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세계에 주목한 극작가의 한 사람. 시험의 예

원고로

보레이키나 타티아나 페트로브나

드라마의 예술세계

V. I. 미샤니나

스페셜티 10.01.02–

러시아 연방 민족의 문학

학위 논문

후보자 문헌학

사란스크 2011

이 작업은 FSBEI HPE "M.E. Evseviev의 이름을 딴 Mordovia State Pedagogical Institute"의 문학부 및 문학 교육 방법에서 수행되었습니다.

리드 조직:마리 엘 공화국 정부 산하 국가 인도주의 과학 기관 "마리 언어, 문학 및 역사 연구소. V. M. 바실리예프»

방어는 FSBEI HPE "M.E. Evseviev의 이름을 딴 Mordovia State Pedagogical Institute"에서 논문 협의회 D 212.118.02 회의에서 ____ 시간에 ____ 시간에 "____"____________ 2011 년 430007, Saransk, st. 학생, 13b.

논문은 연구소의 도서관에서 찾을 수 있습니다.

과학비서관

논문심의회

문헌학 박사

E. A. Zhindeeva 교수

작업에 대한 일반적인 설명

연구의 관련성.현재 특정 작가 작품의 내부 법칙에 따라 역동적으로 발전하는 단일 전체로서 극적인 작품의 예술 세계에 대한 관심이 높아지고 있습니다. 작가가 작품 세계를 구성하고 주관적 현실을 만들어내는 방식은 그의 세계관을 결정하는 데 특히 중요하다. 드라마투르기는 시사와 직접적인 관련이 있다. 현대 생활, 그것은 사람들의 관계와 그들 사이에서 발생하는 갈등을 묘사합니다. 극작가의 제한된 선택 표현 수단그리고 작품의 양에서 무대의 존재감, 작가의 연설과 설명(비고에서만)의 최소한의 존재는 작가가 마스터하기 매우 어려운 극적인 종류의 문학을 만듭니다.

개발 전반에 걸친 Mordovian 드라마는 사람들의 사회 정치적 및 일상 생활을 반영하고 도덕 문제를 제기하고 해결했습니다. Mordovia의 현대 극작가-V. I. Mishanina, A. I. Pudin, N. B. Golenkov는 확립 된 전통을 어느 정도 이어가고 심리적 드라마 장르에서 일합니다.

V. I. Mishanina의 이름은 Mordovia뿐만 아니라 Finno-Ugric 세계 전체에 알려져 있습니다. 그녀의 작품은 러시아어, Udmurt, Karelian, Mari, Komi 언어로 출판됩니다. Peru V. I. Mishanina는 "Kit ushetksots"( "The Beginning of the Road", 1972), "Siyan Rakudnya"( "Silver Shell", 1974), "Kachamu Shobdava"( "Smoky Morning", 1976), “ Ki langsa lomatt”(“길 위의 사람들”, 1985), “Ozks tumot taradonza”(“신성한 참나무 가지”, 1992), “Valmaftoma kud”(“창문 없는 집”, 2002), “Yoron yuromsta stirnya " ( "메추라기 부족의 소녀", 2006) 및 기타. V. I. Mishanina는 Mordovia의 연극 예술에 큰 공헌을했습니다. "Tyat Shava, Tyat Sala"("Do n't Kill, Do n't Steal"), "Kuigorozh", "Ozks Tumot Taradonza"( "Branches of the Sacred Oak"), "Senem Tolmar"와 같은 많은 연극 " ( "푸른 불꽃") , "Kyape menelga"( "구름 위의 맨발"), "Yoron yuromsta stirnya"( "메추라기 부족의 소녀")가 상연됩니다. 국립 극장, 폭넓은 호응과 관객의 호응을 받으며, 절실히 경험하고 오랫동안 마음에 남는다.

V. I. Mishanina의 연극 예술 세계에는 사람의 내면 상태에 대한 연구와 표시를 기반으로 한 특별한 유형의 비유로서 현상에 대한 뚜렷한 심리적 묘사가 있습니다. 그의 작품은 내적 통일성을 갖고 있어 하나의 통합된 메타텍스트를 나타내며, 따라서 그녀가 창조하는 예술 세계는 서로 중첩되어 유사한 모습을 드러낸다. V. I. Mishanina의 극작의 특징은 가장 평범한 것을 묘사하는 맥락에서 현대인의 영적, 도덕적 가치의 세계를 반영한다는 것입니다. 사회 현상및 프로세스. Mordovian 문학 평론가 E. I. Chernov에 따르면“V. Mishanina의 극작술은 우리 시대의 가장 떨리는 문제에 대응합니다. 일하는 것, 우리 시대의 근본적인 사건.” V. I. Mishanina의 극작술은 그녀가 제기하는 철학적, 영적, 도덕적 성격의 문제로 인해 독자와 시청자에게 단순한 수동적 인식보다 훨씬 더 큰 수준의 공모와 공감이 필요하다는 연구원의 관점을 공유합니다. 읽고있는 문학 평론가 M. I. Malkina는 "... 연극은 나무 껍질이있는 염소 무리가 아닙니다 ..."( "... Mishanina의 연극은 내용이 매우 풍부합니다 ...")라고 말합니다. 비평가 E. I. Azyrkina에 따르면, V. I. Mishanina의 희곡을 바탕으로 한 공연을 보면 종종 깊은 반성으로 이어집니다. 어떤 문제에 대해 자신과 논쟁하십시오").

Mordovian 문학 평론가 (E. I. Azyrkina, M. I. Malkina, E. I. Chernov, Yu. G. Antonov 등) 다른 시간연구 V. I. Mishanina의 작업으로 전환 다양한 측면그녀의 드라마투르기. 동시에 현대 모르도 비아 심리 드라마의 창작자 중 한 명인 모르도 비아 공화국의 인민 작가 인 V. I. Mishanina의 연극 예술 세계에 대한 연구는 지금까지 특별한 연구 대상이 아니 었습니다.

그녀가 창조하는 예술 세계인 V. I. Mishanina의 극작술은 삶의 지침을 반영한다는 점과 의미있는 현상, 연극의 사물을 구현하는 능력, 시간과 영웅을 묘사하는 능력, 중요한 사건과 과정의 관점에서 흥미 롭습니다. 현대 현실. 예술 세계는 극작가의 자기 표현과 상대적으로 말하자면 텍스트 공간 내에서 기능하는 "실제" 세계를 예술적 세계로 변형하는 일종의 종합이 된다는 사실에서 출발하여 개념을 탐구하고자 한다. 묘사된 세계의 작가의 재현 방법 중 하나. 따라서 묘사 된 세계는 작품에서 작가가 만든 현실 세계와 조건부로 유사한 현실의 그림을 의미합니다. 우선 이들은 사람, 그들의 행동과 경험, 사물, 자연 등입니다. 극적인 작품에서는 그 특이성 때문에 전경에 이미지가 있습니다 배우연설의 개별화, 독백 및 대화 구성의 세부 사항을 기반으로합니다. 우리는 다양한 수단의 도움으로 예술 세계를 구축하고 성격 특성, 문학 및 미학을 통합하고, 인생 경험사회적, 문화적 고정 관념을 고려하거나 반박하면서 극작가는 연극 세계의 창조에 동시에 참여하고 그로부터 거리를 두어 질적으로 새로운 예술 및 미학적 현상을 만듭니다. 작품의 한 형식으로 나타나는 묘사된 세계는 태도, 세계관, 스타일 등 자신만의 개성을 지닌 극적 공간 안에서 V. I. Mishanina의 자기표현 방식 중 하나가 된다.

따라서 논문 작업의 관련성은 제기 된 문제의 중요성과 불충분 한 연구에 의해 결정되며 V. I. Mishanina의 작품의 이데올로기 적, 예술적 특징을 식별하는 드라마 투르 기의 예술 세계 연구에 있습니다. 현대에서 저자의 위치, 역할 및 중요성을 결정할 수 있습니다. 문학적 과정모르도바.

객체연구 - Mordovia의 문학과 문화의 중요한 부분으로서의 연극.

안건연구 - V. I. Mishanina의 연극 예술 세계.

재료논문 연구에는 2010년 이전에 출판된 V. I. Mishanina의 모든 드라마 작품이 포함되어 있습니다.

표적작업-V. I. Mishanina의 극적인 작품의 예술 세계의 특징을 식별합니다.

이 목표의 실현에는 다음과 같은 솔루션이 포함됩니다. 작업:

-V. I. Mishanina의 예술적 (묘사 된) 연극 세계의 독창성 확립 ( 예술적 세부 사항, 초상화, 사물의 세계, 예술적 관습의 형태);

-V. I. Mishanina의 극작에서 캐릭터 이미지의 특성 결정;

-V. I. Mishanina가 묘사한 연극 세계의 특징적인 범주로 심리학을 달성하는 방법을 식별합니다.

– V. I. Mishanina의 연극에서 개별 작가 기호의 본질과 기능 정의.

이론적 및 방법론적 근거 M. M. Bakhtin, I. F. Volkov, N. A. Gulyaev, A. B. Yesin, A. F. Losev, S. A. Rzhanova, N. D. Tamarchenko, L. I. Timofeeva, O. I. Fedotova, E. Ya. Fesenko, V. E. Khalizeva, L. V. Chernets, Mordovian 드라마 투르기 E. I. Yu. G. Antonov, V. S. Bryzhinsky, V. V. Gorbunov, A. M. Katorova, M. I. Malkina, V. L. Peshonova, N. I. Cherapkina, E. I. Chernova 및 기타.

연구 방법.제기된 문제를 연구하기 위해 문학비평의 비교유형론적, 비교역사적 방법론을 바탕으로 다면적 접근의 방법론을 사용하였다. 연구의 문제와 성격에 따라 문학적 텍스트의 의미 해석 이론과 내용 공개라는 해석학의 방법도 사용되었습니다.

과학적 참신함연구는 다음과 같습니다.

처음으로 V. I. Mishanina의 극적인 작업은 통합 예술 및 미적 현상으로 연구되었습니다. 드라마틱 유니버스 내에서 영웅 캐릭터의 진화를 추적했습니다. V. I. Mishanina의 드라마 (시적 형식, 고백, 침묵, 비전, 꿈 등을 포함한 독백)에서 캐릭터의 심리적 세계를 드러내는 방법과 형태를 연구했습니다. 그들의 예술적 리얼리티를 구성하는 작품 속 중요한 상징들(참나무, 집, 창, 메추라기, 계단)이 드러난다.

이론적 중요성제시된 연구는 그 결과가 무기고에 대한 아이디어를 드러내고 체계화한다는 사실에 있습니다. 예술적 수단극작 V. I. Mishanina. 작품은 Mordovia의 드라마 투르기 개발의 맥락에서 작가 작품의 진화를 추적합니다.

실용적인 의미작업은 Mordovian 문학 연구, 현재 문제, 강의 과정, 학생들을위한 선택 과정 개발, 교육 및 방법론 매뉴얼 작성, 프로그램 준비, 선집, 대학 및 중등 학교를 위한 Mordovian 문학에 대한 검토 논문.

방어 조항:

1. 예술계극작가의 "실제" 세계를 텍스트 공간 내에서 기능하는 예술적 세계로의 변형을 기반으로 한 극작가의 자기 표현의 일종의 합성입니다.

2. V. I. Mishanina는 Mordovian 문학에서 인간 영혼의 조명에 눈에 띄게 초점을 맞춘 심리 드라마 장르의 창작자 중 한 명입니다. V. I. Mishanina 작품의 강점은 이것 또는 저 현상의 독창적 표현뿐만 아니라 현대 생활에 중요한 영향을 미치는 사회적 요인에 대한 광범위한 이해에도 있습니다.

3. 연극에서 극작가는 영적 붕괴 문제, 성격 저하 및 사람의 도덕적 재생 가능성에 대한 연구에 주된 관심을 기울입니다. V. I. Mishanina 캐릭터의 영적 세계를 드러내는 데 중요한 역할은 심리학과 내레이션의 하위 텍스트 방식이 담당합니다.

4. V. I. Mishanina의 극적인 작품에서 세계의 예술적 모델을 만드는 가장 중요한 수단 중 하나는 상징 (참나무, 집, 창문, 메추라기, 계단)입니다. 연극으로 결합.

5. V. I. Mishanina의 드라마 투기는 극작가의 개별적인 특징이 명확하게 나타나는 구조적 및 의미 론적 통합입니다. 현대 현상은 고독한 영웅의 맥락에 반영됩니다. 긍정적이고 긍정적 인 세트를 결합한 특별한 유형의 영웅의 존재 부정적인 특성, 그에 대한 독자의 이중적이고 모순적인 태도를 형성합니다. 역할 시스템의 부족, 즉 캐릭터가 지속적으로 개발되고 있습니다. 환상의 형태로 드라마의 내용을 입히고 현실 세계와 환상 세계의 합성; 민속 모티프의 적극적인 사용; 열린 결말의 존재; 기호 시스템의 존재.

작업 승인.논문 작업의 주요 조항은 국제 과학 및 실무 회의에서 보고서 형식으로 제공됩니다. Osov Pedagogical Readings "사회의 사회 문화적 발전에 대한 교육 대학의 기여"(Saransk, 2009); 전 러시아 과학 및 실무 회의: "문학 교육 시스템의 문화 간 관계"(Saransk, 2008), "사회 및 인도주의 지식 및 지역 사회 개발»(Saransk, 2009); Nagy는 "문학과 문화의 대화: 통합 관계"(Saransk, 2010)를 읽습니다.

논문 연구 결과를 총 9편의 논문집에 반영 과학 논문, 과학 및 실무 회의 자료 및 러시아 교육 과학부의 고등 인증위원회 목록에 포함 된 저널.

논문의 구조와 범위의도 한 목표의 세부 사항과 연구에서 설정된 작업에 의해 결정됩니다. 이 작업은 서론, 두 개의 장(6개 단락), 결론 및 참고 문헌 목록으로 구성됩니다. 논문의 총 분량은 149페이지이고 서지 목록에는 157개의 제목이 포함됩니다.

작업의 주요 내용

~ 안에 관리선택한 주제의 관련성과 과학적 참신함이 입증되고, 문제의 연구 정도가 확립되고, 작업의 목적과 목표가 결정되고, 연구 자료가 특성화되고, 방법 론적 기반과 분석 방법이 결정되고, 실용적인 논문 연구의 이론적 중요성이 확립되고 방어를 위해 제출 된 주요 조항이 공식화되며 승인에 대한 정보가 제공됩니다.

첫 장에서 "극적 작품의 예술 세계의 독창성"명시된 문제의 연구에 대한 주요 조항과 접근 방식이 제시됩니다.

첫 번째 단락 "개념의 해석" 세계 "에서 현대 문학 비평» 묘사된 세계의 개념을 고찰하고, 예술 세계의 가장 중요한 요소를 이론적인 측면에서 부각시킨다.

드라마는 그 구성과 구조, 무대에서의 구현 방식이 변화하는 복잡한 진화의 과정을 거친 독창적인 문학이자 연극이다. 무대 공연이라는 드라마의 목적은 변함이 없었다. 현재 심각한 문제를 겪고 있으며 현대 생활 리듬만큼 집중적으로 발전하지 못하고 있습니다. 현대 극작가 검색의 주요 주제는 의식을 완전히 채우는 중요하고 생생한 인물과 사건, 주로 삶의 상황에 대한 인물의 반응 인 영적 움직임입니다. 각 극은 고유한 등장인물이 있는 특별한 세계입니다. 플롯 개발그리고 원본 구성 건설. 이 세상은 예술이라고 불립니다. 현대 문학 비평에서 과학자들은 "예술적 세계"의 개념을 다른 방식으로 해석합니다. 이 개념을 나타내는 다양한 용어가 있습니다. 표현”(L. V. Chernets). 문학 비평에서 지배적인 접근 방식은 묘사된 세계가 다음과 같이 작용한다는 것입니다. 예술적 현실, 작가가 자신의 세계관의 프리즘을 통해 만들었습니다.

이 연구는 이 문제에 대한 다양한 관점을 검토합니다. 예를 들어, 예술 작품에 묘사된 세계는 "작가가 그리는 현실 세계와 조건부로 유사한 현실의 그림: 사람, 사물, 자연, 행동, 경험 등"을 의미한다는 A. B. Yesin의 진술이 있습니다. 이 범주의 정의에 대한 다른 문학 학자들의 관점과 유사하다. 예를 들어 O. I. Fedotov는 T. N. Pospelov와 다른 사람들을 따라 "객관적 현실의 주관적 모델", V. E. Khalizev- "예술적으로 마스터되고 변형된 현실"로 지정하고 L. V. Chernets는 작품의 세계를 "시스템"으로 제시합니다. , 어떤 식으로든 현실 세계와 상관관계가 있습니다." 작품의 묘사된 세계는 개별적인 예술적 요소(요소)로 구성됩니다. 많은 연구자들이 작품의 세계를 만드는 동일한 요소를 식별하지만 약간의 의견 차이가 있습니다. A. B. Esin의 관점에서 묘사 된 세계는 외부 (초상화, 풍경, 사물) 및 심리적 (독백, 고백, 꿈, 비전, 침묵 등) 세부 사항뿐만 아니라 예술적 속성 (생생함)을 통해 제시됩니다. 및 판타지 ) 및 형식( 예술적 시간, 예술 공간).

오랫동안 문학의 일종으로 드라마의 문제를 다루어 온 저명한 문학평론가 V. E. 칼리제프는 작품의 세계가 물질적, 시공간적 데이터, 정신, 의식, 사람, 그 자신을 "영혼-육체적 통일체"로. V. E. Khalizev에 따르면 작품 세계의 구성 요소는 캐릭터와 그의 이미지와 관련된 모든 것-의식 및 자기 인식, 초상화, 행동, 캐릭터의 대화 및 독백, 사물, 자연 및 풍경, 시간 및 공간, 음모. 또한 과학자는 일련의 움직임과 자세, 제스처 및 표정, 억양이있는 말과 같은 행동 형태라는 또 다른 범주를 식별합니다.

또 다른 유명한 문학 평론가 N. D. Tamarchenko는 두 가지 위치에서 묘사된 세계를 고려합니다. 서사학의 입장에서(내레이터, 내레이터, 관점, 구성 등). 작품의 묘사된 세계를 구성하는 나열된 범주 외에도 N. D. Tamarchenko는 이러한 구성 요소를 작가 및 영웅으로 식별합니다. 문학평론가는 작품에 묘사된 인물들이 그 기능에 따라 영웅, 캐릭터, 등장인물, 유형으로 나뉜다고 지적한다. 이러한 접근 방식은 예술 작품 분석의 새로운 지평을 열어줍니다.

현대 문예인들의 입장을 분석해 보면 ‘재현된 세계’(‘작품의 세계’, ‘예술적 세계’, ‘내면의 세계’, ‘객관적 세계’, ‘객관적 묘사’)의 개념은 모든 사람이 자신의 방식으로 해석합니다. 동시에 '묘사된 세계'는 작가가 현실 이해를 바탕으로 만들어낸 조건부 세계라는 데 대다수가 동의한다. 묘사 된 작품 세계에서는 작가, 캐릭터, 관습 (생생함, 예술적 시간과 공간, 사건, 상황, 갈등, 줄거리)과 같은 구성 요소가 구별됩니다.

논문 연구에서 설정한 과제를 해결하기 위해서는 A. B. Esin에 따라 외부 예술적 세부 사항(초상화, 풍경, 사물)과 심리적(3인칭 내레이션, 심리 분석 및 성찰)을 선별하는 것이 가장 적절하다고 생각합니다. , 내부 독백, 기본 , 꿈과 비전); 생생한 환상; 예술적 시간과 예술적 공간. 또한 심리학은 내부 독백뿐만 아니라 외부 독백의 수용을 통해서도 생성된다는 점을 고려해야합니다. V. E. Khalizev에 이어 우리는 그 기본값을 다음과 같이 믿습니다. 심리적 수용인식과 비인식의 두 가지 형태가 있으며 세계는 기호 없이는 묘사되지 않는 것 같습니다.

두 번째 단락 "Mordovian 문학에서 극적 장르 개발의 주요 경향"은 극적 장르의 본질, Mordovian 문학에서의 형성 및 발전을 이해하는 데 전념합니다.

드라마투르기(Dramaturgy)는 예술과 문화의 특정 표현, 문학과 연극의 종합, 가장 복잡한 문학 형식 중 하나입니다. Mordovian 문학에서 드라마의 기원은 F. M. Chesnokov, K. S. Petrova, F. I. Zavalishin의 이름과 관련이 있습니다. 고전 문학극은 민속 연극 형식의 오랜 기간이 선행되었습니다. V. S. Bryzhinsky 작품“Mordovian 민속 드라마 : 역사. 재건의 문제. 극 법. 연출. 노래의 연극'은 기독교 이전 시대(19세기 중반까지)에 발전을 시작한 모르도바 문학극의 근본 원리로서 민속극에 큰 관심을 기울인다. 민속 드라마는 세상에 대한 사람의 태도, 욕망 및 동기를 표현합니다. 주제의 관련성, 등장 인물의 충돌, 충돌의 발생 등 현대 국민 드라마 고유의 특징을 보여줍니다.

역사적, 문학적 용어로 큰 중요성"Mordovian 결혼식"M.E. Evsevyeva가 있습니다. 작품의 장르적 소속을 결정하는 문제는 깊이 있는 연구와 선택을 요구한다. 장르 특징. 우리의 의견으로는 "The Mordovian Wedding"는 드라마의 요소를 포함하고 극적인 종류의 법칙에 따라 만들어 졌기 때문에 드라마 작품에 기인 할 수 있습니다.

~에 첫 단계개발, Mordovian 극작술은 Mordovian 사람들의 사회 정치적 및 일상 생활을 반영했습니다. 내전 기간 동안의 계급 투쟁의 주제, 가부장적 토대와 종교적 신념의 파괴는 시사적이고 적절했습니다. Mordovian 드라마의 발전 추세는 시대의 특징 때문입니다. 장르 발전의 원동력 중 하나는 연극으로 신작 창작에 대한 관심을 불러 일으키고 당시의 사상을 사람들에게 전하며 세계관에 영향을 미쳤다.

Mordovian 드라마 발전의 역사는 조건부로 여러 단계로 나뉩니다.

1. 1920-1930년대 - F. M. Chesnokov, A. I. Zavalishin, K. S. Petrova가 작품을 만들었던 Mordovian 드라마의 탄생기.

2. 1940-1970년대 – A. S. Shcheglov, A. P. Tereshkin, K. G. Abramov, G. Ya. Merkushkin의 드라마투르기 개발 기간, 그의 작품에서 애국심과 도덕성 주제의 공개가 전면에 등장합니다.

3. 1980 년대-현재-극작의 발전과 심리 드라마 장르의 발전, 새로운 이름의 출현-V. I. Mishanina, A. I. Pudin, N. B. Golenkov.

세 번째 단락 "현대 Mordovian 극작술에 대한 예술적 탐색의 맥락에서 V. I. Mishanina의 창의성"에서 V. I. Mishanina의 극적인 작업의 진화는 Mordovian 국립 극장의 발전과 함께 추적됩니다.

현대 Mordovian 극작가의 작업은 시사 문제를 연구하고 사람의 심리적 세계를 드러내는 것을 목표로합니다. 사회 드라마 장르에서 A. I. Pudin의 연극 "Shava kudsa lomatt"( "빈 집에있는 사람들"), "Kudyurkhta"( "난로"), "Frunzenskaya의 집"이 작성되었습니다. N. B. Golenkov "Kushtaf Vaymot"( "Moldy Souls"), "Shyamon"( "Rust")의 연극. 사람의 내면 세계에 대한 세심한 관심, 개인의 영적 상태, 그의 개성, 심리학을 묘사하려는 욕구는 V. I. Mishanina의 극작이 특징입니다. 그녀의 연극에는 끊임없는 움직임, 캐릭터의 발전, 도덕적 진화 또는 타락이 있습니다. 극작가는 캐릭터의 행동을 결정하는 특정한 삶의 상황에 영향을 받는 캐릭터의 심리적 세계를 드러내는 것이 중요합니다. 외부 세계의 통합을 달성하고 내면의 조화영혼의 완전성을 보존해야만 가능하므로 전체 의미 인간의 삶, V.I. Mishanina에 따르면 영혼을 구하는 것입니다. Mordovian 비평가 E. I. Azyrkina는 인간의 영혼과 도덕성이 V. I. Mishanina의 작업에서 특별한 위치를 차지한다고 올바르게 지적합니다. 인간 영혼의 구원을 향한 그녀의 드라마 방향이 분명해집니다. 이것은 연극 "Tyat Shava, Tyat Sala"( "죽이지 말고 훔치지 마십시오")의 줄거리입니다. 그것은 영웅의 도덕적 재생이 일어나는 운동을 기반으로합니다. 믿음은 드라마의 연결 고리이자 추진 메커니즘입니다. 그것은 영웅에게 긍정적 인 영향을 미쳐 개선해야 할 이름으로 더 숭고하고 영원한 내면의 느낌을 형성합니다.

또 다른 연극 "Kutsemat"( "Steps")의 의미는 도덕적, 심리적, 사회적 문제의 맥락에서 해석 될 수 있습니다. 극작가는 굶주림, 추위, 흙, 분노한 사람들과 같은 거지 생활의 우울한 환경에 주목합니다. 작업에서 V. I. Mishanina는 사회적 대비의 그림을 배경으로 사회적 사다리의 다른 수준에있는 캐릭터의 캐릭터를 보여주었습니다. 영웅의 기억 속의 사건 재구성은 이러한 캐릭터를 역학으로 추적하고 사람들의 영혼에서 일어나는 변화의 의미를 이해하는 데 도움이되었습니다.

V. I. Mishanina의 극작에는 아버지와 자녀의 영원한 주제, 가족 간의 관계, 젊은 세대의 영적 및 도덕적 발전이 반영되었습니다. 연극 "Kyape Menelga"("구름 위의 맨발"), 유머러스한 "Modamarnyas ni modamanya"("감자는 감자다")에서 극작가는 도덕적 탐구인생에 대해 정반대의 견해를 가진 두 세대.

극작가이자 연구원 인 V. I. Mishanina는 농촌 생활의 심각한 사회 문제를 다루며 그 안에서 일어나는 과정을 설명합니다. 연극 "Senem Tolmar"( "Blue Flame")의 줄거리는 작가가 캐릭터의 본질, 그들의 생활 원칙, 설치. V. I. Mishanina는 연극 "Ozks Tumot Taradonza"( "Branches of the Sacred Oak")에서 시골 여성의 걱정과 문제를 보여줍니다. 극작가는 미혼모에 대한 농촌 주민들의 편견과 고정관념에 대한 이유를 이해하려고 노력하고 있다. 연극 "Valmaftoma kud"( "창이없는 집")의 이미지 갤러리는 다양합니다. 극작가는 다양한 세계관과 그에 따른 삶의 동기를 가진 개별 기능으로 이미지를 만들려고 노력합니다. V. I. Mishanina는 개인의 변화를 추적 할 수있는 덕분에 캐릭터의 성격 변화로 이어진 사건에 중점을 두었습니다.

V. I. Mishanina의 극작의 특징 중 하나는 민속 문화, 민속 및 환상에 대한 그녀의 호소입니다. 이러한 정신으로 민속 캐릭터 Kuygorozh, Tsyurbur가 연기하는 연극 "Kuygorozh"와 "Yoron yuromsta stirnya"( "메추라기 부족의 소녀")가 만들어졌습니다. 세계 나무가 나타납니다-오크 등 두 연극 모두 환상적인 이벤트가 있습니다. 사진에서 아버지의 "수렴"인 Kuygorozh의 트릭입니다. 개별 작가의 요소를 도입하여 민속 작품을 변형시킨 극작가는 새로운 "Kuigorozh"를 만들 수있었습니다. 문제를 강조하기 위한 독특한 접근 방식인 민속 모티프를 사용하여 V. I. Mishanina는 독창적이고 개별적으로 독창적인 동화극 "Yoron Yuromsta Stirnya"( "메추라기 부족의 소녀")를 만들 수 있었습니다.

V. I. Mishanina의 극작에서 핵심 가치를 식별하기위한 분석 과정에서 각 극에 대한 외삽이 수행되었으며 그 결과 영성과 도덕성으로 구성된 본질이 결정되었습니다. V. I. Mishanina는 진지한 비평가뿐만 아니라 모든 측면에서 삶을 이해하는 작가이자 극작가의 눈으로 세상을 바라보며 실생활의 자료, 주변 현실을 사용하여 캐릭터의 세계를 만듭니다.

동시에 V. I. Mishanina의 개별 작품의 높은 예술적 가치에도 불구하고 몇 가지 단점에 주목해야합니다. 따라서 연극에서 환상적인 기술의 적극적인 사용 ( "Kuigorozh", "Yoron Yuromsta Stirnya"- "메추라기 부족의 소녀")은 종종 무대 화신의 조건에 적용되지 않습니다. 연극에서 민속 모티프의 존재 ( "Kuigorozh", "Yoron yuromsta stirnya"- "메추라기 부족의 소녀", "Ozks tumot taradonza"- "신성한 참나무 가지")는 V. I. Mishanina의 창의성이 구전 민속 예술. 드라마 'Valmaftoma kud'('창문 없는 집')는 사회적 지위가 다른 사람들이 같은 칸막이(상인, 대리, 순진한 소녀, 감옥). 일부 연극에는 서사시 문학 장르의 특징적인 특징이 있습니다. 예를 들어 유머러스한 “Modamarnyas ni modamanya”(“감자는 감자다”)는 극적인 형식을 갖춘 이야기처럼 보입니다.

두 번째 장에서 "작가의 예술 세계 형성 맥락에서 V. I. Mishanina의 극작의 진화" V. I. Mishanina의 연극에서 묘사 된 세계 구성 요소의 예술적 기능을 분석하고 식별하는 데 관심이 집중됩니다.

첫 번째 단락 "V. I. Mishanina의 연극에서 심리학 및 창작 방법"에서는 V. I. Mishanina의 드라마 투르에서 구현 된 예술적 기술에 대한 분석이 수행됩니다.

심리학은 A. B. Esin에 따라 "마스터링 및 묘사"로 정의합니다. 소설또한 영웅의 내면 세계는 이미지가 세부 사항과 깊이로 구별되며 V.I. Mishanina의 극작에서 심리학은 사람의 내면 생활을보다 완전한 예술적 표현에 기여합니다. 극작가는 캐릭터 행동의 동기를 찾기 위해 주변 현실을 종합적으로 보여주는 것이 중요합니다. 저자는 연극에 분명히 존재하지 않지만 동시에 여러 가지 특정 기능을 수행하는 내레이터의 역할 덕분에 성공했습니다. 캐릭터의 영혼에서 발생하는 내부 프로세스를 드러내고“인과 관계 인상, 생각, 경험 사이의 관계”, 캐릭터의 성찰에 대한 언급( "Kuigorozh", "Ozks tumot taradonza"("신성한 참나무 가지")). 반성 외에도 극작가는 캐릭터의 캐릭터를 분석하는 다른 방법을 사용합니다. 이러한 기술의 본질은 "복잡한 정신 상태가 구성 요소로 분해되어 설명되어 독자에게 명확해진다" 입니다.

V. I. Mishanina의 연극에서 중요하고 자주 접하는 심리적 장치는 캐릭터의 심리적 세계를 다양한 방식으로 묘사하는 독백입니다. 우선 이것은 외부 독백입니다. 자신에게 발음하는 것이 아니라 큰 소리로 영웅의 마음 상태를 더 정확하게 전달할 수 있습니다. V. I. Mishanina의 연극에는 동물에 대한 특별한 독백이 있습니다. 대부분의 경우 연극 "Kuygorozh", "Ozks tumot taradonza"( "신성한 참나무 가지"), "Kyape menelga"( "Barefoot")의 영웅과 같이 의사 소통이 필요한 외로운 사람들의 경험을 드러내는 데 사용됩니다. 구름 위에서"). 종종 V. I. Mishanina는 감정적이고 표현적인 수단 덕분에 영웅의 내면 세계를 드러 낼 수있는 드라마의 구절 (노래, ditty)에서 독백을 사용합니다. 연극에도 고해성사가 있는데, 그 본성상 내면의 생각과 욕망에 대한 고백을 의미한다. 연극 "Tyat Shava, Tyat Sala"( "Do not kill, do not steal"), "Valmaftoma kud"( "창문이없는 집")에서이 기술이 가장 생생하게 표현됩니다. 느낌표, 수사적 질문으로 가득 찬 영웅 Lucy와 Men의 고백은 그들의 상태에 대한 극도의 드라마를 표현합니다. 이 단락은 시적 형식으로 표현되는 V. I. Mishanina의 극적인 영웅 고백의 특징을 강조합니다. 극작가는 독자, 시청자의 감정을 불러 일으켜 캐릭터의 영혼에 침투해야하므로 연극 "Senem tolmar"( "Blue Flame"), "Ozks Tumot Taradonza"( "Branches of the the Sacred Oak"), "Kuygorozh" 캐릭터는 종종 구절을 통해 내면의 상태를 표현합니다.

그녀의 연극에서 종종 V.I. Mishanina는 심리적 기본 방법을 사용하여 독자가 영웅과 병행하여 심리적 분석을 수행하여 독자의 관심을 불러 일으 킵니다. 저자는 이 기술을 인식과 비인식의 두 가지 형태로 사용합니다. 독자의 상상력을 활성화하는 이 기술은 연극 "Kyape menelga"("구름 위의 맨발"), "Tyat shava, tyat sala"(죽이지 말고 훔치지 마십시오"), "Valmaftoma kud"("House 창 없음").

V. I. Mishanina의 극적인 작품에는 무의식적이지만 경험이 풍부한 영웅의 세계를 드러내는 비전과 꿈과 같은 심리적 묘사 방법이 있습니다 (연극 "Yoron Yuromsta Stirnya"( "메추라기 부족의 소녀"), "Kuigorozh ”).

V. I. Mishanina의 연극에서 사용되는 심리적 묘사 방법에 대한 자세한 분석을 통해 내레이터의 존재, 심리적 분석 및 성찰과 같은 캐릭터의 내면 세계의 묘사와 개발이 모두 가능한 방법을 식별할 수 있습니다. , 동물에 대한 독백, 시적 형식의 독백, 고백, 침묵, 비전, 꿈.

두 번째 단락 "예술적 관습을 만드는 측면에서 V. I. Mishanina의 연극의 시공간 구성"은 극적인 작품에서 예술적 시간과 예술적 공간의 특성을 드러내는 데 전념합니다.

V. I. Mishanina의 극작에서 공간과 시간은 묘사된 세계의 시공간 조직의 다양한 형태가 의존하는 본질에 대한 관습입니다. 종종 그녀의 연극의 예술적 공간과 시간의 그림은 닫히지 않아 다른 장소와 시간대의 인물을 관찰할 수 있습니다. 하나의 연극에서 우리는 다양한 공간("푸른 불꽃", "메추라기 부족의 소녀", "신성한 참나무 가지", "죽이지 마세요, 도둑질하지 마세요")과 시간적 그림("쿠이고로즈")을 만날 수 있습니다. , "신성한 참나무 가지") 및 그 존재 형태. 추상적 공간과 시간은 뚜렷한 특징이 없기 때문에 연극의 예술 세계에 영향을 미치지 않으므로 언제 어디서 발생하든 사건의 중요성을 강조합니다. 특정 공간과 시간은 특정 장소와 시간에 "바인딩"되어 극의 구조를 구성합니다. 예를 들어, 연극 "Yoron Yuromsta Stirnya"("메추라기 부족의 소녀")에서 예술적 시간은 역사적 랜드마크에 "바인딩"하고 특정 감정적 의미를 갖는 시간을 결정하는 형태로 구체화됩니다. 시간 표시를 통해 캐릭터의 심리적 상태를 전달할 수 있습니다.

V. I. Mishanina의 드라마 예술 공간은 캐릭터의 내면 세계, 이미지 및 삶을 특징 짓는 "행동의 장"과 그림을 만들기 위해 사물로 가득 차 있습니다. 공간 객체는 때때로 독립적인 반사 객체가 됩니다. 극작가는 캐릭터의 내부 상태와 일정한 유사점을 그리면서 그들을 소개합니다.

따라서 한 공간에서 다른 공간으로의 전환, 시간적 불연속성, 추상적이고 구체적인 시간과 공간, 객체로 채워진 공간은 V. I. Mishanina의 연극의 특정 예술적 관습을 형성하는 시스템을 구성합니다. 이러한 기능 중 일부는 극적인 것이 아니라 더 특징적이라는 점에 유의해야 합니다. 서사시 종류문학.

"상징"의 개념을 연구하는 데 어려움이 있는 이유는 모호성과 다중 분류 때문입니다. 기호는 특정 대상을 의인화할 뿐만 아니라 부가적인 의미를 지니며 표현합니다. 일반적인 생각, 이 객체의 해석과 관련된 개념 및 현상. 기호에는 두 가지 표현 형식이 있습니다. 첫 번째 형식인 외부("기본")는 시각적이며 보이는 이미지객체, 두 번째 형식은 실제로 상징적입니다. 덕분에 가시적 이미지는 아이디어, 아이디어와 정신적으로 동일시됩니다. 추상성, 기호 언어의 추상성에도 불구하고 아이디어는 구체적이고 시각적이며 비유적인 형태로 표현됩니다.

V. I. Mishanina의 연극은 전통적인 국가적 세계관을 기반으로 하고 조건부로 중요한 기능을 수행하는 통합 기호 시스템을 제시합니다. 캐릭터의 내면 세계를 보다 완벽하게 공개하고 침투하는 데 기여하고 심리적 과정을 탐색할 수 있습니다. 상징주의의 예술적 체계에서 "이중 통일"의 원칙은 중요합니다. 세계의 통일성을 직관적으로 이해하고 지상 세계와 초월 세계 사이의 유추를 발견하는 수단으로서의 상징이 연극 "Kuigorozh"에 등장합니다.

V. I. Mishanina의 작업에는 이미 이름에 상징적 성격을 반영하는 연극이 있습니다 ( "Ozks tumot taradonza"- "신성한 참나무 가지", "Valmaftoma kud"- "창문이없는 집", "Kutsemat"- "단계 ”, "Yoron yuromsta stirnya"- "메추라기 부족의 소녀").

나무는 세계 전통의 중심 상징 중 하나입니다. 다른 식물과 마찬가지로 다산, 번영, 풍요와 관련이 있지만 주로 다양한 형태와 표현으로 생명을 의인화합니다. Mordovian 민속에서 강력한 참나무는 세계수(Ine Chuvto) 역할을 합니다. 자작나무, 피는 사과 나무. V. I. Mishanina는 다른 작품에서 이 기호를 사용합니다. 연극 "Ozks tumot taradonza"( "신성한 참나무 가지")에서 참나무는 여 주인공의 지혜, 고귀함 및 충실도, 힘 및 지구력을 상징합니다. 연극 "Kuigorozh"에서 오크는 신화 생물이 사는 특별한 장소로 언급됩니다.

연극 "Valmaftoma kud"("창문 없는 집")의 제목은 하나의 상징적 의미로 합성되고 추론될 수 있는 두 가지 기호, 즉 사람 자신과 그의 몸과 영혼을 상징하는 집과 창을 기반으로 합니다. 태양의 상징, 집의 눈, 세계관의 깊이 . 이러한 기호의 의미론적 유사성은 그것들을 하나로 결합하는 이유입니다: 태양, 빛, 통찰력이 없는 육체와 영혼처럼 창문이 없는 집. 이 기호는 중요한 의미 구성 요소 인 플롯의 핵심입니다. V. I. Mishanina는 창문이없는 집이라는 상징적 조합을 매우 정확하고 적절하게 선택했습니다. 집은 우리의 요새일 뿐만 아니라 우리의 내면 세계이기도 합니다. 한편으로는 번영의 구체화이고 다른 한편으로는 우리의 관심사와 취미, 습관 및 견해의 구체화입니다. 구어체 관행에서 "집"은 종종 사람 ( "슬픈 집", "배운 집")과 그의 가족 ( "좋은 집에서")을 특징 짓습니다. 잠재 의식의 심리학에서 집은 우리 영혼에서 일어나는 일의 중요한 상징입니다.

자유와 영혼의 유비쿼터스 상징 인 새는 모든 민족의 민속에서 발견 될뿐만 아니라 문학 작품에도 널리 퍼져 있습니다. 대부분의 경우 상징으로서의 새는 자유, 생각의 비행, 환상과 관련이 있습니다. 신화에서 새는 인간 영혼의 화신입니다. 연극 "Yoron yuromsta sternya"( "메추리 부족의 소녀")에서 적갈색 새는 친절, 용기, 용기 및 열성을 상징합니다. 메추라기의 상징은여 주인공의 이미지, 그녀의 고귀한 열망, 세계관 및 강한 자질을 깊고 통합적으로 공개하는 데 기여합니다.

연극 "Kutsemat"( "Steps")에서 주요 상징은 사다리, 계단입니다. 그것은 “위와 아래, 하늘과 땅 사이의 연결을 상징합니다. 상징적 수준에서 위로 올라가는 계단은 용기를 나타내고 아래로 내려가는 용기는 부정적인 특성과 관련됩니다. 또한 사다리는 계층의 상징입니다. "기업의 사다리를 오르다"라는 표현이 있습니다.

18세기 자연주의자 존재의 사다리를 정의하는 세계의 그림을 만들었습니다. V. I. Mishanina의 연극에서 사다리는 하늘과 땅의 연결이 아니라 사람들 간의 계층 적 관계를 상징합니다.

V. I. Mishanina의 작업에서 상징의 역할은 매우 중요합니다. 각 연극에서 그녀는 현실을 반영하고 정신 세계와 캐릭터의 잠재력을 드러낼 수 있는 이미지 기호를 사용합니다. 상징의 일반화는 공공과 개인, 선과 악의 대립이 명확하게 추적되는 극작품의 의미를 더 깊이 파고들게 한다. 극작가가 사용하는 상징적 예술적 수단의 풍부함과 다양성에 주목해야 합니다. 이들은 신화적인 플롯("Kuygorozh"), 기독교 모티프("죽이지 말고 훔치지 마십시오"), 물체 기호(극 "창문 없는 집"에서 집의 이미지 기호, 연극 "Steps"의 계단), 자연의 상징 ( 연극 "신성한 오크의 가지"에서 나무의 이미지 기호, 연극 "메추라기 부족의 소녀"에서 새의 이미지 기호 , 연극 "구름 위의 맨발"에서 하늘의 이미지 기호, 연극 "푸른 불꽃"에서 불의 이미지 기호), 기호 색상 ( "Kuigorozh", "창이없는 집"). 극작가의 이러한 광범위한 상징주의 사용은 현대의 공적 및 사적 삶의 영역에 대한 포괄적인 범위를 제공합니다.

따라서 V. I. Mishanina의 작업은 확립 된 상징을 통해 우리를 여러 세대에 의해 개발 된 전통적인 가치, 도덕성으로 되돌려 주므로 영원하고 테스트를 거쳐 필요합니다. 진행 상황, 관점, 발전, 때로는 포기까지 비용을 지불해야 합니다. 도덕 원칙. 그녀의 영감을받은 작품 인 드라마에서 V. I. Mishanina는 사람들이 어떤 상황, 활력 및 정의에서도 인간을 유지하도록 돕는 높은 도덕성에 대한 교훈을 가르 칠 수있었습니다.

안에 투옥주요 결론이 공식화되고 연구 결과가 요약됩니다. V. I. Mishanina가 드라마에서 만든 세계의 예술적 그림은 엄격하게 정의 된 법률에 따라 구성된 단일 통합 세계입니다. 문학 장르로서의 드라마의 특수성을 고려하여 그 실존적 좌표, 가치 척도, 속성 및 특징을 결정하였다. V. I. Mishanina의 드라마는 주제, 동기, 이미지 및 플롯의 특정 무결성과 공통성뿐만 아니라 그녀의 작업에 반영된 문제가 특징입니다. 제기 된 문제의 본질에 대한 침투의 깊이는 작가의 모든 극적인 작업을 특징 짓습니다.

논문 연구의 주요 내용은 저자의 다음 간행물에 반영됩니다.

러시아 연방

Boreykina, T. P. 캐릭터의 본질을 나타내는 방법으로 V. I. Mishanina의 드라마 투르기의 상징 (연극 "신성한 참나무의 가지", "Kuigorozh", "창이없는 집"의 예에서) / T. P. Boreykina / / Chelyabinsk State Pedagogical University의 게시판. 시리즈 “교육학 및 심리학. 철학과 예술 비평. - 2010. - 7호. - P. 271–280.
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여러면에서 다소 흥미롭고 논란의 여지가있는 문제이기 때문에 작가의 초기 극작술에 대해 별도로 이야기하고 싶습니다. 이미 언급했듯이 지금까지 Gorky의 과학에는 1902-1904 년 연극 장르의 문제가있는 작품이 없습니다. 중심으로 간주됩니다. 그러나 과학자들은 종종 자신의 버전과 가정을 표현했습니다. 장르가 다면적 범주라는 점을 기억할 가치가 있으므로 장르의 운반자 중 하나가 종종 연구 대상이 될 수 있습니다. 확정적이거나 불충분하게 입증된 결론이 없더라도 이러한 작품은 문학 작품의 역사적-기능적 연구와 연계하여 작업하는 연구자에게 귀중한 자료를 제공합니다.

표시된 작품을 분석하면 여러 가지 흥미로운 경향이 드러납니다. 여기서 특히 중요한 것은 20세기 유럽인의 세계관에서 발생하고 "세계 사진"의 변화로 표현된 근본적인 차이점을 이해하는 것입니다.

"세계의 그림" 또는 "현실에 대한 직관 체계"는 항상 "주어진 그룹이 사용하는 문화적 언어에 의해 매개"됩니다. 자신의 "세계 그림"은 모든 문화 현상뿐만 아니라 개인과 인류 전체가 될 수있는 모든 사회 심리적 단위에서 형성됩니다. 상징주의, 절정주의, 초현실주의, 포스트모더니즘 등은 그들의 "세계의 그림"을 구별할 수 있습니다. 그러나 문화 학자 V. Rudnev가 쓴 것처럼 20 세기는 적어도 "세계의 그림"을 전체적으로 설명 할 수 없다면 통일되지 않았을 것입니다.

사실, 전체적으로 19세기의 "세계의 그림"은 실증주의적이거나 물질주의적인 것 같습니다. 존재는 일차적이고 의식은 이차적입니다. 물론 19세기에 큰 역할을 했습니다. 모든 것이 정반대 였지만 일반적으로 19 세기의 "세계 그림"인 이상주의적이고 낭만적 인 공연을했습니다. 바로 실증주의자인 것 같습니다.

20세기에 존재와 의식의 반대는 결정적인 역할을 중단했습니다. 언어와 현실, 텍스트와 현실의 대립이 등장했다. 최대 중요한 점이 역학에서 텍스트와 현실 사이의 경계를 찾는 문제가 됩니다. Gorky의 극작술과 관련하여 세계에 대한 다양한 아이디어, 다양한 "세계의 그림"을 기반으로 정확하게 형성되는 인식의 여러 경향 (유형)이 있다고 주장 할 수 있습니다. 차이점은 선택의 기준이 될 수 있습니다.

예술과 삶, 예술 세계와 현실 세계(즉, 텍스트와 현실) 사이의 관계에 대한 비평가와 과학자의 관점에서;

예술의 주요 과제를 이해하고 해석하는 접근 방식에서;

이러한 문제를 해결하는 방법에 대한 연구원의 견해.

분석할 때 연구자는 그에 따라 작품의 주제, 아이디어(문제), 시학에 대해 이야기합니다.

20세기 고리키의 초기 극작술에 대한 인식에는 세 가지 가장 분명한 경향이 있습니다.

- "현실적";

- "윤리적-심리적";

- 상징가.

이러한 정의 중 어느 것도 19-20세기의 일치하는 문학 및 예술 운동에서 직접 파생되지 않았다는 점에 바로 주목해야 합니다. 이 맥락에서 "현실 주의자", "윤리", "상징 주의자"는 Gorky의 극작에 대한 적절한 이해를 주장한 비평가 및 과학자라고합니다.

"현실적" 방향은 "자연 학파"와 비판적 사실주의, 심지어 상징주의의 팬들에 의해 공언될 수 있습니다(또는 다른 작가에 기인함). 추세 자체는 "사회적", "일상적", "자연적"등의 다른 이름을 지정할 수 있습니다. 그러나 이러한 각 정의는 그 안에 통합된 과학적 비평 작업의 일부만을 표시합니다.

한편, '현실적' 연출은 뚜렷한 완성도가 특징이다. 우선-작가가 "생명의 형태 자체"로 삶을있는 그대로 묘사한다는 비평가와 연구의 태도 (확신) 덕분입니다. 그리하여 19세기를 지배했던 예술에 대한 인식론적 접근(“예술은 현실의 반영이다”)은 세상의 인지 가능성에 대한 믿음(영지주의)에 기반을 두고 있으며, " 방향.

예술 작품을 분석할 때 주변 세계에 대한 작가 묘사의 충실도 문제가 이에 따라 대두됩니다. 캐릭터는 사회적으로 전형화되어 있으며 이념적 또는 기타 이유로 이러한 캐릭터 간의 충돌 중에 갈등이 발생합니다. 시공간적 특성은 작품 해석에 중요한 역할을하지 않고 묘사 된 사건 인 캐릭터의 감정적 경험에 일종의 "추가"입니다.

과학자- "현실 주의자"는 실질적인 (또는 오히려 이데올로기 적) 가치가없는 무의미한 "형태 창조"라고 생각하여 모든 종류의 예술적 즐거움을 받아들이지 않거나 단순히 눈치 채지 못합니다. 예술 작품을 분석할 때 "현실적인" 방향의 과학자들은 원칙적으로 이전 문화에 의해 형성된 단순한 기술에 호소합니다. 그들 중 많은 사람들은 Gorky의 모든 극작술이 19 세기 비판적 사실주의의 전통을 창의적으로 계승하고 발전시키는 사실적인 극작술이라고 여러 번 주장했습니다.

대부분의 경우이 방향으로 Gorky의 드라마 투르 기 연구를 언급 할 때 그의 연극에 대한 장르 정의는 사회 드라마, 사회 드라마, 다소 덜 자주 사회 심리적 드라마와 같습니다.

Gorky의 연극의 행동이 철학적 교리 인 이것 또는 저 아이디어를 증명하려는 작가의 열망에 의해 주도된다는 믿음은 Gorky의 모든 초기 극작술이 장르로 표현된다고 주장하는 "현실적인"방향의 비평가와 과학자들에게 이유를 제공합니다. 다양한 "철학 드라마". 인물은 이 철학을 표현하는 수단이 되며, 그 중 일부만이 이념적 영웅으로 인식된다. 일반적으로 Nil, Marya Lvovna, Vlas, Satin 등 작가의 관점을 표현해야하는 영웅입니다. 비극적 인 시작은 평평하거나 가려져 있습니다. 저자 자신의 입장은 매우 분명하며 의심의 여지가 없습니다.

두 번째 유형의 인식은 "윤리적-심리적"으로 지정할 수 있습니다. "현실적", "윤리 심리학적" 접근 방식과 마찬가지로 "예술은 현실을 반영한다"고 제안합니다. 그러나 일반적으로 경험적인 사회적 현실은 여기에서 결정적인 역할을 하지 않습니다.

사람의 영적 세계가 전면에 등장하고 "윤리"의 현실 세계는 무엇보다도 F. Dostoevsky의 말에 따르면 모든 감정을 가진 "인간 영혼의 깊이"의 세계입니다. 경험, 생각, 추측, 아이디어, 의심, 통찰. 중요한 생활 위치남자, 그의 "윤리".

따라서 인간 존재의 외적 속성이 아니라 그의 행동과 행동의 내적 동기에 관심이 집중됩니다. 과학자들에게 가장 중요한 주제 인 "윤리"는 사람의 도덕적 자급 자족 문제이며 과학자들에게 거의 또는 전혀 관심이없는 "현실 주의자"입니다. 외부로부터의 압박의 영향으로 각 캐릭터의 내면 세계는 그대로 최대 절전 모드에서 깨어나 움직이기 시작하고 "로밍"하기 시작합니다. 피날레에서 자신을 위해 하나 또는 다른 "진실"을 발견해야하는 캐릭터의 이러한 영적 "발효"는 각 연극의 줄거리입니다.

"윤리적-심리적"유형의 인식은 문학의 교육적 역할에 대한 러시아인의 마음에 뿌리 깊은 확신의 결과라고 할 수 있습니다. 어느 정도이 방향의 각 과학자에 대한 연구 작업은 세계와 인간에 대한 자신의 견해를 표현하는 수단입니다.

따라서 고조된 감정, 뚜렷한 주관성, 때로는 편파성, 종종이 방향의 작업에 나타납니다. 따라서 "이상을 가진"영웅에 대한 관심, 그들을 예술적 내러티브의 중심으로 데려가려는 열망. 연극 "At the Bottom"에서 이러한 경향에 대한 대부분의 비평가와 과학자들이 Bubnov의 새틴 냉소주의 나 허무주의가없는 뚜렷한 인본주의 철학을 가진 사람인 Luka를 두는 것이 특징입니다. 여기서 예술 작품은 삶을 반영하는 기능뿐만 아니라 교육적이고 교육적인 작업을 가진 어떤 생각과 개념을 표현하는 수단이 됩니다. Gorky의 초기 연극과 관련된 "철학적 드라마"의 개념은 선언적이지 않고 Gorky의 드라마는 세계관의 의미에서 "이념적"이라는 성격을 얻습니다.

Gorky 연극의 시학에 대한 아이디어가 바뀌고 있습니다. 이런 의미에서 Gorky 드라마는 더 이상 "일상 생활의 밝은 그림"으로 상상할 수 없습니다. 혁명 이전 러시아”, 거의 자연주의적인 "현실에서 캐스트"(이러한 극단은 "현실적인"해석에서 가능함). 그것은 심리적, 사회 심리적, 도덕적, 윤리적 드라마 또는 드라마 비유의 성격을 얻습니다.

두 가지 인식 경향과 근본적으로 다른 세 번째 유형은 "상징가"입니다. 한편으로 그는 이전 두 가지 유형을 어떻게 든 합성하고 다른 한편으로는 자신을 반대합니다. 합성 -각 Gorky 연극에는 매일, 실제 및 "윤리적"영적이라는 두 가지 평면이 있음을 발표합니다. 대조 - 그들 중 어느 것도 확실하게 사실로 인식될 수 없다고 주장합니다.

트렌드의 이름은 세기 초의 영향력있는 예술 운동을 말하며 이데올로기 및 예술 시스템과 공통점이 많습니다. 우선 예술의 상징체계에서 '이중통일'의 원칙에 주목할 필요가 있다. 가장 높은 현실, 감각 지각을 넘어서는 가치를 찾는 상징 주의자들은 예술을 세계 통일에 대한 직관적 이해, 지상 세계와 초월 세계 사이의 상징적 유추 발견의 수단으로 인식합니다. 지각의 "상징 주의적"방향은 또한 세계의 이중 통일 원칙, 즉 외부로서의 세계, 감각 경험으로 인식 가능한 세계, 그리고 그것을 표현하는 세계의 원칙에서 시작됩니다. 여기서 예술 작품은 더 이상 반영이 아닙니다. 기존 현실. 그녀의 레크리에이션입니다. 극작가의 주된 임무는 존재의 가장 깊은 비밀을 꿰뚫고 그 움직임의 동기, 변화, 존재의 신비를 이해하는 것입니다.

복잡한 성격을 묘사하는 아이디어 감정적 경험배경으로 사라집니다. 행동은 아이디어, 생각(항상 복수형), 진정한 현실을 찾는 이정표입니다. 각 캐릭터는 우선 캐릭터가 아니라 심리적으로 신뢰할 수있는 유형이 아니라 생각하는 영웅, 추론 자, 영웅 이데올로기 자, 특정 세계관의 전달자입니다. 예를 들어 B. Zingerman이 "영리한 영웅에 대한 Gorky의 선호도"에 대해 썼을 때 염두에 둔 것은 Gorky 이미지의 이러한 품질이었습니다.

“Gorky의 연극은 우연히 똑똑한 사람. 그러나 그들의 삶에서 그들의 지적 능력이 극도로 긴장되는 유일한 순간에 묘사되며, 이 사람들조차도 비범한 날카로움과 명료함의 계시에 의해 방문됩니다. 일반적으로 Gorky의 캐릭터는 매우 강하고 독창적 인 마음을 가진 사람들입니다. 모두가 철학자다” Zingerman, B. I. Gorky School / B. I. Zingerman. 극장. -1957, -№8. -와 함께. 47-52..

동시에 제시된 관점 중 어느 것도 이제 최종적인 것으로 인식될 수 없으며, 단일 영웅이 유일한 "올바른" 사람이 되거나 행동의 중심이 될 수 없습니다. 따라서 Gorky의 연극에는 항상 이런 의미에서 "열린 결말"이 있습니다.

예술 작품 해석의 결정 요인 중 하나인 "상징주의" 해석에서 특히 중요한 것은 작가의 세계관을 상징적으로 표현하는 시공간적 특성입니다. 거의 항상 Gorky의 연극의 장르 또는 장르 다양성을 지정하는 비평가와 "상징주의"과학자들은 "철학적 드라마"의 정의에서 멈췄습니다.

발전하고 변화하는 세 가지 경향은 현재까지 국내 과학에 존재해 왔습니다. 내부적으로 각각은 광범위한 해석과 해석이 특징입니다. 각 유형의 인식은 20세기 문학사에서 고유한 운명을 가지고 있습니다.

일반적으로 한 유형의 지배가 다른 유형의 완전한 망각을 의미하지는 않았습니다. 다른 기간과 시대에 식별된 각 트렌드에는 팬과 연구원이 있었습니다. 그러나 각각의 우세 기간을 구분할 수 있습니다. 예를 들어, 50년대 후반까지 "현실적" 접근 방식이 소련 과학을 지배했고, 다음 20년 동안 "윤리적-심리적" 접근 방식이 지배했으며, 마지막으로 80년대 중반부터였습니다. - 상징가.

1900년대는 이 기간 동안 누구의 위치가 "중요"했는지 즉시 이해하기 어려울 정도로 풍부한 예술적 삶이 특징입니다. 문학적 삶의 다양성, 창의성의 다양한 형태, 문학적 탐색의 불일치, 이데올로기적 투쟁의 날카로움 - 예술을 접할 때 가장 먼저 눈에 들어오는 것 19세기 말- 20세기 초. 이 기간 동안 모든 유형의 예술적 창의성이 업데이트되었지만 동시에 이전 세기 예술의 전통도 살아있었습니다. 비평가들은 전통 예술의 관점에서 또는 전위 예술의 관점에서 신작을 평가했습니다.

"현실 주의자"비평가는 Gorky의 드라마가 ""사진 이미지 "를 제외하고는 예술가의 작업이 필요하지 않다고 주장합니다. Alexander Blok은 Gorky의 "Petty Bourgeois"와 S. Naidenov의 연극 "Children of Vanyushin"이 순전히 현실적이고 어딘가에 자연 주의적 맥락에서도 "서로 계속되는 것처럼 보이며 거의 8 분의 1의 연극으로 읽을 수 있다고 주장합니다. 행위 ".

동시에 Dmitry Merezhkovsky는 Gorky의 연극에서 "사회적 속성"이 "단지 외부 의복"이라고 확신합니다. , 완전히 "벌거 벗은 남자." "Gorky가 가진 것은 "At the bottom"이고 Dostoevsky는 "Underground"를 가지고 있습니다. 둘 다 우선 외부의 사회 경제적 상황이 아니라 내부의 심리적 상태입니다." A. Kugel은 연극 "At the Bottom"의 Luke가 "모든 곳에서 숙성되는 친절과 치유의 일종의 이미지로 초월 적으로"연주되어야한다고 썼습니다. 1912년 잡지 Rampa and Life의 짧은 기자 노트의 저자는 같은 연극의 "다소 지독한 사실주의"에 주목했습니다. Voguet de E.M. 막심 고리키. 그의 성격과 작품. 비평 에세이 / E.M. 드 보게. M.: 에드. 서점 M.V., Klyukin, 1903.-112 p.

극작가 고르키가 "현실주의자"인지 "상징주의자"인지는 러시아에서만 논의된 것이 아니다. A. Kugel은 1903년 그의 잡지 "극장과 예술" 페이지에서 다음과 같이 증언했습니다. Luka 역할의 본질에 대한 설명 요청과 함께 "연극과 예술"의 .

작가에 따르면 지역 신문들은 그가 루카 역을 진짜로 연기했다고 비난했지만, 드 루카는 새틴이 가장 좋아하는 표현에 따르면 상징적이고 "초월적인" 이미지이다.

많은 비평가들 - "현실 주의자"는 그들의 극적인 실험에서 "Maxim Gorky는 무엇이든 – 설교자, 현대 소설가 (Dragonfly 잡지의 Gadfly의 캐리커처"-1902), 사상가이지만 그렇지 않은 관점을 전파했습니다. 아티스트 ". 세기 초 Russky Vestnik 잡지의 주요 비평가이자 홍보 담당자는 다음과 같이 썼습니다. 소부르주아"의 극적인 스케치.

"그들은 예술가로서 Gorky에 대해 두 단어 이상 말할 필요가 없습니다. "Merezhkovsky는 "Chekhov and Gorky"(1906) 기사에서 주장합니다. 여기에서 Merezhkovsky는 "Gorky의 작품에는 예술이 없지만 최고의 예술보다 거의 가치가 낮은 것을 포함합니다. 삶, 삶의 가장 진실한 원본, 몸과 피로 삶에서 찢어진 조각 ..." . Merezhkovsky D.S. 오는 햄. 체호프와 고르키. -M., 1906.

이 기간 동안 Gorky의 연극을 무대화하지 않는다는 개념이 널리 퍼졌습니다. 같은 시간의 만화 중 하나 (Gorky는 깊은 생각에 묘사되어 있음) 아래의 캡션은 다음과 같습니다. "Gorky는 "Petty Bourgeois"를 쓴 후 반성합니다. "The Petty Bourgeois"이후 : Maxim Gorky는 다음과 같이 반성합니다. 그는 극작가입니까? ( "Our Time") 세기 초의 한 비평가는 "문학 및 예술적 장점의 관점에서"Gorky의 신작을 고려하기를 거부하지 않고 "오로지 삶의 삽화"로 간주했습니다.

Gorky는 또한 러시아 신문과 잡지에 다이제스트가 게시 된 외국 언론에서 "가장 숙련되지 않은 극작가"라고 불 렸습니다. 예를 들어 "At the bottom"에 대해 다음과 같이 썼습니다. "더 나쁜 드라마도, 더 이상 불가능한 문학 작품도 없다!" ("더 태그"). "전통적인 의미에서 이러한 장면(...)은 극적인 작품이라고 할 수 없습니다"("Magdeburg Zeit"). "Gorky는 극작가가 아닙니다 ..."( "Berl. Neueste Nachrichten. 1903 년 Dillon의 저서 "Maxim Gorky, 그의 삶과 작품"이 영국에서 출판되었습니다 (Dillon E.J. Maxim Gorky, 그의 삶과 글. London, 1903 A 이에 대한 리뷰는 저널 Literaturny Vestnik에 게재되었으며, 저자는 특히 Gorky의 모든 영웅이 "예술적 진실에 반하는 죄를 지었다"는 Dillon의 진술을 인용했습니다. 따라서 "시인처럼 시작하여 수필가처럼 계속되고 팜플렛처럼 끝납니다."

Batiushkov는 Gorky의 "밝은 예술적 재능"을 의심하지 않았고 동시에 그에게서 "저널리즘"의 우세를 발견했기 때문에 그는 Chekhov의 작업에 접근해야하는 "순수한 미적"평가가 Gorky에 적용 할 수 없다고 생각했습니다. 다른 토론에서도 비슷한 의견이 표명되었습니다. 체호프는 한 기사에서 고리키보다 훨씬 더 검은 색으로 지식인을 묘사했다고 말하지만 체호프는 객관적인 삶의 그림을 만들고 고리키는 그와 달리 항상 "영적"을 묘사하는 경향이 있기 때문에 눈에 띄지 않았습니다. 개인의 기분", 각각 "내 영혼의 요구." 두 작가가 여러 현상에 대해 동일한 태도를 가지고 있더라도 Gorky의 재능의 주관성은 다른 사람들이 은폐 한 내용이 그에게 "팜플렛처럼 들린다"는 사실로 이어집니다.

당연히 이러한 진술은 러시아 전체에서 Gorky의 극작에 대한 평가를 형성하는 데 역할을 할 수밖에 없습니다. "현실적인"방향에서 Gorky의 연극은 실제로 팜플렛 장르의 경계 내에서 가장 자주 인식되었습니다.

정확히이 비평가들의 기사에서 그 해에 Gorky 연극의 주요 시작으로서 홍보라는 아이디어가 형성되었습니다.

그들의 저자는 극작술의 Gorky가 주로 "아이디어를 시각적으로 표현"할 수있는 기회에 매료되었다고 썼습니다. K. Chukovsky-Chukovsky K. 상속 및 상속인 : [15 주년] // Lit. 가스. - 1947. - 11월 15일 .. 본질적으로 문제에 대한 그러한 해결책은 Petrel의 적과 찬사를 화해시킬 수 있었습니다. 둘 다 그의 연극에 대한 "현실적인"해석을 공언하는 사람들 사이에 많았습니다.

그들 중 많은 사람들에게 작품의 가치는 종종 사회 정치적 성격에 대한 확증된 생각에 의해 정확하게 결정되었습니다. E. Anichkov는 Luka에서 "사람들 사이에서 진실에 대한 진보되고 독립적 인 검색의 대표자"를 보았습니다.

일반적으로 비평가 중 한 사람에 따르면 드라마 "At the Bottom"은 "어느 정도 교육적인 힘이 있었고 유기적으로 일반적인 삶의 민주화 과정에 들어갔습니다." “Gorky는 문자 그대로의 의미에서 좁은 이기심, 이기심의 종교로서 속물주의를 은유 적으로 이해합니다. 그러나 이것은 자기 보존의 이기주의가 아니라 내용을 잃어버린 교리의 주장입니다. 진화를 마친 모든 형태는 점차 분해되어 새로운 형태로 바뀌어야 합니다. 이것은 불가피합니다. 삶은 움직임이며 끝없는 형태의 변화입니다.”라고 N. Nikolaev는 말했습니다.

그러나 다른 저자의 의견과 평가를 비교하면 Gorky 연극 자체의 이데올로기 적 충만이 아니라 그들이 태어난 시대의 사회 아이디어가 과포화되었다는 결론에 도달합니다. . 또한 솔직히 기회 주의적 정치에서 이데올로기에서 과학 및 철학에 이르기까지 모든 종류의 아이디어로.

따라서 거의 모든 세 방향의 비평가들이 Gorky의 연극을 "철학적 드라마"의 다양한 장르와 연관시킨 것은 놀라운 일이 아닙니다. 이미 "At the Bottom"의 첫 등장에서 그들은 F. Dostoevsky의 소설 "The Brothers Karamazov"의 Zosima 장로와 L. Tolstoy의 연극 "The Power of Darkness"의 Akim과 Luka를 비교하기 시작했습니다.

일부는 Dostoevsky와 Tolstoy의 캐릭터를 Luke의 원형으로 간주하고 다른 일부는 "실패한 모방"또는 "패러디"라는 정의를 내 렸습니다. 일반적으로 K. Chukovsky가 언급했듯이“Gorky에는 철학적이지 않은 영웅이 한 명도 없습니다. 각각은 페이지에 조금씩 나타나서 그의 철학을 표현하기 시작합니다. 모든 사람은 격언으로 말합니다. 아무도 스스로 살지 않고 격언만을 위해서만 살습니다. 그들은 움직임을 위해서가 아니라 삶을 위해서가 아니라 철학하기 위해 살고 움직입니다. 이 기능은 많은 감탄과 조롱을 불러일으켰지만 모든 사람이 이 관습을 예술적인 장치로 보지는 않았습니다.

Gorky가 그의 극적인 실험에서 홍보 담당자라는 확신은 확고함에 대한 확신, 그의 작품에서 작가의 위치에 대한 확실성, 작가의 분위기 및 그의 세계관의 무결성으로 이어졌습니다. Gorky의 극작술에 대한 이러한 관점을 고수하는 사람들 중에는 "사실주의" 비평가와 "상징주의" 비평가가 있습니다. 이 기회에 K. Chukovsky는 저자의 명백한 입장을 비웃었습니다. 하지만 하나만? -그리고 그가 이런 생각을 가지고 있지만 다른 사람이 없다는 사실에 내가 항상 그에게 화를 낸 것은 아닙니다. 나는 이것이 그의 주요하고 가장 중요한 죄라고 생각합니다.”Chukovsky K. 상속 및 상속인 : [15 주년] // Lit. 가스. - 1947. - 11월 15일

동시에 당혹감과 짜증을 불러 일으켰습니다. 다시 사실입니까? - 자신의 생각과 평가를 위장하려는 저자의 의도.

"("At the Bottom"에서) 자신의 진정한 생각을 숨기고 싶었던 Gorky는 혼란스러워하고 길을 잃었습니다." "현실주의자"인 Starodum이 썼습니다. 연극 "태양의 아이들"과 "야만인"의 단점 중 "상징 주의자"A. Kugel은 "작가와 독자 사이의 예술적인 숨바꼭질 게임보다 더 재치가있어 작가의 주요 아이디어를 일종의 양면적 가식으로.” 그럼에도 불구하고 일부 비평가들은 극작가가 실제로 어느 편에 있는지 이해하는 것이 불가능하다고 인정합니까?

Yu. Belyaev는 다음과 같이 물었습니다. (...) 새로운 견해를 가진 "Bessemenov의 아이들"은 "Vanyushin의 아이들"보다 나에게 덜 명확합니다. 그들이 원하는 것, 이 아이들, 그리고 그들이 무엇인지는 (...) 완전히 명확하지 않습니다.”

다음 Gorky 연극 "At the Bottom"Luka와 Satin의 두 중심 인물에 대한 논쟁-그 중 실제로 연극에서 작가의 목소리는 누구입니까? -같은 명백한 선명도의 결과로 발생했지만 실제로는 드라마에서 Gorky의 단순한 권위가 아닙니다. 그리고 미래에 "여름 거주자"에 대한 분쟁이 덜 격렬했다면 연극 "Children of the Sun"(주로 Protasov의 이미지)과 "Barbara"(Nadezhda Monakhova)의 중앙 이미지의 불일치로 인해 다시 많은 사람들이 착란.

1905-1907년의 첫 번째 러시아 혁명이 패배하기 전. 비평가들은 각자 자신의 방식으로 저자의 개념에 특정 "철"아이디어의 존재를 적극적으로 확인하고 갈등을 해결 가능하고 완료되었으며 명확하고 명확한 결말을 가진 것으로 제시하려고 노력했습니다. 이를 위해 각 연극의 등장 인물은 두 개의 반대 진영으로 나뉘는 경우가 매우 많습니다. 비평가들의 정치적 우선순위는 매우 분명해졌지만, 그럼에도 불구하고 그러한 구분이 항상 이데올로기적, 정치적 성격의 고려에 의해서만 결정되는 것은 아닙니다.

Gorky의 연극을 평가하는 외국 통역사들도 한편으로는 그들의 성향에 주목하고 다른 한편으로는 생성 된 이미지의 "활력"과 특별한 애정에 감탄했습니다. Dillon (러시아 출판사를 믿는다면)은 Gorky의 캐릭터를 "놀라운 힘의 창조물"로 묘사했습니다.

Paul Goldman은 "각 캐릭터가 살아있는 것처럼 시청자 앞에서지나갑니다. "라고 놀랐습니다. 러시아 비평가들은 Gorky의 캐릭터 묘사에 대한 평가에서 만장일치가 덜했습니다. 예를 들어 Odesskiye Novosti의 저자는 같은 "Meschans"의 주인공이 "창조자의 상상 속에서도 살지 않는다"고 썼습니다. 그에게 반대하는 것처럼 "Courier"의 평론가는 "그녀의 평생 (연극"Petty Bourgeois ")은 캐릭터와 대화에 있습니다." 그리고 바로 거기에서 두 비평가는 "Gorky의 연극에는 움직임이 너무 적다", "숨을 쉬지 않고 움직이지 않는다"는 점에 주목합니다. 이 모든 것이 팜플렛 장르에 가까운 Gorky의 초기 연극에 대한 인식을 강화했습니다.

Gorky와 그의 연극을 비판하는 사람들은 작가가 자신의 아이디어에 대해 만든 이미지의 적절성을 공리로 삼았고이 점수에 대해 의심을 표명하지 않았으며 영웅 자신, 그의 성격 및 세계관에서 결함을 찾았습니다.

다른 사람들은 다음과 같이 말했습니다. “그들은 Petty Bourgeois의 Neil이 Gorky에게 평범한 사람이라는 것을 우리에게 확신시키고 싶었습니다. (...) Neil은 그때 Gorky 's에서 그런 멍청이가 아니었을 것입니다. 제 생각에는이 모든 Artems, Nilovs 및 Gordeevs는 주어진대로 cum grano salis ( "With Intelligence, With Irony"(lat.))”로 가져와야합니다. 당시에도 나일강의 이미지가 정치적인 방향이라는 확신을 가지고 주장하면서 또 다른 평론가는 "삶과 개인의 행복에 대한 본능적 욕구를 제외하고는 나일강에서 어떤 사회적 이상도 찾지 마십시오.

결론: 첫째, 초기 Maxim Gorky의 연극은 "현실적"유형에 따른 해석에 "저항"합니다. 이것이 근본적으로 잘못된 인식을 의미하는 것은 아니지만, 드라마 '소시민', '밑바닥', '여름 거주자'에 대한 해석의 범위를 원칙적으로 눈에 띄게 좁혀 독점적으로 사회 드라마 또는 코미디 장르.

둘째, 고리키의 초기 극작술은 '신극'이라는 예술적 현상의 강한 영향 아래 태어나고 발전했다. 차례 XIX-XX수세기 동안 시학 분야의 업적을 흡수하고 동시에 이데올로기와 논쟁을 시도했습니다.

한편으로 '신극'이 발견한 일상의 비극도 고리키의 극작술에 내재되어 있지만, 고르키는 이 문제를 다른 관점에서 접근했고, 이는 그의 작품에서 비극적 갈등의 출현의 기초가 되었다. 극장.

한편, 많은 예술적 원리 Gorky가 동화 한 "새로운 드라마"는 세기 초의이 현상에서 정확하게 시작된 많은 장르와 장르 품종의 프리즘을 통해 그의 드라마 투르를 해석 할 수있게했으며 "부조리의 극장"에 따른 해석까지 가능했습니다. ".

마지막으로 M. Gorky의 초기 연극이 비극적 장르에 맞춰 해석되는 명백한 경향도 "새로운 드라마"의 미학에 근접한 결과로 간주 될 수 있습니다. 이러한 추세는 20세기 연극 "소부르주아", "밑바닥", "여름 거주자"의 기능 역사에서 매우 분명하게 나타나 예비 관찰의 정확성을 확인하기 위해 추가 분석이 필요했습니다. 역사상으로 결론지을 수 있다. 국내 문헌 Gorky의 초기 연극은 비극 코미디 장르를 나타냅니다.

이 분석 과정에서 또 다른 결론도 내려졌습니다. Gorky의 극작술도 지적 연극입니다. 이것은 한편으로는 그녀에 대한 극장의 오랜 냉정함을 설명하고 다른 한편으로는 지적 증가로 특징 지어지는 역사의 위기 시대에 그녀의 인기를 설명합니다.

여기서 우리는 장르 다양성의 이러한 정의가 Gorky의 연극과 관련하여 "철학적 드라마"의 개념을 취소하지 않는다는 것을 즉시 규정할 수 있습니다.

그러나 후자가 이러한 작품의 내용을 더 많이 언급한다면 "지적 드라마"의 개념은 우선 연극의 시학, 다용성, 다차원 성, 다층 성으로 인해 형식을 특징 짓습니다. , 예술적 창작물의 의미를 끝없이 증가시킬 수 있습니다.

결과적으로 고리키의 연극을 해석할 때 고리키의 극작술에 대한 새로운 해석의 길이 놓여 있는 것은 형식의 고도로 지적인 이해를 통해서이다.

Mikhail Shatrov는 소비에트 공적 생활 및 러시아 드라마의 전체 시대와 관련된 이름을 가진 극작가입니다. 혁명과 남북 전쟁의 시대에 바쳐진 그의 연극은 그 시대의 로맨스와 그 시대에 내재된 모든 모순을 반영했습니다.

미하일 샤트로프(Mikhail Shatrov)는 소련 후기의 가장 유명한 극작가 중 한 명으로 혁명과 그 지도자들의 삶에 관한 희곡의 작가입니다. 그의 혁명극 영웅들의 등장인물들은 관용을 훨씬 뛰어넘는다. 소비에트 역사. 그의 작품에서 레닌, 스탈린, 트로츠키, 스베르들로프의 이미지는 방대한 극적인 특징으로 가득 차 있습니다. Mikhail Shatrov는 Lenkom, Sovremennik, Yermolova Theatre와 같은 국가의 많은 주요 극장에서 연극을 상연했습니다. 공연은 항상 큰 반향을 일으켰습니다. 모스크바 예술 극장에서 상영 된 그의 연극 중 하나의 청중은 한때 CPSU Leonid Ilch Brezhnev 중앙위원회 비서가 이끄는 정치국의 전체 구성이었습니다.

Mikhail Shatrov : 전기

미래의 극작가는 1932년 4월 3일 모스크바에서 유명한 엔지니어 F. S. Marshak과 Ts. A. Marshak의 가족으로 태어났습니다. 미래의 유명인사의 아버지는 1938년에 탄압을 받고 총살당했습니다. 어머니 역시 1954년에 탄압을 받고 사면되었다. 그는 유명한 소비에트 시인 S. Ya. Marshak의 친척입니다. 극작가의 이모 N. S. Marshak은 첫 결혼에서 Comintern O. Pyatnitsky 지도자의 아내였으며 두 번째는 저명한 소련 인물 A. Rykov였습니다.

은메달로 졸업 한 방과 후 Mikhail Shatrov는 모스크바 광업 연구소의 학생이되었으며 동료 학생들 사이에서 모스크바 블라디미르 수지의 미래 부시장이 된 것으로 알려져 있습니다. 1950년대 초, 미하일 샤트로프(기사에 실린 사진)는 알타이 준주에서 인턴십을 했습니다. 여기에서 드릴러로 일하면서 그는 글을 쓰기 시작했습니다. 미하일 샤트로프는 1954년 젊은 작가의 첫 희곡 <깨끗한 손>이 출간되면서 처음 이름을 알린 극작가다. 1961년 작가가 입당한다.

Mikhail Shatrov - 극작가, 국가 상 수상자 소련(1983), 노동 및 민족 우호의 붉은 깃발 명령 보유자.

1990년대에 샤트로프는 4월 조직의 공동 의장이 되었으며, 이 조직에는 SDPR 공의회 회원인 미하일 고르바초프의 정치 및 경제 개혁을 지지하는 많은 소련 작가, 홍보인, 언론인 및 비평가들이 모였으며 Moscow-Red Hills 협회의 지도자.

유명한 극작가는 2010년 5월 23일 모스크바에서 79세의 나이로 심장마비로 사망했습니다. 그는 Troyekurovo 공동 묘지에 묻혔습니다.

Shatrov Mikhail Filippovich : 창의성

위대한 Ranevskaya, 암시 세심한 주의그를 "현대 Krupskaya"라고 불렀던 Leninist 주제의 극작가. 소련 인민 예술가 인 Oleg Tabakov는 Mikhail Shatrov, 전기 및 창의적인 방법항상 팬들의 적극적인 관심의 대상이었던 그는 흐루시초프 이후 시대의 "소련 드라마에서 매우 독립적이고 특별한 인물"입니다. M. Shvydkoy 전 러시아 문화부 장관은 Shatrov의 연극이 전체 역사적 시대, 소련 사회 세력의 형성 및 발전의 모든 단계를 반영한다고 믿었고 Khrushchev 해동과 Brezhnev의 침체에서 태어난 현상을 깊이 분석했습니다. .

시작

Mikhail Shatrov (젊은 시절의 사진은 보존되지 않음)는 1952 년에 그의 첫 작품을 출판했습니다. 이것들은 단편 소설과 대본으로, 작가 지망생이 1949년 체포된 후 복역 중인 어머니에게 여행하는 데 필요한 자금을 제공했습니다.

그 해의 가장 심각한 충격은 소위 "의사 사건"과 젊은 극작가가 장례식에 참석 한 스탈린의 죽음이었습니다. 국가에 대한 이러한 중요한 사건은 그의 기억 속에 영원히 남아 있었고 그의 후속 작업에 반영되었습니다.

1954년 학생 시절 샤트로프는 학교 생활- "깨끗한 손". 처럼 악당그는 여기서 Komsomol 조직의 비서를 묘사했습니다. 극작가는 또한 "A Place in Life"(1956), "Modern Guys"(1963), "Przewalski 's Horse"(1972)와 같은 후속 연극에서 청소년 문제에 관심을 기울입니다. 후자는 "3 학년의 내 사랑"이라는 다른 이름으로 상연되었습니다. 진지한 비평가들은 Shatrov의 첫 작품에 대해 호의적으로 말했습니다.

혁명 테마

혁명의 주제에 전념하고 스탈린 숭배가 폭로 된 후 쓰여진 첫 번째 연극은 십대 청중을 위해 고안된 "혁명의 이름"이었습니다 (모스크바 청소년 극장에서 상연). 연극의 핵심과 이후의 모든 극작술은 혁명 사상에 대한 충성의 선포, 참가자들의 정직과 고귀함에 대한 찬미, 현재의 높은 혁명적 업적에 대한 망각과 짓밟는 폭로였습니다. 세대. 극작가가 혁명적 사건을 더 깊이 살펴보려고 시도한 공산주의자(If Each of Us), The Continuation(1959, Gleb Kosmachev)은 금지되었습니다.

레닌의 이미지

극작가의 창작 생활에서 중요한 사건은 영화 감독 M. Romm과의 친분으로 V.I의 이미지를 만드는 아이디어가 형성되었습니다. 교과서 광택이없는 레닌. 그다지 중요하지 않은 극작가는 실제 역사적 상황에서 지도자의 행동에 대한 설명, 시대의 극적인 맥락 복원, 위인 주변 사람들의 이미지 및 그와의 관계를 고려했습니다.

1969년 샤트로프는 역사적인 사건을 바탕으로 한 영화 소설인 브레스트 피스 작업을 시작했습니다. 안에 이 일모든 실제 역사적 영웅은 정치적, 이데올로기 적 견해에 따라 행동했습니다. 전경에는 화해할 수 없는 투쟁과 갈등으로 가득 찬 정치 생활의 드라마투르기가 묘사되었다. 이 소설은 1967년에 발표되었고 작품 자체는 20년 후인 1987년에 A. Tvardovsky의 Novy Mir 잡지에 실렸습니다.

주인의 성숙

연극 The Sixth of July (다큐멘터리 드라마, 1962)는 적의 이미지를 묘사하는 극작가의 근본적으로 혁신적인 접근 방식을 구현했습니다. 볼셰비키의 반대자 인 Maria Spiridonova는 전체적으로 성실하고 이데올로기 적으로 확신하는 사람으로 묘사되었습니다. 연극은 큰 성공을 거두었지만 당 언론에서 급격히 부정적인 반응을 불러 일으켰습니다. 동시에 M. Shatrov는 J. Karasik 감독이 XVI 영화제 (Karlovy Vary) (1968)에서 대상을 수상한 영화를 만든 대본을 썼습니다.

동시에 극작가는 역사상 급격한 전환점에서 사회의 가장 심각한 문제를 제기하는 "혁명의 드라마"라는주기를 만드는 작업을 시작합니다. 주기에서 가장 중요한 것 중 하나는 혁명적 폭력, 그 한계, 허용 가능성 및 사용 조건에 대한 문제입니다. 이주기의 연극 "볼셰비키"에서 V. I. 레닌에 대한 암살 시도 이야기가 기초로 삼았습니다. 전경에서 극작가는 "백인"과 "적색"테러의 출현 원인, 통제와 권력의 수단으로서의 폭력 문제를 다루었습니다. Shatrov의 작업 주변에서 진정한 정당 이데올로기 투쟁이 벌어졌습니다. 이 연극은 검열관의 공식 허가 없이 상영되었습니다. 그녀의 쇼에 대한 축복은 E. Furtseva 문화부 장관이 개인적으로 받았습니다. 소련 극장 역사상 유례없는 사건이었습니다.

레닌주의 주제에서 출발

M. Shatrov의이 창의성 기간에는 L. Pchelkin 감독이 텔레비전에서 상영 한 V. I. Lenin에 관한 4 편의 영화 소설 대본 제작이 포함됩니다. 극작가가 역사적 진실을 왜곡했다고 비난하는 캠페인이 추진력을 얻고있었습니다. 악의를 품은 사람들은 저자가 문서를 저글링하고 있으며 수정주의 노선을 추구하고 있다고 주장했습니다. 결과적으로 TV 시리즈는 1988년에야 출시되었습니다. 극작가는 역사적, 혁명적 주제에 대해 글을 쓰는 것이 금지되었습니다. 파티에서 추방 위협. M. Shatrov는 Leninist 주제에서 출발하여 현재로 향합니다.

기타 주제

1973년 제작 드라마 <내일의 날씨>를 썼다. 작품 제작의 재료는 볼가 자동차 공장의 웅장한 건설과 작업 팀에서 진행된 프로세스였습니다. 1975년 극장에서 소련군 30주년을 맞아 무대에 올랐다. 위대한 승리"엔드"를 연주하다 지난 날들히틀러 요금). 공연은 많은 어려움을 겪었습니다. 동시에 동독에서 연극이 상연되었습니다. M. Shatrov는 "다른 사람들이 침묵 할 때"(1987 년) 대본을 나치가 권력을 잡은 역사에 바쳤습니다. 혁명가 클라라 제트킨의 삶과 운명의 예에서 개인의 책임 문제가 작업에서 제기되었습니다. 정치가그가 당과 인민 앞에서 저지른 실수에 대해. M. Shatrov의 소셜 코미디 "My Hopes"(Lenin Komsomol의 이름을 딴 모스크바 극장에서 상연)는 큰 성공을 거두었습니다. 극은 20-70세대의 이상을 표현하며 세 여성의 운명을 보여준다.

V. I. Lenin의 주제로 돌아가기

1978년 극작가는 자신이 가장 좋아하는 역사적, 혁명적 주제로 돌아왔습니다. 연극 "붉은 풀 위의 푸른 말"( "혁명적 에뛰드")에서 Shatrov는 다큐멘터리 드라마 장르의 새로운 가능성을 테스트했습니다. 저자는 역사적 현실과 시적 소설을 자유롭게 결합하여 서정적 파토스로 그것을 포화시킵니다. 드라마의 참신함은 초상화 닮은 특징을 사용하지 않고 지도자의 이미지를 만들어 냈다는 것입니다. 화장도, 평소 발음도 없이 환생한 배우. 외관의 몇 가지 "교과서"요소 만 남았습니다 (모자, 물방울 무늬가있는 넥타이 등). 가장 중요한 것은 행동과 사고 유형의 재생산이었습니다. 연극은 후손에 대한 호소와 유언의 형태로 만들어졌다.

1976년부터 극작가는 도덕과 정치 사이의 상호 작용의 다양한 측면에 대한 연구와 성찰 작업을 해왔다. 그의 펜 아래에서 스크립트가 나옵니다. "신뢰", "작은 글씨로 된 두 줄", 재생: "나는 당신에게 유증합니다"( "그래서 우리가 이길 것입니다!"), "양심의 독재"등 그의 작품에서 극작가는 혁명과 시민의 어려운 시기에 저지른 실수에 대한 분석을 심화시킵니다. 1983년 샤트로프는 희곡 <양심의 독재>로 소련 국가상을 수상했다.

연극 "더 ... 더 ... 더!" (1988), 되었다 최신작 M. Shatrov는 V.I. Lenin의 정치적 유산, 소비에트 역사에서 I. V. Stalin의 역할 및 전체 스탈린주의 문제에 대한 그의 생각을 요약했습니다. 이 작업은 사회에서 열띤 토론을 불러 일으켰습니다. 역행 학자들은 Shatrov에 대해 날카롭게 나왔고 오래된 당 교리에 호소했으며 극작가의 견해를지지하고 그가 고상한 역사적 이상을 배신했다고 비난하는 독자들의 전체 편지가있었습니다. 1989 년 연극의 텍스트는 등장으로 인한 모든 반응과 함께“더 ... 더 ... 더! 한 연극에 대한 토론.

창작활동의 완성

극작가의 마지막 작품은 Shatrov가 Harvard University의 초청으로 머물렀던 미국에서 1993 년에 쓴 연극 "Maybe"였습니다. 연극 무대 왕립극장맨체스터, 그것은 두 달 동안 실행되었고 60번 발표되었습니다. 미국 대중과 관련이 있는 것은 이 작품이 매카시즘 시대에 미국에 퍼진 공포의 분위기를 재창조했다는 것입니다. 사람들의 정신을 손상시키고 어느 나라에서나 반역자와 악당으로 만들 수있는 두려움. 1994년 봄 샤트로프는 고국으로 돌아갔다.

페레스트로이카 시대에

격동의 페레스트로이카 시대에 작가는 저널리즘에 적극적으로 참여하고 사회 활동, 그가 이전에 많은 관심을 기울인 ( 장기작가 연합의 초심자 극작가 세미나 책임자, 작가 및 연극 노동자 연합 (STD) 이사회 비서직을 역임했습니다. 1988년에 그는 The Irversibility of Change라는 책에서 여러 시기에 쓰여진 기사를 발표했습니다.

STD 이사회 비서로 선출 된 직후 M. Shatrov는 가장 소중한 꿈인 수도에서의 창조를 실현하기 시작했습니다. 국제 센터회화, 영화, 연극, 음악, 문학, 텔레비전 등 다양한 유형의 예술을 그 지붕 아래 통합하는 문화. 1987년 모스크바 시의회 결의에 따라 모스크바 강 제방 건설을 위해 토지가 할당되었습니다. 미래 건설 프로젝트는 연극 건축가 Yu.Gnedovsky, V. Krasilnikov, D. Solopov에 의해 개발되었습니다. M. Shatrov는 전적으로 건설에 집중했습니다. 1994년 가을, 폐쇄된 주식회사 "Moscow - Krasnye Holmy"가 설립되었습니다. M.F. Shatrov는 회장 겸 이사회 의장직을 맡았습니다. 1995년 7월에 센터 건설이 시작되어 2003년에 문을 열었습니다.

창의성의 의미

M. Shatrov의 많은 연극이 사회에서 불러일으킨 공명은 매우 컸습니다. 극작가는 많은 국가 상을 받았습니다. 영화 평론가 Alla Gerber는 그의 작업의 의미를 다음과 같이 정의했습니다.

Mikhail Shatrov : 개인 생활

친척에 따르면 Shatrov는 다소 비밀스러운 사람이었습니다. 극작가는 자신이 여러 번 결혼했다고 친구들에게 고백했습니다. 그러나 그의 측근이 증언 하듯이 오랫동안 언론은 Mikhail Shatrov가 누구와 함께 살고 있는지 알 수 없었습니다. 극작가의 개인 생활은 봉인되었습니다. 그의 죽음 이후 언론인들은 몇 가지 세부 사항을 알게되었습니다. 특히 컬트 극작가는 공식적으로 4번의 결혼을 한 것으로 알려져 있다.

그러나 그의 쇠퇴기에 Mikhail Shatrov는 인터뷰에서 자신에 대해 말했습니다. 뛰어난 극작가의 아내 : 여배우 Irina Mironova, Irina Miroshnichenko, Elena Gorbunova, 마지막 결혼은 남편보다 38 세 어린 Yulia Chernysheva와의 결혼이었습니다. 극작가의 자녀 : 2000 년 미국에서 태어난 Alexander-Michel의 네 번째 결혼에서 딸인 철학자-슬라브 주의자 인 Natalia Mironova의 첫 번째 결혼에서 딸. 미하일 샤트로프와 이리나 미로슈니첸코 (극작가의 두 번째 부인)에게는 자녀가 없었습니다.

러시아 극작가 중 연극에서 일시 중지를 사용하지 않은 사람은 누구이며 일시 중지를 가장 자주 사용하는 발언 중 하나로 만든 Chekhov의 혁신은 무엇입니까?

추론의 이론적 기반을 형성하고 참고 자료를 참조하고 18-19세기 러시아 극작술에 "일시 중지" 지정이 없음을 확인하십시오. A.S. 그리보예도바, A.S. 푸쉬킨, N. V. Gogol, A.N. Ostrovsky, I.S. Turgenev는 "일시 중지"라는 말 대신 개별적이고 다소 제한된 이름 집합을 사용하여 캐릭터의 음모에 중요한 "비말"( "침묵", "침묵", "침묵", " 생각” 등).

첫 번째 멈춤의 모습은 문학 언어와 캐릭터의 말 행동의 일상적인 규범 사이의 거리를 줄이고 극적인 연설에서 캐릭터의 정서적 상태를 고정하려는 극작가의 열망을 반영했음을 보여줍니다.

러시아 최초의 극작가 중 한 명인 A.P. Chekhov는 침묵의 의미론적 중요성을 나타내기 위해 "일시 중지"라는 말을 사용하기 시작했습니다. 극작가 혁신의 본질을 설명하십시오. 체호프가 침묵의 발언을 말의 사실이나 행동에 대한 심리적 반응으로 만든다는 것을 보여주십시오.

결론에서 A.P. Chekhov의 극작에서 "일시 중지"는 대화에서 외부의 상황 또는 행동으로주의를 전환하고 대화 주제를 변경하는 데 사용됩니다. "일시 중지"가 A.P. Chekhov의 발언 중 가장 빈번하다는 점을 강조하십시오.

극 법

드라마(drama)라는 단어는 고대 그리스어로 액션을 의미하는 드라마(drama)에서 유래했습니다. 시간이 지남에 따라 이 개념은 드라마뿐만 아니라 다른 유형의 예술과 관련하여 더 널리 사용되기 시작했습니다. 이제 우리는 "음악 드라마투르기", "안무 드라마투르기" 등에 대해 이야기하고 있습니다.

극극 극작술, 영화 극작술, 음악 또는 안무 예술의 극작술은 공통된 특징, 공통 패턴, 일반적인 발전 경향을 가지고 있지만 동시에 각각 고유한 특징을 가지고 있습니다. 러브신 선언을 예로 들어보자. 캐릭터 중 한 명이 여자 친구에게 "사랑해! "라고 말합니다. 이러한 각각의 예술 형식은 이 장면을 드러내기 위해 고유한 표현 수단과 다른 시간을 필요로 합니다. 드라마 극장에서 "사랑해! "라는 말을하려면 몇 초 밖에 걸리지 않고 발레 공연에서는 전체 변형이나 듀엣이 필요합니다. 동시에 안무가는 안무가가 다양한 감정과 경험을 표현하는 방식으로 춤의 별도 포즈를 구성할 수 있습니다. 간결하면서도 방대한 표현 형식을 찾는 능력은 안무 예술의 중요한 속성입니다.

드라마 극장을 위한 연극에서 줄거리의 구성, 이미지의 체계, 갈등의 본질의 확인, 작품의 텍스트는 행동을 드러내는 역할을 한다. 안무 예술에 대해서도 마찬가지이므로 안무가가 구성하는 무용의 구성, 즉 드로잉과 무용 텍스트가 여기에서 매우 중요합니다. 안무 작업에서 극작가의 기능은 한편으로는 극작가-시나리오 작가에 의해 수행되고 다른 한편으로는 안무가-작곡가의 작업에서 "언어 적"안무 솔루션을 개발하고 구체화하며 찾습니다. .

안무 작품의 극작가는 일반적으로 극작법의 법칙을 아는 것 외에도 표현 수단의 세부 사항, 안무 장르의 가능성에 대한 명확한 아이디어가 있어야 합니다. 이전 세대의 안무 극작술의 경험을 연구한 그는 그 가능성을 더 충분히 드러내야 한다.

안무적 극작술에 대한 논의에서 우리는 종종 연극극을 위해 쓰여진 문학 작품의 극작술을 다루어야 할 것입니다. 이러한 비교는 드라마의 드라마투르기(dramaturgy)와 발레극의 차이점뿐만 아니라 공통점을 결정하는 데 도움이 될 것이다.

고대에도 연극인들은 공연의 탄생을 위한 드라마투르기의 법칙의 중요성을 이해했습니다.

고대 그리스의 철학자이자 백과사전인 아리스토텔레스(기원전 384-322년)는 그의 논문 On the Art of Poetry: any volume에서 썼습니다. 그리고 전체는 시작과 중간과 끝이 있는 것이다.”

아리스토텔레스는 극적 행동을 세 가지 주요 부분으로 구분했습니다.

1) 시작 또는 무승부

2) 우여곡절을 포함하는 중간, 즉 캐릭터의 행동의 전환 또는 변화;

3) 끝 또는 재앙, 즉 영웅의 죽음이나 그에 의한 복지 달성으로 구성된 비난.

약간의 추가, 전개, 디테일을 더한 극적 행동의 이러한 구분은 오늘날의 무대 예술에도 적용할 수 있습니다.

오늘날 최고의 안무 작품들과 그들의 드라마투르기를 분석해보면 아리스토텔레스가 식별한 부분들이 무용수인 발레 공연에서 동일한 기능을 가지고 있음을 알 수 있다.

J. J. Nover는 그의 Letters on Dance and Ballets에서 발레 공연의 드라마투르기에 큰 중요성을 부여했습니다. 내가 명확한 계획을 느끼지 않고 설명, 시작 및 비난을 찾을 수없는 발레는 내 생각에 단순한 댄스 다양성에 지나지 않으며 다소 잘 수행되며 그러한 발레는 나에게 깊은 영향을 줄 수 없습니다. , 자신의 얼굴, 행동 및 관심이 없기 때문입니다.

아리스토텔레스와 마찬가지로 Nover는 안무 작업을 구성 부분으로 나누었습니다. 이러한 종류의 스펙타클의 성공 여부는 부분적으로 좋은 플롯 선택과 장면의 올바른 분배에 달려 있습니다. 또한 "무용 작곡가가 자신에게 차갑고 단조롭게 보이는 모든 것을 그의 음모에서 차단하지 못하면 발레가 그에게 깊은 인상을주지 않을 것입니다."

아리스토텔레스의 연극 작품의 부분 분할에 대한 진술과 방금 주어진 발레에 관한 노베르트의 말을 비교하면 부분의 이름에서 약간의 차이만 볼 수 있지만 그 역할과 기능에 대한 이해는 동일합니다. 두 저자 모두에게. 동시에 이러한 부분으로의 분할은 예술 작품의 단편화를 의미하지 않으며 통합되고 통합되어야 합니다. "... 행동의 모방 역할을하는 줄거리"라고 Aristotle은 말했습니다. 부분이 바뀌거나 제거되고 전체가 바뀌고 움직이기 때문입니다. 왜냐하면 그 존재 또는 부재가 눈에 띄지 않는 것은 전체의 유기적 부분이 아니기 때문입니다.

많은 안무가들은 안무 작품의 드라마투르기(dramaturgy)에 큰 중요성을 부여했다.

Carlo Blasis는 그의 저서 The Art of Dance에서 안무 구성의 극작에 대해 말하면서 그것을 설명, 음모, 단죄의 세 부분으로 나누고 그들 사이에 완벽한 조화가 필요함을 강조합니다. 박람회는 행동의 내용과 본질을 설명하며 서론이라고 할 수 있습니다. 박람회는 명확하고 간결해야하며 추가 조치에 참여하는 캐릭터는 유리한 측면에서 제시되어야하지만 후자가 플롯 개발에 중요한 경우 결함이 없어야합니다. 나아가 블라지스는 박람회 속 행동이 음모의 전개에 따라 흥미를 더 불러일으켜야 하며, 즉시 또는 점진적으로 전개될 수 있다는 점에 주목한다. "항상 기대가 쌓이도록 처음부터 너무 많은 것을 약속하지 마십시오."라고 그는 가르칩니다.

액션 초반에 청중에게 주제를 소개하는 것뿐만 아니라 "말하자면 진행 과정과 함께 성장하는 감정으로 그것을 포화시키는 것"이 중요하다는 Blazis의 발언이 흥미 롭습니다. 액션”은 현대 발레 극장의 드라마투르기의 과제에 해당합니다.

블라지스는 또 별도의 에피소드를 공연에 도입해 관객의 상상에 휴식을 주고 주인공에 대한 관심을 분산시키는 편의를 강조했지만, 그런 에피소드가 길면 안 된다고 경고했다. 그는 여기에서 공연 구성의 대조 원칙을 염두에 두었습니다. (그는 The Art of Dance에서 대조의 원리에 대해 "다양성, 대조"라고 부르는 별도의 장을 할애합니다.) Blasis에 따르면 비난은 공연의 가장 중요한 구성 요소입니다. 결말이 유기적인 결론이 되는 방식으로 작품의 행동을 구성하는 것은 극작가에게 큰 어려움입니다.

Marmontel은 “예기치 않은 비난이 되려면 불가피한 결말로 이어지는 숨겨진 원인의 결과여야 합니다. 극의 음모에 얽힌 캐릭터의 운명은 전체 행동 과정에서 폭풍에 휩싸인 배와 같으며 결국 끔찍한 난파를 겪거나 항구에 행복하게 도착합니다. 대단원. 블레지스는 마르몬텔의 의견에 동의하여 발레 공연의 마지막 부분 결정의 성격을 이론적으로 입증하기 위해 이 논문을 사용하려고 했습니다.

발레에 적합한 주제에 대해 그는 장점을 지적했다. 좋은 발레좋은 시의 위엄과 매우 흡사합니다. “'춤은 소리 없는 시여야 하고, 시는 말하는 춤이어야 한다.' 결과적으로 최고의 시는 역동성이 더 있는 시입니다. 안무 장르의 문제점: "자연은 항상 오류가 없습니다."

오늘날 우리는 안무 작품을 작곡하거나 분석할 때 크게 다섯 부분으로 구분한다.

1. 박람회는 청중에게 캐릭터를 소개하고 캐릭터의 성격에 대한 아이디어를 얻도록 도와줍니다. 행동 개발의 본질을 설명합니다. 의상과 장식의 특징, 공연 스타일과 방식의 도움으로 시대의 흔적이 드러나고 시대의 이미지가 재창조되며 행동의 장면이 결정됩니다. 여기서 동작은 천천히, 점진적으로 또는 동적으로, 능동적으로 발전할 수 있습니다. 박람회 기간은 안무가가 여기에서 해결하는 작업, 작품 전체에 대한 그의 해석, 작품의 시나리오, 구성 계획을 기반으로 구축되는 음악 자료에 따라 다릅니다. .

2. 넥타이. 이 부분의 바로 그 이름은 그것이 여기에 묶여 있음을 암시합니다. 행동이 시작됩니다. 여기서 캐릭터는 서로를 알게되고 그들 사이 또는 그들과 제 3의 힘 사이에 갈등이 발생합니다. 극작가, 시나리오 작가, 작곡가, 안무가가 줄거리 개발에 참여했습니다. 첫 번째 단계결국 절정으로 이어질 것입니다.

3. 클라이맥스 전 단계 - 액션이 펼쳐지는 작업의 일부입니다. 줄거리에서 그 특징이 결정된 갈등이 긴장되고 있습니다. 액션의 클라이맥스 이전의 단계는 여러 에피소드에서 구성할 수 있습니다. 일반적으로 그 수와 기간은 플롯 개발의 역학에 의해 결정됩니다. 한 걸음 한 걸음 성장하여 행동을 절정에 이르게 해야 합니다.

일부 작품은 빠르게 발전하는 드라마가 필요하고 다른 작품은 반대로 매끄럽고 느린 속도의 사건이 필요합니다. 때로는 클라이맥스의 강도를 강조하기 위해 대비를 위해 행동의 긴장을 줄여야합니다. 같은 부분에서 영웅 성격의 다른 측면이 드러나고 캐릭터 개발의 주요 방향이 드러나며 행동 라인이 결정됩니다. 배우들은 어떤 면에서는 상호 보완적이며 어떤 면에서는 서로 모순되는 상호작용 속에서 행동합니다. 이 관계, 경험, 갈등의 네트워크는 하나의 극적인 매듭으로 짜여져 있으며 점점 더 관객의 관심을 이벤트, 캐릭터의 관계, 경험에 끌어들입니다. 안무 작업의 이 부분에서 액션을 개발하는 과정에서 일부 작은 캐릭터의 경우 무대 생활의 절정과 심지어 비난이 올 수 있지만 이 모든 것이 공연의 드라마투르기 발전에 기여해야 합니다. 줄거리의 전개, 주인공의 캐릭터 공개.

4. 절정 - 최고점안무 작품의 드라마투르기 개발. 여기에서 줄거리 개발의 역학, 캐릭터의 관계가 가장 높은 감정적 강도에 도달합니다.

플롯이 없는 안무 번호에서 절정은 적절한 조형 솔루션으로 식별되어야 합니다. 흥미로운 패턴댄스, 가장 인상적인 안무 텍스트, 즉 댄스의 구성.

절정은 일반적으로 공연의 가장 큰 감정적 충만에 해당합니다.

5. 디커플링하면 작업이 완료됩니다. 비난은 즉각적이거나 갑자기 행동을 중단하고 작업의 피날레가되거나 반대로 점진적일 수 있습니다. 이것 또는 저 형태의 비난은 저자가 작업에 대해 설정한 작업에 따라 다릅니다. "... 음모의 비난은 음모 자체에서 따라야합니다. "라고 Aristotle은 말했습니다. 비난은 무대에서 일어나는 모든 일을 이해하는 과정에서 시청자가 깨달아야하는 구성의 이데올로기 적, 도덕적 결과입니다. 때때로 작가는 시청자를 위해 예기치 않게 비난을 준비하지만 이러한 놀라움은 전체 행동 과정에서도 생겨나야합니다.

안무 작업의 모든 부분은 서로 유기적으로 연결되어 있으며 다음은 이전 작업에서 이어지고 보완 및 발전됩니다. 모든 구성 요소의 합성만으로 작가는 시청자를 흥분시키고 사로잡는 작품의 드라마투르기를 만들 수 있습니다.

드라마투르기의 법칙은 부분의 다른 비율, 특정 에피소드 액션의 긴장과 풍부함, 마지막으로 특정 장면의 지속 시간이 작품 제작자가 스스로 설정한 주요 작업인 주요 아이디어에 따를 것을 요구합니다. 이는 다시 다양하고 다양한 안무 작품의 탄생에 기여한다. 극작법의 법칙에 대한 지식은 각본가, 안무가, 작곡가가 작곡 작업은 물론 이미 생성된 작곡을 분석하는 데 도움이 됩니다.

안무 예술에서 드라마투르기의 법칙을 적용하는 것에 대해 말하면서, 무대 동작에는 특정한 시간 프레임이 있다는 것을 기억해야 합니다. 이것은 액션이 특정 시간에 맞아야 함을 의미합니다. 즉, 극작가는 무대 액션의 특정 시간 동안 안무 작품의 아이디어 인 자신이 생각한 주제를 드러낼 필요가 있습니다.

발레 공연의 드라마투르기는 일반적으로 발레의 2막 또는 3막에 걸쳐 전개되며 드물게 1막 또는 4막에서 전개됩니다. 예를 들어 듀엣은 일반적으로 2분에서 5분 동안 지속됩니다. 연주자의 신체적 능력으로 인해 솔로 곡의 길이는 일반적으로 더 짧습니다. 이것은 극작가, 작곡가, 안무가에게 공연 작업 과정에서 해결해야 할 특정 작업을 제시합니다. 그러나 이것은 말하자면 저자가 직면한 기술적 문제입니다. 줄거리, 이미지의 극적인 발전 라인에 관해서는 여기서 작업의 시간적 길이는 아리스토텔레스의 말에 의해 결정될 것입니다. 필요에 따라 불행에서 행복으로, 불행에서 행복으로 변화가 일어날 수 있습니다." "... 줄거리는 기억하기 쉬운 길이여야 합니다."

행동이 느리게 전개되면 나쁘다. 그러나 무대에서 사건을 성급하고 도식적으로 표현한 것도 구성의 장점 때문일 수 없습니다. 시청자는 등장 인물을 인식하고 그들의 관계와 경험을 이해할 시간이 없을뿐만 아니라 때로는 작가가 말하고 싶은 것에 대해 어둠 속에 남아 있습니다.

극작술에서 우리는 때때로 소위 일면 구성이라는 한 줄의 행동 구성을 만납니다. 이미지, 캐릭터, 영웅의 대조되는 행동 등이 다를 수 있지만 행동 라인은 동일합니다. 단일 평면 구성의 예는 N. V. Gogol의 "Inspector General", A. S. Griboyedov의 "Woe from Wit"입니다. 그러나 종종 주제를 공개하려면 여러 가지 행동 라인이 동시에 발전하는 다면적 구성이 필요합니다. 그들은 서로 얽히고 보완하며 서로 대조됩니다. 예를 들어 A. S. Pushkin의 "Boris Godunov"를 인용할 수 있습니다. 예를 들어 A. Khachaturian의 발레 "Spartacus"(안무가 Y. Grigorovich)에서 Spartacus와 그의 측근 이미지의 극적인 발전 라인이 얽혀있는 발레 극장에서 유사한 극적인 솔루션을 접하게됩니다. 크라수스의 계보.

안무 구성의 동작 개발은 대부분 연대순으로 구성됩니다. 그러나 이것이 안무 작업에서 드라마투르기를 구축하는 유일한 방법은 아니다. 때때로 행동은 그의 기억으로 캐릭터 중 한 사람의 이야기로 만들어집니다. 19세기와 20세기의 발레 공연에서 꿈과 같은 장치는 전통적이다. 예를 들어 L. Minkus의 발레 "La Bayadère"의 그림 "Shadows", Minkus의 발레 "Don Quixote"의 꿈의 장면, R. Glière의 발레 "The Red Poppy"의 꿈의 장면, Masha의 꿈이 있습니다. P. Tchaikovsky의 "The Nutcracker"는 본질적으로 전체 발레의 기초입니다. 캐릭터의 추억에 줄거리가 드러나는 현대 안무가가 연출한 여러 콘서트 번호의 이름을 지정할 수도 있습니다. 우선 안무가 P. Virsky "What the Willow Cries About"(우크라이나 민속 무용 앙상블)과 "Hop"의 멋진 작품으로 주인공의 상상처럼 액션이 전개된다. 주어진 예에서 주인공 외에도 시청자는 이러한 캐릭터의 환상에서 태어난 캐릭터가 "기억"또는 "꿈 속에서"우리 앞에 나타납니다.

안무 작품의 드라마투르기의 기본은 사람의 운명, 국민의 운명이어야 한다. 그래야만 작품이 시청자에게 흥미로울 수 있고 그의 생각과 감정을 자극 할 수 있습니다. 특히이 주제와 관련하여 매우 흥미로운 것은 드라마에 대한 A.S. Pushkin의 진술입니다. 사실, 그의 추론은 극적 예술과 관련이 있지만 안무에도 전적으로 기인할 수 있습니다. 푸쉬킨은 "드라마"는 "광장에서 태어나 사람들의 즐거움이었습니다.<...>드라마는 교육받고 선출된 사회의 요청에 따라 광장을 떠나 홀로 옮겨졌다. 한편 드라마는 원래 목적에 충실합니다. 군중, 군중, 호기심을 차지하기 위해”, 그리고 더 나아가 :“열정의 진실, 제공된 상황에서의 감정의 타당성-이것이 우리의 마음입니다. 극작가에게 요구합니다.

안무의 표현 수단을 고려한 "열정의 진실, 제안 된 상황에서의 감정의 타당성"-안무 작품의 극작가와 안무가에게 요구되는 요구 사항입니다. 교육적 가치, 작품의 사회적 방향은 궁극적으로 흥미로운 창의적 솔루션과 함께 예술적 가치를 결정할 수 있습니다.

안무 작업을 하는 극작가는 자신이 구성한 플롯의 개요를 설명할 뿐만 아니라 장르의 특성을 고려하여 안무 이미지, 캐릭터의 충돌, 액션 전개에서 이 플롯에 대한 해결책을 찾아야 합니다. . 이러한 접근 방식은 안무가의 활동을 대신할 수 없습니다. 이는 안무 작품의 드라마투르기에 대한 전문적인 솔루션에 대한 자연스러운 요구 사항입니다.

종종 제작의 저자 인 안무가는 장르의 특성을 알고 작품의 무대 솔루션에 대한 좋은 아이디어를 가지고 있기 때문에 대본의 저자이기도합니다. 장면, 에피소드의 드라마 투르기 개발 , 댄스 독백.

안무 작품의 드라마 투르 기 작업을 할 때 작가는 청중의 눈을 통해 미래 공연, 콘서트 번호를보고, 앞을 내다보고 안무 솔루션으로 자신의 아이디어를 제시하고, 자신의 생각과 감정이 도달할지 생각해야합니다. 안무 예술의 언어로 전달된다면 관객. A. N. Tolstoy는 극장에서 극작가의 기능을 분석하면서 다음과 같이 썼습니다. . 거기-무대에서-그는 개인입니다. 그는 시대의 의지 라인의 초점이기 때문에 합성하고 철학자입니다. 여기 강당에서 그는 대중에게 완전히 녹아 있습니다. 즉, 극작가는 각 희곡을 쓰면서 팀에서 자신의 개성을 새로운 방식으로 확인합니다. 그래서 그는 창작자이자 비평가, 피고인이자 판사입니다.

안무 구성에 대한 줄거리의 기초는 삶에서 가져온 몇 가지 사건이 될 수 있습니다 (예 : 발레 : A. Kerin의 "Tatyana"(V. Meskheteli의 대본), A. Petrov의 "Coast of Hope"(Y의 대본) . Slonimsky), "Coast of Happiness » A. Spadavecchia(P. Abolimov의 대본), D. Shostakovich의 The Golden Age(Y. Grigorovich 및 I. Glikman의 대본) 또는 Chumatsky Joy 및 October Legend(안무가)와 같은 콘서트 번호 P. Virsky), "Partisans"및 "Two May Days"(안무가 I. Moiseev) 등); 문학 작품 (발레 : B. Asafiev의 The Fountain of Bakhchisarai (N. Volkov의 대본), S. Prokofiev의 Romeo and Juliet (A. Piotrovsky 및 S. Radlov의 대본). 안무 작품의 줄거리는 다음을 기반으로 할 수 있습니다. 일부 역사적 사실(예: B. Asafiev의 "The Flames of Paris"(V. Dmitriev 및 N. Volkov의 대본), A. Khachaturian의 "Spartacus"(N. Volkov의 대본), "Joan of Arc" " N. Peiko (B. Pletnev의 대본 ) 및 기타); 서사시, 전설, 동화,시 (예 : F. Yarullin "Shurale"의 발레 (A. Faizi 및 L. Yakobson의 대본), " R. Shchedrin의 The Little Humpbacked Horse"(V. Vaino-nen, P. Malyarevsky의 대본), G. Sinisalo의 "Sampo" 및 "Kizhi Legend"(I. Smirnov의 대본) 등).

안무 작품이 만들어지는 모든 단계를 차례로 분석해 보면 극작술의 윤곽이 먼저 프로그램에서나 작가의 의도에서 드러난다는 것이 분명해진다. 에세이를 작업하는 과정에서 극작술은 상당한 변화를 겪고, 발전하고, 특정 기능을 획득하고, 세부 사항을 획득하고, 작품이 살아나 청중의 마음과 마음을 자극합니다.

안무 구성 프로그램은 안무가가 작성한 구성 계획에서 발전을 찾고, 이는 미래 발레의 음악을 만드는 작곡가에 의해 공개되고 풍부해집니다. 안무가는 구성 계획을 개발하고 이를 세부적으로 설명함으로써 시각적 이미지에서 안무 예술을 통해 시나리오 작가와 작곡가의 의도를 드러내려고 합니다. 안무가의 결정은 발레 무용수들에 의해 구체화되어 시청자에게 전달됩니다. 따라서 안무 작품의 드라마투르기(dramaturgy)를 설정하는 과정은 아이디어에서 시작하여 특정 무대 솔루션에 이르기까지 길고 복잡합니다.

프로그램, 대본, 구성도

모든 안무 작업(댄스 번호, 댄스 모음곡, 발레 공연) 작업은 이 작업을 위한 프로그램 작성과 함께 아이디어에서 시작됩니다.

일상 생활에서 우리는 종종 "libretto"라고 말하며 어떤 사람들은 프로그램과 libretto가 하나이고 동일하다고 생각합니다. 이것은 대본이 아닙니다. 행동의 요약, 기성 안무 구성 (발레, 안무 미니어처, 콘서트 프로그램, 콘서트 번호) 시청자에게 꼭 필요한 자료만 있는 곳. 그러나 발레 연구, 특히 초기에는 "리브레토"라는 단어가 일반적으로 사용됩니다.

어떤 사람들은 프로그램을 만드는 것이 안무 작품 자체를 만드는 것과 같다고 잘못 생각합니다. 이것은 작업의 첫 번째 단계 일뿐입니다. 저자는 줄거리를 설정하고 행동의 시간과 장소를 결정하며 일반적으로 영웅의 이미지와 캐릭터를 공개합니다. 잘 고안되고 작성된 프로그램은 안무가와 작곡가 작업의 후속 단계에서 중요한 역할을 합니다.

프로그램의 저자가 문학 작품의 줄거리를 사용하는 경우, 그는 그 줄거리를 안무 장르에서 해결할 방법을 찾기 위해 원본 소스의 이미지인 그 성격과 스타일을 보존할 의무가 있습니다. 그리고 이것은 때때로 프로그램의 저자와 이후에 구성 계획의 저자가 행동의 장소를 변경하고 특정 감소를 위해 가고 때로는 문학적 출처와 비교하여 추가하도록 강요합니다.

안무 작품의 극작가는 어느 정도까지 문학적 출처를 보완하고 변경할 수 있으며, 그럴 필요가 있는가? 예, 안무 장르의 특수성은 발레 프로그램의 기초로 간주되는 작업에 대한 특정 변경 및 추가가 필요하기 때문에 확실히 필요합니다.

“오페라나 발레 무대로 기계적으로 옮겨간 셰익스피어의 가장 찬란한 비극은 나쁜 대본은 아니더라도 평범한 것으로 판명될 것이다. 뮤지컬이라는 면에서는 물론 셰익스피어의 서신을 고수하면 안 되지만... 작품의 일반적인 개념과 이미지의 심리적 특성을 바탕으로 줄거리 소재가 고스란히 드러날 수 있도록 배치한다. 오페라와 발레의 특정 수단으로”발레 로미오와 줄리엣에 관한 기사에서 유명한 소련 음악 평론가 I. Sollertinsky를 썼습니다.

발레 프로그램 The Fountain of Bakhchisarai, N. Volkov의 저자는 안무 장르의 특성을 고려하여 Mary와 Vatslav의 약혼과 Tatars의 습격에 대해 말하는 Pushkin의 음모 외에도 전체 행위를 썼습니다. . 이 장면은 푸쉬킨의 시에는 없지만 극작가는 발레 공연의 관객이 공연의 줄거리를 이해하여 안무 이미지가 더 완전하고 푸쉬킨의 시와 일치하도록 하기 위해 이 장면이 필요했습니다.

그녀의 모든 것이 사로 잡혔습니다. 조용한 기질,

움직임은 가늘고 활기차고

그리고 진한 파란색 눈

자연이 주는 사랑스러운 선물

그녀는 예술로 장식했습니다.

그녀는 수제 잔치

마법의 하프로 활기를 되찾고,

귀족과 부자의 군중

그들은 마리아나의 손을 찾았고,

그리고 그것에 많은 젊은 남자

그들은 은밀한 고통에 시달렸습니다.

그러나 당신의 영혼의 침묵 속에서

그녀는 아직 사랑을 몰랐어

그리고 독립적인 여가

여자 친구 사이 아버지의 성에서

하나의 재미에 전념합니다.

이 푸쉬킨 대사는 타타르 습격 이전에 Mary의 삶에 대해 이야기하고 시에 이미지가없는 그녀의 약혼자 Vaclav 인 Mary의 아버지를 청중에게 소개해야했기 때문에 전체 행동에서 개발되어야했습니다. 젊은이들의 사랑을 전합니다. Maria의 행복은 무너집니다. Tatars의 습격으로 그녀의 사랑하는 사람들이 죽습니다. A. S. Pushkin은 Mary의 회고록 여러 줄에서 이에 대해 이야기합니다. 안무 장르는 회고록에서 마리아의 오랜 삶을 드러내는 것을 가능하게하지 않기 때문에 극작가이자 안무가는 푸쉬킨의 극작술을 드러내는 이러한 형태에 의지했습니다. 발레의 저자는 푸쉬킨 작품의 스타일과 성격을 보존했으며 발레의 모든 행위는 서로를 보완하며 푸쉬킨의 극작술을 기반으로 한 통합 안무 작품입니다.

따라서 극작가가 안무 작품의 대본을 창작할 때 어떤 문학 작품을 기초로 삼는다면, 원작의 성격을 살리고 시인이 창작한 이미지에 상응하는 안무 이미지의 탄생을 마련해야 한다. 또는 원본 소스의 작성자 인 극작가.

발레 공연의 주인공들은 프로토타입과 공통점이 없을 때가 있다. 그런 다음 안무 장르가 문학 작품에 내재 된 이미지와 성격을 완전히 공개 할 수 없다는 그런 공연 작가의 설명을 들어야합니다. 그러나 이것은 사실이 아닙니다! 물론 안무 장르는 주인공 개인의 성격 변화가 어느 정도 필요하지만 이미지의 근간은 지켜져야 한다. 발레 "The Fountain of Bakhchisarai"의 Maria, Zarema, Girey는 Pushkin의 Maria, Zarema 및 Girey 여야합니다. Romeo, Juliet, Tybalt, Mercutio, Lorenzo 신부 및 발레 "Romeo and Juliet"의 다른 캐릭터는 셰익스피어의 의도와 일치해야합니다. 여기에 자유가있을 수 없습니다. 우리는 드라마, 특정 주제 및 특정 이미지에 대한 작가의 솔루션을 다루고 있기 때문에 문학 작품의 드라마 투르를 기반으로 작가의 의도에 따라 발레 작품을 만들어야합니다.