Letteratura musicale di paesi stranieri, parte 2. T

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Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Fryderyk Chopin 1810 - 19 49 Educazione artistica dei bambini in Russia sempre più abbondante a partire dal X secolo a.C. circa. Le arti visive si stanno sviluppando e gli artisti raffigurano musicisti che accompagnano riti religiosi, campagne militari, caccia, processioni solenni, balli con canti e strumenti musicali. Tali immagini sono state conservate, in particolare, sulle pareti di templi e vasi di ceramica rinvenuti durante gli scavi. Appare la scrittura - e gli autori dei manoscritti vi introducono testi poetici di canzoni e inni, forniscono informazioni interessanti sulla vita musicale. Nel tempo, gli scrittori prestano molta attenzione alle discussioni filosofiche sulla musica, al suo importante ruolo sociale, compreso quello educativo, nonché allo studio teorico degli elementi del suo linguaggio. La maggior parte di queste informazioni è stata conservata sulla musica in alcuni paesi del mondo antico, ad esempio nell'antica Cina, nell'antica India, Antico Egitto, soprattutto molto nei cosiddetti paesi antichi - Antica Grecia e Antica Roma, dove furono gettate le basi della cultura europea2. Introduzione Musica dall'antichità a J.S. Bach Cari figli! L'anno scorso hai già seguito lezioni di letteratura musicale. Hanno discusso gli elementi di base del linguaggio musicale, alcune forme e generi musicali, le possibilità espressive e visive della musica e l'orchestra. Allo stesso tempo, la conversazione è stata condotta liberamente su una varietà di epoche: sull'antichità, o sulla modernità, o sul ritorno a secoli meno o più lontani da noi. E ora è il momento di conoscere la letteratura musicale in ordine cronologicamente sequenziale - storico -1. A proposito di musica nell'antica Grecia Come abbiamo ottenuto informazioni sulla musica del mondo antico gli sport - Giochi Olimpici. E due secoli dopo, iniziarono a svolgersi gare musicali: i Giochi Pitici, che possono essere considerati i lontani antenati delle competizioni moderne. I giochi pitici si tenevano nel tempio, costruito in onore del patrono delle arti, il dio del sole e della luce, Apollo. Secondo i miti, dopo aver sconfitto il mostruoso serpente Pitone, egli stesso stabilì questi giochi. È noto che una volta furono vinte da Sakkad di Argo, suonando sull'aulos, uno strumento a fiato vicino all'oboe, un programma teatrale sulla lotta di Apollo, con Python.Per la musica greca antica c'era una connessione caratteristica con la poesia, danza, teatro. Gli eroici poemi epici "Iliade" e "Odissea", attribuiti al leggendario poeta Omero, sono stati cantati con una voce cantilenante. I cantori erano di solito, come il mitologico Orfeo, gli autori sia del testo poetico che della musica, e loro stessi si accompagnavano sulla lira. Durante i festeggiamenti sono stati eseguiti canti di danza corale con gesti pantomimici. Nelle tragedie e nelle commedie dell'antica Grecia, un ruolo importante apparteneva al coro: commentava l'azione, esprimeva il suo atteggiamento nei confronti Durante gli scavi, gli archeologi hanno trovato gli strumenti musicali più semplici (ad esempio strumenti a fiato - ossa di animali con fori praticati) e determinato che sono stati realizzati circa quarantamila anni fa. Di conseguenza, l'arte della musica esisteva già allora. Dopo l'invenzione del fonografo nel 1877, il primo apparecchio per la registrazione meccanica e la riproduzione del suono, i musicisti-ricercatori iniziarono a viaggiare in quegli angoli del globo dove alcune tribù avevano ancora uno stile di vita primitivo. Dai rappresentanti di tali tribù, con l'aiuto di un fonografo, hanno registrato campioni di canti e melodie strumentali. Ma tali registrazioni danno, ovviamente, solo un'idea approssimativa di come fosse la musica in quei tempi antichi. La parola "cronologia" (significa "la sequenza degli eventi storici nel tempo") deriva da due parole greche: "chronos" ("tempo") e "logos" ("dottrina"). 1 La parola latina "antiguus" significa "antico". Il termine "antico" che ne deriva si riferisce alla storia e alla cultura dell'antica Grecia e dell'antica Roma. 2 2 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa basata sulle gesta degli eroi. I musicologi moderni hanno alcune informazioni sulla musica nel mondo antico e tuttavia invidiano gli storici di altre arti. Per un gran numero di magnifici monumenti di architettura antica, sono state conservate antiche belle arti, in particolare la scultura, sono stati trovati molti manoscritti con testi di tragedie e commedie di grandi drammaturghi antichi. Ma le opere musicali create nella stessa epoca e anche molto più tardi ci rimangono essenzialmente sconosciute. Perché è successo così? Il fatto è che si è rivelato un compito molto difficile inventare un sistema di notazione musicale (notazione) sufficientemente accurato e conveniente, quello che ognuno di voi ha imparato quando stavate appena iniziando a imparare la musica. Ci sono voluti molti secoli per risolverlo. È vero, gli antichi greci hanno inventato la notazione delle lettere. Hanno designato i passi dei modi musicali con certe lettere dell'alfabeto. Ma i segni ritmici (dai trattini) non venivano sempre aggiunti. Solo a metà del XIX secolo d.C., gli scienziati hanno finalmente svelato i segreti di questa notazione. Tuttavia, se sono stati in grado di decifrare esattamente il rapporto tra suoni in altezza negli antichi manoscritti musicali greci, allora il rapporto in durata è solo approssimativo. Inoltre, sono stati trovati pochissimi manoscritti di questo tipo e contengono registrazioni solo di poche opere monofoniche (ad esempio inni) e più spesso dei loro frammenti. sufficiente visibilità. Pertanto, i musicisti hanno utilizzato a lungo icone di suggerimenti ausiliari. Queste icone erano poste sopra le parole dei canti e denotavano i singoli suoni oi loro piccoli gruppi. Non indicavano il rapporto esatto dei suoni né in altezza né in durata. Ma con la loro iscrizione ricordavano agli interpreti la direzione del movimento melodico, che lo conoscevano a memoria e lo tramandavano di generazione in generazione. Nei paesi dell'Europa occidentale e centrale, la cui musica sarà discussa più avanti in questo libro di testo, tali icone erano chiamate neumi. I neumi erano usati per registrare antichi inni liturgici cattolici - il canto gregoriano. Questo nome comune deriva dal nome di Papa Gregorio I3. Secondo la leggenda, alla fine del VI secolo, compilò la raccolta principale di questi canti monofonici. Destinati ad essere eseguiti durante il servizio religioso solo da uomini e ragazzi - solisti e all'unisono dal coro, sono scritti in testi di preghiera latini. Ma nell'XI secolo, il monaco italiano Guido d'Arezzo ("da Arezzo") inventò un nuovo modo di annotare: insegnava a cantare ai ragazzi del monastero e voleva che fosse più facile per loro memorizzare i canti spirituali. i neumi iniziarono a essere posizionati su una linea orizzontale, sopra e sotto di essa.Questa linea corrispondeva a un suono specifico e stabiliva così il livello approssimativo del tono della registrazione.E Guido ebbe l'idea di tracciare quattro linee parallele contemporaneamente ("governanti") alla stessa distanza l'uno dall'altro e posizionando i neumi su di essi e tra di loro. È così che è nato l'antenato del pentagramma musicale moderno: una sorta di tela rigorosamente foderata, che ha permesso di indicare con precisione il rapporto tra le altezze dei suoni per toni e semitoni. E allo stesso tempo, la notazione musicale è diventata più visiva, come un disegno che raffigura il movimento di una melodia, le sue curve. I suoni che corrispondevano ai governanti, Guido designava le lettere dell'alfabeto latino. Successivamente le loro iscrizioni iniziarono a cambiare e alla fine si trasformarono in segni, che furono chiamati chiavi. E i neumi, "seduti" sui righelli e tra di loro, alla fine si trasformarono in note separate, in cui le teste avevano prima la forma di quadrati. Domande e compiti 1 . Quando, secondo gli scienziati, sono stati realizzati gli strumenti musicali più antichi? Cosa dice? 2. Che cos'è il fonografo, quando è stato inventato e in che modo i ricercatori hanno iniziato a usarlo? 3. Sulla musica di quali paesi del mondo antico è stata conservata la maggior parte delle informazioni? Determina sulla mappa - attorno a quale mare si trovavano tre di questi paesi. 4. Quando e dove iniziarono a svolgersi le antiche competizioni musicali - i Giochi Pitici? 5. A quali arti la musica era strettamente associata nell'antica Grecia? 6. Quale notazione inventarono gli antichi greci? In che senso è impreciso? Il titolo di "Papa di Roma" è detenuto da un ecclesiastico che dirige la Chiesa cattolica come organizzazione spirituale internazionale. Il cattolicesimo è uno dei credi cristiani insieme all'ortodossia e al protestantesimo. 4 Gli antichi romani parlavano latino. Dopo la caduta dell'Impero Romano nel 476, il latino cessò gradualmente di essere parlato. Da esso provenivano le cosiddette lingue romanze: italiano, francese, spagnolo, portoghese. 3 Come è stata creata la notazione conveniente Nel Medioevo (l'inizio di questo periodo storico si consideri il VI secolo d.C.) la notazione delle lettere era quasi dimenticata. 3 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Le voci su un nuovo metodo di notazione - proprio come una sorta di miracolo - hanno raggiunto Papa Giovanni XIX. Chiamò a sé Guido e cantò una melodia a lui sconosciuta secondo una registrazione inventata. In futuro, il numero di governanti paralleli è stato cambiato molte volte, è successo, addirittura aumentato a diciotto. Solo alla fine del XVII secolo "vinse" l'attuale pentagramma a cinque righe. Sono state utilizzate anche molte chiavi diverse. Solo nel XIX secolo le chiavi di violino e di basso divennero le più comuni. Dopo l'invenzione di Guido d'Arezzo, per molto tempo è stato risolto un altro compito difficile: come migliorare la notazione in modo che indicasse il rapporto esatto dei suoni non solo in altezza, ma anche in durata. usando segni musicali per questo, di forma diversa. All'inizio furono aggiunte molte regole convenzionali, rendendo difficile l'applicazione pratica. E nel corso di diversi secoli, si sviluppò gradualmente una notazione più conveniente, esattamente quella che continuiamo da usare ora. Dopo l'inizio del XVII secolo, è stato migliorato solo nei dettagli. E il suo principio ritmico, che è stato così a lungo ricercato, ora sembra essere il più semplice di tutti.Consiste nel fatto che una nota intera in durata è sempre uguale a due metà - diverso nello stile, una metà - due quarti, un quarto - due ottavi, e così via. che la stanghetta iniziò a separare le battute nel XVI secolo, e la dimensione all'inizio del la notazione musicale è stata indicata inderogabilmente dal XVII secolo. Tuttavia, a quel tempo non c'erano già solo manoscritti musicali, ma anche appunti stampati. Per la musica la stampa iniziò poco dopo l'invenzione della stampa, verso la fine del XV secolo. Nel mondo antico e per molto tempo nel Medioevo la musica era, di regola, monofonica. C'erano solo poche eccezioni minori. Ad esempio, un cantante ha eseguito una canzone e l'ha doppiata (cioè suonata contemporaneamente) mentre suonava uno strumento. Allo stesso tempo, la voce e lo strumento a volte potrebbero disperdersi un po', deviare l'uno dall'altro e presto convergere di nuovo. Così, in un flusso sonoro monofonico, sono sorte e sono scomparse “isole” a due voci. Ma a cavallo tra il primo e il secondo millennio della nostra era, il magazzino polifonico iniziò a svilupparsi in modo coerente e in seguito divenne dominante nell'arte musicale professionale. Questa complessa e lunga formazione si è concentrata principalmente nel campo della musica sacra cattolica. Il caso è iniziato con l'invenzione (da chi - sconosciuto) della seguente tecnica. Un cantante (o più cantanti) ha eseguito la voce principale: una melodia lenta e fluida del canto gregoriano. E la seconda voce si muoveva rigorosamente in parallelo - esattamente nello stesso ritmo, solo sempre a una distanza di un'ottava, o un quarto o una quinta. Ora, alle nostre orecchie, suona molto povero, “vuoto”. Ma mille anni fa, un tale canto, riecheggiando sotto gli archi di una chiesa, di una cattedrale, stupito e deliziato, apriva nuove possibilità espressive per la musica. Dopo qualche tempo, i musicisti di chiesa iniziarono a cercare metodi più flessibili e vari per dirigere la seconda voce. E poi hanno iniziato a combinare sempre più abilmente tre, quattro voci, poi a volte anche più voci. Domande e compiti 1 . Cosa era scomodo nella notazione pratica delle lettere? 2. Cosa suggerivano i neumi ai cantori medievali? 3. Cos'è il canto gregoriano e perché si chiama così? 4. Spiegare l'essenza dell'invenzione di Guido d'Arezzo. 5. Qual è stato il prossimo compito da risolvere dopo l'invenzione di Guido? 6. Da quando la notazione non è più cambiata in modo significativo? Il musicista di chiesa Perotyn. Era un eccezionale rappresentante del canto arte - la "Scuola di Notre Dame" parigina ("Scuola di Nostra Signora"). I canti di Perotin risuonavano in un edificio di straordinaria bellezza. Questo è un famoso monumento dell'architettura gotica medievale, descritto dai francesi 19° scrittore secolo da Victor Hugo nel celebre romanzo La cattedrale di Notre Dame. Come la polifonia iniziò a svilupparsi nella musica Così iniziò a svilupparsi la polifonia. Tradotto dal greco, questa parola significa "polifonia". Ma la polifonia è chiamata solo questo tipo di polifonia, in cui due o più voci uguali suonano simultaneamente, ciascuna con una propria linea melodica indipendente. Se una voce guida la melodia principale, mentre altre sono subordinate ad essa (accompagnala, accompagnala), allora questa è omofonia - un'altra Grazie al miglioramento della notazione, gradualmente, specialmente dal XIII secolo, i manoscritti musicali iniziarono ad essere più e più accuratamente decifrato. Ciò ha permesso di conoscere non solo le informazioni sulla cultura musicale, ma anche la musica stessa delle epoche passate. Non a caso i successi della notazione coincisero con l'inizio dello sviluppo della polifonia - pietra miliare nella storia dell'arte musicale. 4 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa La messa è diventata un genere musicale importante. La Messa Ordinaria 5 comprende sei canti principali ai testi devozionali latini. Questi sono "Kiriyo Eleison" ("Signore, abbi pietà"), "Gloria" ("Gloria"), "Credo" ("I Believe"), "Sanctus" ("Santo"), "Benedictus" ("Beato" ) e "Agnus Dei" ("Agnello di Dio"). Inizialmente, il canto gregoriano suonava in massa con una sola voce. Ma intorno al XV secolo, la messa si trasformò in un ciclo di complesse parti polifoniche 6. Allo stesso tempo, le imitazioni iniziarono ad essere usate con molta abilità. Tradotto dal latino "imitatio" significa "imitazione". Nella musica a volte si possono imitare suoni extramusicali, ad esempio i trilli di un usignolo, il richiamo del cuculo, il suono delle onde del mare. Quindi si chiama onomatopea o onomatopea. E l'imitazione nella musica è una tale tecnica quando, dopo una melodia che termina con una voce, un'altra voce la ripete esattamente (o non del tutto accuratamente) da un altro suono. Altre voci possono quindi entrare allo stesso modo. Nella musica omofonica, le imitazioni possono apparire brevemente. E nella musica polifonica, questo è uno dei principali metodi di sviluppo. Contribuisce a rendere quasi continuo il movimento melodico: pause e cadenze simultanee in tutte le voci si verificano nella musica polifonica solo in forma di rare eccezioni7. Combinando l'imitazione con altri dispositivi polifonici, i compositori hanno trasformato le loro messe in grandi opere corali in cui quattro o cinque voci si intrecciano in un complesso tessuto sonoro. In esso, la melodia del canto gregoriano è già difficile da distinguere e altrettanto difficile da ascoltare le parole della preghiera. C'erano persino messe in cui le melodie delle canzoni secolari popolari venivano usate come principali. Questa situazione preoccupava le massime autorità spirituali cattoliche. A metà del XVI secolo, avrebbe generalmente vietato il canto polifonico durante le funzioni religiose. Ma tale divieto non ebbe luogo grazie al notevole compositore italiano Palestrina, che trascorse quasi tutta la sua vita a Roma e fu vicino alla corte papale (sua nome e cognome- Giovanni Pierluigi da Palestrina, cioè "da Palestrina" - un piccolo paese vicino a Roma). Palestrina, con le sue messe (e ne scrisse più di cento), riuscì a far apparire la polifonia. Poiché l'accompagnamento ha una base armonica di accordi, il magazzino omofonico della presentazione musicale è anche chiamato omofonico-armonico. Domande e compiti 1 . Da quando i manoscritti musicali sono stati decifrati sempre più accuratamente? 2. Con quale importante nuova tappa nella storia dell'arte musicale coincise il successo della notazione? 3. Quando, in quale musica e sulla base di quali melodie si è formata gradualmente la polifonia? 4. Cos'era una doppia voce parallela? Canta insieme diverse quarte, quinte e ottave parallele. 5. Qual è la differenza tra polifonia e omofonia? Come la polifonia ha continuato a svilupparsi Mentre la polifonia ha iniziato a svilupparsi nel canto in chiesa, in musica profana la monotonia continuava a prevalere. Ad esempio, sono state decifrate molte registrazioni di canti monofonici, composti ed eseguiti da poeti-cantanti medievali nei secoli XII-XIV. Nel sud della Francia, in Provenza, erano chiamati trovatori, nel nord della Francia - trouvers, in Germania - menestrelli. Molti di loro erano famosi cavalieri e spesso nei loro canti cantavano la bellezza e la virtù della "bella dama" che adoravano. Le melodie delle canzoni di questi poeti-cantanti erano spesso vicine a melodie popolari, comprese quelle di danza, e il ritmo era subordinato al ritmo del testo poetico. Successivamente, nei secoli XIV-XVI, i poeti-cantanti tedeschi tra gli artigiani si unirono in laboratori, chiamandosi Meistersingers ("maestri cantori"). La polifonia della chiesa e la monofonia del canto secolare non risultarono essere isolate l'una dall'altra. Così, in voci che venivano aggiunte nei canti spirituali al canto gregoriano, divenne evidente l'influenza dei canti secolari (ad esempio, canti di trovatori e trovatori). Allo stesso tempo, alla fine del XIII secolo, in Francia apparvero opere polifoniche puramente secolari , dove le parti di tutte le voci erano basate su melodie di un carattere di canzone, ei testi erano composti non in latino, ma in francese.Nel tempo, nella musica sacra cattolica, ci sono ancora messe speciali dedicate alle festività religiose.Ricorda che a cycle è un'opera di più parti separate (o pezzi), unite da un'idea comune 5 6 5 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa per dimostrare che le composizioni polifoniche, pur rimanendo molto abili, possono suonare in modo trasparente e i testi liturgici possono essere ascoltati chiaramente. La musica di Palestrina è uno dei vertici dell'antica polifonia corale del cosiddetto stile rigoroso. Ci porta nel mondo della sublime contemplazione illuminata - come se irradiasse una radiosità uniforme e pacificante. poeti, musicisti, scienziati e amanti dell'arte. Sono stati portati via dall'idea di creare un nuovo tipo di canto solista espressivo con accompagnamento e combinarlo con azione teatrale. Nascono così le prime opere, le cui trame sono state prese dall'antica mitologia. La primissima è “Daphne”, composta dal compositore Jacopo Peri (insieme a Y. Korea) e dal poeta O. Rinuccini. Fu eseguito nel 1597 a Firenze (l'opera nel suo insieme non si è conservata). Nell'antica mitologia greca, Daphne è la figlia della divinità fluviale Ladon e della dea della terra Gaia. In fuga dalla persecuzione di Apollo, pregò per chiedere aiuto agli dei e fu trasformata in un alloro (in greco "daphne" - "alloro") - l'albero sacro di Apollo. Poiché Apollo era considerato il dio protettore delle arti, i vincitori dei Giochi Pitici iniziarono ad essere incoronati con una corona d'alloro, il cui fondatore era considerato Apollo. La corona d'alloro e un ramo separato dell'alloro sono diventati simboli di vittoria, gloria e ricompensa. Altre due opere composte nel 1600 (una di J. Peri, la seconda di G. Caccini), si chiamano entrambe "Euridice", perché usano entrambe lo stesso testo poetico, basato sull'antico mito greco del leggendario cantante Orfeo. Le prime opere italiane furono rappresentate nei palazzi e nelle case dei nobili. L'orchestra era composta da pochi strumenti antichi. Era guidato da un musicista che suonava il cembalo (il nome italiano del clavicembalo). Non c'era ancora l'ouverture e l'inizio dello spettacolo è stato annunciato da fanfare di tromba. E nelle parti vocali prevaleva il recitativo, in cui lo sviluppo musicale era subordinato al testo poetico. Presto, tuttavia, la musica iniziò ad acquisire un significato sempre più indipendente e importante nelle opere. Questo è il merito del primo eccezionale compositore d'opera - Claudio Monteverdi. La sua prima opera - "Orpheus" - andò in scena nel 1607 a Mantova. Il suo eroe è di nuovo lo stesso cantante leggendario che ha placato Ade, il dio di malavita morto, e liberò Euridice, l'amata moglie di Orfeo, sulla terra. Ma la condizione di Ade - prima di lasciare il suo regno, mai guardare Euridice - Orfeo la violò e di nuovo, per sempre, la perse. La musica di Monteverdi ha dato a questa triste storia un'espressione lirica e drammatica senza precedenti. Parti vocali, cori, episodi orchestrali divennero di natura molto più diversificata nell'Orfeo di Monteverdi. In questo lavoro iniziò a prendere forma uno stile melodioso e arioso, la qualità distintiva più importante della musica operistica italiana. Seguendo l'esempio di Firenze, le opere iniziarono ad essere composte ed eseguite non solo a Mantova, ma anche in città italiane come Roma, Venezia e Napoli. L'interesse per il nuovo genere iniziò a sorgere in altri paesi europei e le loro domande e compiti 1 . Chi sono i trovatori, trovatori, menestrelli e maestri cantori? 2. Esiste una connessione tra l'antica polifonia della chiesa e le melodie dei canti profani? 3. Assegna un nome alle parti principali di una massa ordinaria. 4. Fornisci esempi di onomatopea nella musica. 5. Cosa si chiama imitazione nella musica? 6. Cosa riuscì a ottenere Palestrina nelle sue messe? La nascita dell'opera. Oratorio e cantata Poco prima dell'inizio del Seicento - primo secolo del periodo storico detto New Age - si verificò un evento di estrema importanza nell'arte musicale: nacque in Italia l'opera lirica. La musica è stata utilizzata in vari spettacoli teatrali fin dai tempi antichi. In essi, insieme a numeri strumentali e corali, potevano essere eseguiti singoli assoli vocali, come canzoni. E nell'opera, cantanti e cantanti sono diventati attori e attrici. Il loro canto, accompagnato dall'orchestra, in combinazione con l'azione scenica ha iniziato a trasmettere il contenuto principale della performance. È completato da scenografie, costumi e spesso anche danze: il balletto. Così, nell'opera, la musica guidava la stretta comunità delle diverse arti. Questo le ha aperto nuove grandi possibilità artistiche. I cantanti d'opera hanno iniziato a trasmettere con un potere senza precedenti le esperienze emotive personali delle persone, sia gioiose che dolorose. Allo stesso tempo, il mezzo espressivo più importante nell'opera era la combinazione omofonica di una voce solista che canta con l'accompagnamento orchestrale. E se fino al 17 ° secolo la musica professionale nell'Europa occidentale si sviluppò principalmente nella chiesa, e la messa era il genere più grande, allora il teatro musicale divenne il centro principale e il genere più grande era l'opera. Alla fine del XVI secolo nella città italiana di Firenze, il circolo 6 riuniva www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte in Russia, i governanti consideravano un'usanza invitare musicisti italiani al loro servizio di corte. Ciò ha contribuito al fatto che la musica italiana è diventata per lungo tempo la più influente in Europa. In Francia, nel XVII secolo, sorse la sua opera nazionale, diversa da quella italiana. Il suo fondatore - Jean-Baptiste L yul l e - italiano di nascita. Tuttavia, ha correttamente percepito le peculiarità della cultura francese e ha creato una sorta di stile operistico francese. Nelle opere di Lully, recitativi e piccole arie di natura recitativa, da un lato, occupavano un posto importante, e dall'altro balli, marce solenni e cori monumentali. Insieme a trame mitologiche, magnifici costumi, rappresentazione di miracoli magici con l'ausilio di macchine teatrali, tutto ciò corrispondeva allo splendore e allo splendore della vita di corte durante il regno del re francese Luigi XIV. La prima opera in Germania, Daphne (1627), fu creata dal più grande compositore tedesco dell'era pre-Bach, Heinrich Schüttz. Ma la sua musica non è sopravvissuta. E non c'erano le condizioni per lo sviluppo del genere operistico nel Paese: presero davvero forma solo con l'inizio del XIX secolo. E nell'opera di Schutz, il posto principale era occupato da espressive composizioni vocali-strumentali su testi spirituali. Nel 1689 fu rappresentata a Londra la prima opera inglese, Dido and Aeneas, del compositore di notevole talento Henry Purcell. La musica di quest'opera affascina con testi sinceri, fantasia poetica e immagini colorate di tutti i giorni. Tuttavia, dopo la morte di Purcell, per quasi due secoli, non ci furono eccezionali creatori musicali tra i compositori inglesi. A cavallo del XVI-XVII secolo, contemporaneamente all'opera lirica e anche in Italia, nacquero l'o r a t o r y e la cant ata. È simile all'opera in quanto alla loro esecuzione partecipano anche solisti, coro e orchestra, e in quanto suonano anche arie, recitativi, complessi vocali, cori, episodi orchestrali. Ma nell'opera apprendiamo lo sviluppo degli eventi (trama) non solo da ciò che cantano i solisti, ma anche da ciò che fanno e da ciò che generalmente accade sul palco. E nell'oratorio e nella cantata non c'è azione scenica. Vengono eseguiti in un ambiente da concerto, senza costumi e scenografie. Ma c'è anche una differenza tra oratorio e cantata, anche se non sempre netta. Di solito un oratorio è un'opera di dimensioni maggiori e con una trama religiosa più sviluppata. Ha spesso un carattere epico-drammatico. A questo proposito, la parte narrativa recitativa del cantante-narratore è spesso inclusa nell'oratorio. Un tipo speciale di oratori spirituali è "passione", o "passivo" (tradotto dal latino - "sofferenza"). La "passione" racconta la sofferenza e la morte di Gesù Cristo, crocifisso sulla croce. 7 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Le cantate, a seconda del contenuto del testo verbale, sono divise in spirituali e secolari. Nel XVII e all'inizio del XVIII secolo sorsero in Italia molte piccole cantate da camera. Consistevano nell'alternare due o tre recitativi con due o tre arie. In futuro si diffusero cantate di natura prevalentemente solenne. Le cantate spirituali e le "passioni" di varie costruzioni erano più sviluppate in Germania. arie, ed è affascinante dispiegare un movimento di passaggio virtuosistico. Nell'eredità di Corelli e Vivaldi, un posto importante appartiene al genere della sonata in trio. Nella maggior parte delle sonate in trio, due parti principali sono suonate da violini e la terza parte è accompagnata da un clavicembalo o da un organo, con la voce del basso raddoppiata da un violoncello o da un fagotto. Dopo la sonata per trio, è apparsa una sonata per violino o altro strumento accompagnata da un clavicembalo. così come concerto grosso - un concerto per orchestra (prima - archi). Molte opere di questi generi sono caratterizzate dalla forma di una vecchia sonata. Di solito è un ciclo in quattro parti con un rapporto di tempo lento-veloce-lento-veloce. Poco dopo, già nel XVIII secolo, Vivaldi iniziò a comporre concerti solistici per violino e altri strumenti con accompagnamento d'orchestra. C'era un ciclo di tre parti: "veloce-lento-veloce". Domande e compiti 1 . Dove e quando è nata l'opera? Spiega in che modo l'opera differisce da Esibizione teatrale con la musica. 2. Qual è il mezzo espressivo più importante nella musica lirica? 3. Come si chiama la prima opera di Claudio Monteverdi e quali qualità si manifestano nella sua musica? 4. Parlaci delle caratteristiche delle antiche opere francesi. 5. Nomina la prima opera scritta in Germania e la prima opera scritta in Inghilterra. 6. Qual è la principale differenza tra oratorio e cantata dell'opera? 7. Cosa sono le "passioni" ("passive")? Anche nell'antico Egitto, l'organo ha iniziato la sua storia secolare. Nel XVII secolo era diventato uno strumento molto complesso con ampie possibilità artistiche. Piccoli organi potrebbero quindi essere trovati anche nelle case private. Erano usati per le sessioni di allenamento, suonavano variazioni sulle melodie di canti e balli popolari. E i grandi organi dalle lucide file di canne, dai corpi di legno scolpito, suonavano, come fanno ora, nelle chiese e nelle cattedrali. Al giorno d'oggi, ci sono anche organi in molte sale da concerto. Negli organi moderni ci sono diverse migliaia di canne e fino a sette tastiere (manuali), posizionate una sopra l'altra, come scale. Ci sono così tante canne perché sono divise in gruppi - registri. I registri vengono accesi e commutati con apposite leve per ottenere un diverso colore (timbro) del suono. Gli organi sono inoltre dotati di pedale. Questa è una tastiera a tutto piede con molti tasti grandi. Premendoli con i piedi, l'organista può estrarre e anche sostenere a lungo i suoni bassi (tali suoni sostenuti sono anche chiamati pedale o punto d'organo). In termini di ricchezza di timbri, se possibile, per confrontare il pianissimo più leggero con il fortissimo fragoroso, l'organo non ha eguali tra gli strumenti musicali. Nel XVII secolo, l'arte organistica raggiunse una fioritura particolarmente alta in Germania. Come in altri paesi, gli organisti della chiesa tedesca erano sia compositori che esecutori. Non solo hanno accompagnato i canti spirituali, ma hanno anche suonato da soli. Tra loro c'erano molti talentuosi virtuosi e improvvisatori che hanno attirato intere folle di persone con il loro modo di suonare. Uno dei più notevoli tra loro è Dietrich Buxtehude. Il giovane Johann Sebastian Bach è venuto a piedi da un'altra città per ascoltarlo suonare. Il lavoro vario ed esteso di Buxtehude rappresenta i principali tipi di musica per organo dell'epoca. Da un lato, si tratta di preludi, fantasie e musica strumentale del XVII secolo, i suoi generi e forme: per molto tempo, suonare gli strumenti ha spesso raddoppiato le parti delle voci nelle opere vocali o nei balli accompagnati. Sono stati distribuiti anche arrangiamenti strumentali di composizioni vocali. Lo sviluppo indipendente della musica strumentale si intensificò solo nel XVII secolo. Allo stesso tempo, le tecniche artistiche che si erano sviluppate nella polifonia vocale continuarono a svilupparsi in essa. Sono stati arricchiti con elementi di un magazzino omofonico, basato sul canto e sulla danza. Allo stesso tempo, i risultati espressivi della musica operistica iniziarono a influenzare le composizioni strumentali. Il violino, insieme a brillanti capacità virtuosistiche, ha una voce molto melodiosa. Ed è stato nella culla dell'opera, in Italia, che la musica per violino ha iniziato a svilupparsi con particolare successo. Alla fine del XVII secolo fiorì l'opera di Arcangelo Corelli e iniziò l'attività creativa di Antonio Vivaldi. Questi eccezionali compositori italiani hanno creato molte opere strumentali con la partecipazione e con il ruolo principale del violino. In essi, il violino può cantare in modo espressivo come una voce umana in un'opera 8 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo delle toccate artistiche russe. In essi, episodi polifonici si alternano liberamente a passaggi e accordi improvvisati. D'altra parte, si tratta di brani più rigorosamente costruiti, che hanno portato all'emergere della fuga, la forma più complessa di polifonia imitativa. Buxtehude ha anche realizzato molti adattamenti per organo del corale protestante sotto forma di preludi corali. A differenza del canto gregoriano, questo è il nome generale dei canti spirituali non in latino, ma in tedesco. Apparvero nel XVI secolo, quando un nuovo tipo di dottrina cristiana, il protestantesimo, si separò dal cattolicesimo. La base melodica del canto protestante erano le canzoni popolari tedesche. Nel XVII secolo il canto protestante iniziò ad essere eseguito dal coro da tutti i parrocchiani con il supporto dell'organo. Per tale arrangiamenti corali un tipico magazzino di accordi a quattro voci con una melodia nella voce superiore. Successivamente, tale magazzino è stato chiamato corale, anche se si verifica in un'opera strumentale. Gli organisti suonavano anche strumenti a tastiera a corda e componevano per loro. Il nome comune per le opere per questi strumenti è musica più clavicembale8. Le prime notizie sugli strumenti a tastiera a corda risalgono al XIV-XV secolo. Nel XVII secolo, il clavicembalo era diventato il più comune di questi. Così si chiama in Francia, in Italia si chiama cembalo, in Germania - kielflugel, in Inghilterra - clavicembalo. Il nome degli strumenti più piccoli in Francia è l'epinet, in Italia - le spinette d'Inghilterra - il virginel. Il clavicembalo è l'antenato del pianoforte, entrato in uso a partire dalla metà del XVIII secolo. Quando si premono i tasti del clavicembalo, piume o linguette di cuoio, montate sulle aste, sembrano pizzicare le corde. Risulta suoni a scatti, sonori e allo stesso tempo un po 'fruscianti. Sul clavicembalo, la forza del suono non dipende dalla forza del colpo sui tasti. Pertanto, è impossibile eseguire crescendo e diminuendo su di esso, a differenza del pianoforte, sul quale ciò è possibile grazie a una connessione più flessibile dei tasti con i martelli che colpiscono le corde. Il clavicembalo può avere due o tre tastiere e un dispositivo che permette di cambiare il colore del suono. Il suono di un altro piccolo strumento a tastiera - il clavicordo - è più debole del suono del clavicembalo. Ma d'altra parte, sul clavicordo è possibile suonare in modo più melodioso, perché le sue corde non vengono pizzicate, ma su di esse vengono premute piastre di metallo. Uno dei generi principali dell'antico musica per clavicembalo- una suite di più parti completate nella forma, scritte nella stessa chiave. In ciascuna delle parti viene solitamente utilizzato il movimento di una sorta di danza. La base della vecchia suite sono quattro balli di origine nazionale diversa, non sempre chiarita con precisione. Questi sono il piacevole allemande (forse dalla Germania), i rintocchi più agili (dalla Francia), il lento sarabanda (dalla Spagna) e il veloce gigue (dall'Irlanda o dall'Inghilterra). Dalla fine del XVII secolo, seguendo l'esempio dei clavicembalisti parigini, le suite iniziarono ad essere integrate con danze francesi come il minuetto, la gavotta, la bourre e il passepied. Erano inseriti tra i balli principali, formando sezioni intermedie (“integ” in latino significa “tra”). L'antica musica per clavicembalo francese si distingue per l'eleganza, la grazia e l'abbondanza di piccoli ornamenti melodici, come mordenti e trilli. Lo stile clavicembalo francese fiorì nell'opera di François Couperin (1668 - 1733), soprannominato il Grande. Ha creato circa duecento opere teatrali e le ha combinate in ventisette suite. A poco a poco iniziarono a essere dominati da spettacoli con vari nomi di programmi. Molto spesso, questi sono come ritratti di donne in clavicembalo in miniatura: schizzi sonori ben mirati di alcuni tratti caratteriali, aspetto, comportamento. Tali, ad esempio, sono le commedie "Gloomy", "Touching", "Nimble", "Scattered", "Mischievous". Il suo grande contemporaneo Johann Sebastian Bach ha mostrato un grande interesse per la musica francese per clavicembalo, comprese le opere di Francois Couperin. Domande e compiti 1 . Quando si è intensificato sviluppo indipendente generi strumentali? 2. Qual è lo strumento preferito di Arcangelo Corelli e Antonio Vivaldi. 3. Parlaci della struttura dell'organo. 4. In quale paese fiorì particolarmente l'arte organistica? Cos'è un canto protestante? 5. Parlaci del dispositivo del clavicembalo. Quali movimenti di danza sono usati nelle parti principali della vecchia suite per clavicembalo? Quindi, la sezione introduttiva del libro di testo ha introdotto brevemente alcuni eventi importanti nel mondo della musica fin dai tempi antichi. È stata una "escursione" storica per aiutare a conoscere ulteriormente l'eredità dei grandi musicisti dell'Europa occidentale che hanno lavorato nei secoli XVIII e XIX. Per qualche tempo il clavicembalo è stato chiamato musica per tutti. strumenti a tastiera, compreso lo strumento a fiato da tastiera - organo. 8 9 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte in Russia Il percorso di vita di Johann Rod, famiglia, infanzia. Johann Sebastian Bach nacque nel 1685 in Turingia, una delle regioni della Germania centrale, nella cittadina di Eisenach, circondata da foreste. In Turingia si avvertivano ancora le gravi conseguenze della Guerra dei Trent'anni (1618-1648), in cui si scontrarono due grandi gruppi di potenze europee. Questa devastante guerra accadde agli antenati di Johann Sebastian, che erano strettamente associati all'ambiente artigianale e contadino tedesco. Il suo trisnonno, di nome Veit, era fornaio, ma amava così tanto la musica da non separarsi mai dalla cetra, strumento simile al mandolino, anche durante le gite al mulino suonava mentre si macinava la farina. E tra i suoi discendenti, che si stabilirono in Turingia e nelle regioni limitrofe, c'erano così tanti musicisti che tutti coloro che esercitavano questa professione lì venivano chiamati "Bach". Erano organisti di chiesa, violinisti, flautisti, trombettisti, alcuni di loro mostravano talento come compositore. Erano al servizio dei comuni cittadini e presso le corti dei governanti dei piccoli principati e ducati in cui era divisa la Germania. Sebastian Bach 1685-1750 Incredibile è il destino della musica di questo grande compositore tedesco, alla cui nascita sono trascorsi più di trecento anni. Durante la sua vita ha ricevuto riconoscimenti principalmente come organista e conoscitore di strumenti musicali, e dopo la sua morte è stato quasi dimenticato per diversi decenni. Ma poi a poco a poco hanno cominciato a riscoprire la sua opera e ad ammirarla come un prezioso tesoro artistico, insuperabile per maestria, inesauribile per profondità e umanità di contenuti. "Non un ruscello! "Il mare deve essere il suo nome." Così ha detto di Bach un altro genio musicale: Beethoven9. Lo stesso Bach riuscì a pubblicare solo una piccolissima parte delle sue opere. Ora ne vengono pubblicati più di mille (molti altri sono perduti). Le prime opere complete di Bach iniziarono ad essere stampate in Germania cento anni dopo la sua morte, e occuparono quarantasei voluminosi volumi. E almeno conta approssimativamente quanto è stato stampato e quanto continuano a stampare paesi diversi le singole edizioni della musica di Bach sono impossibili. Così grande è la continua richiesta di esso. Perché occupa un vasto e posto d'onore non solo nel repertorio concertistico mondiale, ma anche in quello didattico. Johann Sebastian Bach continua ad essere l'insegnante di letteralmente tutti coloro che sono coinvolti nella musica. È un insegnante serio e severo, richiede capacità di concentrazione per padroneggiare l'arte di eseguire opere polifoniche. Ma chi non ha paura delle difficoltà e presta molta attenzione alle sue esigenze, sentirà dietro la sua severità la saggezza e la gentilezza del cuore, che insegna con le sue belle creazioni immortali. La casa di Eisenach dove nacque JSBach 9 "Bach" significa "ruscello" in tedesco. 10 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Il padre di Johann Sebastian era violinista, musicista di città e di corte a Eisenach. Iniziò a insegnare musica al figlio più giovane e lo mandò a una scuola di chiesa. Possedendo una bella voce acuta, il ragazzo ha cantato nel coro della scuola. Quando aveva dieci anni, i suoi genitori morirono. Il fratello maggiore, organista di chiesa nella vicina città di Ohrdruf, si prese cura dell'orfano. Ha assegnato suo fratello minore al liceo locale e gli ha dato lui stesso lezioni di organo. Successivamente, Johann Sebastian divenne anche clavicembalista, violinista e violista. E fin dall'infanzia ha imparato da solo la composizione musicale, riscrivendo le composizioni di vari autori. Ha dovuto riscrivere un taccuino musicale che gli interessava particolarmente nelle notti di luna, segretamente dal fratello maggiore. Ma quando il lungo duro lavoro fu completato, lo scoprì, si arrabbiò con Johann Sebastian per il suo atto non autorizzato e gli portò via senza pietà il manoscritto. Inizio vivere in maniera indipendente. Luneburgo. All'età di quindici anni, Johann Sebastian fece un passo decisivo: si trasferì nella lontana città della Germania settentrionale di Lüneburg, dove entrò nella scuola della chiesa del monastero come borsista. IN biblioteca scolastica ha potuto conoscere un gran numero di manoscritti di opere di musicisti tedeschi. A Lüneburg e ad Amburgo, dove percorreva strade di campagna, si poteva ascoltare l'esecuzione di organisti di talento. È possibile che Johann Sebastian abbia visitato il teatro dell'opera di Amburgo, a quel tempo l'unico in Germania che si esibiva non in italiano, ma in tedesco. Si è diplomato con successo a scuola tre anni dopo e ha iniziato a cercare un lavoro più vicino alla sua terra natale. Weimar. Dopo aver servito brevemente come violinista e organista in tre città, Bach nel 1708, già sposato, si stabilì a Weimar (Turingia) per nove anni. Lì fu organista alla corte del duca, e poi vice maestro di cappella (assistente del capo della cappella - un gruppo di cantanti e strumentisti). Da adolescente, a Ohrdruf, Bach iniziò a comporre musica, in particolare ad arrangiare corali protestanti per l'organo, il suo strumento preferito. E a Weimar apparvero alcune delle sue straordinarie opere per organo maturo, come Toccata e Fuga in re minore, Passacaglia10 in do minore, preludi corali. A quel tempo, Bach era diventato un esecutore e improvvisatore insuperabile all'organo e al clavicembalo. Ciò è stato confermato in modo convincente prossimo caso. Una volta Bach andò a Dresda, la capitale della Sassonia, dove decisero di organizzare una competizione tra lui e Louis Marchand, il famoso organista e clavicembalista francese. Ma lui, avendo sentito in precedenza come Bach improvvisa al clavicembalo con sorprendente ingegnosità creativa, si affrettò a lasciare segretamente Dresda. La competizione non ha avuto luogo. Alla corte di Weimar c'è stata l'opportunità di conoscere le opere dell'italiano e compositori francesi. Bach ha trattato i loro risultati con grande interesse e iniziativa artistica. Ad esempio, ha realizzato una serie di arrangiamenti gratuiti per clavicembalo e organo dei concerti per violino di Antonio Vivaldi. Nascono così i primi concerti per clavicembalo della storia dell'arte musicale. Per tre anni a Weimar, Bach avrebbe dovuto comporre una nuova cantata spirituale ogni quarta domenica. In totale, sono nate in questo modo più di trenta opere. Tuttavia, quando morì l'anziano maestro di banda di corte, i cui compiti erano effettivamente svolti da Bach, il posto vacante non fu assegnato a lui, ma al figlio incompetente del defunto. Indignato da tale ingiustizia, Bach ha presentato le sue dimissioni. Per "richiesta irrispettosa" è stato posto agli arresti domiciliari. Ma ha mostrato una tenacia coraggiosa, orgogliosa, insistendo per conto suo. E un mese dopo, il duca dovette dare con riluttanza "l'ordine spietato" di liberare il musicista recalcitrante. Köthen. Alla fine del 1717 Bach e la sua famiglia si trasferirono a Köthen. Il posto del maestro di banda di corte gli fu offerto dal principe Leopold Anhalt di Köthen, il sovrano piccolo stato vicino alla Turingia. Era un bravo musicista: cantava, suonava il clavicembalo e la viola da gamba 11. Il principe fornì al suo nuovo capobanda un buon sostegno finanziario e lo trattò con grande rispetto. I compiti di Bach, che occupavano relativamente poco del suo tempo, includevano dirigere una cappella di diciotto cantanti e strumentisti, accompagnare il principe e suonare lui stesso il clavicembalo. A Köthen sono sorte molte opere di Bach per vari strumenti. La musica di Clavier è molto varia tra loro. Da un lato si tratta di brani per principianti: la Passacaglia è un lento ballo a tre di origine spagnola. Sulla sua base sono nati brani strumentali sotto forma di variazioni con una melodia ripetutamente ripetuta al basso. 10 11 Viola da gamba - strumento d'epoca, che sembra un violoncello. 11 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa piccoli preludi, invenzioni in due e tre parti. Sono stati scritti da Bach per studiare con il figlio maggiore, Wilhelm Friedemann. D'altra parte, questo è il primo di due volumi di un'opera monumentale - "The Well-Tempered Clavier", che comprende in totale 48 preludi e fughe, e una grande composizione del piano del concerto - "Chromatic Fantasy and Fugue". Al periodo Köthen appartiene anche la creazione di due collezioni di suite clavicembali, dette "francesi" e "inglesi". Il principe Leopoldo portò Bach con sé in viaggio negli stati vicini. Quando Johann Sebastian tornò nel 1720 da un viaggio del genere, soffrì di un forte dolore: sua moglie Maria Barbara era appena morta, lasciando quattro figli (altri tre morirono prematuramente). Un anno e mezzo dopo, Bach si risposò. La sua seconda moglie, Anna Magdalena, aveva una bella voce ed era molto musicale. Studiando con lei, Bach ha compilato due "Notebook" più clavicembali dai suoi brani e in parte da brani di altri autori. Anna Magdalena è stata una compagna gentile e premurosa nella vita di Johann Sebastian. Gli diede tredici figli, di cui sei sopravvissero fino all'età adulta. Lipsia. Nel 1723 Bach si trasferì a Lipsia, un importante centro commerciale e culturale della Sassonia, vicina Turingia. Con il principe Leopoldo ha mantenuto buoni rapporti . Ma a Köthen le possibilità di attività musicale erano limitate: non c'erano né un grande organo né un coro. Inoltre, Bach aveva figli più grandi a cui voleva dare una buona educazione. A Lipsia Bach assunse la carica di cantore - capo del coro dei ragazzi e insegnante di scuole di canto; presso la Chiesa di San Tommaso (Thomaskirche). Doveva accettare una serie di condizioni restrittive, ad esempio "non lasciare la città senza il permesso del borgomastro". Il cantore Bach aveva molti altri compiti. Doveva dividere in parti un piccolo coro scolastico e un'orchestra molto piccola (o meglio, un ensemble) in modo che la musica suonasse durante le funzioni in due chiese, così come ai matrimoni, ai funerali e alle varie festività. E non tutti i ragazzi del coro avevano buoni dati musicali. La scuola era sporca, trascurata, gli alunni erano malnutriti e vestiti in modo mendicante. Bach, che allo stesso tempo era considerato il "direttore musicale" di Lipsia, attirò su tutto ciò l'attenzione delle autorità ecclesiastiche e dell'amministrazione comunale (magistrato). Ma in cambio ha ricevuto poca assistenza materiale, ma un sacco di meschini cavilli d'ufficio e rimproveri. Con gli studenti si occupava non solo di cantare, ma anche di suonare strumenti, inoltre assumeva per loro a proprie spese un insegnante di latino. Chiesa e scuola di San Tommaso (a sinistra) a Lipsia. (Da un'antica incisione). Nonostante le difficili circostanze della vita, Bach era impegnato con entusiasmo nella creatività. Nei primi tre anni del suo servizio, ha composto e praticato una nuova cantata spirituale con il coro quasi ogni settimana. In totale, sono state conservate circa duecento opere di Bach in questo genere. E sono note anche diverse dozzine delle sue cantate secolari. Erano, di regola, accoglienti e di congratulazioni, rivolti a varie persone nobili. Ma tra loro c'è un'eccezione come il fumetto "Coffee Cantata" scritto a Lipsia, simile a una scena di un'opera comica. Racconta come una giovane e vivace Lizhen sia dipendente da una nuova moda per il caffè, contro la volontà e gli avvertimenti di suo padre, il vecchio brontolone Schlendrian. A Lipsia, Bach ha creato le sue opere monumentali vocali-strumentali più straordinarie: La passione secondo Giovanni, La passione secondo Matteo12 e la Messa in si minore, vicine a loro nel contenuto, nonché un gran numero di varie composizioni strumentali, tra cui il secondo volume " Clavicembalo ben temperato", una raccolta di Giovanni e Matteo (così come Marco e Luca) sono seguaci degli insegnamenti di Gesù Cristo, che compilò i Vangeli - storie sulla sua vita terrena, sofferenza ("passioni") e morte. "Vangelo" tradotto da greco significa "buona notizia". 12 12 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa "L'arte della fuga". Ha viaggiato a Dresda, Amburgo, Berlino e altre città tedesche, ha suonato l'organo lì, ha testato nuovi strumenti. Per più di dieci anni Bach ha diretto il "Music College" di Lipsia - una società composta da studenti universitari e amanti della musica - strumentisti e cantanti. Sotto la direzione di Bach, hanno tenuto concerti pubblici di opere di carattere secolare. Comunicando con i musicisti, era estraneo a qualsiasi arroganza e ha parlato della sua rara abilità come segue: "Ho dovuto lavorare sodo, chi è così duro otterrà lo stesso". Molte preoccupazioni, ma anche molte gioie hanno portato Bach alla sua grande famiglia. Nella sua cerchia poteva organizzare interi concerti casalinghi. Quattro dei suoi figli divennero famosi compositori. Questi sono Wilhelm Friedemann e Carl Philipp Emanuel (figli di Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich e Johann Christian (figli di Anna Magdalena). Nel corso degli anni, la salute di Bach è peggiorata. La sua vista è peggiorata bruscamente. All'inizio del 1750 subì due interventi chirurgici agli occhi senza successo, divenne cieco e morì il 28 luglio. Johann Sebastian Bach ha vissuto una vita dura e laboriosa, illuminata da una brillante ispirazione creativa. Non lasciò una fortuna significativa e Anna Magdalena morì dieci anni dopo in una casa di beneficenza per i poveri. E la figlia più giovane di Bach, Regina Susanna, vissuta fino al XIX secolo, fu salvata dalla povertà da donazioni private, in cui Beethoven prese un ruolo importante.La creatività della musica di Bach è legata alla cultura del suo paese natale. e compositori stranieri. Nel suo lavoro, ha brillantemente generalizzato e arricchito i risultati dell'arte musicale europea. La maggior parte delle cantate, "John Passion", "Matthew Passion", Messa in si minore e molte altre opere su testi spirituali sono state scritte da Bach non solo secondo il dovere o l'usanza abituale di un musicista di chiesa, ma riscaldati da un sincero sentimento religioso.Sono pieni di compassione per i dolori umani, intrisi di comprensione delle gioie umane.Nel tempo, sono andati ben oltre i templi e lo fanno non cessano di impressionare profondamente ascoltatori di diverse nazionalità e religioni.Composizioni spirituali e secolari di Bach sono legate tra loro nella loro vera umanità, insieme formano un intero mondo di immagini musicali. L'insuperabile abilità polifonica di Bach si arricchisce di mezzi omofonico-armonici. I suoi temi vocali sono organicamente permeati di tecniche di sviluppo strumentale, e i temi strumentali sono spesso così emotivamente saturi, come se qualcosa di importante venisse cantato e pronunciato senza parole. Toccata e fuga in re minore per organo13 Questo popolarissimo brano inizia con un allarmante ma coraggioso grido di volontà. Si sente tre volte, cadendo da un'ottava all'altra, e porta a un fragoroso rombo di accordi nel registro inferiore. Così, all'inizio della toccata, si delinea uno spazio sonoro grandioso e dalle ombre scure. 1 Adagio Domande e compiti 1 . Cosa c'è di insolito nel destino della musica di Bach? 2. Raccontaci della patria di Bach, dei suoi antenati e degli anni della sua infanzia. 3. Quando e dove iniziò la vita indipendente di Bach? 4. Come procedette e come finì l'attività di Bach a Weimar? 5. Raccontaci della vita di Bach a Köthen e delle sue opere di questi anni. 6. Quali strumenti suonava Bach e qual era il suo strumento preferito? 7. Perché Bach decise di trasferirsi a Lipsia e quali difficoltà dovette affrontare? 8. Parlaci delle attività di Bach come compositore e Bach come interprete a Lipsia. Dai un nome alle opere che ha creato lì. Toccata (in italiano "toccata" - "touch", "hit" dal verbo "toccare" "touch", "touch") è un brano virtuoso per strumenti a tastiera. 13 13 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Inoltre, si sentono potenti passaggi virtuosistici "vorticosi" e ampie "esplosioni" di accordi. Sono più volte separati da pause e arresti su accordi estesi. Questo contrasto tra veloce e rallentatore ricorda una tregua cauta tra combattimenti con elementi violenti. E dopo una toccata libera, costruita improvvisando, suona una fuga. Si concentra sullo sviluppo imitativo di un tema, in cui il principio volitivo frena le forze elementali, per così dire: 2 Allegro moderato Espandendosi ampiamente, la fuga si sviluppa in una coda - la sezione finale, finale. Anche qui irrompe l'elemento improvvisativo della toccata. Ma alla fine è pacificata da tesi commenti imperativi. E le ultime battute dell'intera opera sono percepite come una dura e maestosa vittoria dell'inesorabile volontà umana. Un gruppo speciale di opere per organo di Bach sono i preludi corali. Tra questi, un numero di brani relativamente piccoli di natura lirica si distingue per una profonda espressività. In essi, il suono della melodia corale si arricchisce di voci di accompagnamento liberamente sviluppate. È così che viene presentato, ad esempio, uno dei capolavori di Bach, il preludio corale in fa minore. Invenzioni di musica per clavicembalo Bach ha compilato diverse raccolte di brani semplici tra quelli che ha composto mentre insegnava al figlio maggiore Wilhelm Friedemann. In una di queste raccolte collocò quindici pezzi polifonici a due voci in quindici chiavi e li chiamò "invenzioni". Tradotta dal latino, la parola "invenzione" significa "invenzione", "invenzione". Le invenzioni in due parti di Bach, disponibili per l'esecuzione di musicisti alle prime armi, sono davvero notevoli in termini di ingegnosità polifonica e, allo stesso tempo, espressività artistica. Così, la prima invenzione in due parti in do maggiore nasce da un tema breve, fluido e senza fretta di carattere calmo e ragionevole. È cantato dalla voce superiore e imita immediatamente _ ripete in un'altra ottava - quella inferiore: 14 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa palle che rimbalzano. Durante la ripetizione (imitazione) di quella superiore, la voce continua il movimento melodico. È così che si forma l'opposizione al tema che risuona nel basso. Inoltre, questa opposizione - con lo stesso schema melodico - a volte suona quando il tema riappare in una o nell'altra voce (battute 2-3, 7-8, 8-9). In tali casi l'opposizione si chiama conservata (in contrapposizione a quelle non ritenute, che si ricompongono ogni volta che si introduce il tema). Come in altre opere polifoniche, ci sono sezioni in questa invenzione in cui il tema non suona nella sua forma completa, ma vengono utilizzati solo i suoi singoli giri. Tali sezioni sono poste tra le presentazioni dell'argomento e sono chiamate intermezzi. La completezza generale dell'invenzione in Do è data dallo sviluppo basato su un tema, tipico della musica polifonica. A metà del brano si parte dalla tonalità principale e verso la fine si ritorna. Ascoltando questa invenzione, si può immaginare che due studenti ripetano diligentemente la lezione, cercando di raccontarsi meglio, con maggiore espressività. In questo pezzo, simile nella struttura all'invenzione in do maggiore, una tecnica speciale gioca un ruolo importante. Dopo l'iniziale introduzione del tema Nella voce acuta, la voce inferiore lo imita non solo, ma anche la sua continuazione (contrapposizione). Così, per qualche tempo, sorge un continuo canonico e imitazione, o lycanon. Contemporaneamente alle invenzioni a due voci, Bach compose quindici brani polifonici a tre voci nelle stesse tonalità. Li ha nominati! "sinfonie" (tradotte dal greco - "consonanze"). Perché ai vecchi tempi, le opere strumentali polifoniche venivano spesso chiamate così. Ma in seguito divenne consuetudine chiamare questi pezzi invenzioni in tre parti. Usano tecniche più complesse di sviluppo polifonico. Maggior parte un ottimo esempio- invenzione a tre voci in fa minore (nona). Inizia con l'introduzione simultanea di due temi contrastanti. La base di uno di essi, che suona con una voce di basso, è una discesa tesa misurata lungo semitoni cromatici. Tali mosse sono frequenti nelle arie tragiche di vecchie opere. È come una voce cupa del destino malvagio, il destino. Il secondo tema al centro, voce di contralto è permeato di motivi-sospiri lugubri: In futuro, il terzo tema è strettamente intrecciato con questi due temi con esclamazioni supplichevoli ancora più penetranti. Fino alla fine dell'opera, la voce del destino malvagio rimane inesorabile. Ma le voci del dolore umano non cessano. Hanno una scintilla inestinguibile di speranza umana. E per un momento sembra lampeggiare nell'accordo finale di fa maggiore. Anche la Sinfonia di Bach in si minore clavicembalo alla Bach House di Eisenach 15 www.classON.ru L'educazione dei bambini nella sfera artistica russa (invenzione in tre parti n. 15) è nota per la sua penetrazione lirica. Nella prefazione al manoscritto delle sue invenzioni e "sinfonie", Bach ha indicato che dovrebbero aiutare a sviluppare un "modo di suonare il canto". Sul clavicembalo, questo era difficile da ottenere. Pertanto, Bach preferiva a casa, anche nelle lezioni con gli studenti, usare un altro strumento a tastiera a corde: il clavicordo. Il suo suono debole non è adatto per l'esecuzione di concerti. Ma, come già accennato, a differenza del clavicembalo, le corde del clavicordo non vengono pizzicate, ma vengono delicatamente serrate con piastre di metallo. Ciò contribuisce alla melodiosità del suono e consente di creare sfumature dinamiche. Pertanto, Bach, per così dire, prevedeva le possibilità di una voce melodiosa e coerente che guidava il pianoforte, uno strumento che ai suoi tempi era ancora imperfetto nel design. E questo desiderio del grande musicista dovrebbe essere ricordato da tutti i pianisti moderni. Courante - danza a tre ritmi Discendenza francese. Ma per i rintocchi del clavicembalo francese, una certa raffinatezza ritmica e manierismi erano tipici. La Courante nella suite in do minore di Bach è simile alla varietà italiana di questo genere di danza: più vivace e mobile. Ciò è facilitato dalla combinazione flessibile di due voci che sembrano provocarsi a vicenda: "Suite francese" in do minore Tre raccolte di suite clavicembali di Bach hanno nomi diversi. Egli stesso chiamò “partitas” le sei suite comprese nella terza raccolta (il nome della suite “partita” si trova non solo in lui14). E le altre due raccolte - sei pezzi ciascuna - cominciarono a chiamarsi "Suite francesi" e "Suite inglesi" dopo la morte di Bach, per ragioni non proprio chiarite. La seconda delle "suite francesi" è stata scritta nella tonalità di do minore. Secondo la tradizione stabilita nelle vecchie suite, contiene quattro parti principali - Allemande, Courante, Sarabande e Gigue, oltre a due parti intermedie - Aria e Minuetto, inserite tra Sarabande e Gigue. Allemande è una danza che si è formata nei secoli XVI-XVII in diversi paesi europei: Inghilterra, Paesi Bassi, Germania, Francia e Italia. Quindi, per esempio, l'antico allemande tedesco era un po' un ponderoso ballo di gruppo. Ma, entrando nelle suite più clavicembali, l'allemande a XVIII secolo ha quasi perso le sue caratteristiche di danzatrice. Dei suoi "antenati" conservava solo un'andatura tranquilla e calma con una taglia di quattro o due quarti. Alla fine è diventato un preludio vagamente costruito. Sembra un preludio lirico premuroso e Allemande dalla suite di Bach in do minore. Qui, molto spesso, tre voci guidano le loro battute. Ma a volte una quarta voce è collegata a loro. Allo stesso tempo, la voce più melodica è quella superiore: Sarabande è una danza spagnola in tre parti. Una volta era veloce, capricciosa, poi è diventata lenta, solenne, spesso vicina a un corteo funebre. La sarabanda della suite di Bach è stata invecchiata dall'inizio alla fine in un magazzino in tre parti. Il movimento delle voci medie e basse è sempre rigoroso, concentrato (predominano i quarti e gli ottavi). E il movimento della voce superiore è molto più libero e mobile, molto espressivo. Qui prevalgono le note da un sedicesimo, si trovano spesso mosse ad ampi intervalli (quinta, sesta, settima). Si formano così due strati contrastanti di presentazione musicale, si crea un suono liricamente intenso15: “Diviso in parti” - la parola “partita” è tradotta dall'italiano (dal verbo “partire” - “dividere”). Nella sarabanda, la voce superiore principale non è tanto in contrasto con il resto, ma ne è completata. 14 15 16 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Preludio e fuga in do minore dal primo volume de Il clavicembalo ben temperato Preludio e fuga in do maggiore, Preludio e fuga in do minore, Preludio e fuga in do minore Do diesis maggiore, Preludio e Fuga Do diesis minore - e così via attraverso tutti i dodici semitoni compresi nell'ottava. Il risultato è un totale di 24 cicli di "preludio e fuga" in due parti in tutte le tonalità maggiori e minori. È così che sono costruiti entrambi i volumi (in totale - 48 preludi e fughe) del Clavicembalo ben temperato di Bach. Questa grandiosa opera è riconosciuta come una delle più grandi dell'arte musicale mondiale. I preludi e le fughe di questi due volumi sono inclusi nel repertorio formativo e concertistico di tutti i pianisti professionisti. Al tempo di Bach, nell'accordatura degli strumenti a tastiera, fu gradualmente stabilito un temperamento uniforme, dividendo l'ottava in dodici semitoni uguali. In precedenza, il sistema di personalizzazione era più complesso. Con lei, in tonalità con più di tre o quattro caratteri, alcuni intervalli e accordi suonavano stonati. Pertanto, i compositori hanno evitato di utilizzare tali chiavi. Bach è stato il primo a dimostrare brillantemente in The Well-Tempered Clavier che con temperamento equabile, tutti i 24 tasti possono essere usati con uguale successo. Ciò ha aperto nuovi orizzonti per i compositori, aumentando, ad esempio, la capacità di effettuare modulazioni (transizioni) da una tonalità all'altra. Nel Clavicembalo ben temperato, Bach stabilì il tipo di ciclo in due movimenti "preludio e fuga". Il preludio è costruito liberamente. In esso, un ruolo significativo può appartenere al magazzino omofonico-armonico e all'improvvisazione. Ciò crea un contrasto con la fuga come opera strettamente polifonica. Allo stesso tempo, le parti del ciclo "preludio e fuga" sono unite non solo da una tonalità comune. Tra di loro, in ogni caso, sottili connessioni interne si manifestano a modo loro. Queste caratteristiche tipiche comuni possono essere rintracciate nel Preludio e Fuga in do minore del primo volume del Clavicembalo ben temperato. Il preludio si compone di due sezioni principali. Il primo più ampio è completamente riempito con un rapido movimento uniforme di sedicesimi in entrambe le mani. È saturo dall'interno di elementi espressivi melodici e armonici. Sembra come se, costretto dalle rive, ribolle un ruscello inquieto: Gigue è una danza veloce e vivace, originaria dell'Irlanda e dell'Inghilterra16. Ai vecchi tempi, i marinai inglesi adoravano ballare il jig. Nelle suite, la giga è solitamente l'ultimo movimento finale. Nella sua Giguet in do minore, Bach utilizza spesso la tecnica dell'imitazione canonica tra le due voci (come nell'Invenzione in fa maggiore). La presentazione di questa commedia è permeata da un ritmo punteggiato "rimbalzante": rispetto al contrasto tra Allemande e Courante, il contrasto tra Sarabande e Gigue è più netto. Ma è ammorbidito da due parti aggiuntive inserite tra di loro. La parte chiamata "Aria" non suona più come un numero vocale solista in un'opera, ma come una canzone calma e ingenua. Il prossimo Minuet è una danza francese che unisce la mobilità alla grazia. Quindi in questa suite, con un'unica tonalità generale, tutte le parti sono diversamente confrontate in termini figurativi. Le dimensioni del jig sono prevalentemente a tre vie. Nel XVIII secolo è principalmente 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa con una voce media, un tema chiaro, in rilievo, ben ricordato con un ritmo di danza elastico: 11 Moderato La perseveranza energetica è combinata nel tema con grazia, fa capolino furbo attraverso una compostezza volitiva. Ciò offre opportunità per un ulteriore sviluppo diversificato e dinamico. All'inizio dello sviluppo, il tema suona leggero, l'unica volta che viene eseguito in tonalità maggiore (mi bemolle maggiore). Nella ripresa, dei tre passaggi principali del tema in tonalità principale (do minore), il secondo, al basso, acquista una portata così potente da far rievocare le impetuose forze naturali del preludio. E un'altra cosa, l'implementazione finale del tema della fuga termina con un accordo maggiore di casa illuminato. In tale somiglianza tra i finali del preludio e della fuga, si rivela una relazione emotiva interna delle parti contrastanti del ciclo. Avendo accumulato una potente energia, questo flusso alla fine della prima sezione, per così dire, trabocca dal bordo e all'inizio della sezione successiva diventa ancora più impetuoso, minacciando di spazzare via tutto ciò che incontra. Questo climax del preludio è segnato da un cambio di tempo a quello più veloce (Pgesto) e dall'uso di un dispositivo polifonico - un canone a due voci. Ma gli elementi furiosi vengono improvvisamente fermati da colpi imperiosi di accordi e frasi significative di recitativo. Ecco che arriva il secondo cambio di passo, quello più lento (Adagio). E dopo il terzo cambio di tempo in LA11eggo moderatamente veloce nelle battute finali del preludio, il punto tonico dell'organo nel basso rallenta gradualmente il movimento dei sedicesimi nella mano destra. Si allarga dolcemente e si blocca su un accordo di do maggiore. C'è pace, tranquillità. Dopo un completamento così libero e improvvisato del preludio, l'attenzione si sposta su un piano diverso e contrastante. Inizia una fuga a tre voci. Questa parola in latino e in italiano significa "correre", "volare", "corrente veloce". In musica, una fuga è un'opera polifonica complessa, in cui le voci sembrano echeggiare, raggiungendosi l'una con l'altra. La maggior parte delle fughe sono basate su un unico tema. Meno comuni sono le fughe a due, ancor più raramente a tre o quattro temi. E in base al numero di voci, le fughe sono a due, tre, quattro e cinque parti. Le fughe singole oscure iniziano con una presentazione del tema nella tonalità principale in una qualsiasi voce. Il tema viene poi imitato alternativamente dalle altre voci. È così che si forma la prima sezione della fuga, l'esposizione. Nella seconda sezione - sviluppo - il tema compare solo in altre chiavi. E nella terza, ultima sezione - la ripresa9 - è di nuovo eseguita in chiave principale, ma non è più presentata in una sola voce. L'esposizione qui sicuramente non si ripete. Nelle fughe sono ampiamente utilizzate le contrapposizioni trattenute e gli intermezzi. La fuga in do minore di Bach, in questione, inizia, apparendo in Fugue - la più alta forma di musica polifonica - ha raggiunto la sua piena maturità e fioritura più luminosa nell'opera di Bach. Il famoso compositore e pianista russo del XIX secolo, Anton Grigoryevich Rubinstein, nel suo libro "La musica e i suoi rappresentanti", scrisse, ammirando il "Clavicembalo ben temperato", che vi si possono trovare "fughe di religiosi, eroici, malinconici, carattere maestoso, triste, umoristico, pastorale, drammatico; in una cosa sono tutti uguali: nella bellezza. ..” Johann Sebastian Bach aveva la stessa età del grande compositore tedesco Georg Friedrich Handel (1685-1759) - un meraviglioso maestro della polifonia, un virtuoso organista. Il suo destino era diverso. Ha trascorso la maggior parte della sua vita fuori dalla Germania, spostandosi da un paese all'altro (ha vissuto in Inghilterra per diversi decenni). 18 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Handel è autore di molte opere, oratori, varie opere strumentali. Gestione dei moduli stile classico in musica Domande e compiti 1 . Cosa hanno in comune le opere spirituali e profane di Bach? 2. Parlaci della natura figurativa della Toccata e fuga in re minore per organo. 3. Canta i temi delle invenzioni di Bach che conosci. Qual è l'opposizione quando si chiama trattenuta? 4. Cos'è un intermezzo in un'opera polifonica? Quale imitazione si chiama canonica o canonica? 5. Nomina e descrivi le parti principali della "Suite francese" in do minore. 6. Come è costruito il Clavicembalo ben temperato di Bach? 7. Qual è la differenza principale tra un preludio e una fuga? Mostralo con l'esempio del Preludio e Fuga in do minore dal primo volume del Clavicembalo ben temperato. Ci sono somiglianze anche tra loro? Il teatro musicale del XVIII secolo, in particolare la sua metà e la seconda metà, è un momento di grande cambiamento in tutti i settori dell'arte musicale europea. Con l'inizio di questo secolo, due generi sono emersi gradualmente nell'opera italiana: opera seria (seria) e opera buffa (comica). Trame mitologiche e storiche prevalevano ancora nelle opere seria, in cui apparivano i cosiddetti eroi "alti": divinità mitologiche, re di stati antichi, comandanti leggendari. E nelle opere buffa, le trame sono diventate prevalentemente moderne e quotidiane. Gli eroi qui erano persone comuni che hanno agito in modo energico e realistico. La serva di Giovanni Battista Pergolesi di Giovanni Battista Pergolesi, apparsa davanti al pubblico nel 1733 a Napoli, fu il primo eclatante esempio di opera buffa. L'eroina, l'intraprendente cameriera di Serpina, sposa abilmente il suo burbero padrone Uberto e diventa lei stessa un'amante. Come molte delle prime opere buffa italiane, The Servant-Mistress era originariamente rappresentata come intermezzo teatrale durante gli intervalli tra gli atti dell'opera seria di Pergolesi The Proud Prisoner (ricorda che la parola "intermezzo" è di origine latina e significa "interazione"). Ben presto, The Servant-Madam ottenne una grande fama in molti paesi come opera indipendente. L'opera comica nasce in Francia nella seconda metà del XVIII secolo. Nasce dalle allegre e spiritose rappresentazioni comiche con musica date nei teatri delle fiere parigine. E per trasformarsi in un'opera comica, dove i numeri vocali sono diventati la caratteristica principale dei personaggi, l'esempio dell'opera buffa italiana ha aiutato le belle commedie francesi. Per questa rappresentazione parigina fu di grande importanza la compagnia lirica dei "buffoni" italiani, quando la capitale della Francia rimase letteralmente incantata dalla "Serva Signora" di Pergolesi. A differenza dell'opera buffa italiana, nelle opere buffe francesi, i numeri ariosi si alternano non ai recitativi, ma ai dialoghi conversazionali. Viene costruita anche la guglia canta - una varietà tedesca e austriaca di opera comica, apparsa nella seconda Opere principali Opere vocali e strumentali "La passione secondo Giovanni", "Passione secondo Matteo" Messa in si minore Cantate sacre ( sopravvissute circa 200) e cantate profane (sono sopravvissute oltre 20) Opere orchestrali 4 suite (“ouverture”) 6 “Concerti brandeburghesi” Concerti per strumenti solisti con orchestra da camera 7 concerti per clavicembalo 3 concerti per due, 2 per tre clavicembali 2 concerti per violino Concerto per due violini Opere per archi 3 sonate e 3 partite per violino solo 6 sonate per violino e clavicembalo 6 suite (“sonate”) per violoncello solo Opere per organo 70 preludi corali Preludi e fughe Toccata e fuga in re minore Passacaglia in do minore Opere per tastiera Collezione “Piccoli Preludi e Fughe” 15 invenzioni a due voci e 15 invenzioni a tre voci (“sinfonie”) 48 preludi e fughe del Clavicembalo ben temperato 6 suite “francesi” e 6 “inglesi” 6 suite (partitas) ) “Concerto italiano” per clavicembalo solo “Fantasia cromatica e fuga” “Fughe d'arte” 19 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa a metà del XVIII secolo17. Il linguaggio musicale di tutte le varietà dell'opera comica è caratterizzato da uno stretto legame con il canto popolare e le melodie di danza. Nella seconda metà del XVIII secolo, grave generi operistici riformò radicalmente il grande compositore tedesco Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Scrisse la sua prima opera riformista, Orfeo ed Euridice (1762), basata sulla storia del leggendario cantante greco antico, che è stata ripetutamente usata nelle opere fin dalle prime (di questo si parlerà nell'Introduzione). Gluck ha seguito un percorso difficile per la sua riforma nell'opera. Gli è capitato di visitare molti paesi europei - Germania, Austria, Danimarca, così come nella Repubblica Ceca popolata da slavi, insieme all'Italia - in Inghilterra. Prima di stabilirsi saldamente a Vienna, Gluck ha messo in scena 17 delle sue serie d'opera sui palcoscenici dei teatri di Milano, Venezia, Napoli, Londra, Copenaghen, Praga e altre città. Opere di questo genere sono state rappresentate nei teatri di corte di molti paesi europei. L'eccezione era la Francia. Lì, a metà del XVIII secolo, continuarono a comporre e mettere in scena opere serie solo nel tradizionale stile francese. Ma Gluck ha studiato attentamente le partiture d'opera dei famosi compositori francesi Jean-Baptiste Lully e Jean-Philippe Rameau. Inoltre, Gluck ha scritto e messo in scena con successo a Vienna otto opere nel nuovo genere dell'opera comica francese. Conosceva indubbiamente bene le opere buffa italiane, il singspiel tedesco e austriaco. Tutta questa conoscenza ha permesso a Gluck di rinnovare risolutamente i già obsoleti principi di composizione per opere serie. Nelle sue opere riformiste, messe in scena prima a Vienna e poi a Parigi, Gluck iniziò a trasmettere le esperienze emotive dei personaggi con molta più veridicità e intensità drammatica, efficacia. Rifiutò di accumulare passaggi virtuosistici nelle arie e aumentò l'espressività dei recitativi. Le sue opere sono diventate più mirate in termini di sviluppo musicale e scenico e più armoniose nella composizione. Così, nel linguaggio musicale e nella costruzione di nuove opere serie comiche e riformate, sono state identificate importanti caratteristiche distintive del nuovo stile classico: l'efficacia attiva dello sviluppo, la semplicità e la chiarezza dei mezzi espressivi, l'armonia compositiva e il generale nobile e sublime carattere della musica. Questo stile prese gradualmente forma nella musica europea durante il XVIII secolo, maturò nel 1770-1780 e dominò fino alla metà del secondo decennio del XIX secolo. Va notato che la definizione di "classico" può avere un altro significato più ampio. "Classico" (o "classico") è anche chiamato musica e altre opere d'arte che sono state riconosciute come esemplari, perfette, insuperabili, indipendentemente dal tempo della loro creazione. In questo senso, le masse degli italiani compositore XVI secolo Palestrina, e l'opera di Prokofiev e la sinfonia di Shostakovich - compositori russi del XX secolo. Musica strumentale Sulla stessa vasta base internazionale della riforma operistica di Gluck, nel XVIII secolo ci fu un intenso sviluppo della musica strumentale. È stato realizzato grazie agli sforzi congiunti di compositori di molti paesi europei. Basandosi sul canto e sulla danza, sviluppando la chiarezza e il dinamismo classici del linguaggio musicale, hanno gradualmente formato nuovi generi di opere strumentali cicliche - come la sinfonia classica, la sonata classica, il quartetto d'archi classico. La forma della sonata è di grande importanza in loro. Pertanto, i cicli strumentali sono chiamati sonata o sonata-sinfonia. forma sonata. Sai già che la forma più alta di musica polifonica è la fuga. E la forma sonata è la forma più alta di musica armonica omofonica, dove solo a volte possono essere utilizzate tecniche polifoniche. Nella loro costruzione, queste due forme sono simili tra loro. Come la fuga, ci sono tre sezioni principali in forma sonata: esposizione, sviluppo e ricapitolazione. Ma ci sono anche differenze significative tra loro. La differenza principale tra la forma sonata e la fuga appare immediatamente nell'esposizione 18. La stragrande maggioranza delle fughe è interamente costruita su un tema, che viene eseguito alternativamente in ciascuna esposizione.Questa parola tedesca deriva da "singen" ("cantare"). e "Spiel" ("gioco") . 18 La parola è di origine latina e significa "presentazione", "spettacolo". 20 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte in Russia voice. E nell'esposizione della forma sonata, di regola, compaiono due temi principali, di carattere più o meno diverso. Prima suona il tema della parte principale, poi appare il tema della parte laterale. Ma in nessun caso dovresti intendere la definizione di "lato" come "secondario". Infatti il ​​tema della parte laterale gioca nella forma sonata un ruolo non meno importante del tema della parte principale. La parola "secondaria" è qui usata perché, a differenza della prima, suona necessariamente nell'esposizione non nella tonalità principale, ma in un'altra, cioè come in una secondaria. Nella musica classica, se la parte principale dell'esposizione è maggiore, la parte laterale è indicata nella tonalità della dominante (ad esempio, se la tonalità della parte principale è Do maggiore, la tonalità della parte laterale è Sol maggiore). Se la parte principale nell'esposizione è minore, allora la parte laterale è indicata in parallelo maggiore (ad esempio, se la tonalità della parte principale è Do minore, allora la tonalità della parte laterale è Mi bemolle maggiore). Tra la parte principale e quella laterale viene posizionato un piccolo fascio o un lotto di collegamento. Qui può apparire anche un tema indipendente, melodicamente in rilievo, ma più spesso vengono utilizzate le intonazioni del tema della parte principale. La parte di collegamento funge da transizione alla parte laterale, si modula nella tonalità della parte laterale. Pertanto, la stabilità tonale viene violata. Le voci iniziano ad aspettarsi l'inizio di qualche nuovo "evento musicale". Risulta essere l'aspetto del tema di una festa secondaria. A volte l'esposizione può essere preceduta da un'introduzione. E dopo una parte laterale, suona una piccola conclusione o un'intera parte finale, spesso con un tema indipendente. Così finisce l'esposizione, fissando il tono della parte laterale. Sotto la direzione del compositore, l'intera esposizione può essere ripetuta. Sviluppo - la seconda sezione della forma sonata. In esso, argomenti familiari dall'esposizione compaiono in nuove versioni, si alternano in modi diversi e vengono confrontati. Tale interazione spesso coinvolge non interi temi, ma motivi e frasi isolati da essi. Cioè, gli argomenti in sviluppo sono, per così dire, divisi in elementi separati, rivelando l'energia in essi contenuta. In questo caso, c'è un frequente cambio di chiavi (la chiave principale è raramente influenzata qui e non per molto). Apparendo in chiavi diverse, i temi ei loro elementi sembrano essere illuminati in modo nuovo, mostrati da nuovi punti di vista. Dopo che lo sviluppo nello sviluppo raggiunge una tensione significativa al culmine, il suo corso cambia direzione. Alla fine di questa sezione si sta preparando un ritorno alla tonalità principale, c'è una svolta alla ripresa. La ripresa è la terza sezione della forma sonata. Inizia con il ritorno della parte principale nella tonalità principale. La parte di collegamento non porta a una nuova chiave. Al contrario, fissa la tonalità principale, in cui ora si ripetono sia la parte secondaria che quella finale. Così la ripresa, con la sua stabilità tonale, bilancia la natura instabile dello sviluppo e conferisce all'insieme un'armonia classica. La ripresa a volte può essere integrata da una costruzione finale: una coda (derivata dalla parola latina che significa "coda"). Quindi, quando suona una fuga, la nostra attenzione è focalizzata sull'ascolto, il pensiero e il sentimento in un'idea musicale, incarnata da un tema. Quando un'opera viene ascoltata in forma di sonata, il nostro udito segue il confronto e l'interazione di due temi principali (e complementari) - come se seguisse lo sviluppo di vari eventi musicali, l'azione musicale. Questa è la principale differenza tra le possibilità artistiche di queste due forme musicali. Ciclo di sonate classiche (sonate-sinfoniche). Approssimativamente nell'ultimo terzo del XVIII secolo, il ciclo di sonate classiche prese finalmente forma nella musica. Precedentemente dentro opere strumentali dominava la forma della suite, dove si alternavano parti lente e veloci, e accanto ad essa la forma della vecchia sonata. Ora, nel ciclo della sonata classica, il numero delle parti (di solito tre o quattro) è stato determinato con precisione, ma il loro contenuto è diventato più complicato. Il primo movimento è solitamente scritto in forma sonata, di cui si è parlato nel paragrafo precedente. Cammina a un ritmo veloce o moderatamente veloce. Molto spesso è A11eggo. Pertanto, un tale movimento è solitamente chiamato una sonata allegra. La musica in essa ha spesso un carattere energico, efficace, spesso teso, drammatico. Il secondo movimento contrasta sempre con il primo nel tempo e nel carattere generale. Spesso è lento, il più lirico e melodioso. Ma può anche essere diverso, ad esempio, simile a una narrazione lenta o a una danza aggraziata.In un ciclo in tre parti, l'ultima, terza parte, la finale è di nuovo veloce, di solito più rapida, ma meno intensa internamente nello sviluppo rispetto al primo. I finali dei cicli di sonate classiche (in particolare le sinfonie) dipingono spesso immagini di affollato divertimento festivo e i loro temi sono vicini l'uno all'altro. canzoni folk e ballare. In questo caso viene spesso utilizzata la forma rondo (dal francese "ronde" - "cerchio"). Come sapete, la prima sezione qui (ritornello) viene ripetuta più volte, alternata a nuove sezioni (episodi). 21 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte in Russia la sua prima opera? 3. A che ora è maturato lo stile classico e fino a che momento lo stile classico ha dominato nella musica? Spiegare la differenza tra le due definizioni di "classico". 4. Qual è la somiglianza nella costruzione generale tra la forma della fuga e quella della sonata? E qual è la principale differenza tra loro? 5. Assegna un nome alle sezioni principale e aggiuntiva della forma sonata. Disegna il suo diagramma. 6. In che modo le parti principale e laterale della forma sonata si correlano tra loro nella sua esposizione e nella sua ripresa? 7. Cosa è tipico per lo sviluppo in forma sonata? 8. Descrivi le parti del ciclo della sonata classica. 9. Assegna un nome ai principali tipi di cicli di sonate classiche a seconda della composizione degli esecutori. Tutto ciò distingue molte finali dei cicli in quattro parti. Ma in esse, tra le parti estreme (prima e quarta), sono poste due parti centrali. Uno - lento - in una sinfonia di solito è il secondo, e nel quartetto - il terzo. Il terzo movimento delle sinfonie classiche del XVIII secolo è il Minuetto, che occupa il secondo posto nel quartetto. Quindi, abbiamo menzionato le parole "sonata", "quartetto", "sinfonia". La differenza tra questi cicli dipende dalla composizione degli esecutori. Un posto speciale appartiene alla sinfonia: un'opera per orchestra, progettata per suonare in una grande stanza davanti a numerosi ascoltatori. In questo senso, il concerto è vicino alla sinfonia: una composizione in tre movimenti per strumento solista con accompagnamento d'orchestra. I cicli strumentali da camera più diffusi sono sonata (per uno o due strumenti), trio (per tre strumenti), quartetto (per quattro strumenti), quintetto (per cinque strumenti)19. La forma sonata e il ciclo sonata-sinfonico, come l'intero stile classico nella musica, si sono formati nel XVIII secolo, che è chiamato "l'età dell'illuminazione" (o "l'età dell'illuminazione"), così come l'"età della Ragione”. In questo secolo, soprattutto nella sua seconda metà, in molti paesi europei sono stati nominati rappresentanti del cosiddetto "terzo stato". Queste erano persone che non avevano né titoli nobiliari né titoli spirituali. Dovevano il loro successo al loro lavoro e alla loro iniziativa. Hanno proclamato l'ideale dell '"uomo naturale", che era dotato di energia creativa, mente brillante e sentimenti profondi per natura stessa. Questo ottimistico ideale democratico si rifletteva a suo modo nella musica e in altre forme d'arte e di letteratura. Così, ad esempio, la vittoria della mente umana e delle mani instancabili all'inizio dell'Illuminismo fu glorificata dalla pubblicazione nel 1719 famoso romanzo Vita e incredibili avventure di Robinson Crusoe dello scrittore inglese Daniel Defoe. Joseph Haydn 1732-1809 Lo stile musicale classico raggiunse la sua maturità e fioritura nelle opere di Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. La vita e il lavoro di ciascuno di loro hanno trascorso molto tempo a Vienna, la capitale dell'Austria. Pertanto, Haydn, Mozart e Beethoven sono chiamati i classici viennesi. L'Austria era un impero multinazionale. In esso, insieme agli austriaci, la cui lingua madre è il tedesco, vivevano ungheresi e vari popoli slavi, tra cui cechi, serbi, croati. Le loro canzoni e Domande e compiti 1 . Nomina le varietà nazionali di opere comiche del XVIII secolo. Qual è la differenza tra la costruzione dell'opera buffa italiana e la costruzione dell'opera comica francese? 2. Con quali paesi e città era collegata l'attività del grande riformatore operistico Christoph Willibald Gluck? Su quale trama ha scritto il nome di altri gruppi da camera cicli strumentali– sestetto (6), settetto (7), ottetto (8), nonetto (9), decimet (10). La definizione di "musica da camera" deriva dalla parola italiana "camera" - "stanza". Perché fino al XIX secolo le composizioni per diversi strumenti venivano spesso eseguite in casa, cioè erano intese come "musica da camera". 19 22 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo delle melodie di danza artistica russa potrebbe essere ascoltata sia nei villaggi che nelle città. A Vienna la musica popolare risuonava ovunque: al centro e in periferia, agli incroci stradali, nei giardini e nei parchi pubblici, nei ristoranti e nei pub, nelle case private ricche e povere. Vienna era anche un importante centro di cultura musicale professionale, incentrata sulla corte imperiale, cappelle della nobiltà 1 e salotti aristocratici, cattedrali e chiese. Nella capitale austriaca l'opera seria italiana è stata a lungo coltivata, qui, come già accennato, ha iniziato la sua riforma dell'opera problema tecnico. La musica accompagnava abbondantemente le feste di corte. Ma i viennesi assistevano volentieri alle allegre farse con la musica, da cui nacquero i singshpils, e amavano molto ballare. Dei tre grandi viennesi classici musicali Haydn è il più anziano. Aveva 24 anni quando nacque Mozart e 38 quando nacque Beethoven. Haydn ha vissuto una lunga vita. Sopravvisse a Mozart, che morì prematuramente, di quasi due decenni ed era ancora vivo quando Beethoven aveva già creato la maggior parte delle sue opere mature. Per il teatro principesco privato ha scritto più di due dozzine di opere nei generi seria, buffa, oltre a diverse opere "marionette" per spettacoli interpretati da marionette. Ma l'area dei suoi principali interessi e risultati creativi è la musica strumentale sinfonica e da camera2. In totale sono più di 800 composizioni3. Tra questi, più di 100 sinfonie, più di 80 quartetti d'archi e più di 60 sonate clavicembali sono particolarmente significative. Nei loro campioni maturi con la massima completezza, luminosità e originalità, la visione ottimistica del mondo dei grandi compositore austriaco . Solo a volte questo atteggiamento luminoso è innescato da uno stato d'animo più cupo. Sono sempre sopraffatti dall'inesauribile amore per la vita di Haydn, dall'acuta osservazione, dall'umorismo allegro, dalla percezione semplice, sana e allo stesso tempo poetica della realtà circostante. Percorso di vita Prima infanzia. Rorau e Hainburg. Franz Joseph Haydn nacque nel 1732 nel villaggio di Rorau, situato nell'Austria orientale, vicino al confine ungherese e non lontano da Vienna. Il padre di Haydn era un abile carrozziere, sua madre faceva la cuoca nella tenuta del conte, proprietario di Rorau. Suo figlio maggiore Josef, che in famiglia era affettuosamente chiamato Zepperl, i genitori iniziarono presto ad abituarlo al duro lavoro, alla precisione, alla pulizia. Il padre di Haydn non conosceva affatto la musica, ma gli piaceva cantare, accompagnandosi con l'arpa, soprattutto quando era nella sua. ospiti riuniti in una piccola casa. Zepperl cantava con una chiara voce argentina, rivelando un notevole orecchio per la musica. E quando il ragazzo aveva solo cinque anni, fu mandato nella vicina città di Hainburg da un lontano parente che guidava la scuola e il coro della chiesa. Ad Hainburg, Sepperl ha imparato a leggere, scrivere, contare, cantare in un coro e ha anche iniziato a padroneggiare le abilità di suonare il clavicordo e il violino. Ma non era facile per lui vivere in una strana famiglia. Molti anni dopo, ha ricordato di aver ricevuto "più fruste che cibo". Non appena Zepperl arrivò ad Hainburg, gli fu ordinato di imparare a battere i timpani per partecipare alla stessa processione in chiesa con la musica. Il ragazzo prese un setaccio, ci tirò sopra un pezzo di stoffa e cominciò a esercitarsi diligentemente. Ha completato con successo il suo compito. Solo quando organizzavano una processione dovevano appendere uno strumento sulla schiena di una persona molto bassa. Ed era gobbo, il che ha causato risate dal pubblico. Nella cappella del Duomo di Santo Stefano a Vienna. Dopo aver visitato Hainburg, il maestro di banda della cattedrale viennese e compositore di corte Georg Reuter ha attirato l'attenzione sulle eccezionali capacità musicali di cui Haydn era un sincero sostenitore. È autore di numerose messe e di altre opere vocali e strumentali basate su testi spirituali. 23 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Zepperl. Così nel 1740 Haydn, di otto anni, si ritrovò nella capitale dell'Austria, dove fu accettato come corista nella cappella della cattedrale (principale) Cattedrale di Santo Stefano. farlo io stesso. Inizio difficile della vita indipendente. Quando, all'età di diciotto anni, la voce del giovane iniziò a rompersi - divenne temporaneamente rauca e perse flessibilità, fu sgarbatamente e spietatamente buttato fuori dalla cappella. Trovandosi senza riparo e senza fondi, poteva morire di fame e di freddo se non fosse stato riparato per qualche tempo da un familiare cantante che viveva con la moglie e il figlio in una minuscola stanza sotto il tetto. Haydn iniziò ad affrontarne qualsiasi opera musicale : copiava appunti, dava lezioni di canto a un soldo, suonava il clavier, partecipava come violinista a ensemble strumentali di strada che eseguivano serenate notturne in onore di uno dei cittadini. Finalmente riuscì ad affittare una stanzetta al sesto ed ultimo piano di una casa nel centro di Vienna. La stanza era trafitta dal vento, non c'era la stufa, d'inverno l'acqua spesso gelava. Haydn ha vissuto in una situazione del genere per dieci anni. Ma non si perse d'animo e si dedicò con entusiasmo alla sua arte preferita. "Quando mi sono seduto al mio vecchio clavicembalo mangiato dai vermi", ha ricordato nella sua vecchiaia, "non invidiavo la felicità di nessun re". Haydn è stato aiutato a superare le difficoltà quotidiane dal suo carattere vivace e allegro. Una volta, ad esempio, di notte mise i suoi compagni musicisti in angoli appartati di una delle strade di Vienna e, al suo segnale, ognuno suonava ciò che gli piaceva. Il risultato è stato un "concerto di gatti", che ha suscitato scalpore tra i residenti circostanti. Due dei musicisti sono finiti in polizia, ma il mandante della scandalosa "serenata" non è stato estradato. Conoscendo un famoso attore comico, Haydn ha composto in collaborazione con lui il singspiel "The Lame Demon" e ha guadagnato una piccola somma di denaro , servendolo come cameriere. A poco a poco, Haydn iniziò a guadagnare fama a Vienna sia come insegnante che come compositore. Ha incontrato personaggi famosi; musicisti e amanti della musica. Nella casa di un importante funzionario, iniziò a partecipare all'esecuzione di ensemble da camera e creò i suoi primi quartetti d'archi per concerti nella sua tenuta di campagna. E Haydn scrisse la sua prima sinfonia nel 1759, quando ricevette a sua disposizione una piccola orchestra, diventando il capo della cappella del conte Morzin. Il conte teneva solo musicisti non sposati. Haydn, che ha sposato la figlia di un parrucchiere viennese, è stato costretto a tenerlo segreto. Ma questo continuò solo fino al 1760, quando a Vienna, una grande città bellissima con magnifici edifici e complessi architettonici, un'ondata di nuove vivide impressioni travolse il ragazzo. La musica folk multinazionale risuonava in giro. Nella cattedrale e presso la corte imperiale, dove si esibiva anche il coro, furono eseguite solenni opere vocali e strumentali. Ma le condizioni di esistenza si sono rivelate ancora una volta difficili. In classe, prove ed esibizioni, i ragazzi del coro erano molto stanchi. Erano nutriti male, erano costantemente mezzo affamati. Sono stati severamente puniti per i loro scherzi. Il piccolo Haydn ha continuato a studiare diligentemente l'arte del canto, suonare il clavicembalo e il violino, e voleva davvero comporre musica. Tuttavia, Reuter non ha prestato attenzione a questo. Troppo impegnato con i propri affari, per tutti i nove anni di permanenza di Haydn nella cappella, gli diede solo due lezioni di composizione. Ma Josef ha perseguito il suo obiettivo con ostinazione, diligentemente, e qualche anno dopo ha scritto un altro singspiel intitolato "The New Lame Imp". 20 24 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa, gli affari materiali del conte furono scossi e sciolse la sua cappella. Il matrimonio di Haydn non ha avuto successo. Il suo prescelto si distingueva per un carattere pesante e scontroso. Non era affatto interessata agli affari di composizione di suo marito, al punto che realizzava papillotte e fodere per patè dai manoscritti delle sue composizioni. Alcuni anni dopo, Haydn iniziò a vivere separatamente dalla moglie. Non avevano figli. Nella cappella dei principi Esterhazy. Nel 1761 un ricco ungherese; Il principe Pal Antal Esterhazy ha invitato Haydn a Eisenstadt come vice maestro di cappella. Da quel momento iniziò il servizio di Haydn presso la famiglia Esterhazy, che durò per tre interi decenni. Cinque anni dopo, divenne capobanda, dopo la morte dell'anziano musicista che ricopriva questa posizione. l'erede di Pala Antal, morto nel 1762, si distinse per il suo impegno per il lusso e l'intrattenimento costoso, suo fratello Myklosh 1, soprannominato il Magnifico. Pochi anni dopo, trasferì la sua residenza da Eisenstadt in un nuovo palazzo di campagna di 126 stanze, lo circondò con un vasto parco e costruì Teatro dell'opera per 400 posti e un teatrino delle marionette, aumentò notevolmente il numero dei musicisti presenti nella cappella. Il lavoro in esso ha dato a Haydn un buon sostegno finanziario e, inoltre, l'opportunità di comporre molto e mettersi subito alla prova nella pratica, dirigendo l'esecuzione orchestrale delle sue nuove opere. Ad Esterhaz (come veniva chiamata la nuova residenza principesca) si tenevano spesso affollati ricevimenti, spesso con la partecipazione di ospiti stranieri di alto rango. Grazie a ciò, il lavoro di Haydn divenne gradualmente noto al di fuori dell'Austria. Ma in tutto questo c'era, come si suol dire, l'altra faccia della medaglia. Quando è entrato in servizio, Haydn ha firmato un contratto, secondo il quale è diventato una specie di servitore musicale. Doveva presentarsi tutti i giorni, prima e dopo cena, davanti al palazzo con parrucca incipriata e calze bianche, per ascoltare gli ordini del principe. Il contratto obbligava Haydn a scrivere urgentemente "qualsiasi musica desiderasse sua signoria, a non mostrare a nessuno nuove composizioni, e ancor più a non permettere a nessuno di cancellarle, ma a conservarle esclusivamente per sua signoria e a sua insaputa e gentile permesso di non comporre nulla per nessuno". Inoltre, Haydn doveva osservare l'ordine nella cappella e il comportamento dei musicisti, dare lezioni ai cantanti ed essere responsabile della sicurezza di strumenti e note. Non viveva in un palazzo, ma in un villaggio vicino, in una piccola casa. Da Eisenstadt, la corte principesca si trasferiva in inverno a Vienna. E da Esterhazy, Haydn poteva entrare nella capitale solo occasionalmente con il principe o con un permesso speciale. Nel corso dei molti anni trascorsi a Eisenstadt ed Esterhase, Haydn è passato da musicista alle prime armi a grande compositore, il cui lavoro ha raggiunto un'elevata perfezione artistica ed è stato riconosciuto non solo in Austria, ma anche ben oltre i suoi confini. Così, sei "Paris Symphonies" (n. 82-87) furono scritte da lui per ordine dalla capitale della Francia, dove suonarono con successo nel 1786. Gli incontri di Haydn con Wolfgang Amadeus Mozart a Vienna risalgono al 1780. Il riavvicinamento amichevole ha avuto un effetto benefico sul lavoro di entrambi i grandi musicisti. Nel corso del tempo, Haydn divenne sempre più consapevole della sua posizione dipendente. Nelle sue lettere agli amici di Esterhazy a Vienna, scritte nella prima metà del 1790, ci sono frasi del genere: “Ora - sono seduto nel mio deserto - abbandonato - come un povero orfano - quasi senza compagnia di persone - triste .. Gli ultimi Principi di Esterhazy possedevano vasti possedimenti, avevano molti servitori e conducevano una vita regale nei loro palazzi. Speciale 25 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Per giorni non ho saputo se ero un capobanda o un capobanda... È triste essere sempre uno schiavo...» Una nuova svolta destino. Viaggi in Inghilterra. Miklós Esterházy morì nell'autunno del 1790. Era un appassionato di musica illuminato, suonava strumenti a corda e non poteva non apprezzare a modo suo un "servitore musicale" come Haydn. Il principe gli lasciò in eredità una cospicua pensione vitalizia. L'erede di Miklos, Antal, indifferente alla musica, licenziò la cappella. Ma volendo che il famoso compositore continuasse ad essere il suo maestro di banda di corte, aumentò persino i pagamenti in contanti ad Haydn, che, così, divenne libero dai doveri ufficiali e poté disporre completamente di se stesso. Haydn si trasferì a Vienna con l'intenzione di comporre musica e inizialmente rifiutò le offerte per visitare altri paesi. Ma poi accettò un'offerta per fare un lungo viaggio in Inghilterra e all'inizio del 1791 arrivò a Londra. Così, avvicinandosi al suo sessantesimo compleanno, Haydn vide il mare per la prima volta con i propri occhi e per la prima volta si trovò in un altro stato. A differenza dell'Austria, che era ancora feudale-aristocratica nei suoi modi, l'Inghilterra era stata a lungo un paese borghese e la vita sociale, inclusa quella musicale, a Londra era molto diversa da Vienna. A Londra, una città enorme con molte imprese industriali e commerciali, prevalevano i concerti non per persone selezionate invitate nei palazzi e nei salotti della nobiltà, ma organizzati in sale pubbliche, dove tutti venivano a pagamento. Il nome di Haydn in Inghilterra era già circondato da un alone di gloria. Sia musicisti famosi che persone di alto rango lo trattavano non solo da pari a pari, ma anche con particolare rispetto. I suoi nuovi lavori, nell'esecuzione dei quali ha agito come direttore d'orchestra, sono stati accolti con entusiasmo e sono stati generosamente pagati. Haydn ha diretto una grande orchestra di 40-50 persone, cioè il doppio della cappella Esterhazy. L'Università di Oxford gli ha conferito una laurea honoris causa in musica. Haydn tornò a Vienna un anno e mezzo dopo. Lungo la strada ha visitato la città tedesca di Bonn. Lì incontrò per la prima volta il giovane Ludwig van Beethoven, che presto si trasferì a Vienna con l'intenzione di studiare con Haydn. Ma Beethoven non prese lezioni da lui a lungo. Due geni musicali, troppo diversi per età e temperamento, non trovarono allora una vera comprensione reciproca. Tuttavia, Beethoven ha dedicato le sue tre sonate per pianoforte (n. 1-3) a Haydn durante la pubblicazione. Il secondo viaggio di Haydn in Inghilterra iniziò nel 1794 e durò anche poco più di un anno e mezzo. Il successo è stato nuovamente trionfante. Dalle tante opere realizzate; durante questi viaggi e in connessione con essi furono particolarmente significative le dodici cosiddette "London Symphonies". Gli ultimi anni di vita e creatività. Il successivo principe di Esterházy, Miklós II, era più interessato alla musica del suo predecessore. Pertanto, Haydn iniziò a correre a volte da Vienna a Eisenstadt e scrisse diverse messe per ordine del principe. Le opere principali del compositore degli ultimi anni - due monumentali oratori "La creazione del mondo" e "Le stagioni" - furono eseguite a Vienna con grande successo (una nel 1799, l'altra nel 1801). Raffigurazione dell'antico caos, da cui poi nasce il mondo, la creazione della Terra, la nascita della vita sulla Terra e la creazione dell'uomo: tale è il contenuto del primo di questi oratori. Le quattro parti del secondo oratorio (“Primavera”, “Estate”, “Autunno”, “Inverno”) sono composte da azzeccati schizzi musicali della natura rurale e della vita contadina. 26 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Dopo il 1803 Haydn non compose nient'altro. Ha vissuto tranquillamente la sua vita, circondato da gloria e onore. Haydn morì nella primavera del 1809, al culmine delle guerre napoleoniche, quando i francesi entrarono a Vienna. violoncelli e contrabbassi. Il gruppo di strumenti a fiato è composto da flauti, oboi, clarinetti e fagotti 21. Il gruppo di ottoni di Haydn è formato da corni e trombe, e ha usato solo timpani da strumenti a percussione e solo nell'ultima, dodicesima London Symphony ha aggiunto un triangolo , piatti e un tamburo. Domande e compiti 1 . Quali tre grandi compositori sono chiamati i classici musicali viennesi? Cosa spiega una tale definizione? 2. Raccontaci della vita musicale di Vienna nel XVIII secolo. 3. Nomina i principali generi musicali nel lavoro di Haydn. 4. Dove e come sono trascorse l'infanzia e la giovinezza di Haydn? 5. In che modo Haydn ha iniziato il suo viaggio indipendente? 6..Come procedevano la vita e l'opera di Haydn durante il suo servizio nella cappella dei principi Esterhazy? 7. Raccontaci dei viaggi di Haydn in Inghilterra e dei suoi anni recenti vita. Opera sinfonica Quando nel 1759 Haydn ha scritto la sua prima sinfonia, molte opere di questo genere esistevano già e continuavano a essere create. Sono sorti in Italia, Germania, Austria e altri paesi europei. A metà del XVIII secolo, ad esempio, le sinfonie composte ed eseguite nella città tedesca di Mannheim, che all'epoca disponeva della migliore orchestra, acquisirono fama generale. Tra i compositori della cosiddetta "scuola di Mannheim" c'erano molti cechi. Uno degli antenati della sinfonia è l'ouverture dell'opera italiana in tre parti (con il rapporto delle parti secondo il tempo: "rapido-lento-veloce".). Nelle prime sinfonie ("pre-classiche"), la strada per la futura sinfonia classica era ancora in via di spianamento, tratti distintivi che divenne il significato del contenuto figurativo e la perfezione della forma. Seguendo questa strada, Haydn arrivò alle sue sinfonie mature negli anni Ottanta del Settecento. E allo stesso tempo apparvero le sinfonie mature dell'ancora giovanissimo Mozart, avanzando sorprendentemente rapidamente ai vertici della maestria artistica. Haydn ha creato le sue London Symphonies, che hanno coronato i suoi successi in questo genere, dopo la prematura scomparsa di Mozart, che lo ha profondamente scioccato. Nelle sinfonie mature di Haydn è stata stabilita la seguente composizione tipica del ciclo in quattro movimenti: sonata allegra, movimento lento, minuetto e finale (di solito sotto forma di rondò o sonata allegra). Allo stesso tempo, la composizione classica dell'orchestra di quattro gruppi di strumenti è stata determinata nelle sue caratteristiche principali. Gruppo principale - stringa. Include violini, viole, Haydn non ha sempre usato i clarinetti. Anche nelle sue London Symphonies, compaiono solo in cinque (su dodici). 21 27 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Questa sinfonia è conosciuta come "Militare". Ci sono anche nomi per alcune delle altre sinfonie di Haydn. Nella maggior parte dei casi, non sono forniti dal compositore stesso e segnano solo un dettaglio, spesso pittorico, ad esempio, l'imitazione del chiocciare nella parte lenta della sinfonia "Pollo" o "ticchettio" - nella parte lenta della sinfonia " Ore". Una storia speciale è associata alla sinfonia in fa diesis minore, a cui è stato dato il nome "Addio". Ha una quinta parte aggiuntiva (più precisamente un Adagio del tipo coda). Durante la sua esecuzione, uno ad uno, i membri dell'orchestra spengono le candele alle loro consolle, prendono gli strumenti e se ne vanno. Rimangono solo due violinisti, che suonano con calma e tristezza le ultime battute e se ne vanno anche loro. C'è la seguente spiegazione per questo. Come se una volta in estate, il principe Miklos I ritardasse i musicisti della sua cappella a Esterhaz più del solito. E volevano prendersi una vacanza il prima possibile per vedere le loro famiglie che vivevano a Eisenstadt. E l'insolito secondo finale della Farewell Symphony è servito da accenno a queste circostanze. Oltre alle sinfonie, Haydn ha molte altre opere per orchestra, tra cui oltre un centinaio di minuetti individuali. E all'improvviso tutto si trasforma gioiosamente: inizia l'esposizione della sonata allegra. Invece di ritmo lento - veloce (Allegro con spirito - "Rapidamente, con entusiasmo"), invece di pesanti unisoni di basso - dagli stessi suoni di Sol e La bemolle in un registro acuto, il primo motivo del tema di danza mobile, contagiosamente allegro, del nasce la parte principale. Tutti i motivi di questo tema, enunciati nella tonalità principale, iniziano con una ripetizione del primo suono - come con un fervente calpestio: Sinfonia in mi bemolle maggiore Questa è l'undicesima delle dodici "London Symphonies" di Haydn. La sua tonalità principale è il mi bemolle maggiore. È conosciuta come la "sinfonia timpani tremolo" 22. La sinfonia è in quattro movimenti. La prima parte inizia con una lenta introduzione. Il tremolo ("frazione") dei timpani accordati alla tonica suona dolcemente. È come un lontano rombo di tuono. Quindi il tema stesso dell'introduzione si svolge in ampie "sporgenze" lisce. Innanzitutto, viene suonato all'unisono di ottava da violoncelli, contrabbassi e fagotti. Sembra che alcune ombre misteriose stiano fluttuando silenziosamente, a volte fermandosi. Qui esitano e si bloccano: nelle ultime battute dell'introduzione, gli unisoni si alternano più volte sui suoni vicini SOL e LA bemolle, costringendo l'orecchio ad aspettarsi: cosa succederà dopo? Il tema è ripetuto due volte dagli strumenti a corda del pianoforte, integrati da un ruggito selvaggio di divertimento danzante, che suona forte in tutta l'orchestra. Questo rombo passa rapidamente e un accenno di mistero riappare nella parte di collegamento. La stabilità tonale è rotta. C'è una modulazione in si bemolle maggiore (dominante di mi bemolle maggiore) - la chiave della parte laterale. Non c'è un nuovo tema nella parte di collegamento, ma si sente il motivo originale del tema dei timpani: emisferi con la pelle tesa su di essi, che vengono percossi con due bastoncini. Ogni emisfero può produrre solo un suono di un tono. Le sinfonie classiche di solito usano due emisferi sintonizzati su tonico e dominante. 22 28 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa della parte principale e un lontano richiamo al tema dell'introduzione: L'esposizione si conclude con l'affermazione della tonalità della parte laterale (si bemolle maggiore). L'esposizione viene ripetuta e segue lo sviluppo. È saturo di imitazione polifonica e sviluppo tonale-armonico di motivi isolati dal tema della parte principale. Il tema del gioco secondario appare verso la fine dello sviluppo. Viene eseguita interamente nella tonalità di re bemolle maggiore, lontana da quella principale, cioè appare, per così dire, sotto una luce nuova, insolita. E un giorno (dopo una pausa generale con una fermata) compaiono anche nel basso le intonazioni del tema misterioso dell'introduzione. Lo sviluppo suona prevalentemente pianoforte e pianissimo, e solo occasionalmente - forte e fortissimo con accenti sforzando separati. Ciò aumenta l'impressione di mistero. I motivi del tema della festa principale nel loro sviluppo a volte assomigliano a una danza fantastica. Si può immaginare che questa sia una danza di alcune luci misteriose, a volte lampeggianti luminose. Nella ripresa in tonalità di mi bemolle maggiore, non solo la parte principale, ma anche la parte laterale viene ripetuta e il raccoglitore viene saltato. Qualche mistero appare nel codice. Inizia, come l'introduzione, con un tempo di Adagio, un tranquillo tremolo di timpani e movimenti lenti all'unisono. Ma presto, proprio alla fine della prima parte, ritornano il ritmo veloce, la sonorità forte e l'allegro "calpestio" della danza. La seconda parte della sinfonia - Andante - è una variazione su due temi: canto in do minore e canto-marcia in do maggiore. La costruzione di queste cosiddette doppie variazioni è la seguente: si delineano il primo e il secondo tema, quindi seguono: la prima variazione del primo tema, la prima variazione del secondo tema, la seconda variazione del primo tema, la seconda variazione del secondo tema e codice, basata sul materiale del secondo tema. Fino ad oggi, i ricercatori discutono sulla nazionalità del primo argomento. I musicisti croati credono che questa sia una canzone popolare croata in termini di caratteristiche, mentre i musicisti ungheresi credono che questa sia una canzone ungherese. Anche serbi, bulgari, polacchi vi trovano le loro caratteristiche nazionali. Questa disputa non può essere risolta con certezza, perché le registrazioni di un tale tema di una parte laterale sono di nuovo una danza allegra. Ma rispetto alla festa principale, non è così energica, ma più aggraziata, femminile. La melodia suona sui violini con un oboe. Un tipico accompagnamento di valzer avvicina questo tema al lander: una danza austriaca e della Germania meridionale, uno degli antenati del valzer: 29 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa della vecchia melodia e delle sue parole non è stata trovata. Apparentemente, in esso si sono fuse le caratteristiche di diverse melodie slave e ungheresi; tale, in particolare, è un movimento peculiare per una seconda superflua (mi bemolle - fadiez): le variazioni del secondo tema riprendono l'eroico passo di marcia, impreziosito da passaggi virtuosistici - grazie di flauto. E in un grande codice avvengono svolte inaspettate nello sviluppo di "eventi musicali". Innanzitutto, il tema della marcia si trasforma in un suono gentile e trasparente. Quindi un motivo isolato da esso con un ritmo punteggiato si sviluppa intensamente. Ciò porta all'improvvisa apparizione della tonalità di mi bemolle maggiore, dopo di che il passaggio finale del tema della marcia suona brillantemente e solennemente in do maggiore. La terza parte della sinfonia - il Minuetto - combina originariamente l'andatura dignitosa di una danza dell'alta società con capricciosi ampi salti e sincopi nella melodia: un canto e un secondo tema principale in marcia. In contrasto con il primo, ha allo stesso tempo una certa affinità con esso: un quarto tempo, una direzione ascendente e poi discendente della melodia e un quarto passo elevato (fadiez): questo tema stravagante è messo in risalto da un movimento fluido e calmo nel Trio - la sezione centrale del Minuetto, situata tra la prima sezione e la sua esatta ripetizione23: L'esposizione del primo tema per pianoforte e strumenti ad arco pianissimo è come una piacevole narrazione, come l'inizio di una storia su alcuni eventi insoliti. Il primo di questi può essere presentato con una presentazione improvvisamente ad alto volume del secondo, tema di marcia, in cui gli strumenti a fiato vengono aggiunti al gruppo di archi. Il tono narrativo è mantenuto nella prima variazione del primo tema. Ma echi dolenti e diffidenti si uniscono al suo suono. Nella prima variazione del secondo tema, il violino solo colora la melodia con stravaganti passaggi modellati. Nella seconda variazione del primo tema, la narrazione assume improvvisamente un carattere burrascoso e concitato (si usano tutti gli strumenti, compresi i timpani). Nella seconda, il Minuetto (o meglio, le sue sezioni estreme sottilmente bizzarre per il loro carattere) contrasta con i temi popolari e quotidiani, da un lato, la prima e la seconda parte della sinfonia, e dall'altro, il suo ultima, quarta parte - il finale. Qui, come dovrebbe essere in una classica sonata allegra, nell'esposizione la parte principale è presentata nella tonalità principale di mi bemolle maggiore, la parte laterale è nella tonalità dominante di si bemolle maggiore, e nella ripresa sia di suonano in mi bemolle maggiore. Tuttavia, nella parte laterale, per molto tempo, la sezione centrale delle opere orchestrali è stata solitamente eseguita da tre strumenti. Da qui deriva il nome "trio". 23 30 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte in Russia appare completamente nuovo argomento . È costruito sul materiale del tema della festa principale. deriva dalla parola francese "ronde", che significa "cerchio" o "danza circolare". Domande e compiti 1 . Quando Haydn e Mozart vennero a comporre le loro sinfonie mature? 2. Di quali parti è solitamente composta una sinfonia di Haydn? Nomina i gruppi di strumenti nell'orchestra di Haydn. 3. Quali titoli delle sinfonie di Haydn conosci? 4. Perché la sinfonia di Haydn in mi bemolle maggiore è chiamata "con tremolo o Toro"? Con quale sezione inizia? 5. Descrivi i temi principali della forma sonata nel primo movimento di questa sinfonia. 6. In quale forma e su quali argomenti è stata scritta la seconda parte della sinfonia? 7. Descrivere i principali argomenti e sezioni della terza parte. 8. Qual è la particolarità della correlazione tra i temi delle parti principali e secondarie nel finale? Qual è il legame tra il carattere della musica nel primo movimento della sinfonia e nel suo finale? Pertanto, si scopre che l'intero finale è basato su un tema. Il compositore, come in un gioco intricato, o riprende completamente il tema, oppure ne combina abilmente le varianti ei singoli elementi. Ed è intrigante di per sé. Dopotutto, in esso appare per la prima volta una base armonica - la cosiddetta "mossa d'oro" di due corni - un segnale tipico dei corni da caccia. E solo allora una melodia di danza, vicina alle canzoni popolari croate, si sovrappone a questa base. Inizia con il "calpestare" un suono, e in futuro questo motivo viene ripetuto molte volte, imitato, passando da una voce all'altra. Questo ricorda il motivo di apertura del tema principale del primo movimento e come viene sviluppato lì. Inoltre, il compositore ha indicato lo stesso tempo nel finale - Allegro con spirito. Così, nel finale, regna finalmente l'elemento di un'allegra danza popolare. Ma qui ha un carattere speciale: sembra un intricato ballo circolare, un ballo di gruppo in cui la danza è combinata con il canto e l'azione di gioco. Ciò è confermato anche dal fatto che nell'esposizione la parte principale viene ripetuta in chiave principale altre due volte - dopo un piccolo episodio di transizione e dopo una parte laterale. Cioè, sembra riprendere, facendo un movimento in cerchio. E questo introduce caratteristiche della forma rondò nella forma sonata. La stessa parola "rondo", come già accennato, creatività clavicembale Quando Haydn creò le sue opere clavicembali, il pianoforte sostituì gradualmente il clavicembalo e il clavicordo dalla pratica musicale. Haydn scrisse le sue prime composizioni per questi antichi strumenti a tastiera, e nelle successive edizioni iniziò ad indicare "per clavicembalo o pianoforte" e, infine, talvolta solo "per pianoforte". Tra le sue opere più clavicembali, il posto più significativo spetta alle sonate soliste. In precedenza, si credeva che Haydn ne avesse solo 52. Ma poi, grazie alla ricerca dei ricercatori, questo numero è salito a 62. Le più famose sono le sonate in re maggiore e mi minore24. Sonata in re maggiore Il tema della parte principale, che dà inizio alla prima parte di questa sonata, è una danza sprizzante di gioia e allegria con salti di ottava fanciulleschi maliziosi, abbellimenti, mordenti e ripetizioni di suoni. Tale musica può anche essere immaginata come suonata in un'operebuffa: nelle edizioni precedenti, queste sonate sono stampate come "n. 37" e "n. 34", e nelle edizioni successive come "n. 50" e "n. 53" . 24 31 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Ma poi salti maliziosi dalla parte principale penetrano nello sviluppo del tema della parte laterale, e poi - passaggio pignolo Movimento dalla parte di collegamento. Diventa più teso, travolgente e improvvisamente si calma rapidamente, come per una decisione istantanea. Successivamente, l'esposizione si conclude con una festa finale danzante con nonchalance. C'è ancora molto trambusto nello sviluppo. Qui l'ottava salta dal tema della parte principale, entrando mano sinistra , Diventano ancora più birichini e il movimento del passaggio raggiunge una tensione e un'ampiezza ancora maggiori rispetto allo sviluppo del tema della parte laterale nell'esposizione. Nella ripresa, il suono delle parti laterali e finali in tonalità principale (Re maggiore) stabilisce fermamente il predominio di uno stato d'animo gioioso. Il contrasto più forte è introdotto nella sonata dal breve secondo movimento, di carattere lento e sobrio. È scritto nella chiave omonima in re minore. Nella musica si sente il passo pesante della sarabanda, un'antica danza che spesso assume il carattere di un corteo funebre. E nelle espressive esclamazioni melodiche con terzine e figure ritmiche punteggiate c'è una somiglianza con le melodie dolenti degli zingari ungheresi: passaggi allegri e pignoli dei sedicesimi riempiono la festa di collegamento. E anche il tema della parte laterale (nella tonalità di la maggiore) è ballabile, solo più sobrio, elegante: 32 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Sonata in mi minore . Si preparò diligentemente per questo, ma non poté poi portarlo a termine a causa dei suoi doveri ufficiali nella Cappella Esterhazy. È possibile che i sogni di un lontano viaggio "oltremare" e le esperienze ad essi associate si riflettessero nella sonata in mi minore che sorse in quel momento. Questa è l'unica delle poche sonate minori di Haydn in cui nel primo movimento un pronunciato carattere lirico si combina con un tempo molto veloce. Anche il tema della parte principale di questo movimento, con cui inizia la sonata, è peculiare: ma nell'arte ottimista di Haydn, le immagini cupe della morte sono sempre superate da immagini luminose della vita. E la seconda parte in re minore di questa sonata, che termina non sulla tonica, ma sull'accordo dominante, passa direttamente l'impetuoso finale di re maggiore 25. Il finale è costruito sotto forma di rondò, dove il tema principale - il ritornello ( nella tonalità principale di re maggiore) - si ripete tre volte, e tra le sue ripetizioni ci sono sezioni mutevoli - episodi: il primo episodio è in re minore e il secondo - in sol maggiore. Qui, solo nel primo episodio, in re minore, scivolano ricordi dolorosi - un'eco della parte centrale. Il secondo episodio, in sol maggiore, è già spensieratamente allegro e porta a un comico "appello" delle mani destra e sinistra sulla stessa nota. E il tema principale volante e danzante del finale (ritornello rondò) è uno dei più allegri di Haydn: le frasi di apertura del tema sono qui composte da una combinazione di due elementi. Nel basso, nella mano sinistra, il pianoforte si muove su una triade tonica minore, come chiamate a correre da qualche parte lontano. E proprio lì nella mano destra seguono tremanti, come se dubitassero, esitanti motivazioni-risposte. Il movimento generale del tema è morbido, ondulato, ondeggiante. Inoltre, la dimensione del primo movimento - 6/8 - è tipica del genere barcarola - "canzoni sull'acqua"26. Nella parte di collegamento c'è una modulazione in Sol maggiore parallela a Mi minore - la tonalità delle parti laterale e finale. Le parti di collegamento e finali, piene di passaggi commoventi dei sedicesimi, incorniciano la parte laterale - leggera, sognante, come indicato dalle parole italiane "attacca subito il Finale", che significa "iniziare subito il finale". Inizialmente i canti dei gondolieri veneziani si chiamavano barcarolles. Il nome stesso del genere deriva dalla parola italiana "barca" - "barca". 25 26 33 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte La Russia come se si alzasse: la natura, con il suono dei segnali, come se chiamasse il viaggio di ritorno, il cuore sembrava sussultare in un'ansia gioiosa! E qui, dopo la transizione degli accordi, appare il tema principale del terzo movimento (il finale). Questo è il ritornello della forma del rondò in cui è scritto il Finale. Sembra una canzone di accompagnamento ispirata che aiuta a correre "a vele spiegate" nelle loro terre natali: Quindi, lo schema della forma del rondò, nel finale, è il seguente: ritornello (mi minore), primo episodio (mi maggiore) , ritornello (mi minore), secondo episodio (mi maggiore), ritornello (mi minore). Entrambi gli episodi sono collegati con il ritornello e tra loro per affinità melodica. Quando suonano le parti di collegamento, secondarie e finali, l'immaginazione disegna immagini allettanti: come soffia liberamente un vento favorevole, con che gioia viene portato avanti il ​​​​movimento veloce. Inoltre, nello sviluppo, costruito sul materiale delle parti principali, di collegamento e finali, prevalgono le deviazioni in tonalità minori. Nella tonalità principale, cioè non maggiore, ma minore, le parti secondarie e finali che sono diventate più spaziose sonore nella ripresa. Tuttavia, la tristezza e i dubbi spirituali vengono finalmente sconfitti sforzandosi nella distanza sconosciuta. Tale è il significato delle ultime battute del primo movimento, dove si ripete mirabilmente l'incipit invocativo del tema della parte principale. La seconda parte della sonata, lenta, in sol maggiore, è una sorta di aria strumentale, intrisa di un leggero stato d'animo contemplativo. La sua coloratura leggera è piena di echi di uccelli che cinguettano, mormorano ruscelli: Domande e compiti 1. Nomina il genere principale della musica clavier di Haydn. Quante delle sue sonate sono conosciute? 2. Descrivi le sezioni principali del primo movimento della sonata in re maggiore. C'è una connessione in questa parte tra la parte principale e quella laterale? 3. Quale contrasto apporta alla musica il secondo movimento della sonata in re maggiore? Qual è il suo rapporto con il finale? 4. Parlaci delle caratteristiche della struttura e della natura del tema della parte principale della prima parte della sonata in mi minore. Matura e caratterizza il resto degli argomenti e delle sezioni di questa parte. 5. Qual è il carattere del secondo movimento della sonata in mi minore? 6. Parlaci della forma del finale della sonata in mi minore e della natura del suo tema principale. Opere principali Oltre 100 sinfonie (104) Serie di concerti per vari strumenti e orchestra Oltre 80 quartetti (per due violini, viola e violoncello) (83) 62 sonate per clavicembalo Oratori della creazione e delle stagioni 24 opere arrangiamenti di canzoni scozzesi e irlandesi Tuttavia, non importa com'è dolce un riposo pacifico da qualche parte lontano, nel grembo materno 34 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa scritta in molti generi: le sue sinfonie, concerti strumentali, varie formazioni cameristiche, sonate per pianoforte, Requiem per coro, solisti e orchestra. Il talento fenomenale insolitamente precoce e rapidamente sviluppato di Mozart creato attorno al suo nome; alone del leggendario "miracolo musicale". Caratteristica luminosa; è stato presentato come artista ispirato da A. S. Pushkin nella commedia ("piccola tragedia") "Mozart e Salieri". Secondo esso, l'opera omonima di N. A. Rimsky Korsakov è stata scritta 27. Mozart era il compositore preferito di P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Percorso di vita Famiglia. Prima infanzia. Il luogo di nascita di Wolfgang Amadeus Mozart, nato nel gennaio 1756, è la città austriaca di Salisburgo. Si estende in modo pittoresco sulle sponde collinari del veloce fiume Salzach, che ha tracciato il suo corso ai piedi delle Alpi orientali. Salisburgo era la capitale di un piccolo principato, il cui sovrano aveva la dignità spirituale di un arcivescovo. Il padre di Wolfgang Amadeus, Leopold Mozart, prestò servizio nella sua cappella. Era un musicista serio e altamente istruito: un prolifico compositore, violinista, organista e insegnante. La "School of Violin Playing" da lui pubblicata è stata distribuita in diversi paesi, tra cui la Russia. Dei sette figli di Leopoldo e di sua moglie Anna Maria, solo due sopravvissero: il figlio più giovane Wolfgang Amadeus e la figlia Maria Anna (Nannerl), che era più grande! fratello per quattro anni e mezzo. Quando suo padre iniziò a insegnare a Nannerl, che aveva ottime capacità, a suonare il clavicembalo, iniziò presto a studiare con il Wolfgang di tre anni, notando il suo orecchio più fine e la straordinaria memoria musicale, già da quattro anni il ragazzo aveva provato a comporre musica, e i suoi primi pezzi per clavicembalo sopravvissuti furono registrati da suo padre, quando l'autore aveva solo cinque anni. C'è una storia su come Wolfgang, di quattro anni, abbia cercato di comporre un concerto più clavicembalo. Insieme alla penna, ha immerso le dita nel calamaio e ha macchiato la carta da musica. Non quando mio padre ha scrutato questa registrazione infantile, attraverso le macchie ha scoperto in essa un indubbio significato musicale. Uno dei più grandi geni musicali, il compositore austriaco Wolfgang Amadeus Mozart visse solo 35 anni. Di questi, ha composto musica per trent'anni e, lasciando in eredità più di 600 opere, ha dato un contributo inestimabile al fondo d'oro dell'arte mondiale. La valutazione più fedele e più alta del dono creativo di Mozart durante la sua vita è stata data dal suo contemporaneo più anziano Joseph Haydn. "... Tuo figlio", disse una volta al padre di Wolfgang Amadeus, " più grande compositore che conosco personalmente e per nome; ha gusto e, inoltre, la massima conoscenza della composizione. La musica di Haydn e Mozart, definita i classici viennesi, ha in comune un'ottimistica percezione attivo-efficace del mondo, una combinazione di semplicità e naturalezza nell'esprimere i sentimenti con la loro poetica altezza e profondità. Allo stesso tempo, c'è una differenza significativa tra i loro interessi artistici. Haydn è più vicino alle immagini folk-quotidiane e lirico-epiche, ea Mozart - in realtà quelle liriche e lirico-drammatiche. L'arte di Mozart è particolarmente accattivante per la sua sensibilità alle esperienze emotive di una persona, nonché per l'accuratezza e la vivacità nell'incarnazione di vari personaggi umani. Lo ha reso grande compositore d'opera. Le sue opere, e soprattutto Le nozze di Figaro, Don Giovanni e Il flauto magico, hanno goduto di immutato successo per tutto il terzo secolo, andando in scena sui palcoscenici di tutti i teatri musicali. Uno dei posti più onorevoli nel repertorio concertistico mondiale è occupato dalle opere di Mozart.La versione secondo cui Salieri avrebbe avvelenato Mozart per invidia è solo una leggenda. Čajkovskij ne ha orchestrati quattro brani per pianoforte Mozart e ne ha compilato la suite "Mozartiana". 27 28 35 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte russa eseguirà un concerto per violino... suonerà sulla tastiera coperta da un fazzoletto così come se fosse davanti ai suoi occhi, poi da lontano nominerà tutto i suoni che uno ad uno o in accordi verranno presi sul clavicembalo o su qualsiasi altro strumento o pubblicati da oggetti - una campana, un bicchiere, un orologio. Alla fine improvviserà non solo sul clavicembalo, ma anche sull'organo per tutto il tempo che il pubblico vorrà, e in tutte le chiavi, anche le più difficili, che lo chiamano ... ”Primi viaggi di concerto. Leopold Mozart ha deciso di iniziare a fare viaggi di concerti nei principali centri musicali con i suoi figli dotati. Il primo viaggio - nella città tedesca di Monaco - ebbe luogo all'inizio del 1762, quando Wolfgang aveva appena sei anni. Sei mesi dopo, la famiglia Mozart andò a Vienna. Lì, Wolfgang e Nannerl si esibirono alla corte imperiale, ebbero un clamoroso successo e furono inondati di doni. Nell'estate del 1763 i Mozart intrapresero un grande viaggio a Parigi e Londra. Ma prima hanno visitato un certo numero di città tedesche e, sulla via del ritorno, di nuovo a Parigi, così come ad Amsterdam, L'Aia, Ginevra e molte altre città. Le esibizioni dei piccoli Mozart, in particolare di Wolfgang, suscitarono sorpresa e ammirazione ovunque, anche nelle più magnifiche corti reali. Secondo l'usanza di quei tempi, Wolfgang si presentava davanti a un nobile pubblico con un abito nero ricamato e una parrucca incipriata, ma allo stesso tempo si comportava con una spontaneità puramente infantile, poteva, ad esempio, saltare in ginocchio davanti all'imperatrice . I concerti che duravano 4-5 ore di fila erano molto faticosi per i piccoli musicisti, e per il pubblico si trasformavano in una sorta di intrattenimento. Ecco cosa è stato detto in uno degli annunci: “... Una ragazza del dodicesimo anno e un ragazzo del settimo anno suoneranno un concerto al clavicembalo ... Inoltre, il ragazzo 36 www.classON.ru Children's educazione nel campo dell'arte russa Il tour di concerti è continuato per più di tre anni e ha portato a Wolfgang un'ampia varietà di impressioni. Ha ascoltato un gran numero di opere strumentali e vocali, ha incontrato alcuni musicisti eccezionali (a Londra - con il figlio più giovane di Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Tra una performance e l'altra, Wolfgang ha studiato con entusiasmo composizione. A Parigi, quattro delle sue sonate per violino e clavicembalo uscirono di stampa, indicando che si trattava delle opere di un bambino di sette anni. A Londra, ha scritto le sue prime sinfonie. Rientro a Salisburgo e soggiorno a Vienna. Prima opera. Alla fine del 1766 l'intera famiglia tornò a Salisburgo. Wolfgang iniziò a dedicarsi sistematicamente alla tecnica compositiva sotto la guida di suo padre. I Mozart trascorsero tutto il 1768 a Vienna. Sotto contratto con il teatro, il dodicenne Wolfgang ha scritto, seguendo modelli italiani, l'opera buffa The Imaginary Simple Girl in tre mesi. Sono iniziate le prove, ma lo spettacolo ha cominciato a essere rinviato e poi completamente annullato (probabilmente a causa degli intrighi di invidiosi). Si è svolto solo l'anno prossimo a Salisburgo. A Vienna, Wolfgang compose anche molti altri brani musicali, tra cui cinque sinfonie, e diresse con successo la sua messa solenne in occasione della consacrazione di una nuova chiesa. Viaggi in Italia. Dalla fine del 1769 all'inizio del 1773, Wolfgang Amadeus fece tre lunghi viaggi in giro per l'Italia con suo padre. In questa "terra della musica", il giovane Mozart si è esibito con grande successo in più di una dozzina di città, tra cui Roma, Napoli, Milano, Firenze. Dirigeva le sue sinfonie, suonava il clavicembalo, il violino e l'organo, improvvisava sonate e fughe su determinati temi, arie su determinati testi, suonava egregiamente a vista opere difficili e le ripeteva in altre tonalità. Due volte visitò Bologna, dove per qualche tempo prese lezioni dal famoso insegnante - teorico e compositore Padre Martini. Superata brillantemente la difficile prova (avendo scritto una composizione polifonica utilizzando complesse tecniche polifoniche), il quattordicenne Mozart fu eletto membro dell'Accademia Filarmonica di Bologna in via eccezionale. E secondo lo statuto vi erano ammessi solo musicisti che avevano compiuto i vent'anni e con esperienza di soggiorno preliminare in questa autorevole istituzione. A Roma, visitando la Cappella Sistina in Vaticano (residenza papale) 29, Mozart ascoltò una volta una grande composizione spirituale polifonica per due cori del compositore italiano del XVII secolo Gregorio Allegri. Quest'opera era considerata proprietà del Papa e non ne era consentita la copia o la distribuzione. Ma Mozart scrisse a memoria l'intera complessa partitura corale e il corista papale confermò l'accuratezza della registrazione. L'Italia - un grande paese non solo di musica, ma anche di belle arti e architettura - ha dato a Mozart un'abbondanza di impressioni artistiche. Era particolarmente affascinato dalla visita ai teatri dell'opera. Il giovane padroneggiava così tanto lo stile operistico italiano che scrisse tre opere in breve tempo, che furono poi messe in scena con grande successo a Milano. Si tratta di due serie d'opera - "Mitridate, re del Ponto" e "Lucio Silla" - e un'opera pastorale sulla trama mitologica "Ascanio in Alba"30. Viaggi a Vienna, Monaco, Mannheim, Parigi. Nonostante il brillante successo creativo e concertistico, Wolfgang Amadeus non è riuscito a ottenere il servizio alla corte di nessuno dei sovrani degli stati italiani. Dovevo tornare a Salisburgo. Qui, al posto del defunto arcivescovo, regnava un nuovo sovrano, più dispotico e maleducato. Diventava più difficile per i Mozart, che erano al suo servizio, ricevere un permesso per nuovi viaggi. E il teatro dell'opera, per il quale Mozart aspirava a comporre, non era disponibile a Salisburgo e altre opportunità di attività musicale erano limitate. Il viaggio a Vienna per i due musicisti fu possibile solo grazie al fatto che lo stesso arcivescovo di Salisburgo desiderava visitare la capitale dell'Austria. A malincuore, diede anche il permesso ai Mozart di recarsi a; Monaco di Baviera, dove andò in scena la nuova opera buffa del giovane compositore. E per il viaggio successivo, solo Wolfgang Amadeus è riuscito a ottenere il permesso con grande difficoltà. Suo padre fu costretto a rimanere a Salisburgo e sua madre andò ad accompagnare suo figlio. La prima lunga tappa è avvenuta nella città tedesca di Mannheim. Qui Wolfgang Amadeus e Anna Maria furono accolti cordialmente nella sua casa da uno dei direttori dell'allora famosa orchestra sinfonica, rappresentante della scuola preclassica dei compositori di Mannheim. A Mannheim, Mozart composto da artisti italiani, tra cui Michelangelo. 30 Il Regno del Ponto è un antico stato sul Mar Nero, principalmente l'attuale costa turca (“Pont Euxinus”, cioè “mare ospitale”, antico nome greco del Mar Nero). Lucius Sulla è un'antica figura militare e politica greca. Pastorale (dalla parola italiana "pastore" - "pastore") è un'opera con una trama che idealizza la vita in seno alla natura. La Cappella Sistina - chiesa domestica papi in Vaticano; fu costruito nel XV secolo sotto papa Sisto IV. Le pareti e il soffitto della cappella sono dipinti con grande 29 37 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa una serie di opere, per lo più strumentali, segnate dallo stile musicale già maturo. Ma neanche qui c'era un posto vacante a tempo indeterminato per Wolfgang Amadeus. Nella primavera del 1778 Mozart e sua madre arrivarono a Parigi. Tuttavia, le speranze di ottenere un vero riconoscimento lì e di occupare una posizione di rilievo non si sono avverate. Nella capitale della Francia, il bambino miracoloso, questo giocattolo apparentemente vivente, è già stato dimenticato e non sono riusciti a riconoscere il fiorente talento del giovane musicista. Mozart non è stato fortunato né con l'organizzazione di concerti, né con la ricezione di un ordine per un'opera. Viveva di miserabili guadagni dalle lezioni, per il teatro poteva scrivere solo musica per un piccolo balletto "Trinkets". Nuove opere straordinarie sono uscite da sotto la sua penna, ma poi non hanno attirato una seria attenzione su se stesse. E nell'estate di Wolfgang Amadeus soffrì di un forte dolore: sua madre si ammalò e morì. All'inizio l'anno prossimo Mozart tornò a Salisburgo. Opera Idomeneo. Rompere con l'arcivescovo e trasferirsi a Vienna. Gli eventi più importanti dei prossimi anni per Mozart furono la creazione e la messa in scena dell'opera Idomeneo, re di Creta a Monaco, il suo grande successo. Qui le migliori qualità dell'opera seria italiana sono state combinate con i principi della riforma operistica di Gluck. Ciò ha aperto la strada all'emergere dei capolavori operistici vividamente originali di Mozart. ... Era il 1781. Mozart ha 25 anni. È autore di trecento e mezzo opere, piene di nuove idee creative. E per l'arcivescovo di Salisburgo è solo un servitore musicale, che il padrone arrogante e dispotico opprime e umilia sempre di più, lo costringe a sedersi a tavola nella stanza del popolo "sopra i cuochi, ma sotto i lacchè", non gli permette andare ovunque senza permesso, né esibirsi da nessuna parte. Tutto questo è diventato insopportabile per Mozart, e ha presentato le sue dimissioni. L'arcivescovo lo ha rifiutato due volte con maledizioni e insulti, e il suo entourage ha sgarbatamente cacciato il musicista fuori dalla porta. Ma lui, dopo aver sperimentato uno shock spirituale, è rimasto fermo nella sua decisione. Mozart è stato il primo grande compositore a rompere con orgoglio dalla posizione finanziariamente sicura ma dipendente del musicista di corte. Vienna: l'ultimo decennio. Mozart si stabilì a Vienna. Solo occasionalmente ha lasciato brevemente la capitale austriaca, ad esempio, in occasione della prima produzione della sua opera Don Giovanni a Praga o durante due tournée di concerti in Germania. Nel 1782 sposò Constance Weber, che si distinse per il suo carattere allegro e la sua musicalità. Uno dopo l'altro nacquero dei bambini (ma dei sei, quattro morirono da piccoli). I guadagni di Mozart dalle esibizioni concertistiche come interprete della sua musica clavicembalo, dalla pubblicazione di composizioni e produzioni di opere erano irregolari. Inoltre Mozart, essendo una persona gentile, fiduciosa e poco pratica, non sapeva gestire con prudenza le questioni finanziarie. La nomina alla fine del 1787 al posto mal pagato di musicista da camera di corte, incaricato di comporre solo musica da ballo, non lo salvò dal bisogno di denaro spesso sperimentato. Nonostante tutto ciò, in dieci anni viennesi, Mozart ha creato più di duecento e mezzo nuove opere. Tra questi brillavano i suoi più brillanti risultati artistici in molti generi. Nell'anno del matrimonio di Mozart, il suo singspiel Il ratto dal serraglio, sfavillante, andò in scena a Vienna con grande successo; umorismo31. E l'opera buffa "Le nozze di Figaro", originale di; il genere del "dramma allegro" "Don Juan" e la fiaba dell'opera "Flauto magico", nata negli ultimi anni viennesi, appartengono a le vette più alte, realizzato dal teatro musicale per il tutto! la sua storia. Tre delle sue migliori sinfonie, che si rivelarono essere le ultime, tra cui quella in sol minore (n. 40), Mozart scrisse nell'estate del 1788. Nello stesso decennio apparvero molte altre opere strumentali del compositore: la "Little Night Serenade" orchestrale in quattro parti, una serie di concerti per pianoforte, sonate e vari ensemble da camera. Mozart ha dedicato sei dei suoi quartetti d'archi a Haydn, con il quale ha avuto un rapporto affettuoso. relazioni amichevoli . Con grande interesse Mozart ha studiato in questi anni le opere di Bach e Handel. L'opera più recente di Mozart è il Requiem, una messa per i morti per coro, solisti e orchestra. Nel luglio 1791 fu ordinato al compositore da un uomo che non voleva dare il suo nome. Sembrava misterioso, poteva dar luogo a cupi presentimenti. Solo pochi anni dopo si scoprì che l'ordine proveniva da un conte viennese che voleva acquistare l'opera di qualcun altro e spacciarla per sua. Gravemente malato, Mozart non è stato in grado di completare completamente il Requiem. È stato completato secondo le bozze di uno degli studenti del compositore. Si racconta che alla vigilia della morte del grande musicista, che seguì la notte del 5 dicembre 1791, gli amici cantarono con lui parti dell'opera ancora incompiuta. In accordo con il triste disegno del Requiem, l'ispirata espressività lirica e drammatica della musica di Mozart ha acquisito una speciale sublimità e serietà. Per mancanza di fondi, Mozart fu sepolto in una fossa comune per 31 32 Serraglio - la metà femminile nelle case dei ricchi nobili orientali. La parola latina "requiem" significa "pace". 38 www.classON.ru L'educazione dei bambini nel campo dell'arte in Russia è scarsa e il luogo esatto della sua sepoltura rimane sconosciuto. per Susanna, la contessa vestita del suo abito. Vergognato dalla moglie, Almaviva è costretto a non impedire più a Figaro e Susanna di celebrare il loro matrimonio, che conclude allegramente e felicemente una "giornata folle", piena di ogni sorta di imprevisti. L'opera inizia con un'ouverture che ha guadagnato grande popolarità ed è spesso eseguita in concerti sinfonici 34. A differenza di molte altre ouverture, questa ouverture non utilizza temi che risuonano nell'opera stessa. Qui viene vividamente trasmesso lo stato d'animo generale dell'azione successiva, la sua affascinante rapidità e ribollente allegria. L'ouverture è scritta in forma sonata, ma senza sviluppo, sostituito da una breve connessione tra esposizione e ripresa. Allo stesso tempo, si distinguono chiaramente cinque temi, che si sostituiscono rapidamente. Il primo e il secondo costituiscono il lotto principale, il terzo e il quarto - il lotto laterale, il quinto - il lotto finale. Sono tutti energici, ma allo stesso tempo ognuno ha il suo carattere speciale. Il primo tema della parte principale, suonato all'unisono da archi e fagotti, si muove rapido, con maliziosa agilità: Domande e compiti 1. Che cosa ha in comune la musica di Mozart con la musica di Haydn? E qual è la differenza tra gli interessi artistici di questi due classici viennesi? 2. Raccontaci della famiglia e della prima infanzia di Wolfgang Amadeus Mozart. 3. In quali paesi e città si è esibito Mozart da bambino? Come sono state queste esibizioni? 4. A che età Mozart scrisse la sua prima opera buffa? Come si chiamava e dove era collocato? 5. Raccontaci dei viaggi in Italia del giovane Mozart. 6. Quali città visitò in seguito Mozart? Il suo viaggio a Parigi ha avuto successo? 7. Raccontaci della rottura di Mozart con l'arcivescovo di Salisburgo. 8. Descrivi l'ultimo decennio della vita e dell'opera di Mozart. Nomina le opere principali da lui create durante questo periodo. Opera "Le nozze di Figaro" La prima dell'opera di Mozart "Le nozze di Figaro" ebbe luogo a Vienna nel 1786. Lo stesso compositore ha diretto il clavicembalo per le prime due esecuzioni. I successi sono stati enormi, tanti ma la misura si è ripetuta per i bis. Il libretto (testo verbale) di quest'opera in quattro atti è stato scritto in italiano da Lorenzo da Ponte sulla base della commedia dello scrittore francese Beaumarchais Crazy Day, ovvero Le nozze di Figaro. Nel 1875, P. I. Ciajkovskij tradusse questo libretto in russo e nella sua traduzione l'opera viene eseguita nel nostro paese. Mozart definì Le nozze di Figaro un'opera buffa. Ma non è solo una commedia divertente con situazioni divertenti. Principale caratteri sono rappresentati dalla musica come vari personaggi umani viventi. E l'idea principale dell'opera di Beaumarchais era vicina a Mozart. Perché consiste nel fatto che il servitore del conte Almaviva Figaro e la sua sposa, la serva Susanna, si rivelano più intelligenti e rispettabili del loro padrone titolato, di cui rivelano abilmente gli intrighi. Il conte stesso ha preso in simpatia Susanna e sta cercando di ritardare il suo matrimonio. Ma Figaro e Susanna superano con inventiva tutti gli ostacoli che si presentano, attirando al loro fianco la moglie del conte e il giovane paggio Cherubino, al servizio di una persona nobile. Il tema di collegamento della festa principale, la festa piena, differisce principalmente: ricordiamo che la parola "ouverture" deriva dal verbo francese "ouvrir", che significa "aprire", "iniziare". 33 34 39 www.classON.ru audace Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa con passaggi di scala, appare il primo tema della parte laterale, la cui melodia è eseguita dai violini. Il tema ha un carattere ritmicamente stravagante, leggermente capriccioso, ma persistente: i numeri vocali. Quindi, il primo numero da solista nella parte di Figaro (è stata affidata al baritono) - una piccola aria (cavatina) - suona subito dopo che Susanna ha informato il suo fidanzato che il conte ha iniziato a perseguire il suo corteggiamento. A questo proposito, Figaro canta beffardamente una melodia nel movimento di un minuetto - un galante ballo dell'alta società (le sezioni estreme della forma di ripresa in tre parti della cavatina): Il secondo tema della parte laterale ricorda esclamazioni decisive: E il il tema della parte finale è il più equilibrato, come se sistemasse tutto: nella ripresa, le parti laterali e finali si ripetono già nella tonalità principale di re maggiore. Sono uniti da una coda, sottolineando ulteriormente il carattere allegro e vivace dell'ouverture. In quest'opera di Mozart, un posto importante è occupato da ensemble vocali, principalmente duetti (per due personaggi) e terzine (per tre personaggi). Sono separati da recitativi accompagnati da un clavicembalo. E il secondo, terzo e ultimo, quarto atto termina con le finali: grandi ensemble con la partecipazione da sei a undici personaggi. Gli assoli sono inclusi nello sviluppo dinamico dell'azione in modi diversi: nella sezione centrale della cavatina, il movimento contenuto è sostituito da uno rapido, e un'elegante melodia a tre tempi è sostituita da una assertiva a due tempi. Qui Figaro esprime già risolutamente la sua intenzione di impedire a tutti i costi gli insidiosi "piani del suo padrone: È indirizzata al giovane paggio Cherubino. Ha sentito per caso come il conte ha cercato di dichiarare il suo amore a Suzanne e a un testimone così indesiderato è stato ordinato di andare al servizio militare. Nella sua aria, Figaro prende in giro allegramente e argutamente la situazione, dipingendo un giovane viziato dalla vita di corte, immagini della dura vita militare. Nella musica, ciò si riflette in un'abile combinazione di ballabilità provocatoria con mosse di fanfara "militanti". Questo è il ritornello che suona tre volte sotto forma di rondò: l'altro è una piccola aria di natura simile a una canzone "Il sangue caldo eccita il cuore". Questa è una confessione più contenuta di teneri sentimenti, timidamente rivolta alla stessa Contessa: Susanna (soprano) è descritta in molti ensemble come energica, abile e intraprendente, non inferiore in questo a Figaro. Allo stesso tempo, la sua immagine è sottilmente poeticizzata nell'aria luminosa e sognante del quarto atto. In esso, Susanna si rivolge mentalmente a Figaro con un dolce appello: Quanto allo stesso Cherubino (la sua parte è interpretata da una bassa voce femminile - mezzosoprano), è descritto in due arie come un giovane ardente, ancora incapace di comprendere la propria sentimenti, pronti ad innamorarsi di ogni passo. Uno di questi è l'aria gioiosa e tremante "Dimmi, non posso spiegare". Combina la melodiosità con il ritmo, come se pulsasse a intermittenza per l'eccitazione: 41 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Domande e compiti 1 . Quando e dove ha debuttato Le nozze di Figaro di Mozart? 2. Su quale commedia si basa il suo libretto? 3. Qual è l'idea principale di questo lavoro? 4. Come è costruita l'ouverture dell'opera? 5. Parlaci delle caratteristiche dei due numeri solistici nella parte di Figaro. 6. A quale voce è affidata la parte di Cherubino? Canta le melodie delle sue arie. 7. Come si caratterizza Susanna negli ensemble e come - nell'aria del quarto atto? La quarta variazione (con il lancio della mano sinistra sulla destra), al contrario, è più audacemente ampia. La quinta variazione, dove il tempo iniziale senza fretta di Andante grazioso è sostituito da uno molto lento - Adagio, è un'aria strumentale melodiosa, colorata di coloratura. E poi il cambio di ritmo in veloce (Allegro) corrisponde all'allegro carattere di danza dell'ultima, sesta variazione. Il secondo movimento della sonata è il Minuetto. Come al solito, è costruito in forma di ripresa in tre movimenti con ripetizione esatta nella ripresa della musica del primo movimento. Tra di loro c'è la parte centrale (Trio) 35. In tutte le parti del Minuetto, intonazioni maschili decise e imperiose sono confrontate con intonazioni femminili tenere e lisce, simili a espressive esclamazioni-indirizzi lirici. Sonata in La maggiore per clavicembalo Shiroko famosa sonata Mozart in la maggiore, comunemente indicato come la sonata di marzo turca, è un ciclo insolitamente costruito. Il primo movimento qui non è una sonata allegra, ma sei variazioni su un tema leggero e calmo, ingenuamente aggraziato. Sembra una canzone che potrebbe essere cantata di buon umore nella vita musicale viennese. Nel suo ritmo dolcemente ondeggiante, c'è una somiglianza con il movimento della Siciliana - un'antica danza o canzone da ballo italiana: il compositore ha chiamato la terza parte della sonata (finale) "A11a Turca" - "Alla maniera turca". Successivamente, a questo finale è stato assegnato il nome "marcia turca". Non c'è nulla in comune con la struttura intonazionale della musica popolare e professionale turca, che è insolita per le orecchie europee. Ma nel XVIII secolo, nella musica europea, principalmente teatrale, sorse una moda per le marce, convenzionalmente chiamate "turche". Usano il colore timbrico dell'orchestra "Janissary", che era dominata da strumenti a fiato e percussioni: tamburi grandi e rullanti, piatti, triangolo. I soldati delle unità di fanteria dell'esercito turco erano chiamati giannizzeri. La musica delle loro marce era percepita dagli europei come selvaggia, rumorosa, "barbara". Non ci sono forti contrasti tra le variazioni, ma hanno tutte un carattere diverso. Nella prima variazione prevale un grazioso movimento melodico stravagante, nella seconda - la giocosità aggraziata è combinata con una sfumatura umoristica (le note di grazia "malvaghe" nella parte della mano sinistra sono degne di nota). La terza variazione - l'unica scritta non in La maggiore, ma in La minore - è piena di figurazioni melodiche leggermente tristi, che si muovono in modo uniforme, come con gentile timidezza: Alla fine del Trio c'è la designazione "Minuetto da capo" . Italiano - "dalla testa", "dall'inizio". 35 "Da capo" tradotto da 42 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa Il finale è scritto in una forma insolita. Può essere definito come un coro a tre voci (in la maggiore). La ripetuta ripetizione del ritornello conferisce alla struttura del finale le caratteristiche di un rondò. Il primo movimento - con motivi facilmente "circolari" (La minore) - e il movimento centrale - con un melodioso movimento di passaggio (Fa diesis minore) - combinano naturalmente una danzabilità aggraziata con un chiaro passo in marcia: per molto tempo si è creduto che Mozart compose la sonata in la maggiore nell'estate del 1778 a Parigi. Ma poi hanno scoperto informazioni che ciò è accaduto alcuni anni dopo, a Vienna. Tale informazione è tanto più plausibile perché lì, nel 1782, ebbe luogo la prima del singspiel di Mozart "Il ratto dal serraglio". In esso l'azione si svolge in Turchia, e nella musica dell'ouverture, e in due cori simili a una marcia, si nota l'imitazione della musica "giannizzero". Inoltre, è rumoroso? Mozart aggiunse la finta coda "Giannizzero" in la maggiore al finale dei senati solo nel 1784, quando l'opera fu pubblicata. È anche degno di nota il fatto che nella sonata, come in "Il ratto dal serraglio", un ruolo importante appartiene ai generi del canto e della marcia. In tutto ciò si è manifestata la connessione della musica strumentale con la musica teatrale, che è molto caratteristica di Mozart. Domande e compiti 1 . Cosa c'è di insolito nel ciclo della sonata in La maggiore di Mozart? Raccontaci la natura del tema e sei variazioni su di esso nella prima parte di questo lavoro. 2. Quale genere di danza viene utilizzato nella seconda parte della sonata? 3. Spiega perché il finale della sonata in La maggiore si chiama Marcia turca. Qual è la particolarità della sua costruzione? Canta sui suoi temi principali. 4. Con quale opera musicale e teatrale di Mozart riecheggia la musica della sua "Marcia turca"? Sinfonia in sol minore Composta a Vienna nel 1788, la Sinfonia in sol minore! (n. 40) è una delle opere più ispirate del grande compositore. Il primo movimento della sinfonia è una sonata allegra a un tempo molto veloce. Inizia con il tema della parte principale, che affascina immediatamente come una confessione lirica confidenziale e sincera. È cantato dai violini con l'accompagnamento dolcemente ondeggiante di altri strumenti a corda. Lo stesso ritmo concitato è riconoscibile nella sua melodia come all'inizio della prima aria di Cherubino dall'opera Le nozze di Figaro (vedi esempio 37). Ma ora è un testo più “adulto”, serio e coraggioso: il ritornello (in La maggiore) suona tre volte, è come una specie di “ritornello del giannizzero”, nella parte della mano sinistra un'imitazione di un rullo di tamburo si sente: A questo proposito, la "marcia turca" talvolta chiamata "Rondo alla turca" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte in Russia Un piccolo sviluppo). Ma non ci sono contrasti in esso, tutto obbedisce allo stato d'animo luminoso generale, che è determinato fin dall'inizio nella parte principale che suona sugli strumenti a corda: la mascolinità del personaggio è esaltata nella parte di collegamento, in cui si sviluppa la parte principale . C'è una modulazione in si bemolle maggiore parallela a sol minore - la chiave della parte laterale. Il suo tema è più leggero, più aggraziato e femminile rispetto al tema principale. È colorato da intonazioni cromatiche, nonché dall'alternanza di timbri di strumenti a corda e a fiato: nella settima battuta appare qui una figura leggermente “svolazzante” di due note da trentaduesimo. In futuro, penetra poi nelle linee melodiche di tutti i temi, poi sembra avvolgersi attorno ad essi, apparendo in registri diversi con strumenti diversi. È come l'eco delle voci della natura pacifica. Solo a tratti un po' disturbati, si sentono ora vicini, poi lontani. Secondo la tradizione consolidata, il terzo movimento della sinfonia è il Minuetto. Ma in esso solo la parte centrale - il Trio - è chiaramente tradizionale. Con il suo movimento fluido, la melodiosità delle voci e la tonalità in sol maggiore, il Trio mette in risalto le sezioni principali in sol minore, estreme di questo Minuetto, nel complesso insolito per tensione lirica e drammatica. Sembra che dopo la tranquilla contemplazione della natura, incarnata in Andante, ora dovessi tornare al mondo delle ansie spirituali e dei disordini che dominavano la prima parte della sinfonia. Ciò corrisponde al ritorno della tonalità principale della sinfonia - Sol minore: nella parte finale si verifica una nuova esplosione di energia. Qui il ruolo principale appartiene allo sviluppo ripetuto e persistente del primo motivo a tre suoni del tema della festa principale. Con l'inizio di uno sviluppo piuttosto espansivo, le nuvole sembrano addensarsi con ansia. Dal leggero si bemolle maggiore c'è una brusca svolta nella cupa chiave lontana del fa diesis minore. Nello sviluppo, il tema della festa principale si sviluppa in modo drammatico. Passa attraverso un'intera gamma di chiavi, è divisa in frasi e motivi separati e sono spesso imitati in diverse voci dell'orchestra. Il primo motivo di questo tema pulsa molto teso. Ma alla fine la sua pulsazione si indebolisce, frena il suo tremito e arriva una ripresa. Tuttavia, l'impatto dell'elevata intensità drammatica raggiunta nello sviluppo si riflette in questa sezione della prima parte. Qui la lunghezza della parte di collegamento aumenta notevolmente, porta alla presentazione delle parti laterali e finali non più in maggiore, ma nella tonalità principale di sol minore, il che rende il loro suono più drammatico. Il secondo movimento della sinfonia è Andante in mi bemolle maggiore. Contrasta con la prima parte lirico-drammatica con la sua dolce e gentile tranquillità. Anche la forma Andante è sonata (con Sol minore che è la tonalità principale e la quarta parte della sinfonia - il finale, che va a un ritmo molto veloce. Il finale è scritto in forma sonata. Il tema principale in questa parte della sinfonia è il tema della parte principale Insieme al tema della parte principale della prima parte, si riferisce a Ma se il tema nella prima parte suona come una confessione lirica gentile e riverente, allora il tema del finale è un'appassionata lirica -appello drammatico, pieno di coraggio e decideremo 44 www.classON.ru Educazione dei bambini nel campo dell'arte russa 2. Parlaci degli argomenti principali del primo movimento della sinfonia e del loro sviluppo. 3. Che carattere ha la musica nella seconda e terza parte della sinfonia? 4. Qual è il tema principale nel finale della sinfonia? In che modo il suo carattere differisce dal carattere del tema della parte principale del primo movimento? 5. Come viene costruito il tema della parte principale del finale? Su cosa si basa lo sviluppo nello sviluppo? Opere principali Questo fascino ardente è creato dal rapido aumento della melodia lungo i suoni degli accordi, e figure melodiche energiche che ruotano attorno a un suono sembrano rispondere al suo impulso. Come nel primo movimento della sinfonia, il tema aggraziato della parte laterale del finale è particolarmente brillante nell'esposizione quando viene eseguito in si bemolle maggiore: 19 opere Requiem Circa 50 sinfonie 27 concerti per clavicembalo e orchestra 5 concerti per violino e orchestra Concerti con accompagnamento d'orchestra per flauti, clarinetto, fagotto, corni, flauti con arpa Quartetti d'archi (più di 20) e quintetti Sonate per clavicembalo, per violino e clavicembalo Variazioni, fantasie, rondò, minuetti per clavicembalo La parte finale è basata su il secondo elemento del tema della parte principale. Nello sviluppo del finale, il primo elemento invocativo del tema della festa principale si sviluppa in modo particolarmente intenso. L'alta tensione drammatica è raggiunta dalla concentrazione di metodi di sviluppo armonici e polifonici - dirigendo in molte chiavi e appelli imitativi. Nella ripresa, l'esecuzione della parte laterale nella tonalità principale di sol minore è leggermente offuscata dalla tristezza. E il secondo elemento del tema della parte principale (figure affermative ed energiche), come nell'esposizione, suona al centro della parte finale della ripresa. Di conseguenza, il finale di questa geniale creazione di Mazart costituisce un brillante apice lirico e drammatico dell'intero ciclo sonata-sinfonico, senza precedenti nella sua determinazione attraverso lo sviluppo figurativo. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Il grande compositore tedesco Ludwig van Beethoven è il più giovane dei tre brillanti musicisti che sono chiamati i classici viennesi. Beethoven visse e creò già a cavallo tra il XVII e il XIX secolo, in un'epoca di grandiosi cambiamenti e sconvolgimenti sociali. La sua giovinezza ha coinciso con i tempi, Domande e incarichi 1 . Quando e dove Mozart creò la Sinfonia in sol minore n. 40? 45 www.classON.ru Educazione artistica per bambini in Russia

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Titolo: Letteratura musicale Paesi esteri

Sul libro "Letteratura musicale dei paesi stranieri" di I. A. Prokhorov

Il libro di testo intitolato "Letteratura musicale dei paesi stranieri", compilato da I. Prokhorova, è destinato allo studio indipendente. Questo spiega la brevità e l'accessibilità della presentazione del materiale.

Il libro "Letteratura musicale dei paesi stranieri" introdurrà gli studenti a brevi biografie e alle migliori creazioni compositori famosi. I bambini potranno conoscere la vita e il lavoro di geni come I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert e F. Chopin. I. Prokhorova non ha descritto in modo troppo dettagliato le storie di compositori di talento, nel libro di testo troverai le principali date di vita, origine, titoli e titoli, campo di attività, condizioni che hanno influenzato la scelta della professione. Il libro racconterà le fasi principali della vita e del lavoro dei musicisti, le loro opinioni sociali e politiche.

La pubblicazione "Letteratura musicale dei paesi stranieri" è destinata agli studenti delle scuole di musica, tuttavia, a tutti coloro che non sono indifferenti opere classiche troverà qualcosa di interessante in questo libro. I. Prokhorova ha arricchito il testo con spiegazioni di alcuni concetti musicali e non, il che lo rende meno accademico. La parte che descrive la vita dei musicisti è presentata nel contesto della vita storica e culturale dei paesi europei di quel periodo. Ciò offre agli studenti l'opportunità di una comprensione più profonda e ampia delle condizioni in cui vissero e lavorarono i leggendari compositori.

Poiché il libro "Letteratura musicale dei paesi stranieri" è destinato alla lettura domestica, tutte le opere sinfoniche in esso contenute sono proposte in arrangiamento a quattro mani. Vale la pena notare che la storia dell'opera di Bach, che, secondo il programma, viene studiata proprio alla fine dell'anno, è posta all'inizio. L'autore ha compiuto questo passo per osservare la cronologia della presentazione.

Il compilatore di questo libro è sicuro che l'uso regolare del libro di testo risveglierà negli studenti il ​​\u200b\u200bgusto per la conoscenza di sé con la letteratura musicale popolare e scientifica. Inoltre, i bambini potranno sviluppare e rafforzare le capacità di lettura musicale a prima vista, oltre ad abituarsi a esibirsi a quattro mani.
L'autoapprendimento di opere famose consentirà di eseguirle durante le lezioni, in presenza di altri bambini, il che renderà più attive le classi collettive e migliorerà notevolmente la percezione della musica classica.

Sul nostro sito sui libri lifeinbooks.net puoi scaricare gratuitamente senza registrazione o leggere libro in linea"Letteratura musicale dei paesi stranieri" di I. A. Prokhorov nei formati epub, fb2, txt, rtf, pdf per iPad, iPhone, Android e Kindle. Il libro ti regalerà molti momenti piacevoli e un vero piacere da leggere. Puoi acquistare la versione completa dal nostro partner. Inoltre, qui troverai ultime novità dal mondo letterario, impara la biografia dei tuoi autori preferiti. Per gli scrittori alle prime armi, c'è una sezione separata con consigli e trucchi utili, articoli interessanti, grazie ai quali puoi cimentarti nella scrittura.

Le note di supporto sulla letteratura musicale dei paesi stranieri sono un'aggiunta ai libri di testo esistenti sulla letteratura musicale. Il contenuto del manuale corrisponde al programma dell'argomento PO.02.UP.03. "Letteratura musicale" di ulteriori programmi educativi generali preprofessionali nel campo dell'arte musicale "Pianoforte", "Strumenti ad arco", "Strumenti a fiato e percussioni", "Strumenti popolari", " Canto corale”, raccomandato dal Ministero della Cultura della Federazione Russa.

Le note di supporto sulla letteratura musicale sono progettate per sviluppare l'educazione umanitaria e le competenze speciali degli studenti, in particolare: "... formare il pensiero musicale, capacità di percezione e analisi delle opere musicali, acquisire conoscenze sui modelli della forma musicale, sulle specificità del linguaggio musicale, sui mezzi espressivi della musica" 1 .

Il libro di testo presenta il lavoro dei compositori nel contesto di epoche culturali e storiche, è studiato in stretta connessione con eventi storici e arti affini. Il materiale astratto sono le principali tesi di ricerca sulla storia della musica e della letteratura musicale di V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova e altri noti musicologi, materiale didattico generalizzato e conciso nella forma di tabelle, diagrammi e supporti visivi. Supporti visivi (riproduzioni di dipinti di artisti famosi, ritratti di compositori, loro parenti e amici, figure eminenti cultura e arte, personaggi storici, ecc.) non solo accompagnano e integrano le informazioni verbali, ma sono portatori di informazioni nel campo delle belle arti, sono direttamente correlate alle epoche e alle tendenze della musica, al lavoro dei compositori, riflettono la storia, la cultura e l'arte dei paesi europei.

Il contenuto delle note di riferimento è costituito da quattro sezioni, che a loro volta sono suddivise in argomenti che coprono i periodi di sviluppo della musica europea dalla cultura musicale dell'antica Grecia all'opera dei compositori romantici del XIX secolo. La prima sezione prende quindi in esame la cultura musicale dell'Antica Grecia, del Medioevo e del Rinascimento. La seconda sezione studia l'epoca barocca, l'opera di J. S. Bach e G. F. Handel. La terza sezione è dedicata all'era del classicismo, dove l'accento è posto sul lavoro dei classici viennesi: J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart e L. Beethoven. La quarta sezione presenta materiali sull'era del romanticismo, il lavoro di F. Schubert e F. Chopin, dato breve recensione opere di compositori romantici del XIX secolo F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, J. Brahms, J. Bizet.

Il manuale comprende anche dizionari di significati, termini e concetti presenti nel testo, una breve analisi ed esempi musicali delle opere studiate.

Insieme a una rigorosa presentazione del materiale in tabelle e diagrammi, il manuale include fatti interessanti della vita dei compositori, presentati sotto forma di narrazione e accompagnati da colorate illustrazioni artistiche, che rinfrescano la percezione e l'attenzione dei bambini.

Le note di riferimento sulla letteratura musicale dei paesi stranieri sono destinate agli studenti della Children's Art School, Children's Music School del secondo e terzo anno di studio (gradi 5 e 6), che stanno studiando ulteriori programmi educativi generali pre-professionali nel campo dell'arte musicale. Gli insegnanti di discipline teorico-musicali e speciali delle scuole di musica per bambini, scuole d'arte per bambini possono utilizzare il libro di testo quando studiano nuovo materiale, ripetono e sistematizzano gli argomenti trattati, si preparano per la certificazione intermedia e finale degli studenti, si preparano per le olimpiadi di teoria musicale, lavoro indipendente di studenti, formazione di gruppo e individuale, in parte durante l'attuazione di ulteriori programmi di sviluppo generale in aree dell'arte musicale, nelle attività culturali ed educative.

Le note di riferimento sono accompagnate da una cartella di lavoro, progettata per funzionare in classe.

Di seguito si riportano frammenti del manuale "Note di supporto alla letteratura musicale dei paesi stranieri".

Per l'acquisto del manuale di Tatyana Guryevna Savelyeva "Note di riferimento sulla letteratura musicale dei paesi stranieri", si prega di contattare l'autore all'indirizzo [e-mail protetta]

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1 Programma esemplare per la materia PO.02. UP.03. Letteratura musicale. - Mosca 2012

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DAI COMPILATORI
Questo libro è un manuale sulla letteratura musicale di quel periodo storico, che inizia negli ultimi decenni dell'Ottocento. Un libro di testo del genere appare per la prima volta: il quinto numero termina, come sapete, con il lavoro di K-Debussy e M. Ravel.
Il libro include una descrizione di varie scuole di musica nazionali, che ne hanno determinato la struttura generale. La prima sezione fornisce una descrizione dei processi generali che sono stati implementati a modo loro nell'arte musicale di diversi paesi e nel lavoro di compositori di diverse personalità. Ogni sezione successiva è costituita da una panoramica della cultura musicale di un determinato paese, nonché da una sezione monografica dedicata all'opera dei compositori più significativi di questa scuola. Solo la sezione dedicata all'opera di I. Stravinsky differisce nella sua struttura: non contiene una recensione introduttiva. E questo è comprensibile: dopotutto, avendo trascorso la maggior parte della sua vita fuori dalla Russia a causa di circostanze speciali, Stravinsky è rimasto un maestro russo e non apparteneva a nessuna delle scuole straniere. La sua influenza decisiva principi creativi quasi tutti i principali musicisti del nostro secolo non consentono di rimuovere Stravinsky da quadro complessivo sviluppo dell'arte musicale del XX secolo. L'inclusione di questo capitolo monografico nel libro di testo sulla letteratura musicale straniera è dovuta anche alle peculiarità del curriculum della scuola: al momento dello studio musica straniera Nel XX secolo, gli studenti non conoscono affatto né la personalità né la musica di I. Stravinsky. Passeranno a questa pagina dell'arte musicale solo alla fine del quarto corso, dove viene considerato solo il primo periodo russo dell'opera del compositore.

L'attenzione dei compilatori e degli autori del libro di testo è focalizzata sia sulla rappresentazione dei processi musicali e storici generali del periodo in esame, sia sull'analisi delle opere più straordinarie che sono diventate dei classici del nostro secolo. Data l'eccezionale complessità degli eventi dell'arte musicale del XX secolo, la loro eterogeneità, intersezioni reciproche e il loro rapido cambiamento, i capitoli di rassegna hanno occupato un posto molto più ampio in questo libro rispetto alle edizioni precedenti. Tuttavia, in accordo con i principi metodologici della materia, i compilatori hanno cercato di mantenere l'attenzione sull'analisi delle opere musicali, che in questo caso hanno lo scopo di rivelare la diversità dei metodi creativi, modi di pensare, diverse scelte stilistiche e la pluralità di tecniche compositive dei maestri del nostro secolo.

In considerazione del fatto che il libro offre un ampio panorama dell'arte musicale, e l'analisi è in molti casi molto complicata (che è in gran parte predeterminata dal materiale stesso), i compilatori ritengono possibile indirizzare questo libro di testo a studenti non solo di performante, ma anche di dipartimenti teorici. scuole di musica. Il contenuto del libro consente un approccio selettivo ad esso nel processo educativo; la profondità e il dettaglio dello studio dei capitoli è determinato dagli stessi insegnanti, a seconda del livello di preparazione degli studenti, dell'attrezzatura materiale del processo educativo con note e registrazioni musicali e del numero di ore assegnate dal curriculum per questa parte del corso.
A questo libro ha lavorato un folto gruppo di autori. Di qui l'inevitabilità di modi diversi di presentare il materiale; allo stesso tempo, proprio nell'approccio ad esso, i compilatori hanno cercato di preservare principi metodologici uniformi.

CONTENUTO
Dai compilatori
Modi di sviluppo dell'arte musicale straniera del XX secolo.
Cultura musicale dell'Austria
Gustav Mahler
Creatività vocale. "Canzoni di un apprendista itinerante"
Creatività sinfonica. Prima Sinfonia
ARNOLD SCHENBERG
Vita e percorso creativo
"Sopravvissuto di Varsavia"
ALBAN BERG
Vita e percorso creativo
Dramma musicale Wozzeck
Concerto per violino e orchestra
ANTON WEBERN.
Vita e percorso creativo
Cultura musicale della Germania
RICHARD STRAUSS
Vita e percorso creativo
Creatività sinfonica. Poesie sinfoniche "Don Juan" e "Til Ulenspiegel"
PAOLO HINDEMITH
Vita e percorso creativo
Creatività sinfonica. Sinfonia "Artista Mathis".
CARLO ORF
Vita e percorso creativo
I generi principali del lavoro di Karl Orff e le loro caratteristiche.
Opera "Ragazza intelligente"
"Carminaburana"
Igor Stravinsky
Vita e percorso creativo
"Sinfonia di Salmi"
Opera "Edipo Re"
Cultura musicale della Francia.
ARTHUR ONEGGER
Vita e percorso creativo
Creatività teatrale e oratoria. Oratorio "Giovanna d'Arco al rogo"
Creatività sinfonica. Terza Sinfonia ("Liturgica")
DARIO MIJO
Vita e percorso creativo
Vocale-strumentale, creatività. "Castello di fuoco"
Francesco Poulenc
Vita e percorso creativo
Opera "La voce umana"
Cultura musicale della Spagna
MANUEL DE FALLA
Vita e percorso creativo
Balletto "L'amore è una maga"
Opera "Breve vita"