anzuregen, auf historische und alltägliche Kommentare zurückgreifen. Dies geschieht in den Fällen, in denen Schüler, die weit von der im Drama dargestellten Epoche entfernt sind, nicht über die erforderlichen Ideen und Kenntnisse verfügen und die Details des äußeren Erscheinungsbilds des Protagonisten des Stücks, zum Beispiel: die Uniform, nicht in ihrer Fantasie nachbilden können B. des Bürgermeisters, die Kleidung des Kabanikh usw. Wenn die Schüler mithelfen, haben sie nicht die passenden Ideen und lernen nur die Bedeutung des Wortes.

Bestrebungen, Stimmungen, Gefühle der Figur im Handlungsverlauf, Dialog „bewegen“, verändern sich. All dies kommt in seiner Rede daher bei der Analyse am meisten zum Ausdruck wichtige Punkte Im Dialog ist es notwendig, das Verhalten der Figur zu verstehen, das in seiner „Zwei-in-Eins“-Natur, also als psycho-physisch, betrachtet werden sollte. An einem so wichtigen Moment der Dramaturgie wie dem Text kann man nicht vorbeigehen.

In Tschechows „Onkel Wanja“ haben die Figuren gerade sehr dramatische Ereignisse durchgemacht, den Zusammenbruch von Hoffnungen, den Verlust von Idealen. Und einer von ihnen, Dr. Astrov, kommt plötzlich, äußerlich scheinbar ohne jede Motivation, auf eine an der Wand hängende geografische Karte und sagt, als wäre er völlig fehl am Platz: „Ah, jetzt muss es in diesem Afrika heiß sein – eine schreckliche Sache!“

Im Gorki-Stück „At the Bottom“ führt Vaska Pepel das Wichtigste und nicht nur für ihn selbst an – eine Erklärung mit Natasha. Bubnov fügt in diesem Moment ein: „Aber die Fäden sind faul“ – genau in diesem Moment näht er wirklich etwas aus Lumpen. Es ist jedoch klar, dass diese Bemerkung nicht zufällig ist und nicht die Bedeutung trägt, die sozusagen „an der Oberfläche“ darin liegt. Und das sollte den Studierenden erklärt werden.

„Die erste Voraussetzung für die Analyse eines dramatischen Werkes ist die Wiederherstellung der Vorstellung der Aufführung in ... ihrer (Schulkinder-)Vorstellung ... Daher ist es notwendig, Material heranzuziehen, das über die Aufführung der Künstler berichtet, die nicht gegeben wurden.“ nur helle, aber auch stimmige Bilder zum Autor.“ Das ist unbestreitbar. Aber das „Sehen“ und „Hören“, wie eine Figur handelt, spricht und fühlt, kann nur auf der Lektüre und Analyse eines dramatischen Werks basieren.

Hier ist die letzte Szene von The Examiner. Jeder hat gerade erfahren, dass Chlestakov „überhaupt kein Wirtschaftsprüfer“ ist. Wut und Bosheit erfassen den Bürgermeister. Er (laut Bemerkungen) „winkt befehlend mit der Hand“, schlägt sich empört „auf die Stirn“, schreit „in seinem Herzen“, „droht mit der Faust auf sich selbst“, „klopft vor Wut mit den Füßen auf den Boden“. Bei der Lektüre des Stücks sollten die dürftigen Anweisungen des Autors sorgfältig verwendet werden – sie allein spiegeln in vielerlei Hinsicht den psychophysischen Zustand des Helden wider.

Gleichzeitig mit der ausdrucksstarken Lektüre des Stücks oder danach erfolgt eine Analyse des Werkes. Diese Analyse basiert auf der Berücksichtigung der Besonderheiten der Konstruktion des Dramas und der Offenlegung seiner Bilder und natürlich der Besonderheiten der Wahrnehmung dieses Genres durch Schulkinder.

Das spezifische Thema der Darstellung im Drama ist das Leben in Bewegung, oder mit anderen Worten die Handlung, und es ist eine ganzheitliche Analyse des Stücks im Anschluss an die Bühnenhandlung, die es ermöglicht, das Wesen dieser Handlung zu verstehen.

Im Stück gibt es neben der Mittellinie immer auch Nebenlinien, „Nebenlinien“, die „in den Hauptstrom des Kampfes einfließen und dessen Verlauf verstärken“. Diese Linien nicht im Zusammenhang zu betrachten, alles auf nur eine zentrale Linie zu reduzieren, bedeutet, den ideologischen Gehalt eines dramatischen Werkes zu verarmen. Diese Anforderung ist natürlich nur dann realisierbar, wenn man das Stück als Ganzes oder in Montage studiert. Im gleichen nationale Schulen, in dem nur Auszüge aus dem Drama studiert werden, informiert der Lehrer über die Handlung des Stücks.

Wie oben erwähnt, manifestiert sich die Handlung des Dramas darin, dass die Charaktere in einen Konflikt geraten. Das bedeutet, dass man bei der Analyse des Dramas die Entwicklung der Handlung und die Offenlegung der Charaktere in einer organischen Einheit berücksichtigen muss. Sogar V. P. Ostrogorsky schlug vor, dass der Lehrer bei der Analyse eines dramatischen Werks den Schülern die folgenden Fragen stellen sollte: Stimmen die Handlungen der Menschen vollständig mit ihren Charakteren überein? .. Was veranlasst den Helden zum Handeln? Hat er eine Idee oder eine Leidenschaft? Auf welche Hindernisse stößt er? Sind sie innerhalb oder außerhalb davon?

Eine ganzheitliche Analyse des Dramas nach der Entwicklung seiner Handlung verpflichtet uns, von diesem Grundgesetz der dramatischen Kunst auszugehen. Gleichzeitig dürfen wir nicht vergessen, dass unter Handlung nicht nur die Handlungen von Charakteren verstanden werden, sondern auch als Manifestation des Charakters in den Details des Verhaltens. Die Charaktere des Stücks offenbaren sich entweder im Kampf um die Verwirklichung bestimmter Ziele oder im Bewusstsein und Erleben ihres eigenen Wesens. Die ganze Frage ist, welche Handlung in diesem Drama im Vordergrund steht. Vor diesem Hintergrund konzentriert sich der Lehrer bei der Analyse des Dramas entweder auf die Handlungen der Helden des Dramas oder auf die Details ihres Verhaltens. So stehen bei der Analyse von „Das Gewitter“ die „Willenshandlungen“ der Charaktere im Mittelpunkt, während bei der Analyse von „Der Kirschgarten“ das „detaillierte Verhalten“ der Charaktere im Vordergrund steht.

Bei der Analyse der Bilder eines Theaterstücks sollte man sich nicht nur auf die Klärung der Handlungen der Figuren beschränken. Es ist notwendig, die Aufmerksamkeit der Schüler darauf zu lenken, wie die Figur ihre Handlungen ausführt. Und der Lehrer steht vor der Aufgabe, die nachbildende Vorstellungskraft der Schüler zu formen und zu entwickeln.

Das psychophysische Verhalten einer Figur in einem dramaturgischen Werk ist – insbesondere bei der Lektüre eines Theaterstücks und nicht bei der Wahrnehmung von der Bühne aus – aufgrund des Fehlens des Kommentars des Autors im Drama schwer vorstellbar und nachvollziehbar. Es kann nur aus Dialogen und geizigen Bemerkungen des Autors entstehen. Wenn man also mit der Analyse der Rede des Helden beginnt, sollte man bedenken, dass sie die Figur durch ihren kausalen Charakter, ihren Inhalt, ihre logische und semantische Seite und die Form, in der dieser Inhalt verkörpert wurde, charakterisiert.

Um mit der Analyse des Szenendialogs zu beginnen, sollte den Studierenden zunächst die Frage gestellt werden: In welchem Umfeld und warum ist dieser Dialog entstanden und geführt worden? Hier werden die Bemerkungen des Autors eine gewisse Hilfestellung bieten, und daher ist es notwendig, ihrer Überlegung gebührende Aufmerksamkeit zu widmen, um herauszufinden, wie sehr sie die Schüler bewaffnet haben.

Wenn die Ausführungen des Autors, wie es häufig vorkommt, den Schülern keine ausreichende Unterstützung für die Arbeit der nachbildenden Vorstellungskraft geben, wird es notwendig sein, eine Serie zu geben zusätzliche Materialien: entweder Szenenskizzen (zum Beispiel für B. Kustodievs „Das Gewitter“), dann Erklärungen des Autors (z. B. in Tschechows Briefen an Stanislawski über die Szenerie des zweiten Akts von „Der Kirschgarten“), dann Bücher verwenden (das Kapitel „Khitrov-Markt“) aus Aufsätzen von Vl. Gilyarovsky „Moskau und die Moskauer“, Fotografien von Doss-Häusern aus dem Album „Moscow Art Theatre“ – für das Stück „At the Bottom“) usw.

Wir sollten die Chancen, die manchmal die Arbeit selbst mit sich bringt, nicht verpassen. In „The Cherry Orchard“ sollte man also in den Reden der Teilnehmer an den Veranstaltungen selbst darauf hinweisen, wie die Situation vor uns ist (Gaev: Der Garten ist ganz weiß; Warja: Die Sonne ist bereits aufgegangen ... Schau, Mama, Was für wundervolle Bäume! .. Was für eine Luft! Stare singen! usw.).

Es ist klar, dass die Reproduktion einer bestimmten Situation von Ereignissen in der Vorstellung der Studierenden kein Selbstzweck ist, sondern zur Offenlegung des ideologischen Inhalts der Arbeit beiträgt.

Da Schulkinder in der Regel keine visuellen Vorstellungen vom Helden eines dramatischen Werks haben und der Prozess des Verstehens des Bildes des Helden mit einer visuellen Darstellung von ihm verbunden ist, ist dies im Prozess der Analyse des Werks notwendig Finden Sie im Verlauf der Handlung heraus, was der Autor über das Aussehen des Helden sagt, was andere Charaktere im Stück über das Aussehen des Charakters sagen, was der Held selbst über sein Aussehen sagt, welche Details in Das Aussehen des Helden gibt Aufschluss über seine Herkunft und Lebensumstände, wie bestimmte Persönlichkeitsmerkmale in seinem Aussehen zum Ausdruck kommen.

Von den Schülern kann nicht erwartet werden, dass sie durch die im Unterricht durchgeführte Textanalyse ein vollständiges Verständnis des Stücks und seiner Charaktere entwickeln. Es bedarf einer Nacharbeit – der Synthese der dabei anfallenden Materialien ganzheitliche Analyse, zum Beispiel eine Verallgemeinerung von Beobachtungen zu Heldenbildern.

Diese Arbeit ist jeweils spezifisch, Sie können aber auch auf eine Reihe allgemeiner Fragen hinweisen, die in einem verallgemeinernden Gespräch über die Figur geklärt werden: Welche Rolle spielt diese Figur im allgemeinen Ablauf des Dramas? Wie sieht dieser Held aus? In welchen Szenen offenbart er sich am ausdrucksvollsten und vollständigsten? Kennen wir seine Hintergrundgeschichte und wie erfahren wir davon? Welche Gedanken, Ansichten, Charaktereigenschaften entdeckt der Held in den Dialogen und mit wem führt er diese Dialoge? Wie charakterisiert der Charakter seine Haltung gegenüber anderen Charakteren? Was ideologische Bedeutung Bild.

Es ist notwendig, den wahren Konflikt zu identifizieren, der dem Dramatiker zugrunde liegt, damit die Schüler keine falschen Vorstellungen davon haben. So mag es ihnen zum Beispiel so vorkommen, als ob in Gorkis Stück „At the Bottom“ der Konflikt im Interessenkonflikt von Natasha und Ash einerseits und den Kostylevs andererseits liegt. Wäre dies jedoch der Fall, würde das Stück im dritten Akt enden und der vierte wäre einfach überflüssig. Und der Konflikt des Stücks liegt im Aufeinandertreffen der Weltanschauungen, und das Verschwinden von Lukas, ebenfalls im dritten Akt, unterstreicht nur die Fortsetzung des spirituellen Kampfes, des Kampfes mit der „rettenden“ Lüge, der im vierten Akt mit endet der Lebenstest des „Trostes“, der Zusammenbruch dieser „Philosophie“, die Offenbarung der Sinnlosigkeit und der Schädlichkeit der von Lukas propagierten Illusionen.

Der Lehrer enthüllt den Hauptkonflikt des Stücks und zeigt den Schülern, dass die Weltanschauung des Autors im Wesen dieses Konflikts zum Ausdruck kommt.

1.2 TrickslernendramatischfunktioniertVSchule

Die Anfangsphase des Studiums eines dramatischen Werks in der Schule, des Lesens eines Theaterstücks, außerdem des ausdrucksstarken Lesens, des Lesens im Klassenzimmer.

In den Mittelklassen ist es erforderlich, das gesamte Theaterwerk im Unterricht zu lesen, in den Oberklassen werden nur einzelne Handlungen oder Phänomene zur Lektüre vorgesehen. Wenn in der Mittelstufe die Lektüre des Lehrers mit der Lektüre der Schüler kombiniert wird, kann man sich in der Oberstufe darauf beschränken, nur die Schüler selbst zu lesen.

Die erste eigenständige Heimlektüre des Dramas führt die Schüler erst im Vorfeld in den Inhalt ein Gesamtansicht- das ist die Aneignung einer rein äußerlichen, ereignisreichen Seite, einzelner Handlungsmomente. Äußerst selten werden die dramatischen Charaktere und die Schwere des Konflikts mit einiger Tiefe wahrgenommen. Und obwohl in diesem Fall eine emotionale Reaktion auf das dargestellte Lebensbild entsteht, ist diese in vielerlei Hinsicht zufällig und oberflächlich.

Die Vorbereitung der Schüler auf das Gesichtslesen variiert auch je nach Alter, Wissen und Fähigkeiten der Schüler. Wenn in der Mittelschicht viel Vorarbeit nötig ist, bei der die Charaktere der Charaktere, ihre Geschichte, ihr Aussehen, ihre Sprechweise geklärt werden, lernen Kinder, ein dramatisches Werk anhand der Gesichter zu lesen, dann wird es in den Oberklassen viel sein von den Studierenden selbst durchgeführt werden.

Und ausdrucksstarkes Lesen ist hier ein wirksames Mittel, um Schüler in die Gedanken- und Gefühlswelt der Helden des Stücks einzuführen. Denn „Zuhören ... bedeutet, zu sehen, worüber sie reden.“

Daher beginnt das Studium eines dramatischen Werkes in der Schule in der Regel mit der Lektüre im Unterricht. In der Lektion werden nur einige Szenen gelesen, in denen die Ursachen für die Auseinandersetzungen der Charaktere aufgedeckt werden. Das Lesen sollte von kleinen Kommentaren begleitet werden. Beim Lesen und Besprechen des Inhalts der Arbeit wird empfohlen, Abbildungen und Folien für die Arbeit zu verwenden.

Die erste Bekanntschaft der Studierenden mit dem Inhalt der Arbeit wird durch das Lesen nach Gesichtern vervollständigt. Mit einer solchen Reihenfolge in der Arbeit ist es für die Studierenden einfacher, die Charaktere der Charaktere zu verstehen und das analysierte dramatische Werk richtig zu lesen. Das Lesen nach Gesichtern kann jedoch nicht nur im Prozess des kommentierten Lesens eingesetzt werden, sondern auch während der Analyse des Dramas, in den Abschlussstunden und als eigenständige Arbeitsmethode, die an verschiedenen Stellen der Analyse des Werks eingesetzt wird. Das Lesen nach Gesichtern ist durch die Form eines dramatischen Werkes bedingt und trägt somit zu einer tiefen Offenlegung seines Inhalts bei.

Wir dürfen auch nicht vergessen, dass ausdrucksstarkes Lesen die Leser von Belletristik erzieht, und dies ist eine der Hauptaufgaben des Unterrichts russischer Literatur. Es wird viel Unterrichtszeit sparen, wenn der Lehrer das gesamte Stück liest. Aber trotz aller unbestrittenen Vorteile des Lehrerlesens hat es auch einen offensichtlichen Nachteil: Es ist für eine Person sehr schwierig, die Gedanken und Gefühle aller Charaktere im Stück zu vermitteln.

Die ausdrucksstarke Lektüre des Rollenspiels durch Studierende ist erst möglich, wenn sie den ideologischen und künstlerischen Inhalt des Werkes verstanden hat, also nach einer langen Vorbereitung – sowohl in analytischer als auch in sprachlicher Hinsicht.

Der effektivste Weg ist die Kombination der Lektüre des Lehrers mit der Lektüre der Schüler. Nehmen wir an, ein Lehrer liest ein oder zwei Rollen vor und Schulkinder nehmen an den sogenannten „Massen“-Szenen teil.

Aber auch um an den „Massenszenen“ von Schulkindern teilzunehmen, müssen die Darsteller vor der ersten Lesung des Stücks mit der Klasse vorbereitet werden. Es ist klar, dass zu diesem Zweck die erfolgreichsten Studenten der russischen Sprache ausgewählt werden. Zur Vorarbeit mit den „Lesern“ gehört selbstverständlich die Einführung in die Grundlagen des ideologischen und künstlerischen Inhalts des Stücks, die Lektüre der ihnen zugewiesenen Rollen durch den Lehrer und die Probenarbeit mit ihnen. Aber die Zeit, die für die Vorbereitung dieser wenigen Schüler aufgewendet wird, wird sich bei der Arbeit am gesamten Klassenstück mehr als auszahlen. N. I. Kudryashev beschrieb den Prozess des Erlernens eines dramatischen Bildes durch Schulkinder zu Recht: „Im Wesentlichen wird ein tieferes Verständnis dramatischer Bilder nur erreicht, wenn diejenigen, die sie studieren, zumindest teilweise in die Position eines Darstellers gelangen.“ Theaterstücke sollten Zu „Lesern“ werden im Abschluss alle, möglichst alle oder fast alle Schüler der Klasse, daran arbeiten. Lassen Sie uns deshalb mit einem Blick nach vorne auf einige allgemeine Merkmale der ausdrucksstarken Lektüre eines dramatischen Werks im Klassenzimmer eingehen.

„In der Position eines Darstellers zu stehen“ bedeutet nicht nur, sein Wohlbefinden in Worte zu fassen internen Zustand sein „Held“. Es besteht zwangsläufig ein Bedarf an anderen Ausdrucksmitteln auf der „Bühne“ – Geste, Bewegung, Lächeln, Grinsen usw.

Es ist klar, dass die Schüler keine Schauspieler sind, aber die Elemente der „äußeren“ Ausdruckskraft werden das ausdrucksstarke Lesen nicht nur nicht beeinträchtigen, sondern zu seiner Organisation beitragen. Und diese Elemente sollten vom Lehrer berücksichtigt werden, sich aus seiner eigenen Analyse der Arbeit ergeben und erst danach dem Schüler vernünftigerweise empfohlen werden.

Petya Trofimov wendet sich in „Der Kirschgarten“ an Lopakhin, auf seinem Gesicht liegt ein halb mitfühlendes, halb spöttisches Lächeln, und darin liegt die ganze Essenz seiner Beziehung zu Lopakhin.

Lopakhin erzählt besorgt den Besitzern des Kirschgartens, Ranevskaya und Gaev, die Neuigkeiten, die sie seiner Meinung nach erfreuen sollten: Schließlich hat er ein Allheilmittel für all ihre Probleme gefunden. An welchen der beiden Gartenbesitzer wendet er sich jedoch, obwohl er sich formell an beide richtet? Natürlich an Ranevskaya, denn wie Sie wissen, hat er Gaev nie ernst genommen. Und tatsächlich, obwohl er Gaevs Reaktion auf seinen Vorschlag hört: „Tut mir leid, was für ein Unsinn“, stört ihn Gevs Bemerkung überhaupt nicht, hält ihn nicht auf. Er wartet ungeduldig auf Ranevskayas Antwort, ihre Entscheidung, ihr Urteil. Und deshalb sieht er Ranevskaya natürlich an, er ist ihr ganz zugewandt, lässt sie nicht aus den Augen. Sich ihr zuwenden, sie ansehen, eine Geste, die nicht nur das Gesagte verdeutlicht, sondern eine Handlung darstellt, die organisch mit dem Wort verbunden und daher notwendig ist.

Um die Schüler auf das Lesen von Komödien vorzubereiten, ist es notwendig, ihnen etwas über die russische Realität der 30er Jahre zu erzählen. XIX Jahrhundert, über die in den Städten vorherrschenden Ordnungen, über das Verhältnis von Menschen, die verschiedenen Gesellschaftsschichten angehören, oder lesen Sie die entsprechenden Orte aus einem Kunstwerk, das das Leben beschreibt Kreisstadt 30er Jahre letztes Jahrhundert. Das Lesen von Auszügen aus Kapitel 27 von Herzens „Vergangenheit und Gedanken“ hilft den Schülern beispielsweise zu verstehen, wie die Mehrheit der Gouverneure, Bürgermeister, Beamten und Kaufleute aussahen. In diesem Fall werden die Schüler bereits während der ersten Lektüre des Generalinspektors dessen anklagenden Charakter und den typischen Charakter der Charaktere verstehen.

Art und Inhalt der Einführungskurse variieren jedoch je nach Aufgabenstellung des Lehrers. Wenn er beabsichtigt, den Schülern das Stück „Der Regierungsinspektor“ vorzustellen, bevor er die Komödie im Unterricht liest, muss er natürlich über die Arbeit des Regisseurs, des Künstlers und der Schauspieler sowie über deren Beteiligung an der Entstehung des Stücks berichten Stück und wie man das Stück sieht. Durch die Besprechung des Stücks und aller Einzelheiten werden die Schüler auf die Lektüre der Komödie vorbereitet.

Es ist jedoch zu beachten, dass die Vertrautheit mit der Aufführung vor dem Studium des Werks im Unterricht die Wahrnehmungstiefe in gewissem Maße verringert, da es für manche Schüler schwierig ist, alle Charaktere auf einmal abzudecken und ihre Charaktere und Handlungen zu verstehen. Manchmal lassen sich Schulkinder nur von der äußeren Komödie mitreißen, ohne über deren anklagende Bedeutung nachzudenken. Daher ist es in Fällen, in denen die Studierenden durch alle bisherigen Arbeiten nicht ausreichend auf die Wahrnehmung der Aufführung vorbereitet und nicht belesen sind, besser, sie nach der Lektüre der Komödie oder in den Abschlussklassen mit der Aufführung vertraut zu machen.

Die Aufgaben des Studiums dramatischer Werke in der Oberstufe werden im Zusammenhang mit dem Studium der Grundlagen der Geschichte der russischen Literatur deutlich komplizierter.

In Einführungsvorlesungen führt der Lehrer die Schüler nicht nur in die Ereignisse ein, die sich im Werk widerspiegeln, sondern auch in die Entstehungsgeschichte und jene gesellschaftlichen Probleme, die den Schriftsteller beschäftigten und in seinem Werk eine künstlerische Lösung fanden. Darüber hinaus vermittelt der Lehrer den Schülern im Rahmen des Studiums der Grundlagen der Geschichte der russischen Literatur eine Vorstellung davon, wie realistisches Drama und Theater entwickelt werden können.

Die angewandten Arbeitsmethoden können in der Oberstufe eine andere Kombination aufweisen. Der Vortrag des Lehrers oder seine Geschichte können damit kombiniert werden unabhängige Arbeit Studierende: Berichte, kleine Botschaften oder Lesungen auf den Gesichtern einzelner Szenen, die die eine oder andere erklärte Position veranschaulichen. Empfehlenswert ist es beispielsweise, eine Vorlesung über die Dramaturgie Tschechows mit kurzen mündlichen Berichten der Studierenden über die zur selbstständigen Lektüre empfohlenen Stücke Tschechows zu verbinden, eine Vorlesung über die Dramaturgie Gorkis mit der eigenständigen schriftlichen Arbeit der Studierenden über zur Lektüre empfohlene Stücke. Diese Werke können von Schülern im Klassenzimmer oder bei gelesen werden außerschulische Aktivitäten, kann vom Lehrer in einer Übersichtsvorlesung verwendet werden.

In den Einführungskursen lernen die Schüler auch einige Fakten kennen, die die Geschichte des russischen Dramas und Theaters offenbaren.

Einführende Überprüfungssitzungen literarische Tätigkeit A. N. Ostrovsky bietet die Möglichkeit, Schulkindern eine ganze Epoche in der Geschichte des russischen Theaters sowie verschiedene Genres des realistischen Dramas und ihre Besonderheiten näher zu bringen. In diesem Fall bezieht der Lehrer die vom Programm empfohlenen Werke zum selbstständigen Lesen ein.

Die Originalität der Dramaturgie des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. wird beim Studium der Werke von Tschechow und Gorki offenbart. Im Zusammenhang mit der Charakterisierung der Dramaturgie Tschechows empfiehlt es sich für die Studierenden, die Frage nach dem Unterschied zwischen Tschechows Stücken und den dramatischen Werken Gogols und Ostrowskis zu stellen. Die Geschichte des Lehrers über das Kunsttheater, dem es gelang, die Originalität der Stücke Tschechows und Gorkis vollständig offenzulegen, wird die bisherigen Berichte aus der Geschichte des russischen Theaters am Ende des 19. Jahrhunderts ergänzen. Es ist ratsam, die Studierenden über Gorkis Ansichten zum Drama zu informieren, da sie das Ergebnis von Beobachtungen, theoretischen Verallgemeinerungen und kreativen Suchen des Autors selbst sind.

Es ist notwendig, das Studium dramatischer Werke mit einem Theaterbesuch, einem Film oder einer Schulaufführung abzuschließen.

Die Diskussion der Aufführung erfordert die Einbeziehung der Bühnengeschichte des untersuchten Werkes und einiger Informationen aus der Geschichte des russischen Theaters.

Aber angesichts der Tatsache, dass es oft unmöglich ist, das Theater zu besuchen und sich die Aufführung anzusehen. In den Abschlussstunden können Sie den Schülern dann die wichtigsten Fakten aus der Geschichte des russischen Theaters näher bringen. Methodisten haben in ihren Werken darüber geschrieben. Am besten vermitteln Sie diese Informationen in Vorlesungen, die das Studium dramatischer Werke abschließen.

Aus dem Gespräch über die Aufführung wird die Geschichte des Lehrers über das Bühnenschicksal des Stücks. Es ist nicht nötig, die gesamte Bühnengeschichte von der Inszenierung von „Der Kirschgarten“ im Moskauer Kunsttheater bis zu seiner Inszenierung im Sovremennik nachzuerzählen; es ist wichtig zu zeigen, wie unterschiedliche Bühneninterpretationen die Absicht des Autors vertiefen oder ihr im Gegenteil schaden können. Es ist zu beachten, dass sich die theatralischen Interpretationen desselben Stücks zu unterschiedlichen Zeiten unterscheiden und von den Aufgaben der Interpreten abhängen.

Es ist gut, die Schüler mit der Inszenierung von Werken des russischen Dramas auf der Bühne, mit der Lebensgeschichte dieses Werkes im Theater und mit dem Einfluss vertraut zu machen, den das Werk des russischen Dramatikers auf die Entstehung und Entwicklung des Dramas hatte.

Zusammenfassend wird der Lehrer das Gespräch über die Aufführung zusammenfassend den Schülern folgende Fragen stellen: Inwieweit entspricht das Erscheinungsbild der Rollendarsteller Ihrer visuellen Darstellung der Charaktere? In welchen Szenen bringen die Schauspieler die Hauptmerkmale der Charaktere am besten und anschaulich zur Geltung? Mit welchen äußeren Ausdrucksmitteln machen die Schauspieler uns auf diese Merkmale aufmerksam? Welche Rolle spielten Musik, Landschaft und Licht bei der Offenlegung der Idee des Werks? Mit welcher Leistung können wir nicht einverstanden sein? Usw.

Somit unterscheiden sich die Arbeitsmethoden und -techniken, die beim Studium dramatischer Werke verwendet werden, nicht von den Methoden und Techniken, die bei der Analyse epischer und lyrischer Werke verwendet werden, aber ihre Beziehung ist etwas anders. In diesem Zusammenhang ist anhand konkreter Beispiele zu überlegen, wie sich die Arbeitsmethoden und -techniken beim Studium dramatischer Werke je nach Wahrnehmungsmerkmalen, Zielen und Zielsetzungen des Studiums unterscheiden.

2 . BesonderheitenLehrendramatischfunktioniertVSchuleAnBeispielTheaterstückeA. P. Tschechow"KirscheGarten"

2.1 ThemenUndPoetikTheaterstückeA.P.Tschechow« KirscheGarten"

Ja, verstehe. Dass vor fast zwei Jahrhunderten alles zu Ende ging, aber mit dem Gedanken, durch den Nachtwald zu wandern und immer noch nicht das Geräusch eines Holzfällers zu hören.

Wir nähern uns einer konkreten Betrachtung des Könnens von A.P. Tschechow im Stück „Der Kirschgarten“. Zunächst vermitteln wir eine Zusammenfassung des Dramas, ermitteln die ideologischen und thematischen Grundlagen in den Charakteren. Wir benennen das Thema, definieren die Handlung und konzentrieren uns auf die Hauptkomponenten des Stücks.

Diese Arbeit umfasst drei Sitzungen. Im Mittelpunkt des Gesprächs standen folgende Fragen:

1. Nennen Sie die sozialen Typen der breiten und tiefen Verallgemeinerung, notieren Sie ihre persönlichen Eigenschaften, heben Sie ihre Hauptmerkmale hervor und beweisen Sie, dass das Hauptmerkmal dominiert, andere jedoch nicht absorbiert.

2. Heben Sie bei der Analyse des Stücks die Charaktere hervor, die ein starkes Drama und eine starke Komödie aufweisen. Wie stellt der Autor die Lyrik, die erhabenen Gefühle der Heldin dar?

3. Achten Sie auf die Originalität der Sprache der Charaktere.

5. Beachten Sie die stilistische Einheit aller Komponenten.

Das Stück „Der Kirschgarten“ wurde 1903 von A.P. Tschechow geschrieben. Nicht nur die gesellschaftspolitische Welt, sondern auch die Welt der Kunst bedurfte einer Erneuerung. A.P. Tschechow, ein talentierter Mensch, der sein Können in Kurzgeschichten unter Beweis stellte, tritt als Innovator in die Dramaturgie ein. Nach der Premiere von „The Cherry Orchard“ kam es unter Kritikern und Zuschauern, unter Schauspielern und Regisseuren zu heftigen Kontroversen über die Genremerkmale des Stücks. Was ist „The Cherry Orchard“ in Bezug auf das Genre – Drama, Tragödie oder Komödie?

Petja Trofimow, der fünf Monate lang nichts getan hat, sagt anderen immer wieder: „Wir müssen arbeiten.“ Und das mit der fleißigen Warja und dem geschäftsmäßigen Lopakhin! Trofimov studiert nicht, weil er nicht gleichzeitig studieren und seinen Lebensunterhalt bestreiten kann. Petya Ranevskaya gibt eine sehr scharfe, aber genaue Beschreibung von Trofimovs „Spiritualität“ und „Takt“: A.P. Tschechow spricht in seinen Bemerkungen mit Ironie über sein Verhalten. Trofimow schreit bald „vor Entsetzen“ auf, bald kann er, erstickt vor Empörung, kein Wort mehr hervorbringen, bald droht er zu gehen und kann es auf keinen Fall tun.

Tschechows Stück ist trotz seines klaren allgemeinen sozialen Musters ein ziemlich komplexes Werk. Die Komplexität des Stücks liegt in der Vielseitigkeit und Widersprüchlichkeit einzelner Bilder und Tschechows eigentümlicher Haltung gegenüber diesen Charakteren. Die Komplexität des ideologischen Inhalts von Tschechows Stück führte zu unterschiedlichen Interpretationen einiger Bilder und Bedeutungen des Stücks in der Literatur- und Theaterkritik, zu unterschiedlichen Bühneninterpretationen von „Der Kirschgarten“.

Es ist nützlich, die Aufmerksamkeit der Schüler auf die Figur eines Passanten zu lenken, um die interessante Frage herauszufinden, welche Funktion dieses episodische Bild im Bildsystem des Stücks erfüllt. Der Volkskünstler der UdSSR N. V. Petrov gab auf diese Frage die richtige Antwort: „Die episodische Figur eines Passanten aus dem zweiten Akt von „Der Kirschgarten“ wird als Opposition zu einer anderen Welt benötigt, von der die Ranevskys nicht wissen, was sie sind haben Angst und sind bereit, aus Angst alles zu geben, wenn er ihr ruhiges Leben nur nicht stören würde.

Die Frage nach dem Genre von The Cherry Orchard ist immer noch umstritten. Dieser Umstand kann als Grundlage für eine Debatte im Klassenzimmer dienen. Sollten die Studierenden zunächst aufgefordert werden, den Streit zwischen dem Autor und dem Moskauer Kunsttheater selbst zu klären und sich auf eine Debatte zum Thema „Der Kirschgarten“ – ein Drama oder eine Komödie – vorzubereiten?“ Nach der Debatte fasst der Lehrer den Streitstoff zusammen, fasst ihn zusammen, ergänzt ihn und zieht ein Fazit. Unserer Meinung nach sollte das letzte Wort des Lehrers nach der Debatte solche grundlegenden Bestimmungen enthalten.

Tschechow folgte bereits im Stück „Iwanow“ seinem berühmten Grundsatz: „Auf der Bühne soll alles so kompliziert und zugleich einfach sein wie im Leben.“ In „Iwanow“ wie auch in den darauffolgenden Nyesas, darunter „Der Kirschgarten“, versucht Tschechow nicht, den komplexen Inhalt des Lebens in die engen Grenzen „reiner“ Genres zu zwängen. Er hat weder Dramen noch Komödien in „reiner“ Form; Seine Stücke zeichneten sich durch ein charakteristisches Merkmal aus: Sie kombinieren, wie im Leben, heterogene Elemente, daher können seine dramatischen Werke so bezeichnet werden, wie Dobrolyubov Ostrovskys Stücke nannte: Dies sind „Spiele des Lebens“. Tolstois Definition des Schriftstellers Tschechow als „Künstler des Lebens“ ist von tiefer Bedeutung.

In dieser Hinsicht hat Gorkis Definition des Genres von Tschechows Stück einen Sinn: lyrische Komödie. Hier geht es nicht nur um einzelne lyrische Szenen (die Beziehung zwischen Petja und Anya, der Abschied von Gaev und Ranevskaya im letzten Akt), sondern auch um die tiefe Lyrik der Idee. und Subtext des Stücks. Im Kirschgarten manifestierte sich Tschechows Lyrik, also eine rein individuelle, bewegte Lebensauffassung, seine tiefen Gedanken über die Gegenwart und Zukunft Russlands.

Die komischen und satirischen Elemente in Tschechows Stück haben ihre eigenen Merkmale. Der bekannte Tschechow-Gelehrte V. Yermilov in einer Rezension des Stücks „Der Kirschgarten“ im Zentralen Fernseh- und Fernsehtheater (V. Yermilov. „Die Suche geht weiter.“ „Sowjetische Kultur“, 29. April 1995. Es würde Es wird nützlich sein, die Schüler mit dieser Rezension vertraut zu machen, die einen charakteristischen Titel hat: Die Suche nach dem „Schlüssel“ für die „Entdeckung“ unenthüllter Geheimnisse in Tschechow, die der Künstler in unserer Zeit fortsetzt) hat diese Merkmale richtig bemerkt: „Das Stück hat eine besondere, subtile.“ ,“ unmerklich „Tschechows Satire – heimliche Satire …, eine Art lyrisch-satirische Tschechow-Komödie …“

Das Studium des Dramas. Dramaspezifisch. Dramaanalyse. Die Besonderheiten des Studiums des Stücks von A.N. Ostrowski. Methodische Forschung zur Theaterpädagogik. Thematische Planung für das Stück. Zusammenfassungen der Lektionen zum Studium der Arbeit.

Hausarbeit, hinzugefügt am 19.01.2007

Die Originalität des Landlebens und Merkmale des Bildes der russischen Natur in A. Tschechows Stücken „Drei Schwestern“, „Der Kirschgarten“, „Onkel Wanja“ und „Die Möwe“. Richtlinien zur Untersuchung des Bildes des russischen Standes in Tschechows Stücken im Literaturunterricht in der Schule.

Dissertation, hinzugefügt am 01.02.2011

Die Geschichte der Entstehung und Entwicklung der japanischen Literatur. Merkmale von A.P. Tschechow und enthüllt die Art des japanischen Interesses an seinen Werken. Offenlegung der Handlung des Stücks „The Cherry Orchard“ in Russland und Japan. Reflexion Tschechows in der japanischen Kunst und Literatur.

Hausarbeit, hinzugefügt am 03.12.2015

Das Stück „Der Kirschgarten“ ist Tschechows Spitzenwerk, die Reflexionen des Dramatikers über Russland, das Schicksal der Adelsschicht. Die Idee des Stücks, die Entstehung der Handlung, eine kurze Chronologie der Entstehung. Die Symbolik des Titels, der Aufbau der Komposition, die Handlungszusammenhänge der Bilder.

Präsentation, hinzugefügt am 11.06.2014

„Die Möwe“ des herausragenden russischen Schriftstellers A.P. Tschechow – das erste Stück des neuen russischen Dramas. Die künstlerische Originalität der Dramaturgie des Stücks. Widersprüche und Konflikte des Stücks, ihre Originalität. Das Fehlen eines antagonistischen Kampfes zwischen den Charakteren des Stücks.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 11.08.2016

Einführung in den Begriff „Unterströmungen“ am Beispiel des Theaterstücks „Der Kirschgarten“. Die Besonderheit von Tschechows Sprache in Bemerkungen. Tschechows Monologe, Pausen in Tschechows Stücken. Tschechows vorläufige (präpositive) Bemerkungen nach T.G. Ivleva. Der Einfluss ausländischer Dramatiker auf Tschechow.

Hausarbeit, hinzugefügt am 12.06.2014

Das Studium des Dramas. Dramaspezifisch. Dramaanalyse. Fragen der Literaturtheorie. Die Besonderheiten des Studiums des Stücks von A.N. Ostrowski. Methodische Forschung zum Unterrichten des Theaterstücks „Gewitter“. Zusammenfassungen der Lektionen zum Studium des Stücks „Gewitter“.

Hausarbeit, hinzugefügt am 04.12.2006

Tschechows Innovation als Dramatiker. Die besondere Stellung der Kategorie Zeit in dramatischen Konflikten. Die Einheit des Tragischen und Komischen in den Werken. Übertragung semantischer Schattierungen der Dialoge der Figuren des Stücks mit Hilfe von Bemerkungen. Symbolik des Kirschgartens.

„The Cherry Orchard“ von A.P. Tschechowa: Auf der Suche nach der verlorenen Zeit*

Die Art der Handlung, Genrewerte, Kompositionstechniken, Weltanschauungsrichtlinien, Wege der Symbolisierung und Verallgemeinerung, Parameter von Raum und Zeit, Prinzipien der Charakterisierung von Charakteren, kommunikative Merkmale von Tschechows Dramaturgie im Kirschgarten sind vielleicht prominenter als in jedem anderen Stück dieses Autors. „Der Kirschgarten“ schließt den Kreis der Ergänzungen des Anton-Tschechow-Theaters und kommt in seiner Poetik den Miniaturen seiner eigenen Varietés sehr nahe. Unterdessen fiel die festgestellte Kristallisierung der figurativen Eigenschaften von Tschechows Dramaturgie paradoxerweise mit der Vertiefung der Diskrepanzen und Widersprüche in ihrer Interpretation zusammen.

Der Streit um die Genreprioritäten von „The Cherry Orchard“ ist bekannt und geht auf Unstimmigkeiten in deren Verständnis bei A.P. zurück. Tschechow und K.S. Stanislawski. Ist das Stück eine Komödie oder ein Drama, eine Tragödie oder eine Farce? Bereits 1904 äußerte V. E. seine maßgebliche Meinung zu diesem Thema. Meyerhold. Unterdessen blieb die bereits 1901 entstandene Absicht Tschechows selbst, ein „lustiges Stück“ für das Moskauer Kunsttheater zu schreiben, in der Folge unverändert. Im Jahr 1903 erläuterte Tschechow in einer Reihe von Briefen die Einzelheiten des Komödienplans. Die zentrale Rolle im Stück werde der „alten Frau“ zukommen, schrieb der Dramatiker V.F. Komissarzhevskaya. „Du wirst dich dumm stellen“, versicherte er O.L. Knipper. „Wenn mein Stück nicht so wird, wie ich es geplant habe, dann schlag mir mit der Faust auf die Stirn. Stanislawski hat eine komische Rolle, und Sie auch.“ In der Produktion des Moskauer Kunsttheaters von 1904 spielte Knipper die Rolle von Ranevskaya und Stanislavsky die von Gaev. Mit diesen Bildern wurden zunächst die „tragisch-dramatischen“ Darstellungen der Regie verknüpft. „Ich werde das Stück eine Komödie nennen“, schrieb Tschechow W.I. Nemirowitsch-Dantschenko. „Ich habe kein Drama bekommen, sondern eine Komödie, an manchen Stellen sogar eine Farce“, beharrte er und wandte sich an die Darstellerin der Rolle der Anya M.P. Lilina. Und selbst nachdem die Aufführung der Öffentlichkeit gezeigt wurde und die offensichtliche Diskrepanz im Verständnis von „The Cherry Orchard“ zur Bühnenrealität wurde, appellierte Tschechow weiterhin an Knipper. „Warum wird mein Stück auf Plakaten und in Zeitungsanzeigen so hartnäckig als Drama bezeichnet? Nemirovich und Alekseev sehen positiv in meinem Stück etwas, das ich nicht geschrieben habe, und ich bin bereit, jedes Wort darüber zu verlieren.“ Ich habe mein Stück nie ein einziges Mal sorgfältig gelesen".

Seitdem wurde „The Cherry Orchard“ unzählige Male gelesen und erneut gelesen, jedes Mal, während man sein eigenes Buch las. Ich werde noch einmal versuchen, einige Seiten des Stücks im Zusammenhang mit bestimmten Umständen, die mit seinem Erscheinen und Sein einhergingen, sorgfältig zu lesen. Nicht mehr. Und noch weniger. Im Detail möchte ich nur die ersten beiden Seiten des Textes analysieren. Zunächst sollten Sie sich jedoch das Poster zu „The Cherry Orchard“ ansehen.

In der Liste der Schauspieler wird auf Tschechows Rekordzahl bedeutender Charaktere der Unterschicht hingewiesen – Diener. Mit Blick auf die Zukunft stelle ich fest, dass sie alle von ihrer dramatischen Funktion her Clowns sind. Clowns und Helden mit Clownsfunktionen sind in fast jedem Tschechow-Stück vertreten. Mittlerweile sind in „The Cherry Orchard“ fast alle Helden Clowns. Absolute Clowns - Simeonov-Pishchik, Charlotte Ivanovna, Epikhodov, Firs, Yasha, Dunyasha. Personen mit Clownerie - Ranevskaya und Gaev (letzterer zeigt gleichzeitig eine klare Tendenz zum absoluten Clownerie). Anya und Trofimov sind nicht mehr und nicht weniger als ein verliebtes komisches Einfaltspinselpaar. Trofimovs erbärmliche Monologe klingen oft wie eine Paraphrase von Gaevs Clownmonologen, und Anya ist, wie wir von Tschechow selbst wissen, „ein bis zum Ende fröhliches Kind“. Auf seine Weise ein „Kind“ (in sozialer Hinsicht) und ihre Petja, die laut Ranevskaya das Wirkliche nicht kennt, praktisches Leben. „Eternal Student“ – „Rolle“ an sich ist natürlich eine Komödie. Schließlich wird auch die Beziehung zwischen Warja und Lopakhin komödiantisch interpretiert und mit der zentralen Situation von Gogols „Hochzeit“ in Verbindung gebracht. Bei Tschechow sind solche transparenten Assoziationen nie zufällig.

Der Schauplatz des ersten Aktes ist „das Zimmer, das noch heißt“. Kinder-„während im Stück niemand Kinder im entsprechenden zarten Alter hat.“ blühen Kirschbäume aber im Garten kalter Morgen". So sind bereits in der ersten Bemerkung zwei „Zeitverschiebungen" versteckt, die auf eine deutliche zeitliche Diskrepanz schließen lassen.

Was passiert in der ersten Szene? Was ist seine Wirkung? Erwartung. Warten als Aktion. Was die Ereignisse betrifft, passiert nichts, gleichzeitig ist die effektive Füllung der Szene so intensiv und angespannt, dass Dunyasha am Ende der Episode mit ihrer Erlaubnis kurz vor der Ohnmacht steht. Wir wissen immer noch nichts über die Natur von Dunyashas extremer Zartheit und Sensibilität, und daher wird das Wort „Ohnmacht“ als identisch mit sich selbst wahrgenommen. Um zwei Uhr morgens (eine weitere bedeutende Zeitverschiebung) entfaltet sich eine „intensive“ Aktion vor dem Hintergrund nicht nur sichtbarer, sondern sogar bewusster Handlungslosigkeit – Lopakhin „gähnt und streckt sich“, er „verschläft“.

Wer und wann im Kirschgarten schläft, ist von entscheidender Bedeutung. Wie bereits erwähnt, ist die Dauer der Episode Nacht. Lopakhin hat verschlafen, aber was ist so wichtig, dass er verschlafen hat? Nichts. Seine offensichtliche Unbeholfenheit, die vorübergehende Situation zu verpassen – eingebildet. Wir wissen, dass Lopakhin im Finale der einzige sein wird, der die Echtzeit nicht verschläft. Es ist kein Zufall, dass Tschechow das Moskauer Kunsttheater warnte, Lopakhin sei „eine ... zentrale Rolle“. Wenn es zeitliche Abweichungen gibt, liegt das nicht an der Zeit selbst, sondern an anderen Akteuren. Der Rest wird in Echtzeit „schlafen“ und es nicht einmal bemerken. Lopakhin - einzige Person in Echtzeit, er schläft nachts, er schläft nachts. Ranevskaya trinkt abends Kaffee.

„Alles ist wie ein Traum“, bemerkt Warja weiter. „Was ist, wenn ich schlafe?“ - Ranevskaya wird sich fragen. Der Clown Pishchik schläft im Laufe der Handlung ständig ein und schnarcht. Anya schläft in ihrer kindlichen Unwissenheit über das Leben. Das im Stück äußerst bedeutsame Leitthema des sich weiter entfaltenden Traums beginnt in der ersten Episode gerade mit Lopakhin, der angeblich „verschlafen“ hat.

Auf der Bühne stehen zwei Charaktere: Lopakhin und Dunyasha. Von ihnen erfahren wir, dass auch der Zug, mit dem die erwarteten Helden ankamen, nicht im Einklang mit der Zeit war – er war mindestens zwei Stunden „verspätet“. Dank der Trägheit des Zuges können wir etwas über die Anwesenden erfahren.

Die folgende Selbstdarstellung Lopakhins ist voller Bedeutung. „... Mein Vater ... er handelte in einem Laden im Dorf“ und Lopakhin selbst war als Kind ein „Mann“ für Ranevskaya. „Mann... Mein Vater war zwar ein Mann, aber ich in einer weißen Weste, gelben Schuhen. Mit einer Schweineschnauze Kalaschny-Reihe... Gerade jetzt ist er reich, es gibt viel Geld, aber wenn man darüber nachdenkt und es versteht, dann ist ein Bauer ein Bauer ... Ich habe ein Buch gelesen und nichts verstanden. Ich las und schlief ein. „Die Tatsache, dass Lopakhin beim Lesen eines Buches einschlief, ist nicht so wichtig. Wenn das Lesen Yermolai Alekseevich überwältigte, dann war das Buch entweder langweilig, oder es hatte keine praktische Bedeutung darin, was für ihn der Fall ist.“ Dasselbe. Lopakhins Unverständlichkeit, wie und sein Zeitmangel, eingebildet, verdecken vorerst seine extreme Schärfe. Viel wichtiger ist, dass wir in der Person von Lopakhin den ersten „verkleideten“ „Kirschgarten“ treffen. Er ist dabei eine weiße Weste und gelbe Schuhe, und er selbst ist ein Bauer. So fängt es an Hauptthema spielt das Thema eines Mannes, der nicht an seinem Platz und nicht in seiner Zeit ist.

Nachdem er sich vorgestellt hat, „stellt“ Lopakhin uns wie versehentlich seinen Gesprächspartner vor.

"LOPAKHIN. Was bist du, Dunyasha, so ... DUNYASHA. Meine Hände zittern. Ich werde ohnmächtig.

(Später wird das Thema von Dunyashas Ohnmacht von Tschechow auf rein skurrile Weise aufgepumpt und entwickelt - A.K.)

LOPAKHIN. Du bist sehr sanft, Dunyasha. Und du kleidest dich wie eine junge Dame, und deine Haare auch. Das kann man so nicht machen. Wir müssen uns an uns selbst erinnern."

Dunyasha ist also auch „verkleidet“, auch auf ihre Art fehl am Platz. Der dritte Charakter tritt ein, Epikhodov. Tschechows Bemerkung: „Epichodow kommt mit einem Blumenstrauß herein, er trägt eine Jacke und glänzend polierte Stiefel, die laut knarren". Es stellt sich heraus, dass auch Epichodow „verkleidet“ ist. Tschechow macht unterdessen sofort klar, dass er eingetreten ist Clown. Bemerkung: „Beim Betreten lässt er den Blumenstrauß fallen.“ Epikhodov äußerte noch eine weitere Neuigkeit über die „verrückte Zeit“, die bereits in der ersten Bemerkung erwähnt wurde: „Jetzt ist Matinee, der Frost beträgt drei Grad und die Kirsche blüht.“

Einerseits bietet uns Tschechow ein subtiles poetisch-dramatisches Bild von „Blumen im Frost“, aber dieses Bild wird Epichodow in den Mund gelegt. Unmittelbar darauf folgt der aufschlussreiche Kommentar des komödiantischen Clowns Epikhodov, der davor warnt, seine Worte ernst zu nehmen. „Ich kann unser Klima nicht gutheißen. (Seufzt.) Das kann ich nicht. Unser Klima kann nicht genau richtig sein. Hier, Yermolai Alekseich, lassen Sie mich hinzufügen, ich habe mir am Tag zuvor Stiefel gekauft, und ich wage es, Ihnen zu versichern, Sie knarren so sehr, dass es keinen Weg mehr gibt...“

Der komische Effekt entsteht hier durch eine deutliche Diskrepanz zwischen Worten, Sprache und der sinnvollen Bedeutung des gesprochenen Textes. Es stellt sich heraus, dass nicht nur Epikhodov selbst verkleidet ist, sondern auch seiner Sprache, sein ICH. „Verkleidet“ sind auch seine „zweiundzwanzig Unglücke“, die keine Unglücke sind: Er ließ seinen Blumenstrauß fallen, seine Stiefel knarrten, er stolperte über einen Stuhl und dergleichen.

Epikhodov geht, aber Dunyasha greift sein komödiantisches Thema auf. Am Anfang ihrer „lyrischen“ Geschichte über Epikhodovs „verrückte“ Liebe zu ihr und über den Vorschlag, den er ihr gemacht hat, wird die wartende Episode gelöst – „sie kommen!“

Im Prinzip wirkt die gesamte zweiseitige Folge wie ein Clown-Divertissement vor Beginn der Sendung. Dieses Divertissement enthält bereits alle Zukunftsthemen des großen Stücks und vor allem das Hauptthema der „dislozierten Zeit“, Menschen, die nicht an ihrem Platz und in ihrer Zeit sind, die aus der Zeit gefallen sind, die die Zeit durcheinander gebracht haben, und stehen daher in einem Gegensatzverhältnis zur Zeit. Comedy-Opposition.

Dieses Divertissement erinnert an das Eröffnungsdivertissement einer anderen Tschechow-Komödie, „Die Möwe“, gespielt von Medwedenko und Mascha („Warum trägst du immer Schwarz?“). Zwar bildet das Clownpaar Medwedenko und Mascha in „Die Möwe“ einen kontrastierenden Gegensatz zu dem Paar der Liebhaber des ersten Plans, Treplev und Zarechnaya. In der „Farce“ „Der Kirschgarten“ wird Parodie trotz ihrer Parodie nicht als Kontrast wahrgenommen, sondern lediglich als Verdoppelung und Übertreibung einer Situation oder eines Verhaltensmotivs. Der Abstand zwischen dem Parodierten und dem Parodierten ist nicht so groß, denn die Clownerie von „The Cherry Orchard“ ist total, zügellos und fängt fast alle Charaktere ein, von der offenen Clownin Charlotte Iwanowna bis hin zu Ranevskaya und Gaev, einschließlich.

In „Der Kirschgarten“ selbst entwickelt sich das anfängliche, noch implizite clowneske Divertissement des ersten Akts in der bereits offenen Clownerie der ersten Szene des zweiten Akts weiter, dargeboten von Charlotte, Yasha, Dunyasha und Epikhodov. Diese Szene ist eine Parade karikierter Clowns mit Revolvern, Waffen, Talmochki, Zigarren, Liebesromanen, Erklärungen, Verrat, verletzter Würde, Motiven für Einsamkeit und verzweifeltem Selbstmord. Fatale Themen und die ihnen entsprechende Umgebung und Vokabular „in einem Menschen“ wirken parodistisch, während das Hauptthema „ein Mann ist fehl am Platz und außerhalb seiner Zeit“ erhalten bleibt. Charlotte sagt, sie habe keinen Reisepass, sie wisse nicht einmal, wie alt sie sei. „... Wo ich herkomme und wer ich bin – ich weiß es nicht... (Nimmt eine Gurke aus der Tasche und isst sie.) Ich weiß nichts.“ Charlotte mit der Gurke ist in dieser Szene nicht mehr und nicht weniger als ein Parodie-Double von Ranevskaya.

Zurück zum ersten Akt: Es ist angebracht anzumerken, dass es Ranevskaya war, die dort als erste das Thema des Clown-Divertissements aufgegriffen hat, freudig, unter Tränen, berührt vom Raum, „Kinder!“. „Kinder“ ähnelt Gaevs „Schrank“. „Kinder, mein liebes, schönes Zimmer ... Ich habe hier geschlafen, als ich klein war ... ( Weinen.) Und jetzt bin ich wie ein kleines Kind ... „Wenn wir uns an Tschechows Definition von Ranevskaya als „alte Frau“ erinnern, wird die Unangemessenheit ihrer Gefühle mehr als offensichtlich. drückt nichts weiter aus als die Stimmung der Figur, und keineswegs die Szene, und steht nicht im Widerspruch zum komödiantischen Charakter der Handlung.

Das Leben im Cherry Manor ist bereits Geschichte. Der Garten ist nur deshalb bemerkenswert, weil er im Enzyklopädischen Wörterbuch erwähnt wird. Das Haus und alles darin ist mit Erinnerungen verbunden, aber für das wirkliche Leben überhaupt nicht geeignet. Tatsächlich existieren sie in Wirklichkeit nicht mehr. Tatsächlich gehören sie nicht mehr den Vorbesitzern. Lopakhin verkündet zu Beginn des ersten Aktes das Urteil über den Kirschgarten.

Im Jahr 1914 erinnerte sich Stanislavsky. „Das Stück wurde lange Zeit nicht aufgeführt. Vor allem der zweite Akt. Es hat im theatralischen Sinne keine Handlung und wirkte bei den Proben sehr eintönig. Es war notwendig, es darzustellen.“ Langeweile des Nichtstuns damit es interessant wäre...“ Wir wandten uns mit der Bitte um eine Ermäßigung an Tschechow. „Anscheinend verursachte ihm diese Bitte Schmerzen, sein Gesicht verfinsterte sich.“ Aber dann antwortete er: „Nun, verkürzen Sie es ...“ Stanislawski, der nach Taten sucht, findet sich tatsächlich in der Gefangenschaft der Worte wieder und bemerkt nicht die Handlung, die sich dahinter verbirgt. Zusammen mit Tschechows Helden spürt er nicht den wahren Lauf der Zeit , findet sich nicht auf der Bühne, sondern im Leben in einer komischen Situation wieder. Das Thema des zweiten Aktes ist keineswegs „Langeweile“ – ein solches Verständnis des Stücks wurde 1904 von demselben Meyerhold kritisiert. Sein Thema wiederum, Erwartung, rasch zunehmendes Ausmaß - die Erwartung einer mystischen Katastrophe eines einstürzenden Hauses. Die Wirkung des zweiten Aktes liegt darin, dass trotz Lopakhins Überzeugung, eine praktische Entscheidung zu treffen, keine Aktion bzw. keine Aktion erfolgt. Gleichzeitig bewegen sich Echtzeitbewegungen, die den unvermeidlichen Zusammenbruch des Kirschanwesens näher bringen. Mittlerweile liegt das aber keineswegs an der „Langeweile des Nichtstuns“, sondern an der Anspannung gespannte Schnur, das am Ende des Aktes abbricht (das „Geräusch einer gerissenen Saite“ ist zu hören).

Der dritte Akt beginnt überhaupt mit einer Farce: einer Tanzszene, einem „Ball“, der vor dem Hintergrund laufender Auktionen stattfindet. Es ist kein Zufall, dass Meyerhold die Tänzer als nachlässig tanzende Marionetten erschienen. Die Bedeutung dieser Farce drückt sich nicht so sehr in den Worten und Verhaltensweisen einzelner Charaktere aus, sondern in der Situation als Ganzes. (Allerdings spricht als erster, wie es sich für eine Farce gehört, der Clown Pishchik, der von der Pferdeherkunft seiner Art erzählt.) Vor der drohenden Katastrophe scheint auch Ranevskaya selbst klar zu sehen. Die Realität kommt zum Vorschein. Ihre Einsicht ist jedoch ebenso wie Lopakhins scheinbare „Fehlschläge“ imaginär. „Das Unglück kommt mir so unglaublich vor, dass ich irgendwie gar nicht weiß, was ich denken soll, ich bin ratlos ...“ Inzwischen ist das „Unglück“ bereits eingetreten. Lopakhin kaufte den Kirschgarten, und diese Tatsache spricht mehr als alles andere für sich und für ihn, Lopakhin. Angesichts Lopakhins siegt die reale Zeit über die illusorische Zeit.

Der vierte Akt wird erneut vom Clown eröffnet, diesmal von Yasha. Es folgt eine Reihe von Abschieden. Lopakhin und Trofimov vergleichen ihre Werte, während der gebildete, gesprächige und absolut inaktive Petja lange und in jeder Hinsicht gegen den ungebildeten, aber aktiven Yermolai Alekseevich „verloren“ ist. Beim Abschied erklären Yasha und Dunyasha auch, dass die Handlung nicht aus dem ihm von Tschechow vorgegebenen komödiantischen Rahmen herausfällt. Gaev und Ranevskaya fallen in die Kindheit zurück. Mit dem Geld einer anderen Person, dem Geld von Aninas Tante, geht sie nach Paris, wissend, dass das Geld nicht lange reichen wird, aber sie möchte nicht weit in die Zukunft blicken. Es stellt sich heraus, dass der Fall überhaupt nicht im Kirschgarten liegt, den es in Wirklichkeit nicht mehr gibt. Der Kirschgarten offenbart endlich seinen eigenen symbolischen Charakter. Firs ist vergessen im Haus eingesperrt. Wieder ist das Geräusch einer gerissenen Saite zu hören, gefolgt vom Geräusch einer Axt ...

Als Antwort auf Tschechows Brief an Lilina erhob Stanislawski Einspruch. „Das ist keine Komödie, keine Farce, wie Sie geschrieben haben – das ist eine Tragödie, egal, welches Ergebnis Sie im letzten Akt zu einem besseren Leben eröffnen. Ich habe geweint wie eine Frau.“ Unterdessen gibt es in Tschechows Stück kein besonderes „Ergebnis zu einem besseren Leben“. Das Ergebnis erschöpft sich in der Enthüllung der Illusion, der illusorischen Natur der imaginären Zeit. Anya freut sich nur deshalb über den Einsturz des Kirschgartens, weil er Freiheit von Illusionen bedeutet. Auch Trofimovs revolutionäre Vergangenheit und Zukunft fehlen im Stück. Sie werden später erfunden. Zum Teil wird dies durch die Ereignisse erleichtert, die nicht das Stück, sondern das Leben im nächsten Jahr 1905 betreffen.

Es ist merkwürdig, dass für Stanislawski und die von ihm vertretene Tradition der „Exodus“ der wichtigste bestimmende Faktor für das Genre des Stücks ist. Das Ausbleiben eines Ergebnisses für Ranevskaya und Gaev macht das Stück seiner Meinung nach zu einer Tragödie. Inzwischen ist es offensichtlich, dass Stanislawski und Tschechow ein unterschiedliches Verständnis des Ausmaßes und der Natur des Konflikts zeigen, was auf ein unterschiedliches Verständnis nicht nur der Natur des Handelns, sondern auch des Humanismus zurückzuführen ist. Sowohl historisch als auch ästhetisch unterschiedlich. Stanislavsky bekennt sich zu einem personalistischen Verständnis des Humanismus: Auf der Ebene der Menschen, die er mag, erweist sich der Konflikt als unlösbar – Stanislavsky sieht darin eine Tragödie. Deshalb interpretiert er die Konventionen des Stücks im Hinblick auf die Logik des Lebensverhaltens, das ihnen nicht entspricht.

Tschechow hat ein anderes, verallgemeinertes Verständnis des Humanismus. Seine Charaktere stehen nicht im Konflikt miteinander, sondern im unaufhaltsamen Lauf der Zeit. Stanislavsky kann, wie viele nach ihm, beispielsweise nicht zugeben, dass die Komödie mit einer Szene mit den kranken Firs endet, die vergessen und im Haus eingesperrt sind und nun unweigerlich sterben werden. Für Tschechow war Firs jedoch in Echtzeit längst gestorben, lange bevor das Stück begann. Dass er in Vergessenheit geriet, ist ein weiterer Beweis für das „verrückte Jahrhundert“, eine Zeit, die mit dem Verkauf des Kirschgartens endgültig ihren illusorischen Charakter verlor. Der Kirschgarten war die letzte Illusion, die es ermöglichte, die unwirkliche Zeitdimension, in der seine Helden lebten, als Realität zu betrachten. In dieser verallgemeinerten Bedeutung von „The Cherry Orchard“ liegt die Garantie für seine Relevanz.

Tschechows Stück ist keineswegs starr an eine bestimmte Zeit oder eine bestimmte soziale Schicht gebunden. In diesem Zusammenhang von der Krise des Adels oder der Leibeigenschaft, von der wachsenden Aktivität der Kaufleute, vom revolutionären Geist Trofimows und dergleichen zu sprechen, bedeutet, das Stück in der Geschichte zu begraben. Dagegen wehrt sie sich jedoch erfolgreich. Wie sich das Theater dem widersetzt und im Laufe der Zeit neue und relevante Interpretationen von „The Cherry Orchard“ bietet.

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* Alle Zitate stammen aus dem Buch: Tschechow A.P. Sobr. cit.: In 12 t. M., 1963. T. 9. Kursivschrift gehört mir überall – A.K.

entnommen aus der Website: http://www.utoronto.ca/tsq/16/index16.shtml

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