ประเภทพิสดารในซิมโฟนีของ Shostakovich ความคิดสร้างสรรค์ง

ส่งผลงานที่ดีของคุณในฐานความรู้ได้ง่ายๆ ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา บัณฑิต นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณมาก

โฮสต์ที่ http://www.allbest.ru/

มหาวิทยาลัยแห่งรัฐเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

เรียงความในหัวข้อ:

“ ความคิดสร้างสรรค์ ท.บ. ชอสตาโควิช”

เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2554

ในการดำเนิน

Shostakovich Dmitry Dmitrievich (2449-2518) - นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในยุคของเรานักเปียโนครูและบุคคลสาธารณะที่โดดเด่น Shostakovich ได้รับรางวัลชื่อ ศิลปินประชาชนสหภาพโซเวียต (พ.ศ. 2497) วีรบุรุษแห่งแรงงานสังคมนิยม (พ.ศ. 2509) รางวัลรัฐสหภาพโซเวียต (พ.ศ. 2484, 2485, 2489, 2493, 2495, 2511), รางวัลแห่งรัฐของ RSFSR (2517), รางวัล ซิเบลิอุส รางวัลสันติภาพสากล (พ.ศ. 2497) สมาชิกกิตติมศักดิ์ของสถานศึกษาและมหาวิทยาลัยในหลายประเทศทั่วโลก

วันนี้ Shostakovich เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่มีการแสดงมากที่สุดในโลก ผลงานสร้างสรรค์ของเขาแสดงออกถึงเรื่องราวดราม่าภายในของมนุษย์และเรื่องราวความทุกข์ทรมานอันน่าสยดสยองที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 ซึ่งเรื่องราวส่วนตัวอันลึกซึ้งเกี่ยวพันกับโศกนาฏกรรมของมนุษยชาติ

แนวเพลงและความหลากหลายทางสุนทรียะของดนตรีของ Shostakovich นั้นยิ่งใหญ่มาก หากเราใช้แนวคิดที่ยอมรับกันโดยทั่วไป ก็จะผสมผสานองค์ประกอบของเสียงวรรณยุกต์ โทนเสียง และดนตรีโมดอล ความทันสมัย ​​อนุรักษนิยม การแสดงออก และ "สไตล์ที่ยิ่งใหญ่" เข้าด้วยกันในผลงานของนักแต่งเพลง

มีการเขียนมากมายเกี่ยวกับ Shostakovich งานเกือบทั้งหมดของเขาได้รับการศึกษาอย่างละเอียด ทัศนคติของเขาต่อแนวเพลงได้รับการพิจารณา แง่มุมต่างๆ ของสไตล์และชีวิตของเขาได้รับการสำรวจ เป็นผลให้วรรณกรรมขนาดใหญ่และหลากหลายได้พัฒนา: จากการศึกษาเชิงลึกไปจนถึงสิ่งพิมพ์กึ่งแท็บลอยด์

งานศิลปะดี.ดี. ชอสตาโควิช

บทกวีของนักแต่งเพลงซิมโฟนี shostakovich

Dmitry Shostakovich ชาวโปแลนด์เกิดที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อวันที่ 12 (25) กันยายน พ.ศ. 2449 เสียชีวิตในมอสโกเมื่อวันที่ 9 สิงหาคม พ.ศ. 2518 พ่อเป็นวิศวกรเคมี รักดนตรี แม่ - นักเปียโนที่มีพรสวรรค์ เธอให้ทักษะเบื้องต้นในการเล่นเปียโน หลังจากเรียนที่โรงเรียนดนตรีเอกชนในปี 2462 Shostakovich ได้เข้าเรียนเปียโนที่ Petrograd Conservatory และต่อมาก็เริ่มศึกษาการประพันธ์เพลง ในขณะที่ยังเป็นนักเรียนเขาเริ่มทำงาน - เขาเป็นนักเปียโนระหว่างการแสดงภาพยนตร์ "เงียบ"

ในปี 1923 Shostakovich จบการศึกษาจากเรือนกระจกในฐานะนักเปียโน (ภายใต้ L.V. Nikolaev) และในปี 1925 ในฐานะนักแต่งเพลง วิทยานิพนธ์ของเขาคือ First Simony มันกลายเป็นเหตุการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในชีวิตดนตรีและเป็นจุดเริ่มต้นของชื่อเสียงระดับโลกของผู้แต่ง

ใน First Symphony เราสามารถเห็นได้ว่าผู้แต่งยังคงรักษาประเพณีของ P.I. ไชคอฟสกี, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. มุสซอร์กสกี, ลียาดอฟ. ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นว่าเป็นการสังเคราะห์กระแสนำหักเหในแบบของตัวเองและสดใหม่ ซิมโฟนีมีความโดดเด่นในด้านกิจกรรม แรงกดดันแบบไดนามิก และความเปรียบต่างที่คาดไม่ถึง

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Shostakovich ได้แสดงคอนเสิร์ตในฐานะนักเปียโน เขาได้รับประกาศนียบัตรกิตติมศักดิ์จากการแข่งขันระดับนานาชาติครั้งแรก F. Chopin ในวอร์ซอว์ต้องเผชิญกับทางเลือกในบางครั้ง - เพื่อประกอบการดนตรีหรือกิจกรรมคอนเสิร์ตในอาชีพของเขา

หลังจากซิมโฟนีชุดแรก การทดลองช่วงสั้นๆ เริ่มขึ้น การค้นหาวิธีการทางดนตรีใหม่ๆ ในเวลานี้ปรากฏ: เปียโนโซนาตาตัวแรก (พ.ศ. 2469), บทละคร "ต้องเดา" (พ.ศ. 2470), ซิมโฟนีที่สอง "ตุลาคม" (พ.ศ. 2470), ซิมโฟนีที่สาม "วันพฤษภาคม" (พ.ศ. 2472)

การปรากฏตัวของภาพยนตร์และเพลงละคร ("New Babylon" 1929), "Golden Mountains" 1931, การแสดง "The Bedbug" 1929 และ "Hamlet" 1932) มีความเกี่ยวข้องกับการสร้างภาพใหม่โดยเฉพาะภาพล้อเลียนทางสังคม ความต่อเนื่องนี้พบได้ในโอเปร่า The Nose (อิงจาก N.V. Gogol 1928) และในโอเปร่า Lady Macbeth of the Mtsensk District (Katerina Izmailova) จาก N.S. เลสคอฟ (2475)

โครงเรื่องของชื่อเดียวกันโดย N.S. Shostakovich คิดใหม่ว่า Leskov เป็นละครที่มีลักษณะของผู้หญิงที่โดดเด่นในระเบียบสังคมที่ไม่ยุติธรรม ผู้เขียนเองเรียกโอเปร่าของเขาว่า "โศกนาฏกรรมเสียดสี" ในภาษาดนตรีของเธอ ความพิสดารในจิตวิญญาณของ "The Nose" ผสมผสานกับองค์ประกอบของความรักแบบรัสเซียและเพลงที่เอ้อระเหย ในปี 1934 โอเปร่าจัดแสดงในเลนินกราดและมอสโกภายใต้ชื่อ "Katerina Izmailova"; ตามด้วยรอบปฐมทัศน์ในโรงภาพยนตร์ อเมริกาเหนือและยุโรป (โอเปร่าออกฉาย 36 ครั้งใน (เปลี่ยนชื่อเป็น) เลนินกราด 94 ครั้งในมอสโกว นอกจากนี้ ยังจัดแสดงในสตอกโฮล์ม ปราก ลอนดอน ซูริก และโคเปนเฮเกน นับเป็นชัยชนะและโชสตาโควิชได้รับการแสดงความยินดีในฐานะอัจฉริยะ)

ซิมโฟนีที่สี่ (พ.ศ. 2477), ที่ห้า (พ.ศ. 2480), ซิมโฟนีที่หก (พ.ศ. 2482) แสดงถึงเวทีใหม่ในผลงานของโชสตาโควิช

การพัฒนาประเภทไพเราะ Shostakovich พร้อมมอบทุกสิ่ง มูลค่าที่มากขึ้นดนตรีบรรเลงแชมเบอร์

ชัดเจน สดใส สละสลวย สมดุล Sonata for Cello and Piano (1934), First String Quartet (1938), Quintet for String Quartet and Piano (1940) ถือเป็นเหตุการณ์สำคัญในชีวิตดนตรี

ซิมโฟนีที่เจ็ด (พ.ศ. 2484) กลายเป็นอนุสาวรีย์ดนตรีของผู้ยิ่งใหญ่ สงครามรักชาติ. ความต่อเนื่องของความคิดของเธอคือซิมโฟนีที่แปด

ในช่วงหลังสงคราม Shostakovich ให้ความสนใจกับแนวเสียงมากขึ้นเรื่อย ๆ

การโจมตี Shostakovich ในสื่อระลอกใหม่มีมากกว่าครั้งที่เกิดขึ้นในปี 1936 อย่างมาก Shostakovich ถูกบังคับให้ยอมจำนนต่อคำสั่ง Shostakovich "ตระหนักถึงความผิดพลาดของเขา" ส่ง oratorio Song of the Forests (1949), Cantata The Sun Shines Over บ้านเกิดเมืองนอนของเรา (พ.ศ. 2495) เพลงสำหรับภาพยนตร์หลายเรื่องที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และความรักชาติทางทหาร ฯลฯ ซึ่งทำให้ตำแหน่งของเขาลดลงส่วนหนึ่ง ในเวลาเดียวกัน งานบุญอื่น ๆ ก็ประกอบขึ้น: คอนแชร์โต้หมายเลข 1 สำหรับไวโอลินและวงออร์เคสตรา, วัฏจักรเสียง "จากกวีนิพนธ์พื้นบ้านของชาวยิว" (ทั้งปี 2491) (รอบสุดท้ายไม่สอดคล้องกับนโยบายต่อต้านกลุ่มเซมิติกของ รัฐ), วงเครื่องสาย N4 และ N5 (พ.ศ. 2492, พ.ศ. 2495) วนเพลง "24 Preludes and Fugues" สำหรับเปียโน (พ.ศ. 2494); ยกเว้นคนสุดท้าย พวกเขาทั้งหมดถูกประหารชีวิตหลังจากการตายของสตาลินเท่านั้น

ซิมโฟนีของ Shostakovich ให้ตัวอย่างที่น่าสนใจที่สุดของการใช้ มรดกคลาสสิกแนวเพลงทั่วไป เพลงทั่วไป (ซิมโฟนีที่สิบเอ็ด "1905" (1957) ซิมโฟนีที่สิบสอง "1917" (1961)) ความต่อเนื่องและการพัฒนามรดกของ L.-V. เบโธเฟนเป็นซิมโฟนีที่สิบสาม (พ.ศ. 2505) ซึ่งเขียนถึงโองการของ E. Yevtushenko ผู้เขียนเองกล่าวว่าในซิมโฟนีที่สิบสี่ของเขา (1969) มีการใช้แนวคิดเกี่ยวกับ "เพลงและการเต้นรำแห่งความตาย" ของ Mussorgsky

เหตุการณ์สำคัญ - บทกวี "The Execution of Stepan Razin" (1964) กลายเป็นจุดสูงสุดของมหากาพย์ในผลงานของ Shostakovich

ซิมโฟนีที่สิบสี่ได้รวมเอาความสำเร็จของแนวเพลงแชมเบอร์-โวคอล แชมเบอร์-อินสตรูเมนตัล และซิมโฟนีเข้าด้วยกัน เนื้อร้องโดย F. Garcia Loki, T. Appolinaro, V. Kuchelbecker และ R.M. Rilke สร้างงานปรัชญาที่ลึกซึ้งและโคลงสั้น ๆ

ความสำเร็จของผลงานที่ยอดเยี่ยมในการพัฒนาประเภทซิมโฟนีคือ Fifteenth Symphony (1971) ซึ่งรวมสิ่งที่ดีที่สุดที่ประสบความสำเร็จในขั้นตอนต่างๆของ D.D. ชอสตาโควิช.

องค์ประกอบ:

โอเปร่า - The Nose (หลังจาก N.V. Gogol, บทโดย E.I. Zamyatin, G.I. Ionin, A.G. Preis และผู้แต่ง, 2471, 2473, Leningradsky Maly โรงละครโอเปร่า), Lady Macbeth of the Mtsensk District (Katerina Izmailova, หลังจาก N.S. Leskov, บทประพันธ์โดย Preis และผู้แต่ง, 1932, จัดแสดงในปี 1934, Leningrad Maly Opera House, Moscow Musical Theatre ตั้งชื่อตาม V.I. Nemirovich-Danchenko; ฉบับใหม่ปี 1956 อุทิศให้กับ NV Shostakovich, จัดแสดงในปี 1963, Moscow Musical Theatre ตั้งชื่อตาม KS Stanislavsky และ VI Nemirovich-Danchenko), ผู้เล่น (อ้างอิงจาก Gogol, ยังไม่เสร็จสมบูรณ์, การแสดงคอนเสิร์ต 1978, Leningrad Philharmonic Society);

บัลเลต์ - ยุคทอง (พ.ศ. 2473, โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์เลนินกราด), โบลต์ (พ.ศ. 2474, อ้างแล้ว), สตรีมสดใส (พ.ศ. 2478, โรงละครเลนินกราดมาลีโอเปร่า); ละครเพลงมอสโก Cheryomushki (บทโดย V.Z. Mass และ M.A. Chervinsky, 1958, จัดแสดงในปี 1959, Moscow Operetta Theatre);

สำหรับศิลปินเดี่ยว นักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา - เพลงออราทอรีโอแห่งป่า (คำร้องโดย E.Ya. Dolmatovsky, 1949), Cantata Over Our Motherland ดวงอาทิตย์ส่องแสง (คำร้องโดย Dolmatovsky, 1952), บทกวี - Poem about the Motherland (1947) การประหารชีวิต Stepan Razin (คำพูดของ E.A. Evtushenko, 1964);

สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา - เพลงสวดถึงมอสโกว (พ.ศ. 2490), เพลงสวดของ RSFSR (คำร้องโดย S. P. Shchipachev, 2488);

สำหรับวงออเคสตรา - 15 ซิมโฟนี (หมายเลข 1, f-moll op. 10, 1925; No. 2 - ตุลาคม, พร้อมคอรัสสุดท้ายตามคำพูดของ A.I. Bezymensky, H-dur op. 14, 1927; No. 3, Pervomaiskaya , สำหรับวงออเคสตราและคอรัส คำโดย S. I. Kirsanov, Es-dur op. 20, 1929; No. 4, c-moll op. 43, 1936; No. 5, d-moll op. 47, 1937; No. 6, h-moll op. 54, 1939; No. 7, C-dur op. 60, 1941, อุทิศให้กับเมือง Leningrad; No. 8, c-moll op. 65, 1943, อุทิศให้กับ E. A. Mravinsky; No. 9 , Es-dur op. 70 , 1945; No. 10, e-moll op. 93, 1953; No. 11, 1905, g-moll op. 103, 1957; No. 12-1917, อุทิศให้กับความทรงจำของ V. I. Lenin, d-moll op. 112 , 1961; No. 13, b-moll op. 113, เนื้อร้องโดย E. A. Yevtushenko, 1962; No. 14, op. 135, เนื้อร้องโดย F. Garcia Lorca, G. Apollinaire, V. K. Kuchelbecker และ R. M. Rilke, 1969, อุทิศให้กับ B. Britten, No. 15, op. 141, 1971), บทกวีไพเราะตุลาคม (op. 131, 1967), ทาบทามในภาษารัสเซียและคีร์กีซ ธีมพื้นบ้าน(op. 115, 1963), Holiday Overture (1954), 2 scherzos (op. 1, 1919; op. 7, 1924), ทาบทาม Christopher Columbus โดย Dressel (op. 23, 1927), 5 ชิ้น (op. 42 , 1935), Novorossiysk ตีระฆัง (1960), งานศพและโหมโรงชัยชนะในความทรงจำของวีรบุรุษแห่ง Battle of Stalingrad (op. 130, 1967), suite - จากโอเปร่า The Nose (op. 15-a, 1928) จาก เพลงประกอบบัลเล่ต์ The Golden Age (op. 22-a, 1932), 5 ballet suites (1949; 1951; 1952; 1953; op. 27-a, 1931) จากเพลงประกอบภาพยนตร์ Golden Mountains (op. 30-a , 2474), การประชุมที่ Elbe ( 80-a, 2492), First Echelon (op. 99-a, 2499) จากเพลงไปจนถึงโศกนาฏกรรมของ Shakespeare Hamlet (op. 32-a, 2475);

คอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีและวงออเคสตรา - 2 สำหรับเปียโน (c-moll op. 35, 1933; F-dur op. 102, 1957), 2 สำหรับไวโอลิน (a-moll op. 77, 1948, อุทิศให้กับ D. F. Oistrakh; cis -minor op. 129, 1967, อุทิศให้กับเขา), 2 สำหรับเชลโล (Es-dur op. 107, 1959; G-dur op. 126, 1966);

สำหรับ แตรวง- มีนาคมของตำรวจโซเวียต (2513);

สำหรับวงออเคสตราแจ๊ส - ชุด (พ.ศ. 2477);

วงบรรเลงแชมเบอร์ - สำหรับไวโอลินและเปียโนโซนาตา (d-moll op. 134, 1968, อุทิศให้กับ D.F. Oistrakh); สำหรับวิโอลาและเปียโนโซนาตา (op. 147, 1975); สำหรับเชลโลและเปียโนโซนาตา (d-moll op. 40, 1934, อุทิศให้กับ V. L. Kubatsky), 3 ชิ้น (op. 9, 1923-24); เปียโนสามเครื่อง 2 เครื่อง (บรรเลง 8, 1923; บรรเลง 67, 1944, ในความทรงจำของ I.P. Sollertinsky), 15 เครื่องสาย, ควอเตต (หมายเลข l, C-dur op. 49, 1938: หมายเลข 2, A-dur op. 68, 1944, อุทิศให้กับ V. Ya. Shebalin, No. 3, F-dur op. 73, 1946, อุทิศให้กับ Beethoven Quartet, No. 4, D-dur op. 1952, อุทิศให้กับ Beethoven Quartet, No. 6, G major op. 101, 1956, No. 7, fis-moll op. 108, 1960, อุทิศให้กับความทรงจำของ N. V. Shostakovich, No. 8, c-moll op. 110, 1960, อุทิศให้กับความทรงจำของ ผู้ที่ตกเป็นเหยื่อของลัทธิฟาสซิสต์และสงคราม, หมายเลข 9, Es-dur op.117, 1964, อุทิศให้กับ I. A. Shostakovich, หมายเลข 10, As-dur op. 118, 1964, อุทิศให้กับ M. S. Weinberg, หมายเลข 11, f-moll op .122, 1966 ในความทรงจำของ V. P. Shiriisky, No. 12, Des-dur op.133, 1968, อุทิศให้กับ D. M. Tsyganov, No. 13, b-moll, 1970, อุทิศให้กับ V. V. Borisovsky ; No. 14, Fis- dur op. 142, 1973, อุทิศให้กับ S. P. Shirinsky; No. 15, es-moll op. 144, 1974), Piano quintet (g-moll op. 57, 1940), 2 ชิ้นสำหรับออคเต็ตเครื่องสาย (op. 11, 1924) -25);

สำหรับเปียโน - 2 sonatas (C-dur op. 12, 1926; h-moll op. 61, 1942, อุทิศให้กับ L.N. Nikolaev), 24 โหมโรง (op. 32, 1933), 24 โหมโรงและความทรงจำ (op. 87 , 2494 ), 8 โหมโรง (op. 2, 1920), ต้องเดา (10 ชิ้น, op. 13, 1927), 3 การเต้นรำที่ยอดเยี่ยม (op. 5, 1922), สมุดบันทึกสำหรับเด็ก (6 ชิ้น, op. 69, 1945), Puppet Dances (7 ชิ้น, ไม่มี op., 2495);

สำหรับ 2 เปียโน - คอนแชร์ติโน (op. 94, 1953), suite (op. 6, 1922, อุทิศให้กับความทรงจำของ D. B. Shostakovich);

สำหรับเสียงและวงออเคสตรา - นิทาน 2 เรื่องโดย Krylov (op. 4, 1922), 6 เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ กับคำพูดของกวีญี่ปุ่น (op. 21, 1928-32, อุทิศให้กับ N.V. Varzar), 8 เพลงพื้นบ้านภาษาอังกฤษและอเมริกันสำหรับข้อความโดย R . Burns และอื่น ๆ แปลโดย S. Ya. Marshak (ไม่มี op., 1944);

สำหรับการประสานเสียงด้วยเปียโน - คำสาบานต่อผู้บังคับการของประชาชน (คำพูดโดย V.M. Sayanov, 1942);

สำหรับนักร้องประสานเสียงอะแคปเปลลา - บทกวีสิบบทของกวีปฏิวัติชาวรัสเซีย (บทที่ 88, พ.ศ. 2494), การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านรัสเซีย 2 บท (บทที่ 104, พ.ศ. 2500), ความภักดี (เพลงบัลลาด 8 บทต่อคำพูดของ E.A. Dolmatovsky, บทประพันธ์ 136 , 2513 );

สำหรับเสียง ไวโอลิน เชลโล และเปียโน - 7 บทเพลงโดย A. A. Blok (op. 127, 1967); วัฏจักรเสียง จากบทกวีพื้นบ้านของชาวยิวสำหรับโซปราโน คอนทรัลโต และเทเนอร์กับเปียโน (op. 79, 1948); สำหรับเสียงจากเปียโน - 4 บทเพลงสู่ถ้อยคำ โดย อ.ส. Pushkin (op. 46, 1936), 6 เพลงรักโดย W. Raleigh, R. Burns และ W. Shakespeare (op. 62, 1942; เวอร์ชั่นที่มีวง Chamber Orchestra), 2 เพลงต่อคำโดย M.A. Svetlov (op. 72, 1945), 2 คำรักโดย M.Yu Lermontov (op. 84, 1950), 4 เพลงสำหรับคำพูดของ E.A. Dolmatovsky (op. 86, 1951), 4 บทพูดคนเดียวของ A.S. พุชกิน (op. 91, 1952), 5 เรื่องรักกับคำพูดของ E.A. Dolmatovsky (op. 98, 1954), เพลงสเปน (op. 100, 1956), 5 เสียดสีคำพูดของ S. Cherny (op. 106, 1960), 5 โรแมนติกเกี่ยวกับคำพูดจากนิตยสาร "Crocodile" (op. 121, 1965) , Spring (คำพูดของ Pushkin, op. 128, 1967), 6 บทกวีโดย M.I. Tsvetaeva (op. 143, 1973; แตกต่างกับแชมเบอร์ออร์เคสตรา), Sonnet suite โดย Michelangelo Buonarroti (op. 148, 1974; แตกต่างกับแชมเบอร์ออร์เคสตรา); 4 บทกวีโดยกัปตัน Lebyadkin (คำโดย F. M. Dostoevsky, op. 146, 1975);

สำหรับศิลปินเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียง และเปียโน - การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านรัสเซีย (พ.ศ. 2494);

เพลงสำหรับการแสดงในโรงละคร - Bedbug ของ Mayakovsky (พ.ศ. 2472, มอสโกว, V.E. Meyerhold Theatre), Bezymensky's Shot (2472, Leningrad TRAM), Gorbenko และ Lvov's Virgin Land (2473, อ้างแล้ว), " Rule, Britannia!" Piotrovsky (1931, อ้างแล้ว), Shakespeare's Hamlet (1932, มอสโก, Vakhtangov Theatre), " ความขบขันของมนุษย์ Sukhotin หลังจาก O. Balzac (1934, อ้างแล้ว), Salute ของ Afinogenov, สเปน (1936, Pushkin Leningrad Drama Theatre), Shakespeare's King Lear (1941, Gorky Leningrad Bolshoi Drama Theatre);

เพลงสำหรับภาพยนตร์ - "New Babylon" (1929), "One" (1931), "Golden Mountains" (1931), "Counter" (1932), "Love and Hate" (1935), "Girlfriends" (1936), ไตรภาค - Maxim's Youth (1935), Maxim's Return (1937), Vyborg Side (1939), Volochaev Days (1937), Friends (1938), Man with a Gun (1938), "Great Citizen" (2 ตอน, 1938-39 ), "หนูโง่" (การ์ตูน 2482), "การผจญภัยของ Korzinkina" (2484), "โซย่า" (2487), " คนที่เรียบง่าย"(1945), "Pirogov" (1947), "Young Guard" (1948), "Michurin" (1949), "Meeting on the Elbe" (1949), "Unforgettable 1919" (1952), "Belinsky" (1953 ), "Unity" (1954), "The Gadfly" (1955), "First Echelon" (1956), "Hamlet" (1964), "A Year Like Life" (1966), "King Lear" (1971) และ ฯลฯ;

เครื่องมือวัดผลงานของผู้เขียนคนอื่น - M.P. Mussorgsky - โอเปร่า Boris Godunov (2483), Khovanshchina (2502), วงจรเสียง เพลงและการเต้นรำแห่งความตาย (2505); โอเปร่าเรื่อง "Rothschild's Violin" โดย V.I. เฟลชแมน (2486); Horov A.A. Davidenko - "ในท่อนที่สิบ" และ "ถนนเป็นห่วง" (สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา 2505)

เกี่ยวกับสังคมและดี.ดี. วออสตาโควิช

Shostakovich เข้าสู่ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 อย่างรวดเร็วและมีชื่อเสียง ซิมโฟนีชุดแรกของเขาออกทัวร์คอนเสิร์ตฮอลล์หลายแห่งทั่วโลกในเวลาอันสั้น นับเป็นการแจ้งเกิดของศิลปินหน้าใหม่ ในปีต่อ ๆ มา นักแต่งเพลงหนุ่มเขียนมากมายและด้วยวิธีต่าง ๆ - ประสบความสำเร็จและไม่ค่อยดี ยอมจำนนต่อความคิดของเขาเองและปฏิบัติตามคำสั่งจากโรงละครและภาพยนตร์ ติดเชื้อจากการค้นหาสภาพแวดล้อมทางศิลปะที่หลากหลายและจ่ายส่วยให้กับการมีส่วนร่วมทางการเมือง . ค่อนข้างยากที่จะแยกแนวคิดหัวรุนแรงทางศิลปะออกจากแนวคิดหัวรุนแรงทางการเมืองในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ลัทธิแห่งอนาคตซึ่งมีแนวคิดเรื่อง "ความได้เปรียบทางอุตสาหกรรม" ของศิลปะต่อต้านปัจเจกบุคคลอย่างตรงไปตรงมาและดึงดูด "มวลชน" ในทางใดทางหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์ของบอลเชวิค ดังนั้นความเป็นคู่ของผลงาน (ซิมโฟนีชุดที่สองและสาม) ที่สร้างขึ้นในธีมการปฏิวัติที่เป็นที่นิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา โดยทั่วไปแล้วการกล่าวซ้ำสองคำดังกล่าวเป็นเรื่องปกติในเวลานั้น (เช่น โรงละครของ Mayerhold หรือบทกวีของ Mayakovsky) ดูเหมือนว่านักประดิษฐ์ศิลปะในยุคนั้นมองว่าการปฏิวัติสอดคล้องกับจิตวิญญาณของการค้นหาที่กล้าหาญของพวกเขาและสามารถสนับสนุนพวกเขาได้เท่านั้น ภายหลังพวกเขาจะเห็นว่าความเชื่อในการปฏิวัตินั้นไร้เดียงสาเพียงใด แต่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเมื่อบทประพันธ์สำคัญชิ้นแรกของ Shostakovich ถือกำเนิดขึ้น - ซิมโฟนี, โอเปร่า "The Nose", โหมโรง - ชีวิตทางศิลปะที่เดือดดาลและเดือดดาลและในบรรยากาศของงานสร้างสรรค์ที่สดใส, ความคิดที่ไม่ธรรมดา, การผสมที่มีสีสัน ทิศทางศิลปะและการทดลองที่ไร้การควบคุม พรสวรรค์ที่อายุน้อยและแข็งแกร่งทุกคนสามารถค้นหาแอปพลิเคชันสำหรับพลังสร้างสรรค์ที่ล้นเหลือของเขาได้ และในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Shostakovich ถูกจับโดยกระแสแห่งชีวิตอย่างสมบูรณ์ การเปลี่ยนแปลงไม่ได้เอื้อต่อการทำสมาธิอย่างสงบแต่อย่างใด ตรงกันข้าม กลับต้องการงานศิลปะที่มีประสิทธิภาพ ทันสมัย ​​และไม่เน้นหัวข้อ และ Shostakovich เช่นเดียวกับศิลปินหลายคนในเวลานั้นพยายามที่จะเขียนเพลงให้สอดคล้องกับโทนเสียงทั่วไปของยุคนั้นในบางครั้ง

Shostakovich ได้รับการโจมตีอย่างรุนแรงครั้งแรกจากเครื่องจักรวัฒนธรรมเผด็จการในปี 2479 ซึ่งเกี่ยวข้องกับการผลิตโอเปร่าเรื่องที่สอง (และครั้งสุดท้าย) ของเขา Lady Macbeth แห่งเขต Mtsensk ความหมายอันเป็นลางร้ายของการแบ่งแยกทางการเมืองดังกล่าวอยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่าในปี 1936 กลไกการปราบปรามที่อันตรายถึงชีวิตได้ดำเนินไปจนสุดขอบเขตแล้ว การวิจารณ์เชิงอุดมการณ์หมายถึงสิ่งเดียวเท่านั้น ไม่ว่าคุณจะอยู่ใน "อีกด้านหนึ่งของสิ่งกีดขวาง" และด้วยเหตุนี้จึงอยู่อีกด้านของการเป็นอยู่ หรือคุณรับรู้ถึง "ความยุติธรรมของการวิจารณ์" และจากนั้นชีวิตก็มอบให้คุณ ด้วยการละทิ้ง "ฉัน" Shostakovich ของตัวเองเป็นครั้งแรกต้องทำทางเลือกที่เจ็บปวดเช่นนี้ เขา "เข้าใจ" และ "รับรู้" และยิ่งกว่านั้น เขาถอดซิมโฟนีที่สี่ออกจากรอบปฐมทัศน์

ซิมโฟนีที่ตามมา (ที่ห้าและหก) ถูกตีความโดยการโฆษณาชวนเชื่อของทางการว่าเป็นการแสดง "สำนึก" "การแก้ไข" ในความเป็นจริง Shostakovich ใช้สูตรของซิมโฟนีในรูปแบบใหม่โดยอำพรางเนื้อหา อย่างไรก็ตาม สื่อมวลชนอย่างเป็นทางการสนับสนุน (และไม่สามารถสนับสนุนได้) งานเขียนเหล่านี้ เพราะไม่เช่นนั้นพรรคบอลเชวิคจะต้องยอมรับการวิจารณ์ที่ไม่ลงรอยกันอย่างสิ้นเชิง

Shostakovich ยืนยันชื่อเสียงของเขาในฐานะ "ผู้รักชาติโซเวียต" ในช่วงสงครามโดยการเขียนซิมโฟนี "เลนินกราด" ที่เจ็ดของเขา เป็นครั้งที่สาม (หลังจากครั้งแรกและครั้งที่ห้า) นักแต่งเพลงได้รับผลแห่งความสำเร็จไม่ใช่เฉพาะในประเทศของเขาเอง อำนาจของเขาในฐานะเจ้านาย เพลงร่วมสมัยดูเหมือนจะได้รับการยอมรับแล้ว อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่ได้ป้องกันเจ้าหน้าที่ในปี 2491 จากการเฆี่ยนตีทางการเมืองและการคุกคามที่เกี่ยวข้องกับการตีพิมพ์มติของคณะกรรมการกลางของพรรคคอมมิวนิสต์สหภาพทั้งหมดแห่งบอลเชวิค "ในโอเปร่ามิตรภาพอันยิ่งใหญ่โดย V. Muradeli ". วิจารณ์ได้ดุเดือด Shostakovich ถูกไล่ออกจากมอสโกวและ Leningrad Conservatories ซึ่งเขาเคยสอนมาก่อน การแสดงผลงานของเขาถูกห้าม แต่นักแต่งเพลงไม่ยอมแพ้และทำงานต่อไป เฉพาะในปี 1958 5 ปีหลังจากการเสียชีวิตของสตาลิน การตัดสินใจอย่างเป็นทางการได้รับการยอมรับว่าผิดพลาดหากไม่ได้อยู่ในบทบัญญัติ แต่ไม่ว่าในกรณีใดที่เกี่ยวข้องกับนักแต่งเพลงบางคน ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ตำแหน่งอย่างเป็นทางการของ Shostakovich ก็เริ่มดีขึ้น เขาเป็นเพลงคลาสสิกของโซเวียตที่ได้รับการยอมรับรัฐไม่วิพากษ์วิจารณ์อีกต่อไป แต่เข้าใกล้ตัวเองมากขึ้น เบื้องหลังความเป็นอยู่ภายนอกนั้นคงที่และเพิ่มแรงกดดันต่อนักแต่งเพลงซึ่ง Shostakovich ได้เขียนเรียงความจำนวนหนึ่ง แรงกดดันที่หนักที่สุดเกิดขึ้นเมื่อ Shostakovich ซึ่งได้รับการพิจารณาให้เป็นผู้นำของสหภาพนักแต่งเพลงของ RSFSR เริ่มบังคับให้เขาเข้าร่วมปาร์ตี้ซึ่งสถานะของโพสต์นี้ต้องการ ในเวลานั้นการกระทำดังกล่าวถือเป็นการยกย่องกฎของเกมและกลายเป็นปรากฏการณ์เกือบ แผนครัวเรือน. การเป็นสมาชิกในปาร์ตี้ได้รับลักษณะที่เป็นทางการอย่างแท้จริง ถึงกระนั้น Shostakovich ก็ประสบกับการเข้าร่วมปาร์ตี้อย่างเจ็บปวด

ตรังสี

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 เมื่อมุมมองของอดีตเปิดขึ้นจากความสูงของทศวรรษที่ผ่านมา ตำแหน่งของ Shostakovich ถูกกำหนดให้สอดคล้องกับประเพณีดั้งเดิม คลาสสิกไม่ได้มาจากลักษณะโวหารและไม่ใช่ในแง่ของการหวนกลับของนีโอคลาสสิก แต่โดยแก่นแท้อันลึกซึ้งของการทำความเข้าใจจุดประสงค์ของดนตรี ในองค์ประกอบทั้งหมดของการคิดทางดนตรี ทุกสิ่งที่นักแต่งเพลงดำเนินการสร้างบทประพันธ์ของเขา ไม่ว่าพวกเขาจะดูสร้างสรรค์เพียงใดในเวลานั้น ในที่สุดก็มีที่มา ความคลาสสิกแบบเวียนนาเช่นเดียวกับ - และในวงกว้างมากขึ้น - ระบบโฮโมโฟนิกโดยรวมพร้อมกับพื้นฐานโทนเสียงฮาร์มอนิก ชุดของรูปแบบทั่วไป องค์ประกอบของประเภท และความเข้าใจเฉพาะของพวกเขา Shostakovich สร้างยุคสมัยในประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปสมัยใหม่โดยเริ่มต้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และเกี่ยวข้องกับชื่อของ Bach, Haydn และ Mozart แม้ว่าจะไม่จำกัดเฉพาะพวกเขาก็ตาม ในแง่นี้ Shostakovich มีบทบาทเดียวกันกับยุคคลาสสิก - โรแมนติกที่ Bach มีความสัมพันธ์กับยุคบาโรก นักแต่งเพลงสังเคราะห์ผลงานของเขาหลายแนวในการพัฒนาดนตรียุโรปในศตวรรษที่ผ่านมาและทำหน้าที่สุดท้ายนี้ในเวลาที่ทิศทางที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงได้รับการพัฒนาอย่างเต็มที่แล้วและแนวคิดใหม่ของดนตรีก็เริ่มต้นขึ้น

Shostakovich ห่างไกลจากทัศนคติต่อดนตรีในฐานะเกมที่มีรูปแบบเสียงในตัว เขาแทบไม่เห็นด้วยกับสตราวินสกีว่าดนตรีแสดงออกแต่เพียงตัวมันเอง Shostakovich เป็นแบบดั้งเดิมเช่นเดียวกับผู้สร้างดนตรีที่ยิ่งใหญ่ก่อนหน้าเขาเขาเห็นว่ามันเป็นวิธีการสำนึกในตนเองของนักแต่งเพลง - ไม่เพียง แต่ในฐานะนักดนตรีที่สามารถสร้างสรรค์ได้ แต่ยังรวมถึงในฐานะบุคคลด้วย ไม่เพียงแต่เขาจะไม่ถอยห่างจากความเป็นจริงอันน่าสะพรึงกลัวที่เขาสังเกตเห็นรอบๆ ตัวเขาเท่านั้น แต่ในทางกลับกัน เขากลับพบว่า ชะตากรรมของตัวเองเป็นชะตากรรมของคนรุ่นหลังทั้งประเทศ

ภาษาของผลงานของ Shostakovich อาจก่อตัวขึ้นก่อนหลังสงครามแนวหน้าเท่านั้น และเป็นแบบดั้งเดิมในแง่ที่ว่าปัจจัยต่างๆ เช่น น้ำเสียง โหมด โทนเสียง ความกลมกลืน จังหวะจังหวะ รูปแบบทั่วไป และระบบที่กำหนดขึ้นในอดีตของประเภทของ ประเพณีทางวิชาการของยุโรปยังคงรักษาความสำคัญไว้อย่างเต็มที่ และแม้ว่านี่จะเป็นเสียงสูงต่ำที่แตกต่างกัน, โหมดประเภทพิเศษ, ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับโทนเสียง, ระบบความกลมกลืนของมันเอง, การตีความรูปแบบและแนวเพลงใหม่, การมีอยู่ของภาษาดนตรีในระดับเหล่านี้ได้พูดถึงความเป็นของประเพณีแล้ว ในเวลาเดียวกัน การค้นพบทั้งหมดในช่วงเวลานั้นกำลังสร้างความสมดุลจนเกือบจะเป็นไปได้ เขย่าระบบภาษาที่มีมาแต่โบราณ แต่ยังคงอยู่ในหมวดหมู่ที่พัฒนาโดยมัน ต้องขอบคุณนวัตกรรม แนวคิดแบบโฮโมโฟนิกของภาษาดนตรีเผยให้เห็นถึงการสำรองที่ยังไม่หมดสิ้น โอกาสที่ยังไม่ได้ใช้ พิสูจน์ให้เห็นถึงความกว้างและโอกาสในการพัฒนา ประวัติศาสตร์ดนตรีส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 20 ผ่านไปภายใต้สัญลักษณ์ของโอกาสเหล่านี้และ Shostakovich ก็มีส่วนร่วมอย่างไม่ต้องสงสัย

ซิมโฟนีโซเวียต

ในช่วงฤดูหนาวปี พ.ศ. 2478 Shostakovich ได้เข้าร่วมการอภิปรายเกี่ยวกับซิมโฟนีของโซเวียตซึ่งจัดขึ้นที่กรุงมอสโกเป็นเวลาสามวัน - ตั้งแต่วันที่ 4 ถึง 6 กุมภาพันธ์ มันเป็นหนึ่งในการแสดงที่สำคัญที่สุดของนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์โดยสรุปทิศทางของการทำงานต่อไป เขาเน้นอย่างตรงไปตรงมาถึงความซับซ้อนของปัญหาในขั้นตอนของการก่อตัวของประเภทซิมโฟนี, อันตรายของการแก้ปัญหาด้วย "สูตรอาหาร" มาตรฐาน, ต่อต้านการพูดเกินจริงของข้อดีของงานแต่ละชิ้น, โดยเฉพาะอย่างยิ่งการวิจารณ์ซิมโฟนีที่สามและห้าของ L. K. Knipper สำหรับ "ภาษาเคี้ยว" ความอนาถและความดั้งเดิมของสไตล์ เขายืนยันอย่างกล้าหาญว่า "... ไม่มีซิมโฟนีของโซเวียต เราต้องเจียมเนื้อเจียมตัวและยอมรับว่าเรายังไม่มีงานดนตรีที่สะท้อนโวหาร อุดมการณ์ และอารมณ์ในชีวิตของเราในรูปแบบขยาย และสะท้อนให้เห็นในรูปแบบที่ยอดเยี่ยม ... ต้องยอมรับว่าในดนตรีไพเราะของเรา เรามีแนวโน้มเพียงบางส่วนในการศึกษาความคิดทางดนตรีใหม่ ภาพร่างที่ขี้อายของรูปแบบในอนาคต…”

Shostakovich เรียกร้องให้รับรู้ประสบการณ์และความสำเร็จของวรรณกรรมโซเวียตซึ่งปัญหาที่ใกล้เคียงกันได้พบการนำไปใช้ในผลงานของ M. Gorky และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ดนตรีล้าหลังวรรณกรรมตาม Shostakovich

เมื่อพิจารณาถึงการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะสมัยใหม่ เขาเห็นสัญญาณของการบรรจบกันระหว่างกระบวนการของวรรณกรรมและดนตรี ซึ่งเริ่มขึ้นในดนตรีของโซเวียตในฐานะการเคลื่อนไหวที่มั่นคงไปสู่การประสานเสียงทางจิตวิทยาโคลงสั้น ๆ

สำหรับเขาแล้ว ไม่ต้องสงสัยเลยว่าธีมและสไตล์ของซิมโฟนีที่สองและสามของเขานั้นไม่เพียงผ่านเวทีเท่านั้น ความคิดสร้างสรรค์ของตัวเองแต่ยังรวมถึงซิมโฟนีของโซเวียตโดยรวมด้วย: รูปแบบทั่วไปเชิงเปรียบเทียบได้กลายเป็นล้าสมัยไปแล้ว มนุษย์ในฐานะสัญลักษณ์ซึ่งเป็นนามธรรมได้ละทิ้งผลงานศิลปะเพื่อกลายเป็นตัวตนในผลงานใหม่ ความเข้าใจที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับโครงเรื่องนั้นแข็งแกร่งขึ้นโดยไม่ต้องใช้ข้อความร้องประสานเสียงแบบง่ายในซิมโฟนี คำถามถูกหยิบยกขึ้นมาเกี่ยวกับเนื้อเรื่องของซิมโฟนีนิยมที่ "บริสุทธิ์"

เมื่อตระหนักถึงข้อจำกัดของประสบการณ์ซิมโฟนีล่าสุดของเขา ผู้แต่งจึงสนับสนุนการขยายเนื้อหาและที่มาของโวหารของซิมโฟนีโซเวียต เพื่อจุดประสงค์นี้ เขาดึงความสนใจไปที่การศึกษาซิมโฟนีนิยมของต่างประเทศ โดยยืนกรานถึงความจำเป็นของดนตรีวิทยาในการระบุความแตกต่างเชิงคุณภาพระหว่างซิมโฟนีของโซเวียตกับซิมโฟนีของตะวันตก

เริ่มต้นจากมาห์เลอร์ เขาพูดถึงซิมโฟนีสารภาพโคลงสั้น ๆ ที่มีความปรารถนาที่จะ โลกภายในร่วมสมัย. การทดลองยังคงดำเนินต่อไป Sollertinsky ผู้รู้เรื่องแผนการของ Shostakovich ดีกว่าใครกล่าวในการอภิปรายเกี่ยวกับซิมโฟนีของโซเวียต: "เราคาดหวังการปรากฏตัวของซิมโฟนีที่สี่ของ Shostakovich ด้วยความสนใจอย่างมาก" และอธิบายอย่างชัดเจน: "... งานนี้จะอยู่ในระยะที่ดี จากซิมโฟนีทั้งสามนั้น ซึ่งโชสตาโควิชเขียนไว้ก่อนหน้านี้ แต่ซิมโฟนียังอยู่ในสถานะตัวอ่อน”

สองเดือนหลังจากการอภิปรายในเดือนเมษายน พ.ศ. 2478 นักแต่งเพลงประกาศว่า: "ตอนนี้ฉันมีงานใหญ่รออยู่ข้างหน้า - ซิมโฟนีที่สี่

อดีตทั้งหมดที่ฉันมี วัสดุดนตรีเพราะงานนี้ถูกปฏิเสธโดยข้าพเจ้าแล้ว ซิมโฟนีกำลังถูกเขียนใหม่ เนื่องจากนี่เป็นงานที่ยากและมีความรับผิดชอบมากสำหรับฉัน ก่อนอื่นฉันอยากจะเขียนเรียงความสักสองสามเพลงในสไตล์แชมเบอร์และเครื่องดนตรี

ในฤดูร้อนปี 1935 Shostakovich ไม่สามารถทำอะไรได้เลยนอกจากแชมเบอร์และซิมโฟนิกจำนวนนับไม่ถ้วนซึ่งรวมถึงเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Girlfriends"

ในฤดูใบไม้ร่วงปีเดียวกัน เขาเริ่มเขียนซิมโฟนีที่สี่อีกครั้ง โดยตัดสินใจอย่างแน่วแน่ไม่ว่าเขาจะมีปัญหาอะไรรออยู่ เพื่อนำงานให้สำเร็จลุล่วง ตระหนักถึงผืนผ้าใบพื้นฐาน สัญญาในฤดูใบไม้ผลิว่าเป็น "ชนิดของ หลักการสร้างสรรค์งาน”

เริ่มประพันธ์ซิมโฟนีเมื่อวันที่ 13 กันยายน พ.ศ. 2478 ภายในสิ้นปี เขาได้ประพันธ์ท่อนแรกและท่อนที่สองเสร็จเกือบทั้งหมด เขาเขียนอย่างรวดเร็ว บางครั้งก็ชักกระตุก ทิ้งทั้งหน้าและแทนที่ด้วยหน้าใหม่ ลายมือของภาพสเก็ตช์ของ clavier ไม่เสถียร คล่องแคล่ว: จินตนาการครอบงำการบันทึก โน้ตอยู่ข้างหน้าปากกา ลื่นไหลเหมือนหิมะถล่มบนกระดาษ

บทความในปี 1936 ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของความเข้าใจที่แคบและด้านเดียวของประเด็นพื้นฐานที่สำคัญของศิลปะโซเวียต เช่น คำถามเกี่ยวกับทัศนคติต่อมรดกคลาสสิก ปัญหาของประเพณีและนวัตกรรม ประเพณีของดนตรีคลาสสิกไม่ได้ถูกมองว่าเป็นพื้นฐานสำหรับ การพัฒนาต่อไปแต่เป็นมาตรฐานที่ไม่เปลี่ยนแปลงซึ่งเป็นไปไม่ได้ที่จะไป วิธีการดังกล่าวขัดขวางการค้นหาที่เป็นนวัตกรรม ทำให้ความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงเป็นอัมพาต

ทัศนคติที่ดันทุรังเหล่านี้ไม่สามารถหยุดการเติบโตของศิลปะดนตรีโซเวียตได้ แต่พวกเขาทำให้การพัฒนาซับซ้อนอย่างไม่ต้องสงสัย ทำให้เกิดการปะทะกันหลายครั้ง และนำไปสู่อคติอย่างมากในการประเมิน

ข้อพิพาทและการอภิปรายที่แหลมคมในยุคนั้นเป็นพยานถึงการปะทะกันและการเปลี่ยนแปลงในการประเมินปรากฏการณ์ของดนตรี

การประสานเสียงของซิมโฟนีหมายเลขที่ห้ามีลักษณะเฉพาะเมื่อเปรียบเทียบกับซิมโฟนีที่สี่ โดยมีความสมดุลระหว่างเครื่องเป่าทองเหลืองและเครื่องสายมากกว่า โดยมีความเด่นไปทางเครื่องสาย: ในลาร์โกไม่มีกลุ่มเครื่องเป่าทองเหลืองเลย ไฮไลท์ของ Timbre ขึ้นอยู่กับช่วงเวลาสำคัญของการพัฒนา พวกเขาตามมาจากพวกเขา และถูกกำหนดโดยพวกเขา จากความเอื้อเฟื้อเผื่อแผ่ของคะแนนบัลเล่ต์ Shostakovich หันไปหาเศรษฐกิจของเสียงต่ำ ละครออร์เคสตราถูกกำหนดโดยการวางแนวละครทั่วไปของแบบฟอร์ม ความตึงเครียดในโทนเสียงถูกสร้างขึ้นโดยการผสมผสานระหว่างการผ่อนปรนแบบไพเราะและโครงร่างของวงออร์เคสตรา องค์ประกอบของวงออเคสตร้าเองก็ถูกกำหนดอย่างมั่นคงเช่นกัน หลังจากผ่านการทดลองต่างๆ กัน (มากถึงสี่เท่าในซิมโฟนีที่สี่) ตอนนี้ Shostakovich ยึดมั่นในองค์ประกอบสามอย่าง - เขาได้รับการยอมรับอย่างแม่นยำจากซิมโฟนีที่ห้า ทั้งในการจัดรูปแบบเนื้อหาและการเรียบเรียงโดยไม่ทำลาย ภายในกรอบขององค์ประกอบที่ยอมรับโดยทั่วไป นักแต่งเพลงมีความหลากหลายขยายความเป็นไปได้ของเสียงต่ำซึ่งมักเกิดจากเสียงเดี่ยว การใช้เปียโน (เป็นที่น่าสังเกตว่าหลังจากแนะนำ เป็นโน้ตเพลงของซิมโฟนีที่หนึ่ง จากนั้น Shostakovich ก็จ่ายเปียโนในช่วงซิมโฟนีที่สอง สาม สี่ และรวมไว้ในโน้ตเพลงที่ห้าอีกครั้ง) ในเวลาเดียวกัน ความสำคัญไม่เพียงเพิ่มการสูญเสียอวัยวะของเสียงต่ำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการผสมผสานเสียงต่ำ การสลับชั้นของเสียงต่ำขนาดใหญ่ด้วย ในส่วนสุดยอด เทคนิคการใช้เครื่องมือในรีจิสเตอร์ที่สื่ออารมณ์ได้สูงสุด โดยไม่มีเสียงเบสหรือเสียงเบสที่ไม่มีนัยสำคัญ (มีตัวอย่างมากมายในซิมโฟนี)

รูปแบบของมันเป็นเครื่องหมายของการสั่งซื้อ, การจัดระบบของการใช้งานก่อนหน้านี้, ความสำเร็จของอนุสาวรีย์เชิงตรรกะอย่างเคร่งครัด

ให้เราสังเกตคุณสมบัติของการสร้างตามแบบฉบับของซิมโฟนีที่ห้าซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้และพัฒนาในผลงานต่อไปของ Shostakovich

มูลค่าของรายการ epigraph เพิ่มขึ้น ในซิมโฟนีที่สี่มันเป็นแรงกระตุ้นที่รุนแรงและหงุดหงิด นี่คือพลังที่รุนแรงและน่าเกรงขามของบทสวด

ในส่วนแรก บทบาทของการแสดงจะถูกหยิบยกขึ้น ความดังและความสมบูรณ์ทางอารมณ์จะเพิ่มขึ้น ซึ่งถูกกำหนดโดยการประสานเสียง (เสียงของเครื่องสายในการแสดง) เอาชนะขอบเขตโครงสร้างระหว่างฝ่ายหลักและฝ่ายข้างเคียง มีไม่มากนักที่จะถูกเปรียบเทียบเป็นส่วนที่สำคัญทั้งในการแสดงออกและในการพัฒนา การสรุปการเปลี่ยนแปลงในเชิงคุณภาพกลายเป็นจุดสูงสุดของละครที่มีความต่อเนื่องของการพัฒนาใจความ: บางครั้งแก่นเรื่องได้รับความหมายใหม่โดยนัยซึ่งนำไปสู่ลักษณะความขัดแย้งที่น่าทึ่งของวัฏจักร

การพัฒนาไม่ได้หยุดเพียงแค่โค้ดเท่านั้น และนี่คือการแปลงธีม การแปลงธีมแบบโมดอล ไดนามิกโดยใช้การประสานเสียงยังคงดำเนินต่อไป

ในตอนจบของซิมโฟนีที่ห้า ผู้เขียนไม่ได้ให้ความขัดแย้งอย่างแข็งขันเหมือนในตอนสุดท้ายของซิมโฟนีก่อนหน้า สุดท้ายเป็นเรื่องง่าย “ด้วยลมหายใจเฮือกใหญ่ Shostakovich นำเราไปสู่แสงสว่างที่เจิดจ้าซึ่งประสบการณ์ที่น่าเศร้าทั้งหมด ความขัดแย้งที่น่าเศร้าของเส้นทางก่อนหน้านี้ที่ยากลำบากหายไป” (D. Kabalevsky) ข้อสรุปฟังดูเป็นบวกอย่างเด่นชัด “ฉันให้ผู้ชายคนหนึ่งที่มีประสบการณ์ทั้งหมดของเขาเป็นศูนย์กลางของแนวคิดเกี่ยวกับงานของฉัน” Shostakovich อธิบาย “และตอนจบของ Symphony จะแก้ไขช่วงเวลาอันน่าเศร้าของส่วนแรกด้วยวิธีที่ร่าเริงและมองโลกในแง่ดี”

ตอนจบดังกล่าวเน้นย้ำถึงต้นกำเนิดคลาสสิก ความต่อเนื่องของคลาสสิก ในความช่างเจียระไนของเขาแนวโน้มนั้นชัดเจนที่สุด: การสร้างรูปแบบการตีความโซนาตาฟรีโดยไม่เบี่ยงเบนจากพื้นฐานคลาสสิก

ในฤดูร้อนปี 1937 การเตรียมการสำหรับทศวรรษของดนตรีโซเวียตเริ่มขึ้นเพื่อฉลองครบรอบ 20 ปีของการปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม ซิมโฟนีรวมอยู่ในรายการแห่งทศวรรษ ในเดือนสิงหาคม Fritz Stiedry เดินทางไปต่างประเทศ M. Shteiman ซึ่งมาแทนที่เขาไม่สามารถนำเสนองานที่ซับซ้อนใหม่ในระดับที่เหมาะสมได้ การประหารชีวิตได้รับความไว้วางใจจาก Evgeny Mravinsky Shostakovich แทบจะไม่รู้จักเขาเลย: Mravinsky เข้าสู่เรือนกระจกในปี 1924 เมื่อ Shostakovich อยู่ในปีสุดท้ายของเขา บัลเล่ต์ของ Shostakovich ใน Leningrad และ Moscow ดำเนินการโดย A. Gauk, P. Feldt, Y. Fayer ซิมโฟนี "จัดฉาก" โดย N. Malko, A. Gauk มราวินสกี้อยู่ในเงามืด บุคลิกลักษณะของเขาก่อตัวขึ้นอย่างช้าๆ: ในปี 1937 เขาอายุ 34 ปี แต่เขาแทบไม่ได้ปรากฏตัวที่ Philharmonic Console ปิดด้วยความสงสัยในความแข็งแกร่งของตัวเอง ครั้งนี้เขายอมรับข้อเสนอที่จะนำเสนอซิมโฟนี Shostakovich ใหม่ต่อสาธารณชนโดยไม่ลังเล เมื่อนึกถึงความเด็ดขาดที่ผิดปกติของเขา ผู้ควบคุมวงเองก็ไม่สามารถอธิบายได้ในทางจิตวิทยา

เป็นเวลาเกือบสองปีแล้วที่ไม่ได้ยินเสียงเพลงของ Shostakovich ในห้องโถงใหญ่ นักดนตรีบางคนระวังเธอ ระเบียบวินัยของวงออเคสตราที่ไม่มีหัวหน้าวาทยกรที่เข้มแข็งกำลังลดลง ละครเพลงของ Philharmonic ถูกวิจารณ์โดยสื่อมวลชน ความเป็นผู้นำของ Philharmonic เปลี่ยนไป: นักแต่งเพลงหนุ่ม Mikhail Chudaki ซึ่งกลายเป็นผู้อำนวยการเพิ่งเข้าสู่ธุรกิจโดยวางแผนที่จะเกี่ยวข้องกับ I.I. Sollertinsky นักแต่งเพลงและเยาวชนที่แสดงดนตรี

โดยไม่ลังเล M.I. Chudaki แจกจ่ายโปรแกรมที่รับผิดชอบให้กับวาทยกรสามคนที่เริ่มกิจกรรมคอนเสิร์ต: E.A. มราวินสกี, น.ส. Rabinovich และ K.I. อีเลียสเบิร์ก.

ตลอดเดือนกันยายน Shostakovich มีชีวิตอยู่เพื่อชะตากรรมของซิมโฟนีเท่านั้น การแต่งเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Volochaev days" ถูกผลักกลับ เขาปฏิเสธคำสั่งอื่น ๆ โดยอ้างถึงการจ้างงาน

เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ที่ Philharmonic เล่นซิมโฟนี Mravinsky ฟังและถาม

ความยินยอมของผู้ควบคุมวงในการเปิดตัวด้วยซิมโฟนีที่ห้าได้รับอิทธิพลจากความหวังที่จะได้รับความช่วยเหลือจากผู้เขียนในกระบวนการปฏิบัติงานโดยอาศัยความรู้และประสบการณ์ของเขา วิธีการใช้ความอุตสาหะของ Mravinsky ในตอนแรกทำให้ Shostakovich ตื่นตระหนก “สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าเขาจะขุดคุ้ยเรื่องเล็กๆ น้อยๆ มากเกินไป ให้ความสนใจกับสิ่งพิเศษมากเกินไป และสำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าสิ่งนี้จะทำให้แผนโดยรวมเสียหาย ความคิดโดยรวม เกี่ยวกับทุกไหวพริบเกี่ยวกับทุกความคิด Mravinsky ทำให้ฉันถูกซักถามอย่างแท้จริงโดยต้องการคำตอบจากฉันสำหรับข้อสงสัยทั้งหมดที่เกิดขึ้นในตัวเขา

Zบทสรุป

ดี.ดี. Shostakovich เป็นศิลปินที่ซับซ้อน ชะตากรรมที่น่าเศร้า. ถูกข่มเหงเกือบทั้งชีวิต เขาอดทนต่ออวนลากและการประหัตประหารอย่างกล้าหาญเพื่อสิ่งสำคัญในชีวิตของเขา - เพื่อประโยชน์ในการสร้างสรรค์ บางครั้งในสภาวะที่ยากลำบากของการปราบปรามทางการเมือง เขาต้องหลบหลีก แต่ถ้าปราศจากสิ่งนี้ งานของเขาก็จะไม่มีอยู่จริง หลายคนที่เริ่มต้นกับเขาเสียชีวิตหลายคนพังทลาย เขายืนหยัดและมีชีวิตรอด อดทนทุกอย่าง และบรรลุถึงการเรียกของเขา สิ่งสำคัญไม่ใช่แค่วิธีการมองเห็นและได้ยินเขาในปัจจุบันเท่านั้น แต่ยังสำคัญว่าเขาเป็นใครในรุ่นราวคราวเดียวกันด้วย เพลงของเขา ปีที่ยาวนานยังคงเป็นทางออกที่ช่วยให้คุณยืดอกและหายใจได้อย่างอิสระในช่วงเวลาสั้น ๆ เสียงเพลงของ Shostakovich ไม่เพียง แต่เป็นการเฉลิมฉลองงานศิลปะเท่านั้น พวกเขารู้วิธีที่จะฟังและนำออกไปจากคอนเสิร์ตฮอลล์

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว

1. L. Tretyakova "หน้าเพลงโซเวียต", M.

2. M. Aranovsky, Musical "Anti-Utopias" โดย Shostakovich ตอนที่ 6 จากหนังสือ "Russian Music of the 20th Century"

3. เค็นโตวา เอส.ดี. ชอสตาโควิช. ชีวิตและการทำงาน: เอกสาร. ใน 2 เล่ม เล่ม 1.-ล.:ส. นักแต่งเพลง 2528 ส. 420

5. พอร์ทัลอินเทอร์เน็ต http://peoples.ru/

โฮสต์บน Allbest.ru

เอกสารที่คล้ายกัน

วัยเด็กของนักแต่งเพลงโซเวียตรัสเซียนักเปียโนที่โดดเด่นครูและบุคคลสาธารณะ Dmitry Dmitrievich Shostakovich เรียนที่โรงยิมพาณิชย์ของ Maria Shidlovskaya เรียนเปียโนครั้งแรก ผลงานสำคัญของนักแต่งเพลง

งานนำเสนอ เพิ่ม 05/25/2012


ชีวประวัติและอาชีพของ Shostakovich - นักแต่งเพลงนักเปียโนครูและบุคคลสาธารณะของโซเวียต ซิมโฟนีที่ห้าของ Shostakovich สืบสานประเพณีของนักแต่งเพลงเช่น Beethoven และ Tchaikovsky องค์ประกอบของสงครามปี โหมโรงและความทรงจำใน D major

ทดสอบเพิ่ม 09/24/2014


คำอธิบายชีวประวัติและผลงานของ D. Shostakovich - หนึ่งในนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคโซเวียตซึ่งมีดนตรีที่โดดเด่นด้วยเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างมากมาย ช่วงประเภทของงานของผู้แต่ง (ร้อง, บรรเลง, ซิมโฟนี)

บทคัดย่อ เพิ่ม 01/03/2011


เพลงประกอบภาพยนตร์ ผลงานของ อ.ด. ชอสตาโควิช. โศกนาฏกรรมของ W. Shakespeare ประวัติศาสตร์การสร้างสรรค์และชีวิตในงานศิลปะ ประวัติความเป็นมาของการสร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์โดย G. Kozintseva อวตารของดนตรีตัวละครหลักของภาพยนตร์เรื่องนี้ บทบาทของดนตรีในละครของภาพยนตร์เรื่อง "Hamlet"

ภาคนิพนธ์ เพิ่ม 06/23/2016


เส้นทางที่สร้างสรรค์ของ Dmitry Dmitrievich Shostakovich การมีส่วนร่วมของเขาต่อวัฒนธรรมดนตรี การสร้าง นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมซิมโฟนี เครื่องดนตรี และ วงดนตรีเสียง, การประพันธ์เพลงประสานเสียง (ออราทอริโอ, แคนทาทา, วงประสานเสียง), โอเปร่า, ดนตรีประกอบภาพยนตร์

นามธรรมเพิ่ม 03/20/2014


วัยเด็ก. พัฒนาการทางดนตรีของนักเปียโนและนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ Shostakovich - นักแสดงและนักแต่งเพลง ทางสร้างสรรค์. ปีหลังสงคราม ผลงานหลัก: "Seventh Symphony", โอเปร่า "Katerina Izmailova"

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 06/12/2550


วิธีการทำงานกับโมเดลประเภทในงานของ Shostakovich ความโดดเด่นของประเภทดั้งเดิมในด้านความคิดสร้างสรรค์ คุณลักษณะของการเลือกประเภทโดยผู้แต่ง หลักการพื้นฐานใจความในซิมโฟนีที่แปด การวิเคราะห์หน้าที่ทางศิลปะของพวกเขา บทบาทนำของความหมายประเภท

ภาคนิพนธ์ เพิ่ม 04/18/2011


โรงเรียนนักแต่งเพลงรัสเซีย "คัดลอก" กับ Vivaldi ที่ Bortnyansky ผู้ก่อตั้งดนตรีมืออาชีพของรัสเซียคือ Mikhail Glinka อุทธรณ์ไปยังต้นกำเนิดนอกรีตของ Igor Stravinsky อิทธิพลของดนตรีของ Dmitri Shostakovich ผลงานของเฟรเดริก โชแปง

บทคัดย่อ เพิ่ม 11/07/2009


กระแสคติชนวิทยาในดนตรีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 และผลงานของ Bela Bartok คะแนนบัลเล่ต์โดย Ravel บทประพันธ์ของ D.D. ชอสตาโควิช. ผลงานเปียโนของ Debussy บทกวีไพเราะโดย Richard Strauss ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงกลุ่ม "Six"

แผ่นโกงเพิ่ม 04/29/2013


ยุคเงินเป็นช่วงเวลาหนึ่งในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมรัสเซีย ตามลำดับเวลาที่เกี่ยวข้องกับต้นศตวรรษที่ 20 รวบรัด ประวัติย่อจากชีวิตของ Alexander Scriabin จับคู่สีและโทนสี ลักษณะการปฏิวัติของการค้นหาที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงและนักเปียโน

Dmitri Shostakovich กลายเป็นโลก นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงตอนอายุ 20 ปี เมื่อซิมโฟนีชุดแรกของเขาแสดงในคอนเสิร์ตฮอลล์ของสหภาพโซเวียต ยุโรป และสหรัฐอเมริกา หลังจากผ่านไป 10 ปี โอเปร่าและบัลเลต์ของเขาก็ได้ฉายในโรงภาพยนตร์ชั้นนำของโลก ซิมโฟนี 15 เพลงของ Shostakovich ถูกเรียกว่า "ยุคที่ยิ่งใหญ่ของดนตรีรัสเซียและโลก" โดยผู้ร่วมสมัย

ซิมโฟนีแรก

Dmitri Shostakovich เกิดที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 2449 พ่อของเขาทำงานเป็นวิศวกรและรักในเสียงดนตรีอย่างมาก แม่ของเขาเป็นนักเปียโน เธอให้ลูกชายเรียนเปียโนครั้งแรก ตอนอายุ 11 ปี Dmitry Shostakovich เริ่มเรียนที่โรงเรียนดนตรีเอกชน บรรดาครูต่างชื่นชมความสามารถในการแสดงของเขา ความจำที่ยอดเยี่ยม และระดับเสียงที่สมบูรณ์แบบ

ตอนอายุ 13 ปี นักเปียโนหนุ่มได้เข้าเรียนที่ Petrograd Conservatory ในชั้นเรียนเปียโน และอีกสองปีต่อมา - ที่คณะประพันธ์เพลง Shostakovich ทำงานที่โรงภาพยนตร์ในฐานะนักเปียโน ในระหว่างการประชุม เขาได้ทดลองจังหวะของการแต่งเพลง เลือกท่วงทำนองนำสำหรับตัวละคร และเรียบเรียงเสียงดนตรีเป็นตอนๆ ต่อมาเขาใช้ข้อความที่ดีที่สุดเหล่านี้ในการแต่งเพลงของเขาเอง

ดมิทรี โชสตาโควิช. ภาพ: filarmonia.kh.ua

ดมิทรี โชสตาโควิช. รูปถ่าย: propianino.ru

ดมิทรี โชสตาโควิช. รูปถ่าย: cps-static.rovicorp.com

ตั้งแต่ปี 1923 Shostakovich ทำงานใน First Symphony งานนี้กลายเป็นงานสำเร็จการศึกษารอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในปี 2469 ในเลนินกราด นักแต่งเพลงเล่าในภายหลังว่า: "ซิมโฟนีไปได้ดีเมื่อวานนี้ การแสดงนั้นยอดเยี่ยมมาก ความสำเร็จเป็นอย่างมาก ฉันออกไปคำนับห้าครั้ง ทุกอย่างฟังดูดีมาก"

ในไม่ช้าซิมโฟนีชุดแรกก็เป็นที่รู้จักนอกสหภาพโซเวียต ในปี พ.ศ. 2470 โชสตาโควิชเข้าร่วมการแข่งขันเปียโนโชแปงระดับนานาชาติครั้งแรกที่กรุงวอร์ซอว์ สมาชิกคณะลูกขุนคนหนึ่งของการแข่งขัน ผู้ควบคุมวงและนักแต่งเพลง บรูโน วอลเตอร์ ขอให้โชสตาโควิชส่งโน้ตเพลงซิมโฟนีไปให้เขาที่เบอร์ลิน มีการแสดงในเยอรมนีและสหรัฐอเมริกา หนึ่งปีหลังจากการแสดงรอบปฐมทัศน์ ซิมโฟนีเพลงแรกของโชสตาโควิชได้รับการบรรเลงโดยวงออร์เคสตร้าทั่วโลก

ผู้ที่เข้าใจผิดว่า First Symphony เป็นวัยเยาว์ที่ไร้กังวลและร่าเริง มันเต็มไปด้วยดราม่าของมนุษย์จนเป็นเรื่องแปลกที่จะจินตนาการว่าเด็กอายุ 19 ปีใช้ชีวิตแบบนี้... มันถูกเล่นทุกที่ ไม่มีประเทศใดที่ซิมโฟนีจะไม่ถูกเป่าทันทีหลังจากที่มันปรากฏขึ้น

Leo Arnshtam ผู้กำกับภาพยนตร์และนักเขียนบทภาพยนตร์ชาวโซเวียต

"นั่นเป็นวิธีที่ฉันได้ยินสงคราม"

ในปี 1932 Dmitry Shostakovich เขียนโอเปร่า Lady Macbeth แห่งเขต Mtsensk จัดแสดงภายใต้ชื่อ "Katerina Izmailova" รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในปี 2477 ในช่วงสองฤดูกาลแรก โอเปร่าแสดงในมอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมากกว่า 200 ครั้ง และยังฉายในโรงภาพยนตร์ในยุโรปและอเมริกาเหนืออีกด้วย

ในปี 1936 โจเซฟ สตาลินได้ดูโอเปร่า Katerina Izmailova ปราฟดาตีพิมพ์บทความชื่อ "ยุ่งเหยิงแทนที่จะเป็นดนตรี" และโอเปร่าก็ถูกประกาศว่า "ต่อต้านผู้คน" ในไม่ช้าการแต่งเพลงส่วนใหญ่ของเขาก็หายไปจากละครออเคสตร้าและโรงละคร Shostakovich ยกเลิกรอบปฐมทัศน์ของ Symphony No. 4 ที่กำหนดไว้สำหรับฤดูใบไม้ร่วง แต่ยังคงเขียนผลงานใหม่

หนึ่งปีต่อมา ซิมโฟนีหมายเลข 5 รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้น สตาลินเรียกมันว่า "การตอบสนองอย่างสร้างสรรค์ในเชิงธุรกิจของศิลปินโซเวียตต่อการวิจารณ์อย่างยุติธรรม" และนักวิจารณ์ - "ต้นแบบของสัจนิยมทางสังคม" ในดนตรีซิมโฟนี

ชอสตาโควิช, เมเยอร์โฮลด์, มายาคอฟสกี้, ร็อดเชนโก้ รูปถ่าย: doseng.org

Dmitri Shostakovich แสดงเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งแรก

โปสเตอร์ของ Shostakovich Symphony Orchestra รูปถ่าย: icsanpetersburgo.com

ในช่วงเดือนแรกของสงคราม Dmitry Shostakovich อยู่ในเลนินกราด เขาทำงานเป็นศาสตราจารย์ที่ Conservatory ทำหน้าที่อาสาสมัครดับเพลิง - ดับระเบิดก่อความไม่สงบบนหลังคาเรือนกระจก ในขณะปฏิบัติหน้าที่ Shostakovich ได้เขียนซิมโฟนีที่มีชื่อเสียงที่สุดชุดหนึ่งของเขา นั่นคือ Leningrad symphony ผู้เขียนเสร็จสิ้นการอพยพใน Kuibyshev เมื่อปลายเดือนธันวาคม พ.ศ. 2484

ฉันไม่รู้ว่าเรื่องนี้จะออกมาเป็นอย่างไร นักวิจารณ์ที่ไม่ได้ใช้งานอาจจะตำหนิฉันที่เลียนแบบ Bolero ของ Ravel ให้พวกเขาประณาม แต่นั่นเป็นวิธีที่ฉันได้ยินสงคราม

ดมิทรี โชสตาโควิช

ซิมโฟนีแสดงครั้งแรกในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2485 โดยวง Bolshoi Theatre Orchestra ซึ่งอพยพไปยัง Kuibyshev ไม่กี่วันต่อมามีการบรรเลงเพลงใน Hall of Columns ของสภาสหภาพมอสโก

ในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2485 ซิมโฟนีที่เจ็ดแสดงที่เลนินกราดที่ถูกปิดล้อม ในการเล่นเพลงที่เขียนขึ้นสำหรับการประพันธ์เพลงสองเพลงของวงออร์เคสตรา นักดนตรีจะถูกเรียกจากด้านหน้า คอนเสิร์ตใช้เวลา 80 นาที มีการถ่ายทอดเพลงจาก Philharmonic Hall ทางวิทยุ - ฟังในอพาร์ตเมนต์ บนถนน และด้านหน้า

เมื่อวงดุริยางค์เข้ามาบนเวทีทั้งห้องโถงก็ยืนขึ้น ... รายการเป็นเพียงซิมโฟนีเท่านั้น เป็นการยากที่จะถ่ายทอดบรรยากาศที่เกิดขึ้นในห้องโถงที่แออัดของ Leningrad Philharmonic ห้องโถงถูกครอบงำโดยผู้คนในเครื่องแบบทหาร ทหารและเจ้าหน้าที่จำนวนมากมาที่คอนเสิร์ตโดยตรงจากแนวหน้า

Karl Eliasberg ผู้ควบคุมวง Bolshoi Symphony Orchestra ของ Leningrad Radio Committee

เลนินกราดซิมโฟนีกลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ในนิวยอร์กนิตยสาร Time ฉบับหนึ่งออกมาพร้อมกับ Shostakovich บนหน้าปก ในภาพเหมือน นักแต่งเพลงสวมหมวกกันไฟ คำบรรยายอ่านว่า: "นักดับเพลิงโชสตาโควิช ท่ามกลางเสียงระเบิดในเลนินกราด ฉันได้ยินเสียงคอร์ดแห่งชัยชนะ ในปี พ.ศ. 2485-2486 เลนินกราดซิมโฟนีถูกเล่นมากกว่า 60 ครั้งในคอนเสิร์ตฮอลล์ต่างๆ ในสหรัฐอเมริกา

ดมิทรี โชสตาโควิช. รูปถ่าย: cdn.tvc.ru

Dmitri Shostakovich บนหน้าปกนิตยสาร Time

ดมิทรี โชสตาโควิช. สื่อรูปภาพ.tumblr.com

เมื่อวันอาทิตย์ที่ผ่านมา ซิมโฟนีของคุณถูกแสดงเป็นครั้งแรกทั่วอเมริกา เพลงของคุณบอกให้โลกรู้เกี่ยวกับผู้คนที่ยิ่งใหญ่และภาคภูมิใจ ผู้คนที่อยู่ยงคงกระพันที่ต่อสู้และทนทุกข์เพื่อที่จะมีส่วนในขุมทรัพย์แห่งจิตวิญญาณและอิสรภาพของมนุษย์

กวีชาวอเมริกัน คาร์ล แซนด์เบิร์ก ข้อความที่ตัดตอนมาจากคำนำของข้อความบทกวีถึง Shostakovich

"ยุคของ Shostakovich"

ในปี 1948 Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev และ Aram Khachaturian ถูกกล่าวหาว่า "เป็นทางการ", "ชนชั้นนายทุนเสื่อมโทรม" และ "คร่ำครวญต่อหน้าตะวันตก" Shostakovich ถูกไล่ออกจาก Moscow Conservatory ดนตรีของเขาถูกแบน

ในปี 1948 เมื่อเรามาถึง Conservatory เราเห็นคำสั่งบนกระดานข่าว: "D.D. Shostakovich ไม่ได้เป็นศาสตราจารย์ในชั้นเรียนการประพันธ์เพลงอีกต่อไปเนื่องจากคุณสมบัติของศาสตราจารย์ไม่ตรงกัน ... ” ฉันไม่เคยประสบความอัปยศอดสูเช่นนี้มาก่อน

น.ส.สติสลาฟ โรสโทรโปวิช

หนึ่งปีต่อมา การห้ามถูกยกเลิกอย่างเป็นทางการ นักแต่งเพลงถูกส่งไปยังสหรัฐอเมริกาโดยเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมของสหภาพโซเวียต ในปี 1950 Dmitri Shostakovich เป็นสมาชิกของคณะลูกขุนที่ Bach Competition ในเมือง Leipzig เขาได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน: " อัจฉริยะทางดนตรีบาคสนิทกับฉันเป็นพิเศษ เป็นไปไม่ได้ที่จะผ่านเขาไปอย่างไม่แยแส... ทุกวันฉันเล่นงานของเขาชิ้นหนึ่ง นี่เป็นความต้องการเร่งด่วนของฉัน และการติดต่อกับเพลงของ Bach อย่างต่อเนื่องทำให้ฉันได้รับปริมาณมหาศาล หลังจากกลับไปมอสโคว์ Shostakovich ก็เริ่มเขียนวงจรดนตรีใหม่ - 24 โหมโรงและความทรงจำ

ในปี 1957 Shostakovich กลายเป็นเลขาธิการของสหภาพนักแต่งเพลงแห่งสหภาพโซเวียตในปี 2503 - สหภาพนักแต่งเพลงแห่ง RSFSR (ในปี 2503–2511 - เลขาธิการคนแรก) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Anna Akhmatova ได้มอบหนังสือของเธอให้กับนักแต่งเพลงพร้อมคำอุทิศ: "ถึง Dmitry Dmitrievich Shostakovich ในยุคที่ฉันอาศัยอยู่บนโลก"

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1960 การแต่งเพลงของ Dmitri Shostakovich ในช่วงทศวรรษที่ 1920 รวมถึงโอเปร่า Katerina Izmailova ได้หวนคืนสู่วงออเคสตราและโรงละครของโซเวียต นักแต่งเพลงเขียนซิมโฟนีหมายเลข 14 ให้กับบทกวีของ Guillaume Apollinaire, Rainer Maria Rilke, Wilhelm Küchelbecker วงจรแห่งความรักกับผลงานของ Marina Tsvetaeva ซึ่งเป็นชุดของ Michelangelo ในบางครั้ง Shostakovich ใช้คำพูดทางดนตรีจากโน้ตเพลงและทำนองโดยนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ

นอกเหนือจากบัลเลต์ โอเปร่า และ ผลงานไพเราะ Dmitry Shostakovich สร้างดนตรีสำหรับภาพยนตร์ - "Ordinary People", "Young Guard", "Hamlet" และการ์ตูน - "Dances of the Dolls" และ "The Tale of the Stupid Mouse"

เมื่อพูดถึงเพลงของ Shostakovich ฉันอยากจะบอกว่ามันไม่สามารถเรียกว่าเพลงสำหรับภาพยนตร์ได้ มันมีอยู่ของมันเอง มันอาจจะเกี่ยวข้องกับบางสิ่งบางอย่าง นี่อาจเป็นโลกภายในของผู้เขียนซึ่งพูดถึงบางสิ่งที่ได้รับแรงบันดาลใจจากปรากฏการณ์ของชีวิตหรือศิลปะ

ผู้อำนวยการ Grigory Kozintsev

ในปีสุดท้ายของชีวิตนักแต่งเพลงป่วยหนัก Dmitri Shostakovich เสียชีวิตในมอสโกในเดือนสิงหาคม พ.ศ. 2518 เขาถูกฝังที่สุสานโนโวเดวิชี

เมื่อพูดถึงผลงานของ Shostakovich เราต้องพูดถึงบางอย่าง คุณสมบัติโวหารความคิดสร้างสรรค์ของเขา ตอนนี้เราต้องสรุปสิ่งที่พูดและชี้ให้เห็นถึงคุณลักษณะของสไตล์ที่ยังไม่ได้รับแม้แต่คำอธิบายสั้น ๆ ในหนังสือเล่มนี้ งานที่ผู้เขียนเผชิญอยู่ตอนนี้มีความซับซ้อนในตัวเอง พวกเขายากขึ้นไปอีกเพราะหนังสือเล่มนี้ไม่ได้มีไว้สำหรับนักดนตรีมืออาชีพเท่านั้น ฉันจะต้องละเว้นสิ่งที่เกี่ยวข้องกับเทคโนโลยีดนตรีการวิเคราะห์ดนตรีพิเศษ อย่างไรก็ตาม เป็นไปไม่ได้เลยที่จะพูดถึงรูปแบบงานของนักแต่งเพลง ภาษาดนตรี โดยไม่แตะประเด็นทางทฤษฎีเลย ฉันจะต้องสัมผัสกับพวกเขาแม้ว่าจะเล็กน้อยก็ตาม
ปัญหาพื้นฐานประการหนึ่งของรูปแบบดนตรียังคงเป็นปัญหาของเมโล เราจะหันไปหาเธอ
ครั้งหนึ่งในระหว่างบทเรียนของ Dmitry Dmitrievich มีการโต้เถียงกับนักเรียน: อะไรที่สำคัญกว่า - ท่วงทำนอง (ธีม) หรือการพัฒนา นักเรียนบางคนอ้างถึงการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ห้าของเบโธเฟน ธีมของการเคลื่อนไหวนี้เป็นพื้นฐานในตัวเอง ธรรมดา และเบโธเฟนสร้างผลงานที่ยอดเยี่ยมบนพื้นฐานของมัน! และใน Allegro แรกของ Third Symphony โดยผู้เขียนคนเดียวกัน สิ่งสำคัญไม่ได้อยู่ในธีม แต่อยู่ที่การพัฒนา แม้จะมีข้อโต้แย้งเหล่านี้ Shostakovich แย้งว่าเนื้อหาที่เป็นใจความคือทำนองเพลงยังคงมีความสำคัญยิ่งในดนตรี
การยืนยันคำเหล่านี้เป็นผลงานของ Shostakovich เอง
คุณสมบัติที่สำคัญของศิลปะดนตรีที่เหมือนจริงคือเพลงซึ่งแสดงออกมาอย่างกว้างขวาง ประเภทเครื่องดนตรี. คำนี้ใช้ในบริบทนี้อย่างกว้างๆ การแต่งเพลงไม่จำเป็นต้องปรากฏในรูปแบบที่ "บริสุทธิ์" และมักถูกรวมเข้ากับกระแสอื่นๆ นี่เป็นกรณีในดนตรีของนักแต่งเพลงที่อุทิศงานนี้ให้
เมื่อหันไปหาแหล่งที่มาของเพลงต่าง ๆ Shostakovich ก็ไม่ผ่านนิทานพื้นบ้านรัสเซีย ท่วงทำนองบางเพลงของเขาเติบโตมาจากเพลงโคลงสั้น ๆ เพลงคร่ำครวญ เพลงมหากาพย์ เพลงเต้นรำ นักแต่งเพลงไม่เคยเดินตามรอยโวหาร ชาติพันธุ์วิทยาโบราณ เขานำท่วงทำนองของคติชนวิทยามาทำใหม่อย่างลึกซึ้งโดยสอดคล้องกับลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีของเขา
มีการนำเพลงพื้นบ้านเก่ามาใช้ใน "The Execution of Stepan Razin" ใน "Katerina Izmailova" ตัวอย่างเช่นเรากำลังพูดถึงคณะนักร้องประสานเสียงของนักโทษ ในส่วนของตัว Kaverina เอง น้ำเสียงของความโรแมนติกในเมืองที่เป็นโคลงสั้น ๆ ในชีวิตประจำวันในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ผ่านมา (ซึ่งได้กล่าวถึงไปแล้ว) ได้รับการฟื้นคืนชีพ เพลงของ "ชายร่างเล็กที่ถูกลาก" (“ ฉันมีพ่อทูนหัว”) เต็มไปด้วยเพลงแดนซ์และเพลง
ให้เรานึกถึงส่วนที่สามของ oratorio "Song of the Forests" ("Remembrance of the Past") ซึ่งเป็นท่วงทำนองที่ชวนให้นึกถึง "Lucinushka" ในส่วนที่สองของ oratorio (“ Let 's Dress the Motherland in Forests”) ท่ามกลางเพลงอื่น ๆ การเปิดเพลงเริ่มต้น“ เฮ้ไปกันเถอะ” กะพริบ และธีมของความทรงจำสุดท้ายสะท้อนถึงท่วงทำนองของเพลงเก่า "Glory"
การคร่ำครวญและคร่ำครวญโศกเศร้าปรากฏในส่วนที่สามของ oratorio และในบทกวีประสานเสียง "The Ninth of January" และในซิมโฟนีที่สิบเอ็ด และในบทนำและความทรงจำของเปียโนบางเพลง
Shostakovich สร้างท่วงทำนองเครื่องดนตรีมากมายที่เกี่ยวข้องกับประเภทของเพลงโคลงสั้น ๆ สิ่งเหล่านี้รวมถึงธีมของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Trio, ตอนจบของ Second Quartet, การเคลื่อนไหวช้าของ First Cello Concerto - แน่นอนว่ารายการนี้สามารถดำเนินการต่อได้ การหาเกรนของเพลงในท่วงทำนองของ Shostakovich ตามจังหวะวอลทซ์ไม่ใช่เรื่องยาก ขอบเขตของการเต้นรำพื้นบ้านของรัสเซียถูกเปิดเผยในตอนจบของ First Violin Concerto, the Tenth Symphony (ส่วนด้านข้าง)
การแต่งเพลงแนวปฏิวัติเป็นส่วนสำคัญในดนตรีของ Shostakovich มีการพูดถึงเรื่องนี้มากแล้ว นอกเหนือจากน้ำเสียงที่กล้าหาญของเพลงแห่งการต่อสู้ปฏิวัติแล้ว Shostakovich ยังแนะนำบทเพลงอันไพเราะของเพลงเศร้าอย่างกล้าหาญเกี่ยวกับการทำงานหนักทางการเมืองและการเนรเทศ (การเคลื่อนไหวของแฝดสามที่ราบรื่นพร้อมกับการเคลื่อนไหวที่เด่นกว่า) น้ำเสียงดังกล่าวเติมบทกวีประสานเสียง การเคลื่อนไหวที่ไพเราะประเภทเดียวกันนี้พบได้ในซิมโฟนีที่หกและที่สิบ แม้ว่าเนื้อหาจะห่างไกลจากบทกวีขับร้องประสานเสียงก็ตาม
และเพลง "อ่างเก็บน้ำ" อีกเพลงหนึ่งที่ป้อนเพลงของ Shostakovich - เพลงมวลชนของโซเวียต ตัวเขาเองสร้างผลงานประเภทนี้ การเชื่อมต่อกับทรงกลมอันไพเราะของเขานั้นชัดเจนที่สุดใน oratorio "The Song of the Forests", Cantata "The Sun Shines Over Our Motherland", the Festive Overture
คุณสมบัติของสไตล์โอเปร่า ariose นอกเหนือจาก "Katerina Izmailova" ยังปรากฏในซิมโฟนีที่สิบสามและสิบสี่ของ Shostakovich รอบการร้องของแชมเบอร์ นอกจากนี้เขายังมีคานดนตรีบรรเลงที่ชวนให้นึกถึงเพลงอาเรียหรือแนวโรแมนติก (ธีมโอโบจากการเคลื่อนไหวครั้งที่สองและการโซโล่ฟลุตจาก Adagio of the Seventh Symphony)
ทุกสิ่งที่กล่าวมาข้างต้นล้วนเป็นองค์ประกอบสำคัญของงานประพันธ์ หากไม่มีพวกเขา มันก็ไม่สามารถดำรงอยู่ได้ อย่างไรก็ตาม บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในองค์ประกอบสไตล์อื่นๆ ฉันหมายถึง ตัวอย่างเช่น การอ่านซ้ำ - ไม่ใช่แค่เสียงพูด แต่เป็นเครื่องมือโดยเฉพาะอย่างยิ่ง
Katerina Izmailova เติมเต็มบทบรรยายที่ไพเราะซึ่งไม่เพียงสื่อถึงน้ำเสียงในการสนทนาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิดและความรู้สึกของตัวละครด้วย วัฏจักร "จากกวีนิพนธ์พื้นบ้านของชาวยิว" ให้ตัวอย่างใหม่ของลักษณะเฉพาะทางดนตรี ดำเนินการโดยใช้เทคนิคการเปล่งเสียงและคำพูด การประกาศด้วยเสียงสนับสนุนโดยการประกาศด้วยเครื่องดนตรี (ส่วนเปียโน) แนวโน้มนี้ได้รับการพัฒนาในรอบการร้องที่ตามมาโดย Shostakovich
การบรรเลงซ้ำเผยให้เห็นความปรารถนาอันแน่วแน่ของนักแต่งเพลงที่จะถ่ายทอด "ดนตรีแห่งสุนทรพจน์" ตามอำเภอใจด้วยวิธีการบรรเลง ที่นี่ก่อนที่เขาจะเปิดขอบเขตอันกว้างใหญ่สำหรับการวิจัยเชิงนวัตกรรม
เมื่อเราฟังซิมโฟนีของ Shostakovich และงานบรรเลงอื่น ๆ สำหรับเราแล้ว ดูเหมือนว่าเครื่องดนตรีเหล่านั้นจะมีชีวิตขึ้นมา กลายเป็นคน นักแสดงในละคร โศกนาฏกรรม และบางครั้งก็ตลกขบขัน มีความรู้สึกว่านี่คือ "โรงละครที่ทุกอย่างชัดเจนไม่ว่าจะหัวเราะหรือน้ำตา" (คำพูดของ K. Fedin เกี่ยวกับดนตรีของ Shostakovich) เสียงอุทานโกรธถูกแทนที่ด้วยเสียงกระซิบ เสียงอุทานเศร้า เสียงคร่ำครวญกลายเป็นเสียงหัวเราะเยาะเย้ย เครื่องดนตรีร้องเพลง ร้องไห้ และหัวเราะ แน่นอนว่าความประทับใจนี้ไม่ได้สร้างจากน้ำเสียงเท่านั้น บทบาทของเสียงต่ำนั้นยอดเยี่ยมมาก
ลักษณะการเปิดเผยของเครื่องดนตรีของ Shostakovich นั้นเชื่อมโยงกับการนำเสนอคนเดียว มีบทพูดคนเดียวในซิมโฟนีเกือบทั้งหมดของเขา รวมถึงเพลงสุดท้าย - เพลงที่สิบห้า ในไวโอลินคอนแชร์โตและเชลโล ควอเตต ท่วงทำนองเหล่านี้ถูกขยายและพัฒนาอย่างกว้างขวางซึ่งกำหนดให้กับเครื่องดนตรีบางชนิด พวกเขาถูกทำเครื่องหมายด้วยจังหวะอิสระบางครั้ง - สไตล์ด้นสดการแสดงออกเชิงปราศรัยมีอยู่ในตัวพวกเขา
และอีกหนึ่ง "โซน" ของ melos ซึ่งบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของ Shostakovich แสดงออกด้วยพลังอันยิ่งใหญ่ - "โซน" ของการบรรเลงที่บริสุทธิ์ ห่างไกลจากเพลง ม. จากน้ำเสียง "สนทนา" รวมถึงหัวข้อที่มี "ความหักมุม" "มุมแหลม" มากมาย คุณลักษณะอย่างหนึ่งของธีมเหล่านี้คือการกระโดดที่ไพเราะอย่างมากมาย (ที่หก, ที่เจ็ด, อ็อกเทฟ, ไม่มีเลย) อย่างไรก็ตาม การกระโดดหรือโยนเสียงไพเราะดังกล่าวมักจะแสดงออกถึงหลักการปราศรัยเชิงประณาม ท่วงทำนองบรรเลงของ Shostakovich บางครั้งแสดงออกอย่างสดใสและบางครั้งก็กลายเป็น "กลไก" โดยเจตนาและห่างไกลจากน้ำเสียงที่อบอุ่นทางอารมณ์ ตัวอย่าง ได้แก่ ความทรงจำจากส่วนแรกของซิมโฟนีที่สี่, "toccata" จากที่แปด, ความทรงจำของเปียโน Des-dur
เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 20 Shostakovich ใช้การเลี้ยวไพเราะอย่างกว้างขวางโดยมีขั้นตอนที่สี่เด่นกว่า (ก่อนหน้านี้การเคลื่อนไหวดังกล่าวไม่ค่อยได้ใช้) พวกเขาเต็มไปด้วย First Violin Concerto (ธีมที่สองของส่วนด้านข้างของ Nocturne, Scherzo, Passacaglia) ธีมของเปียโนฟูกใน B-dur ถักทอจากส่วนที่สี่ การเคลื่อนไหวในสี่และห้าเป็นรูปแบบของส่วน "ยาม" จากซิมโฟนีที่สิบสี่ เกี่ยวกับบทบาทของการเคลื่อนไหวไตรมาสในเรื่องโรแมนติก "ความอ่อนโยนดังกล่าวมาจากไหน" คำพูดของ M. Tsvetaeva ได้กล่าวไปแล้ว Shostakovich ตีความการเลี้ยวแบบนี้ในรูปแบบต่างๆ การเคลื่อนไหวในไตรมาสเป็นเนื้อหาหลักของท่วงทำนองโคลงสั้น ๆ อันยอดเยี่ยม Andantino จาก Fourth Quartet แต่มีโครงสร้างที่คล้ายคลึงกัน แต่ก็มีการเคลื่อนไหวในธีม scherzo โศกนาฏกรรมและวีรบุรุษของผู้แต่ง
Scriabin มักจะใช้ลำดับทำนองเพลงควอร์ต กับเขาพวกเขามีลักษณะเฉพาะเจาะจงมากโดยเป็นคุณสมบัติหลักของธีมฮีโร่ (“ The Poem of Ecstasy”, “ Prometheus”, เปียโนโซนาตาผู้ล่วงลับ) ในผลงานของ Shostakovich น้ำเสียงดังกล่าวได้รับความสำคัญสากล
คุณลักษณะของท่วงทำนองของผู้แต่งเพลงของเรา ตลอดจนความกลมกลืนและพหุเสียงนั้นแยกไม่ออกจากหลักการคิดแบบโมดัล ที่นี่ลักษณะเฉพาะของสไตล์ของเขามีผลมากที่สุด จับต้องได้มากขึ้น อย่างไรก็ตามพื้นที่นี้อาจมากกว่าพื้นที่ดนตรีอื่น ๆ หมายถึงการแสดงออกต้องมีการสนทนาอย่างมืออาชีพโดยใช้แนวคิดทางทฤษฎีที่จำเป็น
ซึ่งแตกต่างจากนักแต่งเพลงร่วมสมัยคนอื่น ๆ Shostakovich ไม่ได้เดินตามเส้นทางของการปฏิเสธอย่างไม่เลือกปฏิบัติต่อกฎแห่งความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเหล่านั้นซึ่งได้รับการพัฒนาและปรับปรุงมาตลอดหลายศตวรรษ เขาไม่ได้พยายามที่จะละทิ้งพวกเขาและแทนที่ด้วยระบบดนตรีที่เกิดในศตวรรษที่ 20 ของเขา หลักการสร้างสรรค์รวมถึงการพัฒนาและต่ออายุของเก่า นี่คือวิธีการทั้งหมด ศิลปินที่ยิ่งใหญ่เพราะนวัตกรรมที่แท้จริงนั้นไม่ได้ตัดขาดความต่อเนื่อง ตรงกันข้าม มันถือว่าการมีอยู่ของมัน: “ความเชื่อมโยงของเวลา” จะไม่มีวันขาดออกจากกันไม่ว่าในกรณีใดๆ นอกจากนี้ยังใช้กับวิวัฒนาการของโหมดในการทำงานของ Shostakovich
แม้แต่ริมสกี-คอร์ซาคอฟยังเห็นคุณลักษณะประจำชาติอย่างหนึ่งของดนตรีรัสเซียอย่างถูกต้องในการใช้สิ่งที่เรียกว่าโหมดโบราณ (Lydian, Mixolydian, Phrygian ฯลฯ ) ที่เกี่ยวข้องกับโหมดสมัยใหม่ทั่วไป - หลักและรอง Shostakovich ยังคงประเพณีนี้ โหมดเอโอเลียน ( ผู้เยาว์ตามธรรมชาติ) มอบเสน่ห์พิเศษให้กับธีมที่สวยงามของความทรงจำจากกลุ่ม ช่วยเพิ่มจิตวิญญาณของการแต่งเพลงโคลงสั้น ๆ ของรัสเซีย ท่วงทำนองที่เคร่งขรึมและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของ Intermezzo จากวงจรเดียวกันถูกแต่งขึ้นด้วยความกลมกลืนเดียวกัน เมื่อฟัง คุณจะจำเพลงรัสเซีย เนื้อเพลงดนตรีรัสเซีย - โฟล์คและมืออาชีพได้อีกครั้ง ฉันจะชี้ให้เห็นถึงธีมจากส่วนแรกของ Trio ซึ่งเต็มไปด้วยจุดกำเนิดของคติชนวิทยา จุดเริ่มต้นของซิมโฟนีที่เจ็ดเป็นตัวอย่างของโหมดอื่น - โหมด Lydian "สีขาว" (นั่นคือดำเนินการบนปุ่มสีขาวเท่านั้น) fugue C-dur จากคอลเล็กชัน "24 Preludes and Fugues" เป็นช่อของโหมดต่างๆ . S. S. Skrebkov เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้: "ธีมซึ่งเข้ามาจากขั้นตอนต่างๆ ของสเกล C เมเจอร์ ได้รับการลงสีโมดอลใหม่: อารมณ์โมดอลที่เป็นไปได้ทั้งเจ็ดของไดอาโทนิกถูกใช้ในความทรงจำ"1
Shostakovich ใช้โหมดเหล่านี้อย่างแยบยลและละเอียดอ่อน ค้นหาสีที่สดใหม่ภายในโหมดเหล่านี้ อย่างไรก็ตามสิ่งสำคัญที่นี่ไม่ใช่แอปพลิเคชัน แต่เป็นการสร้างใหม่อย่างสร้างสรรค์
ใน Shostakovich บางครั้งโหมดหนึ่งจะถูกแทนที่ด้วยอีกโหมดหนึ่งอย่างรวดเร็ว และสิ่งนี้เกิดขึ้นภายในกรอบของโครงสร้างดนตรีเดียว ธีมเดียว เทคนิคนี้เป็นของจำนวนวิธีการที่สร้างสรรค์ให้กับภาษาดนตรี แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดในการตีความโหมดคือการแนะนำขั้นตอนที่ลดลง (ไม่ค่อยสูง) ของมาตราส่วนบ่อยๆ พวกเขาเปลี่ยน "ภาพใหญ่" อย่างมาก โหมดใหม่ถือกำเนิดขึ้นบางโหมดไม่เคยใช้มาก่อน Shostakovich โครงสร้างโมดอลใหม่เหล่านี้ไม่เพียงแสดงออกมาในท่วงทำนองเท่านั้น
เราสามารถยกตัวอย่างมากมายเกี่ยวกับการใช้โหมด "Shostakovich" ของผู้แต่งเองโดยละเอียด วิเคราะห์. แต่นี่เป็นเรื่องของงานพิเศษ 2 ที่นี่ฉันจะจำกัดตัวเองอยู่แค่ไม่กี่ข้อสังเกต

1 Skrebkov S. Preludes and Fugues โดย D. Shostakovich - "เพลงโซเวียต", 2496, ฉบับที่ 9, หน้า 22.
นักดนตรีเลนินกราด A.N. โดลซานสกี้. เขาเป็นคนแรกที่ค้นพบกฎเกณฑ์ที่สำคัญหลายประการในความคิดของนักแต่งเพลง
หนึ่งในโหมด Shostakovich เหล่านี้มีบทบาทอย่างมากหรือไม่? ในซิมโฟนีที่สิบเอ็ด ตามที่ระบุไว้แล้ว เขากำหนดโครงสร้างของเมล็ดข้าวหลักในวงจรทั้งหมด บทเพลงนี้แผ่ซ่านไปทั่วซิมโฟนี ทิ้งรอยประทับกิริยาบางอย่างไว้ในส่วนที่สำคัญที่สุด
เปียโนโซนาตาตัวที่ 2 บ่งบอกถึงสไตล์โมดอลของผู้แต่งได้เป็นอย่างดี หนึ่งในโหมดโปรดของ Shostakovich (ผู้เยาว์ที่มีระดับสี่ต่ำ) แสดงให้เห็นถึงอัตราส่วนที่ผิดปกติของคีย์หลักในการเคลื่อนไหวครั้งแรก (ธีมแรกคือ h-moll ที่สองคือ Es-dur เมื่อรวมธีมเข้าด้วยกันในการบรรเลง ทั้งสองปุ่มนี้ให้เสียงพร้อมกัน) ฉันทราบว่าในงานอื่น ๆ จำนวนมากโหมดของ Shostakovich กำหนดโครงสร้างของแผนเสียง
บางครั้ง Shostakovich ค่อยๆอิ่มตัวเมโลดี้ด้วยขั้นตอนที่ต่ำซึ่งช่วยเสริมทิศทางโมดอล กรณีนี้ไม่เพียงแต่เฉพาะในธีมเครื่องดนตรีที่มีรายละเอียดทำนองที่ซับซ้อนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในธีมเพลงบางเพลงที่มีโทนเสียงที่เรียบง่ายและชัดเจน (ธีมของตอนจบของวง Second Quartet)
นอกเหนือจากขั้นตอนที่ต่ำกว่าอื่น ๆ แล้ว Shostakovich ยังแนะนำ VIII low ข้อเท็จจริงนี้มีความสำคัญเป็นพิเศษ ก่อนหน้านี้มีการกล่าวถึงการเปลี่ยนแปลงที่ผิดปกติ (การเปลี่ยนแปลง) ของขั้นตอน "ถูกต้อง" ของมาตราส่วนเจ็ดขั้นตอน ตอนนี้เรากำลังพูดถึงความจริงที่ว่าผู้แต่งทำให้ถูกต้องตามกฎหมายกับดนตรีคลาสสิกเก่า ๆ ซึ่งโดยทั่วไปจะมีอยู่ในรูปแบบที่ลดลงเท่านั้น ให้ฉันอธิบายด้วยตัวอย่าง ลองนึกภาพ อย่างน้อย สเกล D-minor: re, mi, fa, sol, la, b-flat, do จากนั้นแทนที่จะเป็น D ของอ็อกเทฟถัดไป D-flat ซึ่งเป็นขั้นต่ำที่แปดก็ปรากฏขึ้นทันที มันอยู่ในโหมดนี้ (โดยมีส่วนร่วมของขั้นตอนที่สองต่ำ) ที่ประกอบขึ้นเป็นธีมของส่วนหลักของส่วนแรกของ Fifth Symphony,
ขั้นตอนต่ำที่แปดยืนยันหลักการของการไม่ปิดเสียงอ็อกเทฟ โทนเสียงหลักของโหมด (ในตัวอย่างที่กำหนด - ใหม่) อ็อกเทฟที่สูงกว่าจะหยุดเป็นโทนเสียงหลักและอ็อกเทฟไม่ปิด การเปลี่ยนอ็อกเทฟบริสุทธิ์ด้วยออคเทฟที่ลดลงอาจเกิดขึ้นโดยสัมพันธ์กับขั้นตอนอื่นๆ ของโหมด ซึ่งหมายความว่าหากในรีจิสเตอร์เสียงโมดอลเป็นเช่น C ดังนั้นในอีกอันหนึ่งก็จะเป็น C-flat กรณีแบบนี้พบได้ทั่วไปใน Shostakovich การไม่ปิดอ็อกเทฟนำไปสู่การลงทะเบียน "การแยก" ของขั้นตอน
ประวัติศาสตร์ของดนตรีรู้หลายกรณีที่เทคนิคต้องห้ามกลายเป็นสิ่งที่อนุญาตในภายหลังและแม้แต่กฎเกณฑ์ เทคนิคที่เพิ่งพูดถึงไปก่อนหน้านี้เรียกว่า “การลงรายการบัญชี” มันถูกข่มเหงและในเงื่อนไขของความคิดทางดนตรีแบบเก่ามันให้ความรู้สึกที่ผิด และในเพลงของ Shostakovich มันไม่ได้ก่อให้เกิดการคัดค้านเนื่องจากเป็นลักษณะเฉพาะของโครงสร้างโมดอล
โหมดที่พัฒนาโดยนักแต่งเพลงทำให้เกิดโลกทั้งโลกของน้ำเสียงที่เป็นลักษณะเฉพาะ - เฉียบคมบางครั้งราวกับว่า "เต็มไปด้วยหนาม" พวกเขาปรับปรุงการแสดงออกที่น่าเศร้าหรือน่าทึ่งของหลาย ๆ หน้าในเพลงของเขา ทำให้เขามีโอกาสถ่ายทอดความรู้สึกอารมณ์ต่าง ๆ ความขัดแย้งภายในและความขัดแย้ง ลักษณะเฉพาะของรูปแบบโมดอลของนักแต่งเพลงนั้นสัมพันธ์กับความเฉพาะเจาะจงของภาพที่มีคุณค่าหลากหลายของเขา ซึ่งประกอบไปด้วยความสุขและความเศร้า ความสงบและความตื่นตัว ความประมาทเลินเล่อและความเป็นผู้ใหญ่ที่กล้าหาญ ภาพดังกล่าวคงเป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคโมดอลแบบดั้งเดิมเพียงอย่างเดียว
ในบางกรณีไม่บ่อยนัก Shostakovich หันไปใช้ bitonicity นั่นคือการทำให้เกิดเสียงพร้อมกันของสองปุ่ม ข้างต้น เราได้พูดถึง bitonicity ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Second Piano Sonata หนึ่งในส่วนของความทรงจำในส่วนที่สองของ Fourth Symphony ถูกเขียนขึ้นในรูปแบบโพลิโทนัล: สี่ปุ่มรวมกันที่นี่ - d-moll, es-moll, e-moll และ f-moll
Shostakovich ตีความโหมดพื้นฐานเหล่านี้ได้อย่างอิสระขึ้นอยู่กับหลักและรอง บางครั้งในการพัฒนาเอพ เขาออกจากวรรณยุกต์ทรงกลม; แต่เขาจะกลับมาหามันเสมอ ดังนั้นนักเดินเรือที่ถูกพายุพัดมาจากฝั่งจึงนำเรือของเขาไปที่ท่าเรืออย่างมั่นใจ
เสียงประสานที่โชสตาโควิชใช้นั้นมีความหลากหลายเป็นพิเศษ ในฉากที่ห้าของ "Katerina Izmailova" (ฉากที่มีผี) มีความสามัคคีซึ่งประกอบด้วยเสียงทั้งเจ็ดของซีรีส์ไดอะโทนิก (เสียงที่แปดในเบสจะถูกเพิ่มเข้าไป) และในตอนท้ายของการพัฒนาส่วนแรกของซิมโฟนีที่สี่ เราพบคอร์ดที่สร้างจากเสียงต่างๆ สิบสองเสียง! ภาษาฮาร์มอนิกของผู้แต่งให้ตัวอย่างของทั้งความซับซ้อนและความเรียบง่ายที่ยอดเยี่ยมมาก ความกลมกลืนของ Cantata "ดวงอาทิตย์ส่องแสงเหนือมาตุภูมิของเรา" นั้นเรียบง่ายมาก แต่สไตล์ฮาร์มอนิกของงานนี้ไม่ใช่ลักษณะของ Shostakovich อีกประการหนึ่งคือความกลมกลืนของผลงานชิ้นต่อมาของเขา ซึ่งรวมเอาความชัดเจนมาก บางครั้งความโปร่งใสเข้ากับความตึงเครียด ผู้แต่งไม่ได้ลดความซับซ้อนของภาษาฮาร์มอนิกโดยหลีกเลี่ยงความซับซ้อนของโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน ซึ่งยังคงความคมชัดและความสดไว้
ส่วนใหญ่ในด้านความกลมกลืนของ Shostakovich นั้นเกิดจากการเคลื่อนไหวของเสียงไพเราะ ("เส้น") บางครั้งก็สร้างคอมเพล็กซ์เสียงที่สมบูรณ์ กล่าวอีกนัยหนึ่งความกลมกลืนมักเกิดขึ้นบนพื้นฐานของพฤกษ์
Shostakovich เป็นหนึ่งในนักเล่นเสียงโพลีโฟนิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศตวรรษที่ 20 สำหรับเขาแล้ว polyphony เป็นหนึ่งในวิธีการที่สำคัญที่สุดของศิลปะดนตรี ความสำเร็จของ Shostakovich ในด้านนี้ทำให้วัฒนธรรมดนตรีของโลกสมบูรณ์ขึ้น ในเวลาเดียวกัน พวกเขาทำเครื่องหมายเวทีที่ประสบความสำเร็จในประวัติศาสตร์ของพฤกษ์รัสเซีย
Fugue เป็นรูปแบบโพลีโฟนิกสูงสุด Shostakovich เขียนความทรงจำมากมาย - สำหรับวงออเคสตรา, นักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา, กลุ่มควินเต็ต, ควอเตต, เปียโน เขานำรูปแบบนี้มาใช้ไม่เพียงแต่ในซิมโฟนีและแชมเบอร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงบัลเลต์ (“ยุคทอง”) ดนตรีประกอบภาพยนตร์ (“ภูเขาทอง”) เขาเติมชีวิตใหม่ให้กับความทรงจำ พิสูจน์ให้เห็นว่ามันสามารถรวบรวมธีมและภาพลักษณ์ที่หลากหลายของความทันสมัย
Shostakovich เขียนความทรงจำด้วยเสียงสอง, สาม, สี่และห้า, เรียบง่ายและสองเท่า, ใช้เทคนิคต่าง ๆ ในนั้นที่ต้องใช้ทักษะโพลีโฟนิกสูง
นักแต่งเพลงยังได้ลงทุนกับความคิดสร้างสรรค์มากมายในพาสคาเกลีย นี้ แบบโบราณเช่นเดียวกับรูปแบบของความทรงจำเขาอยู่ภายใต้การแก้ปัญหาที่เกี่ยวข้องกับศูนย์รวมของความเป็นจริงสมัยใหม่ Passacaglia เกือบทั้งหมดของ Shostakovich เป็นเรื่องน่าเศร้าและมีเนื้อหาเกี่ยวกับมนุษยนิยมที่ยอดเยี่ยม พวกเขาพูดถึงผู้ที่ตกเป็นเหยื่อของความชั่วร้ายและต่อต้านความชั่วร้ายโดยอ้างว่ามีความเป็นมนุษย์สูง
สไตล์โพลีโฟนิกของ Shostakovich ไม่จำกัดเฉพาะรูปแบบที่กล่าวไว้ข้างต้น นอกจากนี้ยังปรากฏในรูปแบบอื่นๆ ฉันนึกถึงการผสมผสานของธีมต่างๆ ทุกประเภท การพัฒนาแบบโพลีโฟนิกในการจัดนิทรรศการ การพัฒนาชิ้นส่วนที่เป็นรูปแบบโซนาตา นักแต่งเพลงไม่ผ่านโพลีโฟนีเสียงย่อยของรัสเซียซึ่งเกิดจากศิลปะพื้นบ้าน (บทกวีประสานเสียง "บนถนน", "เพลง" ซึ่งเป็นธีมหลักของส่วนแรกของซิมโฟนีที่สิบ)
Shostakovich ขยายกรอบโวหารของเพลงคลาสสิกแบบโพลีโฟนิก เขาผสมผสานเทคนิคที่พัฒนาขึ้นในช่วงหลายศตวรรษกับเทคนิคใหม่ที่เกี่ยวข้องกับสาขาที่เรียกว่าเส้นตรง คุณลักษณะของมันแสดงให้เห็นโดยที่การเคลื่อนไหว "แนวนอน" ของเส้นเสียงไพเราะครอบงำอย่างสมบูรณ์โดยไม่สนใจ "แนวตั้ง" ของฮาร์มอนิก สำหรับผู้แต่งเพลง ไม่สำคัญว่าเสียงประสานที่เกิดขึ้น การผสมผสานของเสียงพร้อมกัน สิ่งสำคัญคือแนวเสียง ความเป็นเอกเทศ ตามกฎแล้ว Shostakovich ไม่ได้ใช้หลักการนี้ในทางที่ผิดของโครงสร้างของโครงสร้างดนตรี เขาใช้มันในโอกาสพิเศษ ในเวลาเดียวกัน ความไม่ลงรอยกันโดยเจตนาขององค์ประกอบโพลีโฟนิกทำให้เกิดผลกระทบใกล้เคียงกับเอฟเฟกต์เสียง - เทคนิคดังกล่าวจำเป็นสำหรับการรวบรวมหลักการต่อต้านมนุษยนิยม (ความทรงจำจากส่วนแรกของซิมโฟนีที่สี่)
Shostakovich เป็นศิลปินที่อยากรู้อยากเห็นและค้นหาไม่ได้มองข้ามปรากฏการณ์ที่แพร่หลายในดนตรีของศตวรรษที่ 20 เช่น dodecaphony ไม่มีโอกาสในหน้าเหล่านี้ที่จะอธิบายรายละเอียดเกี่ยวกับสาระสำคัญของระบบสร้างสรรค์ซึ่งกล่าวถึงในขณะนี้ ฉันจะสั้นมาก Dodecaphony เกิดขึ้นจากความพยายามที่จะปรับปรุงเนื้อหาเสียงภายในกรอบของดนตรีแบบอะโทนัล ซึ่งผิดไปจากกฎหมายและหลักการของดนตรีแบบโทนัล ไม่ว่าจะเป็นเสียงหลักหรือเสียงรอง อย่างไรก็ตาม กระแสการประนีประนอมเกิดขึ้นในภายหลัง โดยอิงจากการผสมผสานระหว่างเทคโนโลยี dodecaphone กับเสียงดนตรี พื้นฐานทางเทคโนโลยีของ dodecaphony เป็นระบบกฎและเทคนิคที่ซับซ้อนและได้รับการพัฒนาอย่างระมัดระวัง จุดเริ่มต้น "การก่อสร้าง" ที่สร้างสรรค์ถูกนำเสนอไปข้างหน้า นักแต่งเพลงที่ทำงานด้วยเสียงสิบสองเสียงสร้างชุดค่าผสมเสียงที่หลากหลายซึ่งทุกอย่างอยู่ภายใต้การคำนวณที่เข้มงวดและหลักการเชิงตรรกะ มีการถกเถียงกันมากมายเกี่ยวกับ dodecaphony และความเป็นไปได้ของมัน ไม่มีการขาดแคลนคะแนนเสียงสำหรับและต่อต้าน ตอนนี้มีความชัดเจนมากแล้ว การจำกัดความคิดสร้างสรรค์ภายใต้กรอบของระบบนี้โดยยอมจำนนต่อกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดอย่างไม่มีเงื่อนไขทำให้ศิลปะดนตรีเสื่อมเสียและนำไปสู่ลัทธิความเชื่อ การใช้องค์ประกอบบางอย่างของเทคนิค dodecaphone โดยไม่เสียค่าใช้จ่าย (เช่น ชุดของเสียงสิบสองเสียง) ซึ่งเป็นหนึ่งในองค์ประกอบหลายอย่างของเนื้อหาทางดนตรีสามารถเสริมสร้างและฟื้นฟูภาษาดนตรีได้
ตำแหน่งของ Shostakovich สอดคล้องกับข้อเสนอทั่วไปเหล่านี้ เขาระบุไว้ในการสัมภาษณ์ครั้งหนึ่งของเขา บราวน์นักดนตรีชาวอเมริกันดึงความสนใจของ Dmitry Dmitrievich ไปที่ความจริงที่ว่าในตัวเขา งานเขียนล่าสุดเขาใช้เทคนิคโดเดคาโฟนเป็นครั้งคราว “ฉันใช้องค์ประกอบบางอย่างของ dodecaphony ในงานเหล่านี้จริงๆ” Shostakovich ยืนยัน - อย่างไรก็ตาม ฉันต้องบอกว่าฉันเป็นศัตรูตัวฉกาจของวิธีการที่นักแต่งเพลงใช้ระบบบางประเภท โดยจำกัดตัวเองอยู่แต่ในกรอบและมาตรฐานของมันเท่านั้น แต่ถ้านักแต่งเพลงรู้สึกว่าเขาต้องการองค์ประกอบของเทคนิคนี้หรือเทคนิคนั้น เขาก็มีสิทธิ์ที่จะนำทุกอย่างที่มีอยู่ไปใช้ตามที่เห็นสมควร”
ครั้งหนึ่งฉันมีโอกาสพูดคุยกับ Dmitry Dmitrievich เกี่ยวกับ dodecaphony ใน Fourteenth Symphony เกี่ยวกับธีมหนึ่งซึ่งเป็นซีรีส์ (ส่วนหนึ่งของ "On the Lookout") เขากล่าวว่า "แต่เมื่อฉันแต่งมัน ฉันคิดมากขึ้นเกี่ยวกับหนึ่งในสี่และห้า" Dmitry Dmitrievich บอกเป็นนัยถึงโครงสร้างช่วงเวลาของธีมซึ่งอาจเกิดขึ้นในธีมของแหล่งกำเนิดที่แตกต่างกัน จากนั้นเราได้พูดคุยเกี่ยวกับตอน dodecaphonic polyphonic (fugato) จากการเคลื่อนไหว "ในคุกของ Sayte" และคราวนี้ Shostakovich อ้างว่าเขาไม่ค่อยสนใจเทคนิค dodecaphone ในตัวมันเอง ประการแรกเขาพยายามที่จะสื่อถึงสิ่งที่บทกวีของ Apollinaire บอกเล่าเกี่ยวกับดนตรี (ความเงียบในคุกที่น่ากลัวเสียงกรอบแกรบลึกลับที่เกิดในนั้น)
ข้อความเหล่านี้ยืนยันว่าสำหรับ Shostakovich แล้ว องค์ประกอบส่วนบุคคลของระบบ dodecaphonic เป็นเพียงหนึ่งในหลายวิธีที่เขาใช้ในการแปลแนวคิดที่สร้างสรรค์ของเขา
Shostakovich เป็นผู้ประพันธ์ sonata cycles, symphonic และ Chamber (symphonies, concertos, sonatas, quartets, quintets, trios) แบบฟอร์มนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับเขา มันตรงกับสาระสำคัญของงานของเขามากที่สุดทำให้มีโอกาสมากมายในการแสดง "วิภาษวิธีแห่งชีวิต" นักเล่นซิมโฟนีตามกระแสเรียก Shostakovich ใช้วงจรโซนาตาเพื่อรวบรวมแนวคิดหลักที่สร้างสรรค์ของเขา
ขอบเขตของรูปแบบสากลนี้ตามความประสงค์ของผู้ประพันธ์ ไม่ว่าจะขยาย ครอบคลุมขอบเขตที่ไม่มีที่สิ้นสุดของการเป็น หรือหดตัว ขึ้นอยู่กับงานที่เขากำหนดไว้สำหรับตัวเขาเอง ให้เราเปรียบเทียบ ตัวอย่างเช่น งานที่มีความยาวและขนาดของการพัฒนาแตกต่างกัน เช่น ซิมโฟนีที่เจ็ดและที่เก้า วงทรีโอ และวงที่เจ็ด
Sonata สำหรับ Shostakovich เป็นโครงการอย่างน้อยที่สุดที่ผูกนักแต่งเพลงไว้กับ "กฎ" ทางวิชาการ เขาตีความในรูปแบบของวงจรโซนาตาและวงจรในแบบของเขาเอง ส่วนประกอบ. มีการพูดถึงเรื่องนี้มากในบทก่อนๆ
ฉันสังเกตซ้ำแล้วซ้ำอีกว่า Shostakovich มักจะเขียนส่วนแรกของวงจรโซนาตา ก้าวช้าๆแม้ว่าจะเป็นไปตามโครงสร้างของ "โซนาตาอัลเลโกร" (การแสดง การพัฒนา การบรรเลง) ส่วนประเภทนี้มีทั้งการสะท้อนและการกระทำที่เกิดจากการสะท้อน สำหรับพวกเขา การปรับใช้วัสดุดนตรีอย่างไม่เร่งรีบ การสะสมไดนามิกภายในอย่างค่อยเป็นค่อยไปถือเป็นเรื่องปกติ มันนำไปสู่การ "ระเบิด" ทางอารมณ์ (การพัฒนา)
ธีมหลักมักจะนำหน้าด้วยบทนำ ซึ่งธีมนั้นมีบทบาทสำคัญ มีบทนำในซิมโฟนีชุดที่หนึ่ง สี่ ห้า หก แปด สิบ ใน Twelfth Symphony ธีมของบทนำยังเป็นธีมของส่วนหลักด้วย
ธีมหลักไม่ได้มีเพียงโครงร่างเท่านั้น แต่ยังพัฒนาทันทีอีกด้วย ตามด้วยส่วนที่แยกจากกันมากขึ้นหรือน้อยลงด้วยเนื้อหาเฉพาะเรื่องใหม่ (เกมด้านข้าง)
ความแตกต่างระหว่างหัวข้อของคำอธิบายของ Shostakovich มักไม่เปิดเผยความขัดแย้งหลัก เขาเปลือยเปล่าอย่างเต็มที่ในการแสดงอารมณ์ที่ขัดแย้งกันอย่างละเอียดลออ จังหวะเร่งขึ้น ภาษาดนตรีได้รับความคมชัดในโหมดโทนเสียงที่มากขึ้น การพัฒนามีพลวัตและรุนแรงอย่างมาก
บางครั้ง Shostakovich ใช้การพัฒนาที่ผิดปกติ ดังนั้น ในส่วนแรกของ Sixth Symphony การพัฒนาจึงเป็นการบรรเลงเดี่ยวแบบขยาย ราวกับเป็นการแสดงด้นสดด้วยเครื่องดนตรีประเภทลม ฉันขอเตือนคุณเกี่ยวกับรายละเอียดโคลงสั้น ๆ ที่ "เงียบ" ในตอนจบของวันที่ห้า ในส่วนแรกของการพัฒนาที่เจ็ดถูกแทนที่ด้วยตอนการบุกรุก
นักแต่งเพลงหลีกเลี่ยงการบรรเลงที่ซ้ำกับสิ่งที่อยู่ในคำอธิบาย โดยปกติแล้วเขาจะสร้างพลังให้กับการบรรเลงราวกับยกภาพที่คุ้นเคยอยู่แล้วไปสู่ระดับอารมณ์ที่สูงขึ้นมาก ในกรณีนี้ จุดเริ่มต้นของการบรรเลงเกิดขึ้นพร้อมกับจุดสุดยอดทั่วไป
scherzo ของ Shostakovich มีสองประเภท ประเภทหนึ่งคือการตีความแบบดั้งเดิมของแนวเพลง (ดนตรีที่ร่าเริง ตลกขบขัน บางครั้งมีการประชดเยาะ ประเภทอื่นมีความเฉพาะเจาะจงมากขึ้น: ประเภทถูกตีความโดยนักแต่งเพลงไม่ใช่โดยตรง แต่อยู่ในความหมายแบบมีเงื่อนไข ความสนุกสนานและอารมณ์ขันหลีกทางให้กับความพิลึก เสียดสี ดาร์กแฟนตาซี ความแปลกใหม่ทางศิลปะไม่ได้อยู่ในรูปแบบ ไม่ได้อยู่ในโครงสร้างองค์ประกอบ ใหม่คือเนื้อหา รูปภาพ วิธีการ "นำเสนอ" เนื้อหา แทบจะไม่มากที่สุด ตัวอย่างที่สำคัญเชอร์โซประเภทนี้เป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนีหมายเลขแปด
scherzoness "ความชั่วร้าย" ยังแทรกซึมเข้าไปในส่วนแรกของวงจรของ Shostakovich (ซิมโฟนีที่สี่, ห้า, เจ็ด, แปด)
ในบทก่อนๆ ได้กล่าวเกี่ยวกับความสำคัญพิเศษของหลักการเชอร์โซในงานของนักแต่งเพลง มันพัฒนาควบคู่ไปกับโศกนาฏกรรมและบางครั้งก็ทำหน้าที่เป็นด้านตรงข้ามของภาพและปรากฏการณ์ที่น่าสลดใจ Shostakovich พยายามสังเคราะห์ทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างเหล่านี้แม้ใน Katerina Izmailova แต่การสังเคราะห์ดังกล่าวไม่ประสบความสำเร็จในทุกสิ่ง แต่ก็ไม่ได้โน้มน้าวใจทุกที่ ในอนาคตตามเส้นทางนี้ นักแต่งเพลงก็ได้ผลลัพธ์ที่น่าทึ่ง
โศกนาฏกรรมและเชอร์โซ - แต่ไม่น่ากลัว
การผสมผสานระหว่างองค์ประกอบทางศิลปะที่แตกต่างและตรงข้ามกันนั้นเป็นหนึ่งในการแสดงออกที่สำคัญของนวัตกรรมของ Shostakovich นั่นคือ "I" ที่สร้างสรรค์ของเขา
การเคลื่อนไหวช้าๆ ที่อยู่ในวงจรโซนาตาที่สร้างโดย Shostakovich มีเนื้อหามากมายอย่างน่าอัศจรรย์ หาก scherzos ของเขามักจะสะท้อนด้านลบของชีวิตจากนั้นในส่วนที่ช้าจะมีการเปิดเผยภาพความดีความงามความยิ่งใหญ่ของจิตวิญญาณมนุษย์และธรรมชาติ สิ่งนี้กำหนดความสำคัญทางจริยธรรมของการสะท้อนดนตรีของนักแต่งเพลง - บางครั้งก็เศร้าและรุนแรง บางครั้งก็ตรัสรู้
Shostakovich แก้ปัญหาที่ยากที่สุดของตอนจบด้วยวิธีต่างๆ บางทีเขาอาจต้องการถอยห่างจากรูปแบบ ซึ่งมักจะรู้สึกได้อย่างแม่นยำเป็นพิเศษในส่วนสุดท้าย ตอนจบบางอย่างไม่คาดคิด พิจารณาซิมโฟนีที่สิบสาม ส่วนแรกเป็นเรื่องน่าสลดใจ และในส่วนสุดท้าย (“Fears”) มีความหม่นหมองอยู่มาก และในตอนจบ เสียงหัวเราะเยาะเย้ยอย่างร่าเริงก็ดังขึ้น! ตอนจบนั้นไม่คาดคิดและในขณะเดียวกันก็เป็นธรรมชาติ
ซิมโฟนิกและแชมเบอร์ไฟนอลชนิดใดที่พบใน Shostakovich
ประการแรก - รอบชิงชนะเลิศของแผนวีรบุรุษ พวกเขาปิดบางรอบที่มีการเปิดเผยธีมโศกนาฏกรรมของวีรบุรุษ มีประสิทธิภาพ น่าทึ่ง พวกเขาเต็มไปด้วยการต่อสู้ บางครั้งก็ดำเนินต่อไปจนมาตรการสุดท้าย การเคลื่อนไหวขั้นสุดท้ายประเภทนี้มีระบุไว้แล้วในซิมโฟนีที่หนึ่ง เราพบตัวอย่างทั่วไปมากที่สุดในซิมโฟนีชุดที่ห้า เจ็ด และสิบเอ็ด ตอนจบของทั้งสามคนเป็นของอาณาจักรแห่งโศกนาฏกรรมทั้งหมด การเคลื่อนไหวครั้งสุดท้ายที่พูดน้อยในซิมโฟนีที่สิบสี่ก็เหมือนกัน
Shostakovich มีตอนจบของเทศกาลที่ร่าเริงซึ่งห่างไกลจากความกล้าหาญ พวกเขาไม่มีภาพของการต่อสู้ การเอาชนะอุปสรรค ความสุขอันไร้ขอบเขตครอบงำ นี่คือ Allegro สุดท้ายของ First Quartet นั่นคือตอนจบของ Sixth Symphony แต่ที่นี่ตามข้อกำหนดของรูปแบบซิมโฟนีจะได้รับภาพที่กว้างขึ้นและมีสีสันมากขึ้น ควรรวมคอนแชร์โตรอบสุดท้ายไว้ในหมวดหมู่เดียวกันแม้ว่าจะแสดงต่างกันก็ตาม ตอนจบของ First Piano Concerto ถูกครอบงำด้วยความพิสดารและความตลกขบขัน Burlesque จาก First Violin Concerto แสดงถึงเทศกาลพื้นบ้าน
ฉันต้องพูดเกี่ยวกับรอบชิงชนะเลิศโคลงสั้น ๆ บางครั้งภาพโคลงสั้น ๆ ก็สวมมงกุฎแม้กระทั่งผลงานของ Shostakovich ซึ่งพายุเฮอริเคนโหมกระหน่ำ ภาพเหล่านี้ถูกทำเครื่องหมายด้วยความเป็นศิษยาภิบาล นักแต่งเพลงหันเข้าหาธรรมชาติซึ่งทำให้บุคคลมีความสุขรักษาบาดแผลทางวิญญาณของเขา ในตอนจบของ Quintet, the Sixth Quartet ความเป็นอภิบาลถูกรวมเข้ากับองค์ประกอบการเต้นรำในชีวิตประจำวัน ฉันขอเตือนคุณถึงตอนจบของซิมโฟนีหมายเลขแปด (“catharsis”)
ตอนจบใหม่ที่ผิดปกติขึ้นอยู่กับศูนย์รวมของทรงกลมทางอารมณ์ที่ตรงกันข้ามเมื่อนักแต่งเพลงผสมผสาน "เข้ากันไม่ได้" นี่คือตอนจบของ Fifth Quartet: ความเป็นกันเอง ความสงบ และพายุ ในตอนท้ายของสี่วงที่เจ็ด ความทรงจำที่โกรธแค้นถูกแทนที่ด้วยเพลงโรแมนติก - เศร้าและมีเสน่ห์ ตอนจบของซิมโฟนีที่สิบห้าเป็นองค์ประกอบที่หลากหลาย จับขั้วของการเป็น
เทคนิคโปรดของ Shostakovich คือการย้อนกลับไปในรอบชิงชนะเลิศไปยังหัวข้อที่ผู้ฟังรู้จักจากส่วนก่อนหน้า นี่คือความทรงจำเกี่ยวกับเส้นทางที่เดินทางและในขณะเดียวกันก็เป็นเครื่องเตือนใจว่า "การต่อสู้ยังไม่จบสิ้น" ตอนดังกล่าวมักจะแสดงถึงจุดสุดยอด พวกเขาอยู่ในขั้นสุดท้ายของซิมโฟนีที่หนึ่ง แปด สิบ สิบเอ็ด
รูปแบบของรอบชิงชนะเลิศเป็นการยืนยันถึงบทบาทสำคัญอย่างยิ่งที่เป็นของหลักการโซนาตาในงานของโชสตาโควิช ในที่นี้ ผู้แต่งก็เต็มใจใช้รูปแบบโซนาตา (เช่นเดียวกับรูปแบบของรอนโด โซนาตา) ในการเคลื่อนไหวครั้งแรก เขาตีความรูปแบบนี้ได้อย่างอิสระ
Shostakovich สร้างวงจรโซนาตาในรูปแบบต่างๆ เปลี่ยนจำนวนชิ้นส่วน ลำดับการสลับ เป็นการรวมส่วนที่ไม่ขาดตอนที่อยู่ติดกันเข้าด้วยกัน ทำให้เกิดลูปภายในลูป ความโน้มเอียงไปสู่ความเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันของทั้งหมดทำให้ Shostakovich ในซิมโฟนีที่สิบเอ็ดและสิบสองละทิ้งการหยุดพักระหว่างการเคลื่อนไหวโดยสิ้นเชิง และในทศวรรษที่สิบสี่ เขาออกจากรูปแบบทั่วไปของวงจรโซนาตา-ซิมโฟนี โดยแทนที่ด้วยหลักการเชิงสร้างสรรค์อื่นๆ
Shostakovich ยังแสดงออกถึงความเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันในระบบการเชื่อมต่อแบบแยกส่วนที่ซับซ้อนและแตกแขนงออกไป โอบรับลักษณะเฉพาะของทุกส่วน นอกจากนี้เขายังใช้ธีมตัดขวาง ส่งผ่านจากส่วนหนึ่งไปยังอีกส่วนหนึ่ง และบางครั้งก็ใช้ธีมประกอบเพลง
จุดสุดยอดของ Shostakovich มีความสำคัญอย่างยิ่ง - อารมณ์และรูปแบบ เขาเน้นจุดไคลแมกซ์ทั่วๆ ไปอย่างระมัดระวัง ซึ่งเป็นจุดสูงสุดของส่วนทั้งหมด และบางครั้งทั่วทั้งงาน ระดับทั่วไปของพัฒนาการด้านซิมโฟนิกของเขามักเป็นไปในลักษณะที่จุดสูงสุดคือ "ที่ราบสูง" และค่อนข้างขยายออกไป นักแต่งเพลงระดมวิธีการต่างๆ เพื่อพยายามทำให้ส่วนไคลแมกซ์มีตัวละครที่เป็นอนุสรณ์ วีรบุรุษ หรือโศกนาฏกรรม
สำหรับสิ่งที่ได้กล่าวไปแล้วนั้น ต้องมีการเพิ่มเติมว่ากระบวนการในการตีแผ่รูปแบบขนาดใหญ่ใน Shostakovich นั้นเป็นเรื่องเฉพาะบุคคลเป็นส่วนใหญ่: เขามุ่งความสนใจไปที่ความต่อเนื่องของกระแสดนตรี หลีกเลี่ยงการสร้างสั้นๆ เมื่อเริ่มแสดงความคิดทางดนตรีแล้ว เขาไม่รีบร้อนที่จะทำมันให้เสร็จ ดังนั้น แก่นเรื่องของโอโบ (สกัดกั้นโดยคอร์แองเกล) ในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีที่เจ็ดจึงเป็นงานสร้างขนาดใหญ่ชิ้นหนึ่ง (ช่วง) ซึ่งกินเวลา 49 แท่ง (จังหวะปานกลาง) ในขณะเดียวกัน Shostakovich ผู้เชี่ยวชาญด้านความแตกต่างอย่างกะทันหันมักจะรักษาอารมณ์เดียวสีเดียวไว้ตลอดทั้งส่วนดนตรีขนาดใหญ่ มีเลเยอร์ดนตรีที่ขยายออกไป บางครั้งพวกเขาก็เป็นคนเดียวที่เป็นเครื่องมือ
Shostakovich ไม่ชอบที่จะทำซ้ำสิ่งที่พูดไปแล้ว - ไม่ว่าจะเป็นแรงจูงใจวลีหรือโครงสร้างขนาดใหญ่ เพลงจะไหลไปเรื่อย ๆ ไม่กลับไปที่ "ขั้นตอนที่ผ่านไป" "ความลื่นไหล" นี้ (เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับคลังสินค้าโพลีโฟนิกของงานนำเสนอ) เป็นหนึ่งในนั้น คุณสมบัติที่สำคัญสไตล์ของนักแต่งเพลง (ตอนของการบุกรุกจากซิมโฟนีที่เจ็ดขึ้นอยู่กับการทำซ้ำของหัวข้อ มันเกิดจากลักษณะเฉพาะของงานที่ผู้เขียนกำหนดไว้สำหรับตัวเอง) Passacaglia ขึ้นอยู่กับการทำซ้ำของหัวข้อ (ในเสียงเบส) ; แต่ที่นี่ความรู้สึกของ "ความลื่นไหล" ถูกสร้างขึ้นโดยการเคลื่อนไหวของเสียงด้านบน
ตอนนี้จำเป็นต้องพูดถึง Shostakovich ในฐานะปรมาจารย์ด้าน "timbre dramaturgy"
ในผลงานของเขา เสียงต่ำของวงออร์เคสตรานั้นแยกออกจากดนตรี เนื้อหาและรูปแบบดนตรีไม่ได้
Shostakovich ไม่ได้สนใจการวาดภาพเสียงต่ำ แต่เป็นการเปิดเผยสาระสำคัญทางอารมณ์และจิตใจของเสียงต่ำซึ่งเขาเชื่อมโยงกับความรู้สึกและประสบการณ์ของมนุษย์ ในแง่นี้เขาอยู่ห่างไกลจากปรมาจารย์เช่น Debussy, Ravel; เขาใกล้ชิดกับรูปแบบวงออเคสตราของ Tchaikovsky, Mahler, Bartok มากขึ้น
Shostakovich Orchestra เป็นวงออเคสตราที่น่าเศร้า การแสดงออกของรำมะนามีความเข้มข้นถึงขีดสุด Shostakovich มากกว่านักแต่งเพลงชาวโซเวียตคนอื่น ๆ เชี่ยวชาญเรื่องเสียงต่ำในฐานะละครเพลง เผยให้เห็นทั้งประสบการณ์ส่วนตัวเชิงลึกและความขัดแย้งทางสังคมในระดับโลกด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา
ดนตรีซิมโฟนิกและโอเปราเป็นตัวอย่างมากมายของการผสมผสานเสียงต่ำของความขัดแย้งอันน่าทึ่งด้วยความช่วยเหลือของเครื่องเป่าทองเหลืองและเครื่องสาย มีตัวอย่างดังกล่าวในงานของ Shostakovich เขามักจะเชื่อมโยงเสียงต่ำ "รวม" ของกลุ่มทองเหลืองเข้ากับภาพแห่งความชั่วร้าย ความก้าวร้าว และการโจมตีของกองกำลังศัตรู ให้ฉันเตือนคุณถึงการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่สี่ ธีมหลักของมันคือ "เหล็กหล่อ" เหยียบย่ำพยุหเสนา กระตือรือร้นที่จะสร้างบัลลังก์อันทรงพลังบนกระดูกของศัตรู มันได้รับความไว้วางใจจากทองเหลือง - ทรัมเป็ตสองอันและทรอมโบนอ็อกเทฟสองอัน พวกมันถูกเลียนแบบโดยไวโอลิน แต่เสียงต่ำของไวโอลินถูกดูดซับโดยเสียงอันทรงพลังของทองแดง บทบาทการแสดงละครของทองเหลือง (เช่นเดียวกับเครื่องกระทบ) ในการพัฒนาได้รับการเปิดเผยอย่างชัดเจนโดยเฉพาะ ความทรงจำที่รุนแรงนำไปสู่จุดสุดยอด ที่นี่เสียงของ Huns สมัยใหม่ชัดเจนยิ่งขึ้น เสียงต่ำของกลุ่มทองเหลืองเปลือยเปล่าและแสดงแบบ "โคลสอัพ" ธีมฟังดูเป็น forte fortissimo ขับร้องโดยเขาแปดเขาพร้อมเพรียงกัน จากนั้นแตรสี่ตัวก็เข้ามา แล้วก็ทรอมโบนสามตัว และทั้งหมดนี้กับพื้นหลังของจังหวะการต่อสู้ที่ได้รับความไว้วางใจจากเครื่องเพอร์คัชชันสี่เครื่อง
หลักการที่น่าทึ่งเดียวกันของการใช้กลุ่มเครื่องเป่าทองเหลืองถูกเปิดเผยในการพัฒนาการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ห้า ทองเหลืองและที่นี่สะท้อนถึงแนวเชิงลบของละครเพลงแนวตอบโต้ ก่อนหน้านี้ การแสดงออกถูกครอบงำด้วยเสียงต่ำของเครื่องสาย ในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนา ธีมหลักของการคิดใหม่ซึ่งตอนนี้กลายเป็นศูนย์รวมของพลังชั่วร้ายนั้นได้รับความไว้วางใจให้กับเขา ก่อนหน้านี้ นักแต่งเพลงใช้รีจิสเตอร์ที่สูงกว่าของเครื่องดนตรีเหล่านี้ พวกเขาฟังดูนุ่มนวลและเบา ตอนนี้ เป็นครั้งแรกที่ส่วนของแตรจับเสียงเบสที่ต่ำมากได้ เนื่องจากเสียงต่ำของมันอู้อี้และเป็นลางไม่ดี ต่อไปอีกเล็กน้อย หัวข้อจะเปลี่ยนเป็นท่อ เล่นอีกครั้งในการลงทะเบียนต่ำ ฉันจะชี้ไปที่จุดไคลแมกซ์เพิ่มเติม ซึ่งแตรสามตัวเล่นธีมเดียวกัน ซึ่งกลายเป็นการเดินขบวนที่โหดร้ายและไร้วิญญาณ นี่คือจุดไคลแมกซ์ที่สุดยอด ทองแดงถูกนำมาไว้ข้างหน้า มันเดี่ยว ดึงดูดความสนใจของผู้ฟังได้อย่างสมบูรณ์
ตัวอย่างที่แสดงโดยเฉพาะบทบาทที่น่าทึ่งของการลงทะเบียนต่างๆ เครื่องดนตรีชิ้นเดียวและชิ้นเดียวกันอาจมีความหมายที่น่าทึ่งแตกต่างกันหรือตรงข้ามกันก็ได้ ขึ้นอยู่กับการลงทะเบียนของสีที่รวมอยู่ในจานสีเสียงต่ำของงาน
กลุ่มลมทองแดงบางครั้งทำหน้าที่แตกต่างกัน กลายเป็นพาหะของการเริ่มต้นที่ดี ให้เราหันไปที่การเคลื่อนไหวสองครั้งสุดท้ายของซิมโฟนีที่ห้าของ Shostakovich หลังจากการร้องเพลงเครื่องสายอย่างจริงใจใน Largo ท่อนแรกของตอนจบซึ่งพลิกผันอย่างเฉียบคมในการแสดงซิมโฟนิก จะถูกทำเครื่องหมายด้วยการแนะนำเครื่องทองเหลืองที่มีพลังอย่างมาก พวกเขารวบรวมในขั้นสุดท้าย ผ่านการกระทำ, ยืนยันภาพในแง่ดีที่แข็งแกร่งเอาแต่ใจ
ลักษณะเฉพาะของนักเล่นซิมโฟนี Shostakovich คือความแตกต่างที่เน้นเสียงระหว่างส่วน Largo ที่ปิดและจุดเริ่มต้นของตอนจบ นี่คือสองขั้ว: เสียงที่ไพเราะและไพเราะที่สุดของเปียโนเครื่องสาย พิณที่ขนานนามโดยเซเลสตา และเสียงท่อและทรอมโบนที่ทรงพลังของฟอร์ทิสซิโมตัดกับพื้นหลังของเสียงคำรามของกลองทิมปานี
เราได้พูดคุยเกี่ยวกับการสลับกันของเสียงต่ำ การเปรียบเทียบ "ในระยะไกล" การเปรียบเทียบดังกล่าวสามารถเรียกว่าแนวนอน แต่ก็มีเสียงที่ตัดกันในแนวตั้งเช่นกัน เมื่อเสียงต่ำตรงข้ามกันให้เสียงพร้อมกัน
ในส่วนใดส่วนหนึ่งของการพัฒนาส่วนแรกของซิมโฟนีหมายเลขแปด เสียงบนไพเราะสื่อถึงความทุกข์โศก เสียงนี้ได้รับมอบหมายให้เล่นเครื่องสาย (ไวโอลินตัวที่หนึ่งและตัวที่สอง วิโอลา และเชลโล) พวกเขาเข้าร่วมด้วยเครื่องลมไม้ แต่บทบาทที่โดดเด่นเป็นของเครื่องสาย ในเวลาเดียวกัน เราได้ยิน "เสียงแข็ง" ของสงคราม ทรัมเป็ต, ทรอมโบน, ทิมปานีครอบงำที่นี่ จากนั้นจังหวะของพวกเขาจะย้ายไปที่สแนร์กลอง มันตัดผ่านวงออร์เคสตราทั้งหมดและเสียงแห้งๆ เช่นเสียงแส้ ทำให้เกิดความขัดแย้งของเสียงต่ำที่คมชัดที่สุดอีกครั้ง
เช่นเดียวกับนักเล่นซิมโฟนีหลักคนอื่น ๆ Shostakovich หันมาใช้เครื่องสายเมื่อดนตรีต้องถ่ายทอดความรู้สึกที่สูงส่งและน่าตื่นเต้น เอาชนะมนุษยชาติทั้งหมด แต่มันก็เกิดขึ้นเช่นกันที่เครื่องสายจะทำหน้าที่ที่น่าทึ่งตรงกันข้ามสำหรับเขา โดยสร้างภาพลักษณ์เชิงลบ เช่น เครื่องเป่าทองเหลือง ในกรณีเหล่านี้ นักแต่งเพลงจะฉีกแนวของความไพเราะ ความอบอุ่นของเสียงต่ำ เสียงจะเย็นและแข็ง มีตัวอย่างความดังดังกล่าวในวงที่สี่ วงที่แปด และวงซิมโฟนีที่สิบสี่
เครื่องดนตรีของกลุ่มเครื่องลมไม้ใน Shostakovich โซโลเป็นจำนวนมาก โดยปกติแล้วสิ่งเหล่านี้ไม่ใช่การแสดงเดี่ยวที่เก่งกาจ แต่เป็นการพูดคนเดียว - โคลงสั้น ๆ โศกนาฏกรรมตลกขบขัน ขลุ่ย, โอโบ, คอร์อังเล, คลาริเน็ตโดยเฉพาะอย่างยิ่งมักจะสร้างบทเพลงที่ไพเราะ บางครั้งก็มีท่วงทำนองที่ไพเราะ Shostakovich ชอบเสียงต่ำของปี่มาก เขามอบหมายหัวข้อที่หลากหลายให้เขา - ตั้งแต่การไว้ทุกข์ที่มืดมนไปจนถึงตลกขบขัน บาสซูนมักจะพูดถึงความตาย ความทุกข์ทรมานแสนสาหัส และบางครั้งเขาก็เป็น "ตัวตลกของวงออเคสตรา" (การแสดงออกของอี.
บทบาทของเครื่องเพอร์คัชชันใน Shostakovich นั้นมีความรับผิดชอบสูง ตามกฎแล้วเขาใช้พวกเขาไม่ใช่เพื่อการตกแต่งไม่ใช่เพื่อสร้างความสง่างามของวงออเคสตรา กลองสำหรับเขาเป็นแหล่งของละคร พวกเขานำความตึงเครียดภายในที่ไม่ธรรมดาและความเฉียบคมประหม่ามาสู่ดนตรี ด้วยความรู้สึกลึกซึ้งถึงความเป็นไปได้ในการแสดงออกของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นประเภทนี้ Shostakovich จึงมอบความไว้วางใจให้กับพวกเขาด้วยโซโลที่สำคัญที่สุด ดังนั้น ในซิมโฟนีที่หนึ่ง เขาทำให้ทิมปานีโซโลเป็นสุดยอดทั่วไปของวงจรทั้งหมด ตอนของการบุกรุกจากเซเว่นนั้นเชื่อมโยงความสัมพันธุ์ในจินตนาการของเรากับจังหวะของกลองสแนร์ ในซิมโฟนีที่สิบสาม เสียงต่ำของระฆังกลายเป็นเสียงนำ ให้ฉันเตือนคุณเกี่ยวกับการแสดงเครื่องเคาะจังหวะเดี่ยวของกลุ่มในซิมโฟนีที่สิบเอ็ดและสิบสอง
รูปแบบวงออเคสตราของ Shostakovich เป็นเรื่องของการศึกษาขนาดใหญ่พิเศษ ในหน้าเหล่านี้ ฉันได้สัมผัสเพียงบางส่วนเท่านั้น
ผลงานของ Shostakovich มีผลกระทบอย่างมากต่อดนตรีในยุคของเราโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับดนตรีของโซเวียต รากฐานที่มั่นคงไม่เพียง แต่เป็นประเพณีของนักประพันธ์เพลงคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 และ 19 เท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเพณีด้วย ซึ่งผู้ก่อตั้งคือ Prokofiev และ Shostakovich
แน่นอน เราไม่ได้พูดถึงการลอกเลียนแบบในตอนนี้ พวกมันไร้ผล ไม่ว่าใครจะลอกเลียนแบบก็ตาม เรากำลังพูดถึงการพัฒนาประเพณีการเพิ่มพูนความคิดสร้างสรรค์
อิทธิพลของ Shostakovich ที่มีต่อนักแต่งเพลงร่วมสมัยเริ่มแสดงออกมาเมื่อนานมาแล้ว ซิมโฟนีเครื่องแรกไม่เพียงฟังเท่านั้น แต่ยังศึกษาอย่างรอบคอบอีกด้วย V. Ya. Shebalin กล่าวว่าเขาได้เรียนรู้มากมายจากคะแนนเยาวชนนี้ Shostakovich ในขณะที่ยังเป็นนักแต่งเพลงอายุน้อยมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ของ Leningrad เช่น V. Zhelobinsky (เป็นที่น่าสงสัยว่า Dmitry Dmitrievich พูดถึงอิทธิพลของเขาเอง)
ในช่วงหลังสงครามรัศมีอิทธิพลของดนตรีของเขาแผ่ขยายออกไป มันรวบรวมนักแต่งเพลงมากมายในมอสโกวและเมืองอื่นๆ ของเรา
สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งคือผลงานของ Shostakovich สำหรับผลงานของนักแต่งเพลงของ G. Sviridov, R. Shchedrin, M. Weinberg, B. Tchaikovsky, A. Eshpay, K. Khachaturian, Yu. Levitin, R. Bunin, L. Solin, A . ชนิทเก้. ฉันอยากจะพูดถึงโอเปร่า Dead Souls ของ Shchedrin ซึ่งประเพณีของ Mussorgsky, Prokofiev, Shostak-< вича. Талантливая опера С. Слонимского «Виринея» сочетает традиции Мусоргского с традициями автора «Катерины Измайловой». Назову А. Петрова; его симфоническая Поэма памяти жертв การปิดล้อมของเลนินกราดซึ่งเป็นงานที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ในสไตล์ของมันเชื่อมโยงกับประเพณีของซิมโฟนีที่เจ็ดของ Shostakovich (แม่นยำยิ่งขึ้นคือส่วนที่ช้า) ซิมโฟนีและ ดนตรีแชมเบอร์อาจารย์ที่มีชื่อเสียงของเรามีอิทธิพลอย่างมากต่อ B. Tishchenko
ความสำคัญยังดีสำหรับโรงเรียนดนตรีแห่งชาติของสหภาพโซเวียต ชีวิตได้แสดงให้เห็นว่าการอุทธรณ์ของนักแต่งเพลงของสาธารณรัฐของเราต่อ Shostakovich และ Prokofiev นั้นมีประโยชน์อย่างยิ่งโดยไม่ทำให้พื้นฐานระดับชาติของงานของพวกเขาอ่อนแอลงเลย ข้อเท็จจริงที่เป็นเช่นนี้เป็นหลักฐาน เช่น จากแนวปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงของ Transcaucasia นักแต่งเพลงชื่อดังระดับโลกอย่าง Kara Karaev เป็นปรมาจารย์ดนตรีอาเซอร์ไบจันร่วมสมัยที่ใหญ่ที่สุดเป็นลูกศิษย์ของ Shostakovich ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเขามีความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ที่ลึกซึ้งและสไตล์ที่แน่นอนของชาติ อย่างไรก็ตามการศึกษากับ Shostakovich และการศึกษาผลงานของเขาช่วยให้ Kara Abulfasovich เติบโตอย่างสร้างสรรค์และเชี่ยวชาญในศิลปะดนตรีที่เหมือนจริงแบบใหม่ ต้องพูดเช่นเดียวกันเกี่ยวกับ Dzhevdet Hajiyev นักแต่งเพลงชาวอาเซอร์ไบจันที่โดดเด่น ฉันจะบันทึกซิมโฟนีที่สี่ของเขาซึ่งอุทิศให้กับความทรงจำของ V. I. Lenin มีความโดดเด่นด้วยความแน่นอนของรูปชาติ ผู้เขียนได้ตระหนักถึงความสมบูรณ์ของน้ำเสียงและโมดอลของอาเซอร์ไบจันมุคแฮม ในเวลาเดียวกัน Gadzhiev เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนอื่น ๆ ของสาธารณรัฐโซเวียตไม่ได้ จำกัด ตัวเองให้อยู่ในขอบเขตของวิธีการแสดงออกในท้องถิ่น เขาใช้เวลามากมายจากซิมโฟนีของ Shostakovich โดยเฉพาะอย่างยิ่งคุณสมบัติบางอย่างของโพลีโฟนีของนักแต่งเพลงชาวอาเซอร์ไบจันนั้นเกี่ยวข้องกับงานของเขา
ในดนตรีของอาร์เมเนียพร้อมกับซิมโฟนีอิมเมจระดับมหากาพย์ ซิมโฟนีซึมที่น่าทึ่งและลึกซึ้งทางจิตใจกำลังประสบความสำเร็จในการพัฒนา เพลงของ A. I. Khachaturian และ D. D. Shostakovich มีส่วนทำให้ความคิดสร้างสรรค์ซิมโฟนิกของอาร์เมเนียเติบโต นี่คือหลักฐานอย่างน้อยซิมโฟนีที่หนึ่งและสองของ D. Ter-Tatevosyan ผลงานของ E. Mirzoyan และผู้แต่งคนอื่น ๆ
นักแต่งเพลงของจอร์เจียได้เรียนรู้สิ่งที่มีประโยชน์มากมายจากคะแนนของปรมาจารย์ชาวรัสเซียผู้น่าทึ่ง ฉันจะยกตัวอย่าง First Symphony โดย A. Balanchivadze ซึ่งเขียนขึ้นในปีสงคราม quartets โดย S. Tsintsadze
ในบรรดานักแต่งเพลงที่โดดเด่นของโซเวียตยูเครน B. Lyatoshinsky ซึ่งเป็นตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของซิมโฟนียูเครนนั้นใกล้เคียงกับ Shostakovich มากที่สุด อิทธิพลของ Shostakovich ส่งผลกระทบต่อนักแต่งเพลงชาวยูเครนรุ่นเยาว์ที่เข้ามาอยู่ข้างหน้าในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา
ควรกล่าวถึงนักแต่งเพลง Byelorussian E. Glebov และนักแต่งเพลงหลายคนของประเทศบอลติกของโซเวียตเช่น Estonians J. Ryazts และ A. Pyart ในแถวนี้
โดยพื้นฐานแล้วนักแต่งเพลงชาวโซเวียตทุกคนรวมถึงผู้ที่อยู่ห่างไกลจากเส้นทางที่ Shostakovich เดินตามอย่างสร้างสรรค์ได้นำบางอย่างไปจากเขา การศึกษาผลงานของ Dmitry Dmitrievich ทำให้แต่ละคนได้รับประโยชน์อย่างไม่ต้องสงสัย
T. N. Khrennikov ในการกล่าวเปิดงานคอนเสิร์ตครบรอบเมื่อวันที่ 24 กันยายน พ.ศ. 2519 เพื่อเป็นการระลึกถึงวันครบรอบ 70 ปีของการเกิดของ Shostakovich กล่าวว่า Prokofiev และ Shostakovich ส่วนใหญ่กำหนดแนวโน้มความคิดสร้างสรรค์ที่สำคัญในการพัฒนาดนตรีของสหภาพโซเวียต ไม่มีใครเห็นด้วยกับข้อความนี้ อิทธิพลของนักเล่นซิมโฟนีผู้ยิ่งใหญ่ของเราที่มีต่อศิลปะดนตรีของคนทั้งโลกก็ไม่ต้องสงสัยเช่นกัน แต่ที่นี่เรากำลังสัมผัสดินแดนที่บริสุทธิ์ หัวข้อนี้ยังไม่ได้รับการศึกษาเลย แต่ยังไม่ได้รับการพัฒนา

ศิลปะของ Shostakovich มุ่งเป้าไปที่อนาคต มันพาเราไป ถนนใหญ่ชีวิตสู่โลกที่สวยงามและวุ่นวาย "โลกกว้างที่เปิดรับความเกรี้ยวกราดของสายลม" คำพูดเหล่านี้ของ Eduard Bagritsky พูดราวกับว่าเกี่ยวกับ Shostakovich เกี่ยวกับดนตรีของเขา เขาอยู่ในคนรุ่นหนึ่งที่ไม่ได้เกิดมาเพื่ออยู่อย่างสงบสุข คนรุ่นนี้อดทนมามาก แต่ก็ชนะ

เส้นทางที่สร้างสรรค์ของ Dmitry Dmitrievich Shostakovich (2449-2518) เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมศิลปะโซเวียตทั้งหมดและสะท้อนให้เห็นอย่างแข็งขันในสื่อ (บทความหนังสือบทความ ฯลฯ จำนวนมากตีพิมพ์เกี่ยวกับนักแต่งเพลงในช่วงชีวิตของเขา) . ในหน้าของสื่อเขาถูกเรียกว่าอัจฉริยะ (ผู้แต่งอายุเพียง 17 ปี):

“ ในเกมของ Shostakovich ... ความมั่นใจที่สงบสุขของอัจฉริยะ คำพูดของฉันไม่ได้หมายถึงการเล่นที่ยอดเยี่ยมของ Shostakovich เท่านั้น แต่ยังหมายถึงการประพันธ์เพลงของเขาด้วย” (V. Walter นักวิจารณ์)

Shostakovich เป็นหนึ่งในต้นฉบับดั้งเดิมที่สุด ศิลปินที่สดใส. ชีวประวัติที่สร้างสรรค์ทั้งหมดของเขาคือเส้นทางของนักประดิษฐ์ตัวจริงที่สร้าง ทั้งเส้นการค้นพบในด้านอุปมาอุปไมยและ - ประเภทและรูปแบบ, โมดอล-น้ำเสียง ในขณะเดียวกันงานของเขาก็ซึมซับประเพณีศิลปะดนตรีที่ดีที่สุด ความคิดสร้างสรรค์มีบทบาทอย่างมากสำหรับเขาหลักการที่นักแต่งเพลง (โอเปร่าและแชมเบอร์ร้อง) นำมาสู่วงซิมโฟนี

นอกจากนี้ Dmitry Dmitrievich ยังคงแนวซิมโฟนีของเบโธเฟนที่เป็นวีรบุรุษ แนวคิดที่เห็นพ้องต้องกันในชีวิตของงานของเขาย้อนกลับไปที่ Shakespeare, Goethe, Beethoven, Tchaikovsky โดยธรรมชาติทางศิลปะ

“ Shostakovich เป็น“ คนของโรงละคร” เขารู้จักและรักเขา” (L. Danilevich)

ในขณะเดียวกัน ชีวิตของเขาในฐานะนักแต่งเพลงและในฐานะบุคคลก็เชื่อมโยงกับหน้าที่น่าเศร้าของประวัติศาสตร์โซเวียต

บัลเล่ต์และโอเปร่าโดย D. D. Shostakovich

บัลเลต์เรื่องแรก - "Golden Age", "Bolt", "Bright Stream"

ฮีโร่โดยรวมของงานคือทีมฟุตบอล (ซึ่งไม่ใช่เรื่องบังเอิญเนื่องจากผู้แต่งชื่นชอบกีฬามีความเชี่ยวชาญในความซับซ้อนของเกมซึ่งทำให้เขามีโอกาสเขียนรายงานเกี่ยวกับการแข่งขันฟุตบอลเป็นแฟนตัวยง จบจากโรงเรียนผู้ตัดสินฟุตบอล) จากนั้นบัลเล่ต์ "Bolt" มาในรูปแบบของอุตสาหกรรม บทประพันธ์เขียนโดยอดีตทหารม้า และจากมุมมองสมัยใหม่ เกือบจะเป็นเรื่องล้อเลียน บัลเล่ต์ถูกสร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงด้วยจิตวิญญาณของคอนสตรัคติวิสต์ ผู้ร่วมสมัยนึกถึงการแสดงรอบปฐมทัศน์ในรูปแบบต่างๆ: บางคนบอกว่าผู้ชมที่เป็นชนชั้นกรรมาชีพไม่เข้าใจอะไรเลยและโห่ร้องผู้เขียน คนอื่น ๆ จำได้ว่าบัลเล่ต์ได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมือ เพลงของบัลเล่ต์ The Bright Stream (รอบปฐมทัศน์ - 01/04/35) ซึ่งเกิดขึ้นในฟาร์มส่วนรวมไม่เพียง แต่เต็มไปด้วยโคลงสั้น ๆ เท่านั้น แต่ยังมีน้ำเสียงการ์ตูนซึ่งไม่สามารถส่งผลกระทบต่อชะตากรรมของผู้แต่ง .

Shostakovich แต่งเพลงมากมายในช่วงปีแรก ๆ ของเขา แต่งานบางชิ้นกลับกลายเป็นว่าเขาทำลายเป็นการส่วนตัวเช่นโอเปร่าเรื่องแรก "Gypsies" หลังจาก Pushkin

โอเปร่าเรื่อง The Nose (พ.ศ. 2470-2471)

มันทำให้เกิดความขัดแย้งอย่างรุนแรงอันเป็นผลมาจากการที่มันถูกลบออกจากละครเป็นเวลานานและต่อมาก็ฟื้นคืนชีพอีกครั้ง ในคำพูดของ Shostakovich เขา:

“... อย่างน้อยที่สุดก็ได้รับคำแนะนำจากข้อเท็จจริงที่ว่าโอเปร่าเป็นดนตรีชิ้นหนึ่งเป็นหลัก ใน "The Nose" องค์ประกอบของการกระทำและดนตรีจะเท่ากัน ไม่มีใครครอบครองตำแหน่งที่โดดเด่น

ในความพยายามที่จะสังเคราะห์ดนตรีและการแสดงละคร นักแต่งเพลงได้ผสมผสานความเป็นตัวของตัวเองที่สร้างสรรค์และแนวโน้มทางศิลปะที่หลากหลายไว้ในผลงาน (Love for Three Oranges, Wozzeck ของ Berg, Jump Over the Shadow ของ Krenek) สุนทรียภาพแห่งการแสดงละครที่สมจริงมีอิทธิพลอย่างมากต่อผู้แต่ง โดยรวมแล้ว The Nose วางรากฐานของวิธีการที่เหมือนจริง ในทางกลับกัน ทิศทางของ "โกโกเลียน" ในบทละครโอเปร่าของโซเวียต

โอเปร่า Katerina Izmailova (Lady Macbeth แห่งเขต Mtsensk)

มันถูกทำเครื่องหมายด้วยการเปลี่ยนจากอารมณ์ขัน (ในบัลเลต์ Bolt) ไปสู่โศกนาฏกรรม แม้ว่าองค์ประกอบที่น่าเศร้าจะปรากฏให้เห็นอยู่แล้วใน The Nose ซึ่งประกอบเป็นข้อความย่อย

นี้ - “ ... ศูนย์รวมของความรู้สึกโศกนาฏกรรมของเรื่องไร้สาระที่น่ากลัวของโลกที่นักแต่งเพลงบรรยายซึ่งทุกสิ่งที่มนุษย์ถูกเหยียบย่ำและผู้คนก็เป็นหุ่นเชิดที่น่าสมเพช ฯพณฯ จมูกลอยอยู่เหนือพวกเขา” (แอล. ดานิเลวิช)

ในทางตรงกันข้าม นักวิจัย L. Danilevich มองเห็นบทบาทพิเศษของพวกเขาในกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Shostakovich และในวงกว้างกว่านั้น - ในศิลปะแห่งศตวรรษ

โอเปร่า "Katerina Izmailova" อุทิศให้กับ N. Varzar ภรรยาของนักแต่งเพลง แนวคิดดั้งเดิมมีขนาดใหญ่ - ไตรภาคที่แสดงถึงชะตากรรมของผู้หญิงในยุคต่างๆ "Katerina Izmailova" จะเป็นส่วนแรกของเรื่องนี้โดยแสดงให้เห็นถึงการประท้วงที่เกิดขึ้นเองของนางเอกเพื่อต่อต้าน "อาณาจักรแห่งความมืด" ซึ่งผลักดันเธอไปสู่เส้นทางแห่งอาชญากรรม นางเอกของส่วนถัดไปควรเป็นนักปฏิวัติและในส่วนที่สามผู้แต่งต้องการแสดงชะตากรรมของสตรีโซเวียต แผนนี้ไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นจริง

จากการประเมินโอเปร่าโดยผู้ร่วมสมัยคำพูดของ I. Sollertinsky บ่งบอก:

“อาจกล่าวได้ด้วยความรับผิดชอบอย่างเต็มที่ว่าในประวัติศาสตร์ละครเพลงของรัสเซียหลังจากเรื่อง The Queen of Spades ไม่มีผลงานที่ใหญ่โตและลุ่มลึกเช่น Lady Macbeth ปรากฏ

นักแต่งเพลงเองเรียกโอเปร่าว่า "โศกนาฏกรรม-เสียดสี" ซึ่งเป็นการรวมสองส่วนที่สำคัญที่สุดของงานของเขาเข้าไว้ด้วยกัน

อย่างไรก็ตามเมื่อวันที่ 28 มกราคม พ.ศ. 2479 หนังสือพิมพ์ปราฟดาได้ตีพิมพ์บทความเรื่อง "Middleแทนที่จะเป็นดนตรี" เกี่ยวกับโอเปร่า (ซึ่งได้รับการยกย่องและยอมรับอย่างสูงจากสาธารณชนแล้ว) ซึ่งโชสตาโควิชถูกกล่าวหาว่าเป็นพิธีการ บทความนี้เป็นผลมาจากความเข้าใจผิดเกี่ยวกับปัญหาด้านสุนทรียศาสตร์ที่ซับซ้อนที่โอเปร่าหยิบยกขึ้นมา แต่เป็นผลให้ชื่อของนักแต่งเพลงถูกระบุในทางลบอย่างรวดเร็ว

ในช่วงที่ยากลำบากนี้ การสนับสนุนจากเพื่อนร่วมงานหลายคนกลายเป็นสิ่งล้ำค่าสำหรับเขา และผู้ที่กล่าวต่อสาธารณชนว่าเขายินดีต้อนรับ Shostakovich ด้วยคำพูดของ Pushkin เกี่ยวกับ Baratynsky:

"เขาเป็นคนเดิมกับเรา - เพราะเขาคิด"

(แม้ว่าการสนับสนุนของ Meyerhold จะแทบไม่ได้รับการสนับสนุนเลยในช่วงหลายปีที่ผ่านมา แต่กลับสร้างอันตรายต่อชีวิตและผลงานของนักแต่งเพลง)

ยิ่งไปกว่านั้น ในวันที่ 6 กุมภาพันธ์ หนังสือพิมพ์ฉบับเดียวกันตีพิมพ์บทความชื่อ "Ballet Falsity" ซึ่งจริงๆ แล้วตัดคำว่า "Bright Stream" ของบัลเลต์ออกไป

เนื่องจากบทความเหล่านี้ซึ่งส่งผลกระทบต่อนักแต่งเพลงอย่างรุนแรงกิจกรรมของเขาในฐานะนักแต่งเพลงโอเปร่าและบัลเล่ต์จึงสิ้นสุดลงแม้ว่าพวกเขาจะพยายามให้ความสนใจในโครงการต่าง ๆ อย่างต่อเนื่องเป็นเวลาหลายปีก็ตาม

ซิมโฟนีโดย Shostakovich

ในงานซิมโฟนี (ผู้แต่งแต่งเพลงซิมโฟนี 15 เพลง) Shostakovich มักจะใช้วิธีการเปลี่ยนแปลงเชิงอุปมาอุปไมยโดยอาศัยการคิดใหม่อย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับประเด็นทางดนตรีซึ่งส่งผลให้ได้รับความหมายที่หลากหลาย

• เกี่ยวกับ ซิมโฟนีแรกนิตยสารดนตรีอเมริกันเขียนในปี 2482:

ซิมโฟนี (งานวิทยานิพนธ์) นี้เสร็จสิ้นระยะเวลาฝึกงานในประวัติสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง

• ซิมโฟนีที่สอง- นี่คือภาพสะท้อนของชีวิตร่วมสมัยของผู้แต่ง: มันมีชื่อว่า "ตุลาคม" ซึ่งได้รับคำสั่งให้ครบรอบ 10 ปีของการปฏิวัติเดือนตุลาคมโดยแผนกโฆษณาชวนเชื่อของแผนกดนตรีของสำนักพิมพ์แห่งรัฐ เป็นจุดเริ่มต้นของการค้นหาวิธีใหม่ๆ

• ซิมโฟนีที่สามทำเครื่องหมายด้วยภาษาดนตรีที่เป็นประชาธิปไตยและเหมือนเพลงเมื่อเปรียบเทียบกับเพลงที่สอง

หลักการของการตัดต่อละคร การแสดงละคร และการมองเห็นของภาพเริ่มได้รับการติดตามด้วยความโล่งใจ

• ซิมโฟนีที่สี่- โศกนาฏกรรมซิมโฟนีซึ่งเป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาซิมโฟนีของ Shostakovich

เช่นเดียวกับ "Katerina Izmailova" เธอถูกลืมชั่วคราว นักแต่งเพลงยกเลิกรอบปฐมทัศน์ (คาดว่าจะมีขึ้นในปี 2479) โดยเชื่อว่าจะ "หมดเวลา" เฉพาะในปีพ.ศ. 2505 ผลงานนี้ได้รับการแสดงและได้รับการต้อนรับอย่างกระตือรือร้น แม้ว่าเนื้อหาและภาษาดนตรีจะซับซ้อน เฉียบคมก็ตาม G. Khubov (นักวิจารณ์) กล่าวว่า:

"ในดนตรีซิมโฟนีที่สี่ ชีวิตนั้นเต็มไปด้วยฟองสบู่"

• ซิมโฟนีที่ห้ามักจะเปรียบเทียบกับละครประเภทเชคสเปียร์โดยเฉพาะกับ "แฮมเล็ต"

"ควรเต็มไปด้วยความคิดเชิงบวก เช่น สิ่งที่น่าสมเพชในชีวิตของโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์"

ดังนั้นเกี่ยวกับซิมโฟนีที่ห้าของเขา เขากล่าวว่า:

“แก่นของซิมโฟนีของฉันคือการก่อตัวของบุคลิกภาพ ผู้ชายที่มีประสบการณ์ทั้งหมดของเขาที่ฉันเห็นเป็นศูนย์กลางของแนวคิดของงานนี้

• สัญลักษณ์อย่างแท้จริง ซิมโฟนีที่เจ็ด ("เลนินกราด")เขียนในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อมภายใต้ความประทับใจโดยตรงต่อเหตุการณ์เลวร้ายของสงครามโลกครั้งที่สอง

ตามที่ Koussevitzky ดนตรีของเขา

“ยิ่งใหญ่และมีมนุษยธรรมและสามารถเปรียบเทียบได้กับความเป็นสากลของความเป็นมนุษย์ของอัจฉริยะของเบโธเฟนที่เกิดในยุคแห่งกลียุคโลกเช่นโชสตาโควิช…”

รอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนีที่เจ็ดเกิดขึ้นที่เลนินกราดที่ปิดล้อมเมื่อวันที่ 08/09/42 โดยมีการออกอากาศคอนเสิร์ตทางวิทยุ Maxim Shostakovich ลูกชายของนักแต่งเพลงเชื่อว่าผลงานชิ้นนี้ไม่เพียงสะท้อนให้เห็นถึงการต่อต้านลัทธิมนุษยนิยมของการรุกรานของลัทธิฟาสซิสต์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการต่อต้านลัทธิมนุษยนิยมของผู้ก่อการร้ายสตาลินในสหภาพโซเวียตด้วย

• ซิมโฟนีที่แปด(เปิดตัวเมื่อวันที่ 11 ธันวาคม พ.ศ. 2486) เป็นผลงานชิ้นแรกที่โศกนาฏกรรมของนักแต่งเพลง (จุดสำคัญที่สองคือซิมโฟนีที่สิบสี่) ดนตรีที่ทำให้เกิดการโต้เถียงด้วยความพยายามที่จะดูแคลนความสำคัญของมัน แต่ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งใน ผลงานที่โดดเด่นของศตวรรษที่ 20

• ในซิมโฟนีหมายเลขเก้า(เขียนเสร็จในปี พ.ศ. 2488) ผู้แต่ง (มีความเห็นเช่นนั้น) ตอบสนองต่อการสิ้นสุดของสงคราม

ในความพยายามที่จะกำจัดประสบการณ์นี้ เขาพยายามดึงดูดอารมณ์ที่เงียบสงบและสนุกสนาน อย่างไรก็ตาม ในแง่ของอดีต สิ่งนี้ไม่สามารถทำได้อีกต่อไป - แนวอุดมการณ์หลักถูกแยกออกจากองค์ประกอบที่น่าทึ่งอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

• ซิมโฟนีที่สิบสานต่อแนวที่วางไว้ในซิมโฟนีหมายเลข 4

หลังจากนั้น Shostakovich หันไปใช้ซิมโฟนีประเภทอื่นโดยรวบรวมมหากาพย์การปฏิวัติของประชาชน ดังนั้นความแตกแยกจึงปรากฏขึ้น - ซิมโฟนีหมายเลข 11 และ 12 ที่มีชื่อ "1905" (ซิมโฟนีหมายเลข 11 ซึ่งอุทิศให้กับวันครบรอบ 40 ปีของเดือนตุลาคม) และ "1917" (ซิมโฟนีหมายเลข 12)

• ซิมโฟนีที่สิบสามและสิบสี่ทำเครื่องหมายด้วยคุณสมบัติประเภทพิเศษ (คุณสมบัติของ oratorio อิทธิพลของโรงละครโอเปร่า)

วงจรเหล่านี้เป็นวัฏจักรของเสียงร้องและซิมโฟนิกแบบหลายส่วน ซึ่งความโน้มเอียงไปสู่การสังเคราะห์ประเภทเสียงร้องและซิมโฟนิกได้แสดงออกมาอย่างเต็มที่

งานไพเราะของนักแต่งเพลง Shostakovich นั้นมีหลายแง่มุม ด้านหนึ่งเป็นงานที่เขียนภายใต้อิทธิพลของความกลัวต่อสิ่งที่เกิดขึ้นในบ้านเมือง บางงานเขียนตามคำสั่ง บางงานเขียนเพื่อปกป้องตัวเอง ในทางกลับกัน สิ่งเหล่านี้เป็นการสะท้อนความจริงและลึกซึ้งเกี่ยวกับชีวิตและความตาย ซึ่งเป็นถ้อยแถลงส่วนตัวของนักแต่งเพลงที่สามารถพูดได้คล่องในภาษาดนตรีเท่านั้น ทาโคว่า ซิมโฟนีที่สิบสี่. นี่คือผลงานการบรรเลงโดยใช้เสียงร้องซึ่งใช้โองการของ F. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. Rilke ธีมหลักของซิมโฟนีคือภาพสะท้อนของความตายและมนุษย์ และแม้ว่า Dmitry Dmitrievich จะพูดในรอบปฐมทัศน์ว่านี่คือดนตรีและชีวิต แต่เนื้อหาทางดนตรีนั้นพูดถึงเส้นทางที่น่าเศร้าของบุคคลความตาย นักแต่งเพลงลุกขึ้นมาถึงจุดสูงสุดของการสะท้อนทางปรัชญา

ผลงานเปียโนของ Shostakovich

ทิศทางรูปแบบใหม่ เพลงเปียโนศตวรรษที่ 20 ปฏิเสธประเพณีโรแมนติกและอิมเพรสชั่นนิสม์ในหลาย ๆ ด้าน การนำเสนอกราฟิกที่ได้รับการปลูกฝัง (บางครั้งจงใจทำให้แห้ง) บางครั้งเน้นความคมชัดและเสียงดัง จังหวะมีความสำคัญเป็นพิเศษ บทบาทสำคัญในการพัฒนาเป็นของ Prokofiev และเป็นลักษณะเฉพาะของ Shostakovich ตัวอย่างเช่นเขาใช้การลงทะเบียนที่แตกต่างกันอย่างกว้างขวางเปรียบเทียบเสียงที่ตัดกัน

เข้าแล้ว ความคิดสร้างสรรค์ของเด็กเขาพยายามตอบสนองต่อเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ (ท่อนเปียโน "Soldier", "Hymn to Freedom", "Funeral March in Memory of the Victims of the Revolution")

N. Fedin บันทึกโดยระลึกถึงปีเรือนกระจกของนักแต่งเพลงหนุ่ม:

"เพลงของเขาพูดคุย พูดคุย บางครั้งก็ค่อนข้างซุกซน"

นักแต่งเพลงได้ทำลายผลงานในยุคแรกๆ ของเขาบางส่วน และยกเว้น Fantastic Dances ไม่ได้เผยแพร่ผลงานใดๆ ที่เขียนขึ้นก่อนการแสดงซิมโฟนีชุดแรก "Fantastic Dances" (1926) ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วและเข้าสู่ละครเพลงและการสอนอย่างมั่นคง

วงจรของ "โหมโรง" ถูกทำเครื่องหมายด้วยการค้นหาเทคนิคและวิธีการใหม่ๆ ภาษาดนตรีที่นี่ปราศจากการเสแสร้งและความซับซ้อนโดยเจตนา คุณสมบัติที่แยกจากกันตามสไตล์ของนักแต่งเพลงแต่ละคนนั้นมีความเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับท่วงทำนองรัสเซียทั่วไป

เปียโนโซนาตาหมายเลข 1 (พ.ศ. 2469) เดิมเรียกว่า "ตุลาคม" เป็นความท้าทายที่ท้าทายต่อการประชุมและวิชาการ งานแสดงอิทธิพลของสไตล์เปียโนของ Prokofiev อย่างชัดเจน

ลักษณะของวงจรของชิ้นเปียโน "ต้องเดา" (2470) ซึ่งประกอบด้วย 10 ชิ้นในทางตรงกันข้ามมีการทำเครื่องหมายด้วยความสนิทสนมการนำเสนอกราฟิก

ในโซนาตาที่หนึ่งและคำพังเพย Kabalevsky เห็น "การหลบหนีจากความสวยงามภายนอก"

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 (หลังโอเปร่า Katerina Izmailova) มีการแสดงเปียโน 24 เพลง (พ.ศ. 2475-2476) และเปียโนคอนแชร์โต้ครั้งแรก (พ.ศ. 2476) ในงานเหล่านี้ลักษณะเฉพาะของสไตล์เปียโนแต่ละแบบของ Shostakovich ก่อตัวขึ้น ซึ่งต่อมาได้ระบุไว้อย่างชัดเจนใน Second Sonata และส่วนเปียโนของ Quintet และ Trio

ในปี 1950-51 วงจร "24 Preludes and Fugues" op 87 ซึ่งอ้างอิงในโครงสร้างถึง CTC ของ Bach นอกจากนี้ไม่มีนักแต่งเพลงชาวรัสเซียคนใดสร้างวงจรดังกล่าวก่อน Shostakovich

เปียโนโซนาตาตัวที่สอง (op. 61, 1942) เขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของการเสียชีวิตของ L. Nikolaev (นักเปียโน นักแต่งเพลง ครู) และอุทิศให้กับความทรงจำของเขา ในขณะเดียวกันก็สะท้อนให้เห็นถึงเหตุการณ์ของสงคราม ความใกล้ชิดไม่เพียงทำเครื่องหมายประเภทเท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครของงานด้วย

“อาจจะไม่มีที่ไหนอีกแล้วที่ Shostakovich จะเป็นนักพรตในด้านเนื้อเปียโนเหมือนที่นี่” (L. Danilevich)

ห้องศิลปะ

นักแต่งเพลงสร้าง 15 ควอเตต ในการทำงานกับ First Quartet (op. 40, 1938) โดยการยอมรับของเขาเอง เขาเริ่ม "โดยไม่มีความคิดและความรู้สึกพิเศษใดๆ"

อย่างไรก็ตาม ผลงานของ Shostakovich ไม่เพียงทำให้หลงใหลเท่านั้น แต่ยังเติบโตเป็นแนวคิดในการสร้างวงจร 24 ควอเต็ต หนึ่งคีย์สำหรับแต่ละคีย์ อย่างไรก็ตาม ชีวิตตัดสินใจว่าแผนนี้ไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นจริง

องค์ประกอบสำคัญที่ทำให้แนวการสร้างสรรค์ของเขาในช่วงก่อนสงครามเสร็จสมบูรณ์คือ Quintet สำหรับไวโอลิน 2 ตัว วิโอลา เชลโล และเปียโน (พ.ศ. 2483)

นี่คือ "อาณาจักรแห่งความสงบสะท้อนจากบทกวีโคลงสั้น ๆ นี่คือโลกของความคิดที่สูงส่ง ยับยั้ง ความรู้สึกที่ชัดเจนบริสุทธิ์ ผสมผสานกับความสนุกสนานรื่นเริงและภาพอภิบาล” (แอล. ดานิเลวิช)

ต่อมานักแต่งเพลงไม่สามารถพบความสงบในงานของเขาได้

ดังนั้น Trio ในความทรงจำของ Sollertinsky จึงรวบรวมทั้งความทรงจำของเพื่อนที่จากไปและความคิดของทุกคนที่เสียชีวิตในช่วงสงครามอันเลวร้าย

ความคิดสร้างสรรค์ Cantata-oratorio

Shostakovich ได้สร้าง oratorio รูปแบบใหม่ซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือการใช้เพลงและประเภทและรูปแบบอื่น ๆ อย่างแพร่หลายรวมถึงการประชาสัมพันธ์และลูกหลาน

คุณลักษณะเหล่านี้รวมอยู่ใน Oratorio ที่มีแสงแดดส่องถึง "Song of the Forests" ซึ่งสร้าง "เหตุการณ์ที่ร้อนแรง" ที่เกี่ยวข้องกับการเปิดใช้งาน "การก่อสร้างสีเขียว" - การสร้างเข็มขัดป้องกันป่า มีการเปิดเผยเนื้อหาออกเป็น 7 ส่วน

(“เมื่อสงครามสิ้นสุดลง”, “เราจะแต่งมาตุภูมิให้เป็นป่า”, “รำลึกถึงอดีต”, “ผู้บุกเบิกปลูกป่า”, “สตาลินกราดก้าวไปข้างหน้า”, “ก้าวเดินในอนาคต”, “ความรุ่งโรจน์”)

ใกล้เคียงกับสไตล์ของ oratorio cantata เรื่อง “The Sun Shines Over Our Homeland” (1952) ในบทประพันธ์ ดอลมาตอฟสกี้.

ทั้งใน oratorio และใน cantata มีแนวโน้มที่จะสังเคราะห์บทเพลงประสานเสียงและแนวซิมโฟนิกของผลงานของนักแต่งเพลง

ในช่วงเวลาเดียวกัน บทกวี 10 รอบปรากฏขึ้นสำหรับ ประสานเสียงผสมปราศจากถ้อยคำของกวีปฏิวัติแห่งศตวรรษ (พ.ศ. 2494) ซึ่งเป็นตัวอย่างอันโดดเด่นของมหากาพย์แห่งการปฏิวัติ รอบเป็นผลงานชิ้นแรกในผลงานของนักแต่งเพลงที่ไม่มี เพลงบรรเลง. นักวิจารณ์บางคนเชื่อว่าผลงานที่สร้างขึ้นตามคำพูดของ Dolmatovsky ซึ่งธรรมดา แต่เป็นผู้ครอบครองตำแหน่งใหญ่ในระบบการตั้งชื่อของสหภาพโซเวียตช่วยให้นักแต่งเพลงมีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์ ดังนั้นหนึ่งในวัฏจักรของคำพูดของ Dolmatovsky จึงถูกสร้างขึ้นทันทีหลังจากซิมโฟนีที่ 14 ราวกับว่าตรงกันข้าม

เพลงประกอบภาพยนตร์

เพลงประกอบภาพยนตร์มีบทบาทอย่างมากในงานของ Shostakovich เขาเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกศิลปะดนตรีประเภทนี้ซึ่งตระหนักถึงความปรารถนานิรันดร์ของเขาสำหรับทุกสิ่งที่ไม่รู้จัก ในเวลานั้น ภาพยนตร์ยังคงเงียบ และดนตรีประกอบภาพยนตร์ถูกมองว่าเป็นการทดลอง

การสร้างดนตรีสำหรับภาพยนตร์ Dmitry Dmitrievich ไม่ได้พยายามเพื่อภาพประกอบของขอบเขตภาพ แต่เพื่อผลกระทบทางอารมณ์และจิตใจ เมื่อดนตรีเผยให้เห็นเนื้อหาย่อยทางจิตวิทยาที่ลึกซึ้งของสิ่งที่เกิดขึ้นบนหน้าจอ นอกจากนี้ การทำงานในโรงภาพยนตร์ทำให้นักแต่งเพลงหันไปใช้เลเยอร์ของชาติที่ไม่รู้จักมาก่อน ศิลปท้องถิ่น. เพลงสำหรับภาพยนตร์ช่วยนักแต่งเพลงเมื่องานหลักของเขาไม่ได้เสียง เช่นเดียวกับการแปลช่วย Pasternak, Akhmatova, Mandelstam

ภาพยนตร์บางเรื่องที่มีดนตรีโดย Shostakovich (เป็นภาพยนตร์ที่แตกต่างกัน):

"Youth of Maxim", "Young Guard", "Gadfly", "Hamlet", "King Lear" ฯลฯ

ภาษาดนตรีของนักแต่งเพลงมักไม่สอดคล้องกับบรรทัดฐานที่กำหนดไว้และสะท้อนถึงคุณสมบัติส่วนตัวของเขาในหลาย ๆ ด้าน: เขาชื่นชมอารมณ์ขัน, คำพูดที่เฉียบคม, ตัวเขาเองมีไหวพริบ

"ความจริงจังในตัวเขารวมกับความมีชีวิตชีวาของตัวละคร" (Tyulin)

อย่างไรก็ตามควรสังเกตว่าภาษาดนตรีของ Dmitry Dmitrievich เริ่มมืดมนมากขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป และถ้าเราพูดถึงอารมณ์ขันเราสามารถเรียกมันว่าการเสียดสีด้วยความมั่นใจอย่างเต็มที่ (เสียงรอบข้อความจากนิตยสาร "Crocodile" ในบทของกัปตัน Lebyadkin ฮีโร่ของนวนิยายเรื่อง "Demons" ของ Dostoevsky)

นักแต่งเพลงนักเปียโน Shostakovich ยังเป็นครู (ศาสตราจารย์ของ Leningrad Conservatory) ซึ่งเป็นผู้เลี้ยงดูนักแต่งเพลงที่โดดเด่นหลายคนรวมถึง G. Sviridov, K. Karaev, M. Weinberg, B. Tishchenko, G. Ustvolskaya และคนอื่น ๆ

สำหรับเขาแล้ว มุมมองที่กว้างไกลมีความสำคัญอย่างยิ่ง และเขามักจะรู้สึกและสังเกตเห็นความแตกต่างระหว่างความตื่นตาตื่นใจภายนอกกับด้านอารมณ์ความรู้สึกที่ลึกซึ้งของดนตรี ข้อดีของนักแต่งเพลงได้รับการชื่นชมอย่างสูง: Shostakovich เป็นหนึ่งในผู้ได้รับรางวัล State Prize of the USSR คนแรกเขาได้รับรางวัล Order of the Red Banner of Labor (ซึ่งในเวลานั้นทำได้โดยนักแต่งเพลงเพียงไม่กี่คนเท่านั้น)

อย่างไรก็ตาม ชะตากรรมของมนุษย์และดนตรีของนักแต่งเพลงคือตัวอย่างโศกนาฏกรรมของอัจฉริยะใน

คุณชอบมันไหม? อย่าซ่อนความสุขของคุณจากโลก - แบ่งปัน

ศิลปินแต่ละคนดำเนินบทสนทนาพิเศษตามเวลาของเขา แต่ธรรมชาติของบทสนทนานี้ส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับคุณสมบัติของบุคลิกภาพของเขาง. Shostakovich ซึ่งแตกต่างจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันหลายคนไม่กลัวที่จะเข้าใกล้ความเป็นจริงที่ไม่น่าดึงดูดมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้และทำให้การสร้างภาพสัญลักษณ์ทั่วไปที่ไร้ความปรานีเป็นเรื่องและหน้าที่ในชีวิตของเขาในฐานะศิลปิน โดยธรรมชาติของเขาตาม I. Sollertinsky เขาถึงวาระที่จะกลายเป็น "กวีที่น่าเศร้า" ที่ยิ่งใหญ่

ในผลงานของนักดนตรีในประเทศมีการกล่าวถึงความขัดแย้งในระดับสูงในผลงานของ Shostakovich ซ้ำแล้วซ้ำอีก (ผลงานของ M. Aranovsky, T. Leie, M. Sabinina, L. Mazel) ความขัดแย้งเป็นการแสดงออกถึงทัศนคติของนักแต่งเพลงต่อปรากฏการณ์ของความเป็นจริงโดยรอบ เนื่องจากเป็นส่วนหนึ่งของการสะท้อนศิลปะของความเป็นจริง L. Berezovchuk แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าความขัดแย้งในดนตรีของ Shostakovich มักแสดงออกมาผ่านปฏิสัมพันธ์โวหารและแนวเพลง ปัญหา. 15. - L.: Music, 1977. - S. 95-119 .. สัญญาณของรูปแบบและแนวดนตรีที่หลากหลายในอดีตที่สร้างขึ้นใหม่ในงานสมัยใหม่สามารถมีส่วนร่วมในความขัดแย้ง ขึ้นอยู่กับความตั้งใจของนักแต่งเพลง พวกเขาสามารถกลายเป็นสัญลักษณ์ของการเริ่มต้นในเชิงบวกหรือภาพแห่งความชั่วร้าย นี่เป็นหนึ่งในรูปแบบต่างๆ ของ "ภาพรวมผ่านแนวเพลง" (ศัพท์ของ A. Alschwang) ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 โดยทั่วไป กระแสการหวนกลับ ศตวรรษที่ 20 (ผลงานของ M. Reger, P. Hindemith , I. Stravinsky, A. Schnittke และอื่น ๆ อีกมากมาย)

ตามที่ M. Aranovsky หนึ่งในแง่มุมที่สำคัญที่สุดของดนตรีของ Shostakovich คือการผสมผสานวิธีการต่างๆ ความคิดทางศิลปะ, เช่น:

คำสั่งเปิดทางอารมณ์โดยตรงราวกับว่า "สุนทรพจน์ทางดนตรีโดยตรง";

· เทคนิคภาพ มักจะเกี่ยวข้องกับภาพภาพยนตร์ที่เกี่ยวข้องกับการสร้าง "ซิมโฟนิกพล็อต";

· วิธีการกำหนดหรือสัญลักษณ์ที่เกี่ยวข้องกับการแสดงตัวตนของพลังของ "การกระทำ" และ "การตอบโต้" Aranovsky M. ความท้าทายของเวลาและการตอบสนองของศิลปิน // Academy of Music - ม.: ดนตรี, 2540. - ฉบับที่ 4. - น.15 - 27..

ในการแสดงออกทั้งหมดของวิธีการสร้างสรรค์ของ Shostakovich มีการพึ่งพาประเภทอย่างชัดเจน และในการแสดงออกโดยตรงของความรู้สึกและในเทคนิคภาพและในกระบวนการของสัญลักษณ์ - ทุกที่ที่มีพื้นฐานประเภทที่ชัดเจนหรือซ่อนเร้นของแนวคิดเฉพาะเรื่องมีภาระความหมายเพิ่มเติม

ผลงานของ Shostakovich ถูกครอบงำด้วยประเภทดั้งเดิม - ซิมโฟนี, โอเปร่า, บัลเล่ต์, ควอเตต ฯลฯ ส่วนต่างๆ ของวงจรมักมีการกำหนดประเภท เช่น Scherzo, Recitative, Etude, Humoresque, Elegy, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March นักแต่งเพลงยังฟื้นฟูประเภทโบราณจำนวนหนึ่ง - chaconne, sarabande, passacaglia ความไม่ชอบมาพากลของความคิดทางศิลปะของ Shostakovich คือประเภทที่เป็นที่รู้จักนั้นมีความหมายซึ่งไม่ตรงกับต้นแบบทางประวัติศาสตร์เสมอไป พวกเขากลายเป็นโมเดลดั้งเดิม - ผู้ให้บริการค่าบางอย่าง

ตามที่ V. Bobrovsky กล่าวว่า Passacaglia มีจุดประสงค์ในการแสดงความคิดทางจริยธรรมอันสูงส่ง Bobrovsky V. การนำแนว Passacaglia ไปใช้ในวงจร Sonata-Symphonic ของ D. Shostakovich // Music and Modernity ฉบับที่ 1 - ม., 2505.; ประเภทของ Chaconne และ sarabande มีบทบาทที่คล้ายกันและในการแต่งเพลงของห้องในยุคสุดท้าย - ความสง่างาม บ่อยครั้งที่มีการพูดคนเดียวซ้ำ ๆ ในผลงานของ Shostakovich ซึ่งในช่วงกลางมีจุดประสงค์ในการแสดงละครหรือที่น่าสมเพช - โศกนาฏกรรมและในช่วงเวลาต่อมาพวกเขาได้รับความหมายทางปรัชญาทั่วไป

ความพฤกษ์ของความคิดของ Shostakovich แสดงออกโดยธรรมชาติไม่เพียง แต่ในพื้นผิวและวิธีการพัฒนาศิลปะเฉพาะเรื่องเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการฟื้นฟูประเภทความทรงจำเช่นเดียวกับประเพณีการเขียนวงจรของโหมโรงและความทรงจำ ยิ่งไปกว่านั้น โครงสร้างแบบโพลีโฟนิกมีความหมายที่แตกต่างกันมาก: โพลีโฟนีที่ตัดกัน เช่นเดียวกับฟูกาโต มักเกี่ยวข้องกับทรงกลมเชิงเปรียบเทียบที่เป็นบวก ทรงกลมของการแสดงออกของสิ่งมีชีวิต หลักการของมนุษย์ ในขณะที่การต่อต้านมนุษย์นั้นรวมอยู่ในหลักการที่เคร่งครัด ("ตอนของการรุกราน" จากซิมโฟนีที่ 7, ท่อนจากการพัฒนาของส่วนที่ 1, ธีมหลักของส่วนที่ 2 ของซิมโฟนีที่ 8) หรือในบางครั้ง โฮโมโฟนิกดั้งเดิมโดยเจตนาโดยเจตนา แบบฟอร์ม

Scherzo ตีความโดย Shostakovich ในรูปแบบต่างๆ: ภาพเหล่านี้มีทั้งภาพที่ร่าเริงซุกซนและหุ่นเชิด นอกจากนี้ scherzo ยังเป็นประเภทที่นักแต่งเพลงชื่นชอบในการรวบรวมพลังด้านลบของการกระทำซึ่งได้รับภาพที่แปลกประหลาดเป็นส่วนใหญ่ในเรื่องนี้ ประเภท. คำศัพท์ scherzo ตาม M. Aranovsky ได้สร้างสภาพแวดล้อมของน้ำเสียงที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการปรับใช้วิธีการมาสก์อันเป็นผลมาจากการที่ "... ความเข้าใจอย่างมีเหตุผลนั้นเกี่ยวพันอย่างกะทันหันกับความไม่ลงตัวและเส้นแบ่งระหว่างชีวิตและความไร้สาระถูกลบออกไปอย่างสมบูรณ์ " (1, 24 ). นักวิจัยเห็นว่าสิ่งนี้มีความคล้ายคลึงกันกับ Zoshchenko หรือ Kharms และบางทีอาจรวมถึงอิทธิพลของ Gogol ซึ่งนักแต่งเพลงได้เข้ามาสัมผัสบทกวีอย่างใกล้ชิดในผลงานโอเปร่าเรื่อง The Nose

บี.วี. Asafiev แยกประเภทการควบม้าตามสไตล์ของผู้แต่ง: "... เป็นลักษณะพิเศษอย่างยิ่งที่ดนตรีของ Shostakovich มีจังหวะการควบม้า แต่ไม่ใช่การควบม้าที่ไร้เดียงสาในยุค 20-30 ของศตวรรษที่แล้วและไม่ใช่ Cancan ฟันของ Offenbach แต่การควบม้าในโรงหนัง การควบม้าของการไล่ล่าครั้งสุดท้ายกับการผจญภัยทุกรูปแบบ ในเพลงนี้มีความรู้สึกกระวนกระวาย หายใจถี่กระวนกระวาย และความองอาจอวดดี แต่ขาดเพียงเสียงหัวเราะ สนุกสนาน และสนุกสนานเท่านั้น<…>พวกเขาสั่น, ชัก, อย่างกระทันหัน, ราวกับว่ากำลังเอาชนะอุปสรรค "(4, 312 ) การควบม้าหรือกระป๋องมักจะกลายเป็นพื้นฐานสำหรับ "danses macabres" ของ Shostakovich - การเต้นรำดั้งเดิมแห่งความตาย (ตัวอย่างเช่นใน Trio ในความทรงจำของ Sollertinsky หรือในส่วนที่สามของซิมโฟนีที่แปด)

นักแต่งเพลงใช้ดนตรีในชีวิตประจำวันอย่างกว้างขวาง: การเดินขบวนของทหารและกีฬา, การเต้นรำในชีวิตประจำวัน, ในเมือง เพลงโคลงสั้น ๆและอื่น ๆ ดังที่คุณทราบ ดนตรีในชีวิตประจำวันในเมืองได้รับการแต่งกลอนโดยนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกมากกว่าหนึ่งชั่วอายุคนซึ่งมองว่าพื้นที่แห่งความคิดสร้างสรรค์นี้ส่วนใหญ่เป็น "ขุมทรัพย์แห่งอารมณ์ที่งดงาม" (L. Berezovchuk) หากในบางกรณีแนวเพลงในชีวิตประจำวันเต็มไปด้วยความหมายเชิงลบ (เช่นในผลงานของ Berlioz, Liszt, Tchaikovsky) สิ่งนี้จะเพิ่มภาระความหมายเสมอโดยแยกตอนนี้ออกจากบริบททางดนตรี อย่างไรก็ตาม สิ่งที่เป็นเอกลักษณ์และไม่ธรรมดาในศตวรรษที่ 19 กลายเป็นคุณลักษณะทั่วไปของวิธีการสร้างสรรค์ของ Shostakovich การเดินขบวน วอลทซ์ โพลกา ควบสองก้าว แคนแคนจำนวนมากของเขาได้สูญเสียคุณค่าความเป็นกลาง (ทางจริยธรรม) ไปแล้ว ซึ่งเห็นได้ชัดว่าเป็นของทรงกลมเชิงอุปมาอุปไมยเชิงลบ

L. Berezovchuk แอล. Berezovchuk การอ้างอิง Op. อธิบายสิ่งนี้ด้วยเหตุผลทางประวัติศาสตร์หลายประการ ช่วงเวลาที่ความสามารถของนักแต่งเพลงก่อตัวขึ้นนั้นยากมาก วัฒนธรรมโซเวียต. กระบวนการสร้างค่านิยมใหม่ในสังคมใหม่มาพร้อมกับการปะทะกันของแนวโน้มที่ขัดแย้งกันมากที่สุด ในแง่หนึ่งสิ่งเหล่านี้เป็นวิธีการแสดงออกรูปแบบใหม่โครงเรื่องใหม่ ในทางกลับกัน - การผลิตละครเพลงที่ชวนเคลิบเคลิ้ม ตีโพยตีพาย และสะเทือนอารมณ์อย่างถล่มทลาย ซึ่งกวาดล้างคนธรรมดาในยุค 20-30

ดนตรีในชีวิตประจำวัน ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมกระฎุมพีในศตวรรษที่ 20 กลายเป็นสัญญาณของวิถีชีวิตชนชั้นนายทุนน้อย ความใจแคบ และการขาดจิตวิญญาณของศิลปินชั้นนำในศตวรรษที่ 20 ทรงกลมนี้ถูกมองว่าเป็นแหล่งเพาะพันธุ์แห่งความชั่วร้าย ขอบเขตของสัญชาตญาณพื้นฐานที่สามารถเติบโตเป็นภัยร้ายแรงต่อผู้อื่น ดังนั้นสำหรับนักแต่งเพลง แนวคิดของ Evil จึงถูกรวมเข้ากับขอบเขตของแนวเพลง "ต่ำ" ในชีวิตประจำวัน ดังที่ M. Aranovsky บันทึกไว้ "ใน Shostakovich นี้ทำหน้าที่เป็นทายาทของ Mahler แต่ไม่มีความเพ้อฝัน" (2, 74 ). สิ่งที่ถูกทำให้เป็นกวี, ยกย่องโดยแนวโรแมนติก, กลายเป็นเป้าหมายของการบิดเบือนที่แปลกประหลาด, การเสียดสี, การเยาะเย้ย Shostakovich ไม่ได้อยู่คนเดียวในทัศนคติต่อ M. Aranovsky วาดความคล้ายคลึงกับภาษาของ M. Zoshchenko ซึ่งจงใจบิดเบือนคำพูดของตัวละครเชิงลบของเขา ตัวอย่างคือ "Police Waltz" และช่วงพักส่วนใหญ่จากโอเปร่า "Katerina Izmailova" การเดินขบวนใน "Invasion Episode " จากซิมโฟนีที่เจ็ด ธีมหลักของส่วนที่สองของซิมโฟนีที่แปด ธีมของซิมโฟนีจากส่วนที่สองของซิมโฟนีที่ห้า และอื่นๆ อีกมากมาย

สิ่งที่เรียกว่า "โลหะผสมประเภท" หรือ "ประเภทผสม" เริ่มมีบทบาทสำคัญในวิธีการสร้างสรรค์ของ Shostakovich ที่เป็นผู้ใหญ่ M. Sabinina ในเอกสารของเขา Sabinina M. Shostakovich เป็นนักเล่นซิมโฟนี - M.: Music, 1976 บันทึกว่าเริ่มต้นด้วยซิมโฟนีที่สี่ ความสำคัญอย่างยิ่งรับธีม-กระบวนการที่เปลี่ยนจากการประทับเหตุการณ์ภายนอกเป็นการแสดงสถานะทางจิตวิทยา ความพยายามของ Shostakovich ที่จะจับและโอบรับสายโซ่ของปรากฏการณ์ในกระบวนการพัฒนาเดียวนำไปสู่การรวมกันในธีมเดียวของคุณสมบัติของหลายประเภท ซึ่งถูกเปิดเผยในกระบวนการของการปรับใช้ ตัวอย่างของสิ่งนี้คือธีมหลักจากส่วนแรกของซิมโฟนีที่ห้า เจ็ด แปด และงานอื่นๆ

ดังนั้นรูปแบบแนวเพลงในดนตรีของ Shostakovich จึงมีความหลากหลายมาก: โบราณและสมัยใหม่, วิชาการและในชีวิตประจำวัน, เปิดเผยและซ่อนเร้น, เป็นเนื้อเดียวกันและผสมกัน คุณลักษณะที่สำคัญของสไตล์ของ Shostakovich คือการเชื่อมโยงของบางประเภทกับหมวดหมู่ทางจริยธรรมของความดีและความชั่วซึ่งในทางกลับกันเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดที่ทำหน้าที่เป็นพลังในแนวคิดไพเราะของนักแต่งเพลง

พิจารณาความหมายของแบบจำลองแนวเพลงในดนตรีของ D. Shostakovich โดยใช้ตัวอย่างซิมโฟนีหมายเลขแปดของเขา