O que é animação? Tecnologia para criação de desenhos animados. Animação eletrônica - animação

No meu trabalho utilizo diversas técnicas de desenho. Como a animação envolve uma imagem estilizada de objetos vivos e inanimados, há total liberdade para a fantasia. Mas é aconselhável discutir com o cliente suas fantasias sobre o estilo de execução logo no início do trabalho, para que as fantasias se tornem comuns :) Às vezes a escolha de uma determinada técnica depende de sua complexidade. Por exemplo, é mais fácil desenhar com um lápis do que mexer com um pincel e linhas que precisam ser editadas, e isso requer mais precisão e, portanto, mais tempo de execução.

Pela natureza das linhas podem ser classificadas:

1. Contorno homogêneo- desenhado a lápis (Y), obtendo-se linhas da mesma espessura. Para que o desenho não fique muito monótono, você pode usar linhas de diferentes espessuras, por exemplo, pegamos mais espessura de linha nas bordas, mas mais peças pequenas(por exemplo, peças de roupa) desenhe uma linha mais fina. Este contorno é muito conveniente para preenchimento rápido. 2. Esboço do quadrinho– feito com a ferramenta pincel (B). A espessura da linha varia dependendo da força com que você pressiona a caneta. Tal contorno parece mais vivo, mas é mais trabalhoso em termos de execução: as linhas têm que ser editadas manualmente para dar-lhes forma desejada. Às vezes você tem que mexer muito para obter um ótimo resultado.

Mas isso se aplica a uma imagem estática - não requer um desenho de contorno tão detalhado, portanto justifica-se o uso de linhas mais grosseiras e esboçadas, com um grau mínimo de processamento. Por exemplo, a primeira coisa que me veio à mente foi o Sr. Freeman))

3. Esboço do esboço(Stroke Ragged) - uma espécie de contorno uniforme a lápis. Parece um contorno irregular:

4. Desenho sem linha- exclua o contorno, deixando apenas o preenchimento. (para quem não conhece um pequeno truque, lemos -).

Pela natureza do uso das sombras, podemos distinguir:

1.Sem sombra– os objetos parecem planos, como na imagem abaixo.

2. Com uso de sombras– as sombras repetem o formato do corpo e o personagem fica mais volumoso, o grau de desenvolvimento do personagem é maior. Quanto ao uso de cor e preenchimento, aqui está o que a fantasia permite :) Vale apenas ressaltar que nem sempre é apropriado utilizá-lo em gráficos que serão posteriormente animados. Portanto, tento usar preenchimentos gradientes conforme necessário, ou até mesmo dispensá-los.

Não existem apenas espectadores pequenos, mas também adultos. pintado heróis de contos de fadas nas telas ganham vida, atraindo para o mundo de aventuras emocionantes. Na vida quem se move não se encontra. Mas as animações permitem transformar um conjunto de imagens estáticas em uma imagem em movimento.

A arte dos cartunistas dá ao espectador a oportunidade de esquecer por um tempo que não se trata de uma realidade, mas de um conto de fadas.

Desde a antiguidade, os animadores utilizam os mais diversos para obter os efeitos desejados, com a ajuda dos quais ganham vida bonecos ou imagens desenhadas. A tecnologia é definitivamente importante. Mas muito mais tem a intenção, o roteiro e a ideia do artista. Por fim, o personagem de um filme de animação nasce quando os animadores lhe conferem personalidade e caráter. Esses princípios, originados nos primórdios do cinema de desenho animado, também são característicos da animação moderna.

Os mestres da animação têm como tarefa transmitir ao público os eternos, que, ao contrário das tecnologias, não mudam com o tempo. Os heróis ainda olham para o espectador nas telas de TV, cujo comportamento é movido pelo desejo de justiça e de bondade. O mal deve ser derrotado e o amor e a amizade certamente triunfarão.

Recursos da animação moderna

Hoje, quase todas as criações no mundo da animação são resultado do uso da tecnologia informática. Muito raramente os personagens são esculpidos ou pintados em transparências. O uso de ferramentas de animação por computador permite obter personagens com nitidez de imagem extremamente alta. Esses heróis são capazes de se mover como uma pessoa. A plasticidade dos movimentos e os efeitos especiais aproximam as imagens animadas da realidade.

Uma das tendências mais fortes do cinema de animação é o impulso à naturalização extrema. Mas alguns cartunistas acreditam que o desejo de dar ao filme a maior credibilidade é um beco sem saída, porque o espectador percebe não tanto o realismo dos detalhes da imagem, imagem artística O criado na tela. É fabuloso, mundo irreal atrai a atenção dos jovens telespectadores.

Nas últimas duas décadas, a animação tridimensional conseguiu emergir e se desenvolver. O uso de tecnologias 3D na produção de desenhos animados só foi possível após o lançamento de tecnologia informática para um novo nível.

Imagens que criam a ilusão de um mundo tridimensional permitem criar imagem holística, que busca o máximo realismo.

E, no entanto, os mestres da animação de hoje muitas vezes se esforçam para estilizar deliberadamente os gráficos tridimensionais como desenhados à mão. Isto pode ser explicado pelo confronto de duas tendências, uma das quais representa a velha escola de animação, e a segunda expressa

Cada pessoa tende a refletir seu movimento no trabalho ou na criatividade. Isto pode ser conseguido usando várias técnicas de animação. O termo "animação" foi traduzido do latim como "animação".

Classificação

Vamos tentar descobrir quais tipos de animação existem. Eles também são chamados de tecnologia de processo de animação.

• Revitalização segundo o princípio de "freeze-frame". Também é chamada de animação de fantoches. Há uma fixação do objeto no quadro, por exemplo, com o auxílio de uma câmera, depois a posição do objeto no quadro muda, depois a fixação ocorre novamente.
• Morphing - transformação de um objeto. O existente está sendo substituído por outro, segundo o princípio da geração quantitativa da estrutura de pessoal.
• O tipo clássico é um filme criado a partir de uma série de imagens individuais quadro a quadro, com sua alteração sequencial. A principal desvantagem é o alto grau de intensidade de trabalho do processo. Essa direção é uma das mais utilizadas. Representa aqueles tipos de animações que, via de regra, foram (e são) utilizadas na maioria filmes de animação.
• Renascimento da cor - caracterizado pela transformação da cor sem alterar a posição espacial geral.
• Animação 3D - um desenho animado criado com a ajuda de softwares especializados (3DS MAX, XSI, MAYA), no qual são criadas cenas-chave para o futuro vídeo.
• Sprite - a concretização deste tipo de animação é produzida através de uma linguagem de programação.
• Captura de movimento (Capture Motion) - uma visualização que transmite com mais precisão todas as nuances do movimento natural e das expressões faciais. Sensores especiais colocados nos atores humanos estão alinhados com os pontos de controle do modelo. Ao se mover, as coordenadas são transferidas para eles. Graças a esses métodos, os modelos de desenhos animados ganham vida.

Todos os principais tipos de animação apresentados na lista podem ser criados por diversos meios técnicos ou manualmente. Mas hoje, na maioria das vezes, para esses fins, são usados ​​​​programas de computador especiais que otimizam o processo de criação de objetos e obras animados. Os métodos computacionais de criação de desenhos animados expandem os limites da expressividade. O grau de impacto no visualizador é aumentado pela aplicação de vários efeitos que não estão disponíveis no desempenho manual.

Animação por computador. Princípios

A criação de um desenho animado usando recursos de computador está associada a certas regras. Seus princípios fundamentais são: raster, fractal, vetorial. Há também uma separação entre software de animação 2D e 3D. Programas bidimensionais são geralmente usados ​​​​para animação em Flash; programas tridimensionais permitem definir o grau e o tipo de iluminação do objeto, texturas e realizar renderização automática (visualização).

Os principais tipos de animação por computador têm os mesmos princípios em ação. Todos os tipos acima se aplicam a eles.

Métodos para preparar animação por computador

• Método de enquadramento chave. Permite definir o objeto na posição desejada, correlacioná-los em relação aos intervalos de tempo. O sistema computacional completa os quadros que faltam na estrutura (entre os quadros de referência). Há uma reconstrução dos estágios faltantes do movimento.
• Animação processual.É utilizado caso não seja possível conseguir a reprodução de determinadas ações através de quadros-chave. Caracteriza animações de computador do ponto de vista da construção consistente de estruturas de quadros individuais.
• Formação de quadros únicos. Na maioria das vezes realizado usando vários editores gráficos. São criados quadros separados de imagens, que posteriormente serão alinhados em uma determinada sequência.
• Princípio raster de construção de animação. O mais compreensível de todos os itens acima. Representado como armazenado em um único arquivo. O formato GIF é comumente usado. Existem vários programas que permitem liberar esses arquivos, como o Gimp.

Todos os tipos de animação computacional acima permitem compreender o quão multifacetado é o processo de criação de movimento.

Programa PowerPoint

Tocando neste tópico e considerando exemplos programas de computador, permitindo criar, não se pode deixar de mencionar um programa como o PowerPoint. Pertence à Microsoft. Este pacote foi projetado para criar apresentações. A demanda por apresentações é cada vez maior, pois uma apresentação visual e de alta qualidade de projetos e obras é um dos pontos-chave no desenvolvimento de um profissional. Uma apresentação criada em PowerPoint é um conjunto de materiais de slides com exibição simultânea na tela. Todos os dados necessários após serem criados no programa são armazenados em um arquivo. Um foco semelhante também tem, por exemplo, o programa Harvard Graphics.

Configurações internas do programa suficientemente amplas ajudam a usar tipos diferentes animações. No PowerPoint, o uso de vários modelos prontos permite que você aborde de forma mais eficaz a criação de apresentações.

Principais características do programa

A estrutura do programa permite, em primeiro lugar, formar apresentações através da criação de slides com sua demonstração simultânea em vídeo na tela. Os slides podem ser criados usando diferentes modelos. A apresentação de slides é gerada usando uma variedade de efeitos. Vários tipos de animações são usados. Você pode ajustar a sequência de slides na tela.

Modelos de cores no PowerPoint

A principal característica do programa é que os efeitos de animação padrão podem ser aplicados simultaneamente a todos os arquivos. O programa também possui um conjunto de modelos de cores prontos. Eles têm uma variedade de esquemas de cores que permitem aplicá-los a qualquer slide temático. Os modelos de cores permitem aumentar a eficiência da sua apresentação, economizar tempo e também dar-lhe um certo direcionamento estilístico.

Efeitos especiais

Para uma apresentação mais visual e memorável, o programa possui um determinado conjunto de efeitos que permitem ajustar o tipo de transição durante uma apresentação de slides. Graças a isso, a pausa entre as trocas de slides, repleta de efeitos especiais, torna-se imperceptível.

Recursos do programa

Todas as apresentações criadas em Power Point, tem a capacidade de salvar no formato HTML. Neste caso, todos os dados de áudio e vídeo utilizados são preservados. O programa também possui ferramentas para criação de tabelas e diagramas por desenho, além de marcações especiais que permitem inserir desenhos finalizados e salvá-los posteriormente. Mais um característica distintivaé a função de formação automática de álbuns. É possível usar acompanhamento musical.

Assim, tendo considerado no artigo informações sobre quais métodos existem para a criação de animações, podemos concluir que com o desenvolvimento de softwares modernos, a abordagem para esse assunto tornou-se o mais racional. Um grande número de programas concebidos para modernizar o trabalho nos processos de animação, dá um enorme espaço para criatividade e trabalho. E entender quais tipos de animações existem o ajudará a escolher o programa mais adequado para fins específicos.

Mishchenko Natalia, estudante do 10º ano, escola secundária nº 32, Rybinsk

Os resultados de uma pesquisa com alunos do décimo ano mostraram que há entusiastas de anime entre os alunos. Também há alguns que já ouviram falar dessa direção na animação e querem aprender mais sobre ela.

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Visualização:

XIX conferência científica aberta da cidade para crianças em idade escolar,

Dedicado à memória do Acadêmico A.A. Ukhtomsky

"Estilos de animação"

Realizado

Mishchenko Natalia Igorevna,

aluno do 10º ano

Escola secundária MOU nº 32

em homenagem ao acadêmico A.A. Ukhtomsky

Diretor científico

Shcherbak Elina Yuryevna

Rybinsk

2012

Introdução. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3

1. A origem das técnicas de animação e o seu desenvolvimento. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. História da animação japonesa. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4

1.2. História dos Estúdios Walt Disney. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5

2. Características comparativas. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.1. Desenho. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.2. Animação. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.1. Semelhanças. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.2. Diferenças. . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

2.3. Trama. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .10

3 “Kingdom Hearts” é um jogo que reúne tais técnicas diferentes. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .11

Conclusão. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12

Literatura. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Formulários. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .14

Introdução

Relevância este problema se deve às peculiaridades do moderno cultura jovem. Nos últimos anos, a animação japonesa se difundiu em nosso país. Os melhores longas-metragens de animação japonesa foram exibidos em telões em muitas cidades da Rússia - Spirited Away de Hayao Miyazaki, Spice and Wolf de Takeo Takahashi, The Girl Who Leapt Through Time de Mamoru Hosoda, The Disappearance of Haruhi Suzumiya de Yasuhiro Takemoto. Um deles até foi levado Desenho animado russo com o conceito e gráficos da animação japonesa - “First Squad”. Para criá-lo estiveram envolvidos famosos animadores japoneses, que trabalharam no desenho junto com os russos. Mas essa direção na animação recebeu uma avaliação bastante ambígua, enquanto os desenhos animados de W. Disney são apreciados por todas as pessoas, sem exceção.

A história da anime tem origem no século XX, quando cineastas japoneses iniciam as primeiras experiências com técnicas de animação inventadas no Ocidente. Isto sugere que ambos os estilos de animação têm origens comuns, os mesmos desenvolvimentos iniciais. Mas no processo de desenvolvimento eles seguiram caminhos diferentes, daí o tão perceptível em Tempo dado a diferença deles.

Os resultados de uma pesquisa com 28 alunos do 10º ano mostraram que há entusiastas de anime entre os alunos (Apêndice 1). Também há alguns que já ouviram falar dessa direção na animação e querem aprender mais sobre ela.

Alvo: identificando semelhanças e diferenças entre a animação de Walt Disney e a animação japonesa.

Tarefas:

1. Acompanhe a história da animação Walt Disney e da animação japonesa.
2. Analise semelhanças e diferenças nas técnicas de animação.
3. Considere a colaboração em estúdio contemporâneo.

Significado prático. Este trabalho pode ser utilizado em aulas de artes, artes plásticas, em atividades extracurriculares.

1. A origem das técnicas de animação e seu desenvolvimento

1.1. História do anime

A anime, como direção independente de animação, surgiu em 1958 e foi oficialmente reconhecida como arte no final do século XX. A história da anime remonta ao início do século XX, quando os japoneses começaram a demonstrar um notável interesse pelas técnicas estrangeiras de criação de filmes de animação.

Apesar de antes disso terem sido realizadas experiências com animação no Japão, a primeira criação notável atribuída à anime foi a exibição de "A História da Cobra Branca", filme de animação da Toei Studios. A primeira série de anime foi lançada pelo estúdio Otogi, que é um desenho animado histórico em preto e branco. Em 1963, Osamu Tezuka, apelidado de “Deus do Mangá”, fundou a Mushi Productions e lançou sua primeira série de anime, The Mighty Atom. Este foi o início do boom do anime.

Durante a década de 1970 a anime tem mudado ativamente, rompendo laços com seus ancestrais estrangeiros e dando origem a novos gêneros, como o mecha. Apareceram obras como "Lupin III" ou "Meisinger Z". Muitos diretores famosos, em particular Hayao Miyazaki e Mamoru Oshii, iniciaram suas carreiras durante esses anos.

Em 1980, anime e mangá (quadrinhos que muitas vezes dão origem a desenhos animados japoneses) se espalharam pelo Japão e estavam vivenciando a chamada "Idade de Ouro". As primeiras séries da série Gundam foram lançadas, e Rumiko Takahashi, criadora de animes como Inuyasha e Ranma 1\2, iniciou sua jornada até o topo. Em 1988, o longa-metragem Akira estabeleceu um recorde de orçamento para um filme de anime e criou um filme completamente um novo estilo animações - um estudo mais detalhado da imagem e a chamada técnica dos "24 quadros por segundo". Isso tornou a trama mais dinâmica, os movimentos dos personagens mais suaves e realistas.

As décadas de 1990 e 2000 foram uma época de ampla aceitação do anime fora do Japão. Akira e Ghost in the Shell de 1995, que pela primeira vez combinou animação tradicional e computação gráfica ganhou fama em todo o mundo. Em 1997, o longa-metragem de anime Princesa Mononoke arrecadou US$ 160 milhões no Japão.

Às vezes, o número de fãs de anime e de espectadores que o assistem de vez em quando aumenta. Ao mesmo tempo, as tecnologias de criação e renderização de anime continuaram a melhorar no Japão: os estúdios mudaram para a computação gráfica, usando ativamente a animação tridimensional. Dos desenhos animados infantis do início do século 20, a animação japonesa evoluiu para uma cultura que cria obras diversas, sérias e engraçadas, emocionais e ingênuas, destinadas a adolescentes, crianças e adultos.

1.2. História dos Estúdios Walt Disney

Em 1920-1921, W. Disney encomendou 12 curtas-metragens - Newman's Laughograms. Estes são os únicos cartoons feitos inteiramente por ele, do início ao fim (como artista, animador e autor). Essas cenas da vida no Kansas sucesso especial não tinha, mas permitiu (financeiramente) ao autor iniciar a implementação de sua própria ideia - uma série de adaptações cinematográficas de contos de fadas.

Os contos de fadas na tela de W. Disney não eram ilustrações dos livros favoritos de todos, eram interpretações animadas do autor dessas obras. Então apareceu "Chapeuzinho Vermelho", " Os músicos da cidade de Bremen”, “João e o pé de feijão”. Mas o público não viu essas criações, pois os distribuidores não as reconheceram. W. Disney lançou mais 9 filmes, entre os quais: "Cachinhos Dourados", "Gato de Botas", "Cinderela" e outros contos de fadas. Seu entusiasmo levou à ruína do empreendimento.

O próximo projeto em série de W. Disney foi Oswald, o Coelho Sortudo. Sua solução pictórica foi uma continuação lógica do gato Julius. O estilo “em forma de O” da aparência do personagem era a “vítima” anual do gato Félix, mas o autor mostrou brilhante habilidade como animador no desenvolvimento das próprias tramas e piadas. O enredo foi desenvolvido em forma literária, depois todo o roteiro foi traduzido em um storyboard por episódios. Aqui o grande animador também apresentou álbuns de samples. Eles representam não apenas todos os personagens da série, mas também seus padrões de movimento típicos (por rotoscópio).

EM lado técnico W. Disney também fez "vítimas" sem precedentes - inovações. Na tecnologia de criação de cartoon, ele introduz o conceito de rascunho, o chamado “rascunho de cartoon”. É por isso que muitas criações do estúdio Disney parecem tão perfeitas na tela, verificadas nos mínimos detalhes.

O herói, criado no estúdio de W. Disney depois de Oswald, se tornará seu símbolo por todos os anos subsequentes. É sobre, claro, sobre Mickey Mouse. Embora a princípio o rato tenha recebido o nome de Mortimer, ele logo teve que ser abandonado. Aparência foi desenvolvido pelo animador Yub Iverks, e o personagem, a essência interior, foi soprado no roedor desenhado pelo próprio W. Disney (ele também dublou Mickey no início). A imagem original do Mickey parecia mais um rato real do que a conhecida imagem do "pequeno mágico". Mas o estilo principal é o estilo principal - ele ditou as condições, e logo Mouse foi arredondado para uma imagem conhecida em todo o mundo.

2. Características comparativas das animações

Há muito tempo existe um debate acalorado entre os amantes da animação sobre o que é melhor - desenhos animados de anime ou da Disney. Características comparativas Vamos tentar basear-nos em três parâmetros principais: desenho, animação e enredo.

2.1. Desenho

O mais interessante do desenho é que os amantes da Disney costumam criticar aquele elemento que une dois Estilo diferente. Esse olhos grandes.

Afinal, na verdade, os olhos dos desenhos animados ocidentais não são menos (se não mais) que os dos japoneses. E como poderia ser de outra forma se o anime pegasse emprestado esses grandes olhos dos animadores da Disney, já que Osamu Tezuka já fez cursos de formação avançada na Disney.

Qual é a razão da atitude normal em relação aos olhos grandes num caso e da sua rejeição noutro? O fato é que os animadores ocidentais seguiram o caminho do desenho caricatural e os japoneses - realistas. E o fato de que em um personagem deformado deliberadamente caricaturado parece bastante natural, no rosto de uma pessoa parece um pouco antinatural.

Além disso, os olhos dos personagens japoneses se destacam muito mais que os dos ocidentais, pela grande quantidade de realces, e pela cor, e pelo desenho mais detalhado, o que faz com que você preste mais atenção neles. muita atenção. Algumas pessoas gostam, outras não. Mas em qualquer caso, os olhos grandes sempre dão ao personagem uma aparência mais doce e benevolente do que os pequenos.

Então, qual é a diferença entre os estilos de desenho ocidental e japonês? Existem duas diferenças principais:

1. Caricatura de personagens ocidentais e realismo de personagens japoneses. Personagens de anime, é claro, também se deformam o suficiente para criar um efeito ou outro, mas não há caricatura neles.

2. O formulário principal incorporado em Personagens da Disney- bola ou ovo. Todas as linhas são suaves e arredondadas, mesmo os vilões mais cruéis quase não têm cantos agudos. No cerne da aparência dos heróis japoneses está uma cunha. Queixo, nariz, ombros, formato do corpo, cabelos esvoaçantes e uma enorme quantidade de dobras - tudo com aparência pontiaguda, saliente e “esfaqueada”. Até os olhos, que têm o formato de um hexágono com cílios em forma de cunha.

Além das diferenças no desenho dos próprios personagens, as diferenças no desenho dos planos de fundo são frequentemente mencionadas nas disputas. Além disso, acusações são ouvidas de ambos os lados, cada um se esforça para acusar o inimigo de mau desenho do cenário. Mas sem sucesso planos de fundo existe tanto em uma quanto na outra animação, portanto é errado distingui-los por este indicador.

2.2. Animação

A animação no Ocidente é muito melhor que a japonesa. Mesmo agora, quando a tecnologia da computação é usada ao máximo, os movimentos dos desenhos animados da Disney de quarenta anos atrás parecem mais agradáveis ​​​​e suaves do que os dos animadores japoneses de hoje. O anime, em muitos aspectos, continua sendo apenas uma história em quadrinhos que recebeu um pouco de impulso para conectar as várias cenas. A única exceção a esta regra é, talvez, apenas Hayao Miyazaki. Na anime existem muitas imagens estáticas que simplesmente mudam de posição no espaço, enquanto na Disney quase todos os fotogramas vivem e respiram. Em muitos aspectos, essa percepção se deve novamente à caricatura dos desenhos animados. Seus movimentos podem ser hipertrofiados conforme você quiser para criar um efeito de vida maior. Para pessoas de anime, este mecanismo não é aplicável. Mas cabelos esvoaçantes e capas de chuva - foi isso que os japoneses alcançaram a verdadeira perfeição.

2.2.1. Semelhanças

Entrada lenta e saída lenta.Desenvolvendo poses expressivas, o artista coloca toda a sua habilidade, para que sejam esses momentos que devem ficar visíveis ao espectador por mais tempo. Para isso, os assistentes completam os movimentos de forma que a maior parte dos quadros fique próxima às poses principais. Nesse caso, o personagem, por assim dizer, desliza o movimento de um arranjo para outro, saindo lentamente da pose e desacelerando na outra. Os animadores japoneses dominaram bem esse princípio. Em alguns lugares, eles não apenas o utilizam, mas também aumentam muito seu efeito para dar ainda mais impulso ao personagem.

Movimentos de arco. Este princípio é a segunda descoberta revolucionária da Disney. Os organismos vivos sempre se movem ao longo de trajetórias arqueadas. Basicamente, a natureza da trajetória depende da velocidade do movimento. Este princípio combina ambas as técnicas. É graças a ele que os movimentos dos personagens, por mais caricaturados que sejam, parecem suaves e naturais.

Através do movimento e da sobreposição.A essência do princípio é que o movimento nunca deve parar. Existem elementos como orelhas, rabos, roupas, que devem estar em constante movimento. O movimento de elementos individuais do corpo enquanto o corpo não está mais em movimento é chamado de sobreposição. Na animação de W. Disney, a sobreposição e o movimento são usados ​​​​de forma muito mais moderada do que na anime, mas este princípio também se generalizou.

Em nenhuma animação do mundo, o movimento se desenvolve como na anime. Os cabelos dos personagens quase sempre são levados pelo vento. Capas de magos e cavaleiros podem tremular até mesmo em ambientes fechados. Os japoneses prestam muita atenção ao movimento e sobreposição, o que dá um ar ainda mais animado aos personagens.

ações secundárias.Muitas vezes, movimentos secundários são usados ​​para dar mais expressividade ao personagem. Por exemplo, um personagem enlutado pode frequentemente assoar o nariz em um lenço, enquanto um personagem surpreso pode contrair os ombros. Na anime, essa técnica é chamada de “fan service” - a imagem de objetos ou movimentos específicos que não afetam a trama, mas podem complementar quadro psicológico herói (às vezes não carrega tal subtexto e serve para preencher o tempo de tela)

Tempo. No cálculo do tempo são levados em consideração o peso, a inércia, o volume e o estado emocional do herói. O clima também é transmitido pela velocidade dos movimentos do personagem. Assim, um personagem deprimido se move muito lentamente, e um personagem inspirado se move com bastante vigor. O tempo ocorre em ambos os sistemas de animação.

Desenho profissional.O desenho é a base de tudo. Muito comuns nos estúdios Disney são cartazes como: "Seu desenho tem peso, profundidade e equilíbrio?" anime e desenho profissional também são conceitos inseparáveis. No Japão, o design de personagens (kara-settei) é feito por indivíduos. Muitos artistas fizeram seu nome nisso.

Atratividade.A atratividade do personagem é a chave para o sucesso de todo o filme. A atração está nos dois sistemas de animação. A atratividade dos personagens é composta por vários fatores:

Olhos grandes dão ao herói uma aparência jovem e amigável.

Cabeça grande - faz os personagens parecerem crianças. Mesmo o monstro mais assustador pode se tornar mais inofensivo que um rato se as proporções de seu corpo forem ligeiramente alteradas.

Personagens adultos costumam ter pernas muito longas (um pouco maiores que a cabeça e o tronco), o que os faz parecer mais esguios.

Exagero. Walt Disney sempre exigiu mais realismo de seus funcionários, na verdade visando mais o “realismo caricatural”. Se um personagem tivesse que ficar triste, ele exigia que ele ficasse sombrio, enquanto um personagem feliz precisava ficar deslumbrantemente radiante. Este princípio também funciona em anime.

2.2.2 Diferenças

Compressão e alongamento.Esta é talvez uma das descobertas mais significativas da Disney na história da animação. Este princípio revolucionou o mundo da animação. Graças à compressão e ao alongamento, os personagens não pareciam mais “de pedra”. A essência do princípio é que um corpo vivo é sempre comprimido e esticado durante o movimento.

Em anime, compressão e alongamento quase nunca são usados. Enquanto a Disney seguiu o caminho das caricaturas, os artistas de anime seguiram o caminho do realismo, de modo que os corpos das pessoas e dos animais não se tornam adimensionais, mas bastante realistas. Apertar e esticar só pode ser mais usado em animes infantis ou desenhados no estilo chibi (estilo de desenho caricaturado)

Preempção (ou movimento de recusa).Na vida real, para realizar qualquer ação, muitas vezes a pessoa precisa fazer movimentos preparatórios. Qualquer princípio da Disney é um exagero, por isso muitas vezes seus personagens, antes de correr, fazem uma espécie de balanço de pernas, que parece muito engraçado.

Filmes de anime são mais teatro do que uma caricatura. Também neste princípio deixam uma marca e todo tipo de Artes marciais. Os lutadores geralmente se movem quase sem inércia, e os ataques raramente são precedidos por um golpe que permite vê-los e bloqueá-los.

Performance no palco. Para a correta percepção do personagem pelo público, todos os seus movimentos, posturas e expressões faciais devem ser extremamente simples e expressivos. Este princípio baseia-se na regra principal do teatro. A câmera deve ser posicionada de forma que o espectador possa ver todos os movimentos do personagem, e as roupas não devem esconder seus movimentos.

Enquanto frequentava cursos de educação continuada na Disney, Osamu Tezuka (“o deus da animação japonesa”) não só aprendeu os princípios da animação Disney, mas também conseguiu abordá-los de um ângulo ligeiramente diferente. Na anime, toda a atenção está voltada para a expressão facial e postura do personagem, o que leva a mais impacto emocional no visualizador.

2.3. Trama

Este é um dos lugares mais fortes do anime. Há histórias para todos os gostos - para adultos e crianças, para meninos e meninas, sobre animais e robôs gigantes (Anexo 2).

Como você pode ver nesta lista, o anime possui vários gêneros destinados a pessoas de diferentes idades, principalmente adolescentes.

No Ocidente, apenas três enredos principais podem ser distinguidos: um conto de fadas para crianças (na maioria das vezes em um enredo clássico), “caçador de vítimas” e super-heróis. Normalmente os animes são pensados ​​para um público mais adulto do que os desenhos animados da Disney e por isso o enredo aborda muitos problemas da vida.

3. "Kingdom Hearts" - um jogo que combina técnicas tão diferentes

Como admitem os autores de "Kingdom of Hearts", a ideia do jogo surgiu por acaso. Em fevereiro de 2000, os funcionários da Square Enix Tetsuo Nomura e Shinji Hashimoto durante encontro casual no elevador compartilhou uma ideia maluca com representantes da Disney. Japonês desesperado se ofereceu para misturar Personagens da Disney e Fantasia Final. Demorou mais de um ano para resolver todas as formalidades, e aqui na exposição da E3 em maio de 2001, Kingdom Hearts, um jogo único em muitos aspectos, combinando as culturas do Ocidente e do Oriente, foi apresentado ao público pela primeira vez. Da empresa Walt Disney, a obra recebeu um amável mundo de contos de fadas e heróis encantadores, familiares a todos desde a infância, e dos japoneses - um enredo comovente e a capacidade de reunir todos os componentes em um único todo que funciona como um caro relógio suíço.

O universo do jogo consiste em dezenas de ilhas isoladas, cada uma delas dedicada a um dos desenhos clássicos da Disney. Viajando entre mundos, você conhece muitos personagens familiares desde a infância, como Aladdin ou os Esquilos Chip e Dale, embora eles frequentemente atuem em papéis incomuns. Os mesmos Chip e Dale estão trabalhando como mecânicos de naves interplanetárias, o azarado e bem-humorado Pateta de repente se tornou o capitão da guarda real e o Pato Donald tornou-se o feiticeiro da corte. Ao lado de esquilos e drakes vivem heróis lânguidos de JRPG como Cloud e Sephiroth de Final Fantasy.

Parece que nada pode perturbar o idílio desses mundos, mas de repente eventos terríveis começam a ocorrer. Por toda parte pessoas desaparecem e criaturas estranhas aparecem, posteriormente chamadas de Heartless (Heartless) e Nobodies (Ninguém). São sombras sombrias que aparecem depois que uma pessoa perde um coração: as primeiras são a personificação física das trevas que tomam os corações, e as segundas são o que resta de uma pessoa após a “operação”. Alguns deles são razoáveis, mas a maioria não é. Para lutar contra monstros, existem mestres das chaves armados com keyblades. A Keyblade é uma arma especial em forma de chave gigante que não pode ser roubada de seu dono e é capaz de abrir e fechar qualquer fechadura.

Este jogo ganhou grande popularidade imediatamente após seu lançamento em muitos países do mundo.

Conclusão

Após revisar a literatura sobre este tema, chegamos às seguintes conclusões:

1. Ambos os estilos de animação foram baseados nos mesmos desenvolvimentos. O moderno estúdio de animação W. Disney, após um longo período de tempo, não sofreu grandes mudanças. Em sua estrutura surgiram apenas novas tecnologias e heróis impulsionados pelo tempo. As regras básicas permanecem as mesmas desde a época do grande animador.

A animação japonesa, que apareceu como uma forte direção independente apenas em 1958, mudou os princípios de W. Disney para criar seu próprio estilo único. Ela desenvolveu e refinou, e às vezes reformulou completamente, muitos dos princípios da animação e também criou seu próprio estilo de desenho.

1. Existem mais semelhanças do que diferenças entre o anime e a animação da Disney. Isso se deve ao fato de terem sido desenvolvidos com base em regras de animação criadas e elaboradas por W. Disney. As semelhanças seguem regras básicas, que incluem a criação de movimentos realistas e a atratividade das imagens dos personagens - principal coisa sem a qual qualquer cartoon ficará ruim e feio.

As principais diferenças estão no desenho e na orientação da plotagem. Graças a isso, o anime parece original e diferente do seu protótipo.

1. O resultado do trabalho conjunto de animadores de faroeste e direção leste foi a criação nova série jogos chamados "Kingdom of Hearts". Ela se conectou de forma tão diferente em este momento estilos de animação, graças aos quais parece incomum e bonito. Tal ligação orgânica não teria acontecido se não houvesse um direcionamento para a animação de “raízes” comuns.

Literatura

1. Muxacko de anime e Disney. [Recurso eletrônico]. -http://www.drawanime.ru/ ?pg=art&id=14
2. Gavrilov A. Série de animação dos EUA ao longo dos anos de som, cor e televisão. [Recurso eletrônico]. -http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=53726
3. Gavrilov A. Obras em série de Walt Disney: como surgiu o Mickey Mouse? [Recurso eletrônico]. -http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=64961
4. História dos animes. [Recurso eletrônico]. -http://en.wikipedia.org/wiki/
5. Komarnitsky S. Kingdom Hearts: Nascimento pelo Sono. [Recurso eletrônico]. -http://www.igromania.ru/articles/118532/Kingdom_Hearts_Birth_by_Sleep.htm
6. 12 leis e princípios de animação. [Recurso eletrônico]. -http://www.cgtarian.ru/poleznosti/12-zakonov-i-principov-animacii.htm

Anexo 1

Questionário para alunos do 10º ano

Queridos estudantes! Por favor, responda às perguntas deste questionário para determinar a relevância do trabalho sobre o tema "Estilos de Animação"

Pergunta: Você já ouviu falar de um estilo de animação como anime?

Opções de resposta:

1. Não ouvi
2. Ouviu
3. eu gosto de

Os resultados da pesquisa com alunos do 10º ano

Linha 1 – Fique viciado

Linha 2 - ouvi, quero saber mais

Linha 3 - não ouvida

Apêndice 2

Dicionário de gêneros populares de animação japonesa

• Conto de fadas - Gênero anime kodomo, adaptação de contos de fadas clássicos.
• Comédia - uma variedade de anime, o principal para o qual– humor: paródias, sitcoms, piadas verbais e pegajosas.
• História - uma espécie de anime cuja ação está associada a determinados acontecimentos históricos reais.
• Drama - um gênero bastante raro de narração dramático-trágica para anime. Característica principal– falta de um final feliz pronunciado.
• Ficção Científica (FC)– um anime cuja ação está ligada à existência e utilização de tecnologia que não existia na altura da criação deste anime (naves interestelares, blasters, etc.) história possível o futuro da humanidade, muitas vezes suas tramas estão relacionadas a contatos com alienígenas.
• ópera espacial– uma espécie de anime de ficção científica que foca nas guerras que acontecem com o uso ativo de naves espaciais.
• Peles - mecanismos complexos, via de regra, autopropelidos, sem protótipos reais(ou seja, inventado especificamente para este projeto). Normalmente, este termo refere-se a “robôs gigantes”, enormes veículos de combate controlados por humanos. O gênero “pele” é caracterizado pelo uso ativo de peles.
• Sentai- Literalmente “grupo/equipe”, gênero de anime que acompanha as aventuras de uma pequena equipe permanente de personagens lutando contra alguém ou alguma coisa.
• Mecha sentai igual ao sentai, mas com uma equipe de personagens pilotando um ou mais mechs.
• Maho-shojo - garotas mágicas, gênero de shoujo anime que conta as aventuras de garotas dotadas de poder mágico. Concentra-se nos problemas do amadurecimento feminino.
• Spokon- um gênero de anime que fala sobre jovens atletas que alcançam o sucesso cultivando em si mesmos a vontade de vencer. Combinando as palavras “esporte” e “konjo” (“força de vontade”).
• Ciberpunk um gênero de anime que fala sobre o mundo do futuro, cuja vida é totalmente determinada pela tecnologia da informática. As imagens do futuro parecem ao mesmo tempo sombrias e distópicas.
• Steampunk um género de anime que fala de mundos alternativos ao nosso, que se encontram ao nível de desenvolvimento técnico correspondente à Europa final do século XIX século. Este período é caracterizado pelo início da revolução dos veículos técnicos.– o aparecimento de dirigíveis, aviões, locomotivas a vapor, navios a vapor. A técnica, no entanto, ainda é percebida pessoas comuns não como algo familiar e banal, mas como algo maravilhoso e muitas vezes demoníaco. Steampunk surgiu como uma alternativa ao cyberpunk. Se o cyberpunk é geralmente baseado em uma estética futurista, então o steampunk– com uma estética retrô.
• Fantasia - um anime que fala sobre mundos governados não pela tecnologia (como em FC), mas por “espada e magia”. A fantasia muitas vezes apresenta não apenas pessoas, mas também vários criaturas mitológicas – elfos, gnomos, dragões, lobisomens, gente-gato, bem como deuses e demônios.
• Viagem entre os mundos– um tipo de anime em que o personagem ou personagens principais se movem entre mundos paralelos, geralmente– entre o mundo Japão moderno e mundo de fantasia.
• Místico - gênero de anime, cuja ação está associada à interação de pessoas e diversas forças misteriosas. Estes últimos não são passíveis de uma avaliação inequívoca descrição científica, do que difere, digamos, da magia em uma fantasia. As relações com eles geralmente estão associadas a diversas questões morais.
• Parapsicologia - gênero anime, cuja ação está associada a poderes parapsíquicos (telepatia, telecinesia, hipnose).
• Apocalíptico - uma espécie de anime que conta sobre o início do fim do mundo.
• Pós-apocalíptico– uma espécie de anime que fala sobre a vida após uma catástrofe global- Fim do mundo.
• Romance - anime sobre experiências amorosas.
• Novela - um gênero de anime shoujo romântico que se concentra na apresentação de histórias de amor complexas e intrincadas.
• novela escolar– uma espécie de novela que descreve Histórias de amor escolares.
• Vida cotidiana - anime descrevendo vida cotidiana japoneses comuns (geralmente a classe média) com todas as suas alegrias e problemas.
• Filme ou série social– anime que levanta os problemas candentes da sociedade moderna.
• Thriller psicológico– gênero de anime que fala sobre a "aventura alma humana". Entrando em situações inusitadas, os personagens desse anime vivenciam mudanças psicológicas complexas e imprevisíveis.
• Ação - gênero de anime shonen, cuja ação está associada a um confronto de combate.
• lutador samurai– um gênero de anime shonen histórico, cuja ação está associada às guerras de samurais e ninjas.

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A estilização na arte é o processo de dar trabalho criativo traços de um estilo diferente. EM belas-Artes com ajuda esta técnica objetos ou figuras assumem formas simplificadas. Também é usado na música e na literatura. A estilização torna o objeto de arte compreensível e agora é amplamente utilizada também em design de interiores.

O que é isso

Primeiro, vamos entender o que é um estilo. Esta palavra é traduzida do grego como "bastão de escrita". Com o tempo, adquiriu um significado diferente, associado à individualidade das características ideológicas e artísticas de uma pessoa criativa.

Num amplo sentido este conceito associada a diversas tendências da arte, à cultura de diferentes épocas. A estilização é uma espécie de imitação, decoração. Por exemplo, na literatura, você pode mudar um poema para parecer folclore. Comediantes e parodistas são capazes de agir como uma pessoa parodiada. Use suas expressões faciais, fala. Este método também é amplamente utilizado em design e fotografia. Por exemplo, criar uma imagem antiga, usando fontes de uma determinada maneira. Estilizar flores para incluí-las em um enfeite também as muda. aparência sob a cultura de um determinado país. Por exemplo imagem flores azuis na maneira de escrever "Gzhel".

Tipos de estilo

Essa abordagem é de dois tipos:

• estilo de superfície externa;
• decorativo.

O primeiro tipo é baseado na imitação amostras prontas, imitação do estilo de qualquer autor, gênero, tendência. Um exemplo é a criação motivos modernos com pintura Khokhloma.

O segundo tipo implica a ligação obrigatória de elementos trabalho criado com o ambiente espacial. Aqui, as formas decorativas prevalecem sobre a transmissão realista das imagens e da realidade. A estilização da forma pode estar tão repleta de detalhes irrealistas que se torna abstrata. Ele, por sua vez, é dividido nos seguintes tipos: de amostra natural e ficcional.

Quais recursos a estilização oferece

As crianças são chamadas de melhores estilistas. Eles são capazes de simplificar qualquer desenho complexo. Eles podem facilmente desenhar uma pessoa com a ajuda de “paus” e “pepino”.

Nos gráficos, usando este método, detalhes desnecessários são removidos, revelando apenas a essência da forma e do caráter.

Styling é um processo de decoração que pode ser utilizado em um esboço pré-preparado de um objeto, ou esboçado imediatamente de uma determinada maneira. Ao mesmo tempo, o trabalho em que suas técnicas são utilizadas adquirirá as seguintes características:

• generalidade;
• geometria;
• simbolismo;
• excentricidade;
• colorido;
• sensualidade;
• simplicidade da forma.

Os designers usam esse método para criar logotipos concisos.

Por onde começar

O principal objetivo da estilização é transformar uma transformação realista em um objeto expressivo e emocional. Isso acontece refletindo a essência. Para exibir tal objeto, você precisa se concentrar no que há de mais importante nele. Além disso, o artista deve analisar a natureza da criação de sua forma, retirar todos os detalhes desnecessários e não aplicar, sendo utilizados apenas uma linha e um spot. Para não copiar a natureza, os artistas devem incluir o pensamento associativo e obter impressões sobreviventes da memória. A estilização é o caminho para a vanguarda, o abstracionismo.

Para iniciantes, recomenda-se a arte de escrever os mais simples desenhos transformados de plantas ou animais. Por exemplo, um girassol, um galho de árvore, um cacho de uvas, um peixe, um gato - esses primeiros esboços o ajudarão a entender esse processo. É preciso sentir ao máximo a forma, para entender o que há de importante nesta planta ou animal, o que o distingue fundamentalmente dos demais. E com a ajuda de pontos, linhas e traços é necessário exibir esse objeto. Depois de exibido, ele recebe forma e cor. O desenho final deve lembrar apenas aquela planta ou animal.

Aplicação do método à figura humana e ao retrato

A estilização de uma pessoa ocorre por meio de vários métodos. Um deles é o aumento da altura real de uma pessoa. Mantendo suas proporções, o artista altera o comprimento dos membros e das partes principais. Os designers de moda costumam usar esse método ao esboçar seus novos esboços de roupas.

Ao usar o segundo método, o modelo pode alterar o tamanho da cintura e do pescoço, alongar as pernas. Ao mesmo tempo, as principais proporções do corpo também são preservadas. Este método pode focar nas características individuais de uma pessoa específica.

Muito bom exemplo imagens estilizadas de uma pessoa são obras de artistas que escrevem desenhos animados e caricaturas.

A pessoa na foto permanece absolutamente reconhecível, embora possa ter características faciais desproporcionais. Ele pode ter boca ou nariz anormalmente grandes, olhos e cílios aumentados. Os profissionais conseguem transmitir o personagem e capturar as características individuais da pessoa retratada com tanta precisão que não é difícil determinar de quem é o retrato.

A estilização da forma do corpo humano é observada em ícones antigos. Eles retratam pessoas com silhuetas alongadas. Na animação e na animação, quase sempre utilizam algum tipo de estilização de uma pessoa.

Transformação de plantas e flores

A estilização de plantas surgiu na fabricação de decorações diversas, na produção de objetos da indústria artística. Imagens de plantas e flores imitam sua exibição artística utilizada nos ornamentos de vários países. Generalizando a forma, os artistas transmitiram os contornos gerais de uma flor ou planta, sua folha. As cores de estilo, por exemplo, são obtidas usando formas geométricas: retângulo, triângulo, círculo, pentágono. Com a ajuda de diversos meios gráficos, os artistas transmitem as características individuais de uma flor ou mesmo de uma planta inteira. Eles também podem ser reconhecíveis, mas ganham uma nova imagem decorativa. Esses esboços são amplamente utilizados na decoração de pratos, utensílios domésticos e joalheiros.

Ornamento

Ornamentos estilizados podem ser encontrados em culturas Roma antiga, Grécia antiga, antigo Egito e Pérsia.

É necessário começar o trabalho concentrando a atenção no ângulo do objeto retratado. Podem ser voltas de elementos em diferentes direções, sua imagem de cima ou de lado. Ao criar um ornamento, a estilização floral é frequentemente usada. Animais em ornamentos são retratados de maneira bastante convencional. Eles são posicionados de forma a não violar a integridade de toda a silhueta e não complicar a impressão geral da composição. Se a imagem tiver uma forma espacial volumétrica, ela será transformada em plana.

Cada nação usa ornamentos florais à sua maneira. Segundo eles, os arqueólogos agora determinam os locais onde apareceram os utensílios domésticos e utensílios domésticos encontrados.

Estilização animal

A estilização é um processo de desenho decorativo, que a partir de animais comuns, por exemplo, pode tornar brilhantes, coloridos e personagens de contos de fadas. Aqui, novamente, a fantasia, a imaginação e a improvisação vêm em socorro. Decorativo tem certos limites. Se for necessário representar uma raposa, um lobo ou um peixe, todos esses objetos devem ser reconhecíveis. Normalmente a estilização é aplicada em animação, desenho decorativo instalações, na ilustração de contos de fadas.

Natureza morta em estilização

Em uma natureza morta, vários objetos são combinados em um grupo. O artista concentra sua atenção na estrutura dos objetos, sua relação e superfície. A cor, a linha e a textura da superfície estão sujeitas a um único desenho. Numa natureza morta estilizada, é preciso destacar uma objeto principal, em torno do qual o restante dos componentes são colocados. Os objetos simplificam-se transformando-os em símbolos e silhuetas. Você pode usar a técnica oposta, saturando com detalhes. A estilização das plantas em natureza morta segue os mesmos princípios. Suas formas são dadas cantos afiados, adicione contrastes brilhantes.

imagem de paisagem

Este possui o maior número de estilos e tendências. A paisagem é retratada em pinturas de vários artista famoso os últimos séculos. Uma paisagem estilizada pode ser vista nas pinturas nas paredes dos edifícios construídos em Rússia Antiga. Mais tarde, este método foi aplicado na arte decorativa. paisagem japonesaé um excelente exemplo de desenho estilizado neste gênero. Em tais desenhos não há ar e perspectiva linear. Todos os elementos têm a mesma clareza. A estilização da paisagem permite alterar o número de objetos. O esquema de cores pode ser real ou alterado a critério do artista.

Renderização de cores no estilo

A cor é um meio importante desta técnica. Uma imagem transformada de qualquer gênero deve, com a ajuda da cor, criar a impressão necessária e expressar a intenção do autor. Relações difusas de cores são características da estilização decorativa; a cor é usada localmente e em contraste. Ele é capaz de enfatizar fortemente o efeito desejado. Ao mesmo tempo, é permitida até mesmo a estilização de uma pessoa em cores incomuns para ela. Isso se aplica a todos os objetos representados.

Estilização fotográfica

Muitas vezes é necessário estilizar uma foto para parecer uma pintura. Os artistas incorporam plenamente a imitação do estilo desejado, corrigindo e retocando a imagem original.

Com a moderna tecnologia informática, tais mudanças são realizadas usando foto digital. Os programas são capazes de estilizar a imagem em foto artística muito rápido e barato. Neste caso, o cliente pode optar A melhor opção daqueles sugeridos pelo fotógrafo.

Estilizar uma pessoa em uma foto inclui o uso de métodos de processamento artístico como retoque, nivelamento, adição de nitidez, contraste, adição de efeitos, uso de claro-escuro para correção, coloração e outros. Isso se aplica a todas as fotos, independentemente do conteúdo.

Você pode estilizar uma foto para parecer um desenho em aquarela, óleo ou tinta. Você pode processá-lo adicionando cores brilhantes ou transformando-o em preto e branco.

Muitas vezes em Ultimamente as pessoas pedem estilização como uma pintura a óleo. Ao mesmo tempo, através de várias fotografias, o mestre pode transferir o cliente para qualquer canto da Terra, para qualquer espaço e situação temporária. As imagens são muito realistas. As imagens são impressas em tela, aquarela, seda. Você pode escolher qualquer estilo de "escrita" dessa tela.