Užsienio šalių muzikinė literatūra, 2 dalis. T

Muzikos biblioteka Džiaugiamės, kad mūsų muzikos bibliotekoje radote ir atsisiuntėte jus dominančios medžiagos. Biblioteka nuolat pildoma naujais darbais ir medžiaga, o kitą kartą tikrai rasite ką nors naujo ir įdomaus. Projekto biblioteka komplektuojama remiantis mokymo programa, taip pat medžiaga, rekomenduojama mokymui ir mokinių akiračio plėtimui. Čia naudingos informacijos ras ir mokiniai, ir mokytojai. biblioteka pristato ir metodinę literatūrą. Mūsų augintiniai Kompozitoriai ir atlikėjai Šiuolaikiniai menininkai Čia taip pat rasite iškilių menininkų, kompozitorių, garsių muzikantų biografijas, jų kūrinius. Darbų skiltyje talpiname pasirodymų įrašus, kurie padės mokytis, išgirsite kaip skamba šis kūrinys, kūrinio akcentai ir niuansai. Laukiame jūsų classON.ru. V. N. Bryantseva Johanas Sebastianas Bachas 1685 - 1750 Wolfgangas Amadeusas Mocartas 1756 - 1791 Franzas Schubertas 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Liudvikas van Bethovenas apie jos ir jos vaikai - 19 17 270 m. gausu maždaug nuo 10 a. pr. Vystosi vizualinis menas – menininkai vaizduoja muzikantus, lydinčius religines apeigas, karo žygius, medžioklę, iškilmingas procesijas, šokius dainuojant ir grojančius instrumentais. Tokie vaizdai buvo išsaugoti, ypač ant šventyklų sienų ir keraminių vazų, rastų kasinėjimų metu. Atsiranda raštas – ir rankraščių autoriai į juos įveda poetinius dainų tekstus, giesmes, pateikia įdomios informacijos apie muzikinį gyvenimą. Laikui bėgant rašytojai daug dėmesio skiria filosofinėms diskusijoms apie muziką, jos svarbų socialinį, taip pat ir edukacinį vaidmenį, taip pat teoriniam jos kalbos elementų tyrinėjimui. Didžioji dalis šios informacijos buvo išsaugota apie muziką kai kuriose senovės pasaulio šalyse, pavyzdžiui, Senovės Kinijoje, Senovės Indijoje, Senovės Egiptas, ypač daug vadinamosiose senovės šalyse – Senovės Graikijoje ir Senovės Romoje, kur buvo padėti Europos kultūros pamatai2. Įvadas J. S. Bacho muzika nuo seniausių laikų Mieli vaikai! Pernai jau turėjai muzikinės literatūros pamokas. Jie aptarė pagrindinius muzikos kalbos elementus, kai kurias muzikos formas ir žanrus, muzikos raiškos ir vizualines galimybes, orkestrą. Tuo pačiu metu buvo laisvai vedama pokalbio apie įvairias epochas – ar apie senovę, ar apie modernumą, ar sugrįžtančius į nuo mūsų mažiau ar labiau nutolusius šimtmečius. O dabar atėjo laikas susipažinti su muzikine literatūra chronologine seka – istorine – tvarka1. Apie muziką Senovės Graikijoje Kaip mes gavome informacijos apie senovės pasaulio muziką sporto - Olimpinės žaidynės. O po dviejų šimtmečių ten pradėti rengti muzikiniai konkursai – Pythian Games, kurios gali būti laikomos tolimais šiuolaikinių konkursų protėviais. Pitų žaidimai vyko šventykloje, pastatytoje meno globėjo, saulės ir šviesos dievo Apolono garbei. Pasak mitų, nugalėjęs siaubingą gyvatę Pitoną, jis pats įkūrė šiuos žaidimus. Yra žinoma, kad kažkada juos laimėjo Sakkad iš Argoso, grodamas ant obojui artimo pučiamojo instrumento aulos, programinis pjesė apie Apolono kovą su Pitonu.Senovės graikų muzikai buvo būdingas ryšys su poezija, šokis, teatras. Dainuojamu balsu sugiedoti herojiški epiniai eilėraščiai „Iliada“ ir „Odisėja“, priskiriami legendiniam poetui Homerui. Dainininkai, kaip ir mitologinis Orfėjas, dažniausiai būdavo ir poetinio teksto, ir muzikos autoriai, o patys akomponuodavo lyra. Iškilmėse skambėjo chorinių šokių dainos su pantomiminiais gestais. Senovės graikų tragedijose ir komedijose didelis vaidmuo teko chorui: jis komentavo veiksmą, išsakė savo požiūrį į.Kasinėdami archeologai surado paprasčiausius muzikos instrumentus (pavyzdžiui, pučiamuosius – gyvūnų kaulus su išgręžtomis skylutėmis) ir ryžosi. kad jie buvo pagaminti maždaug prieš keturiasdešimt tūkstančių metų. Vadinasi, muzikos menas jau tada egzistavo. Po to, kai 1877 metais buvo išrastas fonografas – pirmasis mechaninio garso įrašymo ir atkūrimo aparatas, muzikantai-tyrėjai pradėjo keliauti į tuos žemės kampelius, kur kai kurios gentys tebegyveno primityviai. Iš tokių genčių atstovų fonografo pagalba jie įrašinėjo dainavimo ir instrumentinių melodijų pavyzdžius. Tačiau tokie įrašai, žinoma, suteikia tik apytikslį supratimą apie tai, kokia muzika buvo tais senovės laikais. Žodis „chronologija“ (tai reiškia „istorinių įvykių seka laike“) kilęs iš dviejų graikiškų žodžių – „chronos“ („laikas“) ir „logos“ („doktrina“). 1 Lotyniškas žodis „antiguus“ reiškia „senovinis“. Iš jo kilęs terminas „senovės“ reiškia Senovės Graikijos ir Senovės Romos istoriją ir kultūrą. 2 2 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje, pagrįstas herojų darbais. Šiuolaikiniai muzikologai turi šiek tiek informacijos apie senovės pasaulio muziką, tačiau pavydi kitų menų istorikams. Daugybei puikių antikinės architektūros paminklų buvo išsaugota senovinė vaizduojamoji dailė, ypač skulptūra, rasta daug rankraščių su didžiųjų antikos dramaturgų tragedijų ir komedijų tekstais. Tačiau muzikiniai kūriniai, sukurti toje pačioje eroje ir net daug vėliau, mums lieka iš esmės nežinomi. Kodėl taip atsitiko? Faktas yra tai, kad pasirodė labai sudėtinga užduotis išrasti pakankamai tikslią ir patogią muzikinio užrašo (notacijos) sistemą, kurią kiekvienas iš jūsų įvaldėte tik pradėdami mokytis muzikos. Jai išspręsti prireikė daug amžių. Tiesa, senovės graikai išrado raidžių užrašymą. Muzikinių režimų žingsnius jie pažymėjo tam tikromis abėcėlės raidėmis. Tačiau ritminiai ženklai (iš brūkšnelių) buvo pridedami ne visada. Tik XIX amžiaus viduryje mokslininkai galutinai išaiškino šio žymėjimo paslaptis. Tačiau jei jie sugebėjo tiksliai iššifruoti garsų aukščio santykį senovės graikų muzikiniuose rankraščiuose, tai trukmės santykis yra tik apytikslis. Be to, tokių rankraščių rasta labai nedaug, juose yra vos kelių monofoninių kūrinių (pavyzdžiui, giesmių) įrašai, o dažniau – jų fragmentai. pakankamas matomumas. Todėl muzikantai jau seniai naudojo pagalbines užuominų piktogramas. Šios piktogramos buvo dedamos virš giesmių žodžių ir žymėjo atskirus garsus arba mažas jų grupes. Jie nenurodė tikslaus garsų santykio nei aukščio, nei trukmės. Tačiau savo užrašu jie priminė melodijos judėjimo kryptį atlikėjams, kurie tai žinojo mintinai ir perduodavo iš kartos į kartą. Vakarų ir Vidurio Europos šalyse, kurių muzika bus aptarta vėliau šiame vadovėlyje, tokios ikonos buvo vadinamos neumes. Neumomis buvo įrašytos senovės katalikų liturginės giesmės – grigališkasis choralas. Šis bendras vardas yra kilęs iš popiežiaus Grigaliaus I3 vardo. Pasak legendos, VI amžiaus pabaigoje jis sudarė pagrindinį šių monofoninių giesmių rinkinį. Pamaldų metu skirtos atlikti tik vyrams ir berniukams – solo ir unisonu chorui, parašytos lotyniškais maldos tekstais. Tačiau XI amžiuje italų vienuolis Guido d'Arezzo („iš Areco“) išrado naują notacijos būdą. Jis vienuolyne mokė dainuojančius berniukus ir norėjo, kad jiems būtų lengviau įsiminti dvasines giesmes. neumes pradėjo dėti ant horizontalios linijos, virš jos ir po ja.Ši linija atitiko vieną konkretų garsą ir taip buvo nustatytas apytikslis įrašo aukščio lygis.Ir Gvidas sugalvojo iš karto nubrėžti keturias lygiagrečias linijas. („valdovai“) yra vienodu atstumu vienas nuo kito ir deda ant jų bei tarp jų neumes. Taip atsirado šiuolaikinio muzikinio personalo protėvis - savotiška griežtai išklota drobė, kuri leido tiksliai nurodyti garsų aukščio santykį tonais ir pustoniais. Ir tuo pačiu muzikinė notacija tapo vizualesnė – tarsi piešinys, vaizduojantis melodijos judėjimą, jos vingius. Garsus, kurie atitiko valdovus, Gvidas paskyrė lotyniškos abėcėlės raides. Vėliau jų užrašai pradėjo keistis ir galiausiai virto ženklais, kurie buvo vadinami raktais. O ant liniuočių ir tarp jų „sėdintys“ neumai ilgainiui virto atskiromis natomis, kuriose galvos pirmiausia turėjo kvadratų formą. Klausimai ir užduotys 1 . Kada, pasak mokslininkų, buvo pagaminti seniausi muzikos instrumentai? Ką tai sako? 2. Kas yra fonografas, kada jis buvo išrastas ir kaip mokslininkai pradėjo jį naudoti? 3. Apie kurių Senovės pasaulio šalių muziką išliko daugiausiai informacijos? Žemėlapyje nustatykite - aplink kurią jūrą buvo trys tokios šalys. 4. Kada ir kur buvo pradėti rengti senoviniai muzikiniai konkursai – Pitų žaidynės? 5. Su kokiais menais muzika buvo glaudžiai susijusi Senovės Graikijoje? 6. Kokį užrašą išrado senovės graikai? Kokiu būdu jis netikslus? Titulą „Romos popiežius“ turi dvasininkas, vadovaujantis Katalikų bažnyčiai, kaip tarptautinei dvasinei organizacijai. Katalikybė yra vienas iš krikščioniškų tikėjimų kartu su stačiatikybe ir protestantizmu. 4 Senovės romėnai kalbėjo lotyniškai. Po Romos imperijos žlugimo 476 m. lotynų kalba palaipsniui nustojo kalbėti. Iš jo kilo vadinamosios romanų kalbos - italų, prancūzų, ispanų, portugalų. 3 Kaip patogus užrašymas buvo sukurtas viduramžiais (pradžioje istorinis laikotarpis apsvarstykite VI mūsų eros amžių) raidžių žymėjimas buvo beveik užmirštas. 3 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Gandai apie naują žymėjimo būdą – kaip apie kokį nors stebuklą – pasiekė popiežių Joną XIX. Jis pasikvietė Gvidą pas save ir pagal sugalvotą įrašą padainavo jam nežinomą melodiją. Ateityje paralelinių valdovų skaičius buvo ne kartą keičiamas, tai atsitiko – net padidintas iki aštuoniolikos. Tik XVII amžiaus pabaigoje „laimėjo“ dabartinis penkių eilių personalas. Taip pat buvo naudojama daug įvairių raktų. Tik XIX amžiuje aukštųjų ir bosų klavišai tapo labiausiai paplitę. Po Guido d'Arezzo išradimo ilgą laiką buvo sprendžiamas dar vienas nelengvas uždavinys – kaip patobulinti notaciją, kad ji nurodytų tikslų garsų santykį ne tik aukštyje, bet ir trukme.. Po kurio laiko sugalvojo tam naudojami muzikiniai ženklai, skirtingos formos. Iš pradžių buvo pridėta daug įprastų taisyklių, todėl buvo sunku pritaikyti praktikoje. Ir per kelis šimtmečius palaipsniui buvo sukurta patogesnė notacija – būtent tokia, kurią tęsiame naudoti dabar. Prasidėjus XVII a., jis buvo tobulinamas tik detalėmis. O taip ilgai ieškotas ritminis principas dabar atrodo pats paprasčiausias iš visų. Jį sudaro tai, kad visa nata pagal trukmę visada lygi dviem pusėms - skirtingo stiliaus, viena pusė - du ketvirčiai, vienas ketvirtis - du aštuntukai ir tt, kad juostos linija pradėjo skirti strypus XVI amžiuje, o dydis - muzikinė nota be abejo buvo nurodyta nuo XVII a. Tačiau tuo metu jau buvo ne tik muzikiniai rankraščiai, bet ir spausdintos natos. Muzikos spausdinimas prasidėjo netrukus po spausdinimo išradimo - XV amžiaus pabaigoje. Senovės pasaulyje ir ilgą laiką viduramžiais muzika, kaip taisyklė, buvo monofoninė. Buvo tik kelios nedidelės išimtys. Pavyzdžiui, dainininkas grodamas instrumentu atliko dainą ir ją dubliavo (t. y. grojo tuo pačiu metu). Tuo pačiu metu balsas ir instrumentas kartais galėjo šiek tiek išsiskirstyti, nukrypti vienas nuo kito ir netrukus vėl suartėti. Taip monofoniniame garso sraute iškildavo ir išnykdavo dvibalsių „salelės“. Tačiau pirmojo ir antrojo mūsų eros tūkstantmečių sandūroje polifoninis sandėlis pradėjo nuosekliai vystytis ir vėliau tapo dominuojančiu profesionaliame muzikos mene. Ši sudėtinga ir ilga forma daugiausia dėmesio skyrė katalikiškos bažnytinės muzikos sričiai. Byla prasidėjo nuo šios technikos išradimo (kas – nežinoma). Vienas dainininkas (ar keli dainininkai) atliko pagrindinį balsą – lėtą sklandžią grigališkojo choralo melodiją. O antrasis balsas judėjo griežtai lygiagrečiai – lygiai tuo pačiu ritmu, tik visą laiką oktavos, kvartos, ar kvintos atstumu. Dabar mūsų ausims tai skamba labai prastai, „tuščiai“. Tačiau prieš tūkstantį metų toks giedojimas, aidėjęs po bažnyčios, katedros arkomis, nustebęs ir sužavėtas, atvėrė muzikai naujas išraiškingas galimybes. Po kurio laiko bažnyčios muzikantai pradėjo ieškoti lankstesnių ir įvairesnių antrojo balso vadovavimo metodų. Ir tada jie pradėjo vis meistriškiau derinti tris, keturis balsus, vėliau kartais ir daugiau balsų. Klausimai ir užduotys 1 . Kas buvo nepatogu praktikuojant raidžių žymėjimą? 2. Ką neumes pasiūlė viduramžių choristams? 3. Kas yra grigališkasis choralas ir kodėl jis taip vadinamas? 4. Paaiškinkite Guido d'Arezzo išradimo esmę. 5. Kokią kitą užduotį reikėjo išspręsti po Gvido išradimo? 6. Nuo kada natos iš esmės nepasikeitė?bažnytinis muzikantas Perotynas. Buvo ryškus giedojimo atstovas menas – Paryžiaus „Notr Dame mokykla" („Dievo Motinos mokykla"). Nepaprasto grožio pastate skambėjo Perotino giesmės. Tai garsus viduramžių gotikos architektūros paminklas, aprašytas prancūzų. 19 rašytojas amžiaus Viktoro Hugo garsiajame romane Notre Dame Cathedral. Kaip muzikoje pradėjo vystytis polifonija Taigi pradėjo vystytis polifonija. Išvertus iš graikų kalbos, šis žodis reiškia „polifonija“. Tačiau polifonija vadinama tik tokia polifonija, kurioje vienu metu skamba du ar daugiau vienodų balsų, kurių kiekvienas turi savo nepriklausomą melodinę liniją. Jei vienas balsas veda pagrindinę melodiją, o kiti yra jai pavaldūs (akomponuoti, akomponuoti), tai yra homofonija - kitas.. Tobulėjus notacijai, pamažu, ypač nuo XIII a., muzikinių rankraščių pradėjo daugėti. ir tiksliau iššifruoti. Tai leido susipažinti ne tik su informacija apie muzikinę kultūrą, bet ir su pačia praėjusių epochų muzika. Neatsitiktinai žymėjimo sėkmė sutapo su polifonijos raidos pradžia - gairės muzikos meno istorijoje. 4 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Mišios tapo pagrindiniu muzikos žanru. Įprastos Mišios 5 apima šešis pagrindinius pamaldumo lotyniškų tekstų giesmes. Tai „Kiriyo Eleison“ („Viešpatie, pasigailėk“), „Gloria“ („Šlovė“), „Credo“ („Tikiu“), „Sanctus“ („Šventasis“), „Benedictus“ („Palaimintasis“ ) ir „ Agnus Dei“ („Dievo avinėlis“). Iš pradžių grigališkasis choralas mišiose skambėjo vienu balsu. Tačiau maždaug XV amžiuje mišios virto sudėtingų polifoninių dalių ciklu 6. Tuo pačiu metu imta labai sumaniai naudoti imitacijas. Išvertus iš lotynų kalbos „imitatio“ reiškia „imitacija“. Muzikoje kartais galima mėgdžioti ne muzikinius garsus, pavyzdžiui, lakštingalos triles, gegutės šauksmą, jūros bangų ūžesį. Tada ji vadinama onomatopoėja arba onomatopoėja. O mėgdžiojimas muzikoje yra tokia technika, kai po melodijos, besibaigiančios vienu balsu, kitas balsas tiksliai (arba ne visai tiksliai) ją pakartoja iš kito garso. Kiti balsai gali įeiti tokiu pat būdu. Homofoninėje muzikoje imitacijos gali pasirodyti trumpai. O polifoninėje muzikoje tai vienas pagrindinių tobulėjimo metodų. Tai padeda melodinį judėjimą padaryti beveik nenutrūkstamą: pauzės ir kadencijos vienu metu visuose balsuose polifoninėje muzikoje pasitaiko tik retų išimčių pavidalu7. Imitaciją derindami su kitomis polifoninėmis priemonėmis, kompozitoriai savo mišias pavertė dideliais choriniais kūriniais, kuriuose keturi ar penki balsai susipynę į sudėtingą garso audinį. Jame grigališkojo choralo melodija jau sunkiai atskiriama ir lygiai taip pat sunkiai išgirsta maldos žodžiai. Vyko net mišios, kuriose kaip pagrindinės buvo naudojamos populiarių pasaulietinių dainų melodijos. Tokia padėtis nerimavo aukščiausiems katalikų dvasiniams autoritetams. XVI amžiaus viduryje buvo apskritai ketinama uždrausti daugiabalsį giedojimą per pamaldas. Tačiau toks draudimas neįvyko dėl žymaus italų kompozitoriaus Palestrinos, kuris beveik visą savo gyvenimą praleido Romoje ir buvo arti popiežiaus dvaro (jo pilnas vardas– Giovanni Pierluigi da Palestrina, tai yra „iš Palestrinos“ – miestelio netoli Romos). Palestrina su savo mišiomis (ir jis jų parašė daugiau nei šimtą) sugebėjo sukurti polifoniją. Kadangi akompanimentas turi akordinį-harmoninį pagrindą, homofoninis muzikinio pateikimo sandėlis dar vadinamas homofoniniu-harmoniniu. Klausimai ir užduotys 1 . Nuo kada muzikiniai rankraščiai tapo vis tiksliau iššifruojami? 2. Su kokiu svarbiu nauju muzikos meno istorijos etapu sutapo notacijos sėkmė? 3. Kada, kokioje muzikoje ir kokių melodijų pagrindu pamažu formavosi polifonija? 4. Kas buvo lygiagretus dvibalsis? Kartu dainuokite keletą lygiagrečių ketvirtų, kvintų ir oktavų. 5. Kuo skiriasi polifonija ir homofonija? Kaip toliau vystėsi polifonija Nors polifonija pradėjo vystytis bažnytiniame dainavime, m pasaulietinė muzika monotonija ir toliau vyravo. Pavyzdžiui, iššifruota daugybė monofoninių dainų, kurias XII-XIV a. sukūrė ir atliko viduramžių poetai-dainininkai, įrašai. Pietuose Prancūzijoje, Provanse, jie buvo vadinami trubadūrais, Prancūzijos šiaurėje – truveriais, Vokietijoje – minnesingeriais. Daugelis jų buvo garsūs riteriai ir savo dainose dažnai apdainavo savo garbinamos „gražiosios ponios“ grožį ir dorybę. Šių poetų-dainininkų dainų melodijos dažnai buvo artimos liaudies, taip pat ir šokių, melodijos, o ritmas pajungtas poetinio teksto ritmui. Vėliau, XIV-XVI amžiais, vokiečių poetai-dainininkai iš amatininkų susivienijo į dirbtuves, pasivadinę Meistersingers („giedotojais“). balsai, kurie buvo pridėti prie grigališkojo choralo dvasinėse giesmėse, išryškėjo pasaulietinių dainų (pavyzdžiui, trubadūrų ir truverių dainų) įtaka. Tuo pat metu, iki XIII amžiaus pabaigos, Prancūzijoje pasirodė grynai pasaulietiniai polifoniniai kūriniai. , kur visų balsų partijos buvo paremtos daininio charakterio melodijomis, o tekstai buvo kuriami ne lotynų, o prancūzų kalba Laikui bėgant katalikiškoje bažnytinėje muzikoje vis dar yra specialių mišių, skirtų bažnytinėms šventėms.Prisiminkime, kad a. ciklas yra kūrinys iš kelių atskirų dalių (ar dalių), kurias vienija bendra idėja 5 6 5 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje, siekiant įrodyti, kad polifoninės kompozicijos, nors ir išlikdamos labai meistriškos, gali skambėti skaidriai ir aiškiai girdimi liturginiai tekstai. Palestrinos muzika yra viena iš senovinės griežto stiliaus chorinės polifonijos viršūnių. Jis nukelia mus į nušvitusios didingos kontempliacijos pasaulį – tarsi spinduliuoja tolygų, raminantį spindesį. poetai, muzikantai, mokslininkai ir meno mylėtojai. Juos nuviliojo mintis sukurti naują išraiškingą solinį dainavimą su akompanimentu ir jį derinti su teatro veiksmas. Taip gimė pirmosios operos, kurių siužetai paimti iš antikinės mitologijos. Pati pirmoji – kompozitoriaus Jacopo Peri (kartu su Y. Korea) ir poeto O. Rinuccini sukurta „Daphne“. Jis buvo atliktas 1597 m. Florencijoje (visas kūrinys neišsaugotas). Senovės graikų mitologijoje Dafnė yra upės dievybės Ladono ir žemės deivės Gajos dukra. Bėgdama nuo Apolono persekiojimo, ji meldėsi pagalbos dievams ir buvo paversta lauru (graikiškai „daphne“ – „lauras“) – šventu Apolono medžiu. Kadangi Apolonas buvo laikomas menų globėju, Pitų žaidynių nugalėtojai buvo pradėti vainikuoti laurų vainiku, kurio įkūrėju buvo laikomas Apolonas. Laurų vainikas ir atskira lauro šakelė tapo pergalės, šlovės ir atlygio simboliais. Dar dvi operos, sukurtos 1600 m. (viena J. Peri, antroji G. Caccini), abi vadinamos "Eurydice", nes abi naudoja tą patį poetinis tekstas, paremtas senovės graikų mitu apie legendinį dainininką Orfėją. Pirmosios italų operos buvo rodomos kilmingų žmonių rūmuose ir namuose. Orkestrą sudarė keli senoviniai instrumentai. Jai vadovavo muzikantas, grojęs cembalo (itališkas klavesino pavadinimas). Uvertiūros dar nebuvo, o pasirodymo pradžią skelbė trimito fanfaros. O vokalinėse partijose vyravo rečitatyvas, kuriame muzikinis vystymasis buvo pavaldus poetiniam tekstui. Tačiau netrukus muzika operose ėmė įgyti vis savarankiškesnę ir svarbesnę reikšmę. Tai pirmojo iškilaus operos kompozitoriaus Claudio Monteverdi nuopelnas. Pirmoji jo opera – „Orfėjas“ – buvo pastatyta 1607 m. Mantujoje. Jos herojus vėl tas pats legendinis dainininkas kuris nuramino Hadą, dievą požemio pasaulis miręs, ir jis paleido į žemę Euridikę, mylimą Orfėjo žmoną. Tačiau Hado sąlyga – prieš palikdamas savo karalystę, niekada nežiūrėk į Euridikę – Orfėjas pažeidė ir vėl amžinai ją prarado. Monteverdi muzika šiai liūdnai istorijai suteikė precedento neturinčią lyrinę ir dramatišką išraišką. Vokalinės partijos, chorai, orkestriniai epizodai Monteverdi „Orfėjuje“ tapo daug įvairesni. Šiame kūrinyje pradėjo formuotis melodingas ariose stilius – svarbiausia išskirtinė italų operos muzikos savybė. Florencijos pavyzdžiu operos imtos kurti ir vaidinti ne tik Mantuje, bet ir tokiuose Italijos miestuose kaip Roma, Venecija, Neapolis. Susidomėjimas naujuoju žanru pradėjo kilti ir kitose Europos šalyse, o jų Klausimai ir užduotys 1 . Kas yra trubadūrai, trouveriai, minnesingeriai ir meistrų dainininkai? 2. Ar yra ryšys tarp senovės bažnytinės polifonijos ir pasaulietinių dainų melodijų? 3. Pavadinkite pagrindines įprastos masės dalis. 4. Pateikite onomatopoėjos muzikoje pavyzdžių. 5. Kas muzikoje vadinama imitacija? 6. Ką Palestrina sugebėjo pasiekti savo masėse? Operos gimimas. Oratorija ir kantata Prieš pat XVII amžiaus pradžią – pirmąjį istorinio laikotarpio, vadinamo Naujaisiais amžiumi, šimtmetį, muzikos mene įvyko itin svarbus įvykis: Italijoje gimė opera. Muzika įvairiuose teatro spektakliuose naudojama nuo seno. Juose kartu su instrumentiniais ir choriniais numeriais galėjo būti atliekami pavieniai vokaliniai solo, pavyzdžiui, dainos. O operoje dainininkai ir dainininkai tapo aktoriais ir aktorėmis. Jų dainavimas, akompanuojant orkestrui, derinant su sceniniu veiksmu ėmė perteikti pagrindinį spektaklio turinį. Ją papildo dekoracijos, kostiumai, o neretai ir šokiai – baletas. Taigi operoje muzika vedė artimą skirtingų menų bendruomenę. Tai jai atvėrė puikias naujas menines galimybes. Operos dainininkai ėmė su precedento neturinčia galia perteikti asmeninius emocinius žmonių išgyvenimus – ir džiaugsmingus, ir skaudžius. Kartu svarbiausia operos išraiškos priemonė buvo homofoninis solinio dainavimo balso derinys su orkestriniu akompanimentu. Ir jei iki XVII amžiaus Vakarų Europoje profesionali muzika vystėsi daugiausia bažnyčioje, o mišios buvo didžiausias žanras, tai muzikinis teatras tapo pagrindiniu centru, o didžiausias žanras – opera. XVI amžiaus pabaigoje Italijos mieste Florencijoje 6 būrelis susibūrė www.classON.ru Vaikų švietimas meno srityje Rusijoje, valdovai priėmė įprotį kviesti italų muzikantus į savo teismo tarnybą. Tai prisidėjo prie to, kad itališka muzika ilgą laiką tapo įtakingiausia Europoje. Prancūzijoje XVII amžiuje iškilo sava nacionalinė opera, kuri skiriasi nuo italų. Jos įkūrėjas – Jean-Baptiste L yul l ir – gimęs italas. Nepaisant to, jis teisingai pajuto prancūzų kultūros ypatumus ir sukūrė savotišką prancūzišką operos stilių. Lully operose, viena vertus, didelę vietą užėmė rečitatyvai ir nedidelės rečitatyvaus pobūdžio arijos, kita vertus, baleto šokiai, iškilmingi maršai ir monumentalūs chorai. Kartu su mitologiniais siužetais, nuostabiais kostiumais, magiškų stebuklų vaizdavimu teatro mašinų pagalba visa tai atitiko dvaro gyvenimo spindesį ir puošnumą valdant Prancūzijos karaliui Liudvikui XIV. Pirmąją operą Vokietijoje „Daphne“ (1627 m.) sukūrė didžiausias ikiBacho eros vokiečių kompozitorius Heinrichas Schüttzas. Tačiau jos muzika neišliko. O operos žanrui vystytis šalyje nebuvo sąlygų: jos tikrai susiformavo tik prasidėjus XIX a. O Schutzo kūryboje pagrindinę vietą užėmė išraiškingos vokalinės-instrumentinės kompozicijos apie dvasinius tekstus. 1689 m. Londone buvo parodyta pirmoji angliška opera „Dido ir Enėjas“, kurią sukūrė nepaprasto talento kompozitorius Henris Purselis. Šios operos muzika žavi nuoširdžiais tekstais, poetiška fantazija ir spalvingais kasdienybės vaizdais. Tačiau po Purcello mirties beveik du šimtmečius tarp anglų kompozitorių nebuvo išskirtinių muzikos kūrėjų. XVI–XVII amžių sandūroje kartu su opera ir Italijoje gimė o r a t o r y ir cant ata. Ji panaši į operą tuo, kad jų pasirodyme dalyvauja ir solistai, choras, orkestras, taip pat skamba arijos, rečitatyvai, vokaliniai ansambliai, chorai, orkestriniai epizodai. Tačiau operoje apie įvykių raidą (siužetą) sužinome ne tik iš to, ką dainuoja solistai, bet ir iš to, ką jie veikia ir kas apskritai vyksta scenoje. O oratorijoje ir kantatoje sceninio veiksmo nėra. Jie atliekami koncertinėje aplinkoje, be kostiumų ir dekoracijų. Tačiau taip pat yra skirtumas tarp oratorijos ir kantatos, nors ir ne visada aiškiai. Paprastai oratorija yra didesnio dydžio ir labiau išplėtoto religinio siužeto kūrinys. Jis dažnai turi epinį-dramatinį pobūdį. Šiuo atžvilgiu į oratoriją dažnai įtraukiama ir pasakojimo rečitacinė dainininko-pasakotojo dalis. Ypatingas dvasinių oratorijų tipas yra „aistra“, arba „pasyvus“ (išvertus iš lotynų kalbos – „kančia“). „Aistra“ pasakoja apie Jėzaus Kristaus, nukryžiuoto ant kryžiaus, kančią ir mirtį. 7 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Kantatos, priklausomai nuo žodinio teksto turinio, skirstomos į dvasines ir pasaulietines. XVII amžiuje ir XVIII amžiaus pradžioje Italijoje atsirado daug mažų, kamerinių kantatų. Jie susideda iš dviejų ar trijų rečitatyvų pakaitomis su dviem ar trimis arijomis. Ateityje plačiai paplito daugiausia iškilmingo pobūdžio kantatos. Dvasinės kantatos ir įvairių konstrukcijų „aistros“ labiausiai išplėtotos Vokietijoje. arijas, ir žavu panaudoti virtuozišką pasažo judesį. Corelli ir Vivaldi palikime didelė vieta priklauso trio sonatos žanrui. Daugumoje trio sonatų dvi pagrindines partijas groja smuikai, o trečiąją dalį akomponuoja klavesinas arba vargonai, boso balsą padvigubina violončelė arba fagotas. Po trio sonatos pasirodė sonata smuikui ar kitam instrumentui su klavesinu. taip pat concerto grosso – koncertas orkestrui (pirma – styginiams). Daugeliui šių žanrų kūrinių būdinga senos sonatos forma. Paprastai tai yra keturių dalių ciklas su lėto-greito-lėto-greito tempo santykiu. Kiek vėliau, jau XVIII amžiuje, Vivaldi pradėjo kurti solinius koncertus smuikui ir kai kuriems kitiems instrumentams pritariant orkestrui. Buvo trijų dalių ciklas: „greitai-lėtai-greitai“. Klausimai ir užduotys 1 . Kur ir kada gimė opera? Paaiškinkite, kuo opera skiriasi nuo teatro spektaklis su muzika. 2. Kokia yra svarbiausia operos muzikos išraiškos priemonė? 3. Kaip vadinasi pirmoji Claudio Monteverdi opera ir kokios savybės pasireiškia jos muzikoje? 4. Papasakokite apie senųjų prancūzų operų ypatybes. 5. Įvardykite pirmąją operą, parašytą Vokietijoje, ir pirmąją operą, parašytą Anglijoje. 6. Kuo iš esmės skiriasi oratorija ir kantata nuo operos? 7. Kas yra „aistros“ („pasyvios“)? Net senovės Egipte vargonai pradėjo savo šimtmečių istoriją. Iki XVII amžiaus jis tapo labai sudėtingu instrumentu, turinčiu plačias menines galimybes. Mažų organų tada buvo galima rasti net privačiuose namuose. Jie buvo naudojami treniruotėms, grojo liaudies dainų ir šokių melodijų variacijas. O didieji vargonai su tviskančiomis vamzdžių eilėmis, išraižytais mediniais kūnais skambėjo, kaip ir dabar, bažnyčiose ir katedrose. Dabar daugelyje koncertų salių yra ir vargonų. Šiuolaikiniuose vargonuose yra keli tūkstančiai vamzdžių ir iki septynių klaviatūrų (manualų), išdėstytų viena virš kitos – tarsi laiptai. Vamzdžių tiek daug, nes jie suskirstyti į grupes – registrus. Registrai įjungiami ir perjungiami specialiomis svirtimis, kad išgautų kitokią garso spalvą (tembrą). Vargonai taip pat aprūpinti pedalu. Tai visos pėdos klaviatūra su daugybe didelių klavišų. Spausdamas juos kojomis, vargonininkas gali išgauti ir taip pat ilgą laiką išlaikyti boso garsus (tokie nuolatiniai garsai dar vadinami pedalu arba vargonų tašku). Pagal tembrų turtingumą, jei įmanoma, palyginti lengviausią pianissimo su griausmingu fortissimo, vargonams nėra lygių tarp muzikos instrumentų. XVII amžiuje vargonų menas ypač suklestėjo Vokietijoje. Kaip ir kitose šalyse, vokiečių bažnyčios vargonininkai buvo ir kompozitoriai, ir atlikėjai. Jie ne tik akomponavo dvasinėms giesmėms, bet ir solo. Tarp jų buvo daug talentingų virtuozų ir improvizatorių, kurie savo grojimu pritraukdavo ištisas minias žmonių. Vienas ryškiausių tarp jų yra Dietrichas Buxtehude. Jaunasis Johanas Sebastianas Bachas pėsčiomis atėjo iš kito miesto pasiklausyti jo grojimo. Įvairi ir plati Buxtehude kūryba reprezentuoja pagrindines to meto vargonų muzikos rūšis. Viena vertus, tai XVII amžiaus preliudai, fantazijos, instrumentinė muzika, jos žanrai ir formos, grojimas instrumentais ilgą laiką dažniausiai padvigubino balsų partijas vokaliniuose kūriniuose ar akompanuojamuose šokiuose. Taip pat buvo platinamos instrumentinės vokalinių kompozicijų aranžuotės. Savarankiška instrumentinės muzikos raida suaktyvėjo tik XVII a. Tuo pat metu joje ir toliau vystėsi vokalinėje polifonijoje susiformavusios meninės technikos. Jie buvo praturtinti homofoninio sandėlio elementais, paremtais daina ir šokiu. Tuo pat metu išraiškingi operinės muzikos pasiekimai ėmė daryti įtaką instrumentinėms kompozicijoms. Smuikas, kartu su puikiais virtuoziniais sugebėjimais, turi labai melodingą balsą. Ir būtent operos gimtinėje Italijoje smuiko muzika pradėjo vystytis ypač sėkmingai. XVII amžiaus pabaigoje suklestėjo Arcangelo Corelli kūryba ir prasidėjo Antonio Vivaldi kūrybinė veikla. Šie puikūs italų kompozitoriai sukūrė daug instrumentinių kūrinių, dalyvaudami smuikui ir atlikdami pagrindinį vaidmenį. Juose smuikas gali dainuoti taip išraiškingai kaip žmogaus balsas operoje 8 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusų meno tokatų srityje. Juose polifoniniai epizodai laisvai kaitaliojasi su improvizaciniais pasažais ir akordais. Kita vertus, tai griežčiau sukonstruoti kūriniai, dėl kurių atsirado fuga – sudėtingiausia imitacinės polifonijos forma. Buxtehude taip pat padarė daugybę protestantų choralo vargonų pritaikymų choralo preliudų pavidalu. Skirtingai nuo grigališkojo choralo, tai yra bendras dvasinių giesmių pavadinimas ne lotyniškai, o vokiškai. Jie atsirado XVI amžiuje, kai nuo katalikybės atsiskyrė naujas krikščioniškos doktrinos tipas – protestantizmas. Protestantų choralo melodinis pagrindas buvo vokiečių liaudies dainos. XVII amžiuje protestantišką giesmę choru pradėjo atlikti visi parapijiečiai, remiami vargonų. Tokiam chorinės aranžuotės tipiškas keturių balsų akordų sandėlis su melodija viršutiniame balse. Vėliau toks sandėlis buvo vadinamas choriniu, net jei jis pasitaiko instrumentiniame kūrinyje. Vargonininkai taip pat grojo styginiais klavišiniais instrumentais ir jiems kūrė. Bendras šių instrumentų kūrinių pavadinimas yra klavierinė muzika8. Pirmosios žinios apie styginius klavišinius instrumentus siekia XIV–XV a. Iki XVII amžiaus klavesinas tapo labiausiai paplitęs iš jų. Taip jis vadinamas Prancūzijoje, Italijoje vadinamas cembalo, Vokietijoje – kielflugel, Anglijoje – klavesinu. Smulkesnių instrumentų Prancūzijoje pavadinimas yra epinetas, Italijoje – Anglijos spinetai – virginel. Klavesinas yra fortepijono, pradėto naudoti nuo XVIII amžiaus vidurio, protėvis. Paspaudus klavesino klavišus ant strypų pritvirtintos plunksnos ar odiniai liežuvėliai tarsi užspaudžia stygas. Pasirodo, trūkčiojantys, skambūs ir tuo pačiu šiek tiek šiugždantys garsai. Klavesinu garso stiprumas nepriklauso nuo smūgio į klavišus stiprumo. Todėl ant jo neįmanoma padaryti krescendo ir diminuendo – skirtingai nei fortepijone, ant kurio tai įmanoma dėl lankstesnio klavišų sujungimo su plaktukais, smogiančiais į stygas. Klavesinas gali turėti dvi ar tris klaviatūras ir įrenginį, leidžiantį keisti garso spalvą. Kito mažo klavišinio instrumento – klavikordo – skambesys yra silpnesnis už klavesino skambesį. Bet kita vertus, klavikordu galimas ir melodingesnis grojimas, nes jo stygos nepešamos, o ant jų prispaudžiamos metalinės plokštelės. Vienas iš pagrindinių senovės žanrų klavesino muzika- kelių dalių rinkinys, užpildytas forma, parašytas tuo pačiu raktu. Kiekvienoje iš dalių dažniausiai naudojamas kokio nors šokio judesys. Senosios siuitos pagrindas – keturi skirtingos, ne visada tiksliai išaiškintos tautinės kilmės šokiai. Tai laisvalaikio allemanda (galbūt iš Vokietijos), judresni varpeliai (iš Prancūzijos), lėta sarabanda (iš Ispanijos) ir greitoji gigue (iš Airijos ar Anglijos). Nuo XVII amžiaus pabaigos, Paryžiaus klavesinininkų pavyzdžiu, siuitos pradėtos papildyti tokiais prancūziškais šokiais kaip menuetas, gavotas, buras, pasepiedas. Jie buvo įterpti tarp pagrindinių šokių, sudarydami tarpines dalis ("integ" lotyniškai reiškia "tarp"). Senovės prancūzų klavesino muzika išsiskiria elegancija, grakštumu ir smulkių melodinių ornamentų, tokių kaip mordentai ir triliai, gausa. Prancūzų klavesino stilius suklestėjo François Couperino (1668 - 1733), pravarde Didysis, kūryboje. Jis sukūrė apie pustrečio šimto pjesių ir jas sujungė į dvidešimt septynias siuitas. Juose pamažu ėmė dominuoti pjesės su įvairiais programų pavadinimais. Dažniausiai tai lyg miniatiūriniai moterų portretai klavesinu – taiklūs garsiniai kažkokio charakterio bruožo, išvaizdos, elgsenos eskizai. Tokie, pavyzdžiui, yra spektakliai „Niūrūs“, „Liesti“, „Vikri“, „Išsibarstę“, „Išdykęs“. Jo didysis amžininkas Johanas Sebastianas Bachas rodė didelį susidomėjimą prancūzų klavesino muzika, įskaitant Francois Couperino pjeses. Klausimai ir užduotys 1 . Kai sustiprėjo savarankiškas vystymasis instrumentiniai žanrai? 2. Koks mėgstamiausias Arcangelo Corelli ir Antonio Vivaldi instrumentas. 3. Papasakokite apie organo sandarą. 4. Kurioje šalyje ypač klestėjo vargonų menas? Kas yra protestantų giesmė? 5. Papasakokite apie klavesino įrenginį. Kokie šokio judesiai naudojami pagrindinėse senosios klavesino siuitos dalyse? Taigi, vadovėlio įvadinė dalis trumpai supažindino su kai kuriais svarbiais įvykiais muzikos pasaulyje nuo seniausių laikų. Tai buvo istorinė „ekskursija“, padedanti toliau susipažinti su didžiųjų Vakarų Europos muzikantų, dirbusių XVIII–XIX a., palikimu. Kurį laiką klaveris buvo vadinamas visiems skirta muzika. klavišiniai instrumentai, įskaitant ir klavišinį pučiamąjį instrumentą – vargonus. 8 9 www.classON.ru Vaikų ugdymas meno srityje Rusijoje Johanno gyvenimo kelias Strypas, šeima, vaikystė. Johanas Sebastianas Bachas gimė 1685 m. Tiuringijoje – viename iš Centrinės Vokietijos regionų, mažame Eizenacho miestelyje, apsuptame miškų. Tiuringijoje vis dar buvo jaučiamos sunkios Trisdešimties metų karo (1618–1648 m.), per kurį susirėmė dvi didelės Europos galių grupės, pasekmės. Šis niokojantis karas įvyko Johano Sebastiano protėviams, kurie buvo glaudžiai susiję su vokiečių amatais ir valstiečių aplinka. Jo proprosenelis, vardu Veitas, buvo kepėjas, tačiau taip mėgo muziką, kad su citra – į mandoliną panašiu instrumentu – niekada nesiskirdavo, net išvykdamas į malūną grodavo, kol buvo malami miltai. O tarp jo palikuonių, apsigyvenusių Tiuringijoje ir gretimuose regionuose, buvo tiek daug muzikantų, kad visi, besiverčiantys šia profesija, ten buvo vadinami „Bacha“. Tai buvo bažnyčios vargonininkai, smuikininkai, fleitininkai, trimitininkai, kai kurie iš jų demonstravo kompozitoriaus talentą. Jie tarnavo miestų savivaldybėms ir smulkiųjų kunigaikštysčių bei kunigaikštysčių, į kurias buvo padalinta Vokietija, valdovų teismuose. Sebastianas Bachas 1685-1750 Nuostabus yra šio puikaus vokiečių kompozitoriaus, kuriam praėjo daugiau nei trys šimtai metų, muzikos likimas. Per savo gyvenimą jis sulaukė pripažinimo daugiausia kaip vargonininkas ir muzikos instrumentų žinovas, o po mirties kelis dešimtmečius buvo beveik užmirštas. Tačiau pamažu jie ėmė iš naujo atrasti jo kūrybą ir žavėtis juo kaip brangiu meno lobiu, nepralenkiamu savo įgūdžiais, neišsenkančiu gyliu ir žmogiškumu. „Ne upelis! — Jūra turi būti jo vardas. Taip apie Bachą pasakė kitas muzikos genijus – Bethovenas9. Pats Bachas spėjo išleisti tik labai nedidelę savo kūrinių dalį. Dabar jų paskelbta daugiau nei tūkstantis (daug daugiau prarasta). Pirmieji pilni Bacho kūriniai pradėti spausdinti Vokietijoje praėjus šimtui metų po jo mirties ir užėmė keturiasdešimt šešis tūrinius tomus. Ir bent apytiksliai suskaičiuokite, kiek išspausdinta ir kiek toliau spausdinama skirtingos salys atskirų Bacho muzikos leidimų neįmanoma. Tokia didelė nuolatinė jo paklausa. Mat ji užima didžiulę ir garbės vieta ne tik pasauliniame koncertiniame repertuare, bet ir edukaciniame. Johanas Sebastianas Bachas ir toliau yra mokytojas visiems, kurie yra susiję su muzika. Jis rimtas ir griežtas mokytojas, reikalaujantis gebėjimo susikaupti, kad įvaldytų polifoninių kūrinių atlikimo meną. Tačiau tas, kuris nebijo sunkumų ir atidžiai žiūri į savo reikalavimus, už savo griežtumo pajus širdies išmintį ir gerumą, kurio moko savo gražiais nemirtingais kūriniais. Namas Eizenache, kuriame gimė JSBachas 9 „Bach“ vokiškai reiškia „upelis“. 10 www.classON.ru Vaikų išsilavinimas rusų meno srityje Johano Sebastiano tėvas buvo smuikininkas, Eizenacho miesto ir dvaro muzikantas. Jis pradėjo mokyti muzikos savo jauniausią sūnų ir išleido jį į bažnytinę mokyklą. Turėdamas gražų aukštą balsą, berniukas dainavo mokyklos chore. Kai jam buvo dešimt metų, jo tėvai mirė. Vyresnysis brolis, gretimo Ohrdrufo miestelio bažnyčios vargonininkas, rūpinosi našlaičiu. Savo jaunesnįjį brolį jis paskyrė į vietinį licėjų ir pats vedė vargonų pamokas. Vėliau Johanas Sebastianas taip pat tapo klavesinininku, smuikininku ir altininku. Ir nuo vaikystės jis pats įvaldė muzikinę kompoziciją, perrašydamas įvairių autorių kūrinius. Jis turėjo perrašyti vieną muzikos sąsiuvinį, kuris jį ypač domino mėnulio naktimis, slapta nuo vyresniojo brolio. Tačiau kai buvo baigtas ilgas sunkus darbas, jis tai sužinojo, supyko ant Johano Sebastiano dėl jo neteisėto poelgio ir negailestingai atėmė iš jo rankraštį. Pradėti savarankiškas gyvenimas. Liuneburgas. Būdamas penkiolikos Johanas Sebastianas žengė ryžtingą žingsnį – persikėlė į tolimą šiaurės Vokietijos miestą Liuneburgą, kur įstojo į vienuolyno bažnyčios mokyklą kaip stipendininkas. IN mokyklos biblioteka jis galėjo susipažinti su daugybe vokiečių muzikantų kūrinių rankraščių. Liuneburge ir Hamburge, kur jis keliavo užmiesčio keliais, buvo galima pasiklausyti talentingų vargonininkų grojimo. Gali būti, kad Johanas Sebastianas lankėsi Hamburgo operos teatre – tuo metu vieninteliame Vokietijoje, kuris rengė spektaklius ne italų, o vokiečių kalba. Po trejų metų sėkmingai baigė mokyklą ir pradėjo ieškotis darbo arčiau gimtojo krašto. Veimaras. Trumpai dirbęs smuikininku ir vargonininku trijuose miestuose, Bachas 1708 m., jau vedęs, devyneriems metams apsigyveno Veimare (Tiuringija). Ten jis buvo kunigaikščio rūmų vargonininkas, o paskui vicecapella meistras (kapelos viršininko padėjėjas – dainininkų ir instrumentalistų grupė). Būdamas paauglys, Ohrdrufe Bachas pradėjo kurti muziką, ypač aranžuoti protestantiškus choralus vargonams, savo mėgstamam instrumentui. O Veimare pasirodė nemažai jo puikių brandžių vargonų kūrinių, tokių kaip Toccata ir Fuga d-moll, Passacaglia10 c-moll, choriniai preliudai. Iki to laiko Bachas tapo nepralenkiamu atlikėju ir improvizatoriumi vargonais ir klavesinu. Tai buvo įtikinamai patvirtinta kitas atvejis. Kartą Bachas nuvyko į Saksonijos sostinę Drezdeną, kur nusprendė surengti konkursą tarp jo ir Louis Marchand, garsaus prancūzų vargonininko ir klavesinininko. Tačiau jis, anksčiau išgirdęs, kaip Bachas su nuostabiu kūrybiniu išradingumu improvizuoja klavesinu, suskubo slapta išvykti iš Drezdeno. Konkursas neįvyko. Veimaro teisme buvo galimybė susipažinti su italų ir prancūzų kompozitoriai. Bachas su dideliu susidomėjimu ir menine iniciatyva vertino jų pasiekimus. Pavyzdžiui, jis atliko keletą nemokamų Antonio Vivaldi koncertų smuikui aranžuočių klavesinui ir vargonams. Taip gimė pirmieji klavierių koncertai muzikos meno istorijoje. Trejus metus Veimare Bachas turėjo sukurti naują dvasinę kantatą kas ketvirtą sekmadienį. Iš viso tokiu būdu atsirado daugiau nei trisdešimt darbų. Tačiau mirus pagyvenusiam teismo kapelmeisteriui, kurio pareigas faktiškai atliko Bachas, laisva vieta atiteko ne jam, o neveiksniam velionio sūnui. Pasipiktinęs tokia neteisybe, Bachas pateikė atsistatydinimo pareiškimą. Už „nepagarbų reikalavimą“ jam buvo skirtas namų areštas. Tačiau jis parodė drąsų, išdidų atkaklumą, reikalaudamas savęs. O po mėnesio kunigaikštis turėjo nenoriai duoti „negailestingą įsakymą“ paleisti nepaklusnų muzikantą į lauką. Kötenas. 1717 m. pabaigoje Bachas su šeima persikėlė į Koteną. Dvaro kapelmeisterio vietą jam pasiūlė valdovas Kotheno princas Leopoldas Anhaltas. maža valstybėšalia Tiuringijos. Jis buvo geras muzikantas – dainavo, grojo klavesinu ir viola da gamba 11. Princas suteikė savo naujajam kapelos vadovui gerą finansinę paramą ir elgėsi su juo labai pagarbiai. Bacho pareigos, užėmusios palyginti nedaug laiko, apėmė aštuoniolikos vokalistų ir instrumentalistų kapelos vadovavimą, akompanavimą princui ir pats grojimą klavesinu. Kotene atsirado daug Bacho kūrinių įvairiems instrumentams. Klaverio muzika tarp jų labai įvairi. Viena vertus, tai kūriniai pradedantiesiems – „Passacaglia“ yra lėtas ispanų kilmės trijų krypčių šokis. Jo pagrindu instrumentiniai kūriniai atsirado variacijų pavidalu su melodija, pakartotinai kartojama bosu. 10 11 Viola da gamba – senovinis įrankis, kuri atrodo kaip violončelė. 11 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Maži preliudai, dviejų ir trijų dalių išradimai. Juos Bachas parašė norėdamas mokytis pas savo vyriausią sūnų Wilhelmą Friedemanną. Kita vertus, tai pirmasis iš dviejų monumentalaus kūrinio tomų – ​​„Gerai temperuotas klavieras“, kuriame iš viso yra 48 preliudai ir fugos bei didelė koncerto plano kompozicija – „Chromatinė fantazija ir fuga“. Dviejų klavierių siuitų kolekcijų, žinomų kaip „prancūziškas“ ir „angliškas“, kūrimas taip pat priklauso Koteno laikotarpiui. Princas Leopoldas Bachą pasiėmė su savimi į keliones į kaimynines valstybes. Kai Johanas Sebastianas 1720 metais grįžo iš tokios kelionės, jį ištiko didelis sielvartas – ką tik mirė jo žmona Marija Barbara, palikusi keturis vaikus (dar trys mirė anksti). Po pusantrų metų Bachas vėl vedė. Jo antroji žmona Anna Magdalena turėjo gerą balsą ir buvo labai muzikali. Mokydamasis pas ją, Bachas iš savo kūrinių ir iš dalies iš kitų autorių kūrinių sudarė dvi klavieres „Užrašų knygeles“. Anna Magdalena buvo maloni ir rūpestinga Johano Sebastiano gyvenimo draugė. Ji pagimdė jam trylika vaikų, iš kurių šeši išgyveno iki pilnametystės. Leipcigas. 1723 m. Bachas persikėlė į Leipcigą – svarbų Saksonijos prekybos ir kultūros centrą, greta Tiuringijos. Su princu Leopoldu jis laikė geri santykiai . Bet Kotene muzikinės veiklos galimybės buvo ribotos – nebuvo nei didelių vargonų, nei choro. Be to, Bachas turėjo vyresnių sūnų, kuriems norėjo suteikti gerą išsilavinimą. Leipcige Bachas užėmė kantoriaus – berniukų choro vadovo ir dainavimo mokyklų mokytojo pareigas; Tomo bažnyčioje (Thomaskirche). Jis turėjo sutikti su daugybe ribojančių sąlygų, pavyzdžiui, „neišvykti iš miesto be burmistro leidimo“. Kantoras Bachas turėjo daug kitų pareigų. Jis turėjo suskirstyti į dalis nedidelį mokyklos chorą ir labai mažą orkestrą (tiksliau – ansamblį), kad muzika skambėtų per pamaldas dviejose bažnyčiose, taip pat per vestuves, laidotuves, įvairias šventes. Ir ne visi choro berniukai turėjo gerus muzikinius sugebėjimus. Mokyklos namai buvo nešvarūs, neprižiūrimi, mokiniai prastai pavalgę ir elgeta aprengti. Bachas, kuris tuo pat metu buvo laikomas Leipcigo „muzikos vadovu“, į visa tai atkreipė bažnyčios valdžios ir miesto administracijos (magistrato) dėmesį. Tačiau mainais jis gavo mažai materialinės pagalbos, bet daug smulkių biurokratinių niurzgėlių ir priekaištų. Su mokiniais jis užsiiminėjo ne tik dainavimu, bet ir grojimu instrumentais, be to, savo lėšomis pasamdė jiems lotynų kalbos mokytoją. Tomo bažnyčia ir mokykla (kairėje) Leipcige. (Iš senos graviūros). Nepaisant sunkių gyvenimo aplinkybių, Bachas entuziastingai užsiėmė kūryba. Pirmuosius trejus tarnybos metus beveik kiekvieną savaitę su choru kūrė ir praktikavo po naują dvasinę kantatą. Iš viso buvo išsaugota apie du šimtus šio žanro Bacho kūrinių. Taip pat žinomos kelios dešimtys jo pasaulietinių kantatų. Jie, kaip taisyklė, buvo svetingi ir sveikinantys, skirti įvairiems kilmingiems asmenims. Bet tarp jų yra tokia išimtis kaip Leipcige parašyta komiksas „Kavos kantata“, panašus į komiškos operos sceną. Jame pasakojama, kaip jauna, gyvybinga Lizhen yra priklausoma nuo naujos kavos mados, prieš savo tėvo, seno niurzgėjo Šlendriano, valią ir įspėjimus. Leipcige Bachas sukūrė savo iškiliausius monumentalius vokalinius-instrumentinius kūrinius – „Pasija pagal Joną“, „Pasija pagal Matą“12 ir „Mišios h-moll“, taip pat daug įvairių instrumentinių kūrinių, įskaitant antrasis tomas „Gerai temperuotas klavieras“, Jono ir Mato (taip pat Morkaus ir Luko) rinkinys yra Jėzaus Kristaus mokymų sekėjai, kurie sudarė Evangelijas – pasakojimus apie jo žemiškąjį gyvenimą, kančias („aistras“) ir mirtis. „Evangelija“ išversta iš graikų reiškia „gera žinia“. 12 12 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje „Fugos menas“. Keliavo į Drezdeną, Hamburgą, Berlyną ir kitus Vokietijos miestus, ten vargonavo, išbandė naujus instrumentus. Daugiau nei dešimt metų Bachas vadovavo Leipcige „Muzikos koledžui“ – draugijai, susidedančiai iš universiteto studentų ir muzikos mylėtojų – instrumentalistų ir dainininkų. Bacho vadovaujami jie viešai koncertavo iš pasaulietinio pobūdžio kūrinių. Bendraudamas su muzikantais jam buvo svetima bet kokia arogancija ir apie savo retą įgūdį kalbėjo taip: „Turėjau sunkiai dirbti, kas taip sunkiai, tas ir pasieks“. Daug rūpesčių, bet ir daug džiaugsmų atnešė Bachui jo didelė šeima. Jos rate jis galėjo surengti visus namų koncertus. Keturi jo sūnūs tapo žinomais kompozitoriais. Tai Wilhelmas Friedemannas ir Carlas Philippas Emanuelis (Marijos Barbaros vaikai), Johanas Christophas Friedrichas ir Johanas Christianas (Anos Magdalenos vaikai). Bėgant metams Bacho sveikata prastėjo. Jo regėjimas smarkiai pablogėjo. 1750 m. pradžioje jam buvo atliktos dvi nesėkmingos akių operacijos, jis apako ir mirė liepos 28 d. Johanas Sebastianas Bachas gyveno sunkų ir darbštų gyvenimą, kurį nušvietė puikus kūrybinis įkvėpimas. Didelio turto jis nepaliko, o Anna Magdalena po dešimties metų mirė vargšų labdaros namuose. O jauniausiąją Bacho dukterį Reginą Suzaną, gyvenusią iki XIX a., iš skurdo išgelbėjo privačios aukos, kuriose daug prisidėjo Bethovenas. Kūryba Bacho muzika siejama su gimtosios šalies kultūra. abiejų vokiečių kūriniai ir užsienio kompozitoriai. Savo kūryboje jis puikiai apibendrino ir praturtino Europos muzikos meno laimėjimus. Didžiąją dalį kantatų „Jono pasija“, „Mato aistra“, mišios h-moll ir daug kitų kūrinių apie dvasinius tekstus parašė Bachas. ne tik pagal bažnytinio muzikanto pareigą ar įprastą paprotį, bet ir sušildyti nuoširdaus religinio jausmo. Jie kupini užuojautos žmogiškiems sielvartams, persmelkti žmogiškų džiaugsmų supratimo. Laikui bėgant jie peržengė šventyklų ribas. nepaliauja daryti gilų įspūdį skirtingų tautybių ir religijų klausytojams Dvasinės ir pasaulietinės Bacho kompozicijos yra susijusios viena su kita savo tikruoju žmogiškumu, kartu sudaro visą muzikinių vaizdų pasaulį. Nepralenkiamas Bacho polifoninis įgūdis prisodrintas homofoninėmis-harmoninėmis priemonėmis. Jo vokalinės temos organiškai persmelktos instrumentinio tobulėjimo technikomis, instrumentinės temos dažnai būna tokios emociškai prisotintos, tarsi kažkas svarbaus būtų dainuojama ir ištariama be žodžių. Tokata ir fuga d-moll vargonams13 Šis labai populiarus kūrinys prasideda nerimą keliančiu, bet drąsiu valios šauksmu. Jis girdimas tris kartus, krintant iš vienos oktavos į kitą, ir sukelia griausmingą akordų ūžesį apatiniame registre. Taip tokatos pradžioje nubrėžiama tamsiai nuspalvinta, grandiozinė garso erdvė. 1 Adagio Klausimai ir užduotys 1 . Kuo neįprastas Bacho muzikos likimas? 2. Papasakokite apie Bacho tėvynę, jo protėvius ir vaikystės metus. 3. Kada ir kur prasidėjo savarankiškas Bacho gyvenimas? 4. Kaip klostėsi ir kuo baigėsi Bacho veikla Veimare? 5. Papasakokite apie Bacho gyvenimą Köthen ir apie jo šių metų darbus. 6. Kokiais instrumentais grojo Bachas ir koks buvo jo mėgstamiausias instrumentas? 7. Kodėl Bachas nusprendė persikelti į Leipcigą ir su kokiais sunkumais jis ten susidūrė? 8. Papasakokite apie Bacho, kaip kompozitoriaus, ir Bacho, kaip atlikėjo, veiklą Leipcige. Įvardinkite jo ten sukurtus darbus. Toccata (itališkai „toccata“ – „liesti“, „smūgis“ iš veiksmažodžio „toccare“ „paliesti“, „liesti“) – virtuoziškas kūrinys klavišiniams instrumentams. 13 13 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Toliau skamba galingi „sūkuriuojantys“ virtuoziški pasažai ir platūs akordų „pliūpsniai“. Juos kelis kartus skiria pauzės ir sustojimai pailgintuose akorduose. Šis kontrastas tarp greito ir sulėtintai primenantis atsargų atokvėpį tarp muštynių su smurtiniais elementais. O po laisvos, improvizaciniu būdu sukonstruotos tokatos suskamba fuga. Joje dėmesys sutelkiamas į imitacinį vienos temos plėtojimą, kuriame stiprios valios principas tarsi pažaboja elementarias jėgas: 2 Allegro moderato Plačiai plečiantis, fuga išsivysto į kodą – paskutinę, paskutinę dalį. Čia vėl prasiveržia improvizacinis tokatos elementas. Bet galiausiai ją nuramina įtemptos imperatyvios pastabos. O paskutiniai viso kūrinio taktai suvokiami kaip atšiauri ir didinga nenumaldomos žmogaus valios pergalė. Ypatinga Bacho vargonų kūrinių grupė – choraliniai preliudai. Tarp jų nemažai palyginti nedidelių lyrinio pobūdžio kūrinių išsiskiria giliu išraiškingumu. Juose choralo melodijos skambesys prisodrintas laisvai plėtojamais akompanuojančiais balsais. Taip pristatomas, pavyzdžiui, vienas Bacho šedevrų – choralo preliudas f-moll. Klaverio muzikos išradimai Bachas sudarė keletą paprastų kūrinių rinkinių iš tų, kuriuos sukūrė mokydamas savo vyriausiąjį sūnų Wilhelmą Friedemanną. Vienoje iš šių rinkinių jis įdėjo penkiolika dvibalsių polifoninių kūrinių penkiolika klavišų ir pavadino juos „išradimais“. Išvertus iš lotynų kalbos, žodis „išradimas“ reiškia „išradimas“, „išradimas“. Dviejų dalių Bacho išradimai, kuriuos gali atlikti pradedantieji muzikantai, yra tikrai nepaprasti polifoninio išradingumo ir kartu meninės išraiškos požiūriu. Taigi pirmasis dviejų dalių išradimas C-dur gimsta iš trumpos, sklandžios ir neskubančios ramaus, protingo charakterio temos. Ji dainuojama viršutiniu balsu ir iš karto imituoja _ kartoja kitoje oktavoje - žemutinėje: 14 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusiško meno šokinėjančių kamuolių srityje. Viršutinės kartojimo (imitacijos) metu balsas tęsia melodinį judesį. Taip formuojasi priešprieša bosuose skambančiai temai. Be to, ši opozicija – su tuo pačiu melodiniu raštu – kartais nuskamba, kai tema vėl pasigirsta vienu ar kitu balsu (2-3, 7-8, 8-9 taktai). Tokiais atvejais opozicija vadinama išlaikytomis (priešingai nei neišlaikytoms, kurios kiekvieną kartą įvedant temą sudaromos iš naujo). Kaip ir kituose polifoniniuose kūriniuose, šiame išradime yra skyrių, kuriuose tema skamba ne visa forma, o naudojami tik atskiri jos posūkiai. Tokie skyriai dedami tarp temos pristatymų ir vadinami intarpais. Bendrą išradimo vientisumą C kalba suteikia plėtra pagal vieną temą, būdingą polifoninei muzikai. Kūrinio viduryje nukrypstama nuo pagrindinio rakto, o į pabaigą grįžtama. Klausantis šio išradimo galima įsivaizduoti, kad du mokiniai uoliai kartoja pamoką, stengiasi vienas kitam geriau, didesne išraiška pasakyti. Šiame kūrinyje, savo struktūra panašiame į C-dur išradimą, didelį vaidmenį atlieka speciali technika. Po pradinio temos įvedimo Viršutiniame balse apatinis balsas imituoja ne tik ją, bet ir jos tęsinį (kontrapoziciją). Taip kurį laiką atsiranda tęstinis kanoninis ir imitacinis, arba likanonas. Kartu su dvibalsiais išradimais Bachas sukūrė penkiolika tribalsių polifoninių kūrinių tais pačiais klavišais. Jis juos pavadino! „simfonijos“ (išvertus iš graikų kalbos – „sąskambiai“). Mat senais laikais polifoniniai instrumentiniai kūriniai taip buvo vadinami. Tačiau vėliau tapo įprasta šiuos kūrinius vadinti trijų dalių išradimais. Jie naudoja sudėtingesnius polifoninio kūrimo būdus. Dauguma puikus pavyzdys- trijų dalių išradimas f-moll (devintoji). Jis prasideda tuo pačiu metu įvedant dvi kontrastingas temas. Vieno iš jų, skambančio bosiniu balsu, pagrindas – išmatuotas įtemptas nusileidimas chromatiniais pustoniais. Tokie žingsniai dažni tragiškose arijose iš senų operų. Tai tarsi niūrus pikto likimo, likimo balsas. Antroji tema viduryje, alto balsas persmelkta gedulingų motyvų-atodūsių: Trečioji tema ateityje glaudžiai susipina su šiomis dviem temomis dar skvarbesniais maldaujančiais šūksniais. Iki pat spektaklio pabaigos pikto likimo balsas išlieka nenumaldomas. Tačiau žmogaus liūdesio balsai nesiliauja. Jie turi neužgęstančią žmogiškosios vilties kibirkštį. Ir akimirką atrodo, kad blyksteli paskutiniame F-dur akorde. Bacho simfonija h-moll klavesinu Bacho namuose Eizenache 15 www.classON.ru Vaikų ugdymas Rusijos meno srityje (Trijų dalių išradimas Nr. 15) taip pat pasižymi lyrišku skverbimu. Savo išradimų ir „simfonijų“ rankraščio pratarmėje Bachas nurodė, kad jie turėtų padėti išvystyti „dainavimo būdą“. Klavesinu tai buvo sunku pasiekti. Todėl Bachas norėjo namuose, taip pat ir pamokose su studentais, naudoti kitą styginį klavišinį instrumentą - klavikordą. Silpnas jo garsas netinkamas koncertiniam atlikimui. Bet, kaip jau minėta, skirtingai nei klavesino, klavikordo stygos nėra plėšomos, o švelniai suspaudžiamos metalinėmis plokštelėmis. Tai prisideda prie garso melodingumo ir leidžia sukurti dinamiškus atspalvius. Taigi Bachas tarsi numatė melodingo ir nuoseklaus balso vedimo fortepijonu – instrumentu, kuris jo laikais dar buvo netobulas, – galimybes. Ir šį didžiojo muzikanto norą turėtų prisiminti visi šiuolaikiniai pianistai. Courante – trijų taktų šokis prancūzų kilmė. Tačiau prancūzų klavesino varpeliams buvo būdingas tam tikras ritminis rafinuotumas ir manieros. Bacho siuitos c-moll Courante yra panaši į itališką šio šokio žanro atmainą – gyvesnė ir judresnė. Tai palengvina lankstus dviejų balsų derinys, kuris tarsi provokuoja vienas kitą: „Prancūziška siuita“ c-moll Trys Bacho klavierių siuitų kolekcijos turi skirtingus pavadinimus. Pats į trečiąjį rinkinį įtrauktas šešias siuitas pavadino „partitas“ (siuitos pavadinimas „partita“ randamas ne tik pas jį14). O kitos dvi kolekcijos – po šešis kūrinius – po Bacho mirties dėl tiksliai neišaiškintų priežasčių pradėtos vadinti „Prancūziškomis siuitomis“ ir „Angliškomis siuitomis“. Antroji iš „Prancūziškų siutų“ buvo parašyta c-moll klavišu. Pagal senovinėse svitose nusistovėjusią tradiciją jame yra keturios pagrindinės dalys – Allemande, Courante, Sarabande ir Gigue, taip pat dar dvi tarpinės dalys – Aria ir Menuetas, įterptos tarp Sarabande ir Gigue. Allemande – šokis, susiformavęs XVI-XVII a. keliose Europos šalyse – Anglijoje, Nyderlanduose, Vokietijoje, Prancūzijoje ir Italijoje. Taigi, pavyzdžiui, senoji vokiška allemanda buvo šiek tiek sudėtingas grupinis šokis. Bet, įėjus į clavier apartamentus, allemande į XVIII a beveik prarado šokio bruožus. Iš savo „protėvių“ ji išlaikė tik ramią, keturių ar dviejų ketvirčių eiseną. Galiausiai tai tapo laisvai sukonstruota preliudija. Tai atrodo kaip apgalvota lyrinė preliudija ir Allemandė iš Bacho siuitos c-moll. Čia dažniausiai savo eilutes vadovauja trys balsai. Tačiau kartais prie jų prisijungia ir ketvirtas balsas. Tuo pačiu metu melodingiausias balsas yra viršutinis: Sarabande yra trijų dalių ispaniškas šokis. Kadaise ji buvo greita, temperamentinga, o vėliau tapo lėta, iškilminga, dažnai artima laidotuvių procesijai. Bacho siuitos sarabanda nuo pradžios iki pabaigos buvo brandinama trijų dalių sandėlyje. Vidutinio ir apatinio balso judesys visada griežtas, koncentruotas (vyrauja ketvirčiai ir aštuntos). O viršutinio balso judesys daug laisvesnis ir judresnis, labai išraiškingas. Čia vyrauja šešioliktosios natos, dažnai aptinkami judesiai plačiais intervalais (penkta, šešta, septinta). Taip susidaro du kontrastingi muzikinio pateikimo sluoksniai, sukuriamas lyriškai intensyvus skambesys15: „Padalinta į dalis“ - žodis „partita“ verčiamas iš italų kalbos (iš veiksmažodžio „partire“ - „dalyti“). Sarabandoje pagrindinis viršutinis balsas ne tiek kontrastuoja su likusiu, kiek jais papildytas. 14 15 16 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Preliudas ir fuga c-moll iš Pirmojo tomo Gerai temperuoto klaviero preliudas ir fuga C-dur, Preliudas ir fuga c-moll, Preliudas ir fuga c-moll C Sharp-dur, Preliudas ir Fuga C-sharp-moll – ir taip toliau per visus dvylika pustonių, įtrauktų į oktavą. Rezultatas – iš viso 24 dviejų dalių „preliudijos ir fugos“ ciklai visais mažoriniais ir minoriniais tonais. Taip statomi abu tomai (iš viso - 48 preliudai ir fugos) Bacho Gerai temperuoto klaviero. Šis grandiozinis kūrinys pripažintas vienu didžiausių pasaulio muzikos mene. Šių dviejų tomų preliudai ir fugos įtrauktos į visų profesionalių pianistų mokymo ir koncertų repertuarą. Bacho laikais derinant klavišinius instrumentus pamažu galutinai įsitvirtino vienodas temperamentas – oktavos padalijimas į dvylika vienodų pustonių. Anksčiau pritaikymo sistema buvo sudėtingesnė. Su ja, klavišais, turinčiais daugiau nei tris ar keturis simbolius, kai kurie intervalai ir akordai skambėjo nederamai. Todėl kompozitoriai vengė naudoti tokius klavišus. Bachas pirmasis puikiai įrodė „Gerai temperamentuotame klavieryje“, kad esant vienodai temperamentui, visi 24 klavišai gali būti naudojami vienodai sėkmingai. Tai atvėrė kompozitoriams naujus horizontus, padidino, pavyzdžiui, galimybę atlikti moduliacijas (perėjimus) iš vieno klavišo į kitą. Gerai temperuotame klavieryje Bachas nustatė dviejų dalių ciklo tipą „preliudas ir fuga“. Preliudija statoma laisvai. Jame reikšmingas vaidmuo gali tekti homofoniniam-harmoniniam sandėliui ir improvizacijai. Taip sukuriamas kontrastas fugai kaip griežtai polifoniniam kūriniui. Kartu „preliudijos ir fugos“ ciklo dalis vienija ne tik bendra tonacija. Tarp jų kiekvienu atveju savaip pasireiškia subtilūs vidiniai ryšiai. Šiuos bendrus tipinius bruožus galima atsekti Preliudijoje ir Fugoje c-moll iš pirmojo Gerai temperuoto klaviero tomo. Preliudija susideda iš dviejų pagrindinių dalių. Erdvesnis pirmasis yra visiškai užpildytas greitu vienodu šešioliktųjų judesiu abiem rankomis. Jis iš vidaus prisotintas išraiškingais melodiniais ir harmoniniais elementais. Atrodo, kad krantų suvaržytas nerimastingas upelis kunkuliuoja: Gigue – greitas, žvalus šokis, kilęs iš Airijos ir Anglijos16. Seniau anglų jūreiviai mėgo šokti džigą. Liuksuose gigue paprastai yra paskutinis, paskutinis veiksmas. C-moll Giguet'e Bachas dažnai naudoja kanoninio dviejų balsų mėgdžiojimo techniką (kaip išradime F-dur). Šios pjesės pristatymas persmelktas „šokančio“ punktyrinio ritmo: palyginti su kontrastu tarp Allemande ir Courante, kontrastas tarp Sarabande ir Gigue yra ryškesnis. Bet jį sušvelnina dvi papildomos tarp jų įdėtos dalys. Partija pavadinimu „Arija“ skamba ne kaip solinis vokalinis numeris operoje, o kaip rami, išradinga daina. Kitas Menuetas – prancūziškas šokis, kuriame mobilumas derinamas su grakštumu. Taigi šioje rinkinyje, turinčioje vieną bendrą tonaciją, visos dalys yra skirtingai palyginamos perkeltine prasme. Jig matmenys dažniausiai yra trijų krypčių. XVIII amžiuje tai daugiausia 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Vaikų lavinimas rusų meno srityje vidutiniu balsu, aiški, reljefinė, gerai įsimenama tema su elastingu šokio ritmu: 11 Moderato Energingas atkaklumas temoje derinamas su grakštumu, gudriais išdykėliais per stiprią valią. Tai suteikia galimybę tolesnei įvairiai ir dinamiškai plėtrai. Kūrimo pradžioje tema skamba lengvai – vienintelį kartą ji atliekama mažoriniu klavišu (E-dur). Reprizoje iš trijų pagrindinių temos pasažų pagrindiniu klavišu (C-moll), antrasis, bosas, įgauna tokį galingą apimtį, kad priverčia prisiminti preliudijoje siautėjančias gamtos jėgas. Ir dar vienas dalykas, galutinis fugos temos įgyvendinimas baigiamas nušvitusiu house mažoro akordu. Tokiame preliudijos ir fugos pabaigų panašume atsiskleidžia vidinis emocinis kontrastingų ciklo dalių santykis. Sukaupęs galingą energiją, šis srautas pirmos atkarpos pabaigoje tarsi persilieja per kraštą ir kitos atkarpos pradžioje tampa dar veržlesnis, grasindamas nušluoti viską savo kelyje. Šią preliudijos kulminaciją žymi tempo keitimas į greičiausią (Pgesto) ir polifoninės priemonės – dvibalsio kanono – panaudojimas. Tačiau siautėjančius elementus staiga sustabdo imperatyvūs akordų potėpiai ir prasmingos rečitatyvo frazės. Čia ateina antrasis tempo keitimas – į lėčiausią (Adagio). O po trečio tempo pakeitimo į vidutiniškai greitą A11eggo paskutiniuose preliudijos taktuose boso tonizuojantis vargonų taškas pamažu sulėtina šešioliktųjų natų judėjimą dešinėje rankoje. Jis švelniai plinta ir sustingsta ant C-dur akordo. Ten yra ramybė, ramybė. Po tokio laisvo, improvizacinio preliudijos užbaigimo dėmesys persijungia į kitą, kontrastingą plotmę. Prasideda trijų balsų fuga. Šis žodis lotynų ir italų kalbomis reiškia „bėgimas“, „skrydis“, „greita srovė“. Muzikoje fuga yra sudėtingas polifoninis kūrinys, kuriame balsai tarsi aidi, pasivija vienas kitą. Dauguma fugų yra pagrįstos viena tema. Rečiau pasitaiko dviejų, dar rečiau – trijų ar keturių temų fugos. O pagal balsų skaičių fugos būna dviejų, trijų, keturių ir penkių dalių. Vienos tamsios fugos prasideda temos pristatymu pagrindiniu klavišu bet kuriuo balsu. Tada temą pakaitomis imituoja kiti balsai. Taip suformuojama pirmoji fugos dalis – ekspozicija. Antrame skyriuje - plėtra - tema pasirodo tik kitais raktais. Ir trečiame, paskutiniame skyriuje - reprize9 - jis vėl vykdomas pagrindiniu klavišu, tačiau jis nebėra pateikiamas vienu balsu. Ekspozicija čia tikrai nesikartoja. Fugose plačiai naudojamos išsaugotos kontrapozicijos ir intermedijos. Prasideda aptariama Bacho c-moll fuga, pasirodanti fugoje – aukščiausioje polifoninės muzikos formoje – pasiekusi visą savo brandą ir ryškiausią sužydėjimą Bacho kūryboje. Garsus XIX amžiaus rusų kompozitorius ir pianistas Antonas Grigorjevičius Rubinšteinas savo knygoje „Muzika ir jos atstovai“, žavėdamasis „Gerai temperamentingu klavieru“, rašė, kad ten galima rasti „religingų, herojiškų, melancholiškų, didingas, gedulingas, humoristinis, pastoracinis, dramatiškas personažas; vienu dalyku jie visi panašūs – grožiu. .. Johanas Sebastianas Bachas buvo tokio pat amžiaus kaip didysis vokiečių kompozitorius Georgas Friedrichas Hendelis (1685-1759) – nuostabus polifonijos meistras, vargonininkas virtuozas. Jo likimas buvo kitoks. Didžiąją gyvenimo dalį praleido ne Vokietijoje, kraustydamasis iš vienos šalies į kitą (kelis dešimtmečius gyveno Anglijoje). 18 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Hendelis yra daugelio operų, ​​oratorijų, įvairių instrumentinių kūrinių autorius. F o rm m a n imas klasikinis stilius muzikoje Klausimai ir užduotys 1 . Kas bendro tarp dvasinių ir pasaulietinių Bacho kūrinių? 2. Papasakokite apie tokatos ir fugos d-moll vargonams vaizdinį pobūdį. 3. Dainuokite jums žinomas Bacho išradimų temas. Kas yra opozicija, kai ji vadinama sulaikyta? 4. Kas yra polifoninio kūrinio intarpas? Kuri imitacija vadinama kanonine ar kanonine? 5. Pavadinkite ir apibūdinkite pagrindines „Prancūziškos siuitos“ c-moll dalis. 6. Kaip konstruojamas Bacho gerai temperuotas klavieras? 7. Koks pagrindinis skirtumas tarp preliudijos ir fugos? Parodykite tai su Preliudijos ir Fugos c-moll pavyzdžiu iš pirmojo Gerai temperuoto klaviero tomo. Ar tarp jų taip pat yra panašumų? XVIII amžiaus, ypač jo vidurio ir antrosios pusės, muzikinis teatras – didelių permainų metas visose Europos muzikinio meno srityse. Prasidėjus šiam šimtmečiui italų operoje pamažu atsirado du žanrai – opera seria (rimta) ir opera buffa (komiksas). Serialo operose, kuriose pasirodė vadinamieji „aukštieji“ herojai – mitologinės dievybės, senovės valstybių karaliai, legendiniai vadai, vis dar vyravo mitologiniai ir istoriniai siužetai. O buffa operose siužetai tapo daugiausia šiuolaikiniais kasdieniais. Herojai čia buvo paprasti žmonės, kurie veikė energingai ir realistiškai. 1733 m. Neapolyje publikai pasirodžiusi Giovanni Battista Pergolesi „Tarnaitė“ (Giovanni Battista Pergolesi) buvo pirmasis ryškus operos buffa pavyzdys. Herojė, iniciatyvi tarnaitė Serpina, mikliai išteka už savo niūriojo šeimininko Uberto ir pati tampa meiluže. Kaip ir daugelis ankstyvųjų itališkų buffa operų, ​​„Tarnaitė-Meistrė“ iš pradžių buvo atliekama kaip sceninė intarpa per pertraukas tarp Pergolesi operos serialo „Išdidus kalinys“ (prisiminkime, kad žodis „interliudija“ yra lotyniškos kilmės ir reiškia „sąveika“). Netrukus „The Servant-Madam“ daugelyje šalių išgarsėjo kaip savarankiškas kūrinys. Komiška opera gimė Prancūzijoje XVIII amžiaus antroje pusėje. Jis kilo iš linksmų, šmaikščių komedijų pasirodymų su muzika, skambančia Paryžiaus mugėse. O pavirsti komiška opera, kurioje vokalo numeriai tapo pagrindine personažų savybe, italų buffa operos pavyzdys padėjo prancūzų muzikinėms komedijoms. Šiam pasirodymui Paryžiuje didelę reikšmę turėjo italų „buffonų“ operos trupė, kai Prancūzijos sostinę tiesiogine prasme užbūrė Pergolesi „Tarnaitė ponia“. Skirtingai nei italų opera buffa, prancūzų komiškose operose ariose numeriai kaitaliojasi ne su rečitatyvais, o su pokalbio dialogais. Statoma ir Singspire – vokiečių ir austrų komiškos operos atmaina, pasirodžiusi antroje Pagrindiniai kūriniai Vokaliniai ir instrumentiniai kūriniai „Aistra pagal Joną“, „Pasija pagal Matą“ Mišios h-moll Šventosios kantatos (apie 200 vnt. išlikusios) ir pasaulietinės kantatos (išliko per 20) Orkestro kūriniai 4 siuitos („uvertiūros“) 6 „Brandenburgo koncertai“ Koncertai solo instrumentams su kameriniu orkestru 7 koncertai klavesinui 3 koncertai dviem, 2 trims klavesinams 2 koncertai smuikui Koncertas du smuikai Kūriniai lankiniams instrumentams 3 sonatos ir 3 partitos smuikui solo 6 sonatos smuikui ir klavesinui 6 siuitos („sonatos“) violončelei solo Vargonų kūriniai 70 choro preliudų Preliudai ir fugos Tokata ir fuga d-moll Passacaglia c-moll Klavišiniai kūriniai Rinkinys „Mažieji preliudai ir fugos“ 15 dviejų dalių išradimų ir 15 trijų dalių išradimų („simfonijų“) 48 gerai temperuoto klaviero preliudai ir fugos 6 „prancūziškos“ ir 6 „angliškos“ siuitos 6 siuitos (partitas) „ Itališkas koncertas“ klavesinui solo „Chromatinė fantazija ir fuga“ „Meno fugos“ 19 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje XVIII amžiaus viduryje17. Visų komiškos operos atmainų muzikinei kalbai būdingas glaudus ryšys su liaudies dainų ir šokių melodijomis. XVIII amžiaus antroje pusėje rimta operos žanrai radikaliai reformavo didįjį vokiečių kompozitorių Christophą Willibaldą Glucką (1714–1787). Savo pirmąją reformistinę operą „Orfėjas ir Euridikė“ (1762 m.) jis parašė pagal legendinio senovės graikų dainininko pasakojimą, kuris nuo seniausių laikų ne kartą buvo naudojamas operose (apie tai buvo kalbama įvade). Gluckas nuėjo sunkiu keliu į reformą operoje. Jam teko lankytis daugelyje Europos šalių – Vokietijoje, Austrijoje, Danijoje, taip pat slavų apgyvendintoje Čekijoje, kartu su Italija – Anglijoje. Prieš tvirtai apsigyvendamas Vienoje, Gluckas pastatė 17 savo operų serialų Milano, Venecijos, Neapolio, Londono, Kopenhagos, Prahos ir kitų miestų teatrų scenose. Šio žanro operos buvo vaidinamos daugelio Europos šalių teismų teatruose. Išimtis buvo Prancūzija. Ten XVIII amžiaus viduryje jie toliau kūrė ir statė rimtas operas tik tradiciniu prancūzišku stiliumi. Tačiau Gluckas atidžiai studijavo garsių prancūzų kompozitorių Jeano-Baptiste'o Lully ir Jeano-Philippe'o Rameau operų partitūras. Be to, Gluckas parašė ir Vienoje sėkmingai pastatė aštuonis naujojo prancūzų komiškos operos žanro kūrinius. Jis neabejotinai buvo gerai susipažinęs su italų buffa operas, vokiečių ir austrų singspiel. Visos šios žinios leido Gluckui ryžtingai atnaujinti jau pasenusius komponavimo principus rimtoms operoms. Savo reformistinėse operose, pastatytose iš pradžių Vienoje, o vėliau Paryžiuje, Gluckas emocinius personažų išgyvenimus pradėjo perteikti daug tikrumu ir dramatiškesniu intensyvumu, efektyvumu. Jis atsisakė arijose kaupti virtuoziškų pasažų, didino rečitatyvų išraiškingumą. Jo operos tapo tikslingesnės muzikinės ir sceninės raidos, darnesnės kompozicijos požiūriu. Taigi muzikinėje kalboje ir statant naujas komiškas ir reformuotas rimtąsias operas buvo įvardyti svarbūs skiriamieji naujojo, klasikinio stiliaus bruožai - aktyvus kūrimo efektyvumas, raiškos priemonių paprastumas ir aiškumas, kompozicinė harmonija, bendras kilnus. ir didingas muzikos charakteris. Šis stilius Europos muzikoje palaipsniui susiformavo XVIII amžiuje, subrendo 1770–1780 m. ir dominavo iki XIX amžiaus antrojo dešimtmečio vidurio. Pažymėtina, kad „klasikinio“ apibrėžimas gali turėti ir kitą, platesnę prasmę. „Klasika“ (arba „klasika“) dar vadinami muzikos ir kiti meno kūriniai, kurie buvo pripažinti pavyzdingais, tobulais, nepralenkiamais – nepriklausomai nuo jų sukūrimo laiko. Šia prasme italų masės kompozitorius XVI amžiaus Palestrina, ir Prokofjevo opera, ir Šostakovičiaus simfonija – rusų kompozitoriai XX a. Instrumentinė muzika Tuo pačiu plačiu tarptautiniu mastu, kaip ir Glucko operos reforma, XVIII amžiuje vyko intensyvi instrumentinės muzikos raida. Jį bendromis pastangomis atliko daugelio Europos šalių kompozitoriai. Remdamiesi daina ir šokiu, ugdydami klasikinį muzikos kalbos aiškumą ir dinamiškumą, jie pamažu formavo naujus ciklinių instrumentinių kūrinių žanrus – tokius kaip klasikinė simfonija, klasikinė sonata, klasikinis styginių kvartetas. Juose didelę reikšmę turi sonatos forma. Todėl instrumentiniai ciklai vadinami sonata arba sonata-simfonija. sonatos forma. Jau žinote, kad aukščiausia polifoninės muzikos forma yra fuga. O sonatos forma yra aukščiausia homofoninės harmoninės muzikos forma, kurioje tik kartais galima panaudoti polifonines technikas. Savo konstrukcija šios dvi formos yra panašios viena į kitą. Kaip ir fuga, sonatos formos yra trys pagrindinės dalys: ekspozicija, plėtojimas ir apibendrinimas. Tačiau tarp jų yra ir reikšmingų skirtumų. Pagrindinis skirtumas tarp sonatos formos ir fugos iš karto išryškėja 18 ekspozicijoje. Didžioji dauguma fugų yra visiškai pastatytos viena tema, kuri atliekama pakaitomis kiekvienoje ekspozicijoje. Šis vokiškas žodis kilęs iš „singen“ („dainuoti“). ir „Spiel“ („žaisti“) . 18 Žodis yra lotyniškos kilmės, reiškiantis „pristatymas“, „pasirodymas“. 20 www.classON.ru Vaikų ugdymas meno srityje Rusijoje balsas. O sonatos formos ekspozicijoje, kaip taisyklė, išryškėja dvi pagrindinės temos, daugiau ar mažiau skirtingo pobūdžio. Pirmiausia suskamba pagrindinės dalies tema, vėliau atsiranda šoninės dalies tema. Tačiau jokiu būdu neturėtumėte suprasti „šalinio“ apibrėžimo kaip „antrinio“. Mat iš tikrųjų šoninės dalies tema sonatos formoje vaidina ne mažiau svarbų vaidmenį nei pagrindinės dalies tema. Žodis „antrinis“ čia vartojamas todėl, kad, skirtingai nei pirmasis, jis ekspozicijoje būtinai skamba ne pagrindiniu, o kitu, tai yra, tarsi antriniu. Klasikinėje muzikoje, jei pagrindinė dalis ekspozicijoje yra mažor, tai šoninė dalis nurodoma dominantės klavišu (pavyzdžiui, jei pagrindinės partijos klavišas yra C-dur, tai šoninės partijos klavišas yra G majoras). Jei pagrindinė dalis ekspozicijoje yra minorinė, tai šoninė dalis nurodoma paraleliniu mažoru (pavyzdžiui, jei pagrindinės dalies klavišas yra c-moll, tai šoninės dalies klavišas yra E-dur). Tarp pagrindinės ir šoninės pusės dedamas mažas paketas arba jungiamoji partija. Čia gali atsirasti ir savarankiška, melodingai įspausta tema, tačiau dažniau naudojamos pagrindinės dalies temos intonacijos. Jungiamoji dalis veikia kaip perėjimas prie šoninės dalies, ji moduliuojasi į šoninės dalies raktą. Taigi pažeidžiamas tonų stabilumas. Gandai pradeda tikėtis kažkokio naujo „muzikinio įvykio“ pradžios. Pasirodo, tai šalutinio vakarėlio temos pasirodymas. Kartais prieš ekspoziciją gali būti pateikta įžanga. O po šoninės dalies skamba arba nedidelė išvada, arba visa paskutinė dalis, dažnai su savarankiška tema. Taip ir baigiasi ekspozicija, fiksuojanti šoninės dalies toną. Kompozitoriaus nurodymu visa ekspozicija gali būti kartojama. Vystymas – antroji sonatos formos dalis. Jame iš ekspozicijos pažįstamos temos pasirodo naujomis versijomis, įvairiai kaitaliojasi, lyginamos. Tokia sąveika dažnai apima ne ištisas temas, o nuo jų atskirtus motyvus ir frazes. Tai yra, kuriamos temos yra tarsi suskirstytos į atskirus elementus, atskleidžiančius jose esančią energiją. Tokiu atveju dažnai keičiami klavišai (pagrindinis klavišas čia veikiamas retai ir neilgam). Skirtingais klavišais pasirodančios temos ir jų elementai tarsi nušviečiami naujai, parodomi iš naujų požiūrių. Po to, kai vystymosi raida pasiekia didelę įtampą kulminacijos metu, jos eiga keičia kryptį. Šios dalies pabaigoje ruošiamas grįžimas prie pagrindinio rakto, yra posūkis į reprizą. Repriza yra trečioji sonatos formos dalis. Jis prasideda nuo pagrindinės dalies grąžinimo pagrindiniame rakte. Jungiamoji dalis nepriveda prie naujo rakto. Priešingai, jis nustato pagrindinį raktą, kuriame dabar kartojasi ir antrinė, ir paskutinė dalys. Taigi repriza savo toniniu stabilumu atsveria nestabilią raidos prigimtį ir suteikia visumai klasikinės harmonijos. Reprizą kartais galima papildyti galutine konstrukcija – coda (kilusia iš lotyniško žodžio, reiškiančio „uodega“). Taigi, skambant fugai, mūsų dėmesys sutelkiamas į klausymąsi, mąstymą ir jausmą į vieną muzikinę idėją, kurią įkūnija viena tema. Kai kūrinys skamba sonatos forma, mūsų klausa seka dviejų pagrindinių (ir vienas kitą papildančių) temų palyginimą ir sąveiką – tarsi seka įvairių muzikinių įvykių raidą, muzikinį veiksmą. Tai ir yra pagrindinis šių dviejų muzikinių formų meninių galimybių skirtumas. Klasikinės sonatos (sonatos-simfoninės) ciklas. Maždaug paskutiniame XVIII amžiaus trečdalyje klasikinės sonatos ciklas pagaliau susiformavo muzikoje. Anksčiau in instrumentiniai kūriniai dominavo siuitos forma, kur keitėsi lėtos ir greitos dalys, o jai artima senosios sonatos forma. Dabar klasikiniame sonatos cikle dalių skaičius (dažniausiai trys ar keturios) buvo tiksliai nustatytas, tačiau jų turinys tapo sudėtingesnis. Pirma dalis paprastai rašoma sonatos forma, apie kurią buvo kalbama ankstesnėje pastraipoje. Ji vaikšto greitu arba vidutiniškai greitu tempu. Dažniausiai tai yra A11eggo. Todėl toks judesys dažniausiai vadinamas sonata allegro. Jame skambanti muzika dažnai būna energingo, efektingo charakterio, dažnai įtempto, dramatiško. Antrasis judesys visada kontrastuoja su pirmuoju tempu ir bendru charakteriu. Dažnai jis būna lėtas, lyriškiausias ir melodingiausias. Bet jis gali būti ir kitoks, pavyzdžiui, panašus į lėtą pasakojimą ar šokio grakštus.Trijų dalių cikle paskutinė, trečioji dalis, finalas vėlgi greitas, dažniausiai greitesnis, bet ne toks intensyvus vidinis vystymasis lyginant į pirmąjį. Klasikinių sonatų ciklų (ypač simfonijų) finalai dažnai piešia gausių šventinių linksmybių paveikslus, o jų temos artimos viena kitai. liaudies dainos ir šokiai. Šiuo atveju dažnai naudojama rondo forma (iš prancūzų kalbos „ronde“ – „ratas“). Kaip žinote, pirmoji dalis čia (refrenas) kartojama keletą kartų, pakaitomis su naujomis dalimis (epizodais). 21 www.classON.ru Vaikų švietimas meno srityje Rusijoje jo pirmoji opera? 3. Iki kurio laiko subrendo klasikinis stilius ir iki kurio laiko klasikinis stilius dominavo muzikoje? Paaiškinkite skirtumą tarp dviejų „klasikinio“ apibrėžimų. 4. Kuo bendroje konstrukcijoje panašus fugos ir sonatos formos? Ir koks yra pagrindinis skirtumas tarp jų? 5. Pavadinkite pagrindines ir papildomas sonatos formos dalis. Nubraižykite jos diagramą. 6. Kaip pagrindinė ir šoninė sonatos formos dalys koreliuoja viena su kita ekspozicijoje ir reprizoje? 7. Kas būdinga plėtrai sonatos pavidalu? 8. Apibūdinkite klasikinės sonatos ciklo dalis. 9. Įvardykite pagrindinius klasikinių sonatų ciklų tipus, priklausomai nuo atlikėjų kompozicijos. Visa tai išskiria daugelį keturių dalių ciklų finalų. Bet juose tarp kraštutinių dalių (pirmos ir ketvirtos) dedamos dvi vidurinės dalys. Vienas – lėtas – simfonijoje dažniausiai yra antras, o kvartete – trečias. Trečioji XVIII amžiaus klasikinių simfonijų dalis – Menuetas, užimantis antrąją vietą kvartete. Taigi, paminėjome žodžius „sonata“, „kvartetas“, „simfonija“. Skirtumas tarp šių ciklų priklauso nuo atlikėjų sudėties. Ypatinga vieta tenka simfonijai – kūriniui orkestrui, skirtam skambėti didelėje patalpoje prieš daugybę klausytojų. Šia prasme koncertas artimas simfonijai – trijų dalių kompozicijai solo instrumentui su orkestro pritarimu. Labiausiai paplitę kameriniai instrumentiniai ciklai yra sonata (vienam ar dviem instrumentams), trio (trims instrumentams), kvartetas (keturiems instrumentams), kvintetas (penkiems instrumentams)19. Sonatos forma ir sonatos-simfoninis ciklas, kaip ir visas klasikinis muzikos stilius, susiformavo XVIII amžiuje, kuris vadinamas „Apšvietos amžiumi“ (arba „Apšvietos amžiumi“), taip pat „amžiumi“. Priežastis“. Šiame amžiuje, ypač jo antrojoje pusėje, daugelyje Europos šalių buvo nominuoti vadinamosios „trečios valdos“ atstovai. Tai buvo žmonės, kurie neturėjo nei bajorų, nei dvasinių titulų. Sėkmę jie lėmė jų pačių darbas ir iniciatyva. Jie skelbė „natūralaus žmogaus“ idealą, kuriam pati gamta suteikė kūrybinės energijos, šviesaus proto ir gilių jausmų. Šį optimistinį demokratinį idealą savaip atspindėjo muzika ir kitos meno bei literatūros formos. Taigi, pavyzdžiui, žmogaus proto ir nenuilstamų rankų pergalė Apšvietos pradžioje buvo pašlovinta publikacijoje 1719 m. garsus romanas Anglų rašytojo Danielio Defo gyvenimas ir nuostabūs Robinzono Kruzo nuotykiai. Joseph Haydn 1732-1809 Klasikinis muzikos stilius savo brandą ir suklestėjimą pasiekė Josepho Haydno, Wolfgango Amadeus Mocarto ir Ludwigo van Bethoveno kūryboje. Kiekvieno iš jų gyvenimas ir kūryba ilgą laiką praleido Austrijos sostinėje Vienoje. Todėl Haidnas, Mocartas ir Bethovenas vadinami Vienos klasika. Austrija buvo daugiatautė imperija. Jame kartu su austrais, kurių gimtoji kalba yra vokiečių, gyveno vengrai ir įvairios slavų tautos, įskaitant čekus, serbus, kroatus. Jų dainos ir Klausimai bei užduotys 1 . Įvardykite nacionalines XVIII amžiaus komiškų operų atmainas. Kuo skiriasi itališkos buffa operos ir prancūzų komiškos operos statymas? 2. Su kokiomis šalimis ir miestais buvo susijusi didžiojo operos reformatoriaus Christoph Willibald Gluck veikla? Kokiame sklype jis parašė kitų kamerinių ansamblių pavadinimus instrumentiniai ciklai– sekstetas (6), septetas (7), oktetas (8), nonetas (9), decimetas (10). „Kamerinės muzikos“ apibrėžimas kilęs iš itališko žodžio „kamera“ – „kambarys“. Mat iki XIX amžiaus kompozicijos keliems instrumentams dažnai būdavo atliekamos namuose, tai yra, jos buvo suprantamos kaip „kambarinė muzika“. 19 22 www.classON.ru Vaikų švietimą rusų meninio šokio melodijų srityje buvo galima išgirsti tiek kaimuose, tiek miestuose. Vienoje liaudies muzika skambėjo visur – centre ir pakraščiuose, gatvių sankryžose, viešuosiuose soduose ir parkuose, restoranuose ir užeigose, turtinguose ir neturtinguose privačiuose namuose. Viena taip pat buvo pagrindinis profesionalios muzikinės kultūros centras, susitelkęs aplink imperatoriškąjį dvarą, didikų koplyčias 1 ir aristokratų salonus, katedras ir bažnyčias. Austrijos sostinėje nuo seno kultivuojama itališka opera seria, čia, kaip jau minėta, ji pradėjo savo veiklą. operos reforma gedimas. Muzika gausiai lydėjo teismo šventes. Tačiau vieniečiai noriai lankydavo linksmus farso pasirodymus su muzika, iš kurių ir gimė giedotojai, ir labai mėgo šokti. Iš trijų didžiųjų Vienos muzikos klasika Haydnas yra seniausias. Jam buvo 24-eri, kai gimė Mocartas, ir 38-eri, kai gimė Bethovenas. Haydnas nugyveno ilgą gyvenimą. Anksti mirusį Mocartą jis išgyveno beveik du dešimtmečius ir dar buvo gyvas, kai Bethovenas jau buvo sukūręs daugumą brandžių savo kūrinių. Privačiam kunigaikščių teatrui jis parašė daugiau nei dvi dešimtis seria, buffa žanrų operų, ​​taip pat keletą „lėlių“ operų, ​​skirtų lėlių vaidinamiems spektakliams. Tačiau pagrindinių jo kūrybinių pomėgių ir pasiekimų sritis yra simfoninė ir kamerinė2 instrumentinė muzika. Iš viso tai daugiau nei 800 kompozicijų3. Tarp jų ypač reikšmingos daugiau nei 100 simfonijų, daugiau nei 80 styginių kvartetų ir daugiau nei 60 klavierių sonatų. Jų brandžiuose pavyzdžiuose su didžiausiu išbaigtumu, ryškumu ir originalumu – optimistiška didžiųjų pasaulėžiūra austrų kompozitorius . Tik kartais tokį šviesų požiūrį išsklaido niūresnė nuotaika. Juos visada nugali neišsenkama Haydno meilė gyvenimui, ryškus stebėjimas, linksmas humoras, paprastas, sveikas ir kartu poetiškas supančios tikrovės suvokimas. Gyvenimo kelias Ankstyvoji vaikystė. Rorau ir Hainburgas. Franz Joseph Haydn gimė 1732 m. Rorau kaime, esančiame rytų Austrijoje, netoli Vengrijos sienos ir netoli Vienos. Haydno tėvas buvo įgudęs treneris, motina dirbo virėja grafo, Rorau savininko, dvare. Vyriausiasis sūnus Josefas, kurį šeimoje meiliai vadino Zepperliu, tėvai anksti pradėjo pratinti jį prie darbštumo, tikslumo, švaros. Haydno tėvas visiškai nemokėjo muzikos, bet mėgo dainuoti, akompanuodamas sau arfa, ypač būdamas savo. mažame namelyje rinkosi svečiai. Zepperl dainavo kartu skaidriu sidabriniu balsu, atskleisdamas nepaprastą muzikos klausą. Ir kai berniukui buvo tik penkeri metai, jis buvo išsiųstas į kaimyninį Hainburgo miestą pas tolimą giminaitį, kuris vadovavo bažnyčios mokyklai ir chorui. Hainburge Sepperlis išmoko skaityti, rašyti, skaičiuoti, dainuoti chore, taip pat pradėjo išmokti groti klavikordu ir smuiku. Tačiau jam nebuvo lengva gyventi svetimoje šeimoje. Po daugelio metų jis prisiminė, kad tada gavo „daugiau plakimų nei maisto“. Kai tik Zepperlis atvyko į Hainburgą, jam buvo liepta išmokti mušti timpanus, kad galėtų dalyvauti toje pačioje bažnyčios procesijoje su muzika. Berniukas paėmė sietelį, užtraukė ant jo audeklo gabalą ir pradėjo uoliai mankštintis. Jis sėkmingai atliko savo užduotį. Tik organizuojant eiseną labai žemo ūgio žmogui ant nugaros teko kabinti instrumentą. Ir jis buvo kuprotas, o tai sukėlė žiūrovų juoką. Stepono katedros koplyčioje Vienoje. Hainburge apsilankęs Vienos katedros kapelmeisteris ir dvaro kompozitorius Georgas Reuteris atkreipė dėmesį į išskirtinius Haidno muzikinius sugebėjimus, kuriuo nuoširdžiai tikėjo. Jis yra daugybės mišių ir kitų vokalinių bei instrumentinių kūrinių, paremtų dvasiniais tekstais, autorius. 23 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Zepperl. Taip 1740 metais aštuonmetis Haydnas atsidūrė Austrijos sostinėje, kur buvo priimtas choristu į katedros (pagrindinės) Šv. Stepono katedros koplyčią. tai darau pats. Sunki savarankiško gyvenimo pradžia. Kai sulaukus aštuoniolikos jaunuolio balsas ėmė gesti – laikinai užkimęs, netekęs lankstumo, jis buvo grubiai ir negailestingai išmestas iš koplyčios. Atsidūręs be pastogės ir lėšų, jis galėjo mirti iš bado ir šalčio, jei jo kurį laiką nebūtų priglaudęs pažįstamas dainininkas, gyvenęs su žmona ir vaiku mažame kambarėlyje po stogu. Haydnas pradėjo imtis bet kokių muzikinis darbas : kopijavo natas, vedė dainavimo, grojimo klaveriu pamokas, kaip smuikininkas dalyvavo Gatvės instrumentiniuose ansambliuose, kurie naktimis atlikdavo serenadas vieno miestiečių garbei. Galiausiai jam pavyko išsinuomoti nedidelį kambarį šeštame ir paskutiniame namo Vienos centre aukšte. Kambarį pervėrė vėjas, joje nebuvo krosnies, žiemą dažnai užšaldavo vanduo. Haydnas tokioje bėdoje gyveno dešimt metų. Tačiau jis neprarado širdies ir entuziastingai užsiėmė mėgstamu menu. „Kai sėdėjau prie savo seno, sukirmijusio klaverio“, – senatvėje prisiminė jis, – nepavydėjau jokiam karaliui laimės. Įveikti kasdienius sunkumus Haydnui padėjo gyvas, linksmas charakteris. Pavyzdžiui, kartą, pavyzdžiui, naktį jis savo kolegas muzikantus apgyvendino nuošaliuose kampuose vienoje Vienos gatvių ir jam davus signalą, visi grojo tai, kas jam patiko. Rezultatas – „katinų koncertas“, sukėlęs aplinkinių gyventojų ažiotažą. Du muzikantai atsidūrė policijoje, tačiau skandalingosios „serenados“ kurstytojas nebuvo išduotas. Susipažinęs su populiariu komiksų aktoriumi, Haydnas, bendradarbiaudamas su juo, sukūrė dainą „The Lame Demon“ ir uždirbo nedidelę pinigų sumą, tarnavo jam kaip pėstininkas. Palaipsniui Haydnas Vienoje ėmė išgarsėti ir kaip mokytojas, ir kaip kompozitorius. Jis susitiko su žinomais žmonėmis; muzikantai ir muzikos mylėtojai. Žymaus valdininko namuose jis pradėjo dalyvauti kamerinių ansamblių pasirodyme ir sukūrė savo pirmuosius styginių kvartetus koncertams savo sodyboje. O pirmąją simfoniją Haidnas parašė 1759 m., kai savo žinioje gavo nedidelį orkestrą, tapusį grafo Morzino koplyčios vadovu. Grafas laikė tik nesusituokusius muzikantus. Haydnas, vedęs Vienos kirpėjos dukrą, buvo priverstas tai laikyti paslaptyje. Tačiau tai tęsėsi tik iki 1760 m., kai Vienoje, dideliame gražiame mieste su nuostabiais pastatais ir architektūriniais ansambliais, berniuką užliejo naujų ryškių įspūdžių banga. Aplink skambėjo daugiatautė liaudies muzika. Katedroje ir imperatoriaus dvare, kur koncertavo ir choras, skambėjo iškilmingi vokaliniai ir instrumentiniai kūriniai. Tačiau egzistavimo sąlygos vėl pasirodė sunkios. Klasėje, repeticijose ir pasirodymuose choro berniukai buvo labai pavargę. Jie buvo prastai maitinami, nuolat buvo pusbadžiu. Jie buvo griežtai nubausti už savo išdaigas. Mažasis Haydnas ir toliau uoliai mokėsi dainavimo meno, grojo klaveriu ir smuiku, labai norėjo kurti muziką. Tačiau „Reuter“ į tai nekreipė dėmesio. Pernelyg užsiėmęs savo reikalais, visus devynerius Haidno buvimo koplyčioje metus jis jam vedė tik dvi kompozicijos pamokas. Tačiau Josefas užsispyrusiai, stropiai siekė savo tikslo, o po kelerių metų parašė dar vieną dainą pavadinimu „Naujasis nevykėlis“. 20 24 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje, sukrėtė grafo materialiniai reikalai ir jis išnaikino savo koplyčią. Haydno santuoka buvo nesėkminga. Jo išrinktoji išsiskyrė sunkiu, rūsčiu charakteriu. Jos visiškai nesidomėjo vyro kūrybos reikalais – iš jo kompozicijų rankraščių gamino papilotes ir pašteto pamušalus. Po kelerių metų Haydnas pradėjo gyventi atskirai nuo savo žmonos. Jie neturėjo vaikų. Kunigaikščių Esterhazy koplyčioje. 1761 metais turtingas vengras; Princas Pal Antal Esterhazy pakvietė Haydną į Eizenštatą kaip vicekapelmeisterį. Nuo tos akimirkos prasidėjo Haydno tarnyba Esterhazy šeimoje, kuri truko ištisus tris dešimtmečius. Po penkerių metų jis tapo kapelmeisteriu – po to, kai mirė šias pareigas ėjęs pagyvenęs muzikantas. 1762 m. miręs Pala Antal įpėdinis pasižymėjo pasišventimu prabangai ir brangioms pramogoms, jo brolis Myklosh 1, pramintas Didinguoju. Po kelerių metų jis perkėlė savo rezidenciją iš Eizenštato į naujus 126 kambarių kaimo rūmus, apsupo juos didžiuliu parku ir pastatė Operos teatras už 400 vietų ir lėlių teatrą, gerokai padidino muzikantų skaičių kapeloje. Darbas joje suteikė Haydnui gerą finansinę paramą, o be to – galimybę daug kurti ir iš karto išbandyti save praktikoje, vadovaujant orkestriniam savo naujų kūrinių atlikimui. Esterhaze (taip buvo vadinama naujoji kunigaikščio rezidencija) dažnai būdavo rengiami gausūs priėmimai, kuriuose dažnai dalyvaudavo aukšto rango užsienio svečiai. Dėl to Haydno kūryba palaipsniui tapo žinoma už Austrijos ribų. Tačiau visame tame, kaip sakoma, buvo ir kita medalio pusė. Įstojęs į tarnybą Haydnas pasirašė sutartį, pagal kurią tapo savotišku muzikiniu tarnu. Jis kasdien, prieš ir po vakarienės, turėjo pasirodyti rūmų priekyje su pudruotu peruku ir baltomis kojinėmis, kad klausytų princo įsakymų. Sutartis įpareigojo Haydną skubiai parašyti „bet kokią muziką, kurios trokšta jo valdovė, niekam nerodyti naujų kūrinių ir juo labiau neleisti niekam jų nurašyti, o pasilikti tik savo valdovui ir be jo žinios bei malonės. leidimas niekam nieko nekurti“. Be to, Haydnas privalėjo laikytis tvarkos koplyčioje ir muzikantų elgesio, vesti pamokas dainininkams, būti atsakingas už instrumentų ir natų saugumą. Jis gyveno ne rūmuose, o gretimame kaime, mažame namelyje. Iš Eizenštato kunigaikščių dvaras žiemą persikeldavo į Vieną. O iš Esterhazy į sostinę Haidnas galėjo patekti tik retkarčiais su princu arba gavęs specialų leidimą. Per daugelį metų, praleistų Eizenštate ir Esterhase, Haydnas iš pradedančiojo muzikanto tapo puikiu kompozitoriumi, kurio kūryba pasiekė aukštą meninį tobulumą ir buvo pripažinta ne tik Austrijoje, bet ir toli už jos ribų. Taigi šešios „Paryžiaus simfonijos“ (Nr. 82-87) buvo parašytos jo užsakymu iš Prancūzijos sostinės, kur jos sėkmingai skambėjo 1786 m. Haydno susitikimai su Wolfgangu Amadeusu Mocartu Vienoje datuojami 1780 m. Draugiškas suartėjimas turėjo teigiamos įtakos abiejų puikių muzikantų darbui. Laikui bėgant Haydnas vis labiau suvokė savo priklausomą padėtį. Jo laiškuose draugams iš Esterhazy Vienoje, rašytuose 1790 m. pirmoje pusėje, yra tokios frazės: „Dabar - aš sėdžiu savo dykumoje - apleistas - kaip vargšas našlaitis - beveik be žmonių - liūdnas... Paskutiniai Esterhazio kunigaikščiai turėjo didžiulius dvarus, turėjo daug tarnų ir gyveno karališkai savo rūmuose. Specialusis 25 www.classON.ru Vaikų išsilavinimas rusų meno srityje Daug dienų nežinojau, ar aš kapelmeisteris, ar kapelos vadovas... Liūdna visą laiką būti vergu...» Naujas posūkis likimas. Kelionės į Angliją. Miklósas Esterházy mirė 1790 m. rudenį. Jis buvo apsišvietęs melomanas, grojo styginiais instrumentais ir savaip neįvertino tokio „muzikos tarno“ kaip Haidnas. Princas paliko jam didelę pensiją iki gyvos galvos. Miklo įpėdinis Antal, neabejingas muzikai, koplyčią atleido. Tačiau norėdamas, kad garsusis kompozitorius ir toliau liktų jo rūmų kapelmeisteriu, jis net padidino pinigines išmokas Haydnui, kuris taip tapo laisvas nuo tarnybinių pareigų ir galėjo visiškai atsikratyti. Haydnas persikėlė į Vieną ketindamas kurti muziką ir iš pradžių atsisakė pasiūlymų aplankyti kitas šalis. Bet tada jis sutiko su pasiūlymu leistis į ilgą kelionę į Angliją ir 1791 m. pradžioje atvyko į Londoną. Taip, artėjant šešiasdešimtmečiui, Haydnas pirmą kartą savo akimis pamatė jūrą ir pirmą kartą atsidūrė kitoje valstybėje. Kitaip nei Austrija, kuri vis dar buvo feodalinė-aristokratiška, Anglija ilgą laiką buvo buržuazinė šalis, o socialinis, įskaitant muzikinį, gyvenimas Londone labai skyrėsi nuo Vienos. Londone, didžiuliame mieste, kuriame gausu pramonės ir prekybos įmonių, koncertai vyravo ne rinktiniams, kviečiamiems į aukštuomenės rūmus ir salonus, o organizuojami viešose salėse, kur visi ateidavo už tam tikrą mokestį. Haidno vardas Anglijoje jau buvo apgaubtas šlovės aureolės. Tiek žinomi muzikantai, tiek aukšto rango asmenys su juo elgėsi ne tik kaip su lygiaverčiu, bet ir su ypatinga pagarba. Nauji jo kūriniai, kuriuos atliekant jis atliko dirigento pareigas, buvo sutikti entuziastingai ir buvo dosniai apmokėti. Haydnas vadovavo dideliam 40-50 žmonių orkestrui, tai yra dvigubai didesniam už Esterhazy koplyčią. Oksfordo universitetas suteikė jam muzikos garbės daktaro laipsnį. Po pusantrų metų Haidnas grįžo į Vieną. Pakeliui aplankė Vokietijos miestą Boną. Ten jis pirmą kartą susitiko su jaunuoju Ludwigu van Bethovenu, kuris netrukus persikėlė į Vieną ketindamas studijuoti pas Haydną. Bet Bethovenas ilgai iš jo nesimokė. Du muzikos genijai, pernelyg skirtingi amžiumi ir temperamentu, tada nerado tikro tarpusavio supratimo. Tačiau savo tris fortepijonines sonatas (Nr. 1-3) Bethovenas publikavimo metu skyrė Haydnui. Antroji Haydno kelionė į Angliją prasidėjo 1794 metais ir truko net kiek daugiau nei pusantrų metų. Sėkmė vėl buvo pergalinga. Iš daugybės sukurtų darbų; šių kelionių metu ir ryšium su jomis ypač reikšmingos buvo dvylika vadinamųjų „Londono simfonijų“. Paskutiniai gyvenimo ir kūrybos metai. Kitas Esterházy princas Miklósas II labiau domėjosi muzika nei jo pirmtakas. Todėl Haidnas kartais pradėjo bėgti iš Vienos į Eizenštatą ir princo įsakymu parašė keletą mišių. Pagrindiniai pastarųjų metų kompozitoriaus kūriniai – dvi monumentalios oratorijos „Pasaulio sutvėrimas“ ir „Metų laikai“ – itin sėkmingai skambėjo Vienoje (viena 1799 m., kita 1801 m.). Senovės chaoso, iš kurio paskui kyla pasaulis, vaizdavimas, Žemės kūrimas, gyvybės gimimas Žemėje ir žmogaus kūrimas – toks yra pirmosios iš šių oratorijų turinys. Keturios antrosios oratorijos dalys („Pavasaris“, „Vasara“, „Ruduo“, „Žiema“) sudarytos iš kryptingų muzikinių kaimo gamtos ir valstietiško gyvenimo eskizų. 26 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Po 1803 m. Haydnas daugiau nieko nekūrė. Jis tyliai gyveno savo gyvenimą, apsuptas šlovės ir garbės. Haydnas mirė 1809 m. pavasarį, Napoleono karų įkarštyje, prancūzams įžengus į Vieną. violončelės ir kontrabosai. Medinių pučiamųjų instrumentų grupę sudaro fleitos, obojai, klarnetai ir fagotai 21. Haydno pučiamųjų instrumentų grupę sudaro ragai ir trimitai, o iš mušamųjų instrumentų jis naudojo tik timpanus ir tik paskutinėje, dvyliktojoje Londono simfonijoje pridėjo trikampį. , cimbolai ir būgnas. Klausimai ir užduotys 1 . Kokie trys puikūs kompozitoriai vadinami Vienos muzikos klasika? Kas paaiškina tokį apibrėžimą? 2. Papasakokite apie muzikinį Vienos gyvenimą XVIII a. 3. Įvardykite pagrindinius muzikos žanrus Haydno kūryboje. 4. Kur ir kaip prabėgo Haidno vaikystė ir jaunystė? 5. Kaip Haydnas pradėjo savarankišką kelionę? 6..Kaip klostėsi Haidno gyvenimas ir kūryba tarnaujant kunigaikščių Esterhazių koplyčioje? 7. Papasakokite apie Haydno keliones į Angliją ir jo Pastaraisiais metais gyvenimą. Simfoninis kūrinys Kai 1759 m Haydnas parašė pirmąją simfoniją, daug šio žanro kūrinių jau egzistavo ir buvo kuriama toliau. Jie atsirado Italijoje, Vokietijoje, Austrijoje ir kitose Europos šalyse. Pavyzdžiui, XVIII amžiaus viduryje visuotinę šlovę susilaukė simfonijos, sukurtos ir atliktos Vokietijos mieste Manheime, kuriame tuo metu buvo geriausias orkestras. Tarp vadinamosios „Manheimo mokyklos“ kompozitorių buvo daug čekų. Vienas iš simfonijos protėvių – trijų dalių italų operos uvertiūra (su partijų santykiu pagal tempą: „greitai-lėtai-greitai“.). Ankstyvosiose („ikiklasikinėse“) simfonijose kelias į būsimą klasikinę simfoniją vis dar buvo klojamas, skiriamieji ženklai kuri tapo vaizdinio turinio reikšme ir formos tobulumu. Eidamas šiuo keliu, Haydnas 1780-aisiais pasiekė savo brandžias simfonijas. Ir tuo pat metu pasirodė brandžios dar labai jauno Mocarto simfonijos, nuostabiai greitai žengiančios į meninio meistriškumo aukštumas. Haydnas sukūrė savo Londono simfonijas, kurios vainikavo jo pasiekimus šiame žanre, po ankstyvos Mocarto mirties, kuri jį giliai sukrėtė. Brandžiose Haydno simfonijose buvo nustatyta tokia tipinė keturių dalių ciklo kompozicija: sonata allegro, lėtas judesys, menuetas ir finalas (dažniausiai rondo arba sonatos allegro forma). Tuo pat metu klasikinė orkestro kompozicija iš keturių instrumentų grupių buvo nulemta pagrindiniais bruožais. Vadovaujanti grupė – styga. Tai apima smuikus, altus, Haydnas ne visada naudojo klarnetus. Netgi jo Londono simfonijose jos pasirodo tik penkiose (iš dvylikos). 21 27 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Ši simfonija žinoma kaip "Karinė". Taip pat yra kai kurių kitų Haydno simfonijų pavadinimų. Dažniausiai jie nėra paties kompozitoriaus duoti ir žymi tik vieną detalę, dažnai vaizdingą, pavyzdžiui, trakštelėjimo imitacija lėtojoje simfonijos dalyje „Vištiena“ arba „tiksėjimas“ – lėtojoje simfonijos dalyje“. Valandos". Ypatinga istorija siejama su simfonija f-moll, kuriai buvo suteiktas pavadinimas „Atsisveikinimas“. Turi papildomą penktąją dalį (tiksliau, coda tipo Adagio). Jo pasirodymo metu orkestrantai vienas po kito uždeda žvakes prie pultų, pasiima instrumentus ir išeina. Liko tik du smuikininkai, kurie tyliai ir liūdnai groja paskutinius taktus ir taip pat išeina. Tam yra toks paaiškinimas. Tarsi kartą vasarą princas Miklos I ilgiau nei įprastai uždelsė savo kapelos muzikantus Esterhaze. Ir jie norėjo kuo greičiau atostogauti, kad pamatytų savo šeimas, gyvenusias Eizenštate. Ir neįprastas antrasis Atsisveikinimo simfonijos finalas pasitarnavo kaip šių aplinkybių užuomina. Be simfonijų, Haydnas turi daug kitų kūrinių orkestrui, įskaitant daugiau nei šimtą atskirų menuetų. Ir staiga viskas džiaugsmingai virsta: prasideda sonatos allegro ekspozicija. Vietoj lėtas tempas - greitas (Allegro con spirito – „Greitai, su entuziazmu“), vietoj sunkių bosų unisonų – iš tų pačių G ir A-flat garsų aukštame registre, pirmasis mobiliojo, užkrečiamai linksmo, šokio motyvas. gimsta pagrindinė dalis. Visi šios temos motyvai, išdėstyti pagrindiniu klavišu, prasideda pirmojo garso kartojimu – tarsi karštu trypimu: Simfonija Es-dur Tai vienuoliktoji iš dvylikos Haidno „Londono simfonijų“. Jo pagrindinis klavišas yra E-dur. Ji žinoma kaip „timpani tremolo simfonija“ 22. Simfonija yra keturių dalių. Pirmoji dalis prasideda lėta įžanga. Tampanų tremolo („frakcija“), suderintas su toniku, skamba švelniai. Tai tarsi tolimas griaustinis. Tada pati įžangos tema išsiskleidžia lygiais plačiais „briauniais“. Pirmiausia jį oktavos unisonu groja violončelės, kontrabosai ir fagotai. Atrodo, kad kažkokie paslaptingi šešėliai tyliai sklando, kartais sustoja. Čia jie dvejoja ir sustingsta: paskutinėse įžangos taktuose unisonai kelis kartus kaitaliojasi kaimyniniuose garsuose G ir A-flat, priversdami ausį tikėtis – kas bus toliau? Temą du kartus pakartoja fortepijoniniai styginiai instrumentai, kuriuos papildo laukinis šokio linksmybių riaumojimas, skambantis forte visame orkestre. Šis ūžesys greitai prasilenkia, o jungiamojoje dalyje vėl atsiranda paslapties užuomina. Toninis stabilumas pažeistas. Yra moduliacija B-dur (dominuoja E-dur) – šoninės dalies klavišas. Jungiamojoje dalyje naujos temos nėra, tačiau pasigirsta pirminis Timpanų temos motyvas - pusrutuliai su ištempta oda, kurie smogiami dviem pagaliukais. Kiekvienas pusrutulis gali skleisti tik vieno aukščio garsą. Klasikinėse simfonijose paprastai naudojami du pusrutuliai, suderinti su tonizuojančiu ir dominuojančiu. 22 28 www.classON.ru Pagrindinės dalies vaikų ugdymas rusų dailės srityje ir tolimas įvado temos priminimas: Ekspozicija baigiama šoninės dalies rakto patvirtinimu (B-dur). Ekspozicija kartojama, o vystymasis seka. Jis prisotintas polifoninės imitacijos ir toniniu-harmoniniu motyvų plėtojimu, izoliuotu nuo pagrindinės dalies temos. Šalutinio žaidimo tema pasirodo kūrimo pabaigoje. Ji atliekama visiškai D-dur klavišu, toli nuo pagrindinio, tai yra, atrodo, tarsi nauja, neįprasta šviesa. O vieną dieną (po bendros pauzės su fermata) bosuose pasirodo ir paslaptingos įžangos temos intonacijos. Kūrinyje daugiausia skamba fortepijonas ir pianissimo, o tik retkarčiais – forte ir fortissimo su atskirais sforzando akcentais. Tai sustiprina paslaptingumo įspūdį. Motyvai iš pagrindinės vakarėlio temos savo raidoje kartais primena fantastišką šokį. Galima įsivaizduoti, kad tai kažkokių paslaptingų, kartais ryškiai blyksinčių šviesų šokis. Reprizoje E-dur tone kartojama ne tik pagrindinė, bet ir šoninė dalis, praleidžiamas segtuvas. Kode atsiranda kažkokia paslaptis. Jis, kaip ir įžanga, prasideda Adagio tempu, tyliu timpani tremolo ir lėtais unisoniniais judesiais. Tačiau netrukus, pačioje pirmosios dalies pabaigoje, sugrįžta greitas tempas, skambus skambesys ir linksmas šokio „tupdymas“. Antroji simfonijos dalis – Andante – yra variacija dviem temomis – daina c-moll ir dainų maršas C-dur. Šių vadinamųjų dvigubų variacijų konstrukcija yra tokia: apibrėžiamos pirmoji ir antroji temos, tada seka: pirmasis pirmosios temos variantas, pirmasis antrosios temos variantas, antrasis pirmosios temos variantas, antrasis. antrosios temos ir kodo variacija, remiantis antrosios temos medžiaga. Iki šiol tyrinėtojai ginčijasi dėl pirmosios temos tautybės. Kroatijos muzikantai mano, kad tai yra kroatų liaudies daina pagal savo savybes, o vengrų muzikantai mano, kad tai yra vengriška daina. Jame savo tautinių bruožų randa ir serbai, bulgarai, lenkai. Tiksliai šio ginčo išspręsti nepavyks, nes tokios temos šalutinio dalies įrašai vėlgi yra linksmas šokis. Tačiau lyginant su pagrindine vakarėliu, ji ne tokia energinga, o grakštesnė, moteriškesnė. Melodija skamba smuikais su obojumi. Šią temą prie landerio priartina tipiškas valso akompanimentas – austrų ir pietų vokiečių šokis, vienas iš valso protėvių: 29 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusų meno srityje senosios melodijos ir jos žodžių nerasta. Jame, matyt, susiliejo kelių slaviškų ir vengriškų melodijų bruožai; toks, ypač, savotiškas ėjimas padidintai sekundei (E-flat – fadiez): antrosios temos variacijos atnaujina herojišką žygiavimo žingsnį, pagražintą virtuoziškais pasažais – fleitos gracijomis. O dideliame kode įvyksta netikėti „muzikinių įvykių“ raidos posūkiai. Pirma, žygiavimo tema virsta švelniu, skaidriu garsu. Tada intensyviai vystosi nuo jo atskirtas punktyriniu ritmu motyvas. Dėl to staiga atsiranda Es-dur tonacija, po kurios paskutinė maršo temos ištrauka suskamba ryškiai ir iškilmingai C-dur. Trečioji simfonijos dalis – Menuetas – iš pradžių sujungia orią aukštuomenės šokio eiseną su kaprizingais plačiais šuoliais ir melodijos sinkopėmis: giesmė ir antroji, žygiuojanti mažorinė tema. Skirtingai nuo pirmojo, ji tuo pat metu turi tam tikrą giminingumą su juo - ketvirtas taktas, kylanti, o paskui mažėjanti melodijos kryptis ir aukštesnis ketvirtasis žingsnis (fadiez): Šią įnoringą temą išryškina sklandus, ramus judesys. trio – vidurinėje Menueto dalyje, išsidėsčiusioje tarp pirmosios dalies ir tikslaus jo kartojimo23: Pirmosios temos ekspozicija fortepijonu ir pianissimo styginiais instrumentais yra tarsi neskubus pasakojimas, tarsi pasakojimo apie neįprastus įvykius pradžia. Pirmajam iš jų gali būti netikėtai garsiai pristatoma antroji, maršinė tema, kai į styginių grupę pridedami pučiamieji instrumentai. Pasakojimo tonas išlaikomas pirmajame pirmosios temos variante. Tačiau prie jos skambesio prisijungia liūdni ir atsargūs aidai. Pirmoje antrosios temos variacijoje solo smuikas melodiją nuspalvina įnoringais raštuotais pasažais. Antrajame pirmosios temos variante pasakojimas staiga įgauna audringą, audringą charakterį (naudojami visi instrumentai, taip pat ir timpanai). Antrojoje Menuetas (tiksliau, savo charakteriu labai subtiliai keistos jo dalys) kontrastuoja su liaudies ir buities temomis, viena vertus, pirma ir antra simfonijos dalys, kita vertus, jos paskutinė, ketvirta dalis – finalas. Čia, kaip ir dera klasikinėje sonatos allegroje, ekspozicijoje pagrindinė dalis pateikiama E-dur pagrindiniu klavišu, šoninė – B-dur dominuojančiu tonu, o reprizoje – abi jie skamba Es-dur. Tačiau šoninėje dalyje ilgą laiką vidurinė orkestro kūrinių dalis dažniausiai buvo atliekama trimis instrumentais. Iš čia ir kilęs „trio“ pavadinimas. 23 30 www.classON.ru Vaikų švietimas meno srityje Rusijoje pasirodo visiškai nauja tema . Jis pastatytas remiantis pagrindinės vakarėlio temos medžiaga. kilęs iš prancūziško žodžio „ronde“, kuris reiškia „ratas“ arba „apvalus šokis“. Klausimai ir užduotys 1 . Kada Haydnas ir Mocartas atėjo kurti savo brandžias simfonijas? 2. Iš kokių dalių paprastai susideda Haidno simfonija? Pavadinkite Haydno orkestro instrumentų grupes. 3. Kokius žinote Haydno simfonijų pavadinimus? 4. Kodėl Haydno simfonija Es-dur vadinama „su tremolo arba Tauru“? Kokiu skyriumi jis prasideda? 5. Apibūdinkite pagrindines sonatos formos temas pirmajame šios simfonijos dalyje. 6. Kokia forma ir kokiomis temomis buvo parašyta antroji simfonijos dalis? 7. Apibūdinkite pagrindines trečiosios dalies temas ir skyrius. 8. Koks yra pagrindinės ir šalutinių dalių temų koreliacijos ypatumas finale? Koks ryšys tarp muzikos charakterio pirmojoje simfonijos dalyje ir jos finale? Taip išeina, kad visas finalas paremtas viena tema. Kompozitorius tarsi įmantriame žaidime arba visiškai atnaujina temą, arba sumaniai derina jos variantus ir atskirus elementus. Ir ji pati savaime intriguoja. Juk jame pirmiausia atsiranda harmoninis pagrindas – vadinamasis dviejų ragų „auksinis judesys“ – tipiškas medžioklinių ragų signalas. Ir tik tada šiuo pagrindu uždedama šokio melodija, artima kroatų liaudies dainoms. Prasideda vieno garso „tupdymu“, o ateityje šis motyvas daug kartų kartojamas, mėgdžiojamas, pereinant nuo vieno balso prie kito. Tai primena pirmosios dalies pagrindinės temos pradžios motyvą ir jo plėtojimą. Be to, kompozitorius finale nurodė tą patį tempą – Allegro con spirito. Taigi finale pagaliau karaliauja linksmo tautinio šokio stichija. Tačiau čia jis turi ypatingą charakterį – atrodo kaip įmantrus apvalus šokis, grupinis šokis, kuriame šokis derinamas su dainos ir žaidimo veiksmu. Tai patvirtina ir tai, kad ekspozicijoje pagrindinė dalis pakartojama pagrindiniu raktu papildomus du kartus – po nedidelio pereinamojo epizodo ir po šalutinio. Tai yra, atrodo, kad jis atnaujinamas, darydamas judėjimą ratu. Ir tai į sonatos formą įveda rondo formos bruožus. Pats žodis „rondo“, kaip jau minėta, klaviorinis kūrybiškumas Kai Haydnas kūrė klavesnius kūrinius, fortepijonas pamažu iš muzikinės praktikos pakeitė klavesiną ir klavikordą. Haydnas rašė savo ankstyvąsias kompozicijas šiems senoviniams klavišiniams instrumentams, o vėlesniuose leidimuose pradėjo nurodyti „klavesinui ar fortepijonui“, o galiausiai – tik „fortepijonui“. Tarp jo klaverių kūrinių reikšmingiausia vieta tenka solo sonatoms. Anksčiau buvo manoma, kad Haydnas jų turėjo tik 52. Tačiau vėliau tyrėjų paieškų dėka šis skaičius išaugo iki 62. Garsiausios iš jų – sonatos D-dur ir E-moll24. Sonata D-dur Pagrindinės dalies, pradedančios pirmąją šios sonatos dalį, tema – džiaugsmu ir linksmumu trykštantis šokis su berniukiškai išdykusiais oktavų šuoliais, grakštumo natomis, mordentais ir garsų pasikartojimais. Tokią muziką galima įsivaizduoti ir kaip grojamą operebufoje: Ankstesniuose leidimuose šios sonatos spausdinamos kaip „Nr. 37“ ir „Nr. 34“, o vėlesniuose – „Nr. 50“ ir „Nr. 53“. . 24 31 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Bet tada išdykę šuoliai iš pagrindinės dalies prasiskverbia į šoninės dalies temos plėtojimą, o vėliau - įkyrus perėjimas Judėjimas iš jungiamosios dalies. Jis tampa labiau įtemptas, šluojantis ir staiga greitai nurimsta – tarsi dėl kokio nors momentinio sprendimo. Po to ekspoziciją baigia nerūpestingai šokantis finalinis vakarėlis. Vystyme vėl daug šurmulio. Čia oktava peršoka nuo pagrindinės dalies temos, pereidama į ją kairiarankis , Jie tampa dar išdykesni, o pasažo judesys pasiekia dar didesnę įtampą ir platų apimtį nei plėtojant šoninės dalies temą ekspozicijoje. Reprize šalutinių ir baigiamųjų dalių skambesys pagrindiniu klavišu (D-dur) tvirtai įtvirtina džiugios nuotaikos dominavimą. Stipriausią kontrastą į sonatą įveda trumpa antra dalis, kuri yra lėta ir santūri. Parašyta to paties pavadinimo klavišu d-moll. Muzikoje skamba sunkus sarabandos protektorius – senas šokis, dažnai įgaunantis laidotuvių procesijos pobūdį. O išraiškinguose melodinguose šūksniuose su trynukais ir taškuotomis ritmingomis figūromis yra panašumas su gedulingomis Vengrijos čigonų melodijomis: Linksmi, šmaikštūs šešioliktokų pasažai užpildo jungiančią pusę. O šoninės dalies tema (A-dur klavišu) irgi šokama, tik santūresnė, elegantiškesnė: 32 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusų meno srityje Sonata e-moll . Jis uoliai tam ruošėsi, bet negalėjo to atlikti dėl savo tarnybinių pareigų Esterhazy koplyčioje. Gali būti, kad svajonės apie tolimą „užjūrio“ kelionę ir su jais susiję išgyvenimai atsispindėjo tuo metu iškilusioje e-moll sonatoje. Tai vienintelė iš nedaugelio mažųjų Haydno sonatų, kur pirmoje dalyje ryškus lyrinis personažas derinamas su labai greitu tempu. Savotiška ir pagrindinės šio judesio dalies, kuria prasideda sonata, tema: Tačiau optimistiškoje Haydno mene niūrius mirties vaizdus visada nugali šviesūs gyvenimo vaizdai. O šios sonatos d-moll antroji dalis, besibaigianti ne toniku, o dominuojančiu akordu, tiesiogiai pereina veržlų D-dur finalą 25. Finalas pastatytas rondo pavidalu, kur pagrindinė tema – refrenas ( pagrindiniu D-dur klavišu) - kartojamas tris kartus, o tarp jo kartojimų yra besikeičiančios dalys - epizodai: pirmasis epizodas yra D-moll, o antrasis - G-dur. Čia tik pirmajame, d-moll epizode, praslysta graudūs prisiminimai - vidurinės dalies aidas. Antrasis epizodas, G-dur, jau nerūpestingai linksmas ir veda į komišką dešinės ir kairės rankų „vartymą“ ta pačia nata. O pagrindinė finalo temų skraidymas ir šokis (refren rondo) yra viena linksmiausių Haydno: temos įžanginės frazės čia sudarytos iš dviejų elementų derinio. Bosu, kairėje rankoje, fortepijonas juda mažąja tonine triada – tarsi raginimai skubėti kažkur toli. Ir čia pat, dešinėje, seka virpantys, tarsi abejojantys, svyruojantys motyvai-atsakymai. Bendras temos judesys švelnus, banguojantis, siūbuojantis. Be to, pirmos dalies dydis – 6/8 – būdingas barcarolle žanrui – „dainos ant vandens“26. Susiejančioje dalyje yra moduliacija į G-dur lygiagrečiai su E-moll – šoninės ir baigiamosios dalių klavišu. Jungiamoji ir baigiamoji dalys, užpildytos judančiomis šešioliktokų ištraukomis, įrėmina šoninę dalį – lengvą, svajingą. Tai rodo itališki žodžiai „attacca subito il Finale“, reiškiantys „nedelsiant pradėti finalą“. Iš pradžių Venecijos gondolininkų dainos buvo vadinamos barcarolles. Pats žanro pavadinimas kilęs iš itališko žodžio „barca“ – „valtis“. 25 26 33 www.classON.ru Vaikų ugdymas meno srityje Rusija tarsi kyla į viršų: gamta, skambant signalams, tarsi šaukiantiems grįžti atgal, širdis tarsi užvirė iš džiaugsmingo nerimo! Ir čia, po akordo perėjimo, išryškėja pagrindinė trečiosios dalies (finalo) tema. Tai yra rondo formos refrenas, kuriuo parašytas finalas. Atrodo kaip įkvėpta akompanuojanti daina, padedanti „pilnomis burėmis“ išskubėti į gimtuosius kraštus: Taigi rondo formos schema finale tokia: refrenas (E-moll), pirmas epizodas (E-dur) , refrenas (E-moll), antrasis epizodas (E-moll), refrenas (E-moll). Abu epizodus su refrenu ir vienas su kitu sieja melodinis giminingumas. Skambant susiejančioms, antrinėms ir paskutinėms dalims, vaizduotė piešia viliojančius vaizdus – kaip laisvai pučia gaivus vėjas, kaip džiaugsmingai nešamas greitas judesys. Be to, plėtroje, paremtoje pagrindinių, jungiamųjų ir galutinių dalių medžiaga, vyrauja minorinių klavišų nukrypimai. Pagrindinėje, tai yra ne mažorinėje, o minorinėje tonacijoje, reprizoje skamba erdvesnėmis tapusios antrinės ir paskutinės dalys. Vis dėlto liūdesį ir dvasines abejones galutinai nugali veržimasis į nežinomą tolį. Tokią prasmę turi paskutiniai pirmos dalies taktai, kur nepaprastai kartojasi įkvepianti pagrindinės partijos temos pradžia. Antroji sonatos dalis, G-dur, yra savotiška instrumentinė arija, persmelkta lengvos kontempliatyvios nuotaikos. Jos šviesioje koloratūroje gausu paukščių čiulbėjimo, čiurlenančių upelių aidų: Klausimai ir užduotys 1. Įvardykite pagrindinį Haydno klavierinės muzikos žanrą. Kiek jo sonatų žinoma? 2. Apibūdinkite pagrindines sonatos D-dur pirmosios dalies dalis. Ar šioje dalyje yra ryšys tarp pagrindinės ir šoninės dalių? 3. Kokį kontrastą muzikai suteikia antrasis sonatos D-dur dalis? Koks jos santykis su finalu? 4. Papasakokite apie sonatos e-moll pirmosios dalies pagrindinės dalies sandaros ir temos pobūdį. Subrandinkite ir apibūdinkite likusias šios dalies temas ir skyrius. 5. Koks yra e-moll sonatos antrosios dalies charakteris? 6. Papasakokite apie sonatos e-moll finalo formą ir pagrindinės temos pobūdį. Pagrindiniai kūriniai Virš 100 simfonijų (104) Koncertų serija įvairiems instrumentams ir orkestrui Virš 80 kvartetų (dviem smuikams, altui ir violončelei) (83) 62 klavierės sonatos Kūrimas ir Metų laikai oratorijos 24 operos Škotiškų ir airių dainų aranžuotės Tačiau nesvarbu koks mielas ramus poilsis kažkur toli, įsčiose 34 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje, parašytas daugeliu žanrų – jo simfonijos, instrumentiniai koncertai, įvairūs kameriniai ansambliai, fortepijoninės sonatos, Requiem chorui, solistams ir orkestrui. Mocarto neįprastai ankstyvas ir greitai išsivystęs fenomenalus talentas, sukurtas aplink jo vardą; legendinio „muzikinio stebuklo“ aureolė. Ryški charakteristika; jį kaip įkvėptą dailininką davė A. S. Puškinas spektaklyje („mažoji tragedija“) „Mocartas ir Salieri“. Pagal ją to paties pavadinimo N. A. Rimskio Korsakovo opera buvo parašyta 27. Mocartas buvo mėgstamiausias P. I. Čaikovskio kompozitorius 28. Volfgangas Amadėjus Mocartas 1756-1791 Gyvenimo kelias Šeima. Ankstyva vaikystė. 1756 m. sausį gimusio Wolfgango Amadeus Mocarto gimtinė yra Austrijos miestas Zalcburgas. Jis vaizdingai išsidėstęs kalvotuose sraunios Zalcacho upės krantuose, tekėjusios rytinėje Alpių papėdėje. Zalcburgas buvo nedidelės kunigaikštystės sostinė, kurios valdovas turėjo arkivyskupo dvasinį orumą. Jo koplyčioje tarnavo Volfgango Amadėjaus tėvas Leopoldas Mocartas. Jis buvo rimtas ir labai išsilavinęs muzikantas – produktyvus kompozitorius, smuikininkas, vargonininkas ir mokytojas. Jo išleista „Smuikavimo mokykla“ buvo platinama keliose šalyse, tarp jų ir Rusijoje. Iš septynių Leopoldo ir jo žmonos Anos Marijos vaikų išgyveno tik du - jauniausias sūnus Wolfgangas Amadeus ir vyresnioji dukra Maria Anna (Nannerl!) brolis ketverius su puse metų. Kai jo tėvas pradėjo mokyti puikius sugebėjimus turintį Nannerlį groti klavesinu, netrukus jis pradėjo mokytis pas trejų metų Volfgangą, pastebėjęs jo puikiausią ausį ir nuostabią muzikinę atmintį, ketverius metus berniukas jau bandė kuria muziką, o pirmuosius išlikusius klavesino kūrinius įrašė tėvas, kai autoriui tebuvo penkeri. Yra pasakojimas apie tai, kaip ketverių metų Volfgangas bandė sukurti skambesnį koncertą. Kartu su rašikliu jis panardino pirštus į rašalinę ir uždėjo dėmes ant muzikos popieriaus. Ne tada, kai mano tėvas žvilgtelėjo į šį vaikišką įrašą, per dėmes jis atrado jame neabejotiną muzikinę prasmę. Vienas didžiausių muzikos genijų, austrų kompozitorius Wolfgangas Amadeusas Mocartas gyveno tik 35 metus. Iš jų trisdešimt metų jis kūrė muziką ir, palikęs daugiau nei 600 kūrinių palikimą, įnešė neįkainojamą indėlį į pasaulio meno aukso fondą. Ištikimiausią, aukščiausią Mocarto kūrybinės dovanos įvertinimą per jo gyvenimą įvertino vyresnysis amžininkas Josephas Haydnas. „... Tavo sūnus, – kartą pasakė jis Wolfgango Amadeuso tėvui, – didžiausias kompozitorius kuriuos pažįstu asmeniškai ir vardu; jis turi skonį, be to, didžiausias kompozicijos žinias. Vienos klasika vadinamai Haidno ir Mocarto muzikai būdingas optimistiškas aktyvus-efektyvus pasaulio suvokimas, paprastumo ir natūralumo derinys, išreiškiant jausmus su jų poetiniu aukštumu ir gilumu. Tuo pačiu metu jų meniniai interesai labai skiriasi. Haydnas artimesnis liaudiškiems-kasdieniams ir lyriniams-epiniams vaizdiniams, o Mocartui – iš tikrųjų lyriniams ir lyriniams-dramatiniams. Mocarto menas ypač žavi savo jautrumu emociniams žmogaus išgyvenimams, taip pat tikslumu ir gyvumu įkūnijant įvairius žmogaus personažus. Tai padarė jį puikiu operos kompozitorius. Jo operos, o ypač „Figaro vedybos“, „Don Džovanis“ ir „Magiškoji fleita“, jau trečią šimtmetį sulaukia nekintamos sėkmės ir yra statomos visų muzikinių teatrų scenose. Vieną garbingiausių vietų pasaulio koncertų repertuare užima Mocarto kūryba.Versija, kad Salieri iš pavydo nunuodijo Mocartą – tik legenda. Čaikovskis orkestravo keturis fortepijono kūriniai Mocartą ir iš jų sudarė siuitą „Mozartiana“. 27 28 35 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusų meno srityje atliks smuiko koncertą... gros klaviatūra uždengtas nosine taip pat jei būtų prieš akis, tada iš tolo įvardins visus garsus, kad po vieną ar akordais jie bus paimti ant klaverio ar kito instrumento arba paskelbti daiktais - varpeliu, stikline, laikrodžiu. Galų gale jis improvizuos ne tik klavesinu, bet ir vargonais tol, kol publika norės, ir bet kokiais, net ir sunkiausiais, klavišais, kuriais jį vadina... “Pirmosios koncertinės kelionės. Leopoldas Mocartas su savo gabiais vaikais nusprendė pradėti koncertines keliones į pagrindinius muzikos centrus. Pirmoji kelionė – į Vokietijos miestą Miuncheną – įvyko 1762 metų pradžioje, kai Wolfgangui buvo vos šešeri. Po šešių mėnesių Mocartų šeima išvyko į Vieną. Ten Volfgangas ir Nannerlis koncertavo imperatoriškajame dvare, sulaukė didžiulės sėkmės ir buvo apipilti dovanomis. 1763 m. vasarą Mocartai leidosi į didelę kelionę į Paryžių ir Londoną. Tačiau iš pradžių jie aplankė nemažai Vokietijos miestų, o grįždami – vėl Paryžiuje, taip pat Amsterdame, Hagoje, Ženevoje ir dar keliuose miestuose. Mažųjų Mocartų, ypač Volfgango, pasirodymai kėlė nuostabą ir susižavėjimą visur, net ir pačius didingiausiuose karališkuosiuose kiemuose. Pagal tų laikų paprotį kilmingajai publikai Wolfgangas pasirodė siuvinėtu juodu kostiumu ir pudruotu peruku, tačiau tuo pat metu elgėsi visiškai vaikiškai spontaniškai, galėdavo, pavyzdžiui, ant kelių pašokti imperatorei. . 4-5 valandas iš eilės trukę koncertai mažuosius muzikantus labai vargino, o publikai virto savotiška pramoga. Štai kas buvo pasakyta viename iš anonsų: „... Mergina dvyliktokai ir berniukas septintus gros koncertą klavesinu... Be to, vaikinas 36 www.classON.ru Vaikų išsilavinimas rusų meno srityje Koncertinis turas tęsėsi daugiau nei trejus metus ir atnešė Volfgangui įvairiausių įspūdžių. Išgirdo daugybę instrumentinių ir vokalinių kūrinių, sutiko keletą iškilių muzikantų (Londone – su jauniausiu Johanno Sebastiano Bacho sūnumi Johannu Christianu). Tarp pasirodymų Wolfgangas entuziastingai studijavo kompoziciją. Paryžiuje išėjo keturios jo sonatos smuikui ir klavesinui, o tai rodo, kad tai septynerių metų berniuko kūriniai. Londone jis parašė savo pirmąsias simfonijas. Grįžkite į Zalcburgą ir apsistokite Vienoje. Pirmoji opera. 1766 m. pabaigoje visa šeima grįžo į Zalcburgą. Volfgangas pradėjo sistemingai užsiimti komponavimo technika, vadovaujamas savo tėvo. Mocartai Vienoje praleido visus 1768 m. Pagal sutartį su teatru dvylikametis Wolfgangas, sekdamas italų modeliais, per tris mėnesius parašė buffa operą „Įsivaizduojama paprasta mergina“. Prasidėjo repeticijos, tačiau pasirodymas buvo pradėtas atidėti, o vėliau visiškai atšauktas (tikriausiai dėl pavydžių žmonių intrigų). Tai įvyko tik kitais metais Zalcburge. Vienoje Wolfgangas taip pat sukūrė daug kitų muzikos kūrinių, įskaitant penkias simfonijas, ir sėkmingai vedė savo iškilmingas Mišias naujos bažnyčios pašventinimo metu. Kelionės į Italiją. Nuo 1769 m. pabaigos iki 1773 m. pradžios Wolfgangas Amadeusas su tėvu surengė tris ilgas keliones po Italiją. Šioje „muzikos šalyje“ jaunasis Mocartas su didžiuliu pasisekimu koncertavo daugiau nei dešimtyje miestų, tarp jų Romoje, Neapolyje, Milane, Florencijoje. Jis dirigavo savo simfonijoms, grojo klavesinu, smuiku ir vargonais, tam tikromis temomis improvizavo sonatas ir fugas, duotais tekstais arijas, puikiai grojo sunkius kūrinius iš akies ir kartojo kitais klavišais. Du kartus lankėsi Bolonijoje, kur kurį laiką skaitė pamokas pas garsųjį mokytoją – teoretiką ir kompozitorių Padre Martini. Puikiai išlaikęs sunkų išbandymą (sudėtingomis polifoninėmis technikomis parašęs polifoninę kompoziciją), keturiolikmetis Mocartas ypatinga išimtimi buvo išrinktas Bolonijos filharmonijos akademijos nariu. O pagal chartiją į ją buvo įleidžiami tik dvidešimties metų sulaukę muzikantai, turintys išankstinės buvimo šioje autoritetingoje institucijoje patirtį. Romoje, lankydamasis Siksto koplyčioje Vatikane (popiežiaus rezidencija) 29, Mocartas kartą išgirdo XVII amžiaus italų kompozitoriaus Gregorio Allegri didelę polifoninę dvasinę kompoziciją dviem chorams. Šis kūrinys buvo laikomas popiežiaus nuosavybe, jo kopijuoti ar platinti nebuvo leista. Tačiau Mocartas iš atminties užrašė visą sudėtingą choro partitūrą, o popiežiaus choristas patvirtino įrašo tikslumą. Italija – puiki ne tik muzikos, bet ir vaizduojamojo meno bei architektūros šalis – suteikė Mocartui gausybę meninių įspūdžių. Ypač jį žavėjo lankymasis operos teatruose. Jaunuolis taip įvaldė italų operos stilių, kad per trumpą laiką parašė tris operas, kurios vėliau buvo su dideliu pasisekimu pastatytos Milane. Tai dvi operos-serialai – „Mitridatas, Ponto karalius“ ir „Liucijus Sula“ – ir mitologinio siužeto pastoracinė opera „Askanio Alboje“30. Kelionės į Vieną, Miuncheną, Manheimą, Paryžių. Nepaisant puikios kūrybinės ir koncertinės sėkmės, Wolfgangas Amadeus negalėjo gauti tarnybos nė vieno Italijos valdovo teisme. Teko grįžti į Zalcburgą. Čia vietoj mirusio arkivyskupo karaliavo naujas, despotiškesnis ir grubesnis valdovas. Jo tarnyboje buvusiems Mocartams tapo sunkiau gauti atostogų naujoms kelionėms. O operos teatro, kuriam Mocartas siekė kurti, Zalcburge nebuvo, o kitos muzikinės veiklos galimybės buvo ribotos. Kelionė į Vieną dviem muzikantams buvo įmanoma tik dėl to, kad pats Zalcburgo arkivyskupas panoro aplankyti Austrijos sostinę. Nenoromis davė leidimą keliauti ir Mocartams; Miunchene, kur buvo pastatyta naujojo kompozitoriaus opera buffa. O kitai kelionei tik Wolfgangas Amadeus sugebėjo labai sunkiai gauti leidimą. Jo tėvas buvo priverstas likti Zalcburge, o mama išvyko lydėti sūnaus. Pirmasis ilgas sustojimas įvyko Vokietijos mieste Manheime. Čia Wolfgangą Amadeusą ir Aną Maria savo namuose nuoširdžiai priėmė vienas iš tuo metu garsaus simfoninio orkestro vadovų, ikiklasikinės Manheimo kompozitorių mokyklos atstovas. Manheime Mocartą sukūrė italų menininkai, įskaitant Mikelandželą. 30 Ponto karalystė yra senovės valstybė prie Juodosios jūros, daugiausia dabartinės Turkijos pakrantės („Pont Euxinus“, tai yra „svetingoji jūra“, senovės graikiškas Juodosios jūros pavadinimas). Liucijus Sulla – senovės Graikijos karinis ir politinis veikėjas. Pastoralas (iš italų kalbos žodžio „pastore“ – „piemuo“) – siužeto kūrinys, idealizuojantis gyvenimą gamtos prieglobstyje. Siksto koplyčia - namų bažnyčia popiežiai Vatikane; ji buvo pastatyta XV amžiuje, vadovaujant popiežiui Sikstui IV. Koplyčios sienos ir lubos ištapytos puikiais 29 37 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusų meno srityje kūriniais, daugiausia instrumentiniais, pasižyminčiais jau brandžiu muzikiniu stiliumi. Tačiau nuolatinės laisvos darbo vietos Wolfgangui Amadeusui ir čia nebuvo. 1778 m. pavasarį Mocartas su motina atvyko į Paryžių. Tačiau viltys ten sulaukti tikro pripažinimo ir užimti iškilias vietas nepasitvirtino. Prancūzijos sostinėje stebuklų vaikas, šis, atrodytų, gyvas žaislas, jau buvo pamirštas, o klestinčio jauno muzikanto talento atpažinti nepavyko. Mocartui nepasisekė nei surengti koncertus, nei sulaukti užsakymo operai. Jis gyveno iš apgailėtino uždarbio iš pamokų, teatrui tegalėjo parašyti muziką nedideliam baletui „Smulkmenos“. Iš po jo rašiklio išlindo nauji nuostabūs kūriniai, tačiau tada jie nepatraukė į save rimto dėmesio. O vasarą Volfgangas Amadėjus patyrė didelį sielvartą: susirgo ir mirė jo mama. Iš pradžių kitais metais Mocartas grįžo į Zalcburgą. Opera Idomeneo. Išsiskirkite su arkivyskupu ir persikelkite į Vieną. Svarbiausi ateinančių metų įvykiai Mocartui buvo operos „Idomenėjas, Kretos karalius“ Miunchene sukūrimas ir pastatymas, jos didžiulė sėkmė. Čia geriausios italų operos serialo savybės buvo derinamos su Glucko operinės reformos principais. Tai atvėrė kelią ryškiai originaliems Mocarto operos šedevrams atsirasti. ... Tai buvo 1781 m. Mocartui 25 metai. Jis – pustrečio šimto darbų autorius, kupinas naujų kūrybinių idėjų. O Zalcburgo arkivyskupui jis – tik muzikinis tarnas, kurį arogantiškas ir despotiškas šeimininkas vis labiau slegia ir žemina, verčia sėsti prie stalo žmonių kambaryje „aukščiau virėjų, bet žemiau lakėjų“, neleidžia. niekur eiti be leidimo ar niekur koncertuoti. Visa tai Mocartui tapo nepakeliama, ir jis pateikė atsistatydinimo pareiškimą. Arkivyskupas du kartus jo atsisakė keiksmais ir įžeidinėjimais, o jo aplinka grubiai išspyrė muzikantą pro duris. Tačiau jis, patyręs dvasinį sukrėtimą, išliko tvirtas savo apsisprendime. Mocartas buvo pirmasis puikus kompozitorius, išdidžiai išsivadavęs iš finansiškai saugios, bet priklausomos rūmų muzikanto padėties. Viena: paskutinis dešimtmetis. Mocartas apsigyveno Vienoje. Tik retkarčiais jis trumpam išvykdavo iš Austrijos sostinės, pavyzdžiui, dėl pirmojo savo operos „Don Džovanis“ pastatymo Prahoje arba per du koncertinius turus Vokietijoje. 1782 m. jis vedė Constance Weber, kuri išsiskyrė linksmu nusiteikimu ir muzikalumu. Vienas po kito gimė vaikai (bet iš šešių keturi mirė būdami kūdikiai). Mocarto uždarbis iš koncertinių pasirodymų kaip klavierinės muzikos atlikėjas, iš kūrinių ir operų pastatymų leidybos buvo nereguliarus. Be to, Mocartas, būdamas malonus, pasitikintis ir nepraktiškas žmogus, nemokėjo apdairiai tvarkyti piniginių reikalų. 1787 m. pabaigoje paskyrimas į menkai apmokamas rūmų kamerinio muzikanto, kuriam buvo pavesta kurti tik šokių muziką, pareigas neišgelbėjo nuo dažnai patiriamo pinigų poreikio. Dėl viso to per dešimt Vienos metų Mocartas sukūrė daugiau nei pustrečio šimto naujų kūrinių. Tarp jų spindėjo jo ryškiausi meno pasiekimai daugelyje žanrų. Mocarto vedybų metais Vienoje su dideliu pasisekimu buvo pastatyta jo putojanti daina „Pagrobimas iš Seralio“; humoras 31. Ir opera-buffa "Figaro vedybos", originalus; „linksmos dramos“ žanras „Don Žuanas“ ir operos pasaka „Stebuklinga fleita“, iškilusi paskutiniais Vienos metais, priklauso aukščiausios viršūnės, pasiektas muzikinio teatro visumoje! jo istorija. Mocartas 1788 m. vasarą parašė tris geriausias savo simfonijas, kurios pasirodė paskutinės, įskaitant g-moll (Nr. 40). Tą patį dešimtmetį pasirodė ir daug kitų instrumentinių kompozitoriaus kūrinių – keturių dalių orkestrinė „Mažoji nakties serenada“, nemažai koncertų fortepijonui, sonatų, įvairūs kameriniai ansambliai. Mocartas šešis savo styginių kvartetus paskyrė Haydnui, su kuriuo palaikė šiltus santykius. draugiškus santykius . Su dideliu susidomėjimu Mocartas šiais metais studijavo Bacho ir Hendelio kūrybą. Naujausias Mocarto kūrinys yra „Requiem“ – mišios už mirusiuosius chorui, solistams ir orkestrui. 1791 m. liepą jį kompozitoriui užsakė žmogus, nenorėjęs skelbti savo vardo. Tai atrodė paslaptinga, galėjo sukelti niūrių nuojautų. Tik po kelerių metų paaiškėjo, kad užsakymas atėjo iš Vienos grafo, kuris norėjo nusipirkti svetimą darbą ir perduoti jį kaip savo. Sunkiai susirgęs Mocartas negalėjo iki galo užbaigti Requiem. Jį pagal juodraščius užbaigė vienas iš kompozitoriaus mokinių. Yra istorija, kad didžiojo muzikanto mirties išvakarėse, po kurios 1791 m. gruodžio 5 d., draugai dainavo su juo dalis vis dar nebaigto kūrinio. Pagal liūdną Requiem dizainą įkvėpta lyrinė ir dramatiška Mocarto muzikos išraiška įgavo ypatingo didingumo ir rimtumo. Dėl lėšų stokos Mocartas buvo palaidotas bendrame kape 31 32 Seraglio – moteriškosios pusės turtingų rytų didikų namuose. Lotyniškas žodis „requiem“ reiškia „taika“. 38 www.classON.ru Vaikų išsilavinimas meno srityje Rusijoje menkas, o tiksli jo palaidojimo vieta nežinoma. savo suknele apsirengusiai grafienei Suzanai. Sugėdintas žmonos Almaviva priverstas nebetrukdyti Figaro ir Susanna švęsti savo vestuves, kurios linksmai ir laimingai užbaigia „beprotišką dieną“, kupiną įvairiausių netikėtumų. Opera pradedama didelio populiarumo sulaukusia uvertiūra, kuri dažnai atliekama simfoniniuose koncertuose 34. Kitaip nei daugelyje kitų uvertiūrų, šioje uvertiūroje nenaudojamos temos, skambančios pačioje operoje. Čia ryškiai perteikiama bendra vėlesnio veiksmo nuotaika, žavus greitumas ir verdantis linksmumas. Uvertiūra parašyta sonatos forma, bet be plėtojimo, kurią pakeičia trumpas ekspozicijos ir reprizų ryšys. Tuo pačiu metu aiškiai atskiriamos penkios temos, greitai pakeičiančios viena kitą. Pirmoji ir antroji iš jų sudaro pagrindinę partiją, trečioji ir ketvirtoji – šalutinę, penktoji – galutinę partiją. Visi jie yra energingi, bet tuo pačiu metu kiekvienas turi savo ypatingą charakterį. Pirmoji pagrindinės partijos tema, vieningai grojama styginiais instrumentais ir fagotais, juda greitai, išdykęs vikriai: Klausimai ir užduotys 1. Ką bendro turi Mocarto muzika su Haidno muzika? O kuo skiriasi šių dviejų Vienos klasikų meniniai interesai? 2. Papasakokite apie Wolfgango Amadeus Mozarto šeimą ir ankstyvą vaikystę. 3. Kokiose šalyse ir miestuose Mocartas koncertavo būdamas mažas berniukas? Kaip buvo šie pasirodymai? 4. Kokio amžiaus Mocartas parašė savo pirmąją operos buffą? Kaip jis vadinosi ir kur buvo pastatytas? 5. Papasakokite apie jaunojo Mocarto keliones į Italiją. 6. Kokius miestus vėliau aplankė Mocartas? Ar jo kelionė į Paryžių buvo sėkminga? 7. Papasakokite apie Mocarto išsiskyrimą su Zalcburgo arkivyskupu. 8. Apibūdinkite paskutinį Mocarto gyvenimo ir kūrybos dešimtmetį. Įvardinkite pagrindinius per šį laikotarpį jo sukurtus darbus. Opera „Figaro vedybos“ Mocarto operos „Figaro vedybos“ premjera įvyko Vienoje 1786 m. Pirmuosius du pasirodymus klavesinui dirigavo pats kompozitorius. Sėkmė buvo didžiulė, daug, bet priemonė buvo pakartota su biais. Šios keturių veiksmų operos libretą (žodinį tekstą) italų kalba parašė Lorenzo da Ponte pagal prancūzų rašytojo Beaumarchais komediją „Pamišusi diena, arba „Figaro vedybos“. 1875 metais P. I. Čaikovskis išvertė šį libretą į rusų kalbą, o jo vertimu opera atliekama mūsų šalyje. Mocartas „Figaro vedybas“ pavadino opera buffa. Tačiau tai ne tik linksma komedija su juokingomis situacijomis. Pagrindinis personažai yra vaizduojami muzikos kaip įvairūs gyvi žmogaus personažai. O pagrindinė Beaumarchais pjesės idėja buvo artima Mocartui. Mat tai susideda iš to, kad grafo Almavivos Figaro tarnas ir jo nuotaka tarnaitė Susanna pasirodo esą protingesni ir padoresni už tituluotą šeimininką, kurio intrigas jie mikliai atskleidžia. Pats grafas pamėgo Suzaną ir bando vilkinti jos vedybas. Tačiau Figaro ir Susanna išradingai įveikia visas iškylančias kliūtis, patraukdami į savo pusę grafo žmoną ir jauną puslapį Cherubiną. tarnaujant kilniam žmogui. Pagrindinio vakarėlio, užpildyto vakarėlio, jungiamoji tema skiriasi iš esmės.Prisiminkime, kad žodis „uvertiūra“ yra kilęs iš prancūzų kalbos veiksmažodžio „ouvrir“, reiškiančio „atverti“, „pradėti“. 33 34 39 www.classON.ru drąsus Vaikų ugdymas rusų meno srityje su mastelio pasažais, pasirodo pirmoji šoninės dalies tema, kurios melodiją atlieka smuikai. Tema turi ritmiškai įnoringą, šiek tiek kaprizingą, bet atkaklų charakterį: vokalinius numerius. Taigi, pirmasis solinis numeris Figaro partijoje (ji buvo patikėta baritonui) - maža arija (cavatina) - skamba iškart po to, kai Susanna pranešė sužadėtiniui, kad grafas pradėjo piršlybti. Šiuo atžvilgiu Figaro pašaipiai dainuoja menueto judesio melodiją – galantišką aukštuomenės šokį (kraštutinės trijų dalių reprizinės kavatinos formos dalys): Antroji šoninės dalies tema primena ryžtingus šūksnius: Ir Baigiamosios dalies tema labiausiai subalansuota, tarsi viską išsprendžianti: Reprizoje šalutinė ir baigiamoji dalys kartojasi jau pagrindiniu D-dur klavišu. Prie jų prisijungia kodas, dar labiau pabrėžiantis linksmą ir gyvą uvertiūros charakterį. Šioje Mocarto operoje didelę vietą užima vokaliniai ansambliai, daugiausia duetai (dviems personažams) ir tercetai (trims veikėjams). Juos skiria rečitatyvai, lydimi klavesinu. O antrasis, trečiasis ir paskutinis, ketvirtas veiksmas baigiasi finalais – dideliais ansambliais, kuriuose dalyvauja nuo šešių iki vienuolikos veikėjų. Solo į dinamišką veiksmo raidą įtraukiami įvairiai – vidurinėje kavatinos dalyje santūrų judesį keičia greitas, elegantišką trijų taktų melodiją – tvirta dviejų taktų. Čia Figaro jau ryžtingai išreiškia savo ketinimą bet kokia kaina užkirsti kelią klastingiems savo šeimininko planams: Jis skirtas jaunam puslapiui Cherubino. Jis netyčia išgirdo, kaip grafas bandė pareikšti savo meilę Suzannai, o tokiai nepageidaujamai liudininkei buvo liepta eiti į karinę tarnybą. Figaro savo arijoje linksmai ir šmaikščiai pašiepia situaciją, piešdamas dvariško gyvenimo lepintą jaunuolį, atšiauraus karinio gyvenimo paveikslus. Muzikoje tai atsispindi meistriškai derinant provokuojantį šokantumą su „karingais“ fanfariniais judesiais. Tai tris kartus rondo pavidalu skambantis refrenas: Kitas – maža dainingo pobūdžio arija „Karštas kraujas jaudina širdį“. Tai santūresnis švelnių jausmų prisipažinimas, nedrąsiai adresuotas pačiai grafienei: Susanna (sopranas) daugelyje ansamblių apibūdinama kaip energinga, vikri ir išradinga, tuo nenusileidžianti Figaro. Kartu jos įvaizdis subtiliai poetizuotas ryškioje svajingoje ketvirtojo veiksmo arijoje. Jame Susanna mintyse kreipiasi į Figaro švelniai kreipdamasi: Kalbant apie patį Cherubiną (jo partiją atlieka žemas moteriškas balsas – mecosopranas), jis dviejose arijose apibūdinamas kaip karštas jaunuolis, vis dar negalintis suprasti savojo. jausmai, pasiruošę įsimylėti kiekvieną žingsnį. Viena jų – ir džiaugsminga, ir virpanti arija „Pasakyk, aš negaliu paaiškinti“. Jame melodingumas derinamas su ritmu, tarsi su pertraukomis pulsuojantis iš jaudulio: 41 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusų meno srityje Klausimai ir užduotys 1 . Kada ir kur įvyko Mocarto „Figaro nozze“ premjera? 2. Kokia komedija sukurtas jos libretas? 3. Kokia yra pagrindinė šio darbo idėja? 4. Kaip statoma operos uvertiūra? 5. Papasakokite apie dviejų solo numerių ypatybes Figaro dalyje. 6. Koks balsas patikėtas Cherubino daliai? Dainuokite jo arijų melodijas. 7. Kaip Susanna charakterizuojama ansambliuose ir kaip - arijoje iš ketvirto veiksmo? Ketvirtasis variantas (kairės rankos metimas per dešinę), priešingai, yra drąsiau šluojantis. Penktoji variacija, kur pradinį neskubų Andante grazioso tempą pakeičia labai lėtas – Adagio, yra melodinga instrumentinė arija, nuspalvinta koloratūra. Ir tada tempo keitimas į greitą (Allegro) atitinka paskutinės, šeštosios, variacijos linksmą šokio charakterį. Antrasis sonatos dalis – Menuetas. Kaip įprasta, jis pastatytas trijų dalių reprizų forma su tiksliu pakartojimu pirmos dalies muzikos reprizoje. Tarp jų – vidurinė dalis (Trio) 35. Visose Menueto dalyse vyriškai ryžtingos ir imperatyvios šluojančios intonacijos lyginamos su moteriškomis švelniomis ir švelniomis intonacijomis, panašiomis į ekspresyvius lyrinius šūksnius-kreipimus. Sonata A-dur klavieriui Shiroko garsioji sonata Mocartas A-dur, paprastai vadinamas turkų maršo sonata, yra neįprastai sukonstruotas ciklas. Pirmoji dalis čia – ne sonatos allegro, o šešios variacijos lengva ir ramia, išradingai grakščia tema. Tai atrodo kaip daina, kurią Vienos muzikiniame gyvenime būtų galima dainuoti su gera, ramia nuotaika. Švelniai siūbuojančiu ritmu yra panašumas į Sicilianos judesį – seną itališką šokį ar šokio dainą: trečiąją sonatos dalį (finalą) kompozitorius pavadino „A11a Turca“ – „Turkiškai“. Vėliau šiam finalui buvo suteiktas pavadinimas „Turkish March“. Nieko bendra su europietiškai neįprasta turkų liaudies ir profesionalios muzikos intonacine struktūra. Tačiau XVIII amžiuje Europos, daugiausia teatro, muzikoje atsirado mada eitynės, sutartinai vadinamos „turkiškais“. Juose panaudota „Janisarų“ orkestro tembrinė spalva, kurioje dominavo pučiamieji ir mušamieji instrumentai – didieji ir snaigių būgnai, cimbolai, trikampis. Turkijos kariuomenės pėstininkų dalinių kariai buvo vadinami janisarais. Jų eitynių muzika europiečių buvo suvokiama kaip laukinė, triukšminga, „barbariška“. Tarp variantų nėra aštrių kontrastų, tačiau visi jie turi skirtingą charakterį. Pirmajame variante vyrauja grakštus įnoringas melodingas judesys, antrajame - grakštus žaismingumas derinamas su humoristiniu atspalviu (įsidėmėtinos „išdykusios“ grakštumo natos kairiojoje dalyje). Trečioji variacija – vienintelė, parašyta ne A-dur, o a-moll – užpildyta šiek tiek liūdnomis melodingomis figūrėlėmis, juda tolygiai, tarsi su švelniu drovumu: Trio pabaigoje yra užrašas „Minuetto da capo“ . Italų kalba - „iš galvos“, „nuo pradžios“. 35 "Da capo" išversta iš 42 www.classON.ru Vaikų švietimas rusų meno srityje Finalas parašytas neįprasta forma. Jį galima apibrėžti kaip trijų dalių chorą (A-dur). Pakartotinis choro kartojimas suteikia finalo struktūrai rondo bruožų. Pirmasis judesys – su lengvai „sukančiais“ motyvais (A-moll) ir vidurinis judesys – su melodingu pasažo judesiu (F-sharp minor) – natūraliai sujungia grakštų šokantumą su aiškiu žygiuojančiu žingsniu: Ilgą laiką buvo tikima, kad Mocartas sukūrė sonatą A-dur 1778 m. vasarą Paryžiuje. Bet tada jie atrado informaciją, kad tai įvyko po kelerių metų Vienoje. Tokia informacija tikėtina tuo, kad ten 1782 m. įvyko Mocarto dainos „Pagrobimas iš Seralio“ premjera. Joje veiksmas vyksta Turkijoje, o uvertiūros muzikoje ir dviejuose maršą primenančiuose choruose pastebimas „janisarų“ muzikos imitavimas. Be to, ar tai triukšminga? Mocartas kaltinę „Janisarų“ kodą A-dur į senatų finalą įtraukė tik 1784 m., kai buvo išleistas kūrinys. Pastebėtina ir tai, kad sonatoje, kaip ir „Pagrobime iš Seralio“, didelis vaidmuo tenka dainos ir maršo žanrams. Visame tame pasireiškė Mocartui labai būdingas instrumentinės muzikos ryšys su teatro muzika. Klausimai ir užduotys 1 . Kuo neįprastas ciklas Mocarto sonatoje A-dur? Pirmoje šio darbo dalyje papasakokite apie temos pobūdį ir šešis jos variantus. 2. Koks šokio žanras naudojamas antroje sonatos dalyje? 3. Paaiškinkite, kodėl sonatos A-dur finalas vadinamas Turkijos maršu. Koks jo konstrukcijos ypatumas? Dainuokite pagrindinėmis temomis. 4. Su kokiu muzikiniu ir teatriniu Mocarto kūriniu aidi jo „Turkiško maršo“ muzika? Simfonija g-moll Sukurta Vienoje 1788 m., Simfonija g-moll! (Nr. 40) – vienas labiausiai įkvėptų didžiojo kompozitoriaus kūrinių. Pirmoji simfonijos dalis – labai greito tempo sonata allegro. Pradedama pagrindinės dalies tema, kuri iš karto sužavi kaip konfidencialus, nuoširdus lyrinis prisipažinimas. Ją dainuoja smuikai, švelniai siūbuojant akompanuojant kitiems styginiams instrumentams. Melodijoje atpažįstamas toks pat sujaudintas ritmas, kaip ir pirmosios Cherubino arijos iš operos „Figaro vedybos“ pradžioje (žr. 37 pavyzdį). Bet dabar jau „suaugusiųjų“, rimtų ir drąsių dainų tekstai: Choras (A-dur) skamba tris kartus, tai tarsi savotiškas „janisariškas triukšmo refrenas“, kairės rankos dalyje būgno ritinio imitacija. girdimas: Šiuo atžvilgiu „turkiškas maršas“ kartais vadinamas „Rondo turkišku stiliumi“ („Rondo alla Turca“). 36 43 www.classON.ru Vaikų švietimas meno srityje Rusijoje Maža raida). Tačiau jame nėra kontrastų, viskas paklūsta bendrai šviesiai nuotaikai, kuri nuo pat pradžių nulemta pagrindinėje partijoje, kuri skamba styginiais instrumentais: Personažo vyriškumas sustiprinamas jungiamojoje dalyje, į kurią išsivysto pagrindinė dalis. . Yra moduliacija į B-dur lygiagrečiai su g-moll – šoninės dalies klavišu. Jos tema yra lengvesnė, grakštesnė ir moteriškesnė, palyginti su pagrindine. Ją nuspalvina chromatinės intonacijos, styginių ir pučiamųjų instrumentų tembrų kaitaliojimas: Septintajame takte čia pasirodo lengvai „plazdanti“ dviejų trisdešimties sekundžių natų figūra. Ateityje jis įsiskverbia į visų temų melodines linijas, tada tarsi apgaubia jas, pasirodydamas skirtinguose registruose su skirtingais instrumentais. Tai tarsi ramios gamtos balsų aidai. Tik kartais šiek tiek sutrikę, jie girdimi dabar arti, tada tolumoje. Pagal nusistovėjusią tradiciją trečioji simfonijos dalis yra Menuetas. Tačiau joje aiškiai tradicinė tik vidurinė dalis – Trio. Sklandžiu judesiu, balsų melodingumu ir tonacija G-dur Trio uždeda pagrindines, ekstremalias šio Menueto dalis, kurios apskritai yra neįprastos lyriška ir dramatiška įtampa. Atrodo, kad po ramaus gamtos apmąstymo, įkūnyto Andante, dabar teko grįžti į pirmoje simfonijos dalyje vyravusį dvasinio nerimo ir neramumų pasaulį. Tai atitinka pagrindinio simfonijos klavišo – g-moll – sugrįžimą: Baigiamojoje dalyje atsiranda naujas energijos pliūpsnis. Čia pagrindinis vaidmuo tenka pakartotiniam ir atkakliam pagrindinės vakarėlio temos pirmojo – trijų garsų – motyvo plėtojimui. Prasidėjus gana ekspansyviam vystymuisi, atrodo, kad debesys su nerimu kaupiasi. Iš lengvo B-dur staigus posūkis į niūrų tolimą f-moll klavišą. Plėtojant pagrindinės vakarėlio tema vystosi dramatiškai. Jis eina per visą eilę klavišų, suskirstytas į atskiras frazes ir motyvus, dažnai jie imituojami skirtingais orkestro balsais. Pirmasis šios temos motyvas pulsuoja labai įtemptai. Bet galiausiai jo pulsavimas susilpnėja, sulaiko drebulį ir ateina atsakas. Tačiau didelio dramatizmo intensyvumo, pasiekto plėtojant, poveikis atsispindi šioje pirmosios dalies dalyje. Čia ženkliai pailgėja jungiamosios dalies ilgis, dėl to šoninės ir baigiamosios dalys pateikiamos nebe mažoru, o pagrindiniu g-moll tonu, todėl jų skambesys tampa dramatiškesnis. Antroji simfonijos dalis – Andante Es-dur. Ji kontrastuoja su lyriškai dramatiška pirmąja dalimi savo švelnia ir švelnia ramybe. Andante forma taip pat yra sonata (kur pagrindinis klavišas yra g-moll, o ketvirtoji simfonijos dalis – finalas, vykstantis labai sparčiu tempu. Finalas parašytas sonatos forma. Pagrindinė šios simfonijos dalies tema – pagrindinės dalies tema.Kartu su pirmosios dalies pagrindinės dalies tema nurodo Bet jei pirmosios dalies tema skamba kaip švelnus ir pagarbus lyrinis prisipažinimas, tai finalo tema yra aistringa lyrinė -dramatiškas patrauklumas, kupinas drąsos ir mes nuspręsime 44 www.classON.ru Vaikų ugdymas rusų meno srityje 2. Papasakokite apie pagrindines pirmojo simfonijos dalies temas ir jų raidą. 3. Kokį pobūdį turi muzika antroje ir trečioje simfonijos dalyse? 4. Kokia yra pagrindinė simfonijos finalo tema? Kuo jos charakteris skiriasi nuo pagrindinės pirmosios dalies temos charakterio? 5. Kaip konstruojama pagrindinės finalo dalies tema? Kuo grindžiamas vystymasis? Pagrindiniai kūriniai Šį ugningą patrauklumą sukuria greitas melodijos pakilimas pagal akordų garsus, o energingos melodingos figūros, besisukančios aplink vieną garsą, tarsi atsiliepia į jo impulsą. Kaip ir pirmoje simfonijos dalyje, taip ir ekspozicijoje ypač ryški grakšti šoninės finalo dalies tema, kai ji atliekama B-dur: 19 operų Requiem Apie 50 simfonijų 27 koncertai klavierui ir orkestrui 5 koncertai smuikui. ir orkestrui Koncertai su orkestro pritarimu fleitoms, klarnetui, fagotui, ragams, fleitoms su arfa Styginių kvartetai (daugiau nei 20) ir kvintetai Sonatos klavierui, smuikui ir klavierui Variacijos, fantazijos, rondo, menuetai klavierui. antrasis pagrindinės dalies temos elementas. Plėtojant finalą ypač intensyviai vystosi pirmasis, įkvepiantis pagrindinės vakarėlio temos elementas. Didelė dramatiška įtampa pasiekiama sutelkus harmoninius ir polifoninius kūrimo metodus – dirigavimą daugeliu klavišų ir imituojančius vardinius skambučius. Reprize šalutinės partijos atlikimą pagrindiniu g-moll tonu šiek tiek užgožia liūdesys. O antrasis pagrindinės dalies temos elementas (teigiamos, energingos figūros), kaip ir ekspozicijoje, reprizoje skamba paskutinės dalies šerdyje. Dėl to šio išradingo Mazarto kūrinio finalas sudaro ryškią lyrinę ir dramatišką viso sonatos-simfoninio ciklo viršūnę, precedento neturinčią savo tikslingumu per vaizdinį vystymąsi. Liudvikas van Bethovenas 1770–1827 Didysis vokiečių kompozitorius Ludwigas van Bethovenas yra jauniausias iš trijų puikių muzikantų, vadinamų Vienos klasikais. Bethovenas gyveno ir kūrė jau XVII–XIX amžių sandūroje, grandiozinių socialinių pokyčių ir perversmų eroje. Jo jaunystė sutapo su laikais, Klausimai ir užduotys 1 . Kada ir kur Mocartas sukūrė simfoniją g-moll Nr. 40? 45 www.classON.ru Vaikų meninis ugdymas Rusijoje

(vertinimai: 3 , vidurkis: 3,67 iš 5)

Pavadinimas: Muzikinė literatūra užsienio šalys

Apie I. A. Prokhorovo knygą „Užsienio šalių muzikinė literatūra“.

Savarankiškoms studijoms skirtas vadovėlis „Užsienio šalių muzikinė literatūra“, sudarytas I. Prochorovos. Tai paaiškina medžiagos pateikimo trumpumą ir prieinamumą.

Knyga „Užsienio šalių muzikinė literatūra“ supažindins mokinius su trumpomis biografijomis ir geriausia kūryba žinomų kompozitorių. Vaikai galės sužinoti apie tokių genijų kaip I.S. gyvenimą ir kūrybą. Bachas, J. Haydnas, W.A. Mocartas, L. Bethovenas, F. Šubertas ir F. Šopenas. I. Prokhorova pernelyg smulkiai neaprašė talentingų kompozitorių istorijų, vadovėlyje rasite pagrindines gyvenimo datas, kilmę, titulus ir titulus, veiklos sritį, sąlygas, turėjusias įtakos profesijos pasirinkimui. Knygoje bus pasakojama apie pagrindinius muzikantų gyvenimo ir kūrybos etapus, socialines ir politines pažiūras.

Leidinys „Užsienio šalių muzikinė literatūra“ skirtas muzikos mokyklų mokiniams, tačiau visi, kas neabejingi klasikinių kūrinių rasite ką nors įdomaus šioje knygoje. I. Prokhorova tekstą praturtino kai kurių muzikinių ir nemuzikinių sąvokų paaiškinimais, todėl jis ne toks akademiškas. Muzikantų gyvenimą aprašanti dalis pateikiama to laikotarpio Europos šalių istorinio ir kultūrinio gyvenimo kontekste. Tai suteikia studentams galimybę giliau ir plačiau suprasti sąlygas, kuriomis gyveno ir kūrė legendiniai kompozitoriai.

Kadangi knyga „Užsienio šalių muzikinė literatūra“ skirta skaitymui namuose, visi joje esantys simfoniniai kūriniai siūlomi keturrankiais. Verta paminėti, kad pasakojimas apie Bacho kūrybą, kuris pagal programą studijuojamas pačioje metų pabaigoje, dedamas pradžioje. Šį žingsnį autorius žengė siekdamas stebėti pristatymo chronologiją.

Šios knygos sudarytojas įsitikinęs, kad nuolatinis vadovėlio naudojimas sužadins mokiniams pomėgį savarankiškai susipažinti su populiariąja ir moksline muzikine literatūra. Be to, vaikai galės lavinti ir stiprinti reginio skaitymo muzikinius įgūdžius, taip pat pripras koncertuoti keturiomis rankomis.
Savarankiškas žinomų kūrinių mokymasis leis juos atlikti pamokų metu, dalyvaujant kitiems vaikams, o tai suaktyvins kolektyvines pamokas ir ženkliai pagerins klasikinės muzikos suvokimą.

Mūsų svetainėje apie knygas lifeinbooks.net galite atsisiųsti nemokamai be registracijos arba skaityti internetinė knyga I. A. Prokhorovo „Užsienio šalių muzikinė literatūra“ epub, fb2, txt, rtf, pdf formatais, skirta iPad, iPhone, Android ir Kindle. Knyga suteiks jums daug malonių akimirkų ir tikrą malonumą skaityti. Pilną versiją galite įsigyti iš mūsų partnerio. Be to, čia rasite paskutinės naujienos iš literatūros pasaulio, sužinokite savo mėgstamų autorių biografijas. Pradedantiesiems rašytojams yra atskiras skyrius su naudingais patarimais ir gudrybėmis, įdomiais straipsniais, kurių dėka galėsite išbandyti savo jėgas rašydami.

Pagalbinės pastabos apie užsienio šalių muzikinę literatūrą papildo esamus muzikinės literatūros vadovėlius. Vadovo turinys atitinka dalyko PO.02.UP.03 programą. Muzikos meno krypties papildomų ikiprofesinių bendrojo ugdymo programų „Fortepijonas“, „Styginiai instrumentai“, „Pučiamieji ir mušamieji instrumentai“, „Liaudies instrumentai“, „Muzikinė literatūra“ Choro dainavimas“, rekomendavo Rusijos Federacijos kultūros ministerija.

Pagalbinės muzikos literatūros natos skirtos humanitariniam ugdymui ir specialioms mokinių kompetencijoms ugdyti, ypač: „... formuoti muzikinį mąstymą, muzikos kūrinių suvokimo ir analizės įgūdžius, įgyti žinių apie muzikos formos dėsningumus, apie muzikos kalbos specifiką, raiškos muzikos priemones“ 1 .

Vadovėlyje kompozitorių kūryba pristatoma kultūros ir istorijos epochų kontekste, nagrinėjama glaudžiai susijusi su istorinių įvykių ir susiję menai. Abstrakti medžiaga yra pagrindinės V. N. Bryantseva, V. S. Galatskajos, L. V. Kirillinos, V. D. Koneno, T. N. Livanovos, I. D. Prochorovos ir kitų žinomų muzikologų muzikos ir muzikinės literatūros tyrimų tezės, apibendrinta ir glausta mokomoji medžiaga forma. lentelių, diagramų ir vaizdinių atramų. Vaizdinės priemonės (žymių menininkų paveikslų reprodukcijos, kompozitorių, jų artimųjų ir draugų portretai, iškilios figūros kultūra ir menas, istorinės asmenybės ir kt.) ne tik lydi ir papildo žodinę informaciją, bet yra informacijos nešėjai vaizduojamojo meno srityje, yra tiesiogiai susiję su muzikos epochomis ir tendencijomis, kompozitorių kūryba, atspindi istoriją, kultūrą ir Europos šalių menas.

Nuorodų turinį sudaro keturi skyriai, kurie savo ruožtu suskirstyti į temas, apimančias Europos muzikos raidos laikotarpius nuo Senovės Graikijos muzikinės kultūros iki XIX amžiaus romantiškų kompozitorių kūrybos. Taigi pirmoje dalyje nagrinėjama Senovės Graikijos, viduramžių ir Renesanso muzikinė kultūra. Antroje dalyje nagrinėjama baroko epocha, J. S. Bacho ir G. F. Hendelio kūryba. Trečioji dalis skirta klasicizmo epochai, kur akcentuojama Vienos klasikų – J. Haydno, W. A. ​​Mozarto ir L. Bethoveno – kūryba. Ketvirtajame skyriuje pateikiama medžiaga apie romantizmo epochą, F. Schuberto ir F. Šopeno kūrybą, pateikta trumpa apžvalga XIX amžiaus romantiškų kompozitorių F. Mendelssohno, F. Liszto, R. Schumanno, G. Berliozo kūriniai, D. Verdi, R. Wagneris, J. Brahmsas, J. Bizet.

Vadove taip pat pateikiami tekste randami reikšmių, terminų ir sąvokų žodynai, trumpa studijuojamų kūrinių analizė ir muzikiniai pavyzdžiai.

Be griežto medžiagos pateikimo lentelėse ir diagramose, instrukcijoje pateikiami įdomūs faktai iš kompozitorių gyvenimo, pateikti pasakojimo forma ir kartu su spalvingomis meninėmis iliustracijomis, kurios atgaivina vaikų suvokimą ir dėmesį.

Užsienio šalių muzikinės literatūros informaciniai užrašai skirti Vaikų meno mokyklos, Vaikų muzikos mokyklos II ir III studijų metų (5 ir 6 kl.) studentams, kurie studijuoja papildomas ikiprofesines bendrojo ugdymo programas. muzikos meno. Vaikų muzikos mokyklų, vaikų dailės mokyklų muzikinių-teorinių ir specialiųjų disciplinų mokytojai gali naudotis vadovėliu, kai mokosi naujos medžiagos, kartoja ir sistemina nagrinėtas temas, ruošiasi tarpinei ir baigiamajai mokinių atestacijai, ruošiasi muzikos teorinėms olimpiadoms, savarankišką darbą. mokinių, grupinis ir individualus mokymas, iš dalies įgyvendinant papildomas bendrojo tobulėjimo programas m muzikos meno srityse, kultūrinėje ir edukacinėje veikloje.

Kartu su informaciniais užrašais yra darbo knygelė, skirta darbui klasėje.

Žemiau pateikiami žinyno „Užsienio šalių muzikinės literatūros pagalbinės natos“ fragmentai.

Dėl Tatjanos Guryevnos Saveljevos vadovo „Užsienio šalių muzikinės literatūros nuorodos“ įsigijimo kreipkitės į autorių el. [apsaugotas el. paštas]

_____________________________________________

1 Pavyzdinė dalyko programa PO.02. UP.03. Muzikinė literatūra. - Maskva 2012 m

______________________________________________________

IŠ SUDARYTOJŲ
Ši knyga – to istorinio laikotarpio, prasidedančio paskutiniais XIX amžiaus dešimtmečiais, muzikinės literatūros vadovėlis. Toks vadovėlis pasirodo pirmą kartą: penktasis numeris baigiasi, kaip žinia, K-Debussy ir M. Ravelio darbais.
Knygoje aprašomos įvairios nacionalinės muzikos mokyklos, nulėmusios bendrą jos struktūrą. Pirmajame skyriuje aprašomi bendrieji procesai, kurie buvo savaip įgyvendinami įvairių šalių muzikos mene ir skirtingų asmenybių kompozitorių kūryboje. Kiekvieną paskesnį skyrių sudaro tam tikros šalies muzikinės kultūros apžvalga, taip pat monografinė dalis, skirta reikšmingiausių šios mokyklos kompozitorių kūrybai. Tik I. Stravinskio kūrybai skirta skiltis skiriasi savo struktūra: joje nėra įvadinės apžvalgos. Ir tai suprantama: juk didžiąją gyvenimo dalį dėl ypatingų aplinkybių praleidęs už Rusijos ribų, Stravinskis liko rusų meistru ir nepriklausė jokiai užsienio mokyklai. Jo lemiama įtaka kūrybos principai beveik visi pagrindiniai mūsų amžiaus muzikantai neleidžia pašalinti Stravinskio iš bendras vaizdas XX amžiaus muzikos meno raida. Šio monografinio skyriaus įtraukimas į užsienio muzikinės literatūros vadovėlį nulemtas ir ugdymo turinio mokykloje ypatumų: iki mokymosi laiko. užsienio muzika XX amžiuje studentai visiškai nėra susipažinę nei su I. Stravinskio asmenybe, nei su muzika. Į šį muzikinio meno puslapį jie atsivers tik ketvirtojo kurso pabaigoje, kur nagrinėjamas tik pirmasis, rusiškas kompozitoriaus kūrybos laikotarpis.

Vadovėlio rengėjų ir autorių dėmesys sutelktas tiek į apžvelgiamo laikotarpio bendrųjų muzikinių ir istorinių procesų rodymą, tiek į iškiliausių mūsų amžiaus klasika tapusių kūrinių analizę. Atsižvelgiant į išskirtinį XX amžiaus muzikos meno įvykių kompleksiškumą, nevienalytiškumą, tarpusavio sankirtas, sparčią kaitą, apžvalginiai skyriai šioje knygoje užėmė daug didesnę vietą nei ankstesniuose leidimuose. Vis dėlto, vadovaudamiesi dalyko metodologiniais principais, rengėjai siekė išlaikyti dėmesį muzikos kūrinių analizėms, kurios šiuo atveju skirtos atskleisti kūrybos metodų, mąstymo būdų įvairovę, skirtingus stilistinius sprendimus ir kūrinių pliuralizmą. mūsų šimtmečio meistrų kompozitoriaus technika.

Atsižvelgdami į tai, kad knygoje pateikiama plati muzikinio meno panorama, o analizė daugeliu atvejų yra labai sudėtinga (tai daugiausia nulemia pati medžiaga), rengėjai mano, kad šis vadovėlis gali būti skirtas ne tik studentams. atliekančių, bet ir teorinių katedrų. muzikos mokyklos. Knygos turinys leidžia ugdymo procese į ją žiūrėti selektyviai; skyrių studijavimo gilumą ir detalumą nustato patys dėstytojai, atsižvelgdami į mokinių pasirengimo lygį, ugdymo proceso materialinę įrangą su natomis ir muzikos įrašais bei pagal mokymo programą šiai daliai skirtų valandų skaičių. kurso.
Prie šios knygos dirbo didelė grupė autorių. Vadinasi, skirtingų medžiagos pateikimo būdų neišvengiamybė; kartu pačiu požiūriu į ją rengėjai stengėsi išsaugoti vienodus metodinius principus.

TURINYS
Iš sudarytojų
XX amžiaus užsienio muzikos meno raidos būdai.
Austrijos muzikinė kultūra
Gustavas Mahleris
Vokalinis kūrybiškumas. „Keliaujančio mokinio dainos“
Simfoninė kūryba. Pirmoji simfonija
ARNOLDAS ŠENBERGAS
Gyvenimas ir kūrybos kelias
„Išgyvenęs žmogus iš Varšuvos“
ALBANAS BERGAS
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Muzikinė drama Wozzeck
Koncertas smuikui ir orkestrui
ANTONAS VEBERNAS.
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Vokietijos muzikinė kultūra
RICARDAS STRAUSAS
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Simfoninė kūryba. Simfoninės poemos „Don Žuanas“ ir „Til Ulenspiegel“
PAULAS HINDEMITAS
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Simfoninė kūryba. Simfonija „Menininkas Matisas“.
CARL ORF
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Pagrindiniai Karlo Orffo kūrybos žanrai ir jų bruožai.
Opera „Protinga mergina“
"Carmina Burana"
IGORAS STRAVINSKIS
Gyvenimas ir kūrybos kelias
"Psalmių simfonija"
Opera "Oidipas Reksas"
Prancūzijos muzikinė kultūra.
ARTŪRAS ONEGGERIS
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Teatrinė ir oratorinė kūryba. Oratorija „Jona d'Ark ant laužo“
Simfoninė kūryba. Trečioji simfonija („Liturginė“)
DARIUS MIJO
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Vokalinis-instrumentinis, kūrybiškumas. "Ugnies pilis"
Pranciškus Pulencas
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Opera „Žmogaus balsas“
Ispanijos muzikinė kultūra
MANUEL DE FALLA
Gyvenimas ir kūrybos kelias
Baletas "Meilė yra burtininkė"
Opera „Trumpas gyvenimas“