Illustrationen von Erik Bulatov. Und so ist die Politik...

Erik Bulatov, ein Klassiker der zweiten Avantgarde, spricht über seine Eltern und Swerdlowsk, über die Evakuierung und wie er zu malen begann, über Lehrer, Favorsky und Falka, Buchillustration und die Prinzipien seiner Arbeit.

Eric Bulatov, ein in Paris lebender Sots-Art-Klassiker, erzählte Elena Kalashnikova während eines kurzen Aufenthalts im Neujahrs-Moskau von seinen Eltern und seiner Kindheit, seinen Lehrern und der Surikov-Schule und davon, wie er dreißig Jahre lang das Illustrieren von Kinderbüchern mit der Malerei verband. „Wovon kann ein Künstler träumen, der tut, was er für richtig hält, und zwar so, wie er es für richtig hält? …“

Sie wurden am 5. September 1933 in Swerdlowsk geboren. In einem Interview sagten Sie: „Aus irgendeinem Grund glaubte mein Vater wirklich, dass ich Künstler werden würde. Er starb an der Front, als ich noch keine acht Jahre alt war. Erzähl über deine Familie.
- Hier muss klargestellt werden: Mein Vater ging 1941, als ich noch keine acht Jahre alt war, an die Front und starb 1944. Er war ein professioneller Parteiarbeiter.

- Was war sein Name?
- Wladimir Borissowitsch. Er stammt aus Saratow und zog dann mit seinen Eltern nach Moskau. 1918 trat er der Partei bei, unmittelbar im Anschluss besuchte er das Gymnasium Bürgerkrieg Das war eine Tragödie für die Familie. 1937 wurde er aus der Partei ausgeschlossen und alles führte zu einer Verhaftung. Aber dann hat meine Mutter etwas Einfaches, aber sehr Effektives getan. Ich habe eine Datscha in der Nähe von Moskau gemietet und mein Vater hat dort etwa sechs Monate gelebt.

Da er keine bedeutende politische Persönlichkeit war, mussten die Behörden ihn nicht verhaften. Für jeden Bezirk gab es einen Grundriss – so viel nehmen wir mit, aber wenn dieser nicht da ist, nehmen wir einen anderen. Wie sie in die Armee rekrutiert wurden, ungefähr gleich.

Als dieser Wahlkampf zu Ende war und mein Vater auftauchte, rührten sie ihn nicht an, sondern nahmen ihn wieder in die Partei auf, aber er kehrte nicht zur Parteiarbeit zurück. Er hatte Hochschulbildung, und er arbeitete als wissenschaftlicher Sekretär in der Großen Sowjetischen Enzyklopädie.

- Warum wurden Sie in Swerdlowsk geboren?
- Mein Vater machte eine Geschäftsreise in den Ural, meine schwangere Mutter begleitete ihn, ich wurde dort geboren und dann kehrten sie zurück.

Meine Mutter hatte eine romantische Natur und war sehr aktiv. Geboren in Polen, in Bialystok. Mit fünfzehn Jahren überquerte sie illegal die Grenze: Russland - Freiheit, Revolution ...

Sie wurde an der Grenze erwischt, zurückgebracht, aber am Ende landete sie in Russland, da sie die russische Sprache nicht beherrschte, sie sprach Jiddisch und Polnisch. Doch drei Jahre später beherrschte sie die russische Sprache so gut, dass sie bereits als Stenographin arbeitete. Zuerst ein oder zwei Jahre, glaube ich, in Kamenetz-Podolsky, dann in Moskau.

In den letzten Jahren war sie Stenographin im Präsidium der Moskauer Anwaltskammer. Mama war sehr begabter Mensch und in den 1920er Jahren legte sie sogar eine Schauspielprüfung in einem Filmstudio ab.

Es gab so ein Lehrerzimmer (nicht Romm). Sie nahm an einem verrückten Wettbewerb teil, arbeitete dort aber nicht, es reichte ihr, dass sie den Wettbewerb bestand.

Sie war gegen die Generallinie der Partei, gegen jede Macht, ein typisches intellektuelles Bewusstsein. Sie musste gegen ihren Vater sein, ihre Ansichten waren in vielerlei Hinsicht gegensätzlich, aber sie liebten sich sehr.

Später druckte die Mutter verbotene Texte nach: Pasternak, Zwetajew, Mandelstam ... Der gesamte Doktor Schiwago.

- Teilnahme am Samisdat.
- Im Samisdat ist es so. Sie tippte auf einer Schreibmaschine überwiegend künstlerische, keine politischen, aber dennoch verbotene Texte. Ich meine, meine Eltern waren ganz anders.

- Welcher von ihnen war dir näher?
- Schwer zu sagen. Ich war zu jung, um mich zu entscheiden. Meine glückliche Kindheit endete mit dem Beginn des Krieges, der Albtraum dauerte bis zu meinem Eintritt in die Kunstschule. Dann ging das normale Leben weiter.

So lange ich mich erinnern kann, zeichne ich, und zwar gut. Dann war es noch zu früh, um zu beurteilen, was dabei herauskommen würde. Das wird durch das Alter von zehn oder zwölf Jahren bestimmt, aber mein Vater glaubte, dass ich Künstler werden würde.

Was waren das für Zeichnungen? Porträts, Skizzen aus der Natur, Landschaften?...
- Seltsamerweise sind einige von ihnen geblieben. Im Grunde waren es Kompositionen. Ruslan und Rogdai kämpfen, Schlachten, Reiter, so etwas in der Art ... Die Kompositionen waren interessant. Aber ich habe etwas gezeichnet.

- Hat deine Mutter die Zeichnungen gespeichert?
- Wahrscheinlich weiß ich es nicht einmal. Ich habe eines dieser Alben in meinem Studio. Ich habe es versehentlich zurückgelassen, ich glaube nicht, dass es speziell aufbewahrt wurde. Die meisten Zeichnungen aus dieser Zeit sind verschwunden.

Als wir zur Evakuierung aufbrachen, heizten diejenigen, die in unsere Wohnung einzogen, den Ofen mit Büchern an. Wir begannen mit den untersten Regalen, wo sich die Bücher und Zeichnungen meiner Kinder befanden, und ganz oben befanden sich die Bücher von Lenin und Marx. Natürlich haben sie nicht mit Marx angefangen, und es war ein weiter Weg dorthin ...

- Wo haben Sie während der Evakuierung gewohnt?
- Wir sind zusammen mit dem Kunsttheater zur Evakuierung gegangen, weil die Schwester meines Vaters mit einem Schauspieler des Kunsttheaters verheiratet war. Wir lebten als eine Familie. Die Eltern des Vaters lebten vor der Heirat bei ihrer Tochter, und der Vater lebte bei ihnen und bekam dann eine Wohnung. Mutter wurde zusammen mit ihnen evakuiert – zuerst nach Saratow, dann nach Swerdlowsk.

- Ist Ihr Vater als Freiwilliger in den Krieg gezogen?
Ja, sobald der Krieg begann.

Es wurde ziemlich dumm. Zuerst zeigte mir meine Mutter meine Zeichnungen. verschiedene Künstler sogar Korina. Korin und andere sagten, es sei nicht nötig, mich irgendwohin zu schicken, sie könnten mich dort verwöhnen, so etwas in der Art, im Allgemeinen sei es zu früh.

Die Aufnahme in die Kunstschule erfolgt nach der fünften Klasse der Allgemeinbildung. Ich wusste nicht, dass es eine solche Schule gibt, und habe durch Zufall davon erfahren. In einer Parallelklasse lernte mein Mitschüler, der auch malte, wir konkurrierten mit ihm.

Als er mir erzählte, dass er eine Kunstschule besuchen würde, gab es Prüfungen, aber er war sich sicher, dass er bestehen würde. Ich war schockiert, als ich erfuhr, dass es eine solche Schule gibt, ich bin dorthin gelaufen, aber es war zu spät – die Prüfungen waren vorbei und ich musste auf das neue Jahr warten.

Mir wurde geraten, mich im Pioneer House vorzubereiten. Zwei Jahre lang habe ich in einem Zeichenzirkel bei Alexander Michailowitsch Michailow studiert, an den ich mich mit Liebe und Dankbarkeit erinnere.

Als guter Lehrer und charmanter Mensch pflegte ich dann eine Beziehung zu ihm. An nächstes Jahr Ich habe versucht, in die zweite Klasse einer Kunstschule einzutreten, habe den Wettbewerb aber nicht bestanden.

1947 wurde ich in die dritte Klasse aufgenommen. Dann trat er irgendwie von selbst in das Surikow-Institut ein, die Fakultät für Malerei. Da ich die Schule mit einer Medaille abgeschlossen habe, musste ich keine Aufnahmeprüfungen absolvieren.

- Und von wem hast du gelernt?
- Pjotr ​​​​Dmitrijewitsch Pokarschewski hatte einen solchen Professor. Im ersten Jahr hatten wir einen Lehrer, dann einen anderen, aber so kam es, dass ich ab dem zweiten Jahr bei Pjotr ​​​​Dmitrijewitsch lernte, zu dem ich auch sehr gute Beziehungen hatte.

IN Kunstschule Wir zeichneten wie verrückt, arbeiteten von morgens bis abends und dachten an nichts anderes. Kinder der Privilegierten und gewöhnliche Menschen, aber für uns war es egal, sie wurden nur in mittelmäßig und talentiert eingeteilt.

Und in Surikovsky herrschte eine düstere, muffige, provinzielle Atmosphäre, es war eine schwierige Zeit – Ende der 1940er – Anfang der 1950er Jahre. Tod Stalins...

- Der Kampf gegen den Kosmopolitismus.
- Ja, und die endgültige Zerstörung der Kunst.

- Interessante Leute bei dir studiert?
- Ich hatte Freunde von der Kunsthochschule. Zuallererst Oleg Vasiliev, mit dem wir unser ganzes Leben lang befreundet sind, mehrere Leute aus der Klasse, mit denen ich immer noch am engsten und am meisten unterstütze freundschaftliche Beziehungen. Am Institut entwickelten sich Beziehungen zu niemandem.

Nach Stalins Tod begann sich die Atmosphäre in Surikovsky, wie allgemein in der Kultur, recht schnell zu verändern.

Sie sagten, dass Sie nach dem Institut umgeschult wurden und „weitgehend unter dem Einfluss von Robert Falk und Vladimir Favorsky eine unerschütterliche Unabhängigkeit gegenüber der offiziellen sozialistischen realistischen Doktrin entwickelt haben“. Erzählen Sie uns mehr darüber.
- Während der Schulung sind wir auf zuvor verbotene Kunst gestoßen, die ich nicht verstanden und nicht gespürt habe. Falk und Favorsky haben mir geholfen, mein Handwerk zu verstehen und zu beherrschen, was für mich eine unschätzbare Hilfe war, das konnte ich am Institut nicht bekommen.

Um zu erklären, was ich Favorsky und was Falk schulde, muss ein ernsthaftes Gespräch geführt werden. Ich habe viel darüber geschrieben und gesprochen, kürzlich ist ein Buch meiner theoretischen Artikel „Ich lebe weiter“ erschienen, in dem es viel zu diesem Thema gibt.

Ich wollte ein ernsthafter, echter Künstler werden, also musste ich mich umschulen. Die erhaltene Ausbildung reichte nicht aus.

Am Ende des Instituts wurde mir klar, dass ich mich nicht auf staatliche Befehle verlassen sollte, nicht weil ich ursprünglich ein antisowjetischer Künstler sein wollte, ich selbst wusste nicht, was für ein Künstler ich sein würde, sondern um mich weiterzuentwickeln frei.

Der gesamte Lebensunterhalt lag in der Hand des Staates, es konnte keine privaten Verfügungen geben. Daher war es notwendig, im Malergeschäft nach einer anderen Möglichkeit zu suchen, Geld zu verdienen, damit er Zeit für meine direkte Arbeit hatte.

Und Sie haben angefangen, Kinderillustrationen zu machen. Ich weiß, dass du einen Zeitplan hattest: sechs Monate Buchillustration, ein halbes Jahr - Bilder.
- Ganz recht. Helle Zeit, Frühling – Sommer, bleibt zum Malen und dunkel, Herbst – Winter – für Bücher. Wir haben zusammen mit Oleg Vasiliev an Büchern gearbeitet.

- Warum mit ihm?
- Oleg und ich hatten eine enge Meinung, wir redeten die ganze Zeit und brauchten einander, also haben wir uns in der Arbeit zusammengetan.

- Zu Sowjetzeiten war für den Künstler nur die Illustration von Kinderbüchern ein sicherer Hafen?
- Einige von ihnen führten in einer malerischen Fabrik maßgeschneiderte Dekorationsarbeiten durch. Aber die meisten gingen in ein Kinderbuch. Es war die harmloseste Art der Zusammenarbeit mit dem Staat. Darüber hinaus aller Art bildende Kunst es war von höchstem professionellen Standard.

Viele gute Künstler fand bereits in den 1930er-Jahren Eingang in ein Kinderbuch, als die Zerstörung der Malerei begann. Daher wurden dort Kultur und Traditionen bewahrt.

- Hatten Sie Beispiele für Buchillustrationen?
- Sicherlich. Wir haben viel geschaut, ich habe eine ganze Bibliothek mit Kinderbüchern. Unser Lieblingskünstler war Yuri Vasnetsov. Übrigens ein Schüler Malewitschs. Es wurde in ein Kinderbuch verlegt. Für russisches Buch großes Glück dass solche Künstler darin gearbeitet haben, aber für unsere Kunst ist das sicherlich ein Verlust.

- Was gefällt Ihnen an Ihren Werken am besten?
- Ich weiß nicht. Von Perraults Märchen waren „Aschenputtel“, „Wilde Schwäne“ von Andersen und „Großmutter Schneesturm“ von den Gebrüdern Grimm die besten. Es war interessant, an der Sammlung „Reise ins Märchen“ zu arbeiten, die europäische und asiatische Märchen enthält.

- Haben Sie Ihre Vorstellungskraft bei der Illustration von Kindern eingeschränkt oder haben Sie einen Druck verspürt?
- Wenn man in einem Verlag arbeitet, muss man bestimmte Anforderungen akzeptieren. Es ist wie beim Schach: Innerhalb der Regeln gibt es viele Möglichkeiten zur Fantasie, aber der Springer bewegt sich so und der Turm so, und nichts kann getan werden.

Gehen Sie nicht zu diesen Büchern zurück? Sie können für Sie nicht zur Inspirationsquelle werden? Oder ist es eine geschlossene Seite?
- Ja, dies ist eine geschlossene Seite. Dies ist nicht mein Werk und nicht Vasilievs Werk, sondern ein dritter Künstler namens Bulatov und Vasiliev, jetzt existiert er einfach nicht mehr.

Wenn Sie mit der Arbeit beginnen, haben Sie bereits eine Idee im Kopf, oder entsteht sie im Prozess der Arbeit oder wird sie transformiert? ... Wie es normalerweise passiert?
- Eine Umgestaltung ist in der Regel nicht möglich. Ich habe in meinem Kopf keine Idee, sondern ein Bild, für dessen Ausdruck ich eine adäquate Form finden muss. Dieser Vorgang kann komplex sein und lange dauern. Manchmal dauerte es mehrere Jahre, und ein Bild entstand erst nach mehr als zehn Jahren. Es sah nicht wie das Originalbild aus, ich konnte nicht herausfinden, was falsch war.

- Was ist das für ein Job?
- "Winter". Ein weißes Schneefeld und eine ziemlich schreckliche schwarze Wolke bewegen sich hinter dem Horizont auf uns zu. Ich habe ein Bild gemalt, es wurde sogar ausgestellt und verkauft, aber das Ergebnis gefiel mir nicht und ich dachte ständig darüber nach. Alles endete 1997 und begann 1978.

Als ich ein halbes Jahr lang Bücher gemacht und ein halbes Jahr lang gemalt habe, hatte ich nicht immer Zeit, das Bild fertigzustellen, aber hier muss ich zu einer anderen Arbeit wechseln, die ein anderes Bewusstsein und eine andere Einstellung erfordert. Diese Übergänge waren schon immer schwierig.

- Sie konnten für eine Weile nicht mehr zum Malen zurückkehren? ..
- Nein nein.

- Das heißt, sie haben die Tür zur anderen Lebenshälfte verschlossen, als hätten sie sie abgeschnitten?
- Ja absolut. Und ich entwickelte die Fähigkeit, dieses oder jenes Bild in meinem Kopf zu bewahren. Sechs Monate lang hätte sich das nicht ändern dürfen, ich musste an den Ort zurückkehren, an dem ich die Arbeit unterbrochen hatte. Vielleicht war dieser Ansatz für mich eigenartig, aber er hat sich sicherlich durch diese Arbeitsweise entwickelt.

- Haben Sie etwas für sich selbst aufgenommen, indem Sie für sechs Monate zu einem anderen Job gewechselt sind?
- Wofür?! Alles ist im Bild. Zeichnen war Schreiben.

Der Übergang von der Malerei zur Illustration und zurück ist Ihnen in den letzten dreißig Jahren immer schwergefallen, oder haben Sie sich mit der Zeit daran gewöhnt?
- Immer, weil ein Künstler Bilder malte, machte ein anderer Illustrationen. Sie sind in ein anderes Denkprinzip eingebunden. Wir haben zusammen Bücher gemacht, aber in der Malerei bin ich völlig frei und musste das Bewusstsein vergessen, das ich gestern hatte. Als unsere Bucharbeit endete, kletterten Oleg und ich in den Wald. Mit Rucksäcken, mit Zelt. Sie gingen für zwei, drei Tage oder eine Woche und kehrten mit einem Geist zurück, der so rein war wie eine weiße Seite. Du könntest ein neues Leben beginnen.

- Haben Sie Ihre Arbeit zerstört?
- Sicherlich. Ich bedauere, dass ich nicht alle erfolglosen zerstört habe. Die Tatsache, dass das Bild nicht erfolgreich ist, versteht man normalerweise, wenn es vorbei ist.

- Und viele solcher Werke?
- Nein, ich habe nicht viele davon.

- Wann merken Sie, dass die Arbeit ein Erfolg war?
- Der Moment, in dem ich das Bild erkenne. Das perfekte Option. Aber es gibt Zeiten, in denen das Bild vorbei zu sein scheint, aber irgendetwas daran stimmt nicht. In diesem Fall müssen Sie es beiseite legen, nach einiger Zeit Ergänzungen vornehmen und fertig ist es.

- Können Sie Jahre später Änderungen an Ihrer Arbeit vornehmen?
- Sehr selten, normalerweise nicht. Und jetzt ist es umso unmöglicher – sie verlassen mich.

- „Entlassen“ Sie fertige Gemälde?
- Das Bild lässt nicht los, wenn es nicht geklappt hat, wurde darin etwas nicht zum Ausdruck gebracht. Und wenn es geklappt hat, werde ich es los.

In einem Interview sagten Sie, dass zu Sowjetzeiten keine Kunsthistoriker in Ihre Werkstatt kamen. Warum denken Sie? Obwohl diese Frage natürlich nichts für Sie ist.
- Sie sollten sie danach fragen. Das ist für mich interessant. Wie kann sich ein Mensch, der sich für anständig hält, so verhalten? ..

- Haben Sie Kollegen in Ihrer Nähe besucht? Oleg Wassiljew?
- Nein nein. Unsere Workshops mit Oleg Vasiliev waren in der Nähe, und wenn jemand in einem war, dann war es sicher auch der andere.

- Sie waren bei Kabakov.
- Zweifellos. Kabakov, Yankilevsky, Steinberg...

Warum sind sie nicht für dich aufgetaucht?
- Wir kannten viele Kunsthistoriker und Kritiker, trafen uns in Firmen, führten nette Gespräche, aber keiner von ihnen interessierte sich jemals für das, was ich tat. Vielleicht hatten sie Angst, sie dachten, das sei eine politische Angelegenheit und es sei besser, sich nicht einzumischen, sonst gäbe es Ärger im Dienst. Ich glaube, sie haben mich in dem Sinne abgeschrieben, dass es sich hier nicht um Kunst, sondern um Politik handelt. Sie erklärten es sich selbst, obwohl sie nicht sahen, was ich tat. Oder vielleicht habe ich mir selbst eine Erklärung einfallen lassen.

- „Jetzt bin ich von sozialen zu existenziellen Problemen übergegangen. Gib es einfach nicht der Tatsache zu, dass ich gegangen bin. Warum kam es zu diesem Übergang?
- Erstens ist es wahrscheinlich eine Alterssache. Zweitens versuchen Sie, sowohl Ihr Bewusstsein als auch die Welt um Sie herum zu verstehen. Schauen Sie über den Horizont hinaus: Was ist da?. Meine Interessen beschränkten sich auf den sozialen Raum, dann eröffnete sich mir der existenzielle Horizont, der soziale Räume umfasst.

- Ihre Ausstellungen finden statt verschiedene Länder. Wo reagiert das Publikum am besten auf Ihre Filme?
- Ich hatte in den letzten Jahren Glück. Seit 2005 gab es mehrere meiner Ausstellungen, und alle waren sehr erfolgreich – die Ausstellungen sind gut, die Reaktion des Publikums ... In Deutschland, Moskau, Paris, jetzt in Genf. Auch das Genfer Museum für moderne Kunst hat eine Retrospektive, allerdings nicht so groß wie in Moskau.

- Bauen Sie Ihre persönlichen Ausstellungen selbst auf?
- In der Tretjakow-Galerie - ja, aber in Deutschland, Paris und Genf lief alles ohne mich und irgendwie sehr gut. Sie haben in Genf eine wundervolle Ausstellung gemacht, völlig anders als ich es getan hätte, aber eindeutig besser. Ich sehe Interesse an meinen Werken, sie ziehen die Aufmerksamkeit der Menschen auf sich. Vielleicht gab es in Russland das größte Interesse an ihnen ... oder vielleicht auch nicht. Ich fühle mich weder dort noch hier beleidigt.

- Könnten Sie Ihr Publikum charakterisieren? Sind es vor allem junge Leute?
Ja, absolut, junge Leute. Ich freue mich sehr, dass sie sich dafür interessieren und meine Arbeit nicht als Vergangenheit, sondern als etwas Lebendiges wahrnehmen.

- Gehen Sie nach der Eröffnung zu Ihren Ausstellungen?
- Einmal reicht. Dann erzählen sie mir, wie es geht. Wenn die Ausstellung in Paris oder Moskau ist, kann ich sie mir ein zweites oder drittes Mal ansehen, wenn meine Freunde mich bitten, sie ihnen zu zeigen.

Ich bin nicht davon überzeugt, dass es nicht notwendig ist, die Ausstellung mehr als einmal zu besuchen, aber nach dem ersten Mal habe ich kein Interesse mehr daran. Ich habe gesehen, wie die Werke hängen, wie sie vom Publikum wahrgenommen werden, danke, das reicht, ich habe noch anderes zu tun.

„Zuschauen ist für mich Arbeit, ich werde schnell müde. Müdigkeit kann aber auch mit sehr glücklichen Erlebnissen verbunden sein. Kannst du mir mehr darüber erzählen?
„Ein Gemälde anzuschauen ist für mich fast so, als würde ich es tun. Um den Künstler zu verstehen, seine Arbeit wertzuschätzen, muss man sich in seine Lage versetzen.

Ein Künstler muss von seinem Standpunkt aus beurteilt werden. Die Individualität eines jeden ist begrenzt, und wenn sie nicht begrenzt ist, dann ist das ein Mangel an Individualität, vage Grenzen, das ist für niemanden nötig oder interessant.

Wie talentierterer Mensch, desto offensichtlicher sind seine Individualität und seine Grenzen. Daher müssen Sie seine subjektive Position verstehen, dann können Sie objektiv beurteilen, was er getan hat und was nicht. Es erfordert Anstrengung.

Es gibt Künstler, die mir nahe stehen, deren Werke man ohne großen Aufwand studieren kann, und es gibt solche, die mir überhaupt nicht nahe stehen, die Reinkarnation in ihnen erfordert viel Aufmerksamkeit.

Im Laufe der Jahre habe ich aufgehört, Energie an diejenigen zu verschwenden, die mir nicht nahe stehen. Ich maße mir nicht an, sie zu verurteilen, aber nicht, weil ich sie verurteile. Wenn sie sagen „Ich verstehe nicht“, meinen sie oft, dass es hier nichts zu verstehen gibt. Wenn ich sage „Ich verstehe nicht“, gibt es keine negative Bewertung.

Das Bild muss wie Architektur betrachtet und zerlegt werden. Für mich ist das eine wichtige und seriöse Arbeit. Normalerweise schaue ich mir im Museum zwei oder drei, vielleicht vier Gemälde an, für mehr habe ich nicht genug. Es dauert etwa anderthalb Stunden.

- Vor drei Jahren sagten Sie, dass es in Russland nicht so viele Ihrer Werke gibt. Hat sich seitdem etwas geändert?
- Ja, russische Sammler begannen, meine Werke auf Auktionen zu kaufen, sodass Gemälde aus verschiedenen Epochen nach Russland zurückgegeben wurden. Die neuesten Werke werden von westlichen Sammlern erworben, da ich mit deutschen, schweizerischen und französischen Galerien zusammenarbeite.

Ich denke, es ist verständlich, warum es die Russen sind, die Dinge aus den 1970er und 1980er Jahren kaufen. Die darin angesprochenen gesellschaftlichen Themen sollen hier klarer und näher dargestellt werden.
- Bilder zu gesellschaftlichen Themen, in denen die Zeit zum Ausdruck kam, gab es in Russland nicht. Vielleicht hast du recht und das stimmt tatsächlich.

2007 sagten Sie: „Im Allgemeinen für zeitgenössischer Künstler Ich habe ungewöhnlich wenig gemacht – etwa 150 Arbeiten. Ist diese Zahl seitdem gestiegen?
- Ich mache ungefähr drei Bilder pro Jahr. Vielleicht vier, fünf oder zwei, wenn Sie Glück haben. Wenn ich lange an einem Bild arbeite, kommen nicht mehr als zwei pro Jahr heraus, aber manchmal mache ich einfach und schnell mehrere Werke. Es gibt keine Aufgabe und keine Regel, ich arbeite einfach langsam.

Ihrer Meinung nach haben Sie nicht viele Werke, was für einen modernen Künstler untypisch ist, Ihre Kollegen machen meist Werke in Serien. Aber es gibt auch Serien.
- Ja, gibt es. Aber sie sind von selbst entstanden, nicht als Serie konzipiert. Ein Thema hatte verschiedene Varianten Lösungen.

- Wenn Sie eine kreative Selbstbeschreibung schreiben würden, welche würde diese lauten?
- Ich habe mehrere Artikel über mich geschrieben, sie sind auch im Buch „Ich lebe weiter“ enthalten. Dort schaue ich mir meine Arbeit an verschiedene Punkte Vision. Im Katalog meiner Ausstellung, die in der Tretjakow-Galerie stattfand, gibt es einen Artikel „Meine Malerei und Massenmedienproduktion“. Dort versuche ich, zu diesem Thema zu sprechen. Ich habe versucht, so etwas über die Arbeit mit dem Bildraum zu schreiben, über das, was ich für das Bild als solches getan habe. Ich glaube, ich habe Möglichkeiten zum Ausdruck gebracht, die vorher nicht genutzt wurden, unbemerkt oder unbekannt waren.

- Wie wäre es mit der Arbeit mit Licht?
- Licht ist ohne Raum unmöglich. In den letzten Jahren beschäftige ich mich immer mehr mit Licht.

- Und wie würden Sie Ihre Hauptgemälde nennen?
- Die Hauptbilder waren in jeder Phase, ich habe sie mehrmals genannt: „Horizont“, „Ehre sei der KPdSU“, „Ich gehe“, „Sonnenuntergang“, „Ich lebe – ich sehe“, „Wie die Wolken gehen.“ - wie es läuft“, „Ich wollte dunkel werden, na ja, ich hatte keine Zeit“, „Punkt“ ... Die Gemälde, die nach der Ausstellung in der Tretjakow-Galerie erschienen, sind „Tag-Nacht“, „Ich lebe weiter“ und das letzte „O“. Für mich ist es sehr wichtig. Ich habe zwei Bilder, die Bilder von Geräuschen darstellen – „A“ und „O“. Zu den Hauptwerken zählen auch „Winter“, „Window“ ...

- Entwickeln Sie neue Themen oder spielen Sie mit dem, womit Sie bereits gearbeitet haben?
- Schwer zu sagen. Der Kreis der Probleme ist festgelegt, und ich komme mein Leben lang nicht aus ihm heraus. Aber zu sagen, dass dies nur Variationen eines Themas sind ... Mir kommt es einfach so vor, als hätte ich verschiedene Gemälde.

- Beeinflusst das Alter Ihre Leistung, Ihre Ideen? ..
- Natürlich tut es das. Ich habe weniger Kraft, ich werde viel schneller müde. Ich spüre nicht den Mangel an Ideen, die Intensität der Arbeit in gewissem Sinne nimmt sogar zu. Meine Konzentrationsfähigkeit ist jetzt viel höher als in meiner Jugend, sodass ich in einer Stunde mehr schaffen kann. Erfahrung hilft. Sie wissen, wie Sie sich beherrschen und auf einen Misserfolg reagieren, der Sie zuvor für längere Zeit verunsichern konnte. Was altersbedingte Veränderungen betrifft, spüre ich immer noch nichts Katastrophales. Natürlich hätte ich mehr Kraft, aber ich bin trotzdem arbeitsfähig. Nun, die Klarheit des Bewusstseins stellt sich ein.

- dein Professionelles Leben Hat es Ihrer Meinung nach gut geklappt?
- Ich glaube, ich habe eine sehr glückliches Leben. Wovon kann ein Künstler träumen, der das tut, was er für richtig hält, und zwar auf die Art und Weise, wie er es für richtig hält? Wer hat keine materiellen Probleme und nichts stört ihn?

Natasha, meine Frau, rettet mich vor alltäglichen und anderen Problemen, die für mich schmerzhaft wären und mit denen ich wahrscheinlich nicht zurechtkommen würde. Wahrscheinlich habe ich mein heutiges Wohlergehen damit bezahlt, dass ich dreißig Jahre lang nicht einmal daran gedacht habe, meine Bilder auszustellen, geschweige denn auszustellen oder zu verkaufen.

Interview mit Elena Kalashnikova

Der Künstler Eric Bulatov gilt als Begründer mehrerer neuer Stilrichtungen der Weltkunst. Unter seinem Pinsel entstanden die Werke, die die Genres der russischen Pop-Art, des Fotorealismus, der Sots-Kunst und des Moskauer Konzeptualismus hervorbrachten. Die Werke des Meisters gehören zu den meisten teure Gemälde in der Welt. Obwohl Bulatov in zwei Häusern lebt – einem russischen und einem französischen – gibt er oft zu, dass er gerne in seine Heimat zurückkehrt, um Inspiration und neue Ideen zu tanken.

Kindheit und Jugend

Der zukünftige Künstler wurde am 5. September 1933 in Swerdlowsk (heute die Stadt Jekaterinburg) geboren. Der kleine Eric blieb früh ohne Vater – er starb 1944 an der Front. Die Mutter des Jungen war eine Einwanderin aus Polen, sie arbeitete als Stenographin. In einem Interview gab Bulatov später zu: Sein Vater hatte keinen Zweifel daran, dass sein Sohn Künstler werden würde. Und wie sich später herausstellte, hatte er recht.

Erik Bulatov hatte keine Zweifel an der Berufswahl und trat nach dem Schulabschluss ein Kunstinstitut Name . 1958 schloss er sein Studium an einer Bildungseinrichtung ab. Seine Lieblingskünstler in diesem Moment waren und – es war ihre Arbeit, die den Stil von Bulatovs frühen Werken maßgeblich beeinflusste.

1959 bekam der angehende Pinselmeister eine Anstellung beim Kinderliteraturverlag Detgiz, wo Oleg Vasiliev sein Illustratorenkollege wurde, der später wie Bulatov selbst das Land verließ.

Ihre Gestaltung von „Die kleine Meerjungfrau“, „Dornröschen“ und „Aschenputtel“ begeistert noch heute Kinder und Erwachsene. Seit 1957 begann Eric Vladimirovich mit der Organisation der ersten Einzelausstellungen. Aus dem gleichen Zeitraum ist es üblich, sein berufliches Wirken zu zählen.

Malen

Ein charakteristisches Merkmal des Autorenstils des Künstlers ist die harmonische Kombination des zu Sowjetzeiten beliebten Plakatgenres und der Bildkomponente. Slogans in den Gemälden von Eric Vladimirovich stehen neben Landschaften und Porträts. Kritikern zufolge betonte Bulatov mit dieser Technik die Absurdität der umgebenden Realität, ihre Übersättigung mit bombastischen Reden und Propaganda.

Solche Sots-Kunst in den Werken von Erik Bulatov stand Seite an Seite mit Gemälden, in denen der Einfluss des Stils von Robert Falk deutlich zu erkennen ist. Leider erfreute sich diese Phase in Bulatovs künstlerischer Karriere bei Kritikern und Kunsthistorikern nicht großer Beliebtheit. Der Künstler selbst gibt zu, dass Falk seine berufliche Entwicklung in vielerlei Hinsicht beeinflusst hat.

Mitte der 1960er Jahre experimentierte Bulatov mit Stilen und kombinierte Illustrationstechniken auf einer Leinwand. Aquarellmalerei sowie Grafiken. Besonderes Augenmerk legte der Künstler auf die Art und Weise der Licht- und Raumübertragung.

Leider gerieten die Werke von Erik Wladimirowitsch in der UdSSR unter den Einfluss der Zensur und er konnte von vollwertigen Ausstellungen nur träumen. Erst 1965 und 1968 gelang es Eric Bulatov, kurzfristige Ausstellungen seiner Gemälde im Igor-Kurchatov-Institut und in einem Moskauer Café namens Blue Bird zu erreichen.

Seit den 1970er Jahren dominierten großformatige Gemälde Bulatovs Werk, in denen sich der Autor gesellschaftlichen Themen und Bildern zuwandte, die die damaligen Massenmedien überschwemmten. 1972 malte der Künstler „Horizont“ – eines der schönsten Berühmte Gemälde. In diesem Moment wurde das Werk als Parodie wahrgenommen.

Der gleiche Zeitraum in der Karriere von Erik Vladimirovich war geprägt von zahlreichen ausländischen Ausstellungen, die den Meister mitbrachten internationale Anerkennung: Bulatovs Gemälde reisten nach Zürich, Paris, Venedig und in andere europäische Städte und fanden überall großen Anklang bei Kunstliebhabern.

Allmählich erlangte Eric Vladimirovich den Ruf eines „Künstlers der Perestroika“ und wurde 1988 laut der Biennale von Venedig sogar als Meister des Jahres ausgezeichnet. Ein Jahr später zogen Bulatov und seine Familie nach New York und dann 1992 nach Paris, das zu seiner zweiten Heimat wurde.

In den frühen 1990er Jahren entfernte sich der Künstler allmählich von politischen Themen: In Bulatovs Werk neue Seite abstrakte Bilder und grafische Bilder. Und nach einiger Zeit interessierte sich der Meister für Keramik und schenkte der Welt eine Reihe talentierter Gemälde auf Geschirr.

Im Jahr 2003 organisierte Eric Vladimirovich zum ersten Mal nach seinem Umzug eine Ausstellung in Moskau. Die Ausstellung, die in der Tretjakow-Galerie der Hauptstadt präsentiert wurde, stieß im Heimatland des Meisters auf begeisterte Resonanz.

Zehn Jahre später fand eine weitere große Ausstellung statt, bei der die Werke des Künstlers ihm den Titel eines Preisträgers des Innovationswettbewerbs einbrachten. Und im Jahr 2015 wurde Bulatov zur Eröffnung des Garagenmuseums sowie des nach ihm benannten Museums eingeladen. Speziell für diese Veranstaltung hat Eric Vladimirovich die Leinwand „Freiheit“ geschaffen.

Bulatovs Gemälde machten den Meister nach und nach zu einem der teuersten und gefragtesten Künstler unserer Zeit. Leinwand „Breschnew. „Sowjetischer Kosmos“ wurde für 1,6 Millionen US-Dollar versteigert, und eine Reihe von Gemälden mit sowjetischem Thema kostete die neuen Besitzer jeweils 1 Million US-Dollar. An dieser Moment am meisten Berühmte Werke Zu den Meistern zählen neben den aufgeführten auch die Leinwände „Nicht beugen“, „Ehre sei der KPdSU“, „Himmel – Ciel“.

Privatleben

Eric Bulatov zieht es vor, die Details seines Privatlebens nicht preiszugeben. Es ist bekannt, dass der Künstler eine Frau hat. Die Frau des Meisters heißt Natalia.

Laut Erik Wladimirowitsch unterstützte sie ihn und half ihm beim Schaffen. Die geliebte Bulatova umgab ihren Mann mit Sorgfalt und rettete sie in vielerlei Hinsicht vor Gedanken an Hausarbeiten, die ihrer Kreativität Zeit rauben könnten.

Erik Bulatov jetzt

Jetzt lebt Eric Bulatov in zwei Häusern – der Künstler fühlt sich nach eigenen Angaben sowohl in seiner Heimat Russland als auch in Frankreich wohl. Im Jahr 2018 bereitete Anatoly Malkin den Dokumentarfilm „I Live and See“ vor, in dem er in Form eines Interviews die kuriosen Details der Biografie von Eric Vladimirovich enthüllte. Auf diesem Bild gab Bulatov zu, dass er altersbedingt nicht mehr so ​​viel Zeit der Kreativität widmen konnte wie zuvor, sich aber weiterhin seiner geliebten Arbeit widmete.

Darüber hinaus widmen sich Bücher russischer und ausländischer Kunsthistoriker dem Werk und der Biografie des Künstlers. Bulatovs Werke sind im Georges-Pompidou-Museum in Paris sowie in Galerien in New Jersey, Köln und Basel zu finden. In Russland werden Gemälde von Erik Wladimirowitsch in der Tretjakow-Galerie, dem Russischen Museum, präsentiert.

Kunstwerke

• 1972 – „Horizont“
• 1975 – „Ehre sei der KPdSU“
• 1977 - Breschnew. Sowjetischer Raum"
• 1987 – „Nicht lehnen“
• 1989 - „Perestroika“
• 2010 – „Sky – ciel“
• 2011 – „Up – Down“
• 2015 – „Freiheit“

https://www.site/2016-06-15/hudozhnik_erik_bulatov_o_falshi_ideologii_svobode_i_smysle_zhizni

„Natürlich sind wir nicht besser als andere. Wir haben einfach das Recht, gleichberechtigt zu existieren.“

Künstler Eric Bulatov – über die Falschheit der Ideologie, Freiheit und den Sinn des Lebens

Eric Bulatov Alexander Shcherbak/Kommersant

Was wird mit der Kunst unter den Bedingungen der Idealisierung der Sowjetzeit geschehen? Wie kann man Ideologie durch Malerei erforschen? Ist es möglich, außerhalb des aggressiven sozialen Raums zu sein? Die Seite sprach mit einem Klassiker über die Beziehung zwischen Kunst und Ideologie moderne Malerei Eric Bulatov.

„Egal wie aggressiv ein sozialer Raum ist, er hat Grenzen“

In Ihren Bildern „lösen“ Sie sich von der gesellschaftlich ideologisierten Realität, die in der Sowjetzeit vertraut und selbstverständlich geworden ist, von der wirklichen Realität – wirklich natürlich – und machen sie dadurch sichtbar und stellen sie einander gegenüber. Dieser Widerstand interessiert Sie heute nicht mehr, aber fast Ihr ganzes Leben war ihm gewidmet. Warum war es Ihnen so wichtig?

Wie sonst könnte die Falschheit dieser ideologischen Realität zum Ausdruck gebracht werden? Es musste irgendwie enthüllt und separat gezeigt werden, damit ein Mensch sein Leben plötzlich von außen sehen konnte. Wie man diese Ideologie mit der Hand fängt. Dieses gesellschaftliche Problem ist für mich längst in den Hintergrund gerückt, weil es damit verbunden war Sowjetisches Leben. Aber dann musste das Leben, in das ich versunken war, irgendwie zum Ausdruck gebracht werden, und zwar nicht als meine Meinung darüber, sondern in Form der realen Realität – so, wie sie objektiv war, jenseits meiner Wünsche.

Lew Melikhov

Man war in die sowjetische Realität eingetaucht, aber um sie vollständig zu begreifen, musste man sich gewissermaßen darüber erheben, sich, grob gesagt, vom Massenzustand der Ideologie-Zombifizierung lösen, um das Geschehen mit anderen Augen zu betrachten. Wenn ja, zu welchem ​​Zeitpunkt kam es zu dieser „Abschaltung“?

Nicht nur, um sich über die Realität zu erheben, sondern um sich irgendwie aus ihr herauszulehnen, um draußen zu sein. Unsere soziale Realität ist nicht die gesamte Realität, die uns gegeben ist: Sie hat ihre eigenen Grenzen, über die man hinausschauen kann. Um dies zu erreichen, muss man außerhalb des sozialen Raums Fuß fassen. Für mich war es Kunst. Mir war klar, dass der Raum der Kunst außerhalb des sozialen Raums liegt. Ja, die Tatsache, dass Kunst dem sozialen Raum dient, wird vollständig von ihr genährt – das alles ist wahr, aber dennoch liegt der Dreh- und Angelpunkt der Kunst irgendwo außerhalb, und sie ermöglicht es, sich an etwas auszuruhen, das es einem ermöglicht, sich daraus herauszulehnen Raum und schau ihn von der Seite an. Das ist eine sehr wichtige Sache, denn egal wie aggressiv, gefährlich, stark der soziale Raum ist, er hat immer noch Grenzen, jenseits derer er keine Macht hat, völlig machtlos ist – dort ist tatsächlich Freiheit möglich.

- Können Sie im Detail erklären, wie Sie diese Gelegenheit genutzt haben, um sich „gegen etwas auszuruhen“?

Ich habe diese Möglichkeit in den Eigenschaften des Bildes selbst gespürt. Denn was ist ein Bild? Dies ist eine Kombination aus zwei Prinzipien – der Ebene, auf die wir die Farbe auftragen, und dem Raum, in den sich diese Ebene irgendwie verwandeln kann. Diese beiden Anfänge sind tatsächlich genau entgegengesetzt. Aber in jedem klassische Malerei- wie Rembrandt oder Tizian - fügen sie sich zu einer Art Harmonie zusammen. Ich dachte, dass es nicht notwendig ist, diese beiden Anfänge in dieses harmonische Duett einzubringen, im Gegenteil – sie können einander entgegengesetzt sein, weil sie zunächst bereits gegensätzlich sind. Dieser Konflikt wird der Inhalt des Bildes sein, der mir tatsächlich die Möglichkeit gab, das Problem der Freiheit und des Mangels an Freiheit nicht als solche zu betrachten literarisches Material, zu dem Sie Illustrationen anfertigen müssen, sondern als räumliches Problem.

AFP/East News

- Welches ist was?

Es liegt darin, dass der Raum Freiheit ist und das Verbot des Raumes Unfreiheit, also ein Gefängnis. Und ich habe immer das eine dem anderen gegenübergestellt: „Eingang“ – „Kein Eingang“, „Ehre sei der KPdSU“ – und der Himmel. Zwei einander gegenüberstehende Anfänge – ein wahrer Raum, und das, was uns nicht hineinlässt, sondern sich als Feiertag, als eine Art Errungenschaft darstellt. Dies ermöglichte es, die Falschheit der Ideologie zum Ausdruck zu bringen. Sie hat wunderschön operiert hohe Vorstellungen: die ganze Zeit über Freiheit reden, über Menschenwürde, über Mut, über Ehrlichkeit; aber in Wirklichkeit bedeutete es Denunziation, Verrat, elementare Unterwürfigkeit. Ich habe versucht, diese Ersetzungen auszudrücken.

Wie stark beeinflussten Ihrer Meinung nach die im städtischen Raum angesiedelten ideologischen Produktionen (z. B. Plakate mit Slogans) eine Person?

Unser Bewusstsein war völlig deformiert. Wenn einem von Kindheit an beigebracht wird, dass etwas so und etwas so zu verstehen ist, dann hält man es am Ende für selbstverständlich, als etwas Vertrautes und vor allem Normales. Gleichzeitig werden Sie ständig mit etwas konfrontiert, das nicht Ihren Vorstellungen entspricht praktisches Leben, stolpern über eine Lüge, aber das Gefühl, dass das alles normalerweise bleibt. Ich habe versucht zu zeigen, dass diese Normalität tatsächlich abnormal ist.

Warum ist das vielen nicht aufgefallen?

Es wurde einfach als Slogan der sowjetischen Realität wahrgenommen. Ja, „Ehre sei der KPdSU“ steht herum, das Plakat ist so – na und? Oder umgekehrt – unsere philosophierenden Dissidenten haben mich angegriffen: Wie konnten Sie diese schrecklichen Worte über unseren russischen Himmel schreiben? Die räumliche Bedeutung meiner Bilder, von der ich Ihnen erzählt habe, wurde einfach nicht wahrgenommen. Die Worte selbst wurden gelesen: „Ehre sei der KPdSU.“ Und noch mehr - was gibt es sonst noch zu sehen, und so ist alles klar. IN I'm besten fall Alles wurde als amerikanische Pop-Art wahrgenommen, die auf sowjetischem Material hergestellt wurde. Das dachten diejenigen, die hier eine Art Ironie zu finden versuchten. Aber es gab keine Ironie. Es gab ein direktes Porträt dieser Realität. Zwar wurden meine Versuche, über die räumliche Grundlage meiner Bilder zu sprechen, damals als Bluff empfunden: Ich habe ein politisches Bild gemacht, aber es täuscht uns. Jetzt wurde klar, dass es einige Zeit gedauert hat. Als meine Ausstellung 2014 im Manezh stattfand, sah ich, wie viele junge Leute kamen und welches Interesse sie an meiner Arbeit hatten. Für mich ist das natürlich sehr wichtig – meine Bilder leben, sie sind nicht gestorben, also war alles richtig, ich habe etwas Lebendiges gefangen, den Nerv dieses Lebens.

In einem der Interviews sagen Sie: „Ich möchte, dass die Menschen die Sowjetzeit auf keinen Fall idealisieren – das war sie.“ schlechte Zeit". Sind Sie heute in Russland mit dieser Idealisierung konfrontiert, wenn man bedenkt, dass man die meiste Zeit in Paris lebt und mehrmals im Jahr nach Moskau kommt?

Leider mache ich es oft. Hier (zu Hause in Moskau – Anm. d. Red.) ist das Fernsehen allgegenwärtig, und es ist offensichtlich, dass die Idealisierung der Sowjetzeit eingepflanzt wird. Ja, und die Politik basiert auf der Tatsache, dass das heutige Russland der Erbe des Sowjetsystems ist; Was ist passiert, Unglück - zusammengebrochen die Sowjetunion, aber was tun - wir werden die sowjetischen Traditionen fortsetzen. Es ist natürlich eine schreckliche Situation.

- Warum ist sie schrecklich?

Dies ist eine Rückkehr zum Sowjetsystem, und das Sowjetsystem ist der Weg in den kulturellen Tod. Die Sowjetzeit ist heterogen, die Natur der Sowjetmacht veränderte sich im Laufe der Zeit, aber am deutlichsten manifestierte sie sich unter Stalin, es war seine „Blütezeit“ – letzten Jahren Stalin. Ich war bereits ein ziemlich bewusster Mensch (ich habe damals am Institut studiert), daher kenne ich diese Jahre. Es war der Tod der Kultur. Sie wurde so am Hals festgehalten. Es war der absolute Tod aller Lebewesen.

- Wie hat es Sie persönlich in diesen Jahren beeinträchtigt?

Ich hatte Glück, dass Stalin starb, als ich noch im ersten Jahr am Institut war. Damals war ich ein ungeformter Künstler. Und unmittelbar nach Stalins Tod herrschte eine unglaubliche Erleichterung. Das Leben ist einfach explodiert. Ich spreche nicht von der Tatsache, dass Menschen, die unschuldig verurteilt wurden, zurückkehrten. Schließlich wurden faire Worte über Stalin gesagt. Mir eröffnete sich eine ganze Welt der Kunst, die verboten, unbekannt war. Plötzlich gab es Ausstellungen und in Puschkin-Museum Statt Geschenken wurden Stalin die Impressionisten gezeigt. Es begannen Diskussionen, Streitigkeiten – eine Art lebendiges Leben. Damals hinderte mich nichts daran, mich als Künstlerin weiterzuentwickeln. Im Allgemeinen war in diesem Moment nicht klar, in welche Richtung sich alles entwickeln würde, aber es wurde schnell klar, dass die Politik der Partei wieder dieselbe sein würde, und es kam zu dieser dummen Niederlage der Kunst in der Manezh, die Chruschtschow arrangierte. Es wurde sofort klar, dass ich es tun sollte, wenn ich wirklich ein ehrlicher, ernsthafter Künstler sein möchte (ich habe mich damals nicht als Künstler betrachtet, ich habe meine Unabhängigkeit in der Kunst nicht gespürt, sondern wurde von diesem oder jenem Künstler beeinflusst). nicht auf diesen Zustand angewiesen. Denn der Staat war der einzige Kunde. Gewiss, diese Zeit hatte einen Vorteil gegenüber der Zeit Stalins: Unter Stalin gab es keinen Widerstand, keine abweichende Möglichkeit – zu jeder Tages- und Nachtzeit konnten sie in Sie eindringen und herausfinden, was Sie zu Hause tun. Nun hat sich herausgestellt, dass man zu Hause machen kann, was man will, man darf es einem nicht zeigen, und man wird natürlich auch nicht dafür bezahlt, aber man darf es gerne tun. Gleichzeitig war der Staat der einzig mögliche Kunde der Kunst, ein Sammler, ein Kurator, und hatte das Recht, zu bestellen, was er brauchte, und nur für das zu bezahlen, was so gemacht wurde, wie er es brauchte. Und wenn man ein unabhängiger Künstler sein wollte, musste man seinen Lebensunterhalt mit etwas anderem verdienen. Ich begann, Kinderillustrationen zu machen. Und es war auch für mich sehr interessant. So machen es viele Künstler. Und das war die Rettung.

- Gleichzeitig Ihre Bilder direkt „auf den Tisch“ schreiben?

Natürlich waren sie in meiner Werkstatt. Aber zuerst habe ich nicht einmal darüber nachgedacht: Natürlich habe ich darüber nachgedacht, es zu zeigen, aber es war unmöglich, und ich habe nicht einmal im Traum daran gedacht, es zu verkaufen. Später hat alles irgendwie geklappt.

„Was ich gemacht habe, hat mir einfach nicht gefallen“

- Wann und wie haben die Bilder begonnen, Ihr Atelier zu verlassen? Wie wurde das erste Gemälde verkauft?

Dies geschah zu einem ziemlich späten Zeitpunkt – in den Achtzigern. Obwohl das erste Gemälde bereits 1969 ins Ausland verkauft wurde. Es war mein Selbstporträt auf schwarzem Hintergrund mit weißer Silhouette. Er wurde inoffiziell, wie heimlich, ausgeschaltet. Dann, in den achtziger Jahren, begann man, sie öffentlich in einen Ausländersalon zu führen: Dort wurde das Siegel „Kein künstlerischer Wert“ angebracht Rückseite Gemälde und sie konnten ohne Steuern exportiert werden.

Und das Selbstporträt wurde für Geld geschenkt? Ich weiß, dass Sie einige Ihrer Bilder fast umsonst verschenkt haben – wenn sie nur hier weggehen würden.

Sie haben mich dafür mit einer Kamera bezahlt. Es war eine sehr seltsame berühmte Dame in Paris, ihr Name war Dina Verney. Sie war Mayols Vorbild, doch dann vermachte er ihr alles, sie wurde seine Erbin. Und offenbar machte sie gute Geschäfte, denn dadurch hatte sie eine eigene Galerie in Paris und später das Mayol-Museum. Wie auch immer, sie kam hierher und kaufte ein Gemälde von mir.

- Das heißt, sie hat sich die Werkstätten von Künstlern in Moskau angesehen und ist zu Ihnen gekommen?

Ja. Zufälligerweise ist in Frankreich bereits eine Publikation über mich erschienen. Es gab eine solche Zeitschrift „L“ Art Vivant, sonst „Living Art“. Es wurde eine Reihe veröffentlicht, die der sowjetischen Kunst gewidmet war – Theater, Kino, Literatur und Malerei. Wie ich dorthin kam, ist eine Frage, denn im Allgemeinen war ich auf der Abseits vom künstlerischen Untergrund aktives Leben. Dennoch enthielt es irgendwie eine kurze Veröffentlichung über mich und eine Reproduktion dieses Selbstporträts. Das beeindruckte Dina und als sie in Moskau ankam, suchte sie gezielt nach mir. Dadurch veränderte sich meine Position hier – sie schenkten mir Aufmerksamkeit, und Ende der siebziger Jahre begannen immer mehr Ausländer zu mir zu kommen. In dieser Hinsicht fingen sie hier in der Union an, mich zu zerren, um mir Angst zu machen, dass sie aus der Union der Künstler ausgeschlossen würden und dann die Werkstatt weggenommen würde (sie gehörte mir nicht, obwohl ich sie mit meinen eigenen gebaut habe). eigenes Geld). Deshalb war ich froh, wenn jemand meine Arbeit mochte und die Bilder zumindest kostenlos abgeben würde, wenn er nur von hier wegkäme. Ich dachte, wo soll ich das alles hinstellen, wenn die Werkstatt weggenommen wird, wird sie trotzdem sterben.

- Und aus dem Sowjet hat sich jemand für Ihre Arbeit interessiert?

Nein, ich hatte kein Interesse. So kam es, dass sich bereits 1988 fast alle meiner Bilder im Ausland befanden. Und dann wurde meine Ausstellung in der Kunsthalle Zürich aus den Gemälden zusammengestellt, die bereits dort waren. Es war ein entscheidender Moment für mich. Unter enormen Schwierigkeiten ließen sie mich dennoch ins Ausland gehen und ich schaffte es, zu meiner Ausstellung zu gelangen. Sie hatte Erfolg, danach ging sie in die Museen Europas, dann nach Amerika. Ich erhielt Angebote von Galeristen und hatte zum ersten Mal die Möglichkeit, meinen Lebensunterhalt direkt mit meiner Hauptarbeit zu verdienen (Erik Wladimirowitsch war damals 55 Jahre alt – Anm. d. Red.), die ich zu nutzen beschloss: Wir gingen mit Natasha, meiner Frau, zunächst nach Amerika und dann trotzdem nach Europa. In New York lief es sehr gut - wir haben sofort ziemlich viel Geld verdient (so viel, dass wir sofort eine Wohnung in Paris kaufen konnten), aber Natasha war dort unerträglich, so dass wir in Paris gelandet sind, worüber wir uns beide gefreut haben um. Dies ist ein ruhiger Ort, an dem man gut arbeiten kann und an dem es viele Künstler aus verschiedenen Ländern gibt.

Ich möchte es klarstellen: Sie haben sich gefragt, warum sich damals in der Sowjetunion niemand für Ihre Arbeit interessierte?

Mir gefiel einfach nicht, was ich tat, aber niemand sah wirklich, was ich tat, es war fast niemand in meiner Werkstatt. Als Reproduktionen meiner Werke erschienen, etablierte sich in einem anderen Sinne eine ablehnende Haltung ihnen gegenüber. Unsere führenden Kunstkritiker, die gegen die sowjetische Standardkunst kämpften, stützten sich in ihrem Widerstand auf die vom Sowjetsystem verbotene Kunst – auf unsere Avantgarde der zwanziger Jahre, auf Picasso, auf Matisse, und auch ganz allgemein auf das, was dort gemacht wurde Frankreich. Es war eine modernistische Ästhetik – zwar sehr schön –, aber sie gehörte einer anderen Zeit an. Denn Kunst drückt immer ihre Zeit aus, und natürlich drückte sie in keiner Weise die Sowjetzeit aus. Und was ich tue, wurde von diesen Menschen als eine Rückkehr zur sowjetischen Kunst wahrgenommen, gegen die sie so mutig gekämpft haben. Plötzlich wird ihnen sozusagen wieder etwas Sowjetisches gezeigt, aber sie erklären, dass es so sei moderne Kunst. Ich erinnere mich an solche Anschuldigungen. Sie haben den räumlichen Charakter meiner Arbeit nicht gesehen, sie haben ihn direkt wahrgenommen: „Ehre sei der KPdSU.“ Ja, ich möchte auch zu Ende bringen, worüber ich angefangen habe – über das Sowjetsystem. Nach Stalin blieb seine Natur tatsächlich dieselbe, sie wurde nur schwächer. Und wenn sie an Stärke gewann, würde sie wieder zu dem werden, was sie unter Stalin war. Aber dieses System zerfiel, verlor allmählich an Boden, aber jedes Mal mit einem Kampf. Nehmen Sie die „Bulldozer-Ausstellung“ – für diejenigen, die sich in dieser Situation befanden, war es offensichtlich.

„Der Gedanke, dass wir die Besten sind, ist kein Patriotismus“

Was passiert Ihrer Meinung nach mit dem System, das heute existiert? Versucht sie, stark zu wirken, indem sie sich ständig auf die Sowjetzeit bezieht, direkt auf Stalin?

Natürlich versucht sie, stark zu sein, sie braucht es, es wird ihr auch durch die außenpolitische Situation aufgezwungen. Von Natur aus versucht es, dem sowjetischen Design so nahe wie möglich zu kommen. Das ist sehr gefährlich, vor allem wird die Kultur darunter leiden, aber auch das Bewusstsein der Menschen. Sehen Sie, das führt zu Nationalismus, was sehr schlecht ist: Die Vorstellung, dass wir die Besten sind, ist kein Patriotismus. Tatsächlich sind wir natürlich nicht besser als andere, wir haben nur das Recht, gleichberechtigt unter anderen zu existieren, und das ist sehr wichtig, das ist unsere Aufgabe: Wir müssen eine gemeinsame Kulturarbeit mit der ganzen Welt leisten. Und das bedeutet nicht, dass wir uns widersetzen und uns selbst idealisieren sollten.

Denken Sie, wie einfach es ist, die Gedanken von Menschen zu beeinflussen, die in den Neunzigerjahren aufgewachsen sind, etwas früher oder etwas später – im Allgemeinen genug? Freizeit, und es begrenzen?

Ich weiß es nicht, es scheint zu funktionieren. Es gibt sehr wichtiger Punkt: Der neue Staat entstand nicht als Erbe, sondern als Gegner des vorherigen. Es widersetzte sich dem damaligen Imperium und befreite alle, die Freiheit erlangen wollten. Und in diesem Sinne begann alles sehr schön. Aber dann ging es immer schief, und in der Folge kam es zu dem, was jetzt passiert: Die Menschen wollen eine starke Macht, sie wollen Ordnung, was im Prinzip verständlich und gerecht ist, aber es stellt sich heraus, dass die beste Ordnung unter sowjetischer Herrschaft war. Besonders unter Stalin gab es bereits einen solchen Befehl, dass man tatsächlich weder eine Hand noch einen Fuß bewegen durfte. Aber ich verstehe nichts von Politik. Ich höre ständig nur Propaganda: Ich bin ständig aufgeregt – sowohl hier, in Russland als auch dort, im Westen und im selben Frankreich. Im Gegenteil: Sie führen einen Wahlkampf gegen das heutige Russland. Und ich glaube weder an das eine noch an das andere, weil ich mich seit meiner Kindheit mit dieser Propaganda vollgestopft habe. Aber tatsächlich gibt es keine Informationen, es gibt eine Anweisung: Was soll ich über dieses und jenes denken – was ist von dieser Seite, was ist von jener Seite. Deshalb verstehe ich nichts und maße mir kein Urteil an.

„Das ist es, worum es bei der Befreiung geht“

In Ihren neuesten Arbeiten sprechen Sie selbst darüber, stellen existenzielle Fragen. Sobald Sie irgendwann zu ihnen gewechselt haben, bedeutet dies, dass ersteres der Fall ist soziale Probleme Das hat dich die ganze Zeit beunruhigt lange Zeit Zeit, irgendwie loslassen. Ist das so?

Als würde sich der Horizont entfernen: Es gab einen sozialen Horizont, und außerhalb davon gab es einen Raum, der nicht dem Sozialen unterworfen war, sondern einen eigenen existenziellen Horizont hatte. Und das Alter erfordert wahrscheinlich das Verständnis von etwas Grundlegenderem. Aber trotzdem versuche ich irgendwie ständig zurückzublicken und auszudrücken das heutige Leben Russisch. Ich habe die Gemälde „Wolken wachsen“, „Unsere Zeit ist gekommen“ und „Moskauer Morgen“ gemalt. Es gibt noch andere Gemälde, die Sie noch nicht gesehen haben – ich habe sie dieses Jahr gemacht, sie wurden auf meiner letzten Ausstellung in Genf ausgestellt. Ich hatte dort den Chistoprudny-Boulevard: meine Werkstatt am Chistoprudny-Boulevard, an dessen Ende ein Gribojedow-Denkmal steht, und im Winter laufen die Leute den Boulevard entlang und es schneit. Alles unter dem Schnee ist gespenstisch. So ein Bild. Das Leben vor Ort zieht mich immer noch an, einige Bilder verfolgen mich, aber was sie bedeuten, weiß ich selbst nicht wirklich. Kann sein, Die Zeit wird vergehen und ich werde es wissen. Im Allgemeinen beginne ich nicht damit, dass ich etwas weiß. Was ich Ihnen jetzt über den Sowjet erzähle, erfuhr ich später, und als ich es tat, dachte ich überhaupt nicht darüber nach. Es war einfach so, dass die Bilder offensichtlich waren und ich wusste, dass ich sie sehr genau eingefangen hatte.

- Das heißt, die ideologische Bedeutung dessen, was geschrieben wurde, wurde erst nach, nach einer Weile verstanden?

Ja, zum Beispiel das Bild „Roter Horizont“. Ich habe es im Haus der Kreativität auf der Krim gemacht. Da bekam ich einen schrecklichen Ischias. Es war im Februar: Es gab Winde, einen Sturm. Ich wurde in der Klinik wegen Ischias behandelt: Ich musste auf dem Bauch liegen – sie wärmten meinen Rücken mit einer Art Lampe. Ich lag so und schaute aus dem Fenster, und draußen vor dem Fenster war das Meer wunderschön. Aber direkt vor dem Fenster, auf meiner Augenhöhe, war ein rot angestrichener Balken. Und sie hat mich furchtbar geärgert – sie verschließt mir alles, lässt mich nicht dorthin. Und wie schön wäre es, sich hinzulegen und auf das Meer zu schauen. Und dann wurde es mir klar: Du Dummkopf, es ist sicher, dass sie dir deine zeigen eigenes Leben. Was Sie wollen, was Sie brauchen, ist Ihnen verschlossen. Es entstand dieses Bild – „mein Leben“ und dieses Bild. Und erst dann – all diese Ideologie, alles kann später erklärt werden.

Wenn wir über die Befreiung von der Ideologisierung des Bewusstseins durch die Kunst sprechen – können Sie diesen Befreiungsprozess beschreiben, der in Ihnen im Prozess der Bilderschaffung und dann – Bild für Bild – stattfindet?

Alles beginnt immer mit einer Art Bild: Ich sehe es klar und verspüre sehr deutlich das Bedürfnis, dieses Bild zu materialisieren. In der Regel ist das, was ich zeichne, auf den ersten Blick anders als das, was ich mir vorgestellt habe. Und hier beginnt die Vorarbeit (wegen der Tatsache, dass ich so langsam arbeite): Ich versuche zu verstehen, was falsch ist und wo ich einen Fehler gemacht habe. Ich muss einen Weg finden, das unveränderliche Bild, das in meinem Kopf verankert ist, genau auszudrücken. Ich mache sorgfältig eine Zeichnung – ich sehe, was anders ist, ich mache eine andere – ich sehe, dass es das nicht ist, ich mache eine dritte und so weiter. Irgendwann verstehe ich, dass es das ist, was Sie brauchen, so wie es aussieht. So erhalte ich die räumliche Hauptgestaltung und kann bereits auf einer großen Leinwand damit weiterarbeiten. Dort bringe ich das Bild genau zu dem Bild, das ich im Kopf habe; Wenn sie übereinstimmen, höre ich auf zu arbeiten – ich habe es erkannt und behoben. In diesem Moment erhalte ich Freiheit von ihm, denn ich habe dieses Bild von meinem Bewusstsein getrennt, ich habe es gefunden und ihm einen Namen gegeben – jetzt lebt es getrennt von mir. Darum geht es bei der Befreiung. Und wenn sich wirklich herausstellen sollte, was ich tun musste, dann eröffnet sich mit Sicherheit die Möglichkeit, etwas anderes zu sehen, auf dessen Grundlage ich ein weiteres Bild machen kann – so baut sich ein bestimmter Weg von selbst auf. Alle diese Bilder handeln von der Sowjetzeit und sind in der Regel miteinander verbunden, sodass sie am Ende ein großes Bild ergeben, das Sie Ideologie nennen.

„Zur Zeit Jelzins behandle ich immer noch mit Liebe“

IN Jelzin-Zentrum Sie haben eine Version des Gemäldes „Es gibt Freiheit“ reproduziert. War es ein spezieller Auftrag für dieses Gemälde oder haben Sie entschieden, was zu tun ist?

Es gab den Auftrag, ein Bild der Freiheit zu schaffen, und ich habe eine solche Lösung vorgeschlagen; Ich habe eine Skizze gemacht – sie hat mir gefallen.

In der Originalversion des Wortes „Freiheit ist Freiheit“ wird im Flugzeug der Raum des Himmels mit dem Wort „Freiheit“ durchbrochen. In der Version für das Jelzin-Zentrum ist nur ein Fragment mit dem Himmel und einem einzelnen „Freiheit“ erhalten. Warum? Das wiederholte „Freiheit existiert“, wie Slogans, als etwas, das nur in der Theorie existiert, erwies sich in diesem Raum als fehl am Platz?

Der endlos wiederholte Satz „Freiheit existiert“ ist wie ein Slogan, wie eine Erklärung, tatsächlich ist er natürlich falsch. Alle diese Wiederholungen finden auf der Ebene, auf der Oberfläche des Bildes statt, und ein Wort „Freiheit“ ist ein Durchbruch der Oberfläche, durch die Oberfläche in den Raum, dorthin, wo wahre Freiheit ist. Dies ist der Gegensatz zwischen wahrer Freiheit und falscher Freiheit. Bei dem Bild für das Jelzin-Zentrum bin ich eher vom Bild „Ich gehe“ ausgegangen, Bewegung ist darin wichtig. Hier existiert schließlich bereits der erste soziale Raum – das ist der Raum selbst, in dem wir uns mit Ihnen aufhalten. Und die Bewegung daraus ist ein Ausstieg in die Tiefe, in den Raum. Und das ist keine absolut freie Bewegung, denn auf dem Weg sind die Wolken wie ein Hindernis, wie ein Widerstand gegen die Bewegung. Gleichzeitig besteht das Gefühl, dass die Briefe diese Barriere noch passieren können.

Ist es dieses Gefühl, das die Zeit prägt, der das Jelzin-Zentrum gewidmet ist? Und wenn Sie durch die Ausstellungsräume gelaufen sind, wie genau sind diese Zeiten?

Diesmal ist es für mich ein absoluter Bruch mit dem Sowjetsystem, eine Opposition dagegen. Das ist die größtmögliche soziale Freiheit. In diesem Moment herrschte natürlich die völlige Illusion, dass sich vor uns etwas Wunderbares auftun würde. Dann war es in unseren Köpfen so: Im Allgemeinen ist alles Böse auf der Welt die sowjetische Ideologie, und wenn sie zusammenbricht, werden alle glücklich sein. Es stellte sich heraus, dass nicht alles so ist. Und das wollte ich zum Ausdruck bringen. Was die Entstehung des Jelzin-Zentrums betrifft, so war es, obwohl ich hinsah, irgendwie ein kleiner Einblick, weil ich nicht darüber nachdachte, sondern nur über meine Arbeit. Deshalb maße ich mir nicht an, etwas über ihn zu sagen. Ich möchte, dass es überzeugend und klar gemacht wird, denn bis dahin behandle ich es immer noch mit Liebe und erinnere mich mit Dankbarkeit daran.

- Und warum „egal“?

Denn dann begannen sofort Probleme, Schwierigkeiten, unerwartet und natürlich unangenehm. Und wenig später kam es zu einer Ablehnung der zunächst festgestellten Errungenschaften, es kam zu einem allmählichen Rückzug. Aber ich maße mir kein Urteil an – ich verstehe weder Wirtschaft noch Politik.

„Das ist der springende Punkt: Wir existieren für etwas“

Wir begannen über Freiheit zu sprechen – was ist für Sie der Unterschied zwischen Freiheit im Rahmen einer ideologisierten Gesellschaft und Freiheit im Allgemeinen – im existenziellen Sinne?

Freiheit ist ein sehr vieldeutiger Begriff in dem Sinne, dass er auf verschiedenen Ebenen festgelegt werden kann. Was die sozialen Freiheiten als solche betrifft – natürlich gibt es davon in demokratischen Staaten mehr als in tyrannischen, aber im Sinne der Ideologie sind alle ideologisiert. Ich glaube nicht, dass Amerika oder Europa weniger ideologisch sind als das Sowjetsystem. Es gibt nur eine andere Ideologie – den Markt. Und in gewisser Weise ist es für unser Bewusstsein gefährlicher, weil die sowjetische Ideologie offen gesagt unmenschlich war und es daher leicht war, sie zu trennen und zu sehen, sie von außen zu betrachten. Und die Ideologie des Marktes ist nicht unmenschlich, im Gegenteil – sie bietet immer viele notwendige, nützliche, gut gemachte Dinge. Tatsache ist jedoch, dass Sie dadurch wiederum, wie in der Sowjetzeit, von Kindheit an unmerklich, aber hartnäckig davon überzeugt sind, dass der Erwerb dieser Dinge der Sinn Ihres Lebens ist.

Wenn das Bewusstsein einer Person nicht durch die eine oder andere Ideologie, über die wir sprechen, getrübt wäre, was dann? wahrer Sinn Leben sollte gesprochen werden?

Dann kann man über einen Sinn des Lebens sprechen, wenn ein Mensch lebt und ein Geschäft betreibt, das er liebt, in das er seine Seele steckt, und nicht, weil das Geschäft ihm Geld oder materielle Vorteile bringt, sondern weil er liebt dieses Geschäft. Und es spielt keine Rolle, was es sein wird: Kunst, Wissenschaft oder Religion – was auch immer. Und wenn ein Mensch sein ganzes Leben lang lebt, um so viel wie möglich zu erwerben, ist dies eine Art leeres, na ja, oder auf jeden Fall falsches Leben. Und der Mensch existiert für etwas. Im Allgemeinen - eine Person, nicht jede einzelne. Das ist der springende Punkt: Wir existieren für etwas. Wir passen nicht in das Tier, diese natürliche Welt. Unser Bewusstsein passt nicht hinein – es ragt immer noch heraus, will etwas anderes. Und gerade das, was einen Menschen auszeichnet, was ihn über die Grenzen aller irdischen Harmonie hinausführt, wo alles im Gleichgewicht ist, zeigt, dass der Mensch für etwas anderes geschaffen ist.

- Wie würden Sie diese Frage beantworten?

Hier kann es keine pauschale Antwort geben. Aber was zählt, ist die Rolle, die Kunst dabei spielt. Es kann diese Frage nicht lösen, sondern stellt sie ständig vor unser Bewusstsein. Ich denke, wir leben vor dieser Frage.

Abschließend noch ein paar Worte zu Jekaterinburg. Auf den ersten Blick haben Sie viele Verbindungen zu ihm: Sie wurden in Swerdlowsk geboren und hierher evakuiert. Aber tatsächlich – nein, diese Stadt definiert Sie nicht. Sie wurden nur hier geboren, weil Ihr Vater auf einer Geschäftsreise aus Moskau hierher kam und Ihre schwangere Mutter ihn begleitete. Dann, während der Kriegsjahre, wurden Sie und Ihre Mutter nach Swerdlowsk evakuiert. Damals waren Sie älter, ein Schüler, hatten Sie irgendwelche Erinnerungen an diese Zeit? Und wie lange haben Sie in der Evakuierung verbracht?

Wir kamen Ende des Sommers 1942 dort an und im Februar 1943 kehrten wir nach Moskau zurück – wir waren dort ein halbes Jahr. Leider habe ich keine Erinnerungen an die Stadt. Wir lebten in einem Wohnheim für Angestellte des Moskauer Büros Kunsttheater. Da waren mein Onkel – ein Schauspieler, die Eltern meines Vaters – mein Großvater und meine Großmutter und meine Mutter. Eigentlich könnten wir bei der Evakuierung getrennt mit ihr gehen, aber meine Mutter beschloss, mit allen anderen mitzukommen, um die Familie zu retten. Wir lebten in diesem Wohnheim, wir redeten alle miteinander und ich erinnere mich, dass das alles irgendwo im gemeinsamen Hof passierte. Daher erinnere ich mich nicht an die Stadt selbst und die Menschen darin.

Obwohl ich damals zur Schule ging (die erste Jahreshälfte habe ich hier studiert) und sogar einige Bekannte hatte. Außerdem habe ich dort den Wettbewerb gewonnen Kinderzeichnung und erhielt seine erste Auszeichnung. Ich musste mir ein lebendes Kaninchen zulegen. Mama hatte schreckliche Angst. Es gab eine hungrige Zeit, und das bedeutete, dass es gegessen werden konnte. Aber wie kann man ein Kaninchen essen? Ganz sicher nicht. Also muss er irgendwie gefüttert werden. Wo werden wir ihn unterbringen? Es gab einfach keinen Platz: Es war ein großer Raum, in dem Betten standen und dazwischen eine Art Laken gespannt war, die eine Familie von der anderen trennte. Von einem Kaninchen war hier also keine Rede, obwohl es mir natürlich geschmeckt hat, aber nicht, um es zu essen. Im Allgemeinen sagte meine Mutter, dass wir kein Kaninchen mitnehmen könnten, und sie gaben mir einen weiteren Bonus: Ein Set Ural-Halbedelsteine ​​ist ein wunderbares Geschenk. Dann nahm ich es mit nach Moskau und präsentierte es dann der Schule, an der ich studierte. Ich habe also eine solche Erinnerung an Swerdlowsk.

Der zeitgenössische russische Künstler Erik Bulatov ist einer der teuersten, dessen Werke auf Auktionen für Millionen von Dollar verkauft werden. Ein Mann, dessen Arbeit dreißig Jahre später Anerkennung fand. Europa hat es geöffnet. Dank Ausstellungen in Galerien in der Schweiz, Deutschland und Frankreich begann man in Russland über ihn zu sprechen. In diesem Artikel werden wir über die Gemälde von Eric Bulatov und die Merkmale seines Stils sprechen.

Eltern E.V. Bulatow

Eric Bulatov wurde am 5. September 1933 in Swerdlowsk (heute Jekaterinburg) geboren, wo die schwangere Mutter mit ihrem Vater eine Geschäftsreise in den Ural unternahm. Vater - Wladimir Borissowitsch wurde 1937 aus der Partei ausgeschlossen und alle wurden verhaftet. Eine unternehmungslustige Mutter mietete eine Datscha in der Nähe von Moskau, und der Vater lebte dort mehr als sechs Monate. Sie vergaßen ihn, oder besser gesagt, sie nahmen einen anderen entsprechend der Aufteilung, die Hauptsache war, ein Häkchen zu setzen, dass einige Feinde des Volkes genommen worden waren. Er zog 1941 als Freiwilliger in den Krieg und wurde 1944 getötet. Bulatov erinnert sich, dass sein Vater, als er seine Zeichnungen sah, glaubte, er würde Künstler werden. Eric Bulatov begann bereits als Kind, seine ersten Gemälde zu malen.

Mama aus Polen. Sie war eine begabte Person. Sie überquerte die Grenze von Polen nach Russland, ohne ein einziges russisches Wort zu sprechen. In zwei Jahren lernte sie so gut Russisch, dass sie als Stenographin zu arbeiten begann. Mutter und Vater hatten unterschiedliche Ansichten über die von der Partei verfolgte Linie. Doch da sie sich liebten, trat die Politik in den Hintergrund.

Ausbildung in der Schule und am Surikov-Institut

Erics Studium begann an einer Kunstschule, die zum Surikov-Institut gehörte. Er lernte so gut, dass Eric Bulatov am Ende eine Medaille erhielt, sodass er die Aufnahmeprüfungen für die Universität nicht bestehen musste. Die Situation am Institut war schwierig, die Zeit war schwierig: die 50er Jahre, der Tod Stalins, der Kampf gegen den Kosmopolitismus.

Zu dieser Zeit leisteten Robert Falk und Vladimir Favorsky dem jungen Eric Bulatov unschätzbare Hilfe dabei, eine unerschütterliche Unabhängigkeit gegenüber der im Land verfolgten offiziellen Doktrin zu erlangen. Am Ende des Instituts herrschte die Einsicht, dass ein echter Künstler frei sein und nicht von staatlichen Anordnungen abhängig sein sollte. Aber um sich zu entwickeln, brauchte man Geld. Private Bestellungen kamen nicht in Frage. Es gab nur eine Alternative: Kinderbücher zu illustrieren.

Diese Arbeit war aus der Not heraus entstanden. Der Herbst-Winter-Zeitraum war für den Verdienst vorgesehen, der in der Erstellung von Illustrationen bestand. Eric Bulatov malte Bilder im Frühling und Sommer. Und in ihnen war, was er fühlte, was er fühlte.

Bulatov – Illustrator von Kinderbüchern

Um als Illustrator arbeiten zu können, musste man dies lernen, da Erik Wladimirowitsch eine andere Ausbildung hatte – er war Maler. In dem Verlag, in dem Bulatov arbeitete, mussten bestimmte Anforderungen erfüllt werden. Eric Bulatov erinnert sich in seinen Interviews an seine Arbeit in einem Kinderverlag: „Wenn man ein Märchen illustriert, kommt ein ganz anderes Denkprinzip zum Vorschein – das eines Kindes. Das Kind hat seine eigenen Vorstellungen über diesen oder jenen Helden des Märchens. Bei der Arbeit an einer Illustration muss man genau das zeigen – die Vision eines Kindes, nicht die eigene. Und die Arbeit eines Künstlers ist ein völlig freies Bewusstsein. Im Bild drücken Sie Ihre Vision, Wahrnehmung und Reflexion der Welt aus.“

Gemälde von Erik Bulatov

Eine charakteristische Handschrift, an der Bulatovs Gemälde zu erkennen sind, ist die Kollision eines großen Plakattextes mit einer aus der Presse entlehnten Landschaftskomponente. Darin liegt die Absurdität der den Künstler umgebenden Realität und die im Bild dargestellte Übersättigung mit sowjetischen Symbolen. Das war Erik Bulatov im Sots Art-Thema. Sein frühe Arbeit basierend auf dem Zusammenspiel von Malerei und Raum. Doch dieser Schaffensschritt des Künstlers fand in seiner Heimat keine Wertschätzung.

Illusionen über in die Ferne gehende Wege werden in den Gemälden von Eric Bulatov als Sackgassen gelesen. Die auf den Leinwänden des Künstlers dargestellte Bildmetapher ist für das Publikum verständlich. Erik Bulatov stellte diese Blöcke in den Gemälden mit den Titeln „Horizont“ (rote Teppichwand), „Krasikow-Straße“ (Stand mit wandelndem Lenin) und „Leben und Sehen“ (Kreml) dar.

Wie Erik Bulatov zu Sots Art kam

Der Sots-Art-Trend in Bulatovs Malerei manifestierte sich vor dem Hintergrund der amerikanischen Pop Art, die den Raum der Kunst und die Schicht der zweiten Realität vereinte. Bulatov verstand das Sowjetisches Volk Ideologie war nichts anderes als ihre Realität. Sie nahm ihren gesamten Raum ein. Aber viele Sowjetische Künstler glaubte (dank derselben Ideologie), dass der Schmutz des Lebens nicht gezeigt werden sollte, die Schöpfer sollten in der Perspektive leben. Daher teilten seine Kameraden, die bei Sots Art arbeiteten, nicht die Vision von Bulatov, der in seinen Gemälden versuchte, das von der sowjetischen Ideologie geprägte Bewusstsein der Menschen auszudrücken.

Bulatow gelang es, die Einschränkungen des Beamten zu umgehen Sowjetische Kunst, einen sehr persönlichen Stil entwickelnd.Seine Gemälde sind meist ikonoklastische Sammlungen, in denen Bild und Sprache miteinander verbunden sind.In Landschaften, Porträts und Stadtansichten lässt er sich sowohl von der Ikonographie des Sowjetregimes als auch von traditionelleren Naturdarstellungen inspirieren.Auswahl an Farben, geometrische Kompositionen und die Verwendung von Bildern aus Filmen, der Kunstgeschichte oder der Werbung prägen Bulatovs Bildsprache.

Wie aus dem Magazin „Spark“ aufgenommenes Foto im Gemälde von Eric Bulatov „Program Time“. Er porträtierte die Hoffnungslosigkeit und Verzweiflung einer einsamen alten Frau, die im Fernsehen die Nachrichten hörte. Die fiktive Kommunikation mit einer Sprechbox und die ideologische Vergiftung der Menschen der Sowjetzeit sind das Thema dieses Bildes.

Russisch-europäischer Künstler

Zufälligerweise leben Eric Bulatov und seine Frau seit 1992 in Paris. Er emigrierte nicht, sondern folgte einfach einer Einladung zur Arbeit. Es geschah nach seiner Ausstellung, organisiert von der Galeristin Dina Verni. Sie war es, die die Vernissage der Gemälde von Erik Wladimirowitsch Bulatow organisierte, die von privaten Sammlern aus Russland mitgenommen wurden. Die Werke verließen das Land legal und ohne Hindernisse mit dem Siegel des Kulturministeriums „Hat keinen künstlerischen Wert“. Bulatov verstand, dass Gemälde zum Leben erweckt und verkauft werden mussten, wenn auch nicht teuer. Und sie wurden aus der Sowjetunion exportiert.

Die Ausstellung in Zürich war ein Erfolg. Nach ihr begannen Galeristen aus verschiedenen Ländern, Bulatov nach Deutschland, Frankreich und Amerika einzuladen. Vernissagen machten es möglich, den Lebensunterhalt nicht mehr mit Illustrationen zu bestreiten, sondern sich ganz der Malerei zu widmen. Ich beschloss, mit meiner Frau in Frankreich zu leben. Paris mit seiner jahrhundertealten Kultur hat mir sehr gut gefallen.

Auf die Frage, warum er ins Ausland gegangen sei, sagt Bulatov in seinen Interviews, dass es interessant sei, über den Tellerrand hinauszuschauen. In der Sowjetunion beschränkten sich seine Interessen auf den sozialen Raum, was das Echte behindert. In Europa entdeckte er einen existenziellen Horizont, der soziale Räume einschließt.

Über Ausstellungen und Zuschauer

Ausstellungen mit Werken von Erik Wladimirowitsch im Ausland finden viel häufiger und nicht an bestimmten Terminen und Feiertagen statt. Galeristen zeigen der Öffentlichkeit häufig Leinwände des Künstlers. Während seines gesamten Lebens im Ausland wurden Gemälde von Eric Bulatov immer wieder in Galerien ausgestellt. Wie der Künstler selbst sagt, waren seine letzten Ausstellungen ab 2005 recht erfolgreich. Sie fanden in Paris, Genf, Moskau statt. Der Künstler freut sich über das Interesse an seinen Werken, zudem zeigen Menschen in verschiedenen Ländern reges Interesse. Bulatov fühlt sich weder im Ausland noch in Russland beleidigt.

Das Publikum ist jung. Das behaupten viele Skeptiker junge Generation Es ist nichts nötig und es ist nicht interessant, dass die Kunst vorbei ist. Nein, das ist nicht wahr. Junge Menschen nehmen die Werke nicht als etwas Vergangenes, sondern als etwas Lebendiges wahr, und das zeigt, dass sie den Künstler verstehen. Schließlich muss man die Arbeit eines Künstlers von seiner Position aus beurteilen, um seine Individualität zu verstehen. Und laut Erik Wladimirowitsch selbst wollte er die Zeit ausdrücken.

Über die Gemälde des Künstlers Erik Bulatov aus verschiedenen Zeiten

In letzter Zeit tauchten immer mehr Gemälde auf Auktionen auf, die von westlichen Sammlern mitgenommen wurden. Mittlerweile werden sie von russischen Sammlern erworben. Das heißt, die Gemälde kehrten nach Russland zurück. Dabei handelt es sich überwiegend um Werke aus den 1970er und 1980er Jahren. Es gab in Russland einfach keine Bilder mit gesellschaftlichen Themen dieser Zeit. Und Bulatovs Gemälde sind wie ein Denkmal einer vergangenen Ära. Die Tatsache, dass diese Werke lebendig sind und einen Eindruck hinterlassen, zeigt nur, dass es dem Künstler gelungen ist, diese Zeit auszudrücken und festzuhalten.

Und hier letzte Arbeiten Weitere werden von Sammlern im Westen erworben. Dies liegt daran, dass Eric Bulanov hauptsächlich mit Schweizer, deutschen und französischen Galerien zusammenarbeitet.

Schenkung an die Tretjakow-Galerie

Eines seiner Werke, das er, wie Bulatov selbst sagt, sehr hart fand, präsentierte er im Juni 2017 der Tretjakow-Galerie. Das Gemälde von Eric Bulatov heißt „Bild und Zuschauer“.

Es hat eine beeindruckende Größe – zwei mal zweieinhalb Meter. Es wurde lange und sorgfältig gearbeitet. „Das Bild und die Zuschauer“ ist das Ergebnis von Bulatovs Überlegungen zum Werk von Alexander Ivanov „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“. Bulatov bezog den modernen Besucher, der über seine Vorfahren nachdachte, organisch in das Bild ein, verband Epochen und Stile, verband Avantgarde und traditionellen Realismus.

Der einzige Ort für ein Gemälde ist die Tretjakow-Galerie, so entscheidet der Autor. Schließlich hat er hier sein Leben verbracht. Bei Tretjakow-Galerie Es gibt drei weitere Werke von Eric Bulatov aus seinem frühe Periode als er an abstrakten Formen arbeitete.