외국 음악 문학에 Uh. "외국의 음악 문학"과

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VN Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Fryderyk Chopin 1810 - 1949 그녀에 대한 러시아의 어린이 교육 및 더 많은 교육 기원전 10세기경부터 풍부. 시각 예술이 발전하고 있으며 예술가는 종교 의식, 군사 작전, 사냥, 엄숙한 행렬, 노래 및 악기 연주와 함께 춤을 추는 음악가를 묘사합니다. 이러한 이미지는 특히 발굴 중에 발견된 사원 벽과 도자기 꽃병에 보존되어 있습니다. 글이 나타나고 원고의 저자는 노래와 찬송가의 시적 텍스트를 소개하고 음악 생활에 대한 흥미로운 정보를 제공합니다. 시간이 지남에 따라 작가는 음악에 대한 철학적 토론, 교육적 역할을 포함한 중요한 사회적 요소, 언어 요소에 대한 이론적 연구에 많은 관심을 기울입니다. 이 정보의 대부분은 예를 들어 고대 세계의 일부 국가에서 음악에 대해 보존되었습니다. 고대 중국 , 고대 인도, 고대 이집트, 특히 유럽 문화의 기초가 놓인 소위 고대 국가-고대 그리스와 고대 로마2. 소개 고대부터 J.S. 바흐까지의 음악 사랑하는 자녀들아! 작년에 당신은 이미 음악 문학 수업을 받았습니다. 그들은 음악 언어의 기본 요소, 일부 음악 형식 및 장르, 음악의 표현 및 시각적 가능성, 오케스트라에 대해 논의했습니다. 동시에 대화는 고대 또는 근대에 관한 것, 또는 우리에게서 더 적거나 더 먼 세기로 돌아가는 다양한 시대에 대해 자유롭게 진행되었습니다. 그리고 이제 연대순-역사적-순서1에 따라 음악 문학에 익숙해질 때입니다. 고대 그리스의 음악에 대하여 우리는 고대 세계의 음악에 대한 정보를 어떻게 얻었습니까? 고대의 위대한 문화적, 역사적 역할에 대한 확실한 증거는 기원전 8세기 고대 그리스에서 대중 스포츠 대회인 올림픽 게임이 탄생했다는 사실입니다. . 그리고 2 세기 후, 현대 대회의 먼 조상으로 간주 될 수있는 Pythian Games 인 음악 대회가 그곳에서 열리기 시작했습니다. Pythian 게임은 예술의 후원자, 태양과 빛의 신인 Apollo를 기리기 위해 지어진 사원에서 열렸습니다. 신화에 따르면 괴물 같은 뱀 파이썬을 물리친 그는 스스로 이 게임을 만들었다. 아르고스의 Sakkad가 오보에에 가까운 관악기인 aulos를 연주하고 Python과 Apollo의 투쟁에 관한 프로그램 연극을 연주하는 것으로 알려져 있습니다.고대 그리스 음악의 경우 시와 특징적인 연결이 있었습니다. 춤, 연극. 전설적인 시인 호메로스의 영웅적인 서사시 "일리아드"와 "오디세이아"를 노래하는 목소리로 불렀습니다. 가수는 일반적으로 신화의 오르페우스처럼 시적 텍스트와 음악의 저자였으며 거문고를 함께 연주했습니다. 무언극의 몸짓으로 합창 댄스 노래가 축제에서 공연되었습니다. 고대 그리스의 비극과 희극에서 합창단은 큰 역할을 맡았습니다: 그는 행동에 대해 논평하고 태도를 표현했습니다 발굴하는 동안 고고학자들은 가장 단순한 악기(예: 관악기-구멍이 뚫린 동물 뼈)를 발견하고 결정했습니다. 약 4만년 전에 만들어졌다고. 결과적으로 음악의 예술은 그 당시 이미 존재했습니다. 1877년 축음기가 발명된 후 최초의 기계적 녹음 및 소리 재생 장치인 음악가-연구원들은 일부 부족이 여전히 원시적인 생활 방식을 가지고 있는 지구 곳곳으로 여행하기 시작했습니다. 그러한 부족의 대표자들로부터 축음기의 도움을 받아 노래 샘플과 악기 곡을 녹음했습니다. 그러나 그러한 녹음은 물론 고대의 음악이 어땠는지에 대한 대략적인 아이디어만을 제공합니다. "연대기"( "시간의 역사적 사건의 순서"를 의미)라는 단어는 "크로노스"( "시간")와 "로고스"( "교리")라는 두 그리스어 단어에서 유래했습니다. 1 라틴어 "antiguus"는 "고대"를 의미합니다. 그것에서 파생된 "고대"라는 용어는 고대 그리스와 고대 로마의 역사와 문화를 가리킨다. 2 2 www.classON.ru 영웅의 업적을 바탕으로 한 러시아 예술 분야의 어린이 교육. 현대 음악학자들은 음악에 대한 특정 정보를 고대 세계 그러나 다른 예술의 역사가들을 부러워합니다. 고대 건축의 수많은 웅장한 기념물의 경우 고대 미술, 특히 조각이 보존되었으며 위대한 고대 극작가의 비극과 코미디 텍스트가 포함 된 많은 원고가 발견되었습니다. 그러나 같은 시대와 그 이후에 만들어진 음악 작품은 본질적으로 우리에게 알려지지 않은 채로 남아 있습니다. 왜 그렇게 되었습니까? 사실은 여러분이 음악을 막 배우기 시작했을 때 여러분 각자가 마스터한 악보(기보법)의 충분히 정확하고 편리한 시스템을 발명하는 것은 매우 어려운 작업으로 밝혀졌습니다. 그것을 해결하는 데 수세기가 걸렸습니다. 사실, 고대 그리스인들은 문자 표기법을 발명했습니다. 그들은 특정 알파벳 문자로 음악 모드의 단계를 지정했습니다. 그러나 리듬 기호(대시)가 항상 추가된 것은 아닙니다. 서기 19세기 중반에야 과학자들은 마침내 이 표기법의 비밀을 풀었습니다. 그러나 그들이 고대 그리스 음악 원고에서 소리의 높이 비율을 정확히 해독할 수 있다면 지속 시간 비율은 대략적일 뿐입니다. 더욱이 그러한 원고는 거의 발견되지 않았으며 단음 작품 (예 : 찬송가)과 더 자주 단편에 대한 기록 만 포함합니다. 충분한 가시성. 따라서 음악가들은 오랫동안 보조 힌트 아이콘을 사용해 왔습니다. 이 아이콘은 성가의 단어 위에 배치되었으며 개별 소리 또는 소그룹을 나타냅니다. 그들은 소리의 높이나 지속 시간의 정확한 비율을 나타내지 않았습니다. 그러나 그들의 비문으로 그들은 그것을 마음으로 알고 한 세대에서 다른 세대로 물려준 멜로디 움직임의 방향을 연주자들에게 상기시켰다. 이 교과서의 뒷부분에서 음악에 대해 논의할 서부 및 중부 유럽 국가에서는 이러한 아이콘을 neume이라고 불렀습니다. 네움은 고대 가톨릭 전례 찬송인 그레고리오 성가를 녹음하는 데 사용되었습니다. 이 일반적인 이름은 Pope Gregory I3의 이름에서 파생됩니다. 전설에 따르면 6세기 말에 그는 이 단성 성가의 주요 모음집을 편집했습니다. 교회 예배 중에 남성과 소년들만이 독창하고 합창단이 함께 연주하도록 의도되었으며 라틴 기도문으로 작성되었습니다. 그러나 11세기에 이탈리아 수도사 Guido d'Arezzo("Arezzo에서")는 새로운 표기법을 발명했습니다. 그는 수도원에서 노래하는 소년들을 가르쳤고 그들이 영적 성가를 더 쉽게 암기할 수 있도록 만들고 싶었습니다. 그때까지 neumas가 배치되기 시작했습니다. 수평선 , 위와 아래. 이 라인은 하나의 특정 사운드에 해당하므로 녹음의 대략적인 피치 레벨을 설정합니다. 그리고 Guido는 한 번에 4 개의 평행선 ( "통치자")을 서로 같은 거리에 그리고 그 위에 그리고 그 사이에 네움을 배치하는 아이디어를 내놓았습니다. 이것이 현대 뮤지컬 스태프의 조상이 된 방법입니다. 일종의 엄격하게 늘어선 캔버스로 소리의 높이 비율을 톤과 반음으로 정확하게 나타낼 수 있습니다. 동시에 멜로디의 움직임, 구부러짐을 묘사하는 그림처럼 악보가 더욱 시각적이되었습니다. 통치자에 해당하는 소리, Guido는 라틴 알파벳의 문자를 지정했습니다. 그들의 비문은 이후에 변경되기 시작했고 결국 열쇠라고 불리는 기호로 바뀌었습니다. 그리고 눈금자와 그 사이에 "앉아있는"Neume은 결국 별도의 음표로 바뀌었고 머리는 처음에 사각형 모양을 가졌습니다. 질문 및 작업 1 . 과학자들에 따르면 가장 오래된 악기는 언제 만들어졌습니까? 그것은 무엇을 말하는가? 2. 축음기는 무엇이며 언제 발명되었으며 연구자들은 그것을 어떻게 사용하기 시작했습니까? 3. 고대 세계의 어느 나라 음악에 대해 가장 많은 정보가 보존되었습니까? 지도에서 결정하십시오-해당 세 국가가 위치한 바다 주변. 4. 고대 음악 경연 대회인 Pythian Games는 언제 어디서 열렸습니까? 5. 고대 그리스에서 음악은 어떤 예술과 밀접한 관련이 있었습니까? 6. 고대 그리스인들은 어떤 표기법을 발명했습니까? 어떤 면에서 부정확한가요? '로마의 교황'이라는 칭호는 국제적 영적 단체인 천주교를 수장하는 성직자가 붙는다. 천주교는 정교회, 개신교와 함께 기독교 신조의 하나이다. 4 고대 로마인들은 라틴어를 사용했습니다. 476년 로마 제국이 멸망한 후 라틴어는 점차 사용되지 않게 되었습니다. 그것에서 소위 로맨스 언어 - 이탈리아어, 프랑스어, 스페인어, 포르투갈어가 나왔습니다. 3 편리한 표기법이 만들어진 방법 중세 시대(이 역사적 시기의 시작은 서기 6세기로 간주됨)에는 문자 표기법이 거의 잊혀졌습니다. 3 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 일종의 기적과 같은 새로운 표기법에 대한 소문이 교황 요한 19 세에게 도달했습니다. 그는 자신에게 귀도를 소환하고 발명된 녹음에 따라 그에게 알려지지 않은 멜로디를 불렀습니다. 앞으로 병렬 통치자의 수는 여러 번 변경되었으며 심지어 18로 증가했습니다. 17세기 말에 이르러서야 현재의 5줄 지팡이가 "승리"했습니다. 많은 다른 키도 사용되었습니다. 19세기에 와서야 고음 음자리표와 저음 음자리표가 가장 보편화되었습니다. Guido d' Arezzo가 발명 된 후 또 다른 어려운 작업이 오랫동안 해결되었습니다-높이뿐만 아니라 길이에서도 소리의 정확한 비율을 나타내도록 표기법을 개선하는 방법 잠시 후 그들은 생각했습니다. 이를 위해 모양이 다른 음악 기호를 사용합니다. 처음에는 여기에 많은 기존 규칙이 추가되어 실제로 적용하기가 어려웠습니다. 그리고 몇 세기에 걸쳐 더 편리한 표기법이 점차 개발되었습니다. 정확히 우리가 계속하는 것입니다. 17세기에 들어와서는 세부적인 부분만 개량되었고, 그 동안 추구해 온 리듬 원리가 지금은 가장 단순한 것 같다. 지속 시간은 항상 두 개의 반쪽과 같습니다 - 스타일이 다르고, 반쪽은 2/4, 1/4은 2/8 등 막대가 16세기에 막대를 분리하기 시작했고 크기는 악보가 어김없이 표시되었다 17세기부터다. 그러나 그 당시에는 이미 악보뿐만 아니라 인쇄된 음표도 있었습니다. 음악 인쇄는 인쇄가 발명된 직후인 15세기 말경에 시작되었습니다. 고대 세계와 중세 시대의 오랜 기간 동안 음악은 일반적으로 단음이었습니다. 몇 가지 사소한 예외가 있었습니다. 예를 들어 가수가 악기를 연주하면서 노래를 연주하고 더빙(즉, 동시에 연주)했습니다. 동시에 목소리와 악기는 때때로 약간 흩어지고 서로에게서 멀어지고 곧 다시 수렴될 수 있습니다. 따라서 모노포닉 사운드 스트림에서 두 목소리의 "섬"이 나타났다가 사라졌습니다. 그러나 우리 시대의 1천년과 2천년의 전환기에 폴리포닉 창고가 지속적으로 발전하기 시작했고 나중에는 전문 음악 예술에서 지배적이 되었습니다. 이 복잡하고 긴 형성은 주로 가톨릭 교회 음악 분야에 집중되었습니다. 이 사건은 다음 기술의 발명(누가 알 수 없음)으로 시작되었습니다. 한 명의 가수(또는 여러 명의 가수)가 그레고리오 성가의 느리고 부드러운 멜로디인 메인 보이스를 연주했습니다. 그리고 두 번째 목소리는 엄격하게 병렬로 움직였습니다. 정확히 같은 리듬으로, 항상 한 옥타브, 쿼트 또는 퀸트 거리에서만 움직였습니다. 이제 우리 귀에는 매우 빈약하고 "텅 빈" 소리로 들립니다. 그러나 천년 전 교회, 대성당의 아치 아래에서 울려 퍼지는 그러한 노래는 놀랍고 기뻐하며 음악에 대한 새로운 표현 가능성을 열었습니다. 얼마 후, 교회 음악가들은 두 번째 목소리를 인도하는 더 유연하고 다양한 방법을 찾기 시작했습니다. 그리고 그들은 점점 더 능숙하게 3, 4개의 목소리, 나중에는 더 많은 목소리를 결합하기 시작했습니다. 질문 및 작업 1 . 연습문자 표기시 불편했던 점은? 2. 네움은 중세 합창단에게 무엇을 제안했는가? 3. 그레고리오 성가란 무엇이며 왜 그렇게 부르나요? 4. Guido d'Arezzo의 발명의 본질을 설명하라. 5. Guido의 발명 이후에 해결해야 할 다음 과제는 무엇인가? 6. 언제부터 기보가 더 이상 크게 변하지 않았는가? 교회 음악가 Perotyn. 그는 성창의 뛰어난 대표자였다. 예술 - 파리의 "School of Notre Dame"("School of Our Lady") Perotin의 성가는 놀라운 아름다움의 건물에서 들렸습니다. 이것은 프랑스인이 묘사한 유명한 중세 고딕 건축 기념물입니다. 19번째 작가유명한 소설 노트르담 대성당에서 빅토르 위고에 의해 세기. 음악에서 폴리포니가 어떻게 발전하기 시작했는지 그래서 폴리포니가 발전하기 시작했습니다. 그리스어에서 번역된 이 단어는 "폴리포니"를 의미합니다. 그러나 폴리포니는 이러한 종류의 폴리포니로만 불리며 둘 이상의 동일한 성부가 동시에 소리를 내며 각 성부는 독립적인 선율을 가지고 있습니다. 한 목소리가 메인 멜로디를 이끌고 다른 목소리가 그것에 종속되면 (반주, 반주) 이것은 동음이음입니다. 표기법의 개선 덕분에 점차적으로, 특히 13 세기부터 뮤지컬 원고가 더 많아지기 시작했습니다. 더 정확하게 해독됩니다. 이를 통해 음악 문화에 대한 정보뿐만 아니라 과거 시대의 음악에 대해서도 알 수 있습니다. 악보의 성공이 음악 예술의 역사에서 중요한 단계인 폴리포니 개발의 시작과 일치한 것은 우연이 아닙니다. 4 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 Mass는 주요 음악 장르가 되었습니다. 일반 미사 5는 라틴 경건 본문에 대한 6개의 주요 성가를 포함합니다. 이들은 "Kiriyo Eleison"( "주님, 자비를 베푸소서"), "Gloria"( "영광"), "Credo"( "나는 믿습니다"), "Sanctus"( "거룩한"), "Benedictus"( "축복")입니다. ) 및 "Agnus Dei"( "하나님의 어린 양"). 처음에는 그레고리오 성가가 한 목소리로 대중에게 들렸습니다. 그러나 15세기경에 미사는 복잡한 폴리포닉 파트 6의 순환으로 바뀌었습니다. 동시에 모조품이 매우 능숙하게 사용되기 시작했습니다. 라틴어 "imitatio"에서 번역하면 "모방"을 의미합니다. 음악에서는 때때로 나이팅게일의 트릴, 뻐꾸기의 부름, 파도 소리와 같은 음악 외의 소리를 모방할 수 있습니다. 그런 다음 의성어 또는 의성어라고합니다. 그리고 음악의 모방은 멜로디가 한 목소리로 끝난 후 다른 목소리가 다른 소리에서 정확히 (또는 정확하지 않게) 반복하는 기술입니다. 그런 다음 다른 음성도 같은 방식으로 입력할 수 있습니다. 동음이의 음악에서는 모방이 잠깐 나타날 수 있습니다. 그리고 다성 음악에서 이것은 주요 개발 방법 중 하나입니다. 그것은 멜로디 움직임을 거의 연속적으로 만드는 데 도움이 됩니다. 모든 음성에서 동시에 일시 중지 및 케이던스는 드문 예외의 형태로만 다성 음악에서 발생합니다7. 모방을 다른 다성적 장치와 결합하여 작곡가는 대중을 크게 만들었습니다. 합창 작품, 4개 또는 5개의 음성이 복잡한 사운드 구조로 짜여져 있습니다. 그 안에서 그레고리오 성가의 멜로디는 이미 구별하기 어렵고 기도문을 듣기도 어렵습니다. 대중가요의 선율을 주곡으로 하는 미사도 있었다. 이 상황은 최고 가톨릭 영적 권위자들을 걱정했습니다. 16세기 중반에는 교회 예배 중 다성 노래를 일반적으로 금지할 예정이었습니다. 그러나 그러한 금지는 거의 평생을 로마에서 보냈고 교황청과 가까운 뛰어난 이탈리아 작곡가 Palestrina 덕분에 이루어지지 않았습니다. 성명- Giovanni Pierluigi da Palestrina, 즉 "팔레스트리나에서"-로마 근처의 작은 마을). Palestrina는 그의 미사 (그리고 그는 100 개 이상을 썼습니다)와 함께 다 성음의 모습을 관리했습니다. 반주가 화음-화성 기반을 갖기 때문에 음악 표현의 동음성 창고를 동음성-화성이라고도 합니다. 질문 및 작업 1 . 언제부터 음악 원고가 점점 더 정확하게 해독되었습니까? 2. 악보의 성공은 뮤지컬 예술의 역사에서 어떤 중요한 새로운 단계와 일치했습니까? 3. 언제, 어떤 음악에서 어떤 선율에 기초하여 다성음악이 점진적으로 형성되었습니까? 4. 병렬 2성부란 무엇입니까? 여러 평행 4도, 5도 및 옥타브를 함께 노래합니다. 5. 폴리포니와 동음이의 차이점은 무엇입니까? 다성음악의 지속적인 발전 방법 교회 찬송에서 다성음악이 발전하기 시작하는 동안 단성음악은 세속 음악에서 계속 지배적이었습니다. 예를 들어, 12-14세기 중세 시인-가수들이 작곡하고 연주한 모노포닉 노래의 녹음이 많이 해독되었습니다. 프랑스 남부, 프로방스에서는 프랑스 북부에서 troubadours, 독일에서는 troubers, minnesingers라고 불렀습니다. 그들 중 다수는 유명한 기사였으며 그들의 노래에서 종종 그들이 숭배하는 "아름다운 여인"의 아름다움과 미덕을 노래했습니다. 이 시인-가수들의 노래 멜로디는 종종 댄스를 포함한 민속 음악에 가깝고 리듬은 시적 텍스트의 리듬에 종속되었습니다. 나중에 XIV-XVI 세기에 장인들 사이에서 독일 시인-가수들은 워크샵에서 연합하여 스스로를 Meistersingers ( "마스터 가수")라고 불렀습니다. 교회 폴리포니와 세속적 노래 모노포니는 서로 분리되지 않았습니다. 따라서, 그레고리안 성가에 영적 성가에 추가된 목소리로 인해 세속적 노래(예를 들어 트루바두르와 트루버의 노래)의 영향이 눈에 띄게 되었다. , 모든 목소리의 당사자는 노래 캐릭터의 멜로디를 기반으로하고 텍스트는 라틴어가 아닌 프랑스어로 구성되었습니다. 시간이 지남에 따라 가톨릭에서 교회 음악대부분 교회 휴일에 바치는 특별 미사도 있습니다. 사이클은 공통 아이디어로 통합된 여러 개별 부분(또는 연극)의 작업임을 상기하십시오. 7 케이던스(종지)는 전체 음악 또는 해당 섹션을 완성하는 멜로디 및 조화로운 회전입니다. 5 6 5 www.classON.ru 다성 작곡이 매우 능숙하면서도 투명하게 들릴 수 있고 전례 텍스트가 명확하게 들릴 수 있음을 증명하기 위한 러시아 예술 분야의 어린이 교육. Palestrina의 음악은 소위 엄격한 스타일의 고대 합창 폴리포니의 정점 중 하나입니다. 그것은 우리를 깨달은 숭고한 묵상의 세계로 데려갑니다. 마치 그것이 고르고 진정시키는 광채를 발산하는 것처럼 말입니다. 시인, 음악가, 과학자 및 예술 애호가. 그들은 새로운 종류의 표현력을 창조한다는 생각에 사로잡혔습니다. 독창반주와 함께 연극 활동과 결합하십시오. 이것이 고대 신화에서 가져온 첫 번째 오페라가 태어난 방법입니다. 첫 곡은 작곡가 야코포 페리(와이 코리아와 함께)와 시인 오 리누치니가 작곡한 '다프네'다. 1597년 피렌체에서 초연되었다(전체 작품은 보존되지 않음). 고대 그리스 신화에서 다프네는 강의 신 라돈과 대지의 여신 가이아의 딸입니다. 아폴로의 박해를 피해 그녀는 신들에게 도움을 구했고 아폴로의 신성한 나무인 월계수(그리스어 "다프네"- "월계수")로 변했습니다. Apollo는 예술의 수호신으로 여겨졌 기 때문에 Pythian Games의 우승자는 월계관으로 선정되기 시작했으며 그 창시자는 Apollo로 간주되었습니다. 월계관과 별도의 월계관은 승리, 영광, 보상의 상징이 되었습니다. 1600년에 작곡된 두 개의 다른 오페라(하나는 J. Peri, 다른 하나는 G. Caccini)는 전설적인 가수 오르페우스의 고대 그리스 신화에 기초한 동일한 시 텍스트를 사용하기 때문에 둘 다 "Eurydice"라고 불립니다. 최초의 이탈리아 오페라는 궁전과 귀족의 집에서 공연되었습니다. 오케스트라는 몇 개의 고대 악기로 구성되었습니다. cembalo (하프시 코드의 이탈리아 이름)를 연주하는 음악가가 이끌었습니다. 아직 서곡은 없었고 트럼펫 팡파르로 공연의 시작을 알렸다. 그리고 보컬 부분에서는 암송이 우세하여 음악적 발전이 시적 텍스트에 종속되었습니다. 그러나 곧 음악은 오페라에서 점점 더 독립적이고 중요한 의미를 갖기 시작했습니다. 이것은 최초의 뛰어난 오페라 작곡가 인 Claudio Monteverdi의 장점입니다. 그의 첫 번째 오페라 "오르페우스"는 1607년 만투아에서 상연되었습니다. 그녀의 영웅은 다시 그의 예술로 지하 세계의 신인 하데스를 달래는 전설적인 가수입니다. 죽은 자의 영역, 그리고 그는 Orpheus의 사랑하는 아내 Eurydice를 지구로 풀어주었습니다. 그러나 Hades의 상태-그의 왕국을 떠나기 전에 Eurydice를 보지 마십시오-Orpheus는 위반하고 다시 영원히 그녀를 잃었습니다. 이것 슬픈 이야기 Monteverdi의 음악은 전례 없는 서정적이고 극적인 표현력을 선사했습니다. 보컬 파트, 합창단, 오케스트라 에피소드는 Monteverdi의 Orpheus에서 훨씬 더 다양해졌습니다. 이 작품에서 이탈리아 오페라 음악의 가장 중요한 특징인 선율적인 아리오스 스타일이 형성되기 시작했습니다. 피렌체의 예를 따라 오페라는 만토바뿐만 아니라 로마, 베니스, 나폴리와 같은 이탈리아 도시에서도 작곡되고 공연되기 시작했습니다. 다른 분야에서도 새로운 장르에 대한 관심이 나타나기 시작했습니다. 유럽 ​​국가아, 그리고 그들의 질문과 과제 1 . 트루바두르, 트루버, 미네싱어, 마스터싱어는 누구입니까? 2. 고대 교회의 다성음악과 세속적인 노래 선율 사이에 연관성이 있습니까? 3. 일반 덩어리의 주요 부분의 이름을 지정하십시오. 4. 음악에서 의성어의 예를 들어 보십시오. 5. 음악에서 모방이란 무엇입니까? 6. Palestrina는 그의 대중에서 무엇을 성취했습니까? 오페라의 탄생. 오라토리오와 칸타타 17세기가 시작되기 직전(뉴에이지라고 하는 역사적 기간의 1세기) 음악 예술에서 매우 중요한 사건이 발생했습니다. 오페라는 이탈리아에서 탄생했습니다. 음악은 고대부터 다양한 연극 공연에 사용되었습니다. 그 안에서 기악 및 합창과 함께 노래와 같은 개별 보컬 솔로를 연주 할 수 있습니다. 그리고 오페라에서 가수와 가수는 배우와 여배우가되었습니다. 오케스트라와 함께하는 그들의 노래는 무대 동작과 함께 공연의 주요 내용을 전달하기 시작했습니다. 그것은 풍경, 의상 및 종종 춤-발레로 보완됩니다. 따라서 오페라에서 음악은 서로 다른 예술의 긴밀한 공동체를 이끌었다. 이것은 그녀에게 새로운 예술적 가능성을 열어주었습니다. 성악가와 여류가수들이 개인전을 시작했다. 영혼의 감정 사람들 - 행복하고 슬프다. 동시에 오페라에서 가장 중요한 표현 수단은 오케스트라 반주와 솔로 노래의 동음이의 조합이었습니다. 그리고 17세기까지 서유럽의 전문음악이 주로 교회를 중심으로 발전하고 미사가 가장 큰 장르였다면 그 다음에는 뮤지컬 극장이 중심이 되었고 가장 큰 장르는 오페라였다. 16 세기 말 이탈리아 도시 피렌체에서 6 원은 러시아 예술 분야의 어린이 교육을 모았습니다. 통치자들은 이탈리아 음악가를 법정 서비스에 초대하는 것을 관습으로 삼았습니다. 이것은 오랫동안 이탈리아 음악이 유럽에서 가장 영향력이 있다는 사실에 기여했습니다. 프랑스에서는 17세기에 이탈리아 오페라와는 다른 독자적인 국립 오페라가 탄생했습니다. 창립자 - Jean-Baptiste L yul l 및 - 이탈리아 출생. 그럼에도 불구하고 그는 프랑스 문화의 특수성을 정확히 감지하고 일종의 프랑스 오페라 양식을 창조했다. Lully의 오페라에서 암송과 암송 성격의 작은 아리아는 한편으로는 큰 자리를 차지했고 다른 한편으로는 발레 댄스, 엄숙한 행진 및 기념비적 인 합창단을 차지했습니다. 신화적인 음모, 웅장한 의상, 연극 기계의 도움으로 마법의 기적을 묘사하는 것과 함께이 모든 것은 프랑스 왕 루이 14 세 통치 기간 동안 궁정 생활의 광채와 화려함에 해당합니다. 독일 최초의 오페라 다프네(1627)는 바흐 이전 시대의 가장 위대한 독일 작곡가인 하인리히 쉬츠가 작곡했습니다. 그러나 그녀의 음악은 살아남지 못했습니다. 그리고이 나라에는 오페라 장르의 발전을위한 조건이 없었습니다. 그들은 실제로 19 세기가 시작될 때만 구체화되었습니다. 그리고 Schutz의 작업에서 주요 장소는 영적 텍스트에 대한 표현적인 성악 작곡이 차지했습니다. 1689년, 뛰어난 재능을 지닌 작곡가 헨리 퍼셀이 영국 최초의 오페라 디도와 아이네이아스를 런던에서 공연했습니다. 이 오페라의 음악은 진심 어린 가사와 시적인 환상, 그리고 다채로운 일상의 이미지로 마음을 사로잡는다. 그러나 퍼셀 사후 거의 2세기 동안 영국 작곡가들 가운데 뛰어난 음악 창작자는 없었다. 16~17세기로 접어들면서 오페라와 동시에 이탈리아에서도 오라토리와 칸타타가 탄생했다. 독창자, 합창단, 관현악단도 그들의 공연에 참여하고 아리아, 레치타티보, 성악 앙상블, 합창단, 관현악 에피소드를 연주한다는 점에서 오페라와 비슷하다. 그러나 오페라에서 우리는 솔리스트가 노래하는 것뿐만 아니라 그들이하는 일과 일반적으로 무대에서 일어나는 일로부터 이벤트 (플롯)의 발전에 대해 배웁니다. 그리고 오라토리오와 칸타타에서 스테이지 액션아니요. 그들은 의상과 배경 없이 콘서트 환경에서 공연됩니다. 그러나 항상 명확하지는 않지만 오라토리오와 칸타타 사이에도 차이가 있습니다. 일반적으로 오라토리오는 규모가 더 크고 종교적 음모가 더 발전된 작품입니다. 그것은 종종 서사적 극적인 성격을 가지고 있습니다. 이와 관련하여 오라토리오에는 가수-내레이터의 내러티브 암송 부분이 포함되는 경우가 많습니다. 특별한 유형의 영적 오라토리오는 "열정"또는 "수동적"(라틴어- "고통"에서 번역됨)입니다. "수난"은 십자가에 못 박히신 예수 그리스도의 고난과 죽음을 말해줍니다. 7 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 칸타타는 구두 텍스트의 내용에 따라 영적 및 세속적으로 나뉩니다. 17세기와 18세기 초에 이탈리아에서는 많은 소규모 실내 칸타타가 생겨났습니다. 그들은 2개 또는 3개의 아리아와 함께 2개 또는 3개의 암송을 번갈아 가며 구성했습니다. 앞으로는 주로 엄숙한 성격의 칸타타가 널리 퍼졌습니다. 영적 칸타타와 다양한 구성의 "열정"은 독일에서 가장 많이 개발되었습니다. 아리아, 거장 패시지 악장 전개가 매력적이다. 코렐리와 비발디의 유산에서 큰 곳은 트리오 소나타 장르에 속한다. 대부분의 트리오 소나타에서 두 개의 주요 부분은 바이올린으로 연주되고 세 번째 부분은 하프시코드 또는 오르간이 반주하며 저음은 첼로 또는 바순으로 배가됩니다. 트리오 소나타에 이어 하프시코드를 동반한 바이올린이나 다른 악기를 위한 소나타가 등장했다. 뿐만 아니라 협주곡 그로소 - 오케스트라를 위한 협주곡(첫 번째 - 현악기). 이러한 장르의 많은 작품은 오래된 소나타 형식을 특징으로 합니다. 일반적으로 느림-빠름-느림-빠름 템포 비율의 네 부분으로 구성된 주기입니다. 얼마 후, 이미 18세기에 비발디는 작곡을 시작했습니다. 단독 콘서트 오케스트라 반주가 있는 바이올린 및 기타 악기용. "빠른-느린-빠른" 세 부분의 주기가 있었습니다. 질문 및 작업 1 . 오페라는 언제 어디서 탄생했는가? 오페라가 음악이 있는 연극 공연과 어떻게 다른지 설명하십시오. 2. 오페라 음악에서 가장 중요한 표현 수단은 무엇인가? 3. 클라우디오 몬테베르디의 첫 오페라 이름은 무엇이며, 그 음악에는 어떤 특성이 나타나 있습니까? 4. 옛 프랑스 오페라의 특징에 대해 알려주세요. 5. 독일에서 쓰여진 최초의 오페라와 영국에서 쓰여진 최초의 오페라를 말하십시오. 6. 오라토리오와 오페라 칸타타의 주요 차이점은 무엇입니까? 7. "열정"("수동적")이란 무엇입니까? 고대 이집트에서도 오르간은 수세기에 걸친 역사를 시작했습니다. 17세기에는 광범위한 예술적 가능성을 지닌 매우 복잡한 악기가 되었습니다. 그런 다음 개인 가정에서도 작은 장기를 찾을 수 있습니다. 그들은 훈련 세션에 사용되었고 민요와 춤의 멜로디에 대한 변형을 연주했습니다. 그리고 지금처럼 교회와 성당에서 조각된 나무 몸체가 달린 번쩍이는 파이프 줄을 가진 거대한 오르간이 소리를 냈습니다. 요즘에는 많은 콘서트홀에도 오르간이 있습니다. 현대 오르간에는 수천 개의 파이프와 최대 7개의 키보드(매뉴얼)가 계단처럼 하나씩 위에 있습니다. 그룹 - 레지스터로 나누어지기 때문에 파이프가 너무 많습니다. 레지스터가 켜지고 특수 레버로 전환되어 사운드의 다른 색상(음색)을 얻습니다. 오르간에는 페달도 장착되어 있습니다. 이것은 많은 큰 키의 전체 발 키보드입니다. 오르간 연주자는 이를 발로 눌러 베이스 사운드를 추출하고 오랫동안 유지할 수 있습니다(이러한 지속 사운드를 페달 또는 오르간 포인트라고도 함). 음색의 풍부함에서 가장 가벼운 피아니시모와 우레와 같은 포르티시모를 비교할 수 있다면 악기 중 오르간은 비교할 수 없습니다. 17세기에 오르간 예술은 독일에서 특히 한창 꽃을 피웠습니다. 다른 나라와 마찬가지로 독일 교회 오르간 연주자는 작곡가이자 연주자였습니다. 그들은 영적 성가를 동반했을 뿐만 아니라 독주도 했다. 그들 중에는 연주로 많은 사람들을 매료시킨 재능있는 거장과 즉흥 연주자가 많았습니다. 그들 중 가장 주목할만한 것 중 하나는 Dietrich Buxtehude입니다. 젊은 요한 제바스티안 바흐는 그의 연주를 듣기 위해 다른 도시에서 걸어서 왔습니다. Buxtehude의 다양하고 광범위한 작업은 당시 오르간 음악의 주요 유형을 나타냅니다. 한편으로는 17세기의 전주곡, 환상곡, 기악곡, 그 장르와 형식 등을 들 수 있는데, 오랫동안 악기 연주는 성악이나 반주 춤에서 성부의 일부를 배가시키는 경우가 가장 많았다. 성악 작곡의 기악 편곡도 배포되었습니다. 자기계발 기악 17 세기에만 강화되었습니다. 동시에 보컬 폴리포니에서 발전한 예술적 기술은 계속해서 발전했습니다. 그들은 노래와 춤을 기반으로 한 동음이의 창고의 요소로 풍성해졌습니다. 동시에 오페라 음악의 표현력이 기악 작곡에 영향을 미치기 시작했습니다. 뛰어난 거장 능력과 함께 바이올린은 매우 선율적인 목소리를 가지고 있습니다. 그리고 바이올린 음악이 특히 성공적으로 발전하기 시작한 것은 이탈리아의 오페라 발상지였습니다. 17세기 말에 아르칸젤로 코렐리의 작품이 번성했고 안토니오 비발디의 창작 활동이 시작되었습니다. 이 뛰어난 이탈리아 작곡가들은 참여와 바이올린의 주역으로 많은 기악 작품을 만들었습니다. 그 안에서 바이올린은 오페라 8 www.classON.ru 러시아 예술 토카타 분야의 어린이 교육에서 인간의 목소리처럼 표현력 있게 노래할 수 있습니다. 그 안에서 다성음 에피소드는 즉흥적인 구절과 화음으로 자유롭게 번갈아 가며 나타납니다. 반면에 이것들은 보다 엄격하게 구성된 곡들로 가장 복잡한 형태의 모방적 다성음악인 푸가의 출현으로 이어졌습니다. Buxtehude는 또한 합창 전주곡의 형태로 프로테스탄트 합창의 많은 오르간 각색을 만들었습니다. 그레고리오 성가와 달리 라틴어가 아닌 영적 성가의 총칭이다. 독일 사람. 그들은 16세기에 천주교에서 분리된 새로운 유형의 기독교 교리인 개신교가 등장했습니다. 프로테스탄트 성가의 선율적 기초는 독일 민요였습니다. 17 세기에 프로테스탄트 성가는 오르간의 지원을 받아 모든 교구민이 합창단에 의해 연주되기 시작했습니다. 이러한 합창 편곡의 경우 상위 성부에 멜로디가 있는 4성부 화음 창고가 일반적입니다. 그 후 그러한 창고는 악기 작업에서 발생하더라도 합창이라고 불렀습니다. 오르간 연주자들은 또한 현악기를 연주하고 그들을 위해 작곡했습니다. 이러한 악기에 대한 작품의 일반적인 이름은 clavier music8입니다. 현악기에 대한 최초의 정보는 14-15세기로 거슬러 올라갑니다. 17세기에는 하프시코드가 가장 보편적인 악기가 되었습니다. 그래서 그것은 프랑스에서, 이탈리아에서는 cembalo, 독일에서는 kielflugel, 영국에서는 harpsichord라고 불립니다. 프랑스의 더 작은 악기의 이름은 이탈리아의 epinet - 영국의 spinets - virginel입니다. 하프시코드는 18세기 중반부터 사용되기 시작한 피아노의 조상입니다. 하프시코드의 건반을 누르면 막대에 장착된 깃털이나 가죽 혀가 현을 꼬집는 것처럼 보입니다. 육포, 울림 및 동시에 약간의 바스락 거리는 소리가납니다. 하프시코드에서 소리의 강도는 건반을 두드리는 강도에 의존하지 않습니다. 따라서 피아노와 달리 크레센도와 디미누엔도를 만드는 것은 불가능합니다. 피아노와 달리 해머가 현을 치는 키와 더 유연한 키 연결로 인해 가능합니다. 하프시코드에는 2개 또는 3개의 건반과 소리의 색상을 변경할 수 있는 장치가 있을 수 있습니다. 또 다른 작은 건반 악기인 클라비코드의 소리는 하프시코드의 소리보다 약합니다. 그러나 다른 한편으로 클라비코드에서는 현이 뽑히지 않고 금속판이 눌려 있기 때문에 더 선율적인 연주가 가능합니다. 고대의 주요 장르 중 하나 하프시코드 음악- 동일한 키로 작성된 형식으로 완성된 여러 부분 모음. 각 부분에서 일반적으로 어떤 종류의 춤 동작이 사용됩니다. 고대 모음곡의 기본은 다양한 네 가지 춤으로, 항상 정확하게 설명되지는 않습니다. 국적. 이들은 느긋한 알르망드(아마도 독일에서), 보다 민첩한 차임(프랑스에서), 느린 사라방드(스페인에서), 빠른 지그(아일랜드 또는 영국에서)입니다. 17세기 말부터 파리의 하프시코드 연주자들의 예를 따라 모음곡에 미뉴에트, 가보트, 부르, 파스피에와 같은 프랑스 춤이 추가되기 시작했습니다. 메인 댄스 사이에 삽입되어 중간 섹션을 형성합니다(라틴어로 "integ"는 "사이"를 의미함). 고대 프랑스 하프시코드 음악은 우아함, 우아함, 모르덴트 및 트릴과 같은 풍부한 작은 멜로디 장식으로 구별됩니다. 프랑스 하프시코드 스타일은 Great라는 별명을 가진 François Couperin(1668 - 1733)의 작품에서 번성했습니다. 그는 약 250편의 희곡을 창작하여 27개의 모음곡으로 합쳤습니다. 그들은 점차 다양한 프로그램 이름을 가진 연극에 의해 지배되기 시작했습니다. 대부분의 경우 이들은 미니어처 하프시 코드입니다. 여성 초상화- 일부 캐릭터 특성, 외모, 태도에 대한 잘 조준된 사운드 스케치. 예를 들어 "우울한", "만지는", "민첩한", "흩어진", "장난스러운"등의 연극이 있습니다. 그의 위대한 동시대 요한 제바스티안 바흐는 프랑수아 쿠프랭의 연극을 포함하여 프랑스 하프시코드 음악에 큰 관심을 보였습니다. 질문 및 작업 1 . 언제 기악 장르의 독자적인 발전이 심화되었습니까? 2. 아르칸젤로 코렐리와 안토니오 비발디가 가장 좋아하는 악기는? 3. 장기의 구조에 대해 알려주세요. 4. 오르간 예술은 특히 어느 나라에서 번성했습니까? 개신교 성가란? 5. 하프시코드 장치에 대해 알려주세요. 오래된 하프시코드 모음곡의 주요 부분에는 어떤 춤 동작이 사용됩니까? 그래서 교과서의 입문 부분에서는 고대부터 음악계에서 일어난 몇 가지 중요한 사건을 간략하게 소개했습니다. 18세기와 19세기에 활동했던 위대한 서유럽 음악가들의 유산을 더 잘 알 수 있도록 도와주는 역사적인 "소풍"이었습니다. 얼마 동안 clavier는 모든 사람을위한 음악이라고 불 렸습니다. 키보드 악기, 건반 관악기-오르간 포함. 8 9 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 요한의 삶의 길 막대, 가족, 어린 시절. 요한 제바스티안 바흐는 1685년 독일 중부 지역 중 하나인 튀링겐에서 숲으로 둘러싸인 작은 마을 아이제나흐에서 태어났습니다. 튀링겐에서는 두 개의 큰 유럽 세력이 충돌한 30년 전쟁(1618-1648)의 중대한 결과가 여전히 느껴졌습니다. 이 파괴적인 전쟁은 독일 공예 및 농민 환경과 밀접하게 관련된 요한 제바스티안의 조상에게 일어났습니다. Veit라는 그의 증조부는 제빵사 였지만 음악을 너무 좋아해서 만돌린과 비슷한 악기 인 치터와 헤어지지 않았습니다. 그리고 튀링겐과 인근 지역에 정착한 그의 후손들 중에는 음악가가 너무 많아 이 직업을 가진 모든 사람을 그곳에서 "바흐"라고 불렀습니다. 이들은 교회 오르간 연주자, 바이올리니스트, 플루트 연주자, 트럼펫 연주자였으며 일부는 작곡가로서의 재능을 보였습니다. 그들은 도시 지방 자치 단체와 독일이 분할 된 소 공국 및 공국의 통치자의 법원에서 봉사했습니다. Sebastian Bach 1685-1750 탄생한 지 300년이 넘은 이 위대한 독일 작곡가의 음악 운명은 놀랍습니다. 평생 동안 그는 주로 오르간 연주자이자 악기 감정가로 인정을 받았으며 사망 후 수십 년 동안 거의 잊혀졌습니다. 그러나 점차적으로 그들은 그의 작품을 재발견하기 시작했고 그를 귀중한 예술적 보물, 탁월한 기술, 무궁무진한 깊이 및 내용의 인간성으로 존경하기 시작했습니다. "시냇물이 아니야! "바다가 그의 이름임에 틀림없다." 그래서 또 다른 음악적 천재인 바흐에 대해 말했습니다 - 베토벤9. 바흐 자신은 그의 작품 중 아주 작은 부분만을 출판했습니다. 현재 1,000개 이상이 출판되었습니다(더 많은 것이 손실됨). 바흐의 첫 번째 전집은 그가 죽은 지 100년 후에 독일에서 인쇄되기 시작했으며 46권에 달했습니다. 그리고 바흐의 음악이 얼마나 많이 인쇄되었고 다른 나라에서 계속해서 얼마나 많은 별도의 바흐 음악이 인쇄되고 있는지 대략적으로 계산하는 것도 불가능합니다. 그것에 대한 지속적인 수요가 너무 큽니다. 왜냐하면 그것은 광대하고 명예의 장소 세계 콘서트 레퍼토리뿐만 아니라 교육적인 레퍼토리에서도 마찬가지입니다. Johann Sebastian Bach는 말 그대로 음악에 관련된 모든 사람의 스승입니다. 그는 진지하고 엄격한 교사이며 다성 작품 연주 기술을 습득하기 위해 집중할 수 있는 능력이 필요합니다. 그러나 어려움을 두려워하지 않고 그의 요구 사항에 세심한주의를 기울이는 사람은 그의 엄격함 뒤에서 그가 그의 아름다운 불멸의 창조물로 가르치는 마음의 지혜와 친절을 느낄 것입니다. JSBach가 태어난 아이제나흐의 집 9 "Bach"는 독일어로 "시냇물"을 의미합니다. 10 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 Johann Sebastian의 아버지는 아이제나흐의 바이올리니스트, 도시 및 궁정 음악가였습니다. 그는 막내 아들에게 음악을 가르치기 시작했고 그를 교회 학교에 보냈습니다. 아름다운 높은 목소리를 가진 소년은 학교 합창단에서 노래를 불렀습니다. 그가 열 살 때 그의 부모는 죽었다. 이웃 마을 오드루프에서 교회 오르간 연주자인 형이 고아를 돌보았다. 그는 동생을 지역 lyceum에 배정하고 그에게 직접 오르간 레슨을 제공했습니다. 나중에 Johann Sebastian도 하프시코드 연주자, 바이올리니스트, 비올리스트가 되었습니다. 그리고 어린 시절부터 그는 다양한 작가의 작곡을 다시 작성하여 스스로 음악 작곡을 마스터했습니다. 그는 달밤에 특히 관심이 있었던 악보 하나를 형에게 몰래 다시 써야 했다. 그러나 오랜 고된 작업이 끝났을 때 그는 이것을 발견하고 승인되지 않은 행위에 대해 요한 제바스티안에게 화를 내며 무자비하게 원고를 빼앗 았습니다. 독립생활의 시작. Lüneburg. 15 세에 Johann Sebastian은 결정적인 조치를 취했습니다. 그는 멀리 떨어진 독일 북부 도시인 Lüneburg로 이사하여 장학금 수혜자로 수도원 교회의 학교에 입학했습니다. 학교 도서관에서 그는 독일 음악가들의 작곡 원고를 많이 알게되었습니다. 그가 시골 길을 따라 갔던 Lüneburg와 함부르크에서는 재능있는 오르간 연주자들의 연주를들을 수있었습니다. Johann Sebastian이 함부르크의 오페라 하우스를 방문했을 가능성이 있습니다. 당시 독일에서 유일하게 이탈리아어가 아닌 독일어로 공연을 한 곳이었습니다. 그는 3년 후 성공적으로 학교를 졸업하고 고국에서 가까운 직장을 찾기 시작했습니다. 바이마르. 바이마르(튀링겐)에 9년 동안 정착한 바흐는 1708년 세 도시에서 바이올리니스트와 오르간 연주자로 잠시 활동한 후 이미 결혼했습니다. 그곳에서 그는 공작의 궁정에서 오르간 연주자였으며 부 아카펠라 마스터였습니다 (가수 및 악기 연주자 그룹 인 예배당 책임자 보조). 십대 때 Ohrdruf에서 Bach는 특히 그가 가장 좋아하는 악기 인 오르간을 위해 개신교 합창을 편곡하기 위해 음악을 작곡하기 시작했습니다. 그리고 바이마르에서는 Toccata와 D단조 푸가, C단조 Passacaglia 10, 합창 전주곡과 같은 놀라운 성숙한 오르간 작품이 많이 등장했습니다. 그 무렵 바흐는 오르간과 하프시코드에서 탁월한 연주자이자 즉흥 연주자가 되었습니다. 이것은 다음 사례에서 확실하게 확인되었습니다. Bach가 Saxony의 수도 인 Dresden에 갔을 때 그들은 그와 유명한 프랑스 오르간 연주자이자 하프시 코드 연주자 인 Louis Marchand 간의 경쟁을 주선하기로 결정했습니다. 그러나 그는 이전에 Bach가 놀라운 창의적 독창성으로 하프시 코드를 즉흥적으로 연주하는 방법을 듣고 서둘러 드레스덴을 비밀리에 떠났습니다. 대회가 열리지 않았습니다. 바이마르 궁정에서는 이탈리아와 프랑스 작곡가들의 작품을 접할 기회가 있었습니다. Bach는 그들의 업적을 큰 관심과 예술적 주도권으로 대했습니다. 예를 들어, 그는 안토니오 비발디의 바이올린 협주곡의 하프시코드와 오르간을 위한 다수의 무료 편곡을 했습니다. 이것이 음악 예술 역사상 최초의 클라비에 협주곡이 탄생한 방법입니다. 바이마르에서 3년 동안 바흐는 네 번째 일요일마다 새로운 영적 칸타타를 작곡해야 했습니다. 이런 식으로 총 30개 이상의 작품이 탄생했습니다. 그러나 실제로 바흐가 직무를 수행하던 노 궁정 악대장이 사망하자 공석은 그에게 주어지지 않고 고인의 무능한 아들에게 주어졌다. 이러한 불의에 분노한 바흐는 사직서를 제출했습니다. "무례한 요구"로 그는 가택 연금을당했습니다. 그러나 그는 자신의 주장을 펼치며 용감하고 자랑스러운 집념을 보였다. 그리고 한 달 후 공작은 반항적 인 음악가를 야생으로 풀어주기 위해 마지 못해 "무자비한 명령"을 내려야했습니다. 쾨텐. 1717년 말에 바흐와 그의 가족은 쾨텐으로 이사했습니다. 궁정 밴드마스터의 자리는 튀링겐 인근의 작은 국가의 통치자인 쾨텐의 레오폴트 안할트 왕자가 그에게 제안했습니다. 그는 훌륭한 음악가였습니다. 그는 노래하고 하프시 코드와 비올라 다 감바 11을 연주했습니다. 왕자는 그의 새로운 밴드 마스터에게 좋은 재정적 지원을 제공하고 그를 큰 존경심으로 대했습니다. 상대적으로 적은 시간을 차지한 바흐의 임무에는 18명의 성악가와 악기 연주자로 구성된 예배당을 지휘하고, 왕자를 동반하고, 직접 하프시코드를 연주하는 일이 포함되었습니다. Köthen에서 많은 바흐가 다양한 도구. Clavier 음악은 그들 사이에서 매우 다양합니다. 한편으로 이들은 초보자를 위한 곡입니다. Passacaglia는 스페인 출신의 느린 3방향 댄스입니다. 이를 바탕으로베이스에서 멜로디가 반복되는 변주 형태로 기악이 등장했습니다. 10 11 비올라 다 감바는 첼로처럼 생긴 고대 악기입니다. 11 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 작은 전주곡, 2부 및 3부 발명품. 바흐가 그의 장남인 빌헬름 프리데만과 함께 공부하기 위해 쓴 것입니다. 한편, 이것은 총 48 개의 전주곡과 푸가와 콘서트 계획의 큰 구성 인 "Chromatic Fantasy and Fugue"를 포함하는 기념비적 작품 "The Well-Tempered Clavier"의 두 권 중 첫 번째입니다. "French"와 "English"로 알려진 두 개의 clavier 모음집 모음도 Köthen 시대에 속합니다. Leopold 왕자는 Bach를 데리고 이웃 국가로 여행했습니다. Johann Sebastian이 1720 년에 그러한 여행을 마치고 돌아 왔을 때 그는 큰 슬픔에 시달렸습니다. 그의 아내 Maria Barbara는 방금 사망하여 4 명의 자녀를 남겼습니다 (3 명은 일찍 사망했습니다). 1년 반 후 바흐는 재혼했다. 그의 두 번째 아내인 안나 막달레나는 목소리가 좋았고 매우 음악적이었습니다. 그녀와 함께 공부하면서 Bach는 자신의 작품과 부분적으로는 다른 작가의 작품에서 두 개의 clavier "Note Books"를 편집했습니다. Anna Magdalena는 Johann Sebastian의 삶에서 친절하고 돌보는 동반자였습니다. 그녀는 그에게 13명의 자녀를 낳았고 그 중 6명은 성인이 될 때까지 살아 남았습니다. 라이프치히. 1723년 바흐는 튀링겐에 인접한 작센의 주요 상업 및 문화 중심지인 라이프치히로 이사했습니다. 그는 레오폴드 왕자와 함께 좋은 관계 . 그러나 Köthen에서는 음악 활동의 가능성이 제한적이었습니다. 큰 오르간이나 합창단이 없었습니다. 또한 바흐에게는 훌륭한 교육을 제공하고 싶었던 큰아들이 있었습니다. 라이프 치히에서 바흐는 소년 합창단의 수장이자 노래 학교의 교사 인 칸토르의 직책을 맡았습니다. 성 토마스 교회(Thomaskirche)에서. 그는 예를 들어 "시장의 허가 없이는 도시를 떠나지 않는다"와 같은 여러 제한 조건을 수락해야 했습니다. Cantor Bach는 다른 많은 임무를 맡았습니다. 그는 작은 학교 합창단과 아주 작은 오케스트라 (또는 오히려 앙상블)로 나누어 두 교회, 결혼식, 장례식 및 다양한 축제에서 예배 중에 음악이 들리도록해야했습니다. 그리고 모든 합창단 소년이 좋은 음악 데이터를 가지고 있는 것은 아닙니다. 학교 집은 더럽고 방치되었으며 학생들은 제대로 먹지 못하고 거지로 옷을 입었습니다. 동시에 라이프 치히 "음악 감독"으로 간주되었던 바흐는이 모든 것에 교회 당국과시 행정 (치안 판사)의 관심을 끌었습니다. 그러나 그 대가로 그는 물질적 지원을 거의 받지 못했지만 사무실에서 사소한 따돌림과 질책을 많이 받았습니다. 학생들과 함께 그는 노래뿐만 아니라 악기 연주에도 종사했으며 자비로 라틴 교사를 고용했습니다. 라이프치히에 있는 성 토마스 교회와 학교(왼쪽). (오래된 조각에서). 어려운 생활 환경에도 불구하고 바흐는 열정적으로 창의력을 발휘했습니다. 처음 3년 동안 그는 거의 매주 합창단과 함께 새로운 영적 칸타타를 작곡하고 연습했습니다. 전체적으로 이 장르에서 약 200개의 바흐 작품이 보존되었습니다. 그리고 그의 세속 칸타타 수십 개가 알려져 있습니다. 그들은 원칙적으로 다양한 귀족들에게 환영하고 축하했습니다. 하지만 그중에서도 라이프치히에서 쓴 만화 '커피 칸타타'는 코믹 오페라의 한 장면과 흡사하다. 그것은 젊고 활기찬 Lizhen이 그녀의 아버지 인 오래된 불평가 Schlendrian의 의지와 경고에 반하여 커피에 대한 새로운 패션에 어떻게 중독되었는지 알려줍니다. 라이프치히에서 바흐는 그의 가장 뛰어난 기념비적인 성악-기악 작품을 만들었습니다. 요한에 따르면 수난, 마태에 따르면 수난 12, B단조 미사는 내용 면에서 그들과 비슷할 뿐만 아니라 요한과 마태 (마가와 누가)의 모음집 인 " 평균율 클라비에"는 복음서를 편찬 한 예수 그리스도의 가르침을 따르는 사람들입니다. 그의 지상 생활, 고통 ( "열정") 및 죽음. 그리스어로 "복음"은 "좋은 소식"을 의미합니다. 12 12 www.classON.ru 러시아 예술 "The Art of the Fugue" 분야의 어린이 교육. 그는 드레스덴, 함부르크, 베를린 및 기타 독일 도시를 여행하고 그곳에서 오르간을 연주하고 새로운 악기를 테스트했습니다. 10년 이상 동안 바흐는 대학생과 음악 애호가, 악기 연주자와 가수로 구성된 사회인 라이프치히의 "음악 대학"을 이끌었습니다. Bach의 지시에 따라 그들은 세속적 인 작품으로 공개 콘서트를 열었습니다. 뮤지션들과 소통하면서 오만함에 대해 낯선 사람이었고 그의 드문 기술에 대해 다음과 같이 말했습니다. 많은 걱정과 많은 기쁨이 바흐를 그의 대가족으로 데려왔습니다. 그녀의 서클에서 그는 전체 홈 콘서트를 준비할 수 있습니다. 그의 아들 중 네 명은 유명한 작곡가가 되었습니다. 이들은 Wilhelm Friedemann과 Carl Philipp Emanuel (Maria Barbara의 자녀), Johann Christoph Friedrich 및 Johann Christian (Anna Magdalena의 자녀)입니다. 수년에 걸쳐 바흐의 건강은 악화되었습니다. 그의 시력은 급격히 나빠졌다. 1750년 초에 그는 두 번의 안과 수술을 받았으나 실패했고 실명했으며 7월 28일에 사망했습니다. 요한 제바스티안 바흐는 훌륭하고 창의적인 영감에 비추어 열심히 일하는 삶을 살았습니다. 그는 큰 재산을 남기지 않았고 안나 막달레나는 10년 후 가난한 사람들을 위한 자선 단체에서 사망했습니다. 그리고 19세기까지 살았던 바흐의 막내딸 레지나 수산나(Regina Susanna)는 베토벤이 큰 몫을 한 개인 기부금으로 가난에서 구해졌습니다. 그의 작품에서 그는 유럽 음악 예술의 업적을 훌륭하게 일반화하고 풍부하게 만들었습니다. 대부분의 칸타타, "John Passion", "Matthew Passion", Mass in B minor 및 기타 영적 텍스트에 대한 많은 작품은 Bach가 썼습니다. 교회 음악가의 의무나 관습에 따른 것이 아니라, 진실한 종교적 감정으로 따뜻해지며, 인간의 슬픔에 대한 연민이 가득하고, 인간의 기쁨에 대한 이해가 깃들어 있습니다. 국적과 종교가 다른 청취자에게 깊은 인상을 남김없이 바흐의 영적 작곡과 세속적 작곡은 진정한 인간성으로 서로 연결되어 있습니다. 음악 이미지의 전 세계. 바흐의 타의 추종을 불허하는 폴리포닉 기술은 호모포닉-하모닉 수단으로 풍부해집니다. 그의 보컬 테마는 기악 발달 기법으로 유기적으로 스며들고, 기악 테마는 마치 중요한 것을 말없이 노래하고 발음하는 것처럼 감정적으로 포화되는 경우가 많습니다. 오르간 13을 위한 D단조의 토카타와 푸가 매우 인기 있는 이 작품은 놀라우면서도 용감한 의지의 외침으로 시작됩니다. 세 번 들리며 한 옥타브에서 다른 옥타브로 떨어지며 낮은 음역에서 우레와 같은 화음 울림으로 이어집니다. 따라서 toccata의 시작 부분에는 어둡고 웅장한 사운드 공간이 윤곽이 그려져 있습니다. 1 Adagio 질문 및 작업 1 . 바흐 음악의 운명에 특이한 점은 무엇입니까? 2. 바흐의 고향, 조상, 어린 시절에 대해 말씀해 주십시오. 3. 바흐의 독립생활은 언제 어디서 시작되었는가? 4. 바이마르에서 바흐의 활동은 어떻게 진행되었고 어떻게 끝났는가? 5. Köthen에서의 Bach의 삶과 최근 그의 작품에 대해 알려주십시오. 6. 바흐는 어떤 악기를 연주했고 그가 가장 좋아하는 악기는 무엇이었습니까? 7. 바흐는 왜 라이프치히로 이주하기로 결정했으며, 그곳에서 어떤 어려움을 겪었습니까? 8. 라이프치히에서 작곡가로서의 바흐와 연주자로서의 바흐의 활동에 대해 말씀해 주십시오. 그가 그곳에서 만든 작품의 이름을 지정하십시오. Toccata(이탈리아어로 "toccata" - "touch", "toccare" "touch", "touch"라는 동사에서 "hit")는 건반 악기를 위한 거장 작품입니다. 13 13 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 더 나아가 강력한 "소용돌이" 거장 구절과 넓은 화음 "폭발"이 들립니다. 확장 코드에서 일시 중지 및 중지로 여러 번 구분됩니다. 빠르고 느린 움직임의 대립은 폭력적인 요소와의 싸움 사이의 조심스러운 휴식을 연상시킵니다. 그리고 즉흥적으로 구성된 자유로운 토카타 다음에 푸가가 들립니다. 2 Allegro moderato 널리 확장되는 푸가는 마지막 섹션인 코다로 발전합니다. 여기서 다시 토카타의 즉흥적인 요소가 나옵니다. 그러나 그녀는 긴장된 명령형 발언으로 마침내 진정됩니다. 그리고 전체 작업의 마지막 막대는 냉혹한 인간 의지의 가혹하고 장엄한 승리로 인식됩니다. 바흐 오르간 작품의 특별한 그룹은 코랄 전주곡입니다. 그중 서정적 성격의 상대적으로 작은 부분은 깊은 표현력으로 구별됩니다. 그 안에서 합창 선율의 소리는 자유롭게 전개되는 동반 음성으로 풍부해집니다. 예를 들어 바흐의 걸작 중 하나인 코랄 전주곡 F단조가 이렇게 제시됩니다. Clavier music Inventions Bach는 장남 Wilhelm Friedemann을 가르치면서 작곡한 곡 중에서 간단한 곡을 여러 개 모았습니다. 이 컬렉션 중 하나에서 그는 15 개의 키에 15 개의 2 음성 폴리포닉 곡을 배치하고 "발명품"이라고 불렀습니다. 라틴어에서 번역된 "발명"이라는 단어는 "발명", "발명"을 의미합니다. 초보 음악가가 연주할 수 있는 바흐의 두 부분으로 구성된 발명품은 다성적 독창성과 동시에 예술적 표현력 측면에서 정말 놀랍습니다. 따라서 C 장조의 첫 번째 두 부분으로 구성된 발명은 조용하고 합리적인 성격의 짧고 매끄럽고 서두르지 않는 주제에서 탄생합니다. 그것은 위의 목소리로 부르고 즉시 모방합니다 _ 다른 옥타브에서 반복됩니다-낮은 것 : 14 www.classON.ru 러시아 예술 튀는 공 분야의 어린이 교육. 위의 반복(모방) 동안 음성은 선율적인 움직임을 계속합니다. 이것이 저음에서 들리는 주제에 대한 반대가 형성되는 방식입니다. 또한, 동일한 멜로디 패턴을 가진 이 대립은 때때로 주제가 하나 또는 다른 성부(2-3, 7-8, 8-9절)로 다시 나타날 때 들립니다. 이러한 경우에 반대를 유지라고 합니다(주제가 도입될 때마다 새로 구성되는 비유지 반대와 반대). 다른 폴리포닉 작품에서와 같이 본 발명에는 테마가 전체 형식으로 들리지 않고 개별적인 전환만 사용되는 섹션이 있습니다. 이러한 섹션은 주제 프레젠테이션 사이에 배치되며 막간이라고 합니다. C에서 본 발명의 일반적인 전체성은 하나의 테마에 기반한 개발에 의해 제공되며, 이는 다성 음악에 일반적입니다. 작품 중간에 메인 키에서 출발하고 끝으로 돌아갑니다. 이 발명품을 들으면서 두 명의 학생이 더 큰 표현으로 서로에게 더 잘 말하려고 노력하면서 수업을 부지런히 반복하는 것을 상상할 수 있습니다. 이 작품은 구조상 C장조 발명품과 유사하지만 특수한 기법이 큰 역할을 한다. 상위 성부에서 주제의 초기 소개에 이어 하위 성부가 그것뿐만 아니라 그것의 지속(대위 위치)도 모방합니다. 따라서 얼마 동안 지속적인 정식 및 모방 또는 라이카 논이 발생합니다. 2성부 발명과 동시에 바흐는 같은 조성으로 15개의 3성부 다성곡을 작곡했습니다. 그는 그들을 지명했습니다! "교향곡"(그리스어에서 번역됨- "협조"). 예전에는 다성 기악 작품이 종종 그렇게 불렸습니다. 그러나 나중에 이 조각들을 세 부분으로 구성된 발명품이라고 부르는 것이 관례가 되었습니다. 그들은 다성 개발의 더 복잡한 기술을 사용합니다. 최대 대표적인 예- F단조(9번)의 세 부분 발명. 그것은 두 가지 대조되는 주제를 동시에 소개하는 것으로 시작됩니다. 저음으로 들리는 그 중 하나의 기본은 반음계 반음을 따라 측정 된 긴장 하강입니다. 이러한 움직임은 오래된 오페라의 비극적 아리아에서 자주 나타난다. 그것은 악한 운명, 운명의 우울한 목소리와 같습니다. 중간의 두 번째 주제인 알토 보이스에는 애절한 모티프-한숨이 스며든다. 앞으로 세 번째 주제는 이 두 주제와 밀접하게 얽혀 더욱 절절하게 애원하는 감탄사로 이어진다. 연극이 끝날 때까지 사악한 운명의 목소리는 냉혹합니다. 그러나 인간의 슬픔의 목소리는 그치지 않습니다. 그들은 꺼지지 않는 인간 희망의 불꽃을 가지고 있습니다. 그리고 잠시 동안 마지막 F 메이저 코드에서 깜박이는 것 같습니다. 바흐 교향곡 B단조 하프시코드 아이제나흐 바흐 하우스 15 www.classON.ru 러시아 예술계의 어린이 교육(3부 발명품 15번)도 서정적 침투로 유명합니다. 그의 발명품과 "교향곡"의 원고 서문에서 Bach는 "노래 연주 방식"을 개발하는 데 도움이되어야한다고 말했습니다. 하프시코드에서는 이 작업을 수행하기가 어려웠습니다. 따라서 Bach는 학생들과 함께하는 수업을 포함하여 집에서 다른 현악기인 클라비코드를 사용하는 것을 선호했습니다. 그 약한 소리는 콘서트 공연에 적합하지 않습니다. 그러나 이미 언급했듯이 하프시 코드와 달리 클라비코드 현은 뽑히지 않고 금속판으로 부드럽게 고정됩니다. 이것은 소리의 선율에 기여하고 동적 음영을 만들 수 있습니다. 따라서 바흐는 그 당시에는 아직 디자인이 불완전한 악기인 피아노를 선율적이고 일관된 목소리로 이끌 가능성을 예견했습니다. 그리고 위대한 음악가의 이 소망은 모든 현대 피아니스트들이 기억해야 합니다. Courante - 세 비트 댄스 프랑스계 . 그러나 프랑스 하프시코드 차임의 경우 일부 리드미컬한 세련미와 매너리즘이 일반적이었습니다. Bach의 C 단조 모음곡에 있는 Courante는 이 댄스 장르의 이탈리아 다양성과 유사합니다. 더 활기차고 유동적입니다. 이것은 서로를 자극하는 것처럼 보이는 두 목소리의 유연한 조합에 의해 촉진됩니다. C 단조의 "프랑스 모음곡" 바흐의 클라비에 모음곡의 세 모음은 이름이 다릅니다. 그는 자신이 세 번째 모음집에 포함된 6개의 모음곡을 "partitas"라고 불렀습니다(모음곡 "partita"의 이름은 그에게서만 발견되는 것이 아닙니다14). 그리고 각각 6곡으로 구성된 다른 두 모음집은 바흐가 죽은 후 정확히 밝혀지지 않은 이유로 "프랑스 모음곡"과 "영국 모음곡"으로 불리기 시작했습니다. "French Suites"의 두 번째는 C 단조 키로 작성되었습니다. 고대 모음곡에서 확립된 전통에 따르면 알망드, 쿠랑트, 사라방드, 지그의 네 가지 주요 부분과 사라방드와 지그 사이에 삽입된 두 개의 중간 부분인 아리아와 미뉴에트로 구성되어 있습니다. Allemande는 영국, 네덜란드, 독일, 프랑스 및 이탈리아와 같은 여러 유럽 국가에서 XVI-XVII 세기에 형성된 춤입니다. 예를 들어, 옛 독일의 알르망드는 다소 묵직한 군무였습니다. 그러나 클라비에 모음곡에 들어간 후 18세기에 알르망드는 춤의 특징을 거의 상실했습니다. 그녀의 "조상"에서 그녀는 4/4/4 크기의 여유롭고 차분한 걸음 걸이 만 유지했습니다. 결국 느슨하게 구성된 전주곡이되었습니다. 사려 깊은 서정적 전주곡과 바흐 모음곡 C단조의 알망드처럼 보인다. 여기에서 가장 자주 세 명의 목소리가 대사를 이끈다. 그러나 때로는 네 번째 목소리가 그들에게 연결됩니다. 동시에 가장 선율적인 목소리는 위쪽 목소리입니다. Sarabande는 세 부분으로 구성된 스페인 춤입니다. 한때는 빠르고 변덕스러웠지만 나중에는 느리고 엄숙해졌으며 종종 장례 행렬에 가까웠습니다. 바흐 모음곡의 사라방드는 세 부분으로 구성된 창고에서 처음부터 끝까지 숙성되었습니다. 중간 및 낮은 성부의 움직임은 항상 엄격하고 집중되어 있습니다(4분음표와 8분음표가 우세함). 그리고 윗 목소리의 움직임은 훨씬 더 자유롭고 움직이며 표현력이 뛰어납니다. 여기에서 16분음표가 우세하며 넓은 간격(5분, 6분, 7분)의 움직임이 자주 발견됩니다. 따라서 두 개의 대조되는 음악 표현 레이어가 형성되고 서정적으로 강렬한 사운드가 생성됩니다. 사라방드에서 상위 성부는 나머지 성부들과 크게 대조되지 않고 보완된다. 14 15 16 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 The Well-Tempered Clavier Clavier Prelude and Fugue in C Major, Prelude and Fugue in C Minor, Prelude and Fugue in C 샤프 메이저, 프렐류드 및 푸가 C 샤프 마이너 - 옥타브에 포함된 모든 12개의 반음까지. 그 결과 모든 메이저 키와 마이너 키에서 총 24개의 두 부분으로 구성된 "전주곡 및 푸가" 사이클이 생성됩니다. 이것이 Bach의 Well-Tempered Clavier의 두 볼륨(총 48개의 전주곡 및 푸가)이 구성되는 방식입니다. 이 웅장한 작품은 세계 음악 예술에서 가장 위대한 작품 중 하나로 인정받고 있습니다. 이 두 권의 전주곡과 푸가는 모든 전문 피아니스트의 훈련 및 콘서트 레퍼토리에 포함되어 있습니다. 바흐 시대에 건반 악기의 조율에서 마침내 균일한 평균율이 확립되어 옥타브를 12개의 동일한 반음으로 나누었습니다. 이전에는 커스터마이징 시스템이 더 복잡했습니다. 그녀와 함께 서너 개 이상의 문자가 있는 키에서 일부 음정과 화음이 조율되지 않은 소리를 냈습니다. 따라서 작곡가는 이러한 키 사용을 피했습니다. 바흐는 The Well-Tempered Clavier에서 평균율이 같으면 24개의 키를 모두 똑같이 성공적으로 사용할 수 있음을 훌륭하게 증명한 최초의 인물입니다. 이것은 작곡가에게 새로운 지평을 열었습니다. 예를 들어 한 키에서 다른 키로 변조(전환)하는 기능이 증가했습니다. Well-Tempered Clavier에서 Bach는 2악장 주기 "전주곡과 푸가"의 유형을 확립했습니다. 전주곡은 자유롭게 구성됩니다. 그것에서 중요한 역할은 호모포닉 하모닉 창고와 즉흥 연주에 속할 수 있습니다. 이것은 엄격한 폴리포닉 작품으로서의 푸가와 대조를 이룹니다. 동시에 "전주곡과 푸가"주기의 일부는 공통된 조성으로 통합되지 않습니다. 그들 사이에는 각각의 경우에 미묘한 내부 연결이 나름대로 나타납니다. 이러한 일반적인 특징은 평균율 곡집 1권의 전주곡과 C단조 푸가에서 찾아볼 수 있습니다. 전주곡은 두 개의 주요 섹션으로 구성됩니다. 더 넓은 퍼스트는 양손의 16분의 1의 빠르고 균일한 움직임으로 완전히 채워집니다. 표현적인 멜로디와 하모닉 요소로 내부에서 포화 상태입니다. 마치 해안가의 제약을 받아 불안한 개울이 끓어오르는 것 같습니다. Gigue는 아일랜드와 영국에서 시작된 빠르고 기운찬 춤입니다16. 옛날에 영국 선원들은 지그 춤을 추는 것을 좋아했습니다. 모음곡에서 지그는 일반적으로 마지막 악장입니다. 그의 C 단조 Giguet에서 Bach는 종종 두 성부 사이의 정식 모방 기술을 사용합니다(F 장조의 인벤션에서와 같이). 이 연극의 프레젠테이션은 "튀는" 점선 리듬으로 스며듭니다. Allemande와 Courante의 대비에 비해 Sarabande와 Gigue의 대비는 더 날카롭습니다. 그러나 그것은 그들 사이에 삽입된 두 개의 추가 부품에 의해 부드러워집니다. '아리아'라는 부분은 오페라의 독주곡이 아닌 잔잔하고 기발한 노래처럼 들린다. 다음 미뉴에트는 이동성과 우아함을 결합한 프랑스 무용입니다. 따라서 이 모음곡에서는 하나의 일반적인 조성으로 모든 부분이 비유적으로 다르게 비교됩니다. 지그의 치수는 주로 3방향입니다. XVIII 세기에는 주로 3/8, 6/8, 9/8, 12/8입니다. 16 17 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육, 중간 목소리, 명확하고 양각되고 잘 기억되는 주제와 탄력있는 댄스 리듬: 11 Moderato 에너지 넘치는 인내가 주제에 우아함, 교활한 장난 꾸러기들과 결합됩니다. 의지가 강한 평정을 통해. 이는 더욱 다양하고 역동적인 발전의 기회를 제공합니다. 개발 초기에는 주제가 가볍게 들립니다. 단 한 번만 장조(E-플랫 장조)로 연주됩니다. 재현에서 메인 키(C 단조)의 테마의 세 가지 주요 악절 중 베이스의 두 번째 악절은 전주곡에서 격노하는 자연의 힘을 떠올리게 하는 강력한 범위를 얻습니다. 그리고 한 가지 더, 푸가 테마의 최종 구현은 계몽된 하우스 메이저 코드로 끝납니다. 전주곡과 푸가의 엔딩 사이의 유사성에서 사이클의 대조되는 부분의 내적 감정적 관계가 드러납니다. 강력한 에너지를 축적 한이 흐름은 첫 번째 섹션의 끝에서 그대로 가장자리를 넘어 넘치고 다음 섹션의 시작 부분에서 더욱 격렬 해져 경로에있는 모든 것을 휩쓸 겠다고 위협합니다. 전주곡의 이 클라이맥스는 가장 빠른 템포(Pgesto)로의 템포 변경과 다성적 장치(2성부 캐논)의 사용으로 표시됩니다. 그러나 성난 요소는 거만한 화음과 의미심장한 낭송 구절에 의해 갑자기 멈춥니다. 가장 느린 속도(Adagio)로 두 번째 속도 변화가 있습니다. 그리고 전주곡의 마지막 소절에서 적당히 빠른 A11eggo로 템포를 세 번째로 변경한 후, 베이스의 토닉 오르간 포인트는 오른손의 16분의 1 움직임을 점차 늦춥니다. 부드럽게 퍼지고 C 장조 코드에서 정지됩니다. 평화, 평온이 있습니다. 이렇게 자유롭고 즉흥적으로 전주곡을 완성한 후, 관심은 다른 대조 계획으로 전환됩니다. 3성 푸가가 시작됩니다. 라틴어와 이탈리아어로 된 이 단어는 "달리기", "비행", "빠른 흐름"을 의미합니다. 음악에서 푸가는 목소리가 서로를 따라잡으며 메아리치는 것처럼 보이는 복잡한 폴리포닉 작품입니다. 대부분의 푸가는 단일 주제를 기반으로 합니다. 덜 흔한 것은 2개의 푸가이며, 3개 또는 4개의 테마로 이루어진 푸가는 더욱 드뭅니다. 푸가는 성부 수에 따라 2성부, 3성부, 4성부, 5성부로 나뉩니다. Single-dark 푸가는 주제를 한 목소리로 주제를 제시하는 것으로 시작합니다. 그런 다음 주제는 다른 성부들에 의해 교대로 모방됩니다. 이것이 푸가의 첫 부분인 제시부가 형성되는 방식입니다. 두 번째 섹션 - 개발 - 테마는 다른 키에만 나타납니다. 그리고 세 번째, 마지막 섹션인 reprise9에서는 다시 기본 키로 수행되지만 더 이상 한 목소리로 제공되지 않습니다. 여기서 박람회는 확실히 반복되지 않습니다. 푸가에서는 유지된 대위법과 막간이 널리 사용됩니다. 문제의 바흐의 C단조 푸가는 다성 음악의 최고 형식인 푸가에 등장하면서 시작되며, 바흐의 작품에서 완전한 성숙과 가장 밝은 꽃을 피운다. 19세기의 유명한 러시아 작곡가이자 피아니스트인 안톤 그리고리예비치 루빈스타인은 그의 저서 "음악과 그 대표자들"에서 "평균율 클라비에"에 감탄하면서 "종교적, 영웅적, 우울한 푸가, 위엄 있고, 슬프고, 유머러스하고, 목가적이며, 극적인 성격; 한 가지 점에서 그들은 모두 비슷합니다-아름다움에서 ...”Johann Sebastian Bach의 나이는 위대한 독일 작곡가 Georg Friedrich Handel (1685-1759)이었습니다. 그의 운명은 달랐다. 그는 한 나라에서 다른 나라로 이사하면서 독일 밖에서 대부분의 삶을 보냈습니다 (그는 수십 년 동안 영국에서 살았습니다). 18 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 Handel은 많은 오페라, 오라토리오, 다양한 기악 작품의 저자입니다. 음악에서 클래식 스타일의 형성 질문 및 과제 1 . 바흐의 영적 작품과 세속적 작품의 공통점은 무엇입니까? 2. 오르간을 위한 토카타와 푸가 D단조의 비유적 특성에 대해 말씀해 주십시오. 3. 당신이 알고 있는 바흐의 발명품의 주제를 노래합니다. 보류라고 할 때 반대는 무엇입니까? 4. 다성 작품에서 막간이란 무엇입니까? 정식 또는 정식이라고하는 모방은 무엇입니까? 5. C단조 "프랑스 모음곡"의 주요 부분을 명명하고 설명하십시오. 6. 바흐의 평균율 클라비에는 어떻게 구성되어 있습니까? 7. 전주곡과 푸가의 주요 차이점은 무엇입니까? The Well-Tempered Clavier의 첫 번째 볼륨에서 Prelude 및 Fugue in C 단조의 예와 함께 이것을 보여주십시오. 그들 사이에도 유사점이 있습니까? 18세기의 뮤지컬 극장, 특히 중후반은 유럽 음악 예술의 모든 영역에서 큰 변화의 시기이다. 금세기가 시작되면서 이탈리아 오페라에는 오페라 세리아(심각한)와 오페라 부파(희극)라는 두 가지 장르가 점차 등장했습니다. 신화 적 신, 고대 국가의 왕, 전설적인 사령관과 같은 소위 "높은"영웅이 등장한 세리아 오페라에서 신화적이고 역사적인 음모가 여전히 우세했습니다. 그리고 부파 오페라에서 플롯은 주로 현대적인 일상이 되었습니다. 이곳의 주인공들은 활기차고 현실적으로 행동하는 평범한 사람들이었다. Giovanni Battista Pergolesi의 Giovanni Battista Pergolesi의 The Servant Lady는 1733년 나폴리에서 대중에게 공개되었으며 오페라 부파의 첫 번째 놀라운 예였습니다. 여주인공 진취적인 하녀 세르피나는 투정 부리는 주인 우베르토와 교묘하게 결혼하여 정부가 된다. 많은 초기 이탈리아 부파 오페라와 마찬가지로 The Servant-Mistress는 원래 Pergolesi의 오페라 세리아인 The Proud Prisoner("interlude"라는 단어는 라틴어에서 유래했으며 "상호 작용"을 의미함)의 공연 사이에 휴식 시간 동안 무대 막간으로 공연되었습니다. 곧 The Servant-Madam은 독립 작품으로 많은 국가에서 큰 명성을 얻었습니다. 코믹 오페라는 18세기 후반 프랑스에서 탄생했습니다. 그것은 파리 박람회의 극장에서 제공되는 음악과 함께 유쾌하고 재치 있는 코미디 공연에서 비롯되었습니다. 그리고 보컬 숫자가 캐릭터의 주요 특징이 된 코믹 오페라로 전환하기 위해 이탈리아 부파 오페라의 예가 프랑스 페어 코미디를 도왔습니다. 파리에서의 이번 공연을 위해 프랑스의 수도가 Pergolesi의 "Servant Madam"에 의해 말 그대로 매혹되었을 때 이탈리아 "buffons"의 오페라단이 매우 중요했습니다. 이탈리아 오페라 부파와 달리 프랑스 코믹 오페라에서는 암송이 아닌 대화가 번갈아 가며 나타납니다. Singspire도 건설되었습니다-두 번째에 등장한 독일과 오스트리아의 다양한 코믹 오페라 주요 작품 "요한에 따른 수난", "마태에 따른 수난" 미사 B 단조 신성한 칸타타 (약 200 생존) 및 세속 칸타타(20개 이상 생존) 관현악 작품 4개의 모음곡("서곡") 6개의 "브란덴부르크 협주곡" 실내 오케스트라와 독주 악기를 위한 협주곡 7개 하프시코드를 위한 협주곡 7개 2인을 위한 3개의 협주곡, 3개의 하프시코드를 위한 2개 바이올린 협주곡 2개 바이올린을 위한 협주곡 2개 바이올린 2개 바이올린 독주를 위한 소나타 3개와 파르티타 3개 바이올린과 하프시코드를 위한 소나타 6개 첼로 독주를 위한 모음곡 6개 오르간 작품 70개의 합창 전주곡 전주곡과 푸가 토카타와 푸가 D단조 파사칼리아 C단조 건반 작품 컬렉션 "작은 전주곡 및 푸가" 15개의 2부 발명품 및 15개의 3부 발명품("교향곡") 48개의 평균율 클라비에 곡집의 전주곡 및 푸가 6 "French 및 6개의 영어 모음곡 6개의 모음곡(부분) 하프시코드 독주를 위한 Concerto Italiano Chromatic Fantasy and Fugue Art of Fugue 19 www.classON.ru 모든 종류의 코믹 오페라의 음악 언어는 민요 및 댄스 멜로디와 밀접한 관련이 있다는 특징이 있습니다. 18세기 후반, 심각한 오페라 장르 위대한 독일 작곡가 Christoph Willibald Gluck (1714-1787)을 근본적으로 개혁했습니다. 그는 전설적인 고대 그리스 가수의 이야기를 바탕으로 최초의 개혁주의 오페라 Orpheus and Eurydice(1762)를 썼습니다. Gluck은 오페라에서 그의 개혁을 위해 어려운 길을 따랐습니다. 그는 독일, 오스트리아, 덴마크, 영국의 이탈리아와 함께 슬라브가 거주하는 체코와 같은 많은 유럽 국가를 방문했습니다. 비엔나에 정착하기 전에 Gluck은 밀라노, 베니스, 나폴리, 런던, 코펜하겐, 프라하 및 기타 도시의 극장 무대에서 17개의 오페라 시리즈를 상연했습니다. 이 장르의 오페라는 많은 유럽 국가의 궁정 극장에서 공연되었습니다. 예외는 프랑스였습니다. 18세기 중반 그곳에서 그들은 전통적인 프랑스 스타일로만 진지한 오페라를 계속 작곡하고 상연했습니다. 그러나 Gluck은 유명한 프랑스 작곡가 Jean-Baptiste Lully와 Jean-Philippe Rameau의 오페라 악보를 신중하게 연구했습니다. 또한 Gluck은 새로운 장르의 프랑스 코믹 오페라로 8개의 작품을 작곡하여 비엔나에서 성공적으로 공연했습니다. 그는 의심할 여지 없이 독일과 오스트리아의 징슈필이 있는 이탈리아 부파 오페라에 대해 잘 알고 있었습니다. 이 모든 지식을 통해 Gluck은 진지한 오페라를 위한 이미 시대에 뒤떨어진 작곡 원칙을 단호하게 갱신할 수 있었습니다. 처음에는 비엔나에서, 그다음에는 파리에서 상연된 그의 개혁주의 오페라에서 Gluck은 캐릭터의 감정적 경험을 훨씬 더 진실되고 극적인 강렬함과 효율성으로 전달하기 시작했습니다. 그는 아리아에서 기교적인 악절을 쌓는 것을 거부하고 암송의 표현력을 높였습니다. 그의 오페라는 음악과 무대 전개 측면에서 더욱 목적이 있고 작곡에서 더욱 조화를 이룹니다. 따라서 음악적 언어와 새로운 만화 및 개혁 된 진지한 오페라의 구성에서 새롭고 고전적인 스타일의 중요한 특징, 즉 개발의 능동적 효과, 표현 수단의 단순성과 명확성, 작곡의 조화 및 일반적인 귀족이 확인되었습니다. 그리고 음악의 숭고한 성격. 이 스타일은 18세기 동안 유럽 음악에서 점차 형태를 갖추었고 1770-1780년까지 성숙되었으며 19세기 후반까지 지배적이었습니다. "클래식"의 정의는 또 다른 더 넓은 의미를 가질 수 있다는 점에 유의해야 합니다. "클래식"(또는 "클래식")은 창작 시간에 관계없이 모범적이고 완벽하며 타의 추종을 불허하는 것으로 인정받은 뮤지컬 및 기타 예술 작품이라고도합니다. 이런 의미에서 대중은 고전 또는 고전이라고도 불릴 수 있습니다. 이탈리아 작곡가 XVI 세기 Palestrina, Prokofiev의 오페라, Shostakovich의 교향곡 - XX 세기의 러시아 작곡가. 기악 Gluck의 오페라 개혁과 같은 광범위한 국제적 기반에서 18세기에는 기악이 집중적으로 발전했습니다. 그것은 많은 유럽 국가의 작곡가들의 공동 노력으로 수행되었습니다. 노래와 춤을 기반으로 음악 언어의 고전적 선명도와 역동성을 발전시키면서 그들은 점차 클래식 교향곡, 클래식 소나타, 클래식 현악 4중주와 같은 주기적인 기악 작품의 새로운 장르를 형성했습니다. 소나타 형식은 그들에게 매우 중요합니다. 따라서 기악주기는 소나타 또는 소나타 교향곡이라고합니다. 소나타 형식. 당신은 이미 다성 음악의 최고 형식이 푸가라는 것을 알고 있습니다. 그리고 소나타 형식은 호모포닉 하모닉 음악의 최고 형식으로 가끔 폴리포닉 기법만 사용할 수 있습니다. 구성에서 이 두 가지 형태는 서로 유사합니다. 푸가와 마찬가지로 소나타 형식에는 제시부, 전개부, 재현부의 세 가지 주요 부분이 있습니다. 그러나 그들 사이에는 중요한 차이점도 있습니다. 소나타 형식과 푸가의 주요 차이점은 제시부 18에 즉시 나타납니다. 대부분의 푸가는 전적으로 하나의 주제로 구성되어 있으며 각 제시부에서 번갈아 진행됩니다. 이 독일어 단어는 "singen"("sing")에서 유래했습니다. 및 "Spiel"( "재생") . 18 이 단어는 "발표", "보여주기"를 의미하는 라틴어에서 유래되었습니다. 20 www.classON.ru 러시아 음성 예술 분야의 어린이 교육. 그리고 소나타 형식의 설명에는 일반적으로 성격이 다소 다른 두 가지 주요 주제가 나타납니다. 먼저 메인 파트의 테마가 들리고, 나중에 사이드 파트의 테마가 등장합니다. 그러나 어떤 경우에도 "측면"의 정의를 "보조"로 이해해서는 안됩니다. 사실 소나타 형식에서 측면부의 주제는 본부의 주제 못지않게 중요한 역할을 하기 때문입니다. 여기에서 "보조"라는 단어는 첫 번째와 달리 기본 키가 아닌 설명에서 반드시 들리기 때문에 사용됩니다. 클래식 음악에서 제시부의 주요 부분이 장조인 경우, 측면 부분은 딸림의 키로 표시됩니다(예를 들어 주요 부분의 키가 C 장조인 경우 측면 부분의 키는 G로 표시됨). 주요한). 제시부의 주요 부분이 단조이면 측면 부분은 병렬 장조로 표시됩니다(예를 들어 주요 부분의 키가 C단조이면 측면 부분의 키는 E-플랫 장조임). 작은 묶음 또는 연결 배치가 주요 당사자와 측면 당사자 사이에 배치됩니다. 독립적이고 선율 적으로 엠보싱 된 테마도 여기에 나타날 수 있지만 더 자주 주요 부분 테마의 억양이 사용됩니다. 연결 부분은 측면 부분으로의 전환 역할을 하며 측면 부분의 키로 변조됩니다. 따라서 음조 안정성이 침해됩니다. 소문은 새로운 "뮤지컬 이벤트"의 시작을 기대하기 시작합니다. 알고보니 사이드 파티를 주제로 한 등장이다. 때로는 설명이 소개에 선행될 수 있습니다. 그리고 측면 부분 후에 작은 결론이 들리거나 종종 독립적 인 주제가있는 전체 최종 부분이 들립니다. 이렇게 박람회가 끝나고 측면 부분의 톤이 고정됩니다. 작곡가의 지시에 따라 전체 설명이 반복될 수 있습니다. 개발 - 소나타 형식의 두 번째 섹션. 여기에는 박람회에서 친숙한 주제가 새 버전으로 나타나며 다른 방식으로 번갈아 가며 비교됩니다. 이러한 상호 작용은 종종 전체 주제가 아니라 주제와 주제에서 분리된 문구를 포함합니다. 즉, 개발중인 주제는 별도의 요소로 나뉘어 그 안에 포함 된 에너지를 드러냅니다. 이 경우 키가 자주 변경됩니다(여기서 기본 키는 거의 영향을 받지 않으며 오랫동안 영향을 받지 않음). 다른 키로 나타나는 테마와 해당 요소는 새로운 관점에서 보여지는 새로운 방식으로 조명되는 것 같습니다. 개발의 개발이 절정에서 상당한 긴장에 도달하면 그 과정이 방향을 바꿉니다. 이 섹션의 끝에서 기본 키로의 복귀가 준비 중이며 반복으로 전환됩니다. 재현은 소나타 형식의 세 번째 부분입니다. 메인 키의 주요 부분 반환으로 시작됩니다. 연결 부분은 새로운 키로 연결되지 않습니다. 반대로 보조 부분과 최종 부분이 모두 반복되는 기본 키를 수정합니다. 따라서 음조의 안정성과 함께 재현은 전개의 불안정한 특성과 균형을 이루고 전체에 고전적인 조화를 제공합니다. 반복은 때때로 최종 구조인 코다("꼬리"를 의미하는 라틴어에서 파생됨)로 보완될 수 있습니다. 그래서 푸가가 울릴 때 우리의 관심은 하나의 주제로 구체화된 하나의 음악적 아이디어로 듣고, 생각하고, 느끼는 데 집중됩니다. 작품을 소나타 형식으로 들을 때 우리의 청각은 두 가지 주요(그리고 보완적인) 주제의 비교와 상호작용을 따릅니다. 이것이 이 두 음악 형식의 예술적 가능성 사이의 주요 차이점입니다. 클래식 소나타(소나타-심포니) 사이클. 대략 18세기의 마지막 3분의 1쯤에 클래식 소나타 주기가 마침내 음악에서 구체화되었습니다. 이전에는 기악 작품은 느리고 빠른 부분이 번갈아 나타나는 모음곡 형식과 이에 가까운 옛 소나타 형식이 지배적이었다. 이제 고전적인 소나타 사이클에서는 파트의 수(보통 3개 또는 4개)가 정확하게 결정되었지만 그 내용은 더욱 복잡해졌습니다. 첫 번째 악장은 일반적으로 이전 단락에서 논의한 소나타 형식으로 작성됩니다. 그녀는 빠르거나 보통으로 간다 빠른 속도. 대부분 A11eggo입니다. 따라서 이러한 악장을 보통 소나타 알레그로라고 합니다. 그것의 음악은 종종 활기차고 효과적인 성격을 가지고 있으며 종종 긴장되고 극적입니다. 두 번째 악장은 항상 첫 번째 악장과 템포 및 일반적인 성격이 대조됩니다. 종종 그것은 느리고 가장 서정적이고 선율적입니다. 그러나 그것은 또한 다를 수 있습니다, 예를 들어 느린 내러티브 또는 우아한 춤과 비슷합니다. 세 부분으로 구성된 주기에서 마지막, 세 번째 부분, 최종 부분은 다시 빠르며 일반적으로 더 빠르지 만 내부 개발에 비해 덜 강렬합니다. 처음으로. 클래식 소나타 사이클의 피날레(특히 교향곡)는 종종 붐비는 축제의 즐거움을 그림으로 그리며 주제는 민요와 춤에 가깝습니다. 이 경우 론도 형식이 자주 사용됩니다(프랑스어 "ronde"- "circle"에서 유래). 아시다시피 여기의 첫 번째 섹션(후렴구)은 새 섹션(에피소드)과 번갈아 가며 여러 번 반복됩니다. 21 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 그의 첫 번째 오페라? 3. 클래식 스타일은 언제까지 성숙했으며 언제까지 클래식 스타일이 음악을 지배했습니까? "클래식"의 두 정의 사이의 차이점을 설명하십시오. 4. 유사점은 무엇입니까? 일반 공사 푸가와 소나타 형식 사이? 그리고 그들 사이의 주요 차이점은 무엇입니까? 5. 소나타 형식의 주요 섹션과 추가 섹션의 이름을 지정하십시오. 그녀의 다이어그램을 그립니다. 6. 소나타 형식의 주요 부분과 측면 부분은 제시부와 반복부에서 어떻게 서로 관련이 있습니까? 7. 소나타 형식 개발의 특징은 무엇입니까? 8. 고전 소나타 주기의 부분을 설명하십시오. 9. 연주자의 구성에 따라 클래식 소나타 사이클의 주요 유형을 지정하십시오. 이 모든 것은 네 부분으로 구성된 사이클의 많은 최종을 구별합니다. 그러나 극단 부분 (첫 번째와 네 번째) 사이에는 두 개의 중간 부분이 있습니다. 교향곡에서 하나는 보통 두 번째이고 사중주에서는 세 번째입니다. 18세기 고전 교향곡의 3악장은 4중주에서 2위를 차지하는 미뉴에트이다. 그래서 우리는 "소나타", "사중주", "교향곡"이라는 단어를 언급했습니다. 이 주기의 차이는 연주자의 구성에 따라 다릅니다. 특별한 장소는 교향곡에 속합니다. 오케스트라를위한 작품으로 수많은 청취자 앞에서 큰 방에서 들리도록 설계되었습니다. 이런 의미에서 협주곡은 오케스트라 반주가 있는 독주 악기를 위한 3악장 구성인 교향곡에 가깝습니다. 가장 일반적인 실내 악기 주기는 소나타(1개 또는 2개 악기용), 트리오(3개 악기용), 4중주(4개 악기용), 5중주(5개 악기용)19입니다. 소나타 형식과 소나타-교향곡 주기는 음악의 전체 고전 양식과 마찬가지로 "계몽주의 시대"(또는 "계몽주의 시대")라고 하는 18세기에 형성되었으며, 이유”. 금세기, 특히 후반기에 소위 "제3신분"의 대표자들이 많은 유럽 국가에서 지명되었습니다. 귀족의 칭호도 영적 칭호도 없는 사람들이었다. 그들은 자신의 작업과 이니셔티브 덕분에 성공할 수 있었습니다. 그들은 자연 그 자체로 창조적 에너지, 밝은 마음, 깊은 감정을 부여받은 "자연인"의 이상을 선포했습니다. 이 낙관적인 민주적 이상은 음악과 다른 형태의 예술 및 문학에 나름대로 반영되었습니다. 예를 들어, 계몽주의 초기에 인간의 마음과 지칠 줄 모르는 손의 승리는 1719년에 출판된 영국 작가 Daniel Defoe의 유명한 소설인 The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe에 의해 미화되었습니다. Joseph Haydn 1732-1809 음악의 고전적 스타일은 Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart 및 Ludwig van Beethoven의 작품에서 성숙하고 번성했습니다. 각자의 삶과 일은 오스트리아의 수도 빈에서 오랜 시간을 보냈다. 그래서 하이든, 모차르트, 베토벤을 비엔나의 고전이라 부른다. 오스트리아는 다국적 제국이었습니다. 그 안에는 모국어가 독일어인 오스트리아인과 함께 헝가리인과 체코인, 세르비아인, 크로아티아인을 포함한 다양한 슬라브 민족이 살았습니다. 그들의 노래와 질문과 과제 1 . 국가 품종 이름 코믹 오페라 XVIII 세기. 이탈리아 부파 오페라의 구성과 프랑스의 코믹 오페라 구성의 차이점은 무엇입니까? 2. 위대한 오페라 개혁가 Christoph Willibald Gluck의 활동은 어떤 국가 및 도시와 관련이 있었습니까? 그가 쓴 음모에 다른 챔버 앙상블 악기주기의 이름-6 중주 (6), 7 중주 (7), 옥텟 (8), 노넷 (9), 데시멧 (10). "실내악"의 정의는 이탈리아어 "카메라"- "방"에서 유래합니다. 19세기까지 여러 악기를 위한 작곡은 종종 집에서 연주되었습니다. 즉, "룸 뮤직"으로 이해되었습니다. 19 22 www.classON.ru 러시아 미술 댄스 멜로디 분야의 어린이 교육은 마을과 도시 모두에서들을 수 있습니다. 비엔나에서는 중앙과 외곽, 거리 교차로, 공공 정원과 공원, 레스토랑과 술집, 부유하고 가난한 개인 주택 등 모든 곳에서 민속 음악이 들렸습니다. 비엔나는 또한 황실, 귀족 예배당, 귀족 살롱, 성당 및 교회를 중심으로 한 전문 음악 문화의 주요 중심지였습니다. 이탈리아 오페라 세리아는 오스트리아 수도에서 오랫동안 재배되어 왔으며 이미 언급했듯이 여기에서 Gluck은 오페라 개혁을 시작했습니다. 궁정 축제에는 음악이 풍부하게 수반되었습니다. 그러나 Viennese는 singshpils가 태어난 음악과 함께 즐거운 희극 공연에 기꺼이 참석했으며 춤을 매우 좋아했습니다. 3대 비엔나 중 뮤지컬 클래식 하이든은 가장 나이가 많습니다. 그는 모차르트가 태어날 때 24세, 베토벤이 태어날 때 38세였습니다. 하이든은 장수했습니다. 그는 일찍 세상을 떠난 모차르트보다 거의 20년 가까이 살아남았고 베토벤이 이미 대부분의 성숙한 작품을 만들었을 때에도 여전히 살아 있었습니다. 개인 왕자 극장을 위해 그는 세리아, 부파 장르의 오페라 24 편 이상과 인형극 공연을위한 여러 "인형"오페라를 썼습니다. 그러나 그의 주요 창작 관심 분야와 업적은 교향곡과 실내악입니다. 총 800개 이상의 작곡3입니다. 그 중 교향곡 100곡 이상, 현악 4중주 80곡 이상, 클라비에 소나타 60곡 이상이 특히 의미가 깊다. 최고의 완성도와 밝음, 독창성을 지닌 그들의 성숙한 샘플에서 위대한 오스트리아 작곡가의 낙관적 세계관이 드러났습니다. 때때로 이 밝은 태도는 우울한 분위기로 시작됩니다. 그들은 삶에 대한 하이든의 지칠 줄 모르는 사랑, 예리한 관찰, 쾌활한 유머, 단순하고 건강하며 동시에 주변 현실에 대한 시적 인식에 의해 항상 극복됩니다. 인생 경로 어린 시절. 로라우와 하인부르크. 프란츠 요제프 하이든은 1732년 오스트리아 동부, 헝가리 국경 근처, 비엔나에서 멀지 않은 로라우 마을에서 태어났습니다. Haydn의 아버지는 숙련 된 코치 메이커 였고 그의 어머니는 Rorau의 소유주 인 백작의 재산에서 요리사로 일했습니다. 가족 내에서 다정하게 Zepperl이라고 불렸던 그의 장남 Josef는 부모가 일찍부터 부지런함, 정확성, 청결에 익숙해지기 시작했습니다. Haydn의 아버지는 음악을 전혀 몰랐지만 특히 하프를 연주하면서 노래하는 것을 좋아했습니다. 손님은 작은 집에 모였습니다. Zepperl은 맑은 은빛 목소리로 따라 부르며 음악에 대한 놀라운 귀를 드러냈습니다. 그리고 그 소년이 겨우 다섯 살이었을 때, 그는 교회 학교와 합창단을 이끄는 먼 친척에게 이웃 마을 Hainburg로 보내졌습니다. Hainburg에서 Sepperl은 합창단에서 읽고, 쓰고, 세고, 노래하는 법을 배웠고 클라비코드와 바이올린 연주 기술을 습득하기 시작했습니다. 그러나 그에게 낯선 가정에서 사는 것은 쉽지 않았습니다. 수년 후 그는 "음식보다 더 많은 때리는 사람"을 받았다고 회상했습니다. Zepperl은 Hainburg에 도착하자마자 음악과 함께 같은 교회 행렬에 참여하기 위해 팀파니를이기는 법을 배우라는 명령을 받았습니다. 소년은 체를 가져다가 그 위에 천을 얹고 부지런히 운동을 시작했습니다. 그는 임무를 성공적으로 완수했습니다. 행렬을 조직할 때만 아주 작은 사람의 등에 악기를 걸어야 했다. 그리고 혹등고래로 변신해 시청자들의 웃음을 자아냈다. 비엔나의 성 슈테판 대성당 예배당에서. 비엔나 대성당의 악장이자 궁정 작곡가인 게오르그 로이터는 하인부르크를 방문한 후 하이든의 뛰어난 음악적 재능에 주목했습니다. 그는 영적 텍스트를 기반으로 여러 미사 및 기타 성악 및 기악 작품의 저자입니다. 23 www.classON.ru 러시아 예술 Zepperl 분야의 어린이 교육. 그래서 1740 년에 여덟 살짜리 하이든은 오스트리아의 수도에서 자신을 발견하여 성 스테판 성당 (메인) 대성당의 예배당에서 합창단으로 받아 들여졌습니다. 직접하고 있습니다. 독립 생활의 어려운 시작. 열 여덟 살이되자 청년의 목소리가 무너지기 시작했습니다. 일시적으로 쉰 목소리가 나고 유연성을 잃었고 그는 무례하고 무자비하게 예배당에서 쫓겨났습니다. 은신처와 자금이 없다는 것을 알게 된 그는 지붕 아래 작은 방에서 아내와 자녀와 함께 살았던 친숙한 가수의 보호를 한동안받지 않으면 굶주림과 추위로 죽을 수있었습니다. Haydn은 나타나는 모든 음악 작업을 시작했습니다. 그는 음표를 복사하고, 노래에 대한 페니 레슨을 제공하고, clavier를 연주하고, 마을 사람들 중 한 명을 기리기 위해 밤에 세레나데를 연주하는 Street 기악 앙상블에서 바이올리니스트로 참여했습니다. 마침내 그는 비엔나 중심부에 있는 집의 6층이자 마지막 층에 있는 작은 방을 빌릴 수 있었습니다. 방은 바람에 찔 렸고 난로가 없었으며 겨울에는 물이 자주 얼었습니다. 하이든은 10년 동안 그러한 곤경 속에서 살았습니다. 그러나 그는 낙심하지 않고 자신이 좋아하는 예술에 열정적으로 참여했습니다. "벌레 먹은 낡은 집게에 앉았을 때, 나는 어떤 왕의 행복도 부러워하지 않았습니다." Haydn은 활기차고 쾌활한 성격으로 일상의 어려움을 극복하는 데 도움을 받았습니다. 예를 들어, 밤에 그는 동료 음악가들을 비엔나 거리의 한적한 구석에 배치했고 신호에 따라 모두가 그가 좋아하는 것을 연주했습니다. 결과는 '고양이 콘서트'로 주변 주민들을 들썩이게 했다. 두 명의 뮤지션이 경찰에 입대했지만 스캔들 같은 "세레나데"의 선동자는 인도되지 않았습니다. 유명한 희극 배우와 친분을 쌓은 하이든은 그와 공동으로 노래 "절름발이 악마"를 작곡하고 약간의 돈을 벌고 그를 하인으로 섬겼습니다. 점차 하이든은 비엔나에서 교사이자 작곡가로서 명성을 얻기 시작했습니다. 그는 유명한 사람들을 만났습니다. 음악가와 음악 애호가. 저명한 관리의 집에서 그는 실내악 앙상블 공연에 참여하기 시작했고 그의 시골 사유지에서 콘서트를 위해 첫 번째 현악 사중주를 만들었습니다. 그리고 Haydn은 1759 년에 작은 오케스트라를 마음대로 받아 Morzin 백작 예배당의 머리가되었을 때 첫 번째 교향곡을 썼습니다. 카운트는 미혼 뮤지션만 유지했습니다. 비엔나 미용사의 딸과 결혼한 하이든은 비밀을 지킬 수밖에 없었다. 그러나 이것은 웅장한 건물과 건축 앙상블이있는 크고 아름다운 도시인 비엔나에서 새롭고 생생한 인상의 물결이 소년을 덮친 1760 년까지만 계속되었습니다. 다국적 민속 음악이 들렸습니다. 합창단도 공연했던 대성당과 황실에서 엄숙한 성악과 기악이 연주되었습니다. 그러나 존재 조건은 다시 어려운 것으로 판명되었습니다. 교실, 리허설, 공연에서 합창단 소년들은 매우 피곤했습니다. 그들은 제대로 먹지 못했고 끊임없이 반쯤 굶었습니다. 그들은 장난으로 인해 엄중한 처벌을 받았습니다. Little Haydn은 계속해서 노래, 클라비에 및 바이올린 연주 예술을 부지런히 연구했으며 실제로 음악을 작곡하고 싶었습니다. 그러나 로이터는 이에 주목하지 않았다. 자신의 일로 너무 바빠 하이든이 예배당에 머무르는 9년 동안 그는 그에게 작곡 수업을 두 번만 주었습니다. 그러나 Josef는 자신의 목표를 완고하고 부지런히 추구했으며 몇 년 후 "The New Lame Imp"라는 또 다른 노래를 썼습니다. 20 24 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육, 백작의 물질적 문제가 흔들리고 그는 예배당을 해산했습니다. 하이든의 결혼은 실패했습니다. 그가 선택한 것은 무겁고 심술 궂은 성격으로 구별되었습니다. 그녀는 남편의 작곡 업무에 전혀 관심이 없었습니다. 그의 작곡 원고에서 페이트 용 유두와 안감을 만들었습니다. 몇 년 후 Haydn은 아내와 별도로 살기 시작했습니다. 그들은 자녀가 없었습니다. Esterhazy 왕자의 예배당에서. 1761년 부유한 헝가리인; Pal Antal Esterhazy 왕자는 Haydn을 부악장으로 Eisenstadt에 초대했습니다. 그 순간부터 Esterhazy 가족과 함께한 Haydn의 봉사가 시작되었으며 이는 30 년 동안 지속되었습니다. 5년 후, 그는 이 직책을 맡았던 연로한 음악가가 사망한 후 밴드 마스터가 되었습니다. 1762 년에 사망 한 Pala Antal의 상속인은 호화 롭고 값 비싼 엔터테인먼트에 대한 헌신으로 구별되었으며 그의 형제 Myklosh 1은 Magnificent라는 별명을 붙였습니다. 몇 년 후, 그는 아이젠슈타트에서 126개의 방이 있는 새로운 시골 궁전으로 거주지를 옮기고 거대한 공원으로 둘러싸고 건물을 지었습니다. 오페라 극장 400 석과 인형극을 위해 예배당의 음악가 수가 크게 증가했습니다. 그것의 작업은 Haydn에게 좋은 재정적 지원을 제공했으며 또한 많은 것을 작곡하고 즉시 실제로 자신을 테스트하여 그의 새로운 작품의 오케스트라 공연을 감독할 수 있는 기회를 제공했습니다. Esterhaz (새로운 왕자의 거주지라고 불림)에서는 종종 고위 외국인 손님이 참여하는 붐비는 리셉션이 열렸습니다. 덕분에 하이든의 작품은 점차 오스트리아 밖에서도 알려지게 되었습니다. 그러나 그들이 말하는 것처럼 이 모든 것에는 동전의 뒷면이 있었습니다. 그가 서비스에 들어갔을 때 Haydn은 일종의 음악 하인이 된 계약에 서명했습니다. 그는 왕자의 명령을 듣기 위해 가루 가발과 흰색 스타킹을 신고 매일 저녁 식사 전후에 궁전 앞에 나타나야했습니다. 계약은 Haydn이 "그의 영주가 원하는 모든 음악을 긴급히 작성하고, 누구에게도 새로운 작곡을 보여주지 않고, 누구에게도 작곡을 허용하지 않고, 오직 그의 영주를 위해 그리고 그의 지식과 은혜없이 보관할 것을 의무화했습니다. 누구를 위해 아무것도 작곡하지 않을 권한" . 또한 Haydn은 예배당의 질서와 음악가의 행동을 관찰하고 가수에게 레슨을 제공하고 악기와 음표의 안전을 책임져야 했습니다. 그는 궁전이 아니라 이웃 마을의 작은 집에서 살았습니다. 아이젠슈타트에서 왕궁은 겨울에 비엔나로 이사하곤 했습니다. 그리고 Esterhazy에서 Haydn은 가끔 왕자와 함께 또는 특별 허가를 받아야만 수도에 들어갈 수 있습니다. Eisenstadt와 Esterhase에서 보낸 수년 동안 Haydn은 초보 음악가에서 위대한 작곡가로 성장했으며 그의 작품은 높은 예술적 완성도에 도달했으며 오스트리아뿐만 아니라 국경 너머에서도 인정 받았습니다. 그래서 6 개의 "Paris Symphonies"(No. 82-87)가 프랑스 수도의 명령에 의해 작성되었으며 1786 년에 성공적으로 들렸습니다. 비엔나에서 하이든과 볼프강 아마데우스 모차르트의 만남은 1780년대로 거슬러 올라갑니다. 친근한 화해는 두 위대한 음악가의 작업에 유익한 영향을 미쳤습니다. 시간이 지남에 따라 Haydn은 점점 더 의존적 위치를 인식하게되었습니다. 1790 년 상반기에 작성된 비엔나의 Esterhazy에서 친구들에게 보낸 편지에는 다음과 같은 문구가 있습니다. Esterhazy의 마지막 왕자들은 광대한 영지를 소유하고 많은 하인을 두었으며 그들의 궁전에서 왕족의 삶을 살았습니다. Special 25 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 내가 밴드 마스터인지 밴드 리더인지 며칠 동안 몰랐습니다 ... 항상 노예가되는 것이 슬프다 ...» 새로운 전환 운명. 영국 여행. Miklós Esterházy는 1790년 가을에 사망했습니다. 그는 깨달은 음악 애호가였으며 현악기를 연주했으며 Haydn과 같은 "음악 종"과 같은 자신의 방식으로 감사하지 않을 수 없었습니다. 왕자는 그에게 큰 평생 연금을 물려주었습니다. 음악에 무관심한 Miklos의 상속인 Antal은 예배당을 해산했습니다. 그러나 그 유명한 작곡가가 그의 궁정 악대장이 계속 되기를 바라면서 그는 하이든에게 지불하는 현금을 늘리기까지 했습니다. Haydn은 음악을 작곡할 의도로 비엔나로 이사했고 처음에는 다른 나라를 방문하겠다는 제안을 거절했습니다. 그러나 그는 영국으로의 긴 여행 제안에 동의했고 1791년 초에 런던에 도착했습니다. 그리하여 환갑을 맞이한 하이든은 처음으로 자신의 눈으로 바다를 보았고 처음으로 다른 주에 있는 자신을 발견했습니다. 여전히 봉건 귀족적인 오스트리아와 달리 영국은 오랫동안 부르주아 국가였으며 음악을 포함한 런던의 사회 생활은 비엔나와 매우 달랐습니다. 많은 산업 및 상업 기업이있는 거대한 도시인 런던에서는 귀족의 궁전과 미용실에 초대 된 선택된 사람이 아니라 모두가 유료로 온 공회당에서 조직 된 콘서트가 널리 퍼졌습니다. 영국에서 하이든의 이름은 이미 영광의 후광으로 둘러싸여 있었습니다. 그리고 유명한 음악가 , 고위 인사들은 그를 동등하게 대했을뿐만 아니라 특별한 존경심으로 대했습니다. 그가 지휘자로 활동 한 그의 신작들은 열광적으로 만났고 후한 대가를 받았다. Haydn은 Esterhazy 예배당 크기의 두 배인 40-50 명으로 구성된 대규모 오케스트라를 지휘했습니다. Oxford University는 그에게 명예 음악 박사 학위를 수여했습니다. 하이든은 1년 반 후에 비엔나로 돌아왔습니다. 도중에 그는 독일 도시 본을 방문했습니다. 그곳에서 그는 Haydn과 함께 공부할 의도로 곧 비엔나로 이주한 젊은 Ludwig van Beethoven을 처음 만났습니다. 그러나 베토벤은 오랫동안 그에게서 교훈을 얻지 못했습니다. 나이와 기질이 너무 다른 두 음악 천재는 그때 진정한 상호 이해를 찾지 못했습니다. 그러나 베토벤은 그의 피아노 소나타 3개(1~3번)를 출판하는 동안 하이든에게 헌정했습니다. Haydn의 두 번째 영국 여행은 1794년에 시작되어 1년 반이 조금 넘게 지속되었습니다. 성공은 다시 승리했습니다. 만들어진 많은 작품들 중에서; 이 여행 동안 그리고 그들과 관련하여 12개의 소위 "런던 심포니"가 특히 중요했습니다. 지난 몇 년간의 삶과 창의성. Esterházy의 다음 왕자인 Miklós II는 전임자보다 음악에 더 관심이 많았습니다. 따라서 Haydn은 때때로 비엔나에서 Eisenstadt로 달려가 왕자의 명령에 따라 여러 미사를 썼습니다. 최근 몇 년 동안 작곡가의 주요 작품 인 두 개의 기념비적 인 오라토리오 "The Creation of the World"와 "The Seasons"가 비엔나에서 큰 성공을 거두었습니다 (하나는 1799 년, 다른 하나는 1801 년). 그런 다음 세계가 발생하는 고대 혼돈의 묘사, 지구의 창조, 지구에서의 생명의 탄생 및 인간의 창조-이것이 첫 번째 오라토리오의 내용입니다. 두 번째 오라토리오의 네 부분("봄", "여름", "가을", "겨울")은 시골의 자연과 농민 생활에 대한 잘 조준된 음악적 스케치로 구성되어 있습니다. 26 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 1803년 이후 하이든은 다른 작품을 작곡하지 않았습니다. 그는 영광과 명예에 둘러싸여 조용히 살았습니다. 하이든은 나폴레옹 전쟁이 한창이던 1809년 봄, 프랑스군이 비엔나에 입성했을 때 사망했습니다. 첼로와 더블베이스. 목관악기군은 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순으로 구성되어 있다. 21. 하이든의 금관악기군은 호른과 트럼펫으로 구성되어 있으며 타악기에서 팀파니만을 사용하였고 마지막 12번 런던 심포니에서만 삼각형을 추가하였다. , 심벌즈 및 드럼입니다. 질문 및 작업 1 . 비엔나 음악의 고전이라고 불리는 세 명의 위대한 작곡가는 무엇입니까? 그러한 정의를 설명하는 것은 무엇입니까? 2. 18세기 비엔나의 음악 생활에 대해 말씀해 주십시오. 3. 주요 내용은 무엇입니까 음악 장르하이든의 작품에서 4. 하이든의 어린 시절과 젊음은 어디에서 어떻게 지나갔습니까? 5. 하이든은 어떻게 독립 여행을 시작했습니까? 6..Esterhazy 왕자의 예배당에서 봉사하는 동안 Haydn의 삶과 작업은 어떻게 진행되었습니까? 7. Haydn의 영국 여행과 그의 말년에 대해 알려주십시오. 교향곡의 창의성 1759년 하이든이 첫 번째 교향곡을 썼을 때 이미 이 장르의 많은 작품이 존재했고 계속해서 만들어졌습니다. 그들은 이탈리아, 독일, 오스트리아 및 기타 유럽 국가에서 발생했습니다. 예를 들어, 18세기 중반에 당시 최고의 오케스트라가 있던 독일 만하임에서 작곡되고 연주된 교향곡은 널리 알려지게 되었습니다. 소위 "만하임 학교"의 작곡가 중에는 많은 체코인이 있었습니다. 교향곡의 조상 중 하나는 3부 이탈리아 오페라 서곡입니다(템포에 따른 부분의 비율: "빠른-느린-빠른"). 초기("클래식 이전") 교향곡에서 미래의 클래식 교향곡으로 가는 길은 여전히 ​​포장되어 있었고, 그 특징은 조형적 내용의 중요성과 형식의 완성이었습니다. 이 길을 택한 하이든은 1780년대에 그의 성숙한 교향곡에 도달했습니다. 동시에 아직 어린 모차르트의 성숙한 교향곡이 등장하여 놀랍도록 빠르게 예술적 숙달의 정점으로 발전했습니다. Haydn은 Mozart의 때이른 죽음 이후에 이 장르에서 그의 업적을 장식한 London Symphonies를 만들었고, 이는 그에게 깊은 충격을 주었습니다. 하이든의 성숙한 교향곡에서는 소나타 알레그로, 느린 악장, 미뉴에트 및 피날레(일반적으로 론도 또는 소나타 알레그로 형식)의 4악장 주기의 전형적인 구성이 확립되었습니다. 동시에 네 가지 악기 그룹으로 구성된 오케스트라의 클래식 구성이 주요 기능으로 결정되었습니다. 선행 그룹 - 문자열. 여기에는 바이올린, 비올라가 포함되며 Haydn은 항상 클라리넷을 사용하지 않았습니다. 그의 런던 교향곡에서도 12곡 중 5곡에만 등장한다. 21 27 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 이 교향곡은 "군대"로 알려져 있습니다. Haydn의 다른 교향곡 중 일부에 대한 이름도 있습니다. 대부분의 경우 작곡가 자신이 제공하지 않고 하나의 세부 사항 만 표시합니다. 예를 들어 교향곡 "Chicken"또는 "똑딱 거리는 소리"의 느린 부분에서 딸깍 거리는 소리를 모방하는 경우가 많습니다. 교향곡 " 시간". "Farewell"이라는 이름이 붙은 F-sharp 단조 교향곡과 관련된 특별한 이야기가 있습니다. 여기에는 추가로 다섯 번째 부분(더 정확하게는 코다 형식의 아다지오)이 있습니다. 공연이 진행되는 동안 오케스트라 단원들은 한 명씩 콘솔에 촛불을 끄고 악기를 들고 자리를 떠납니다. 두 명의 바이올리니스트만이 남아 조용히 슬프게도 마지막 소절을 연주하고 떠납니다. 이에 대한 설명은 다음과 같습니다. 마치 여름에 한 번 Miklos 왕자는 Esterhaz에있는 예배당의 음악가를 평소보다 더 오래 지연 시켰습니다. 그리고 그들은 Eisenstadt에 사는 가족을 보기 위해 가능한 한 빨리 휴가를 보내고 싶었습니다. 그리고 이별 교향곡의 특이한 두 번째 피날레는 이러한 상황에 대한 힌트로 작용했습니다. 교향곡 외에도 Haydn은 100개 이상의 개별 미뉴에트를 포함하여 오케스트라를 위한 다른 많은 작품을 보유하고 있습니다. 그리고 갑자기 모든 것이 즐겁게 변형됩니다. 소나타 알레그로의 설명이 시작됩니다. 느린 템포 대신 - 빠른 (Allegro con spirito - "빠르게, 열정으로"), 무거운 저음 유니슨 대신 - 주요 부분의 이동성, 전염성 쾌활한 댄스 테마의 첫 번째 동기는 G의 동일한 사운드에서 탄생합니다. 높은 레지스터의 A 플랫. 메인 키에 명시된 이 주제의 모든 모티프는 첫 번째 사운드의 반복으로 시작됩니다. 마치 열렬한 짓밟는 것처럼: Symphony in E-flat major 이것은 Haydn의 12개의 "London Symphonies" 중 11번째입니다. 주요 키는 E-플랫 장조입니다. 그것은 "팀파니 트레몰로 교향곡" 22로 알려져 있습니다. 교향곡은 4악장입니다. 첫 번째 부분은 느린 소개로 시작됩니다. 강장제에 맞춰진 팀파니의 트레몰로("분할")가 부드럽게 들립니다. 그것은 천둥의 먼 두루마리와 같습니다. 그런 다음 소개의 주제가 부드럽고 넓은 "선반"으로 펼쳐집니다. 첫째, 첼로, 더블베이스, 바순이 옥타브 유니즌으로 연주한다. 어떤 신비로운 그림자가 조용히 떠다니다가 가끔 멈추는 것 같다. 여기에서 그들은 주저하고 정지합니다. 소개의 마지막 소절에서 이웃 소리 G와 A-flat에서 유니슨이 여러 번 번갈아 가며 귀가 기대하도록 강요합니다. 다음에 무슨 일이 일어날까요? 테마는 피아노 현악기에 의해 두 번 반복되며, 춤추는 재미의 거친 포효로 보완되어 전체 오케스트라에서 포르테로 들립니다. 이 럼블은 순식간에 스쳐지나가고, 이어진 부분에서 미스터리한 힌트가 다시 나타난다. 톤 안정성이 깨졌습니다. 측부의 키인 B플랫장조(E플랫장조의 지배)에 전조가 있다. 연결 부분에는 새로운 테마가 없지만 팀파니 테마의 원래 동기가 들립니다. 피부가 뻗어있는 반구가 두 개의 막대기로 쳐집니다. 각 반구는 한 피치의 소리만 낼 수 있습니다. 클래식 교향곡은 일반적으로 토닉과 도미넌트로 조율된 두 개의 반구를 사용합니다. 22 28 www.classON.ru 주요 부분의 러시아 예술 분야에서의 어린이 교육 및 소개 주제의 먼 알림 : 박람회는 측면 부분의 키 확인으로 끝납니다 (B- 플랫 메이저). 박람회가 반복되고 개발이 이어집니다. 그것은 주요 부분의 주제에서 분리된 모티프의 다성적 모방과 음조 조화 발전으로 가득 차 있습니다. 사이드 게임의 테마는 개발이 끝날 무렵에 나타납니다. 메인 키와는 거리가 먼 D- 플랫 메이저 키로 완전히 연주됩니다. 즉, 새롭고 특이한 조명으로 나타납니다. 그리고 어느 날 (fermata와 함께 일반적인 일시 중지 후) 서론의 신비한 주제의 억양도베이스에 나타납니다. 개발은 주로 피아노와 피아니시모로 들리며 가끔은 별도의 스포르찬도 악센트가 있는 포르테와 포르티시모로 들립니다. 이것은 신비의 인상을 향상시킵니다. 개발중인 메인 파티 테마의 모티브는 때때로 환상적인 춤과 비슷합니다. 이것은 때때로 밝게 깜박이는 신비한 빛의 춤이라고 상상할 수 있습니다. E-플랫 장조 키의 재현에서는 본편뿐만 아니라 측부도 반복되며 바인더는 건너뛴다. 코드에 몇 가지 미스터리가 나타납니다. 도입부처럼 아다지오 템포, 조용한 팀파니 트레몰로, 느린 유니슨 동작으로 시작됩니다. 그러나 곧 첫 번째 부분이 끝나면 빠른 템포, 시끄러운 울림, 경쾌한 춤 "쿵"이 돌아옵니다. 교향곡의 두 번째 부분인 Andante는 두 가지 주제, 즉 C단조의 노래와 C장조의 노래 행진곡의 변주곡입니다. 이러한 소위 이중 변주곡의 구성은 다음과 같습니다. 첫 번째 주제와 두 번째 주제의 개요를 설명한 다음 첫 번째 주제의 첫 번째 변형, 두 번째 주제의 첫 번째 변형, 첫 번째 주제의 두 번째 변형, 두 번째 주제를 따릅니다. 두 번째 테마의 소재를 기반으로 두 번째 테마와 코드의 변형. 오늘날까지 연구원들은 첫 번째 주제의 국적에 대해 논쟁합니다. 크로아티아 음악가들은 그 기능면에서 크로아티아인이라고 믿습니다. 민요 , 그리고 헝가리어 - 이것은 헝가리 노래입니다. Serbs, Bulgarians, Poles도 국가적 특징을 찾습니다. 이 논쟁은 확실하게 해결할 수 없습니다. 이러한 사이드 파트의 주제 녹음은 다시 경쾌한 댄스이기 때문입니다. 하지만 메인 파티에 비해 그녀는 그다지 활기차지 않고 더 우아하고 여성 스럽습니다. 멜로디는 오보에와 함께 바이올린에서 들립니다. 전형적인 왈츠 반주는 왈츠의 조상 중 하나인 오스트리아와 남독일 춤인 이 주제를 착륙선에 더 가깝게 만듭니다. 분명히 여러 슬라브 및 헝가리 곡의 기능이 병합되었습니다. 특히, 증강된 초(E-flat - fadiez)에 대한 독특한 움직임입니다. 그리고 대규모 코드에서 "뮤지컬 이벤트"개발의 예기치 않은 전환이 발생합니다. 먼저 행진하는 테마가 부드럽고 투명한 사운드로 바뀝니다. 그러면 그것으로부터 고립된 모티프가 점선 리듬으로 강렬하게 전개된다. 이로 인해 갑자기 마장조의 조성이 나타나며, 이후 행진주제의 마지막 악절은 다장조로 밝고 엄숙하게 들린다. 교향곡의 세 번째 부분인 미뉴에트(Minuet)는 원래 상류층 댄스의 위엄 있는 걸음걸이와 멜로디의 변덕스러운 넓은 도약 및 당김음이 결합되어 있습니다. 첫 번째와 대조적으로 동시에 네 번째 비트, 멜로디의 상승 및 하강 방향, 높은 네 번째 단계(fadiez)와 같은 약간의 유사성이 있습니다. 이 기발한 주제는 부드럽고 차분한 움직임으로 시작됩니다. 트리오에서 - 첫 번째 섹션과 정확한 반복 사이에 위치한 미뉴에트의 중간 섹션23: 피아노와 피아니시모 현악기에 의한 첫 번째 테마의 설명은 일부 특이한 사건에 대한 이야기의 시작과 같은 여유로운 내레이션과 같습니다. 이들 중 첫 번째는 관악기가 현악기 그룹에 추가되는 두 번째 행진 주제의 갑자기 큰 소리로 제시될 수 있습니다. 내러티브 어조는 첫 번째 주제의 첫 번째 변주에서 유지됩니다. 그러나 슬프고 조심스러운 메아리가 그녀의 소리에 합류합니다. 제2주제의 제1변주에서는 독주 바이올린이 기발한 패턴의 패시지로 멜로디를 물들인다. 첫 번째 테마의 두 번째 변형에서 내레이션은 갑자기 격렬하고 동요하는 성격을 띠게 됩니다(팀파니를 포함한 모든 악기가 사용됨). 두 번째 부분에서 미뉴에트(또는 오히려 성격 면에서 극도로 미묘하고 기괴한 부분)는 한편으로는 교향곡의 첫 번째 부분과 두 번째 부분, 그리고 다른 한편으로는 민속적이고 일상적인 주제와 대조됩니다. 마지막, 네 번째 부분 - 피날레. 여기서는 고전적인 소나타 알레그로여야 하므로 제시부에서 본부는 E플랫 장조의 메인키로, 사이드 파트는 B플랫장조의 딸림키로, 그리고 재현부에서는 둘 다 그들은 E-플랫 장조로 들립니다. 그러나 측부에서는 오랫동안 관현악 작품의 중간 부분을 3개의 악기로 연주하는 것이 일반적이었다. 여기에서 "트리오"라는 이름이 유래되었습니다. 23 30 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육은 완전히 새로운 주제입니다. 본당을 주제로 한 소재를 바탕으로 제작되었습니다. 에서 생산 프랑스어 단어 "ronde"는 "원"또는 "둥근 춤"을 의미합니다. 질문 및 작업 1 . Haydn과 Mozart는 언제 성숙한 교향곡을 작곡하게 되었습니까? 2. 하이든 교향곡은 보통 어떤 부분으로 구성됩니까? 하이든 오케스트라의 악기 그룹 이름을 지정하십시오. 3. 하이든 교향곡의 어떤 제목을 알고 있습니까? 4. 하이든의 교향곡 E-플랫 장조를 "with tremolo or Taurus"라고 부르는 이유는 무엇입니까? 어떤 섹션으로 시작합니까? 5. 이 교향곡 1악장의 소나타 형식의 주요 주제를 설명하시오. 6. 교향곡의 두 번째 부분은 어떤 형식과 주제로 쓰여졌습니까? 7. 세 번째 부분의 주요 주제와 섹션을 설명하십시오. 8. 피날레에서 메인 파트와 사이드 파트의 테마 상관 관계의 특징은 무엇입니까? 교향곡 1악장과 피날레의 음악적 특성 사이에는 어떤 연관성이 있습니까? 따라서 전체 피날레는 하나의 주제를 기반으로 합니다. 복잡한 게임처럼 작곡가는 테마를 완전히 재개하거나 변형과 개별 요소를 능숙하게 결합합니다. 그리고 그녀는 그 자체로 흥미 롭습니다. 결국, 두 개의 뿔의 소위 "황금 이동"인 고조파 기반이 먼저 나타납니다. 이는 사냥 뿔의 전형적인 신호입니다. 그리고 나서야 크로아티아 민요에 가까운 댄스 멜로디가이를 바탕으로 중첩됩니다. 그것은 하나의 소리에 대한 "쿵쿵 거리는 소리"로 시작하고 앞으로이 동기는 여러 번 반복되고 모방되며 한 목소리에서 다른 목소리로 이동합니다. 이는 1악장 메인 테마의 오프닝 모티브와 그곳에서 전개되는 방식을 연상시킨다. 또한 작곡가는 결승전에서 동일한 템포 인 Allegro con spirito를 표시했습니다. 따라서 피날레에서는 경쾌한 포크 댄스의 요소가 마침내 지배합니다. 그러나 여기에는 특별한 성격이 있습니다. 춤이 노래와 게임 액션과 결합 된 그룹 댄스 인 복잡한 라운드 댄스처럼 보입니다. 이것은 또한 박람회에서 주요 부분이 작은 전환 에피소드 이후와 측면 부분 이후에 두 번 추가로 주요 키에서 반복된다는 사실로도 확인됩니다. 즉, 다시 시작되어 원을 그리며 움직입니다. 그리고 이것은 소나타 형식에 론도 형식의 특징을 도입한 것이다. 이미 언급했듯이 "론도"라는 단어 자체는 클라비어 창의성 Haydn이 그의 클라비어 작품을 만들었을 때 피아노는 점차 음악 연습에서 하프시코드와 클라비코드를 대체했습니다. Haydn은 이 고대 건반 악기에 대한 초기 작곡을 썼고 이후 판에서 "하프시코드 또는 피아노용"을 표시하기 시작했으며 마지막으로 때때로 "피아노용"만 표시하기 시작했습니다. 그의 클라비어 작품 중에서 가장 중요한 위치는 독주 소나타이다. 이전에는 Haydn이 52 개만 가지고 있다고 믿었지만 연구원의 검색 덕분에이 숫자가 62 개로 증가했습니다. 그중 가장 유명한 것은 D장조와 E단조24의 소나타입니다. 소나타 D장조 이 소나타의 첫 부분을 시작하는 본부의 주제는 소년다운 장난스러운 옥타브 점프, 은총음, 모르덴트, 소리의 반복으로 기쁨과 경쾌함이 튀는 춤이다. 이러한 음악은 또한 오페레부파에서 연주되는 것으로 상상할 수 있습니다. 이전 버전에서는 이러한 소나타가 "No. 37" 및 "No. 34"로 인쇄되고 이후 버전에서는 "No. 50" 및 "No. 53"으로 인쇄됩니다. . 24 31 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 그러나 주요 부분에서 장난스러운 점프가 측면 부분의 테마 개발에 침투 한 다음- 까다로운 통로 연결 부분에서 움직임. 마치 순간적인 결정처럼 더 긴장되고 휩쓸리며 갑자기 빠르게 진정됩니다. 그 후 무심코 춤을 추는 마지막 파티로 박람회는 끝납니다. 개발에는 다시 활기 넘치는 소란이 있습니다. 여기에서 옥타브가 메인 파트의 주제에서 점프하여 왼손으로 이동하고 훨씬 더 장난스러워지고 악절 움직임은 박람회에서 보조 파트의 테마 전개보다 훨씬 더 큰 긴장과 넓은 범위에 도달합니다. 재현에서는 메인 키(D 장조)의 측면과 마지막 부분의 사운드가 즐거운 분위기의 지배력을 확고히 합니다. 가장 강한 대조는 느리고 성격이 절제된 짧은 2악장에 의해 소나타에 도입됩니다. 같은 이름의 키로 D단조로 쓰여 있습니다. 사라방드의 묵직한 발걸음이 음악에서 들립니다. 오래된 춤으로 종종 장례 행렬의 성격을 띠기도 합니다. 그리고 세 쌍둥이와 점선으로 된 리드미컬 한 숫자가있는 표현적인 멜로디 느낌표에는 헝가리 집시의 슬픈 멜로디와 유사점이 있습니다. 그리고 측면 부분의 주제(A 장조 키)도 춤출 수 있으며 더 절제되고 우아합니다. 32 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 E Minor 소나타 . 그는 부지런히 준비했지만 Esterhazy Chapel에서의 공식 임무 때문에 수행 할 수 없었습니다. 먼 "해외"여행의 꿈과 그와 관련된 경험이 당시 발생한 E 단조 소나타에 반영되었을 가능성이 있습니다. 하이든의 몇 안 되는 단조 소나타 중 첫 번째 악장에서 뚜렷한 서정적 성격이 매우 빠른 템포와 결합된 유일한 곡입니다. 소나타가 시작되는이 악장의 주요 부분 주제도 독특합니다. 그러나 하이든의 낙관적 예술에서 우울한 죽음의 이미지는 항상 밝은 삶의 이미지로 극복됩니다. 그리고이 소나타의 D 단조 두 번째 부분은 토닉이 아니라 지배적 인 화음으로 끝나며 성급한 D 장조 피날레 25를 직접 통과합니다. D 메이저의 메인 키에서) - 세 번 반복되며 반복 사이에 섹션이 변경됩니다. 에피소드 : 첫 번째 에피소드는 D 마이너이고 두 번째 에피소드는 G 메이저입니다. 여기 첫 번째 D 마이너 에피소드에서만 슬픈 기억이 스쳐지나갑니다. 중간 부분의 메아리입니다. G 장조의 두 번째 에피소드는 이미 부주의하게 쾌활하며 같은 음에서 오른손과 왼손의 코믹한 "롤 콜"로 이어집니다. 그리고 피날레의 날고 춤추는 메인 테마(후렴 론도)는 하이든의 가장 쾌활한 것 중 하나입니다. 테마의 시작 프레이즈는 여기에서 두 요소의 조합으로 구성됩니다. 저음의 왼손에서 피아노는 멀리 떨어진 곳으로 돌진하라는 외침과 같은 마이너 토닉 트라이어드로 움직입니다. 그리고 오른쪽에는 마치 의심하고 흔들리는 동기-답변처럼 떨림이 따릅니다. 테마의 일반적인 움직임은 부드럽고 기복이 있으며 흔들리고 있습니다. 또한 첫 번째 악장의 크기(6/8)는 전형적인 바카롤 장르인 "물 위의 노래"26입니다. 연결 부분에는 측면 및 마지막 부분의 키인 E 단조와 평행한 G 장조로의 전조가 있습니다. 16분의 1의 움직이는 구절로 채워진 연결 부분과 마지막 부분은 측면 부분을 구성합니다. 가볍고 몽환적입니다. 이것은 "즉시 피날레를 시작하다"를 의미하는 이탈리아어 단어 "attacca subito il Finale"로 표시됩니다. 처음에는 베네치아 곤돌라의 노래를 barcarolles라고 불렀습니다. 장르의 이름은 이탈리아어 "barca"- "boat"에서 유래했습니다. 25 26 33 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 급증하는 듯 : 자연, 신호음과 함께 귀국을 부르는 듯 즐거운 불안에 가슴이 뛰는 것 같았다! 그리고 여기에서 코드 전환 후 3악장(피날레)의 메인 테마가 등장합니다. 이것은 피날레가 쓰여지는 론도 형식의 후렴구입니다. 고국으로 "전항"으로 돌진하는 데 도움이되는 영감을받은 동반 노래처럼 보입니다. 따라서 피날레에서 론도 형식의 구성은 다음과 같습니다. 후렴구 (E 단조), 첫 번째 에피소드 (E 장조) , 후렴구(E단조), 두 번째 에피소드(E단조), 후렴구(E단조). 두 에피소드 모두 후렴구와 멜로디 친화력으로 서로 연결되어 있습니다. 연결, 보조 및 최종 부분이 들리면 상상력은 유혹적인 이미지를 그립니다. 공정한 바람이 얼마나 자유롭게 불고, 빠른 움직임이 얼마나 즐겁게 진행되는지. 또한 메인, 연결 및 최종 부품의 재료를 기반으로 한 개발 과정에서 마이너 키의 편차가 우선합니다. 메인에서, 즉 메이저가 아닌 마이너 톤, 재현에서 더 넓은 소리가 된 2차 및 최종 파트. 그럼에도 불구하고 슬픔과 영적 의심은 미지의 거리로 노력함으로써 마침내 패배합니다. 메인 파티 주제의 도발적인 시작이 현저하게 반복되는 첫 번째 악장의 마지막 마디의 의미입니다. G 장조의 느린 소나타 두 번째 부분은 일종의 기악 아리아로 가벼운 명상적인 분위기로 가득 차 있습니다. 그녀의 밝은 coloratura는 새가 지저귀는 메아리, 시냇물 소리로 가득 차 있습니다. 질문 및 작업 1. 주요 장르는 무엇입니까 클라비어 음악 하이든. 그의 소나타 중 얼마나 많은 것이 알려져 있습니까? 2. 소나타 1악장 D장조의 주요 부분을 설명하시오. 이 부분에서 메인 부분과 측면 부분 사이의 연결이 있습니까? 3. D장조 소나타 2악장은 음악에 어떤 대조를 가져옵니까? 피날레와의 관계는 무엇입니까? 4. 소나타 E단조 1부 본부의 구조적 특징과 주제의 성격에 대해 말씀해 주십시오. 이 파트의 나머지 주제와 섹션을 완성하고 특성화하십시오. 5. E단조 소나타 2악장의 특징은 무엇인가? 6. 소나타 E단조 피날레의 형식과 주제의 성격에 대해 말씀해 주십시오. 주요 작품 100곡 이상의 교향곡 (104) 다양한 악기와 관현악을 위한 협주곡 시리즈 80개 이상의 콰르텟 (바이올린 2대, 비올라, 첼로) (83) 클라비에 소나타 62곡 창조와 계절의 오라토리오 24개 오페라 스코틀랜드와 아일랜드 가곡의 편곡 그의 교향곡, 기악 협주곡, 다양한 실내악 앙상블, 피아노 소나타, 합창단을위한 레퀴엠, 솔리스트와 오케스트라. Mozart의 비정상적으로 초기에 빠르게 발전한 경이로운 재능은 그의 이름을 중심으로 만들어졌습니다. 전설적인 "음악적 기적"의 후광. 밝은 특성; 그는 연극 ( "작은 비극") "Mozart and Salieri"에서 A. S. Pushkin에 의해 영감을받은 예술가로 주어졌습니다. 그것에 따르면 N. A. Rimsky Korsakov가 같은 이름의 오페라를 썼습니다. 27. Mozart는 P. I. Tchaikovsky 28의 가장 좋아하는 작곡가였습니다. 어린 시절. 1756년 1월에 태어난 볼프강 아마데우스 모차르트의 고향은 오스트리아 잘츠부르크입니다. 그것은 알프스의 동쪽 산기슭에 흐르는 빠른 Salzach 강의 언덕이 많은 둑에 그림처럼 펼쳐져 있습니다. 잘츠부르크는 작은 공국의 수도였으며 그 통치자는 대주교의 영적 위엄을 가졌습니다. Wolfgang Amadeus의 아버지 Leopold Mozart는 그의 예배당에서 봉사했습니다. 그는 진지하고 고도로 교육받은 음악가였습니다. 다작의 작곡가, 바이올리니스트, 오르간 연주자 및 교사였습니다. 그가 출판 한 "바이올린 연주 학교"는 러시아를 포함한 여러 국가에 배포되었습니다. Leopold와 그의 아내 Anna Maria의 일곱 자녀 중 막내 아들 Wolfgang Amadeus와 나이가 많은 딸 Maria Anna (Nannerl) 만이 살아 남았습니다! 4년 반 동안의 형제. 그의 아버지는 뛰어난 능력을 가진 Nannerl에게 하프시코드 연주를 가르치기 시작했을 때 곧 3살짜리 볼프강과 함께 공부하기 시작했고, 그의 가장 훌륭한 귀와 놀라운 음악적 기억력에 주목했습니다. 그는 음악을 작곡했고 그의 첫 번째 생존 하프시코드 작품은 작가가 겨우 5살이었을 때 그의 아버지에 의해 녹음되었습니다. 네 살짜리 볼프강이 클라비에 협주곡을 작곡하려 했던 이야기가 있다. 펜과 함께 그는 손가락을 잉크 병에 담그고 오선지에 오점을 찍었습니다. 아버지는 이 유치한 녹음을 들여다보셨을 때 오점을 통해 의심의 여지가 없는 음악적 의미를 발견하셨습니다. 가장 위대한 음악 천재 중 한 명인 오스트리아 작곡가 볼프강 아마데우스 모차르트는 불과 35세까지 살았습니다. 이 중 그는 30년 동안 음악을 작곡했고 600개가 넘는 작품의 유산을 남기며 세계 예술의 황금기금에 값진 공헌을 했다. 그의 일생 동안 모차르트의 창조적 재능에 대한 가장 충실하고 가장 높은 평가는 그의 동시대 장로 Joseph Haydn에 의해 주어졌습니다. "... 당신의 아들은 내가 개인적으로 그리고 이름으로 아는 가장 위대한 작곡가입니다." 그는 취향이 있고 그 외에도 작곡에 대한 최고의 지식이 있습니다. 비엔나의 고전이라 불리는 하이든과 모차르트의 음악은 세계에 대한 낙관적 능동적-효과적 인식, 시적 고상함과 깊이감으로 감정을 표현함에 있어서 단순함과 자연스러움이 결합되어 있다는 공통점을 가지고 있다. 동시에 그들의 예술적 관심 사이에는 상당한 차이가 있습니다. Haydn은 민속 일상 및 서정적 서사적 이미지와 실제로 서정적이고 서정적이며 극적인 이미지 인 Mozart에 더 가깝습니다. 모차르트의 예술은 특히 사람의 감정적 경험에 대한 민감성과 다양한 인간 캐릭터의 구현에서 정확성과 생동감이 매력적입니다. 이것은 그를 뛰어난 오페라 작곡가로 만들었습니다. 그의 오페라, 특히 피가로의 결혼, 돈 조반니, 마술피리는 모든 뮤지컬 극장의 무대에서 상연되면서 3세기 동안 변함없는 성공을 거두었습니다. 세계 콘서트 레퍼토리에서 가장 명예로운 장소 중 하나는 모차르트의 작품으로 가득 차 있으며 살리에리가 부러워 모차르트를 독살 한 버전은 전설에 불과합니다. 차이콥스키 오케스트레이션 4개 피아노 곡 Mozart는 "Mozartiana" 모음곡을 편집했습니다. 27 28 35 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육은 바이올린 협주곡을 연주합니다... 손수건으로 덮인 건반에서 연주하고 눈앞에 있으면 멀리서 모든 이름을 지을 것입니다 하나씩 또는 화음으로 소리가 clavier 또는 다른 악기에서 가져 오거나 종, 유리, 시계와 같은 물체로 게시됩니다. 결국 그는 하프시 코드뿐만 아니라 청중이 원하는만큼 오르간에서도 즉흥 연주를 할 것이며, 그들이 그를 부르는 가장 어려운 키조차도 ...”첫 번째 콘서트 여행. Leopold Mozart는 재능 있는 아이들과 함께 주요 음악 센터로 콘서트 여행을 가기로 결정했습니다. 독일 도시 뮌헨으로의 첫 번째 여행은 볼프강이 겨우 여섯 살이던 1762년 초에 이루어졌습니다. 6개월 후 모차르트 가족은 비엔나로 갔다. 그곳에서 Wolfgang과 Nannerl은 황실에서 공연을 했고 큰 성공을 거두었으며 많은 선물을 받았습니다. 1763년 여름 모차르트 가족은 파리와 런던으로 대대적인 여행을 떠났습니다. 그러나 먼저 그들은 여러 독일 도시를 방문했고 돌아 오는 길에 다시 파리와 암스테르담, 헤이그, 제네바 및 기타 여러 도시를 방문했습니다. 작은 모차르트, 특히 볼프강의 공연은 모든 곳, 심지어 가장 웅장한 왕실에서도 놀라움과 감탄을 불러일으켰습니다. 그 시대의 관습에 따르면 볼프강은 수 놓은 검은 양복과 가루 가발로 고귀한 청중 앞에 나타 났지만 동시에 그는 순전히 유치한 자발성으로 행동했습니다. 예를 들어 무릎을 꿇고 황후에게 뛰어들 수있었습니다. . 4-5시간 연속으로 진행된 콘서트는 작은 음악가들에게는 매우 피곤한 일이었고, 대중에게는 일종의 오락거리가 되었습니다. 다음은 발표 중 하나에서 말한 내용입니다. “... 12 학년 소녀와 7 학년 소년이 하프시 코드에서 콘서트를 할 것입니다 ... 또한 소년 36 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 교육 콘서트 투어는 3년 이상 계속되었으며 볼프강은 다양한 인상을 받았습니다. 그는 많은 기악과 성악 작품 , 뛰어난 음악가들을 만났습니다 (런던에서-Johann Sebastian Bach의 막내 아들 Johann Christian과 함께). 공연 사이에 볼프강은 열정적으로 작곡을 공부했습니다. 파리에서 그의 바이올린과 하프시코드를 위한 소나타 4개가 절판되었는데, 이는 이것이 7세 소년의 작품임을 나타냅니다. 런던에서 그는 첫 번째 교향곡을 썼습니다. 잘츠부르크로 돌아가서 비엔나에 머뭅니다. 첫 번째 오페라. 1766년 말에 온 가족이 잘츠부르크로 돌아갔다. 볼프강은 아버지의 지도 아래 체계적으로 작곡기법을 배우기 시작했다. 모차르트는 1768년 내내 빈에서 보냈다. 극장과의 계약에 따라 12세의 볼프강은 이탈리아 모델을 따라 3개월 만에 부파 오페라 The Imaginary Simple Girl을 썼습니다. 리허설이 시작되었지만 공연이 연기되기 시작했다가 완전히 취소되었습니다 (아마 부러워하는 사람들의 음모 때문일 것입니다). 내년 잘츠부르크에서만 열렸습니다. 비엔나에서 볼프강은 5개의 교향곡을 포함하여 다른 많은 음악도 작곡했으며 새 교회 봉헌식에서 장엄한 미사를 성공적으로 집전했습니다. 이탈리아 여행. 1769년 말부터 1773년 초까지 볼프강 아마데우스는 아버지와 함께 이탈리아를 세 번이나 여행했습니다. 이 "음악의 땅"에서 젊은 모차르트는 로마, 나폴리, 밀라노, 피렌체를 포함한 12개 이상의 도시에서 큰 성공을 거두었습니다. 그는 교향곡을 지휘했고, 하프시코드, 바이올린, 오르간을 연주했고, 주어진 주제에 대한 소나타와 푸가를 즉흥적으로 연주했으며, 주어진 텍스트에 대한 아리아를 연주했으며, 어려운 작품을 눈으로 보기에 훌륭하게 연주하고 다른 키로 반복했습니다. 그는 볼로냐를 두 번 방문하여 한동안 유명한 교사 인 이론가이자 작곡가 인 Padre Martini로부터 수업을 들었습니다. 어려운 테스트(복잡한 폴리포닉 기법을 사용한 폴리포닉 작곡)를 훌륭하게 통과한 14세의 모차르트는 볼로냐 필하모닉 아카데미의 특별 예외 회원으로 선출되었습니다. 그리고 헌장에 따르면 20 세가되었고이 권위있는 기관에 예비 체류 한 경험이있는 음악가 만이 허용되었습니다. 로마에서 바티칸(교황 관저) 29에 있는 시스티나 예배당을 방문한 모차르트는 17세기 이탈리아 작곡가 그레고리오 알레그리가 두 합창단을 위한 대규모 다성음악 작곡을 들은 적이 있습니다. 이 저작물은 교황의 재산으로 간주되어 복사하거나 배포할 수 없습니다. 그러나 모차르트는 복잡한 합창 악보 전체를 암기하여 적었고 교황 합창단은 녹음의 정확성을 확인했습니다. 음악뿐만 아니라 순수 예술과 건축의 위대한 나라인 이탈리아는 모차르트에게 풍부한 예술적 인상을 남겼습니다. 그는 특히 오페라 하우스 방문에 매료되었습니다. 청년은 이탈리아 오페라 스타일을 마스터하여 짧은 시간에 세 개의 오페라를 썼고 밀라노에서 큰 성공을 거두었습니다. 이들은 "미트리다테스, 폰투스의 왕"과 "루시우스 술라"의 두 오페라 시리즈와 신화적 음모 "알바의 아스카니오"30에 대한 목회 오페라입니다. 비엔나, 뮌헨, 만하임, 파리 여행. 눈부신 창작 및 콘서트 성공에도 불구하고 볼프강 아마데우스는 이탈리아 국가의 어떤 통치자의 궁정에서도 봉사하지 못했습니다. 나는 잘츠부르크로 돌아가야 했다. 여기에서 죽은 대주교 대신 새롭고 더 전제적이고 무례한 통치자가 통치했습니다. 그의 복무 중이던 모차르트는 새로운 여행을 위해 휴가를 받기가 더 어려워졌습니다. 그리고 모차르트가 작곡을 열망했던 오페라 하우스는 잘츠부르크에서 사용할 수 없었고 다른 음악 활동의 기회도 제한되었습니다. 두 음악가의 비엔나 여행은 잘츠부르크 대주교 자신이 오스트리아의 수도를 방문하기를 원했기 때문에 가능했습니다. 마지못해 그는 또한 모차르트가 여행할 수 있도록 허락했습니다. 새로운 오페라 부파가 상연된 뮌헨 젊은 작곡가. 그리고 다음 여행을 위해 Wolfgang Amadeus만이 매우 어렵게 허가를 받았습니다. 그의 아버지는 잘츠부르크에 머물도록 강요받았고 그의 어머니는 아들과 함께 갔다. 첫 번째 장거리 정류장은 독일 도시 만하임에서 이루어졌습니다. 여기에서 Wolfgang Amadeus와 Anna Maria는 전 고전 만하임 작곡가 학교의 대표자였던 당시 유명한 심포니 오케스트라의 지도자 중 한 명이 그의 집에서 진심으로 환영했습니다. 만하임에서는 미켈란젤로를 비롯한 이탈리아 예술가들이 작곡한 모차르트. 30 폰투스 왕국은 주로 현재의 터키 해안("Pont Euxinus", 즉 "친절한 바다", 흑해의 고대 그리스 이름)인 흑해에 있는 고대 국가입니다. Lucius Sulla는 고대 그리스의 군사 및 정치 인물입니다. Pastoral (이탈리아어 "pastore"- "shepherd"에서 유래)은 자연의 품속의 삶을 이상화하는 음모가있는 작품입니다. 시스티나 예배당 - 바티칸에 있는 교황의 고향 교회; 15세기 교황 식스투스 4세 시대에 지어졌다. 예배당의 벽과 천장은 위대한 29 37 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육으로 칠해져 있습니다. 전선성숙의 시작으로 표시되는 대부분의 도구적인 작품 음악 스타일 . 그러나 여기서도 Wolfgang Amadeus의 정규직 공석은 없었습니다. 1778년 봄, 모차르트와 그의 어머니는 파리에 도착했습니다. 그러나 그곳에서 진정한 인정을 받고 탁월한 위치를 차지하려는 희망은 이루어지지 않았습니다. 프랑스의 수도에서 살아있는 장난감처럼 보이는 이 기적의 아이는 이미 잊혀졌고 그들은 젊은 음악가의 번창하는 재능을 알아보지 못했습니다. Mozart는 콘서트 조직이나 오페라 주문에 운이 좋지 않았습니다. 그는 작은 발레 "장신구"를 위해서만 음악을 쓸 수있는 극장을 위해 수업에서 얻은 비참한 수입으로 살았습니다. 그의 펜 아래에서 새로운 주목할만한 작품이 나왔지만 그 자체로는 진지한 관심을 끌지 못했습니다. 그리고 볼프강 아마데우스의 여름에 큰 슬픔을 겪었습니다. 그의 어머니는 병에 걸려 죽었습니다. 내년 초 모차르트는 잘츠부르크로 돌아왔다. 오페라 이도메네오. 대주교와 헤어지고 비엔나로 이동하십시오. 모차르트에게 다가올 몇 년 동안 가장 중요한 사건은 뮌헨에서 크레타의 왕 Idomeneo라는 오페라를 만들고 상연하여 큰 성공을 거둔 것입니다. 여기에서 이탈리아 오페라 세리아의 최고의 특성이 Gluck의 오페라 개혁 원칙과 결합되었습니다. 이것은 모차르트의 생생하고 독창적인 오페라 걸작의 출현을 위한 길을 열었습니다. ... 1781년이었다. 모차르트는 25살이다. 그는 새로운 창의적인 아이디어로 가득 찬 350개의 작품을 저술한 작가입니다. 그리고 잘츠부르크 대주교에게 그는 오만하고 독재적인 주인이 점점 더 억압하고 모욕하는 음악 하인 일 뿐이며 "요리사 위, 부족한 사람 아래"인민 방의 테이블에 앉도록 강요하고 그를 허용하지 않습니다. 허락 없이 아무 데나 가거나 아무데도 공연하지 않는 것 . 이 모든 것이 모차르트에게는 참을 수 없게 되었고 그는 사직서를 제출했습니다. 대주교는 저주와 모욕으로 그를 두 번 거절했고 그의 측근은 무례하게 음악가를 문 밖으로 쫓아 냈습니다. 그러나 영적인 충격을 받은 그는 자신의 결정을 굳게 지켰습니다. 모차르트는 재정적으로 안정적이지만 의존적인 궁정 음악가라는 지위에서 자랑스럽게 탈피한 최초의 위대한 작곡가였습니다. 비엔나: 지난 10년. 모차르트는 비엔나에 정착했습니다. 예를 들어, 그는 프라하에서 그의 오페라 Don Giovanni의 첫 번째 작품과 관련하여 또는 독일에서 두 번의 콘서트 투어 중에 잠시 오스트리아 수도를 잠시 떠났습니다. 1782년 그는 명랑한 기질과 음악성으로 구별되는 콘스탄스 베버와 결혼했다. 차례로 아이들이 태어났습니다 (그러나 6 명 중 4 명은 아기로 사망했습니다). 그의 클라비어 음악 연주자로서의 콘서트 공연, 작곡 출판 및 오페라 제작으로 인한 모차르트의 수입은 불규칙했습니다. 또한 친절하고 신뢰하며 비현실적인 사람인 Mozart는 돈 문제를 신중하게 관리하는 방법을 몰랐습니다. 1787 년 말에 댄스 음악 만 작곡하라는 지시를받은 궁정 실내악 연주자의 빈약 한 급여를받는 직위에 임명되었지만 자주 경험하는 돈의 필요성에서 그를 구하지 못했습니다. 그럼에도 불구하고 비엔나에서 10년 동안 모차르트는 250개 이상의 새로운 작품을 만들었습니다. 그 중에는 많은 장르에서 그의 가장 밝은 예술적 업적이 빛났습니다. 모차르트의 결혼 해에 그의 노래 The Abduction from the Seraglio가 반짝이며 비엔나에서 큰 성공을 거두었습니다. 유머31. 그리고 오페라 부파 "피가로의 결혼", 원작; 지난 비엔나 시대에 등장한 "유쾌한 드라마" "돈 후안"과 오페라 동화 "마술 피리"의 장르가 속합니다. 가장 높은 봉우리, 뮤지컬 극장 전체 달성! 그의 이야기. 당신의 세 최고의 교향곡, G 단조 (40 번)를 포함하여 마지막으로 밝혀진 모차르트는 1788 년 여름에 썼습니다. 같은 10 년 동안 작곡가의 다른 많은 기악 작품이 등장했습니다. 4 부분으로 구성된 오케스트라 "Little Night Serenade", 여러 피아노 협주곡, 소나타 및 다양한 실내악 앙상블입니다. 모차르트는 그의 현악 4중주 중 6개를 하이든에게 바쳤는데, 하이든은 그와 따뜻한 관계를 유지하고 있었습니다. 우호 관계. 큰 관심을 가지고 모차르트는 이 기간 동안 바흐와 헨델의 작품을 연구했습니다. 모차르트의 가장 최근 작품은 합창단, 독주자, 오케스트라를 위한 죽은 자를 위한 미사 레퀴엠입니다. 1791년 7월, 자신의 이름을 밝히고 싶지 않은 한 남자가 작곡가에게 주문했습니다. 신비스러워 보였고 우울한 예감이 생길 수 있습니다. 불과 몇 년 후 다른 사람의 작품을 사서 자신의 것으로 넘기고 싶어하는 비엔나 백작에게서 주문이 왔다는 것이 밝혀졌습니다. 중병에 걸린 모차르트는 레퀴엠을 완전히 완성하지 못했습니다. 작곡가의 학생 중 한 명이 초안에 따라 완성했습니다. 1791년 12월 5일 밤에 이어진 위대한 음악가의 죽음 직전에 친구들이 아직 완성되지 않은 작품의 일부를 그와 함께 불렀다는 이야기가 있습니다. Requiem의 애절한 디자인에 따라 Mozart 음악의 영감을받은 서정적이고 극적인 표현력은 특별한 숭고함과 진지함을 얻었습니다. 자금 부족으로 Mozart는 부유 한 동부 귀족의 집에있는 여성 절반 인 31 32 Seraglio의 공동 무덤에 묻혔습니다. 라틴어 "requiem"은 "평화"를 의미합니다. 38 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육은 열악하며 그의 매장지는 정확히 알려지지 않았습니다. 드레스를 입은 백작부인 수잔나에게. 그의 아내에게 부끄러운 Almaviva는 피가로와 수잔나가 결혼식을 축하하는 것을 더 이상 막을 수 없으며, 결혼식은 모든 종류의 예기치 않은 사건으로 가득 찬 즐겁고 행복하게 "미친 날"을 끝냅니다. 오페라는 큰 인기를 얻은 서곡으로 시작되며 종종 교향곡 콘서트 34에서 공연됩니다. 다른 많은 서곡과 달리 이 서곡은 오페라 자체에서 들리는 주제를 사용하지 않습니다. 여기에서 후속 작업의 일반적인 분위기, 매혹적인 신속함과 들끓는 쾌활함이 생생하게 전달됩니다. 서곡은 소나타 형식으로 작성되었지만 전개가 없으며 설명과 재현 사이의 짧은 연결로 대체됩니다. 동시에 다섯 가지 테마가 명확하게 구분되어 빠르게 서로를 대체합니다. 첫 번째와 두 번째는 메인 배치, 세 번째와 네 번째는 사이드 배치, 다섯 번째는 최종 배치를 구성합니다. 그들 모두는 활력이 넘치지만 동시에 각자 고유의 특성을 가지고 있습니다. 현악기와 바순이 조화롭게 연주하는 메인 파트의 첫 번째 주제는 장난스러운 민첩성으로 신속하게 움직입니다: 질문과 과제 1. 모차르트의 음악은 하이든의 음악과 어떤 공통점이 있습니까? 그리고 이 두 비엔나 고전의 예술적 관심사의 차이점은 무엇입니까? 2. 귀하의 가족과 어린 시절볼프강 아마데우스 모짜르트. 3. 어린 시절 모차르트는 어떤 나라와 도시에서 공연했습니까? 이번 공연은 어땠나요? 4. 모차르트는 몇 살에 첫 오페라 부파를 썼습니까? 이름은 무엇이며 어디에 두었습니까? 5. 젊은 모차르트의 이탈리아 여행에 대해 알려주세요. 6. 모차르트는 나중에 어떤 도시를 방문했습니까? 그의 파리 여행은 성공적이었는가? 7. 잘츠부르크 대주교와 모차르트의 단절에 대해 알려주세요. 8. 모차르트의 삶과 작품의 마지막 10년을 묘사하십시오. 이 기간 동안 그가 만든 주요 작품의 이름을 지정하십시오. 오페라 "피가로의 결혼" 모차르트의 오페라 "피가로의 결혼" 초연은 1786년 비엔나에서 열렸습니다. 처음 두 번의 연주에서 작곡가 자신이 하프시코드를 지휘했습니다. 성공은 엄청났고 많았지 만 앙코르를 위해 측정이 반복되었습니다. 4막으로 구성된 이 오페라의 대본(구두 텍스트)은 프랑스 작가 Beaumarchais Crazy Day 또는 The Marriage of Figaro의 희극을 바탕으로 Lorenzo da Ponte가 이탈리아어로 썼습니다. 1875년 P. I. 차이코프스키는 이 대본을 러시아어로 번역했고, 그의 번역에서 오페라는 우리나라에서 공연됩니다. 모차르트는 피가로의 결혼을 오페라 부파라고 불렀다. 그러나 재미있는 상황이 있는 유쾌한 코미디만은 아닙니다. 기본 문자 다양한 살아있는 인간 캐릭터로 음악으로 묘사됩니다. 그리고 Beaumarchais 연극의 주요 아이디어는 Mozart에 가깝습니다. 그것은 Almaviva Figaro 백작의 하인과 그의 신부 인 Susanna가 그들의 음모를 교묘하게 드러내는 제목이 붙은 주인보다 더 똑똑하고 예의 바르다는 사실에 있습니다. 백작은 수잔나를 좋아하게 되었고 그녀의 결혼을 늦추려고 합니다. 그러나 피가로와 수잔나는 발생하는 모든 장애물을 독창적으로 극복하여 고귀한 사람을 위해 백작의 아내와 젊은 페이지 케루비노를 끌어들입니다. 메인 파티, 채워진 파티의 연결 주제는 주로 다릅니다. "서곡"이라는 단어가 "열다", "시작하다"를 의미하는 프랑스어 동사 "ouvrir"에서 파생되었음을 상기하십시오. 33 34 39 www.classON.ru 스케일 패시지가 있는 러시아 예술 분야의 대담한 어린이 교육, 사이드 파트의 첫 번째 주제가 나타나며 그 멜로디는 바이올린으로 연주됩니다. 테마는 리드미컬하게 기발하고 약간 변덕스럽지만 지속적인 특성인 보컬 번호를 가지고 있습니다. 따라서 피가로 부분의 첫 번째 솔로 번호 (그녀는 바리톤에게 맡겨졌습니다)-작은 아리아 (cavatina)-Susanna가 약혼자에게 백작이 그녀의 구애를 추구하기 시작했다고 알린 직후에 들립니다. 이와 관련하여 Figaro는 미뉴에트의 움직임에서 멜로디를 조롱합니다. 용감한 상류층 댄스 (cavatina의 세 부분으로 구성된 재현 형식의 극단 부분) : 측면 부분의 두 번째 주제는 결정적인 느낌표와 비슷합니다. 마지막 부분의 주제는 마치 모든 것을 결정하는 것처럼 가장 균형이 잡혀 있습니다. 재현에서 사이드와 마지막 부분은 이미 D 장조의 기본 키로 반복됩니다. 그들은 코다로 연결되어 서곡의 경쾌하고 생동감 있는 특성을 더욱 강조합니다. 이 모차르트 오페라에서는 성악 앙상블, 주로 듀엣(2인용)과 3인조(3인용)가 넓은 공간을 차지합니다. 그들은 하프시코드와 함께 레치타티보로 구분됩니다. 그리고 두 번째, 세 번째 및 마지막, 네 번째 막은 결승전으로 끝납니다. 6 ~ 11 명의 캐릭터가 참여하는 대규모 앙상블입니다. 솔로는 다양한 방식으로 액션의 역동적인 전개에 포함되는데, 카바티나의 중간 부분에서는 절제된 움직임이 빠른 움직임으로 대체되고 우아한 3비트 멜로디가 독단적인 2비트 멜로디로 대체됩니다. 여기에서 피가로는 이미 "어떤 대가를 치르더라도 주인의 교활한 계획: 젊은 페이지 Cherubino에게 전달됩니다. 그는 백작님이 수잔에게 자신의 사랑을 선언하려고 하는 것을 우연히 들었고, 그러한 원치 않는 증인은 병역. 그의 아리아에서 피가로는 유쾌하고 재치있게 상황을 조롱하며 궁정 생활에 만족하는 청년, 가혹한 군대 생활의 그림을 그립니다. 음악에서 이것은 "전투적인" 팡파르 동작과 도발적인 춤의 능숙한 조합으로 반영됩니다. 이것은 론도 형식으로 세 번 들리는 후렴구이다. 다른 하나는 "뜨거운 피가 마음을 설레게 한다"는 노래 같은 성격의 작은 아리아이다. 이것은 백작 부인 자신에게 소심하게 언급 된 부드러운 감정에 대한보다 절제된 고백입니다. Susanna (소프라노)는 많은 앙상블에서 활기차고 손재주가 풍부하며 피가로보다 열등하지 않은 것으로 묘사됩니다. 동시에 그녀의 이미지는 4막. 여기에서 Susanna는 온화한 호소로 Figaro에게 정신적으로 연설합니다. Cherubino 자신 (그의 역할은 낮은 여성 목소리-메조 소프라노로 수행됨)에 관해서는 두 개의 아리아에서 열렬한 청년으로 묘사되며 여전히 이해할 수 없습니다. 자신의 감정 , 매번 사랑에 빠질 준비가 되어 있습니다. 그중 하나는 즐겁고 떨리는 아리아 "Tell, I can't explain"입니다. 간헐적으로 흥분으로 뛰는 것처럼 멜로디와 리듬을 결합합니다. 41 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 질문 및 작업 1 . Mozart의 Le nozze di Figaro는 언제 어디서 초연되었습니까? 2. 대본은 어떤 희극을 기반으로 합니까? 3. 이 작품의 주요 아이디어는 무엇입니까? 4. 오페라의 서곡은 어떻게 구성되어 있습니까? 5. 피가로 파트에서 두 솔로곡의 특징에 대해 알려주세요. 6. 케루비노 역은 어떤 목소리를 맡고 있나요? 그의 아리아의 멜로디를 노래하십시오. 7. Susanna는 앙상블에서 어떻게 특징 지어지며 4 막의 아리아에서 어떻게 특징 지어 집니까? 반대로 네 번째 변형(왼손을 오른쪽 위로 던짐)은 더 대담하게 휩쓸고 있습니다. Andante grazioso의 초기 느린 템포가 매우 느린 Adagio로 대체되는 다섯 번째 변주곡은 coloratura로 채색된 선율적인 기악 아리아입니다. 그리고 마지막 여섯 번째 변주곡의 경쾌한 춤 캐릭터에 빠른 속도(알레그로)로의 변화가 상응한다. 소나타의 두 번째 악장은 미뉴에트입니다. 여느 때처럼 1악장의 음악을 그대로 재현한 3악장 재현 형식으로 구성되어 있다. 그들 사이에는 중간 부분 (Trio) 35가 있습니다. 미뉴에트의 모든 부분에서 남성적이고 단호하고 압도적 인 억양은 표현적인 서정적 느낌표 주소와 유사한 여성적이고 부드럽고 부드러운 억양과 비교됩니다. 일반적으로 터키 행진곡 소나타라고 불리는 클라비에 모차르트의 유명한 소나타 A장조 A장조 소나타는 비정상적으로 구성된 주기입니다. 여기서 첫 번째 악장은 소나타 알레그로가 아니라 가볍고 차분하며 천진난만하게 우아한 주제에 대한 6개의 변주곡입니다. 비엔나의 음악 생활에서 좋고 평화로운 분위기에서 부를 수 있는 노래인 것 같습니다. 부드럽게 흔들리는 리듬에는 오래된 이탈리아 댄스 또는 댄스 노래 인 Siciliana의 움직임과 유사합니다. 작곡가는 소나타 (최종) "A11a Turca"- "In the Turkish way"의 세 번째 부분을 불렀습니다. 나중에이 피날레에 "터키 행진"이라는 이름이 지정되었습니다. 유럽인의 귀에는 드문 터키 민속 음악과 전문 음악의 억양 구조와 공통점이 없습니다. 그러나 18 세기에 주로 연극 음악인 유럽에서는 전통적으로 "터키어"라고 불리는 행진을위한 패션이 생겼습니다. 그들은 크고 스네어 드럼, 심벌즈, 삼각형과 같은 관악기와 타악기가 지배하는 "Janissary"오케스트라의 음색을 사용합니다. 터키 군대의 보병 부대 병사들은 Janissaries라고 불 렸습니다. 행진의 음악은 유럽인들에게 거칠고 시끄럽고 "야만적"인 것으로 인식되었습니다. 변형 사이에 뚜렷한 대조는 없지만 모두 다른 특성을 가지고 있습니다. 첫 번째 변형에서는 우아하고 기발한 멜로디 움직임이 우세하고 두 번째 변형에서는 우아한 장난기가 유머러스 한 색조와 결합됩니다 (왼손 부분의 "장난스러운"은혜 음표가 주목할 만함). A 장조가 아닌 A 단조로 쓰여진 유일한 세 번째 변주곡은 약간 슬픈 선율 형상으로 가득 차 있으며 마치 부드러운 수줍음처럼 고르게 움직입니다. 트리오의 끝에 "Minuetto da capo"라는 명칭이 있습니다. . 이탈리아어 - "머리부터", "처음부터". 35 "Da capo" 42에서 번역 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 피날레는 특이한 형식으로 작성되었습니다. 세 부분으로 구성된 코러스(A 장조)로 정의할 수 있습니다. 코러스의 반복적인 반복은 피날레의 구조에 론도의 특징을 부여한다. 1악장 - 쉽게 "선회하는" 모티프(A 단조) - 중간 악장 - 선율적인 패시지 악장(F-sharp minor) - 자연스럽게 우아한 가창력과 명확한 행진 발걸음이 결합됩니다. 모차르트는 1778년 여름 파리에서 소나타 A장조를 작곡했다. 그러나 그들은 몇 년 후 비엔나에서 이런 일이 일어났다는 정보를 발견했습니다. 그러한 정보는 1782년 모차르트의 노래 "The Abduction from the Seraglio"의 초연이 그곳에서 열렸기 때문에 더욱 그럴듯합니다. 그 안에는 액션이 ​​터키에서 벌어지고 서곡의 음악과 행진곡 같은 두 합창단에서 '예니체리' 음악을 모방한 것이 눈에 띈다. 게다가 시끄러워? 모차르트는 작품이 출판된 1784년에야 원로원 피날레에 A장조의 단조 "Janissary" 코다를 추가했습니다. 소나타에서 "The Abduction from the Seraglio"에서와 같이 노래와 행진 장르에 큰 역할이 속한다는 점도 주목할 만합니다. 이 모든 것에서 모차르트의 매우 특징적인 기악과 연극 음악의 연결이 나타났습니다. 질문 및 작업 1 . 모차르트 소나타 A장조의 주기에서 특이한 점은 무엇입니까? 이 작품의 첫 번째 부분에서 테마의 성격과 그것에 대한 여섯 가지 변형에 대해 알려주십시오. 2. 소나타 2부에는 어떤 댄스 장르가 사용되었나요? 3. A장조 소나타 피날레가 터키 행진곡이라고 불리는 이유를 설명하십시오. 건축의 특징은 무엇입니까? 주요 주제를 노래합니다. 4. 그의 "터키 행진곡"의 음악은 모차르트의 어떤 뮤지컬 및 연극 작품과 함께 울려 퍼지는가? 교향곡 G단조 1788년 비엔나에서 작곡된 교향곡 G단조! (No. 40)은 위대한 작곡가의 가장 영감을 받은 작품 중 하나입니다. 교향곡의 첫 번째 악장은 매우 빠른 템포의 소나타 알레그로입니다. 그것은 비밀스럽고 진지한 서정적 고백으로 즉시 매료되는 주요 부분의 주제로 시작됩니다. 부드럽게 흔들리는 다른 현악기 반주에 맞춰 바이올린으로 노래합니다. 오페라 The Marriage of Figaro(예시 37 참조)에서 Cherubino의 첫 번째 아리아의 시작 부분에서 멜로디에서 동일한 흥분된 리듬을 인식할 수 있습니다. 그러나 이제는 더 "어른"이고 진지하고 용감한 가사입니다. 합창단 (A 장조)은 세 번 들립니다. 일종의 "Janissary noise refrain"과 같으며 왼손 부분은 드럼 롤을 모방합니다. 이와 관련하여 "터키 행진곡"은 때때로 "터키 스타일의 론도"("Rondo alla Turca")라고 불립니다. 36 43 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 작은 발전). 그러나 거기에는 대조가 없으며 모든 것이 현악기에서 들리는 주요 부분의 처음부터 결정되는 일반적인 밝은 분위기를 따릅니다. 주요 부분이 발전하는 연결 부분에서 캐릭터의 남성 성이 향상됩니다. . 측면 부분의 키인 G 단조와 평행하게 B 플랫 장조로 전조가 있습니다. 테마는 메인 테마에 비해 가볍고 우아하며 여성적입니다. 반음계 억양과 현악기와 목관 악기의 음색이 번갈아 가며 채색됩니다. 일곱 번째 마디에는 두 개의 30 초 음표가 가볍게 "펄럭이는"모양이 여기에 나타납니다. 앞으로는 모든 주제의 멜로디 라인에 침투한 다음 다른 악기와 함께 다른 음역에 나타나며 주변을 감싸는 것처럼 보입니다. 그것은 평화로운 자연의 목소리의 메아리와 같습니다. 때때로 약간의 방해만 받으면 이제 가까이서 들리다가 멀리서 들립니다. 확립된 전통에 따르면 교향곡의 세 번째 악장은 미뉴에트입니다. 그러나 중간 부분 인 트리오 만이 분명히 전통적입니다. 부드러운 움직임, 목소리의 선율, G 장조의 조성으로 트리오는 이 미뉴에트의 극단 부분인 G 단조 메인을 시작하는데, 전체적으로 서정적이고 극적인 긴장감 측면에서 보기 드물다. 후에 나타납니다 조용한 묵상 Andante에 구현된 자연은 이제 교향곡의 첫 부분을 지배했던 영적 불안과 불안의 세계로 돌아가야 했습니다. 이것은 교향곡의 주요 키인 G 단조의 반환에 해당합니다. 마지막 부분에서 새로운 에너지 폭발이 발생합니다. 여기서 주역은 메인 파티 주제의 첫 번째-3 사운드-모티프의 반복적이고 지속적인 발전에 속합니다. 다소 광활한 전개가 시작되면서 불안하게 구름이 몰려드는 모양새다. 밝은 B 플랫 장조에서 F 샤프 단조의 우울한 먼 키로 급회전합니다. 개발 과정에서 메인 파티의 테마가 극적으로 발전합니다. 그것은 전체 범위의 키를 거치고 별도의 프레이즈와 모티프로 나뉘며 종종 오케스트라의 다른 목소리로 모방됩니다. 이 테마의 첫 번째 동기는 매우 강렬하게 맥동합니다. 그러나 마침내 그의 맥박이 약해지고 그의 떨림이 억제되고 다시 재발이 온다. 그러나 개발에서 달성된 높은 극적 강도의 영향은 첫 번째 부분의 이 섹션에 반영됩니다. 여기에서 연결 부분의 길이가 크게 증가하여 더 이상 장조가 아닌 측면 및 최종 부분이 표시되지만 G 단조의 기본 키로 이어져 사운드가 더욱 드라마틱해집니다. 교향곡의 두 번째 악장은 내림마장조의 안단테입니다. 부드럽고 온화한 평온함으로 서정적이고 극적인 첫 번째 부분과 대조됩니다. 안단테 형식도 소나타입니다(G단조가 주요 키이고 교향곡의 네 번째 부분인 피날레는 매우 빠른 속도로 진행됩니다. 피날레는 소나타 형식으로 작성됩니다. 교향곡의 이 부분에서 주요 주제는 다음과 같습니다. 1부의 주제와 함께 1부의 주제가 부드럽고 경건한 서정적 고백처럼 들린다면 피날레의 주제는 열정적인 서정적 -극적인 매력, 용기가 넘치고 결정하겠습니다 44 www.classON.ru 러시아 예술 분야의 어린이 교육 2. 교향곡 첫 부분의 주요 주제와 그 발전에 대해 알려주십시오. 교향곡 2부와 3부 음악의 특징은 무엇입니까? 4. 교향곡 피날레의 주도적인 주제는 무엇입니까? 그 성격은 1부 본부의 주제 성격과 어떻게 다릅니까? 5. 어떻게 메인 파트의 테마는 무엇입니까?개발 중 개발의 기반은 무엇입니까? 화음, 그 충동은 하나의 소리 주위를 맴도는 에너지 넘치는 선율에 의해 응답되는 것 같습니다. 교향곡 1악장에서와 같이 피날레 측부의 우아한 주제는 B플랫 장조로 연주될 때 전시장에서 특히 밝다. 플루트, 클라리넷, 바순, 호른, 하프가 있는 플루트 현악 4중주(20개 이상) 및 5중주 클라비에를 위한 소나타, 바이올린 및 클라비에를 위한 변주곡, 환상, 론도, 미뉴에트 for 클라비에 마지막 부분은 기반으로 합니다. 메인 파트 테마의 두 번째 요소. 피날레의 발전에서 메인 파티 주제의 첫 번째 도발적인 요소는 특히 집중적으로 발전합니다. 많은 키와 모방 롤 콜을 수행하는 고조파 및 다 성음 개발 방법의 집중으로 높은 극적인 긴장감이 달성됩니다. 재현에서 G단조의 메인 키에서 측면 부분의 연주는 슬픔에 약간 가려져 있습니다. 그리고 박람회에서와 같이 주요 부분 주제의 두 번째 요소 (긍정적이고 활기찬 인물)는 재현의 마지막 부분의 핵심에서 들립니다. 그 결과, 이 기발한 마자르트 작품의 피날레는 조형적 발전을 통한 목적성 면에서 유례가 없는 전체 소나타-교향곡 주기의 밝은 서정적이고 극적인 정점을 형성합니다. Ludwig van Beethoven 1770-1827 독일의 위대한 작곡가 루트비히 판 베토벤은 비엔나의 고전이라 불리는 3명의 뛰어난 음악가 중 막내입니다. 베토벤은 거창한 사회적 변화와 격변의 시대인 17세기와 19세기 초에 이미 살고 창조했습니다. 그의 젊음은 시대, 질문 및 과제와 일치했습니다 1 . 모차르트는 교향곡 사단조 40번을 언제 어디서 만들었습니까? 45 www.classON.ru 러시아 어린이 미술 교육

(평점: 3 , 평균: 3,67 5점 만점)

제목: 외국의 음악 문학

I. A. Prokhorov의 "외국 음악 문학"이라는 책에 대하여

I. Prokhorova가 편집한 "외국 음악 문학"이라는 제목의 교과서는 독학. 이것은 자료 프레젠테이션의 간결성과 접근성을 설명합니다.

"외국의 음악 문학"이라는 책은 학생들에게 짧은 전기와 유명한 작곡가의 최고의 작품을 소개합니다. 아이들은 I.S.와 같은 천재들의 삶과 작품에 대해 배울 수 있을 것입니다. 바흐, J. 하이든, W.A. 모차르트, L. 베토벤, F. 슈베르트, F. 쇼팽. I. Prokhorova는 재능있는 작곡가의 이야기를 너무 자세하게 설명하지 않았으며 교과서에서 삶의 주요 날짜, 출신, 제목 및 제목, 활동 분야, 직업 선택에 영향을 미치는 조건을 찾을 수 있습니다. 이 책은 음악가의 삶과 작업의 주요 단계, 사회적, 정치적 견해에 대해 알려줄 것입니다.

"외국 음악 문학"이라는 출판물은 음악 학교 학생들을 대상으로하지만 클래식 작품에 무관심하지 않은 사람이라면 누구나이 책에서 흥미로운 점을 발견하게 될 것입니다. I. Prokhorova는 일부 음악적 및 비음악적 개념에 대한 설명으로 텍스트를 풍부하게 하여 덜 학문적으로 만듭니다. 음악가의 삶을 묘사하는 부분은 역사적, 문화 생활당시 유럽 국가들. 이를 통해 학생들은 전설적인 작곡가들이 거주하고 작업한 조건을 더 깊고 넓게 이해할 수 있습니다.

『외국의 음악문학』이라는 책은 집에서 읽기 위한 책이기 때문에 모두 교향곡 작품그 안에 존재하는 것은 네 손으로 배열되어 제공됩니다. 프로그램에 따르면 연말에 연구되는 바흐의 작품에 대한 이야기가 처음에 배치된다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 저자는 프레젠테이션의 연대기를 관찰하기 위해 이 단계를 수행했습니다.

이 책의 편찬자는 이 교과서를 정기적으로 사용함으로써 학생들이 대중적이고 과학적인 음악 문학에 대한 자각을 일깨울 것이라고 확신합니다. 또한 아이들은 읽기 능력을 개발하고 강화할 수 있습니다. 뮤지컬 작품시트에서 벗어나 네 손으로 연주하는 데 익숙해집니다.
독립적인 학습 유명한 작품수업 중에 다른 아이들과 함께 연주할 수 있어 집단 수업이 더욱 활발해지고 클래식 음악에 대한 인식이 크게 향상될 것입니다.

lifeinbooks.net 책에 대한 사이트에서 등록 없이 무료로 다운로드하거나 I. A. Prokhorov의 "외국 음악 문학" 책을 iPad, iPhone, Android 및 Kindle용 epub, fb2, txt, rtf, pdf 형식으로 온라인에서 읽을 수 있습니다. 이 책은 당신에게 많은 즐거운 순간과 독서의 진정한 즐거움을 줄 것입니다. 파트너로부터 정식 버전을 구입할 수 있습니다. 또한 여기에서 문학계의 최신 뉴스를 찾고 좋아하는 작가의 전기를 배울 수 있습니다. 초보 작가를 위해 유용한 팁과 요령, 흥미로운 기사가 ​​포함된 별도의 섹션이 있어 글을 직접 써볼 수 있습니다.

컴파일러에서
이 책은 로 시작하는 그 역사적 시대의 음악 문학에 관한 교과서이다. 최근 몇십 년 XIX 세기. 그러한 교과서가 처음으로 나타납니다. 다섯 번째 호는 아시다시피 K-Debussy와 M. Ravel의 작업으로 끝납니다.
이 책에는 전반적인 구조를 결정한 다양한 국립 음악 학교에 대한 설명이 포함되어 있습니다. 첫 번째 섹션에서는 다양한 국가의 음악 예술과 다양한 성격의 작곡가들의 작업에서 고유한 방식으로 구현된 일반적인 프로세스에 대해 설명합니다. 각 후속 섹션은 특정 국가의 음악 문화에 대한 개요와 이 학교에서 가장 중요한 작곡가의 작품에 대한 모노그래픽 섹션으로 구성됩니다. I. Stravinsky의 작업을 다루는 섹션만 구조가 다릅니다. 소개 리뷰가 포함되어 있지 않습니다. 그리고 이것은 이해할 수 있습니다. 결국 특별한 상황으로 인해 대부분의 삶을 러시아 밖에서 보낸 Stravinsky는 러시아 마스터로 남아 있었고 외국 학교에 속하지 않았습니다. 결정적인 영향 창조적인 원리우리 세기의 거의 모든 주요 음악가들은 Stravinsky를 제거하는 것을 허용하지 않습니다. 전반적인 그림 XX 세기 음악 예술의 발전. 외국 음악 문학에 관한 교과서에 이 단행본 장을 포함시킨 것도 학교 커리큘럼의 특성 때문입니다. 20세기 외국 음악을 공부할 때까지 학생들은 성격이나 I. Stravinsky의 음악. 그들은 작곡가 작업의 첫 번째 러시아 기간 만 고려하는 네 번째 과정이 끝날 때만이 음악 예술 페이지로 넘어갈 것입니다.

교과서 편집자와 저자의 관심은 검토 대상 기간의 일반적인 음악 및 역사적 과정을 보여주고 금세기의 고전이 된 가장 뛰어난 작품을 분석하는 데 중점을 둡니다. 20세기 음악 예술 사건의 예외적인 복잡성, 그 이질성, 상호 교차 및 급속한 변화를 고려할 때 이 책에서는 리뷰 챕터가 이전 버전보다 훨씬 더 큰 위치를 차지했습니다. 그럼에도 불구하고 주제의 방법론적 원칙에 따라 편집자들은 음악 작품 분석에 초점을 맞추려고 노력했습니다. 이 경우창의적 방법의 다양성, 사고 방식, 다양한 문체 솔루션 및 우리 세기의 거장들의 다양한 작곡 기술을 드러내도록 설계되었습니다.

이 책이 음악 예술의 광범위한 파노라마를 제공하고 많은 경우에 분석이 매우 복잡하다는 점(대부분 자료 자체에 의해 미리 결정됨)을 고려하여 편집자는 이 교과서를 학생들뿐만 아니라 공연뿐만 아니라 이론 부서도 있습니다. 음악 학교. 책의 내용은 교육 과정에서 책에 대한 선택적 접근을 허용합니다. 장 연구의 깊이와 세부 사항은 학생의 준비 수준, 메모 및 음악 녹음이 포함된 교육 과정의 재료 장비, 이 부분에 대한 커리큘럼에서 할당한 시간 수에 따라 교사가 직접 결정합니다. 물론.
많은 저자 그룹이 이 책을 작업했습니다. 따라서 자료를 제시하는 다양한 방법이 불가피합니다. 동시에 그것에 대한 접근 방식에서 컴파일러는 일관된 방법론 원칙을 유지하려고 노력했습니다.

콘텐츠
컴파일러에서
XX 세기 외국 음악 예술의 발전 방식.
오스트리아의 음악 문화
구스타프 말러
보컬 창의성. "여행 견습생의 노래"
교향곡 창의성. 교향곡 1번
아놀드 쉔버그
삶과 창조의 길
"바르샤바의 생존자"
알반 베르크
삶과 창조의 길
뮤지컬 드라마 Wozzeck
바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡
안톤 베베른.
삶과 창조의 길
독일의 음악문화
리차드 스트라우스
삶과 창조의 길
교향곡 창의성. 교향시 "Don Juan"과 "Til Ulenspiegel"
폴 힌데미트
삶과 창조의 길
교향곡 창의성. 교향곡 "아티스트 Mathis".
칼 오르프
삶과 창조의 길
Karl Orff 작품의 주요 장르와 특징.
오페라 '영리한 소녀'
"카르미나 부라나"
이고르 스트라빈스키
삶과 창조의 길
"시편의 교향곡"
오페라 "오이디푸스 렉스"
프랑스의 음악문화.
아서 오네거
삶과 창조의 길
연극 및 웅변 창의성. 오라토리오 "기둥에 놓인 잔다르크"
교향곡 창의성. 교향곡 3번("전례")
다리우스 미조
삶과 창조의 길
보컬 악기, 창의성. "불의 성"
프란시스 풀랑크
삶과 창조의 길
오페라 '인간의 목소리'
스페인의 음악 문화
마누엘 데 파야
삶과 창조의 길
발레 "사랑은 마법사"
오페라 '짧은 인생'

기존의 음악문학 교과서에 외국 음악문학 지원노트를 추가하였다. 설명서의 내용은 주제 PO.02.UP.03의 프로그램에 해당합니다. 음악 예술 "피아노", "현악기", "관악기 및 타악기", "민속 악기" 분야의 추가 사전 전문 일반 교육 프로그램의 "음악 문학", " 합창", 러시아 연방 문화부에서 권장합니다.

음악 문학에 대한 지원 노트는 특히 다음과 같은 학생들의 인도주의 교육 및 특수 역량을 개발하기 위해 고안되었습니다. "... 형성 음악적 사고, 음악 작품의 인식 및 분석 기술, 음악 형식의 패턴에 대한 지식 습득, 음악 언어의 특성, 음악 표현 수단 " 1 .

이 교과서는 작곡가의 작품을 문화 및 역사적 시대의 맥락에서 제시하고 역사적 사건 및 관련 예술과 밀접하게 관련되어 연구됩니다. 추상 자료는 V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova 및 기타 잘 알려진 음악 학자의 음악 및 음악 문학사 연구의 주요 논문이며 형식의 일반화되고 간결한 교육 자료입니다. 표, 다이어그램 및 시각적 지원. 시각적 지원(유명 예술가의 그림 재현, 작곡가의 초상화, 친척 및 친구, 저명한 문화 및 예술 인물, 역사적 인물등) 언어 정보를 동반하고 보완할 뿐만 아니라 순수 예술 분야의 정보 전달자이며 음악의 시대와 경향, 작곡가의 작품과 직접 관련되어 있으며 유럽 국가의 역사, 문화 및 예술을 반영합니다.

참고 문헌의 내용은 네 부분으로 구성되어 있으며, 차례로 고대 그리스의 음악 문화에서 19세기 낭만주의 작곡가의 작품에 이르기까지 유럽 음악의 발전 기간을 다루는 주제로 나뉩니다. 따라서 첫 번째 섹션에서는 고대 그리스, 중세 및 르네상스의 음악 문화를 조사합니다. 두 번째 섹션은 J. S. Bach와 G. F. Handel의 작품인 바로크 시대를 연구합니다. 세 번째 섹션은 J. Haydn, W. A. ​​Mozart 및 L. Beethoven과 같은 비엔나 고전의 작품에 중점을 둔 고전주의 시대에 전념합니다. 네 번째 섹션은 주어진 낭만주의 시대, F. Schubert와 F. Chopin의 작품에 대한 자료를 제공합니다. 짧은 리뷰 19세기 낭만주의 작곡가 F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. 베르디, R. 바그너, J. 브람스, J. 비제.

이 매뉴얼에는 또한 텍스트에 있는 의미, 용어 및 개념의 사전, 간략한 분석 및 학습한 작품의 음악적 예가 포함되어 있습니다.

표와 다이어그램으로 자료를 엄격하게 제시하는 것과 함께 설명서에는 다음이 포함됩니다. 흥미로운 사실이야기의 형태로 제시되고 다채로운 예술적 삽화와 함께 작곡가의 삶에서 어린이의 인식과 관심을 새롭게합니다.

외국의 음악 문학에 대한 참고 사항은 현장에서 추가로 전문 예비 일반 교육 프로그램을 공부하는 2 학년 및 3 학년 (5 학년 및 6 학년)의 어린이 예술 학교, 어린이 음악 학교 학생들을위한 것입니다. 음악 예술의. 어린이 음악 학교, 어린이 미술 학교의 음악 이론 및 특수 분야 교사는 새로운 자료를 공부하고, 다루는 주제를 반복 및 체계화하고, 학생들의 중간 및 최종 인증을 준비하고, 음악 이론 올림피아드를 준비하고, 독립적 인 일학생, 단체 및 개인 훈련, 부분적으로 추가 일반 개발 프로그램을 구현하는 동안 음악 예술, 문화 및 교육 활동 분야.

베이스노트에 부착 학습장, 교실에서 작동하도록 설계되었습니다.

아래는 "외국 음악 문학에 대한 지원 노트"매뉴얼의 일부입니다.

Tatyana Guryevna Savelyeva의 매뉴얼 "외국 음악 문헌에 대한 참고 사항"을 구입하려면 저자에게 다음 주소로 문의하십시오. [이메일 보호]

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1 주제 PO.02에 대한 예시 프로그램. UP.03. 뮤지컬 문학. - 모스크바 2012

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