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세상에서 가장 신비로운 사진. 신비로운 그림 "알 수 없음"

2005) 우리는 주요 줄거리 외에도 숨겨진 또 다른 줄거리가 있는 작품에 대해 이야기하고 있었습니다. 그림에 접근할 때, 멀어질 때, 특정 각도에서 볼 때 나타난다. 이제 "미끼"라고 불리는 가장 진실한 그림, 유령 실루엣, "양눈", "삼중 눈" 및 희귀한 유형의 아이콘에 대해 배우게 됩니다.

G. Teplov. 정물 가짜. 1737년 국립 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크.

P.Drozhdin. "아내의 초상화 앞에 아들과 함께 있는 예술가 A.P. Antropov의 초상화." 1776년 러시아 박물관, 상트페테르부르크.

R. 마그리트. "인간의 운명." 1933년 국가의 미술관, 워싱턴.

무명 화가. "프랑스의 백합"(버번 가문의 여섯 실루엣). 1815년

O. 칸유. "제비꽃 상병 (보나파르트, 그의 아내와 아들의 실루엣)." 1815년 그림 제목에는 나폴레옹이 시작했다는 사실을 상기시키는 내용이 담겨 있습니다. 병역상병의 계급으로.

S. 델 프레테. "그 사이의 비밀은 단풍". 1991. 스위스 베른 갤러리.

V. 브레게다. "예언". 1994년

N. Zamyatina. "그리스에 대한 꿈." 2004년

단어는 "두 눈"입니다. 상어-사기꾼, 중얼 거림-중얼 거리지 마십시오, 평화-모스크바 주립 대학, 내구성-정확함. 저자: 올가(Olga)와 세르게이 페디나(Sergey Fedina).

엽서. "내 아내와 시어머니." 20세기 초. 러시아.

예, Botvinik. "남편과 시아버지." 20세기 전반. 미국.

G. 피셔. "엄마, 아빠, 딸." 1968년 미국.

S. Orlov. "두 분의 장미입니다." 2004년 모스크바.

S. 달리. “사라지는 볼테르의 흉상.” 1940년 달리 박물관, 상트페테르부르크, 미국.

살바도르 달리(Salvador Dali)의 두 그림: 왼쪽 - "전투 형태의 여성의 머리" 1936년; 오른쪽에는 "스페인"이 있습니다. 1938년

V. 코발. "Kovalland (작가의 자화상)". 1994년

트리플 아이콘 "Deesis order". XIX 세기. 러시아.

과학과 생명 // 일러스트레이션

예수와 막달라 마리아의 얼굴이 있는 아이콘입니다. 17세기 전반. 독일 멜하임.

초상화 알렉산드라 3세아내와 아들과 함께. XIX 후반세기. 모스크바 보로네시 성 미트로판 교회에 있는 교회 박물관.

가브리엘 폰 막스. "성 베로니카의 스카프" 1870년대. 독일.

“구원자는 손으로 만든 것이 아니다.” 1970년대 그림 속 사진 무명 화가, 러시아.

진정한 속임수

두 명의 예술가가 논쟁을 벌였습니다 - Zeuxis와 Parrhasius : 둘 중 어느 것이 더 낫습니다. 제욱시스는 포도송이를 그린 다음 그 그림을 열린 창문 근처에 놓아두었습니다. 날아다니는 새들은 포도를 보고 자리에 앉아 그려진 열매를 쪼으려고 했습니다. 이제 파라시우스의 차례였다. "그럼 직업이 어디예요?" - "저기, 커튼 뒤에." 제욱시스는 커튼으로 다가가서 커튼을 옆으로 끌어내리려고 했습니다. 그리고 그것은 그려진 것으로 밝혀졌습니다. 이 전설은 대략 기원전 500년경 고대 그리스에서 탄생했습니다.

언뜻보기에 보이는 것보다 더 진실합니다. 사실 많은 새들은 눈이 머리 양쪽에 있기 때문에 입체 시력을 갖지 못합니다. 한쪽 눈이 보는 것을 다른 쪽 눈은 보지 못합니다. 일반적인 시야가 부족하여 뇌가 형성될 수 없습니다. 입체적인 이미지. 그리고 숙련된 사냥꾼들은 오리의 원시적이고 도색되지 않은 모델이 살아있는 미끼 새보다 나쁘지 않은 날아다니는 용을 끌어당긴다는 것을 알고 있습니다.

그리스 전설에서 우리에게 중요한 것은 그림이 새를 속인 것이 아니라 화가의 눈을 속였다는 것이다. 러시아인 아티스트 XIX Fyodor Tolstoy 세기에는 고대 그리스 전설의 줄거리를 반영하는 그림이 있습니다. 그 중 하나에는 트레이싱 페이퍼로 "덮인"정물이 있습니다. 모서리 중 하나가 구부러져 있습니다. 그리고 정물의 이 부분은 매우 사실적으로 보이므로 이미지 전체를 보기 위해 트레이싱 페이퍼를 아래로 옮기고 싶은 욕구를 무의식적으로 느낄 수 있습니다. 이러한 유형의 그림은 "거짓"이라고 불립니다. 우리 얘기 중이야아마도 모든 장르의 그림 중에서 가장 진실한 것일 것입니다.

이런 종류의 그림의 등장은 원근법, 명암법, 그리고 명암법이 발명된 후에야 가능해졌습니다. 유성 페인트. 준비 방법은 13세기 책에 나와 있습니다. 그러나 15세기 초에만 네덜란드 예술가얀 반 에이크(Jan van Eyck, 1390-1441)는 물감 제조 기술을 크게 발전시켜 유화 기법의 창시자로 불리기도 합니다. 그는 처음으로 새로운 방식으로 적용하여 얇고 투명한 페인트 층을 겹쳐서 적용하여 뛰어난 깊이와 색상의 풍부함은 물론 명암 및 색상 전환의 미묘함을 달성했습니다. Jan van Eyck 이후 예술가들은 원본과 쉽게 혼동될 수 있는 이미지를 얻을 수 있었습니다.

러시아 트롱프뢰유 장르의 창시자는 18세기 예술가, 시인, 음악가, 철학자, 정치가인 Grigory Teplov입니다. 그의 작품 중 하나가 이전 페이지에 있습니다. 잡지나 책에 실린 트롱프뢰유 이미지를 재현한 작품으로는 원본을 볼 때 나타나는 느낌을 제대로 전달할 수 없다는 점이 아쉽습니다. 그런데 미술책에서 미끼를 거의 볼 수 없는 이유도 바로 이 때문이다. 이는 주로 그림과 인쇄된 복제품의 크기 차이에 기인하며, 일반적으로 이미지와 보는 사람 사이의 거리에 따라 원하는 효과가 발생한다는 사실에 기인합니다.

또 다른 유형의 속임수가 있습니다. 예를 들어, 상트페테르부르크에 있는 러시아 박물관에는 18세기 예술가인 표트르 드로즈딘의 그림이 있습니다. 그 위에 작가는 그의 선생님인 예술가 Antropov의 가족을 묘사했습니다. 자세히 보면 아버지와 아들이 아내와 어머니 옆이 아니라 어머니의 초상화 옆에 서 있는 것을 알 수 있습니다. 처음에는 벽의 밝은 개구부처럼 보였던 이젤의 가장자리는 서있는 사람과 이미지를 분리합니다.

20세기 벨기에 예술가 르네 마그리트(Rene Magritte)도 '이젤' 기법을 사용했습니다. 가장자리는 거의 보이지 않으며 그림은 그림의 주요 플롯으로 눈에 띄지 않게 전달되어 병합됩니다. 한 풍경에서는 창밖으로 시작된 숲이 그려진 이젤 위에서 계속되고, 다른 풍경에서는 이젤에서 나온 바다가 '진짜' 바다로 흘러든다.

마그리트는 역설적인 그림의 대가이다. 한 캔버스에 그는 삶에서 양립할 수 없는 사물과 현상을 결합했습니다. 예를 들어, 낮의 하늘과 밤의 어둠에 잠긴 집, 혹은 앞에 있는 거울을 보는 사람은 거울 속에서 자신의 뒤통수만 본다. 그는 또한 그림 제목에도 역설의 원리를 사용했다. 작가 스스로 인정한 바에 따르면 상상력이 부족하자 친구들을 모아 이름을 찾는 데 도움을 요청했다. 예를 들어 이젤이 있는 풍경을 'Human Lot'이라고 합니다.

유령 실루엣

아티스트가 그려진 개체의 윤곽을 사용하는 경우 숨겨진 이미지를 만드는 특별한 기술이 있습니다. 처음으로 "숨겨진 실루엣"이 있는 그림이 중세 프랑스에 나타났습니다. 그들의 주요 영웅은 물론 왕이었습니다. 우리는 적어도 Alexandre Dumas의 소설 "삼총사"를 원작으로 한 영화의 주인공 의상을 통해 백합이 부르봉 왕조의 상징이라는 것을 이미 잘 알고 있습니다. 200년 전 왕백합 꽃다발을 그릴 때 예술가들은 줄기의 굴곡, 잎과 꽃잎의 윤곽을 인간의 얼굴. 그 비밀을 맞히면 꽃다발은 왕실의 초상화로 변합니다. 부르봉 왕조가 무너진 후, 예술가들은 아내와 아들과 함께 나폴레옹 황제를 그리기 시작했습니다. 하지만 조세핀은 제비꽃을 좋아해서 백합으로 대체했습니다.

물론 지난 수세기 동안 예술가들은 자신의 주제를 확장해 왔습니다. 비슷한 작품. 한 가지 예는 공중에 날아다니는 마른 나뭇잎을 처음 보는 그림입니다. 캔버스에는 프랑스어로 '바람과 시간에 휩쓸린 꿈'이라는 문구가 그려진 종이도 있습니다. 일반적으로 예술가들은 그림 앞면에 이름을 쓰지 않습니다. 여기 캔버스의 왼쪽 하단에는 독일어로 "가을 나뭇잎 사이의 비밀"이라고 적혀 있습니다. 이는 그림의 제목일 뿐만 아니라, 작가 산드로 델 프레테(Sandro Del Prete)의 의도를 드러내는 열쇠이기도 하다. 그의 이름은 오늘날 전 세계에 알려져 있습니다. 그리고 그는 아마추어로 시작했습니다. (특히 추리 그림 대회 참가자들에게 말씀드리는 것입니다.) 젊었을 때 델 프레테는 불과 6개월 동안 그림을 공부했고, 44세가 될 때까지 자신을 전문 예술가라고 여기지 않았고 현재 살고 있는 고향 스위스 베른에서 보험 회사에서 일했습니다.

이 기법에 매료된 타간로그(Taganrog) 예술가 빅터 브레게다(Victor Bregeda)의 그림에서는 황량한 산 풍경을 배경으로 무릎을 꿇고 기도하는 인물들이 그려져 있습니다. 이는 바로 눈에 보이는 줄거리의 일부일 뿐이지만 '예언'이라는 제목을 보면 주요 내용이 그다지 명확하지 않고 아직 밝혀지지 않았음을 알 수 있다. 첫 순간에는 보이지 않지만 그림에는 순례자들이 절한 사람들이 있습니다. 아버지 하나님, 아들 하나님, 날개 달린 기병, 즉 하늘에서 내려온 천사입니다.

Muscovite Natalia Zamyatina의 그림 "그리스의 꿈"은 도자기 꽃병과 과일이 있는 평범한 정물처럼 보입니다. 제목이 이미지와 잘 어울리지 않는 것 같습니다. 그러나 휘장을 자세히 살펴보십시오. 천의 주름과 꽃병의 윤곽은 무엇을 숨기거나 드러내나요?

더블 뷰

기사의 이 섹션에 제목을 붙인 용어는 Science and Life 저널에 다수의 출판물을 기고한 작가이자 저자인 Sergei Fedin이 만든 것입니다. 그는 두 가지 방식으로 읽을 수 있는 두 눈의 텍스트를 불렀다. "상어"라는 단어를 예로 들어 보겠습니다. 처음 두 글자 "ak"는 한 글자 "zh"로 쓸 수도 있습니다. 그리고 "y"는 "ye"와 유사한 것으로 쉽게 묘사될 수 있습니다. 가운데 글자는 그대로 두고 "상어"와 "사기꾼"이라는 두 가지 방식으로 쉽게 읽을 수 있는 단어를 얻습니다. 그러한 비문의 몇 가지 예가 여기에 나와 있습니다.

"이중 마음"이라는 단어는 영어 "ambigram"(이중)에 해당합니다. 여기서는 언어적 복시에 대해 이야기합니다. 왜냐하면 그들의 예를 사용하면 그림에서 이중 이미지의 인식을 이해하는 것이 더 쉽기 때문입니다.

복시선을 따라 시선을 움직일 때 우리는 무엇을 찾고 있습니까? 뭔가 익숙한 편지. 그림에서도 같은 일이 일어납니다. 뇌는 이미 기억 속에 있는 익숙한 이미지를 찾는데, 이는 사진 이미지를 저장하는 것과는 전혀 다르다. 메모리는 직선과 곡선 선의 존재 여부, 밝기 변화의 경계, 색상 등과 같은 이미지의 속성을 캡처하는 일종의 "인코더"입니다.

두 눈을 좀 더 자세히 살펴보면, 처음에는 눈치채지 못했던 글자를 발견하고, 거기에 두 번째 단어를 추가합니다. 숨겨진 이미지에서도 같은 일이 발생합니다.

아직까지 '세 눈'이라는 단어, 즉 한 항목에 서로 다른 의미를 지닌 세 단어의 이미지를 생각해낸 사람은 없습니다. 성공하시면 꼭 미스터리 그림 대회에 작품을 보내주세요. 그러나 그림 같은 세 명의 뷰어는 이미 생성되었으며 이제 이에 대해 알려 드리겠습니다.

양면 회화와 삼면 회화

잡지 전호의 '보이지 않는-보이는' 기사에서 사진의 위치에 따라 젊어 보이거나 늙어 보이는 여성의 머리 이미지를 접한 적이 있다. 이제 뒤집을 필요가 없는 초상화에 대해 알아봅시다. 질문: “젊은 여성을 묘사하고 있습니까, 아니면 늙은 여성을 묘사하고 있습니까?” - 다른 사람들반대 대답을 하세요. 어떤 사람들은 소녀라고 말하고 다른 사람들은 늙은 여자라고 말합니다. 그림은 오랫동안 고전이되었습니다. 그러나 매번 그녀를 처음 보는 사람들은 두 번째 이미지를 보는 방법을 설명해야 한다. “여자의 눈은 소녀의 귀이고 코는 젊은 얼굴의 타원형이다.” 생리학자에 따르면 초상화를 보는 사람은 눈과 코에 가장 많은 관심을 기울인다. 따라서 첫인상은 일반적으로 첫 순간에 시선이 그림의 어느 부분에 있는지에 따라 달라집니다. 약간의 훈련을 마친 후에는 보고 싶은 사람을 직접 주문하는 방법을 배울 수 있습니다.

책과 잡지의 출판물 수 측면에서 보면 남녀 노년층의 음모가 다른 모든 환상의 그림보다 훨씬 앞서 있습니다. 그 저자는 1915년 잡지 "Puck"(러시아어로 "Puck"으로 번역됨 - 엘프, 동화 정신)에 작품을 출판한 미국 만화가 W. Hill이라고도 불립니다. 이 이미지는 1930년대에 자신의 작품을 설명하기 위해 초상화를 사용한 정신과 의사 E. Boring의 작품으로 여겨지기도 합니다. 과학계에서는 여전히 '두 여인'을 '지루한 인물'로 부른다. 사실, 20세기 초에 러시아에서는 같은 그림과 "내 아내와 시어머니"라는 문구가 적힌 엽서가 유통되었습니다. 이 작품의 원형은 1880년 독일의 엽서였습니다(저자 미상).

두 여인의 사진은 심리학 서적에 정기적으로 재현된다. 그러나 인간의 마음이 이중 이미지를 어떻게 인식하는지는 아직 대부분 알려져 있지 않습니다. 예술가들은 이미 알려진 기술을 계속해서 개발할 뿐입니다. 20세기 전반에는 노인과 청년의 비슷한 초상화가 등장했다. 그 후 1968년에 예술가 G. Fischer는 두 여성에게 새로운 헤어스타일을 부여하고 세 번째 헤어스타일을 받았습니다. 배우. 실제로 그는 한 가지 요소만 추가해 '엄마, 아빠, 딸'이라는 그림으로 알려지게 됐다. 여자의 머리카락이 남자의 옆모습으로 바뀌면서 인물 사진에는 세 사람이 등장하게 되었습니다.

~에 현대 회화모스크바 예술가 Sergei Orlov (132 페이지 참조) 두 가지 다른 얼굴뿐만 아니라 두 가지 얼굴도 있습니다. 여성 인물, 소녀와 노파 모두에게 속합니다. 노부인은 손에 들고 있는 꽃을 바라본다. 젊은 여성은 우리를 등지고 앉아 머리를 곧게 펴고 고개를 왼쪽으로 돌렸습니다.

Sergei Orlov, Victor Bregeda 및 이러한 방식으로 작업하는 다른 예술가들의 작품은 인터넷에서 볼 수 있습니다. 저자가 토론을 위해 작품을 전시하는 "Hieroglyph"사이트의 특별 프로젝트 "Duality"(http://hiero.ru/project/Dubl)가 있습니다.

스페인 살바도르 달리의 작품에 대한 이야기 없이는 환상 그림에 관한 책 한 권도 완성되지 않습니다. 아르침볼도 이후 300년 만에 그는 환영회화의 방향을 부활시켰다.

첫 번째 사진에서 시청자는 화려한 옷을 입은 두 명의 여성을 봅니다. 터번을 쓴 남자가 그들을 갤러리로 안내합니다. 작가는 이 장면을 두 번째 플롯으로 변형시킨다. 갤러리 아치에서 윤곽이 형성됩니다. 인간의 머리- Houdon이 제작한 프랑스 철학자 Voltaire의 조각 초상화 이미지.

Voltaire의 줄거리는 Dali의 작품에 반복적으로 등장합니다. 그는 또한 질주하는 기병과 노란색 들판을 가로질러 달려가는 사람들의 모습이 여자의 얼굴을 형성하는 그림 "전투를 벌이는 여인의 머리"(왼쪽 위)의 줄거리를 두 번 사용했습니다. 그러나 "전투 형태의 여성의 머리"는 또 다른 캔버스 "스페인"의 세부 사항으로 포함되었습니다. 이 사실은 양면 사진에 대한 새롭고 독창적인 솔루션을 찾는 것이 얼마나 어려운지 보여줍니다.

최고의 이중 그림 전시회를 조직한다면 Dali의 작품 옆에 현대 볼고그라드 예술가 Vladislav Koval의 그림을 배치할 것입니다. 그리고 물론-자작 나무 가지로 아기를 안고있는 여성의 이미지가 짜여진 "스탈린 그라드 마돈나". 그림 "Waying Ashore"에서 수평선에 보이는 먼 해안 절벽은 외롭고 처진 선원의 모습으로 변합니다. 그림 "이카루스"에서 그 영웅은 날거나 떨어지는 모습을 볼 수 있습니다. 다음 그림에서는 비옷을 입은 얼어붙은 군인이 마돈나와 아이로 변신한다. 작품 "피라미드"에서 V. Koval은 미술 역사상 처음으로 여러 이중 이미지를 결합하여 완전한 예술 작품으로 만들었습니다. 그리고 나는 거의 모든 것을 사용했습니다 회화 기법내가 얘기한 것. 여기에는 풍경의 세부 사항과 그림의 새로운 이미지 구성이 포함되며 그 내용은 보는 각도나 거리에 따라 달라집니다. 오늘날 Koval은 가장 유명한 예술가러시아. 그의 명성에는 이상한 시작이 있습니다. 모스크바에서 공부하는 동안 그는 볼고그라드에 있는 친척들에게 편지를 보냈고 봉투에 우표를 붙이지 않고 그렸습니다. 발송된 모든 편지는 추가 비용 없이 수신자에게 전달되었습니다. 언론부가 예술가들 간의 경쟁을 발표했을 때 학생 Vladislav Koval은 주최자에게 봉투 더미를 가져 왔습니다. 그리고 그는 참가자 중 가장 어린 승자가되었습니다.

특이한 아이콘

신비한 그림의 예는 아이콘과 같은 엄격하고 표준적인 예술 형식에서도 발견됩니다. 박물관으로 고대 러시아 예술모스크바에서는 한때 "감옥에 갇힌 예수"라는 아이콘을 가져 왔습니다. 앞부분에는 발에 족쇄를 차고 있는 예수의 모습이 그려져 있고, 주위에는 수난의 도구, 즉 고문이 그려져 있습니다. 이름은 각 항목 옆에 표시됩니다. 미술사 학자들은 단어 철자의 특성을 바탕으로 저자가 고대 신자라고 판단했습니다. 아이콘의 독특함은 이미지가 좁은 수직 줄무늬로 교차된다는 것입니다. 이것은 한때 그리스도의 형상을 덮었던 격자의 흔적이라고 제안되었습니다. 그러나 어두운 줄무늬에 대한 해결책은 훨씬 더 흥미로운 것으로 밝혀졌으며 Canon 아이콘 페인팅 워크샵 책임자, 미술 평론가 및 예술가 Alexander Renzhin의 것입니다.

한때 아이콘에는 하나가 아닌 세 개의 이미지가 포함되어 있었던 것으로 나타났습니다. 줄무늬는 아이콘의 틀(틀)에 붙어 있던 세로판의 흔적에 지나지 않습니다. 그들은 표면에 가까워서 흔적을 남겼습니다. 각 판의 양쪽에는 두 개의 추가 아이콘 부분이 그려져 있습니다 (일반적으로 작성되었습니다). 아이콘 반대편에 서 있으면 하나의 이미지가 왼쪽-다른 이미지, 오른쪽-세 번째로 이동하는 것을 볼 수 있습니다. 아이콘 플레이트는 분실되었지만 Renzhin은 정확히 동일한 완전한 아이콘을 찾았습니다. 12개의 판에는 하나님의 어머니와 세례 요한의 형상의 일부가 양쪽에 쓰여 있는 것으로 밝혀졌습니다. 아이콘을 측면에서 보면 이미지의 여러 부분이 하나의 전체로 합쳐지는 것을 알 수 있습니다.

상트페테르부르크 종교사 박물관의 창고에는 비슷한 유형의 아이콘이 있지만 주제는 다릅니다. 그 중 하나에 전경- 비둘기, 성령의 상징. 그러나 오른쪽으로 이동하자마자 아버지 하나님의 형상이 나타나고 왼쪽에는 아들 하나님의 얼굴이 나타납니다. 조명 효과에 의해 망가진 현대 시청자가 지난 세기의 신자들, 특히 촛불로만 조명 된 교회의 황혼에서 삼중 아이콘의 인상의 힘을 상상하기는 어렵습니다. 또한 20세기에도 비슷한 기법이 광고에 사용되면서 그 특이성을 잃었다.

표면이 평평하지 않고 삼각형 단면의 수직 홈이 있는 프로파일이 있는 아이콘이 있습니다. 각 홈의 한쪽에는 왼쪽에 보이는 이미지가 적혀 있고, 다른 쪽에는 오른쪽에 보이는 이미지가 적혀 있습니다. 정면에서 보면 두 이미지의 "혼합"이 보입니다. 따라서 교회에서는 그러한 아이콘 앞에 큰 촛대를 놓아 양면에서만 볼 수 있도록했습니다.

모스크바 2nd Khutorskaya Street에 있는 보로네시 성 미트로판 교회에는 교회 박물관이 있습니다. 그중에서도 흥미로운 전시트리플 이미지를 볼 수 있습니다. 이것은 아이콘이 아니라 초상화입니다. 왕실. 초상화 맞은편에 알렉산더 3세 황제가 서 있습니다. 오른쪽으로 이동하면 Maria Feodorovna 황후의 이미지가 나타납니다. 왼쪽에 서있는 관중들은 젊은 상속인, 미래의 황제 니콜라스 2세를 봅니다. 이미지의 흥미로운 특징은 이미지 생성 시기를 확인하는 데 도움이 되었습니다. 니콜라이의 오른쪽 관자놀이에 피 묻은 얼룩이 보입니다. 일본도의 흔적입니다. 1890-1891년에 상속인이 저질렀습니다. 세계 여행, 그리고 그의 일본 생활에 대한 시도가 이루어졌습니다. 일본 경찰이 칼로 니콜라스를 때렸지만 젊은 상속인은 튕겨져 나와 경미한 부상만 입었습니다. 공격자는 두 번째 공격을 할 시간이 없었고 쓰러졌지만 저명한 손님을 맞이한 호스트가 아니라 니콜라스와 동행 한 그리스 왕자 조지에 의해 쓰러졌습니다.

성 베로니카의 전설

1879년에는 독일 예술가들의 전시회가 상트페테르부르크에서 열렸습니다. 그들 중 한 명인 가브리엘 폰 막스(Gabriel von Max)는 그리스도의 얼굴을 중앙에 두고 벽에 못 박힌 거친 캔버스 조각의 이미지가 담긴 "성 베로니카의 손수건"이라는 그림을 선보였습니다. 그림의 특이한 점은 보는 사람이 구주의 눈을 감고 있거나 뜨고 있는 것을 볼 수 있다는 것입니다. 당시 신문에서는 일부 여성들이 "보고 있어요! 보고 있어요!"라고 외치며 기절하자 주최측이 홀에 의자를 놓아야 했다고 썼습니다.

물론 신비한 그림은 그 비밀을 밝히려는 대도시 예술가들의 관심을 끌었고 예술가 Ivan Kramskoy는 잡지 "New Time"에 이에 대한 기사를 썼고 그곳에서 독일 작가가 원하는 기술을 공개했습니다. 효과.

성 베로니카의 전설은 중세 시대에 유럽 전역으로 퍼졌습니다. 나중에 그것은 공식적인 교회 전통이 되었습니다. 즉, 복음에 기록된 것과 마찬가지로 참된 것으로 인정되었습니다. 예수 그리스도께서 십자가에 못 박히시기 위해 골고다 산으로 끌려가셨을 때, 베로니카라는 자비로운 여인이 얼굴에서 눈을 가린 땀을 손수건으로 닦아냈습니다. 동시에 가시관을 쓴 구주의 얼굴이 기적적으로 스카프에 새겨졌습니다. 전설이 기초를 형성했습니다 정통 아이콘“구원자는 손으로 만든 것이 아니다.” 전문가가 아닌 우리가 이 아이콘을 인식하는 가장 쉬운 방법은 예수의 얼굴이 쓰여진 스카프 이미지를 보는 것입니다. 하지만 스카프 자체(대부분 "플랫"이라고 함)는 다르게 그리고 다소 관습적으로 그려져 있습니다. 서양 기독교인들은 비슷한 이미지를 “성 베로니카의 스카프”라고 부릅니다.

나는 러시아 예술 감정가인 발렌틴 드로노프(Valentin Dronov) 신부로부터 다음과 같은 이야기를 들었습니다. “내 인생에서 두세 번 나는 기적적인 모습을 보여준 “손으로 만들지 않은 구원자”의 성상을 보아야 했습니다. 그 재산을 바라보는 예수님의 눈은 뜨거나 감긴 것처럼 보였습니다. 마음의 상태기도하다 그가 침착하다면 구주께서는 주무시는 것 같았습니다. 그가 흥분하면 눈이 떠졌습니다.” 집에서 발렌틴의 아버지는 여기에 제시된 이 이미지의 사진을 보관했습니다.

나는 아직 우리 박물관에서 비슷한 것을 찾을 수 없었습니다. 전설에 따르면 그리스도가 탄생한 도시인 베들레헴에 대한 안내인은 예수 탄생 교회 기둥의 프레스코화 중 하나가 "아이콘의 얼굴이 눈을 뜨고 감는다"는 동일한 특성을 가지고 있다고 말합니다.

설명된 아이콘은 매우 드물기 때문에 해당 이미지를 보거나 적어도 들어본 사람들의 증거가 중요합니다. 독자들은 이 사실을 반드시 잡지 편집자에게 보고해 주시기 바랍니다.

2013년 1월 15일, 20:34

1. "우는 소년"- 그림 스페인 예술가조반니 브라골리나. 초상화의 작가이기도 한 소년의 아버지가 캔버스의 밝기, 활력, 자연스러움을 얻으려고 노력하면서 아기의 얼굴 앞에서 조명 성냥을 피웠다는 전설이 있습니다. 사실 그 소년은 불을 무서워했습니다. 그 소년은 울고 있었습니다. 그의 아버지는 그림을 그리고 있었습니다. 어느 날 그 아이는 참지 못하고 아버지에게 “불타라!”라고 소리쳤습니다. 한 달 뒤 아이는 폐렴으로 사망했다. 그리고 몇 주 후, 화가의 시신은 자신의 집에서 화재에서 살아남은 울고 있는 소년의 그림 옆에서 발견되었습니다. 이것이 끝일 수도 있었지만, 1985년 영국 신문들은 거의 모든 불타버린 건물에서 소방관들이 불에 닿지도 않은 '크라잉 보이'의 복제품을 발견했다고 계속 보도했습니다. 2. "손이 그를 저항한다"- 그림 미국 예술가빌 스톤햄. 작가는 이 그림이 다섯 살 때의 자신을 묘사하고 있으며, 문은 두 사람 사이의 경계선을 표현한 것이라고 말합니다. 현실 세계그리고 꿈의 세계, 그리고 인형은 소년을 이 세계로 안내할 수 있는 안내자입니다. 손은 대안적인 삶이나 가능성을 나타냅니다. 이 그림은 2000년 2월에 판매되면서 유명한 도시 전설이 되었습니다. 이베이 경매그림이 "유령"이라는 뒷이야기와 함께. 전설에 따르면 그림의 첫 번째 소유자가 사망한 후 이 그림은 쓰레기 더미 가운데 매립지에서 발견되었습니다. 그녀를 발견한 가족은 그녀를 집으로 데려왔고, 벌써 첫날 밤에 네 살 난 어린 딸은 "사진 속 아이들이 싸우고 있다"고 소리치며 부모의 침실로 달려갔습니다. 다음날 밤 - “사진 속 아이들이 문 밖에 있었다”는 것. 다음날 밤, 가장은 그림이 걸려 있는 방에 동작 감지 비디오 카메라를 설치했습니다. 비디오 카메라는 여러 번 작동했지만 아무것도 캡처되지 않았습니다. 삼. "비 여자"- Vinnytsia 예술가 Svetlana Telets의 그림. 그림이 완성되기 6개월 전부터 그녀는 환상을 보기 시작했습니다. 오랫동안스베틀라나는 누군가가 그녀를 지켜보고 있는 것 같은 느낌을 받았습니다. 때때로 그녀는 아파트에서 이상한 소리를 듣기도 했습니다. 하지만 나는 이런 생각들을 밀어내려고 노력했다. 그리고 얼마 후 아이디어가 나타났습니다. 새로운 그림. 영상 신비한 여자갑자기 태어났지만 스베틀라나는 오랫동안 그녀를 알고 있었던 것 같았습니다. 안개, 옷, 유령 같은 인물의 선으로 짜여진 것처럼 보이는 얼굴 특징-작가는 잠시 생각하지 않고 여성을 그렸습니다. 마치 그녀의 손이 보이지 않는 힘에 이끌려 움직이는 것 같았다. 세 번째 구매자가 며칠 뒤 돈도 받지 않고 그림을 돌려준 뒤 이 그림이 저주를 받았다는 소문이 시내 곳곳에 퍼졌다. 이 사진을 가진 사람들은 모두 밤이 되면 마치 살아서 근처의 그림자처럼 걷는 것 같다고 말했습니다. 사람들은 두통을 느끼기 시작했고, 그림을 옷장에 숨겨둔 후에도 그 존재감은 사라지지 않았습니다. 4. 푸쉬킨 시대에 블라디미르 보로비코프스키(Vladimir Borovikovsky)가 그린 마리아 로푸키나(Maria Lopukhina)의 초상화는 주요 "공포 이야기" 중 하나였습니다. 소녀는 짧고 불행한 삶을 살았고, 초상화를 그린 후 폐병으로 사망했습니다. 그녀의 아버지 이반 톨스토이(Ivan Tolstoy)는 유명한 신비주의자이자 프리메이슨 롯지의 주인이었습니다. 그래서 그가 영혼을 유혹했다는 소문이 퍼졌다. 죽은 딸이 초상화 속으로. 그리고 어린 소녀들이 그 사진을 보면 곧 죽을 것이라고요. 살롱 가십에 따르면 마리아의 초상화는 적어도 10명의 결혼 적령기 귀족 여성을 파괴했다고 합니다... 5. "수련"- 인상파 클로드 모네의 풍경. 작가와 친구들이 그림 완성을 축하하고 있을 때 작업장에서 작은 불이 났다. 불꽃은 금세 포도주로 뒤덮였고 그들은 그것에 어떤 중요성도 부여하지 않았습니다. 이 그림은 몽마르트르의 카바레에 딱 한 달 동안 걸려 있었습니다. 그러던 어느 날 밤 그 장소는 불타버렸습니다. 그러나 "백합"은 구해졌습니다. 이 그림은 파리의 자선가 오스카 슈미츠(Oscar Schmitz)가 구입했습니다. 1년 후 그의 집은 불에 탔습니다. 불운한 그림이 걸려 있던 사무실에서 불이 시작됐다. 기적적으로 살아 남았습니다. 모네 풍경의 또 다른 희생자는 뉴욕 현대 미술관이었습니다. 1958년에 “수련”이 이곳으로 운송되었습니다. 4개월 후, 이곳에도 화재가 발생했습니다. ㅏ 젠장 사진매우 까맣게.
6. 에드바르 뭉크의 그림에서 "비명"털이 없는 고통받는 생물은 거꾸로 된 배를 닮은 머리로 묘사되어 있으며, 그녀의 손바닥은 공포에 질려 귀에 눌려져 있고 입을 벌려 조용한 비명을 지르고 있습니다. 이 생물의 고통의 경련적인 파도는 메아리처럼 머리 주위의 공기 중에 흩어집니다. 이 남자(혹은 여자)는 자신의 비명에 갇혀 귀를 막고 있는 것 같다. 이 그림에 대한 전설이 없다면 이상할 것입니다. 그녀와 접촉한 사람들은 모두 고통을 겪었다고 합니다. 사악한 바위. 실수로 그림을 떨어뜨린 박물관 직원은 극심한 두통을 겪다가 결국 자살했다. 역시 손이 비뚤어진 것으로 보이는 또 다른 직원은 그림을 떨어뜨려 다음날 사고를 당했다. 어떤 사람은 그림을 만진 지 하루 만에 화상을 입기도 했습니다. 7. 끊임없이 고민을 수반하는 또 다른 캔버스는 "거울을 가진 비너스"디에고 벨라스케스. 그림의 첫 번째 소유자인 스페인 상인은 파산했고, 그의 무역은 매일 악화되어 그의 상품 대부분이 바다에서 해적에게 나포되고 몇 척의 배가 침몰했습니다. 상인은 자신이 가진 모든 것을 경매로 팔았고 그림도 팔았습니다. 그것은 항구에 풍부한 창고를 소유한 상인인 또 다른 스페인 사람에 의해 인수되었습니다. 캔버스 값이 이체된 직후, 갑작스러운 번개로 상인의 창고에 불이 붙었습니다. 주인이 망했습니다. 그리고 다시 경매가 되고, 또 그림이 다른 물건들과 함께 팔리고, 또 다시 부유한 스페인 사람이 그것을 구입합니다... 3일 후 그는 칼에 찔려 죽었습니다. 자신의 가정강도 중에. 그 후 그림은 오랫동안 새 주인을 찾지 못했고(명성이 너무 손상됨) 캔버스는 여기저기 돌아다녔습니다. 다른 박물관, 1914년에 미친 여자가 그녀를 칼로 자르기 전까지는 말이죠.
8. "악마 패배" Mikhail Vrubel은 예술가 자신의 정신과 건강에 해로운 영향을 미쳤습니다. 그는 그림에서 떼어낼 수 없었고 계속해서 패배한 정령의 얼굴을 더하고 색을 바꾸었다. 전시장에는 이미 <패배한 악마>가 걸려 있었고, 브루벨은 관람객들의 시선을 아랑곳하지 않고 계속 홀 안으로 들어와 마치 홀린 듯 그림 앞에 앉아 작업을 계속했다. 그와 가까운 사람들은 그의 상태에 대해 걱정하게 되었고, 그는 러시아의 유명한 정신과 의사인 Bekhterev의 검사를 받았습니다. 진단은 끔찍했습니다. 척수를 찌르고 광기와 죽음에 가까워졌습니다. Vrubel은 병원에 입원했지만 치료가 도움이 되지 않았고 곧 사망했습니다.

위대한 예술가의 그림은 미적 즐거움과 즐거움을 줄 뿐만 아니라 신비로운 경외심과 심지어 두려움까지 불러일으킵니다. 거장의 많은 그림은 신비로 가득 차 있습니다. 우리의 이야기는 그들에 관한 것입니다.

재능있게 그린 그림은 항상 예술 애호가들 사이에서 내면의 경외심과 감탄을 불러일으킵니다. 위대한 거장들의 그림은 매혹적이고 매혹적입니다. 아름다운 그림사람이 종종 자신에게서도 숨기려고 노력하는 영혼의 가장 친밀한 것들을 깨우십시오. 칼 융은 이것을 무의식이라고 불렀습니다.

그러므로 유명 화가들의 그림은 세상의 비밀이 드러나는 신비한 메시지로 인식된다. 이 문제를 해결하려면 그림의 세부 사항과 기호에 최대한 주의를 기울여야 합니다.

한 세대 이상의 미술사가들이 히에로니무스 보쉬의 코드를 풀고, 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 보티첼리의 그림 코드에 대해 생각하고, 네덜란드 그림 앞에서 기쁨에 얼어붙으려고 노력할 것입니다. 아름다움, 영성 및 선의 정확성이 문화적 상징, 얽힌 선 및 입방체 형태로 대체되었던 모더니즘과 포스트 모더니즘 시대의 그림에 대해 무엇을 말할 수 있습니까?

파블로 피카소와 프리다 칼로, 잭슨 폴록, 살바도르 달리의 의미 있는 그림은 존재의 비극적이고 신비로운 측면을 드러냅니다. 현대인. 이를 읽으려면 폭넓은 지식과 창의적인 직관이 필요합니다.

가상 갤러리를 방문하여 신비로 가득 찬 예술가의 유명한 그림이나 이와 관련된 극적인 이야기가 무엇인지 알아보십시오.

최후의 만찬(레오나르도 다빈치)

많은 사람들은 이 걸작이 정확하게는 그림이 아니라 프레스코화라는 것을 알아차릴 것입니다. 그러나 프레스코는 동일한 캔버스이며, 젖은 회반죽에만 그려집니다. 사람들은 귀족들의 마음이 다양한 신비로운 가르침, 프리메이슨 롯지 및 다양한 것에 사로 잡혔던 19 세기에이 그림의 비밀에 대해 이야기하기 시작했습니다. 비밀 결사. 21세기에는 Dan Brown의 저서 The Da Vinci Code와 TV 시리즈 Da Vinci's Demons 덕분에 프레스코화에 대한 관심이 되살아났습니다.

실제로, 르네상스 최고의 예술가의 이 창조물에는 프레스코화의 하위 텍스트를 형성하는 많은 비밀 표시가 포함되어 있습니다. 우선, 작가는 1498년까지 3년 동안 창작 작업을 했다는 점에 주목해야 합니다. (레오나르도는 분명히 축축한 땅에 글을 쓰지 않았습니다. 이것이 " 최후의 만찬"프레스코가 아니라 그림이다." 이 작품은 유명한 갈퀴이자 신비주의자이자 상인이자 호기심이 많은 베니스 총독 루도비코 스포르자(Ludovico Sforza)의 의뢰로 작곡되었습니다.

충실도의 개념 가족 생활스포르차와는 거리가 먼 그는 그의 경건한 아내 베아트리체 데스테 공작부인으로 인해 고통을 겪은 열정에 억누를 수 없었습니다. 그녀가 가장 뛰어난 사람 중 하나였음에도 불구하고 아름다운 여자들르네상스 기간 동안 Ludovico는 베니스 최고의 헤타에라와 함께 놀라운 일관성으로 그녀를 속였습니다.

베아트리체의 죽음으로 인해 스포르차는 자신의 우선 순위를 다시 생각하고 탐색을 중단하게 되었습니다. 사랑의 즐거움. 그녀를 영원히 기억하기 위해 베니스 공작은 다빈치의 최후의 만찬을 의뢰했습니다.

캔버스의 첫 번째 신비는 이 배경과 관련이 있습니다. 그리스도의 오른편에 앉아 있는 사도 요한은 남자라기보다는 여자처럼 보입니다. 이것이 바로 이것이 예수의 아내 막달라 마리아라는 추측이 탄생한 방법입니다. 이는 두 캐릭터의 기울기가 만들어낸 기호로도 확인됐다. 신비로운 가르침에서 우주의 기초로서 여성적 원리와 남성적 원리의 연결을 의미하는 두 개의 삼각형의 조합과 유사한 그림이 나타납니다.

두 번째 수수께끼는 유다의 이미지입니다. 그림 작업이 시작될 때 Leonardo는 예수의 이미지를 위한 보모를 매우 빨리 찾았습니다. 그는 교회 성가대 출신의 젊은 가수가 되었습니다. 그의 아름다움과 아름다운 외모가 예술가를 사로잡았습니다.

그러나 유다가 모델을 찾는 데는 거의 3년이 걸렸습니다. 어느 날 레오나르도는 도랑에서 술고래를 보았습니다. 그는 그를 식당으로 데려왔고 며칠 만에 그리스도의 대척점을 그렸습니다. 시터와 이야기를 나눈 후, 작가는 예수 다빈치의 이미지를 만들기 위해 포즈를 취한 순간부터 자신의 삶이 내리막길을 걷고 있다는 것을 알게 되었습니다. 따라서 그리스도와 그를 배반한 사람은 3년 간격으로 한 사람에게서 제외되었습니다.

세 번째 미스터리는 그림 속에 레오나르도의 자화상이 있다는 점이다. 오른쪽에서 두 번째에 앉아 계신 분이 다대오 사도입니다.

네 번째 코드는 반복되는 숫자 3입니다. 캔버스를 자세히 살펴보면 모든 캐릭터가 3명으로 그룹화되어 있습니다. 이것은 성삼위일체, 즉 성자, 성령, 하나님의 상징적 암호를 보여줍니다.

<아담의 창조>(미켈란젤로)

16세기에 제작된 유명한 르네상스 거장 중 한 사람의 프레스코화에는 하나님이 아담에게 손을 내미는 모습이 묘사되어 있습니다. 이것은 저자가 시스티나 성당에서 묘사한 창세기의 아홉 장면 중 네 번째이다. 그림은 새로 창조된 인간에게 하나님이 영혼을 불어넣는 모습을 묘사하고 있습니다.

해부학자들은 천사들이 모여 있는 창조주의 보라색 망토가 인간의 뇌의 윤곽과 유사하다는 것을 발견했습니다. 당시의 모든 예술가와 마찬가지로 미켈란젤로는 해부학을 자세히 연구했기 때문에 이 기관이 어떻게 생겼는지 완벽하게 알고 있었습니다. 그런데 왜 그는 종교적인 주제를 다룬 그림에서 그를 묘사했을까?

예술 평론가들은 이런 방식으로 진보적인 예술가이자 사상가가 사람을 이끌고 발전시키는 힘이 마음이라는 점을 지적했다고 제안했습니다. 또한 주의해야 할 몇 가지 뉘앙스가 있습니다.

아담의 자세는 하나님의 자세와 대칭을 이루고 있습니다. 그러나 첫 번째 사람은 편안하고 오직 신성한 마음만이 그를 에너지로 채울 수 있습니다.
창조주의 망토를 두른 영웅들은 인간 두뇌의 윤곽을 만듭니다. 더욱이 미켈란젤로는 뇌하수체, 뇌교(뇌에서 척수로 자극을 전달함), 척추 동맥을 선으로 표시했습니다.

이 그림은 인간 정신의 힘을 믿었던 진보적인 인문주의 예술가의 감동적인 메시지입니다.

플랑드르 속담(피테르 브뤼겔)

이 그림은 16세기 중반 네덜란드 화가에 의해 만들어졌습니다. 언뜻보기에 그 줄거리는 간단합니다. 시장 광장의 평범한 하루입니다. 그러나 캔버스에는 대중적인 어법 표현을 구현하는 112개의 개별 구성 요소가 있습니다.

이미지를 자세히 보면 관용구의 삽화를 볼 수 있습니다: 벽에 머리를 부딪히다; 악마를 베개에 묶으십시오. 고양이에게 방울을 달아주는 행위(부당한 행위) 두 입으로 말하다; 캐비어 등을 위해 청어를 볶습니다.

이 그림은 미술사가와 문화 전문가뿐만 아니라 언어학자에게도 큰 관심을 끌고 있습니다.

다나에(하르멘스 반 레인 렘브란트)

네덜란드 화가는 이 그림을 11년(1636~1647)에 걸쳐 그렸습니다. 언뜻 보면 주인공이 캔버스에 그려져 있습니다 고대 그리스 신화아버지에 의해 던전에 숨겨졌던 다나에. 그 이유는 아르고스 왕이 손자의 손에 넘어갈 것이라는 예언 때문이다.

렘브란트의 다나에(Danaë)는 남성의 무상함을 상징합니다. 미술사가들은 그림을 연구하면서 다나에의 약지에 다음과 같은 내용이 있다는 사실을 발견했습니다. 결혼 반지, 전설에 따르면 그녀는 투옥되었을 때 미혼의 젊은 여성이었습니다. 게다가 사진에는 제우스가 다나에에게 생명을 탄생시키기 위해 내린 황금비도 나오지 않았다.

연구자들을 혼란스럽게 한 두 번째 점은 여주인공의 얼굴이 1630년대 그의 모든 그림의 모델이 되었던 렘브란트의 젊은 아내 사스키아 반 윌렌버흐(Saskia van Uylenburch)와 닮지 않았다는 점이었습니다. <다나에>는 작가가 자신의 집을 꾸미기 위해 쓴 작품이기 때문에 더욱 이상한 일이다. 그렇다면 그는 아내 대신 누구를 캔버스에 담았는가?

이에 대한 답은 1950년대 미술사학자들이 그림을 연구하기 위해 엑스레이를 사용하기 시작하면서 나타났습니다. 처음에 Danae는 Saskia에서 복사되었으며 이후 아티스트는 아들의 간호사 Gertje Dirks의 특징을 제공하여 이미지를 다시 썼습니다. 사스키아가 죽은 후, 그녀는 그의 연인이자 동거인이자 새로운 뮤즈가 되었습니다.

<알리의 침실>(빈센트 반 고흐)

파리 보몽드의 박해를 견디지 못한 빈센트 반 고흐는 프랑스 수도에서 탈출한다. 1888년 봄, 그는 상속 재산에서 얻은 돈으로 Arley에 있는 작은 별채로 은퇴했습니다. 작가는 마침내 자신의 집과 작업실을 찾았습니다. 그는 또 다른 파리 도망자 폴 고갱을 기다리며 한동안 Arly에 살았습니다. 그와 함께 반 고흐는 예술가 형제애를 만들고 싶었습니다.

그림 "Bedroom in Arly" 또는 "Yellow Bedroom"은 화가의 정신 질환에 대한 기록적인 증거입니다. 이를 사용하여 정신과 의사는 정신분열증을 앓고 있는 사람의 변화를 연구할 수 있습니다. 주의해야 할 징후는 다음과 같습니다.

잊혀지지는 않지만 풍부한 노란색입니다. 침실 내부에서는 부자연스러워 보입니다. Vincent Van Gogh가 간질 발작과 싸운 도움으로 디기탈리스에 관한 모든 것입니다. 이 약을 정기적으로 사용하면 색상 인식이 변화됩니다. 사람들은 세상을 황록색으로 봅니다.
방에 있는 한 쌍의 물건: 의자 2개, 베개 2개, 초상화 2개, 반 고흐의 판화 한 쌍. 이를 통해 저자는 마음의 평화를 찾고 외로움을 극복하려고 노력했다.
닫힌 셔터는 작가의 내면적 고립과 안정감을 상징한다.
벽에 걸린 거울은 반 고흐가 자화상을 만들기 위해 구입한 것입니다. 사람들은 그의 그림을 창의성으로 인식하지 않았기 때문에 그를 위해 포즈를 취하는 것을 거부했습니다.
침대 위의 빨간 담요는 화가의 삶에서 극적인 역할을 했습니다. 공격 중에 그는 귓볼을 자르고이 담요에 싸인 채 그를 압도하는 두려움을 극복하려고 노력했습니다.

그림은 작가의 내면 세계를 반영한다. 반 고흐의 경우 <알리의 침실>은 그의 외로움과 광기에 대한 이야기이다.

<절규>(에드바르 뭉크)

“절규”는 20세기의 가장 신비로운 그림 중 하나입니다. 그녀는 그의 산책 중 예술가를 사로잡은 보편적인 비극에 대한 예감을 구현했습니다. 뭉크는 하늘에 타오르는 핏빛 노을을 보았고, 자연의 고통에 대한 울부짖음을 마음속으로 들었다. 이것이 바로 그가 캔버스에 표현하고 싶었던 것입니다.

해골 같은 윤곽을 가진 털이 없는 남자는 겁에 질려 입을 크게 벌리고 귀를 막는다. 이것이 바로 자연의 날카로운 울부짖음에 쓰러지는 모습이다. 작가가 경험하고 캔버스에 반영된 느낌은 예언적인 것이되었습니다. “The Scream”은 폭력, 전쟁, 잔인함, 인간에 대한 증오, 환경에 대한 고문이 만연한 20세기의 상징이 되었습니다.

많은 신비로운 이야기가 그림과 관련되어 있습니다. 따라서 Scream의 모든 소유자는 파멸, 사망, 사고와 같은 불행을 겪었습니다. 그림이 미술관에 도착했을 때 몇몇 인부들이 작업에 부주의한 모습을 보여 캔버스를 떨어뜨렸습니다. 얼마 후 한 사람은 자살했고, 다른 한 사람은 불에 탔습니다. 교통 사고. 이러한 불행은 걸작의 치명적인 영향과 관련이 있습니다.

과학자들은 반 고흐의 경우처럼 이 그림도 그 창작자인 에드바르 뭉크의 정신 장애를 구체화한 것이라고 확신합니다.

“늙은 어부”(Tivadar Kostka Chontvari)

헝가리의 한 약사는 예언의 꿈을 보고 약국을 팔고 그림에 필요한 모든 것을 구입하고 레바논 화가들에게 기술을 배우러 갔다.

20세기 초 고국으로 돌아온 그는 독창적인 작품인 그림 “을 발표했습니다. 늙은 어부" 그 그림에는 특별한 것이 없는 것 같았습니다. 대중은 이 그림에 무엇이 그렇게 신비로운지 전혀 몰랐습니다. 읽기가 쉽지 않은 하위 텍스트에 관한 모든 것입니다. 50년이 지나서야 해결이 가능했다.

Chontvari는 이상하고 약간 무서운 그림을 그렸기 때문에 인기가 없었습니다. 그 결과 그는 가난하게 죽고 그의 그림은 쓰레기통에 버려졌습니다. 주인의 그림 몇 점만 살아남아 페치 시 박물관에 보관되었습니다. 그 중에는 "늙은 어부"도 있었습니다.

박물관 직원 중 한 명이 거울을 사용하여 걸작의 의미를 드러내는 것을 생각했습니다. 거울로 그림을 반으로 나누면 두 개의 적대적인 플롯이 형성되는 것으로 나타났습니다. 첫 번째는 잔잔한 바다에서 배를 타고 항해하는 신을 묘사하고 두 번째는 폭풍우가 치는 바다에서 악마를 묘사합니다. 이것은 헝가리 예술가가 창조한 존재의 복잡성에 대한 은유이다.

이것은 그 중 극히 일부에 불과하다. 유명한 그림, 신비로운 경외심과 숭배를 불러일으킵니다. 미하일 브루벨, 폴 고갱, 파블로 피카소, 구스타프 클림트, 카제미르 말레비치의 작품은 기쁨과 공포, 숭배를 불러일으킵니다. 그들은 해결되고 존경받으며 내용을 이해하는 데 수년이 걸립니다. 위대한 그림의 신비를 이해하는 것은 인간과 세계를 이해하는 첫 걸음입니다.

1. 에드바르 뭉크 "절규"

1893년, 판지, 유채, 템페라, 파스텔. 91x73.5cm

국립 미술관, 오슬로

"The Scream"은 획기적인 이벤트로 간주됩니다.표현주의와 가장 중요한 것 중 하나 유명한 그림세상에.

"나는 친구 두 명과 함께 길을 걷고 있었습니다.- 해가 지고 있었다 - 갑자기 하늘이 핏빛으로 물들었고, 나는 지쳐 잠시 멈춰서 울타리에 기댔다 - 나는 검푸른 피오르드와 도시 위의 피와 불꽃을 바라보았다 - 내 친구들은 앞으로 나아갔고 나는 서 있었다 , 흥분으로 떨며, 자연을 관통하는 끝없는 비명을 느낍니다.”라고 Edvard Munch는 그림의 역사에 대해 말했습니다.

묘사된 내용에 대해 두 가지 해석이 있습니다.: 공포에 사로잡혀 조용히 비명을 지르며 손을 귀에 대고 있는 것은 영웅 자신이다. 또는 영웅은 주변에서 들리는 세상과 자연의 외침에 귀를 닫습니다. 뭉크는 '절규'를 4가지 버전으로 그렸는데, 이 그림이 작가가 앓았던 조울증 정신병의 산물이라는 버전도 있다. 병원에서 치료를 받은 후에도 뭉크는 캔버스 작업에 복귀하지 않았습니다.

2. 폴 고갱 “우리는 어디서 왔는가? 우리는 누구입니까? 우리 어디로 가는 거야?"

1897~1898년, 캔버스에 유채. 139.1x374.6cm

박물관 미술, 보스턴

깊은 철학적 그림후기 인상파 폴 고갱은 파리를 떠나 타히티에서 그림을 그렸습니다. 작업이 완료되자 그는 자살을 원하기도 했습니다. "나는 이 그림이 이전의 모든 그림을 능가할 뿐 아니라 결코 더 낫거나 비슷한 것을 만들지 않을 것이라고 믿었기 때문입니다."

고갱 자신의 지시에 따라 그림을 그렸습니다.오른쪽에서 왼쪽으로 읽어야 합니다. 세 가지 주요 그림 그룹이 제목에 제시된 질문을 보여줍니다. 아이를 둔 세 여성은 인생의 시작을 상징합니다. 중간 그룹매일의 성숙함을 상징합니다. 마지막 그룹에서는 작가의 계획에 따르면 "죽음에 가까워진 노파는 화해하고 생각에 빠진 것처럼 보인다"고 그녀의 발 밑에는 "이상한 흰 새가 ... 말의 쓸모 없음을 나타낸다."

3. 파블로 피카소 “게르니카”

1937년, 캔버스에 유채. 349x776cm

레이나 소피아 박물관, 마드리드

거대한 프레스코화 '게르니카' 1937년 피카소가 그린 는 독일군 자원병대가 게르니카 시를 급습하여 6천 명의 도시가 완전히 파괴된 이야기를 담고 있습니다. 그림은 말 그대로 한 달 만에 그려졌습니다. 그림 작업 첫날 Picasso는 10-12 시간 동안 작업했으며 이미 첫 번째 스케치에서 주요 아이디어를 볼 수있었습니다. 이것은 다음 중 하나입니다 최고의 일러스트파시즘의 악몽, 인간의 잔인함과 슬픔.

<게르니카>는 죽음의 장면을 보여준다.폭력, 잔인함, 고통, 무력감 등은 직접적인 원인을 명시하지 않아도 명백합니다. 1940년 파블로 피카소는 파리 게슈타포에 소환됐다고 한다. 대화는 곧바로 그림으로 바뀌었다. “이거 했어?” - "아니요, 당신이 해냈어요."

4. 얀 반 에이크 “아르놀피니 부부의 초상”

1434년, 나무, 기름. 81.8x59.7cm

런던 국립 미술관, 런던

조반니 디 니콜라오 아르놀피니(Giovanni di Nicolao Arnolfini)의 초상화로 추정됨그리고 그의 아내는 가장 뛰어난 사람 중 한 명이에요 복잡한 작품북부 르네상스의 서양 회화 학교.

유명한 그림이 가득 채워져 있어요상징, 우화 및 다양한 참고자료 - "Jan van Eyck was here"라는 시그니처에 이르기까지 이 작품은 단순한 예술 작품이 아니라 예술가가 참석했던 실제 사건을 확인하는 역사적 문서로 변모했습니다.

러시아에서는 최근 몇 년 이 그림은 아르놀피니의 초상화가 블라디미르 푸틴과 닮았기 때문에 큰 인기를 얻었습니다.

5. 미하일 브루벨 “앉아있는 악마”

1890년, 캔버스에 유채. 114x211cm

트레차코프 갤러리, 모스크바

Mikhail Vrubel의 그림은 악마의 이미지에 놀라움을 금치 못합니다.슬픈 장발 남자는 자신이 어떤 모습이어야 하는지에 대한 일반적인 인간의 생각과 전혀 닮지 않았습니다. 악마. 예술가 자신은 그의 가장 유명한 그림에 대해 다음과 같이 말했습니다.

“귀신은 악령이라기보다는얼마나 많은 고통과 슬픔이 있지만 이 모든 것을 가지고 있는 강력하고 장엄한 영입니다.” 이것은 인간 정신의 힘, 내부 투쟁, 의심의 이미지입니다. 비극적으로 손을 움켜쥐고 있는 악마는 꽃에 둘러싸여 먼 곳을 바라보는 슬프고 커다란 눈을 가지고 앉아 있습니다. 이 구성은 마치 프레임의 상부 크로스바와 하부 크로스바 사이에 끼어 있는 것처럼 악마의 모습이 갖는 제약을 강조합니다.

6. 바실리 베레샤긴 “전쟁의 신격화”

1871년, 캔버스에 유채. 127x197cm

모스크바 트레티야코프 미술관

Vereshchagin은 주요 러시아어 중 하나입니다.전투 화가였지만 그가 전쟁과 전투를 그린 것은 그가 그들을 사랑해서가 아니었습니다. 오히려 그는 전쟁에 대한 부정적인 태도를 사람들에게 전달하려고 노력했습니다. 어느 날 Vereshchagin은 감정이 격해져서 이렇게 외쳤습니다. 전투 그림글을 쓰지 않겠습니다. 그게 다입니다! 나는 내가 쓴 글을 마음에 새기고 모든 부상자와 사망자의 슬픔에 (문자 그대로) 울었습니다.” 아마도이 느낌표의 결과는 들판, 까마귀, 인간 두개골 산을 묘사하는 끔찍하고 요염한 그림 "전쟁의 신격화"였을 것입니다.

사진이 너무 깊고 감성적으로 쓰여졌네요이 더미에 누워 있는 모든 두개골 뒤에는 사람들과 그들의 운명, 그리고 이 사람들을 다시는 볼 수 없는 사람들의 운명이 보이기 시작합니다. Vereshchagin 자신은 슬픈 비꼬는 말로 캔버스를 "정물"이라고 불렀으며 "죽은 자연"을 묘사합니다.

노란색을 포함한 사진의 모든 세부 사항, 죽음과 황폐를 상징합니다. 맑고 푸른 하늘은 사진의 죽음을 강조합니다. "전쟁의 신격화"라는 개념은 세이버의 흉터와 두개골의 총알 구멍으로도 표현됩니다.

7. 그랜트 우드 "아메리칸 고딕"

1930년, 석유. 74x62cm

시카고 미술관, 시카고

"아메리칸 고딕"은 가장 잘 알려진 작품 중 하나입니다. 20세기 미국 예술의 이미지이자 20세기와 21세기의 가장 유명한 예술적 밈입니다.

우울한 아버지와 딸과 함께 그림 그리기묘사된 사람들의 심각성, 청교도주의, 퇴행적 성격을 나타내는 세부 사항으로 가득 차 있습니다. 화난 얼굴, 사진 중앙에 있는 갈퀴, 1930년대 기준으로도 구식 옷, 노출된 팔꿈치, 갈퀴 모양을 반복하는 농부 옷의 솔기 등 모두에게 위협이 되는 위협입니다. 침해하는 사람. 이 모든 세부 사항을 끝없이보고 불편 함을 느낄 수 있습니다.

흥미롭게도 시카고 연구소의 대회 심사위원들은예술은 "고딕"을 "유머러스한 발렌타인"으로 인식했고, 아이오와 주민들은 우드가 그들을 그렇게 불쾌한 빛으로 묘사한 것에 대해 몹시 불쾌했습니다.

8. 르네 마그리트 “연인”

1928년, 캔버스에 유채

그림 "연인"( "연인")두 가지 버전으로 존재합니다. 하나는 흰 천으로 머리를 감싼 남자와 여자가 키스하는 장면이고, 다른 하나는 관객을 '바라보는' 장면이다. 그림은 놀랍고 매혹적입니다. 얼굴 없는 두 인물로 마그리트는 사랑의 맹목성에 대한 생각을 전달했습니다. 모든 의미에서 실명에 대하여: 연인은 누구도 볼 수 없고, 우리는 그들의 진짜 얼굴을 볼 수 없으며, 게다가 연인은 서로에게도 미스터리입니다. 그러나 이러한 명백한 명확성에도 불구하고 우리는 여전히 마그리트의 연인들을 계속해서 바라보고 그들에 대해 생각합니다.

마그리트의 그림 거의 대부분-존재의 본질에 대한 질문을 제기하기 때문에 완전히 풀 수없는 퍼즐입니다. Magritte는 항상 우리가 일반적으로 알아차리지 못하는 눈에 보이는 것의 기만성과 숨겨진 신비에 대해 이야기합니다.

9. 마크 샤갈 “걷다”

1917년, 캔버스에 유채

주립 트레티야코프 갤러리

일반적으로 매우 심각함그의 그림에서 마르크 샤갈은 우화와 사랑으로 가득 찬 자신의 행복에 대한 유쾌한 선언문을 썼습니다. 'Walk'는 아내 벨라와 함께 찍은 자화상이다. 그의 연인은 하늘로 솟아올라 위태롭게 땅에 서 있는 샤갈을 마치 신발의 발가락만으로 만지듯 끌어당겨 날아갈 것이다. 샤갈은 다른 손에 젖꼭지를 들고 있습니다. 그는 행복합니다. 손에는 젖꼭지(아마도 그의 그림)가 있고 하늘에는 파이가 있습니다.

10. 히에로니무스 보쉬 “세상적인 즐거움의 정원”

1500-1510, 나무, 기름. 389x220cm

프라도, 스페인

"세상적인 즐거움의 정원"-중앙 부분의 주제에서 이름을 얻은 Hieronymus Bosch의 가장 유명한 삼부작은 풍만함의 죄에 헌정되었습니다. 현재까지 그림에 대한 이용 가능한 해석 중 유일하게 올바른 해석은 인정되지 않았습니다.

지속되는 매력과 낯설음을 동시에삼부화는 예술가가 여러 세부 사항을 통해 주요 아이디어를 표현하는 방법입니다. 그림은 투명한 형상, 환상적인 구조물, 괴물, 살을 얹은 환각, 현실에 대한 지옥 같은 캐리커처로 가득 차 있으며, 그는 그것을 예리하고 예리한 시선으로 바라본다. 일부 과학자들은 무익함의 프리즘과 세상적인 사랑의 이미지를 통해 삼부작에서 인간 삶의 이미지를보고 싶었고 다른 과학자들은 풍만한 승리를보고 싶었습니다. 그러나 개별 인물이 해석되는 단순함과 특정 분리, 그리고 교회 당국의 이 작업에 대한 호의적인 태도는 그 내용이 육체적 쾌락의 영광일 수 있다는 것을 의심하게 만듭니다.

11. 구스타프 클림트 “여성의 세 시대”

1905년, 캔버스에 유채. 180x180cm

국립 미술관 현대 미술, 로마

<여인의 세 살>은 동시에 즐겁다, 그리고 슬프다. 그 안에는 한 여성의 삶의 이야기가 부주의, 평화, 절망이라는 세 가지 인물로 기록되어 있습니다. 젊은 여성은 삶의 패턴에 유기적으로 짜여져 있고, 노파는 그 속에서 눈에 띈다. 젊은 여성의 양식화 된 이미지와 노파의 자연주의적인 이미지 사이의 대조는 상징적 의미를 갖습니다. 삶의 첫 번째 단계는 끝없는 가능성과 변형을 가져오고, 마지막 단계는 변하지 않는 불변성과 현실과의 갈등을 가져옵니다.

캔버스는 놓지 않아 너의 영혼 속으로 스며들어작가가 전하는 메시지의 깊이, 삶의 깊이와 필연성에 대해 생각하게 만든다.

12. 에곤 실레 <가족>

1918년, 캔버스에 유채. 152.5x162.5cm

벨베데레 갤러리, 비엔나

실레는 클림트의 학생이었습니다, 그러나 여느 우수한 학생처럼 그는 선생님을 모방하지 않고 새로운 것을 찾았습니다. 실레는 구스타프 클림트보다 훨씬 더 비극적이고 이상하고 무섭습니다. 그의 작품에는 음란물, 다양한 변태, 자연주의, 그리고 동시에 고통스러운 절망이라고 할 수 있는 것들이 많이 있습니다.

"가족"-그의 마지막 작품 , 그의 사진이 가장 이상해 보이지 않는 사진임에도 불구하고 절망이 극도로 치닫는다. 그는 임신한 아내 에디스가 스페인 독감으로 사망한 후 사망 직전에 이 그림을 그렸습니다. 그는 에디스와 자신, 그리고 아직 태어나지 않은 아이를 그린 뒤 불과 3일 만에 28세에 세상을 떠났습니다.

13. 프리다 칼로 “두 명의 프리다”

1939

힘든 삶의 이야기 멕시코 예술가 Frida Kahlo는 Salma Hayek과 함께 영화 "Frida"가 개봉된 후 널리 알려지게 되었습니다. 주연. Kahlo는 대부분 자화상을 그렸으며 이에 대해 간단하게 설명했습니다. "나는 혼자 많은 시간을 보내고 내가 가장 잘 아는 주제이기 때문에 나 자신을 그린다."

프리다 칼로의 자화상에는 없습니다웃지 않습니다. 진지하고 슬픔에 잠긴 얼굴, 융합된 두꺼운 눈썹, 꽉 압축된 입술 위에 거의 눈에 띄지 않는 콧수염. 그녀의 그림에 대한 아이디어는 프리다 옆에 나타나는 세부 사항, 배경, 인물에 암호화되어 있습니다. Kahlo의 상징주의는 국가 전통에 기반을 두고 있으며 히스패닉 이전 시대의 인도 신화와 밀접하게 연결되어 있습니다.

중 하나에서 최고의 그림- “두 명의 프리다”- 남성적인 느낌을 표현했어요. 여자 같은, 단일 순환 시스템으로 연결되어 무결성을 입증합니다.

14. 클로드 모네 “워털루 다리. 안개 효과"

1899년, 캔버스에 유채

국립 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크

그림을 가까이서 볼 때관객은 빈번하고 두꺼운 유화가 적용된 캔버스 외에는 아무것도 볼 수 없습니다. 작품의 모든 마법은 우리가 캔버스에서 점차 멀어지기 시작할 때 드러납니다. 먼저 이해할 수없는 반원이 우리 앞에 나타나기 시작하여 그림 중앙을 통과 한 다음 보트의 명확한 윤곽을보고 약 2 미터 거리로 이동하면 모든 연결 작업이 앞쪽에 날카롭게 그려집니다. 우리와 논리적 사슬에 줄을 섰습니다.

15. 잭슨 폴록 “1948년 5번”

1948년, 섬유판, 기름. 240x120cm

이 사진의 특이한 점은미국의 추상표현주의 지도자가 바닥에 깔아놓은 섬유판 위에 물감을 부어 그린 캔버스가 세계에서 가장 비싼 그림이라는 것. 2006년 소더비 경매에서 그들은 이 작품에 1억 4천만 달러를 지불했습니다. 영화 제작자이자 수집가인 David Giffen은 이를 멕시코 금융가 David Martinez에게 매각했습니다.

“저는 기존 도구에서 계속 멀어지고 있습니다.이젤, 팔레트, 브러쉬 등의 아티스트. 나는 막대기, 국자, 칼, 흐르는 페인트 또는 페인트와 모래, 깨진 유리 또는 기타 물질의 혼합물을 선호합니다. 그림 속에 있을 때 나는 내가 무엇을 하고 있는지 알지 못합니다. 이해는 나중에 옵니다. 그림은 그 자체로 살아 있기 때문에 이미지의 변화나 파괴에 대한 두려움이 없습니다. 자신의 삶. 나는 단지 그녀를 돕는 것뿐입니다. 하지만 그림과의 접촉이 끊어지면 더러워지고 지저분해진다. 그렇지 않다면 그것은 순수한 조화, 즉 취하고 주는 방법의 용이함입니다.”

16. 호안 미로 “배설물 앞에 선 남자와 여자”

1935년, 구리, 기름, 23x32cm

호안 미로 재단, 스페인

좋은 이름.그리고 이 사진이 내전의 공포를 말해준다고 누가 생각이나 했을까요?

그림은 구리판 위에 그려졌습니다. 1935년 10월 15일부터 10월 22일까지 일주일 동안. 미로에 따르면 이는 비극을 묘사하려는 시도의 결과이다. 내전스페인에서. 미로는 이것이 불안의 시기를 그린 그림이라고 말했다. 그림에는 남자와 여자가 서로를 껴안으려고 손을 뻗었지만 움직이지 않는 모습이 담겨 있습니다. 확대된 성기와 불길한 색깔은 "혐오감과 역겨운 성욕으로 가득 차 있다"고 묘사되었습니다.

17. 야체크 예르카 “침식”

폴란드의 신초현실주의자는 전 세계적으로 알려져 있습니다.그들의 덕분에 놀라운 그림들, 현실이 통합되어 새로운 현실을 창조합니다. 그의 극도로 세밀하고 어느 정도 감동적인 그의 작품을 하나하나 살펴보기는 어렵지만 이것이 우리 자료의 형식이고 우리는 그의 상상력과 기술을 보여줄 수 있는 작품을 선택해야 했다. 자세한 내용을 읽어 보시기 바랍니다.

18. 빌 스톤햄 "Hands Resist Him"

1972

물론 이 작품은 고려될 수 없다.세계 회화의 걸작에 대해 이야기하지만 그것이 이상하다는 사실은 사실입니다.

소년, 인형, 손바닥이 있는 그림 주변, 유리에 누르면 전설이 있습니다. “이 사진 때문에 사람들이 죽어가고 있다”에서 “그 그림 속의 아이들은 살아있다”로. 그림은 정말 소름 끼치게 보이며 정신이 약한 사람들 사이에 많은 두려움과 추측을 불러 일으 킵니다.

작가는 그림에서 확신했다.그는 다섯 살 때 문은 현실 세계와 꿈의 세계 사이의 경계선을 표현하고 인형은 소년을 이 세계로 안내할 수 있는 안내자라고 묘사합니다. 손은 대안적인 삶이나 가능성을 나타냅니다.

이 사진은 2000년 2월에 유명해졌습니다., 그림이 "유령이 나왔다"는 뒷이야기와 함께 eBay에 판매되었을 때. "Hands Resist Him"은 Kim Smith가 1,025달러에 구입했는데, 그 후 그는 수많은 편지를 받았습니다. 소름 끼치는 이야기그리고 그림을 태워달라고 요구합니다.

신비로운 이야기와 미스터리는 많은 그림 작품과 연관되어 있습니다. 더욱이, 일부 전문가들은 수많은 그림을 만드는 데 어둠과 비밀 세력이 관여하고 있다고 믿습니다. 그러한 진술에는 근거가 있습니다. 작가의 화재, 죽음, 광기 등 치명적인 걸작에 놀라운 사실과 설명할 수 없는 사건이 너무 자주 발생했습니다. 가장 유명한 "저주받은" 그림 중 하나는 스페인 예술가의 그림을 재현한 "The Crying Boy"입니다. 조반니 브라골린. 창작 이야기는 다음과 같습니다. 작가는 우는 아이의 초상화를 그리고 싶었고 그의 어린 아들을 보모로 삼았습니다. 그러나 아기는 울지 못하므로 아버지는 일부러 아기의 얼굴 앞에서 성냥을 켜서 눈물을 흘리게 했습니다.

그녀를 5분 동안 연속해서 보면 소녀는 변할 것입니다(눈이 빨개지고, 머리카락이 검게 변하고, 송곳니가 나타납니다). 사실, 많은 사람들이 주장하는 것처럼 그림이 손으로 그린 것이 아니라는 것이 분명합니다. 이 그림이 어떻게 나타 났는지에 대해서는 아무도 명확한 답을 제공하지 않습니다. 다음 그림은 Vinnitsa의 한 상점에 액자 없이 단정하게 걸려 있습니다. “Rain Woman”은 모든 작품 중 가장 비싼 작품입니다. 가격은 500달러입니다. 판매자에 따르면, 그림은 이미 세 번 구입한 후 반품되었습니다. 고객은 그녀에 대한 꿈을 꾸고 있다고 설명합니다. 그리고 어떤 사람은 이 여자를 아는데 어디에 있는지 기억이 나지 않는다고 말하기도 합니다. 그리고 그녀의 하얀 눈을 본 사람이라면 누구나 그 느낌을 영원히 기억할 것입니다. 비오는 날, 침묵, 불안 및 두려움.