이상적인 도시를 만드는 문제. 이상적인 도시
르네상스는 가장 중요한 시대 중 하나입니다. 문화 발전인류는 지금이 근본적으로 기초가 되는 시기이기 때문입니다. 새로운 문화, 미래의 다음 세대가 적극적으로 사용할 아이디어, 생각, 상징이 풍부합니다. XV 세기에. 이탈리아에서는 실제 건축 구현보다 미래 모델 인 프로젝트처럼 개발되는 도시의 새로운 이미지가 탄생하고 있습니다. 물론 르네상스 이탈리아에서 그들은 도시를 많이 미화했습니다. 그들은 거리를 곧게 펴고, 정면을 평평하게 하고, 포장 도로를 만드는 데 많은 돈을 썼습니다. 건축가는 또한 새 집을 짓고 빈 공간에 맞추거나, 드물게는 , 철거 된 오래된 건물 대신에 세웠습니다. 일반적으로 이탈리아 도시는 실제로 건축 경관에서 중세로 남아있었습니다. 도시개발이 활발한 시기는 아니었지만, 도시문제가 문화건설의 가장 중요한 영역으로 인식되기 시작한 것은 바로 이때였다. 정치적일 뿐만 아니라 사회문화적 현상으로서 도시가 무엇인지에 관한 흥미로운 논문들이 많이 나왔다. 르네상스 인문주의자들의 눈에 중세 도시와 다른 새로운 도시는 어떻게 보일까?
모든 도시 계획 모델, 프로젝트 및 유토피아에서 도시는 먼저 인간 구원의 공간을 상징하는 하늘의 예루살렘, 방주라는 신성한 원형에서 벗어났습니다. 르네상스 시대에 이념은 이상적인 도시, 신성한 원형이 아니라 개인의 결과로 창조되었습니다. 창의적인 활동건축가. 건축에 관한 고전 Ten Books의 저자인 유명한 L. B. Alberti는 독창적인 건축 아이디어가 종종 밤에 떠오른다고 주장했는데, 이때 그의 주의가 산만해지고 깨어 있는 동안에는 드러나지 않는 것들이 나타나는 꿈을 꿉니다. 창작 과정에 대한 이 세속화된 설명은 고전적인 기독교인의 보는 행위와는 상당히 다릅니다.
새로운 도시는 사회적, 정치적, 문화적, 국내적 목적에서 천상의 것이 아니라 지상의 규정에 상응하는 이탈리아 인문주의자들의 작품에 등장했다. 신성한 공간적 수축의 원칙이 아니라 기능적이고 완전히 세속적인 공간 구분을 기반으로 지어졌으며 중요한 주거 또는 공공 건물을 중심으로 그룹화 된 광장, 거리의 공간으로 구분되었습니다. 이러한 재건은 예를 들어 피렌체와 같이 실제로 어느 정도 수행되었지만 시각 예술, 르네상스 회화 및 건축 프로젝트에서 더 많이 실현되었습니다. 르네상스 도시는 자연에 대한 인간의 승리, 인간 문명이 자연에서 새로운 인공 세계로 "분리"되는 데 합리적이고 조화롭고 아름다운 근거가 있다는 낙관적 믿음을 상징했습니다.
르네상스 인은 창조주가 미완성으로 판명 된 것을 자신의 손으로 완성한 우주 정복 문명의 원형입니다. 그렇기 때문에 건축가는 도시를 계획할 때 도시 공동체의 삶에 필요한 모든 건물을 배치해야 하는 다양한 기하학적 모양 조합의 미학적 의미를 기반으로 아름다운 프로젝트를 만드는 것을 좋아했습니다. 공리주의적 고려는 배경으로 사라졌고 건축적 환상의 자유로운 미적 유희는 당시 도시 계획가들의 의식을 정복했습니다. 개인의 존재 기반으로서의 자유로운 창의성에 대한 생각은 르네상스 시대의 가장 중요한 문화적 명령 중 하나입니다. 이 경우 건축적 창의성은 또한 이 아이디어를 구현했으며, 이는 복잡한 장식적인 환상처럼 보이는 건물 프로젝트의 생성으로 표현되었습니다. 실제로 이러한 아이디어는 규칙적인 모양의 석판으로 덮인 다양한 유형의 석재 포장을 만들 때 주로 구현되는 것으로 밝혀졌습니다. 마을 사람들이 자랑스러워하며 "다이아몬드"라고 부르는 것은 주요 혁신이었습니다.
도시는 원래 자연계의 자연성에 반대하는 인공적인 제품으로 인식되었는데, 중세 도시와 달리 생활 공간을 정복하고 지배했으며 지형에 딱 들어맞지 않았기 때문입니다. 따라서 르네상스의 이상적인 도시는 엄격한 기하학적 모양정사각형, 십자가 또는 팔각형의 형태로. I. E. Danilova의 적절한 표현에 따르면 당시의 건축 프로젝트는 모든 것이 지배되는 인간 마음의 지배의 인장으로 위에서부터 지형에 겹쳐졌습니다. 뉴에이지 시대에 인간은 이해할 수 없는 우연이나 행운의 게임을 없애기 위해 세상을 예측 가능하고 합리적으로 만들려고 노력했습니다. 따라서 L. B. Alberti는 그의 작품 "On the Family"에서 이성이 재산보다 민사와 인간 생활에서 훨씬 더 큰 역할을 한다고 주장했습니다. 유명한 건축 및 도시 계획 이론가는 응용 수학과 기하학의 규칙을 확장하여 세계를 테스트하고 정복해야 할 필요성에 대해 말했습니다. 이러한 관점에서 볼 때 르네상스 도시는 세계, 즉 공간을 정복하는 최고의 형태였다. 왜냐하면 도시 계획 프로젝트는 그 위에 구획된 공간의 기하학적 그리드를 부과한 결과 자연경관의 재편성을 수반했기 때문이다. 그것은 중세 시대와 달리 중앙이 대성당이 아니라 거리가있는 사방에서 열리고 성벽 너머 멀리 보이는 광장의 여유 공간 인 개방형 모델이었습니다.
문화 분야의 현대 전문가들은 르네상스 도시의 공간 구성 문제, 특히 도시 광장의 주제, 그 기원 및 의미론에 점점 더 많은 관심을 기울이고 있으며 다양한 국제 심포지엄에서 활발히 논의되고 있습니다. R. Barth는 다음과 같이 썼습니다. 더 큰 가치의미 있는 것의 공허함 대신 의미 있는 공허함을 주기 시작한다. 즉, 요소 자체가 아니라 위치에 따라 요소가 점점 더 중요해집니다.
중세 도시, 그 건물, 교회는 친밀감의 현상, 작은 요새와 유사한 대성당이든 궁전이든 물리적 또는 영적 장벽을 극복해야 할 필요성을 구현했습니다. 외부 세계공간. 침투는 항상 숨겨진 비밀에 대한 친숙함을 상징했습니다. 반면에 광장은 완전히 다른 시대의 상징이었습니다. 그것은 위쪽뿐만 아니라 측면, 거리, 골목, 창문 등을 통해 개방의 아이디어를 구현했습니다. 사람들은 항상 광장에 들어갔습니다. 밀폐된 공간. 반대로 모든 사각형은 즉시 개방되고 열린 공간의 느낌을 만들어 냈습니다. 도시 광장은 그대로 신비로운 비밀로부터 해방되는 과정 자체를 상징하고 공개적으로 탈 신성화 된 공간을 구현했습니다. L. B. Alberti는 도시의 가장 중요한 장식은 거리와 광장의 위치, 방향, 대응, 배치에 의해 주어진다고 썼습니다.
이러한 아이디어는 XIV 및 XV 세기에 피렌체에서 일어난 개별 가족 씨족의 통제로부터 도시 공간을 해방하기위한 투쟁의 실제 관행에 의해 뒷받침되었습니다. F. 브루넬레스키는 이 기간 동안 도시에 세 개의 새로운 광장을 설계했습니다. 다양한 귀족의 묘비가 광장에서 제거되고 그에 따라 시장이 재건됩니다. 열린 공간의 아이디어는 벽과 관련하여 L. B. Alberti에 의해 구현됩니다. 그는 장애물이 되는 벽의 관습성을 강조하기 위해 가능한 한 자주 콜로네이드를 사용하라고 조언합니다. 이것이 알베르티의 아치가 잠긴 성문의 반대편으로 인식되는 이유입니다. 아치는 시야를 여는 틀처럼 항상 열려 있어 도시 공간을 연결한다.
르네상스 도시화는 도시 공간의 근접성과 고립을 의미하는 것이 아니라 반대로 도시 외부의 분포를 의미합니다. Francesco di Giorgio Martini의 프로젝트는 "자연의 정복자"의 공격적인 공격적 파토스를 보여줍니다. Yu. M. Lotman은 그의 논문의 특징인 이 공간 충동에 대해 썼습니다. 대부분의 경우 마티니 요새는 별 모양을 하고 있으며, 바깥쪽으로 강하게 확장된 요새가 있는 벽 모서리에 의해 모든 방향으로 노출됩니다. 이 아키텍처 솔루션은 주로 포탄의 발명으로 인한 것입니다. 우주로 멀리 진출한 요새에 설치된 대포는 적에게 능동적으로 대응하고 원거리에서 공격하여 주벽에 도달하는 것을 방지했습니다.
레오나르도 브루니는 피렌체에 대한 찬사에서 우리에게 실제 도시가 아니라 구체화된 사회 문화적 교리를 제시합니다. 왜냐하면 그는 도시 배치를 "수정"하고 새로운 방식으로 건물의 위치를 설명하려고 하기 때문입니다. 결과적으로 Palazzo Signoria는 도시 권력의 상징으로 실제보다 넓은 벽의 고리, 요새 등이 갈라지는 도시의 중심에 있음이 밝혀졌습니다.이 설명에서 Bruni는 출발합니다. 중세 도시의 폐쇄적 모델에서 벗어나 새로운 생각새로운 시대를 상징하는 일종의 도시 확장 아이디어. 피렌체는 인근 땅을 점령하고 광활한 영토를 예속합니다.
따라서 XV 세기의 이상적인 도시입니다. 수직적 신성화 투영이 아니라 구원의 영역이 아닌 편안한 생활 환경으로 이해되는 수평적 사회 문화적 공간에서 구상된다. 그래서 이상적인 도시는 15세기의 예술가들에 의해 묘사되었습니다. 먼 목표가 아니라 내부에서 아름답고 조화로운 인간 삶의 영역으로.
그러나 원래 르네상스 도시의 이미지에 존재했던 특정 모순에 주목할 필요가 있습니다. 이 기간 동안 주로 "사람을 위해"만들어진 새로운 유형의 웅장하고 편안한 주거지가이 기간 동안 나타 났음에도 불구하고 도시 자체는 이미 돌로 된 새장으로 인식되기 시작했습니다. 자유롭고 창조적 인 인간 성격의 개발. 도시의 풍경은 자연과 모순되는 것으로 인식될 수 있으며, 아시다시피 당시의 예술가, 시인, 사상가들에게 미학적 감탄의 대상은 자연(인간과 비인간 모두)입니다.
사회 문화적 공간의 도시화의 시작은 기본적이고 초보적이며 열정적으로 인식되는 형태에서도 이미 존재 론적 외로움, 새로운 "수평"세계에 대한 포기를 불러 일으켰습니다. 앞으로 이 이중성은 발전하여 근대 문화의식의 첨예한 모순으로 변해 유토피아적 반도시 시나리오의 등장으로 이어질 것이다.
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문화학
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문화의 규범과 가치
문화의 기능
이탈리아의 르네상스 미술(XIII-XVI 세기).
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이탈리아 르네상스 예술의 특징.
르네상스 예술은 14세기에 시작된 사회적 사고의 경향인 인본주의(라틴어 휴머니즘 - "인간"에서 유래)를 기반으로 발생했습니다. 이탈리아에서, 그리고 15세기 후반과 16세기에. 다른 유럽 국가로 확산. 인본주의는 인간과 그의 선의 최고의 가치를 선포했습니다. 이 추세의 추종자들은 모든 사람이 자신의 능력을 실현하면서 사람으로서 자유롭게 발전할 권리가 있다고 믿었습니다. 인본주의의 아이디어는 예술에서 가장 완전하고 생생하게 구현되었으며, 그 주요 주제는 무한한 영적, 창의적 가능성을 가진 아름답고 조화롭게 발전한 사람이었습니다. 인본주의 자들은 지식의 원천이자 예술적 창의성의 모델이 된 고대로부터 영감을 받았습니다. 끊임없이 자신을 상기시키는 이탈리아의 위대한 과거는 그 당시 최고의 완벽함으로 인식되었지만 중세 예술은 부적절하고 야만적으로 보였습니다. 16세기에 등장한 '부흥'이라는 용어는 고전적인 고대 문화를 되살리는 새로운 예술의 탄생을 의미했다. 그러나 르네상스 미술은 중세 미술 전통에 많은 빚을 지고 있다. 옛것과 새것은 뗄래야 뗄 수 없이 연결되고 대립했다. 그 기원의 모든 모순적인 다양성과 함께 르네상스 예술은 깊고 근본적인 참신함으로 특징지어집니다. 그것은 현대 유럽 문화의 토대를 마련했습니다. 회화와 그래픽, 조각, 건축 등 모든 주요 예술 형식은 엄청나게 변했습니다.
건축에서 창의적으로 재작업된 고대의 원리 주문 시스템 ,
새로운 유형의 공공 건물이 등장했습니다. 그림은 선형으로 풍부해졌습니다. 공중 관점인체의 해부학과 비율에 대한 지식. 세속적 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 기념비적 인 벽화와 함께 장식 건축 구조, 그림이 나타났습니다. 유화가 탄생했습니다.
예술은 아직 공예이기를 그치지 않았지만, 당시 활동이 매우 다양했던 작가의 창조적 개성은 이미 1위를 차지했다. 르네상스 거장의 보편적 인 재능은 놀랍습니다. 그들은 종종 건축, 조각 및 회화 분야에서 동시에 일했으며 문학,시 및 철학에 대한 열정을 정확한 과학 연구와 결합했습니다. 창의적으로 풍부한 또는 "르네상스" 성격의 개념은 나중에 일상적인 단어가 되었습니다.
르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다. 그 인지적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고, 자연스러움을 추구함에 있어 소소한 일상에 하강하지 않았다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.
이탈리아의 르네상스 문화 형성은 경제적으로 독립된 도시에서 이루어졌습니다. 르네상스 예술의 부상과 번성에서 교회와 왕관을 쓰지 않은 주권자의 장엄한 궁정-회화, 조각 및 건축 작품의 가장 큰 후원자이자 고객이었던 지배 부유 한 가족이 중요한 역할을했습니다. 르네상스 문화의 주요 중심지는 처음에는 피렌체, 시에나, 피사, 그 다음에는 파도바, 페라라, 제노아, 밀라노, 그리고 15세기 후반에는 부유한 상인 베니스였습니다. XVI 세기에. 수도 이탈리아 르네상스로마가 되었습니다. 그 이후로 베니스를 제외한 다른 모든 문화 센터는 이전의 중요성을 잃었습니다.
이탈리아 르네상스 시대에는 여러 기간을 구분하는 것이 일반적입니다.
프로토 르네상스 (XIII-XIV 세기 후반),
초기 르네상스(XV 세기),
전성기 르네상스(15세기 후반~16세기 1/3)
후기 르네상스(16세기 후반 2/3).
프로토 르네상스
XIII-XIV 세기의 이탈리아 문화에서. 여전히 강력한 비잔틴과 고딕 전통을 배경으로 새로운 예술의 특징이 나타나기 시작했으며 나중에 르네상스 예술이라고 불립니다. 따라서 역사의이 기간을 불렀습니다. 프로토 르네상스(그리스어 "protos"- "first"에서, 즉 르네상스의 시작을 준비했습니다). 유럽 국가에는 이와 유사한 과도기가 없었습니다. 이탈리아 자체에서 원시 르네상스 예술은 토스카나와 로마에서만 발생하고 발전했습니다.
이탈리아 문화에서는 옛것과 새것의 특징이 서로 얽혀 있었습니다. 중세의 마지막 시인이자 새 시대의 첫 시인인 단테 알리기에리(1265-1321)는 이탈리아 문학 언어를 창안했습니다. 단테가 시작한 일은 14세기의 다른 위대한 피렌체인들, 즉 유럽 서정시의 창시자 프란체스코 페트라르카(1304-1374)와 세계에서 소설(단편 소설) 장르의 창시자 조반니 보카치오(1313-1375)에 의해 계속되었습니다. 문학. 시대의 자부심은 건축가와 조각가 Niccolo와 Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio 및 화가입니다. 지오토 디 본도네 .
건축학
오랫동안 이탈리아 건축은 중세 전통을 따랐으며 주로 많은 수의 고딕 모티프를 사용하여 표현되었습니다. 동시에 이탈리아 고딕 자체는 북유럽의 고딕 건축과 매우 달랐습니다. 큰 형태, 빛, 수평 분할, 넓은 벽면. 1296년 피렌체에서 공사가 시작되었습니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당. Arnolfo di Cambio는 거대한 돔으로 대성당의 제단을 장식하기를 원했습니다. 그러나 1310년 건축가가 사망한 후 공사가 지연되어 1310년에 이미 완공 초기 르네상스. 1334 년 Giotto의 디자인에 따라 소위 종탑이라고 불리는 대성당의 종탑 건설이 시작되었습니다. 바닥으로 수평 분할이있는 가느 다란 직사각형 탑과 우아한 고딕 양식의 창문이 있으며 란셋 아치형은 오랫동안 이탈리아 건축에 보존되었습니다.
가장 유명한 도시 궁전 중에는 피렌체의 베키오 궁전(Palazzo della Signoria)이 있습니다. 아르놀포 디 캄비오(Arnolfo di Cambio)가 지었다고 합니다. 그것은 높은 탑이 있는 무거운 정육면체이며, 단단한 돌 녹슬림이 늘어서 있습니다. 3층 건물의 파사드는 반원형 아치에 새겨진 한 쌍의 창문으로 장식되어 있어 건물 전체가 절제된 금욕적인 느낌을 줍니다. 건물은 거친 부피로 광장을 침범하며 구도심의 모습을 정의한다.
조각품
건축과 회화보다 일찍이 예술적 탐색은 조각과 무엇보다도 Niccolò Pisano(1220년경 - 1278년에서 1284년 사이)가 창시한 Pisan 학교에서 윤곽이 잡혔습니다. Niccolo Pisano는 이탈리아 남부 Apulia에서 태어났습니다. 그는 고대 고전 전통의 부흥 정신이 번성했던 남부 학교에서 조각을 공부했다고 믿어집니다. 의심할 여지 없이 Niccolo는 후기 로마와 초기 기독교 석관의 조각 장식을 연구했습니다. 오늘의 가장 빠른 유명한 작품조각가 - 육각형 대리석 강단, 피사 (1260)의 세례당을 위해 그에 의해 만들어진-르네상스 조각의 뛰어난 작품이되었으며 그 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 조각가의 주요 업적은 형태에 볼륨과 표현력을 부여했으며 각 이미지에는 신체적 힘이 있다는 것입니다.
니콜로 피사노(Niccolò Pisano)의 작업장에서 그의 아들 조반니 피사노(Giovanni Pisano)와 건축가로도 알려진 아르놀포 디 캄비오(Arnolfo di Cambio) 등 프로토-르네상스 조각의 뛰어난 거장들이 탄생했습니다. Arnolfo di Cambio(약 1245년 - 1310년 이후)는 기념비적인 조각품에 매료되어 그의 인생 관찰을 사용했습니다. 그가 아버지와 아들 피사노와 함께 한 최고의 작품 중 하나 - 페루자 광장의 분수(1278). 수많은 조각상과 부조로 장식된 Fonte Maggiore는 도시의 자부심이 되었습니다. 그것으로 짐승을 마시는 것과 술통에 물을 담는 것이 금지되었고 씻지 않은 접시. 시립 박물관은 분수를 위해 Arnolfo di Cambio가 만든 누운 인물 조각을 보존했습니다. 이 수치에서 조각가는 인체 움직임의 모든 풍부함을 전달했습니다.
그림
이탈리아 르네상스 예술에서 벽화는 지배적 인 위치를 차지했습니다. 프레스코 기법으로 제작되었습니다. 물에 준비된 페인트로 그들은 젖은 석고 (실제로 프레스코) 또는 건조한 곳에 썼습니다. 이 기술을 "a secco"(이탈리아어- "dry"에서 번역됨)라고합니다. 석고의 주요 결합제는 석회입니다. 왜냐하면 석회는 건조하는 데 약간의 시간이 걸리며 프레스코 페인팅은 종종 부분적으로 연결 솔기가 있는 부분에서 빠르게 수행되어야 했습니다. XV 세기 후반부터. 프레스코 기술은 세코 그림으로 보완되기 시작했습니다. 후자는 더 느린 작업을 허용하고 부품 마무리를 허용했습니다. 벽화 작업은 석고의 첫 번째 층에 프레스코 화 아래에 적용된 보조 도면 인 sinopia의 생산으로 선행되었습니다. 이 그림은 흑해 연안에 위치한 Sinop시 근처의 점토에서 채굴 된 붉은 황토로 만들어졌습니다. 도시 이름에 따르면 페인트는 Sinop 또는 sinopia라고 불렸고 나중에 그림 자체도 같은 방식으로 호출되기 시작했습니다. Sinopia는 13세기부터 15세기 중반까지 이탈리아 회화에 사용되었습니다. 그러나 모든 화가가 시노피아의 도움을 받은 것은 아닙니다. 예를 들어, 지오토 디 본도네, Proto-Renaissance 시대의 가장 저명한 대표자는 그들없이했습니다. 점차적으로 synopia는 버려졌습니다. XV 세기 중반부터. 골판지는 그림에 널리 사용되었습니다. 종이나 직물에 미래 작업 크기로 만든 준비 그림입니다. 도면의 윤곽선은 석탄 먼지의 도움으로 젖은 석고로 옮겨졌습니다. 윤곽에 뚫린 구멍을 통해 바람을 불어 넣고 날카로운 도구로 석고에 눌렀습니다. 때때로 스케치 스케치의 시노피아는 완성된 기념비적 그림으로 바뀌었고 판지는 독립적인 회화 작품의 가치를 얻었습니다.
새로운 이탈리아 회화 양식의 창시자는 Cimabue(실제로는 Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302)입니다. Cimabue는 엄숙한 제단 그림과 아이콘의 대가로 피렌체에서 유명했습니다. 그의 이미지는 추상성과 정적 특성이 특징입니다. 그리고 Cimabue는 그의 작품에서 비잔틴 전통을 따랐지만 그의 작품에서 그는 지상의 감정을 표현하고 비잔틴 정경의 경직성을 부드럽게하려고 노력했습니다.
Piero Cavallini(1240년에서 1250년 사이 - 약 1330년)는 로마에서 살면서 일했습니다. 그는 Trastevere에 있는 Santa Maria 교회의 모자이크(1291)와 Trastevere에 있는 Santa Cecilia 교회의 프레스코화(1293년경)의 저자입니다. 그의 작품에서 Cavallini는 형식에 볼륨과 유형을 부여했습니다.
Cavallini가 채택하고 이어온 업적 지오토 디 본도네(1266 또는 1267 - 1337), 프로토 르네상스의 가장 위대한 예술가. Giotto라는 이름은 이탈리아 회화 발전의 전환, 중세 예술적 대포와의 단절 및 13 세기 Italo-Byzantine 예술의 전통과 관련이 있습니다. 최대 유명한 작품 Giotto - Padua의 Arena Chapel에 있는 프레스코화(1304-06). 프레스코 화는 명확성, 복잡하지 않은 내러티브, 묘사 된 장면에 활력과 자연 스러움을 부여하는 일상적인 세부 사항의 존재로 구별됩니다. 당시의 예술을 지배했던 교회 정경을 거부하면서 Giotto는 그의 캐릭터를 다음과 유사하게 묘사합니다. 진짜 사람들: 비례, 쪼그려진 체형, 길쭉한 얼굴이 아닌 동그란 얼굴, 정확한 눈매 등 그의 성도는 땅 위에 떠 있지 아니하고 두 발로 그 위에 굳게 섰느니라. 그들은 하늘보다 지상에 대해 더 많이 생각하고 완전히 인간의 감정과 감정을 경험합니다. 이탈리아 회화 역사상 처음으로 그림의 영웅들의 마음 상태가 얼굴 표정, 몸짓, 자세로 전달됩니다. 전통적인 황금색 배경 대신 Giotto의 프레스코화는 바실리카 정면의 풍경, 인테리어 또는 조각 그룹을 묘사합니다.
XIV 세기 후반. 그림 같은 시에나 학교가 전면에 등장합니다. XIV 세기 Sienese 회화의 가장 크고 가장 세련된 거장. Simone Martini(c. 1284-1344)였습니다. 시몬 마티니의 붓은 콘크리트의 예술사에서 최초의 이미지를 소유하고 있습니다. 역사적 사건현대인의 초상화와 함께. 이 사진 " 콘도티에르 귀도리치오 다 폴리아노"Palazzo Publico(시에나)의 Mappamondo(세계 지도) 방에서 미래의 수많은 승마 초상화의 원형이 되었습니다. 현재 피렌체의 우피치 미술관에 소장되어 있는 시모네 마르티니의 제단화 The Annunciation은 명성이 자자합니다.
르네상스의 특징. 프로토 르네상스
르네상스의 특징
초기 르네상스
XV 세기에. 이탈리아의 예술은 유럽의 예술 생활에서 지배적인 위치를 차지했습니다. 인본주의적 세속적(즉, 교회적이지 않은) 문화의 토대는 피렌체에 놓여 시에나와 피사를 배경으로 밀어붙였습니다. 여기에서 정치 권력은 상인과 장인에게 속했으며 도시 문제에 대한 가장 강력한 영향력은 끊임없이 서로 경쟁하는 여러 부유 한 가족이 행사했습니다. 이 투쟁은 14세기 말에 끝났다. 메디치 은행가의 승리. 그 머리인 Cosimo de' Medici는 플로렌스의 무언의 통치자가 되었습니다. 작가, 시인, 과학자, 건축가, 예술가들이 Cosimo Medici의 궁정으로 몰려들었습니다. 피렌체의 르네상스 문화는 장엄한 별명을 가진 Lorenzo de' Medici에 의해 절정에 이르렀습니다. Lorenzo는 예술과 과학의 위대한 후원자이자 Platonic Academy의 창시자였으며 이탈리아의 뛰어난 정신, 시인 및 철학자가 모여 정신과 마음을 고양시키는 세련된 토론이 열렸습니다.
건축학
Cosimo와 Lorenzo Medici 아래에서 피렌체 건축에 진정한 혁명이 일어났습니다. 여기에서 광범위한 건설이 시작되어 도시의 모습을 크게 바 꾸었습니다. 이탈리아 르네상스 건축의 조상은 필리포 브루넬레스키(1377-1446) - 과학적 관점 이론의 창시자 중 한 명인 건축가, 조각가 및 과학자. 브루넬레스키의 가장 큰 공학적 업적은 돔 건설이었습니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당피렌체에서. 그의 수학적, 기술적 천재성 덕분에 브루넬레스키는 당시 가장 어려운 문제를 해결했습니다. 마스터가 직면한 가장 큰 어려움은 중간 십자가의 거대한 스팬(42m)으로 인해 확산을 용이하게 하기 위해 특별한 노력이 필요했습니다. Brunelleschi는 독창적인 디자인을 적용하여 문제를 해결했습니다. 두 개의 쉘로 구성된 가벼운 속이 빈 돔, 이를 둘러싸는 링으로 연결된 8개의 베어링 리브로 구성된 프레임 시스템, 아치를 닫고 로드하는 가벼운 랜턴입니다. 산타 마리아 델 피오레 대성당의 돔은 이탈리아와 다른 유럽 국가에 있는 수많은 돔 교회의 전신이 되었습니다.
브루넬레스키는 이탈리아 건축에서 고대 질서 체계를 창의적으로 이해하고 원래 해석한 최초의 사람 중 하나였습니다. 오스페달레 델리 이노첸티 (Foundlings Shelter), 1421-44), 고대 질서에 기반한 돔형 교회 창조의 시작을 표시했습니다. 산 로렌초 교회 ). 초기 르네상스의 진정한 보석은 부유한 피렌체 가문의 의뢰를 받아 브루넬레스키가 만들었습니다. 파찌 채플(1429년에 시작). 브루넬레스키 작품의 휴머니즘과 시, 건물의 조화로운 비율, 가벼움 및 우아함, 고딕 양식의 전통과의 접촉, 그의 아이디어의 창의적 자유 및 과학적 타당성은 이후 르네상스 건축의 발전에 브루넬레스키의 큰 영향을 결정했습니다.
XV 세기 이탈리아 건축의 주요 업적 중 하나입니다. 후대의 공공 건물의 모델이 된 새로운 유형의 도시 궁전인 팔라조(Palazzo)가 탄생한 것입니다. 15세기 궁전의 특징 건물의 닫힌 볼륨을 3층으로 명확하게 구분하고, 여름용 바닥 아케이드가 있는 개방형 안뜰, 정면 클래딩을 위한 녹(대략 비스듬하거나 볼록한 전면이 있는 돌) 사용, 강하게 확장된 장식 처마 장식 . 이 스타일의 두드러진 예는 메디치 가문의 궁정 건축가인 브루넬레스키의 학생 미켈로초 디 바르톨로메오(1396-1472)의 수도 건설입니다. 메디치 궁전 - 리카르디 (1444-60), 많은 피렌체 궁전 건축의 모델이되었습니다. Michelozzo의 탄생이 가까워졌습니다. 팔라조 스트로치(1481년 설립), 건축가이자 조각가인 Benedetto da Maiano(1442-97)의 이름과 관련이 있습니다.
이탈리아 건축사에서 특별한 장소는 레온 바티스타 알베르티(1404-72). 포괄적인 재능과 폭넓은 교육을 받은 그는 당시 가장 뛰어난 인문주의자 중 한 사람이었습니다. 그의 관심사 범위는 유난히 다양했습니다. 그것은 도덕과 법, 수학, 역학, 경제학, 철학, 시, 음악, 회화, 조각, 건축을 다루었습니다. 뛰어난 스타일리스트인 Alberti는 라틴어와 이탈리아어로 수많은 작품을 남겼습니다. 이탈리아와 해외에서 Alberti는 뛰어난 예술 이론가라는 명성을 얻었습니다. 유명한 논문 "건축에 관한 열 권의 책"(1449-52), "그림에 관한", "조각상에 관한"(1435-36)은 그의 펜에 속합니다. 그러나 건축은 Alberti의 주요 직업이었습니다. 건축 작업에서 Alberti는 고대 예술 유산을 혁신적으로 사용하여 대담하고 실험적인 솔루션에 끌렸습니다. Alberti는 새로운 유형의 도시 궁전( 팔라쪼 루첼라이 ). 웅장함과 단순함을 추구하는 종교 건축에서 알베르티는 정면 디자인에 로마 개선문과 아케이드의 모티프를 사용했습니다. 산탄드레아 교회만토바에서, 1472-94). Alberti라는 이름은 이탈리아 르네상스 문화의 위대한 창조자 중 첫 번째로 정당하게 간주됩니다.
조각품
XV 세기에. 건축과 독립된 독립적인 의미를 획득한 이탈리아 조각이 번창하고 있다. 공공 건물의 장식에 대한 주문이 예술적 삶의 관행에 들어가기 시작했습니다. 미술대회가 열립니다. 이 대회 중 하나 - 피렌체 세례당 (1401)의 두 번째 북쪽 문의 청동 제조를위한 - 열린 중요한 행사로 간주됩니다. 새 페이지이탈리아 르네상스 조각의 역사에서. 승리는 로렌조 기베르티(1381~1455)가 차지했다.
당시 가장 교육을 많이 받은 사람 중 한 명인 최초의 역사가 이탈리아 예술, 뛰어난 기안가 인 Ghiberti는 한 가지 유형의 조각품 인 부조에 평생을 바쳤습니다. 기베르티의 예술의 주요 원칙은 이미지의 모든 요소의 균형과 조화를 고려한 것입니다. 기베르티의 작품의 정점은 피렌체 세례당의 동쪽 문 (1425-52), 주인의 이름을 불멸화했습니다. 문의 장식은 금박을 입힌 청동으로 만든 10개의 정사각형 구성을 포함합니다(" 아담과 이브의 창조”), 그림 같은 그림을 연상시키는 특이한 표현력. 작가는 자연의 그림, 사람의 모습, 건축 구조로 가득 찬 공간의 깊이를 전달했습니다. 미켈란젤로의 가벼운 손으로 피렌체 세례당의 동쪽 문을 부르기 시작했습니다. "낙원의 문".
Ghiberti 워크샵은 모든 세대의 예술가, 특히 이탈리아 조각의 위대한 개혁가 인 유명한 Donatello가 그곳에서 일한 학교가되었습니다. 14세기 피렌체 문화의 민주적 전통을 흡수한 도나텔로(1386-1466)의 작품은 초기 르네상스 예술 발전의 정점 중 하나입니다. 그것은 르네상스 예술의 특징인 현실을 묘사하는 새롭고 사실적인 수단에 대한 탐색을 구현했습니다. 세심한 주의인간과 그의 영적 세계에. Donatello의 작업이 이탈리아 르네상스 예술의 발전에 미친 영향은 엄청났습니다.
2세대 피렌체 조각가들은 보다 서정적이고 평화롭고 세속적인 예술에 끌렸습니다. 그것의 주역은 조각가 della Robbia의 가족에 속했습니다. 가족의 우두머리인 Lucca della Robbia(1399/1400 - 1482)는 원형 조각과 부조에 유약 기술을 사용한 것으로 유명해졌습니다. 고대부터 소아시아 사람들에게 알려진 유약(마졸리카) 기술은 중세 시대에 이베리아 반도와 마요르카 섬(따라서 그 이름)으로 전해진 후 이탈리아 전역에 널리 퍼졌습니다. Lucca della Robbia는 건물과 제단, 꽃과 과일의 화환, 마졸리카 흉상, 마돈나, 그리스도 및 성도를 위해 진한 파란색 배경에 부조가 있는 메달리온을 만들었습니다. 이 주인의 명랑하고 우아하며 친절한 예술은 동시대 사람들로부터 합당한 인정을 받았습니다. 마졸리카 기법의 뛰어난 완성도는 그의 조카 Andrea della Robbia(1435-1525)에 의해 달성되었습니다. Ospedale degli Innocenti 외관의 부조).
그림
초기 르네상스 건축에서 브루넬레스키가, 조각에서 도나텔로가 한 거대한 역할은 회화에서 마사초(1401-1428)에게 속했습니다. Masaccio는 27세가 되기 전에 요절했지만 그림에서 많은 일을 했습니다. 유명한 예술 역사가 Vipper는 "Masaccio는 유럽 회화 역사상 가장 독립적이고 일관된 천재 중 한 명이며 새로운 사실주의의 창시자입니다 ..."Giotto에 대한 검색을 계속하면서 Masaccio는 중세 예술 전통을 대담하게 깨뜨립니다. ~ 안에 프레스코 "트리니티"(1426-27), 피렌체의 산타 마리아 노벨라 교회를 위해 처음으로 벽화로 제작됨 마사치오의 그림전체 관점을 적용합니다. 피렌체의 산타 마리아 델 카르미네 교회의 브랑카치 예배당 벽화(1425-28)에서 그의 짧은 생애의 주요 창작물인 마사초는 이미지에 전례 없는 활력을 부여하고 캐릭터의 물리적 성과 기념비성을 강조하며 훌륭하게 전달합니다. 이미지의 심리적 깊이의 감정 상태. ~ 안에 프레스코 "낙원에서 추방"작가는 벌거 벗은 인간의 모습을 묘사하는 그의 시대의 가장 어려운 작업을 해결합니다. Masaccio의 거칠고 용감한 예술은 르네상스 예술 문화에 큰 영향을 미쳤습니다.
초기 르네상스 회화의 발전은 모호했습니다. 예술가들은 때로는 다른 방식으로 자신의 방식으로 진행했습니다. 세속적 시작, 매혹적인 서사에 대한 열망, 서정적인 세속적 감정은 카르멜 수도회 수도사인 프라 필리포 리피(1406-69)의 작품에서 생생하게 표현되었습니다. 그림이 최고로 여겨지는 많은 제단 작곡의 저자 인 매력적인 주인 « 어린이의 숭배 » 예배당을 위해 만든 메디치 궁전 - 리카르디, Filippo Lippi는 인간의 따뜻함과 자연에 대한 시적 사랑을 전달했습니다.
XV 세기 중반. 중부 이탈리아의 그림은 급속한 개화를 경험했습니다. 대표적인 예어떤 창의성이 기여할 수 있는지 피에로 델라 프란체스카(1420-92), 르네상스의 가장 위대한 예술가이자 예술 이론가. 피에로 델라 프란체스카의 가장 놀라운 작품 - Arezzo의 San Francesco 교회의 프레스코화 순환,십자가의 생명주는 나무의 전설을 기반으로합니다. 3단으로 배열된 프레스코화는 아담의 무덤에서 선과 악을 아는 낙원 나무의 씨앗에서 신성한 나무가 자랄 때 처음부터 생명을 주는 십자가의 역사를 추적합니다. ("아담의 죽음") 끝날 때까지 비잔틴 황제 헤라클리우스가 기독교 유물을 예루살렘으로 엄숙하게 반환합니다. (« 헤라클리우스와 코스로에스의 전투 » ). Piero della Francesca의 작품은 지역 회화 학교를 넘어 일반적으로 이탈리아 예술의 발전을 결정했습니다.
15세기 후반에 많은 재능 있는 장인들이 이탈리아 북부 베로나, 페라라, 베니스의 도시에서 일했습니다. 이 시대의 화가들 중 가장 유명한 사람은 Andrea Mantegna (1431-1506) - 이젤과 기념비적 그림의 거장, 기안가 및 조각가, 조각가 및 건축가입니다. 작가의 회화 적 방식은 형태와 그림의 추구, 일반화 된 이미지의 엄격함과 진실성으로 구별됩니다. 인물의 공간적 깊이와 조각적 특성 덕분에 Mantegna는 순간적으로 얼어붙은 실제 장면의 인상을 얻습니다. 그의 캐릭터는 매우 방대하고 자연스러워 보입니다. Mantegna는 생애 대부분을 Mantua에서 살았으며 그곳에서 가장 유명한 작품을 만들었습니다. 벽화 "Chamber degli Sposi" Marquis L. Gonzaga의 시골 성에서. 그림만으로 그는 여기에서 호화로운 르네상스 인테리어, 의식 리셉션 및 휴일을 위한 장소를 만들었습니다. 큰 명성을 얻은 Mantegna의 예술은 전체 북부 이탈리아 회화에 영향을 미쳤습니다.
초기 르네상스 회화의 특별한 장소는 산드로 보티첼리(실제로 Alessandro di Mariano Filipepi)는 1445년 플로렌스에서 부유한 가죽 태너의 가족으로 태어났습니다. 1459-64년. 청년은 유명한 피렌체 거장 Filippo Lippi와 함께 그림을 공부하고 있습니다. 1470년에 그는 피렌체에 자신의 작업장을 열었고 1472년에는 성 루가 길드의 회원이 되었습니다.
Botticelli의 첫 번째 창작물은 그가 피렌체 상인 법원을 위해 공연 한 작곡 "힘"이었습니다. 젊은 예술가는 빠르게 고객의 신뢰를 얻고 명성을 얻었으며 피렌체의 새로운 통치자 인 Lorenzo the Magnificent의 관심을 끌었고 그의 궁정 마스터이자 가장 좋아하는 사람이되었습니다. 보티첼리는 피렌체의 교회, 수도원, 공공 건물뿐만 아니라 공작과 피렌체의 다른 귀족 가문의 집에 대부분의 그림을 그렸습니다.
1470년대 후반과 1480년대 Botticelli에게는 창의적인 개화기가되었습니다. Santa Maria Novella 교회의 주요 외관을 위해 그는 " 동방 박사의 숭배"-일종의 신화화 그룹 초상화메디치 가문. 몇 년 후 작가는 그의 유명한 신화 우화 "봄"을 만듭니다.
1481년 교황 식스투스 4세는 보티첼리를 비롯한 화가들에게 자신의 예배당을 프레스코화로 장식하라고 명령했는데, 이 벽화는 나중에 "시스티나"라는 이름을 얻게 되었습니다. 보티첼리의 시스티나 예배당의 프레스코화 그리스도의 유혹 », « 모세의 삶의 장면들 », « 한국의 징벌, 다단과 아비론". 그 후 몇 년 동안 Botticelli는 Boccaccio의 Decameron의 단편 소설을 바탕으로 4개의 프레스코화 시리즈를 완성했으며 그의 가장 유명한 신화 작품(“비너스의 탄생”, “ 팔라스와 켄타우로스”), 피렌체 교회를 위한 여러 제단 작곡(“ 성모 마리아의 대관식 », « 산 바르나바 제단"). 여러 번 그는 마돈나의 이미지로 돌아섰습니다 (" 마돈나 델 마니피카트 », « 석류와 마돈나 », « 책을 든 마돈나”), 초상화 장르에서도 작업했습니다 (“ 줄리아노 메디치의 초상”, “젊은 여성의 초상”, “청년의 초상”).
1490년대 피렌체를 뒤흔든 사회운동과 수도사 사보나롤라의 신비로운 설교가 보티첼리의 예술에 도덕주의적인 메모와 드라마가 등장합니다("비방", " 그리스도를 위한 애가 », « 신비로운 크리스마스"). Savonarola의 영향으로 종교적 고양에 따라 예술가는 그의 작품 중 일부를 파괴하기도했습니다. 1490년대 중반 장엄한 로렌초가 죽고 그의 아들 피에트로가 피렌체에서 추방되면서 보티첼리는 위대한 예술가로서의 명성을 잃었습니다. 잊혀진 그는 시몬 형제의 집에서 조용히 살아갑니다. 1510년에 화가는 죽었다.
스타일 화 요소 (즉, 기존 기술을 사용한 이미지 일반화-색상, 모양 및 볼륨 단순화)가 포함 된 Botticelli의 절묘한 예술은 회화 발전의 정점 중 하나로 간주됩니다. 대부분의 초기 르네상스 거장들과 달리 보티첼리의 예술은 개인적인 경험을 바탕으로 했습니다. 매우 민감하고 성실한 Botticelli는 젊었을 때의 세계에 대한 시적 인식에서 성인기의 신비주의와 종교적 승영에 이르기까지 어렵고 비극적 인 창의적 탐구 경로를 거쳤습니다.
초기 부흥
초기 부흥
하이 르네상스
인류에게 다음과 같은 위대한 거장을 안겨준 전성기 르네상스 레오나르도 다빈치, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante는 15 세기 말과 16 세기 1/3의 비교적 짧은 기간을 다룹니다. 베니스에서만 예술의 번영이 세기 중반까지 계속되었습니다.
세계사의 결정적인 사건과 관련된 근본적인 변화, 첨단 과학적 사고의 성공, 지구뿐만 아니라 우주에 대한 사람들의 세계에 대한 생각이 끝없이 확장되었습니다. 세상과 인간의 인격에 대한 인식이 확장된 것 같았습니다. 예술적 창의성에서 이것은 건축 구조, 기념물, 엄숙한 프레스코 사이클 및 그림의 장엄한 규모뿐만 아니라 내용, 이미지 표현력에도 반영되었습니다. 전성기 르네상스의 예술은 눈부시게 밝은 상승과 그에 따른 위기가 있는 생생하고 복잡한 예술적 과정입니다.
도나토 브라만테.
로마는 이전의 발견과 성공을 바탕으로 단일 고전 양식이 형성된 전성기 르네상스 건축의 중심지가 되었습니다. 마스터는 고대 주문 시스템을 창의적으로 사용하여 시대와 조화를 이룬 장엄한 기념비적 구조를 만들었습니다. Donato Bramante(1444-1514)는 전성기 르네상스 건축의 가장 큰 대표자가 되었습니다. Bramante의 건물은 기념비와 웅장함, 비율의 조화로운 완벽함, 구성 및 공간 솔루션의 완전성과 명확성, 고전적 형태의 자유롭고 창의적인 사용으로 구별됩니다. 최고 창조적 성취 Bramante는 바티칸의 재건입니다 (건축가는 실제로 흩어져있는 오래된 건물을 포함하여 유기적으로 새 건물을 만들었습니다). Bramante는 또한 로마의 성 베드로 대성당의 디자인을 저술했습니다. 그의 작품으로 브라만테는 16세기 건축의 발전을 결정했습니다.
레오나르도 다빈치.
인류의 역사에서 동등한 다른 사람을 찾는 것은 쉽지 않습니다. 뛰어난 성격, 전성기 르네상스 예술의 창시자로서 레오나르도 다빈치(1452-1519). 이 위대한 예술가, 조각가, 건축가, 과학자 및 엔지니어 활동의 포괄적인 성격은 과학 및 건축 프로젝트, 발명 및 스케치가 포함된 7,000장이 넘는 그의 유산에서 흩어져 있는 원고를 조사했을 때만 분명해졌습니다. 그의 천재성이 건드리지 않았을 지식 영역을 명명하기는 어렵습니다. 레오나르도의 보편주의는 너무나 이해할 수 없기 때문에 유명한 르네상스 인물의 전기 작가인 조르조 바사리(Giorgio Vasari)는 이 현상을 하늘의 개입 외에는 설명할 수 없었습니다.
그의 유명한 "회화에 대한 논문"(1498) 및 기타 메모에서 Leonardo는 인체 연구, 해부학, 비율, 움직임 간의 관계, 얼굴 표정 및 사람의 감정 상태에 대한 정보에 큰 관심을 기울였습니다. Leonardo는 또한 chiaroscuro, 체적 모델링, 선형 및 공중 원근법의 문제에 몰두했습니다. Leonardo는 예술 이론뿐만 아니라 경의를 표했습니다. 그는 수많은 훌륭한 제단화와 초상화를 만들었습니다. Leonardo의 브러시는 세계 회화의 가장 유명한 작품 중 하나 인 "Mona Lisa"( "La Gioconda")에 속합니다. Leonardo는 기념비적 인 조각 이미지를 만들고 건축 구조를 설계하고 건축했습니다. 레오나르도는 오늘날까지도 르네상스 시대의 가장 카리스마 넘치는 인물 중 한 명으로 남아 있습니다. 수많은 책이 그에게 바쳐지고 그의 삶은 가장 자세하게 연구됩니다. 그럼에도 불구하고 그의 작업에서 많은 부분이 수수께끼로 남아 있으며 계속해서 사람들의 마음을 자극합니다.
라파엘 산티.
Raphael Santi(1483-1520)의 예술 또한 이탈리아 르네상스의 정점에 속합니다. 숭고한 아름다움과 조화에 대한 아이디어는 세계 미술사에서 라파엘의 작품과 관련이 있습니다. 일반적으로 전성기 르네상스의 뛰어난 거장들의 집합체에서 조화의 주요 운반자였던 라파엘로 인정됩니다. 밝고 완벽한 시작을 위한 끊임없는 노력은 라파엘의 모든 작업에 스며들어 그의 내적 의미를 구성합니다. 그의 작품은 자연스러운 우아함이 매우 매력적입니다(" 시스틴 마돈나"). 그래서 그런지 대중들 사이에서 선생이 남다른 인기를 얻었고, 예술가들 사이에는 항상 많은 추종자들이 있었다. 라파엘은 뛰어난 화가, 초상화가일 뿐만 아니라 프레스코 기법을 사용하는 벽화가, 건축가, 장식가이기도 했습니다. 이 모든 재능은 바티칸에 있는 교황 율리우스 2세의 아파트("아테네 학당")에 대한 그의 그림에서 특별한 힘으로 드러났습니다. 뛰어난 예술가의 예술에서 아름답고 조화로 우며 육체적으로나 영적으로 완벽한 르네상스 남자의 새로운 이미지가 탄생했습니다.
미켈란젤로 부오나로티.
현대의 레오나르도 다빈치그리고 라파엘은 그들의 영원한 라이벌이었습니다. 미켈란젤로 부오나로티 , 위대한 스승전성기 르네상스 - 조각가, 화가, 건축가 및 시인. 내 거 창의적인 방법이 르네상스의 거물은 조각에서 시작되었습니다. 그의 거대한 조각상은 영웅이자 투사("David")라는 새로운 인물의 상징이 되었습니다. 주인은 많은 건축 및 조각 구조물을 세웠으며 그중 가장 유명한 것은 피렌체의 메디치 예배당입니다. 이 작품들의 화려함은 인물들의 감정이 빚어내는 엄청난 긴장감( 줄리아노 데 메디치의 석관). 그러나 특히 유명한 것은 바티칸의 시스티나 예배당에 있는 미켈란젤로의 그림으로, 그가 뛰어난 화가임을 증명했습니다. 아마도 예술계의 어느 누구도 미켈란젤로 이전에도 이후에도 몸과 정신이 그렇게 강한 캐릭터를 창조하지 못했을 것입니다. 아담의 창조"). 천장에 있는 거대하고 믿을 수 없을 정도로 복잡한 프레스코화는 조수 없이 예술가 혼자 만들었습니다. 그녀는 오늘날까지 타의 추종을 불허합니다. 기념비적인 작업이탈리아 회화. 그러나 이미 노년기에 주인은 시스티나 예배당 천장의 벽화 외에도 그의 위대한 시대의 이상의 붕괴를 상징하는 격렬하게 영감을 주는 "최후의 심판"을 만들었습니다.
미켈란젤로는 건축 분야에서 많은 성과를 거두었으며 특히 성 베드로 대성당과 앙상블 건축을 감독했습니다. 국회의사당 광장로마에서. 위대한 미켈란젤로의 작품은 전체 시대를 구성했으며 시대를 훨씬 앞서 있었고 세계 예술에서 엄청난 역할을했으며 특히 바로크 원리의 형성에 영향을 미쳤습니다.
조르조네와 티치아노.
전성기 르네상스 예술의 역사에서 베니스는 회화가 절정에 달하는 밝은 페이지에 들어갔습니다. 조르조네는 베니스의 전성기 르네상스의 첫 번째 거장으로 간주됩니다. 그의 예술은 매우 특별하다. 명확한 조화의 정신과 특별한 친밀한 묵상과 환상이 지배합니다. 그는 종종 유쾌한 아름다움, 진정한 여신을 썼습니다. 일반적으로 이것은 시적 소설입니다-파이프 꿈의 구체화, 낭만적 인 느낌에 대한 감탄 및 아름다운 여성. 그의 그림에는 관능적 인 열정, 달콤한 즐거움, 소름 끼치는 행복의 힌트가 있습니다. Giorgione의 예술로 베네치아 회화는 예술적 특징을 주장하면서 모든 이탈리아의 의미를 얻었습니다.
티치아노 인전성기의 상징으로 베네치아 학교의 거물이자 수장으로 이탈리아 미술사에 기록되었습니다. 이 작가의 작품에서 폭풍우, 비극적, 관능적 인 특별한 힘으로 새로운 시대의 숨결이 드러났습니다. Titian의 작품은 그림의 유형과 장르에 대한 매우 광범위하고 다양한 적용 범위로 구별됩니다. Titian은 기념비적 인 제단 그림, 독립 장르로서의 풍경, 엄숙한 의식을 포함한 다양한 유형의 초상화의 창시자 중 한 명이었습니다. 그의 작품에서 이상적인 이미지밝은 캐릭터, 비극적 갈등-기뻐하는 기쁨의 장면, 종교적 구성-신화 및 역사적 그림과 나란히.
티치아노는 새로운 회화 기법, 20 세기까지 세계 미술의 발전에 탁월한 영향을 미쳤습니다. Titian은 세계 회화의 가장 위대한 색채가에 속합니다. 그의 그림은 금색과 진동하는 빛나는 색조의 복잡한 범위로 빛납니다. 거의 한 세기 동안 살았던 Titian은 르네상스 이상의 붕괴에서 살아 남았고 주인의 작품은 후기 르네상스의 절반에 속합니다. 적대 세력과의 싸움에 들어간 그의 영웅은 죽지만 그의 위대함을 유지합니다. Titian의 대규모 작업장의 영향은 모든 베네치아 예술에 영향을 미쳤습니다.
하이 리바이벌
하이 리바이벌
후기 르네상스
XVI 세기 후반. 이탈리아에서는 경제와 무역의 쇠퇴가 심화되었고 천주교는 인본주의 문화와의 투쟁에 들어갔고 예술은 심각한 위기에 처했습니다. 그것은 매너리즘으로 구현된 반(反)르네상스적 경향을 강화시켰다. 그러나 매너리즘은 베니스에 거의 영향을 미치지 않았으며, 후반에는 16세기후기 르네상스 예술의 주요 초점이되었습니다. 높은 인본주의 르네상스 전통에 따라 베니스의 새로운 역사적 조건에서 Palladio, Veronese, Tintoretto와 같은 새로운 형태로 풍부한 후기 르네상스의 거장들의 작품이 개발되었습니다.
안드레아 팔라디오
고대 및 르네상스 건축에 대한 깊은 연구를 바탕으로 한 북부 이탈리아 건축가 Andrea Palladio(1508-80)의 작품은 후기 르네상스 예술의 정점 중 하나입니다. Palladio는 17-18 세기 유럽 고전주의 건축에서 개발 된 건축 원칙을 개발했습니다. Palladianism이라는 이름을 받았습니다. 건축가는 이론 작업 Four Books on Architecture(1570)에서 자신의 아이디어를 설명했습니다. Palladio의 건물 (주로 도시 궁전 및 빌라)은 우아한 아름다움과 자연 스러움, 조화로운 완전성 및 엄격한 질서로 가득 차 있으며 계획의 명확성과 편의성 및 환경과의 유기적 연결로 구별됩니다 ( 키에리카티 궁전). 주변 풍경과 건축을 조화시키는 능력은 팔라디오 빌라에서 특별한 힘으로 나타났습니다. 빌라 카프라(로톤다)). Palladio는 이탈리아 최초의 기념비적인 극장 건물인 Teatro Olimpico를 만들었습니다. 이후 세기의 건축 발전에 대한 Palladio의 영향은 엄청났습니다.
베로네제와 틴토레토..
축제적이고 삶을 긍정하는 캐릭터 베네치아 르네상스 Paolo Veronese의 작업에서 가장 분명하게 나타납니다. 기념비적인 예술가인 그는 많은 캐릭터와 재미있는 세부 묘사가 있는 벽과 천장 그림의 웅장한 장식 앙상블을 만들었습니다. Veronese는 자신 만의 스타일을 만들었습니다. 그의 장엄하고 장엄한 그림은 감정, 열정, 삶으로 가득 차 있으며 영웅 인 베네치아 귀족은 일반적으로 귀족 궁전이나 호화로운 자연을 배경으로 있습니다. 그들은 거창한 잔치나 황홀한 잔치(“가나에서의 혼인”)에 사로잡혀 있습니다. Veronese는 즐거운 베니스, 그 승리, 황금빛 광채의 시인이었습니다. Veronese는 컬러리스트로서 탁월한 재능을 가졌습니다. 그의 색은 빛으로 스며들고 강렬하며 사물에 색을 부여하는 것이 아니라 그 자체로 사물이되어 구름, 천, 인체로 변한다. 이로 인해 인물과 사물의 실제 아름다움은 색상과 질감의 아름다움으로 배가되어 보는 사람에게 강한 감정적 영향을 미칩니다.
Veronese의 정반대는 이탈리아 르네상스의 마지막 주요 거장 인 그의 동시대 Tintoretto (1518-94)였습니다. 외부의 풍부한 예술적 영향은 Tintoretto의 독특한 창의적 개성에 녹아 있습니다. 그의 작품에서 그는 화산 기질, 폭력적인 열정 및 영웅적인 강렬함을 창조한 거대한 인물이었습니다. 그의 작품은 동시대와 다음 세대 모두에게 큰 성공을 거두었습니다. Tintoretto는 진정으로 비인간적 인 작업 능력과 지칠 줄 모르는 검색으로 구별되었습니다. 그는 대부분의 동시대인들보다 더 날카롭고 깊이 그 시대의 비극을 느꼈다. 주인은 시각 예술의 확립 된 전통, 즉 대칭 준수, 엄격한 균형, 정적에 반항했습니다. 공간의 경계를 넓히고 역 동성, 극적인 액션으로 포화시켜 인간의 감정을 더욱 생생하게 표현하기 시작했습니다. 1590년 . 매너리즘의 예술은 세계에 대한 조화로운 인식의 르네상스 이상에서 출발합니다. 인간은 초자연적인 힘의 지배를 받습니다. 세상은 부패한 상태에서 불안정하고 흔들리며 보입니다. 매너리스트 이미지는 불안, 안절부절, 긴장으로 가득 차 있습니다. 작가는 자연에서 멀어지고 그것을 능가하기 위해 노력하며 그의 작업에서 현실 세계가 아니라 창의적인 상상의 기초가되는 주관적인 "내면의 생각"을 따릅니다. 수행의 수단은 어떤 기술의 총합으로서의 "아름다운 매너"입니다. 그 중에는 인물의 자의적인 연장, 복잡한 구불구불한 리듬, 환상적인 공간과 빛의 비현실성, 때로는 차갑고 꿰뚫는 색채가 있다.
Jacopo Pontormo(1494-1556)는 가장 크고 가장 재능 있는 매너리즘의 거장이자 복잡한 창조적 운명의 화가였습니다. 그의 유명한 그림 « 십자가에서 내려오다» 구도가 불안정하고 수치가 가식적으로 깨지며 밝은 색상이 선명합니다. 프란체스코 마졸라, Parmigianino (1503-40)라는 별명은 시청자에게 깊은 인상을 남기는 것을 좋아했습니다. 예를 들어 그는 " 볼록 거울에 비친 자화상". 고의적 의도가 그를 구별합니다. 유명한 그림 « 목이 긴 마돈나 ».
메디치 궁정 화가 아그놀로 브론치노(1503-72)는 기념 초상화로 유명합니다. 그들은 이탈리아 사회의 최고층을 사로잡은 피비린내 나는 잔학 행위와 도덕적 쇠퇴의 시대를 반영했습니다. Bronzino의 고귀한 고객은 시청자와 눈에 보이지 않는 거리로 분리되어 있습니다. 포즈의 뻣뻣함, 얼굴의 무감각 함, 옷의 풍요 로움, 아름다운 앞손의 몸짓-이 모든 것이 내면의 결함이있는 삶을 숨기는 외피와 같습니다. 그녀의 아들 (c. 1545)과 함께 톨레도의 엘레노어의 초상화에서 차갑고 냉담한 이미지의 접근 불가능은 공작 부인의 웅장한 브로케이드 옷의 납작하고 큰 패턴에 시청자의 관심이 완전히 흡수된다는 사실로 인해 강화됩니다. 매너리스트들이 만든 궁정 초상화의 유형은 16-17세기의 초상화 예술에 영향을 미쳤습니다. 다른 많은 유럽 국가에서.
매너리즘의 예술은 과도기적이었습니다. 르네상스는 과거로 사라지고 있었고 새로운 범 유럽적 시대가 왔습니다. 예술적 스타일- 바로크.
북부 르네상스의 예술.
국가 북유럽고대의 과거는 없었지만 르네상스 시대는 역사에서 두드러집니다.15세 – 16세하반기XVII세기. 이번에는 르네상스 이상이 문화의 다양한 영역에 침투하고 스타일이 점진적으로 변화하는 것으로 구별됩니다. 르네상스의 발상지에서와 마찬가지로 북부 르네상스의 예술에서도 현실 세계에 대한 관심은 예술적 창의성의 형태를 변화시켰다. 그러나 북부 국가의 예술은 맨 타이탄의 힘을 찬양하는 이탈리아 회화의 파토스가 특징이 아닙니다. burghers (소위 부유 한 마을 사람들)는 성실, 의무 및 말에 대한 충실 함, 결혼 서약의 신성함 및 난로를 더 중요하게 생각했습니다. Burger Circles에서는 명확하고 냉정하며 경건하고 사업적인 사람의 이상을 개발했습니다. burghers의 예술은 평범한 보통 사람과 그의 세계, 즉 일상 생활과 단순한 것의 세계를 시화합니다.
네덜란드의 르네상스 거장.
르네상스 예술의 새로운 특징은 주로 유럽에서 가장 부유하고 산업화된 국가 중 하나인 네덜란드에서 나타났습니다. 그들의 광범위한 국제 관계네덜란드는 다른 북유럽 국가보다 훨씬 빨리 새로운 발견을 받아들였습니다.
네덜란드의 르네상스 스타일이 열렸습니다. 얀 반 에이크(1390-1441). 그의 가장 유명한 작품은 겐트 제단화, 작가는 그의 형제와 함께 작업을 시작했고 그가 죽은 후에도 6 년 동안 혼자 작업을 계속했습니다. 도시 대성당을 위해 만들어진 겐트 제단은 12 개의 보드에 일상, 일상 생활 (접이가 닫힐 때 보이는 외부 보드에 있음) 및 축제, 환희, 변형의 사진이있는 2 단 접힘입니다. 삶 (동안 열린 것처럼 보이는 내부 문에 교회 휴일). 이것은 지상 생활의 아름다움을 찬양하는 예술의 기념비입니다. 모든 입자가 아름다운 "세상은 낙원과 같다"는 Van Eyck의 감정적 느낌이 명확하고 명확하게 표현됩니다. 작가는 자연의 많은 관찰에 의존했습니다. 모든 도형과 사물에는 입체적인 부피와 무게가 있습니다. Van Eycke 형제는 가능성을 발견한 최초의 사람들 중 하나였습니다. 오일 페인팅; 이때부터 온도의 점진적인 변위가 시작됩니다.
X 후반부에V정치적, 종교적 투쟁으로 가득 찬 세기, 네덜란드의 예술에서 복잡하고 독특한 예술이 두드러집니다. 히에로니무스 보쉬(1450?-1516). 이것은 특별한 상상력을 가진 매우 호기심 많은 예술가입니다. 그는 자신의 끔찍한 세상에서 살았습니다. 보쉬의 그림에는 중세 민속 표현, 살아있는 것과 기계적인 것, 끔찍한 것과 희극적인 것의 기괴한 몽타주가 응축되어 있습니다. 중심이 없는 그의 작곡에는 주인공이 없다. 여러 층의 공간은 엄청나게 과장된 파충류, 두꺼비, 거미, 다른 생물과 물체의 일부가 결합 된 끔찍한 생물과 같은 수많은 인물과 물체 그룹으로 가득 차 있습니다. Bosch 작곡의 목적은 도덕적 교화입니다. Bosch는 자연에서 조화와 완벽을 찾지 않으며 그의 악마 이미지는 삶과 죽음의 순환에 대한 세계 악의 활력과 편재성을 상기시킵니다.
보쉬의 그림 속 남자는 한심하고 나약하다. 그래서 삼부작에서 건초 운송» 작가는 인류의 역사를 드러냅니다. 왼쪽 날개는 아담과 이브의 타락에 대한 이야기를, 오른쪽 날개는 지옥과 이곳에서 죄인들을 기다리는 모든 공포를 묘사합니다. 그림의 중앙 부분은 "세상은 건초 더미입니다. 모두가 손에 넣은 것을 가져갑니다. "라는 속담을 보여줍니다. Bosch는 사람들이 건초 조각을 위해 어떻게 싸우고, 마차 바퀴 아래에서 죽고, 그 위로 올라가려고 하는지 보여줍니다. 마차 위에서 세상을 버리고 연인들이 노래하고 키스한다. 한쪽에는 천사가 있고 다른 한쪽에는 악마가 있습니다. 누가 이길까요? 소름 끼치는 생물이 카트를 지하 세계로 끌고갑니다. 사람들의 모든 행동 뒤에 하나님은 어리둥절하게 보입니다. 더욱 우울한 분위기가 그림에 스며든다" 십자가를 지고": 그리스도는 눈이 부풀어 오르고 입을 벌린 역겨운 사람들로 둘러싸인 무거운 십자가를 짊어지고 계십니다. 그들을 위해 주님은 자신을 희생하셨지만 십자가에서의 그의 죽음은 그들을 무관심하게 만들 것입니다.
보쉬는 또 다른 유명한 네덜란드 예술가가 태어났을 때 이미 세상을 떠났습니다. 대 피터르 브뤼겔(1525-1569), 농민의 삶을 묘사하는 많은 그림으로 인해 Muzhitsky라는 별명이 붙었습니다. Brueghel은 많은 주제의 기초로 삼았습니다. 속담, 평범한 사람들의 일상적인 걱정. 그림 이미지의 완성도 " 농민 결혼식" 그리고 " 농민 춤"인민 요소의 힘을 전달합니다. 사진까지도 성경 이야기 Brueghel의 작품에는 네덜란드인이 거주하고 있으며, 그의 희미한 하늘 아래 눈 덮인 거리를 배경으로 먼 유대의 사건이 발생합니다. 본국 (« 세례 요한의 설교"). 중요하지 않은 것, 사소해 보이는 것을 보여주면서 작가는 사람들의 삶에서 가장 중요한 것에 대해 이야기하고 그 시대의 정신을 재현합니다.
작은 캔버스 눈 속의 사냥꾼"(1 월) "The Seasons"시리즈의 세계 회화의 탁월한 걸작 중 하나로 간주됩니다. 개와 함께 피곤한 사냥꾼이 집으로 돌아갑니다. 그들과 함께 시청자는 작은 마을의 파노라마가 열리는 언덕에 들어갑니다. 눈 덮인 강둑, 맑고 서리가 내린 공기에 가시 나무가 얼고 새가 날고 나뭇 가지와 집 지붕에 앉아 사람들은 일상 업무로 바쁩니다. 이 모든 사소한 것들은 하늘의 푸른 색, 검은 나무, 하얀 눈과 함께 예술가가 열정적으로 사랑하는 세계의 파노라마를 그림에 만듭니다.
Brueghel의 가장 비극적 인 그림 맹인의 비유"작가가 죽기 직전에 쓴 것이다. 그녀는 설명한다 복음 이야기"소경이 소경을 인도하면 둘 다 구덩이에 빠지리라." 욕망에 눈이 멀고 죽음을 향해 나아가는 인간의 모습일지도 모른다. 그러나 Brueghel은 판단하지 않고 사람과 환경의 관계 법칙을 이해하고 인간 본성의 본질에 침투하여 세상에서 자신의 위치를 \u200b\u200b나타냅니다.
르네상스 시대 독일의 회화.
독일 예술의 르네상스 특징은 네덜란드보다 늦게 나타납니다. 독일 인본주의, 세속 과학 및 문화의 전성기는 첫해에 해당합니다.16세V. 독일 문화가 세계에 최고의 예술적 가치를 부여한 짧은 기간이었습니다. 우선, 그들은 작품을 포함해야합니다 알브레히트 뒤러(1471-1528) - 독일 르네상스의 가장 중요한 예술가.
뒤러 - 대표적인 대표르네상스, 그는 화가, 조각가, 수학자 및 엔지니어였으며 요새화 및 예술 이론에 관한 논문을 썼습니다. ~에 자화상그는 지적이고 고귀하며 집중되어 있으며 깊은 철학적 성찰로 가득 차 있습니다. 그림에서 Dürer는 형식적인 아름다움에 만족하지 않고 추상적 사고의 상징적 표현을 추구합니다.
Dürer의 창조적 유산에서 특별한 장소는 15개의 대형 목판화가 포함된 Apocalypse 시리즈에 속합니다. Dürer는 예를 들어 "신학자 요한의 계시"의 예측을 설명합니다. 네 명의 기사"전쟁, 역병, 기근, 불의한 심판과 같은 끔찍한 재난을 상징합니다. 판화로 표현된 변화의 예감, 힘든 시련 및 재난은 예언적인 것으로 판명되었습니다(종교 개혁과 그에 뒤이은 농민 및 종교 전쟁이 곧 시작되었습니다).
당시의 또 다른 위대한 예술가는 장로 루카스 크라나흐(1472-1553). Hermitage에는 그의 그림이 있습니다. 사과나무 아래의 마돈나와 아이" 그리고 " 여성 초상화". 그들에서 우리는 작은 턱, 좁은 눈 슬릿, 황금 머리카락과 같은 많은 주인의 그림 ( "Cranach"라고도 함)에서 포착 된 여성의 얼굴을 봅니다. 작가는 보석과 옷을 조심스럽게 적고 그의 그림은 눈의 향연입니다. 이미지의 순수함과 천진난만함은 다시 한 번 이 그림들을 들여다보게 만든다. Cranach는 훌륭한 초상화 화가였으며 Martin Luther (그의 친구), Duke Henry of Saxony 및 기타 많은 유명한 동시대의 이미지를 만들었습니다.
그러나 북부 르네상스의 가장 유명한 초상화가는 의심할 여지 없이 또 다른 독일 화가로 인식될 수 있습니다. 한스 홀바인(1497-1543). 오랫동안 그는 영국 왕 헨리의 궁정 화가였습니다.VIII. 그의 초상화에서 Holbein은 의심에 익숙하지 않은 왕의 오만한 성격을 완벽하게 전달합니다. 살찐 얼굴에 작은 지적인 눈은 그 안에 있는 폭군을 배반합니다. 하인리히의 초상 VIII 그는 너무 믿음직해서 왕을 아는 사람들을 놀라게 했습니다. 홀바인은 그 당시 많은 유명한 사람들, 특히 정치가이자 작가인 토마스 모어, 로테르담의 철학자 에라스무스 등의 초상화를 그렸습니다.
독일, 네덜란드 및 기타 유럽 국가에서 르네상스 문화의 발전은 종교 개혁과 그에 따른 종교 전쟁으로 인해 중단되었습니다. 그 후, 다음 발전 단계에 접어든 예술의 새로운 원칙을 형성할 때가 왔습니다.
르네상스 미술
르네상스-지금은 연극, 문학, 음악 등 모든 예술의 전성기이지만 의심 할 여지없이 그 시대의 정신을 가장 잘 표현한 것은 순수 예술이었다.
르네상스가 예술가들이 더 이상 지배적인 "비잔틴" 스타일의 틀에 만족하지 않고 그들의 작품에 대한 모델을 찾기 위해 처음으로 의지했다는 사실로 르네상스가 시작되었다는 이론이 있다는 것은 우연이 아닙니다 고대로. "Renissance"(르네상스)라는 용어는 그 시대의 사상가이자 예술가인 Giorgio Vasari("유명한 화가, 조각가 및 건축가의 전기")에 의해 도입되었습니다. 그래서 그는 시간을 1250년에서 1550년으로 불렀다. 그의 관점에서 이것은 고대의 부흥의 시간이었습니다. Vasari에게 고대는 이상적인 방식으로 나타납니다.
앞으로는 용어의 내용이 발전했습니다. 부흥은 신학에서 과학과 예술의 해방, 기독교 윤리에 대한 냉각, 국가 문학의 탄생, 가톨릭 교회의 제한으로부터 자유를 원하는 인간의 열망을 의미하기 시작했습니다. 즉, 르네상스는 본질적으로 인문주의.
부흥, 르네상스(French renais sance - rebirth) - 가장 위대한 시대 중 하나, 중세와 새로운 시대 사이의 세계 예술 발전의 전환점. 르네상스는 XIV-XVI 세기를 다룹니다. 이탈리아에서는 XV-XVI 세기. 다른 유럽 국가에서. 그 이름 - 르네상스 (또는 르네상스) - 관심의 부활과 관련하여받은 문화 발전의이 기간 고대 예술. 그러나 당시의 예술가들은 오래된 패턴을 복사했을 뿐만 아니라 질적으로 새로운 내용을 넣었습니다. 르네상스는 예술적 스타일이나 방향으로 간주되어서는 안됩니다. 이 시대에는 다양한 예술적 스타일, 트렌드, 흐름이 있었기 때문입니다. 르네상스의 미적 이상은 새로운 진보적 세계관 인 인본주의를 기반으로 형성되었습니다. 현실 세계와 사람은 최고의 가치로 선포되었습니다. 사람은 만물의 척도입니다. 특히 창의적인 사람의 역할이 커졌습니다.
그 시대의 인본주의적 파토스는 이전 세기와 마찬가지로 우주의 그림을 그리는 것을 목표로 한 예술에서 가장 잘 구현되었습니다. 새로운 것은 그들이 물질과 정신을 하나의 전체로 통합하려고 노력했다는 것입니다. 예술에 무관심한 사람을 찾기 어려웠지만 미술과 건축을 선호했습니다.
15세기 이탈리아 회화 대부분 기념비적입니다 (프레스코). 회화는 순수 예술의 유형 중 선두 자리를 차지합니다. 그것은 "자연을 모방한다"는 르네상스 원칙과 가장 완벽하게 일치합니다. 자연에 대한 연구를 바탕으로 새로운 시각 체계가 형성됩니다. 아티스트 Masaccio는 키아로스쿠로의 도움을 받아 볼륨에 대한 이해를 발전시키고 볼륨을 전달하는 데 가치 있는 기여를 했습니다. 선형 및 공중 원근법의 발견 및 과학적 입증은 유럽 회화의 운명에 큰 영향을 미쳤습니다. 조각의 새로운 플라스틱 언어가 형성되고 있으며 창립자는 Donatello였습니다. 그는 독립형 원형 조각상을 부활시켰다. 그의 최고의 작품은 다비드(피렌체)의 조각품이다.
건축에서는 고대 질서 체계의 원리가 부활하고 비율의 중요성이 높아지며 새로운 유형의 건물이 형성되고 있으며(도성 궁전, 시골 별장 등) 건축 이론과 이상 도시의 개념은 개발 중. 건축가 브루넬레스키는 건축에 대한 고대의 이해와 후기 고딕 양식의 전통을 결합하여 고대인에게 알려지지 않은 새로운 건축 영성을 달성한 건물을 지었습니다. 르네상스 시대에 새로운 세계관은 당연히 천재라고 불리는 예술가들의 작품에서 가장 잘 구현되었습니다. Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione 및 Titian. 16세기의 마지막 2/3 후기 르네상스라고 합니다. 이때 위기는 예술을 덮는다. 그것은 정중하게 규제되고 따뜻함과 자연스러움을 잃습니다. 그러나 개별 위대한 예술가-Titian, Tintoretto는이 기간 동안 계속해서 걸작을 만듭니다.
이탈리아 르네상스는 프랑스, 스페인, 독일, 영국 및 러시아의 예술에 큰 영향을 미쳤습니다.
네덜란드, 프랑스, 독일(XV-XVI 세기) 예술 발전의 부상을 북부 르네상스라고 합니다. 화가 Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder의 작품은 예술 발전에서 이 시기의 정점입니다. 독일에서 A. Dürer는 독일 르네상스의 가장 위대한 예술가였습니다.
영적 문화와 예술 분야에서 르네상스 시대에 이루어진 발견은 이후 세기에 유럽 예술의 발전에 큰 역사적 중요성을 가졌습니다. 그들에 대한 관심은 오늘날까지 계속되고 있습니다.
이탈리아의 르네상스는 초기 르네상스, 전성기 르네상스, 후기 르네상스 등 여러 단계를 거쳤습니다. 피렌체는 르네상스의 발상지가 되었습니다. 새로운 예술의 기초는 화가 Masaccio, 조각가 Donatello 및 건축가 F. Brunelleschi에 의해 개발되었습니다.
아이콘 대신 그림을 처음으로 만든 사람은 프로토 르네상스의 가장 큰 거장이었습니다. 지오토.그는 상징주의를 실제 공간과 특정 대상의 묘사로 대체하여 실제 인간의 감정과 경험의 묘사를 통해 기독교 윤리 사상을 전달하기 위해 노력한 최초의 사람이었습니다. 유명한 조토의 프레스코화에 파도바의 아레나 채플성도 옆에서 양치기 또는 스피너와 같은 아주 특이한 캐릭터를 볼 수 있습니다. Giotto의 각 개인은 매우 명확한 경험, 명확한 성격을 표현합니다. 
예술의 초기 르네상스 시대에 고대 예술 유산의 발전이 일어나고 새로운 윤리적 이상이 형성되며 예술가는 과학의 업적 (수학, 기하학, 광학, 해부학)으로 향합니다. 초기 르네상스 예술의 이데올로기 및 문체 원칙 형성에 주도적 인 역할은 다음과 같습니다. 피렌체. Donatello, Verrocchio와 같은 마스터가 만든 이미지에서 Donatello의 condottiere Gattamelata David의 승마 동상은 영웅적이고 애국적인 원칙을 지배합니다 (Donatello의 "St. George"및 "David"및 Verrocchio의 "David"). 
Masaccio는 르네상스 회화의 창시자였습니다.(Brancacci Chapel의 벽화, "Trinity") Masaccio는 공간의 깊이를 전달할 수 있었고 그림과 풍경을 단일 구성 아이디어로 연결했으며 개인에게 초상화 표현력을 부여했습니다.
그러나 인간에 대한 르네상스 문화의 관심을 반영한 그림 초상화의 형성과 진화는 Umrbi 학교의 예술가 이름과 관련이 있습니다. 피에로 델라 프란체스카, 핀투리키오
예술가의 작품은 초기 르네상스에서 두드러집니다. 산드로 보티첼리.그가 만든 이미지는 영적이고 시적입니다. 연구자들은 예술가의 작품에서 추상화와 세련된 지적주의, 복잡하고 암호화된 콘텐츠("봄", "비너스의 탄생")로 신화적인 구성을 만들고자 하는 그의 열망에 주목합니다. 보티첼리의 전기 작가 중 한 명은 그의 마돈나와 비너스가 다음과 같은 인상을 준다고 말했습니다. 손실, 지울 수없는 슬픔... 그들 중 일부는 하늘을 잃었고 다른 일부는 지구를 잃었습니다. 
"봄" "비너스의 탄생"
이탈리아 르네상스의 이데올로기적, 예술적 원리 발전의 절정은 하이 르네상스. 전성기 르네상스 예술의 창시자는 위대한 예술가이자 과학자인 레오나르도 다빈치입니다.
그가 창조했다 전선걸작 : "Mona Lisa"( "La Gioconda") 엄밀히 말하면 Gioconda의 얼굴은 절제와 평온함으로 구별되며 그녀의 세계적인 명성을 얻었고 나중에 Leonardo 학교의 작품에서 없어서는 안될 부분이 된 미소는 거의 눈에 띄지 않습니다. 그러나 얼굴과 체형을 감싸는 부드럽게 녹는 안개 속에서 레오나르도는 인간 표정의 무한한 가변성을 느낄 수 있었습니다. Gioconda의 눈은 보는 사람을 세심하고 침착하게 바라보지만 눈구멍의 음영으로 인해 약간 눈살을 찌푸리고 있다고 생각할 수 있습니다. 그녀의 입술은 압축되어 있지만 거의 눈에 띄지 않는 그림자가 모서리 근처에 윤곽이 잡혀있어 매분 열리고 웃고 말할 것이라고 믿게 만듭니다. 그녀의 시선과 입술의 반쯤 웃는 것 사이의 대조는 그녀의 경험의 모순적인 본질에 대한 아이디어를 제공합니다. Leonardo가 긴 세션으로 모델을 고문한 것은 헛되지 않았습니다. 누구와도 달리 그는이 그림에서 그림자, 음영 및 하프 톤을 전달했으며 떨리는 삶의 느낌을줍니다. Vasari가 Mona Lisa의 목에서 정맥이 어떻게 뛰고 있는지 볼 수 있다고 생각한 것은 당연합니다.
Gioconda의 초상화에서 Leonardo는 몸과 그것을 감싸는 공기 환경을 완벽하게 전달했을뿐만 아니라. 그는 또한 그림이 조화로운 인상을 주기 위해 눈이 필요로 하는 것이 무엇인지에 대한 이해를 담았습니다. 그래서 긴장된 불협화음이 해소될 때 음악에서 일어나는 것처럼 모든 것이 자연스럽게 하나에서 다른 형태로 태어나는 것처럼 보입니다. 조화로운 화음으로. Gioconda는 엄격하게 비례하는 직사각형에 완벽하게 새겨 져 있으며 그녀의 반쪽 모양은 전체를 형성하고 접힌 손은 그녀의 이미지 완성도를 제공합니다. 물론 초기 수태 고지의 기괴한 컬에 대해서는 의문의 여지가 없습니다. 그러나 모든 윤곽이 아무리 부드러워도 Gioconda의 머리카락의 물결 모양의 자물쇠는 투명한 베일과 조화를 이루고 어깨 너머로 던져진 천은 먼 길의 부드러운 구불 구불 한 메아리를 찾습니다. 이 모든 것에서 Leonardo는 리듬과 조화의 법칙에 따라 창조하는 능력을 보여줍니다. “기술적인 측면에서 모나리자는 항상 설명할 수 없는 것으로 여겨져 왔습니다. 이제 이 수수께끼에 답할 수 있을 것 같아요.” 프랭크가 말했습니다. 그에 따르면 Leonardo는 "sfumato"(이탈리아어 "sfumato", 문자 그대로 "연기처럼 사라졌다")를 개발 한 기술을 사용했습니다. 트릭은 그림의 개체에 명확한 경계가 없어야하고 모든 것이 서로 부드럽게 전환되어야하며 개체를 둘러싼 가벼운 공기 연무의 도움으로 개체의 윤곽이 부드러워 져야한다는 것입니다. 이 기술의 가장 큰 어려움은 현미경이나 X선을 사용하여 인식할 수 없는 가장 작은 스트로크(약 1/4밀리미터)에 있습니다. 따라서 다빈치의 그림을 그리는 데는 수백 번의 세션이 필요했습니다. 모나리자의 이미지는 약 30겹의 거의 투명한 액체 유성 페인트로 구성되어 있습니다. 이러한 장신구 작업을 위해 작가는 돋보기를 사용해야 했던 것 같다. 아마도 그러한 노동 집약적인 기술의 사용은 오랫동안초상화 작업 - 거의 4년. 
, "마지막 식사"지속적인 인상을 남깁니다. 벽면에는 이를 극복하고 보는 이를 조화와 장엄한 환상의 세계로 안내하듯 속이는 신뢰의 고대 복음 드라마가 펼쳐진다. 그리고 이 드라마는 슬픈 얼굴을 한 남편이 불가피한 일이라고 받아들이는 주인공을 향한 일반적인 충동에서 해결책을 찾는다. 그리스도께서는 방금 제자들에게 "너희 중 하나가 나를 팔리라"고 말씀하셨습니다. 배신자는 다른 사람들과 함께 앉습니다. 옛 거장들은 따로 앉아있는 유다를 묘사했지만 레오나르도는 그림자로 그의 모습을 가리고 훨씬 더 설득력있게 그의 우울한 고립을 가져 왔습니다. 그리스도는 그의 위업의 희생에 대한 의식으로 가득 찬 그의 운명에 복종합니다. 눈을 낮추고 기울인 머리, 손짓은 한없이 아름답고 장엄합니다. 그의 모습 뒤 창문을 통해 매력적인 풍경이 펼쳐진다. 그리스도는 전체 구성, 주위를 맴도는 모든 격정의 소용돌이의 중심이십니다. 그의 슬픔과 평온함은 그대로 영원하고 자연스럽고 이것이 보여지는 드라마의 깊은 의미입니다 그는 자연에서 완벽한 형태의 예술의 원천을 찾고 있었지만 N. Berdyaev는 그가 다가오는 과정에 대한 책임이 있다고 생각합니다 사람을 자연에서 찢어 놓은 인간 삶의 기계화와 기계화.
회화는 창의성에서 고전적 조화를 이룬다 라파엘.그의 예술은 성모(Madonna Conestabile)의 초기 쌀쌀한 움브리아 이미지에서 피렌체와 로마 작품의 "행복한 기독교" 세계로 진화했습니다. "황금 방울새를 가진 마돈나"와 "안락 의자에 앉은 마돈나"는 부드럽고 인간적이며 심지어 인간성에서 평범합니다. 
그러나 "Sistine Madonna"의 이미지는 웅장하며 하늘과 땅의 세계를 상징적으로 연결합니다. 무엇보다 라파엘은 마돈나의 부드러운 이미지를 창조한 것으로 알려져 있다. 그러나 그림에서 그는 르네상스 시대의 보편적 인간(카스틸리오네의 초상화)의 이상과 역사적 사건의 드라마를 모두 구현했습니다. The Sistine Madonna (c. 1513, Dresden, Art Gallery)는 예술가의 가장 영감을 받은 작품 중 하나입니다. 성 베드로 수도원 교회의 제단화로 쓰여졌다. Piacenza의 Sixtus, 이 그림은 이미지의 디자인, 구성 및 해석 측면에서 피렌체 시대의 마돈나와 크게 다릅니다. 두 아기의 놀이를 겸손하게 따르는 아름다운 젊은 처녀의 친밀하고 세속적 인 이미지 대신 누군가가 뒤로 젖힌 커튼 때문에 갑자기 하늘에 나타난 멋진 비전이 있습니다. 엄숙하고 장엄한 황금빛 광채에 둘러싸인 마리아는 아기 예수를 앞에 안고 구름 속을 걸어갑니다. 그녀의 St 앞에 왼쪽과 오른쪽이 무릎을 꿇습니다. 식스토와 성. 바바라. 대칭적이고 엄격하게 균형 잡힌 구성, 실루엣의 선명도 및 형태의 기념비적 일반화는 Sistine Madonna에 특별한 웅장함을 부여합니다.
이 그림에서 Raphael은 아마도 다른 어느 곳보다 훨씬 더 생생한 이미지의 진실성과 이상적인 완벽의 특징을 결합했습니다. 마돈나의 이미지는 복잡합니다. 아주 젊은 여성의 감동적인 순결과 순진함이 그에게 확고한 결단력과 희생에 대한 영웅적인 준비와 결합됩니다. 이 영웅주의는 이탈리아 휴머니즘의 최고의 전통과 관련된 마돈나의 이미지를 만듭니다. 이 그림에서 이상과 현실의 조합은 Rafael이 그의 친구 B. Castiglione에게 보낸 편지에서 잘 알려진 말을 떠올리게 합니다. "그리고 나는 당신에게 말할 것입니다. "라고 Raphael은 썼습니다. . 완벽함이 있는지는 모르겠지만 그것을 이루기 위해 열심히 노력합니다. 이 말은 작가의 창작 방식을 조명한다. 현실에서 출발하고 그것에 의지하면서 동시에 그는 우발적이고 일시적인 모든 것보다 이미지를 높이려고 노력합니다.
미켈란젤로(1475-1564) - 의심할 여지 없이 미술사에서 가장 영감을 받은 예술가 중 한 명이며 이탈리아 르네상스의 가장 강력한 인물인 레오나르도 다빈치와 함께 합니다. 조각가, 건축가, 화가, 시인으로서 미켈란젤로는 동시대인들과 그 이후의 서양 예술 전반에 막대한 영향을 미쳤습니다.
그는 1475년 3월 6일 아레초(Arezzo) 시 근처의 작은 마을 카프레제(Caprese)에서 태어났지만 자신을 피렌체인이라고 생각했습니다. 미켈란젤로는 자신의 도시, 예술, 문화를 깊이 사랑했으며 이 사랑을 그의 생애가 끝날 때까지 이어갔습니다. 그는 성년의 대부분을 로마에서 교황을 위해 일하면서 보냈다. 그러나 그는 자신의 시신이 산타 크로체 교회의 아름다운 무덤에 피렌체에 묻혔다는 유언장을 남겼습니다.
미켈란젤로 공연 대리석 조각 피에타(그리스도의 애가) (1498-1500), 여전히 원래 위치 인 성 베드로 대성당에 있습니다. 이것은 세계 미술사에서 가장 유명한 작품 중 하나입니다. 피에타는 아마도 미켈란젤로가 25세 이전에 완성했을 것입니다. 이것이 그가 서명한 유일한 작품입니다. 어린 마리아는 무릎을 꿇은 죽은 그리스도와 함께 묘사되어 있는데, 이는 북유럽 예술에서 차용한 이미지입니다. 메리의 표정은 엄숙할 정도로 슬프지 않다. 이것 최고점젊은 미켈란젤로의 작품. 
젊은 미켈란젤로의 덜 중요한 작업은 거대한 (4.34m) 대리석 이미지였습니다. 다윗(Academy, Florence), Florence로 돌아온 후 1501에서 1504 사이에 처형되었습니다. 영웅 구약 성서미켈란젤로가 잘 생기고 근육질이며 벌거 벗은 청년의 형태로 묘사했습니다. 그는 마치 자신의 적 골리앗을 평가하는 것처럼 걱정스럽게 먼 곳을 바라 봅니다. David의 얼굴의 생생하고 긴장된 표정은 미켈란젤로의 많은 작품의 특징입니다. 이것은 그의 개별 조각 방식의 표시입니다. 미켈란젤로의 가장 유명한 조각인 다비드상은 피렌체의 상징이 되었으며 원래는 피렌체 시청인 베키오 궁전 앞 시뇨리아 광장에 놓였습니다. 이 조각상으로 미켈란젤로는 동시대인들에게 자신이 모든 현대 예술가들뿐만 아니라 고대의 거장들을 능가한다는 것을 증명했습니다.
시스티나 예배당 금고에 그림 그리기 1505년 미켈란젤로는 교황 율리우스 2세에 의해 두 가지 명령을 수행하기 위해 로마로 소환되었습니다. 가장 중요한 것은 시스 티나 예배당 금고의 프레스코 화였습니다. 미켈란젤로는 1508년에서 1512년 사이에 천장 바로 아래 높은 발판에 누워 작업하면서 일부 성서 이야기에 대한 가장 아름다운 삽화를 그렸습니다. 교황 예배당의 금고에는 빛과 어둠의 분리로 시작하여 아담의 창조, 이브의 창조, 아담과 이브의 유혹과 타락, 홍수를 포함하여 창세기의 9개 장면을 묘사했습니다. . 주요 그림 주위에는 대리석 왕좌에 있는 선지자와 시빌, 다른 구약성서의 인물, 그리스도의 조상의 이미지가 번갈아 나타납니다.
이 위대한 작품을 준비하기 위해 미켈란젤로는 엄청난 수의 스케치와 카드보드를 만들어 다양한 포즈로 시터의 모습을 묘사했습니다. 이 장엄하고 강력한 이미지는 서유럽 예술의 새로운 방향에 자극을 준 인체 해부학과 움직임에 대한 예술가의 뛰어난 이해를 증명합니다. 
다른 두 개의 훌륭한 조각상, 묶인 죄수와 노예의 죽음(둘 다 c. 1510-13) 파리의 루브르 박물관에 있습니다. 조각에 대한 미켈란젤로의 접근 방식을 보여줍니다. 그의 견해에 따르면, 조각상은 단순히 대리석 블록 안에 둘러싸여 있으며, 여분의 돌을 제거하여 조각상을 자유롭게 하는 것이 예술가의 일입니다. 종종 미켈란젤로는 더 이상 필요하지 않거나 단순히 예술가에 대한 관심을 잃었기 때문에 조각품을 미완성 상태로 두었습니다. 
San Lorenzo의 도서관 Julius II의 무덤 프로젝트에는 건축 연구가 필요했지만 건축 분야에서 Michelangelo의 진지한 작업은 예술가가 다시 돌아온 Florence의 St. Lawrence 도서관 외관을 명령받은 1519 년에 시작되었습니다 ( 이 프로젝트는 구현되지 않았습니다). 1520년대에 그는 산 로렌초 교회에 인접한 우아한 도서관 입구 홀도 설계했습니다. 이러한 구조는 저자가 사망한 지 불과 수십 년 후에 완성되었습니다.
공화파의 지지자인 미켈란젤로는 1527-29년에 메디치와의 전쟁에 참여했습니다. 그의 책임에는 피렌체 요새의 건설 및 재건이 포함되었습니다. 
메디치 예배당.꽤 오랜 기간 동안 피렌체에 거주한 미켈란젤로는 1519년에서 1534년 사이에 산 로렌초 교회의 새로운 성구실에 두 개의 무덤을 세우라는 메디치 가문의 위임을 완료했습니다. 높은 돔형 금고가있는 홀에서 예술가는 우르비노 공작 로렌조 데 메디치와 느 무르 공작 줄리아노 데 메디치를 위해 벽에 두 개의 웅장한 무덤을 세웠습니다. 두 개의 복잡한 무덤은 반대 유형의 표현으로 생각되었습니다. Lorenzo - 자신에 둘러싸인 사람, 사려 깊고 철회 된 사람; 반대로 Giuliano는 활동적이고 개방적입니다. Lorenzo의 무덤 위에 조각가는 아침과 저녁의 우화 조각을, Giuliano의 무덤 위에는 낮과 밤의 우화를 배치했습니다. 메디치 무덤에 대한 작업은 미켈란젤로가 1534년에 로마로 돌아온 후에도 계속되었습니다. 그는 사랑하는 도시를 다시는 방문하지 않았습니다.
최후의 심판
1536년부터 1541년까지 미켈란젤로는 로마에서 바티칸에 있는 시스티나 예배당의 제단 벽을 그리는 일을 했습니다. 르네상스의 가장 큰 프레스코는 최후의 심판의 날을 묘사하며, 불 같은 번개를 손에 든 그리스도는 지구의 모든 주민들을 구도의 왼쪽에 묘사 된 구원받은 의인과 단테의 지옥(프레스코 왼쪽). 자신의 전통을 엄격히 따르는 미켈란젤로는 원래 모든 인물을 누드로 그렸지만 10년 후 문화적 분위기가 더욱 보수적이 되면서 일부 청교도 예술가가 인물을 "옷을 입혔습니다". Michelangelo는 프레스코 화에 자신의 자화상을 남겼습니다. 그의 얼굴은 거룩한 순교자 사도 Bartholomew에서 찢어진 피부에서 쉽게 추측됩니다.
이 기간 동안 미켈란젤로는 사도 성 바오로의 예배당(1940)을 그리는 것과 같은 다른 그림 의뢰를 받았지만, 우선 그는 건축에 모든 힘을 쏟으려고 노력했습니다.
성 베드로 대성당의 돔입니다. 1546년에 미켈란젤로는 건설 중인 바티칸의 성 베드로 대성당의 수석 건축가로 임명되었습니다. 이 건물은 도나토 브라만테의 계획에 따라 지어졌지만 궁극적으로 미켈란젤로가 제단 후진의 건설과 대성당의 돔을 위한 공학 및 예술적 솔루션 개발을 책임지게 되었습니다. 성 베드로 대성당 건설의 완성은 건축 분야에서 피렌체 거장의 최고 업적이었습니다. 긴 생애 동안 미켈란젤로는 로렌초 데 메디치에서 레오 10세, 클레멘스 8세, 비오 3세에 이르기까지 많은 추기경, 화가, 시인과 같은 왕자와 교황의 절친한 친구였습니다. 작가의 성격, 삶의 위치는 그의 작품을 통해 모호하지 않게 이해하기 어렵습니다. 너무 다양합니다. 아마도 시를 제외하고, 자신의 시에서 미켈란젤로는 창의성과 예술에서의 그의 위치에 대한 질문에 더 자주 그리고 더 깊이 관심을 가졌습니다. 그의 시에서 많은 부분은 그가 작품에서 직면해야 했던 문제와 어려움, 그리고 그 시대의 가장 저명한 대표자들과의 개인적인 관계에 주어집니다.르네상스 시대의 가장 유명한 시인 중 한 명인 Lodovico Ariosto는 그의 비문을 썼습니다. 이것 유명한 예술가: "Michele은 필사자 그 이상입니다. 그는 신성한 천사입니다." 
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연방 기관철도 운송
시베리아 주립 교통 대학교
"철학"학과
르네상스의 예술적 이미지
수필
"문화학" 분야에서
머리 디자인
교수 학생 gr. D-111
Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.
(서명) (서명)
08.12.2012
(검사일자) (검사제출일자)
2012년
소개
르네상스는 유럽 문화 발전 역사상 가장 밝은시기 중 하나로 간주됩니다. 부흥은 중세에서 새로운 시대로의 전환 과정에서 문화적 격변 (전환점, 전환)이 발생한 전체 문화 시대라고 말할 수 있습니다. 근본적인 변화는 신화의 근절과 관련이 있습니다.
르네상스 (fr. 르네상스, "르네상스")라는 용어의 기원에도 불구하고 고대의 부흥은 없었고 그럴 수도 없었습니다. 인간은 과거로 돌아갈 수 없습니다. 르네상스는 고대의 교훈을 사용하여 혁신을 도입했습니다. 그는 모든 고대 장르를 되살린 것이 아니라 그의 시대와 문화의 열망을 특징짓는 것들만 되살렸습니다. 르네상스는 고대에 대한 새로운 해석과 기독교에 대한 새로운 해석을 결합했습니다.
선택한 주제의 관련성은 현대와 르네상스 사이의 연결 때문입니다. 이것은 우선 가치 체계, 존재하는 모든 것에 대한 평가 및 관련에서 혁명입니다.
작업의 주요 목적은 고려중인 시대의 가장 위대한 인물의 세계관에서 발생한 근본적인 변화를 보여주는 것입니다.
1. 르네상스 문화
XIII-XVI 수세기는 경제, 정치 및 문화에서 큰 변화의 시간이었습니다. 도시의 급속한 성장과 수공예품의 발달, 그리고 이후 제조업 생산으로의 전환은 중세 유럽의 모습을 변화시켰습니다.
도시가 전면에 등장했습니다. 얼마 전 중세 세계의 가장 강력한 세력인 제국과 교황권은 심각한 위기에 처했습니다. 안에 16세 세기에 독일 국가의 쇠퇴하는 신성 로마 제국은 최초의 두 반봉건 혁명, 즉 독일 대농민 전쟁과 네덜란드 봉기의 현장이 되었습니다.
시대의 과도기적 성격, 삶의 모든 영역에서 일어나는 중세의 경로로부터의 해방 과정, 동시에 신흥 자본주의 관계의 아직 저개발은 당시의 예술 문화와 미적 사상의 특성에 영향을 미칠 수밖에 없었습니다. .
A. V. Stepanov에 따르면 사회 생활의 모든 변화는 자연 및 정확한 과학의 번성, 자국어로 된 문학 및 미술과 같은 광범위한 문화 갱신을 동반했습니다. 이탈리아 도시에서 시작된 이 갱신은 다른 유럽 국가를 점령했습니다. 저자는 인쇄술의 출현 이후 문학과 과학 작품의 보급을 위한 전례 없는 기회가 열렸고, 국가 간 보다 정기적이고 긴밀한 소통이 새로운 예술 경향의 침투에 기여했다고 믿는다.
이것은 중세가 새로운 경향 이전에 물러났다는 것을 의미하지 않습니다. 전통적인 아이디어는 대중 의식에서 보존되었습니다. 교회는 종교 재판이라는 중세의 수단을 사용하여 새로운 사상에 저항했습니다. 인간의 자유에 대한 생각은 계급으로 나누어진 사회에서 계속 존재했습니다. 봉건적 형태의 농민 의존은 완전히 사라지지 않았으며 일부 국가 (독일, 중부 유럽)에서는 농노로 돌아 왔습니다. 봉건제도는 상당히 활력을 보였다. 각 유럽 국가자신의 방식과 연대기적 틀 안에서 그것을 살았다. 자본주의는 도시와 시골 모두에서 생산의 일부만을 다루는 삶의 방식으로 오랫동안 존재했습니다. 그러나 가부장적 중세의 느림은 과거 속으로 물러나기 시작했다.
위대한 지리적 발견은 이 돌파구에서 큰 역할을 했습니다. 예를 들어, 1492년. H. Columbus는 인도로가는 길을 찾기 위해 대서양을 건너 바하마 근처에 상륙하여 신대륙 인 아메리카를 발견했습니다. 1498년 아프리카를 일주한 스페인 여행자 Vasco da Gama는 성공적으로 배를 인도 해안으로 가져 왔습니다. 와 함께 16세 V. 유럽인들은 이전에 가장 막연한 생각만 가지고 있던 중국과 일본에 침투하고 있습니다. 1510년부터 아메리카 정복이 시작된다. 안에 XVII V. 호주가 발견되었습니다. 지구의 모양에 대한 생각이 바뀌었습니다. F. Magellan의 세계 일주 여행은 그것이 공 모양이라는 추측을 확인했습니다.
지상의 모든 것에 대한 경멸은 이제 현실 세계, 인간, 자연의 아름다움과 웅장함에 대한 의식에 대한 열렬한 관심으로 대체되었으며, 이는 르네상스 문화 기념물을 분석하여 증명할 수 있습니다. 중세 시대에 논쟁의 여지가 없었던 과학에 대한 신학의 우위는 진리의 가장 높은 척도가 되는 인간 마음의 무한한 가능성에 대한 믿음으로 흔들립니다. 신에 반대되는 인간에 대한 관심을 강조하면서 새로운 세속적 지식인의 대표자들은 스스로를 인본주의자라고 불렀고, 이 단어는 "의 개념에서 파생되었습니다.인문학 연구 ”, 인간의 본성과 그의 영적 세계와 관련된 모든 것에 대한 연구를 의미합니다.
르네상스 시대의 작품과 예술에는 무한한 창의적 가능성을 가진 자유로운 존재라는 개념이 특징이 되었습니다. 그것은 르네상스 미학의 인간 중심주의와 아름답고 숭고하며 영웅적인 것에 대한 이해와 관련이 있습니다. 아름다운 예술적이고 창조적 인 인간 성격의 원리는 르네상스 이론가들에 의해 모든 종류의 비율, 대칭 및 원근법을 수학적으로 계산하려는 시도와 결합되었습니다.
이 시대의 미적, 예술적 사고는 처음으로 인간의 지각이와 같이 그리고 감각적으로 실제 세계의 그림에. 여기에서 종교적, 도덕적 해석에 관계없이 생명 감각에 대한 주관 주의자-개인 주의적 갈증도 눈에 띄지 만 후자는 원칙적으로 거부되지 않습니다. 르네상스의 미학은 예술을 자연의 모방에 집중합니다. 그러나 우선 여기에는 그의 창작 활동에서 신에 비유되는 예술가만큼 자연이 없습니다.
E. Chamberlin은 이전 미학 이론의 학문적 "학습"과는 대조적으로 중요한 민주적 경향을 나타내기 때문에 즐거움을 예술 작품 인식의 가장 중요한 원칙 중 하나로 간주합니다.
르네상스의 미학사상은 중세의 신적 인격에 반대되는 인간 개인의 절대화 사상뿐만 아니라 그러한 개인주의의 한계에 대한 일정한 자각을 내포하고 있다. 개인. 따라서 W. 셰익스피어, M. 세르반테스, 미켈란젤로 등의 작품에서 발견되는 비극의 동기는 고대 중세의 절대적인 것에서 출발했지만 역사적 상황으로 인해 아직 새로운 것을 찾지 못한 문화의 모순적인 성격입니다. 신뢰할 수 있는 기초.
예술과 과학의 연결은 문화의 특징 중 하나입니다. 예술가들은 과학에서 지원을 구했고 종종 그들의 발전을 자극했습니다. 르네상스는 예술가 과학자의 출현으로 표시되며 그중 첫 번째 장소는 Leonardo da Vinci에 속합니다.
따라서 르네상스의 과제 중 하나는 인간이 신성한 아름다움으로 가득 찬 세계를 이해하는 것입니다. 세상은 그가 하나님에 의해 영화화되기 때문에 사람을 매료시킵니다. 그러나 르네상스 시대에는 인간 존재의 비극에 대한 또 다른 경향이 있었습니다.
2. 거장들의 작품에 나타난 세계와 인간의 모습르네상스
"르네상스"(프랑스 용어 "르네상스"의 번역)라는 용어는 새로운 문화와 고대의 연결을 나타냅니다. 십자군 시대에 동양, 특히 비잔티움에 대해 알게 된 결과 유럽인들은 고대 인본주의 원고, 고대 미술 및 건축의 다양한 기념물에 대해 알게되었습니다. 이 모든 고대 유물은 부분적으로 이탈리아로 운송되기 시작하여 수집 및 연구되었습니다. 그러나 이탈리아 자체에도 많은 고대 로마 기념물이 있었으며 이탈리아 도시 지식인의 대표자들도 신중하게 연구하기 시작했습니다. 이탈리아 사회에서는 고전 고대 언어에 대한 깊은 관심이 생겼습니다. 고대 철학, 역사 및 문학. 피렌체 시는 이 운동에서 특히 중요한 역할을 했습니다. 피렌체에서 줄줄이 왔다 저명한 인물새로운 문화.
가장 활기차고 경제적 인 의미에서 고대 도시에서 만들어진 고대 이데올로기를 사용하여 새로운 부르주아지는 자신의 방식으로 그것을 재 작업하여 이전에 우세한 봉건주의 세계관과 완전히 반대되는 새로운 세계관을 공식화했습니다. 새로운 이름의 두 번째 이탈리아 문화- 휴머니즘이 증명할 뿐입니다.
인본주의 문화는 중세 이데올로기의 경우처럼 신성하고 다른 세상이 아니라 사람 자신 (humanus-human)을 관심의 중심에 두었습니다. 금욕주의는 더 이상 인본주의적 세계관에서 자리를 차지하지 못했습니다. 인간의 몸, 그 열정과 필요는 억누르거나 고문해야 하는 "죄 많은" 것이 아니라 그 자체로 끝이며 인생에서 가장 중요한 것으로 여겨졌습니다. 지상의 존재는 유일한 실제 존재로 인식되었습니다. 자연과 인간에 대한 지식은 과학의 본질로 선언되었습니다. 중세 학자와 신비주의자의 세계관을 지배했던 비관적 동기와 달리 르네상스 시대 사람들의 세계관과 분위기에는 낙관적 동기가 우세했습니다. 그들은 인간에 대한 믿음, 인류의 미래에 대한 믿음, 인간 이성과 계몽의 승리에 대한 믿음으로 특징지어졌습니다. 뛰어난 시인과 작가, 과학자 및 인물의 은하계 다양한 종류예술은 이 위대한 새로운 지적 운동에 참여했습니다. 이탈리아의 영광은 Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian과 같은 훌륭한 예술가들에 의해 가져 왔습니다.
의심할 여지가 없는 르네상스의 업적은 그림의 기하학적으로 정확한 구성이었습니다. 작가는 자신이 개발한 기법을 사용하여 이미지를 구축했습니다. 당시 화가들에게 가장 중요한 것은 사물의 비율을 관찰하는 것이었다. 자연조차도 수학적 속임수에 빠졌습니다.
즉, 르네상스 시대의 예술가들은 예를 들어 자연을 배경으로 한 사람의 정확한 이미지를 전달하려고 했습니다. 어떤 종류의 캔버스에서 본 이미지를 재현하는 현대적인 방법과 비교하면 후속 조정이 가능한 사진이 르네상스 예술가들이 무엇을 위해 노력했는지 이해하는 데 도움이 될 것입니다.
르네상스 화가들은 자연의 결점을 바로잡을 권리가 있다고 믿었습니다.
성서적 장면을 묘사한 르네상스 예술가들은 사람의 지상적 표현이 성경 이야기. 그 당시 예술가들의 작품에 익숙해지기 시작하면 타락, 유혹, 지옥 또는 천국이 무엇인지 이해할 수 있습니다. 마돈나의 같은 이미지는 우리에게 여성의 아름다움을 전달하고 지상의 인간 사랑에 대한 이해도 전달합니다.
따라서 르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다. 그 인지적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고, 자연스러움을 추구함에 있어 소소한 일상에 하강하지 않았다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.
결론
따라서 르네상스 또는 르네상스는 인류의 삶에서 예술과 과학의 엄청난 발전으로 특징지어지는 시대입니다. 르네상스는 인간을 삶의 최고의 가치로 선포했습니다.
예술에서 주요 주제는 무한한 영적, 창조적 가능성을 가진 사람이었습니다.르네상스 예술은 뉴 에이지 유럽 문화의 토대를 마련했으며 모든 주요 예술 유형을 근본적으로 바 꾸었습니다.
건축에서는 새로운 유형의 공공 건물이 개발되었습니다.그림은 선형 및 공중 원근법, 인체의 해부학 및 비율에 대한 지식으로 풍부해졌습니다.세속적 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 그림이 있었다, 그림이 있었다 오일 페인트. 예술가의 창의적인 개성이 예술에서 1 위를 차지했습니다.
르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다.예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.
의심 할 여지없이 르네상스는 인류 역사상 가장 아름다운 시대 중 하나입니다.
서지
- Kustodieva T.K. XIII-XVI 세기 르네상스의 이탈리아 예술(ESSAY-GUIDE) / Т.К. KUSTODIEVA, 예술, 1985. 318 P.
- 르네상스 문화의 사랑과 아름다움의 이미지 / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 P.
- 스테파노프 A.V. 르네상스 예술. 이탈리아 XIV-XV 세기 / A.V. 스테파노프, 엠., 2007. 610p.
- 스테파노프 A.V. 르네상스 예술. 네덜란드, 독일, 프랑스, 스페인, 영국 / A.V. 스테파노프, AZBUKA-CLASSICS, 2009. 640 P.
- CHAMBERLIN E. 르네상스 시대. 삶, 종교, 문화 / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 P.
초기 르네상스(Quattrocento)의 이탈리아 건축은 유럽의 지배적인 것을 버리고 유럽 건축의 발전에 새로운 시대를 열었습니다. 고딕 예술주문 시스템을 기반으로 한 새로운 원칙을 승인함으로써.
이 기간 동안 고대 철학, 예술 및 문학은 의도적이고 의식적으로 연구되었습니다. 따라서 고대는 수세기에 걸친 중세의 강력한 전통, 특히 기독교 예술에 층을 이루었습니다. 이로 인해 르네상스 문화의 특히 복잡한 특성은 이교도와 기독교 주제의 변형과 엮임을 기반으로합니다.
Quattrocento는 Proto-Renaissance 시대와 같이 직관이 아닌 실험적 검색의 시간이지만 정확한 과학적 지식이 전면에 나타났습니다. 이제 예술은 15세기의 많은 과학 논문이 쓰여진 주변 세계에 대한 보편적인 지식의 역할을 했습니다.
건축과 회화의 첫 번째 이론가는 이론을 발전시킨 Leon Batista Alberti였습니다. 선형 관점, 공간의 깊이의 그림에서 실제 이미지를 기반으로합니다. 이 이론은 이상적인 도시를 만들기 위한 건축과 도시 계획의 새로운 원칙의 기초를 형성했습니다.
르네상스의 거장들은 이상적인 도시와 이상적인 국가에 대한 플라톤의 꿈으로 다시 돌아 가기 시작했고 이미 고대 문화와 철학의 주요 아이디어 인 인간과 자연의 조화 아이디어, 인본주의 아이디어를 구현했습니다. 따라서 이상적인 도시의 새로운 이미지는 처음에는 어떤 공식, 아이디어, 미래에 대한 대담한 주장이었습니다.
르네상스 도시 계획의 이론과 실천은 서로 병행하여 발전했습니다. 오래된 건물이 재건되고 새 건물이 지어지는 동시에 건축, 요새화 및 도시 재개발에 관한 논문이 작성되었습니다. 논문의 저자(Alberti 및 Palladio)는 완성된 프로젝트를 설명하는 것이 아니라 이상적인 도시에 대한 아이디어를 그래픽으로 묘사한 개념을 제시하여 실제 건설의 요구보다 훨씬 앞서 있었습니다. 그들은 또한 국방, 경제, 미학 및 위생 측면에서 도시가 어떻게 위치해야 하는지에 대한 추론을 제시했습니다.
사실 알베르티는 고대의 비율 감각과 새로운 시대의 합리주의적 접근 방식을 종합하여 개발한 르네상스의 이상적인 도시 앙상블의 기본 원칙을 처음으로 선포했습니다. 따라서 르네상스 도시 계획자들의 미적 원칙은 다음과 같습니다.
- 주 건물과 보조 건물의 건축 규모의 일관성;
- 건물의 높이와 그 앞에 위치한 공간의 비율(1:3에서 1:6까지);
- 불협화음의 부족;
- 구성 균형.
이상적인 도시는 르네상스의 많은 거장들에게 매우 흥미로웠습니다. Leonardo da Vinci도 그것에 대해 생각했는데, 그의 아이디어는 화물 운송이 낮은 수준을 따라 이동하고 지상 및 보행자 도로가 상위 수준에 위치하는 2단계 도시를 만드는 것이었습니다. 다빈치의 계획은 또한 피렌체와 밀라노의 재건 및 스핀들 도시의 제도와 관련이 있습니다.
16세기 말까지 많은 도시 계획 이론가들은 방어 구조물과 상업 지역의 문제로 당황했습니다. 따라서 요새 탑과 벽은 도시 경계에서 제거 된 흙 요새로 대체되었으며 그로 인해 도시가 다중 빔 별과 비슷해지기 시작했습니다.
그리고 하나의 이상적인 도시가 돌로 지어지지는 않았지만 (작은 요새 도시 제외) 그러한 도시 건설을위한 많은 원칙은 이미 16 세기에 이탈리아와 다른 많은 국가에 곧은 넓은 거리가 놓이기 시작한 16 세기에 현실이되었습니다. 도시 앙상블의 중요한 요소를 연결했습니다.
