namai › Važiuoklė › E Greco vyro portretas. Riteris su ranka ant krūtinės

E Greco vyro portretas. Riteris su ranka ant krūtinės

Apie kretiečio Domenico Theotokopuli, menininko, užkariavusio Ispanijos Toledą El Greco vardu, tai yra graiko, gyvenimą, įrodymų beveik neliko. Jo charakterio „kvailystė“ ir keista vaizdinga maniera daugelį nustebino ir privertė griebtis plunksnos – tačiau išliko vos kelios raidės. Vienoje iš jų yra tokios eilutės: „... oras buvo gražus, švelniai švietė pavasario saulė. Tai viskam suteikė džiaugsmo, o miestas atrodė šventiškai. Įsivaizduokite mano nuostabą, kai įėjau į El Greco dirbtuves ir pamačiau, kad langinės buvo uždarytos, todėl buvo sunku pamatyti, kas yra aplinkui. Pats El Greco sėdėjo ant taburetės, nieko neveikė, bet buvo pabudęs. Jis nenorėjo išeiti su manimi, nes, pasak jo, saulės šviesa trukdė jo vidinei šviesai ... "

Beveik nėra įrodymų, kad Domenico vyras paliko, tik atgarsiai: kad jis gyveno didingai, laikė turtingiausią biblioteką, skaitė daugybę filosofų, taip pat bylinėjosi su klientais (buvo mylimas, bet dažniau nesuprastas), mirė beveik skurde, kaip ploni spinduliai dienos šviesa prasibrauti pro savo gyvenimo „uždarytų langinių“ plyšius. Tačiau jie neatitraukia dėmesio nuo pagrindinio dalyko - nuo vidinės šviesos, kuri užpildo menininko El Greco paveikslus. Ypač portretai.

Juose nėra peizažų, atsiveriančių už vaizduojamo žmogaus, nėra gausybės detalių, kurios traukia smalsų akį. Net herojaus vardas dažnai išeina iš nuotraukos. Nes visa tai neleistų matyti veido. O akys gilios, tamsios, žiūrinčios tiesiai į tave. Sunku nuo jų atitrūkti, o jei prisiversti, tada pamatyti gestą – ir vėl sustoti mintyse.

Toks yra „Džentelmeno su ranka ant krūtinės portretas“ (1577–1579), kurį meistras parašė netrukus po to, kai persikėlė į Toledą. Šis portretas pripažintas vienu geriausių XVI amžiaus ispanų tapyboje. „Outlander El Greco“ sukūrė „ryškius vaizdus Ispanijos gyvenimas ir istorijos“, kuriose vaizduojamos „tikros gyvos būtybės, savyje sujungiančios viską, kuo mūsų tautoje turėtų žavėtis, visa, kas herojiška ir nepalaužiama, su tomis priešingomis savybėmis, kurios negali neatsispindėti nesunaikinant pačios jos esmės“ (A. Segovija). Aristokratai iš senovės Toledo šeimų tapo tikrais El Greco herojais, jis juos matė Vidinė šviesa- jų kilnumas ir orumas, ištikimybė pareigai, sumanumas, manierų rafinuotumas, drąsa, išorinis santūrumas ir vidinis impulsas, širdies stiprybė, kuri žino, dėl ko gyvena ir miršta...

Diena po dienos Prado galerijos lankytojai sustoja priešais nežinomą hidalgą, nustebę žodžiais: „Kaip gyva...“ Kas yra šis riteris? Kodėl jis taip nuoširdžiai atveria savo širdį? Kodėl jo akys tokios patrauklios? Ir šis priesaikos gestas? O kardo rankena?.. Gal iš šių klausimų kilo legenda, kad portrete pavaizduotas kitas didis ispanas: Migelis de Servantesas. Karys ir rašytojas, pasakojęs pasauliui istoriją apie liūdno įvaizdžio riterį, kuriam buvo įteikta tokia pati dieviška dovana kaip El Greco – matyti žmones tokius, kokie jie turėtų būti, pamatyti jų vidinę šviesą...

žurnalui „Žmogus be sienų“

El caballero de la mano en el pecho Drobė, aliejus. 81,8 × 65,8 cm Prado, Madridas, Ispanija K: 1580 m. paveikslai

"Riteris su ranka ant krūtinės"- tapyba Ispanijos menininkas El Greco, nutapytas Tolede apie 1580 m Labiausiai žinomas iš pasaulietinių nežinomų kabalerų portretų serijoje su juodais chalatais ir baltais kaltais tamsiame fone. Šiuo metu saugomas Prado.

Kabalero poza gali reikšti priesaikos davimą arba pasitikėjimo parodymą sudarant sutartį arba kilmingas gimimas simbolį ar net slaptą iš anksto sutartą signalą. Auksinis kardas ir medalionas rodo turtą ir priklausymą aukštajai visuomenei. Išvaizda charakteris būdingas Ispanijos aukso amžiaus epochos didikui. Restauruojant paveikslą paaiškėjo, kad iš pradžių fonas buvo ne juodas, o šviesiai pilkas, tačiau laikui bėgant paveikslas patamsėjo. Tamsių drabužių atspalvių turtingumas liudija Venecijos tapybos mokyklos įtaką El Greco.

Anksčiau buvo manoma, kad „Riteris su ranka ant krūtinės“ yra Servanteso portretas, tačiau dabar dauguma meno istorikų linkę manyti, kad portrete pavaizduotas trečiasis Montemajoro markizas ir Alkaldas iš Toledo Alkazaro. Meno istorikas Alexas Berghartas ir menininkas Robertas Shrive'as leidžia manyti, kad tai menininko autoportretas.

Parašykite apžvalgą apie straipsnį „Riteris su ranka ant krūtinės“

Pastabos

Ištrauka, apibūdinanti Riterį su ranka ant krūtinės

„Priešingai, atrodo, kad viskas klostosi gerai, pussesere“, - sakė Pierre'as, turėdamas tokį žaismingumo įprotį, kurio Pierre'as, kuris visada gėdingai ištvėrė savo geradario vaidmenį princesės akivaizdoje, išmoko pats su ja.
– Taip, saugu... geros savijautos! Šiandien Varvara Ivanovna man papasakojo, kuo skiriasi mūsų kariuomenė. Žinoma, garbė. Taip, ir žmonės visiškai sukilo, nustoja klausytis; mano mergina ir ji tapo grubi. Taigi greitai jie mus nugalės. Jūs negalite vaikščioti gatvėmis. Ir svarbiausia, kad šiandien prancūzai bus rytoj, ko tikėtis! Klausiu vieno dalyko, pone pussesere, - pasakė princesė, - įsakyk mane nuvežti į Peterburgą: kad ir koks aš bebūčiau, bet aš negaliu gyventi pagal Bonaparto valdžią.
– Nagi, mamyte, iš kur gauni informacijos? Prieš…
„Aš nepasiduosiu jūsų Napoleonui. Kiti, kaip nori... Jei nenorite to daryti...
– Taip, užsisakysiu dabar.
Princesę, matyt, erzino, kad nėra su kuo pykti. Ji, kažką šnibždėdama, atsisėdo ant kėdės.
„Bet apie jus neteisingai pranešama“, - sakė Pierre'as. Mieste viskas ramu, pavojaus nėra. Taigi aš dabar skaičiau... - Pierre'as parodė plakatus princesei. – Grafas rašo, kad gyvybe atsako, kad priešo Maskvoje nebus.
– Ak, šitas tavo grafas, – piktai kalbėjo princesė, – tai veidmainis, piktadarys, kuris pats privertė žmones maištauti. Argi jis šiuose kvailuose plakatuose neparašė, kad kas bebūtų, tempkite jį už keteros iki išėjimo (o kaip kvaila)! Kas pasiima, sako, garbę ir šlovę. Štai kur jis susipainiojo. Varvara Ivanovna sakė, kad ji vos nenužudė savo žmonių, nes kalbėjo prancūziškai ...
„Bet tai taip... Tu viską imi į širdį“, - pasakė Pierre'as ir pradėjo žaisti pasjansą.
Nepaisant to, kad pasjansas susiliejo, Pierre'as neišėjo į armiją, o liko apleistoje Maskvoje, vis dar tame pačiame nerime, neryžtingumas, baimėje ir kartu iš džiaugsmo, tikėdamasis kažko baisaus.
Kitą dieną princesė išvyko vakare, o jo vyriausiasis vadas atvyko pas Pierre'ą su žinia, kad pinigų, reikalingų pulkui uniformuoti, nepavyks gauti, nebent bus parduotas vienas turtas. Vyriausiasis vadas paprastai teigė Pierre'ui, kad visi šie pulko įsipareigojimai turėjo jį sužlugdyti. Pjeras sunkiai galėjo nuslėpti šypseną, klausydamasis vadovo žodžių.
„Na, parduok“, – pasakė jis. „Ką aš galiu padaryti, dabar negaliu atsisakyti!

Svetlana Obukhova

Įrodymų apie Domenico vyrą beveik nėra, tik atgarsiai: kad jis gyveno didingai, laikė turtingiausią biblioteką, skaitė daugybę filosofų, taip pat bylinėjosi su klientais (buvo mylimas, bet dažniau nesuprastas), mirė beveik skurde, pvz. ploni dienos šviesos spinduliai prasiskverbia pro jo gyvenimo „uždarytų langinių“ plyšius. Tačiau jie neatitraukia dėmesio nuo pagrindinio dalyko - nuo vidinės šviesos, kuri užpildo menininko El Greco paveikslus. Ypač portretai.

Toks yra „Džentelmeno su ranka ant krūtinės portretas“ (1577–1579), kurį meistras parašė netrukus po to, kai persikėlė į Toledą. Šis portretas pripažintas vienu geriausių XVI amžiaus ispanų tapyboje. Užsienietis El Greco sukūrė „ryškius Ispanijos gyvenimo ir istorijos vaizdus“, kuriuose vaizduojamos „tikros gyvos būtybės, sujungiančios viską, kuo galima žavėtis mūsų liaudyje, visa, kas herojiška ir nepalaužiama, su tomis priešingomis savybėmis, kurios negali būti atspindėtos ir nesunaikinamos. pati jos esmė“ (A. Segovia). Aristokratai iš senovės Toledo šeimų tapo tikrais El Greco herojais, jis matė jų vidinę šviesą – kilnumą ir orumą, ištikimybę pareigoms, sumanumą, manierų išprusimą, drąsą, išorinį santūrumą ir vidinį impulsą, širdies stiprybę, kuri žino už ką gyvena ir dėl ko miršta...

Ir kiti paveikslai iš Ermitaže esančio Prado muziejaus...

El Greco „Kristus, apkabinęs kryžių“ 1600–1605 m

Pavaizduotas El Greco būdingo audringo dangaus fone, Kristus grakščiai apkabina kryžių, žvelgdamas į viršų su ramia pražūtimi. Paveikslas sulaukė didelio pasisekimo, El Greco dirbtuvėse buvo sukurta daugybė jo versijų.

El Greco „Šventoji šeima su šv. Ona ir Jonu Krikštytoju“ c. 1600–1605

Vėlyvajam El Greco kūrybos laikotarpiui būdingas auskarų spalvų ir blyksnių naudojimas; erdvė visiškai užpildyta figūromis, kurios užstoja horizontą. Vibruojančiu potėpiu nupieštos formos praranda medžiagiškumą. Mažasis Jonas Krikštytojas kviečia žiūrovą tylėti, kad netrikdytų kūdikėlio Kristaus ramybės...

Velasquez – Pilypo IV portretas Karaliaus Pilypo IV portretas. 1653-1657 m

Psichologinio portreto pagrindai Europos menas paguldytas Ispanų tapytojas Diego Rodriguezas de Silva Velazquezas. Jis gimė neturtingoje bajorų šeimoje Sevilijoje, mokėsi pas Hererą vyresniąją ir Pačeką. 1622 m. jis pirmą kartą atvyko į Madridą. Praktine prasme ši kelionė nebuvo itin sėkminga – Velasquezas nerado sau vertos vietos. Jis tikėjosi susitikti su jaunuoju karaliumi Pilypu IV, bet susitikimas neįvyko. Nepaisant to, gandai apie jauną menininką pasiekė teismą, ir jau kitais, 1623 m., pirmasis ministras kunigaikštis de Olivaresas (taip pat kilęs iš Sevilijos) pakvietė Velaskesą į Madridą nutapyti karaliaus portreto. Šis darbas, kuris mums neatėjo, padarė monarchui tokį malonų įspūdį, kad jis iškart pasiūlė Velázquezui teismo dailininko pareigas. Netrukus tarp karaliaus ir Velaskeso buvo gana draugiškus santykius, kas nebuvo labai būdinga Ispanijos teisme vyravusioms įsakymams. Karalius, valdęs didžiausią imperiją pasaulyje, buvo laikomas ne žmogumi, o dievybe, ir menininkas net negalėjo pasikliauti kilmingų privilegijų nes pragyvenimui užsidirbdavo dirbdamas. Tuo tarpu Filipas įsakė, kad nuo šiol jo portretus tapytų tik Velasquezas. Didysis monarchas buvo stebėtinai dosnus ir palaikė Velasquezą. Karališkuosiuose apartamentuose buvo įsikūrusi menininko studija, joje įrengta kėdė Jo Didenybei. Karalius, turėjęs raktą nuo dirbtuvės, kone kasdien čia ateidavo stebėti menininko darbų. Būdamas karališkoje tarnyboje 1623–1660 m., Velaskesas nutapė apie tuziną savo valdovo portretų. Iš jų mums atkeliavo šiek tiek daugiau nei 10 paveikslų. Taigi, Velasquezas vidutiniškai vaizdavo savo valdovą maždaug kartą per trejus metus. Karaliaus portretų tapyba buvo Velasquezo darbas, ir jis puikiai atliko šį darbą. Dėl to turime unikalų savo natūra kūrinių kompleksą: Velasquezo portretuose galima atsekti gyvenimo kelias Karalius Pilypas taip aiškiai, kaip vėliau tapo papročiu tik fotografijos amžiuje. Menininko drobėse aiškiai matoma evoliucija. Pirma, keičiasi pats karalius, pirmame portrete 18 metų, paskutiniame – 50 metų, jo veide yra amžiaus ir dvasinių pokyčių įspaudas. Antra, menininko suvokimas apie savo modelį gilėja, iš paviršutiniško virsta įžvalgiu. Laikui bėgant modelio pateikimo būdas keičiasi ir meninės technikos. Velazquezo būdas keičiasi veikiamas jo paties kūrybinis augimas, taip pat šiuolaikinių vidaus ir užsienio tradicijų įtakoje. Šiame biusto portrete Pilypas IV pavaizduotas tamsiame fone vilkėdamas juodą chalatą su balta apykakle, išryškinančia monarcho veidą. Velasquezas vengia demonstratyvios prabangos karaliaus portrete ir be jokio meilikavimo ar dvariško gudrumo demonstruoja monarcho „žmogišką veidą“. Mes aiškiai jaučiame, kad žmogus, žiūrintis į mus iš drobės, yra nelaimingas, pastaraisiais metais valdymas karaliui nebuvo lengvas. Tai žmogus, patyręs nusivylimą, bet tuo pačiu – žmogus, kurio kūnas kupinas įgimtos didybės, kurios niekas nepajudina. Kitas puikus menininkas, ispanas iki kaulų smegenų – Pablo Ruizas Picasso apie Ispanijos karaliaus įvaizdį sako taip: „Negalime įsivaizduoti kito Pilypo IV, išskyrus tą, kurį sukūrė Velazquez...“

„Karaliaus Pilypo IV portretas“ (apie 1653–1657 m.)

Vienas iš paskutinių monarcho portretų. Įdomu pastebėti, kad čia nėra nė vieno elemento, bylojančio apie karališkąjį vaizduojamo asmens statusą. Velazquezas Pilypui IV tarnavo beveik keturiasdešimt metų – nuo 1623-iųjų iki mirties jis piešė karaliaus ir jo šeimos portretus, dideles siužeto drobes Karališkajai kolekcijai.

Diego Velasquez „Juokdario Don Diego de Acedo portretas“ (El Primo) c. 1644 m

Diego Velasquez "Austrijos karalienės Marianos portretas" 1652-1653

Ticianas (Tiziano Vecellio) „Venera su kupidonu ir vargonininku“ 1555 m.

Muzikantas groja, sėdėdamas prie Veneros kojų ir žavėdamasis nuogu deivės kūnu, abstraktų žaidimą su Kupidonu. Vieni šiame paveiksle įžvelgė grynai erotinį kūrinį, o kiti suvokė jį simboliškai – kaip jausmų alegoriją, kur regėjimas ir klausa veikia kaip grožio ir harmonijos suvokimo įrankiai. Ticianas parašė penkias šios temos versijas.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) – Atgailaujanti Marija Magdalietė 1583 m

Po atsivertimo Marija Magdalietė paskyrė savo gyvenimą atgailai ir maldai, pasitraukdama iš pasaulio. Ant šios drobės ji pavaizduota žiūrinti į dangų ir užtvindyta dieviškoji šviesa. Paveikslas parašytas storomis tamsiomis spalvomis, būdingomis Veronese stiliui vėlyvuoju jo kūrybos laikotarpiu. Prieš patekdamas į Ispanijos karališkąsias kolekcijas, kūrinys priklausė anglų karalius Karolis I (įvykęs 1649 m.)

Anthony van Dyck "Žmogaus su liutnia portretas" 1622-1632

Anthony van Dyckas savo šlovę skolingas būtent portreto žanrui, kuris hierarchijoje Europos tapyba užėmė gana žemą poziciją. Tačiau Flandrijoje tuo metu jau buvo susiformavusi portretų meno tradicija. Van Dyckas nutapė šimtus portretų, keletą autoportretų ir tapo vienu iš XVII amžiaus ceremoninio portreto stiliaus kūrėjų. Amžininkų portretuose jis parodė jų intelektualinį, emocinį pasaulį, dvasinį gyvenimą, gyvą žmogaus charakterį.
Tradicinis šio portreto modelis yra Jacobas Gautier, liutenistas Anglijos rūmuose 1617–1647 m., tačiau kardo buvimas ir, juo labiau, kūrinio stilistinės ypatybės rodo, kad jis turi būti datuojamas daug anksčiau nei Van Dycko kelionė į Londoną, kuri verčia abejoti šia teorija. Muzikos instrumento buvimas nebūtinai reiškia, kad modelis buvo muzikantas. Kaip simbolis, muzikos instrumentai dažnai buvo vaizduojami portretuose, rodantys vaizduojamojo intelektualinį rafinuotumą ir jautrumą.

Juanas Bautista Maino „Piemenų garbinimas“ 1612–1614 m.

Vienas iš Maino šedevrų. Kolekcijoje Valstybinis Ermitažas saugoma kita šios istorijos versija, kurią parašė Maino. Menininkas gimė Pastranoje (Gvadalacharoje), o 1604–1610 m. gyveno Romoje. Šiame kūrinyje, parašytame grįžus į Ispaniją, jaučiama Caravaggio ir Orazio Gentileschi įtaka. 1613 m. Maino tapo dominikonų ordino nariu, o paveikslas pateko į Toledo Šv. Petro Kankinio vienuolyno altorių ciklą.

Georges de Latour "Aklas muzikantas su lyra" apie. 1625–1630 m

Latouras vaizduoja seną aklą muzikantą, grojantį skurdu. Jis šią istoriją kartojo daugybę kartų. Menininkas, dirbęs veikiamas Caravaggio stiliaus, entuziastingai atkuria detales – raštą, kuris puošia muzikinis instrumentas, aklo veido raukšlės, plaukai.

Peteris Paulas Rubensas, Jacobas Jordaensas „Persėjas išlaisvina Andromedą“ apytiksl. 1639-1640 m

Francisco de Goya „Ferdinando VII portretas“ 1814–1815 m

Po Napoleono pralaimėjimo 1814 m., Ferdinandas VII grįžo į Ispanijos sostą. Portrete jis pavaizduotas karališkoje mantijoje, išklotoje ermine, su skeptru ir Carlos III bei Aukso vilnos ordinais.
Ferdinandas VII, valdęs šalį iki 1833 m., Prado muziejų įkūrė 1819 m.

Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz“ 1805 m

Maria von Santa Cruz, pirmojo Prado režisieriaus žmona, buvo viena iš labiausiai gerbiamų savo meto moterų Ispanijoje.
1805 m. portrete Goya pavaizdavo markizę kaip lyrinės poezijos mūzą Euterpę, gulinčią ant baldakimo ir su lyra kairėje rankoje. Kaip tik toks įvaizdis pasirinktas dėl markizės aistros poezijai.

Francisco Goya – „Ruduo (vynuogių derlius)“ 1786–1787 m.

Francisco Goya – vynuogių derlius. fragmentas

1775–1792 m. Goya sukūrė septynias kartoninių gobelenų serijas Eskorialo ir Prado rūmams Madrido pakraštyje. Šis paveikslas visų pirma priklauso sezonų serijai ir buvo skirtas Astūrijos princo valgomajam Prado mieste. Goya klasikinį siužetą pavaizdavo kaip kasdienę sceną, atspindinčią skirtingų klasių santykių pobūdį – paveikslėlyje pavaizduoti vynuogyno savininkai su sūnumi ir tarnaite.

Francisco Goya „Generolo José de Urrutia portretas“ (apie 1798 m.)

José de Urrutia (1739 - 1809) – vienas iškiliausių Ispanijos kariuomenės vadų ir vienintelis nearistokratinės kilmės armijos karininkas XVIII amžiuje, pasiekęs generolo kapitono laipsnį – pavaizduotas su Šv. Jurgio ordinu, kurį jį apdovanojo Rusijos imperatorienė Jekaterina Didžioji už dalyvavimą Očakovo užėmime per 1789 m. Krymo kampaniją.

Peter Paul Rubens "Marie de Medici portretas". GERAI. 1622-1625 m.

Maria Medici (1573 - 1642) buvo Toskanos didžiojo kunigaikščio Frančesko I dukra. 1600 m. ji tapo Prancūzijos karaliaus Henriko IV žmona. Nuo 1610 m. ji buvo savo mažamečio sūnaus būsimo karaliaus Liudviko XIII regentė. Rubensui ji užsakė seriją darbų, šlovinančių save ir jos velionį vyrą. Portrete pavaizduota karalienė, dėvinti našlės galvos apdangalą, nebaigtame fone.

Domenico Tintoretto „Moteris apnuoginusi krūtis“ apie. 1580–1590 m

Viscente Lopez Portagna „Pirmojo Karališkosios koplyčios vargonininko Felikso Maksimo Lopezo portretas“ 1820 m.

Ispanijos neoklasikinis tapytojas, išlaikęs rokoko stiliaus pėdsakus. Lopezas buvo laikomas vienu geriausių savo laikų portretų tapytojų, nusileidžiančiu tik Francisco de Goya. Būdamas 13 metų jis pradėjo studijuoti tapybą Valensijoje, o po ketverių metų San Carlos akademijoje laimėjo keletą pirmųjų premijų, dėl kurių jis gavo stipendiją studijuoti prestižinėje sostinės Karališkojoje akademijoje. vaizduojamieji menai San Fernando. Baigęs mokslus, Lopezas keletą metų dirbo savo mokytojo Mariano Salvadoro Maella dirbtuvėse. 1814 m., po prancūzų okupacijos, Lopezas jau buvo pakankamai sveikas garsus menininkas, todėl Ispanijos karalius Ferdinandas VII pasikvietė jį į Madridą ir paskyrė oficialiu dvaro dailininku, nepaisant to, kad pats Francisco Goya tuo metu buvo „pirmasis karališkasis menininkas“. Vicente López buvo produktyvus menininkas, tapęs religinėmis, alegorinėmis, istorinėmis ir mitologinėmis temomis, bet, be abejo, visų pirma, jis buvo portretų tapytojas. Per savo ilgą karjerą XIX amžiaus pirmoje pusėje nutapė kone kiekvieno įžymaus žmogaus portretus Ispanijoje.
Šis pirmojo karališkosios koplyčios vargonininko portretas ir garsus muzikantas ir kompozitorius buvo parašytas prieš pat menininko mirtį, o užbaigė jo vyriausias sūnus Ambrosio Lopez.

Antonas Raphaelis Mengsas „Astūrijos princesės Marijos Luizės iš Parmos portretas“ 1766 m.

Juan Sanchez Cotán "Natiurmortas su žvėriena, daržovėmis ir vaisiais" 1602 m.

Don Diego de Acedo teisme dirba nuo 1635 m. Be „juokuolių tarnybos“, jis veikė kaip karališkasis pasiuntinys ir buvo atsakingas už karaliaus antspaudą. Matyt, paveikslėlyje pavaizduotos knygos, popieriai ir rašymo priemonės byloja apie šią veiklą. Manoma, kad portretas buvo nutapytas Fragoje, Hueskos provincijoje, Pilypo IV kelionės į Aragoną metu, kurioje jį lydėjo Diego de Acedo. Fone kyla Gvadaramos kalnų grandinės Maliceos viršūnė.

Hieronymus Bosch „Kvailybės akmens pašalinimas“ c. 1490 m

Satyrinėje scenoje su figūromis peizažo fone vaizduojama „kvailumo akmens“ ištraukimo operacija. Užrašas gotikinis šriftas rašoma: - "Meistre, greitai pašalinkite akmenį. Mano vardas Lubbertas Dasas." Lubbert yra bendras daiktavardis, reiškiantis neišmanymą ir nekaltumą. Chirurgas apversto piltuvo formos galvos apdangalu, simbolizuojančiu neišmanymą, „ištraukia“ akmenį (vandens leliją) iš patiklaus paciento galvos ir reikalauja iš jo dosnios užmokesčio. Tuo metu paprastaširdžiai tikėjo, kad dėl savo kvailumo kaltas akmuo galvoje. Tuo naudojosi šarlatanai.

Rafaelis (Raffaello Santi) „Šventoji šeima su ėriuku“ 1507 m

Marija padeda mažajam Kristui sėdėti ant ėriuko - krikščioniškas simbolis ateinančią Kristaus kančią ir šv. Juozapas juos stebi. Paveikslas nutapytas Florencijoje, kur menininkas studijavo Leonardo da Vinci kūrybą, paveiktas jo kompozicijų su Šventąja šeima. Prado muziejuje tai vienintelis Rafaelio kūrinys, parašytas ankstyvuoju laikotarpiu.

Albrechtas Diureris „Nežinomo žmogaus portretas“ apie. 1521 m

Portretas priklauso vėlyvas laikotarpis Diurerio darbas. Parašyta panašiai kaip stilius olandų menininkai. Plačiabrylė skrybėlė atkreipia dėmesį į vaizduojamo žmogaus veidą, iš kairės krentanti šviesa sutelkia į jį žiūrovo dėmesį. Antrasis dėmesys portrete yra rankos, o visų pirma kairė, kurioje nežinomas žmogus laiko ritinėlį – matyt, paaiškindamas jo socialinį statusą.

Rogier Van der Weyden „Raudos“ c. 1450 m

Pavyzdys buvo Miraflores vienuolyno altoriaus triptikas (saugomas meno galerijoje Berlyne), kurį Van der Weyden sukūrė anksčiau nei 1444 m. ir pakartojo su tam tikrais skirtumais. Šioje versijoje, kurios viršutinė dalis pridėta nežinomu laikotarpiu, Marija, Kristus, Šv. Jonas ir donoras (paveikslo užsakovas) – Broers šeimos narys – vaizduojami toje pačioje erdvėje. Dailininkė išraiškingai perteikia Dievo Motinos sielvartą, prispaudusi prie krūtinės mirusio sūnaus kūną. Tragiškai grupei kairėje priešinasi dovanotojo figūra, atskirta akmeniu. Jis yra maldos susikaupimo būsenoje. Tuo metu užsakovai dažnai prašydavo paveiksluose pavaizduoti save. Tačiau jų vaizdai visada buvo antraeiliai – kažkur fone, minioje ir pan. Čia donoras vaizduojamas pirmame plane, bet atskirtas nuo pagrindinės grupės akmeniu ir spalvos pagalba.

Alonso Cano „Miręs Kristus, palaikomas angelo“ c. 1646–1652 m

Prieblandos kraštovaizdžio fone angelas palaiko negyvą Kristaus kūną. Neįprasta šios drobės ikonografija paaiškinama tuo, kad ji siejama ne su evangelikų tekstais, o su vadinamuoju Kristumi Šv. Grigalius. Pasak legendos, popiežius Grigalius Didysis regėjo mirusį Kristų, palaikomą dviejų angelų. Kano šią istoriją interpretavo kitaip – tik vienas angelas palaiko nejudantį Kristaus kūną.

Bartolome Esteban Murillo „Rožančiaus Dievo Motina“ apie. 1650 -1655 m

Bartolome Esteban Murillo kūryba užbaigia ispanų tapybos aukso amžių. Murillo kūriniai – nepriekaištingai tikslios kompozicijos, sodrios ir harmoningos spalvos bei gražūs aukščiausia to žodžio prasme. Jo jausmai visada nuoširdūs ir subtilūs, tačiau Murillo drobėse nebėra tos dvasinės jėgos ir gelmės, kurios taip šokiruoja vyresniųjų amžininkų darbuose. Menininko gyvenimas susijęs su gimtąja Sevilija, nors teko lankytis Madride ir kituose miestuose. Po studijų pas vietinį dailininką Juaną del Castillo (1584-1640), Murillo daug dirbo pagal vienuolynų ir šventyklų užsakymus. 1660 m. tapo Sevilijos dailės akademijos prezidentu.
Savo drobėmis religinėmis temomis Murillo siekė suteikti paguodos ir nuraminimo. Neatsitiktinai jis labai dažnai piešė Dievo Motinos paveikslą. Nuo paveikslo prie paveikslo Marijos įvaizdis perėjo kaip graži, taisyklingų bruožų ir ramaus žvilgsnio jauna mergina. Jos nekalta išvaizda turėjo sukelti žiūrovui saldaus švelnumo jausmą. Šiame paveiksle Bartolome Murillo pavaizdavo Madoną ir Jėzų su rožiniu, tradiciniu katalikų rožiniu, kuriam buvo skirta malda. didelę reikšmę menininko laikais. Šiame kūrinyje dar pastebimi natūralizmo bruožai, vyraujantys XVII amžiaus pirmosios pusės Sevilijos mokyklos atstovų kūryboje, tačiau Murillo tapybos stilius jau laisvesnis nei jo kūryboje. ankstyvas darbas. Toks laisvas būdas ypač ryškus vaizduojant Mergelės Marijos šydą. Dailininkė ryškia šviesa išryškina figūras tamsiame fone ir sukuria kontrastą tarp subtilių Mergelės veido ir kūdikio Kristaus kūno tonų bei gilių šešėlių audinių klostėse.
XVII amžiaus Andalūzijoje Dievo Motinos su Kūdikiu paveikslas buvo ypač paklausus. Murillo, kurio kūrybinis gyvenimas vyko Sevilijoje, parašė daug tokių paveikslų, persmelktų švelnumo. Šiuo atveju vaizduojama Dievo Motina su rožiniu. Ir čia, kaip ir Ankstyvieji metai savo kūryboje menininkas išlieka ištikimas savo polinkiui į šviesos ir atspalvių kontrastus.

Bartolome Esteban Murillo "Gerasis ganytojas" 1655-1660

Paveikslas persmelktas gilaus lyrizmo ir gerumo. Pavadinimas paimtas iš Evangelijos pagal Joną: „Aš esu gerasis ganytojas“. Tai rodo, kad paveiksle pavaizduotas Kristus, nors ir labai ankstyvas. Murillo paveiksle viskas gražu ir paprasta. Menininkas mėgo piešti vaikus ir visą šią meilę įdėjo į šio berniuko-Dievo įvaizdžio grožį. 1660–1670 m., per savo vaizdingų įgūdžių klestėjimą, Murillo stengėsi poetizuoti savo personažus ir dažnai buvo kaltinamas kai kuriais sentimentaliais vaizdais ir apgalvotu jų grožiu. Tačiau šie kaltinimai nėra visiškai teisingi. Nuotraukoje pavaizduotą vaiką šiandien galima pamatyti ir Sevilijoje, ir aplinkiniuose kaimuose. Ir kaip tik tuo pasireiškė demokratinė menininkės kūrybos orientacija – madonos grožį prilyginant paprastų ispanų moterų grožiui, o jos sūnaus, mažojo Kristaus – grožį, sulyginant su gatvės kapų grožiu.

Alonso Sanchez Coelho „Kūdikės Isabella Clara Eugenia ir Catalina Michaela portretas“, 1575 m.

Aštuonerių ir devynerių metų princesės portretas laiko gėlių vainiką. Sanchezas Coelho nuo pat mažens piešė infantų – karaliaus Pilypo II mylimų dukterų ir jo trečiosios žmonos Izabelės iš Valua – portretus. Visi portretai sukurti laikantis rūmų portreto kanonų – merginos puošniais drabužiais ir aistringomis veido išraiškomis.

Antonas Rafaelis Mengsas. Karaliaus Karlo III portretas. 1767 m

Karolis III buvo vadinamas bene vieninteliu tikrai apsišvietusiu monarchu Ispanijos istorijoje. Būtent jis 1785 m. įkūrė Prado muziejų, pirmiausia kaip gamtos istorijos muziejų. Karolis III svajojo, kad Prado muziejus kartu su kaimyniniu botanikos sodai tapti mokslinio švietimo centru.
Įžengęs į sostą, jis pradėjo vykdyti rimtas politines ir ekonomines reformas, kurių šaliai tuo metu taip reikėjo. Tačiau jo pastangos buvo bergždžios – sūnus Karolis IV nepritarė pažangioms tėvo pažiūroms, o po Karolio III mirties reformos baigėsi.
Šis portretas yra absoliučiai tipiškas savo laikui. Kiekviena smulkmena menininkė atkreipia dėmesį į modelio užimamą poziciją: ermine apipjaustyta mantija, brangakmeniais inkrustuotas Maltos kryžius, blizgūs šarvai – nepamainomi karališkosios didybės atributai. Sodrios draperijos ir piliastras (elementas klasikinė architektūra) yra tradicinis tokių portretų fonas.
Tačiau jau šiame portrete stebina, kaip pateikiamas modelio veidas. Mengsas nesistengia sutraukti svogūną primenančios karališkosios nosies ar išlyginti raukšlių susiraukšlėjusių skruostų linijų. Dėl maksimalaus individualumo šis paveikslas sukuria gyvenimo jausmą, kurio negalėjo pasiekti Mengso pirmtakai. Portretas priverčia jausti simpatiją Carlosui III, kuris pasiruošęs „parodyti“ savo netobulą išvaizdą.

Antoine'as Watteau „Festivalis parke“ c. 1713–1716 m

Ši žavinga scena yra tipiškas Watteau „galantiškų švenčių“ pavyzdys. lengvas rūkas, tepantys kontūrai, virš fontano lapijoje beveik pasislėpusi Neptūno statula ir išblukusi auksinė spalva – visa tai perteikia aštraus, bet trumpalaikio malonumo atmosferą.
Paveikslas priklausė Isabella Farnese, antrajai karaliaus Pilypo V žmonai.

Antonio Carnicero „Karšto oro baliono pakėlimas Aranjueze“ c. 1784 m

Paveikslas buvo užsakytas Osvano kunigaikščio ir kunigaikštienės, jame užfiksuota Apšvietos epochos dvasia, sukėlusi susidomėjimą pasiekimais mokslo pažanga. Nuotraukoje tikras įvykis: 1784 m. karališkuosiuose Aranjuez soduose, dalyvaujant monarchui, jo šeimos nariams ir dvariškiams, buvo atliktas skrydis oro balionu Montgolfier. Antonio Carnicero buvo žinomas dėl savo žavių žanro scenų, o ši drobė yra vienas ambicingiausių jo darbų.

José de Madrazo ir Agudo „Dangiška meilė ir žemiška meilė“ 1813 m

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Dievo avinėlis" 1635-1640

Ėriukas guli ant pilko stalo, ryškiai išsiskiriantis tamsiame fone ryškioje ryškioje šviesoje. Bet kuris XVII amžiaus žmogus iš karto atpažintų jame „Dievo avinėlį“ ir suprastų, kad tai yra Kristaus pasiaukojimo užuomina. Avinėlio vilna yra nepaprastai išrašyta ir atrodo tokia minkšta, kad sunku atitraukti akis nuo gyvūno ir norisi jį paliesti.

Juanas Pantoja de la Kruzas „Karalienės Izabelės Valua portretas“ c. 1604–1608 m

Pantoja de la Cruz nutapė šį portretą, pakartodamas Sofonisbos Anguishola kūrinį – originalas sudegė rūmuose 1604 m. Prie karalienės aprangos menininkas pridėjo tik kiaunės kailio peleriną.
Sofonisba Anguixola yra menininkė iš Kremonos, dirbusi Ispanijos dvare. Tai buvo pirmasis jaunos karalienės portretas iš menininko sukurtų serijų. Paveikslas parašytas artimai ispaniškai, bet šiltesnėmis ir šviesesnėmis spalvomis.

Jeanas Rannas „Karloso III vaikystėje portretas“ 1723 m

Luisas Melendezas „Natiurmortas su saldainių dėžute, kliņģeriu ir kitais daiktais“ 1770 m.

Didžiausias XVIII amžiaus ispaniško natiurmorto meistras Luisas Melendezas gimė Italijoje, miniatiūristo iš Astūrijos šeimoje. 1717 m. šeima persikėlė į Madridą, kur jaunuolis įstojo į San Fernando akademijos parengiamąjį skyrių ir tarp gabiausių jos studentų užėmė pirmąją vietą. Tačiau 1747 m. jis buvo priverstas palikti akademiją dėl savo tėvo, kuris dėl konflikto buvo pašalintas iš jos. Šiuo laikotarpiu Melendezas vėl lankosi Italijoje. Iš pradžių padėjęs tėvui, jis tapo miniatiūristu, o grįžęs iš Italijos Ferdinando VI pakvietė iliustruoti knygų Madrido karališkojoje koplyčioje. Natiurmorto žanre, į kurį menininkas pasuko 1760-ųjų pradžioje, naujas veidas jo kūrybiškumą.
Šis natiurmortas buvo nutapytas brandos laikotarpis menininko kūryba. Šiuo metu jo kompozicijose pasirodo prabangūs daiktai, sidabriniai indai. Tačiau menininkas vis tiek laikosi savo idealų ir dirba pagal juos žanro tradicija. Kiekvieno ant drobės tapyto objekto materialus apčiuopiamumas verčia prisiminti geriausius pasaulio meno natiurmorto pavyzdžius. Apčiuopiamas skaidrus stiklo stiklas atsispindi blankiame, blizgančiame sidabrinės vazos paviršiuje. Minkštas, kliņģerinis ant baltos servetėlės, atrodo, kvepia ką tik iškepta duona. Užsandarinto butelio kaklelis blyškiai blizga. Sidabrinė šakutė šiek tiek išsikiša už apšviesto stalo krašto. Šio natiurmorto kompozicijoje nėra asketiško objektų išdėstymo vienoje eilėje, būdingo, pavyzdžiui, Zurbarano natiurmortams. Galbūt tai turi kažką bendro su olandų pavyzdžiais. Tačiau tonas tamsesnis, objektai mažesni, o kompozicija paprastesnė.

Juanas de Arellano „Gėlių krepšelis“ 1670 m

Ispanijos baroko tapytojas, besispecializuojantis gėlių kompozicijose, gimė Santorcase 1614 m. Iš pradžių jis mokėsi dabar nežinomo menininko studijoje, tačiau būdamas 16 metų persikėlė į Madridą, kur studijavo pas Juaną de Solisą – menininką, kuris baigė užsakymus karalienei Izabelei. Chuanas de Arellano ilgam laikui gyveno nedideliais užsakymais, tarp jų ir sienų tapyba, kol nusprendė susitelkti tik į gėlių tapybą ir tapo nepralenkiamu šios srities meistru. Manoma, kad meistras pradėjo kopijuodamas kitų, ypač italų, menininkų darbus, flamandų natiurmortai jo stiliui suteikė elegancijos ir griežtumo. Vėliau prie šio derinio jis pridėjo savo kompozicinių radinių ir būdingą spalvų paletę.
Gana paprasta šio natiurmorto kompozicija būdinga Arellano. Grynos, intensyvios augalų spalvos ryškiai išsiskiria neutraliame rusvame fone dėl intensyvaus apšvietimo.

El Greco – „Džentelmeno su ranka ant krūtinės portretas“

Svetlana Obukhova

Toks yra „Džentelmeno su ranka ant krūtinės portretas“ (1577–1579), kurį meistras parašė netrukus po to, kai persikėlė į Toledą. Šis portretas pripažintas vienu geriausių XVI amžiaus ispanų tapyboje. Užsienietis El Greco sukūrė „ryškius Ispanijos gyvenimo ir istorijos vaizdus“, kuriuose vaizduojamos „tikros gyvos būtybės, sujungiančios viską, kuo galima žavėtis mūsų liaudyje, visa, kas herojiška ir nepalaužiama, su tomis priešingomis savybėmis, kurios negali būti atspindėtos ir nesunaikinamos. pati jos esmė“ (A. Segovia). Aristokratai iš senovės Toledo šeimų tapo tikrais El Greco herojais, jis matė jų vidinę šviesą – kilnumą ir orumą, ištikimybę pareigoms, sumanumą, manierų išprusimą, drąsą, išorinį santūrumą ir vidinį impulsą, širdies stiprybę, kuri žino už ką gyvena ir dėl ko miršta...

Ir kiti paveikslai iš Ermitaže esančio Prado muziejaus...

El Greco „Kristus, apkabinęs kryžių“ 1600–1605 m

El Greco „Šventoji šeima su šv. Ona ir Jonu Krikštytoju“ c. 1600–1605

Velasquez – Pilypo IV portretas Karaliaus Pilypo IV portretas. 1653-1657 m

Psichologinio portreto pamatus Europos mene padėjo ispanų tapytojas Diego Rodriguezas de Silva Velasquezas. Jis gimė neturtingoje bajorų šeimoje Sevilijoje, mokėsi pas Hererą vyresniąją ir Pačeką. 1622 m. jis pirmą kartą atvyko į Madridą. Praktine prasme ši kelionė nebuvo itin sėkminga – Velasquezas nerado sau vertos vietos. Jis tikėjosi susitikti su jaunuoju karaliumi Pilypu IV, bet susitikimas neįvyko. Nepaisant to, gandai apie jauną menininką pasiekė teismą, ir jau kitais, 1623 m., pirmasis ministras kunigaikštis de Olivaresas (taip pat kilęs iš Sevilijos) pakvietė Velaskesą į Madridą nutapyti karaliaus portreto. Šis darbas, kuris mums neatėjo, padarė monarchui tokį malonų įspūdį, kad jis iškart pasiūlė Velázquezui teismo dailininko pareigas. Netrukus tarp karaliaus ir Velazquezo užsimezgė gana draugiški santykiai, kurie nebuvo labai būdingi Ispanijos dvare viešpatavusiam ordinui. Karalius, valdęs didžiausią pasaulio imperiją, buvo laikomas ne žmogumi, o dievybe, o menininkas net negalėjo tikėtis kilnių privilegijų, nes pragyvenimui užsidirbdavo darbu. Tuo tarpu Filipas įsakė, kad nuo šiol jo portretus tapytų tik Velasquezas. Didysis monarchas buvo stebėtinai dosnus ir palaikė Velasquezą. Karališkuosiuose apartamentuose buvo įsikūrusi menininko studija, joje įrengta kėdė Jo Didenybei. Karalius, turėjęs raktą nuo dirbtuvės, kone kasdien čia ateidavo stebėti menininko darbų. Būdamas karališkoje tarnyboje 1623–1660 m., Velaskesas nutapė apie tuziną savo valdovo portretų. Iš jų mums atkeliavo šiek tiek daugiau nei 10 paveikslų. Taigi, Velasquezas vidutiniškai vaizdavo savo valdovą maždaug kartą per trejus metus. Karaliaus portretų tapyba buvo Velasquezo darbas, ir jis puikiai atliko šį darbą. Dėl to turime unikalų savo natūra kūrinių kompleksą: Velázquezo portretai taip aiškiai atseka karaliaus Pilypo gyvenimo kelią, kaip vėliau tapo įpročiu tik fotografijos amžiuje. Menininko drobėse aiškiai matoma evoliucija. Pirma, keičiasi pats karalius, pirmame portrete 18 metų, paskutiniame – 50 metų, jo veide yra amžiaus ir dvasinių pokyčių įspaudas. Antra, menininko suvokimas apie savo modelį gilėja, iš paviršutiniško virsta įžvalgiu. Laikui bėgant keičiasi modelio pateikimo būdas ir meninės technikos. Velazquezo maniera keičiasi veikiant jo paties kūrybiniam augimui, taip pat šiuolaikinių vidaus ir užsienio tradicijų įtakai. Šiame biusto portrete Pilypas IV pavaizduotas tamsiame fone vilkėdamas juodą chalatą su balta apykakle, išryškinančia monarcho veidą. Velasquezas vengia demonstratyvios prabangos karaliaus portrete ir be jokio meilikavimo ar dvariško gudrumo demonstruoja monarcho „žmogišką veidą“. Aiškiai jaučiame, kad iš drobės į mus žiūrintis žmogus yra nelaimingas, paskutiniai valdymo metai karaliui nebuvo lengvi. Tai žmogus, patyręs nusivylimą, bet tuo pačiu – žmogus, kurio kūnas kupinas įgimtos didybės, kurios niekas nepajudina. Kitas puikus menininkas, ispanas iki kaulų smegenų - Pablo Ruizas Picasso apie Ispanijos karaliaus įvaizdį sako taip: „Neįsivaizduojame kito Pilypo IV, išskyrus tą, kurį sukūrė Velazquez...“

„Karaliaus Pilypo IV portretas“ (apie 1653–1657 m.)

Diego Velasquez „Juokdario Don Diego de Acedo portretas“ (El Primo) c. 1644 m

Diego Velasquez "Austrijos karalienės Marianos portretas" 1652-1653

Ticianas (Tiziano Vecellio) „Venera su kupidonu ir vargonininku“ 1555 m.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) – Atgailaujanti Marija Magdalietė 1583 m

Po atsivertimo Marija Magdalietė paskyrė savo gyvenimą atgailai ir maldai, pasitraukdama iš pasaulio. Ant šios drobės ji pavaizduota žiūrinti į dangų ir besimaudanti dieviškoje šviesoje. Paveikslas parašytas storomis tamsiomis spalvomis, būdingomis Veronese stiliui vėlyvuoju jo kūrybos laikotarpiu. Prieš patekdamas į Ispanijos karališkąsias kolekcijas, kūrinys priklausė Anglijos karaliui Karoliui I (įvykęs 1649 m.)

Anthony van Dyck "Žmogaus su liutnia portretas" 1622-1632

Anthony Van Dyckas išgarsėjo portreto žanrui, kuris Europos tapybos hierarchijoje užėmė gana žemą vietą. Tačiau Flandrijoje tuo metu jau buvo susiformavusi portretų meno tradicija. Van Dyckas nutapė šimtus portretų, keletą autoportretų ir tapo vienu iš XVII amžiaus ceremoninio portreto stiliaus kūrėjų. Amžininkų portretuose jis parodė jų intelektualinį, emocinį pasaulį, dvasinį gyvenimą, gyvą žmogaus charakterį.
Tradicinis šio portreto modelis yra Jacobas Gautier, liutenistas Anglijos rūmuose 1617–1647 m., tačiau kardo buvimas ir, juo labiau, kūrinio stilistinės ypatybės rodo, kad jis turi būti datuojamas daug anksčiau nei Van Dycko kelionė į Londoną, kuri verčia abejoti šia teorija. Muzikos instrumento buvimas nebūtinai reiškia, kad modelis buvo muzikantas. Kaip simbolis, muzikos instrumentai dažnai buvo vaizduojami portretuose, rodantys vaizduojamojo intelektualinį rafinuotumą ir jautrumą.

Juanas Bautista Maino „Piemenų garbinimas“ 1612–1614 m.

Vienas iš Maino šedevrų. Valstybinio Ermitažo kolekcijoje yra kita šios istorijos versija, kurią parašė Maino. Menininkas gimė Pastranoje (Gvadalacharoje), o 1604–1610 m. gyveno Romoje. Šiame kūrinyje, parašytame grįžus į Ispaniją, jaučiama Caravaggio ir Orazio Gentileschi įtaka. 1613 m. Maino tapo dominikonų ordino nariu, o paveikslas pateko į Toledo Šv. Petro Kankinio vienuolyno altorių ciklą.

Georges de Latour "Aklas muzikantas su lyra" apie. 1625–1630 m

Latouras vaizduoja seną aklą muzikantą, grojantį skurdu. Jis šią istoriją kartojo daugybę kartų. Caravaggio stiliaus įtakoje dirbęs menininkas entuziastingai atkuria detales – raštą, puošiantį muzikos instrumentą, neregio veido raukšles, plaukus.

Peteris Paulas Rubensas, Jacobas Jordaensas „Persėjas išlaisvina Andromedą“ apytiksl. 1639-1640 m

Francisco de Goya „Ferdinando VII portretas“ 1814–1815 m

Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz“ 1805 m

Francisco Goya – „Ruduo (vynuogių derlius)“ 1786–1787 m.

Francisco Goya – vynuogių derlius. fragmentas

Francisco Goya „Generolo José de Urrutia portretas“ (apie 1798 m.)

Peter Paul Rubens "Marie de Medici portretas". GERAI. 1622-1625 m.

Domenico Tintoretto „Moteris apnuoginusi krūtis“ apie. 1580–1590 m

Viscente Lopez Portagna „Pirmojo Karališkosios koplyčios vargonininko Felikso Maksimo Lopezo portretas“ 1820 m.

Ispanijos neoklasikinis tapytojas, išlaikęs rokoko stiliaus pėdsakus. Lopezas buvo laikomas vienu geriausių savo laikų portretų tapytojų, nusileidžiančiu tik Francisco de Goya. Būdamas 13 metų jis pradėjo studijuoti tapybą Valensijoje, o po ketverių metų San Carlos akademijoje laimėjo keletą pirmųjų premijų, dėl kurių jis gavo stipendiją studijuoti prestižinėje sostinės San Fernando Karališkojoje dailės akademijoje. Baigęs mokslus, Lopezas keletą metų dirbo savo mokytojo Mariano Salvadoro Maella dirbtuvėse. 1814 m., po prancūzų okupacijos, Lópezas jau buvo gana žinomas menininkas, todėl Ispanijos karalius Ferdinandas VII pasikvietė jį į Madridą ir paskyrė oficialiu dvaro dailininku, nepaisant to, kad pats Francisco Goya buvo „pirmasis karališkasis menininkas“. tuo metu. Vicente López buvo produktyvus menininkas, tapęs religinėmis, alegorinėmis, istorinėmis ir mitologinėmis temomis, bet, be abejo, visų pirma, jis buvo portretų tapytojas. Per savo ilgą karjerą XIX amžiaus pirmoje pusėje nutapė kone kiekvieno įžymaus žmogaus portretus Ispanijoje.
Šis pirmojo karališkosios koplyčios vargonininko ir garsaus muzikanto bei kompozitoriaus portretas buvo nutapytas prieš pat menininko mirtį, o užbaigė jo vyriausias sūnus Ambrosio López.

Antonas Raphaelis Mengsas „Astūrijos princesės Marijos Luizės iš Parmos portretas“ 1766 m.

Juan Sanchez Cotán "Natiurmortas su žvėriena, daržovėmis ir vaisiais" 1602 m.

Hieronymus Bosch „Kvailybės akmens pašalinimas“ c. 1490 m

Satyrinėje scenoje su figūromis peizažo fone vaizduojama „kvailumo akmens“ ištraukimo operacija. Užrašas gotikiniu raštu skelbia: - "Meistre, greitai pašalinkite akmenį. Mano vardas Lubbertas Dasas." Lubbert yra bendras daiktavardis, reiškiantis neišmanymą ir nekaltumą. Chirurgas apversto piltuvo formos galvos apdangalu, simbolizuojančiu neišmanymą, „ištraukia“ akmenį (vandens leliją) iš patiklaus paciento galvos ir reikalauja iš jo dosnios užmokesčio. Tuo metu paprastaširdžiai tikėjo, kad dėl savo kvailumo kaltas akmuo galvoje. Tuo naudojosi šarlatanai.

Rafaelis (Raffaello Santi) „Šventoji šeima su ėriuku“ 1507 m

Marija padeda mažajam Kristui atsisėsti ant ėriuko – krikščioniško artėjančios Kristaus kančios simbolio, o šv. Juozapas juos stebi. Paveikslas nutapytas Florencijoje, kur menininkas studijavo Leonardo da Vinci kūrybą, paveiktas jo kompozicijų su Šventąja šeima. Prado muziejuje tai vienintelis Rafaelio kūrinys, parašytas ankstyvuoju laikotarpiu.

Albrechtas Diureris „Nežinomo žmogaus portretas“ apie. 1521 m

Portretas priklauso vėlyvajam Diurerio kūrybos laikotarpiui. Parašyta panašiai kaip olandų menininkų stilius. Plačiabrylė skrybėlė atkreipia dėmesį į vaizduojamo žmogaus veidą, iš kairės krentanti šviesa sutelkia į jį žiūrovo dėmesį. Antrasis dėmesys portrete yra rankos, o visų pirma kairė, kurioje nežinomas žmogus laiko ritinėlį – matyt, paaiškindamas jo socialinį statusą.

Rogier Van der Weyden „Raudos“ c. 1450 m

Alonso Cano „Miręs Kristus, palaikomas angelo“ c. 1646–1652 m

Bartolome Esteban Murillo „Rožančiaus Dievo Motina“ apie. 1650 -1655 m

Bartolome Esteban Murillo kūryba užbaigia ispanų tapybos aukso amžių. Murillo kūriniai – nepriekaištingai tikslios kompozicijos, sodrios ir harmoningos spalvos bei gražūs aukščiausia to žodžio prasme. Jo jausmai visada nuoširdūs ir subtilūs, tačiau Murillo drobėse nebėra tos dvasinės jėgos ir gelmės, kurios taip šokiruoja vyresniųjų amžininkų darbuose. Menininko gyvenimas susijęs su gimtąja Sevilija, nors teko lankytis Madride ir kituose miestuose. Po studijų pas vietinį dailininką Juaną del Castillo (1584-1640), Murillo daug dirbo pagal vienuolynų ir šventyklų užsakymus. 1660 m. tapo Sevilijos dailės akademijos prezidentu.
Savo drobėmis religinėmis temomis Murillo siekė suteikti paguodos ir nuraminimo. Neatsitiktinai jis labai dažnai piešė Dievo Motinos paveikslą. Nuo paveikslo prie paveikslo Marijos įvaizdis perėjo kaip graži, taisyklingų bruožų ir ramaus žvilgsnio jauna mergina. Jos nekalta išvaizda turėjo sukelti žiūrovui saldaus švelnumo jausmą. Šiame paveiksle Bartolome Murillo pavaizdavo Madoną ir Jėzų su rožiniu – tradiciniu katalikų rožiniu, kurio maldai menininko laikais buvo suteikta didelė reikšmė. Šiame kūrinyje dar pastebimi XVII amžiaus pirmosios pusės Sevilijos mokyklos atstovų kūryboje vyraujantys natūralizmo bruožai, tačiau Murillo tapybos stilius jau laisvesnis nei ankstyvojoje kūryboje. Toks laisvas būdas ypač ryškus vaizduojant Mergelės Marijos šydą. Dailininkė ryškia šviesa išryškina figūras tamsiame fone ir sukuria kontrastą tarp subtilių Mergelės veido ir kūdikio Kristaus kūno tonų bei gilių šešėlių audinių klostėse.
XVII amžiaus Andalūzijoje Dievo Motinos su Kūdikiu paveikslas buvo ypač paklausus. Murillo, kurio kūrybinis gyvenimas prabėgo Sevilijoje, daugelį šių paveikslų nutapė, persmelktas švelnumo. Šiuo atveju vaizduojama Dievo Motina su rožiniu. Ir čia, kaip ir pirmaisiais savo kūrybos metais, menininkas išlieka ištikimas savo polinkiui į šviesos ir atspalvių kontrastus.

Bartolome Esteban Murillo "Gerasis ganytojas" 1655-1660

Alonso Sanchez Coelho „Kūdikės Isabella Clara Eugenia ir Catalina Michaela portretas“, 1575 m.

Antonas Rafaelis Mengsas. Karaliaus Karlo III portretas. 1767 m

Karolis III buvo vadinamas bene vieninteliu tikrai apsišvietusiu monarchu Ispanijos istorijoje. Būtent jis 1785 m. įkūrė Prado muziejų, pirmiausia kaip gamtos istorijos muziejų. Karolis III svajojo, kad Prado muziejus kartu su kaimyniniais botanikos sodais taptų mokslinio švietimo centru.
Įžengęs į sostą, jis pradėjo vykdyti rimtas politines ir ekonomines reformas, kurių šaliai tuo metu taip reikėjo. Tačiau jo pastangos buvo bergždžios – sūnus Karolis IV nepritarė pažangioms tėvo pažiūroms, o po Karolio III mirties reformos baigėsi.
Šis portretas yra absoliučiai tipiškas savo laikui. Kiekviena smulkmena menininkė atkreipia dėmesį į modelio užimamą poziciją: ermine apipjaustyta mantija, brangakmeniais inkrustuotas Maltos kryžius, blizgūs šarvai – nepamainomi karališkosios didybės atributai. Sodrios draperijos ir piliastras (klasikinės architektūros elementas) yra tradicinis tokių portretų fonas.
Tačiau jau šiame portrete stebina, kaip pateikiamas modelio veidas. Mengsas nesistengia sutraukti svogūną primenančios karališkosios nosies ar išlyginti raukšlių susiraukšlėjusių skruostų linijų. Dėl maksimalaus individualumo šis paveikslas sukuria gyvenimo jausmą, kurio negalėjo pasiekti Mengso pirmtakai. Portretas priverčia jausti simpatiją Carlosui III, kuris pasiruošęs „parodyti“ savo netobulą išvaizdą.

Antoine'as Watteau „Festivalis parke“ c. 1713–1716 m

Ši žavinga scena yra tipiškas Watteau „galantiškų švenčių“ pavyzdys. Lengva rūkas, suliejanti kontūrus, virš fontano lapijoje beveik pasislėpusi Neptūno statula ir išblukusi auksinė spalva – visa tai perteikia aštraus, bet trumpalaikio malonumo atmosferą.
Paveikslas priklausė Isabella Farnese, antrajai karaliaus Pilypo V žmonai.

Antonio Carnicero „Karšto oro baliono pakėlimas Aranjueze“ c. 1784 m

Paveikslas sukurtas Osvano kunigaikščio ir kunigaikštienės užsakymu, jame atsispindi Apšvietos epochos dvasia, sukėlusi susidomėjimą mokslo pažangos pasiekimais. Vaizduojamas tikras įvykis: 1784 metais karališkuosiuose Aranjuez soduose, dalyvaujant monarchui, jo šeimos nariams ir dvariškiams, buvo atliktas skrydis oro balionu Montgolfier. Antonio Carnicero buvo žinomas dėl savo žavių žanro scenų, o ši drobė yra vienas ambicingiausių jo darbų.

José de Madrazo ir Agudo „Dangiška meilė ir žemiška meilė“ 1813 m

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Dievo avinėlis" 1635-1640

Juanas Pantoja de la Kruzas „Karalienės Izabelės Valua portretas“ c. 1604–1608 m

Jeanas Rannas „Karloso III vaikystėje portretas“ 1723 m

Luisas Melendezas „Natiurmortas su saldainių dėžute, kliņģeriu ir kitais daiktais“ 1770 m.

Didžiausias XVIII amžiaus ispaniško natiurmorto meistras Luisas Melendezas gimė Italijoje, miniatiūristo iš Astūrijos šeimoje. 1717 m. šeima persikėlė į Madridą, kur jaunuolis įstojo į San Fernando akademijos parengiamąjį skyrių ir tarp gabiausių jos studentų užėmė pirmąją vietą. Tačiau 1747 m. jis buvo priverstas palikti akademiją dėl savo tėvo, kuris dėl konflikto buvo pašalintas iš jos. Šiuo laikotarpiu Melendezas vėl lankosi Italijoje. Iš pradžių padėjęs tėvui, jis tapo miniatiūristu, o grįžęs iš Italijos Ferdinando VI pakvietė iliustruoti knygų Madrido karališkojoje koplyčioje. Natiurmorto žanre, į kurį menininkas kreipėsi 1760-ųjų pradžioje, atsirado naujas jo kūrybos aspektas.
Šis natiurmortas buvo parašytas brandžiuoju dailininko kūrybos laikotarpiu. Šiuo metu jo kompozicijose pasirodo prabangūs daiktai, sidabriniai indai. Tačiau, nepaisant to, menininkas vis dar laikosi savo idealų ir dirba pagal žanro tradicijas. Kiekvieno ant drobės tapyto objekto materialus apčiuopiamumas verčia prisiminti geriausius pasaulio meno natiurmorto pavyzdžius. Apčiuopiamas skaidrus stiklo stiklas atsispindi blankiame, blizgančiame sidabrinės vazos paviršiuje. Minkštas, kliņģerinis ant baltos servetėlės, atrodo, kvepia ką tik iškepta duona. Užsandarinto butelio kaklelis blyškiai blizga. Sidabrinė šakutė šiek tiek išsikiša už apšviesto stalo krašto. Šio natiurmorto kompozicijoje nėra asketiško objektų išdėstymo vienoje eilėje, būdingo, pavyzdžiui, Zurbarano natiurmortams. Galbūt tai turi kažką bendro su olandų pavyzdžiais. Tačiau tonas tamsesnis, objektai mažesni, o kompozicija paprastesnė.

Juanas de Arellano „Gėlių krepšelis“ 1670 m

Ispanijos baroko tapytojas, besispecializuojantis gėlių kompozicijose, gimė Santorcase 1614 m. Iš pradžių jis mokėsi dabar nežinomo menininko studijoje, tačiau būdamas 16 metų persikėlė į Madridą, kur studijavo pas Juaną de Solisą – menininką, kuris baigė užsakymus karalienei Izabelei. Juanas de Arellano ilgą laiką gyveno nedidelių užsakymų, įskaitant sienų tapybą, sąskaita, kol nusprendė sutelkti dėmesį tik į gėlių tapybą ir tapo nepralenkiamu šios srities meistru. Manoma, kad meistras pradėjo kopijuodamas kitų, ypač italų, menininkų darbus, flamandų natiurmortai jo stiliui suteikė elegancijos ir griežtumo. Vėliau prie šio derinio jis pridėjo savo kompozicinių radinių ir būdingą spalvų paletę.
Gana paprasta šio natiurmorto kompozicija būdinga Arellano. Grynos, intensyvios augalų spalvos ryškiai išsiskiria neutraliame rusvame fone dėl intensyvaus apšvietimo.

Žmogus meno veidrodyje: portreto žanras

Portretas(pranc. portretas) – konkretaus asmens ar žmonių grupės atvaizdas. Portreto žanras senovėje plačiai paplito skulptūroje, vėliau tapyboje ir grafikoje. Bet panašumas tai ne vienintelis dalykas, kurį menininkas turi perteikti. Daug svarbiau, kai meistras į drobę perkelia vidinę žmogaus esmę ir perteikia laiko atmosferą. Išskirtipriekinės durys Ir kamera portretai. Yra portretaisuporuotas Ir grupė. Jie skirti papuošti pagrindines sales, pagirti tam tikrus žmones, išsaugoti atminimą žmonių, kuriuos vienija profesiniai, dvasiniai, giminystės ryšiai. speciali kategorijayra autoportretas, ant kurio menininkas vaizduoja save.

Bet kuris iš portretų gali būti priskirtas arba psichologiniam portretui, arba
į portretą-personažą arba į portretą-biografiją.

Menas padeda pažinti žmogų. Ne tik pamatyti jo išorę
veidą, bet ir suprasti jo esmę, charakterį, nuotaiką ir pan.. Portretas beveik
visada realistiškas. Juk pagrindinis jos tikslas – atpažinti vaizduojamąjįžmogus ant jo. Tačiau dažniausiai menininko užduotis nėra tikslikopijavimas išorinės savybės modeliai, ne gamtos imitacija, o „vaizdingas žmogaus įvaizdžio atkūrimas“. Neatsitiktinai toks norastiesiog atpažinti save portrete, o gal net atrasti ką nors naujo savyje.
Menininko požiūris į modelį nevalingai perteikiamas žiūrovui. svarbu
yra viskas, kas išreiškia emocijas, požiūrį į gyvenimą, į žmones: veido mimika
pavaizduotas veidas, akių išraiška, lūpų linija, galvos posūkis, laikysena,
gestas.
Neretai kūrinį interpretuojame iš šių dienų žmogaus perspektyvos.
dieną, charakteriui priskiriame visiškai nebūdingus jo laikui bruožus, tai yra, per žinomą siekiame suprasti nežinomybę.
Taip pat labai svarbu parodyti vaizduojamo socialinį statusą, sukurti tipišką tam tikros epochos atstovo įvaizdį.

Kaip žanras portretas atsirado prieš kelis tūkstantmečius senovės mene. Tarp garsiųjų Knoso rūmų freskų, kurias archeologai rado per kasinėjimus Kretos saloje, yra visa linija vaizdiniai moterų atvaizdai, susiję su XVI a pr. Kr. Nors tyrėjai šiuos atvaizdus vadino „kiemo damomis“, nežinome, ką Kretos meistrai bandė parodyti – deives, kunigus ar kilmingas damas, pasipuošusias elegantiškomis suknelėmis.
"Paryžietė". Freska iš Knoso rūmų, XVI amžiuje prieš Kristų

Garsiausias buvo jaunos moters portretas, mokslininkų vadinamas paryžiete. Prieš save matome profilinį (pagal to meto meno tradicijas) jaunos moters įvaizdį, labai koketišką ir neapleidžiantį makiažą, ką liudija jos tamsiai apvadintos akys ir ryškiai nudažytos lūpos.
Savo amžininkų freskos portretus kūrę menininkai nesigilino į modelių charakteristikas, o išorinis panašumas šiuose vaizduose yra labai reliatyvus.
Religiniai įsitikinimai senovės Egipte, susiję su kultu
mirusį, nulėmė noras perteikti portretinį panašumą skulptūriniame žmogaus įvaizdyje: mirusiojo siela turėjo rasti savo talpą.

XX amžiaus pradžioje. Archeologai visam pasauliui aptiko nuostabų karalienės Nefertitės portretinį atvaizdą.

Sukurta m XIV a pr. Kr e.,šis vaizdas žavi profilio linijų glotnumu, lankstaus kaklo grakštumu, netaisyklingų, bet mielų moteriško veido bruožų oriniu lengvumu ir sklandžiais perėjimais.. Nefertitė buvo ne tik Egipto karalienė, ji buvo gerbiama kaip deivė. Garsiausia ir bene gražiausia iš Egipto faraonų žmonų su karūnuotu vyru gyveno didžiuliuose prabangiuose rūmuose rytiniame Nilo krante.

Menuose Senovės Graikija ypatingą vietą užima apibendrinti, idealizuoti herojų ar dievų įvaizdžiai. Dvasinio ir fizinio susiliejimodailininkai ir skulptoriai matė įsikūnijimąžmogaus grožis ir harmonija.

Savo garsiajame „Diskobole“ skulptorius V a. pr. Kr e Miron visų pirma siekia perteikti judesio pojūtį kūno linijų stabilumu ir monumentalumu, nekreipdamas žiūrovų dėmesio į veido bruožus.

Ypatingas švelnumas ir šiluma sklinda iš meilės ir grožio deivės Afroditės statulos, kurią skulptorius Praksitelis nulipdė IV amžiuje prieš Kristų. pr. Kr. šventyklai Kretoje. Šiame paveiksle nėra dieviškojo didingumo, vaizdas kvėpuojanuostabi ramybė ir skaistumas.

Karakalos portrete užfiksuotas stipraus, pikto ir nusikalstamo žmogaus įvaizdis. Paslinkę antakiai, susiraukšlėjusi kakta, įtartinas žvilgsnis iš po antakių, jausmingos lūpos stebina charakterio galia. Stipri galva yra ant storo raumeningo kaklo. Stačios plaukų garbanos tvirtai prispaudžiamos prie galvos ir pabrėžia jų apvalią formą. Jie neturi dekoratyvinio charakterio, kaip ir ankstesniu laikotarpiu. Perteikiama nedidelė veido asimetrija: dešinė akis mažesnė ir padėta žemiau nei kairioji, burnos linija pasvirusi. Šį portretą sukūręs skulptorius pasižymėjo visais virtuoziškos marmuro apdirbimo technikos turtais, visi jo įgūdžiai buvo skirti sukurti kūrinį, kuris maksimaliai išraiškingai perteiktų fizines ir psichines Karakalos asmenybės savybes.
Romėnų portretas siejamas su protėvių kultu, su siekiu išsaugoti jų išvaizdą palikuonims. Tai prisidėjo prie tikroviško portreto kūrimo. Jis išsiskiria individualiomis žmogaus savybėmis: didybe,
santūrumas arba žiaurumas ir despotizmas, dvasingumas ar arogancija.

Portreto žanro klestėjimas prasidėjo Renesanso epochoje, kai pagrindinė pasaulio vertybė buvo aktyvus ir kryptingas žmogus, galintis pakeisti šį pasaulį ir prieštarauti nepaprastoms situacijoms. XV amžiuje menininkai pradėjo kurti nepriklausomus portretus, kuriuose buvo demonstruojami modeliai panoraminių didingų peizažų fone.
B. Pinturicchio. "Berniuko portretas" Meno galerija, Drezdenas

Pinturicchio (Pinturicchio) (apie 1454-1513) italų ankstyvojo renesanso tapytojas, geriausiai žinomas dėl savo nuostabių freskų.
Toks yra B. Pinturicchio „Berniuko portretas“. Vis dėlto gamtos fragmentų buvimas portretuose nesukuria vientisumo, žmogaus ir jį supančio pasaulio vienybės, vaizduojamas žmogus tarsi užgožia gamtos peizažą. Tik portretuose XVI a yra harmonija, savotiškas mikrokosmosas
Atrodo, kad Renesanso portreto menas susijungia
Antikos ir viduramžių testamentai. Tai vėl skamba iškilmingai
himnas galiūnui, turinčiam unikalią fizinę išvaizdą, dvasinį pasaulį, individualius charakterio ir temperamento bruožus.

Pripažintas portreto žanro meistras buvo vokiečių menininkas Albrechtas Düreris, kurio autoportretai iki šiol džiugina publiką ir yra pavyzdys menininkams.

„Autoportrete“ Albrechtas Diureris(1471–1528) aspiracija spėjama rasti idealizuotą menininką herojus. XVI amžiaus universalių genijų, Aukštųjų laikų meistrų atvaizdai Renesansas – Leonardo da Vinci ir Raphael Santi – įasmeninti tobulas žmogus tą kartą.

Mikelandželas da Karavadžas(1573-1610) Italų "liutininkė" Sankt Peterburgas, Valstybinis Ermitažo muziejus

Tarp garsių to meto portretinių šedevrų yra „Litnios grotuvas“ Mikelandželas da Karavadžas(1573-1610), kuriame menininkas plėtoja motyvą, paimtą iš tikros kasdienybės.

El Greco(1541-1614) Ispanija. Vyro su ranka ant krūtinės portretas

XVI amžiaus pabaigoje ispanų menininko kūryboje El Greco (1541-1614) kyla naujo tipo portretas, kuris perteikia neįprasta vidinė žmogaus koncentracija, jo intensyvumasdvasinis gyvenimas, pasinėrimas į savo vidinis pasaulis. Tam menininkas naudoja ryškius apšvietimo kontrastus, originalądažymas, trūkčiojantys judesiai ar sustingusios pozos. Dvasingumas ir nepakartojamo grožio skiriasi jo įspaustos blyškios pailgosveidai didžiulėmis tamsiomis, tarsi bedugnėmis akimis.

IN XVII a svarbią vietą Europos tapyboje užėmė intymus (kamerinis) portretas, kurio tikslas – parodyti žmogaus dvasios būseną, jo jausmus ir emocijas. Pripažintas šio tipo portretų meistras buvo Olandų tapytojas Rembrandtas, parašęs daug sielos vaizdų.

Nuoširdaus jausmo persmelktas „Senos moters portretas“ (1654), šie kūriniai pristatomi žiūrovui. paprasti žmonės kurie neturi nei kilmingų protėvių, nei turtų. Tačiau Rembrandtui, atversiančiam naują puslapį portreto žanro istorijoje, buvo svarbu perteikti jo modelio gerumą, jos tikrai žmogiškas savybes.
XVII amžiuje pagrindinis meniškumo kriterijus yra materialus pasaulis suvokiama per pojūčius. Realybės imitacija portrete pakeitė žmogaus psichinių apraiškų, jo įvairių dvasinių impulsų nesuvokiamumą ir nepaaiškinamumą. Minkšto aksomo ir erdvaus šilko, puraus kailio ir trapaus stiklo, subtilios, matinės odos ir putojančio kieto metalo žavesys šiuo metu perteikiamas aukščiausiu meistriškumu.
Didžiojo olando portretai Rembrantas(1606-1669) ne be reikalo laikomi portretų meno viršūne. Jie teisingai vadinami portretais-biografijomis. Rembrantas buvo vadinamas kančios ir užuojautos poetu. Jam artimi ir brangūs yra kuklūs, stokojantys, visų pamiršti žmonės. Su „pažemintais ir įžeistaisiais“ menininkas elgiasi su ypatinga meile. Pagal savo kūrybos pobūdį jis lyginamas su F. Dostojevskiu. Jo portretai-biografijos atspindi sudėtingą, kupiną sunkumų ir nepritekliaus paprastų žmonių likimo, kurie, nepaisant sunkių išbandymų, kurie teko jiems likti, nepralaimėjo. žmogaus orumas ir dvasinė šiluma.

Vos peržengė slenkstį, skiriantį XVII a. nuo XVIII, portretuose matysime kitokią žmonių veislę, kitokią nei jų pirmtakai. Dvaro aristokratiška kultūra iškėlė rokoko stilių su rafinuotais gundančiais, mąsliai niūriais, svajingai išsibarsčiusiais vaizdais.

Dailininkų portretų piešimas Antuanas Watteau(1684-1721), Francois Boucher(1703-1770) ir kt. lengvi, mobilūs, jų koloritas kupinas grakščių moduliacijų, pasižymi rafinuotų pustonių deriniu.
27 skaidrė A. Watteau. (1684-1721) Mezzetinas
Rokoko ir neoklasikinė tapyba.
Tapyba prancūzų tapytojas Antoine'as Watteau „Mezzetinas“. 1712–1720 m. Watteau žavisi rašydamas scenas iš teatro gyvenimas. Watteau naudojo savo mėgstamų pozų eskizus, gestus, aktorių veido išraiškas, kurias darydavo teatre, kuris jam tapo gyvų jausmų prieglobsčiu. Meilės poezijos kupinas romantiškas ir melancholiškas mugės teatro herojaus, serenadą atliekančio aktoriaus įvaizdis filme „Mezzeten“.

Paminklas prancūzų skulptoriui Petrui I Etjenas Morisas Falcone'as

Herojiško, reikšmingo, monumentalaus ieškojimas mene siejamas su XVIII a. su revoliuciniais pokyčiais. Vienas iš išradingų pasaulio meno skulptūrinių portretų yra paminklas
Petras I prancūzų skulptorius Etjenas Morisas Falcone'as(1716-1791), pastatytas Sankt Peterburge m 1765-1782 m Ji sumanyta kaip genijaus ir kūrėjo įvaizdis. Nenumaldoma energija, kurią pabrėžia greitas žirgo ir raitelio judesys, išreiškiamas įpareigojančiu ištiestos rankos gestu, drąsiu atvirumu. veidas, ant kurio bebaimis, valia, dvasios aiškumas.

19-tas amžius į portreto meną įvedė meninių skonių kintamumą, grožio sampratos reliatyvumą. Inovatyvūs ieškojimai tapyboje dabar nukreipti į suartėjimą su tikrove, į vaizdų įvairovės paieškas.
Eugenijus Delacroix(1798-1863). F. Šopeno portretas

Romantizmo laikotarpiu portretas suvokiamas kaip laisva valia apdovanoto žmogaus vidinio „aš“ atvaizdas. Prancūzų teptuku sukurtame F. Šopeno portrete atsiranda tikras romantiškas patosas
romantiškas menininkas Eugenijus Delacroix(1798-1863).

Prieš mus – tikras psichologinis portretas, perteikiantis kompozitoriaus prigimties aistrą, užsidegimą, jo vidinę esmę. Paveikslas alsuoja greitu, dramatišku judesiu. Šis efektas pasiekiamas sukant Šopeno figūrą, intensyviai spalvinant paveikslą, kontrastuojant chiaroscuro, greitais, intensyviais potėpiais,
šiltų ir šaltų tonų susidūrimas.
Delacroix portreto meninė struktūra dera su Etido muzika
E-dur fortepijonui Šopenas. Už jos yra tikras vaizdas- apie-
kadaise tėvynė. Galų gale, kartą, kai jo mylimas mokinys grojo šį eskizą,
Šopenas pakėlė rankas su šauktu: "O, mano Tėvyne!"
Tikra ir galinga Šopeno melodija buvo pagrindinė išraiškos priemonė, jo kalba. Jo melodijos galia yra jos stiprume
poveikis klausytojui. Tai tarsi plėtojama mintis, panaši į istorijos siužeto ar istoriškai svarbaus turinio atskleidimą.
žinutė.

XX-XXI amžių portretų mene. sąlyginai galima išskirti dvi kryptis. Vienas jų tęsia klasikines realistinio meno tradicijas, šlovindamas Žmogaus grožį ir didybę, kitas ieško naujų abstrakčių formų ir būdų išreikšti savo vidinį pasaulį.

XX amžiuje iškilusių modernizmo judėjimų atstovai taip pat pasuko į portreto žanrą. Daug portretų mums paliko garsieji prancūzų menininkas Pablo Picasso. Iš šių darbų galima atsekti, kaip meistro darbas išsivystė iš vadinamojo. mėlynasis laikotarpisį kubizmą.
32 skaidrė Picasso (1881–1973) „Ambroise'o Vollardo portretas“.
Analitinio kubizmo idėjos originalų įsikūnijimą rado Picasso „Ambroise'o Vollardo portrete“.

Kūrybinės užduotys
Raskite tuos portretus, apie kuriuos kalbama tekste. Palyginkite juos tarpusavyje, nustatykite panašumus ir skirtumus. Pateikite savo vaizdų interpretaciją.
Kokius portretus priskirsite tradicinei klasikinei krypčiai, o kuriuos – Abstraktus menas. Argumentuokite savo nuomonę.
Atitikties kalba įvairiomis kryptimis portretų tapyba. Nustatykite kiekvieno iš jų linijų išraiškingumą, spalvą, spalvą, ritmą, kompoziciją.
Klausytis muzikinių kompozicijų. Paimkite portretams tuos darbus, kurie dera su ant jų įspaustais vaizdais.
Meninė ir kūrybinė užduotis
Parengti albumą, laikraštį, almanachą, kompiuterinį pristatymą (pasirinktinai) tema „Portreto žanras skirtingų laikų kultūroje“.
Įtraukite į juos informaciją apie menininkus, skulptorius, grafikus, taip pat eilėraščius, prozos ištraukas, fragmentus muzikos kūrinių, suderinamas su jūsų portretų galerijos vaizdais.