Ξένοι καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Μεγάλοι Ιταλοί καλλιτέχνες της Αναγέννησης

Σάντρο Μποτιτσέλι(1 Μαρτίου 1445 -- 17 Μαΐου 1510) -- βαθιά θρησκευόμενος άνθρωπος, εργάστηκε σε όλες τις μεγάλες εκκλησίες της Φλωρεντίας και στην Καπέλα Σιξτίνα του Βατικανού, αλλά στην ιστορία της τέχνης παρέμεινε κυρίως συγγραφέας ποιητικών καμβάδων μεγάλου μεγέθους με θέματα εμπνευσμένα από την κλασική αρχαιότητα - "Άνοιξη" και "Η Γέννηση του Αφροδίτη". .

Για πολύ καιρό, ο Μποτιτσέλι βρισκόταν στη σκιά των γιγάντων της Αναγέννησης που δούλευαν μετά από αυτόν, μέχρι που βρέθηκε στο μέσα του δέκατου ένατουαιώνα που ανακαλύφθηκε ξανά από τους Βρετανούς Προ-Ραφαηλίτες, οι οποίοι σεβάστηκαν την εύθραυστη γραμμικότητα και την ανοιξιάτικη φρεσκάδα των ώριμων καμβάδων του ως το υψηλότερο σημείο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης.

Γεννήθηκε στην οικογένεια ενός πλούσιου πολίτη Mariano di Vanni Filipepi. Έλαβε καλή εκπαίδευση. Σπούδασε ζωγραφική με τον μοναχό Filippo Lippi και πήρε από αυτόν αυτό το πάθος στην απεικόνιση συγκινητικών μοτίβων που διακρίνει τους ιστορικούς πίνακες του Lippi. Στη συνέχεια εργάστηκε για τον διάσημο γλύπτη Verrocchio. Το 1470 οργάνωσε το δικό του εργαστήριο..

Υιοθέτησε τη λεπτότητα και την ακρίβεια των γραμμών από τον δεύτερο αδερφό του, ο οποίος ήταν κοσμηματοπώλης. Για κάποιο διάστημα σπούδασε με τον Λεονάρντο ντα Βίντσι στο εργαστήριο του Βερόκιο. Το αρχικό χαρακτηριστικό του ταλέντου του Μποτιτσέλι είναι η κλίση του προς το φανταστικό. Ήταν από τους πρώτους που εισήγαγε τον αρχαίο μύθο και την αλληγορία στην τέχνη της εποχής του και εργάστηκε με ιδιαίτερη αγάπη πάνω σε μυθολογικά θέματα. Ιδιαίτερα εντυπωσιακή είναι η Αφροδίτη του, που κολυμπά γυμνή στη θάλασσα με ένα κοχύλι, και οι θεοί των ανέμων τη βρέχουν με μια βροχή από τριαντάφυλλα, και οδηγούν το κοχύλι στην ακτή.

Η καλύτερη δημιουργία του Μποτιτσέλι θεωρείται ότι είναι οι τοιχογραφίες που ξεκίνησε το 1474 στην Καπέλα Σιξτίνα του Βατικανού. Ολοκλήρωσε πολλούς πίνακες που παραγγέλθηκαν από τους Medici. Συγκεκριμένα, ζωγράφισε το πανό του Τζουλιάνο Μέντιτσι, αδελφού του Λορέντζο του Μεγαλοπρεπούς. Στις δεκαετίες 1470 και 1480, το πορτρέτο γίνεται ανεξάρτητο είδοςστο έργο του Μποτιτσέλι («Άνθρωπος με μετάλλιο», περ. 1474· «Νεαρός», δεκαετία του 1480). Ο Μποτιτσέλι έγινε διάσημος για το λεπτό αισθητικό του γούστο και για έργα όπως Ο Ευαγγελισμός (1489-1490), Η Εγκαταλελειμμένη Γυναίκα (1495-1500) κ.λπ. τα τελευταία χρόνιατης ζωής του, ο Μποτιτσέλι, προφανώς, άφησε τη ζωγραφική ..

Ο Sandro Botticelli είναι θαμμένος στον οικογενειακό τάφο στην εκκλησία Ognisanti στη Φλωρεντία. Σύμφωνα με τη διαθήκη, θάφτηκε κοντά στον τάφο της Simonetta Vespucci, η οποία ενέπνευσε τα περισσότερα όμορφες εικόνεςπλοίαρχοι.

Λεονάρντο ντι Σερ Πιέρο ντα Βίντσι(15 Απριλίου 1452, χωριό Anchiano, κοντά στην πόλη Vinci, κοντά στη Φλωρεντία - 2 Μαΐου 1519, - ο μεγάλος Ιταλός καλλιτέχνης (ζωγράφος, γλύπτης, αρχιτέκτονας) και επιστήμονας (ανατόμος, φυσιοδίφης), εφευρέτης, συγγραφέας, ένας του σημαντικούς εκπροσώπουςτέχνη της Υψηλής Αναγέννησης, χαρακτηριστικό παράδειγμα του «καθολικού ανθρώπου». .

Ο Λεονάρντο είναι κυρίως γνωστός στους συγχρόνους μας ως καλλιτέχνης. Επιπλέον, είναι πιθανό ο ντα Βίντσι να ήταν γλύπτης: ερευνητές από το Πανεπιστήμιο της Περούτζια - Τζιανκάρλο Τζεντιλίνι και Κάρλο Σίσι - ισχυρίζονται ότι το κεφάλι από τερακότα που βρήκαν το 1990 είναι το μόνο γλυπτικό έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι που έχει καταρρεύσει σε εμάς. Ωστόσο, ο ίδιος ο ντα Βίντσι σε διαφορετικές περιόδους της ζωής του θεωρούσε τον εαυτό του κυρίως μηχανικό ή επιστήμονα. Δεν αφιέρωσε πολύ χρόνο στις καλές τέχνες και εργάστηκε αρκετά αργά. Να γιατί καλλιτεχνική κληρονομιάΟ Λεονάρντο δεν είναι μεγάλος σε αριθμό και πολλά από τα έργα του έχουν χαθεί ή έχουν υποστεί σοβαρές ζημιές. Ωστόσο, η προσφορά του στον κόσμο καλλιτεχνική κουλτούραείναι εξαιρετικά σημαντικό ακόμη και με φόντο την κοόρτα των μεγαλοφυιών που έδωσε η ιταλική Αναγέννηση. Χάρη στο έργο του, η τέχνη της ζωγραφικής μεταπήδησε σε ένα ποιοτικά νέο στάδιοτης ανάπτυξής του. Οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης που προηγήθηκαν του Λεονάρντο εγκατέλειψαν αποφασιστικά πολλές από τις συμβάσεις της μεσαιωνικής τέχνης. Ήταν μια κίνηση προς τον ρεαλισμό και έχουν ήδη επιτευχθεί πολλά στη μελέτη της προοπτικής, της ανατομίας, της μεγαλύτερης ελευθερίας στις αποφάσεις σύνθεσης. Αλλά όσον αφορά τη γραφικότητα, τη δουλειά με το χρώμα, οι καλλιτέχνες εξακολουθούσαν να είναι αρκετά συμβατικοί και περιορισμένοι. Η γραμμή στην εικόνα σκιαγράφιζε ξεκάθαρα το θέμα και η εικόνα είχε την εμφάνιση ζωγραφισμένου σχεδίου. Το πιο υπό όρους ήταν το τοπίο, που έπαιζε δευτερεύον ρόλο. .

Ο Λεονάρντο συνειδητοποίησε και εφάρμοσε ένα νέο τεχνική ζωγραφικής. Η γραμμή του έχει δικαίωμα να θολώνει, γιατί έτσι το βλέπουμε. Συνειδητοποίησε το φαινόμενο της σκέδασης του φωτός στον αέρα και την εμφάνιση του sfumato - ομίχλης μεταξύ του θεατή και του εικονιζόμενου αντικειμένου, που απαλύνει τις χρωματικές αντιθέσεις και τις γραμμές. Ως αποτέλεσμα, ο ρεαλισμός στη ζωγραφική μετακινήθηκε σε ένα ποιοτικά νέο επίπεδο. . αναγεννησιακή ζωγραφική botticelli αναγέννηση

Ραφαέλ Σάντι(28 Μαρτίου 1483 - 6 Απριλίου 1520) - ο μεγάλος Ιταλός ζωγράφος, γραφίστας και αρχιτέκτονας, εκπρόσωπος της σχολής της Ομβρίας..

Ο γιος του ζωγράφου Giovanni Santi έκανε μια αρχική καλλιτεχνική εκπαίδευση στο Urbino με τον πατέρα του Giovanni Santi, αλλά σε νεαρή ηλικία κατέληξε στο στούντιο. εξαιρετικός καλλιτέχνηςΠιέτρο Περουτζίνο. Ακριβώς καλλιτεχνική γλώσσαΚαι η εικονικότητα των πινάκων του Perugino, με την έλξη τους προς μια συμμετρική ισορροπημένη σύνθεση, τη σαφήνεια της χωρικής ανάλυσης και την απαλότητα στην επίλυση του χρώματος και του φωτισμού, είχαν πρωταρχική επιρροή στον τρόπο του νεαρού Ραφαήλ.

Είναι επίσης απαραίτητο να οριστεί ότι το δημιουργικό στυλ του Ραφαήλ περιελάμβανε μια σύνθεση τεχνικών και ευρημάτων άλλων δασκάλων. Στην αρχή, ο Raphael βασίστηκε στην εμπειρία του Perugino, αργότερα με τη σειρά του - στα ευρήματα των Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Πρώιμα έργα(“Madonna Conestabile” 1502-1503) είναι εμποτισμένα με χάρη, απαλό λυρισμό. Η επίγεια ύπαρξη του ανθρώπου, η αρμονία του πνευματικού και σωματική δύναμηδοξάστηκε στις τοιχογραφίες των δωματίων του Βατικανού (1509-1517), έχοντας επιτύχει μια άψογη αίσθηση αναλογίας, ρυθμού, αναλογιών, ευφωνίας χρώματος, ενότητας μορφών και μεγαλειώδους αρχιτεκτονικού υπόβαθρου..

Στη Φλωρεντία, έχοντας έρθει σε επαφή με τα έργα του Μιχαήλ Άγγελου και του Λεονάρντο, ο Ραφαήλ έμαθε από αυτά την ανατομικά σωστή εικόνα του ανθρώπινου σώματος. Σε ηλικία 25 ετών, ο καλλιτέχνης πηγαίνει στη Ρώμη και από εκείνη τη στιγμή αρχίζει η περίοδος της υψηλότερης άνθησης του έργου του: εκτελεί μνημειακές τοιχογραφίες στο Παλάτι του Βατικανού (1509--1511), μεταξύ των οποίων είναι το αδιαμφισβήτητο αριστούργημα του μάστερ - η τοιχογραφία «Η Σχολή των Αθηνών», γράφει συνθέσεις βωμούκαι πίνακες καβαλέτο, που διακρίνονται από την αρμονία του σχεδιασμού και της εκτέλεσης, εργάζεται ως αρχιτέκτονας (για κάποιο διάστημα ο Ραφαήλ επιβλέπει ακόμη και την κατασκευή του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου). Στην ακούραστη αναζήτηση του ιδανικού του, που ενσαρκώνεται για τον καλλιτέχνη στην εικόνα της Μαντόνας, δημιουργεί την πιο τέλεια δημιουργία του - τη «Σιξτίνα Μαντόνα» (1513), σύμβολο της μητρότητας και της αυταπάρνησης. Οι πίνακες και οι τοιχογραφίες του Ραφαήλ αναγνωρίστηκαν από τους συγχρόνους του και σύντομα ο Σάντι έγινε κεντρικό πρόσωπο στην καλλιτεχνική ζωή της Ρώμης. Πολλοί ευγενείς της Ιταλίας ήθελαν να παντρευτούν με τον καλλιτέχνη, συμπεριλαμβανομένου του στενού φίλου του Ραφαήλ, Καρδινάλιο Μπιμπιένα. Ο καλλιτέχνης πέθανε σε ηλικία τριάντα επτά ετών από καρδιακή ανεπάρκεια. Οι ημιτελείς πίνακες της Villa Farnesina, οι Λότζες του Βατικανού και άλλα έργα συμπληρώθηκαν από τους μαθητές του Ραφαήλ σύμφωνα με τα σκίτσα και τα σχέδιά του.

Ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης, οι πίνακες του οποίου χαρακτηρίζονται από την έντονη ισορροπία και αρμονία του συνόλου, την ισορροπία της σύνθεσης, την κανονικότητα του ρυθμού και τη λεπτή χρήση των δυνατοτήτων του χρώματος. Η άψογη διοίκηση της γραμμής και η ικανότητα γενίκευσης και ανάδειξης του κυριότερου έκαναν τον Ραφαέλ έναν από τους πιο εξαιρετικούς δεξιοτέχνες του σχεδίου όλων των εποχών. Η κληρονομιά του Ραφαήλ χρησίμευσε ως ένας από τους πυλώνες στη διαδικασία διαμόρφωσης του ευρωπαϊκού ακαδημαϊσμού. Οι οπαδοί του κλασικισμού - οι αδερφοί Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov και πολλοί άλλοι καλλιτέχνες - εξύμνησαν την κληρονομιά του Raphael ως το πιο τέλειο φαινόμενο στην παγκόσμια τέχνη.

Τιτσιάν Βετσέλιο(1476/1477 ή 1480-1576) - Ιταλός ζωγράφος της Αναγέννησης. Το όνομα του Τιτσιάνο είναι στο ίδιο επίπεδο με καλλιτέχνες της Αναγέννησης όπως ο Μικελάντζελο, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι και ο Ραφαήλ. Ο Τιτσιάν ζωγράφιζε εικόνες με βιβλικά και μυθολογικά θέματα, έγινε διάσημος ως προσωπογράφος. Του ανέθεσαν βασιλιάδες και πάπες, καρδινάλιοι, δούκες και πρίγκιπες. Ο Τιτσιάν δεν ήταν καν τριάντα ετών όταν αναγνωρίστηκε ως ο καλύτερος ζωγράφος στη Βενετία.

Από τον τόπο γέννησής του (Pieve di Cadore στην επαρχία Belluno), μερικές φορές ονομάζεται da Cadore. γνωστός και ως Τισιανός ο Θεϊκός.

Ο Τιτσιάν γεννήθηκε στην οικογένεια του Gregorio Vecellio, ενός πολιτικού και στρατιωτικού ηγέτη. Σε ηλικία δέκα ετών, στάλθηκε με τον αδελφό του στη Βενετία για να σπουδάσει με τον διάσημο μωσαϊκό Sebastian Zuccato. Λίγα χρόνια αργότερα μπήκε στο στούντιο του Τζιοβάνι Μπελίνι ως μαθητευόμενος. Σπούδασε με τους Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) και πολλούς άλλους καλλιτέχνες που αργότερα έγιναν διάσημοι.

Το 1518, ο Τιτσιάν ζωγραφίζει την εικόνα "Η Ανάληψη της Μητέρας του Θεού", το 1515 - η Σαλώμη με το κεφάλι του Ιωάννη του Βαπτιστή. Από το 1519 έως το 1526 ζωγραφίζει μια σειρά από βωμούς, συμπεριλαμβανομένου του βωμού της οικογένειας Πέζαρο.

Ο Τιτσιάν έζησε μακροζωία. Πριν τελευταιες μερεςδεν σταμάτησε να δουλεύει. Μου τελευταία εικόνα, «Θρήνος του Χριστού», έγραψε ο Τιτσιάνο για τη δική του ταφόπλακα. Ο καλλιτέχνης πέθανε από πανώλη στη Βενετία στις 27 Αυγούστου 1576, έχοντας προσβληθεί από την ασθένεια από τον γιο του ενώ τον φρόντιζε.

Ο αυτοκράτορας Κάρολος Ε' κάλεσε τον Τιτσιάνο κοντά του και τον περικύκλωσε με τιμή και σεβασμό και είπε περισσότερες από μία φορές: «Μπορώ να δημιουργήσω έναν δούκα, αλλά πού μπορώ να βρω έναν δεύτερο Τιτσιάνο». Όταν μια μέρα ο καλλιτέχνης έριξε το πινέλο του, ο Κάρολος Ε' το σήκωσε και είπε: «Είναι τιμητικό να υπηρετείς τον Τιτσιάνο ακόμα και στον αυτοκράτορα». Τόσο οι Ισπανοί όσο και οι Γάλλοι βασιλιάδες κάλεσαν τον Τιτσιάνο στον τόπο τους, για να εγκατασταθούν στην αυλή, αλλά ο καλλιτέχνης, έχοντας ολοκληρώσει τις παραγγελίες, επέστρεφε πάντα στη γενέτειρά του Βενετία.Ένας κρατήρας στον Ερμή ονομάστηκε προς τιμή του Τιτσιάνο. .

Η Ιταλία είναι μια χώρα που πάντα φημιζόταν για τους καλλιτέχνες της. Οι μεγάλοι δάσκαλοι που κάποτε έζησαν στην Ιταλία δόξασαν την τέχνη σε όλο τον κόσμο. Μπορούμε να πούμε με βεβαιότητα ότι αν δεν υπήρχαν οι Ιταλοί καλλιτέχνες, γλύπτες και αρχιτέκτονες, ο κόσμος θα φαινόταν πολύ διαφορετικός σήμερα. Το πιο σημαντικό σε Ιταλική τέχνη, φυσικά, μετράει ως . Η Ιταλία στην Αναγέννηση ή Αναγέννηση έφτασε σε μια άνευ προηγουμένου άνοδο και ευημερία. Ταλαντούχοι Καλλιτέχνες, γλύπτες, εφευρέτες, πραγματικές ιδιοφυΐες που εμφανίστηκαν εκείνες τις μέρες είναι ακόμα γνωστοί σε κάθε μαθητή. Η τέχνη, η δημιουργικότητα, οι ιδέες, οι εξελίξεις τους σήμερα θεωρούνται κλασικά, ο πυρήνας πάνω στον οποίο χτίζεται η παγκόσμια τέχνη και ο πολιτισμός.

Ενα από τα πολλά διάσημες ιδιοφυΐεςη ιταλική Αναγέννηση είναι, φυσικά, μεγάλη Λεονάρντο Ντα Βίντσι(1452-1519). Ο Ντα Βίντσι ήταν τόσο προικισμένος που σημείωσε μεγάλη επιτυχία σε πολλούς τομείς δραστηριότητας, μεταξύ των οποίων καλές τέχνεςω και επιστήμη. Ένας άλλος διάσημος καλλιτέχνης που είναι αναγνωρισμένος δάσκαλος είναι Σάντρο Μποτιτσέλι(1445-1510). Οι πίνακες του Μποτιτσέλι είναι ένα πραγματικό δώρο για την ανθρωπότητα. Σήμερα τα πυκνά του είναι στα περισσότερα διάσημα μουσείακόσμο και είναι πραγματικά ανεκτίμητες. Δεν είναι λιγότερο διάσημος από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι και τον Μποτιτσέλι Ραφαέλ Σάντι(1483-1520), ο οποίος έζησε για 38 χρόνια, και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου κατάφερε να δημιουργήσει ένα ολόκληρο στρώμα εκπληκτικής ζωγραφικής, που έγινε ένα από τα φωτεινότερα παραδείγματα της Πρώιμης Αναγέννησης. Άλλη μια μεγάλη ιδιοφυΐα Ιταλική Αναγέννησηείναι χωρίς αμφιβολία Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Εκτός από τη ζωγραφική, ο Μιχαήλ Άγγελος ασχολήθηκε με τη γλυπτική, την αρχιτεκτονική και την ποίηση και πέτυχε σπουδαία αποτελέσματα σε αυτές τις τέχνες. Το άγαλμα του Μιχαήλ Άγγελου που ονομάζεται «Δαυίδ» θεωρείται ένα αξεπέραστο αριστούργημα, δείγμα του υψηλότερου επιτεύγματος της τέχνης της γλυπτικής.

Εκτός από τους καλλιτέχνες που αναφέρθηκαν παραπάνω, οι μεγαλύτεροι καλλιτέχνες της Ιταλίας της Αναγέννησης ήταν μάστορες όπως οι Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Guardi και Frances, άλλοι.. Όλοι τους ήταν χαρακτηριστικό παράδειγμαγοητευτικός Ενετικό σχολείοζωγραφική. Στο Φλωρεντίνικο Σχολείο Ιταλική ζωγραφικήανήκουν σε καλλιτέχνες όπως: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Για να απαριθμήσουμε όλους τους καλλιτέχνες που εργάστηκαν κατά την Αναγέννηση, καθώς και κατά την ύστερη Αναγέννηση, και αιώνες αργότερα, που έγιναν γνωστοί σε ολόκληρο τον κόσμο και δόξασαν την τέχνη της ζωγραφικής, ανέπτυξαν τις βασικές αρχές και νόμους που διέπουν όλα τα είδη και τα είδη καλές τέχνες, ίσως χρειαστούν αρκετοί τόμοι για να γραφτούν, αλλά αυτή η λίστα είναι αρκετή για να καταλάβουμε ότι οι Μεγάλοι Ιταλοί Καλλιτέχνες είναι η ίδια η τέχνη που γνωρίζουμε, που αγαπάμε και θα εκτιμούμε για πάντα!

Πίνακες ζωγραφικής μεγάλων Ιταλών καλλιτεχνών

Andrea Mantegna - Νωπογραφία στην Camera degli Sposi

Giorgione - Τρεις φιλόσοφοι

Λεονάρντο ντα Βίντσι - Μόνα Λίζα

Nicolas Poussin - Η μεγαλοψυχία του Σκιπίωνα

Paolo Veronese - Μάχη του Lepanto

Η Αναγέννηση ξεκίνησε στην Ιταλία. Απέκτησε το όνομά του λόγω της έντονης πνευματικής και καλλιτεχνικής άνθησης που ξεκίνησε τον 14ο αιώνα και επηρέασε πολύ την ευρωπαϊκή κοινωνία και πολιτισμό. Η Αναγέννηση εκφράστηκε όχι μόνο σε πίνακες ζωγραφικής, αλλά και στην αρχιτεκτονική, τη γλυπτική και τη λογοτεχνία. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι της Αναγέννησης είναι ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο Μποτιτσέλι, ο Τιτσιάν, ο Μιχαήλ Άγγελος και ο Ραφαήλ.

Σε αυτούς τους χρόνους, ο κύριος στόχος των ζωγράφων ήταν ρεαλιστική εικόναανθρώπινο σώμα, επομένως ζωγράφιζαν κυρίως ανθρώπους, απεικόνιζαν διάφορα θρησκευτικά θέματα. Επινοήθηκε επίσης η αρχή της προοπτικής, η οποία άνοιξε νέες ευκαιρίες για τους καλλιτέχνες.

Η Φλωρεντία έγινε το κέντρο της Αναγέννησης, ακολουθούμενη από τη Βενετία και αργότερα, πιο κοντά στον 16ο αιώνα, η Ρώμη.

Ο Λεονάρντο είναι γνωστός σε εμάς ως ταλαντούχος ζωγράφος, γλύπτης, επιστήμονας, μηχανικός και αρχιτέκτονας της Αναγέννησης. Για το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του, ο Λεονάρντο εργάστηκε στη Φλωρεντία, όπου δημιούργησε πολλά αριστουργήματα γνωστά σε όλο τον κόσμο. Ανάμεσά τους: «Mona Lisa» (κατά τα άλλα - «Gioconda»), «Lady with an Ermine», «Madonna Benois», «John the Baptist» και «St. Η Άννα με τη Μαρία και τον Χριστό.

Αυτός ο καλλιτέχνης είναι αναγνωρίσιμος λόγω του μοναδικού στυλ που ανέπτυξε όλα αυτά τα χρόνια. Ζωγράφισε επίσης τους τοίχους της Καπέλα Σιξτίνα κατόπιν προσωπικής επιθυμίας του Πάπα Σίξτου Δ'. Ο Μποτιτσέλι ζωγράφισε διάσημους πίνακες με μυθολογικά θέματα. Τέτοιοι πίνακες περιλαμβάνουν «Άνοιξη», «Παλλάς και ο Κένταυρος», «Η Γέννηση της Αφροδίτης».

Ο Τιτσιάν ήταν επικεφαλής της σχολής καλλιτεχνών της Φλωρεντίας. Μετά τον θάνατο του δασκάλου του Μπελίνι, ο Τιτσιάν έγινε ο επίσημος, γενικά αναγνωρισμένος καλλιτέχνης της Βενετικής Δημοκρατίας. Αυτός ο ζωγράφος είναι γνωστός για τα πορτρέτα του θρησκευτικά θέματα: «Η Ανάληψη της Μαρίας», «Δανάη», «Επίγεια αγάπη και ουράνια αγάπη».

Ο Ιταλός ποιητής, γλύπτης, αρχιτέκτονας και καλλιτέχνης απεικόνισε πολλά αριστουργήματα, από τα οποία είναι το περίφημο άγαλμα του «Δαυίδ» από μάρμαρο. Αυτό το άγαλμα έχει γίνει ένα σημαντικό αξιοθέατο στη Φλωρεντία. Ο Μιχαήλ Άγγελος ζωγράφισε το θησαυροφυλάκιο της Καπέλα Σιξτίνα στο Βατικανό, το οποίο ήταν μεγάλη παραγγελίαΠάπας Ιούλιος Β'. Την περίοδο της δουλειάς του έδωσε μεγαλύτερη σημασία στην αρχιτεκτονική, αλλά μας χάρισε τη «Σταύρωση του Αγίου Πέτρου», «Ο Τάφος», «Η Δημιουργία του Αδάμ», «Ο Μάντης».

Το έργο του διαμορφώθηκε κάτω από τη μεγάλη επιρροή του Λεονάρντο ντα Βίντσι και του Μιχαήλ Άγγελου, χάρη στους οποίους απέκτησε ανεκτίμητη εμπειρία και δεξιοτεχνία. Ζωγράφισε τις αίθουσες τελετών στο Βατικανό, αναπαριστώντας ανθρώπινη δραστηριότητακαι απεικονίζει διάφορες σκηνές από τη Βίβλο. Αναμεταξύ διάσημους πίνακεςΡαφαήλ - " Σιξτίνα Μαντόνα», «Τρεις Χάριτες», «Ο Άγιος Μιχαήλ και ο Διάβολος».

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Οι λαοί της Ευρώπης προσπάθησαν να αναβιώσουν τους θησαυρούς και τις παραδόσεις που χάθηκαν λόγω των ατελείωτων εξοντωτικών πολέμων. Οι πόλεμοι απομάκρυναν τους ανθρώπους από προσώπου γης και τα σπουδαία πράγματα που δημιούργησαν οι άνθρωποι. Η ιδέα να αναβιώσει ο υψηλός πολιτισμός αρχαίος κόσμοςζωντάνεψε τη φιλοσοφία, τη λογοτεχνία, τη μουσική, την άνοδο των φυσικών επιστημών και, κυρίως, την άνθηση της τέχνης. Η εποχή απαιτούσε ανθρώπους δυνατούς, μορφωμένους που δεν φοβούνταν καμία δουλειά. Ανάμεσά τους έγινε δυνατή η εμφάνιση εκείνων των λίγων ιδιοφυιών που αποκαλούνται «τιτάνες της Αναγέννησης». Αυτούς που λέμε μόνο με τα μικρά τους ονόματα.

Η Αναγέννηση ήταν κυρίως ιταλική. Επομένως, δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι στην Ιταλία η τέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έφτασε στην υψηλότερη άνοδο και άνθησή της. Εδώ υπάρχουν δεκάδες ονόματα τιτάνων, ιδιοφυιών, σπουδαίων και απλά ταλαντούχων καλλιτεχνών.

ΜΟΥΣΙΚΗ LEONARDO.

Τι τυχερός άνθρωπος! πολλοί θα πουν για αυτόν. Ήταν προικισμένος με σπάνια υγεία, όμορφος, ψηλός, γαλανομάτης. Στα νιάτα του φορούσε ξανθές μπούκλες, με περήφανο ανάστημα που θύμιζε τον Άγιο Γεώργιο της Donatella. Διέθετε ανήκουστη και θαρραλέα δύναμη, ανδρική ανδρεία. Τραγούδησε υπέροχα, μπροστά στο κοινό συνέθεσε μελωδίες και ποιήματα. έπαιξε σε οποιοδήποτε μουσικό όργανοΕπιπλέον, τα δημιούργησε ο ίδιος.

Για την τέχνη του Λεονάρντο ντα Βίντσι, οι σύγχρονοι και οι απόγονοι δεν βρήκαν ποτέ άλλους ορισμούς πέρα ​​από το «λαμπρό», «θεϊκό», «μεγάλο». Τα ίδια λόγια ισχύουν για τις επιστημονικές του αποκαλύψεις: εφηύρε μια δεξαμενή, έναν εκσκαφέα, ένα ελικόπτερο, ένα υποβρύχιο, ένα αλεξίπτωτο, ένα αυτόματο όπλο, ένα καταδυτικό κράνος, ένα ασανσέρ, αποφάσισε τα πιο δύσκολα προβλήματαακουστική, βοτανική, ιατρική, κοσμογραφία, δημιούργησε ένα έργο για ένα στρογγυλό θέατρο, εφηύρε ένα εκκρεμές ρολογιού έναν αιώνα νωρίτερα από τον Galileo, σχεδίασε τα σημερινά θαλάσσια σκι, ανέπτυξε τη θεωρία της μηχανικής.

Τι τυχερός άνθρωπος! - πολλοί θα πουν γι 'αυτόν και θα αρχίσουν να θυμούνται τους αγαπημένους του πρίγκιπες και βασιλιάδες, που αναζητούσαν γνωριμίες μαζί του, θεάματα και διακοπές που επινόησε ως καλλιτέχνης, θεατρικός συγγραφέας, ηθοποιός, αρχιτέκτονας και διασκέδασε μαζί τους σαν παιδί.

Ωστόσο, ήταν ευτυχισμένος ο ακούραστος μακρόψυχος Λεονάρντο, που κάθε μέρα του έδινε στους ανθρώπους και στον κόσμο πρόνοια και διορατικότητα; Προέβλεψε την τρομερή μοίρα των δημιουργιών του: την καταστροφή του «Μυστικού Δείπνου», τον πυροβολισμό του μνημείου της Francesca Sforza, το χαμηλό εμπόριο και την ποταπή κλοπή των ημερολογίων του, των βιβλίων εργασίας. Συνολικά, μόνο δεκαέξι πίνακες έχουν σωθεί μέχρι σήμερα. Λίγα γλυπτά. Αλλά πολλά σχέδια, κωδικοποιημένα σχέδια: όπως οι ήρωες της σύγχρονης επιστημονικής φαντασίας, άλλαξε τη λεπτομέρεια στο σχέδιό του, σαν να μην μπορούσε ο άλλος να τη χρησιμοποιήσει.

Δούλεψε ο Λεονάρντο ντα Βίντσι ΔΙΑΦΟΡΕΤΙΚΟΙ ΤΥΠΟΙκαι είδη τέχνης, αλλά η ζωγραφική του έφερε τη μεγαλύτερη φήμη.

Ένας από τους πρώτους πίνακες του Λεονάρντο είναι η Madonna with a Flower ή Benois Madonna. Ήδη εδώ ο καλλιτέχνης εμφανίζεται ως αληθινός καινοτόμος. Ξεπερνά τα όρια της παραδοσιακής πλοκής και δίνει στην εικόνα ένα ευρύτερο, παγκόσμιο νόημα, που είναι η μητρική χαρά και αγάπη. Σε αυτό το έργο, πολλά χαρακτηριστικά της τέχνης του καλλιτέχνη εκδηλώθηκαν ξεκάθαρα: μια σαφής σύνθεση μορφών και όγκος μορφών, μια επιθυμία για συνοπτικότητα και γενίκευση και ψυχολογική εκφραστικότητα.

Ο πίνακας "Madonna Litta" ήταν μια συνέχεια του αρχικού θέματος, όπου φάνηκε ξεκάθαρα ένα άλλο χαρακτηριστικό του έργου του καλλιτέχνη - το παιχνίδι με τις αντιθέσεις. Το θέμα ολοκληρώθηκε με τον πίνακα «Madonna in the Grotto», που σηματοδοτεί την ιδανική λύση σύνθεσης, χάρη στην οποία οι εικονιζόμενες φιγούρες της Madonna, του Χριστού και των αγγέλων συγχωνεύονται με το τοπίο σε ένα ενιαίο σύνολο, προικισμένο με ήρεμη ισορροπία και αρμονία.

Μία από τις κορυφές του έργου του Λεονάρντο είναι η τοιχογραφία " μυστικός δείπνος» στην τραπεζαρία της μονής Santa Maria Della Grazie. Το έργο αυτό εντυπωσιάζει όχι μόνο με τη συνολική του σύνθεση, αλλά και με την ακρίβειά του. Ο Λεονάρντο όχι μόνο μεταφέρει την ψυχολογική κατάσταση των αποστόλων, αλλά το κάνει τη στιγμή που φτάνει κρίσιμο σημείο, μετατρέπεται σε ψυχολογική έκρηξη και σύγκρουση. Αυτή η έκρηξη προκαλείται από τα λόγια του Χριστού: «Ένας από εσάς θα με προδώσει». Σε αυτό το έργο, ο Λεονάρντο χρησιμοποίησε πλήρως τη μέθοδο της συγκεκριμένης αντιπαράθεσης μορφών, χάρη στην οποία κάθε χαρακτήρας εμφανίζεται ως μια μοναδική ατομικότητα και προσωπικότητα.

Η δεύτερη κορυφή του έργου του Λέοναρντ ήταν διάσημο πορτρέτοΜόνα Λίζα, ή «La Gioconda». Αυτό το έργο σηματοδότησε την αρχή του είδους ψυχολογικό πορτρέτο V Ευρωπαϊκή τέχνη. Όταν δημιουργήθηκε Μεγάλος κύριοςχρησιμοποίησε έξοχα όλο το οπλοστάσιο των μέσων καλλιτεχνική εκφραστικότητα: έντονες αντιθέσεις και απαλοί τόνοι, παγωμένη ακινησία και γενική ρευστότητα και μεταβλητότητα, οι πιο λεπτές ψυχολογικές αποχρώσεις και μεταβάσεις. Όλη η ιδιοφυΐα του Λεονάρντο βρίσκεται στο εκπληκτικά ζωηρό βλέμμα της Μόνα Λίζα, το μυστηριώδες και αινιγματικό χαμόγελο, μυστικιστική ομίχλη που καλύπτει το τοπίο. Το έργο αυτό είναι ένα από τα πιο σπάνια αριστουργήματα τέχνης.

Όλοι όσοι είδαν τη Τζοκόντα φερμένη από το Λούβρο της Μόσχας θυμούνται τα λεπτά της πλήρους κώφωσης κοντά σε αυτόν τον μικρό καμβά, την ένταση όλων των καλύτερων στον εαυτό τους. Η Τζοκόντα έμοιαζε να είναι μια «αριανή», εκπρόσωπος του αγνώστου - πρέπει να είναι το μέλλον, και όχι το παρελθόν της ανθρώπινης φυλής, η ενσάρκωση της αρμονίας, την οποία ο κόσμος δεν έχει βαρεθεί και δεν θα βαρεθεί ποτέ να ονειρεύεται .

Υπάρχουν πολλά περισσότερα να ειπωθούν για αυτόν. Έκπληκτος που αυτό δεν είναι φαντασία ή φαντασία. Εδώ, για παράδειγμα, μπορούμε να θυμηθούμε πώς πρότεινε να μετακινηθεί ο καθεδρικός ναός του San Giovanni - ένα τέτοιο έργο μας εκπλήσσει, τους κατοίκους του εικοστού αιώνα.

Ο Λεονάρντο είπε: καλός καλλιτέχνηςπρέπει να μπορεί να γράψει δύο βασικά πράγματα: ένα πρόσωπο και μια αναπαράσταση της ψυχής του. Ή λέγεται για «Κολομπίνα» από το Ερμιτάζ της Αγίας Πετρούπολης; Κάποιοι ερευνητές το αποκαλούν, και όχι τον καμβά του Λούβρου, «La Gioconda».

Το αγόρι Nardo, αυτό ήταν το όνομά του στο Vinci: ο νόθος γιος ενός συμβολαιογράφου, που θεωρούσε τα πουλιά και τα άλογα ως τα καλύτερα πλάσματα στη Γη. Αγαπημένος σε όλους και μοναχικός, λυγίζει ατσάλινα ξίφη και τραβάει κρεμασμένους. Εφευρέτης της γέφυρας του Βοσπόρου και τέλεια πόλη, πιο όμορφα από αυτά του Corbusier και του Niemeyer. Τραγουδώντας με απαλή βαρύτονη φωνή και κάνοντας τη Μόνα Λίζα να χαμογελάσει. Σε ένα από τα τελευταία τετράδια, αυτός ο τυχερός έγραψε: «Μου φαινόταν ότι μάθαινα να ζω, αλλά μάθαινα να πεθάνω». Ωστόσο, στη συνέχεια το συνόψισε: «Μια καλή ζωή είναι μεγάλη ζωή».

Είναι δυνατόν να διαφωνήσω με τον Λεονάρντο;

SANDRO BOTTICELI.

Ο Σάντρο Μποτιτσέλι γεννήθηκε στη Φλωρεντία το 1445 στην οικογένεια ενός βυρσοδέψης δέρματος.

Το πρώτο πρωτότυπο έργο του Μποτιτσέλι θεωρείται η Λατρεία των Μάγων (περίπου το 1740), όπου η κύρια ιδιότητα του πρωτότυπου τρόπου του, η ονειροπόληση και η λεπτή ποίηση, έχουν ήδη επηρεάσει πλήρως. Ήταν προικισμένος με μια έμφυτη αίσθηση της ποίησης, αλλά μια καθαρή πινελιά στοχαστικής θλίψης έλαμψε μέσα του κυριολεκτικά σε όλα. Ακόμη και ο Άγιος Σεβαστιανός, βασανισμένος από τα βέλη των βασανιστών του, τον κοιτάζει σκεφτικός και αποστασιοποιημένος.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1470, ο Μποτιτσέλι ήρθε κοντά στον κύκλο του πραγματικού ηγεμόνα της Φλωρεντίας, Λορέντζο Μέντιτσι, με το παρατσούκλι του Μεγαλοπρεπούς. Στους πολυτελείς κήπους του Lorenzo μαζεύτηκε μια κοινωνία ανθρώπων, ίσως οι πιο φωτισμένοι και ταλαντούχοι στη Φλωρεντία. Υπήρχαν φιλόσοφοι, ποιητές, μουσικοί. Βασίλευε μια ατμόσφαιρα θαυμασμού για την ομορφιά και εκτιμήθηκε όχι μόνο η ομορφιά της τέχνης, αλλά και η ομορφιά της ζωής. Η αρχαιότητα, αντιληπτή, ωστόσο, μέσα από το πρίσμα των μεταγενέστερων φιλοσοφικών στρωμάτων, θεωρήθηκε το πρωτότυπο της ιδανικής τέχνης και της ιδανικής ζωής. Χωρίς αμφιβολία, υπό την επίδραση αυτής της ατμόσφαιρας, το πρώτο μεγάλη εικόνα Botticelli "Primavera (Άνοιξη)". Αυτή είναι μια ονειρική, εκλεπτυσμένη, υπέροχα όμορφη αλληγορία του αιώνιου κύκλου, της συνεχούς ανανέωσης της φύσης. Διαποτίζεται από τον πιο περίπλοκο και ιδιότροπο μουσικό ρυθμό. Η φιγούρα της Φλώρας, διακοσμημένη με λουλούδια, χορευτικές χάρες στον Κήπο της Εδέμ, ήταν εικόνες ομορφιάς που δεν είχαν δει ακόμη εκείνη την εποχή και γι' αυτό έκαναν μια ιδιαίτερα σαγηνευτική εντύπωση. Ο νεαρός Μποτιτσέλι πήρε αμέσως περίοπτη θέση ανάμεσα στους δασκάλους της εποχής του.

Ήταν η υψηλή φήμη του νεαρού ζωγράφου που του εξασφάλισε την παραγγελία για βιβλικές τοιχογραφίες για την Καπέλα Σιξτίνα του Βατικανού, την οποία δημιούργησε στις αρχές της δεκαετίας του 1480 στη Ρώμη. Ζωγράφισε «Σκηνές από τη ζωή του Μωυσή», «Η τιμωρία του Κοραή, του Ντάθαν και του Αβίρων», δείχνοντας εκπληκτική συνθετική δεινότητα. Η κλασική ηρεμία των αρχαίων κτιρίων, ενάντια στα οποία ο Μποτιτσέλι ξεδίπλωσε τη δράση, έρχεται σε έντονη αντίθεση με τον δραματικό ρυθμό των χαρακτήρων και των παθών που απεικονίζονται. Η κίνηση των ανθρώπινων σωμάτων είναι περίπλοκη, περίπλοκη, κορεσμένη με εκρηκτική δύναμη. έχει κανείς την εντύπωση της κλονισμένης αρμονίας, της ανυπεράσπιστης του ορατού κόσμου πριν από την ταχεία επίθεση του χρόνου και της ανθρώπινης βούλησης. Οι τοιχογραφίες της Καπέλα Σιξτίνα εξέφρασαν για πρώτη φορά τη βαθιά ανησυχία που ζούσε στην ψυχή του Μποτιτσέλι, η οποία δυνάμωσε με τον καιρό. Το εκπληκτικό ταλέντο του Μποτιτσέλι ως ζωγράφου πορτρέτων αντικατοπτρίστηκε σε αυτές τις τοιχογραφίες: καθένα από τα πολλά ζωγραφισμένα πρόσωπα είναι εντελώς πρωτότυπο, μοναδικό και αξέχαστο ...

Στη δεκαετία του 1480, επιστρέφοντας στη Φλωρεντία, ο Μποτιτσέλι συνέχισε να εργάζεται ακούραστα, αλλά η γαλήνια διαύγεια των «Παραδειγμάτων» ήταν ήδη πολύ πίσω. Στα μέσα της δεκαετίας έγραψε την περίφημη Γέννηση της Αφροδίτης. Οι ερευνητές σημειώνουν στα μεταγενέστερα έργα του δασκάλου έναν ηθικισμό, μια θρησκευτική ανάταση που ήταν ασυνήθιστη για αυτόν πριν.

Ίσως πιο σημαντικά από την όψιμη ζωγραφική, τα σχέδια του Μποτιτσέλι της δεκαετίας του '90 είναι εικονογραφήσεις για το " Θεία Κωμωδία» Δάντης. Ζωγράφιζε με φανερή και απροκάλυπτη απόλαυση. τα οράματα του μεγάλου ποιητή μεταφέρονται με αγάπη και προσοχή από την τελειότητα των αναλογιών πολλών μορφών, τη στοχαστική οργάνωση του χώρου, την ανεξάντλητη επινοητικότητα στην αναζήτηση οπτικών ισοδυνάμων της ποιητικής λέξης...

Παρά τις όποιες ψυχικές καταιγίδες και κρίσεις, ο Μποτιτσέλι μέχρι το τέλος (πέθανε το 1510) παρέμεινε ένας μεγάλος καλλιτέχνης, ο κύριος της τέχνης του. Αυτό αποδεικνύεται ξεκάθαρα από την ευγενή γλυπτική του προσώπου στο «Πορτρέτο νέος άνδρας”, ένα εκφραστικό χαρακτηριστικό του μοντέλου, που δεν αφήνει καμία αμφιβολία για το υψηλό του ανθρώπινη αξιοπρέπεια, το στιβαρό σχέδιο του δασκάλου και το καλοπροαίρετο βλέμμα του.

7 Αυγούστου 2014

Οι φοιτητές των πανεπιστημίων τέχνης και οι άνθρωποι που ενδιαφέρονται για την ιστορία της τέχνης γνωρίζουν ότι στο γύρισμα του 14ου και του 15ου αιώνα, σημειώθηκε μια απότομη καμπή στη ζωγραφική - η Αναγέννηση. Γύρω στη δεκαετία του 1420, όλοι έγιναν ξαφνικά πολύ καλύτεροι στο σχέδιο. Γιατί οι εικόνες έγιναν ξαφνικά τόσο ρεαλιστικές και λεπτομερείς και γιατί οι πίνακες είχαν φως και όγκο; Σχετικά με αυτό για πολύ καιρόκανείς δεν σκέφτηκε. Μέχρι που ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ σήκωσε έναν μεγεθυντικό φακό.

Ας μάθουμε τι βρήκε...

Μια μέρα κοίταζε σχέδια του Jean Auguste Dominique Ingres, του αρχηγού της γαλλικής ακαδημαϊκής σχολής του 19ου αιώνα. Ο Χόκνεϊ άρχισε να ενδιαφέρεται να δει τα μικρά σχέδιά του σε μεγαλύτερη κλίμακα και τα μεγάλωσε σε ένα φωτοτυπικό. Έτσι σκόνταψε στη μυστική πλευρά της ιστορίας της ζωγραφικής από την Αναγέννηση.

Έχοντας κάνει φωτοτυπίες των μικρών (περίπου 30 εκατοστών) σχεδίων της Ingres, ο Hockney έμεινε έκπληκτος με το πόσο ρεαλιστικά ήταν. Και του φαινόταν επίσης ότι οι γραμμές του Ingres σήμαιναν κάτι για εκείνον.
υπενθυμίζω. Αποδείχθηκε ότι του θυμίζουν το έργο του Γουόρχολ. Και ο Γουόρχολ το έκανε αυτό - πρόβαλε μια φωτογραφία σε έναν καμβά και την περιέγραψε.

Αριστερά: λεπτομέρεια σχεδίου Ingres. Δεξιά: Σχέδιο Μάο Τσε Τουνγκ Γουόρχολ

Ενδιαφέρουσες περιπτώσεις, λέει ο Hockney. Προφανώς, ο Ingres χρησιμοποίησε την Camera Lucida - μια συσκευή που είναι μια κατασκευή με πρίσμα, η οποία συνδέεται, για παράδειγμα, σε μια βάση tablet. Έτσι, ο καλλιτέχνης, κοιτάζοντας το σχέδιό του με το ένα μάτι, βλέπει την πραγματική εικόνα και με το άλλο - το πραγματικό σχέδιο και το χέρι του. Αποδεικνύεται μια οπτική ψευδαίσθηση που σας επιτρέπει να μεταφέρετε με ακρίβεια πραγματικές αναλογίες στο χαρτί. Και αυτή ακριβώς είναι η «εγγύηση» του ρεαλισμού της εικόνας.

Σχεδιάζοντας ένα πορτρέτο με μια κάμερα lucida, 1807

Τότε ο Χόκνεϊ άρχισε να ενδιαφέρεται σοβαρά για αυτόν τον «οπτικό» τύπο σχεδίων και πινάκων. Στο ατελιέ του, μαζί με την ομάδα του, κρέμασε στους τοίχους εκατοντάδες αναπαραγωγές πινάκων που δημιουργήθηκαν ανά τους αιώνες. Έργα που έμοιαζαν «πραγματικά» και αυτά που δεν έμοιαζαν. Τακτοποιημένα ανά εποχή δημιουργίας και περιοχές - βόρεια στην κορυφή, νότια στο κάτω, ο Χόκνεϊ και η ομάδα του είδαν μια απότομη καμπή στη ζωγραφική στο γύρισμα του 14ου-15ου αιώνα. Σε γενικές γραμμές, όλοι όσοι γνωρίζουν τουλάχιστον λίγο για την ιστορία της τέχνης γνωρίζουν - την Αναγέννηση.

Ίσως χρησιμοποιούσαν την ίδια κάμερα-lucida; Κατοχυρώθηκε με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας το 1807 από τον William Hyde Wollaston. Αν και, στην πραγματικότητα, μια τέτοια συσκευή περιγράφεται από τον Johannes Kepler το 1611 στο έργο του Dioptrice. Τότε ίσως χρησιμοποίησαν μια άλλη οπτική συσκευή - μια κάμερα obscura; Άλλωστε, είναι γνωστό από την εποχή του Αριστοτέλη και είναι ένα σκοτεινό δωμάτιο στο οποίο εισέρχεται φως από μια μικρή τρύπα και έτσι σε ένα σκοτεινό δωμάτιο προκύπτει η προβολή αυτού που βρίσκεται μπροστά από την τρύπα, αλλά ανάποδα. Όλα θα ήταν καλά, αλλά η εικόνα που λαμβάνεται κατά την προβολή μιας κάμερας obscura χωρίς φακό, για να το θέσω ήπια, δεν είναι υψηλής ποιότητας, δεν είναι καθαρή, απαιτεί πολύ έντονο φως, για να μην αναφέρουμε το μέγεθος του η προβολή. Αλλά οι φακοί υψηλής ποιότητας ήταν σχεδόν αδύνατο να κατασκευαστούν μέχρι τον 16ο αιώνα, επειδή δεν υπήρχε τρόπος να κατασκευαστεί τόσο υψηλής ποιότητας γυαλί εκείνη την εποχή. Πράγματα, σκέφτηκε ο Χόκνεϊ, που μέχρι τότε πάλευε ήδη με το πρόβλημα με τον φυσικό Τσαρλς Φάλκο.

Ωστόσο, υπάρχει ένας πίνακας του Jan van Eyck, ενός μάστερ από την Μπριζ, ενός Φλαμανδού ζωγράφου της πρώιμης Αναγέννησης, στον οποίο κρύβεται ένα στοιχείο. Ο πίνακας ονομάζεται «Πορτρέτο του Τσέτα Αρνολφίνι».

Γιαν Βαν Άικ «Πορτρέτο του Αρνολφίνι» 1434

Η εικόνα απλά λάμπει με μια τεράστια ποσότητα λεπτομέρειας, η οποία είναι αρκετά ενδιαφέρουσα, επειδή ζωγραφίστηκε μόλις το 1434. Και μια υπόδειξη για το πώς ο συγγραφέας κατάφερε να κάνει ένα τόσο μεγάλο βήμα μπροστά στον ρεαλισμό της εικόνας είναι ο καθρέφτης. Και επίσης ένα κηροπήγιο - απίστευτα περίπλοκο και ρεαλιστικό.

Ο Χόκνεϊ ήταν γεμάτος περιέργεια. Πήρε ένα αντίγραφο ενός τέτοιου πολυελαίου και προσπάθησε να το σχεδιάσει. Ο καλλιτέχνης βρέθηκε αντιμέτωπος με το γεγονός ότι ένα τόσο περίπλοκο πράγμα είναι δύσκολο να σχεδιαστεί σε προοπτική. Αλλο σημαντικό σημείοήταν η υλικότητα της εικόνας αυτού του μεταλλικού αντικειμένου. Όταν απεικονίζετε ένα ατσάλινο αντικείμενο, είναι πολύ σημαντικό να τοποθετείτε τα τονισμένα σημεία όσο πιο ρεαλιστικά γίνεται, καθώς αυτό δίνει τρομερό ρεαλισμό. Αλλά το πρόβλημα με αυτά τα highlights είναι ότι κινούνται όταν κινείται το μάτι του θεατή ή του καλλιτέχνη, πράγμα που σημαίνει ότι δεν είναι καθόλου εύκολο να τα αποτυπώσει. Και μια ρεαλιστική εικόνα μετάλλου και λάμψης είναι επίσης διακριτικό γνώρισμαπίνακες της Αναγέννησης, πριν από αυτό, οι καλλιτέχνες δεν προσπάθησαν καν να το κάνουν αυτό.

Αναδημιουργώντας ένα ακριβές τρισδιάστατο μοντέλο του πολυελαίου, η ομάδα του Hockney εξασφάλισε ότι ο πολυέλαιος στο The Arnolfini σχεδιάστηκε σε αληθινή προοπτική με ένα μόνο σημείο φυγής. Αλλά το πρόβλημα ήταν ότι τέτοια ακριβή οπτικά όργανα όπως μια κάμερα obscura με φακό δεν υπήρχαν παρά περίπου έναν αιώνα μετά τη δημιουργία του πίνακα.

Θραύσμα του πίνακα του Jan van Eyck "Πορτρέτο του ζεύγους Arnolfini" 1434

Το μεγεθυσμένο θραύσμα δείχνει ότι ο καθρέφτης στον πίνακα "Πορτρέτο του Αρνολφίνι" είναι κυρτός. Υπήρχαν λοιπόν καθρέφτες αντίθετα - κοίλοι. Ακόμη περισσότερο, εκείνες τις μέρες, τέτοιοι καθρέφτες κατασκευάζονταν με αυτόν τον τρόπο - πάρθηκε μια γυάλινη σφαίρα και ο πυθμένας της καλύφθηκε με ασήμι, τότε όλα εκτός από τον πυθμένα κόπηκαν. Η πίσω πλευρά του καθρέφτη δεν ήταν θαμπωμένη. Έτσι, ο κοίλος καθρέφτης του Jan van Eyck θα μπορούσε να είναι ο ίδιος καθρέφτης που φαίνεται στην εικόνα, ακριβώς με αντιθετη πλευρα. Και οποιοσδήποτε φυσικός ξέρει τι είναι ο καθρέφτης, όταν αντανακλάται, προβάλλει μια εικόνα του ανακλώμενου. Αυτό είναι όπου ο φίλος του, φυσικός Charles Falco, βοήθησε τον David Hockney με υπολογισμούς και έρευνα.

Ένας κοίλος καθρέφτης προβάλλει μια εικόνα του πύργου έξω από το παράθυρο στον καμβά.

Το μέγεθος του καθαρού, εστιασμένου τμήματος της προβολής είναι περίπου 30 τετραγωνικά εκατοστά - και αυτό είναι ακριβώς το μέγεθος των κεφαλιών σε πολλά πορτρέτα της Αναγέννησης.

Ο Χόκνεϊ σκιαγραφεί μια προβολή ενός ατόμου σε καμβά

Αυτό είναι το μέγεθος, για παράδειγμα, του πορτρέτου του Δόγη Λεονάρντο Λόρενταν του Τζιοβάνι Μπελίνι (1501), του πορτρέτου ενός άνδρα του Ρόμπερτ Κάμπιν (1430), του πορτρέτου του ίδιου του Γιαν βαν Άικ ενός «άνθρωπου με κόκκινο τουρμπάνι» και πολλών άλλα πρώιμα ολλανδικά πορτρέτα.

Αναγεννησιακά πορτρέτα

Η ζωγραφική ήταν μια ακριβοπληρωμένη δουλειά και φυσικά όλα τα μυστικά της επιχείρησης κρατήθηκαν με απόλυτη εχεμύθεια. Ήταν ωφέλιμο για τον καλλιτέχνη που όλοι οι αμύητοι άνθρωποι πίστευαν ότι τα μυστικά ήταν στα χέρια του πλοιάρχου και δεν μπορούσαν να κλαπούν. Η επιχείρηση ήταν κλειστή για τους ξένους -οι καλλιτέχνες ήταν στη συντεχνία, αποτελούνταν επίσης από διάφορους τεχνίτες- από αυτούς που έφτιαχναν σέλες μέχρι αυτούς που έφτιαχναν καθρέφτες. Και στο Guild of Saint Luke, που ιδρύθηκε στην Αμβέρσα και αναφέρεται για πρώτη φορά το 1382 (τότε παρόμοιες συντεχνίες άνοιξαν σε πολλά βόρειες πόλεις, και ένα από τα μεγαλύτερα ήταν η συντεχνία στη Μπριζ - η πόλη όπου ζούσε ο Βαν Άικ) υπήρχαν και μάστορες που έφτιαχναν καθρέφτες.

Έτσι ο Χόκνεϊ αναδημιουργούσε τον τρόπο με τον οποίο μπορείτε να σχεδιάσετε έναν περίπλοκο πολυέλαιο από έναν πίνακα του Βαν Άικ. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι το μέγεθος του πολυελαίου που προβάλλεται από το Hockney ταιριάζει ακριβώς με το μέγεθος του πολυελαίου στον πίνακα "Portrait of the Arnolfini". Και φυσικά, οι ανταύγειες στο μέταλλο - στην προβολή μένουν ακίνητες και δεν αλλάζουν όταν ο καλλιτέχνης αλλάζει θέση.

Αλλά το πρόβλημα δεν έχει ακόμη λυθεί πλήρως, γιατί πριν από την εμφάνιση οπτικών υψηλής ποιότητας, που χρειάζονται για τη χρήση της κάμερας obscura, είχαν απομείνει 100 χρόνια και το μέγεθος της προβολής που λαμβάνεται με τη βοήθεια ενός καθρέφτη είναι πολύ μικρό . Πώς να ζωγραφίσετε εικόνες μεγαλύτερες από 30 τετραγωνικά εκατοστά; Δημιουργήθηκαν ως κολάζ - από ποικίλες απόψεις, αποδείχθηκε ένα τέτοιο είδος σφαιρικής όρασης με πολλά σημεία εξαφάνισης. Ο Χόκνεϊ το συνειδητοποίησε γιατί ο ίδιος ασχολήθηκε με τέτοιες εικόνες - έκανε πολλά κολάζ φωτογραφιών που επιτυγχάνουν ακριβώς το ίδιο αποτέλεσμα.

Σχεδόν έναν αιώνα αργότερα, στη δεκαετία του 1500, κατέστη τελικά δυνατή η απόκτηση και η επεξεργασία γυαλιού καλά - εμφανίστηκαν μεγάλοι φακοί. Και τελικά θα μπορούσαν να εισαχθούν σε μια κάμερα obscura, η αρχή λειτουργίας της οποίας ήταν γνωστή από την αρχαιότητα. Το camera obscura με φακό ήταν μια απίστευτη επανάσταση στις εικαστικές τέχνες, αφού πλέον η προβολή μπορούσε να είναι οποιουδήποτε μεγέθους. Και κάτι ακόμα, τώρα η εικόνα δεν ήταν "ευρυγώνια", αλλά για μια κανονική όψη - δηλαδή περίπου ίδια με αυτή που είναι σήμερα όταν φωτογραφίζουμε με φακό εστιακής απόστασης 35-50mm.

Ωστόσο, το πρόβλημα με τη χρήση κάμερας obscura με φακό είναι ότι η άμεση προβολή από τον φακό είναι κατοπτρική. Αυτό οδήγησε σε πολλούς αριστερόχειρες στη ζωγραφική κατά τα πρώτα στάδια της χρήσης της οπτικής. Όπως σε αυτόν τον πίνακα του 1600 από το Μουσείο Φρανς Χαλς, όπου ένα αριστερόχειρα ζευγάρι χορεύει, ένας αριστερόχειρας ηλικιωμένος τους απειλεί με το δάχτυλό του και ένας αριστερόχειρας πίθηκος κοιτάζει κάτω από το φόρεμα της γυναίκας.

Όλοι σε αυτήν την εικόνα είναι αριστερόχειρες.

Το πρόβλημα λύνεται με την εγκατάσταση ενός καθρέφτη στον οποίο κατευθύνεται ο φακός, επιτυγχάνοντας έτσι τη σωστή προβολή. Φαινομενικά όμως, ένας καλός, ομοιόμορφος και μεγάλος καθρέφτης κόστιζε πολλά χρήματα, οπότε δεν τον είχαν όλοι.

Ένα άλλο θέμα ήταν η εστίαση. Το γεγονός είναι ότι ορισμένα μέρη της εικόνας σε μια θέση του καμβά κάτω από τις ακτίνες της προβολής ήταν εκτός εστίασης, όχι καθαρά. Στα έργα του Jan Vermeer, όπου η χρήση της οπτικής είναι αρκετά ευδιάκριτη, τα έργα του μοιάζουν γενικά με φωτογραφίες, μπορείτε επίσης να παρατηρήσετε μέρη εκτός «εστίασης». Μπορείτε να δείτε ακόμη και το μοτίβο που δίνει ο φακός - το περιβόητο "bokeh". Όπως για παράδειγμα εδώ, στον πίνακα «The Milkmaid» (1658), το καλάθι, το ψωμί σε αυτό και το μπλε βάζο είναι εκτός εστίασης. Αλλά το ανθρώπινο μάτι δεν μπορεί να δει «εκτός εστίασης».

Ορισμένες λεπτομέρειες της εικόνας είναι εκτός εστίασης

Και υπό το πρίσμα όλων αυτών, δεν είναι περίεργο που καλός φίλοςΟ Jan Vermeer ήταν ο Anthony Phillips van Leeuwenhoek, επιστήμονας και μικροβιολόγος, επίσης μοναδικός κύριοςπου δημιούργησε τα δικά του μικροσκόπια και φακούς. Ο επιστήμονας έγινε ο μεταθανάτιος μάνατζερ του καλλιτέχνη. Και αυτό υποδηλώνει ότι ο Βερμέερ απεικόνισε ακριβώς τον φίλο του σε δύο καμβάδες - τον "Γεωγράφο" και τον "Αστρονόμο".

Για να δείτε οποιοδήποτε μέρος εστιασμένο, πρέπει να αλλάξετε τη θέση του καμβά κάτω από τις ακτίνες προβολής. Αλλά σε αυτή την περίπτωση, εμφανίστηκαν σφάλματα στις αναλογίες. Όπως φαίνεται εδώ: ο τεράστιος ώμος της Anthea του Parmigianino (γύρω στο 1537), το μικρό κεφάλι της "Lady Genovese" του Anthony van Dyck (1626), τα τεράστια πόδια ενός χωρικού σε έναν πίνακα του Georges de La Tour.

Λάθη στις αναλογίες

Φυσικά, όλοι οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούσαν φακούς με διαφορετικούς τρόπους. Κάποιος για σκίτσα, κάποιος φτιαγμένος από διαφορετικά μέρη - τελικά, τώρα ήταν δυνατό να φτιάξεις ένα πορτρέτο και να τελειώσεις όλα τα άλλα με διαφορετικό μοντέλο ή ακόμα και με ένα μανεκέν.

Δεν έχει απομείνει σχεδόν κανένα σχέδιο από τον Βελάσκεθ. Ωστόσο, το αριστούργημά του παρέμεινε - ένα πορτρέτο του Πάπα Ιννοκεντίου του 10ου (1650). Στον μανδύα του Πάπα -προφανώς μεταξωτό- είναι ένα όμορφο παιχνίδι φωτός. Αντηλιά. Και για να γραφτούν όλα αυτά από μια άποψη, χρειαζόταν να προσπαθήσουμε πολύ. Αλλά αν κάνετε μια προβολή, τότε όλη αυτή η ομορφιά δεν θα ξεφύγει πουθενά - η λάμψη δεν κινείται πια, μπορείτε να γράψετε ακριβώς με αυτές τις φαρδιές και γρήγορες πινελιές όπως του Velazquez.

Ο Χόκνεϊ αναπαράγει έναν πίνακα του Βελάσκεθ

Στη συνέχεια, πολλοί καλλιτέχνες μπόρεσαν να αντέξουν οικονομικά την κάμερα obscura και έπαψε να είναι μεγάλο μυστικό. Ο Canaletto χρησιμοποίησε ενεργά την κάμερα για να δημιουργήσει τις απόψεις του για τη Βενετία και δεν το έκρυψε. Αυτοί οι πίνακες, χάρη στην ακρίβειά τους, μας επιτρέπουν να μιλήσουμε για τον Καναλέτο ως δημιουργό ντοκιμαντέρ. Χάρη στο Canaletto, μπορείτε να δείτε όχι μόνο όμορφη εικόνααλλά και την ίδια την ιστορία. Μπορείτε να δείτε ποια ήταν η πρώτη γέφυρα του Westminster στο Λονδίνο το 1746.

Canaletto "Γέφυρα Westminster" 1746

Ο Βρετανός καλλιτέχνης Sir Joshua Reynolds είχε μια κάμερα obscura και προφανώς δεν το είπε σε κανέναν, καθώς η κάμερά του διπλώνει και μοιάζει με βιβλίο. Σήμερα βρίσκεται στο Μουσείο Επιστημών του Λονδίνου.

Camera obscura μεταμφιεσμένη σε βιβλίο

Τελικά, στις αρχές του 19ου αιώνα, ο William Henry Fox Talbot, χρησιμοποιώντας μια κάμερα lucida - αυτή που πρέπει να κοιτάξετε με το ένα μάτι και να σχεδιάσετε με τα χέρια σας, καταράστηκε, αποφασίζοντας ότι μια τέτοια ταλαιπωρία πρέπει να εξαλειφθεί μια φορά και για όλους, και έγινε ένας από τους εφευρέτες της χημικής φωτογραφίας, και αργότερα ένας εκλαϊκευτής που την έκανε μαζική.

Με την εφεύρεση της φωτογραφίας, το μονοπώλιο της ζωγραφικής στον ρεαλισμό της εικόνας εξαφανίστηκε, τώρα η φωτογραφία έχει γίνει μονοπώλιο. Και εδώ, επιτέλους, η ζωγραφική απελευθερώθηκε από τον φακό, συνεχίζοντας την πορεία από την οποία έστριψε το 1400 και ο Βαν Γκογκ έγινε ο πρόδρομος όλης της τέχνης του 20ού αιώνα.

Αριστερά: Βυζαντινό ψηφιδωτό 12ος αιώνας. Δεξιά: Vincent van Gogh «Πορτρέτο του κυρίου Trabuk» 1889

Η εφεύρεση της φωτογραφίας είναι ό,τι καλύτερο έχει συμβεί στη ζωγραφική σε ολόκληρη την ιστορία της. Δεν ήταν πλέον απαραίτητο να δημιουργηθούν αποκλειστικά πραγματικές εικόνες, ο καλλιτέχνης έγινε ελεύθερος. Φυσικά, το κοινό χρειάστηκε έναν αιώνα για να φτάσει τους καλλιτέχνες στην κατανόηση της οπτικής μουσικής και να σταματήσει να πιστεύει ότι άνθρωποι όπως ο Βαν Γκογκ ήταν «τρελλοί». Ταυτόχρονα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να χρησιμοποιούν ενεργά φωτογραφίες ως " υλικό αναφοράς". Τότε υπήρχαν άνθρωποι όπως ο Wassily Kandinsky, η ρωσική avant-garde, ο Mark Rothko, ο Jackson Pollock. Μετά τη ζωγραφική, κυκλοφόρησε η αρχιτεκτονική, η γλυπτική και η μουσική. Είναι αλήθεια ότι η ρωσική ακαδημαϊκή σχολή ζωγραφικής έχει κολλήσει στον χρόνο και σήμερα θεωρείται ακόμη κρίμα στις ακαδημίες και στα σχολεία να χρησιμοποιούν τη φωτογραφία για να βοηθήσουν και η καθαρά τεχνική ικανότητα να ζωγραφίζεις όσο πιο ρεαλιστικά γίνεται με γυμνά χέρια θεωρείται το υψηλότερο κατόρθωμα .

Χάρη σε ένα άρθρο του δημοσιογράφου Lawrence Weshler, ο οποίος ήταν παρών στην έρευνα του David Hockney και του Falco, ένας άλλος ενδιαφέρον γεγονός: Το πορτρέτο των Arnolfinis του Van Eyck είναι ένα πορτρέτο ενός Ιταλού εμπόρου στη Μπριζ. Ο κ. Αρνολφίνι είναι Φλωρεντινός και επιπλέον είναι εκπρόσωπος της τράπεζας Medici (πρακτικά οι κύριοι της Αναγεννησιακής Φλωρεντίας, που θεωρούνται προστάτες της τέχνης εκείνης της εποχής στην Ιταλία). Τι λέει αυτό? Το γεγονός ότι μπορούσε εύκολα να πάρει μαζί του το μυστικό της Συντεχνίας του Αγίου Λουκά - έναν καθρέφτη - στη Φλωρεντία, στην οποία, σύμφωνα με την παραδοσιακή ιστορία, ξεκίνησε η Αναγέννηση, και καλλιτέχνες από τη Μπριζ (και, κατά συνέπεια, άλλοι δάσκαλοι) θεωρούνται «πρωτόγονοι».

Υπάρχει πολλή διαμάχη γύρω από τη θεωρία Hockney-Falco. Αλλά σίγουρα υπάρχει ένας κόκκος αλήθειας σε αυτό. Όσο για κριτικούς τέχνης, κριτικούς και ιστορικούς, είναι ακόμη και δύσκολο να φανταστεί κανείς πόσοι επιστημονικές εργασίεςγια την ιστορία και την τέχνη, στην πραγματικότητα, αποδείχτηκε πλήρης ανοησία, αλλά αυτό αλλάζει ολόκληρη την ιστορία της τέχνης, όλες τις θεωρίες και τα κείμενά τους.

Τα δεδομένα της χρήσης οπτικών δεν μειώνουν καθόλου τα ταλέντα των καλλιτεχνών - εξάλλου, η τεχνολογία είναι ένα μέσο για να μεταφέρεις αυτό που θέλει ο καλλιτέχνης. Και το αντίστροφο, αυτό που υπάρχει σε αυτές τις εικόνες είναι το περισσότερο πραγματική πραγματικότητα, μόνο τους προσθέτει βάρος - άλλωστε έτσι έμοιαζαν οι άνθρωποι εκείνης της εποχής, πράγματα, εγκαταστάσεις, πόλεις. Αυτά είναι τα πραγματικά έγγραφα.