Καλλιτεχνική κουλτούρα της Αναγέννησης. προ-αναβίωση

Δημιουργία ιδανική πόληβασάνιζε επιστήμονες και αρχιτέκτονες διαφόρων χωρών και εποχών, αλλά οι πρώτες προσπάθειες να σχεδιάσουν κάτι τέτοιο προέκυψαν στην Αναγέννηση. Αν και οι επιστήμονες εργάζονταν στην αυλή των Φαραώ και των Ρωμαίων αυτοκρατόρων, των οποίων τα έργα αποσκοπούσαν στη δημιουργία κάποιου είδους ιδανικού οικισμού, στον οποίο όχι μόνο όλα θα υπάκουαν ξεκάθαρα στην ιεραρχία, αλλά και στην οποία θα ήταν άνετο να ζεις και για τον ηγεμόνα και ο απλός τεχνίτης. Θυμηθείτε τουλάχιστον το Akhetaten, το Mohenjodaro ή ένα φανταστικό έργο που πρότεινε ο Στασικράτης στον Μέγα Αλέξανδρο, σύμφωνα με το οποίο πρότεινε να σκαλιστεί ένα άγαλμα ενός διοικητή από το Άγιο Όρος με μια πόλη στο μπράτσο του. Το μόνο πρόβλημα ήταν ότι αυτοί οι οικισμοί είτε έμειναν στα χαρτιά είτε καταστράφηκαν. Η ιδέα του σχεδιασμού μιας ιδανικής πόλης δεν ήρθε μόνο σε αρχιτέκτονες, αλλά και σε πολλούς καλλιτέχνες. Υπάρχουν αναφορές ότι οι Piero della Francesca, και Giorgio Vasari, και Luciano Laurana και πολλοί άλλοι ασχολήθηκαν με αυτό.

Ο Piero della Francesco ήταν γνωστός στους συγχρόνους του κυρίως ως συγγραφέας πραγματειών για την τέχνη. Μόνο τρία από αυτά μας έχουν φτάσει: «Πραγματεία για τον άβακα», «Προοπτική στη ζωγραφική», «Πέντε κανονικά σώματα». Ήταν αυτός που έθεσε πρώτος το ζήτημα της δημιουργίας μιας ιδανικής πόλης στην οποία τα πάντα θα υπόκεινται σε μαθηματικούς υπολογισμούς, υποσχόμενοι κατασκευές σαφούς συμμετρίας. Για το λόγο αυτό, πολλοί μελετητές αποδίδουν στον Pierrot την εικόνα «Άποψη μιας ιδανικής πόλης», που ταιριάζει απόλυτα στις αρχές της Αναγέννησης.

Ο Leon Battista Alberti έφτασε πιο κοντά στην υλοποίηση ενός τόσο μεγάλης κλίμακας έργου. Είναι αλήθεια ότι δεν κατάφερε να πραγματοποιήσει την ιδέα του στο σύνολό της, αλλά άφησε πίσω του μεγάλο αριθμό σχεδίων και σημειώσεων, σύμφωνα με τις οποίες άλλοι καλλιτέχνες μπόρεσαν να πετύχουν στο μέλλον αυτό που δεν κατάφερε ο Leon. Συγκεκριμένα, ο Bernardo Rosselino ενήργησε ως εκτελεστής πολλών από τα έργα του. Αλλά ο Leon εφάρμοσε τις αρχές του όχι μόνο γραπτώς, αλλά και με το παράδειγμα πολλών από τα κτίρια που έχτισε. Βασικά, αυτά είναι πολλά παλάτσο σχεδιασμένα για οικογένειες ευγενών. Ο αρχιτέκτονας αποκαλύπτει το δικό του παράδειγμα ιδανικής πόλης στην πραγματεία του Περί Αρχιτεκτονικής. Ο επιστήμονας έγραψε αυτό το έργο μέχρι το τέλος της ζωής του. Εκδόθηκε μεταθανάτια και έγινε το πρώτο έντυπο βιβλίο που αποκάλυψε τα προβλήματα της αρχιτεκτονικής. Σύμφωνα με τον Leon, η ιδανική πόλη έπρεπε να αντικατοπτρίζει όλες τις ανάγκες ενός ανθρώπου, να ανταποκρίνεται σε όλες τις ανθρωπιστικές του ανάγκες. Και αυτό δεν είναι τυχαίο, γιατί η κορυφαία φιλοσοφική σκέψη στην Αναγέννηση ήταν ο ανθρωποκεντρικός ουμανισμός. Η πόλη θα έπρεπε να χωριστεί σε συνοικίες, οι οποίες θα χωρίζονταν σύμφωνα με μια ιεραρχική αρχή ή ανάλογα με το είδος της απασχόλησης. Στο κέντρο, στην κεντρική πλατεία, υπάρχει ένα κτίριο όπου θα συγκεντρωνόταν η εξουσία της πόλης, καθώς και ο κύριος καθεδρικός ναός και τα σπίτια των ευγενών οικογενειών και των διευθυντών της πόλης. Πιο κοντά στα περίχωρα ήταν τα σπίτια των εμπόρων και των τεχνιτών, και οι φτωχοί ζούσαν στα ίδια τα σύνορα. Μια τέτοια διάταξη κτιρίων, σύμφωνα με τον αρχιτέκτονα, αποτελούσε εμπόδιο για την εμφάνιση διαφόρων κοινωνικών αναταραχών, αφού τα σπίτια των πλουσίων θα χωρίζονταν από τις κατοικίες των φτωχών πολιτών. Μια άλλη σημαντική αρχή σχεδιασμού είναι ότι έπρεπε να καλύψει τις ανάγκες οποιασδήποτε κατηγορίας πολιτών, ώστε και ο ηγεμόνας και ο κληρικός να ζουν άνετα σε αυτή την πόλη. Υποτίθεται ότι περιείχε όλα τα κτίρια, από σχολεία και βιβλιοθήκες μέχρι αγορές και ιαματικά λουτρά. Η δημόσια προσβασιμότητα τέτοιων κτιρίων είναι επίσης σημαντική. Ακόμα κι αν αγνοήσουμε όλες τις ηθικές και κοινωνικές αρχές μιας ιδανικής πόλης, τότε οι εξωτερικές, καλλιτεχνικές αξίες παραμένουν. Η διάταξη έπρεπε να είναι κανονική, σύμφωνα με την οποία η πόλη χωριζόταν σε καθαρές συνοικίες από ευθύγραμμους δρόμους. Γενικά, όλες οι αρχιτεκτονικές κατασκευές πρέπει να υπόκεινται σε γεωμετρικά σχήματα και να σχεδιάζονται κατά μήκος ενός χάρακα. Τα τετράγωνα ήταν είτε στρογγυλά είτε ορθογώνια. Σύμφωνα με αυτές τις αρχές, οι παλιές πόλεις, όπως η Ρώμη, η Γένοβα, η Νάπολη, υποβλήθηκαν σε μερική κατεδάφιση των παλαιών μεσαιωνικών δρόμων και στην κατασκευή νέων ευρύχωρων συνοικιών.

Σε ορισμένες πραγματείες, μια παρόμοια παρατήρηση βρέθηκε για τον ελεύθερο χρόνο των ανθρώπων. Αφορούσε κυρίως αγόρια. Προτάθηκε η κατασκευή παιδικών χαρών και διασταυρώσεων στις πόλεις τέτοιου τύπου ώστε οι νέοι που παίζουν να βρίσκονται υπό τη συνεχή επίβλεψη ενηλίκων που θα μπορούσαν να τις παρατηρούν απρόσκοπτα. Αυτές οι προφυλάξεις αποσκοπούσαν στην εκπαίδευση της σύνεσης των νέων.

Η κουλτούρα της Αναγέννησης με πολλούς τρόπους παρείχε τροφή για περαιτέρω προβληματισμό σχετικά με τη δομή της ιδανικής πόλης. Αυτό ίσχυε ιδιαίτερα για τους ουμανιστές. Σύμφωνα με την κοσμοθεωρία τους, τα πάντα πρέπει να δημιουργηθούν για έναν άνθρωπο, για την άνετη ύπαρξή του. Όταν πληρούνται όλες αυτές οι προϋποθέσεις, ένα άτομο θα λάβει κοινωνική γαλήνη και πνευματική ευτυχία. Επομένως, σε τέτοια
η κοινωνία απλά a priori δεν μπορεί να έχει πολέμους ή ταραχές. Η ανθρωπότητα κινείται προς ένα τέτοιο αποτέλεσμα καθ' όλη τη διάρκεια της ύπαρξής της. Θυμηθείτε τουλάχιστον την περίφημη «Ουτοπία» του Τόμας Μορ ή το «1984» του Τζορτζ Όργουελ. Έργα αυτού του είδους επηρέασαν όχι μόνο τα λειτουργικά χαρακτηριστικά, αλλά και τη σκέψη για τις σχέσεις, την τάξη και τη δομή της κοινότητας που ζούσε σε αυτήν την τοποθεσία, όχι απαραίτητα μια πόλη, ίσως και τον κόσμο. Αλλά αυτά τα θεμέλια τέθηκαν τον 15ο αιώνα, οπότε μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι οι επιστήμονες της Αναγέννησης ήταν άνθρωποι με πλήρη μόρφωση της εποχής τους.

Αγαπητοί χρήστες! Με χαρά σας καλωσορίζουμε στο site της Ηλεκτρονικής επιστημονικής έκδοσης «Analytics of Culturology».

Αυτός ο ιστότοπος είναι αρχείο. Άρθρα για τοποθέτηση δεν γίνονται δεκτά.

Η ηλεκτρονική επιστημονική έκδοση «Analytics of Cultural Studies» αποτελεί τα εννοιολογικά θεμέλια των πολιτισμικών σπουδών (θεωρία του πολιτισμού, φιλοσοφία του πολιτισμού, κοινωνιολογία του πολιτισμού, ιστορία του πολιτισμού), τη μεθοδολογία, την αξιολογία και την ανάλυση. Αυτή είναι μια νέα λέξη στην κουλτούρα του επιστημονικού και κοινωνικο-επιστημονικού διαλόγου.

Το υλικό που δημοσιεύεται στην ηλεκτρονική επιστημονική έκδοση "Analytics of Culturology" λαμβάνεται υπόψη κατά την υπεράσπιση διατριβών (υποψήφιου και διδακτορικού) της Ανώτατης Επιτροπής Πιστοποίησης της Ρωσικής Ομοσπονδίας. Κατά τη σύνταξη επιστημονικών εργασιών και διατριβών, ο αιτών υποχρεούται να παρέχει συνδέσμους προς επιστημονική εργασίαδημοσιεύεται σε ηλεκτρονικά επιστημονικά περιοδικά.

Σχετικά με το περιοδικό

Η ηλεκτρονική επιστημονική έκδοση «Analytics of Cultural Studies» είναι δικτυακή ηλεκτρονική έκδοση και εκδίδεται από το 2004. Δημοσιεύει επιστημονικά άρθρα και σύντομα μηνύματα, αντικατοπτρίζοντας επιτεύγματα στον τομέα των πολιτιστικών σπουδών και των συναφών επιστημών.

Αυτή η έκδοση απευθύνεται σε επιστήμονες, εκπαιδευτικούς, μεταπτυχιακούς φοιτητές και φοιτητές, υπαλλήλους ομοσπονδιακών και περιφερειακών κυβερνητικών φορέων και δομών τοπικής αυτοδιοίκησης, όλων των κατηγοριών πολιτιστικών διευθυντών.

Όλες οι δημοσιεύσεις ελέγχονται. Η πρόσβαση στο περιοδικό είναι δωρεάν.

Το περιοδικό είναι κριτής, έχει περάσει την εξέταση από κορυφαίους εμπειρογνώμονες της Ρωσικής Ακαδημίας Επιστημών και του MGUKI, πληροφορίες σχετικά με αυτό τοποθετούνται σε διαδικτυακές βάσεις δεδομένων.

Στις δραστηριότητές της, η ηλεκτρονική επιστημονική έκδοση «Analytics of Cultural Studies» βασίζεται στις δυνατότητες και τις παραδόσεις του Tambov κρατικό Πανεπιστήμιοτους. G.R. Derzhavin.

Εγγεγραμμένος από την Ομοσπονδιακή Υπηρεσία Εποπτείας Μαζικών Επικοινωνιών, Επικοινωνιών και Ασφάλειας πολιτιστικής κληρονομιάςΠιστοποιητικό εγγραφής στα ΜΜΕ El No. FS 77-32051 με ημερομηνία 22 Μαΐου 2008

Ο κλασικισμός στην αρχιτεκτονική της Δυτικής Ευρώπης

Ας το αφήσουμε στους Ιταλούς

Άδειο πούλιες με την ψεύτικη γυαλάδα του.

Σύνολο το νόημα είναι πιο σημαντικόαλλά για να έρθεις σε αυτόν,

Θα πρέπει να ξεπεράσουμε εμπόδια και μονοπάτια,

Ακολουθήστε αυστηρά τη σημειωμένη διαδρομή:

Μερικές φορές το μυαλό έχει μόνο έναν δρόμο...

Πρέπει να σκεφτείς το νόημα και μόνο μετά να γράψεις!

N. Boileau. «Ποιητική Τέχνη».

Μετάφραση V. Lipetskaya

Έτσι δίδαξε στους συγχρόνους του ένας από τους κύριους ιδεολόγους του κλασικισμού, ο ποιητής Nicolas Boileau (1636-1711). Οι αυστηροί κανόνες του κλασικισμού ενσωματώθηκαν στις τραγωδίες του Κορνέιγ και του Ρασίν, τις κωμωδίες του Μολιέρου και τις σάτιρες του Λα Φοντέν, τη μουσική του Λούλι και τη ζωγραφική του Πουσέν, την αρχιτεκτονική και τη διακόσμηση των ανακτόρων και των συνόλων του Παρισιού...

Ο κλασικισμός εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα στα έργα αρχιτεκτονικής, επικεντρώθηκε στα καλύτερα επιτεύγματα του αρχαίου πολιτισμού - ένα σύστημα τάξης, αυστηρή συμμετρία, μια σαφής αναλογικότητα των μερών της σύνθεσης και την υποταγή τους στη γενική ιδέα. Το «αυστηρό στυλ» της κλασικιστικής αρχιτεκτονικής φαινόταν να προορίζεται να ενσωματώσει οπτικά την ιδανική φόρμουλα της «ευγενούς απλότητας και ήρεμης μεγαλοπρέπειας». Στις αρχιτεκτονικές δομές του κλασικισμού κυριαρχούσαν απλές και ξεκάθαρες φόρμες, μια ήρεμη αρμονία αναλογιών. Προτιμήθηκαν ευθείες γραμμές, διακριτική διακόσμηση, επαναλαμβάνοντας το περίγραμμα του αντικειμένου. Η απλότητα και η αρχοντιά της κατασκευής, η πρακτικότητα και η σκοπιμότητα επηρέασαν τα πάντα.

Με βάση τις ιδέες των αναγεννησιακών αρχιτεκτόνων για την «ιδανική πόλη», οι αρχιτέκτονες του κλασικισμού δημιούργησαν ένα νέο είδος μεγαλειώδους συνόλου παλατιών και πάρκων, αυστηρά υποταγμένο σε ένα ενιαίο γεωμετρικό σχέδιο. Μία από τις εξαιρετικές αρχιτεκτονικές κατασκευές αυτής της εποχής ήταν η κατοικία των Γάλλων βασιλιάδων στα περίχωρα του Παρισιού - το Παλάτι των Βερσαλλιών.

«Νεράιδα Όνειρο» των Βερσαλλιών

Μαρκ Τουέιν, που επισκέφτηκε τις Βερσαλλίες στα μέσα του 19ου αιώνα.

«Μάλωσα τον Λουδοβίκο 14ο, ο οποίος ξόδεψε 200 εκατομμύρια δολάρια στις Βερσαλλίες όταν οι άνθρωποι δεν είχαν αρκετό ψωμί, αλλά τώρα τον συγχώρεσα. Είναι απίστευτα όμορφο! Κοιτάζεις, απλά άνοιξε τα μάτια σου και προσπάθησε να καταλάβεις ότι είσαι στη γη και όχι στους κήπους της Εδέμ. Και είστε σχεδόν έτοιμοι να πιστέψετε ότι αυτό είναι μια φάρσα, απλώς ένα υπέροχο όνειρο.

Πράγματι, το «παραμυθένιο όνειρο» των Βερσαλλιών εξακολουθεί να εκπλήσσει με την κλίμακα της κανονικής διάταξης, τη μαγευτική λαμπρότητα των προσόψεων και τη λαμπρότητα της διακοσμητικής διακόσμησης των εσωτερικών χώρων. Οι Βερσαλλίες έγιναν ορατή ενσάρκωση της μεγάλης επίσημης αρχιτεκτονικής του κλασικισμού, εκφράζοντας την ιδέα ενός ορθολογικά διατεταγμένου μοντέλου του κόσμου.

Εκατό εκτάρια γης σε ένα εξαιρετικά για λίγο(1666-1680) μετατράπηκαν σε ένα κομμάτι παραδείσου που προοριζόταν για τη γαλλική αριστοκρατία. Οι αρχιτέκτονες Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) και André Le Nôtre(1613-1700). Επί σειρά ετών έχουν ξαναχτίσει και έχουν αλλάξει πολλά στην αρχιτεκτονική του, έτσι ώστε προς το παρόν να είναι μια σύνθετη συγχώνευση πολλών αρχιτεκτονικών στρωμάτων, που απορροφά γνωρίσματα του χαρακτήρακλασσικότης.

Το κέντρο των Βερσαλλιών είναι το Μεγάλο Παλάτι, στο οποίο οδηγούν τρεις συγκλίνουσες λεωφόροι. Τοποθετημένο σε ορισμένο υψόμετρο, το παλάτι κατέχει κυρίαρχη θέση στην περιοχή. Οι δημιουργοί του χώρισαν το μήκος σχεδόν μισού χιλιομέτρου της πρόσοψης σε ένα κεντρικό τμήμα και δύο πλευρικά φτερά - risalit, δίνοντάς της μια ιδιαίτερη επισημότητα. Η πρόσοψη αντιπροσωπεύεται από τρεις ορόφους. Το πρώτο, που παίζει το ρόλο μιας τεράστιας βάσης, είναι διακοσμημένο με ρουστίκ στο πρότυπο των ιταλικών αναγεννησιακών παλατιών-παλατιών. Στη δεύτερη, πρόσοψη, υπάρχουν ψηλά τοξωτά παράθυρα, μεταξύ των οποίων υπάρχουν ιωνικοί κίονες και παραστάδες. Η βαθμίδα που επιστέφει το κτίριο προσδίδει μνημειακότητα στην εμφάνιση του παλατιού: συντομεύεται και τελειώνει με γλυπτικές ομάδες που δίνουν στο κτίριο μια ιδιαίτερη κομψότητα και ελαφρότητα. Ο ρυθμός των παραθύρων, των παραστάδων και των κιόνων στην πρόσοψη τονίζει την κλασική λιτότητα και τη μεγαλοπρέπειά της. Δεν είναι τυχαίο ότι ο Μολιέρος είπε για το Μεγάλο Παλάτι των Βερσαλλιών:

«Η καλλιτεχνική διακόσμηση του παλατιού είναι τόσο σε αρμονία με την τελειότητα που του δίνει η φύση που μπορεί να ονομαστεί ένα μαγικό κάστρο».

εσωτερικοί χώροι Μεγάλο παλάτιδιακοσμημένα σε στυλ μπαρόκ: αφθονούν με γλυπτική διακόσμηση, πλούσια διακόσμηση με τη μορφή επιχρυσωμένου γυψοσανίδας και σκαλιστών, πολλούς καθρέφτες και εξαίσια έπιπλα. Οι τοίχοι και οι οροφές καλύπτονται με χρωματιστές μαρμάρινες πλάκες με καθαρά γεωμετρικά σχέδια: τετράγωνα, ορθογώνια και κύκλους. Γραφικά πάνελ και ταπετσαρίες επάνω μυθολογικά θέματαδοξάζουν τον βασιλιά Λουδοβίκο XIV. Τεράστιοι χάλκινοι πολυέλαιοι με επιχρύσωση ολοκληρώνουν την εντύπωση πλούτου και πολυτέλειας.

Οι αίθουσες του παλατιού (υπάρχουν περίπου 700) σχηματίζουν ατελείωτες ενφιλάδες και προορίζονται για τελετουργικές πομπές, υπέροχες γιορτές και μπάλες μεταμφιέσεων. Στη μεγαλύτερη αίθουσα τελετών του παλατιού - την Mirror Gallery (μήκους 73 μ.) - καταδεικνύεται ξεκάθαρα η αναζήτηση νέων χωρικών και φωτιστικών εφέ. Τα παράθυρα στη μια πλευρά της αίθουσας ταίριαζαν με καθρέφτες στην άλλη. Κάτω από το φως του ήλιου ή τον τεχνητό φωτισμό, τετρακόσιοι καθρέφτες δημιούργησαν ένα εξαιρετικό χωρικό αποτέλεσμα, μεταφέροντας ένα μαγικό παιχνίδι αντανακλάσεων.

Οι διακοσμητικές συνθέσεις του Charles Lebrun (1619-1690) στις Βερσαλλίες και στο Λούβρο ήταν εντυπωσιακές στην τελετουργική τους λαμπρότητα. Η «μέθοδος απεικόνισης των παθών» που διακηρύχθηκε από τον ίδιο, η οποία περιελάμβανε πομπώδεις επαίνους υψηλόβαθμων προσώπων, έφερε στον καλλιτέχνη μια ιλιγγιώδη επιτυχία. Το 1662, έγινε ο πρώτος ζωγράφος του βασιλιά και στη συνέχεια διευθυντής του βασιλικού εργοστασίου ταπετσαριών (χειροποίητα χαλιά-εικόνες ή ταπετσαρίες) και επικεφαλής όλων των διακοσμητικών έργων στο Παλάτι των Βερσαλλιών. Στην Mirror Gallery του Παλατιού, ο Lebrun ζωγράφιζε

μια επιχρυσωμένη οροφή με πολλές αλληγορικές συνθέσεις σε μυθολογικά θέματα που δόξασαν τη βασιλεία του «Βασιλιά Ήλιου» Λουδοβίκου XIV. Γεμάτες γραφικές αλληγορίες και χαρακτηριστικά, φωτεινά χρώματα και διακοσμητικά εφέ του μπαρόκ έρχονται σε σαφή αντίθεση με την αρχιτεκτονική του κλασικισμού.

Το υπνοδωμάτιο του βασιλιά βρίσκεται στο κεντρικό τμήμα του παλατιού και βλέπει προς Ανατολή του ηλίου. Από εδώ άνοιξε μια θέα τριών αυτοκινητοδρόμων που ακτινοβολούσαν από ένα σημείο, που θύμιζε συμβολικά το κύριο κέντρο της κρατικής εξουσίας. Από το μπαλκόνι, η θέα του βασιλιά άνοιξε όλη την ομορφιά του πάρκου των Βερσαλλιών. Ο κύριος δημιουργός του Andre Le Nôtre κατάφερε να συνδέσει τα στοιχεία της αρχιτεκτονικής και της κηπουρικής τέχνης. Σε αντίθεση με τα τοπικά (αγγλικά) πάρκα, τα οποία εξέφραζαν την ιδέα της ενότητας με τη φύση, τα κανονικά (γαλλικά) πάρκα υπέταξαν τη φύση στη θέληση και τις προθέσεις του καλλιτέχνη. Το πάρκο των Βερσαλλιών εντυπωσιάζει με τη διαύγεια και την ορθολογική οργάνωση του χώρου, το σχέδιό του επαληθεύεται με ακρίβεια από τον αρχιτέκτονα με τη βοήθεια πυξίδας και χάρακα.

Τα σοκάκια του πάρκου γίνονται αντιληπτά ως συνέχεια των αιθουσών του παλατιού, καθένα από αυτά τελειώνει με μια δεξαμενή. Πολλές πισίνες έχουν το σωστό γεωμετρικό σχήμα. Οι λείοι καθρέφτες του νερού τις ώρες πριν από το ηλιοβασίλεμα αντανακλούν τις ακτίνες του ήλιου και τις ιδιότροπες σκιές που ρίχνουν θάμνοι και δέντρα κομμένα σε σχήμα κύβου, κώνου, κυλίνδρου ή μπάλας. Το πράσινο άλλοτε σχηματίζει συμπαγείς, αδιαπέραστους τοίχους, άλλοτε φαρδιές στοές, σε τεχνητές κόγχες των οποίων τοποθετούνται γλυπτικές συνθέσεις, ερμές (τετράεδροι στύλοι στεφανωμένοι με κεφάλι ή προτομή) και πολυάριθμα αγγεία με καταρράκτες από λεπτούς πίδακες νερού. Η αλληγορική πλαστικότητα των σιντριβανιών, κατασκευασμένα από διάσημους δασκάλους, έχει σχεδιαστεί για να δοξάσει τη βασιλεία του απόλυτου μονάρχη. Ο «Βασιλιάς Ήλιος» εμφανίστηκε σε αυτά είτε με το πρόσχημα του θεού Απόλλωνα, είτε του Ποσειδώνα, καβάλα έξω από το νερό σε ένα άρμα ή αναπαυόμενος ανάμεσα στις νύμφες σε ένα δροσερό σπήλαιο.

Τα λεία χαλιά από γκαζόν εκπλήσσουν με φωτεινά και πολύχρωμα χρώματα με ένα περίεργο στολίδι λουλουδιών. Σε βάζα (υπήρχαν περίπου 150 χιλιάδες από αυτά) υπήρχαν φρέσκα λουλούδια, τα οποία άλλαξαν με τέτοιο τρόπο ώστε οι Βερσαλλίες ήταν σε συνεχή άνθιση οποιαδήποτε εποχή του χρόνου. Τα μονοπάτια του πάρκου είναι σπαρμένα με χρωματιστή άμμο. Μερικά από αυτά ήταν επενδεδυμένα με πορσελάνινα τσιπς που αστράφτουν στον ήλιο. Όλο αυτό το μεγαλείο και το μεγαλείο της φύσης συμπλήρωναν οι μυρωδιές από αμύγδαλο, γιασεμί, ρόδι και λεμόνι, που απλώνονταν από τα θερμοκήπια.

Υπήρχε φύση σε αυτό το πάρκο

Σαν άψυχο?

Σαν με ψηλό σονέτο,

Μπλέκονταν με το γρασίδι.

Χωρίς χορό, χωρίς γλυκά σμέουρα,

Le Nôtre και Jean Lully

Σε κήπους και χορούς αταξίας

Δεν άντεχε.

Τα πουράκια πάγωσαν, σαν σε έκσταση,

Οι θάμνοι παρατάχθηκαν,

Και κουρασμένα

Έμαθα λουλούδια.

V. Hugo Μετάφραση E. L. Lipetskaya

Ο N. M. Karamzin (1766-1826), ο οποίος επισκέφτηκε τις Βερσαλλίες το 1790, μίλησε για τις εντυπώσεις του στα Γράμματα ενός Ρώσου ταξιδιώτη:

«Η απεραντοσύνη, η τέλεια αρμονία των μερών, η δράση του συνόλου: αυτό δεν μπορεί να απεικονίσει ο ζωγράφος με ένα πινέλο!

Ας πάμε στους κήπους, το δημιούργημα του Le Nôtre, που η τολμηρή ιδιοφυΐα παντού τοποθέτησε στο θρόνο της περήφανης Τέχνης, και η ταπεινή Na-tura, σαν φτωχός σκλάβος, τον πέταξε στα πόδια του ...

Επομένως, μην ψάχνετε για τη Φύση στους κήπους των Βερσαλλιών. αλλά εδώ, σε κάθε βήμα, η Τέχνη μαγνητίζει τα βλέμματα…»

Αρχιτεκτονικά σύνολα του Παρισιού. Αυτοκρατορία

Μετά την ολοκλήρωση των κύριων κατασκευαστικών εργασιών στις Βερσαλλίες, στο γύρισμα του 17ου-18ου αιώνα, ο André Le Nôtre ξεκίνησε έντονη δραστηριότηταγια την ανάπλαση του Παρισιού. Πραγματοποίησε τη διάσπαση του πάρκου Tuileries, στερεώνοντας σαφώς τον κεντρικό άξονα στη συνέχεια του διαμήκους άξονα του συνόλου του Λούβρου. Μετά το Le Nôtre, το Λούβρο τελικά ξαναχτίστηκε, δημιουργήθηκε η Place de la Concorde. Ο μεγάλος άξονας του Παρισιού έδωσε μια εντελώς διαφορετική ερμηνεία της πόλης, που ανταποκρινόταν στις απαιτήσεις του μεγαλείου, της μεγαλοπρέπειας και της λαμπρότητας. Η σύνθεση των ανοιχτών αστικών χώρων, το σύστημα των αρχιτεκτονικά σχεδιασμένων δρόμων και πλατειών έγιναν ο καθοριστικός παράγοντας στον σχεδιασμό του Παρισιού. Η σαφήνεια του γεωμετρικού σχεδίου των δρόμων και των πλατειών που συνδέονται σε ένα ενιαίο σύνολο πολλά χρόνιαθα γίνει κριτήριο αξιολόγησης της αρτιότητας του πολεοδομικού σχεδίου και της ικανότητας του πολεοδόμου. Πολλές πόλεις σε όλο τον κόσμο θα βιώσουν στη συνέχεια την επιρροή του κλασικού παριζιάνικου μοντέλου.

Μια νέα κατανόηση της πόλης ως αντικείμενο αρχιτεκτονικής επιρροής σε έναν άνθρωπο βρίσκει μια σαφή έκφραση στο έργο για τα αστικά σύνολα. Στη διαδικασία κατασκευής τους σκιαγραφήθηκαν οι κύριες και θεμελιώδεις αρχές πολεοδομικού σχεδιασμού του κλασικισμού - ελεύθερη ανάπτυξη στο χώρο και οργανική σύνδεση με το περιβάλλον. Ξεπερνώντας το χάος της αστικής ανάπτυξης, οι αρχιτέκτονες προσπάθησαν να δημιουργήσουν σύνολα σχεδιασμένα για μια ελεύθερη και ανεμπόδιστη θέα.

Τα αναγεννησιακά όνειρα για τη δημιουργία μιας «ιδανικής πόλης» ενσωματώθηκαν στο σχηματισμό ενός νέου τύπου πλατείας, τα όρια του οποίου δεν ήταν πλέον οι προσόψεις ορισμένων κτιρίων, αλλά ο χώρος των δρόμων και των συνοικιών που γειτνιάζουν με αυτό, πάρκα ή κήποι. ανάχωμα ποταμού. Η αρχιτεκτονική επιδιώκει να συνδέσει σε ένα συγκεκριμένο σύνολο ενότητας όχι μόνο άμεσα γειτονικά κτίρια, αλλά και πολύ απομακρυσμένα σημεία της πόλης.

Δεύτερο μισό του 18ου αιώνα και το πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα. γιορτάζεται στη Γαλλία νέο στάδιοανάπτυξη του κλασικισμού και η διανομή του στις ευρωπαϊκές χώρες - νεοκλασικισμός. Μετά το Μεγάλο Γαλλική επανάστασηκαι τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812, εμφανίστηκαν νέες προτεραιότητες στον πολεοδομικό σχεδιασμό, σύμφωνες με το πνεύμα της εποχής τους. Βρήκαν την πιο εντυπωσιακή έκφραση στο στυλ Empire. Χαρακτηρίστηκε από τα ακόλουθα χαρακτηριστικά: τελετουργικό πάθος αυτοκρατορικού μεγαλείου, μνημειακότητα, έκκληση στην τέχνη της αυτοκρατορικής Ρώμης και αρχαία Αίγυπτος, η χρήση ιδιοτήτων του Ρωμαίου στρατιωτική ιστορίαως κύρια διακοσμητικά μοτίβα.

Η ουσία του νέου καλλιτεχνικό στυλμεταφέρθηκε με μεγάλη ακρίβεια στα σημαντικά λόγια του Ναπολέοντα Βοναπάρτη:

«Λατρεύω τη δύναμη, αλλά ως καλλιτέχνης... Μου αρέσει να βγάζω ήχους, συγχορδίες, αρμονία από αυτήν».

στυλ αυτοκρατορίαςέγινε η προσωποποίηση της πολιτικής δύναμης και της στρατιωτικής δόξας του Ναπολέοντα, χρησίμευσε ως ένα είδος εκδήλωσης της λατρείας του. Η νέα ιδεολογία ανταποκρίθηκε πλήρως στα πολιτικά ενδιαφέροντα και τα καλλιτεχνικά γούστα της νέας εποχής. Παντού δημιουργήθηκαν μεγάλα αρχιτεκτονικά σύνολα ανοιχτών πλατειών, φαρδιοί δρόμοι και λεωφόροι, ανεγέρθηκαν γέφυρες, μνημεία και δημόσια κτίρια, καταδεικνύοντας το αυτοκρατορικό μεγαλείο και τη δύναμη της εξουσίας.

Για παράδειγμα, η γέφυρα Austerlitz θύμιζε τη μεγάλη μάχη του Ναπολέοντα και χτίστηκε από τις πέτρες της Βαστίλης. Στην Place CarruzelΧτίστηκε Αψίδα του Θριάμβουπρος τιμήν της νίκης στο Austerlitz. Δύο τετράγωνα (Συναίνεση και Αστέρια), χωρισμένα μεταξύ τους σε αρκετή απόσταση, συνδέονταν με αρχιτεκτονικές προοπτικές.

Εκκλησία της Αγίας Ζενεβιέβ, που ανεγέρθηκε από τον J. J. Soufflot, έγινε το Πάνθεον - ο τόπος ανάπαυσης των μεγάλων λαών της Γαλλίας. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά μνημεία εκείνης της εποχής είναι η στήλη του Grand Army στην Place Vendôme. Παρόμοια με την αρχαία ρωμαϊκή στήλη του Τραϊανού, υποτίθεται ότι, σύμφωνα με το σχέδιο των αρχιτεκτόνων J. Gonduin και J. B. Leper, εκφράζει το πνεύμα της Νέας Αυτοκρατορίας και τη δίψα του Ναπολέοντα για μεγαλείο.

Στην εσωτερική φωτεινή διακόσμηση των ανακτόρων και των δημόσιων κτιρίων, η επισημότητα και η μεγαλειώδης πομπωδία εκτιμήθηκαν ιδιαίτερα, η διακόσμηση τους ήταν συχνά υπερφορτωμένη με στρατιωτικά σύνεργα. Τα κυρίαρχα μοτίβα ήταν αντιθετικοί συνδυασμοί χρωμάτων, στοιχεία ρωμαϊκών και αιγυπτιακών διακοσμητικών: αετοί, γρύπες, τεφροδόχοι, στεφάνια, δάδες, γκροτέσκες. Το στυλ της Αυτοκρατορίας εκδηλώθηκε με μεγαλύτερη σαφήνεια στους εσωτερικούς χώρους των αυτοκρατορικών κατοικιών του Λούβρου και του Μαλμεζόν.

Η εποχή του Ναπολέοντα Βοναπάρτη τελείωσε το 1815 και πολύ σύντομα άρχισαν να εξαφανίζουν ενεργά την ιδεολογία και τα γούστα του. Από την «εξαφανισμένη σαν όνειρο» Αυτοκρατορία, υπήρχαν έργα τέχνης στο στυλ της Αυτοκρατορίας, που μαρτυρούσαν ξεκάθαρα το παλαιότερο μεγαλείο της.

Ερωτήσεις και εργασίες

1. Γιατί οι Βερσαλλίες μπορούν να αποδοθούν σε εξαιρετικά έργα;

Ως πολεοδομικές ιδέες του κλασικισμού του XVIII αιώνα. έχουν βρει την πρακτική τους εφαρμογή σε αρχιτεκτονικά σύνολαΠαρίσι, για παράδειγμα Place de la Concorde; Τι το διακρίνει από τις ιταλικές μπαρόκ πλατείες της Ρώμης τον 17ο αιώνα, όπως η Piazza del Popolo (βλ. σελ. 74);

2. Πώς εκφράστηκε η σύνδεση του μπαρόκ με τον κλασικισμό; Ποιες ιδέες κληρονόμησε ο κλασικισμός από το μπαρόκ;

3. Ποιο είναι το ιστορικό υπόβαθρο για την εμφάνιση του στυλ Empire; Ποιες νέες ιδέες της εποχής του επιδίωξε να εκφράσει σε έργα τέχνης; Σε ποιες καλλιτεχνικές αρχές βασίζεται;

δημιουργικό εργαστήριο

1. Κάντε στους συμμαθητές σας μια ξενάγηση στις Βερσαλλίες. Για την προετοιμασία του, μπορείτε να χρησιμοποιήσετε υλικό βίντεο από το Διαδίκτυο. Συχνά συγκρίνονται τα πάρκα των Βερσαλλιών και του Peterhof. Ποια πιστεύετε ότι είναι η βάση για τέτοιες συγκρίσεις;

2. Προσπαθήστε να συγκρίνετε την εικόνα της «ιδανικής πόλης» της εποχής της Αναγέννησης με τα κλασικιστικά σύνολα του Παρισιού (Αγία Πετρούπολη ή τα προάστια της).

3. Συγκρίνετε το σχέδιο εσωτερική διακόσμηση(εσωτερικοί χώροι) της γκαλερί του Φραγκίσκου Α' στο Φοντενεμπλό και της Mirror Gallery των Βερσαλλιών.

4. Γνωρίστε τους πίνακες του Ρώσου καλλιτέχνη A. N. Benois (1870-1960) από τον κύκλο «Βερσαλλίες. Walk of the King» (βλ. σελ. 74). Πώς μεταφέρουν τη γενική ατμόσφαιρα της αυλικής ζωής του Γάλλου βασιλιά Λουδοβίκου XIV; Γιατί μπορούν να θεωρηθούν ως ιδιόρρυθμες εικόνες-σύμβολα;

Θέματα έργων, περιλήψεις ή μηνύματα

«Ο σχηματισμός του κλασικισμού στη γαλλική αρχιτεκτονική του 17ου-18ου αιώνα». «Οι Βερσαλλίες ως πρότυπο αρμονίας και ομορφιάς του κόσμου» «Περπατώντας γύρω από τις Βερσαλλίες: η σύνδεση μεταξύ της σύνθεσης του παλατιού και της διάταξης του πάρκου». "Αριστουργήματα της αρχιτεκτονικής του δυτικοευρωπαϊκού κλασικισμού" "Η Ναπολεόντεια Αυτοκρατορία στην αρχιτεκτονική της Γαλλίας" «Βερσαλλίες και Πέτερχοφ: εμπειρία συγκριτικά χαρακτηριστικά»; « Καλλιτεχνικές ανακαλύψειςστα αρχιτεκτονικά σύνολα του Παρισιού». «Οι πλατείες του Παρισιού και η ανάπτυξη των αρχών του τακτικού σχεδιασμού της πόλης». "Σαφήνεια της σύνθεσης και ισορροπία των όγκων του καθεδρικού ναού των Invalides στο Παρίσι". «Η πλατεία Concord είναι ένα νέο στάδιο στην ανάπτυξη των ιδεών πολεοδομικού σχεδιασμού του κλασικισμού». «Η έντονη εκφραστικότητα των όγκων και η τσιγκουνιά της διακόσμησης της εκκλησίας της Αγίας Ζενεβιέβ (Πάνθεον) του J. Soufflot». "Χαρακτηριστικά του κλασικισμού στην αρχιτεκτονική των χωρών της Δυτικής Ευρώπης". «Εξαιρετικοί αρχιτέκτονες του δυτικοευρωπαϊκού κλασικισμού».

Βιβλία για επιπλέον ανάγνωση

Arkin D. E. Εικόνες αρχιτεκτονικής και εικόνες γλυπτικής. M., 1990. Kantor A. M. και άλλοι. Τέχνη του XVIII αιώνα. Μ., 1977. (Μικρή ιστορία των τεχνών).

Κλασσικισμός και Ρομαντισμός: Αρχιτεκτονική. Γλυπτική. Ζωγραφική. Σχέδιο / επιμ. R. Toman. Μ., 2000.

Kozhina E.F. Τέχνη της Γαλλίας του 18ου αιώνα. Λ., 1971.

LenotrJ. Η καθημερινή ζωή των Βερσαλλιών υπό τους βασιλείς. Μ., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Πολιτισμός του Διαφωτισμού. Μ., 1996.

Watkin D. Ιστορία της δυτικοευρωπαϊκής αρχιτεκτονικής. Μ., 1999. Fedotova E.D. Αυτοκρατορία του Ναπολέοντα. Μ., 2008.

Κατά την προετοιμασία της ύλης, το κείμενο του σχολικού βιβλίου «Κόσμος πολιτισμός της τέχνης. Από τον 18ο αιώνα μέχρι σήμερα» (Συγγραφέας Danilova G. I.).

Αναγεννησιακή τέχνη

Αναγέννηση- αυτή είναι η ακμή όλων των τεχνών, συμπεριλαμβανομένου του θεάτρου, της λογοτεχνίας και της μουσικής, αλλά, αναμφίβολα, το κυριότερο από αυτά, που εξέφραζε πληρέστερα το πνεύμα της εποχής του, ήταν οι καλές τέχνες.

Δεν είναι τυχαίο ότι υπάρχει μια θεωρία ότι η Αναγέννηση ξεκίνησε με το γεγονός ότι οι καλλιτέχνες δεν ήταν πλέον ικανοποιημένοι με το πλαίσιο του κυρίαρχου «βυζαντινού» στυλ και, αναζητώντας μοντέλα για το έργο τους, ήταν οι πρώτοι που στράφηκαν στο στην αρχαιότητα. Ο όρος «Αναγέννηση» (Αναγέννηση) εισήχθη από τον ίδιο τον στοχαστή και καλλιτέχνη της εποχής, Τζόρτζιο Βαζάρι («Βιογραφία διάσημων ζωγράφων, γλυπτών και αρχιτεκτόνων»). Έτσι ονόμασε την εποχή από το 1250 έως το 1550. Από τη σκοπιά του αυτή ήταν η εποχή της αναβίωσης της αρχαιότητας. Για τον Vasari η αρχαιότητα εμφανίζεται με ιδανικό τρόπο.

Στο μέλλον, το περιεχόμενο του όρου έχει εξελιχθεί. Η αναβίωση άρχισε να σημαίνει τη χειραφέτηση της επιστήμης και της τέχνης από τη θεολογία, μια ψύξη προς τη χριστιανική ηθική, τη γέννηση των εθνικών λογοτεχνιών, την επιθυμία του ανθρώπου για ελευθερία από τους περιορισμούς της Καθολικής Εκκλησίας. Δηλαδή, η Αναγέννηση, στην ουσία, άρχισε να σημαίνει ανθρωπισμός.

ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗ, ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗ(Γαλλικό renais sance - αναγέννηση) - μια από τις μεγαλύτερες εποχές, σημείο καμπής στην ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης μεταξύ του Μεσαίωνα και της νέας εποχής. Η Αναγέννηση καλύπτει τους XIV-XVI αιώνες. στην Ιταλία, XV-XVI αιώνες. σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Το όνομά του - Αναγέννηση (ή Αναγέννηση) - αυτή η περίοδος στην ανάπτυξη του πολιτισμού που έλαβε σε σχέση με την αναβίωση του ενδιαφέροντος για αρχαία τέχνη. Ωστόσο, οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής όχι μόνο αντέγραψαν παλιά μοτίβα, αλλά έβαλαν και ένα ποιοτικά νέο περιεχόμενο σε αυτά. Η Αναγέννηση δεν πρέπει να θεωρείται καλλιτεχνικό στυλ ή κατεύθυνση, αφού σε αυτήν την εποχή υπήρχαν διάφορα καλλιτεχνικά στυλ, τάσεις, ρεύματα. Το αισθητικό ιδανικό της Αναγέννησης διαμορφώθηκε στη βάση μιας νέας προοδευτικής κοσμοθεωρίας - του ουμανισμού. Ο πραγματικός κόσμος και ο άνθρωπος ανακηρύχθηκαν ύψιστη αξία: Ο άνθρωπος είναι το μέτρο όλων των πραγμάτων. Ο ρόλος του δημιουργικού ατόμου έχει αυξηθεί ιδιαίτερα.

Το ανθρωπιστικό πάθος της εποχής ενσωματώθηκε καλύτερα στην τέχνη, η οποία, όπως και στους προηγούμενους αιώνες, είχε στόχο να δώσει μια εικόνα του σύμπαντος. Το νέο ήταν ότι προσπάθησαν να ενώσουν το υλικό και το πνευματικό σε ένα σύνολο. Ήταν δύσκολο να βρεις ένα άτομο αδιάφορο για την τέχνη, αλλά δόθηκε προτίμηση καλές τέχνεςκαι αρχιτεκτονική.

Ιταλική ζωγραφική του 15ου αιώνα ως επί το πλείστον μνημειακές (τοιχογραφίες). Η ζωγραφική κατέχει ηγετική θέση μεταξύ των ειδών καλών τεχνών. Ανταποκρίνεται πλήρως στην αναγεννησιακή αρχή της «μίμησης της φύσης». Ένα νέο οπτικό σύστημα διαμορφώνεται με βάση τη μελέτη της φύσης. Ο καλλιτέχνης Masaccio συνέβαλε επάξια στην ανάπτυξη της κατανόησης του όγκου, στη μετάδοσή του με τη βοήθεια του chiaroscuro. Ανακάλυψη και επιστημονική τεκμηρίωση των νόμων της γραμμικής και εναέρια προοπτικήεπηρέασε σημαντικά την περαιτέρω τύχη της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Μια νέα πλαστική γλώσσα γλυπτικής διαμορφώνεται, ιδρυτής της ήταν ο Donatello. Ανέστησε το ανεξάρτητο στρογγυλό άγαλμα. Το καλύτερο έργο του είναι το γλυπτό του Δαβίδ (Φλωρεντία).

Στην αρχιτεκτονική αναβιώνουν οι αρχές του αρχαίου συστήματος τάξης, αναδεικνύεται η σημασία των αναλογιών, διαμορφώνονται νέοι τύποι κτιρίων (παλάτι, εξοχική βίλα κ.λπ.), η θεωρία της αρχιτεκτονικής και η έννοια της ιδανικής πόλης. που αναπτύσσεται. Ο αρχιτέκτονας Brunelleschi έχτισε κτίρια στα οποία συνδύασε την αρχαία κατανόηση της αρχιτεκτονικής και τις παραδόσεις του ύστερου γοτθικού, επιτυγχάνοντας μια νέα εικονιστική πνευματικότητα της αρχιτεκτονικής, άγνωστη στους αρχαίους. Κατά τη διάρκεια της υψηλής Αναγέννησης, η νέα κοσμοθεωρία ενσωματώθηκε καλύτερα στο έργο των καλλιτεχνών που δικαίως αποκαλούνται ιδιοφυΐες: Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ραφαήλ, Μικελάντζελο, Τζορτζιόνε και Τιτσιάνο. Τα δύο τελευταία τρίτα του 16ου αιώνα που ονομάζεται ύστερη Αναγέννηση. Αυτή την περίοδο η κρίση καλύπτει την τέχνη. Γίνεται ρυθμισμένο, αυλικό, χάνει τη ζεστασιά και τη φυσικότητα του. Ωστόσο, μεμονωμένοι μεγάλοι καλλιτέχνες - Titian, Tintoretto συνεχίζουν να δημιουργούν αριστουργήματα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου.

Η Ιταλική Αναγέννηση είχε τεράστιο αντίκτυπο στην τέχνη της Γαλλίας, της Ισπανίας, της Γερμανίας, της Αγγλίας και της Ρωσίας.

Η άνοδος στην ανάπτυξη της τέχνης της Ολλανδίας, της Γαλλίας και της Γερμανίας (XV-XVI αιώνες) ονομάζεται Βόρεια Αναγέννηση. Το έργο των ζωγράφων Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder είναι η κορυφή αυτής της περιόδου στην ανάπτυξη της τέχνης. Στη Γερμανία, ο A. Dürer ήταν ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης της Γερμανικής Αναγέννησης.

Οι ανακαλύψεις που έγιναν κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης στον τομέα του πνευματικού πολιτισμού και της τέχνης είχαν μεγάλη ιστορική σημασία για την ανάπτυξη της ευρωπαϊκής τέχνης στους επόμενους αιώνες. Το ενδιαφέρον για αυτούς συνεχίζεται μέχρι σήμερα.

Η Αναγέννηση στην Ιταλία πέρασε από διάφορα στάδια: πρώιμη Αναγέννηση, υψηλή Αναγέννηση, ύστερη Αναγέννηση. Η Φλωρεντία έγινε η γενέτειρα της Αναγέννησης. Τα θεμέλια της νέας τέχνης αναπτύχθηκαν από τον ζωγράφο Masaccio, τον γλύπτη Donatello και τον αρχιτέκτονα F. Brunelleschi.

Ο πρώτος που δημιούργησε πίνακες αντί για εικόνες ήταν ο μεγαλύτερος δάσκαλος της Πρωτο-Αναγέννησης Τζιότο.Ήταν ο πρώτος που προσπάθησε να μεταφέρει χριστιανικές ηθικές ιδέες μέσω της απεικόνισης πραγματικών ανθρώπινων συναισθημάτων και εμπειριών, αντικαθιστώντας τον συμβολισμό με την απεικόνιση πραγματικού χώρου και συγκεκριμένων αντικειμένων. Στις περίφημες τοιχογραφίες του Τζιότο στο Παρεκκλήσι αρένα στην Πάντοβαμπορείτε να δείτε αρκετά ασυνήθιστους χαρακτήρες δίπλα στους αγίους: βοσκούς ή έναν κλώστη. Κάθε άτομο στο Giotto εκφράζει αρκετά συγκεκριμένες εμπειρίες, έναν συγκεκριμένο χαρακτήρα.

Στην εποχή της πρώιμης Αναγέννησης στην τέχνη, λαμβάνει χώρα η ανάπτυξη της αρχαίας καλλιτεχνικής κληρονομιάς, διαμορφώνονται νέα ηθικά ιδανικά, οι καλλιτέχνες στρέφονται στα επιτεύγματα της επιστήμης (μαθηματικά, γεωμετρία, οπτική, ανατομία). Πρωταγωνιστικό ρόλο στη διαμόρφωση των ιδεολογικών και υφολογικών αρχών της τέχνης της πρώιμης Αναγέννησης διαδραματίζει ο Φλωρεντία. Στις εικόνες που δημιουργήθηκαν από δασκάλους όπως ο Donatello, ο Verrocchio, το έφιππο άγαλμα του condottiere Gattamelata David του Donatello κυριαρχεί στις ηρωικές και πατριωτικές αρχές ("St. George" και "David" του Donatello και "David" του Verrocchio).

Ο Masaccio ήταν ο ιδρυτής της αναγεννησιακής ζωγραφικής.(τοιχογραφίες στο παρεκκλήσι Brancacci, "Trinity"), ο Masaccio ήταν σε θέση να μεταφέρει το βάθος του χώρου, συνέδεσε τη φιγούρα και το τοπίο με μια ενιαία συνθετική ιδέα και έδωσε στα άτομα εκφραστικότητα πορτρέτου.

Αλλά ο σχηματισμός και η εξέλιξη του εικονογραφικού πορτρέτου, που αντανακλούσε το ενδιαφέρον του πολιτισμού της Αναγέννησης για τον άνθρωπο, συνδέονται με τα ονόματα των καλλιτεχνών της σχολής Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Το έργο του καλλιτέχνη ξεχωρίζει στην πρώιμη Αναγέννηση Σάντρο Μποτιτσέλι.Οι εικόνες που δημιούργησε είναι πνευματικοποιημένες και ποιητικές. Οι ερευνητές σημειώνουν την αφαίρεση και τον εκλεπτυσμένο διανοουμενισμό στα έργα του καλλιτέχνη, την επιθυμία του να δημιουργεί μυθολογικές συνθέσεις με περίπλοκο και κρυπτογραφημένο περιεχόμενο ("Άνοιξη", "Η Γέννηση της Αφροδίτης"). Ένας από τους βιογράφους του Μποτιτσέλι είπε ότι οι Μαντόνες και οι Αφροδίτες του δίνουν την εντύπωση απώλεια, προκαλώντας μας ένα αίσθημα ανεξίτηλης θλίψης... Άλλοι έχασαν τον ουρανό, άλλοι - τη γη.

"Άνοιξη" "Γέννηση της Αφροδίτης"

Το αποκορύφωμα στην ανάπτυξη των ιδεολογικών και καλλιτεχνικών αρχών της ιταλικής Αναγέννησης είναι Υψηλή Αναγέννηση. Ο ιδρυτής της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης είναι ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι - σπουδαίος καλλιτέχνηςκαι επιστήμονας.

Δημιούργησε μια σειρά από αριστουργήματα: «Mona Lisa» («La Gioconda») Αυστηρά μιλώντας, το ίδιο το πρόσωπο της Τζοκόντα διακρίνεται από αυτοσυγκράτηση και ηρεμία, το χαμόγελο που δημιούργησε την παγκόσμια φήμη της και που αργότερα έγινε αναπόσπαστο μέρος των έργων. της σχολής Λεονάρντο είναι ελάχιστα αντιληπτή σε αυτό. Αλλά μέσα στην απαλά λιώσιμη ομίχλη που τυλίγει το πρόσωπο και τη φιγούρα, ο Λεονάρντο κατάφερε να κάνει να νιώσει την απεριόριστη μεταβλητότητα των ανθρώπινων εκφράσεων του προσώπου. Αν και τα μάτια της Τζοκόντα κοιτάζουν προσεκτικά και ήρεμα τον θεατή, λόγω της σκίασης των κόγχων των ματιών της, μπορεί κανείς να σκεφτεί ότι είναι ελαφρώς συνοφρυωμένα. τα χείλη της είναι συμπιεσμένα, αλλά οι ελάχιστα αντιληπτές σκιές σκιαγραφούνται κοντά στις γωνίες τους, που σε κάνουν να πιστεύεις ότι κάθε λεπτό θα ανοίγουν, θα χαμογελούν, θα μιλάνε. Η ίδια η αντίθεση ανάμεσα στο βλέμμα της και το μισό χαμόγελο στα χείλη της δίνει μια ιδέα για την αντιφατική φύση των εμπειριών της. Δεν ήταν μάταιο που ο Λεονάρντο βασάνιζε το μοντέλο του με πολύωρες συνεδρίες. Όπως κανένας άλλος, κατάφερε να μεταφέρει σκιές, αποχρώσεις και ημίτονο σε αυτή την εικόνα, και δημιουργούν ένα αίσθημα τρεμούλας ζωής. Δεν είναι περίεργο που ο Vasari σκέφτηκε ότι στο λαιμό της Mona Lisa μπορείτε να δείτε πώς χτυπάει μια φλέβα.

Στο πορτρέτο της Τζοκόντα, ο Λεονάρντο όχι μόνο μετέφερε τέλεια το σώμα και το ατμοσφαιρικό περιβάλλον που το τυλίγει. Έβαλε επίσης σε αυτό μια κατανόηση του τι χρειάζεται το μάτι για να δημιουργήσει μια εικόνα μια αρμονική εντύπωση, γι' αυτό όλα μοιάζουν σαν να γεννιούνται φυσικά η μία από την άλλη, όπως συμβαίνει στη μουσική όταν επιλύεται μια τεταμένη ασυμφωνία. από μια αρμονική συγχορδία. Η Τζοκόντα είναι τέλεια εγγεγραμμένη σε ένα αυστηρά αναλογικό ορθογώνιο, το μισό της σχήμα σχηματίζει κάτι ολόκληρο, τα διπλωμένα χέρια δίνουν την εικόνα της πληρότητα. Τώρα, φυσικά, δεν μπορούσε να γίνει λόγος για τις περίεργες μπούκλες του πρώιμου Ευαγγελισμού της Θεοτόκου. Ωστόσο, όσο μαλακά κι αν είναι όλα τα περιγράμματα, η κυματιστή κούκλα των μαλλιών της Τζοκόντα είναι σε αρμονία με το διάφανο πέπλο και το κρεμαστό ύφασμα πεταμένο στον ώμο βρίσκει την ηχώ στις απαλές περιελίξεις του μακρινού δρόμου. Μέσα σε όλα αυτά ο Λεονάρντο δείχνει την ικανότητά του να δημιουργεί σύμφωνα με τους νόμους του ρυθμού και της αρμονίας. «Όσον αφορά την τεχνική, η Μόνα Λίζα πάντα θεωρούνταν κάτι ανεξήγητο. Τώρα νομίζω ότι μπορώ να απαντήσω σε αυτό το αίνιγμα», λέει ο Frank. Σύμφωνα με τον ίδιο, ο Λεονάρντο χρησιμοποίησε την τεχνική που ανέπτυξε «sfumato» (ιταλικά «sfumato», κυριολεκτικά - «εξαφανίστηκε σαν καπνός»). Το κόλπο είναι ότι τα αντικείμενα στους πίνακες δεν πρέπει να έχουν ξεκάθαρα όρια, τα πάντα πρέπει να μεταβαίνουν ομαλά από το ένα στο άλλο, τα περιγράμματα των αντικειμένων μαλακώνουν με τη βοήθεια της ομίχλης του φωτός-αέρα που τα περιβάλλει. Η κύρια δυσκολία αυτής της τεχνικής έγκειται στις μικρότερες πινελιές (περίπου ένα τέταρτο του χιλιοστού) που δεν είναι προσβάσιμες για αναγνώριση ούτε στο μικροσκόπιο ούτε με τη χρήση ακτίνων Χ. Έτσι, χρειάστηκαν αρκετές εκατοντάδες συνεδρίες για να ζωγραφιστεί ένας πίνακας του Ντα Βίντσι. Η εικόνα της Μόνα Λίζα αποτελείται από περίπου 30 στρώσεις υγρής, σχεδόν διάφανης λαδομπογιά. Για τέτοιου είδους κοσμήματα, ο καλλιτέχνης προφανώς έπρεπε να χρησιμοποιήσει μεγεθυντικό φακό. Ίσως η χρήση μιας τόσο επίπονης τεχνικής εξηγεί το μεγάλο χρονικό διάστημα που δαπανάται για την εργασία στο πορτρέτο - σχεδόν 4 χρόνια.

, "Το τελευταίο δείπνο"κάνει μια μόνιμη εντύπωση. Στον τοίχο, σαν να τον ξεπερνάει και να πηγαίνει τον θεατή στον κόσμο της αρμονίας και των μεγαλοπρεπών οραμάτων, ξετυλίγεται το αρχαίο ευαγγελικό δράμα της εξαπατημένης εμπιστοσύνης. Και αυτό το δράμα βρίσκει την επίλυσή του σε μια γενική παρόρμηση που στρέφεται προς τον κεντρικό ήρωα - έναν σύζυγο με πένθιμο πρόσωπο, που δέχεται αυτό που συμβαίνει ως αναπόφευκτο. Ο Χριστός μόλις είχε πει στους μαθητές του: «Ένας από εσάς θα με προδώσει». Ο προδότης κάθεται με τους άλλους. οι παλιοί δάσκαλοι απεικόνιζαν τον Ιούδα καθισμένο χωριστά, αλλά ο Λεονάρντο έδειξε τη ζοφερή του απομόνωση πολύ πιο πειστικά, καλύπτοντας τα χαρακτηριστικά του με μια σκιά. Ο Χριστός είναι υποταγμένος στη μοίρα του, γεμάτος συναίσθηση της θυσίας του άθλου του. Το γερμένο κεφάλι του με χαμηλωμένα μάτια, η χειρονομία των χεριών του είναι απείρως όμορφες και μεγαλειώδεις. Ένα γοητευτικό τοπίο ανοίγεται από το παράθυρο πίσω από τη φιγούρα του. Ο Χριστός είναι το κέντρο όλης της σύνθεσης, όλης εκείνης της δίνης των παθών που μαίνονται τριγύρω. Η θλίψη και η ηρεμία του είναι, σαν να λέγαμε, αιώνια, φυσική - και αυτό είναι το βαθύ νόημα του δράματος που παρουσιάζεται. Αναζητούσε τις πηγές των τέλειων μορφών τέχνης στη φύση, αλλά ο Ν. Μπερντιάεφ τον θεωρεί υπεύθυνο για την επερχόμενη διαδικασία της εκμηχάνισης και της εκμηχάνισης της ανθρώπινης ζωής, που έβγαλαν έναν άνθρωπο από τη φύση.

Η ζωγραφική επιτυγχάνει την κλασική αρμονία στη δημιουργικότητα Ραφαήλ.Η τέχνη του εξελίσσεται από τις πρώιμες ψυχρές εικόνες της Ούμπριας των Madonnas (Madonna Conestabile) στον κόσμο του «ευτυχισμένου χριστιανισμού» των φλωρεντινών και ρωμαϊκών έργων. Το «Madonna with a Goldfinch» και το «Madonna in an Chair» είναι απαλά, ανθρώπινα και ακόμη και συνηθισμένα στην ανθρωπιά τους.

Όμως η εικόνα της «Σιξτίνας Μαντόνα» είναι μεγαλειώδης, συνδέοντας συμβολικά τον ουράνιο και τον επίγειο κόσμο. Πάνω απ 'όλα, ο Raphael είναι γνωστός ως ο δημιουργός ευγενικών εικόνων των Madonnas. Αλλά στη ζωγραφική, ενσάρκωσε τόσο το ιδανικό του παγκόσμιου ανθρώπου της Αναγέννησης (πορτρέτο του Καστιλιόνε) όσο και το δράμα των ιστορικών γεγονότων. Η Σιξτίνα Μαντόνα (περίπου 1513, Δρέσδη, Πινακοθήκη Τέχνης) είναι ένα από τα πιο εμπνευσμένα έργα του καλλιτέχνη. Γράφτηκε ως βωμός για την εκκλησία της μονής του Αγ. Sixtus in Piacenza, αυτός ο πίνακας, ως προς το σχέδιο, τη σύνθεση και την ερμηνεία της εικόνας, διαφέρει σημαντικά από τις Madonnas της περιόδου της Φλωρεντίας. Αντί για μια οικεία και γήινη εικόνα μιας όμορφης νεαρής κοπέλας που ακολουθεί συγκαταβατικά τις διασκεδάσεις δύο μωρών, εδώ έχουμε ένα υπέροχο όραμα που εμφανίστηκε ξαφνικά στον ουρανό εξαιτίας μιας κουρτίνας που τράβηξε κάποιος πίσω. Περιτριγυρισμένη από μια χρυσή λάμψη, πανηγυρική και μεγαλειώδης, η Μαρία περπατά μέσα από τα σύννεφα, κρατώντας μπροστά της το Χριστόπαιδο. Αριστερά και δεξιά γονατίζουν μπροστά στον Αγ. Σίξτου και Αγ. Βαρβάρα. Η συμμετρική, αυστηρά ισορροπημένη σύνθεση, η καθαρότητα της σιλουέτας και η μνημειώδης γενίκευση των μορφών προσδίδουν στη Sistine Madonna ένα ιδιαίτερο μεγαλείο.

Σε αυτή την εικόνα, ο Ραφαήλ, ίσως σε μεγαλύτερο βαθμό από οπουδήποτε αλλού, κατάφερε να συνδυάσει τη ζωντανή αλήθεια της εικόνας με τα χαρακτηριστικά της ιδανικής τελειότητας. Η εικόνα της Παναγίας είναι περίπλοκη. Η συγκινητική αγνότητα και η αφέλεια μιας πολύ νέας γυναίκας συνδυάζονται μέσα του με σταθερή αποφασιστικότητα και ηρωική ετοιμότητα για θυσία. Αυτός ο ηρωισμός κάνει την εικόνα της Παναγίας να σχετίζεται με τις καλύτερες παραδόσεις του ιταλικού ουμανισμού. Ο συνδυασμός του ιδανικού και του πραγματικού σε αυτή την εικόνα φέρνει στο νου τα γνωστά λόγια του Ραφαέλ από μια επιστολή προς τον φίλο του B. Castiglione. «Και θα σου πω», έγραψε ο Ραφαήλ, «ότι για να γράψω μια ομορφιά, πρέπει να δω πολλές ομορφιές ... αλλά λόγω της έλλειψης ... στις όμορφες γυναίκες, χρησιμοποιώ κάποια ιδέα που μου έρχεται στο μυαλό . Το αν έχει κάποια τελειότητα, δεν ξέρω, αλλά προσπαθώ πολύ σκληρά για να το πετύχω. Αυτά τα λόγια ρίχνουν φως στη δημιουργική μέθοδο του καλλιτέχνη. Προχωρώντας από την πραγματικότητα και στηριζόμενος σε αυτήν, ταυτόχρονα προσπαθεί να υψώσει την εικόνα πάνω από κάθε τι τυχαίο και παροδικό.

Μιχαήλ Άγγελος(1475-1564) - αναμφίβολα ένας από τους πιο εμπνευσμένους καλλιτέχνες στην ιστορία της τέχνης και, μαζί με τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, την πιο ισχυρή μορφή της ιταλικής υψηλής αναγέννησης. Ως γλύπτης, αρχιτέκτονας, ζωγράφος και ποιητής, ο Μιχαήλ Άγγελος άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στη μεταγενέστερη δυτική τέχνη γενικότερα.

Θεωρούσε τον εαυτό του Φλωρεντινό - αν και γεννήθηκε στις 6 Μαρτίου 1475 στο μικρό χωριό Caprese κοντά στην πόλη Arezzo. Ο Μιχαήλ Άγγελος αγάπησε βαθιά την πόλη του, την τέχνη, τον πολιτισμό της και μετέφερε αυτή την αγάπη μέχρι το τέλος των ημερών του. Πέρασε τα περισσότερα από τα ώριμα χρόνια του στη Ρώμη, δουλεύοντας για τους πάπες. Ωστόσο, άφησε διαθήκη, σύμφωνα με την οποία το σώμα του θάφτηκε στη Φλωρεντία, σε έναν όμορφο τάφο στην εκκλησία του Santa Croce.

Ερμήνευσε ο Μιχαήλ Άγγελος μαρμάρινο γλυπτό Αποκαθήλωση(Θρήνος Χριστού) (1498-1500), που βρίσκεται ακόμα στην αρχική του θέση - στον καθεδρικό ναό του Αγίου Πέτρου. Αυτό είναι ένα από τα πιο διάσημα έργαστην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης. Την πιέτα ολοκλήρωσε πιθανότατα ο Μιχαήλ Άγγελος πριν τα 25 του χρόνια. Αυτό είναι το μόνο έργο που έχει υπογράψει. Η νεαρή Μαρία απεικονίζεται με τον νεκρό Χριστό στα γόνατα, μια εικόνα δανεισμένη από τη βορειοευρωπαϊκή τέχνη. Το βλέμμα της Μαρίας δεν είναι τόσο λυπημένο όσο σοβαρό. Αυτό είναι το υψηλότερο σημείο δημιουργικότητας του νεαρού Μιχαήλ Άγγελου.

Όχι λιγότερο σημαντικό έργο του νεαρού Μιχαήλ Άγγελου ήταν μια γιγάντια μαρμάρινη εικόνα (4,34 μ.). Δαβίδ(Ακαδημία, Φλωρεντία), εκτελέστηκε μεταξύ 1501 και 1504, μετά την επιστροφή στη Φλωρεντία. Ο ήρωας της Παλαιάς Διαθήκης απεικονίζεται από τον Μιχαήλ Άγγελο με τη μορφή ενός όμορφου, μυώδους, γυμνού νεαρού άνδρα που κοιτάζει ανήσυχα στην απόσταση, σαν να αξιολογεί τον εχθρό του - τον Γολιάθ, με τον οποίο πρέπει να πολεμήσει. Η ζωηρή, τεταμένη έκφραση του προσώπου του Δαβίδ είναι χαρακτηριστική για πολλά από τα έργα του Μιχαήλ Άγγελου - αυτό είναι ένα σημάδι του ατομικού γλυπτικού του τρόπου. Το David, το πιο διάσημο γλυπτό του Μιχαήλ Άγγελου, έχει γίνει σύμβολο της Φλωρεντίας και τοποθετήθηκε αρχικά στην Piazza della Signoria μπροστά από το Palazzo Vecchio, το δημαρχείο της Φλωρεντίας. Με αυτό το άγαλμα, ο Μιχαήλ Άγγελος απέδειξε στους συγχρόνους του ότι όχι μόνο ξεπέρασε όλους τους σύγχρονους καλλιτέχνες, αλλά και τους δασκάλους της αρχαιότητας.

Ζωγραφική στο θησαυροφυλάκιο της Καπέλα ΣιξτίναΤο 1505, ο Μιχαήλ Άγγελος κλήθηκε στη Ρώμη από τον Πάπα Ιούλιο Β' για να εκπληρώσει δύο εντολές. Το πιο σημαντικό ήταν η τοιχογραφία του θόλου της Καπέλα Σιξτίνα. Δουλεύοντας ξαπλωμένος σε ψηλές σκαλωσιές ακριβώς κάτω από την οροφή, ο Μιχαήλ Άγγελος δημιούργησε τις πιο όμορφες εικονογραφήσεις για μερικές βιβλικές ιστορίες μεταξύ 1508 και 1512. Στο θησαυροφυλάκιο του παπικού παρεκκλησίου, απεικόνισε εννέα σκηνές από το Βιβλίο της Γένεσης, ξεκινώντας με τον Διαχωρισμό του Φωτός από το Σκοτάδι και περιλαμβάνουν τη Δημιουργία του Αδάμ, τη Δημιουργία της Εύας, τον Πειρασμό και την πτώση του Αδάμ και της Εύας και τον Κατακλυσμό . Γύρω από τους κύριους πίνακες εναλλάσσονται εικόνες προφητών και σιβύλλων σε μαρμάρινους θρόνους, άλλων χαρακτήρων της Παλαιάς Διαθήκης και των προγόνων του Χριστού.

Για να προετοιμαστεί για αυτό το σπουδαίο έργο, ο Μιχαήλ Άγγελος έφτιαξε έναν τεράστιο αριθμό από σκίτσα και χαρτόνια, στα οποία απεικόνιζε τις φιγούρες των καθιστών σε διάφορες πόζες. Αυτές οι βασιλικές, δυνατές εικόνες αποδεικνύουν την αριστοτεχνική κατανόηση της ανθρώπινης ανατομίας και κίνησης από τον καλλιτέχνη, που έδωσε ώθηση σε μια νέα κατεύθυνση στη δυτικοευρωπαϊκή τέχνη.

Δύο άλλα εξαιρετικά αγάλματα, Δεσμευμένος φυλακισμένος και θάνατος σκλάβου(και οι δύο περ. 1510-13) βρίσκονται στο Λούβρο του Παρισιού. Επιδεικνύουν την προσέγγιση του Μιχαήλ Άγγελου στη γλυπτική. Κατά τη γνώμη του, οι φιγούρες απλώς περικλείονται μέσα στο μαρμάρινο τετράγωνο και είναι δουλειά του καλλιτέχνη να τις απελευθερώσει αφαιρώντας την περίσσεια πέτρα. Συχνά ο Μιχαήλ Άγγελος άφηνε τα γλυπτά ημιτελή, είτε επειδή δεν χρειάζονταν πλέον είτε απλώς επειδή έχασαν το ενδιαφέρον τους για τον καλλιτέχνη.

Βιβλιοθήκη του Σαν Λορέντζο Το έργο του τάφου του Ιούλιου Β' απαιτούσε αρχιτεκτονική μελέτη, αλλά η σοβαρή δουλειά του Μιχαήλ Άγγελου στον αρχιτεκτονικό τομέα ξεκίνησε μόλις το 1519, όταν του δόθηκε εντολή να προσόψει τη Βιβλιοθήκη του Αγίου Λαυρεντίου στη Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης επέστρεψε ξανά ( αυτό το έργο δεν υλοποιήθηκε ποτέ). Στη δεκαετία του 1520 σχεδίασε επίσης την κομψή είσοδο της Βιβλιοθήκης δίπλα στην εκκλησία του San Lorenzo. Αυτές οι δομές ολοκληρώθηκαν λίγες μόνο δεκαετίες μετά τον θάνατο του συγγραφέα.

Ο Μιχαήλ Άγγελος, οπαδός της δημοκρατικής παράταξης, συμμετείχε στα έτη 1527-29 στον πόλεμο κατά των Μεδίκων. Οι αρμοδιότητές του περιελάμβαναν την κατασκευή και την ανοικοδόμηση των οχυρώσεων της Φλωρεντίας.

Παρεκκλήσια Μεδίκων.Αφού έζησε στη Φλωρεντία για μια μάλλον μακρά περίοδο, ο Μιχαήλ Άγγελος ολοκλήρωσε μεταξύ 1519 και 1534 την ανάθεση της οικογένειας των Μεδίκων για την ανέγερση δύο τάφων στο νέο σκευοφυλάκιο της εκκλησίας του San Lorenzo. Σε μια αίθουσα με ψηλό θολωτό θόλο, ο καλλιτέχνης έστησε δύο υπέροχους τάφους στους τοίχους, που προορίζονταν για τον Lorenzo De Medici, δούκα του Urbino και για τον Giuliano De Medici, δούκα του Nemours. Δύο σύνθετοι τάφοι θεωρήθηκαν ως αναπαραστάσεις αντίθετων τύπων: ο Lorenzo - ένα άτομο εγκλεισμένο στον εαυτό του, ένα στοχαστικό, αποτραβηγμένο άτομο. Ο Τζουλιάνο, αντίθετα, είναι δραστήριος, ανοιχτός. Πάνω από τον τάφο του Lorenzo, ο γλύπτης τοποθέτησε αλληγορικά γλυπτά του Πρωινού και του Βραδιού, και πάνω από τον τάφο του Giuliano - αλληγορίες της ημέρας και της νύχτας. Οι εργασίες για τους τάφους των Μεδίκων συνεχίστηκαν μετά την επιστροφή του Μιχαήλ Άγγελου στη Ρώμη το 1534. Δεν επισκέφτηκε ποτέ ξανά την αγαπημένη του πόλη.

Τελευταία κρίση

Από το 1536 έως το 1541, ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε στη Ρώμη για τη ζωγραφική του τοίχου του βωμού της Καπέλα Σιξτίνα στο Βατικανό. Η μεγαλύτερη τοιχογραφία της Αναγέννησης απεικονίζει την ημέρα της Τελευταίας Κρίσεως.Ο Χριστός, με μια πύρινη αστραπή στο χέρι, χωρίζει αναπόφευκτα όλους τους κατοίκους της γης στους σωζόμενους δίκαιους, που απεικονίζονται στην αριστερή πλευρά της σύνθεσης, και στους αμαρτωλούς που κατεβαίνουν Η κόλαση του Δάντη (αριστερή πλευρά της τοιχογραφίας). Ακολουθώντας αυστηρά τη δική του παράδοση, ο Μιχαήλ Άγγελος ζωγράφισε αρχικά όλες τις φιγούρες γυμνές, αλλά μια δεκαετία αργότερα κάποιος πουριτανός καλλιτέχνης τις «έντυσε» καθώς το πολιτιστικό κλίμα έγινε πιο συντηρητικό. Ο Μιχαήλ Άγγελος άφησε τη δική του αυτοπροσωπογραφία στην τοιχογραφία - το πρόσωπό του μαντεύεται εύκολα στο δέρμα που σκίστηκε από τον Άγιο Μάρτυρα Απόστολο Βαρθολομαίο.

Αν και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ο Μιχαήλ Άγγελος είχε και άλλες εικονογραφικές παραγγελίες, όπως η ζωγραφική του παρεκκλησίου του Αποστόλου Παύλου (1940), πρώτα από όλα προσπάθησε να αφιερώσει όλη του τη δύναμη στην αρχιτεκτονική.

Θόλος του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου.Το 1546, ο Μιχαήλ Άγγελος διορίστηκε αρχιτέκτονας του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου στο Βατικανό, ο οποίος ήταν υπό κατασκευή. Το κτίριο χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιο του Donato Bramante, αλλά ο Μιχαήλ Άγγελος έγινε τελικά υπεύθυνος για την κατασκευή της αψίδας του βωμού και για την ανάπτυξη της μηχανικής και καλλιτεχνικής λύσης για τον τρούλο του καθεδρικού ναού. Η ολοκλήρωση της κατασκευής του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου ήταν το υψηλότερο επίτευγμα του Φλωρεντίνου δασκάλου στον τομέα της αρχιτεκτονικής. Κατά τη μακρόχρονη ζωή του, ο Μιχαήλ Άγγελος ήταν στενός φίλος πρίγκιπες και παπών, από τον Λορέντζο των Μεδίκων έως τον Λέοντα Χ, τον Κλήμη Η' και τον Πίο Γ', καθώς και πολλών καρδιναλίων, ζωγράφων και ποιητών. Ο χαρακτήρας του καλλιτέχνη, η θέση του στη ζωή είναι δύσκολο να κατανοηθεί ξεκάθαρα μέσα από τα έργα του - είναι τόσο διαφορετικά. Εκτός ίσως από την ποίηση, στα δικά του ποιήματα, ο Μιχαήλ Άγγελος στρεφόταν πιο συχνά και βαθύτερα στα ζητήματα της δημιουργικότητας και της θέσης του στην τέχνη. Μεγάλη θέση στα ποιήματά του δίνουν τα προβλήματα και οι δυσκολίες που είχε να αντιμετωπίσει στο έργο του και οι προσωπικές σχέσεις με τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους εκείνης της εποχής. διάσημους ποιητέςΟ Αναγεννησιακός Lodovico Ariosto έγραψε έναν επιτάφιο για αυτό διάσημος καλλιτέχνης: «Ο Μικέλε είναι κάτι παραπάνω από θνητός, είναι ένας θεϊκός άγγελος».

Η εμφάνιση του όρου "Αναγέννηση" (Αναγέννηση, Αναγέννηση) πέφτει στον XVI αιώνα. Έγραψε για αναγέννηση» τέχνη της Ιταλίας - ο πρώτος ιστορικός Ιταλική τέχνη, σπουδαίος ζωγράφος, συγγραφέας του περίφημου «Ζωές των πιο διάσημων ζωγράφων, γλυπτών και αρχιτεκτόνων» (1550) - Giorgio Vasari.

Αυτή η έννοια πηγάζει από τη βάση της διαδεδομένης εκείνης της εποχής ιστορική έννοια, σύμφωνα με την οποία η εποχή του Μεσαίωνα χαρακτηριζόταν από συνεχή βαρβαρότητα, άγνοια, που ακολούθησε την πτώση μεγάλος πολιτισμόςκλασική αρχαϊκή.

Αν μιλάμε για την περίοδο του Μεσαίωνα ως κάποιου είδους απλή στην ανάπτυξη του πολιτισμού, τότε είναι απαραίτητο να ληφθούν υπόψη οι υποθέσεις των ιστορικών εκείνης της εποχής για την τέχνη. Πιστεύεται ότι η τέχνη, η οποία σε παλιές μέρεςάκμασε στον αρχαίο κόσμο, βρίσκει την πρώτη του αναβίωση σε μια νέα ύπαρξη ακριβώς στην εποχή τους.

Ανοιξη/ Σάντρο Μποτιτσέλι

Στην αρχική επίγνωση, ο όρος «αναβίωση» ερμηνεύτηκε όχι τόσο όσο το όνομα ολόκληρης της εποχής, αλλά μάλλον ακριβής ώρα(συνήθως αρχές του XIV αιώνα) η εμφάνιση της νέας τέχνης. Μόνο μετά από μια ορισμένη περίοδο αυτή η έννοια απέκτησε μια ευρύτερη ερμηνεία και άρχισε να προσδιορίζει στην Ιταλία και σε άλλες χώρες την εποχή της διαμόρφωσης και της άνθησης ενός πολιτισμού αντίθετου στη φεουδαρχία.

Τώρα ο Μεσαίωνας δεν θεωρείται διάλειμμα στην ιστορία του καλλιτεχνικού πολιτισμού της Ευρώπης. Τον περασμένο αιώνα ξεκίνησε μια ενδελεχής μελέτη της τέχνης του Μεσαίωνα, η οποία εντάθηκε πολύ τον τελευταίο μισό αιώνα. Αυτό τον οδήγησε στην επαναξιολόγηση και μάλιστα το έδειξε αναγεννησιακή τέχνηοφείλει πολλά στον Μεσαίωνα.

Αλλά δεν πρέπει να μιλάμε για την Αναγέννηση ως μια τετριμμένη συνέχεια του Μεσαίωνα. Ορισμένοι σύγχρονοι δυτικοευρωπαίοι ιστορικοί έχουν κάνει προσπάθειες να θολώσουν τη γραμμή μεταξύ του Μεσαίωνα και της Αναγέννησης, αλλά δεν έχουν βρει επιβεβαίωση ιστορικά γεγονότα. Μάλιστα, η ανάλυση των πολιτιστικών μνημείων της Αναγέννησης υποδηλώνει την απόρριψη των περισσότερων βασικών πεποιθήσεων της φεουδαρχικής κοσμοθεωρίας.

Αλληγορία της αγάπης και του χρόνου/ Agnola Bronzino

Ο μεσαιωνικός ασκητισμός και η διορατικότητα σε οτιδήποτε εγκόσμιο αντικαθίσταται από ένα ακόρεστο ενδιαφέρον για τον πραγματικό κόσμο με το μεγαλείο και την ομορφιά της φύσης και, φυσικά, για τον άνθρωπο. Η πίστη στις υπερδυνάμεις ανθρώπινο μυαλόως ανώτατο κριτήριο αλήθειας, οδήγησε στην επισφαλή θέση της άθικτης υπεροχής της θεολογίας έναντι της επιστήμης, τόσο χαρακτηριστική του Μεσαίωνα. Υποταγή ανθρώπινη προσωπικότηταοι εκκλησιαστικές και φεουδαρχικές αρχές αντικαθίσταται από την αρχή της ελεύθερης ανάπτυξης της ατομικότητας.

Τα μέλη της νεοσύστατης κοσμικής διανόησης έδωσαν όλη την προσοχή στις ανθρώπινες πτυχές σε αντίθεση με τη θεία και αυτοαποκαλούνταν ανθρωπιστές (από την έννοια της εποχής του Κικέρωνα "studia hmnanitatis", που σημαίνει τη μελέτη όλων όσων συνδέονται με την ανθρώπινη φύση και τον πνευματικό του κόσμο ). Αυτός ο όρος είναι μια αντανάκλαση μιας νέας στάσης απέναντι στην πραγματικότητα, του ανθρωποκεντρισμού του πολιτισμού της Αναγέννησης.

Ένα ευρύ φάσμα δημιουργικών παρορμήσεων άνοιξε την περίοδο της πρώτης ηρωικής επίθεσης στον φεουδαρχικό κόσμο. Οι άνθρωποι αυτής της εποχής έχουν ήδη απαρνηθεί τα δίκτυα του παρελθόντος, αλλά δεν έχουν βρει ακόμα νέα. Πίστευαν ότι οι δυνατότητές τους ήταν ατελείωτες. Από αυτό γεννήθηκε η αισιοδοξία, η οποία είναι τόσο χαρακτηριστική Αναγεννησιακός πολιτισμός.

κοιμισμένη Αφροδίτη/ Τζορτζιόνε

Ο χαρούμενος χαρακτήρας και η ατελείωτη πίστη στη ζωή δημιούργησαν πίστη στο απεριόριστο των δυνατοτήτων για το μυαλό και στη δυνατότητα ανάπτυξης της προσωπικότητας αρμονικά και χωρίς εμπόδια.
αναγεννησιακή τέχνηαπό πολλές απόψεις έρχεται σε αντίθεση με τη μεσαιωνική. Η ευρωπαϊκή καλλιτεχνική κουλτούρα αναπτύσσεται με τη διαμόρφωση του ρεαλισμού. Αυτό αφήνει το στίγμα του τόσο στη διάδοση εικόνων κοσμικού χαρακτήρα, στην ανάπτυξη τοπίων και πορτρέτων, κοντά στην ερμηνεία του είδους ενίοτε θρησκευτικών θεμάτων, όσο και στη ριζική ανανέωση ενός ολόκληρου καλλιτεχνικού οργανισμού.

Η μεσαιωνική τέχνη βασίστηκε στην ιδέα της ιεραρχικής δομής του σύμπαντος, το αποκορύφωμα της οποίας βρισκόταν έξω από τον κύκλο της γήινης ύπαρξης, που καταλάμβανε ένα από τα τελευταίες θέσεις. Υπήρξε μια υποτίμηση των επίγειων πραγματικών συνδέσεων και φαινομένων στο χρόνο με το χώρο, αφού το κύριο καθήκον της τέχνης ήταν η οπτική ενσάρκωση της κλίμακας των αξιών που δημιουργούσε η θεολογία.

Στην Αναγέννηση, το σύστημα της κερδοσκοπικής τέχνης σβήνει και στη θέση του έρχεται ένα σύστημα που βασίζεται στη γνώση και την αντικειμενική εικόνα του κόσμου που παρουσιάζεται στον άνθρωπο. Γι' αυτό ένα από τα κύρια καθήκοντα των καλλιτεχνών της Αναγέννησης ήταν το ζήτημα της αντανάκλασης του χώρου.

Τον 15ο αιώνα, αυτό το ζήτημα ήταν κατανοητό παντού, με τη μόνη διαφορά ότι η βόρεια Ευρώπη (Ολλανδία) προχωρούσε προς μια αντικειμενική κατασκευή του χώρου σταδιακά λόγω εμπειρικών παρατηρήσεων και η ίδρυση της Ιταλίας στο πρώτο μισό του αι. αιώνα βασίστηκε στη γεωμετρία και την οπτική.

Δαβίδ/ Donatello

Αυτή η υπόθεση, η οποία δίνει τη δυνατότητα κατασκευής μιας τρισδιάστατης εικόνας σε ένα επίπεδο, η οποία θα ήταν προσανατολισμένη στον θεατή, λαμβάνοντας υπόψη την άποψή του, λειτούργησε ως νίκη έναντι της έννοιας του Μεσαίωνα. Η οπτική αναπαράσταση ενός προσώπου δείχνει τον ανθρωποκεντρικό προσανατολισμό της νέας καλλιτεχνικής κουλτούρας.

Ο πολιτισμός της Αναγέννησης καταδεικνύει ξεκάθαρα τη χαρακτηριστική σύνδεση μεταξύ επιστήμης και τέχνης. Ένας ιδιαίτερος ρόλος ανατέθηκε στη γνωστική αρχή για να απεικονίσει τον κόσμο και τον άνθρωπο αρκετά αληθινά. Φυσικά, η αναζήτηση υποστήριξης καλλιτεχνών στην επιστήμη οδήγησε στην τόνωση της ανάπτυξης της ίδιας της επιστήμης. Στην Αναγέννηση εμφανίστηκαν πολλοί καλλιτέχνες-επιστήμονες με επικεφαλής τον Λεονάρντο ντα Βίντσι.

Οι νέες προσεγγίσεις στην τέχνη υπαγόρευσαν έναν νέο τρόπο απεικόνισης ανθρώπινη φιγούρακαι μεταφορά ενεργειών. Η προηγούμενη ιδέα του Μεσαίωνα για την κανονικότητα των χειρονομιών, των εκφράσεων του προσώπου και της επιτρεπόμενης αυθαιρεσίας σε αναλογίες δεν αντιστοιχούσε σε μια αντικειμενική άποψη του κόσμου γύρω μας.

Για τα έργα της Αναγέννησης, η ανθρώπινη συμπεριφορά είναι εγγενής, υπόκειται όχι σε τελετουργίες ή κανόνες, αλλά σε ψυχολογικές ρυθμίσεις και ανάπτυξη πράξεων. Οι καλλιτέχνες προσπαθούν να φέρουν τις αναλογίες των φιγούρων πιο κοντά στην πραγματικότητα. Σε αυτό πάνε διαφορετικοί τρόποι, έτσι στις βόρειες χώρες της Ευρώπης αυτό συμβαίνει εμπειρικά και στην Ιταλία η μελέτη των πραγματικών μορφών γίνεται σε συνδυασμό με τη γνώση των μνημείων της κλασικής αρχαιότητας (ο βόρειος της Ευρώπης επισυνάπτεται μόνο αργότερα).

Τα ιδανικά του ανθρωπισμού διαπερνούν αναγεννησιακή τέχνη, δημιουργώντας την εικόνα ενός όμορφου, αρμονικά ανεπτυγμένου ανθρώπου. Για την αναγεννησιακή τέχνη είναι χαρακτηριστική: ο τιτανισμός των παθών, των χαρακτήρων και του ηρωισμού.

Οι δάσκαλοι της Αναγέννησης δημιουργούν εικόνες που ενσωματώνουν την περήφανη επίγνωση των δυνάμεών τους, το άπειρο ανθρώπινες δυνατότητεςστον τομέα της δημιουργικότητας και της αληθινής πίστης στην ελευθερία της θέλησής του. Πολλές δημιουργίες της τέχνης της Αναγέννησης συνάδουν με αυτήν την έκφραση του διάσημου ιταλικού ουμανισμού Pico della Mirandola: «Ω, ο θαυμαστός και υπέροχος σκοπός ενός ανθρώπου που του δίνεται να πετύχει αυτό που φιλοδοξεί και να είναι αυτό που θέλει».

Η Λήδα και ο Κύκνος/ Λεονάρντο Ντα Βίντσι

Αν ο καθορισμός για τη φύση των καλών τεχνών ήταν σε μεγαλύτερο βαθμό η επιθυμία να προβληθεί η πραγματικότητα με ειλικρίνεια, τότε η έκκληση στην κλασική παράδοση έπαιξε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση νέων αρχιτεκτονικών μορφών. Αυτό συνίστατο όχι μόνο στην αναδημιουργία του αρχαίου συστήματος τάξης και την αποκήρυξη των γοτθικών διαμορφώσεων, αλλά και στην κλασική αναλογικότητα, την ανθρωποκεντρική φύση της νέας αρχιτεκτονικής και στο σχεδιασμό κεντρικών κτιρίων στην αρχιτεκτονική ναών, όπου ο εσωτερικός χώρος ήταν εύκολα ορατός.

Στον τομέα της πολιτικής αρχιτεκτονικής δημιουργήθηκαν πολλές νέες δημιουργίες. Έτσι, στην Αναγέννηση, τα πολυώροφα δημόσια κτίρια της πόλης: δημαρχεία, πανεπιστήμια, σπίτια συντεχνιών εμπόρων, εκπαιδευτικά σπίτια, αποθήκες, αγορές, αποθήκες λαμβάνουν πιο κομψή διακόσμηση. Εμφανίζεται ένας τύπος παλατιού της πόλης, ή αλλιώς ένα palazzo - το σπίτι ενός πλούσιου burgher, καθώς και ένα είδος εξοχικής βίλας. Διαμορφώνονται νέα συστήματα διακόσμησης προσόψεων, αναπτύσσεται ένα νέο κατασκευαστικό σύστημα πλινθόκτιστου κτιρίου (που διατηρείται στην ευρωπαϊκή κατασκευή μέχρι τον 20ο αιώνα), συνδυάζοντας τούβλο και ξύλινα δάπεδα. Τα πολεοδομικά προβλήματα λύνονται με νέο τρόπο, τα αστικά κέντρα ανακατασκευάζονται.

Νέος αρχιτεκτονικό στυλαπέκτησε ζωή με τη βοήθεια προηγμένης τεχνολογίας κατασκευής χειροτεχνίας, που προετοιμάστηκε από τον Μεσαίωνα. Βασικά, οι αρχιτέκτονες της Αναγέννησης συμμετείχαν άμεσα στο σχεδιασμό του κτιρίου, κατευθύνοντας την υλοποίησή του στην πραγματικότητα. Κατά κανόνα είχαν και μια σειρά από άλλες ειδικότητες σχετικές με την αρχιτεκτονική, όπως: γλύπτης, ζωγράφος, ενίοτε διακοσμητής. Ο συνδυασμός δεξιοτήτων συνέβαλε στην ανάπτυξη της καλλιτεχνικής ποιότητας των κτιρίων.

Σε σύγκριση με τον Μεσαίωνα, όταν οι κύριοι πελάτες των έργων ήταν οι μεγάλοι φεουδάρχες και η εκκλησία, τώρα ο κύκλος των πελατών διευρύνεται με μια αλλαγή στην κοινωνική σύνθεση. Συντεχνικοί σύλλογοι τεχνιτών, εμπορικές συντεχνίες, ακόμη και ιδιώτες (ευγενείς, μπέργκερ), μαζί με την εκκλησία, συχνά δίνουν εντολές σε καλλιτέχνες.

Αλλάζει και η κοινωνική θέση του καλλιτέχνη. Παρά το γεγονός ότι οι καλλιτέχνες βρίσκονται σε αναζήτηση και μπαίνουν στα εργαστήρια, συχνά λαμβάνουν βραβεία και υψηλές τιμές, καταλαμβάνουν έδρες σε δημοτικά συμβούλια και εκτελούν διπλωματικές αποστολές.
Υπάρχει μια εξέλιξη της στάσης ενός ανθρώπου για τις καλές τέχνες. Αν νωρίτερα ήταν στο επίπεδο της τέχνης, τώρα είναι στο ίδιο επίπεδο με τις επιστήμες και τα έργα τέχνης για πρώτη φορά αρχίζουν να θεωρούνται ως αποτέλεσμα πνευματικής δημιουργικής δραστηριότητας.

Τελευταία κρίση/ Μιχαήλ Άγγελος

Η εμφάνιση νέων τεχνικών και μορφών τέχνης προκαλείται από την επέκταση της ζήτησης και την αύξηση του αριθμού των κοσμικών πελατών. Οι μνημειακές φόρμες συνοδεύονται από καβαλέτο: ζωγραφική σε καμβά ή ξύλο, ξυλογλυπτική, μαγιόλικα, μπρούτζος, τερακότα. Η συνεχώς αυξανόμενη ζήτηση για έργα τέχνηςοδήγησε στην εμφάνιση χαρακτικών σε ξύλο και μέταλλο - την πιο φθηνή και πιο δημοφιλή μορφή τέχνης. Αυτή η τεχνική, για πρώτη φορά, επέτρεψε την αναπαραγωγή εικόνων σε μεγάλο αριθμό αντιγράφων.
Ένα από τα κύρια χαρακτηριστικά της ιταλικής Αναγέννησης είναι η ευρεία χρήση των παραδόσεων της αρχαίας κληρονομιάς που δεν πεθαίνουν στην περιοχή της Μεσογείου. Εδώ, το ενδιαφέρον για την κλασική αρχαιότητα εμφανίστηκε πολύ νωρίς - ακόμη και στα έργα Ιταλών καλλιτεχνών της Πρωτο-Αναγέννησης από τον Piccolo και τον Giovanni Pisano μέχρι τον Ambrogio Lorsnzetti.

Η μελέτη της αρχαιότητας τον 15ο αιώνα γίνεται ένα από τα βασικά καθήκοντα των ανθρωπιστικών σπουδών. Υπάρχει σημαντική διεύρυνση των πληροφοριών για τον πολιτισμό αρχαίος κόσμος. Σε βιβλιοθήκες παλαιών μοναστηριών βρέθηκαν πολλά χειρόγραφα άγνωστων μέχρι τότε έργων αρχαίων συγγραφέων. Η αναζήτηση έργων τέχνης κατέστησε δυνατή την ανακάλυψη πολλών αρχαίων αγαλμάτων, ανάγλυφων και τελικά τοιχογραφιών. αρχαία Ρώμη. Τα μελετούσαν συνεχώς καλλιτέχνες. Παραδείγματα περιλαμβάνουν τα επιζώντα νέα ενός ταξιδιού στη Ρώμη από τον Donatello και τον Brunelleschi για τη μέτρηση και τη σκιαγράφηση μνημείων της αρχαίας ρωμαϊκής αρχιτεκτονικής και γλυπτικής, τα έργα του Leon Battista Alberti, σχετικά με τη μελέτη από τον Raphael των πρόσφατα ανακαλυφθέντων ανάγλυφων και ζωγραφικής, τον τρόπο με τον οποίο ο νεαρός Michelangelo αντέγραψε αντίκα γλυπτική. Η τέχνη της Ιταλίας εμπλουτίστηκε (λόγω της συνεχούς έλξης στην αρχαιότητα) με πλήθος τεχνικών, μοτίβων και νέων μορφών για εκείνη την εποχή, δίνοντας ταυτόχρονα μια νότα ηρωικής εξιδανίκευσης, που απουσίαζε παντελώς στα έργα των καλλιτέχνες της Βόρειας Ευρώπης.

Υπήρχε ένα άλλο κύριο χαρακτηριστικό της ιταλικής Αναγέννησης - ο ορθολογισμός της. Πολλοί άνθρωποι εργάστηκαν για τη διαμόρφωση των επιστημονικών θεμελίων της τέχνης. Ιταλοί καλλιτέχνες. Έτσι, στον κύκλο των Brunelleschi, Masaccio και Donatello διαμορφώθηκε η θεωρία της γραμμικής προοπτικής, η οποία στη συνέχεια διατυπώθηκε στην πραγματεία του 1436 από τον Leon Battista Alberti «The Book of Painting». Ένας μεγάλος αριθμός καλλιτεχνών συμμετείχε στην ανάπτυξη της θεωρίας της προοπτικής, ιδίως οι Paolo Uccello και Piero della Francesca, οι οποίοι έγραψαν την πραγματεία On the Picturesque Perspective το 1484-1487. Σε αυτό, τέλος, είναι ορατές οι προσπάθειες εφαρμογής της μαθηματικής θεωρίας στην κατασκευή της ανθρώπινης φιγούρας.

Αξίζει επίσης να σημειωθούν άλλες πόλεις και περιοχές της Ιταλίας που έπαιξαν εξέχοντα ρόλο στην ανάπτυξη της τέχνης: τον XIV αιώνα - Σιένα, τον XV αιώνα - Umbrcia, Πάντοβα, Βενετία, Φεράρα. Τον 16ο αιώνα, η ποικιλία των τοπικών σχολείων εξαφανίστηκε (η μόνη εξαίρεση είναι η αρχική Βενετία) και για μια ορισμένη περίοδο οι κορυφαίες καλλιτεχνικές δυνάμεις της χώρας συγκεντρώθηκαν στη Ρώμη.

Οι διαφορές στη διαμόρφωση και ανάπτυξη της τέχνης μεμονωμένων περιοχών της Ιταλίας δεν παρεμβαίνουν στη δημιουργία και την υποταγή ενός γενικού προτύπου, το οποίο μας επιτρέπει να περιγράψουμε τα κύρια στάδια ανάπτυξης Ιταλική Αναγέννηση. Η ιστορία της σύγχρονης τέχνης χωρίζει την ιστορία της ιταλικής Αναγέννησης σε τέσσερα στάδια: την Πρωτο-Αναγέννηση (τέλη 13ου - το πρώτο μισό του 14ου αιώνα), την Πρώιμη Αναγέννηση (15ος αιώνας), την Υψηλή Αναγέννηση (τέλη του ο 15ος - οι τρεις πρώτες δεκαετίες του 16ου αιώνα) και η Ύστερη Αναγέννηση (μέσα και δεύτερο μισό του 16ου αιώνα) .

Ιταλική Αναγέννηση (25:24)

Μια υπέροχη ταινία του Vladimir Ptashchenko, που κυκλοφόρησε ως μέρος της σειράς Masterpieces of the Hermitage