heim › elektrische Ausrüstung › Renaissance-Gemälde in Venedig. Renaissance in Venedig

Renaissance-Gemälde in Venedig. Renaissance in Venedig

Spätrenaissance

Anders als die Kunst Mittelitaliens, wo sich die Malerei in enger Verbindung mit Architektur und Bildhauerei entwickelte, im Venedig des 14. Jahrhunderts. Malerei dominiert. Im Werk von Giorgione und Tizian erfolgte der Übergang zur Staffeleimalerei unter aktivem Einsatz von Ölfarben. Einer der Gründe für den Übergang war das Klima Venedigs, in dem das Fresko schlecht erhalten ist. Ein weiterer Grund besteht darin, dass die Staffeleimalerei im Zusammenhang mit der Zunahme weltlicher Themen und der Erweiterung des Kreises der im Aufmerksamkeitskreis der Maler enthaltenen Objekte erscheint. Mit der Etablierung der Staffeleimalerei nimmt auch die Gattungsvielfalt zu. So schuf Tizian Gemälde zu mythologischen Themen, Porträts und Kompositionen biblische Geschichten. Im Werk der Vertreter der Spätrenaissance – Veronese und Tintoretto – kam es zu einem neuen Aufschwung der Monumentalmalerei.

Giorgio da Castelfranco Spitzname Giorgione(1477-1510) lebte ein kurzes Leben. Sein Spitzname leitet sich vom Wort „zorzo“ ab, das im venezianischen Dialekt „eine Person niedrigster Herkunft“ bedeutet. Giorgione war Mitglied der kulturellen Schichten Venedigs. Die Handlungsstränge seiner Gemälde, wie z Gewitter, drei Philosophen schwer zu interpretieren. Einige seiner besten Arbeiten sind „Schlafende Venus“ und „Judith“ in dem der Künstler die Harmonie von Mensch und Natur erreichte. Tizian studierte im Atelier des Künstlers, der viel von seinem Lehrer lernte. 1510 starb Giorgione an der Pest.

Tizian Vecellio(1476-1576) studierte bei Giovanni Bellini, trat dann 1507 in die Werkstatt von Giorgione ein, der zunächst Tizian mit der Vollendung seines Werkes betraute. Nach dem Tod von Giorgione eröffnete Tizian seine Werkstatt, nachdem er einige seiner Werke fertiggestellt und einige seiner Aufträge angenommen hatte.

Zu dieser Zeit in einer Reihe von Porträts, darunter „Salome“, „Dame hinter der Toilette“ und "Flora" er verkörpert seine Vorstellung von Schönheit.

Im Jahr 1516 schafft der Künstler Himmelfahrt Unserer Lieben Frau (Assunta) für die Kirche Santa Maria Gloriosa in Venedig - das Bild zeigt, wie eine Gruppe lebhaft gestikulierender Apostel die Mutter Gottes, umgeben von Engeln, in den Himmel aufsteigen sieht.

1525 heiratet Tizian seine Geliebte Cecilia, mit der er zwei Söhne hat. Der Künstler dieser Zeit liebt gesunde, sinnliche Bilder, verwendet klangvolle, tiefe Farben. Nach dem Tod von Bellini ging der Platz des Künstlers der Venezianischen Schule der Republik an Tizian über. Tizian setzt die von Giorgione eingeleitete Reform der Malerei fort: Er bevorzugt große Leinwände, die eine breite und freie Farbüberlagerung ermöglichen. Auf die erste Schicht trug er unmittelbar nach dem Trocknen mehr oder weniger dichte, aber fließende Striche auf, gemischt mit transparenten und glänzenden Lacken ( Verglasung) und beendet das Bild, indem er die hellsten Töne und Schatten mit Strichen intensiviert, die beinahe ansteigen Korpuscharakter. Die Skizze entsprach der allgemeinen emotionalen Vorbereitung, war aber in sich abgeschlossen.

Auf Einladung von Papst Paul III. zieht Tizian nach Rom. In seiner Kunst tauchen neue Themen auf – das Drama des Kampfes, der Spannung. Dann brechen Tizian und sein Sohn nach Augsburg zu Karl V. auf. An seinem Hof schreibt der Meister viel, erhält vor allem viele Aufträge aus Spanien – König Philipp II. bestellt ihm mehrere Gemälde. In den frühen 50er Jahren. Tizian kehrt nach Venedig zurück, arbeitet aber weiterhin für den spanischen König. Tizians Porträts zeichnen sich durch Vitalität aus. IN „Porträt von Papst Paul III. mit seinen Neffen“ Gezeigt wird ein Treffen dreier Menschen, mit denen jeweils andere geheime Gefühle verbunden sind. 1548 schrieb Tizian zwei Porträts von Karl V. In einem wird er als Triumphator dargestellt, der einen Sieg errungen hat – gekleidet in eine Rüstung und mit einem Helm mit Federbusch. Das zweite Porträt zeigt den Kaiser in einem traditionellen spanischen schwarzen Anzug, in einem Sessel vor dem Hintergrund einer Loggia sitzend.

In den frühen 50er Jahren. Tizian malte im Auftrag Philipps II., der nach der Abdankung seines Vaters Karl V. Kaiser wurde, sieben Gemälde zu mythologischen Themen, die er „Gedichte“ nannte, und interpretierte mythologische Themen als Metaphern für das menschliche Leben. Generell übte die Antike auf den Künstler eine große Anziehungskraft aus. Zu den besten Gemälden zu antiken Themen „Venus von Urbino“, „Venus und Adonis“, „Danae“, „Bacchus und Ariadne“.

In Gemälden zu religiösen Themen erreicht der Künstler ein hohes Maß an Psychologismus und Ausdruckskraft ( „Cäsars Denar“, „Büßende Magdalena“).

Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte Tizian in Venedig. In seinen Werken nehmen Angst und Enttäuschung zu. Er wendet sich zunehmend dramatischen Handlungssträngen zu – Szenen des Martyriums und des Leidens, in denen auch tragische Töne erklingen („ Heiliger Sebastian"). Hier verwendet der Künstler pastöser Schreibstil- das sind kraftvolle, grob strukturierte Striche.

Paolo Veronese(1528-1588). P.Caliari, benannt nach seinem Geburtsort, wurde in Verona geboren. In Venedig angekommen, wird er sofort berühmt für seine Arbeit im Dogenpalast. Bis zu seinem Lebensende arbeitete Veronese 35 Jahre lang an der Ausschmückung und Verherrlichung Venedigs ( „Hochzeit in Kana in Galiläa“). Veroneses Gemälde basiert ausschließlich auf Farbe. Er verstand es, einzelne Farben so zu vergleichen, dass durch deren Annäherung ein besonders intensiver Klang entstand. Sie beginnen zu brennen wie Edelsteine. Im Gegensatz zu Tizian, der in erster Linie Staffeleimaler war, ist Veronese ein geborener Dekorateur. Vor Veronese wurden separate Staffeleigemälde an den Wänden angebracht, um Innenräume zu schmücken, und eine allgemeine dekorative Einheit, eine synthetische Verschmelzung von Malerei und Architektur, funktionierte nicht. Veronese war der erste venezianische Künstler, der ganze dekorative Ensembles schuf, indem er die Wände von Kirchen, Klöstern, Palästen und Villen von oben bis unten bemalte und so seine Malerei in die Architektur einschrieb. Zu diesem Zweck nutzte er die Freskotechnik. In seinen Gemälden, und vor allem in den Deckengemälden, verwendete Veronese starke Verkürzungen, kühne räumliche Reduzierungen, um das Bild von unten nach oben zu betrachten ( „Venus und Adonis“, „Venus und Mars“). In seinen Deckengemälden öffnete er „den Himmel“.

Jacopo Tintoretto(richtiger Name Jacobo Robusti, 1518-1594). Das Gemälde von Tintoretto markiert das Ende der italienischen Version der Renaissance. Tintoretto neigte zu Bildzyklen komplexer thematischer Natur; er verwendete seltene und nie zuvor gesehene Themen. Zyklus der Wunder des Hl. Die Marke wird in der Akademie von Venedig und in Mailand Brera (Mailand) in Formen präsentiert, die weit von den üblichen Bildlösungen entfernt sind. Historische Chroniken des Dogenpalastes, die Schlachten darstellen, zeigen eine Fülle von Variationen und eine kühne Gestaltung. In antiken mythologischen Themen führte Tintoretto jene freie poetische Interpretation von Motiven fort, deren Beginn Tizians „Poesie“ war. Das Bild ist ein Beispiel „Ursprung der Milchstraße“. Er nutzte neue Handlungsquellen. in dem Bild „Arsinoe retten“ Der Künstler ging von der Bearbeitung des Gedichts des römischen Autors Lucan in der französischen mittelalterlichen Legende aus und schrieb „Tancred und Clorinda“ nach dem Gedicht von Tasso.

Tintoretto bezog sich wiederholt auf die Handlung des Letzten Abendmahls. Auf einem Gemälde aus der Kirche Santa Trovaso zerstreuten die Worte Christi die schockierten Jünger wie Schläge. Spezifisches Merkmal Werke von Tintoretto Suggestivkraft(Vorschlag), Dynamik, ausdrucksstarke Helligkeit natürlicher Motive, räumliche Mehrdimensionalität.

Das Senden Ihrer guten Arbeit an die Wissensdatenbank ist ganz einfach. Nutzen Sie das untenstehende Formular

Studierende, Doktoranden und junge Wissenschaftler, die die Wissensbasis in ihrem Studium und ihrer Arbeit nutzen, werden Ihnen sehr dankbar sein.

Gehostet unter http://www.allbest.ru/

BILDUNGSEINRICHTUNG DES BUNDESLANDHAUSHALTS

Höhere Berufsausbildung

„Rjasanische Staatsuniversität benannt nach S.A. Jesenin“

Fakultät für Russische Philologie und Nationalkultur

Studienrichtung „Theologie“

KontrolleArbeit

In der Disziplin „World Artistic Culture“

Zum Thema: „Venezianische Renaissance“

Abgeschlossen von einem Studenten im 2. Studienjahr

berufsbegleitende Ausbildung:

Kostyukovich V.G.

Geprüft von: Shakhova I.V.

Rjasan 2015

Planen

Einführung
Abschluss
Referenzliste

Einführung

Der Begriff „Renaissance“ (auf Französisch „Renaissance“, auf Italienisch „Rinascimento“) wurde erstmals von dem Maler, Architekten und Kunsthistoriker des 16. Jahrhunderts eingeführt. George Vasari, für die Notwendigkeit, die historische Ära zu bestimmen, die auf das frühe Entwicklungsstadium der bürgerlichen Beziehungen in Westeuropa zurückzuführen war.

Die Kultur der Renaissance hat ihren Ursprung in Italien, und dies war vor allem mit der Entstehung bürgerlicher Verhältnisse in der feudalen Gesellschaft und damit der Entstehung einer neuen Weltanschauung verbunden. Das Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks, der Aufstieg des Welthandels und die großen geografischen Entdeckungen des späten 15. und frühen 16. Jahrhunderts veränderten das Leben im mittelalterlichen Europa. urbane Kultur schuf neue Menschen und formte ein neues Lebensgefühl. Eine Rückkehr zu vergessenen Errungenschaften hat begonnen antike Kultur. Alle Veränderungen manifestierten sich am stärksten in der Kunst. Zu dieser Zeit beginnt sich die italienische Gesellschaft aktiv für Kultur zu interessieren. Antikes Griechenland und Rom werden Manuskripte antiker Schriftsteller gesucht. Verschiedene Bereiche des gesellschaftlichen Lebens – Kunst, Philosophie, Literatur, Bildung, Wissenschaft – werden immer unabhängiger.

Chronologischer Rahmen Die italienische Renaissance umfasst die Zeit von der zweiten Hälfte des 13. bis zur ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Innerhalb dieser Periode ist die Renaissance in mehrere Phasen unterteilt: die zweite Hälfte des XIII.-XIV. Jahrhunderts. - Proto-Renaissance (Vorrevival) und Trecento; 15. Jahrhundert - Frührenaissance (Quattrocento); Ende 15.-1. Drittel 16. Jahrhundert - Hochrenaissance (der Begriff Cinquecento wird in der Wissenschaft seltener verwendet). Ilyina s. 98 In diesem Artikel werden die Merkmale der Renaissance in Venedig untersucht.

Die Entwicklung der italienischen Renaissancekultur ist sehr vielfältig, was auf den unterschiedlichen wirtschaftlichen und politischen Entwicklungsstand der verschiedenen Städte in Italien, den unterschiedlichen Macht- und Stärkegrad des Bürgertums dieser Städte und ihren unterschiedlichen Grad der Verbindung mit dem Feudalismus zurückzuführen ist Traditionen. Führend Kunstschulen in der Kunst der italienischen Renaissance im 14. Jahrhundert. waren im 15. Jahrhundert Sieneser und Florentiner. - Florentiner, Umbrer, Padua, Venezianer, im 16. Jahrhundert. - Römisch und venezianisch.

Der Hauptunterschied zwischen der Renaissance und der Vorgängerin Kulturzeitalter bestand in einer humanistischen Sicht auf den Menschen und die ihn umgebende Welt, in der Bildung der wissenschaftlichen Grundlagen des humanitären Wissens, in der Entstehung einer experimentellen Naturwissenschaft, in den Merkmalen der künstlerischen Sprache der neuen Kunst und schließlich in Durchsetzung der Rechte der säkularen Kultur auf unabhängige Entwicklung. All dies bildete die Grundlage für die weitere Entwicklung Europäische Kultur im 17. – 18. Jahrhundert. Es war die Renaissance, die eine umfassende und vielfältige Synthese zweier Kulturwelten – der heidnischen und der christlichen – vollzog, die einen tiefgreifenden Einfluss auf die Kultur der Neuzeit hatte.

Die Figuren der Renaissance schufen im Gegensatz zur feudalen, der scholastischen Weltanschauung eine neue, säkulare, rationalistische Weltanschauung. Im Mittelpunkt der Renaissance stand der Mensch, daher wird die Weltanschauung der Träger dieser Kultur mit dem Begriff „humanistisch“ (von lat. humanitas – Menschlichkeit) bezeichnet. Für die italienischen Humanisten stand die Konzentration des Menschen auf sich selbst im Vordergrund. Sein Schicksal liegt größtenteils in seinen eigenen Händen, er ist von Gott mit einem freien Willen ausgestattet.

Die Renaissance ist geprägt vom Schönheitskult, insbesondere der Schönheit des Menschen. Die italienische Malerei zeigt schöne, perfekte Menschen. Künstler und Bildhauer strebten in ihrem Schaffen nach Natürlichkeit, nach einer realistischen Nachbildung der Welt und des Menschen. Der Mensch wird in der Renaissance wieder Hauptthema Kunst, und der menschliche Körper wird am meisten berücksichtigt perfekte Form in der Natur.

Das Thema der Renaissance und insbesondere der Renaissance in Venedig ist relevant, da sich die Kunst der Renaissance auf der Grundlage einer Synthese des Besten entwickelte, das in der mittelalterlichen Kunst früherer Jahrhunderte und der Kunst der Antike geschaffen wurde . Die Kunst der Renaissance stellte einen Wendepunkt in der Geschichte der europäischen Kunst dar und stellte den Menschen mit seinen Freuden und Leiden, seinem Geist und seinem Willen an die erste Stelle. Es entwickelte sich eine neue künstlerische und architektonische Sprache, die bis heute ihre Bedeutung behält. Daher ist das Studium der Renaissance ein wichtiges Bindeglied zum Verständnis der gesamten weiteren Entwicklung der künstlerischen Kultur Europas.

Besonderheiten Venezianische Renaissance

In der Fülle an talentierten Handwerkern und im Umfang des künstlerischen Schaffens überflügelte Italien im 15. Jahrhundert. alle anderen europäischen Länder. Die Kunst Venedigs stellt im Vergleich zu allen anderen Zentren der Renaissancekunst in Italien eine besondere Variante der Entwicklung der künstlerischen Kultur der Renaissance dar.

Seit dem 13. Jahrhundert Venedig war eine Kolonialmacht, die Gebiete an den Küsten Italiens, Griechenlands und auf den Inseln der Ägäis besaß. Sie handelte mit Byzanz, Syrien, Ägypten und Indien. Dank des intensiven Handels floss großer Reichtum dorthin. Venedig war eine Handels- und Oligarchenrepublik. Viele Jahrhunderte lang lebte Venedig wie eine sagenhaft reiche Stadt, und ihre Bewohner waren von der Fülle an Gold, Silber und Gold nicht überrascht. Edelsteine, Stoffe und andere Schätze, aber der Garten am Palast wurde von ihnen als die ultimative Grenze des Reichtums angesehen, da es in der Stadt nur sehr wenig Grün gab. Die Menschen mussten es aufgeben, um den Wohnraum zu vergrößern und die Stadt zu vergrößern, die bereits von überall her unter Wasser stand. Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum die Venezianer sehr empfänglich für Schönheit wurden und jeder künstlerische Stil eine ganz eigene erreichte hohes Level in ihren dekorativen Möglichkeiten. Der Fall Konstantinopels unter dem Ansturm der Türken erschütterte die Handelsposition Venedigs erheblich, doch der enorme Geldreichtum der venezianischen Kaufleute ermöglichte es dem Land, seine Unabhängigkeit und Renaissance-Lebensweise für einen bedeutenden Teil des 16. Jahrhunderts zu bewahren.

Chronologisch gesehen nahm die Kunst der Renaissance in Venedig etwas später Gestalt an als in den meisten anderen großen Zentren Italiens dieser Epoche, hielt aber auch länger an als in anderen Zentren Italiens. Es nahm insbesondere später als in Florenz und allgemein in der Toskana Gestalt an. Die Wiederbelebung in Venedig hatte, wie gesagt, ihre eigenen Merkmale, sie interessierte sich wenig für wissenschaftliche Forschung und Ausgrabungen antiker Antiquitäten. Die venezianische Renaissance hatte andere Ursprünge. Die Herausbildung der Prinzipien der künstlerischen Kultur der Renaissance in der bildenden Kunst Venedigs begann erst im 15. Jahrhundert. Dies lag keineswegs an der wirtschaftlichen Rückständigkeit Venedigs, im Gegenteil, Venedig war damals neben Florenz, Pisa, Genua und Mailand eines der wirtschaftlich am weitesten entwickelten Zentren Italiens. Für diese Verzögerung ist gerade die frühe Umwandlung Venedigs in eine große Handelsmacht verantwortlich, da ein großer Handel und eine entsprechend stärkere Kommunikation mit den östlichen Ländern seine Kultur beeinflussten. Die Kultur Venedigs war eng mit der prächtigen Pracht und dem feierlichen Luxus der kaiserlichen byzantinischen Kultur und teilweise mit der raffinierten dekorativen Kultur verbunden. Arabische Welt. Bereits im 14. Jahrhundert war die künstlerische Kultur Venedigs eine Art Verflechtung prächtiger und festlicher Formen monumentaler byzantinischer Kunst, belebt durch den Einfluss der farbenfrohen Ornamentik des Ostens und ein besonders elegantes Neudenken der dekorativen Elemente einer reifen Zeit gotische Kunst. Dies wird sich natürlich auch in der venezianischen Kunstkultur der Renaissance widerspiegeln. Für die Künstler Venedigs rücken die Probleme der Farbe in den Vordergrund, die Materialität des Bildes wird durch Farbabstufungen erreicht.

Die venezianische Renaissance war reich an großen Malern und Bildhauern. Das größte Venezianische Meister Hoch- und Spätrenaissance – das sind Giorgione (1477-1510), Tizian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) „Kulturologie S. 193 .

Bedeutende Vertreter der venezianischen Renaissance

George Barbarelli da Castelfranco, Spitzname Giorgione (1477-1510). Ein typischer Künstler der Hochrenaissance. Giorgione wurde der Erste berühmter Künstler Hochrenaissance in Venedig. In seinem Werk siegt schließlich das weltliche Prinzip, was sich in der Dominanz von Handlungssträngen zu mythologischen und literarischen Themen manifestiert. Landschaft, Natur und der schöne menschliche Körper wurden für ihn zum Thema der Kunst.

Giorgione spielte für die venezianische Malerei die gleiche Rolle wie Leonardo da Vinci für die Malerei Mittelitaliens. Leonardo steht Giorgione nahe mit einem Sinn für Harmonie, Perfektion der Proportionen, einem exquisiten linearen Rhythmus, sanfter Lichtmalerei, Spiritualität und psychologischer Ausdruckskraft seiner Bilder und gleichzeitig mit Giorgiones Rationalismus, der zweifellos einen direkten Einfluss auf ihn hatte, als er reiste 1500 von Mailand nach Venedig. Ilyina s. 138 Dennoch ist Giorgiones Gemälde im Vergleich zur klaren Rationalität von Leonardos Kunst von tiefer Lyrik und Kontemplation durchdrungen. Giorgione ist emotionaler als der große Mailänder Meister, er interessiert sich weniger für Linearität als vielmehr für Aerial Perspektive. Farbe spielt in seinen Kompositionen eine große Rolle. Tonige Farben, in transparenten Schichten aufgetragen, mildern die Konturen. Der Künstler nutzt gekonnt die Eigenschaften der Ölmalerei. Die Vielfalt an Farbtönen und Übergangstönen hilft ihm, die Einheit von Volumen, Licht, Farbe und Raum zu erreichen. Die Landschaft, die in seinem Werk einen herausragenden Platz einnimmt, trägt zur Offenlegung der Poesie und Harmonie seiner perfekten Bilder bei.

Unter seinen frühe Arbeiten erregt die Aufmerksamkeit von „Judith“ (um 1502). Die Heldin, die der apokryphen Literatur des Alten Testaments, dem Buch Judith, entnommen ist, wird als junge schöne Frau vor dem Hintergrund einer stillen Natur dargestellt. Der Künstler stellte Judith im Moment ihres Triumphs in der ganzen Kraft ihrer Schönheit und zurückhaltenden Würde dar. Die sanfte Schwarz-Weiß-Modellierung von Gesicht und Händen erinnert ein wenig an Leonards „Sfumato“. Ilyina s. 139 Eine schöne Frau Vor dem Hintergrund der wunderschönen Natur wird dieser scheinbar harmonischen Komposition jedoch durch das Schwert in der Hand der Heldin und den von ihr zertrampelten abgetrennten Kopf des Feindes eine seltsam verstörende Note verliehen. Zu den weiteren Werken von Giorgione zählen „Gewitter“ (1506) und „Landkonzert“ (1508-1510), wo man auch die wunderschöne Natur und natürlich das Gemälde „Schlafende Venus“ (ca. 1508-1510) sehen kann. . Leider hatte Giorgione keine Zeit, die Arbeit an „Die schlafende Venus“ abzuschließen, und Zeitgenossen zufolge wurde der Landschaftshintergrund im Bild von Tizian gemalt.

Tizian Vecellio (1477? – 1576) – der größte Künstler der venezianischen Renaissance. Obwohl sein Geburtsdatum nicht mit Sicherheit geklärt werden konnte, war er laut Forschern höchstwahrscheinlich ein jüngerer Zeitgenosse von Giorgione und seinem Schüler, der den Lehrer übertraf. Er ist bei lange Jahre bestimmte die Entwicklung der venezianischen Malschule. Tizians Treue zu humanistischen Prinzipien, sein Glaube an den Geist und die Fähigkeiten des Menschen sowie sein kraftvoller Kolorismus verleihen seinen Werken eine große Anziehungskraft. In seinem Werk kommt schließlich die Originalität des Realismus der venezianischen Malschule zum Vorschein. Im Gegensatz zu Giorgione, der früh starb, lebte Tizian lange glückliches Leben voller inspirierender kreativer Arbeit. Tizian behielt die poetische Wahrnehmung des weiblichen nackten Körpers bei, der aus der Werkstatt von Giorgione stammte und auf der Leinwand oft buchstäblich die fast erkennbare Silhouette der „Schlafenden Venus“ reproduzierte, wie in „Venus von Urbino“ (um 1538), aber nicht im Schoß der Natur, sondern im Inneren zeitgenössischer Maler Häuser.

Zeit seines Lebens beschäftigte sich Tizian mit der Porträtmalerei und fungierte als Innovator auf diesem Gebiet. Sein Pinsel gehört zu einer umfangreichen Galerie von Porträtbildern von Königen, Päpsten und Adligen. Er vertieft die Charakteristika der von ihm dargestellten Persönlichkeiten und bemerkt dabei die Originalität von Körperhaltung, Bewegungen, Mimik, Gestik und Anzugsverhalten. Seine Porträts entwickeln sich manchmal zu Gemälden, die psychische Konflikte und Beziehungen zwischen Menschen offenbaren. In seinem frühen Porträt „Junger Mann mit Handschuh“ (1515-1520) erhält das Bild eines jungen Mannes individuelle Besonderheiten und drückt gleichzeitig das typische Bild eines Renaissance-Mannes mit seiner Entschlossenheit, Energie und aus Gefühl der Unabhängigkeit.

Wenn er in frühen Porträts wie üblich die Schönheit, Stärke, Würde und Integrität der Natur seiner Modelle verherrlichte, zeichnen sich spätere Werke durch die Komplexität und Widersprüchlichkeit der Bilder aus. In den Gemälden von Tizian in letzten Jahren Kreativität, eine echte Tragödie klingt, im Werk Tizians wird das Thema des Konflikts des Menschen mit der Außenwelt geboren. Gegen Ende von Tizians Leben erfährt sein Werk bedeutende Veränderungen. Er schreibt immer noch viel über antike Themen, wendet sich aber immer häufiger christlichen Themen zu. In seinen späteren Werken dominieren Themen wie Märtyrertum und Leiden, unversöhnlicher Zwiespalt mit dem Leben und stoischer Mut. Das Bild einer Person in ihnen hat immer noch eine starke Kraft, verliert jedoch die Merkmale des inneren harmonischen Gleichgewichts. Die Komposition ist vereinfacht und basiert auf einer Kombination aus einer oder mehreren Figuren mit architektonischem oder landschaftlichem Hintergrund, die in die Dämmerung getaucht sind. Auch die Schreibtechnik verändert sich, er verzichtet auf helle, fröhliche Farben, er wendet sich wolkigen, stählernen, olivfarbenen Komplextönen zu und ordnet alles einem gemeinsamen Goldton unter.

Auch in seinen späteren, noch so tragisch anmutenden Werken verlor Tizian nicht den Glauben an das humanistische Ideal. Der Mensch blieb für ihn bis zuletzt der höchste Wert, was im „Selbstbildnis“ (um 1560) des Künstlers zu sehen ist, der sein ganzes Leben lang die strahlenden Ideale des Humanismus trug.

Ende des 16. Jahrhunderts in Venedig die Merkmale eines drohenden neue Ära in Kunst. Dies zeigt sich im Werk zweier bedeutender Künstler, Paolo Veronese und Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, Spitzname Veronese (geboren in Verona, 1528–1588). letzter Sänger festliches Venedig des 16. Jahrhunderts. Er begann mit der Ausführung von Gemälden für die Paläste von Verona und Bildern für die Kirchen von Verona, erlangte jedoch dennoch Berühmtheit, als er 1553 begann, an Wandgemälden für den venezianischen Dogenpalast zu arbeiten. Von diesem Moment an und für immer ist sein Leben mit Venedig verbunden. Er malt Gemälde, aber häufiger malt er große Ölgemälde auf Leinwand für die venezianischen Patrizier, Altarbilder für venezianische Kirchen im eigenen Auftrag oder im offiziellen Auftrag der Republik Venedig. Alles, was er geschrieben hat, ist riesig dekorative Gemälde festliches Venedig, wo die elegante venezianische Menschenmenge vor dem Hintergrund der venezianischen Architekturlandschaft dargestellt wird. Dies zeigt sich auch in Gemälden zu evangelischen Themen wie „Das Fest bei Simon dem Pharisäer“ (1570) oder „Das Fest im Hause Levi“ (1573).

Jacopo Robusti, in der Kunst bekannt als Tintoretto (1518-1594) („Tintoretto“ – ein Färber: Der Vater des Künstlers war Seidenfärber), hatte im Gegensatz zu Veronese eine tragische Haltung, die sich in seinem Werk manifestierte. Als Schüler Tizians schätzte er die koloristischen Fähigkeiten seines Lehrers sehr, versuchte sie jedoch mit der Entwicklung von Michelangelos Zeichnung zu verbinden. Tintoretto blieb nur für kurze Zeit in Tizians Werkstatt, doch Zeitgenossen zufolge hing an den Türen seiner Werkstatt das Motto: „Michelangelos Zeichnung, Tizians Kolorierung.“ Ile s. 146 Die meisten Werke von Tintoretto sind hauptsächlich über die Handlung mystischer Wunder geschrieben. In seinen Werken stellte er häufig Massenszenen mit dramatisch intensiver Handlung, tiefem Raum und Figuren in komplexen Winkeln dar. Seine Kompositionen zeichnen sich durch außergewöhnliche Dynamik und in der Spätzeit auch durch starke Licht- und Schattenkontraste aus. In dem ersten Gemälde, das ihn berühmt machte, „Das Wunder des Heiligen Markus“ (1548), stellt er die Figur des Heiligen aus einer komplexen Perspektive dar und zeigt Menschen in einem Zustand so heftiger Bewegung, wie er darin unmöglich wäre klassische Kunst Zeit der Hochrenaissance. Tintoretto war auch Autor großer dekorativer Werke, eines riesigen Gemäldezyklus, der zwei Etagen der Räumlichkeiten des Scuolo di San Rocco einnahm, an dem er von 1565 bis 1587 arbeitete. In der letzten Phase seines Schaffens arbeitet Tintoretto für den Dogenpalast (Komposition „Paradies“, nach 1588), wo zuvor vor ihm der bekannte Paolo Veronese tätig war.

Wenn man von der venezianischen Renaissance spricht, kommt man nicht umhin, sich an den größten Architekten zu erinnern, der in Vicenza bei Venedig geboren und tätig war – Andrea Palladio (1508-1580), der am Beispiel seiner einfachen und eleganten Gebäude zeigte, wie die Errungenschaften der Antike und des Hochrenaissance lässt sich kreativ verarbeiten und nutzen. Es gelang ihm, die klassische Sprache der Architektur zugänglich und universell zu machen.

zwei kritische Bereiche Seine Tätigkeit war der Bau von Stadthäusern (Palazzo) und Landresidenzen (Villen). Im Jahr 1545 gewann Palladio den Wettbewerb um das Recht zum Wiederaufbau der Basilika in Vicenza. Die Fähigkeit, die Harmonie des Gebäudes hervorzuheben und es gekonnt vor dem Hintergrund malerischer venezianischer Landschaften zu platzieren, war für ihn in seiner zukünftigen Arbeit von Nutzen. Dies lässt sich am Beispiel der von ihm erbauten Villen Malcontenta (1558), Barbaro Volpi in Masere (1560-1570) und Cornaro (1566) erkennen. Die Villa „Rotonda“ (oder Capra) in Vicenza (1551-1567) gilt zu Recht als das vollkommenste Gebäude des Architekten. Es ist ein quadratisches Gebäude mit ionischen Portiken mit sechs Säulen an jeder Fassade. Alle vier Portiken führen zu einer runden zentralen Halle, die mit einer niedrigen Kuppel unter einem Ziegeldach bedeckt ist. Bei der Gestaltung der Fassaden von Villen und Palästen verwendete Palladio meist einen großen Auftrag, wie am Beispiel des Palazzo Chiericati in Vicenza (1550) zu sehen ist. Riesige Säulen erheben sich auf gewöhnlichen Stylobaten, wie im Palazzo Valmarana (begonnen 1566) und in der unvollendeten Loggia del Capitanio (1571), oder sehr hoch, die das erste Stockwerk vollständig einnehmen, wie im Palazzo Thiene (1556). Am Ende seiner Karriere wandte sich Palladio der Kirchenarchitektur zu. Er besitzt die Kirche San Pietro in Castello (1558) sowie San Giorgio Maggiore (1565–1580) und Il Redentore (1577–1592) in Venedig.

Große Berühmtheit erlangte Palladio nicht nur als Architekt, sondern auch als Autor der Abhandlung „Vier Bücher über Architektur“, die in viele Sprachen übersetzt wurde. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der klassizistischen Richtung in der europäischen Architektur des 17.-18. Jahrhunderts sowie auf die Architekten Russlands im 18. Jahrhundert. Die Anhänger des Meisters bildeten einen ganzen Trend in der europäischen Architektur, der „Palladianismus“ genannt wurde.

Abschluss

Die Renaissance war im Leben der Menschheit durch einen kolossalen Aufstieg von Kunst und Wissenschaft gekennzeichnet. Die Renaissance, die auf der Grundlage des Humanismus entstand, der den Menschen als höchsten Wert des Lebens verkündete, spiegelte sich hauptsächlich in der Kunst wider. Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des New Age und veränderte alle wichtigen Kunstarten radikal. In der Architektur wurden gestalterisch überarbeitete Prinzipien des antiken Ordnungssystems etabliert und neue Typen öffentlicher Gebäude entstanden. Die Malerei wurde durch eine lineare und Luftperspektive sowie Kenntnisse über die Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert. Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Erhöhtes Interesse an antike Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaft, Porträt. Zusammen mit den monumentalen Wandgemälden, die schmücken architektonische Strukturen, da war ein Bild, da war ein Gemälde Ölfarben. An erster Stelle stand in der Kunst die schöpferische Individualität des Künstlers, in der Regel eines universell begabten Menschen. Und all diese Trends sind in der Kunst der venezianischen Renaissance sehr deutlich und deutlich sichtbar. Gleichzeitig ist Venedig in seiner kreatives Leben deutlich anders als der Rest Italiens.

Wenn in Mittelitalien während der Renaissance die Kunst des antiken Griechenlands und Roms einen großen Einfluss hatte, vermischte sich in Venedig der Einfluss der byzantinischen Kunst und der Kunst der arabischen Welt damit. Es waren die venezianischen Künstler, die klangvolle leuchtende Farben in ihre Werke einbrachten, unübertroffene Koloristen waren, der berühmteste von ihnen ist Tizian. Sie legten großen Wert auf die den Menschen umgebende Natur, die Landschaft. Ein Erneuerer auf diesem Gebiet war Giorgione mit seinem berühmten Gemälde „Gewitter“. Er stellt den Menschen als Teil der Natur dar und legt großen Wert auf die Landschaft. Einen großen Beitrag zur Architektur leistete Andrea Palladio, der die klassische Sprache der Architektur öffentlich und universell machte. Sein Wirken hatte weitreichende Folgen unter dem Namen „Palladianismus“, der sich in der europäischen Architektur des 17. – 18. Jahrhunderts manifestierte.

Anschließend spiegelte sich der Niedergang der Republik Venedig in der Arbeit ihrer Künstler wider, ihre Bilder wurden weniger erhaben und heroisch, sondern irdischer und tragischer, was sich deutlich im Werk des großen Tizian zeigt. Dennoch blieb Venedig länger als andere den Traditionen der Renaissance treu.

Referenzliste

1. Bragin L.M.,Warjasch UM.UND.,Wolodarski IN.M. Kulturgeschichte der Länder Westeuropa während der Renaissance. - M.: Höhere Schule, 1999. - 479 S.

2. Gukowski M.A. Italienische Renaissance. - L.: Leningrad University Press, 1990. - 624 S.

3. Iljin T.IN. Kunstgeschichte. Westeuropäische Kunst. - M.: Höhere Schule, 2000. - 368 S.

4. Kulturologie: Lehrbuch / Ed. Leitartikel A.A.Radugina. - M.: Zentrum, 2001. - 304 S.

Gehostet auf Allbest.ru

...

Spätrenaissance (Renaissance in Venedig)

Aus den 40er Jahren. 16. Jahrhundert die Zeit der Spätrenaissance beginnt. Italien geriet damals unter die Herrschaft ausländischer Mächte und wurde zur wichtigsten Hochburg der feudalen katholischen Reaktion. Nur die relative Freiheit der wohlhabenden Republik Venedig, sowohl von der Macht des Papstes als auch von der Herrschaft der Interventionisten, sicherte die Entwicklung der Kunst in dieser Region. Die Renaissance in Venedig hatte ihre eigenen Merkmale, da sie andere Quellen als Florenz hatte.

Die Vorliebe für Luxus, Dekorativität und die Abneigung gegen wissenschaftliche Forschung verzögerten das Eindringen künstlerischer Ideen und Praktiken der Florentiner Renaissance in Venedig. Die Hauptmerkmale der Arbeit der Maler, Bildhauer und Architekten von Florenz und Rom entsprachen nicht dem in Venedig vorherrschenden Geschmack. Hier wurde die Kunst der Renaissance nicht von der Liebe zur Antike genährt, sondern von der Liebe zu ihrer Stadt, die durch ihre Merkmale bestimmt wurde. Der blaue Himmel und das Meer sowie die eleganten Fassaden der Paläste trugen zur Entstehung eines besonderen künstlerischen Stils bei, der sich durch eine Leidenschaft für Farben, ihre Modulationen und Kombinationen auszeichnete. Daher sahen die venezianischen Künstler, die nur Maler waren, die Grundlage der Malerei in der Buntheit und Farbe. Die Leidenschaft für Farben resultierte auch aus ihrer tief verwurzelten Liebe zu üppigen Dekorationen, leuchtenden Farben und üppiger Vergoldung in den Kunstwerken des Ostens. Auch die venezianische Renaissance war reich an Namen großer Maler und Bildhauer. Tizian, Veronese, Tintoretto, Giorgione, Correggio, Benvenuto Cellini wirkten in dieser Zeit.

Der erste berühmteste Maler der Hochrenaissance in Venedig war Giorgio de Castelfranco, von seinen Zeitgenossen Giorgione (1476 oder 1477–1510) genannt. In seinem Werk siegt schließlich das weltliche Prinzip, was sich in der Dominanz von Handlungssträngen zu mythologischen und literarischen Themen manifestiert. Darüber hinaus findet in den Werken von Giorgione die Geburtsstunde der Staffeleimalerei statt, mit der die Merkmale der Arbeit des Künstlers verbunden sind: Die Handlungsstränge seiner Gemälde zeichnen sich durch das Fehlen einer klar definierten Handlung und einer aktiven Handlung aus; Bei der Interpretation der Handlung liegt der Schwerpunkt auf der Verkörperung subtiler und komplexer Emotionen, die Giorgiones Gemälden eine besondere Stimmung verleihen – elegisch verträumt oder ruhig konzentriert.

Die genaue Zahl der authentischen Werke des Meisters ist bislang nicht geklärt, ihre Zahl schwankt zwischen vier und einundsechzig. Forscher, die sich mit dem Werk des Künstlers befassen, sind sich jedoch einig, dass seine besten Werke Gemälde sind. „Judith“ Und „Schlafende Venus“". Auf der Leinwand „Judith“ illustriert Giorgione den Inhalt nicht berühmter Mythos. Die gesamte effektive Seite der Leistung von Judith bleibt beiseite. Vor uns liegt nur das Ergebnis des Ereignisses: die einsame Gestalt einer jungen Frau, in tiefsten Gedanken versunken, stehend auf einer Steinterrasse, hinter der sich eine Landschaft von erstaunlicher Schönheit ausbreitet. Ihre Attribute – das Schwert und der Kopf des Holofernes – fallen kaum auf. Die Farbgebung des Bildes mit seinen transparenten und zarten Farben, mit erstaunlichen Schattierungen von Judiths Kleid, erlangt große künstlerische Bedeutung.

„Schlafende Venus“„- das berühmteste Werk von Giorgione, in dem erstmals ein Nackter zu sehen ist weibliche Figur wurde ohne Handlung präsentiert: Mitten auf einer hügeligen Wiese, auf einer dunkelroten Bettdecke mit weißem Satinfutter, liegt eine schöne junge Frau. Ihre nackte Figur steht diagonal vor einer Landschaft, die von Grün- und Brauntönen dominiert wird. Venus ist in einen ruhigen Schlaf versunken, was die Veranlagung der Seele zu einer erhabenen Einheit mit Gott bedeutet. Frieden und Ruhe erfüllen die Natur mit ihrem endlosen Himmel, den weißen Wolken und den Weiten, die in die Tiefe reichen.

Kreativität war der Höhepunkt der Hochrenaissance in Venedig Tiziana Vecellio(ca. 1476 / 77-1489 / 90-1576) (er ging nicht unter seinem Nachnamen in die Kunstgeschichte ein, sondern unter eigener Name), ein Künstler mit einem riesigen Kreativität der einen schwierigen und dramatischen Lebensweg durchgemacht hat, in dem sich seine Weltanschauung erheblich verändert hat. Tizian entwickelte sich als Mensch und Künstler in der Zeit der höchsten kulturellen Blüte Venedigs. Seine ersten Werke sind erfüllt von einem lauten und pulsierenden Leben, während seine letzten Werke von einem Gefühl düsterer Angst und Verzweiflung erfüllt sind.

Der Künstler lebte ein langes Leben (ungefähr 90 Jahre) und hinterließ ein großes Erbe. Er schuf Kompositionen für religiöse und religiöse Zwecke mythologische Themen, und gleichzeitig war er ein großer Meister eines der schwierigsten Genres – „nackt“ (auf Französisch – nackt, unbekleidet), Bilder eines nackten Körpers. In der Renaissance-Malerei wurden auf diese Weise meist antike Göttinnen und mythologische Heldinnen dargestellt. Sein " Liegende Venus» Und „Danae“ sind Bilder von bezaubernden, gesunden Venezianern in den Innenräumen wohlhabender venezianischer Häuser.

Tizian ging als großer Porträtmaler und Psychologe in die Kulturgeschichte ein. Sein Pinsel gehört zu einer umfangreichen Galerie von Porträtbildern – Kaiser, Könige, Päpste, Adlige. Wenn er in frühen Porträts wie üblich die Schönheit, Stärke, Würde und Integrität der Natur seiner Modelle verherrlichte, zeichnen sich spätere Werke durch die Komplexität und Widersprüchlichkeit der Bilder aus. Sie zeigen die Verflechtung von Spiritualität, raffinierter Intellektualität, Adel mit der Bitterkeit von Zweifeln und Enttäuschungen, Traurigkeit und verborgener Angst. In den Gemälden, die Tizian in den letzten Jahren seines Schaffens schuf, steckt bereits eine echte Tragödie. Am meisten berühmtes Werk Tizian aus dieser Zeit ist ein Gemälde „Heiliger Sebastian“.

Letztes Viertel des 16. Jahrhunderts wurde zu einer Zeit des Niedergangs für die Kultur der Renaissance. Das Werk von Künstlern, die man Manieristen nannte (von ital. Manierismus - Anmaßung) und die ganze Richtung - "Manierismus" - erhielt einen raffinierten, anmaßenden Charakter. Die venezianische Malschule widerstand dem Eindringen des Manierismus länger als andere und blieb den Traditionen der Renaissance treu. Allerdings wurden ihre Bilder auch weniger erhaben und heroisch, sondern irdischer und mit dem wirklichen Leben verbunden.

Der ständige Feierdrang, ein florierender Handelshafen und der Einfluss der Schönheitsideale und Erhabenheit der Hochrenaissance trugen im 15. und 16. Jahrhundert zur Entstehung von Künstlern in Venedig bei, die Elemente des Luxus in die Kunst einbrachten Welt. Die venezianische Schule, die in diesem Moment des kulturellen Aufschwungs entstand, hauchte der Welt der Malerei und Architektur neues Leben ein, indem sie die Inspiration der klassisch orientierten Vorgänger und den neuen Wunsch nach satten Farben mit einer besonderen venezianischen Vorliebe für Verzierungen verband. Ein Großteil der Arbeiten der Künstler dieser Zeit, unabhängig von Thema oder Inhalt, war von der Idee durchdrungen, dass das Leben durch das Prisma von Vergnügen und Vergnügen betrachtet werden sollte.

Kurzbeschreibung

Die venezianische Schule bezieht sich auf eine besondere, originelle Kunstrichtung, die sich im Renaissance-Venedig ab dem späten 14. Jahrhundert entwickelte und sich unter der Führung der Brüder Giovanni und Gentile Bellini bis 1580 entwickelte. Sie wird auch als venezianische Renaissance bezeichnet und ihr Stil teilt die humanistischen Werte, die Verwendung einer linearen Perspektive und die naturalistische Bildsprache der Renaissancekunst in Florenz und Rom. Der zweite damit verbundene Begriff ist die venezianische Malschule. Es entstand in der Frührenaissance und existierte bis zum 18. Jahrhundert. Seine Vertreter sind Künstler wie Tiepolo, der mit zwei Kunstrichtungen verbunden ist – Rokoko und Barock, Antonio Canaletto, bekannt für seine venezianischen Stadtansichten, Francesco Guardi und andere.

Schlüsselideen

Der innovative Schwerpunkt und die Besonderheiten der venezianischen Malschule, die mit der Verwendung von Farbe zur Schaffung von Formen verbunden waren, unterschieden sie von der Florentiner Renaissance, in der mit Farbe gefüllte Formen gemalt wurden. Dies führte zur Entstehung einer revolutionären Dynamik in den Werken, eines beispiellosen Farbenreichtums und eines besonderen psychologischen Ausdrucks.

Künstler in Venedig malten überwiegend in Öl, zunächst auf Holztafeln, und begannen dann, Leinwand zu verwenden, die am besten zum feuchten Klima der Stadt passte und das Spiel von naturalistischem Licht und Atmosphäre sowie die dramatische, manchmal theatralische Bewegung der Menschen betonte.

Zu dieser Zeit kam es zu einer Wiederbelebung der Porträtmalerei. Die Künstler konzentrierten sich nicht auf die idealisierte Rolle des Menschen, sondern auf seine psychologische Komplexität. In dieser Zeit begannen Porträts, den Großteil der Figur darzustellen und nicht nur den Kopf und die Büste.

Damals entstanden neue Genres, darunter grandiose Darstellungen mythischer Motive und weiblicher Akte, die jedoch weder religiöse noch historische Motive widerspiegelten. Die Erotik begann in diesen neuen Formen der Thematik aufzutauchen und war keinem moralischen Angriff ausgesetzt.

Der neue architektonische Trend, der klassische Einflüsse mit geschnitzten Flachreliefs und charakteristischen venezianischen Dekorationen kombinierte, erfreute sich so großer Beliebtheit, dass in Venedig eine ganze Branche der Gestaltung privater Wohnhäuser entstand.

Kultur von Venedig

Obwohl sich die venezianische Schule der Innovationen der Meister der Renaissance wie Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Donatello und Michelangelo bewusst war, spiegelte ihr Stil die besondere Kultur und Gesellschaft der Stadt Venedig wider.

Dank seines Wohlstands war Venedig in ganz Italien als „die ruhige Stadt“ bekannt. Wegen seiner geografische Position An der Adria wurde es zu einem wichtigen Handelszentrum, das West und Ost verband. Infolgedessen war der Stadtstaat säkular und weltoffen und betonte die Idee der Freude und des Reichtums des Lebens, anstatt sich von religiösen Dogmen leiten zu lassen. Die Einwohner waren stolz auf ihre Unabhängigkeit und die Stabilität ihrer Regierung. Der erste Doge oder Herzog, der Venedig regierte, wurde 697 gewählt, und die nachfolgenden Herrscher wurden ebenfalls vom Großen Rat von Venedig gewählt, einem Parlament bestehend aus Aristokraten und wohlhabenden Kaufleuten. Pracht, unterhaltsame Spektakel und üppige Feste, bei denen mehrwöchige Karnevale abgehalten wurden, prägten die venezianische Kultur.

Im Gegensatz zu Florenz und Rom, die von der katholischen Kirche beeinflusst waren, wurde Venedig in erster Linie mit ihr in Verbindung gebracht Byzantinisches Reich Ihr Zentrum war Konstantinopel, das im 6. und 7. Jahrhundert über Venedig herrschte. Infolgedessen wurde die venezianische Kunst von der Kunst Byzanz beeinflusst, die durch die Verwendung leuchtender Farben und Gold in Kirchenmosaiken gekennzeichnet war, und die venezianische Architektur zeichnete sich durch die Verwendung von Kuppeln, Bögen und mehrfarbigen Steinen aus, die für Byzanz charakteristisch sind. was wiederum mit dem Einfluss der islamischen Architektur verbunden war. Zentralasien.

Mitte des 14. Jahrhunderts gewann die Stadt in Italien an Gewicht und Einfluss, und Künstler der Renaissance wie Andrea Mantegna, Donatello, Andrea del Castagno und Antonello da Messina besuchten oder lebten hier für lange Zeit. Der Stil der venezianischen Schule verband byzantinische Farben und goldenes Licht mit den Innovationen dieser Renaissance-Künstler.

Andrea Mantegna

Zum ersten Mal präsentierte die Künstlerin Andrea Mantegna Geradlinige Perspektive, naturalistische figurative Darstellung und klassische Proportionen, die für die Kunst der Renaissance im Allgemeinen und für venezianische Künstler im Besonderen prägend waren. Der Einfluss von Mantegna ist in „Agonie im Garten“ von Giovanni Bellini (ca. 1459–1465) zu erkennen, das an Mantegnas „Agonie im Garten“ (ca. 1458–1460) erinnert.

Antonello da Messina

Er gilt als der Erste Italienischer Künstler, für den das Einzelporträt zu einer eigenständigen Kunstform geworden ist.

Er war von 1475 bis 1476 in Venedig tätig und hatte spürbaren Einfluss auf die Gemälde von Giovanni Bellini, seine Ölgemälde. Es war de Messina, der sich auf die Porträtmalerei konzentrierte. Während seines Studiums in Neapel kam Antonello erstmals mit der Kunst der nordeuropäischen Renaissance in Berührung. Infolgedessen war sein Werk eine Synthese der italienischen Renaissance und der Prinzipien der nordeuropäischen Kunst und beeinflusste die Entwicklung eines bestimmten Stils der venezianischen Schule.

Giovanni Bellini, „Vater der venezianischen Malerei“

Bereits in frühe Arbeit Der Künstler verwendete sattes und helles Licht nicht nur in der Darstellung von Figuren, sondern auch in Landschaften.

Er und sein älterer Bruder Gentile waren bekannt für die Gründung der Bellini-Familienwerkstatt, die die beliebteste und berühmteste in Venedig war. In einem frühen Stadium im Werk der Bellini-Brüder standen religiöse Themen im Vordergrund, zum Beispiel der „Prozession des Wahren Kreuzes“ (1479), geschrieben von Gentile, und die Werke von Giovanni, die die Sintflut und die Arche Noah darstellen ( um 1470). Besonders beliebt waren Giovanni Bellinis Werke mit Darstellungen der Madonna und des Kindes. Dieses Bild war ihm sehr nahe und die Werke selbst waren voller Farbe und Licht und vermittelten die ganze Schönheit der Welt. Gleichzeitig machte ihn dieser Schwerpunkt Giovannis auf der Darstellung des natürlichen Lichts und der Kombination von Renaissance-Prinzipien mit einem besonderen venezianischen Stil der Farbwiedergabe zu einem der Hauptvertreter der venezianischen Schule.

Konzepte und Trends in der Porträtmalerei

Giovanni Bellini war der erste große Porträtmaler unter den venezianischen Malern seit seinem Porträt des Dogen Leonardo Loredan (1501). tolles Bild, das naturalistisch war und das Spiel von Licht und Farbe vermittelte, den darauf dargestellten Menschen idealisierte und gleichzeitig seine gesellschaftliche Rolle als Oberhaupt Venedigs betonte. Das berühmte Werk weckte die Nachfrage nach Porträts von Aristokraten und wohlhabenden Kaufleuten, die sich mit einem naturalistischen Ansatz zufrieden gaben, der gleichzeitig ihre gesellschaftliche Bedeutung vermittelte.

Giorgione und Tizian waren Pioniere einer neuen Art der Porträtmalerei. Porträt einer jungen Frau von Giorgione (1506) dargestellt neues Genre erotisches Porträt, das später weit verbreitet war. In seinen Gemälden erweiterte Tizian den Blick auf das Thema auf den Großteil der Figur. Dies ist deutlich in seinem „Porträt von Papst Paul III.“ (1553) zu sehen. Hier betonte der Künstler nicht die idealisierte Rolle des Geistlichen, sondern die psychologische Komponente des Bildes.

Auch ein herausragender Vertreter der venezianischen Malerschule, Paolo Veronese, malte Porträts dieser Art, wie am Beispiel des „Bildnis eines Herrn“ (um 1576-1578) zu sehen ist, in dem fast vollständige Höhe zeigt einen schwarz gekleideten Aristokraten, der am Giebel mit Säulen steht.

Jacopo Tintoretto war auch für seine attraktiven Porträts bekannt.

Darstellung der Mythologie in Gemälden

Bellini verwendete erstmals ein mythologisches Thema in seinem Fest der Götter (1504). Tizian entwickelte das Genre in Darstellungen von Bacchanalien weiter, etwa in seinem Werk „Bacchus und Ariadne“ (1522–1523). Diese Gemälde wurden für die Privatgalerie des Herzogs von Ferrera gemalt. Tizians „Bacchus und Ariadne“ (1522–1523) zeigt Bacchus, den Gott des Weins, mit seinen Anhängern in dem dramatischen Moment, als Ariadne gerade erkennt, dass sie von ihrem Geliebten verlassen wurde.

Besonderes Augenmerk der venezianischen Mäzene galt der klassischen Kunst Griechische Mythen, da solche Bilder, die nicht auf religiöse oder moralische Botschaften beschränkt sind, zur Darstellung von Erotik und Hedonismus verwendet werden könnten. Tizians Werke enthalten weiter Kreis mythologische Bilder schuf er sechs große Gemälde für König Philipp II. von Spanien, darunter „Danae“ (1549–1550), eine von Zeus verführte Frau, die als Sonnenlicht erschien, und „Venus und Adonis“ (ca. 1552–1554), ein Gemälde, das eine Göttin und sie darstellt sterblicher Liebhaber.

Auch mythologische Kontexte spielten bei der Entstehung des weiblichen Aktgenres eine Rolle, insbesondere war Giorgiones Schlafende Venus (1508) das erste Gemälde dieser Art. Tizian entwickelte das Thema weiter, indem er die dem männlichen Blick innewohnende Erotik betonte, wie in Venus von Urbino (1534). Den Titeln nach zu urteilen stehen beide Werke in einem mythologischen Kontext, obwohl ihre bildliche Darstellung der Bilder keinen visuellen Bezug zur Göttin aufweist. Unter anderem ähnliche Werke Tizian kann das Gemälde „Venus und Amor“ (um 1550) genannt werden.

Die bei den Venezianern so beliebte Tendenz, mythologische Themen darzustellen, beeinflusste auch den Stil, zeitgenössischen Künstlern Szenen zu präsentieren, wie zum Beispiel dramatische Spektakel, wie in Paolo Veroneses „Das Fest im Hause Levi“ (1573), das in monumentalem Maßstab gemalt wurde , Größe 555 × 1280 cm.

Einfluss der venezianischen Kunst

Der Niedergang der venezianischen Malschule aus dem 16. Jahrhundert begann um 1580, teilweise aufgrund der Auswirkungen der Pest auf die Stadt, die bis 1581 ein Drittel ihrer Bevölkerung verloren hatte, und teilweise aufgrund des Todes der letzten Meister Veronese und Tintoretto. Die späteren Werke beider venezianischer Renaissancemaler, die eher auf expressive Bewegung als auf klassische Proportionen und figurativen Naturalismus setzten, hatten einen gewissen Einfluss auf die Entwicklung der Manieristen, die später Italien dominierten und sich in ganz Europa ausbreiteten.

Allerdings stand die Betonung der venezianischen Schule auf Farbe, Licht und den Genuss des sinnlichen Lebens, wie sie im Werk Tizians zu sehen ist, auch im Gegensatz zum manieristischen Ansatz und den barocken Werken von Caravaggio und Annibale Carracci. Diese Schule hatte außerhalb Venedigs einen noch größeren Einfluss, da Könige und Aristokraten aus ganz Europa eifrig Werke sammelten. Künstler in Antwerpen, Madrid, Amsterdam, Paris und London, darunter Rubens, Anthony van Dyck, Rembrandt, Poussin und Velázquez, wurden stark von der Kunst der venezianischen Schule der Renaissance-Malerei beeinflusst. Die Geschichte besagt, dass Rembrandt, als er noch ein junger Künstler war, während seines Besuchs in Italien sagte, dass es einfacher sei, italienische Renaissance-Kunst in Amsterdam zu sehen, als von Stadt zu Stadt in Italien selbst zu reisen.

In der Architektur hatte Palladio großen Einfluss, insbesondere in England, wo Christopher Wren, Elizabeth Wilbraham, Richard Boyle und William Kent seinen Stil übernahmen. Inigo Jones, der „Vater der britischen Architektur“, baute das Queen’s House (1613–1635), das erste klassische Gebäude in England nach Palladios Entwürfen. Im 18. Jahrhundert tauchten Palladios Entwürfe in der Architektur der Vereinigten Staaten auf. Thomas Jeffersons eigenes Haus in Monticello und das Kapitol wurden weitgehend von Palladio beeinflusst, wobei Palladio 2010 in einer Executive Order des US-Kongresses zum „Vater der amerikanischen Architektur“ ernannt wurde.

Jenseits der Renaissance

Die Werke der Künstler der venezianischen Malerschule waren weiterhin etwas Besonderes. Daher wurde der Begriff bis weit ins 18. Jahrhundert hinein verwendet. Vertreter der venezianischen Malerschule wie Giovanni Battista Tiepolo erweiterten ihren ausgeprägten Stil sowohl im Rokoko- als auch im Barockstil. Andere sind auch bekannt XVIII Künstler Jahrhunderte, wie Antonio Canaletto, der venezianische Stadtansichten malte, und Francesco Guardi. Sein Werk beeinflusste später maßgeblich die französischen Impressionisten.

Vittore Carpaccio (geboren 1460 in Venedig – gestorben 1525/26 in Venedig) ist einer von ihnen die größten Vertreter Venezianische Künstler. Er mag ein Schüler von Lazzaro Bastiani gewesen sein, aber den größten Einfluss hatte er auf ihn frühe Arbeit bereitgestellt von den Schülern von Gentile Bellini und Antonello da Messina. Der Stil seiner Arbeiten lässt vermuten, dass er als junger Mann möglicherweise auch in Rom war. Über Vittore Carpaccios frühe Werke ist praktisch nichts bekannt, da er sie nicht signiert hat, und es gibt kaum Hinweise darauf, dass er sie geschrieben hat. Um 1490 begann er für die Scuola di Santa Orsola einen Zyklus mit Szenen aus der Legende der Heiligen Ursula zu schaffen, die sich heute in den Galerien der Akademie von Venedig befinden. In dieser Zeit entwickelte er sich zu einem reifen Künstler. Die Genreszene des Traums der Heiligen Ursula wurde besonders wegen ihres Reichtums an naturalistischen Details geschätzt.

Die Panoramabilder von Carpaccios Gemälden, Prozessionen und anderen öffentlichen Versammlungen zeichnen sich durch ihren Reichtum an realistischen Details, sonnigen Farben und dramatischen Erzählungen aus. Seine Einbindung realistischer Figuren in einen geordneten und kohärenten perspektivischen Raum machte ihn zu einem Vorreiter der venezianischen Stadtlandschaftsmaler.

Francesco Guardi (1712–1793, geboren und gestorben in Venedig), einer der herausragenden Landschaftsmaler des Rokoko.

Der Künstler selbst studierte zusammen mit seinem Bruder Nicolò (1715-86) bei Giovanni Antonio Guardi. Ihre Schwester Cecilia heiratete Giovanni Battista Tiepolo. Die Brüder arbeiteten lange Zeit zusammen. Francesco ist einer der prominenten Vertreter einer so malerischen Richtung wie der Vedute, Besonderheit Das war eine detaillierte Darstellung der Stadtlandschaft. Er malte diese Gemälde bis etwa Mitte der 1750er Jahre.

1782 stellte er die offiziellen Feierlichkeiten zu Ehren des Besuchs von Großherzog Paul in Venedig dar. Später in diesem Jahr erhielt er von der Republik den Auftrag, ähnliche Bilder vom Besuch Pius VI. anzufertigen. Er genoss erhebliche Unterstützung von Briten und anderen Ausländern und wurde 1784 in die Akademie von Venedig gewählt. Er war ein äußerst produktiver Künstler, dessen brillante und romantische Bilder einen deutlichen Kontrast zu den transparenten Architekturdarstellungen von Canaletto, dem Leiter der Vedutenschule, bildeten.

Giambattista Pittoni (1687–1767) war ein führender venezianischer Maler des frühen 18. Jahrhunderts. Er wurde in Venedig geboren und studierte bei seinem Onkel Francesco. Als junger Mann malte er Fresken wie „Gerechtigkeit und die Welt der Gerechtigkeit“ im Palazzo Pesaro in Venedig.

Francesco Fontebasso (Venedig, 1707–1769) ist einer der Hauptvertreter des für die venezianische Malerei eher ungewöhnlichen 18. Jahrhunderts. Ein sehr aktiver und guter Künstler, ein erfahrener Dekorateur, der fast alles auf seinen Leinwänden darstellt, von Szenen Alltagsleben und historischen Bildern bis hin zu Porträts zeigte er auch gute Fähigkeiten und die Beherrschung einer Vielzahl von Techniken in der Grafik. Er begann für Maninov an religiösen Themen zu arbeiten, zunächst in der Kapelle der Villa Passariano (1732) und dann in Venedig in einer Jesuitenkirche, wo er zwei Fresken an der Decke anfertigte, die den am Himmel gefangenen Elia und vor Abraham erscheinende Engel zeigen.

Die venezianische Renaissance ist ein eigenständiger Teil der allgemeinen italienischen Renaissance. Es begann hier später, dauerte aber viel länger. Die Rolle der antiken Traditionen war in Venedig am geringsten und der Zusammenhang mit der späteren Entwicklung der europäischen Malerei am direktesten. In Venedig dominierte die Malerei, die sich durch leuchtende, satte und fröhliche Farben auszeichnete.

Die Ära der Hochrenaissance (am Italienisch klingt wie „Cinquecento“) in Venedig dauerte fast das gesamte 16. Jahrhundert. Viele prominente Künstler malten im freien und fröhlichen Stil der venezianischen Renaissance.

Der Künstler Giovanni Bellini wurde zu einem Vertreter der Übergangszeit von der Frührenaissance zur Hochrenaissance. Sein Stift gehört berühmtes Bild » Madonna-See„- ein wunderschönes Gemälde, das Träume von einem goldenen Zeitalter oder einem irdischen Paradies verkörpert.

Der Künstler Giorgione, ein Schüler von Giovanni Bellini, gilt als der erste Meister der Hochrenaissance in Venedig. Seine Leinwand » Schlafende Venus„- eines der poetischsten Bilder eines nackten Körpers in der Weltkunst. Dieses Werk ist eine weitere Verkörperung des Traums einfältiger, glücklicher und unschuldiger Menschen, die in völliger Harmonie mit der Natur leben.

IN Landesmuseum Die Eremitage ist ein Gemälde » Judith», das ebenfalls Giorgione gehört. Diese Arbeit ist zu einem anschaulichen Beispiel für die Erzielung eines dreidimensionalen Bildes nicht nur mit Hilfe von Hell-Dunkel, sondern auch mit der Lichtabstufungstechnik geworden.

Giorgione „Judith“

Der typischste Künstler Venedigs kann als Paolo Veronese angesehen werden. Seine großformatigen, vielfigurigen Kompositionen widmen sich dem Bild üppiger Abendessen in venezianischen Palästen mit Musikern, Narren und Hunden. An ihnen ist nichts Religiöses. » Das letzte Abendmahl» - Dies ist ein Bild der Schönheit der Welt in einfachen irdischen Manifestationen und der Bewunderung für die Vollkommenheit des schönen Fleisches.

Paolo Veronese „Das letzte Abendmahl“

Kreativität Tizian

Die Entwicklung der venezianischen Malerei des Cinquecento spiegelte sich im Werk von Tizian wider, der zuerst mit Giorgione zusammenarbeitete und ihm nahe stand. Dies spiegelte sich in der kreativen Art des Malers in den Werken „Himmlische Liebe und irdische Liebe“, „Flora“ wider. Die weiblichen Bilder von Tizian sind die Natur selbst und strahlen in ewiger Schönheit.

- der König der Maler. Er besitzt zahlreiche Entdeckungen auf dem Gebiet der Malerei, darunter den Reichtum der Farben, die Farbmodellierung, originelle Formen und die Verwendung von Farbnuancen. Tizians Beitrag zur Kunst der venezianischen Renaissance ist enorm, er hatte großen Einfluss auf das Können der Maler der Folgezeit.

Der verstorbene Tizian ist bereits nah dran künstlerische Sprache Velázquez und Rembrandt: das Verhältnis von Tönen, Flecken, Dynamik des Pinselstrichs, die Textur der farbigen Oberfläche. Die Venezianer und Tizian ersetzten die Dominanz der Linie durch die Vorteile der Farbpalette.

Tizian Vecellio „Selbstbildnis“ (um 1567)

Die Tessiner Maltechnik ist auch heute noch auffällig, denn es handelt sich um ein Durcheinander von Farben. In den Händen des Künstlers waren die Farben eine Art Ton, aus dem der Maler seine Werke formte. Es ist bekannt, dass Tizian am Ende seines Lebens seine Leinwände mit den Fingern bemalte. So dieser Vergleich ist mehr als angemessen.

Tizian „Denar des Cäsar“ (um 1516)

Gemälde von Tizian Vecellio

Zu den Gemälden von Tizian gehören:

» Assunta»

„Bacchus und Ariadne“

„Venus von Urbino“

„Porträt von Papst Paul III.“

„Porträt von Lavinia“

„Venus vor einem Spiegel“

„Reuige Magdalena“

» Heiliger Sebastian»

Malerisch und gefühlvoll Ö Die volumetrische Form bei Tizian ist in perfekter Balance. Seine Figuren sind voller Lebensgefühl und Bewegung. Die Neuheit der Kompositionstechnik, die ungewöhnliche Farbgebung und die freien Striche sind ein charakteristisches Merkmal von Tizians Malerei. Sein Werk verkörperte die besten Merkmale der venezianischen Schule der Renaissance.

Charakteristische Merkmale der Malerei der venezianischen Renaissance

Die letzte Koryphäe des venezianischen Cinquecento ist der Künstler Tintoretto. Bekannt für seine Gemälde „Der Kampf des Erzengels Michael mit Satan“ und Das letzte Abendmahl. Kunst verkörperte die Renaissance-Idee des Ideals, den Glauben an die Kraft des Geistes, den Traum von Schönheit, starker Mann, harmonisch entwickelte Persönlichkeit.

Jacopo Tintoretto „Der Kampf des Erzengels Michael mit Satan“ (1590)

Jacopo Tintoretto „Kreuzigung“

Es entstanden künstlerische Werke zu traditionellen religiösen und mythologischen Themen. Dadurch wurde die Moderne in den Rang der Ewigkeit erhoben und damit die Gottähnlichkeit einer realen Person bestätigt. Die Hauptprinzipien des Bildes in dieser Zeit waren die Nachahmung der Natur und die Realität der Charaktere. Ein Gemälde ist eine Art Fenster zur Welt, denn der Künstler stellt darauf dar, was er in der Realität gesehen hat.

Jacopo Tintoretto „Das letzte Abendmahl“

Die Kunst der Malerei basierte auf den Errungenschaften verschiedener Wissenschaften. Maler haben das perspektivische Bild erfolgreich gemeistert. In dieser Zeit wurde Kreativität persönlich. Staffelei-Kunstwerke werden immer weiter entwickelt.

Jacopo Tintoretto „Paradies“

In der Malerei entwickelt es sich Genresystem welches die folgenden Genres umfasst:

religiös - mythologisch;
historisch;
Haushaltslandschaft;
Porträt.

In dieser Zeit tauchen auch Gravuren auf, und das Zeichnen spielt eine wichtige Rolle. Kunstwerke werden als eigenständiges künstlerisches Phänomen geschätzt. Eine der wichtigsten Empfindungen in ihrer Wahrnehmung ist Vergnügen. Hochwertige Reproduktionen von Gemälden aus der venezianischen Renaissance werden eine tolle Bereicherung für das Interieur sein.

Beliebt in der Kategorie: