Renesanso užsienio menininkai. Puikūs italų renesanso menininkai

Sandro Botticelli(1445 m. kovo 1 d. – 1510 m. gegužės 17 d.) – giliai religingas žmogus, dirbo visose pagrindinėse Florencijos bažnyčiose ir Vatikano Siksto koplyčioje, tačiau meno istorijoje pirmiausia išliko kaip didelio formato poetinių drobių autorius klasikinės antikos įkvėptomis temomis – „Pavasaris“ ir „Gimimas Venera“. .

Botticelli ilgą laiką buvo Renesanso milžinų, dirbusių po jo, šešėlyje, kol jis devynioliktos vidurys amžiuje iš naujo atrado britų prerafaelitai, kurie savo brandžių drobių trapumą ir pavasarišką gaivumą gerbė kaip aukščiausią pasaulio meno raidos tašką.

Gimė turtingo piliečio Mariano di Vanni Filipepi šeimoje. Gavo gerą išsilavinimą. Jis studijavo tapybą pas vienuolį Filippo Lippi ir perėmė iš jo tą aistrą vaizduoti liečiančius motyvus, išskiriančius Lippi istorinius paveikslus. Tada jis dirbo pas garsųjį skulptorių Verrocchio. 1470 m. jis surengė savo dirbtuves.

Linijų subtilumą ir tikslumą jis perėmė iš savo antrojo brolio, kuris buvo juvelyras. Kurį laiką jis mokėsi pas Leonardo da Vinci Verrocchio dirbtuvėse. Originalus Botticelli talento bruožas yra jo polinkis į fantastiškumą. Jis buvo vienas pirmųjų, įvedusių senovės mitus ir alegorijas į savo laikų meną, su ypatinga meile dirbo mitologinėmis temomis. Ypač įspūdinga yra jo Venera, kuri nuoga plaukia jūroje kiaute, o vėjų dievai ją apipila rožių lietumi ir varo kriauklę į krantą.

Geriausiu Botticelli kūriniu laikomos freskos, kurias jis pradėjo 1474 m. Vatikano Siksto koplyčioje. Pabaigė daug paveikslų, kuriuos užsakė Medici. Visų pirma, jis nutapė Lorenzo Didingojo brolio Giuliano Medici vėliavą. 1470–1480 metais portretas tampa nepriklausomas žanras Botticelli kūryboje („Žmogus su medaliu“, apie 1474 m.; „Jaunuolis“, 1480 m.). Botticelli išgarsėjo savo subtiliu estetiniu skoniu ir tokiais kūriniais kaip „Apreiškimas“ (1489–1490), „Paleista moteris“ (1495–1500) ir kt. pastaraisiais metais Savo gyvenime Botticelli, matyt, paliko tapybą.

Sandro Botticelli yra palaidotas šeimos kape Ognisanti bažnyčioje Florencijoje. Pagal testamentą jis buvo palaidotas prie labiausiai įkvėpusios Simonettos Vespucci kapo. gražūs vaizdai meistrai.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(1452 m. balandžio 15 d. Anchiano kaimas, netoli Vinci miesto, netoli Florencijos – 1519 m. gegužės 2 d., – didysis italų menininkas (dailininkas, skulptorius, architektas) ir mokslininkas (anatomas, gamtininkas), išradėjas, rašytojas, vienas apie pagrindiniai atstovai Aukštojo Renesanso menas, puikus „visuotinio žmogaus“ pavyzdys. .

Leonardo mūsų amžininkams pirmiausia žinomas kaip menininkas. Be to, gali būti, kad da Vinci galėjo būti skulptorius: Perudžos universiteto mokslininkai Giancarlo Gentilini ir Carlo Sisi teigia, kad terakotos galva, kurią jie rado 1990 m., yra vienintelis Leonardo da Vinci skulptūrinis kūrinys, nukritęs žemyn. mums. Tačiau pats da Vinci įvairiais savo gyvenimo laikotarpiais laikė save pirmiausia inžinieriumi ar mokslininku. Dailiams jis neskyrė daug laiko ir dirbo gana lėtai. Štai kodėl meno paveldas Leonardo nėra daug, o nemažai jo darbų buvo prarasti arba smarkiai sugadinti. Tačiau jo indėlis į pasaulį meninė kultūra yra nepaprastai svarbus net atsižvelgiant į genijų būrį, kurį davė Italijos Renesansas. Jo darbo dėka tapybos menas kokybiškai persikėlė į a naujas etapas jo vystymosi. Renesanso menininkai, buvę prieš Leonardo, ryžtingai atsisakė daugelio viduramžių meno konvencijų. Tai buvo judėjimas realizmo link ir jau daug pasiekta tyrinėjant perspektyvą, anatomiją, didesnę kompozicinių sprendimų laisvę. Tačiau vaizdingumo, darbo su dažais prasme menininkai vis tiek buvo gana įprasti ir suvaržyti. Paveikslo linija aiškiai nubrėžė objektą, o vaizdas atrodė kaip tapytas piešinys. Sąlygiškiausias buvo peizažas, kuris grojo nedidelis vaidmuo. .

Leonardo suprato ir įgyvendino naują tapybos technika. Jo linija turi teisę susilieti, nes taip mes ją matome. Jis suvokė šviesos sklaidos ore fenomeną ir sfumato – miglos atsiradimą tarp žiūrovo ir vaizduojamo objekto, kuris sušvelnina spalvų kontrastus ir linijas. Dėl to realizmas tapyboje perėjo į kokybiškai naują lygmenį. . renesanso tapyba Boticelli renesansas

Rafaelis Santi(1483 m. kovo 28 d. – 1520 m. balandžio 6 d.) - puikus italų tapytojas, grafikas ir architektas, Umbrijos mokyklos atstovas.

Dailininko Giovanni Santi sūnus pradinį meninį mokymąsi Urbino mieste pas savo tėvą Giovanni Santi, bet būdamas jaunas atsidūrė studijoje. iškilus menininkas Pietro Perugino. Būtent menine kalba o Perugino paveikslų figūratyvumas, traukimas link simetriškos subalansuotos kompozicijos, erdvinės raiškos aiškumas ir švelnumas sprendžiant spalvas ir apšvietimą, pirmiausia turėjo įtakos jauno Rafaelio manierai.

Taip pat būtina numatyti, kad Rafaelio kūrybos stilius apėmė kitų meistrų technikų ir radinių sintezę. Iš pradžių Rafaelis rėmėsi Perudžino patirtimi, vėliau savo ruožtu - Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo išvadomis. .

Ankstyvieji darbai("Madonna Conestabile" 1502-1503) yra persmelkti grakštumo, švelnaus lyrizmo. Žmogaus žemiškoji egzistencija, dvasinių ir fizinė jėgašlovintas Vatikano (1509–1517) kambarių freskose, pasiekęs nepriekaištingą proporcijos, ritmo, proporcijų, spalvų eufonijos, figūrų vienybės ir didingų architektūrinių fonų pojūtį.

Florencijoje, susidūręs su Mikelandželo ir Leonardo darbais, Rafaelis iš jų išmoko anatomiškai teisingą žmogaus kūno vaizdą. Būdamas 25 metų menininkas išvyksta į Romą ir nuo to momento prasideda didžiausias jo kūrybos žydėjimo laikotarpis: Vatikano rūmuose jis atlieka monumentalias freskas (1509-1511), tarp kurių yra neabejotinas šedevras. meistras – freska „Atėnų mokykla“, rašo altorių kompozicijos o molbertiniai paveikslai, išsiskiriantys dizaino ir atlikimo harmonija, dirba architektu (kurį laiką Rafaelis net prižiūri Šv. Petro katedros statybas). Nenuilstamai ieškodamas savo idealo, menininkui įkūnyto Madonos įvaizdyje, jis kuria tobuliausią savo kūrinį – „Siksto Madoną“ (1513), motinystės ir savęs išsižadėjimo simbolį. Rafaelio paveikslus ir freskas pripažino jo amžininkai, ir netrukus Santi tapo pagrindine Romos meninio gyvenimo figūra. Daugelis kilmingų Italijos žmonių norėjo susituokti su menininku, įskaitant artimą Rafaelio draugą kardinolą Bibbieną. Menininkas mirė sulaukęs trisdešimt septynerių metų nuo širdies nepakankamumo. Nebaigtus Vilos Farnesinos paveikslus, Vatikano lodžijas ir kitus darbus Rafaelio mokiniai užbaigė pagal jo eskizus ir piešinius.

Vienas didžiausių Aukštojo Renesanso meno atstovų, kurio tapybai būdingas pabrėžtas visumos balansas ir harmonija, kompozicijos balansas, ritmo dėsningumas ir subtilus spalvos galimybių panaudojimas. Nepriekaištingas linijos valdymas ir gebėjimas apibendrinti bei pabrėžti pagrindinį dalyką padarė Rafaelį vienu iškiliausių visų laikų piešimo meistrų. Rafaelio palikimas buvo vienas iš ramsčių Europos akademizmo formavimosi procese. Klasicizmo šalininkai - broliai Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov ir daugelis kitų menininkų - išaukštino Rafaelio palikimą kaip tobuliausią pasaulio meno reiškinį.

Ticianas Vecellio(1476/1477 arba 1480-1576) – italų renesanso tapytojas. Ticiano vardas prilygsta tokiems Renesanso menininkams kaip Mikelandželas, Leonardo da Vinci ir Rafaelis. Ticianas tapė paveikslus biblinėmis ir mitologinėmis temomis, išgarsėjo kaip portretų tapytojas. Jį pavedė karaliai ir popiežiai, kardinolai, kunigaikščiai ir kunigaikščiai. Ticianui nebuvo nė trisdešimties metų, kai jis buvo pripažintas geriausiu Venecijos dailininku.

Nuo gimimo vietos (Pieve di Cadore Belluno provincijoje) jis kartais vadinamas da Cadore; taip pat žinomas kaip Ticianas Dieviškasis.

Ticianas gimė valstybės ir karinio veikėjo Gregorio Vecellio šeimoje. Būdamas dešimties metų, jis su broliu buvo išsiųstas į Veneciją mokytis pas garsųjį mozaikininką Sebastianą Zuccato. Po kelerių metų jis įstojo į Giovanni Bellini studiją kaip mokinys. Mokėsi pas Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) ir daugybę kitų vėliau išgarsėjusių menininkų.

1518 metais Ticianas nutapo paveikslą „Dievo Motinos žengimas į dangų“, 1515 metais – Salomėja su Jono Krikštytojo galva. Nuo 1519 iki 1526 m. jis tapė daugybę altorių, tarp jų ir Pesaro šeimos altorių.

Ticianas gyveno ilgas gyvenimas. Prieš Paskutinės dienos jis nenustojo dirbti. mano paskutinė nuotrauka, „Kristaus raudas“, Ticianas rašė savo paties antkapiui. Menininkas mirė nuo maro Venecijoje 1576 m. rugpjūčio 27 d., kai jį slaugydamas užsikrėtė sūnaus liga.

Imperatorius Karolis V pasikvietė Ticianą pas save ir apgaubė jį garbe bei pagarba ir ne kartą pasakė: „Aš galiu sukurti kunigaikštį, bet kur man gauti antrą Ticianą“. Kai vieną dieną menininkas numetė teptuką, Karolis V paėmė jį ir pasakė: „Garbinga tarnauti Ticianui net imperatoriui“. Ir Ispanijos, ir Prancūzijos karaliai kvietė Ticianą pas save, apsigyventi dvare, tačiau įvykdęs užsakymus menininkas visada grįždavo į gimtąją Veneciją, Ticiano garbei buvo pavadintas krateris Merkurijuje. .

Italija – šalis, kuri visada garsėjo savo menininkais. Didieji meistrai, kadaise gyvenę Italijoje, šlovino meną visame pasaulyje. Galime tvirtai pasakyti, kad jei ne italų menininkai, skulptoriai ir architektai, pasaulis šiandien atrodytų visai kitaip. Reikšmingiausias in italų menas, žinoma, skaičiuojama kaip . Italija Renesanso ar Renesanso epochoje pasiekė precedento neturintį pakilimą ir klestėjimą. Talentingi menininkai, anais laikais pasirodę skulptoriai, išradėjai, tikri genijai iki šiol žinomi kiekvienam moksleiviui. Jų menas, kūryba, idėjos, raida šiandien laikomi klasika, branduoliu, ant kurio pastatytas pasaulio menas ir kultūra.

Vienas is labiausiai žinomi genijai Italijos Renesansas, žinoma, yra puikus Leonardas da Vinčis(1452-1519). Da Vinci buvo toks gabus, kad sulaukė didžiulės sėkmės daugelyje veiklos sričių, įskaitant vaizduojamieji menai o ir mokslas. Kitas garsus menininkas, kuris yra pripažintas meistras Sandro Botticelli(1445-1510). Botticelli paveikslai – tikra dovana žmonijai. Šiandien jo tankumo yra daugiausia žinomi muziejai pasaulyje ir yra tikrai neįkainojami. Ne mažiau žinomas nei Leonardo da Vinci ir Botticelli Rafaelis Santi(1483-1520), gyvenęs 38 metus ir per šį laiką sugebėjęs sukurti visą sluoksnį stulbinančios tapybos, kuri tapo vienu ryškiausių ankstyvojo renesanso pavyzdžių. Dar vienas puikus genijus Italijos renesansas yra be jokios abejonės Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Be tapybos, Mikelandželas užsiėmė skulptūra, architektūra, poezija ir pasiekė puikių rezultatų šiuose menuose. Mikelandželo statula, vadinama „Dovydu“, laikoma neprilygstamu šedevru, aukščiausio skulptūros meno pasiekimo pavyzdžiu.

Be minėtų menininkų, didžiausi Renesanso epochos Italijos menininkai buvo tokie meistrai kaip Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi ir kiti.. Visi jie buvo puikus pavyzdysžavinga Venecijos mokykla tapyba. Į Florencijos mokyklą Italų tapyba priklauso tokiems menininkams kaip: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Išvardinti visus Renesanso, taip pat vėlyvojo Renesanso ir po šimtmečių dirbusius menininkus, kurie tapo žinomi visam pasauliui ir šlovino tapybos meną, sukūrė pagrindinius principus ir dėsnius, kuriais grindžiami visi tapybos tipai ir žanrai. vaizduojamąjį meną, galbūt prireiks kelių tomų parašyti, bet šio sąrašo pakanka, kad suprastume, jog didieji italų menininkai yra tas menas, kurį žinome, kurį mylime ir kurį vertinsime amžinai!

Didžiųjų italų menininkų paveikslai

Andrea Mantegna – Freska kameroje degli Sposi

Giorgione – trys filosofai

Leonardo da Vinci – Mona Liza

Nicolas Poussin – Scipio didybė

Paolo Veronese - Lepanto mūšis

Renesansas prasidėjo Italijoje. Savo vardą ji įgijo dėl XIV amžiuje prasidėjusio aštraus intelektualinio ir meno suklestėjimo, kuris padarė didelę įtaką Europos visuomenei ir kultūrai. Renesansas reiškėsi ne tik tapyboje, bet ir architektūroje, skulptūroje, literatūroje. Ryškiausi Renesanso epochos atstovai yra Leonardo da Vinci, Botticelli, Ticianas, Mikelandželas ir Rafaelis.

Tais laikais pagrindinis tapytojų tikslas buvo tikroviškas vaizdasžmogaus kūną, todėl daugiausia piešė žmones, vaizdavo įvairias religines temas. Taip pat buvo išrastas perspektyvos principas, kuris atvėrė naujas galimybes menininkams.

Renesanso centru tapo Florencija, po jos sekė Venecija, o vėliau, arčiau XVI a., Roma.

Leonardo mums žinomas kaip talentingas Renesanso tapytojas, skulptorius, mokslininkas, inžinierius ir architektas. Didžiąją savo gyvenimo dalį Leonardo dirbo Florencijoje, kur sukūrė daugybę visame pasaulyje žinomų šedevrų. Tarp jų: ​​„Mona Liza“ (kitaip – ​​„Gioconda“), „Ponia su erminu“, „Madona Benua“, „Jonas Krikštytojas“ ir „Šv. Ana su Marija ir Kūdikiu Kristumi.

Šis menininkas yra atpažįstamas dėl unikalaus stiliaus, kurį jis sukūrė bėgant metams. Asmeniniu popiežiaus Siksto IV prašymu jis nutapė ir Siksto koplyčios sienas. Botticelli nutapė garsių paveikslų mitologinėmis temomis. Tokie paveikslai yra „Pavasaris“, „Pallas ir Kentauras“, „Veneros gimimas“.

Ticianas buvo Florencijos menininkų mokyklos vadovas. Po mokytojo Bellini mirties Ticianas tapo oficialiu, visuotinai pripažintu Venecijos Respublikos menininku. Šis tapytojas yra žinomas dėl savo portretų religinėmis temomis: „Marijos žengimas į dangų“, „Danae“, „Žemiška meilė ir dangiškoji meilė“.

Italų poetas, skulptorius, architektas ir menininkas pavaizdavo daugybę šedevrų, tarp kurių yra garsioji „Dovydo“ statula iš marmuro. Ši statula tapo pagrindine Florencijos atrakcija. Mikelandželas nutapė Vatikano Siksto koplyčios skliautą, kuris buvo didelis užsakymas popiežius Julius II. Savo kūrybos laikotarpiu jis daugiau dėmesio skyrė architektūrai, bet padovanojo mums „Šv. Petro nukryžiavimą“, „Kapas“, „Adomo sutvėrimas“, „Žolėtojas“.

Jo kūryba susiformavo didelėje Leonardo da Vinci ir Mikelandželo įtakoje, kurių dėka jis įgijo neįkainojamos patirties ir įgūdžių. Jis nutapė iškilmių sales Vatikane, reprezentuodamas žmogaus veikla ir vaizduojanti įvairias Biblijos scenas. Tarp garsūs paveikslai Rafaelis - " Sikstas Madonna“, „Trys malonės“, „Šventasis Mykolas ir velnias“.

Ivanas Sergejevičius Tseregorodcevas

Europos tautos siekė atgaivinti dėl nesibaigiančių naikinimo karų prarastus lobius ir tradicijas. Karai nunešė žmones nuo žemės paviršiaus ir didingus dalykus, kuriuos žmonės sukūrė. Idėja atgaivinti aukštąją civilizaciją senovės pasaulis atgaivino filosofiją, literatūrą, muziką, gamtos mokslų iškilimą ir, svarbiausia, meno suklestėjimą. Era reikalavo stiprių, išsilavinusių žmonių, nebijančių jokio darbo. Būtent tarp jų tapo įmanomas tų kelių genijų, vadinamų „Renesanso titanais“, atsiradimas. Tie, kuriuos mes vadiname tik vardais.

Renesansas pirmiausia buvo itališkas. Todėl nenuostabu, kad būtent Italijoje menas šiuo laikotarpiu pasiekė aukščiausią pakilimą ir suklestėjimą. Būtent čia – dešimtys titanų, genijų, puikių ir tiesiog talentingų menininkų vardų.

MUZIKA LEONARDO.

Koks laimingas žmogus! daugelis pasakys apie jį. Jis buvo apdovanotas reta sveikata, gražus, aukštas, mėlynakis. Jaunystėje jis dėvėjo šviesias garbanas, išdidžiu ūgiu priminė Donatelos Šv. Jis pasižymėjo negirdėta ir drąsia jėga, vyrišku meistriškumu. Jis nuostabiai dainavo, prieš publiką kūrė melodijas, eilėraščius. žaidė ant bet kurio muzikinis instrumentas Be to, jis pats juos sukūrė.

Amžininkai ir palikuonys Leonardo da Vinci menui niekada nerado kitų apibrėžimų, kaip tik „puikus“, „dieviškas“, „puikus“. Tie patys žodžiai tinka ir jo moksliniams apreiškimams: jis išrado tanką, ekskavatorių, malūnsparnį, povandeninį laivą, parašiutą, automatinį ginklą, nardymo šalmą, liftą, nusprendė sunkiausias problemas akustika, botanika, medicina, kosmografija, sukūrė apvalaus teatro projektą, šimtmečiu anksčiau nei Galilėjus išrado laikrodžio švytuoklę, nupiešė dabartines vandens slides, sukūrė mechanikos teoriją.

Koks laimingas žmogus! - daugelis pasakys apie jį ir pradės prisiminti jo mylimus princus ir karalius, kurie ieškojo pažinčių su juo, reginių ir švenčių, kurias jis sugalvojo kaip menininkas, dramaturgas, aktorius, architektas ir linksminosi su jais kaip vaikas.

Tačiau ar buvo laimingas nenuilstantis ilgaamžis Leonardo, kurio kiekviena diena žmonėms ir pasauliui teikė apvaizdos ir įžvalgos? Jis numatė baisų savo kūrinių likimą: „Paskutinės vakarienės“ sunaikinimą, paminklo Francescai Sforzai sušaudymą, mažą prekybą ir niekšišką jo dienoraščių, darbo knygų vagystes. Iš viso iki šių dienų išliko tik šešiolika paveikslų. Skulptūrų nedaug. Bet daug piešinių, užkoduotų piešinių: kaip ir šiuolaikinės mokslinės fantastikos herojai, jis savo dizaine keitė detalę, tarsi kad kitas negalėtų ja pasinaudoti.

Leonardo da Vinci dirbo skirtingi tipai ir meno žanrus, tačiau didžiausią šlovę jam atnešė tapyba.

Vienas iš ankstyviausių Leonardo paveikslų yra „Madona su gėle“ arba „Benois Madonna“. Jau čia menininkas pasirodo kaip tikras novatorius. Jis įveikia tradicinio siužeto ribas ir įvaizdžiui suteikia platesnę, universalią prasmę, tai yra motiniškas džiaugsmas ir meilė. Šiame kūrinyje aiškiai atsiskleidė daugelis menininko meno bruožų: aiški figūrų kompozicija ir formų apimtis, glaustumo ir apibendrinimo troškimas, psichologinis ekspresyvumas.

Paveikslas „Madona Litta“ buvo pradėtos temos tąsa, kur aiškiai atsiskleidė dar vienas menininkės kūrybos bruožas – kontrastų žaismas. Temą užbaigė idealų kompozicinį sprendimą žymintis paveikslas „Madona grotoje“, kurio dėka vaizduojamos Madonos, Kristaus ir angelų figūros susilieja su kraštovaizdžiu į vientisą visumą, apdovanotą ramia pusiausvyra ir harmonija.

Viena iš Leonardo kūrybos viršūnių yra freska. Paskutinė vakarienė» Santa Maria Della Grazie vienuolyno valgykla. Šis kūrinys stebina ne tik bendra kompozicija, bet ir tikslumu. Leonardo ne tik perteikia psichologinę apaštalų būseną, bet tai daro tą akimirką, kai ji pasiekia kritinis taškas, virsta psichologiniu sprogimu ir konfliktu. Šį sprogimą sukelia Kristaus žodžiai: „Vienas iš jūsų mane išduos“. Šiame darbe Leonardo visapusiškai panaudojo konkretaus figūrų sugretinimo metodą, kurio dėka kiekvienas personažas pasirodo kaip unikali individualybė ir asmenybė.

Antroji Leonardo kūrybos viršūnė buvo garsus portretas Mona Liza arba „La Džokonda“. Šis kūrinys žymėjo žanro pradžią psichologinis portretas V Europos menas. Kai jis buvo sukurtas Puikus meistras puikiai panaudojo visą priemonių arsenalą meninis išraiškingumas: aštrūs kontrastai ir švelnūs potekstės, sustingęs nejudrumas ir bendras sklandumas bei kintamumas, subtiliausi psichologiniai niuansai ir perėjimai. Visas Leonardo genialumas slypi nuostabiai gyvoje Monos Lizos išvaizdoje, jos paslaptingoje ir mįslinga šypsena, peizažą dengianti mistinė migla. Šis kūrinys yra vienas rečiausių meno šedevrų.

Kiekvienas, matęs iš Luvro Maskvoje atvežtą Džokondą, prisimena savo visiško kurtumo minutes prie šios mažos drobės, viso geriausio savyje įtampą. Džokonda atrodė kaip „marsietis“, nežinomybės atstovas – tai turi būti ateitis, o ne žmonių genties praeitis, harmonijos įsikūnijimas, nuo kurio pasaulis nepavargo ir nepavargs svajoti. .

Apie jį galima pasakyti daug daugiau. Nustebino, kad tai ne fikcija ar fantazija. Štai, pavyzdžiui, galime prisiminti, kaip jis pasiūlė perkelti San Džovanio katedrą – toks darbas stebina mus, dvidešimtojo amžiaus gyventojus.

Leonardo pasakė: geras menininkas turi mokėti parašyti du pagrindinius dalykus: žmogų ir jo sielos atvaizdą. O gal kalbama apie „Kolumbiną“ iš Sankt Peterburgo Ermitažo? Kai kurie tyrinėtojai ją, o ne Luvro drobę, vadina „La Gioconda“.

Berniukas Nardo, toks buvo jo vardas Vinci: nesantuokinis notaro raštininko sūnus, kuris paukščius ir arklius laikė geriausiais padarais Žemėje. Visų mylimas ir vienišas, lenkiantis plieninius kardus ir piešiantis pakorusius vyrus. Tilto per Bosforą išradėjas ir tobulas miestas, gražesni nei Corbusier ir Niemeyer. Dainuoja švelniu baritono balsu ir priverčia Moną Lizą šypsotis. Viename iš paskutinių sąsiuvinių šis laimingasis rašė: „Man atrodė, kad mokausi gyventi, bet mokausi mirti“. Tačiau tada jis apibendrino: „Gerai nugyventas gyvenimas yra ilgas“.

Ar galima nesutikti su Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli gimė 1445 m. Florencijoje odų raugintojo šeimoje.

Pirmuoju originaliu Botticelli kūriniu laikomas „Magių garbinimas“ (apie 1740 m.), kur pagrindinė jo originalaus būdo savybė – svajingumas ir subtili poezija – jau visiškai paveikė. Jam buvo suteiktas įgimtas poezijos jausmas, tačiau ryškus kontempliatyvus liūdesys persmelkė jį pažodžiui visame kame. Net šventasis Sebastianas, kamuojamas kankintojų strėlių, žiūri į jį susimąstęs ir atitrūkęs.

XX amžiaus aštuntojo dešimtmečio pabaigoje Botticelli tapo artimas tikrojo Florencijos valdovo Lorenzo Medici, praminto Didinguoju, ratui. Prabangiuose Lorenzo soduose būriavosi žmonių, bene labiausiai apsišvietusių ir talentingiausių Florencijoje, draugija. Buvo filosofų, poetų, muzikantų. Tvyrojo susižavėjimo grožiu atmosfera, buvo vertinamas ne tik meno, bet ir gyvenimo grožis. Antika, suvokta vis dėlto per vėlesnių filosofinių sluoksnių prizmę, buvo laikoma idealaus meno ir idealaus gyvenimo prototipu. Be jokios abejonės, šios atmosferos įtakoje, pirmasis didelė nuotrauka Botticelli "Primavera (Pavasaris)". Tai svajinga, rafinuota, nuostabiai graži amžinojo ciklo, nuolatinio gamtos atsinaujinimo alegorija. Ją persmelkia sudėtingiausias ir įnoringiausias muzikos ritmas. Gėlėmis papuošta Floros figūra, šokančios grakštos Rojaus sode – tai tuo metu dar nematyti grožio vaizdai, todėl palikę ypač žavų įspūdį. Jaunasis Botticelli iš karto užėmė svarbią vietą tarp savo laiko meistrų.

Būtent aukšta jauno tapytojo reputacija užsitikrino jam biblinių freskų užsakymą Vatikano Siksto koplyčiai, kurią jis sukūrė 1480-ųjų pradžioje Romoje. Jis nutapė „Scenas iš Mozės gyvenimo“, „Koraho, Datano ir Avirono bausmę“, parodydamas nuostabius kompozicijos įgūdžius. Klasikinė senovinių pastatų ramybė, prieš kurią Botticelli išskleidė veiksmą, smarkiai kontrastuoja su dramatišku vaizduojamų personažų ir aistrų ritmu; žmogaus kūnų judėjimas yra sudėtingas, sudėtingas, prisotintas sprogstamos jėgos; susidaro drebančios harmonijos, regimo pasaulio neapsaugotumo įspūdis prieš greitą laiko ir žmogaus valios puolimą. Siksto koplyčios freskos pirmą kartą išreiškė gilų nerimą, gyvenusį Botticelli sieloje, kuris laikui bėgant stiprėjo. Šiose freskose atsispindėjo nuostabus Botticelli, kaip portretų tapytojo, talentas: kiekvienas iš daugelio nupieštų veidų yra visiškai originalus, unikalus ir nepamirštamas ...

1480-aisiais, grįžęs į Florenciją, Botticelli nenuilstamai dirbo toliau, tačiau ramus „Pavyzdžių“ aiškumas jau buvo gerokai atsilikęs. Dešimtmečio viduryje jis parašė garsųjį „Veneros gimimą“. Tyrėjai vėlesniuose meistro darbuose pastebi moralizmą, religinį išaukštinimą, kuris anksčiau jam buvo neįprastas.

Galbūt reikšmingesni už vėlyvąją tapybą, Botticelli 90-ųjų piešiniai yra iliustracijos " Dieviškoji komedija» Dantė. Jis tapė su akivaizdžiu ir neslepiamu malonumu; didžiojo poeto vizijas su meile ir kruopščiai perteikia daugybės figūrų proporcijų tobulumas, apgalvotas erdvės organizavimas, neišsenkantis išradingumas ieškant vaizdinių poetinio žodžio atitikmenų...

Nepaisant bet kokių psichinių audrų ir krizių, Botticelli iki pat pabaigos (mirė 1510 m.) išliko puikus menininkas, savo meno meistras. Tai aiškiai liudija kilnus veido lipdymas „Portrete jaunas vyras“, išraiškinga modelio savybė, nepaliekanti abejonių dėl jo aukšto lygio žmogaus orumas, solidus meistro piešinys ir jo geranoriškas žvilgsnis.

2014 m. rugpjūčio 7 d

Dailės universitetų studentai ir meno istorija besidomintys žmonės žino, kad XIV–XV amžių sandūroje tapyboje įvyko staigus lūžis – Renesansas. Maždaug 1420-aisiais visi staiga pradėjo daug geriau piešti. Kodėl vaizdai staiga tapo tokie tikroviški ir detalūs, kodėl paveikslai turėjo šviesos ir apimties? Apie tai ilgam laikui niekas negalvojo. Kol Davidas Hockney nepakėlė padidinamąjį stiklą.

Išsiaiškinkime, ką jis rado...

Vieną dieną jis žiūrėjo į XIX amžiaus prancūzų akademinės mokyklos lyderio Jeano Auguste'o Dominique'o Ingreso piešinius. Hockney susidomėjo pamatyti savo mažus piešinius didesniu masteliu ir jis juos padidino kopijuokliu. Taip jis užklydo į slaptąją tapybos istorijos nuo Renesanso pusę.

Padaręs mažų (apie 30 centimetrų) Ingres piešinių fotokopijas, Hockney nustebo, kokie jie tikroviški. Ir jam taip pat atrodė, kad Ingres eilės jam kažką reiškia.
priminti. Paaiškėjo, kad jie jam primena Warholo darbą. Ir Warholas tai padarė – projektavo nuotrauką ant drobės ir nubrėžė jos kontūrus.

Kairėje: Ingreso piešinio detalė. Dešinėje: Mao Zedong Warhol piešinys

Įdomūs atvejai, sako Hockney. Matyt, Ingres naudojo Camera Lucida – įrenginį, kuris yra konstrukcija su prizme, kuri tvirtinama, pavyzdžiui, prie planšetės stovo. Taigi menininkas, žiūrėdamas į savo piešinį viena akimi, mato tikrąjį vaizdą, o kita – tikrąjį piešinį ir savo ranką. Pasirodo, optinė apgaulė, leidžianti tiksliai perkelti tikras proporcijas į popierių. Ir tai yra kaip tik vaizdo tikroviškumo „garantija“.

Portreto piešimas su Lucida fotoaparatu, 1807 m

Tada Hockney rimtai susidomėjo šiuo „optiniu“ piešinių ir paveikslų tipu. Savo studijoje jis kartu su komanda ant sienų iškabino šimtus per šimtmečius sukurtų paveikslų reprodukcijų. Darbai, kurie atrodė „tikra“, ir tie, kurie atrodė ne. Suskirstytas pagal kūrimo laiką ir regionus – šiaurė viršuje, pietai apačioje, Hockney ir jo komanda pamatė staigų lūžio tašką tapyboje XIV–XV amžių sandūroje. Apskritai visi, kas bent šiek tiek išmano meno istoriją, žino – Renesansą.

Gal jie naudojo tą patį fotoaparatą-lucida? Jį 1807 metais užpatentavo William Hyde Wollaston. Nors iš tikrųjų tokį prietaisą dar 1611 metais aprašo Johannesas Kepleris savo darbe „Dioptrice“. Tada gal jie panaudojo kitą optinį įrenginį – camera obscura? Juk jis žinomas nuo Aristotelio laikų ir yra tamsus kambarys, į kurį pro mažą skylutę patenka šviesa ir taip tamsiame kambaryje gaunama projekcija to, kas yra priešais skylę, bet apversta. Viskas būtų gerai, bet vaizdas, kuris gaunamas projektuojant camera obscura be objektyvo, švelniai tariant, nėra kokybiškas, neaiškus, reikia daug ryškios šviesos, jau nekalbant apie dydį projekcija. Bet kokybiškų lęšių buvo beveik neįmanoma pagaminti iki XVI amžiaus, nes tais laikais nebuvo galimybės pagaminti tokio kokybiško stiklo. Dalykai, pagalvojo Hockney, kuris tuo metu jau kovojo su problema su fiziku Charlesu Falco.

Tačiau yra ankstyvojo renesanso flamandų dailininko iš Briugės kilusio meistro Jano van Eycko paveikslas, kuriame paslėpta užuomina. Paveikslas vadinasi „Četos Arnolfini portretas“.

Jan Van Eyck „Arnolfini portretas“ 1434 m

Paveikslas tiesiog šviečia didžiuliu detalių kiekiu, o tai yra gana įdomu, nes jis buvo nutapytas tik 1434 m. O užuomina apie tai, kaip autoriui pavyko padaryti tokį didelį žingsnį į vaizdo tikroviškumą, yra veidrodis. Taip pat žvakidė – neįtikėtinai sudėtinga ir tikroviška.

Hockney buvo kupinas smalsumo. Jis gavo tokio šviestuvo kopiją ir bandė ją nupiešti. Menininkas susidūrė su tuo, kad tokį sudėtingą dalyką sunku nubrėžti perspektyvoje. Kitas svarbus punktas buvo šio metalinio objekto atvaizdo medžiagiškumas. Vaizduojant plieninį objektą, labai svarbu akcentus išdėstyti kuo tikroviškiau, nes tai suteikia didžiulį tikroviškumą. Tačiau šių akcentų problema yra ta, kad jie juda, kai juda žiūrovo ar menininko akis, o tai reiškia, kad juos užfiksuoti visai nelengva. Taip pat yra tikroviškas metalo ir akinimo vaizdas skiriamasis bruožas Renesanso paveikslai, prieš tai menininkai net nebandė to daryti.

Atkurdama tikslų 3D sietyno modelį, Hockney komanda užtikrino, kad „The Arnolfini“ sietynas būtų nupieštas tikra perspektyva su vienu išnykimo tašku. Tačiau problema buvo ta, kad tokie tikslūs optiniai instrumentai kaip camera obscura su objektyvu egzistavo tik praėjus maždaug šimtmečiui po paveikslo sukūrimo.

Jano van Eycko paveikslo „Arnolfini poros portretas“ fragmentas 1434 m.

Iš padidinto fragmento matyti, kad paveikslo „Arnolfini portretas“ veidrodis yra išgaubtas. Taigi veidrodžiai buvo priešingai – įgaubti. Juo labiau, kad tais laikais tokie veidrodžiai buvo gaminami taip - buvo paimta stiklinė sfera, kurios dugnas buvo padengtas sidabru, tada viskas, išskyrus dugną, buvo nupjauta. Galinė veidrodžio pusė nebuvo pritemdyta. Taigi įgaubtas Jano van Eycko veidrodis gali būti tas pats veidrodis, kuris parodytas paveikslėlyje, tik su išvirkščia pusė. Ir bet kuris fizikas žino, kas yra veidrodis, kai atsispindi, jis projektuoja atspindinčiojo paveikslą. Čia jo draugas fizikas Charlesas Falco padėjo Davidui Hockney atlikti skaičiavimus ir tyrimus.

Įgaubtas veidrodis ant drobės projektuoja bokšto vaizdą už lango.

Aiškios, sufokusuotos projekcijos dalies dydis yra apie 30 kvadratinių centimetrų – tiek daugumoje Renesanso laikų portretų yra tik galvų dydis.

Hockney eskizuoja žmogaus projekciją ant drobės

Tokio dydžio, pavyzdžiui, Dožo Leonardo Loredano portretas, sukurtas Giovanni Bellini (1501 m.), Roberto Campino vyro portretas (1430 m.), paties Jano van Eycko „vyro raudoname turbane“ portretas ir daugelis kitų. kiti ankstyvieji olandų portretai.

Renesanso portretai

Tapyba buvo labai apmokamas darbas, ir, žinoma, visos verslo paslaptys buvo saugomos griežčiausiai. Menininkui buvo naudinga, kad visi neišmanantys žmonės tikėjo, kad paslaptys yra meistro rankose ir jų negalima pavogti. Verslas buvo uždaras pašaliniams – menininkai buvo gildijoje, joje taip pat buvo įvairių amatininkų – nuo ​​balnus gaminančių iki veidrodžių gaminančių. O šventojo Luko gildijoje, įkurtoje Antverpene ir pirmą kartą paminėtoje 1382 m. (tuomet panašios gildijos atsidarė daugelyje šiauriniai miestai, o viena didžiausių buvo gildija Briugėje – mieste, kuriame gyveno Van Eyckas) buvo ir meistrų, gaminančių veidrodžius.

Taigi Hockney atkūrė būdą, kaip iš Van Eycko paveikslo galite nupiešti sudėtingą sietyną. Nenuostabu, kad Hockney projektuoto sietyno dydis tiksliai atitinka paveikslo „Arnolfini portretas“ sietyno dydį. Ir žinoma, akcentai ant metalo – projekcijoje jie stovi vietoje ir nesikeičia menininkui pakeitus poziciją.

Tačiau problema vis dar nėra iki galo išspręsta, nes iki kokybiškos optikos atsiradimo, kurios reikia camera obscura naudojimui, buvo likę 100 metų, o veidrodžio pagalba gautos projekcijos dydis yra labai mažas. . Kaip piešti didesnius nei 30 kvadratinių centimetrų paveikslus? Jie buvo sukurti kaip koliažas – žvelgiant iš įvairių požiūrių, pasirodė toks sferinis matymas su daugybe nykstančių taškų. Hockney tai suprato, nes pats užsiėmė tokiomis nuotraukomis – padarė daug nuotraukų koliažų, kurie pasiekia lygiai tokį patį efektą.

Beveik po šimtmečio, 1500-aisiais, pagaliau tapo įmanoma gauti ir gerai apdoroti stiklą – atsirado dideli lęšiai. Ir pagaliau juos būtų galima įkišti į camera obscura, kurios veikimo principas žinomas nuo seno. Camera obscura su objektyvu buvo neįtikėtina vizualiųjų menų revoliucija, nes dabar projekcija gali būti bet kokio dydžio. Ir dar vienas dalykas, dabar vaizdas buvo ne „plačiakampis“, o apie įprastą aspektą – tai yra maždaug toks, koks yra šiandien fotografuojant su 35-50 mm židinio nuotolio objektyvu.

Tačiau problema naudojant camera obscura su objektyvu yra ta, kad tiesioginė projekcija iš objektyvo yra veidrodinė. Tai lėmė, kad ankstyvaisiais optikos naudojimo etapais tapydavo daug kairiarankių. Kaip ir šiame 1600-ųjų paveiksle iš Franso Halso muziejaus, kuriame šoka kairiarankių pora, kairiarankis senolis grasina jiems pirštu, o po moters suknele žvilgčioja kairiarankė beždžionė.

Visi šiame paveikslėlyje yra kairiarankiai.

Problema išspręsta įrengus veidrodį, į kurį nukreipiamas objektyvas, taip išgaunant teisingą projekciją. Bet, matyt, geras, lygus ir didelis veidrodis kainavo nemažus pinigus, tad ne visi jį turėjo.

Kitas klausimas buvo dėmesys. Faktas yra tas, kad kai kurios paveikslo dalys vienoje drobės vietoje po projekcijos spinduliais buvo nefokusuotos, neaiškios. Jano Vermeerio darbuose, kur gana aiškiai matomas optikos panaudojimas, jo darbai apskritai atrodo kaip fotografijos, galima pastebėti ir „nefokusuotų“ vietų. Jūs netgi galite pamatyti modelį, kurį suteikia objektyvas – liūdnai pagarsėjusį „bokeh“. Kaip, pavyzdžiui, paveiksle „Pienininkė“ (1658) krepšelis, joje esanti duona ir mėlyna vaza yra neryškūs. Tačiau žmogaus akis nemato „nefokusuoto“.

Kai kurios nuotraukos detalės yra neryškios

Ir atsižvelgiant į visa tai, nenuostabu, kad geras draugas Janas Vermeeris taip pat buvo Anthony Phillipsas van Leeuwenhoekas, mokslininkas ir mikrobiologas unikalus meistras kuris sukūrė savo mikroskopus ir lęšius. Mokslininkas tapo pomirtiniu menininko vadovu. Ir tai rodo, kad Vermeer tiksliai pavaizdavo savo draugą dviejose drobėse - „Geografas“ ir „Astronomas“.

Norėdami pamatyti bet kurią sufokusuotą dalį, turite pakeisti drobės padėtį po projekciniais spinduliais. Tačiau šiuo atveju atsirado proporcijų klaidų. Kaip matyti čia: didžiulis Parmigianino Anthea petys (apie 1537 m.), Anthony van Dycko „Ledi Genovese“ (1626 m.) maža galva, didžiulės valstiečio pėdos Georgeso de La Tour paveiksle.

Klaidos proporcijose

Žinoma, visi menininkai lęšius naudojo skirtingai. Kažkas už eskizus, kažkas iš skirtingų dalių - juk dabar buvo galima padaryti portretą, o visa kita užbaigti su kitu modeliu ar net su manekenu.

Velasquezo piešinių beveik neliko. Tačiau išliko jo šedevras – popiežiaus Inocento 10-ojo portretas (1650). Ant popiežiaus mantijos – akivaizdžiai šilko – gražus šviesos žaismas. Akinimas. O norint visa tai parašyti iš vieno požiūrio taško, reikėjo labai pasistengti. Bet jei padarysi projekciją, tai visas šis grožis niekur nepabėgs – blizgesys nebejuda, galima rašyti būtent tokiais plačiais ir greitais potėpiais kaip Velazquezo.

Hockney atkartoja Velasquezo paveikslą

Vėliau daugelis menininkų galėjo sau leisti camera obscura, ir jis nustojo būti didelė paslaptis. Canaletto aktyviai naudojo fotoaparatą kurdamas Venecijos vaizdus ir to neslėpė. Šie paveikslai dėl savo tikslumo leidžia kalbėti apie Canaletto kaip apie dokumentinių filmų kūrėją. Canaletto dėka galite pamatyti ne tik graži nuotrauka bet ir pati istorija. Galite pamatyti, koks buvo pirmasis Vestminsterio tiltas Londone 1746 m.

Canaletto „Vestminsterio tiltas“ 1746 m

Britų menininkas seras Joshua Reynoldsas turėjo camera obscura ir, matyt, niekam apie tai nesakė, nes jo fotoaparatas susilanksto ir atrodo kaip knyga. Šiandien jis yra Londono mokslo muziejuje.

Camera obscura, užmaskuota kaip knyga

Galiausiai, XIX amžiaus pradžioje Williamas Henry Foxas Talbotas, naudodamas „Lucida“ fotoaparatą – tą, į kurį reikia žiūrėti viena akimi ir piešti rankomis, prakeikė, nusprendęs, kad vieną kartą reikia panaikinti tokį nepatogumą. ir visiems, ir tapo vienu iš cheminės fotografijos išradėjų, o vėliau populiarintoju, padariusiu ją masinę.

Išradus fotografiją, tapybos monopolis dėl paveikslo tikroviškumo išnyko, dabar nuotrauka tapo monopolija. Ir štai pagaliau tapyba buvo išlaisvinta iš objektyvo, tęsdama kelią, iš kurio ji pasuko 1400-aisiais, ir Van Gogas tapo viso XX amžiaus meno pirmtaku.

Kairė: Bizantijos mozaika 12 a. Dešinėje: Vincentas van Goghas „Ponas Trabuko portretas“, 1889 m

Fotografijos išradimas yra geriausias dalykas, nutikęs tapybai per visą jos istoriją. Nebereikėjo kurti išskirtinai tikrų vaizdų, menininkas tapo laisvas. Žinoma, visuomenei prireikė šimtmečio, kad pasivytų menininkus savo supratimu apie vizualiąją muziką ir nustotų manyti, kad tokie žmonės kaip Van Goghas yra „pamišę“. Tuo pačiu metu menininkai pradėjo aktyviai naudoti nuotraukas kaip " etaloninė medžiaga“. Tada buvo tokie žmonės kaip Wassily Kandinsky, rusų avangardistas, Markas Rothko, Jacksonas Pollockas. Po tapybos buvo išleista architektūra, skulptūra ir muzika. Tiesa, Rusijos akademinė tapybos mokykla įstrigo laike, o šiandien akademijose ir mokyklose vis dar laikoma gėda pasitelkti fotografiją į pagalbą, o grynai techninis gebėjimas kuo tikroviškiau piešti plikomis rankomis laikomas aukščiausiu žygdarbiu. .

Dėka žurnalisto Lawrence'o Weshlerio straipsnio, kuris dalyvavo Davido Hockney ir Falco tyrime, dar vienas įdomus faktas: Van Eycko Arnolfinių portretas yra italų pirklio Briugėje portretas. P. Arnolfini yra florentietis, be to, Medici banko atstovas (praktiškai Renesanso laikų Florencijos meistrai, Italijoje laikomi to meto meno mecenatais). Ką tai sako? Tai, kad Šv. Luko gildijos paslaptį – veidrodį jis galėjo nesunkiai pasiimti su savimi į Florenciją, kurioje, remiantis tradicine istorija, prasidėjo Renesansas, o Briugės menininkai (ir atitinkamai kiti meistrai) yra. laikomi „primityvais“.

Dėl Hockney-Falco teorijos kyla daug ginčų. Tačiau jame tikrai yra dalelė tiesos. Kalbant apie menotyrininkus, kritikus ir istorikus, net sunku įsivaizduoti, kiek jų mokslinius straipsnius apie istoriją ir meną, tiesą sakant, pasirodė visiška nesąmonė, bet tai pakeičia visą meno istoriją, visas jų teorijas ir tekstus.

Optikos panaudojimo faktai nė kiek nesumenkina menininkų gabumų – juk technologijos yra priemonė perteikti tai, ko menininkas nori. Ir atvirkščiai, to, kas yra šiose nuotraukose, yra daugiausia tikroji realybė, jiems tik prideda svorio - juk būtent taip atrodė to meto žmonės, daiktai, patalpos, miestai. Tai yra tikri dokumentai.