Kompositörer från den romantiska eran. Senromantiker

Romantik i musik

huvudartikel: Musik från den romantiska perioden

Inom musiken utvecklades romantikens riktning in 1820 år tog dess utveckling helheten XIXårhundrade. Romantiska tonsättare försökte med hjälp av musikaliska medel uttrycka djupet och rikedomen i människans inre värld. Musiken blir mer präglad, individuell. Låtgenrer utvecklas, bl.a ballad.

Representanter för romantik inom musik är: in Österrike - Franz Schubert; V Tyskland - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V Italien - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, tidigt Giuseppe Verdi; i Frankrike - G. Berlioz, D. F. Ober, J. Meyerbeer; V Polen - Frederic Chopin; V Ungern - Franz Liszt.

I Ryssland arbetade man i linje med romantiken A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, Dargomyzhsky, Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Mussorgskij,Borodin, Cui, P. I. Tjajkovskij.

Idén om konstsyntes kom till uttryck i romantikens ideologi och praktik. Romantiken inom musiken tog form under 1800-talets 1800-tal under inflytande av romantikens litteratur och utvecklades i nära anslutning till den, med litteraturen i allmänhet (övergående till syntetiska genrer, främst opera, sång, instrumentala miniatyrer och musikalisk programmering). Vädjan till en persons inre värld, karakteristisk för romantiken, uttrycktes i kulten av det subjektiva, begäret efter det känslomässigt intensiva, vilket bestämde musikens och texternas företräde i romantiken.

Musik 1:a hälften av XIX V. utvecklats snabbt. Ett nytt musikspråk växte fram; i instrumental och kammarvokalmusik fick miniatyren en speciell plats; orkestern lät med ett varierat spektrum av färger; pianots och fiolens möjligheter avslöjades på ett nytt sätt; romantikernas musik var mycket virtuos.

Musikromantiken manifesterade sig i många olika grenar förknippade med olika nationella kulturer och med olika sociala rörelser. Så till exempel skiljer sig den intima, lyriska stilen hos de tyska romantikerna och det "oratoriska" civila patoset, karakteristiskt för kreativitet, avsevärt. franska tonsättare. I sin tur kom representanter för nya nationella skolor som uppstod på grundval av en bred nationell befrielserörelse (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), samt representanter för den italienska operaskolan, nära knuten till Risorgimento-rörelsen (Verdi, Bellini), skiljer sig på många sätt från samtida i Tyskland, Österrike eller Frankrike, i synnerhet tendensen att bevara de klassiska traditionerna.

Ändå är de alla präglade av några allmänna konstnärliga principer som gör att vi kan tala om en enda romantisk tankestruktur.

På grund av musikens speciella förmåga att djupt och genomträngande avslöja den rika världen av mänskliga upplevelser, sattes den i första hand bland andra konster av romantisk estetik. Många romantiker betonade en intuitiv början till musik, tillskrev den egenskapen att uttrycka det "okända". Framstående romantiska kompositörers arbete hade en stark realistisk grund. intresse för livet vanligt folk, livets fullhet och känslornas sanning, beroendet av vardagslivets musik bestämde realismen i arbetet med de bästa representanterna för musikalisk romantik. Reaktionära tendenser (mystik, verklighetsflykt) är inneboende i endast ett relativt litet antal romantikers verk. De medverkade delvis i operan Euryanta av Weber (1823), i några musikdramer av Wagner, oratorium Kristus av Liszt (1862), etc.

I början av 1800-talet dök det upp grundläggande studier av folklore, historia, antik litteratur, medeltida legender, gotisk konst och renässanskulturen som hade glömts upp igen. Det var vid denna tid som många nationella skolor av en speciell typ utvecklades i kompositörens arbete i Europa, vilka var avsedda att avsevärt utöka gränserna för den gemensamma europeiska kulturen. Ryska, som snart tog, om inte den första, så en av de första platserna i världens kulturella kreativitet (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polska (Chopin, Moniuszko), tjeckiska (gräddfil, Dvorak), ungerska ( Lista), sedan norska (Grieg), spanska (Pedrel), finska (Sibelius), engelska (Elgar) - alla, som smälter in i den allmänna huvudströmmen av kompositörens verk i Europa, motsatte sig inte på något sätt de etablerade gamla traditionerna . En ny cirkel av bilder dök upp som uttryckte de unika nationella dragen i den nationella kultur som kompositören tillhörde. Verkets intonationsstruktur låter dig omedelbart känna igen på gehör som tillhör en viss nationell skola.

Kompositörer involverar i det gemensamma europeiska musikspråket de innationella vändningarna av den gamla, huvudsakligen bondefolkloren i sina länder. De rensade liksom den ryska folkvisan från den lackerade operan, de introducerade i det kosmopolitiska intonationssystemet på 1700-talets sångsvängar av folkliga vardagsgenrer. Det mest iögonfallande fenomenet inom romantikens musik, som är särskilt livligt uppfattat i jämförelse med klassicismens figurativa sfär, är dominansen av den lyriskt-psykologiska principen. Naturligtvis är ett utmärkande drag för musikalisk konst i allmänhet brytningen av alla fenomen genom känslornas sfär. Musik från alla epoker är föremål för detta mönster. Men romantikerna överträffade alla sina föregångare i värdet av den lyriska början i deras musik, i styrka och perfektion i att förmedla djupet i en persons inre värld, de subtilaste nyanserna av humör.

Temat kärlek intar en dominerande plats i det, eftersom det är detta sinnestillstånd som mest heltäckande och fullständigt återspeglar alla djup och nyanser i det mänskliga psyket. Men i högsta graden Det är karakteristiskt att detta tema inte är begränsat till kärlekens motiv i bokstavligen ord, men identifieras med det bredaste utbudet av fenomen. Karaktärernas rent lyriska upplevelser avslöjas mot bakgrund av ett brett historiskt panorama. En människas kärlek till sitt hem, till sitt fosterland, till sitt folk går som en tråd genom alla romantiska kompositörers verk.

En enorm plats ges i musikaliska verk av små och stora former till bilden av naturen, nära och oupplösligt sammanflätade med temat lyrisk bekännelse. Liksom bilderna av kärlek personifierar bilden av naturen hjältens sinnestillstånd, så ofta färgad av en känsla av disharmoni med verkligheten.

Temat fantasi tävlar ofta med bilder av naturen, som förmodligen genereras av önskan att fly från det verkliga livets fångenskap. Typiskt för romantiker var sökandet efter en underbar, gnistrande av världens färgrikedom, i motsats till grå vardag. Det var under dessa år som litteraturen berikades med sagor, ballader av ryska författare. Kompositörerna av den romantiska skolan har fantastiska, fantastiska bilder anta en nationell identitet. Balladerna är inspirerade av ryska författare, och tack vare detta skapas verk av en fantastisk grotesk plan, som symboliserar så att säga fel sida av tron, strävar efter att vända idéerna om rädsla för ondskans krafter.

Många romantiska kompositörer agerade också som musikskribenter och kritiker (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, etc.). Det teoretiska arbetet av representanter för progressiv romantik gav ett mycket betydande bidrag till utvecklingen av de viktigaste frågorna om musikkonst. Romantiken tog sig också uttryck i scenkonsten (violinisten Paganini, sångaren A. Nurri m.fl.).

Romantikens progressiva innebörd under denna period ligger främst i verksamheten Franz Liszt. Liszts verk var, trots den motsägelsefulla världsbilden, i grunden progressivt, realistiskt. En av grundarna och klassikerna av ungersk musik, en enastående nationell artist.

Ungerska nationella teman återspeglas i stor utsträckning i många av Liszts verk. Liszts romantiska, virtuosa kompositioner utökade pianospelets tekniska och uttrycksfulla möjligheter (konserter, sonater). Betydande var Liszts kontakter med representanter för rysk musik, vars verk han aktivt främjade.

Samtidigt spelade Liszt en stor roll i utvecklingen av världsmusikkonsten. Efter Liszt blev "allt möjligt för pianoforte." De karakteristiska dragen i hans musik är improvisation, romantisk upprymdhet av känslor, uttrycksfull melodi. Liszt värderas som en kompositör, artist, musikalisk figur. Huvudverk av kompositören: opera " Don Sancho eller kärlekens slott”(1825), 13 symfoniska dikter” Tasso”, ” Prometheus”, “Liten by” och andra, verk för orkester, 2 konserter för piano och orkester, 75 romanser, körer och andra lika kända verk.

En av de första manifestationerna av romantik i musik var kreativitet Franz Schubert(1797-1828). Schubert gick in i musikhistorien som den största av grundarna av musikromantiken och skaparen av ett antal nya genrer: romantisk symfoni, pianominiatyr, lyrisk-romantisk sång (romantik). Viktigast i hans arbete är låt, där han visade särskilt många innovativa tendenser. I Schuberts sånger avslöjas en persons inre värld djupast, hans karaktäristiska koppling till folkmusik är mest påtaglig, en av de viktigaste dragen i hans talang är mest uppenbar - melodiernas fantastiska variation, skönhet, charm. TILL de bästa låtarna tidig period tillhör " Margarita vid spinnhjulet”(1814) , “skogskung". Båda sångerna är skrivna till Goethes ord. I den första av dem minns den övergivna flickan sin älskade. Hon är ensam och lider djupt, hennes sång är sorglig. En enkel och uppriktig melodi ekas endast av vindens monotona brummande. "Skogskungen" är ett komplext verk. Det här är inte en sång, utan snarare en dramatisk scen där tre karaktärer dyker upp framför oss: en pappa som rider på en häst genom skogen, ett sjukt barn som han bär med sig och en formidabel skogskung som visar sig för en pojke i feber. delirium. Var och en av dem har sitt eget melodiska språk. Schuberts sånger "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" är inte mindre kända och älskade. Dessa sånger skrevs under senare år och är anmärkningsvärda för sin förvånansvärt enkla och uttrycksfulla melodi och fräscha färger.

Schubert skrev också två cykler av sånger - " vacker mjölnare"(1823), och" vinterväg"(1872) - till ord tysk poet Wilhelm Müller. I var och en av dem förenas sångerna av en handling. Låtarna i cykeln "The Beautiful Miller's Woman" berättar om en ung pojke. Efter strömmens gång ger han sig ut på en resa för att söka sin lycka. De flesta av låtarna i denna cykel har en lätt karaktär. Stämningen i cykeln "Winter Way" är helt annorlunda. En fattig ung man avvisas av en rik brud. I desperation lämnar han sin hemstad och går för att ströva runt i världen. Hans följeslagare är vinden, en snöstorm, en illavarslande kråka.

De få exempel som ges här gör det möjligt för oss att tala om egenskaperna hos Schuberts låtskrivande.

Schubert älskade att skriva pianomusik. För detta instrument skrev han ett stort antal verk. Liksom sånger låg hans pianoverk nära vardagsmusiken och lika enkla och begripliga. Favoritgenrerna för hans kompositioner var danser, marscher och in senaste åren liv - improviserat.

Valser och andra danser dök vanligtvis upp på Schuberts baler, på landsvandringar. Där improviserade han dem och spelade in dem hemma.

Om vi ​​jämför Schuberts pianostycken med hans sånger kan vi hitta många likheter. Först och främst är det en stor melodisk uttrycksfullhet, grace, färgstark sammanställning av dur och moll.

En av de största franska tonsättare från andra hälften av 1800-talet Georges Bizet, skaparen av en odödlig skapelse för musikteater - operor “Carmen"och underbar musik till dramat av Alphonse Daudet" Arlesian”.

Bizets verk kännetecknas av noggrannhet och klarhet i tanken, nyhet och fräschör av uttrycksfulla medel, fullständighet och elegans i formen. Bizet kännetecknas av skärpan i psykologisk analys när det gäller att förstå mänskliga känslor och handlingar, vilket är karakteristiskt för kompositörens stora landsmän - författarna Balzac, Flaubert, Maupassant. Den centrala platsen i Bizets verk, olika i genrer, tillhör operan. Kompositörens operakonst uppstod på nationell mark och närdes av det franska operahusets traditioner. Bizet ansåg att den första uppgiften i sitt arbete var att övervinna det existerande fransk opera genrebegränsningar som hindrar dess utveckling. Den ”stora” operan förefaller honom som en död genre, den lyriska operan irriterar med sin tårfyllda och småborgerliga trångsynthet, det komiska förtjänar uppmärksamhet mer än andra. För första gången i Bizets opera dyker saftiga och livliga inhemska och massscener upp, i väntan på liv och levande scener.

Bizets musik till Alphonse Daudets drama "Arlesian” är främst känd för två konsertsviter som består av hennes bästa nummer. Bizet använde några autentiska provensalska melodier : "De tre kungarnas marsch" Och "Dans av fräcka hästar".

Bizets opera Carmen”- ett musikdrama som utspelar sig inför publiken med övertygande sanningsenlighet och med fängslande konstnärlig kraft historien om kärlek och död av dess hjältar: soldaten Jose och zigenaren Carmen. Opera Carmen skapades utifrån den franska musikteaterns traditioner, men samtidigt introducerade den en hel del nya saker. Baserat på den nationella operans bästa prestationer och reformering av dess viktigaste element skapade Bizet ny genre- realistiskt musikdrama.

I operahusets historia på 1800-talet upptar operan Carmen en av de första platserna. Sedan 1876 börjar hennes triumftåg genom scenerna. operahus Wien, Bryssel, London.

Manifestationen av ett personligt förhållande till omgivningen uttrycktes av poeter och musiker, först och främst i omedelbarhet, känslomässig "öppenhet" och passion för uttryck, i ett försök att övertyga lyssnaren med hjälp av den oupphörliga intensiteten i tonen. erkännande eller bekännelse.

Dessa nya trender inom konsten hade ett avgörande inflytande på framväxten lyrisk opera. Det uppstod som en motsats till "stora" och komisk opera, men hon kunde inte gå förbi deras erövringar och prestationer inom området för operadramaturgi och musikaliska uttryck.

Ett utmärkande drag för den nya operagenren var den lyriska tolkningen av vilken litterär handling som helst - historisk, filosofisk eller modernt tema. Hjältarna i den lyriska operan är utrustade med vanliga människors egenskaper, utan exklusivitet och viss hyperbolisering, karakteristisk för en romantisk opera. Den mest betydande konstnären inom lyrisk opera var Charles Gounod.

Bland Gounods ganska talrika operaarv är operan " Faust" intar en speciell och, kan man säga, exceptionell plats. Henne världsomspännande berömmelse och popularitet är oöverträffad av Gounods andra operor. Den historiska betydelsen av operan Faust är särskilt stor eftersom den inte bara var den bästa, utan i huvudsak den första bland operorna i den nya riktningen, om vilken Tjajkovskij skrev: "Det är omöjligt att förneka att Faust skrevs, om inte med geni, då med extraordinär skicklighet och utan nämnvärd identitet.” I bilden av Faust utjämnas den skarpa inkonsekvensen och "fördelningen" i hans medvetande, det eviga missnöjet som orsakas av önskan att lära känna världen. Gounod kunde inte förmedla all mångsidighet och komplexitet i bilden av Goethes Mephistopheles, som förkroppsligade andan av militant kritik från den tiden.

En av de främsta anledningarna till populariteten för "Faust" var att den koncentrerade de bästa och i grunden nya egenskaperna hos den unga genren av lyrisk opera: en känslomässigt direkt och levande individuell överföring av operakaraktärernas inre värld. Den djupa filosofiska innebörden av Goethes Faust, som försökte avslöja hela mänsklighetens historiska och sociala öden på exemplet av konflikten mellan huvudpersonerna, förkroppsligades av Gounod i form av ett humant lyriskt drama av Marguerite och Faust.

Fransk kompositör, dirigent, musikkritiker Hector Berlioz gick in i musikhistorien som den största romantiska kompositören, skapare av programmet symfoni, innovatör inom området musikalisk form, harmoni och särskilt instrumentering. I hans arbete fann de en levande förkroppsligande av egenskaperna hos revolutionärt patos och heroik. Berlioz var bekant med M. Glinka, vars musik han uppskattade mycket. Han var på vänskaplig fot med ledarna för "Mighty Handful", som entusiastiskt accepterade hans skrifter och kreativa principer.

Han skapade 5 musikaliska scenverk, inklusive operan " Benvenuto Cillini”(1838), “ Trojaner”,”Beatrice och Benedict(baserad på Shakespeares komedi Much Ado About Nothing, 1862); 23 vokala och symfoniska verk, 31 romanser, körer, skrev han böckerna "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), ”Memoarer” (1870), artiklar, recensioner.

tysk kompositör, dirigent, dramatiker, publicist Richard Wagner gick in i världens historia musikalisk kultur som en av de största musikaliska skaparna och de största reformatorerna operakonst. Målet med hans reformer var att skapa ett monumentalt programmatiskt vokal-symfoniskt verk i dramatisk form, utformat för att ersätta alla typer av opera och symfonisk musik. Ett sådant verk var ett musikdrama, där musiken flödar i en kontinuerlig ström och sammanfogar alla dramatiska länkar. Wagner förkastade den färdiga sången och ersatte dem med ett slags känslomässigt rikt recitativ. En stor plats i Wagners operor upptas av oberoende orkesteravsnitt, som är ett värdefullt bidrag till världssymfonisk musik.

Wagners hand tillhör 13 operor:" Den flygande holländaren"(1843),"Tannhäuser"(1845),"Tristan och Isolde"(1865), "Rhens guld"(1869) och så vidare.; körer, pianostycken, romanser.

En annan framstående tysk kompositör, dirigent, pianist, lärare och musikalisk figur var Felix Mendelssohn-Bartholdy. Från 9 års ålder började han uppträda som pianist, vid 17 års ålder skapade han ett av mästerverken - en ouvertyr till en komedi " En midsommarnattsdröm" Shakespeare. 1843 grundade han det första konservatoriet i Tyskland i Leipzig. I Mendelssohns verk, "en klassiker bland romantikerna", kombineras romantiska drag med det klassiska tänkandet. Hans musik kännetecknas av ljus melodi, uttrycksdemokratism, måttfullhet av känslor, lugn i tankar, övervägande av ljusa känslor, lyriska stämningar, inte utan en liten touch av sentimentalitet, oklanderliga former, briljant hantverk. R. Schumann kallade honom "1800-talets Mozart", G. Heine - "ett musikaliskt mirakel".

Författare till landskapsromantiska symfonier ("skotska", "italienska"), programkonsertouvertyrer, en populär violinkonsert, cykler av stycken för pianoforte "Sång utan ord"; operorna Camachos äktenskap Han skrev musik till den dramatiska pjäsen Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) av Sophocles, Atalia av Racine (1845), Shakespeares En midsommarnattsdröm (1843) m.fl. oratorier "Paul" (1836), "Elia" (1846); 2 konserter för piano och 2 för violin.

Iitalienska musikkultur en speciell plats tillhör GiuseppeVerdi- en enastående kompositör, dirigent, organist. Huvudområdet för Verdis verk är opera. Han agerade främst som talesman för det italienska folkets heroiskt-patriotiska känslor och nationella befrielseidéer. Under de följande åren uppmärksammade han dramatiska konflikter som genererades av social ojämlikhet, våld, förtryck och fördömde ondska i sina operor. Karakteristiska egenskaper hos Verdis verk: folkmusik, dramatiskt temperament, melodisk ljusstyrka, förståelse för scenens lagar.

Han skrev 26 operor: " Nabucco”, “Macbeth”, “Trubadur”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida" och så vidare . , 20 romanser, vokalensembler .

Ung norska kompositör Edvard Grieg (1843-1907) strävade efter att utveckla den nationella musiken. Detta uttrycktes inte bara i hans arbete, utan också i främjandet av norsk musik.

Under sina år i Köpenhamn skrev Grieg mycket musik: " Poetiska bilder” Och "Humoresk", sonat för piano och första violinsonat, sånger. För varje nytt verk framträder bilden av Grieg som norsk tonsättare tydligare. I den subtila lyriska "Poetiska bilder" (1863) slår fortfarande nationella drag blygsamt igenom. Den rytmiska figuren finns ofta i norsk folkmusik; den blev karakteristisk för många av Griegs melodier.

Griegs verk är stort och mångfacetterat. Grieg skrev verk av olika genrer. Pianokonsert och ballader, tre sonater för violin och piano och en sonat för cello och piano, vittnar kvartetten om Griegs ständiga sug efter stor form. Samtidigt förblev kompositörens intresse för instrumentala miniatyrer oförändrat. I samma utsträckning som pianoforten attraherades kompositören av den kammarvokala miniatyren - en romans, en sång. Var inte den främsta med Grieg, området för symfonisk kreativitet präglas av sådana mästerverk som sviterna " Per Gounod”, “Från Holbergs dagar". En av karakteristiska arter Griegs verk - arrangemang av folkvisor och danser: i form av enkla pianostycken, en svitcykel för piano fyrhänder.

Griegs musikaliska språk är ljust originellt. Individualiteten i kompositörens stil bestäms mest av allt av hans djupa koppling till norsk folkmusik. Grieg använder flitigt genredrag, intonationsstruktur, rytmiska formler för folksång och dansmelodier.

Griegs anmärkningsvärda behärskning av variations- och variantutveckling av en melodi har sina rötter i folktraditioner av upprepad upprepning av en melodi med dess förändringar. "Jag spelade in folkmusiken i mitt land." Bakom dessa ord ligger Griegs vördnadsfulla inställning till folkkonst och erkännande av sin avgörande roll för sin egen kreativitet.

romantik, och slutligen en kraftfull realistisk ... följde. II. Romantik i rysk målning Romantik annorlunda i Ryssland...

Zweig hade rätt: Europa har inte sett en så underbar generation som romantiker sedan renässansen. Underbara bilder av drömmarnas värld, nakna känslor och önskan om sublim andlighet - det är färgerna som målar romantikens musikkultur.

Uppkomsten av romantiken och dess estetik

Medan den industriella revolutionen ägde rum i Europa ställdes förhoppningarna till den stora franska revolutionen. Kulten av förnuft, som utropades av upplysningstiden, störtades. Känslokulten och den naturliga principen i människan steg upp på piedestalen.

Det var så romantiken föddes. Inom musikkulturen varade det lite mer än ett sekel (1800-1910), medan det inom närliggande områden (måleri och litteratur) löpte ut ett halvt sekel tidigare. Kanske är musiken "skyldig" för detta - det var hon som var i toppen bland romantikernas konst som den mest andliga och friaste av konsterna.

Men romantikerna, till skillnad från företrädare för antikens och klassicismens epoker, byggde inte en hierarki av konster med sin tydliga indelning i typer och. Det romantiska systemet var universellt, konsterna kunde fritt röra sig in i varandra. Idén om syntesen av konst var en av nyckelidéerna i romantikens musikkultur.

Detta förhållande gällde även estetikens kategorier: det vackra hängde ihop med det fula, det höga med basen, det tragiska med det komiska. Sådana övergångar var förbundna med romantisk ironi, som också återspeglade den universella bilden av världen.

Allt som hade med skönhet att göra fick en ny innebörd bland romantikerna. Naturen blev ett föremål för dyrkan, konstnären idoliserades som den högsta av dödliga, och känslor upphöjdes över förnuftet.

Andelös verklighet var mot en dröm, vacker, men ouppnåelig. En romantiker byggde med hjälp av fantasin sin nya värld, till skillnad från andra verkligheter.

Vilka teman valde de romantiska konstnärerna?

Romantikernas intressen manifesterades tydligt i valet av teman de valde inom konsten.

• Ensamhet tema. Ett underskattat geni eller en ensam person i samhället - dessa teman var de viktigaste för kompositörerna från denna tid (Schumanns "Poetens kärlek", Mussorgskys "Utan solen").
• Temat "lyrisk bekännelse". I många opus av romantiska kompositörer finns en touch av självbiografi (Schumanns karneval, Berliozs fantastiska symfoni).
• Kärlekstema. I grund och botten är detta ett ämne av odelad eller tragisk kärlek, men inte nödvändigtvis ("Love and Life of a Woman" av Schumann, "Romeo and Julia" av Tjajkovskij).
• Sökvägs tema. Hon kallas också resor tema. Romantikens själ, sliten av motsättningar, letade efter sin egen väg ("Harold i Italien" av Berlioz, "År av vandringar" av Liszt).
• Temat död. I grund och botten var det andlig död (Tjajkovskijs sjätte symfoni, Schuberts "Vinterresa").
• Naturtema. Naturen i ögonen på en romantisk och en beskyddande mamma, och en empatisk vän, och straffar ödet ("Hebriderna" av Mendelssohn, "I Centralasien» Borodina). Kulten av fosterlandet (polonaiser och ballader av Chopin) är också kopplad till detta tema.
• Fantasi tema. Den imaginära världen för romantiker var mycket rikare än den verkliga (" magiskt skjutspel» Weber, «Sadko» Rimsky-Korsakov).

Musikgenrer från den romantiska eran

Romantikens musikkultur gav impulser till utvecklingen av genrerna för kammarsångstexter: ballad("Skogskungen" av Schubert), dikt("Lady of the Lake" av Schubert) och sånger, ofta kombinerat till cykler("Myrten" av Schumann).

romantisk opera utmärktes inte bara av den fantastiska handlingen, utan också av den starka kopplingen mellan ord, musik och scenhandling. Operan symfoniseras. Det räcker med att påminna om Wagners Nibelungens ring med ett utvecklat nätverk av ledmotiv.

Bland romantikens instrumentella genrer finns det piano miniatyr. För att förmedla en bild eller en tillfällig stämning räcker det med en liten pjäs för dem. Trots sin omfattning är pjäsen full av uttryck. Det kan hon vara "låt utan ord" (som Mendelssohn) mazurka, vals, nocturne eller leker med programmatiska titlar (Schumanns Impuls).

Som sånger kombineras pjäser ibland till cykler ("Fjärilar" av Schumann). Samtidigt bildade delar av cykeln, ljust kontrasterande, alltid en enda komposition på grund av musikaliska kopplingar.

Romantikerna älskade programmusik som kombinerade den med litteratur, måleri eller annan konst. Därför styrde ofta handlingen i deras skrifter. Det fanns ensatsiga sonater (Liszts h-mollsonat), ensatsiga konserter (Liszts första pianokonsert) och symfoniska dikter (Liszts Preludier), en femsatsig symfoni (Berliozs fantastiska symfoni).

Musikaliska språk av romantiska kompositörer

Syntesen av konsterna, som sjöngs av romantikerna, påverkade medlen musikalisk uttrycksfullhet. Melodin har blivit mer individuell, känslig för ordets poetik, och ackompanjemanget har upphört att vara neutralt och typiskt i konsistensen.

Harmony berikades med oöverträffade färger för att berätta om den romantiska hjältens upplevelser, så de romantiska intonationerna av slarv förmedlade perfekt förändrade harmonier som ökar spänningen. Romantikerna älskade också effekten av chiaroscuro när majoren ändrades minderårig med samma namn, och sidostegsackord och vackra tangentmappningar. Nya effekter hittades också i, speciellt när det var nödvändigt att förmedla folklig anda eller fantastiska bilder i musik.

I allmänhet strävade romantikernas melodi efter kontinuitet i utvecklingen, avvisade varje automatisk upprepning, undvek regelbundenhet av accenter och andades uttrycksfullhet i vart och ett av dess motiv. Och textur har blivit en så viktig länk att dess roll är jämförbar med melodins.

Lyssna på vilken underbar mazurka Chopin har!

Istället för en slutsats

Romantikens musikkultur tur XIX och XX århundraden upplevde de första tecknen på en kris. "Fri" musikalisk form började sönderfalla, harmoni segrade över melodin, den romantiska själens förhöjda känslor gav vika för smärtsam rädsla och basala passioner.

Dessa destruktiva tendenser gjorde att romantiken upphörde och öppnade vägen för modernismen. Men efter att ha slutat som en trend fortsatte romantiken att leva både i 1900-talets musik och i det nuvarande århundradets musik i dess olika komponenter. Blok hade rätt när han sa att romantiken uppstår "i alla epoker av mänskligt liv".

Romantiken i sin renaste form är ett fenomen inom västeuropeisk konst. På ryska musik från den 19:e V. från Glinka till Tjajkovskij kombinerades klassicismens drag med romantikens drag, det ledande elementet var en ljus, originell nationell princip.

Tiden (1812, Decembristupproret, reaktionen som följde) satte sin prägel på musiken. Vilken genre vi än tar - romantik, opera, balett, kammarmusik - överallt har ryska tonsättare sagt sitt nya ord.

Början av 1800-talet - det här är åren för den första och ljusa blomningen av romantikgenren. De blygsamma uppriktiga texterna låter fortfarande och gläder lyssnarna. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Han skrev romanser till verserna från många poeter, men de odödliga är det "Näktergal" till verserna av Delvig, "Vinterväg", "Jag älskar dig" på Pushkins dikter.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) skrev musik till dramatiska föreställningar, men vi känner honom bättre från kända romanser "Röd solklänning", "Väck mig inte i gryningen", "Ett ensamt segel blir vitt".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- kompositör, pianist, violinist och lärare, han äger sådana romanser som "Klockan ringer monotont", "I gryningen av en dimmig ungdom" och så vidare.

Den mest framträdande platsen här upptas av Glinkas romanser. Ingen annan hade ännu uppnått en sådan naturlig sammansmältning av musik med poesi av Pushkin, Zjukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- en samtida till Pushkin, en klassiker inom rysk litteratur, blev grundaren musikaliska klassiker. Hans verk är en av höjdpunkterna i rysk och världsmusikalisk kultur. Det kombinerar harmoniskt rikedom folkmusik och de högsta prestationerna av kompositörens skicklighet. Glinkas djupt folkrealistiska verk återspeglade den kraftfulla uppblomstringen av den ryska kulturen under första hälften av 1800-talet, förknippad med det fosterländska kriget 1812 och decembriströrelsen. Ljus, livsbejakande karaktär, harmoni i formerna, skönheten i uttrycksfulla och melodiska melodier, variation, briljans och subtilitet hos harmonier är de mest värdefulla egenskaperna hos Glinkas musik. I berömd opera "Ivan Susanin"(1836) fick ett lysande uttryck för idén om folklig patriotism; Det ryska folkets moraliska storhet glorifieras också i sagooperan " Ruslan och Ludmila". Orkesterverk av Glinka: "Fantasivals", "Natt i Madrid" och speciellt "Kamarinskaya", utgör grunden för den ryska klassiska symfonismen. Anmärkningsvärt när det gäller kraften i dramatiska uttryck och ljusstyrkan i egenskaperna hos musiken för tragedin "Prins Kholmsky". Glinkas sångtexter (romanser "Jag kommer ihåg underbart ögonblick", "Tvivel") är en oöverträffad gestaltning av rysk poesi i musik.

Under första hälften av XIX-talet. födelsen av en nationell musikskola. Under de första decennierna av XIX-talet. domineras av romantiska tendenser, manifesterade i arbetet av A.N. Verstovsky, som använde historiska ämnen i sitt arbete. Grundaren av den ryska musikskolan var M.I. Glinka, skaparen av de viktigaste musikaliska genrerna: operor ("Ivan Susanin", "Ruslan och Lyudmila"), symfonier, romantik, som aktivt använde folkloremotiv i sitt arbete. En innovatör inom musikområdet var A.S. Dargomyzhsky, författare till opera-baletten "The Triumph of Bacchus" och skaparen av recitativ i operan. Hans musik var nära förbunden med arbetet av kompositörerna av "Mighty Handful" - M.P. Mussorgsky, M.A. Balakireva, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, som strävade efter att i sina verk förkroppsliga "livet, oavsett var det påverkar", vänder sig aktivt till historiska intrigar och folkloremotiv. Deras arbete etablerade genren musikaliskt drama. "Boris Godunov" och "Khovanshchina" av Mussorgsky, "Prins Igor" av Borodin, "Snöjungfrun" och " kunglig brud"Rimsky-Korsakov är den ryska konstens och världskonstens stolthet.

En speciell plats i rysk musik upptas av P.I. Tjajkovskij, som i sina verk förkroppsligade det inre dramat och uppmärksamheten på inre värld mänsklig, karakteristisk för ryskan litteratur XIXårhundradet, som kompositören ofta vände sig till (operor "Eugene Onegin", " Spader Dam", "Mazepa").

Musikens kortaste historia. Den mest kompletta och mest koncisa handboken av Henley Daren

Senromantiker

Senromantiker

Många av kompositörerna från denna period fortsatte att skriva musik långt in på 1900-talet. Vi pratar dock om dem här, och inte i nästa kapitel, av den anledningen att det var just romantikens anda som var stark i deras musik.

Det bör noteras att några av dem behöll nära band och till och med vänskap med de tonsättare som nämns i underavsnitten "Tidiga romantiker" och "Nationalister".

Dessutom bör man komma ihåg att under denna period i olika europeiska länder skapat så många stora kompositörer att varje uppdelning av dem enligt någon princip skulle vara helt godtycklig. Om det i olika litteratur som ägnas åt den klassiska perioden och barocken nämns ungefär samma tidsram, så definieras den romantiska perioden olika överallt. Det verkar som att gränsen mellan slutet av den romantiska perioden och början av 1900-talet inom musiken är mycket suddig.

Den ledande kompositören av 1800-talets Italien var utan tvekan Giuseppe Verdi. Den här tittar på oss lysande ögon en man med tjock mustasch och ögonbryn stod ett helt huvud högre än alla andra operakompositörer.

Alla Verdis kompositioner är bokstavligen överfyllda av ljusa, minnesvärda melodier. Totalt skrev han tjugosex operor, varav de flesta regelbundet sätts upp till denna dag. Bland dem finns de mest kända och mest framstående verken av operakonst genom tiderna.

Verdis musik var högt värderad även under kompositörens livstid. på premiären Hades Publiken gav så långvariga ovationer att artisterna fick buga så många som trettiotvå gånger.

Verdi var en rik man, men pengar kunde inte rädda både fruar och två barn till kompositören från den tidiga döden, så det fanns tragiska ögonblick i hans liv. Han testamenterade sin förmögenhet till ett härbärge för gamla musiker byggt under hans ledning i Milano. Verdi själv ansåg att skapandet av ett härbärge, och inte musik, var hans största prestation.

Trots att namnet Verdi främst är förknippat med operor, på tal om honom, är det omöjligt att inte nämna Requiem, anses vara ett av de bästa exemplen körmusik. Den är full av dramatik, och några inslag i operan glider igenom den.

Vår nästa kompositör är inte på något sätt den mest charmiga personen. I allmänhet är detta den mest skandalösa och kontroversiella figuren av alla de som nämns i vår bok. Om vi ​​skulle göra en lista baserad enbart på personlighetsdrag, då Richard Wagner skulle aldrig träffa den. Men vi styrs enbart av musikaliska kriterier, och den klassiska musikens historia är otänkbar utan denna man.

Wagners talang är obestridlig. Från - under hans penna kom några av de mest betydelsefulla och imponerande musikaliska kompositioner för hela romantikens period - speciellt för opera. Samtidigt omtalas han som en antisemit, rasist, byråkrati, den siste bedragaren och till och med en tjuv som inte tvekar att ta allt han behöver, och oförskämda människor utan ånger. Wagner hade en överdriven självkänsla, och han trodde att hans geni höjde honom över alla andra människor.

Wagner är ihågkommen för sina operor. Den här kompositören tog tysk opera till en helt ny nivå, och även om han föddes samtidigt som Verdi, var hans musik mycket annorlunda från den tidens italienska kompositioner.

En av Wagners nyheter var att varje huvudperson fick sitt eget musiktema, som upprepades varje gång han började spela en betydande roll på scenen.

Idag verkar det självklart, men på den tiden gjorde denna idé en riktig revolution.

Wagners största prestation var cykeln Nibelungens ring, bestående av fyra operor: Rhen Gold, Valkyrie, Siegfried Och gudarnas död. De läggs vanligtvis på fyra nätter i rad, och totalt håller de cirka femton timmar. Enbart dessa operor skulle räcka för att förhärliga deras kompositör. Trots all tvetydighet hos Wagner som person bör det erkännas att han var en enastående kompositör.

Ett utmärkande drag för Wagners operor är deras längd. Hans sista operan parsifal varar över fyra timmar.

Dirigenten David Randolph sa en gång om henne:

”Det här är en opera från kategorin de som börjar klockan sex, och när man efter tre timmar tittar på armbandsur, det visar sig att de visar 6:20.

Liv Anton Bruckner som kompositör är det här en lektion i hur man inte ger upp och insisterar på egen hand. Han övade tolv timmar om dagen, ägnade all sin tid åt arbete (han var organist) och lärde sig mycket i musik på egen hand, och avslutade sin skrivkunskap genom korrespondens i en ganska mogen ålder - vid trettiosju.

Idag minns Bruckners symfonier oftast, av vilka han skrev totalt nio stycken. Ibland greps han av tvivel om sin livsduglighet som musiker, men han fick ändå ett erkännande, om än mot slutet av sitt liv. Efter att ha utfört det Symfonier nr 1 kritikerna berömde slutligen kompositören, som vid den tiden redan hade fyllt fyrtiofyra år.

Johannes Brahms inte en av de där kompositörerna som föddes så att säga med en silverstav i handen. Vid tiden för hans födelse hade familjen förlorat sin tidigare rikedom och knappt klarat sig. I tonåren försörjde han sig på att spela på sina bordeller hemstad Hamburg. När Brahms blev vuxen hade han utan tvekan bekantat sig med långt ifrån livets mest attraktiva sidor.

Brahms musik främjades av hans vän, Robert Schumann. Efter Schumanns död blev Brahms nära Clara Schumann och blev så småningom till och med kär i henne. Det är inte känt exakt vilken typ av relation de hade, även om känslan för henne förmodligen spelade en viss roll i hans relationer med andra kvinnor - han gav inte sitt hjärta till någon av dem.

Som person var Brahms ganska ohämmad och irriterad, men hans vänner hävdade att det fanns en mjukhet i honom, även om han inte alltid visade det för omgivningen. En dag när han kom hem från en fest sa han:

"Om jag inte har förolämpat någon, ber jag deras förlåtelse."

Brahms skulle inte ha vunnit tävlingen om den mest fashionabla och elegant klädda kompositören. Han ogillade att köpa nya kläder och bar ofta samma påsiga, lappade byxor, nästan alltid för korta för honom. Under en föreställning ramlade hans byxor nästan av. Vid ett annat tillfälle fick han ta av sig slipsen och använda den istället för ett bälte.

Brahms musikstil var starkt influerad av Haydn, Mozart och Beethoven, och vissa musikhistoriker hävdar till och med att han skrev i klassicismens anda, vid den tiden redan ur mode. Samtidigt äger han också flera nya idéer. Han var särskilt framgångsrik i att utveckla små musikstycken och repetera dem genom hela verket – det som kompositörer kallar ett ”repeterande motiv”.

Opera Brahms skrev inte, men han försökte sig på nästan alla andra genrer av klassisk musik. Därför kan det kallas en av de största kompositörerna nämns i vår bok, en sann gigant av klassisk musik. Han sa själv så här om sitt arbete:

"Det är inte svårt att komponera, men det är förvånansvärt svårt att slänga extra toner under bordet."

Max Bruch föddes bara fem år efter Brahms, och den senare skulle säkert ha överskuggat honom, om inte för ett verk, Violinkonsert nr 1.

Bruch själv erkände detta faktum och påstod med blygsamhet som var ovanlig för många kompositörer:

"Om femtio år kommer Brahms att kallas en av de största kompositörerna genom tiderna, och jag kommer att bli ihågkommen för att ha skrivit violinkonserten i g-moll."

Och han visade sig ha rätt. Det är sant att Brujah själv har något att komma ihåg! Han komponerade många andra verk - omkring tvåhundra totalt - han har särskilt många verk för kör och operor, som sällan sätts upp nuförtiden. Hans musik är melodisk, men han bidrog inte med något särskilt nytt till dess utveckling. Mot hans bakgrund verkar många andra dåtida tonsättare vara riktiga innovatörer.

År 1880 utsågs Bruch till dirigent för Liverpool Royal Philharmonic Society, men återvände till Berlin tre år senare. Musikerna i orkestern var inte nöjda med honom.

På sidorna i vår bok har vi redan träffat många musikaliska underbarn, och Camille Saint-Sans intar inte den sista platsen bland dem. Redan vid två års ålder plockade Saint-Saens upp melodier på pianot, och han lärde sig läsa och skriva musik samtidigt. Vid tre års ålder spelade han pjäser egen komposition. Vid tio års ålder framförde han perfekt Mozart och Beethoven. Han blev dock allvarligt intresserad av entomologi (fjärilar och insekter), och senare för andra vetenskaper, inklusive geologi, astronomi och filosofi. Det verkade så begåvade barn kan helt enkelt inte begränsas till en sak.

Efter examen från konservatoriet i Paris arbetade Saint-Saens som organist i många år. Med åldern började han påverka musiklivet Frankrike, och det var tack vare honom som musiken av sådana kompositörer som J.S. Bach, Mozart, Handel och Gluck började framföras oftare.

Mest berömd uppsats Saint - Sansa - djurkarneval, som kompositören förbjöd att framföra under sin livstid. Han var orolig för hur musikkritiker, efter att ha hört detta arbete, ansåg han inte att det var alltför oseriöst. Det är trots allt roligt när orkestern på scenen porträtterar ett lejon, höns med tupp, sköldpaddor, en elefant, en känguru, ett akvarium med fiskar, fåglar, en åsna och en svan.

Saint-Saens skrev några av sina andra kompositioner för inte så frekventa kombinationer av instrument, inklusive de berömda "Orgel" symfoni nr 3, lät i filmen "Babe".

Musiken från Saint-Saens påverkade andra franska kompositörers arbete, inklusive Gabriel Faure. Denna unge man ärvde organisttjänsten i den parisiska kyrkan St. Magdalena, som tidigare innehafts av Saint-Saens.

Och även om Faures talang inte går att jämföra med hans lärares talang, var han en stor pianist.

Fauré var en fattig man och arbetade därför hårt, spelade orgel, ledde kören och gav lektioner. Han skrev in fritid, som förblev mycket få, men trots detta lyckades han publicera mer än tvåhundrafemtio av sina verk. Några av dem komponerades under mycket lång tid: till exempel arbeta på Requiem varade i över tjugo år.

1905 blev Fauré direktör för konservatoriet i Paris, det vill säga mannen som dåtidens franska musiks utveckling till stor del berodde på. Femton år senare gick Faure i pension. I slutet av sitt liv led han av hörselnedsättning.

Idag är Faure respekterad utanför Frankrike, även om han är mest uppskattad där.

För fans Engelsk musik utseendet på en sådan figur som Edward Elgar, det måste ha verkat som ett riktigt mirakel. Många musikhistoriker hänvisar till honom som den första betydande engelsk kompositör efter Henry Purcell, som arbetade under barocken, även om vi lite tidigare också nämnde Arthur Sullivan.

Elgar var mycket förtjust i England, särskilt sitt hemland Worcestershire, där han tillbringade större delen av sitt liv och hittade inspiration på fälten i Malvern Hills.

Som barn var han omgiven av musik överallt: hans far ägde en lokal musikaffär och lärde lille Elgar att spela olika musikinstrument. Redan vid tolvårsåldern ersatte pojken organisten vid gudstjänsterna.

Efter att ha arbetat på ett advokatkontor bestämde sig Elgar för att ägna sig åt en mycket mindre ekonomiskt säker sysselsättning. Under en tid arbetade han deltid, gav violin- och pianolektioner, spelade i lokala orkestrar och till och med dirigerade lite.

Så småningom växte Elgars berömmelse som kompositör, även om han fick kämpa för att ta sig utanför sitt hemland. Berömmelse förde honom Variationer på originaltema, som nu är mer kända som Enigma variationer.

Nu upplevs Elgars musik som väldigt engelsk och låter under de största evenemangen i nationell skala. Vid första ljudet av det Cellokonsert den engelska landsbygden dyker upp omedelbart. Nimrod från Variationer spelade ofta vid officiella ceremonier, och Högtidlig och ceremoniell marsch nr 1, känd som Land av hopp och ära utföra på examensfester i hela Storbritannien.

Elgar var en familjefar och älskade ett lugnt, ordnat liv. Ändå satte han sin prägel på historien. Denna kompositör med en tjock frodig mustasch kan omedelbart märkas på tjugopundssedeln. Uppenbarligen fann sedeldesigners att sådant ansiktshår skulle vara mycket svårt att fejka.

I Italien var Giuseppe Verdis efterträdare inom operakonsten Giacomo Puccini, anses vara en av de erkända världsmästarna i denna konstform.

Familjen Puccini har länge varit förknippad med kyrkomusik men när Giacomo först hörde opera Aida Verdi, han insåg att detta var hans kallelse.

Efter studier i Milano komponerar Puccini en opera Manon Lesko, vilket gav honom hans första stora framgång 1893. Efter det följde en framgångsrik produktion efter den andra: Böhmenår 1896, Längtanår 1900 och Madam Butterflyår 1904.

Totalt komponerade Puccini tolv operor, varav den sista var Turandot. Han dog utan att fullborda denna komposition, och en annan kompositör fullbordade verket. Vid operans premiär stoppade dirigenten Arturo Toscanini orkestern precis där Puccini slutade. Han vände sig mot publiken och sa:

Med Puccinis död slutade den italienska operakonstens storhetstid. Vår bok kommer inte längre att nämna italienska operakompositörer. Men vem vet vad framtiden har att erbjuda för oss?

I livet Gustav Mahler Han var mer känd som dirigent än som kompositör. Han dirigerade på vintern och på sommaren föredrog han att skriva.

Som barn ska Mahler ha hittat ett piano på vinden i sin mormors hus. Fyra år senare, vid tio års ålder, gjorde han redan sin första föreställning.

Mahler studerade vid Wiens konservatorium, där han började komponera musik. 1897 blev han direktör för Wiens statsopera och under de följande tio åren blev han avsevärd berömmelse på detta område.

Han började själv skriva tre operor, men blev aldrig färdig med dem. I vår tid är han mest känd som kompositör av symfonier. I den här genren äger han en av de riktiga "hitsen" - Symfoni nr 8, i framförandet av vilket mer än tusen musiker och sångare är inblandade.

Efter Mahlers död gick hans musik ur mode i femtio år, men under andra hälften av 1900-talet återtog den popularitet, särskilt i Storbritannien och USA.

Richard Strauss född i Tyskland och till dynastin Wiener Strauss hörde inte till. Trots att denna kompositör levde nästan hela första hälften av 1900-talet anses han fortfarande vara en representant för tysk musikromantik.

Richard Strauss världsomspännande popularitet led något av det faktum att han bestämde sig för att stanna i Tyskland efter 1939, och efter andra världskriget anklagades han helt för att ha samarbetat med nazisterna.

Strauss var en utmärkt dirigent, tack vare vilken han perfekt förstod hur det ena eller det instrumentet i orkestern skulle låta. Han tillämpade ofta denna kunskap i praktiken. Han gav också olika råd till andra kompositörer, såsom:

"Titta aldrig på tromboner, du bara uppmuntrar dem."

”Svett inte när du uppträder; bara lyssnarna ska bli heta.”

Idag minns Strauss främst i samband med hans komposition Så talade Zarathustra, introt som Stanley Kubrick använde i sin film 2001: A Space Odyssey. Men han skrev också några av de bästa tyska operorna, bland dem - Rosenkavalier, Salome Och Ariadne på Naxos. Ett år före sin död komponerade han också mycket vackert Fyra senaste låtarna för röst och orkester. Egentligen var dessa inte de sista låtarna av Strauss, men de blev en slags final på hans kreativa verksamhet.

Fram tills nu, bland de tonsättare som nämns i denna bok, fanns det bara en representant för Skandinavien - Edvard Grieg. Men nu är vi återigen transporterade till detta hårda och kalla land - denna gång till Finland, där Jean Sibelius, stort musikaliskt geni.

Sibelius musik absorberade myterna och legenderna från hans hemland. Hans största arbete, Finland, anses vara förkroppsligandet av finländarnas nationella anda, precis som i Storbritannien National skatt Elgars verk är erkända. Dessutom var Sibelius, liksom Mahler, en sann mästare på symfonierna.

När det gäller kompositörens övriga passioner var han i sitt dagliga liv överdrivet förtjust i att dricka och röka, så att han vid en ålder av fyrtiotal år insjuknade i strupcancer. Han saknade också ofta pengar och staten gav honom pension så att han kunde fortsätta skriva musik utan att behöva oroa sig för sitt ekonomiska välbefinnande. Men mer än tjugo år före sin död slutade Sibelius att komponera någonting alls. Han levde resten av sitt liv i relativ ensamhet. Han var särskilt hård mot dem som fick pengar för recensioner av hans musik:

"Lyssna inte på vad kritikerna säger. Hittills har inte en enda kritiker fått en staty.”

Den siste i vår lista över tonsättare från romantiken levde också till nästan mitten av 1900-talet, även om de flesta av hans mest kända verk skrev han på 1900-talet. Och ändå är han rankad bland romantikerna, och det verkar för oss att detta är den mest romantiska kompositören i hela gruppen.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov föddes i en adlig familj, som vid den tiden hade spenderat mycket pengar. Han utvecklade ett intresse för musik redan tidig barndom, och hans föräldrar skickade honom för att studera, först i St. Petersburg och sedan i Moskva.

Rachmaninov var en överraskande begåvad pianist, och han visade sig också vara en underbar kompositör.

Mina Pianokonsert nr 1 skrev han vid nitton. Han fick också tid för sin första opera, Aleko.

Men det här livet stor musiker, som regel, var inte särskilt nöjd. På många av fotografierna ser vi en arg, rynkade man. En annan rysk kompositör, Igor Stravinsky, sa en gång:

"Rachmaninoffs odödliga väsen var hans rynka pannan. Han var sex och en halv fot av rynkad panna... han var en skräckinjagande man."

När den unge Rachmaninov spelade för Tjajkovskij blev han så förtjust att han satte en femma med fyra plus på notbladet - det högsta betyget i Moskvakonservatoriets historia. Snart oj ung talang hela staden talade.

Ändå förblev ödet ogynnsamt för musikern under lång tid.

Kritikerna var mycket hårda mot honom. Symfonier nr 1, vars premiär slutade i misslyckande. Detta gav Rachmaninoff svårt. själskänslor, han tappade tron ​​på sin egen styrka och kunde inte komponera någonting alls.

Till slut var det bara hjälpen av en erfaren psykiater Nikolai Dahl som gjorde att han kunde ta sig ur krisen. År 1901 hade Rachmaninoff avslutat pianokonserten, som han hade arbetat hårt under många år och tillägnat doktor Dahl. Denna gång hälsade publiken kompositörens verk med förtjusning. Sedan dess Pianokonsert nr 2 blev en favorit en klassiker utförs av olika musikaliska grupperÖver hela världen.

Rachmaninoff började turnera i Europa och USA. När han återvände till Ryssland dirigerade och komponerade han.

Efter revolutionen 1917 gick Rachmaninov och hans familj på konserter i Skandinavien. Han återvände aldrig hem. Istället flyttade han till Schweiz, där han köpte ett hus vid Luzernsjöns strand. Han älskade alltid vattendrag och nu, när han blev en ganska rik man, hade han råd att koppla av på stranden och beundra det öppna landskapet.

Rachmaninoff var en utmärkt dirigent och gav alltid följande råd till dem som ville utmärka sig på detta område:

”En bra konduktör måste vara en bra förare. Båda behöver samma egenskaper: koncentration, kontinuerlig intensiv uppmärksamhet och sinnesnärvaro. Dirigenten behöver bara känna till musiken lite...”

1935 bestämde sig Rachmaninoff för att bosätta sig i USA. Han bodde först i New York och flyttade sedan till Los Angeles. Där började han bygga åt sig själv nytt hus, helt identisk med det han lämnade i Moskva.

Turchin V S

Från boken Bretons [Romantics of the sea (liter)] av Gio Pierre-Roland

Från boken A Brief History of Music. Den mest kompletta och mest koncisa guiden författaren Henley Daren

Tre underavsnitt av romantik När du bläddrar igenom vår bok kommer du att märka att detta är det största av alla dess kapitel, där inte mindre än trettiosju tonsättare nämns. Många av dem bodde och arbetade samtidigt i olika länder. Vi har därför delat in detta kapitel i tre avsnitt: "Tidig

Ur boken Livet ska gå ut, men jag blir kvar: Samlade verk författare Glinka Gleb Alexandrovich

Tidiga romantiker Dessa är tonsättare som har blivit en slags bro mellan den klassiska perioden och senromantikens period. Många av dem arbetade samtidigt med "klassikerna", och Mozart och Beethoven hade stort inflytande på deras arbete. Samtidigt bidrog många av dem

Från boken Kärlek och spanjorer författaren Upton Nina

SENARE DIKTER SOM INTE INGÅR I SAMLINGSVILLANEN Jag kommer inte att återvända till mina tidigare vägar. Det som var, ska inte vara det. Inte bara Ryssland – Europa börjar jag glömma. Livet är bortkastat allt eller nästan allt. Jag säger till mig själv: Hur hittade jag mig själv i Amerika, för vad och varför? - Inte

Ur boken På baksidan av spegeln 1910-1930-talet författare Bondar-Tereshchenko Igor

Kapitel tio. Romantiska utlänningar och spanska coplas En utställning med spanska målningar 1838 fängslade hela Paris. Hon var en riktig uppenbarelse. Spanien är på modet. Romantiker darrade av förtjusning. Théophile Gauthier, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas (som fick en smäll

Från boken Till ursprunget till Rus [Människor och språk] författare Trubachev Oleg Nikolaevich

Från författarens bok

Historien är "levande": från romantik till pragmatism Litteraturforskare betonar ofta sitt oberoende av litteraturen och talar om dem som, för att skriva om iktyologi, inte behöver vara riba. Jag är inte vältränad. Inte lämplig för att jag själv är riba, jag är författare-litteraturvetare,

Under romantikens tidevarv intog musiken en avgörande plats i konstsystemet. Detta beror på dess specificitet, vilket gör att du fullt ut kan reflektera känslomässiga upplevelser med hjälp av hela arsenalen av uttrycksfulla medel.

Romantik i musik förekommer på artonhundratalet i verk av F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Lite senare återspeglades denna stil i verk av F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi och andra kompositörer.

Romantiken har sitt ursprung i Europa i början av artonhundratalet. Det blev ett slags motstånd mot klassicismen. Romantiken tillät lyssnaren att tränga in i magisk värld legender, sånger och sagor. Den ledande principen för denna riktning är opposition (drömmar och vardagsliv, perfekt värld och vardagsliv), skapade kreativ fantasi kompositör. Denna stil var populär bland kreativa människor fram till fyrtiotalet av 1800-talet.

Romantik i musik speglar problem modern man, dess konflikt med världen utanför och hans ensamhet. Dessa teman blir centrala i kompositörernas arbete. Att vara begåvad till skillnad från andra, en person känner sig hela tiden missförstådd av andra. Hans talang och blir orsaken till ensamhet. Det är därför de romantiska kompositörernas favorithjältar är poeter, musiker och artister (R. Schumann "The Love of a Poet"; Berlioz är undertiteln "An Episod from the Life of an Artist" till "Fantastic Symphony", etc. ).

För att förmedla världen av en persons inre upplevelser, bär romantiken i musik ganska ofta en prägel av självbiografi, uppriktighet och lyrik. Teman kärlek och passion används ofta. T.ex, berömd kompositör R. Schumann dedikerade många pianostycken till sin älskade Clara Wieck.

Temat natur är också ganska vanligt i romantikernas arbete. Kompositörer motsätter sig ofta det sinnesstämning man, färgning med nyanser av disharmoni.

Temat fantasy har blivit en riktig upptäckt av romantiker. De arbetar aktivt med skapandet av fantastiska karaktärer och överföringen av deras bilder genom en mängd olika element. musikaliskt språk(Mozart" magisk flöjt"- Nattens drottning).

Ofta avser romantik i musik folkkonst. Kompositörer använder i sina verk en mängd olika folkloreelement (rytmer, intonationer, gamla lägen), hämtade från sånger och ballader. Detta gör att du avsevärt kan berika innehållet i musikaliska pjäser.

Användningen av nya bilder och teman gjorde det nödvändigt att söka efter lämpliga former och så vidare romantiska verk talintonationer, naturliga harmonier, oppositioner av olika tonarter, solopartier (röster).

Romantik i musik förkroppsligade idén om en syntes av konsten. Ett exempel på detta är Schumann, Berlioz, Liszts och andra kompositörers programmatiska verk (symfonin "Harold i Italien", dikten "Preludier", cykeln "Åren av vandringar", etc.).

Den ryska romantiken återspeglades livligt i verk av M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky och andra.

I sina verk förmedlar A. Dargomyzhsky mångfacetterade psykologiska bilder ("Sjöjungfrun", romanser). I operan Ivan Susanin målar M. Glinka bilder av det vanliga ryska folkets liv. Till höger anses verk av kompositörer av den berömda "Mighty Handful" vara toppen. De brukade uttrycksmedel och karakteristiska intonationer som är inneboende i ryska folk sång, hushållsmusik, vardagligt tal.

Därefter användes denna stil också av A. Skrjabin (förspelet "Drömmar", dikten "Till lågan") och S. Rachmaninov (skisser-bilder, operan "Aleko", kantaten "Vår").