เช่นวรรณกรรมเพลงต่างประเทศ “วรรณกรรมทางดนตรีของต่างประเทศ” และ

คลังเพลง เราดีใจที่คุณพบและดาวน์โหลดเนื้อหาที่คุณสนใจในคลังเพลงของเรา ห้องสมุดมีการอัปเดตผลงานและเนื้อหาใหม่ๆ อยู่เสมอ และครั้งหน้าคุณจะพบสิ่งใหม่และน่าสนใจสำหรับคุณอย่างแน่นอน ห้องสมุดของโครงการเสร็จสมบูรณ์ตามหลักสูตรรวมถึงสื่อการสอนที่แนะนำสำหรับการสอนและขยายขอบเขตของนักเรียน ทั้งนักเรียนและครูจะพบข้อมูลที่เป็นประโยชน์ที่นี่ ห้องสมุดยังนำเสนอวรรณกรรมระเบียบวิธี สัตว์เลี้ยงของเรา นักแต่งเพลงและนักแสดง ศิลปินร่วมสมัย ที่นี่คุณจะพบกับชีวประวัติของศิลปินที่มีชื่อเสียง นักแต่งเพลง นักดนตรีที่มีชื่อเสียง ตลอดจนผลงานของพวกเขา ในส่วนงาน เราโพสต์บันทึกการแสดงที่จะช่วยคุณในการเรียนรู้ คุณจะได้ยินว่างานนี้ฟังดูเป็นอย่างไร สำเนียง และความแตกต่างของงาน เรากำลังรอคุณอยู่ที่ classON.ru VN Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Fryderyk Chopin 1810 - 1949 การศึกษาของเด็ก ๆ ในรัสเซียเพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ เกี่ยวกับเธอในรัสเซีย มากมายตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 10 ก่อนคริสต์ศักราช ทัศนศิลป์กำลังพัฒนา - และศิลปินพรรณนาถึงนักดนตรีที่ร่วมพิธีกรรมทางศาสนา การรณรงค์ทางทหาร การล่าสัตว์ ขบวนแห่เคร่งขรึม เต้นรำพร้อมร้องเพลงและเล่นเครื่องดนตรี ภาพดังกล่าวได้รับการเก็บรักษาโดยเฉพาะบนผนังของวัดและแจกันเซรามิกที่พบระหว่างการขุดค้น การเขียนปรากฏขึ้น - และผู้แต่งต้นฉบับแนะนำข้อความบทกวีของเพลงและเพลงสวดให้ข้อมูลที่น่าสนใจเกี่ยวกับชีวิตดนตรี เมื่อเวลาผ่านไป นักเขียนให้ความสนใจอย่างมากกับการอภิปรายเชิงปรัชญาเกี่ยวกับดนตรี สังคมที่สำคัญของดนตรี รวมถึงบทบาททางการศึกษา เช่นเดียวกับการศึกษาเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับองค์ประกอบของภาษา ข้อมูลนี้ส่วนใหญ่ได้รับการเก็บรักษาไว้เกี่ยวกับดนตรีในบางประเทศของโลกยุคโบราณ เช่น ใน จีนโบราณ , อินเดียโบราณ, อียิปต์โบราณ, โดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเทศที่เรียกว่าโบราณ - กรีกโบราณและโรมโบราณซึ่งเป็นรากฐานของวัฒนธรรมยุโรป2. บทนำ ดนตรีตั้งแต่สมัยโบราณถึง J.S. Bach ลูก ๆ ที่รัก! ปีที่แล้วคุณได้เรียนวิชาวรรณคดีดนตรีแล้ว พวกเขาหารือเกี่ยวกับองค์ประกอบพื้นฐานของภาษาดนตรี รูปแบบและประเภทดนตรีบางประเภท ความเป็นไปได้ทางการแสดงออกและการมองเห็นของดนตรี และวงออเคสตรา ในเวลาเดียวกัน การสนทนาดำเนินไปอย่างอิสระเกี่ยวกับยุคสมัยต่างๆ ไม่ว่าจะเป็นเกี่ยวกับสมัยโบราณหรือเกี่ยวกับความทันสมัย ​​หรือย้อนกลับไปในศตวรรษที่ห่างไกลจากเราน้อยลงหรือมากขึ้น และตอนนี้ได้เวลาทำความคุ้นเคยกับวรรณกรรมดนตรีตามลำดับเวลา - ประวัติศาสตร์ - ลำดับที่ 1 เกี่ยวกับดนตรีในยุคกรีกโบราณ เราได้รับข้อมูลเกี่ยวกับดนตรีของโลกโบราณได้อย่างไร ข้อพิสูจน์ที่น่าเชื่อถือเกี่ยวกับบทบาททางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ของสมัยโบราณคือความจริงที่ว่าในกรีกโบราณในศตวรรษที่ 8 ก่อนคริสต์ศักราช การแข่งขันกีฬาสาธารณะ โอลิมปิกเกมส์ ได้ถือกำเนิดขึ้น . และอีกสองศตวรรษต่อมาการแข่งขันดนตรีก็เริ่มจัดขึ้นที่นั่น - เกม Pythian ซึ่งถือได้ว่าเป็นบรรพบุรุษที่ห่างไกลของการแข่งขันสมัยใหม่ เกม Pythian จัดขึ้นที่วัดที่สร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ เทพแห่งดวงอาทิตย์และแสงสว่าง อพอลโล ตามตำนานหลังจากเอาชนะ Python งูมหึมาเขาได้ก่อตั้งเกมเหล่านี้ขึ้นเอง เป็นที่ทราบกันดีว่าครั้งหนึ่ง Sakkad จาก Argos ชนะพวกเขาโดยเล่นบน aulos ซึ่งเป็นเครื่องลมใกล้กับโอโบรายการเล่นเกี่ยวกับการต่อสู้ของ Apollo กับ Python สำหรับดนตรีกรีกโบราณมีลักษณะเฉพาะที่เกี่ยวข้องกับบทกวี เต้นรำโรงละคร บทกวีมหากาพย์ที่กล้าหาญ "อีเลียด" และ "โอดิสซีย์" ซึ่งประพันธ์โดยโฮเมอร์กวีในตำนานถูกขับขานด้วยเสียงร้องเพลง โดยปกติแล้วนักร้องจะเป็นเหมือน Orpheus ในตำนาน ผู้แต่งทั้งข้อความบทกวีและดนตรี และพวกเขาเองก็เล่นพิณไปด้วย มีการร้องเพลงประสานเสียงพร้อมท่าทางโขนในงานเฉลิมฉลอง ในโศกนาฏกรรมและคอเมดีของกรีกโบราณคณะนักร้องประสานเสียงมีบทบาทสำคัญ: เขาแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับการกระทำ แสดงทัศนคติ ในขณะที่ขุดค้นนักโบราณคดีพบเครื่องดนตรีที่ง่ายที่สุด (เช่น เครื่องเป่า - กระดูกสัตว์ที่มีรูเจาะ) และพิจารณาว่า ที่พวกเขาสร้างขึ้นเมื่อประมาณสี่หมื่นปีที่แล้ว ดังนั้นศิลปะดนตรีจึงมีอยู่แล้ว หลังจากเครื่องเล่นแผ่นเสียงถูกประดิษฐ์ขึ้นในปี 1877 ซึ่งเป็นอุปกรณ์เครื่องแรกสำหรับการบันทึกเสียงและการสร้างเสียง นักดนตรี-นักวิจัยเริ่มเดินทางไปยังมุมต่างๆ ของโลก ซึ่งชนเผ่าบางกลุ่มยังคงมีวิถีชีวิตแบบดึกดำบรรพ์ จากตัวแทนของชนเผ่าดังกล่าวด้วยความช่วยเหลือของเครื่องเล่นแผ่นเสียง พวกเขาบันทึกตัวอย่างการร้องเพลงและดนตรีบรรเลง แต่การบันทึกดังกล่าวให้ความคิดโดยประมาณว่าดนตรีเป็นอย่างไรในสมัยโบราณ คำว่า "ลำดับเหตุการณ์" (หมายถึง "ลำดับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ในช่วงเวลา") มาจากคำภาษากรีกสองคำ - "chronos" ("เวลา") และ "logos" ("หลักคำสอน") 1 คำภาษาละติน "antiguus" หมายถึง "โบราณ" คำว่า "โบราณ" ที่ได้มาจากคำนี้หมายถึงประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของกรีกโบราณและโรมโบราณ 2 2 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียตามการกระทำของวีรบุรุษ นักดนตรีสมัยใหม่มีข้อมูลบางอย่างเกี่ยวกับดนตรีใน โลกโบราณ และยังอิจฉานักประวัติศาสตร์ศิลปะอื่นๆ สำหรับอนุสรณ์สถานสถาปัตยกรรมโบราณอันงดงามจำนวนมาก ศิลปกรรมโบราณโดยเฉพาะประติมากรรมได้รับการเก็บรักษาไว้ มีการพบต้นฉบับจำนวนมากพร้อมข้อความโศกนาฏกรรมและเรื่องขบขันโดยนักเขียนบทละครโบราณผู้ยิ่งใหญ่ แต่งานดนตรีที่สร้างขึ้นในยุคเดียวกันและหลังจากนั้นยังไม่เป็นที่รู้จักสำหรับเรา ทำไมมันถึงเกิดขึ้น? ความจริงก็คือว่ามันกลายเป็นงานที่ยากมากในการคิดค้นระบบโน้ตดนตรี (สัญกรณ์) ที่แม่นยำและสะดวกเพียงพอซึ่งเป็นระบบที่คุณแต่ละคนเชี่ยวชาญเมื่อคุณเพิ่งเริ่มเรียนดนตรี ใช้เวลาหลายศตวรรษในการแก้ปัญหา จริงอยู่ ชาวกรีกโบราณได้ประดิษฐ์สัญกรณ์อักษรขึ้น พวกเขากำหนดขั้นตอนของโหมดดนตรีด้วยตัวอักษรบางตัว แต่ไม่ได้เพิ่มสัญญาณจังหวะ (จากขีดกลาง) เสมอไป ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 19 นักวิทยาศาสตร์ได้ไขความลับของสัญกรณ์นี้ในที่สุด อย่างไรก็ตาม หากพวกเขาสามารถถอดรหัสอัตราส่วนของเสียงต่อความสูงในต้นฉบับดนตรีกรีกโบราณได้อย่างแม่นยำ อัตราส่วนในระยะเวลาก็จะประมาณเท่านั้น ยิ่งกว่านั้น ยังพบต้นฉบับดังกล่าวน้อยมาก และมีบันทึกของงานโมโนโฟนิกเพียงไม่กี่ชิ้น (เช่น เพลงสวด) และบ่อยครั้งกว่านั้น - ชิ้นส่วนของพวกเขา ทัศนวิสัยเพียงพอ ดังนั้นนักดนตรีจึงใช้ไอคอนคำใบ้เสริมมานานแล้ว ไอคอนเหล่านี้วางอยู่เหนือคำในบทสวดและแสดงถึงเสียงเดี่ยวหรือเสียงกลุ่มย่อย พวกเขาไม่ได้ระบุอัตราส่วนที่แน่นอนของเสียงทั้งในด้านความสูงและระยะเวลา แต่ด้วยคำจารึกของพวกเขา พวกเขาเตือนผู้แสดงถึงทิศทางของท่วงทำนองซึ่งรู้ด้วยใจและส่งต่อจากรุ่นสู่รุ่น ในประเทศทางตะวันตกและยุโรปกลาง ซึ่งจะมีการกล่าวถึงดนตรีในตำราเล่มนี้ในภายหลัง ไอคอนดังกล่าวเรียกว่า neumes neumes ใช้ในการบันทึกเพลงสวดพิธีกรรมคาทอลิกโบราณ - บทสวดเกรกอเรียน ชื่อสามัญนี้ได้มาจากชื่อของ Pope Gregory I3 ตามตำนานในตอนท้ายของศตวรรษที่ 6 เขาได้รวบรวมคอลเลคชันหลักของบทสวดแบบโมโนโฟนิกเหล่านี้ ตั้งใจจะแสดงเฉพาะผู้ชายและเด็กผู้ชายในระหว่างการรับใช้ในโบสถ์ - เดี่ยวและพร้อมเพรียงกันโดยคณะนักร้องประสานเสียง พวกเขาเขียนด้วยข้อความสวดมนต์ภาษาละติน แต่ในศตวรรษที่ 11 นักบวชชาวอิตาลี Guido d'Arezzo ("จาก Arezzo") ได้คิดค้นวิธีใหม่ในการจดบันทึก เขาสอนเด็กๆ ร้องเพลงในอารามและต้องการให้พวกเขาจำบทสวดทางจิตวิญญาณได้ง่ายขึ้น เมื่อถึงเวลานั้น neumas ก็เริ่มถูกวางไว้ เส้นแนวนอน ด้านบนและด้านล่าง บรรทัดนี้สอดคล้องกับเสียงเฉพาะหนึ่งเสียง ดังนั้นจึงตั้งค่าระดับเสียงโดยประมาณของการบันทึก และกุยโดก็เกิดความคิดที่จะวาดเส้นขนานสี่เส้นพร้อมกัน ("ไม้บรรทัด") ในระยะห่างที่เท่ากันจากกัน และวางนิวเมสบนเส้นทั้งสองและระหว่างเส้นทั้งสอง นี่คือวิธีที่บรรพบุรุษของนักดนตรีสมัยใหม่เกิดขึ้น - ผืนผ้าใบที่มีเส้นอย่างเคร่งครัดซึ่งทำให้สามารถระบุอัตราส่วนความสูงของเสียงตามเสียงและเซมิโทนได้อย่างแม่นยำ และในขณะเดียวกัน โน้ตดนตรีก็กลายเป็นภาพที่มองเห็นได้มากขึ้น เช่น ภาพวาดที่แสดงการเคลื่อนไหวของเมโลดี้ ความโค้งของมัน เสียงที่สอดคล้องกับผู้ปกครอง Guido กำหนดตัวอักษรของตัวอักษรละติน ต่อมาคำจารึกของพวกเขาก็เริ่มเปลี่ยนไปและกลายเป็นสัญญาณซึ่งเรียกว่ากุญแจในที่สุด และในที่สุด neumes "นั่ง" บนไม้บรรทัดและระหว่างพวกเขาก็กลายเป็นโน้ตแยกต่างหากซึ่งหัวแรกมีรูปร่างเป็นสี่เหลี่ยม คำถามและภารกิจ 1 . นักวิทยาศาสตร์กล่าวว่าเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดถูกสร้างขึ้นเมื่อใด มันพูดว่าอะไร? 2. เครื่องเล่นแผ่นเสียงคืออะไร ประดิษฐ์ขึ้นเมื่อใด และนักวิจัยเริ่มใช้มันอย่างไร? 3. เกี่ยวกับดนตรีของประเทศใดในโลกโบราณ ข้อมูลส่วนใหญ่ได้รับการเก็บรักษาไว้? กำหนดบนแผนที่ - รอบทะเลสามประเทศดังกล่าว 4. การแข่งขันดนตรีโบราณ - เกม Pythian - เริ่มจัดขึ้นเมื่อใดและที่ไหน 5. ดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะใดในสมัยกรีกโบราณ? 6. ชาวกรีกโบราณประดิษฐ์สัญกรณ์อะไร? ไม่ถูกต้องอย่างไร? ชื่อ "สมเด็จพระสันตะปาปาแห่งกรุงโรม" จัดขึ้นโดยนักบวชซึ่งเป็นหัวหน้าคริสตจักรคาทอลิกในฐานะองค์กรทางจิตวิญญาณระหว่างประเทศ ศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกเป็นหนึ่งในลัทธิคริสเตียนพร้อมกับนิกายออร์ทอดอกซ์และนิกายโปรเตสแตนต์ 4 ชาวโรมันโบราณพูดภาษาละติน หลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิโรมันในปี 476 ภาษาละตินก็ค่อยๆ หยุดพูด จากนั้นภาษาโรมานซ์ที่เรียกว่า - อิตาลี, ฝรั่งเศส, สเปน, โปรตุเกส 3 วิธีสร้างสัญกรณ์ที่สะดวกขึ้นในยุคกลาง (จุดเริ่มต้นของช่วงเวลาประวัติศาสตร์นี้ถือเป็นคริสต์ศตวรรษที่ 6) สัญกรณ์จดหมายเกือบจะถูกลืม 3 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ข่าวลือเกี่ยวกับวิธีใหม่ในการเขียน - เช่นเดียวกับปาฏิหาริย์ - ถึง Pope John XIX เขาเรียก Guido มาหาตัวเองและร้องเพลงที่เขาไม่รู้จักตามการบันทึกที่ประดิษฐ์ขึ้น ในอนาคตจำนวนผู้ปกครองคู่ขนานเปลี่ยนไปหลายครั้งเกิดขึ้น - เพิ่มขึ้นเป็นสิบแปด ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 พนักงานห้าสายในปัจจุบันเท่านั้นที่ "ชนะ" นอกจากนี้ยังใช้คีย์ต่าง ๆ มากมาย เฉพาะในศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่เสียงแหลมและเสียงเบสกลายเป็นเสียงที่พบได้บ่อยที่สุด หลังจากการประดิษฐ์ของ Guido d'Arezzo งานยากอีกชิ้นหนึ่งก็ได้รับการแก้ไขเป็นเวลานาน - วิธีปรับปรุงสัญกรณ์เพื่อระบุอัตราส่วนที่แน่นอนของเสียงไม่เพียง แต่ในความสูง แต่ยังรวมถึงระยะเวลาด้วย หลังจากนั้นไม่นานพวกเขาก็นึกถึง โดยใช้สัญลักษณ์ทางดนตรีสำหรับสิ่งนี้ซึ่งมีรูปร่างแตกต่างกัน กฎดั้งเดิมหลายข้อถูกเพิ่มเข้ามาในตอนแรก ทำให้ยากต่อการนำไปใช้จริง และตลอดหลายศตวรรษ ได้มีการพัฒนาสัญกรณ์ที่สะดวกขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งเป็นสิ่งที่เราทำต่อไป เพื่อใช้ตอนนี้ หลังจากเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 17 ก็มีการปรับปรุงเฉพาะในรายละเอียดเท่านั้น และหลักจังหวะของมันซึ่งได้รับการแสวงหามาเป็นเวลานาน บัดนี้ดูเหมือนจะง่ายที่สุดในบรรดาทั้งหมด ประกอบด้วยข้อเท็จจริงที่ว่าโน้ตทั้งหมด ในระยะเวลาเท่ากับสองซีกเสมอ - รูปแบบต่างกัน หนึ่งครึ่ง - สองในสี่ หนึ่งส่วนสี่ - สองส่วนแปด และอื่น ๆ ที่แถบเส้นเริ่มแยกแถบในศตวรรษที่ 16 และขนาดที่จุดเริ่มต้นของ โน้ตดนตรีถูกระบุตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 โดยไม่ล้มเหลว อย่างไรก็ตามในเวลานั้นไม่เพียง แต่มีต้นฉบับดนตรีเท่านั้น แต่ยังพิมพ์โน้ตด้วย สำหรับการพิมพ์เพลงเริ่มขึ้นไม่นานหลังจากการประดิษฐ์การพิมพ์ - ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 ในโลกยุคโบราณและเป็นเวลานานในยุคกลาง ดนตรีเป็นแบบโมโนโฟนิก มีข้อยกเว้นเล็กน้อยเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ตัวอย่างเช่น นักร้องแสดงเพลงและพากย์เสียง (นั่นคือ เล่นไปพร้อมกัน) ในขณะที่เล่นเครื่องดนตรี ในเวลาเดียวกัน เสียงและเครื่องดนตรีบางครั้งอาจแยกย้ายกันไปเล็กน้อย เบี่ยงเบนจากกันและกัน และกลับมาบรรจบกันอีกครั้งในไม่ช้า ดังนั้นในกระแสเสียงแบบโมโนโฟนิก "เกาะ" ของสองเสียงจึงเกิดขึ้นและหายไป แต่ในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษที่หนึ่งและสองของยุคของเรา คลังเพลงโพลีโฟนิกเริ่มพัฒนาอย่างต่อเนื่องและต่อมาก็มีความโดดเด่นในด้านศิลปะดนตรีระดับมืออาชีพ การก่อตัวที่ซับซ้อนและยาวนานนี้มุ่งเน้นไปที่ดนตรีของคริสตจักรคาทอลิกเป็นหลัก กรณีเริ่มต้นด้วยการประดิษฐ์ (โดยใคร - ไม่ทราบ) ของเทคนิคต่อไปนี้ นักร้องคนหนึ่ง (หรือนักร้องหลายคน) แสดงเสียงหลัก - ท่วงทำนองช้าๆ ของเพลงเกรกอเรียน และเสียงที่สองก็เคลื่อนที่ขนานกันอย่างเคร่งครัด - ในจังหวะเดียวกันตลอดเวลาที่ระยะห่างของอ็อกเทฟหรือควอร์ตหรือควินท์ ตอนนี้ในหูของเรามันฟังดูแย่มาก "ว่างเปล่า" แต่เมื่อพันปีที่แล้ว การร้องเพลงเช่นนี้ที่ก้องอยู่ใต้ซุ้มประตูโบสถ์ วิหาร รู้สึกทึ่งและยินดีเป็นอย่างยิ่ง ได้เปิดโอกาสใหม่ทางการแสดงออกทางดนตรี หลังจากนั้นไม่นาน นักดนตรีของโบสถ์ก็เริ่มมองหาวิธีการที่ยืดหยุ่นและหลากหลายมากขึ้นในการนำเสียงที่สอง จากนั้นพวกเขาก็เริ่มรวมเสียงสามสี่เสียงอย่างชำนาญมากขึ้นเรื่อย ๆ บางครั้งก็มีเสียงมากขึ้น คำถามและภารกิจ 1 . อะไรไม่สะดวกในการเขียนจดหมายแบบฝึกหัด? 2. Neumes แนะนำอะไรให้กับนักร้องในยุคกลาง 3. บทสวดเกรกอเรียนคืออะไรและทำไมจึงเรียกเช่นนั้น? 4. อธิบายสาระสำคัญของการประดิษฐ์ของ Guido d'Arezzo 5. อะไรคืองานต่อไปที่จะต้องแก้ไขหลังจากการประดิษฐ์ของ Guido 6. ตั้งแต่เมื่อใดสัญลักษณ์ไม่เปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญอีกต่อไป Perotyn นักดนตรีของโบสถ์เขาเป็นตัวแทนที่โดดเด่นในการร้องเพลง ศิลปะ - "School of Notre Dame" ของปารีส ("School of Our Lady") เสียงสวดของ Perotin ดังขึ้นในอาคารที่มีความงามโดดเด่นนี่คืออนุสาวรีย์สถาปัตยกรรมโกธิคยุคกลางที่มีชื่อเสียงซึ่งอธิบายโดยชาวฝรั่งเศส นักเขียนคนที่ 19ศตวรรษ โดย Victor Hugo ในนวนิยายเรื่อง Notre Dame Cathedral อันโด่งดัง โพลีโฟนีเริ่มพัฒนาในดนตรีได้อย่างไร โพลีโฟนีเริ่มพัฒนาอย่างไร แปลจากภาษากรีก คำนี้แปลว่า "โพลีโฟนี" แต่โพลีโฟนีเรียกว่าโพลีโฟนีชนิดนี้เท่านั้น ซึ่งเสียงที่เท่ากันตั้งแต่ 2 เสียงขึ้นไปจะฟังพร้อมกัน โดยแต่ละเสียงมีแนวเสียงที่เป็นอิสระจากกัน หากเสียงหนึ่งนำไปสู่ท่วงทำนองหลักในขณะที่เสียงอื่น ๆ รองลงมา (ติดตามไปพร้อมกับมัน) นี่คือคำพ้องเสียง - อีกเสียงหนึ่ง ด้วยการปรับปรุงสัญกรณ์ทีละน้อยโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากศตวรรษที่ 13 ต้นฉบับดนตรีเริ่มมีมากขึ้น และถอดรหัสได้แม่นยำยิ่งขึ้น สิ่งนี้ทำให้เป็นไปได้ที่จะทำความคุ้นเคยกับข้อมูลเกี่ยวกับวัฒนธรรมดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีในยุคก่อนด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ความสำเร็จของสัญกรณ์เกิดขึ้นพร้อมกับจุดเริ่มต้นของการพัฒนาโพลีโฟนีซึ่งเป็นขั้นตอนสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี 4 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย มวลชนได้กลายเป็นแนวดนตรีที่สำคัญ พิธีมิสซาสามัญ 5 ประกอบด้วยบทสวดหลัก 6 บทสำหรับข้อความละตินที่ให้ข้อคิดทางวิญญาณ เหล่านี้คือ “Kiriyo Eleison” (“องค์พระผู้เป็นเจ้า โปรดเมตตา”) “Gloria” (“Glory”) “Credo” (“ฉันเชื่อ”) “Sanctus” (“ศักดิ์สิทธิ์”) “Benedictus” (“มีความสุข” ) และ “ Agnus Dei” (“ลูกแกะของพระเจ้า”) ในขั้นต้น บทสวดเกรกอเรียนฟังเป็นเสียงเดียวในฝูง แต่เมื่อประมาณศตวรรษที่ 15 มวลได้กลายเป็นวงจรของชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน 6 ในขณะเดียวกันก็เริ่มมีการใช้การเลียนแบบอย่างชำนาญ แปลจากภาษาละติน "imitatio" แปลว่า "เลียนแบบ" ในดนตรี บางครั้งเราสามารถเลียนเสียงดนตรีพิเศษได้ เช่น เสียงนกไนติงเกล เสียงนกกาเหว่า เสียงคลื่นทะเล จากนั้นเรียกว่าคำเลียนเสียงธรรมชาติหรือคำเลียนเสียงธรรมชาติ และการเลียนแบบในดนตรีเป็นเทคนิคเมื่อหลังจากท่วงทำนองลงท้ายด้วยเสียงหนึ่งแล้ว อีกเสียงหนึ่ง (หรือไม่ถูกต้องนัก) จะทำซ้ำจากเสียงอื่น เสียงอื่นอาจเข้าทางเดียวกัน ในดนตรีโฮโมโฟนิก การลอกเลียนแบบอาจปรากฏในช่วงสั้นๆ และในเพลงโพลีโฟนิก นี่เป็นหนึ่งในวิธีการหลักในการพัฒนา ช่วยให้การเคลื่อนไหวไพเราะเกือบจะต่อเนื่อง: การหยุดและจังหวะพร้อมกันในทุกเสียงเกิดขึ้นในดนตรีโพลีโฟนิกเท่านั้น ในรูปแบบของข้อยกเว้นที่หายาก7 เมื่อรวมการเลียนแบบเข้ากับอุปกรณ์โพลีโฟนิกอื่น ๆ นักแต่งเพลงทำให้มวลชนของพวกเขามีขนาดใหญ่ งานร้องเพลงซึ่งสี่หรือห้าเสียงประสานกันเป็นโครงสร้างเสียงที่ซับซ้อน ในนั้นท่วงทำนองของบทสวดเกรกอเรียนนั้นยากที่จะแยกแยะและยากที่จะได้ยินคำอธิษฐาน มีแม้กระทั่งมวลชนที่ใช้ท่วงทำนองของเพลงฆราวาสยอดนิยมเป็นเพลงหลัก สถานการณ์นี้ทำให้ผู้มีอำนาจสูงสุดฝ่ายวิญญาณคาทอลิกกังวลใจ ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 16 โดยทั่วไปจะห้ามการร้องเพลงแบบโพลีโฟนิกในระหว่างการรับใช้ในโบสถ์ แต่การห้ามดังกล่าวไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจาก Palestrina นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นซึ่งใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในกรุงโรมและอยู่ใกล้กับศาลของสันตะปาปา (ของเขา ชื่อเต็ม- Giovanni Pierluigi da Palestrina นั่นคือ "จาก Palestrina" - เมืองเล็ก ๆ ใกล้กรุงโรม) Palestrina พร้อมด้วยมวลชนของเขา (และเขาเขียนมากกว่าร้อยคน) จัดการการปรากฏตัวของพฤกษ์ เนื่องจากดนตรีประกอบมีพื้นฐานคอร์ดฮาร์มอนิก คลังสินค้าโฮโมโฟนิกของการนำเสนอทางดนตรีจึงเรียกอีกอย่างว่าโฮโมโฟนิก-ฮาร์มอนิก คำถามและภารกิจ 1 . ตั้งแต่เมื่อใดที่ต้นฉบับดนตรีถอดรหัสได้แม่นยำมากขึ้นเรื่อยๆ 2. ความสำเร็จครั้งใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรีมีความสำคัญอย่างไร? 3. เมื่อใดในดนตรีประเภทใดและบนพื้นฐานของท่วงทำนองใดที่โพลีโฟนีค่อยๆ ก่อตัวขึ้น? 4. เสียงคู่ขนานคืออะไร? ร้องเพลงคู่ขนาน สี่ ห้า และอ็อกเทฟหลายคู่พร้อมกัน 5. ความแตกต่างระหว่างโพลีโฟนีและโฮโมโฟนีคืออะไร? การพัฒนาอย่างต่อเนื่องของโพลีโฟนี ในขณะที่โพลีโฟนีเริ่มพัฒนาในการร้องเพลงในโบสถ์ โมโนโฟนียังคงครอบงำในดนตรีฆราวาส ตัวอย่างเช่น การบันทึกเพลงโมโนโฟนิกหลายเพลงซึ่งแต่งและแสดงโดยกวี-นักร้องยุคกลางในศตวรรษที่ 12-14 ได้รับการถอดรหัส ทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในโพรวองซ์พวกเขาถูกเรียกว่า troubadours ทางตอนเหนือของฝรั่งเศส - trouvers ในเยอรมนี - minnesingers หลายคนเป็นอัศวินที่มีชื่อเสียงและในเพลงของพวกเขามักจะร้องเพลงเกี่ยวกับความงามและคุณธรรมของ "ผู้หญิงสวย" ที่พวกเขาบูชา ท่วงทำนองของเพลงของกวี - นักร้องเหล่านี้มักใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านรวมถึงการเต้นรำและจังหวะจะรองลงมาจากจังหวะของข้อความบทกวี ต่อมาในศตวรรษที่ XIV-XVI กวีนักร้องชาวเยอรมันจากบรรดาช่างฝีมือรวมกันในเวิร์กช็อปเรียกตัวเองว่า Meistersingers ("นักร้องหลัก") โพลีโฟนีของโบสถ์และโมโนโฟนีเพลงฆราวาสไม่ได้แยกออกจากกัน ดังนั้นใน เสียงที่เพิ่มเข้ามาในบทสวดทางจิตวิญญาณในบทสวดเกรกอเรียน อิทธิพลของเพลงฆราวาส (เช่น เพลงของคณะนักร้องและคณะละคร) กลายเป็นสิ่งที่สังเกตได้ชัดเจน ในขณะเดียวกัน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 13 งานโพลีโฟนิกทางโลกล้วน ๆ ก็ปรากฏในฝรั่งเศส โดยที่ฝ่ายต่างๆ ของเสียงทั้งหมดใช้ท่วงทำนองของตัวละครในเพลง และข้อความไม่ได้แต่งเป็นภาษาละติน แต่เป็นภาษาฝรั่งเศส เมื่อเวลาผ่านไป ในคาธอลิก เพลงคริสตจักรส่วนใหญ่ยังมีพิธีมิสซาพิเศษสำหรับวันหยุดของคริสตจักรอีกด้วย จำได้ว่าวัฏจักรเป็นผลงานของหลายส่วน (หรือบทละคร) ที่แยกจากกันซึ่งรวมเป็นหนึ่งด้วยแนวคิดเดียวกัน 7 Cadence (จังหวะ) คือเทิร์นที่ไพเราะและฮาร์มอนิกที่ทำให้ดนตรีทั้งหมดหรือส่วนของดนตรีสมบูรณ์ 5 6 5 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียเพื่อพิสูจน์ว่าการประพันธ์เพลงแบบโพลีโฟนิกสามารถฟังได้อย่างโปร่งใสและสามารถได้ยินข้อความประกอบพิธีกรรมได้อย่างชัดเจน เพลงของ Palestrina เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของการร้องเพลงประสานเสียงแบบโบราณที่เรียกว่าสไตล์ที่เข้มงวด มันพาเราไปสู่โลกแห่งการไตร่ตรองอันประเสริฐที่รู้แจ้ง - ราวกับว่ามันแผ่รัศมีที่สม่ำเสมอและสงบ กวี นักดนตรี นักวิทยาศาสตร์และผู้รักศิลปะ พวกเขาถูกพาไปโดยความคิดในการสร้างรูปแบบใหม่ของการแสดงออก ร้องเพลงเดี่ยวพร้อมดนตรีประกอบและผสมผสานกับการแสดงละคร นี่คือที่มาของโอเปร่าเรื่องแรกซึ่งนำมาจากตำนานโบราณ เรื่องแรกคือ "Daphne" แต่งโดยนักแต่งเพลง Jacopo Peri (ร่วมกับ Y. Korea) และกวี O. Rinuccini มีการแสดงในปี ค.ศ. 1597 ในเมืองฟลอเรนซ์ (งานโดยรวมไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้) ในตำนานกรีกโบราณ Daphne เป็นลูกสาวของ Ladon เทพแห่งแม่น้ำและ Gaia เทพธิดาแห่งโลก หนีจากการประหัตประหารของอพอลโลเธอสวดอ้อนวอนขอความช่วยเหลือจากเหล่าทวยเทพและกลายเป็นลอเรล (ในภาษากรีก "แดฟนี" - "ลอเรล") - ต้นไม้ศักดิ์สิทธิ์ของอพอลโล เนื่องจากอพอลโลได้รับการพิจารณาให้เป็นเทพเจ้าผู้อุปถัมภ์ของศิลปะ ผู้ชนะของ Pythian Games จึงได้รับการสวมมงกุฎด้วยพวงหรีดลอเรลซึ่งผู้ก่อตั้งถือเป็นอพอลโล พวงหรีดลอเรลและลอเรลอีกกิ่งหนึ่งได้กลายเป็นสัญลักษณ์แห่งชัยชนะ ความรุ่งโรจน์ และรางวัล โอเปร่าอีกสองเรื่องที่แต่งขึ้นในปี 1600 (เรื่องหนึ่งโดย J. Peri และอีกเรื่องโดย G. Caccini) ต่างก็เรียกว่า "Eurydice" เพราะทั้งคู่ใช้ข้อความบทกวีเดียวกันตามตำนานกรีกโบราณของ Orpheus นักร้องในตำนาน การแสดงโอเปร่าครั้งแรกของอิตาลีแสดงในพระราชวังและบ้านของผู้สูงศักดิ์ วงออร์เคสตราประกอบด้วยเครื่องดนตรีโบราณสองสามชิ้น นำโดยนักดนตรีที่เล่น cembalo (ชื่อภาษาอิตาลีสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด) ยังไม่มีการทาบทาม และเริ่มการแสดงด้วยการเป่าแตร และในส่วนของเสียงร้องก็มีชัยซึ่งการพัฒนาทางดนตรีนั้นด้อยกว่าข้อความบทกวี อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้า ดนตรีก็เริ่มมีความสำคัญและเป็นอิสระมากขึ้นในโอเปร่า นี่คือข้อดีของนักแต่งเพลงโอเปร่าที่โดดเด่นคนแรก - Claudio Monteverdi โอเปร่าเรื่องแรกของเขา - "Orpheus" - จัดแสดงในปี 1607 ที่เมือง Mantua ฮีโร่ของเธอคือนักร้องในตำนานคนเดิมอีกครั้งที่เอาใจ Hades เทพเจ้าแห่งยมโลกด้วยศิลปะของเขา ดินแดนแห่งความตายและเขาได้ปล่อย Eurydice ภรรยาสุดที่รักของ Orpheus สู่โลก แต่เงื่อนไขของฮาเดส - ก่อนออกจากอาณาจักรของเขาอย่ามองยูริไดซ์ - ออร์ฟัสละเมิดและสูญเสียเธอไปตลอดกาล นี้ เรื่องเศร้าเพลงของ Monteverdi ให้ความหมายที่ไพเราะและน่าทึ่งอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ท่อนร้องประสานเสียงตอนของวงออเคสตรามีความหลากหลายมากขึ้นตามธรรมชาติใน Orpheus ของ Monteverdi ในผลงานชิ้นนี้ ท่วงทำนองอันไพเราะเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้น ซึ่งเป็นลักษณะเด่นที่สำคัญที่สุดของดนตรีโอเปร่าอิตาลี ตามแบบอย่างของฟลอเรนซ์ โอเปร่าเริ่มแต่งและแสดงไม่เพียงแต่ในเมืองมันตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเมืองต่างๆ ของอิตาลี เช่น โรม เวนิส และเนเปิลส์ด้วย ความสนใจในแนวเพลงใหม่เริ่มปรากฏขึ้นในแนวอื่นๆ ประเทศในยุโรปอา และคำถามและงานของพวกเขา 1 . ใครคือ troubadours, trouvers, minnesingers และ mastersingers? 2. มีความเกี่ยวข้องกันระหว่างโพลีโฟนีของโบสถ์โบราณกับท่วงทำนองเพลงฆราวาสหรือไม่? 3. ตั้งชื่อส่วนหลักของมวลธรรมดา 4. ยกตัวอย่างคำเลียนเสียงธรรมชาติวิทยาในดนตรี 5. อะไรเรียกว่าการเลียนแบบในดนตรี? 6. ปาเลสตรินาประสบความสำเร็จอะไรในฝูงของเขา? กำเนิดโอเปร่า Oratorio และ Cantata ก่อนต้นศตวรรษที่ 17 - ศตวรรษแรกของยุคประวัติศาสตร์ที่เรียกว่ายุคใหม่ - เหตุการณ์ที่มีความสำคัญอย่างยิ่งเกิดขึ้นในศิลปะดนตรี: โอเปร่าถือกำเนิดในอิตาลี ดนตรีถูกนำมาใช้ในการแสดงละครต่าง ๆ ตั้งแต่สมัยโบราณ ในนั้นพร้อมกับหมายเลขเครื่องดนตรีและการร้องประสานเสียงสามารถแสดงเดี่ยวของเสียงเดี่ยวเช่นเพลงได้ และในโอเปร่านักร้องและนักร้องก็กลายเป็นนักแสดง การร้องเพลงของพวกเขาร่วมกับวงออเคสตราร่วมกับการแสดงบนเวทีเริ่มถ่ายทอดเนื้อหาหลักของการแสดง ครบครันด้วยทิวทัศน์ เครื่องแต่งกาย และมักจะเต้นบัลเลต์ด้วย ดังนั้น ในโอเปร่า ดนตรีจึงนำไปสู่ชุมชนที่ใกล้ชิดของศิลปะต่างๆ สิ่งนี้เปิดโอกาสทางศิลปะใหม่ๆ ให้กับเธอ นักร้องโอเปร่าและนักร้องหญิงเริ่มส่งส่วนบุคคล ความรู้สึกของจิตวิญญาณ ผู้คน - ทั้งสุขและเศร้า ในเวลาเดียวกัน วิธีการแสดงออกที่สำคัญที่สุดในโอเปร่าคือการผสมผสานระหว่างเสียงร้องเพลงเดี่ยวกับเสียงดนตรีประกอบแบบออร์เคสตรา และถ้าจนถึงศตวรรษที่ 17 ดนตรีอาชีพในยุโรปตะวันตกพัฒนาขึ้นในโบสถ์เป็นส่วนใหญ่ และมวลชนเป็นประเภทที่ใหญ่ที่สุด โรงละครดนตรีก็กลายเป็นศูนย์กลางหลัก และประเภทที่ใหญ่ที่สุดคือโอเปร่า ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 ในเมืองฟลอเรนซ์ของอิตาลี วงกลม 6 ได้รวบรวม www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะในรัสเซีย ผู้ปกครองถือเป็นธรรมเนียมในการเชิญนักดนตรีชาวอิตาลีมารับราชการในศาล สิ่งนี้มีส่วนทำให้ดนตรีอิตาลีมีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรปเป็นเวลานาน ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 มีการแสดงโอเปร่าประจำชาติของตัวเองซึ่งแตกต่างจากโอเปร่าของอิตาลี ผู้ก่อตั้งคือ Jean-Baptiste L yul l และ - ชาวอิตาลีโดยกำเนิด อย่างไรก็ตามเขารู้สึกถึงลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมฝรั่งเศสได้อย่างถูกต้องและสร้างสไตล์โอเปร่าแบบฝรั่งเศส ในโอเปร่าของ Lully บทบรรยายและบทบรรยายขนาดเล็กในลักษณะบทบรรยายนั้นครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่และในทางกลับกันการเต้นบัลเลต์การเดินขบวนอันเคร่งขรึมและการประสานเสียงที่ยิ่งใหญ่ เมื่อรวมกับโครงเรื่องในตำนานเครื่องแต่งกายที่งดงามการพรรณนาถึงปาฏิหาริย์ที่มีมนต์ขลังด้วยความช่วยเหลือของเครื่องจักรการแสดงละครทั้งหมดนี้สอดคล้องกับความเฉลียวฉลาดและความงดงามของชีวิตในราชสำนักในรัชสมัยของกษัตริย์หลุยส์ที่ 14 แห่งฝรั่งเศส โอเปร่าเรื่องแรกในเยอรมนี Daphne (1627) สร้างขึ้นโดย Heinrich Schüttz นักแต่งเพลงชาวเยอรมันที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคก่อน Bach แต่เพลงของเธอยังไม่รอด และไม่มีเงื่อนไขสำหรับการพัฒนาประเภทโอเปร่าในประเทศ: พวกเขาเริ่มเป็นรูปเป็นร่างเมื่อเริ่มศตวรรษที่ 19 เท่านั้น และในงานของชูตซ์สถานที่หลักนั้นถูกครอบครองโดยการแต่งเพลงประกอบเสียงที่แสดงออกมาในข้อความทางจิตวิญญาณ ในปี ค.ศ. 1689 โอเปร่าภาษาอังกฤษเรื่องแรก Dido and Aeneas โดยนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์อย่าง Henry Purcell ได้เปิดการแสดงในลอนดอน ดนตรีของโอเปร่านี้มีเสน่ห์ด้วยเนื้อเพลงที่กินใจ บทกวีแฟนตาซี และภาพชีวิตประจำวันที่มีสีสัน อย่างไรก็ตาม หลังจากการมรณกรรมของ Purcell เป็นเวลาเกือบสองศตวรรษแล้ว ไม่มีนักประพันธ์ดนตรีที่โดดเด่นในหมู่นักแต่งเพลงชาวอังกฤษ ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พร้อมกับโอเปร่าและในอิตาลี o r at o r y และ cant ata ถือกำเนิดขึ้น มันคล้ายกับโอเปร่าตรงที่ศิลปินเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียง และวงออร์เคสตรามีส่วนร่วมในการแสดงของพวกเขา และพวกเขายังเล่นเสียงอาเรีย บทบรรยาย เสียงชุดนักร้องประสานเสียง บทออเครสตร้า แต่ในโอเปร่าเราเรียนรู้เกี่ยวกับพัฒนาการของเหตุการณ์ (โครงเรื่อง) ไม่เพียง แต่จากสิ่งที่ศิลปินเดี่ยวร้องเท่านั้น แต่ยังมาจากสิ่งที่พวกเขาทำและสิ่งที่เกิดขึ้นโดยทั่วไปบนเวที และใน oratorio และ cantata การกระทำบนเวทีเลขที่ พวกเขาแสดงในคอนเสิร์ตโดยไม่มีเครื่องแต่งกายและฉาก แต่ก็มีความแตกต่างระหว่าง oratorio และ cantata แม้ว่าจะไม่ได้มีความชัดเจนเสมอไป โดยปกติ oratorio เป็นงานที่มีขนาดใหญ่ขึ้นและมีโครงเรื่องทางศาสนาที่พัฒนามากขึ้น มันมักจะมีตัวละครที่เป็นมหากาพย์ ในเรื่องนี้ บทบรรยายของนักร้อง-ผู้บรรยายมักจะรวมอยู่ใน oratorio oratorios ทางจิตวิญญาณประเภทพิเศษคือ "ความหลงใหล" หรือ "เฉยเมย" (แปลจากภาษาละติน - "ความทุกข์") "ความหลงใหล" บอกถึงความทุกข์ทรมานและการสิ้นพระชนม์ของพระเยซูคริสต์ซึ่งถูกตรึงบนไม้กางเขน 7 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Cantatas ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของข้อความทางวาจาแบ่งออกเป็นทางจิตวิญญาณและทางโลก ในศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 มี Cantatas แบบแชมเบอร์ขนาดเล็กจำนวนมากเกิดขึ้นในอิตาลี พวกเขาประกอบด้วยสองหรือสามบทสลับกับสองหรือสามเพลง ในเวลาต่อมา แคนทาทาที่มีลักษณะเคร่งขรึมเป็นส่วนใหญ่ก็แพร่หลายออกไป แคนทาทาทางจิตวิญญาณและ "ความหลงใหล" ของสิ่งก่อสร้างต่างๆ ได้รับการพัฒนามากที่สุดในเยอรมนี arias และมันน่าทึ่งมากที่ได้ปรับใช้การเคลื่อนไหวทางอัจฉริยะ ในมรดกของ Corelli และ Vivaldi สถานที่ขนาดใหญ่เป็นของประเภทโซนาตาสามคน ในโซนาตาสามส่วนใหญ่ ไวโอลินจะเล่นสองส่วนหลัก และส่วนที่สามเล่นด้วยฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกน โดยเสียงเบสจะเพิ่มเป็นสองเท่าด้วยเชลโลหรือบาสซูน ตามมาด้วยโซนาตาทั้งสาม โซนาตาสำหรับไวโอลินหรือเครื่องดนตรีอื่นๆ ที่มาพร้อมกับฮาร์ปซิคอร์ดก็ปรากฏขึ้น เช่นเดียวกับคอนแชร์โตกรอสโซ - คอนแชร์โตสำหรับวงออเคสตรา (เครื่องสายแรก) ผลงานหลายประเภทเหล่านี้มีลักษณะเฉพาะในรูปแบบของโซนาตาแบบเก่า โดยปกติจะเป็นวงจรสี่ส่วนที่มีอัตราส่วนจังหวะช้า-เร็ว-ช้า-เร็ว ต่อมาในศตวรรษที่ 18 Vivaldi เริ่มแต่งเพลง คอนเสิร์ตเดี่ยว สำหรับไวโอลินและเครื่องดนตรีอื่น ๆ ที่มีวงออร์เคสตราคลอ มีวงจรสามส่วน: "เร็ว-ช้า-เร็ว" คำถามและภารกิจ 1 . โอเปร่าเกิดที่ไหนและเมื่อไหร่? อธิบายว่าโอเปร่าแตกต่างจากการแสดงละครพร้อมดนตรีอย่างไร 2. วิธีการแสดงออกที่สำคัญที่สุดในดนตรีโอเปร่าคืออะไร? 3. โอเปร่าเรื่องแรกของ Claudio Monteverdi ชื่ออะไร และคุณสมบัติใดที่แสดงออกมาในดนตรีของมัน? 4. บอกเราเกี่ยวกับคุณลักษณะของอุปรากรฝรั่งเศสแบบเก่า 5. บอกชื่อโอเปร่าเรื่องแรกที่เขียนในเยอรมนีและโอเปร่าเรื่องแรกที่เขียนในอังกฤษ 6. อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่าง oratorio และ cantata จากโอเปร่า? 7. "ความหลงใหล" ("เฉยเมย") คืออะไร? แม้แต่ในอียิปต์โบราณ ออร์แกนก็เริ่มประวัติศาสตร์อันยาวนานหลายศตวรรษ เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 มันได้กลายเป็นเครื่องดนตรีที่ซับซ้อนมากและมีความเป็นไปได้ทางศิลปะที่หลากหลาย จากนั้นจะพบอวัยวะเล็กๆ ได้แม้ในบ้านส่วนตัว พวกเขาใช้สำหรับการฝึกซ้อมพวกเขาเล่นท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ และออร์แกนขนาดใหญ่ที่มีท่อเป็นแถวเป็นประกายพร้อมตัวไม้แกะสลัก ส่งเสียงเหมือนที่กำลังทำอยู่ในโบสถ์และวิหาร ทุกวันนี้ยังมีอวัยวะในคอนเสิร์ตฮอลล์หลายแห่ง ในอวัยวะสมัยใหม่มีท่อหลายพันท่อและแป้นพิมพ์ (คู่มือ) มากถึงเจ็ดตัวซึ่งอยู่เหนือบันไดอีกอันหนึ่ง มีหลายท่อเพราะแบ่งเป็นกลุ่ม-ลงทะเบียน รีจิสเตอร์จะเปิดและสลับด้วยคันโยกพิเศษเพื่อให้ได้สี (เสียงต่ำ) ของเสียงที่แตกต่างกัน อวัยวะยังติดตั้งแป้นเหยียบ นี่คือแป้นพิมพ์เท้าของแป้นขนาดใหญ่จำนวนมาก ด้วยการกดเท้า นักเล่นออร์แกนสามารถดึงและคงเสียงเบสได้นาน (เสียงต่อเนื่องดังกล่าวเรียกอีกอย่างว่าแป้นเหยียบหรือจุดออร์แกน) ในแง่ของความสมบูรณ์ของเสียงรำมะนา ถ้าเป็นไปได้ ให้เปรียบเทียบเปียโนที่เบาที่สุดกับฟอร์ติสซิโมที่ดังสนั่น ออร์แกนนี้ไม่มีความทัดเทียมกันในบรรดาเครื่องดนตรี ในศตวรรษที่ 17 ศิลปะออร์แกนได้รับความนิยมอย่างมากในเยอรมนี เช่นเดียวกับในประเทศอื่นๆ นักออร์แกนของโบสถ์ชาวเยอรมันเป็นทั้งนักแต่งเพลงและนักแสดง พวกเขาไม่เพียงแต่มาพร้อมกับบทสวดทางวิญญาณเท่านั้น แต่ยังแสดงเดี่ยวอีกด้วย ในหมู่พวกเขามีคนเก่งและนักด้นสดที่มีความสามารถหลายคนที่ดึงดูดผู้คนมากมายด้วยการเล่นของพวกเขา หนึ่งในสิ่งที่น่าทึ่งที่สุดคือ Dietrich Buxtehude Johann Sebastian Bach วัยเยาว์เดินทางมาจากเมืองอื่นเพื่อฟังการเล่นของเขา งานที่หลากหลายและกว้างขวางของ Buxtehude แสดงถึงประเภทดนตรีออร์แกนหลักในยุคนั้น ในแง่หนึ่ง สิ่งเหล่านี้คือโหมโรง จินตนาการ และดนตรีบรรเลงของศตวรรษที่ 17 ประเภทและรูปแบบของมัน เป็นเวลานาน การเล่นเครื่องดนตรีส่วนใหญ่มักจะเพิ่มเสียงเป็นสองเท่าในงานร้องหรือการเต้นรำประกอบ มีการจัดจำหน่ายการเรียบเรียงเสียงประสานด้วย การพัฒนาตนเอง เพลงบรรเลงทวีความรุนแรงขึ้นในศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ในเวลาเดียวกัน เทคนิคทางศิลปะที่พัฒนาขึ้นในเสียงร้องพฤกษ์ยังคงพัฒนาต่อไป พวกเขาเสริมแต่งด้วยองค์ประกอบของคลังสินค้าแบบโฮโมโฟนิก โดยอิงจากเพลงและการเต้นรำ ในเวลาเดียวกัน ความสำเร็จทางการแสดงออกของดนตรีโอเปร่าเริ่มมีอิทธิพลต่อการประพันธ์เพลง ไวโอลินพร้อมกับความสามารถพิเศษอันชาญฉลาดมีเสียงที่ไพเราะมาก และในบ้านเกิดของโอเปร่าในอิตาลี ดนตรีไวโอลินเริ่มประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 งานของ Arcangelo Corelli เจริญรุ่งเรืองและกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Antonio Vivaldi เริ่มขึ้น นักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นเหล่านี้สร้างผลงานเพลงมากมายโดยมีส่วนร่วมและมีบทบาทนำของไวโอลิน ในนั้น ไวโอลินสามารถร้องเพลงได้อย่างชัดเจนราวกับเสียงมนุษย์ในโอเปร่า 8 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย toccatas ในนั้นตอนโพลีโฟนิกสลับกันได้อย่างอิสระด้วยท่อนและคอร์ดแบบด้นสด ในทางกลับกัน สิ่งเหล่านี้เป็นชิ้นส่วนที่สร้างขึ้นอย่างเข้มงวดมากขึ้น ซึ่งนำไปสู่การเกิดขึ้นของความทรงจำ ซึ่งเป็นรูปแบบที่ซับซ้อนที่สุดของพฤกษ์เลียนแบบ Buxtehude ยังทำการดัดแปลงอวัยวะหลายอย่างของการร้องเพลงประสานเสียงของโปรเตสแตนต์ในรูปแบบของการร้องเพลงประสานเสียงโหมโรง ซึ่งแตกต่างจากบทสวดเกรกอเรียน นี่คือชื่อทั่วไปสำหรับบทสวดทางจิตวิญญาณที่ไม่ได้เป็นภาษาละติน แต่เป็นภาษาใน ภาษาเยอรมัน. สิ่งเหล่านี้ปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 16 เมื่อหลักคำสอนของคริสเตียนประเภทใหม่คือนิกายโปรเตสแตนต์แยกออกจากนิกายโรมันคาทอลิก พื้นฐานความไพเราะของเพลงโปรเตสแตนต์คือเพลงพื้นบ้านของเยอรมัน ในศตวรรษที่ 17 นักบวชนิกายโปรเตสแตนต์เริ่มบรรเลงโดยคณะนักร้องประสานเสียงโดยได้รับการสนับสนุนจากออร์แกน สำหรับการจัดเตรียมการร้องเพลงดังกล่าว คลังคอร์ดเสียงสี่เสียงที่มีเมโลดี้อยู่ในเสียงบนเป็นเรื่องปกติ ต่อจากนั้นคลังสินค้าดังกล่าวเรียกว่าการร้องเพลงแม้ว่าจะเกิดขึ้นในงานบรรเลงก็ตาม นักเล่นออร์แกนยังเล่นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายและแต่งเพลงให้กับพวกเขาด้วย ชื่อสามัญสำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้คือ clavier music8 ข้อมูลแรกเกี่ยวกับเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 14-15 เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 ฮาร์ปซิคอร์ดได้กลายเป็นสิ่งที่พบได้บ่อยที่สุดในบรรดาฮาร์ปซิคอร์ดเหล่านี้ ดังนั้นจึงเรียกว่าในฝรั่งเศสในอิตาลีเรียกว่า cembalo ในเยอรมนี - คีลฟลูเกลในอังกฤษ - ฮาร์ปซิคอร์ด ชื่อของเครื่องดนตรีขนาดเล็กในฝรั่งเศสคือ epinet ในอิตาลี - spinets ของอังกฤษ - the virginel ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นบรรพบุรุษของเปียโน ซึ่งเริ่มใช้ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 เมื่อคุณกดคีย์ของฮาร์ปซิคอร์ด ขนนกหรือลิ้นหนังซึ่งติดตั้งอยู่บนก้าน ดูเหมือนจะบีบสาย มันกระตุกเสียงดังและในขณะเดียวกันก็มีเสียงกรอบแกรบเล็กน้อย บนฮาร์ปซิคอร์ด ความแรงของเสียงไม่ได้ขึ้นอยู่กับความแรงของการเป่าคีย์ ดังนั้นจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะสร้าง crescendos และ diminuendos บนมัน - ซึ่งแตกต่างจากเปียโนซึ่งเป็นไปได้เนื่องจากการเชื่อมต่อคีย์ที่ยืดหยุ่นกว่าด้วยค้อนกระทบสาย ฮาร์ปซิคอร์ดอาจมีคีย์บอร์ดสองหรือสามตัวและอุปกรณ์ที่ช่วยให้คุณเปลี่ยนสีของเสียงได้ เสียงของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดขนาดเล็กอีกชนิดหนึ่ง - clavichord - นั้นอ่อนแอกว่าเสียงของฮาร์ปซิคอร์ด แต่ในทางกลับกัน clavichord สามารถเล่นได้ไพเราะกว่าเพราะไม่ได้ดึงสาย แต่แผ่นโลหะถูกกดทับ หนึ่งในประเภทหลักของสมัยโบราณ เพลงฮาร์ปซิคอร์ด- ชุดของหลายส่วนที่กรอกในแบบฟอร์ม เขียนด้วยรหัสเดียวกัน ในแต่ละท่อนมักจะใช้ท่วงท่าของการร่ายรำบางประเภท พื้นฐานของชุดโบราณคือการเต้นรำสี่แบบซึ่งไม่ได้อธิบายอย่างแม่นยำเสมอไป ชาติกำเนิด. เหล่านี้คือ allemande สบายๆ (อาจมาจากเยอรมนี) เสียงกังวานที่ว่องไวกว่า (จากฝรั่งเศส) sarabande ที่ช้า (จากสเปน) และการแสดงที่เร็ว (จากไอร์แลนด์หรืออังกฤษ) จากปลายศตวรรษที่ 17 ตามแบบอย่างของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวปารีส ห้องชุดเริ่มได้รับการเสริมด้วยการเต้นรำแบบฝรั่งเศส เช่น มินูเอต์ กาโวตต์ บูร์เร และพาสซีเปียด พวกเขาถูกแทรกระหว่างการเต้นรำหลักโดยสร้างส่วนสื่อกลาง ("integra" ในภาษาละตินแปลว่า "ระหว่าง") ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสโบราณมีความโดดเด่นด้วยความสง่างาม สง่างาม และเครื่องประดับไพเราะชิ้นเล็กๆ มากมาย เช่น มอร์เดนต์และทริลล์ สไตล์ฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสเฟื่องฟูในงานของ François Couperin (1668 - 1733) ซึ่งมีชื่อเล่นว่ามหาราช เขาสร้างบทละครประมาณสองร้อยครึ่งและรวมเป็นห้องสวีทยี่สิบเจ็ดห้อง พวกเขาค่อยๆเริ่มถูกครอบงำด้วยละครด้วยชื่อรายการต่างๆ ส่วนใหญ่มักจะเป็นฮาร์ปซิคอร์ดขนาดเล็ก ภาพผู้หญิง- ภาพร่างเสียงที่มีจุดมุ่งหมายอย่างดีของลักษณะนิสัย รูปร่างหน้าตา ท่าทาง ตัวอย่างเช่นบทละคร "มืดมน", "สัมผัส", "ว่องไว", "กระจัดกระจาย", "ซุกซน" Johann Sebastian Bach ร่วมสมัยผู้ยิ่งใหญ่ของเขาแสดงความสนใจอย่างมากในดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส รวมถึงบทละครของ Francois Couperin คำถามและภารกิจ 1 . การพัฒนาประเภทเครื่องดนตรีอย่างอิสระทวีความรุนแรงขึ้นเมื่อใด 2. อะไรคือเครื่องดนตรีชิ้นโปรดของ Arcangelo Corelli และ Antonio Vivaldi 3. บอกเราเกี่ยวกับโครงสร้างของอวัยวะ 4. ศิลปะเกี่ยวกับอวัยวะมีความเจริญรุ่งเรืองเป็นพิเศษในประเทศใด บทสวดมนต์ของโปรเตสแตนต์คืออะไร? 5. บอกเราเกี่ยวกับอุปกรณ์ของฮาร์ปซิคอร์ด ท่าเต้นใดที่ใช้ในส่วนหลักของชุดฮาร์ปซิคอร์ดแบบเก่า ดังนั้น บทนำของหนังสือเรียนจึงแนะนำเหตุการณ์สำคัญบางอย่างในโลกแห่งดนตรีตั้งแต่สมัยโบราณโดยสังเขป เป็น "การเดินทาง" ทางประวัติศาสตร์เพื่อช่วยให้ได้ทำความรู้จักกับมรดกของนักดนตรีชาวยุโรปตะวันตกผู้ยิ่งใหญ่ที่ทำงานในศตวรรษที่ 18 และ 19 ในบางครั้ง clavier เรียกว่าดนตรีสำหรับทุกคน เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดได้แก่ แป้น-เครื่องลม-ออร์แกน. 8 9 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย เส้นทางชีวิตของโยฮันน์ ร็อด ครอบครัว วัยเด็ก Johann Sebastian Bach เกิดในปี 1685 ในเมือง Thuringia ซึ่งเป็นหนึ่งในภูมิภาคของเยอรมนีตอนกลาง ในเมืองเล็กๆ ของ Eisenach ที่ล้อมรอบด้วยป่า ในทูรินเจีย ยังคงรู้สึกถึงผลกระทบร้ายแรงของสงครามสามสิบปี (ค.ศ. 1618-1648) ซึ่งกลุ่มมหาอำนาจยุโรปสองกลุ่มปะทะกัน สงครามทำลายล้างนี้เกิดขึ้นกับบรรพบุรุษของ Johann Sebastian ผู้ซึ่งมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานฝีมือของชาวเยอรมันและสภาพแวดล้อมของชาวนา คุณปู่ทวดของเขาชื่อ Veit เป็นคนทำขนมปัง แต่เขาชอบดนตรีมากจนไม่เคยแยกพิณ ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่คล้ายกับแมนโดลิน แม้แต่ระหว่างเดินทางไปโรงสี เขาก็เล่นขณะที่โม่แป้งอยู่ และในบรรดาลูกหลานของเขาซึ่งตั้งรกรากอยู่ในทูรินเจียและภูมิภาคใกล้เคียง มีนักดนตรีมากมายจนทุกคนที่ฝึกอาชีพนี้เรียกว่า "บาค" ที่นั่น เหล่านี้คือนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ นักไวโอลิน นักเป่าขลุ่ย นักเป่าแตร บางคนมีพรสวรรค์ในฐานะนักแต่งเพลง พวกเขาอยู่ในบริการของเทศบาลเมืองและในศาลของผู้ปกครองของอาณาเขตย่อยและดัชชีซึ่งเยอรมนีถูกแบ่งออก Sebastian Bach 1685-1750 Amazing คือชะตากรรมของดนตรีของนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ซึ่งมีกำเนิดมากกว่าสามร้อยปี ในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับการยอมรับเป็นส่วนใหญ่ในฐานะนักเล่นออร์แกนและนักเลงเครื่องดนตรี และหลังจากที่เขาเสียชีวิต เขาก็เกือบจะลืมไปแล้วเป็นเวลาหลายสิบปี แต่จากนั้นพวกเขาก็เริ่มค้นพบผลงานของเขาอีกครั้งและชื่นชมเขาในฐานะสมบัติทางศิลปะอันล้ำค่าทักษะที่ไม่มีใครเทียบได้ความลึกที่ไม่สิ้นสุดและความเป็นมนุษย์ของเนื้อหา “ไม่ใช่กระแส! "ทะเลต้องเป็นชื่อของเขา" พูดเกี่ยวกับ Bach อัจฉริยะทางดนตรีอีกคนหนึ่ง - Beethoven9 บาคเองสามารถเผยแพร่ผลงานของเขาได้เพียงส่วนเล็ก ๆ เท่านั้น ขณะนี้มีการเผยแพร่มากกว่าหนึ่งพันรายการ (สูญหายไปจำนวนมาก) งานชิ้นแรกของ Bach เริ่มพิมพ์ในประเทศเยอรมนีเมื่อหนึ่งร้อยปีหลังจากการตายของเขา และต้องใช้จำนวนถึงสี่สิบหกเล่ม และเป็นไปไม่ได้แม้แต่จะคำนวณคร่าว ๆ ว่าพิมพ์ออกมาเท่าไหร่แล้ว และเพลงของ Bach ที่ถูกพิมพ์แยกออกมาในประเทศต่าง ๆ อีกกี่ฉบับ ความต้องการที่ต่อเนื่องนั้นยอดเยี่ยมมาก เพราะมันมีพื้นที่กว้างใหญ่และ สถานที่แห่งเกียรติยศ ไม่เพียง แต่ในคอนเสิร์ตระดับโลกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการศึกษาด้วย Johann Sebastian Bach ยังคงเป็นครูของทุกคนที่เกี่ยวข้องกับดนตรีอย่างแท้จริง เขาเป็นครูที่จริงจังและเข้มงวดต้องการความสามารถในการมีสมาธิเพื่อที่จะเชี่ยวชาญในศิลปะการแสดงโพลีโฟนิก แต่ผู้ที่ไม่กลัวความยากลำบากและใส่ใจกับข้อกำหนดของเขาอย่างใกล้ชิดจะรู้สึกถึงความเข้มงวดและความใจดีของหัวใจซึ่งเขาสอนด้วยการสร้างสรรค์อมตะที่สวยงามของเขา บ้านใน Eisenach ที่ JSBach เกิดเมื่อวันที่ 9 "Bach" แปลว่า "สายน้ำ" ในภาษาเยอรมัน 10 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย บิดาของ Johann Sebastian เป็นนักไวโอลิน นักดนตรีประจำเมืองและในราชสำนักใน Eisenach เขาเริ่มสอนดนตรีให้ลูกชายคนเล็กและส่งเขาไปโรงเรียนของโบสถ์ เด็กชายร้องเพลงประสานเสียงในโรงเรียนด้วยเสียงสูงที่สวยงาม เมื่อเขาอายุได้สิบขวบ พ่อแม่ของเขาเสียชีวิต พี่ชายซึ่งเป็นนักออร์แกนของโบสถ์ในเมือง Ohrdruf ที่อยู่ใกล้เคียงดูแลเด็กกำพร้า เขามอบหมายให้น้องชายของเขาไปที่สถานศึกษาในท้องถิ่นและให้บทเรียนเกี่ยวกับอวัยวะแก่เขาด้วยตัวเขาเอง ต่อมา Johann Sebastian ก็กลายเป็นนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด นักไวโอลิน และนักเล่นไวโอลิน และตั้งแต่วัยเด็กเขาเชี่ยวชาญการประพันธ์ดนตรีด้วยตัวเองเขียนเรียงความของผู้แต่งหลายคนใหม่ เขาต้องเขียนสมุดบันทึกเพลงหนึ่งเล่มที่เขาสนใจเป็นพิเศษในคืนเดือนหงายลับๆ จากพี่ชายของเขา แต่เมื่อการทำงานหนักอันยาวนานเสร็จสิ้นลง เขาค้นพบสิ่งนี้ เขาโกรธ Johann Sebastian สำหรับการกระทำที่ไม่ได้รับอนุญาต และขโมยต้นฉบับไปจากเขาอย่างไร้ความปราณี จุดเริ่มต้นของชีวิตอิสระ ลือเนอบวร์ก. เมื่ออายุได้สิบห้าปี Johann Sebastian ได้ดำเนินการขั้นเด็ดขาด - เขาย้ายไปที่เมืองLüneburgทางตอนเหนือของเยอรมันที่อยู่ห่างไกลซึ่งเขาเข้าโรงเรียนที่โบสถ์อารามในฐานะผู้ถือทุนการศึกษา ในห้องสมุดโรงเรียนเขาสามารถทำความคุ้นเคยกับต้นฉบับการแต่งเพลงของนักดนตรีชาวเยอรมันจำนวนมาก ในลือเนอบวร์กและฮัมบูร์กซึ่งเขาไปตามถนนในชนบท ใคร ๆ ก็สามารถฟังการเล่นของนักออร์แกนที่มีพรสวรรค์ได้ เป็นไปได้ว่า Johann Sebastian ไปเยี่ยมชมโรงละครโอเปร่าในฮัมบูร์ก - ในเวลานั้นเป็นโรงละครแห่งเดียวในเยอรมนีที่ไม่ได้แสดงเป็นภาษาอิตาลี แต่เป็นภาษาเยอรมัน เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนในอีก 3 ปีต่อมา และเริ่มมองหางานที่ใกล้กับบ้านเกิดของเขา ไวมาร์ หลังจากทำหน้าที่เป็นนักไวโอลินและนักออร์แกนในสามเมืองในช่วงสั้นๆ ในปี 1708 บาคแต่งงานแล้ว ตั้งรกรากอยู่ที่ไวมาร์ (ทูรินเจีย) เป็นเวลาเก้าปี ที่นั่นเขาเป็นนักเล่นออร์แกนในราชสำนักของดยุค แล้วก็เป็นรองอาจารย์คาเพลลา (ผู้ช่วยหัวหน้าโบสถ์ - กลุ่มนักร้องและนักดนตรี) ในฐานะที่เป็นวัยรุ่นใน Ohrdruf บาคเริ่มแต่งเพลงโดยเฉพาะอย่างยิ่งเพื่อจัดการร้องเพลงประสานเสียงโปรเตสแตนต์สำหรับออร์แกนซึ่งเป็นเครื่องดนตรีโปรดของเขา และในไวมาร์ ผลงานออร์แกนที่โดดเด่นของเขาหลายชิ้นก็ปรากฏขึ้น เช่น Toccata และ Fugue ใน D minor, Passacaglia10 ใน C minor, การร้องเพลงประสานเสียงโหมโรง เมื่อถึงเวลานั้น Bach ได้กลายเป็นนักแสดงและนักด้นสดออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดที่ไม่มีใครเทียบได้ สิ่งนี้ได้รับการยืนยันอย่างน่าเชื่อถือจากกรณีต่อไปนี้ เมื่อ Bach ไปที่ Dresden เมืองหลวงของ Saxony พวกเขาตัดสินใจจัดการแข่งขันระหว่างเขากับ Louis Marchand นักออร์แกนและนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชื่อดังชาวฝรั่งเศส แต่ก่อนหน้านี้เขาเคยได้ยินว่า Bach ด้นสดบนฮาร์ปซิคอร์ดด้วยความเฉลียวฉลาดในการสร้างสรรค์ที่น่าทึ่ง เขาจึงรีบออกจากเดรสเดนอย่างลับๆ การแข่งขันไม่ได้เกิดขึ้น ที่ศาลไวมาร์มีโอกาสที่จะทำความคุ้นเคยกับผลงานของนักแต่งเพลงชาวอิตาลีและฝรั่งเศส Bach ปฏิบัติต่อความสำเร็จของพวกเขาด้วยความสนใจและความคิดริเริ่มทางศิลปะ ตัวอย่างเช่น เขาได้จัดเตรียมฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกนของไวโอลินคอนแชร์โตของ Antonio Vivaldi ฟรีหลายครั้ง นี่คือที่มาของคอนแชร์โตคลอเวียร์ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี เป็นเวลาสามปีในไวมาร์ บาคควรจะเขียนคันทาทาทางจิตวิญญาณใหม่ทุกวันอาทิตย์ที่สี่ โดยรวมแล้วมีงานมากกว่าสามสิบงานเกิดขึ้นในลักษณะนี้ อย่างไรก็ตามเมื่อหัวหน้าวงดนตรีในศาลผู้สูงอายุซึ่ง Bach ทำหน้าที่จริงเสียชีวิตตำแหน่งที่ว่างไม่ได้มอบให้เขา แต่เป็นลูกชายที่ไร้ความสามารถของผู้ตาย ด้วยความโกรธเคืองจากความอยุติธรรมดังกล่าว Bach จึงยื่นลาออก สำหรับ "ความต้องการที่ไม่สุภาพ" เขาถูกกักบริเวณในบ้าน แต่เขาแสดงความกล้าหาญ ความดื้อรั้น ทะนงตัว ยืนหยัดในตัวเอง และหนึ่งเดือนต่อมา ดยุคจำต้องออก "คำสั่งที่ไร้ความปรานี" อย่างไม่เต็มใจเพื่อปล่อยนักดนตรีผู้ดื้อรั้นสู่ป่า เคอเธน. ในตอนท้ายของปี 1717 Bach และครอบครัวของเขาย้ายไปที่Köthen เจ้าชาย Leopold Anhalt แห่ง Köthen เป็นผู้เสนอตำแหน่งหัวหน้าวงในศาลให้กับเขา ผู้ปกครองของรัฐเล็ก ๆ ในละแวกทูรินเจีย เขาเป็นนักดนตรีที่ดี - เขาร้องเพลงเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและวิโอลาดากัมบา 11 เจ้าชายให้การสนับสนุนทางการเงินแก่หัวหน้าวงคนใหม่ของเขาและปฏิบัติต่อเขาด้วยความเคารพอย่างสูง หน้าที่ของบาคซึ่งใช้เวลาค่อนข้างน้อย ได้แก่ การกำกับโบสถ์ที่มีนักร้องและนักเล่นเครื่องดนตรีสิบแปดคน ร่วมติดตามเจ้าชาย และเล่นฮาร์ปซิคอร์ดด้วยพระองค์เอง ในKöthen บาคหลายคนทำงานให้กับ เครื่องมือต่างๆ. เพลง Clavier มีความหลากหลายมากในหมู่พวกเขา ในอีกด้านหนึ่ง สิ่งเหล่านี้เป็นชิ้นส่วนสำหรับผู้เริ่มต้น - Passacaglia เป็นการเต้นรำสามทางช้าๆ ที่มีต้นกำเนิดจากสเปน บนพื้นฐานของมัน เครื่องดนตรีเกิดขึ้นในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลงที่มีทำนองซ้ำ ๆ ซ้ำ ๆ ในเสียงเบส 10 11 Viola da gamba เป็นเครื่องดนตรีโบราณที่มีลักษณะเหมือนเชลโล 11 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียโหมโรงเล็ก ๆ สิ่งประดิษฐ์สองส่วนและสามส่วน พวกเขาเขียนโดย Bach เพื่อศึกษากับ Wilhelm Friedemann ลูกชายคนโตของเขา ในทางกลับกัน นี่เป็นผลงานชิ้นเอกเล่มแรกจากสองเล่ม ได้แก่ "The Well-Tempered Clavier" ซึ่งโดยรวมแล้วประกอบด้วยบทนำและความทรงจำ 48 บท และองค์ประกอบขนาดใหญ่ของแผนคอนเสิร์ต - "Chromatic Fantasy and Fugue" การสร้างชุดคลาเวียร์ 2 คอลเลกชั่น ซึ่งเรียกว่า "ฝรั่งเศส" และ "อังกฤษ" ก็เป็นของสมัยโคเธนเช่นกัน เจ้าชายเลโอโปลด์พาบาคไปเที่ยวประเทศเพื่อนบ้าน เมื่อ Johann Sebastian กลับมาจากการเดินทางดังกล่าวในปี 1720 เขาประสบกับความเศร้าโศกอย่างหนัก - Maria Barbara ภรรยาของเขาเพิ่งเสียชีวิต ทิ้งลูกสี่คน (อีกสามคนเสียชีวิตก่อนกำหนด) หนึ่งปีครึ่งต่อมา Bach แต่งงานอีกครั้ง Anna Magdalena ภรรยาคนที่สองของเขามีเสียงที่ดีและเป็นนักดนตรีมาก เมื่อเรียนกับเธอ Bach ได้รวบรวม "Note Books" สองเล่มจากผลงานของเขาเองและบางส่วนจากผลงานของนักเขียนคนอื่น Anna Magdalena เป็นเพื่อนที่ใจดีและห่วงใยในชีวิตของ Johann Sebastian เธอให้กำเนิดลูกสิบสามคนซึ่งหกคนรอดชีวิตจนโตเป็นผู้ใหญ่ ไลป์ซิก ในปี 1723 Bach ย้ายไปที่ Leipzig ซึ่งเป็นศูนย์กลางการค้าและวัฒนธรรมที่สำคัญของ Saxony ซึ่งอยู่ติดกับ Thuringia เขาเก็บไว้กับเจ้าชายลีโอโปลด์ ความสัมพันธ์ที่ดี . แต่ในKöthenความเป็นไปได้ของกิจกรรมทางดนตรีมี จำกัด - ไม่มีออร์แกนขนาดใหญ่หรือคณะนักร้องประสานเสียง นอกจากนี้ Bach ยังมีลูกชายคนโตที่เขาต้องการให้การศึกษาที่ดี ในไลพ์ซิก บาครับตำแหน่งต้นเสียง - หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงชายและครูสอนโรงเรียนสอนร้องเพลง ที่โบสถ์เซนต์โธมัส (Thomaskirche) เขาต้องยอมรับเงื่อนไขจำกัดหลายอย่าง เช่น "ห้ามออกจากเมืองโดยไม่ได้รับอนุญาตจากเจ้าเมือง" Cantor Bach มีหน้าที่อื่นอีกมากมาย เขาต้องแบ่งนักร้องประสานเสียงของโรงเรียนขนาดเล็กและวงออเคสตร้าขนาดเล็กมาก (หรือมากกว่านั้นคือวงดนตรี) เพื่อให้ดนตรีฟังระหว่างการให้บริการในโบสถ์สองแห่งรวมถึงในงานแต่งงานงานศพและงานรื่นเริงต่างๆ และไม่ใช่ว่าเด็กคอรัสทุกคนจะมีข้อมูลทางดนตรีที่ดี โรงเรียนบ้านสกปรก ถูกทอดทิ้ง นักเรียนได้รับอาหารไม่ดีและแต่งตัวขอทาน บาคซึ่งในขณะเดียวกันก็ถือเป็น "ผู้อำนวยเพลง" ของไลป์ซิกได้ดึงความสนใจจากเจ้าหน้าที่ของคริสตจักรและการบริหารเมือง (ผู้พิพากษา) ทั้งหมดนี้ แต่ในทางกลับกัน เขาได้รับความช่วยเหลือทางวัตถุเพียงเล็กน้อย แต่เป็นการเหน็บแนมและตำหนิในสำนักงานจำนวนมาก เขามีส่วนร่วมกับนักเรียนไม่เพียง แต่ในการร้องเพลงเท่านั้น แต่ยังเล่นเครื่องดนตรีด้วย นอกจากนี้เขายังจ้างครูสอนภาษาละตินสำหรับพวกเขาด้วยค่าใช้จ่ายของเขาเอง โบสถ์และโรงเรียนเซนต์โธมัส (ซ้าย) ในเมืองไลป์ซิก (จากการแกะสลักเก่า). แม้จะมีสถานการณ์ชีวิตที่ยากลำบาก แต่ Bach ก็มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์อย่างกระตือรือร้น ในช่วงสามปีแรกของการรับใช้ เขาได้แต่งเพลงและฝึกร้องแคนตาตาใหม่ร่วมกับคณะนักร้องประสานเสียงเกือบทุกสัปดาห์ โดยรวมแล้วผลงานของ Bach ในประเภทนี้ประมาณสองร้อยชิ้นได้รับการเก็บรักษาไว้ และฆราวาสฆราวาสของเขาหลายสิบก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน ตามกฎแล้วพวกเขายินดีต้อนรับและแสดงความยินดีที่ส่งถึงบุคคลผู้สูงศักดิ์หลายคน แต่ในหมู่พวกเขามีข้อยกเว้นเช่นการ์ตูน "Coffee Cantata" ที่เขียนในไลพ์ซิกซึ่งคล้ายกับฉากจากการ์ตูนโอเปร่า บอกเล่าว่า Lizhen วัยหนุ่มสาวผู้มีชีวิตชีวาติดแฟชั่นใหม่สำหรับกาแฟ ขัดต่อความตั้งใจและคำเตือนของพ่อของเธอ Schlendrian เจ้าเก่าจอมขี้บ่น ในเมืองไลป์ซิก บาคได้สร้างผลงานการร้องและบรรเลงที่โดดเด่นที่สุดของเขา - The Passion ตามคำกล่าวของ John, Passion ตาม Matthew12 และ The Mass ใน B minor ซึ่งใกล้เคียงกับพวกเขาในเนื้อหา ตลอดจนการประพันธ์เพลงประกอบต่างๆ จำนวนมาก ซึ่งรวมถึง เล่มที่สอง " Well-Tempered Clavier" ซึ่งเป็นชุดของยอห์นและแมทธิว (รวมถึงมาระโกและลูกา) เป็นผู้ติดตามคำสอนของพระเยซูคริสต์ ผู้รวบรวมพระกิตติคุณ - เรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตบนโลกของเขา ความทุกข์ทรมาน (“กิเลสตัณหา”) และ ความตาย. "Gospel" ในภาษากรีกแปลว่า "ข่าวดี" 12 12 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย "The Art of the Fugue" เขาเดินทางไปยังเดรสเดน ฮัมบวร์ก เบอร์ลิน และเมืองอื่นๆ ของเยอรมัน เล่นออร์แกนที่นั่น ทดสอบเครื่องดนตรีใหม่ๆ เป็นเวลากว่าสิบปีที่ Bach เป็นหัวหน้า "Music College" ในเมือง Leipzig ซึ่งเป็นสังคมที่ประกอบด้วยนักศึกษามหาวิทยาลัยและผู้รักในเสียงดนตรี - นักเล่นเครื่องดนตรีและนักร้อง ภายใต้การดูแลของ Bach พวกเขาได้จัดคอนเสิร์ตสาธารณะจากผลงานทางโลก ในการสื่อสารกับนักดนตรี เขาเป็นคนแปลกหน้าต่อความเย่อหยิ่งใดๆ และพูดถึงทักษะที่หาได้ยากของเขาดังนี้: "ฉันต้องทำงานหนัก ใครก็ตามที่ยากเท่ากันก็จะประสบความสำเร็จเช่นเดียวกัน" ความกังวลมากมาย แต่ก็มีความสุขมากมายที่ทำให้ Bach ครอบครัวใหญ่ของเขา ในวงของเธอเขาสามารถจัดคอนเสิร์ตในบ้านได้ทั้งหมด ลูกชายสี่คนของเขากลายเป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง เหล่านี้คือ Wilhelm Friedemann และ Carl Philipp Emanuel (ลูกของ Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich และ Johann Christian (ลูกของ Anna Magdalena) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสุขภาพของ Bach ทรุดโทรมลง สายตาของเขาแย่ลงอย่างรวดเร็ว ในช่วงต้นปี พ.ศ. 2293 เขาเข้ารับการผ่าตัดตาสองครั้งที่ไม่ประสบความสำเร็จ ตาบอด และเสียชีวิตในวันที่ 28 กรกฎาคม Johann Sebastian Bach ใช้ชีวิตอย่างขยันขันแข็งและขยันหมั่นเพียร ได้รับแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยม เขาไม่ได้ทิ้งทรัพย์สมบัติไว้มากมาย และ Anna Magdalena เสียชีวิตในอีกสิบปีต่อมาในบ้านการกุศลเพื่อคนจน และลูกสาวคนสุดท้องของ Bach, Regina Susanna ซึ่งมีชีวิตอยู่จนถึงศตวรรษที่ 19 ได้รับการช่วยให้รอดพ้นจากความยากจนด้วยการบริจาคส่วนตัวซึ่ง Beethoven มีส่วนร่วมอย่างมาก ความคิดสร้างสรรค์ ดนตรีของ Bach เชื่อมโยงกับวัฒนธรรมของประเทศบ้านเกิดของเขา ผลงานโดยทั้งชาวเยอรมัน และนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ ในงานของเขา เขาได้สรุปและยกระดับความสำเร็จของศิลปะดนตรียุโรปอย่างยอดเยี่ยม แคนทาทาส่วนใหญ่, "John Passion", "Matthew Passion", Mass in B minor และงานอื่นๆ อีกมากมายเกี่ยวกับข้อความทางจิตวิญญาณเขียนโดย Bach ไม่ใช่แค่ตามหน้าที่หรือธรรมเนียมปฏิบัติของนักดนตรีในโบสถ์ แต่อบอุ่นด้วยความรู้สึกทางศาสนาที่จริงใจ พวกเขาเต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจต่อความเศร้าโศกของมนุษย์ ตื้นตันใจด้วยความเข้าใจในความสุขของมนุษย์ เมื่อเวลาผ่านไป พวกเขาไปไกลกว่าวัดและทำ ไม่หยุดที่จะสร้างความประทับใจให้กับผู้ฟังจากเชื้อชาติและศาสนาต่าง ๆ อย่างลึกซึ้ง การประพันธ์เพลงทางจิตวิญญาณและทางโลกของ Bach พวกเขาเกี่ยวข้องกันในความเป็นมนุษย์ที่แท้จริงของพวกเขาพวกเขาร่วมกันสร้างโลกแห่งดนตรีทั้งโลก ทักษะด้านโพลีโฟนิกที่ไม่มีใครเทียบของ Bach ได้รับการเสริมด้วยวิธีการโฮโมโฟนิก-ฮาร์มอนิก ธีมการร้องของเขาเต็มไปด้วยเทคนิคการพัฒนาเครื่องดนตรี และธีมการบรรเลงมักจะเต็มไปด้วยอารมณ์ ราวกับว่าสิ่งสำคัญกำลังร้องและออกเสียงโดยไม่มีคำพูด Toccata และ Fugue ใน D Minor สำหรับ Organ13 ผลงานที่ได้รับความนิยมอย่างสูงนี้เริ่มต้นด้วยเสียงร้องแห่งเจตจำนงอันน่าตกใจแต่กล้าหาญ ได้ยินสามครั้ง ตกจากอ็อกเทฟหนึ่งไปยังอีกอ็อกเทฟ และนำไปสู่เสียงดังกึกก้องคอร์ดในรีจิสเตอร์ด้านล่าง ดังนั้นที่จุดเริ่มต้นของ toccata พื้นที่เสียงที่โอ่อ่าและเป็นเงามืดจึงถูกร่างไว้ 1 คำถามและงาน Adagio 1 . ชะตากรรมของดนตรีของ Bach ผิดปกติอย่างไร? 2. บอกเราเกี่ยวกับบ้านเกิดของ Bach บรรพบุรุษของเขาและวัยเด็กของเขา 3. ชีวิตอิสระของ Bach เริ่มต้นเมื่อใดและที่ไหน 4. กิจกรรมของบาคในไวมาร์ดำเนินไปอย่างไร และจบลงอย่างไร? 5. บอกเราเกี่ยวกับชีวิตของ Bach ในKöthen และผลงานของเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา 6. บาคเล่นเครื่องดนตรีอะไร และเครื่องดนตรีอะไรที่เขาชอบ? 7. ทำไม Bach ถึงตัดสินใจย้ายไปที่ Leipzig และเขาต้องเจอกับปัญหาอะไรบ้างที่นั่น? 8. บอกเราเกี่ยวกับกิจกรรมของ Bach ในฐานะนักแต่งเพลงและ Bach ในฐานะนักแสดงใน Leipzig ตั้งชื่อผลงานที่เขาสร้างขึ้นที่นั่น Toccata (ในภาษาอิตาลี "toccata" - "touch", "hit" จากกริยา "toccare" "touch", "touch") เป็นเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด 13 13 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซีย นอกจากนี้จะได้ยินข้อความอัจฉริยะ "หมุนวน" ที่ทรงพลังและ "ระเบิด" แบบคอร์ดกว้าง พวกเขาถูกคั่นด้วยการหยุดชั่วคราวและหยุดบนคอร์ดขยายหลายครั้ง การต่อต้านการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและช้านี้ชวนให้นึกถึงการผ่อนปรนอย่างระมัดระวังระหว่างการต่อสู้ที่มีองค์ประกอบรุนแรง และหลังจาก toccata ที่สร้างขึ้นแบบด้นสดฟรี เสียงแห่งความทรงจำก็ดังขึ้น มันมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาเลียนแบบของรูปแบบหนึ่งซึ่งในหลักการที่มีความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้าควบคุมกองกำลังองค์ประกอบเช่นเดียวกับ: 2 Allegro moderato ขยายออกไปอย่างกว้างขวางความทรงจำพัฒนาเป็น coda - ส่วนสุดท้ายและส่วนสุดท้าย นี่เป็นอีกครั้งที่องค์ประกอบด้นสดของ toccata แตกออก แต่ในที่สุดเธอก็สงบลงด้วยคำพูดที่จำเป็น และแท่งสุดท้ายของงานทั้งหมดถูกมองว่าเป็นชัยชนะอันโหดร้ายและยิ่งใหญ่ของเจตจำนงของมนุษย์ที่ไม่ยอมลดละ งานออร์แกนกลุ่มพิเศษของ Bach คือเพลงโหมโรงประสานเสียง ในหมู่พวกเขามีท่อนเล็ก ๆ ที่มีลักษณะโคลงสั้น ๆ จำนวนหนึ่งมีความโดดเด่นด้วยการแสดงออกที่ลึกซึ้ง ในนั้นเสียงของทำนองเพลงประสานเสียงนั้นอุดมไปด้วยเสียงประกอบที่พัฒนาอย่างอิสระ นี่คือวิธีการนำเสนอหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของ Bach นั่นคือการร้องเพลงประสานเสียงโหมโรงใน F minor Clavier music Inventions Bach ได้รวบรวมคอลเลคชันผลงานง่ายๆ หลายคอลเลกชั่นจากผลงานที่เขาแต่งขึ้นในขณะที่กำลังสอน Wilhelm Friedemann ลูกชายคนโตของเขา หนึ่งในคอลเลกชั่นเหล่านี้ เขาวางชิ้นส่วนโพลีโฟนิกสองเสียงสิบห้าชิ้นไว้ในคีย์สิบห้าคีย์ และเรียกมันว่า "สิ่งประดิษฐ์" แปลจากภาษาละตินคำว่า "การประดิษฐ์" หมายถึง "การประดิษฐ์", "การประดิษฐ์" สิ่งประดิษฐ์สองส่วนของ Bach ที่มีให้นักดนตรีมือใหม่ได้แสดงนั้นมีความโดดเด่นอย่างแท้จริงในแง่ของความเฉลียวฉลาดแบบโพลีโฟนิก และในขณะเดียวกันก็แสดงออกทางศิลปะ ดังนั้น สิ่งประดิษฐ์สองส่วนแรกใน C major จึงเกิดจากธีมที่สั้น ราบรื่น และไม่เร่งรีบของตัวละครที่สงบและมีเหตุผล ร้องโดยเสียงสูงและเลียนแบบทันที _ ซ้ำในอ็อกเทฟอื่น - เสียงล่าง: 14 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะลูกเด้งของรัสเซีย ในระหว่างการทำซ้ำ (เลียนแบบ) ของด้านบน เสียงจะดำเนินต่อไปอย่างไพเราะ นี่คือวิธีการสร้างความขัดแย้งกับธีมที่ให้เสียงเบส นอกจากนี้ การต่อต้านนี้ - ด้วยรูปแบบที่ไพเราะเหมือนกัน - บางครั้งก็ฟังเมื่อธีมปรากฏขึ้นอีกครั้งด้วยเสียงใดเสียงหนึ่ง (แถบ 2-3, 7-8, 8-9) ในกรณีเช่นนี้ ฝ่ายค้านจะเรียกว่าคงไว้ เช่นเดียวกับงานโพลีโฟนิกอื่นๆ มีส่วนในการประดิษฐ์นี้ที่ธีมไม่ฟังในรูปแบบสมบูรณ์ แต่จะใช้เฉพาะแต่ละรอบเท่านั้น ส่วนดังกล่าวจะอยู่ระหว่างการนำเสนอหัวข้อและเรียกว่าการสลับฉาก ความสมบูรณ์ทั่วไปของการประดิษฐ์ใน C มาจากการพัฒนาตามธีมเดียว ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับดนตรีโพลีโฟนิก ในช่วงกลางของชิ้นส่วนจะมีการออกจากคีย์หลักและกลับมาที่ส่วนท้าย เมื่อฟังสิ่งประดิษฐ์นี้ เราสามารถจินตนาการได้ว่านักเรียนสองคนตั้งใจเรียนซ้ำบทเรียนอย่างขยันขันแข็ง พยายามบอกกันและกันให้ดีขึ้นด้วยการแสดงออกที่มากขึ้น ในงานชิ้นนี้ มีโครงสร้างคล้ายกับสิ่งประดิษฐ์ C major เทคนิคพิเศษมีบทบาทอย่างมาก หลังจากบทนำเริ่มต้นของธีม ในเสียงสูง เสียงต่ำไม่เพียงแต่เลียนเสียงเท่านั้น แต่ยังเลียนเสียงต่อเนื่อง (การโต้แย้ง) ดังนั้นในบางครั้งจึงเกิดการยอมรับและการเลียนแบบหรือ lycanon อย่างต่อเนื่อง พร้อมกันกับสิ่งประดิษฐ์สองเสียง Bach ประกอบชิ้นส่วนโพลีโฟนิกสามเสียงสิบห้าชิ้นในคีย์เดียวกัน เขาตั้งชื่อพวกเขา! "ซิมโฟนี" (แปลจากภาษากรีก - "พยัญชนะ") เพราะในสมัยก่อนมักจะเรียกงานประเภทเครื่องดนตรีประเภทโพลีโฟนิก แต่ต่อมากลายเป็นธรรมเนียมที่จะเรียกชิ้นส่วนเหล่านี้ว่าสิ่งประดิษฐ์สามส่วน พวกเขาใช้เทคนิคที่ซับซ้อนมากขึ้นในการพัฒนาโพลีโฟนิก ที่สุด ตัวอย่างที่สำคัญ- สิ่งประดิษฐ์สามส่วนใน F minor (ที่เก้า) มันเริ่มต้นด้วยการแนะนำสองธีมที่ตัดกันพร้อมกัน พื้นฐานของหนึ่งในนั้นทำให้เกิดเสียงเบสคือการสืบเชื้อสายที่ตึงเครียดตามเซมิโทนสี การเคลื่อนไหวดังกล่าวเกิดขึ้นบ่อยครั้งในโศกนาฏกรรมจากละครโอเปร่าเก่าๆ มันเป็นเหมือนเสียงที่มืดมนของโชคชะตาที่ชั่วร้าย ธีมที่สองที่อยู่ตรงกลาง เสียงอัลโตเต็มไปด้วยลวดลายเศร้าโศก-ถอนหายใจ: ในอนาคต ธีมที่สามจะเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับธีมทั้งสองนี้ โดยมีเสียงอุทานที่ทะลุปรุโปร่งมากยิ่งขึ้น จนถึงตอนจบของบทละคร เสียงของชะตากรรมที่ชั่วร้ายยังคงไม่ย่อท้อ แต่เสียงแห่งความเศร้าโศกของมนุษย์ไม่หยุด พวกเขามีประกายแห่งความหวังของมนุษย์ที่ไม่อาจดับได้ และดูเหมือนว่าจะกระพริบในคอร์ด F เมเจอร์สุดท้าย ซิมโฟนีของ Bach ใน B Minor Harpsichord ที่ Bach House ใน Eisenach 15 www.classON.ru Children's Education in the Russian Art Sphere (Three-Part Invention No. 15) ได้รับการกล่าวถึงในเรื่องการสอดแทรกบทเพลง ในคำนำต้นฉบับของสิ่งประดิษฐ์ของเขาและ "ซิมโฟนี" บาคระบุว่าสิ่งเหล่านี้ควรช่วยพัฒนา "ลักษณะการร้องเพลง" บนฮาร์ปซิคอร์ด นี่เป็นเรื่องยากที่จะบรรลุผลสำเร็จ ดังนั้น บาคจึงชอบใช้เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดเครื่องสายอีกชนิดหนึ่งที่บ้าน รวมทั้งในชั้นเรียนร่วมกับนักเรียน ซึ่งก็คือคลาวิคอร์ด เสียงที่เบาไม่เหมาะกับการแสดงคอนเสิร์ต แต่ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว สาย clavichord นั้นไม่เหมือนกับฮาร์ปซิคอร์ด แต่จะถูกยึดด้วยแผ่นโลหะอย่างเบามือ สิ่งนี้ก่อให้เกิดความไพเราะของเสียงและช่วยให้คุณสร้างเฉดสีไดนามิก ดังนั้น Bach จึงเล็งเห็นถึงความเป็นไปได้ของเสียงที่ไพเราะและสอดคล้องกันซึ่งนำไปสู่เปียโน ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ในสมัยของเขายังออกแบบไม่สมบูรณ์แบบ และความปรารถนาของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่นี้ควรได้รับการจดจำจากนักเปียโนสมัยใหม่ทุกคน Courante - การเต้นรำสามจังหวะ เชื้อสายฝรั่งเศส . แต่สำหรับการตีระฆังแบบฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ความซับซ้อนของจังหวะและกิริยาท่าทางถือเป็นเรื่องปกติ Courante ในห้องชุดของ Bach ใน C minor คล้ายกับแนวการเต้นที่หลากหลายของอิตาลี - มีชีวิตชีวาและเคลื่อนไหวได้มากกว่า สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยการผสมผสานที่ยืดหยุ่นของสองเสียงที่ดูเหมือนจะยั่วยุซึ่งกันและกัน: "French suite" ใน C minor ชุด clavier ของ Bach สามชุดมีชื่อต่างกัน ตัวเขาเองเรียกห้องชุดหกห้องที่รวมอยู่ในคอลเลกชั่นที่สามว่า "partitas" (ชื่อของห้องชุด "partita" ไม่ได้พบเฉพาะในตัวเขาเท่านั้น14) และอีกสองคอลเลกชั่น - ชิ้นละ 6 ชิ้น - เริ่มถูกเรียกว่า "French Suites" และ "English Suites" หลังจากการเสียชีวิตของ Bach ด้วยเหตุผลที่ไม่ชัดเจน ส่วนที่สองของ "French Suites" เขียนด้วยคีย์ของ C minor ตามประเพณีที่กำหนดขึ้นในห้องสวีทโบราณ ประกอบด้วยสี่ส่วนหลัก ได้แก่ Allemande, Courante, Sarabande และ Gigue รวมถึงส่วนสื่อกลางอีกสองส่วน ได้แก่ Aria และ Minuet ซึ่งแทรกอยู่ระหว่าง Sarabande และ Gigue Allemande เป็นการเต้นรำที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ XVI-XVII ในหลายประเทศในยุโรป - อังกฤษ, เนเธอร์แลนด์, เยอรมนี, ฝรั่งเศสและอิตาลี ตัวอย่างเช่น allemande ของเยอรมันโบราณเป็นการเต้นรำกลุ่มที่น่าขบคิด แต่เมื่อเข้าไปในห้องสวีท clavier ในศตวรรษที่ 18 allemande ก็เกือบจะสูญเสียลักษณะการเต้นไป จาก "บรรพบุรุษ" ของเธอ เธอคงไว้เพียงท่าเดินสบายๆ สบายๆ โดยมีขนาดสี่หรือสองในสี่ ในที่สุดมันก็กลายเป็นโหมโรงที่สร้างขึ้นอย่างหลวมๆ ดูเหมือนโหมโรงโคลงสั้น ๆ และ Allemande จากห้องชุดของ Bach ใน C minor ที่นี่ส่วนใหญ่มักจะมีเสียงสามเสียงนำหน้า แต่บางครั้งเสียงที่สี่เชื่อมต่อกับพวกเขา ในขณะเดียวกันเสียงที่ไพเราะที่สุดคือเสียงบน: Sarabande เป็นการเต้นรำสเปนสามส่วน ครั้งหนึ่งเคยรวดเร็ว เจ้าอารมณ์ ต่อมาก็เชื่องช้า เคร่งขรึม มักใกล้กับขบวนแห่ศพ sarabande จากชุด Bach บ่มตั้งแต่ต้นจนจบในโกดังสามส่วน การเคลื่อนไหวของเสียงกลางและเสียงต่ำนั้นเข้มงวดและเข้มข้นเสมอ และการเคลื่อนไหวของเสียงด้านบนนั้นฟรีและเคลื่อนที่ได้มากขึ้นซึ่งแสดงออกได้ดีมาก โน้ตที่สิบหกมีผลเหนือกว่าที่นี่ มักจะพบการเคลื่อนไหวในช่วงเวลากว้าง (ที่ห้า, หก, เจ็ด) ดังนั้นจึงมีการสร้างการนำเสนอทางดนตรีที่ตัดกันสองชั้นทำให้เกิดเสียงที่เข้มข้นในบทเพลง 15: "แบ่งออกเป็นส่วน ๆ " - คำว่า "partita" แปลมาจากภาษาอิตาลี (จากคำกริยา "partire" - "เพื่อแบ่ง") ใน sarabande เสียงนำด้านบนไม่แตกต่างกับเสียงที่เหลือมากนัก แต่เสริมด้วยเสียงเหล่านี้ 14 15 16 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Prelude and Fugue ใน C minor จากเล่มแรกของ The Well-Tempered Clavier Prelude and Fugue ใน C Major, Prelude and Fugue ใน C Minor, Prelude and Fugue ใน C Sharp Major, Prelude และ Fugue C-sharp minor - และอื่น ๆ ผ่านทั้งสิบสองเซมิโทนที่รวมอยู่ในอ็อกเทฟ ผลลัพธ์คือวงจร "โหมโรงและความทรงจำ" สองส่วนทั้งหมด 24 รอบในคีย์หลักและคีย์ย่อยทั้งหมด นี่คือวิธีการสร้างทั้งสองเล่ม (รวม - 48 บทนำและความทรงจำ) ของ Bach's Well-Tempered Clavier ผลงานที่ยิ่งใหญ่นี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปะดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก โหมโรงและความทรงจำจากทั้งสองเล่มนี้รวมอยู่ในการฝึกและการแสดงคอนเสิร์ตของนักเปียโนมืออาชีพทุกคน ในสมัยของ Bach ในการปรับแต่งเครื่องดนตรีคีย์บอร์ด ในที่สุดอารมณ์ที่สม่ำเสมอก็ค่อยๆ ก่อตัวขึ้น โดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็นสิบสองเซมิโทนเท่าๆ กัน ก่อนหน้านี้ระบบการปรับแต่งมีความซับซ้อนมากขึ้น กับเธอในคีย์ที่มีอักขระมากกว่าสามหรือสี่ตัว บางช่วงและคอร์ดก็ฟังดูแปร่งๆ ดังนั้นผู้แต่งจึงหลีกเลี่ยงการใช้คีย์ดังกล่าว บาคเป็นคนแรกที่พิสูจน์ได้อย่างยอดเยี่ยมใน The Well-Tempered Clavier ว่าด้วยอารมณ์ที่เท่าเทียมกัน คีย์ทั้ง 24 คีย์สามารถใช้ในความสำเร็จที่เท่าเทียมกันได้ สิ่งนี้เปิดโลกทัศน์ใหม่ให้กับนักแต่งเพลง เช่น เพิ่มความสามารถในการมอดูเลต (การเปลี่ยน) จากคีย์หนึ่งไปยังอีกคีย์หนึ่ง ใน The Well-Tempered Clavier นั้น Bach ได้สร้างประเภทของวงจรการเคลื่อนไหวสองแบบ "โหมโรงและความทรงจำ" โหมโรงถูกสร้างขึ้นอย่างอิสระ ในนั้นบทบาทสำคัญอาจเป็นของคลังสินค้าและการปรับตัวแบบโฮโมโฟนิกฮาร์มอนิก สิ่งนี้สร้างความแตกต่างให้กับความทรงจำในฐานะงานโพลีโฟนิกอย่างเคร่งครัด ในขณะเดียวกัน ส่วนประกอบของวงจร ระหว่างพวกเขา ในแต่ละกรณี ความเชื่อมโยงภายในที่ละเอียดอ่อนจะแสดงออกมาในแบบของพวกเขาเอง คุณลักษณะทั่วไปทั่วไปเหล่านี้สามารถติดตามได้ใน Prelude และ Fugue ใน C minor จากเล่มแรกของ The Well-Tempered Clavier โหมโรงประกอบด้วยสองส่วนหลัก ครั้งแรกที่กว้างขวางกว่านั้นเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่สม่ำเสมออย่างรวดเร็วในสิบหกในมือทั้งสองข้าง มันอิ่มตัวจากภายในด้วยองค์ประกอบที่ไพเราะและฮาร์มอนิกที่แสดงออก ราวกับว่าถูกจำกัดโดยชายฝั่ง กระแสน้ำที่ไหลไม่หยุดไหล: Gigue เป็นการเต้นรำที่รวดเร็วและกระปรี้กระเปร่าซึ่งมีต้นกำเนิดจากไอร์แลนด์และอังกฤษ16 ในสมัยก่อน นักเดินเรืออังกฤษชอบเต้นจิ๊ก ในห้องสวีท กิ๊กมักจะเป็นการเคลื่อนไหวขั้นสุดท้ายและขั้นสุดท้าย ใน C minor Giguet ของเขา Bach มักจะใช้เทคนิคการเลียนแบบตามบัญญัติระหว่างสองเสียง (เช่นเดียวกับการประดิษฐ์ใน F major) การนำเสนอบทละครนี้เต็มไปด้วยจังหวะจุด "เด้ง": เมื่อเทียบกับความแตกต่างระหว่าง Allemande และ Courante ความแตกต่างระหว่าง Sarabande และ Gigue นั้นคมชัดกว่า แต่มันถูกทำให้นิ่มลงด้วยสองส่วนเพิ่มเติมที่แทรกระหว่างพวกเขา ท่อนที่เรียกว่า "Aria" ฟังดูไม่เหมือนท่อนร้องเดี่ยวในโอเปร่ามากกว่า แต่เหมือนเป็นเพลงที่สงบและแยบยล Minuet ถัดไปเป็นการเต้นรำแบบฝรั่งเศสที่ผสมผสานการเคลื่อนไหวเข้ากับความสง่างาม ดังนั้น ในชุดนี้มีโทนเสียงทั่วไปเพียงเสียงเดียว ทุกส่วนจึงแตกต่างกันโดยเปรียบเทียบในเชิงอุปมาอุปไมย ขนาดของจิ๊กเป็นแบบสามทาง ในศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่จะเป็น 3/8, 6/8, 9/8, 12/8 16 17 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียด้วยเสียงกลาง ธีมที่ชัดเจน มีลายนูน จดจำได้ดีพร้อมจังหวะการเต้นที่ยืดหยุ่น: 11 Moderato ความเพียรพยายามที่มีพลังรวมอยู่ในธีมด้วยความสง่างาม ความซุกซนเจ้าเล่ห์ ด้วยความสุขุมเยือกเย็น นี่เป็นโอกาสสำหรับการพัฒนาที่หลากหลายและมีพลวัตต่อไป ในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนา ธีมจะฟังดูเบา - เป็นครั้งเดียวที่ดำเนินการในคีย์หลัก (E-flat major) ในการบรรเลง ในท่อนหลักสามท่อนของธีมในคีย์หลัก (C minor) ท่อนที่สองในเสียงเบส ได้รับขอบเขตที่ทรงพลังจนทำให้เรานึกถึงพลังธรรมชาติที่โหมกระหน่ำในโหมโรง และอีกประการหนึ่ง การดำเนินการขั้นสุดท้ายของชุดรูปแบบความทรงจำจะจบลงด้วยคอร์ดหลักของบ้านพุทธะ ในความคล้ายคลึงกันระหว่างตอนจบของโหมโรงและความทรงจำ ความสัมพันธ์ทางอารมณ์ภายในของส่วนที่ตัดกันของวัฏจักรจะถูกเปิดเผย เมื่อสะสมพลังงานอันทรงพลังแล้ว การไหลนี้ในตอนท้ายของส่วนแรกก็ล้นเกินขอบ และในตอนต้นของส่วนถัดไป มันจะยิ่งร้อนรนมากขึ้น ขู่ว่าจะกวาดล้างทุกสิ่งที่ขวางหน้า จุดสุดยอดของโหมโรงนี้มีการเปลี่ยนจังหวะเป็นจังหวะที่เร็วที่สุด (Pgesto) และการใช้อุปกรณ์โพลีโฟนิก - แคนนอนสองเสียง แต่องค์ประกอบที่บ้าคลั่งถูกหยุดโดยจังหวะคอร์ดและวลีที่มีความหมายของการบรรยาย ก้าวที่สองที่เปลี่ยนไป - เป็นก้าวที่ช้าที่สุด (Adagio) และหลังจากจังหวะที่สามเปลี่ยนเป็น A11eggo ที่เร็วปานกลางในท่อนสุดท้ายของโหมโรง จุดโทนิคออร์แกนในเสียงเบสจะค่อยๆ ชะลอการเคลื่อนไหวของท่อนที่สิบหกในมือขวา มันกระจายอย่างนุ่มนวลและค้างบนคอร์ด C เมเจอร์ มีความสงบร่มเย็น หลังจากการโหมโรงเสร็จสิ้นโดยไม่คิดการล่วงหน้า ความสนใจก็เปลี่ยนไปใช้แผนอื่นที่ตัดกัน ความทรงจำสามเสียงเริ่มต้นขึ้น คำนี้ในภาษาละตินและอิตาลีแปลว่า "วิ่ง" "บิน" "กระแสน้ำเร็ว" ในดนตรี ความทรงจำคืองานโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน ซึ่งเสียงต่างๆ ดูเหมือนจะสะท้อนประสานกัน ความทรงจำส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับธีมเดียว ที่พบได้น้อยคือความทรงจำที่มีสองประเด็น และแทบจะไม่มีสามหรือสี่ประเด็นด้วยซ้ำ และตามจำนวนเสียง ความทรงจำแบ่งเป็นสอง สาม สี่ และห้าส่วน Single-dark Fugues เริ่มต้นด้วยการนำเสนอธีมในคีย์หลักด้วยเสียงใดเสียงหนึ่ง ธีมจะถูกเลียนแบบโดยเสียงอื่นสลับกันไปมา นี่เป็นวิธีสร้างส่วนแรกของความทรงจำ การอธิบาย ในส่วนที่สอง - การพัฒนา - ธีมจะปรากฏในคีย์อื่นเท่านั้น และในส่วนที่สามส่วนสุดท้าย - การแสดงซ้ำ9 - จะดำเนินการอีกครั้งในคีย์หลัก แต่จะไม่แสดงในเสียงเดียวอีกต่อไป นิทรรศการที่นี่ไม่ซ้ำแน่นอน ในความทรงจำ มีการใช้การโต้กลับและการสลับฉากที่คงไว้อย่างแพร่หลาย ในคำถาม C-minor fugue ของ Bach เริ่มต้นขึ้นโดยปรากฏใน Fugue ซึ่งเป็นดนตรีโพลีโฟนิกรูปแบบสูงสุด ได้เติบโตเต็มที่และเบ่งบานที่สุดในงานของ Bach Anton Grigoryevich Rubinstein นักแต่งเพลงและนักเปียโนชื่อดังชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ในหนังสือของเขา "Music and Its Representatives" เขียนชื่นชม "Clavier อารมณ์ดี" ซึ่งใคร ๆ ก็สามารถพบว่ามี น่าเกรงขาม, โศกเศร้า, ตลกขบขัน, อภิบาล, ตัวละครที่น่าทึ่ง; ในสิ่งหนึ่งที่พวกเขาทั้งหมดเหมือนกัน - ในความงาม ... ” อายุของ Johann Sebastian Bach เป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Georg Friedrich Handel (1685-1759) ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้าน polyphony นักออร์แกนอัจฉริยะ ชะตากรรมของเขาแตกต่างกัน เขาใช้ชีวิตส่วนใหญ่นอกประเทศเยอรมนี ย้ายจากประเทศหนึ่งไปยังอีกประเทศหนึ่ง (เขาอาศัยอยู่ในอังกฤษเป็นเวลาหลายสิบปี) 18 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ฮันเดลเป็นผู้ประพันธ์โอเปร่า, oratorios, งานเครื่องดนตรีต่างๆ มากมาย การก่อตัวของสไตล์คลาสสิกในดนตรี คำถามและงาน 1 . งานทางจิตวิญญาณและทางโลกของบาคมีอะไรที่เหมือนกัน? 2. บอกเราเกี่ยวกับลักษณะโดยนัยของ Toccata และ Fugue ใน D minor สำหรับอวัยวะ 3. ร้องเพลงหัวข้อสิ่งประดิษฐ์ของ Bach ที่คุณรู้จัก ฝ่ายค้านเมื่อเรียกว่าถูกระงับคืออะไร? 4. การสลับฉากในงานโพลีโฟนิกคืออะไร? การเลียนแบบแบบใดที่เรียกว่าบัญญัติหรือศีล? 5. ตั้งชื่อและอธิบายส่วนหลักของ "French Suite" ใน C minor 6. Clavier อารมณ์ดีของ Bach ถูกสร้างขึ้นมาอย่างไร? 7. อะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่างโหมโรงและความทรงจำ? แสดงสิ่งนี้ด้วยตัวอย่างโหมโรงและความทรงจำในซีไมเนอร์จากเล่มแรกของ The Well-Tempered Clavier มีความคล้ายคลึงกันระหว่างพวกเขาด้วยหรือไม่? โรงละครดนตรีในศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงกลางและครึ่งหลัง เป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในทุกด้านของศิลปะดนตรียุโรป เมื่อเริ่มเข้าสู่ศตวรรษนี้ โอเปร่าอิตาลีก็ค่อยๆ ปรากฏออกมา 2 ประเภท คือ โอเปร่าซีเรีย (ซีเรียส) และโอเปร่าควาย (การ์ตูน) แผนการในตำนานและประวัติศาสตร์ยังคงมีอยู่ในซีรีโอเปร่าซึ่งฮีโร่ที่เรียกว่า "สูง" ปรากฏตัว - เทพในตำนาน, ราชาแห่งรัฐโบราณ, ผู้บัญชาการในตำนาน และในละครน้ำเน่าเรื่องควาย เนื้อเรื่องได้กลายเป็นเรื่องที่ทันสมัยในชีวิตประจำวันเป็นส่วนใหญ่ ฮีโร่ที่นี่เป็นคนธรรมดาที่แสดงพลังและสมจริง The Servant Lady ของ Giovanni Battista Pergolesi โดย Giovanni Battista Pergolesi ซึ่งปรากฏต่อหน้าสาธารณชนในปี 1733 ใน Naples เป็นตัวอย่างที่โดดเด่นครั้งแรกของหนังควาย นางเอก Serpina สาวใช้ผู้กล้าได้กล้าเสียแต่งงานกับ Uberto เจ้านายจอมขี้บ่นของเธออย่างช่ำชองและกลายเป็นนายหญิงของเธอเอง เช่นเดียวกับโอเปราหนังควายในยุคแรกๆ ของอิตาลี เดิมที The Servant-Mistress แสดงเป็นการแสดงสลับฉากระหว่างช่วงพักระหว่างการแสดงโอเปร่าซีเรียของ Pergolesi เรื่อง The Proud Prisoner (จำได้ว่าคำว่า "สลับฉาก" เป็นภาษาละตินและแปลว่า "ปฏิสัมพันธ์") ในไม่ช้า The Servant-Madam ก็ได้รับชื่อเสียงอย่างมากในหลายประเทศในฐานะผลงานอิสระ การ์ตูนโอเปร่าเกิดในฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มันเกิดขึ้นจากการแสดงตลกขบขันที่ร่าเริงและไหวพริบพร้อมดนตรีในโรงละครที่งานปารีส และเพื่อให้กลายเป็นการ์ตูนโอเปร่าที่ตัวเลขเสียงกลายเป็นลักษณะสำคัญของตัวละคร ตัวอย่างของโอเปร่าหนังควายของอิตาลีช่วยให้คอเมดีของฝรั่งเศสได้รับความช่วยเหลือ สำหรับการแสดงนี้ในปารีส คณะละครโอเปร่าของ "บุฟฟง" ของอิตาลีมีความสำคัญอย่างยิ่ง เมื่อเมืองหลวงของฝรั่งเศสถูกมนต์เสน่ห์โดย "คนรับใช้มาดาม" ของ Pergolesi ซึ่งแตกต่างจากโอเปร่าควายของอิตาลี ในการ์ตูนโอเปร่าของฝรั่งเศส ตัวเลขที่เกิดขึ้นไม่ได้สลับกับบทบรรยาย แต่เป็นบทสนทนาเชิงสนทนา Singspire ยังสร้างขึ้น - การ์ตูนโอเปร่าที่หลากหลายของเยอรมันและออสเตรียซึ่งปรากฏในภาคที่สอง งานหลัก งานร้องและเครื่องดนตรี "The Passion ตาม John", "Passion ตาม Matthew" มวลใน B minor Sacred cantatas (ประมาณ 200 รอดชีวิต) และฆราวาสแคนทาทา (รอดชีวิตกว่า 20 คน) วงออเคสตราทำงาน 4 ห้องชุด (“โอเวอร์เจอร์”) 6 “คอนแชร์โตบรันเดนบูร์ก” คอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวพร้อมวงออร์เคสตรา 7 คอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด 3 คอนแชร์โตสำหรับสองคน 2 สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดสามตัว 2 คอนแชร์โตสำหรับไวโอลิน คอนแชร์โตสำหรับ ไวโอลิน 2 ตัวใช้ได้กับเครื่องดนตรีประเภทโค้ง 3 โซนาตาและพาร์ติตา 3 ตัวสำหรับโซโลไวโอลิน 6 โซนาตาสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ด 6 suites (“โซนาตา”) สำหรับโซโลเชลโล ออร์แกนใช้งานได้ 70 พรีลูดการร้องประสานเสียง พรีลูดและฟิวก์ Toccata และฟิวก์ใน D minor Passacaglia ในซีไมเนอร์ คีย์บอร์ดใช้งานได้ คอลเลกชั่น “Little Preludes and Fugues” 15 สิ่งประดิษฐ์สองส่วนและ 15 สิ่งประดิษฐ์สามส่วน (“ซิมโฟนี”) 48 โหมโรงและความทรงจำของ Clavier อารมณ์ดี 6 ชุด “ฝรั่งเศส” และ 6 ชุด “อังกฤษ” 6 ชุด (พาร์ทิต้า) “ คอนแชร์โตอิตาลี” สำหรับเดี่ยวฮาร์ปซิคอร์ด “Chromatic Fantasy and Fugue” “Art Fugues” 19 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียในกลางศตวรรษที่ 1817 ภาษาดนตรีของการ์ตูนโอเปร่าทุกประเภทมีลักษณะเฉพาะโดยมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้านและท่วงทำนองการเต้นรำ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 อย่างจริงจัง ประเภทโอเปร่า นักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Christoph Willibald Gluck (1714-1787) ได้ปฏิรูปอย่างรุนแรง เขาเขียนโอเปร่าแนวปฏิรูปเรื่องแรกของเขา Orpheus and Eurydice (1762) โดยอิงจากเรื่องราวของนักร้องกรีกโบราณในตำนาน ซึ่งถูกนำมาใช้ซ้ำแล้วซ้ำเล่าในโอเปร่าตั้งแต่ยุคแรกสุด (กล่าวถึงในบทนำ) กลัคเดินตามเส้นทางที่ยากลำบากไปสู่การปฏิรูปในโรงละครโอเปร่า เขาเคยไปเยือนหลายประเทศในยุโรป - เยอรมนี ออสเตรีย เดนมาร์ก รวมถึงในสาธารณรัฐเช็กที่มีชาวสลาฟอาศัยอยู่ รวมทั้งอิตาลี - ในอังกฤษ ก่อนที่จะลงหลักปักฐานอย่างมั่นคงในเวียนนา กลุคได้แสดงละครโอเปร่าของเขา 17 เรื่องบนเวทีของโรงละครในมิลาน เวนิส เนเปิลส์ ลอนดอน โคเปนเฮเกน ปราก และเมืองอื่นๆ โอเปร่าประเภทนี้แสดงในโรงละครของศาลในหลายประเทศในยุโรป ข้อยกเว้นคือฝรั่งเศส ที่นั่นในกลางศตวรรษที่ 18 พวกเขายังคงแต่งเพลงและแสดงโอเปร่าจริงจังในสไตล์ฝรั่งเศสดั้งเดิมเท่านั้น แต่กลุคศึกษาโน้ตเพลงโอเปร่าของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสชื่อดังอย่าง ฌอง-บัปติสต์ ลัลลี่ และ ฌอง-ฟิลิปป์ ราโม อย่างรอบคอบ นอกจากนี้ Gluck ยังเขียนและประสบความสำเร็จในการแสดงแปดงานในเวียนนาในประเภทใหม่ของการ์ตูนโอเปร่าฝรั่งเศส เขาคุ้นเคยกับโอเปราหนังควายของอิตาลีเป็นอย่างดีอย่างไม่ต้องสงสัย โดยมี singspiel ของเยอรมันและออสเตรีย ความรู้ทั้งหมดนี้ช่วยให้ Gluck สามารถต่ออายุหลักการแต่งเพลงที่ล้าสมัยไปแล้วสำหรับโอเปร่าอย่างจริงจัง ในโอเปร่าแนวปฏิรูปของเขา ซึ่งจัดแสดงครั้งแรกในเวียนนาและจากนั้นในปารีส กลุคเริ่มถ่ายทอดประสบการณ์ทางอารมณ์ของตัวละครด้วยความจริงที่มากกว่าเดิมและความเข้มข้นที่น่าทึ่งและประสิทธิผล เขาปฏิเสธที่จะสะสมข้อความอัจฉริยะใน arias และเพิ่มการแสดงออกของการบรรยาย โอเปร่าของเขามีจุดประสงค์มากขึ้นในแง่ของการพัฒนาดนตรีและเวที และองค์ประกอบที่กลมกลืนกันมากขึ้น ดังนั้นในภาษาดนตรีและในการสร้างการ์ตูนใหม่และโอเปร่าจริงจังที่ได้รับการปรับปรุงใหม่จึงมีการระบุลักษณะเด่นที่สำคัญของสไตล์คลาสสิกใหม่ - ประสิทธิผลเชิงรุกของการพัฒนาความเรียบง่ายและความชัดเจนของวิธีการแสดงออก ความกลมกลืนขององค์ประกอบ และขุนนางทั่วไป และลักษณะพิเศษของดนตรี สไตล์นี้ค่อยๆ ก่อตัวขึ้นในดนตรียุโรปในช่วงศตวรรษที่ 18 ซึ่งเติบโตเต็มที่ในปี 1770-1780 และแพร่หลายจนถึงกลางทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 ควรสังเกตว่าคำจำกัดความของ "คลาสสิก" อาจมีความหมายอื่นที่กว้างกว่า "คลาสสิก" (หรือ "คลาสสิก") เรียกอีกอย่างว่าดนตรีและงานศิลปะอื่น ๆ ที่ได้รับการยอมรับว่าเป็นแบบอย่างที่สมบูรณ์แบบไม่มีใครเทียบได้ - โดยไม่คำนึงถึงเวลาของการสร้างสรรค์ ในแง่นี้ มวลชนสามารถเรียกว่าคลาสสิกหรือคลาสสิกก็ได้ นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Palestrina ในศตวรรษที่ 16 และโอเปร่าของ Prokofiev และซิมโฟนีของ Shostakovich - นักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ XX ดนตรีบรรเลง บนพื้นฐานระดับสากลในวงกว้างเช่นเดียวกับการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck ในศตวรรษที่ 18 มีการพัฒนาดนตรีบรรเลงอย่างเข้มข้น ดำเนินการโดยความพยายามร่วมกันของนักแต่งเพลงจากหลายประเทศในยุโรป จากเพลงและการเต้นรำ พัฒนาความชัดเจนและไดนามิกแบบคลาสสิกของภาษาดนตรี พวกเขาค่อยๆ สร้างงานประเภทเครื่องดนตรีหมุนเวียนประเภทใหม่ เช่น ซิมโฟนีคลาสสิก โซนาตาคลาสสิก วงเครื่องสายคลาสสิก แบบฟอร์ม Sonata มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับพวกเขา ดังนั้นวงเครื่องดนตรีจึงเรียกว่าโซนาตาหรือโซนาตาซิมโฟนี แบบฟอร์มโซนาต้า คุณรู้อยู่แล้วว่ารูปแบบสูงสุดของเพลงโพลีโฟนิกคือความทรงจำ และรูปแบบโซนาตาเป็นรูปแบบสูงสุดของดนตรีฮาร์มอนิกแบบโฮโมโฟนิก ซึ่งสามารถใช้เทคนิคโพลีโฟนิกได้ในบางครั้งเท่านั้น ในการก่อสร้างทั้งสองรูปแบบมีความคล้ายคลึงกัน เช่นเดียวกับความทรงจำ มีสามส่วนหลักในรูปแบบโซนาตา: การเปิดเผย การพัฒนา และการสรุปย่อ แต่ก็มีความแตกต่างที่สำคัญระหว่างพวกเขาเช่นกัน ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างรูปแบบโซนาตาและความทรงจำปรากฏขึ้นทันทีในนิทรรศการ 18 ความทรงจำส่วนใหญ่สร้างขึ้นจากธีมเดียวซึ่งดำเนินการสลับกันในแต่ละนิทรรศการ คำภาษาเยอรมันนี้มาจาก "singen" ("ร้องเพลง") และ “เกม” (“เล่น”) 18 คำนี้มาจากภาษาละติน แปลว่า "การนำเสนอ" "การแสดง" 20 www.classON.ru เสียงการศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย และตามกฎแล้วในการแสดงออกของรูปแบบโซนาตาจะมีสองธีมหลักที่แตกต่างกันในลักษณะที่แตกต่างกันมากหรือน้อย ขั้นแรก ธีมของส่วนหลักจะดังขึ้น ต่อมาธีมของส่วนด้านข้างจะปรากฏขึ้น แต่ไม่ว่าในกรณีใดคุณควรเข้าใจคำจำกัดความของ "ด้าน" เป็น "รอง" ในความเป็นจริงแล้ว ธีมของส่วนด้านข้างมีบทบาทสำคัญไม่น้อยไปกว่ารูปแบบโซนาตามากกว่าธีมของส่วนหลัก คำว่า "รอง" ใช้ที่นี่เพราะไม่เหมือนกับคำแรก มันจำเป็นต้องฟังในคำอธิบายที่ไม่ได้อยู่ในคีย์หลัก แต่ในอีกอันหนึ่งนั่นคือราวกับว่าอยู่ในคีย์รอง ในดนตรีคลาสสิก ถ้าส่วนหลักในการอธิบายเป็นเสียงหลัก ส่วนด้านข้างจะระบุไว้ในคีย์ของส่วนเด่น (เช่น ถ้าคีย์ของส่วนหลักคือ C เมเจอร์ ดังนั้นคีย์ของส่วนข้างจะเป็น G วิชาเอก). หากส่วนหลักในคำอธิบายเป็นส่วนรอง ส่วนด้านข้างจะถูกระบุเป็นเมเจอร์คู่ขนาน (เช่น หากคีย์ของส่วนหลักคือ C รองลงมา คีย์ของส่วนด้านข้างจะเป็น E-flat major) มีชุดเล็กหรือชุดเชื่อมต่อระหว่างฝ่ายหลักและฝ่ายข้างเคียง ธีมนูนที่เป็นอิสระและไพเราะอาจปรากฏที่นี่ แต่บ่อยครั้งที่ใช้เสียงสูงต่ำของธีมของส่วนหลัก ส่วนเชื่อมต่อทำหน้าที่เปลี่ยนไปยังส่วนด้านข้าง โดยปรับเป็นคีย์ของส่วนด้านข้าง ดังนั้นความเสถียรของโทนเสียงจึงถูกละเมิด ข่าวลือเริ่มคาดว่าจะมี "งานดนตรี" ใหม่ มันกลายเป็นลักษณะของปาร์ตี้ด้านข้าง บางครั้งคำอธิบายอาจนำหน้าด้วยบทนำ และหลังจากส่วนด้านข้าง บทสรุปเล็กๆ น้อยๆ หรือส่วนสุดท้ายทั้งหมด มักจะมีธีมอิสระ นี่คือลักษณะการจัดวางที่สิ้นสุดโดยกำหนดโทนสีของส่วนด้านข้าง ตามทิศทางของนักแต่งเพลง การแสดงออกทั้งหมดอาจถูกทำซ้ำ การพัฒนา - ส่วนที่สองของแบบฟอร์มโซนาตา ในนั้น หัวข้อที่คุ้นเคยจากนิทรรศการจะปรากฏในเวอร์ชันใหม่ สลับไปมาในรูปแบบต่างๆ และนำมาเปรียบเทียบกัน ปฏิสัมพันธ์ดังกล่าวมักไม่เกี่ยวข้องกับหัวข้อทั้งหมด แต่เน้นย้ำและวลีที่แยกออกจากพวกเขา นั่นคือหัวข้อในการพัฒนาแบ่งออกเป็นองค์ประกอบแยกต่างหากเผยให้เห็นพลังงานที่มีอยู่ในนั้น ในกรณีนี้จะมีการเปลี่ยนแปลงคีย์บ่อยครั้ง (คีย์หลักจะไม่ค่อยได้รับผลกระทบที่นี่และไม่นาน) ธีมและองค์ประกอบที่ปรากฏในคีย์ต่างๆ ดูเหมือนจะได้รับการส่องสว่างในรูปแบบใหม่ ซึ่งแสดงให้เห็นจากมุมมองใหม่ หลังจากการพัฒนาไปสู่ความตึงเครียดที่สำคัญที่จุดไคลแม็กซ์ แนวทางของมันเปลี่ยนทิศทาง ในตอนท้ายของส่วนนี้กำลังเตรียมการกลับไปที่คีย์หลักและมีการบรรเลงซ้ำ การบรรเลงเป็นส่วนที่สามของรูปแบบโซนาตา เริ่มต้นด้วยการคืนส่วนหลักในคีย์หลัก ส่วนที่เชื่อมต่อไม่ได้นำไปสู่รหัสใหม่ ในทางตรงกันข้ามจะแก้ไขคีย์หลักซึ่งตอนนี้ทั้งส่วนรองและส่วนสุดท้ายจะถูกทำซ้ำ ดังนั้น การบรรเลงที่มีความเสถียรของโทนเสียง จึงสร้างความสมดุลให้กับธรรมชาติที่ไม่คงที่ของการพัฒนา และให้เสียงที่กลมกลืนแบบคลาสสิกทั้งหมด การบรรเลงบางครั้งสามารถเสริมด้วยการสร้างขั้นสุดท้าย - coda (มาจากคำภาษาละตินที่แปลว่า "หาง") ดังนั้น เมื่อความทรงจำดังขึ้น ความสนใจของเราจะจดจ่ออยู่กับการฟัง การคิด และความรู้สึกเป็นหนึ่งเดียวทางดนตรี ซึ่งรวมอยู่ในธีมเดียว เมื่อได้ยินงานในรูปแบบโซนาตา การได้ยินของเราจะเป็นไปตามการเปรียบเทียบและปฏิสัมพันธ์ของสองประเด็นหลัก (และส่วนเสริม) ราวกับติดตามการพัฒนาของกิจกรรมดนตรีต่างๆ การแสดงดนตรี นี่คือความแตกต่างที่สำคัญระหว่างความเป็นไปได้ทางศิลปะของรูปแบบดนตรีทั้งสองนี้ วงจรโซนาตาคลาสสิก (โซนาตา-ซิมโฟนี) ประมาณหนึ่งในสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 วงจรโซนาตาคลาสสิกได้ก่อตัวขึ้นในดนตรีในที่สุด ก่อนหน้านี้ งานบรรเลงถูกครอบงำด้วยรูปแบบของห้องชุด ซึ่งมีท่อนที่ช้าและเร็วสลับกัน และรูปแบบของโซนาตาแบบเก่าก็ใกล้เคียงกัน ตอนนี้ ในวงจรโซนาตาคลาสสิก จำนวนท่อน (ปกติคือสามหรือสี่) ถูกกำหนดอย่างแม่นยำ แต่เนื้อหากลับซับซ้อนขึ้น การเคลื่อนไหวครั้งแรกมักจะเขียนในรูปแบบโซนาตาซึ่งได้กล่าวถึงในย่อหน้าก่อนหน้า เธอไปเร็วหรือปานกลาง ก้าวเร็ว. ส่วนใหญ่มักจะเป็น A11ego ดังนั้นการเคลื่อนไหวดังกล่าวจึงเรียกว่า sonata allegro ดนตรีในนั้นมักมีลักษณะที่กระฉับกระเฉง มีประสิทธิภาพ ตึงเครียด ดราม่า การเคลื่อนไหวครั้งที่สองจะตรงกันข้ามกับจังหวะและลักษณะทั่วไปของการเคลื่อนไหวครั้งแรกเสมอ บ่อยครั้งที่มันช้าโคลงสั้น ๆ และไพเราะที่สุด แต่ก็อาจแตกต่างกันได้ เช่น คล้ายกับการเล่าเรื่องแบบเนิบๆหรือการร่ายรำที่สละสลวย ในวัฏจักร 3 ตอน ท่อนสุดท้าย ท่อนที่สาม ท่อนสุดท้ายจะเร็วอีกครั้ง มักจะไวกว่า แต่เข้มข้นน้อยกว่าในการพัฒนาเมื่อเทียบกัน เป็นครั้งแรก ตอนจบของวงโซนาตาคลาสสิก (โดยเฉพาะซิมโฟนี) มักจะวาดภาพความสนุกสนานรื่นเริงที่มีผู้คนหนาแน่น และธีมของวงก็ใกล้เคียงกับเพลงและการเต้นรำพื้นบ้าน ในกรณีนี้มักใช้รูปแบบ rondo (จากภาษาฝรั่งเศส "ronde" - "circle") ดังที่คุณทราบ ส่วนแรกที่นี่ (งดเว้น) ทำซ้ำหลาย ๆ ครั้ง สลับกับส่วนใหม่ (ตอน) 21 www.classON.ru การศึกษาสำหรับเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย โอเปร่าเรื่องแรกของเขา? 3. สไตล์คลาสสิกเติบโตขึ้นในช่วงเวลาใดและสไตล์คลาสสิกมีอิทธิพลต่อดนตรีจนถึงเวลาใด อธิบายความแตกต่างระหว่างคำจำกัดความทั้งสองของคำว่า "คลาสสิก" 4. ความเหมือนในข้อใด การก่อสร้างทั่วไป ระหว่างฟิวก์กับโซนาตาฟอร์ม? และอะไรคือความแตกต่างที่สำคัญระหว่างพวกเขา? 5. ตั้งชื่อส่วนหลักและส่วนเพิ่มเติมของแบบฟอร์มโซนาตา วาดแผนภาพของเธอ 6. ส่วนหลักและส่วนด้านข้างของรูปแบบโซนาตามีความสัมพันธ์กันอย่างไรในการแสดงออกและการบรรเลง 7. อะไรคือลักษณะทั่วไปของการพัฒนาในรูปแบบโซนาตา? 8. อธิบายส่วนต่างๆ ของวงจรโซนาตาคลาสสิก 9. ตั้งชื่อประเภทหลักของวงจรโซนาตาคลาสสิกโดยขึ้นอยู่กับองค์ประกอบของนักแสดง ทั้งหมดนี้แยกแยะความแตกต่างของรอบชิงชนะเลิศของรอบสี่ส่วน แต่ในนั้นระหว่างส่วนสุดขั้ว (ที่หนึ่งและสี่) จะมีการวางตรงกลางสองส่วน หนึ่ง - ช้า - ในซิมโฟนีมักจะเป็นครั้งที่สองและในสี่ - ที่สาม การเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 คือ Minuet ซึ่งเกิดขึ้นที่สองในสี่ ดังนั้นเราจึงกล่าวถึงคำว่า "sonata", "quartet", "symphony" ความแตกต่างระหว่างรอบเหล่านี้ขึ้นอยู่กับองค์ประกอบของนักแสดง สถานที่พิเศษเป็นของซิมโฟนี - งานสำหรับวงออเคสตราซึ่งออกแบบมาเพื่อให้เสียงในห้องขนาดใหญ่ต่อหน้าผู้ฟังจำนวนมาก ในแง่นี้ คอนแชร์โตจึงมีความใกล้เคียงกับซิมโฟนี ซึ่งเป็นองค์ประกอบสามจังหวะสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวที่มีวงออร์เคสตราคลอ รอบการบรรเลงของห้องแชมเบอร์ที่พบมากที่สุดคือโซนาตา (สำหรับเครื่องดนตรีหนึ่งหรือสองชิ้น), ทรีโอ (สำหรับเครื่องดนตรีสามชิ้น), ควอเตต (สำหรับเครื่องดนตรีสี่ชิ้น), ควินเต็ต (สำหรับเครื่องดนตรีห้าชิ้น)19 รูปแบบโซนาตาและวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิก เช่นเดียวกับสไตล์คลาสสิกทั้งหมดในดนตรี ก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 18 ซึ่งเรียกว่า "ยุคแห่งการตรัสรู้" (หรือ "ยุคแห่งการตรัสรู้") เช่นเดียวกับ "ยุค ของเหตุผล”. ในศตวรรษนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงครึ่งหลัง ตัวแทนของสิ่งที่เรียกว่า "ฐานันดรที่สาม" ได้รับการเสนอชื่อในหลายประเทศในยุโรป คนเหล่านี้ไม่มียศศักดิ์หรือตำแหน่งทางจิตวิญญาณ พวกเขาเป็นหนี้ความสำเร็จในการทำงานและความคิดริเริ่มของพวกเขาเอง พวกเขาประกาศอุดมคติของ "มนุษย์ปุถุชน" ซึ่งได้รับการกอปรด้วยพลังสร้างสรรค์ จิตใจที่สดใส และความรู้สึกลึกซึ้งโดยธรรมชาติเอง อุดมคติประชาธิปไตยที่มองโลกในแง่ดีนี้สะท้อนให้เห็นในแบบของมันด้วยดนตรีและศิลปะและวรรณกรรมรูปแบบอื่นๆ ตัวอย่างเช่น ชัยชนะของจิตใจมนุษย์และมือที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยเมื่อเริ่มต้นการตรัสรู้ได้รับการยกย่องจากนวนิยายชื่อดังของนักเขียนชาวอังกฤษ Daniel Defoe ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1719 เรื่อง The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe Joseph Haydn 1732-1809 สไตล์ดนตรีคลาสสิกถึงจุดอิ่มตัวและเฟื่องฟูในผลงานของ Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven ชีวิตและการทำงานของแต่ละคนใช้เวลายาวนานในกรุงเวียนนาซึ่งเป็นเมืองหลวงของออสเตรีย ดังนั้น Haydn, Mozart และ Beethoven จึงถูกเรียกว่าคลาสสิกแบบเวียนนา ออสเตรียเป็นอาณาจักรข้ามชาติ ในนั้นพร้อมกับชาวออสเตรียซึ่งมีภาษาพื้นเมืองคือเยอรมันมีชาวฮังกาเรียนและชาวสลาฟหลายคนอาศัยอยู่รวมถึงเช็ก, เซอร์เบีย, โครแอต เพลงของพวกเขาและคำถามและการบ้าน 1 . ตั้งชื่อพันธุ์ประจำชาติ การ์ตูนโอเปร่าศตวรรษที่สิบแปด อะไรคือความแตกต่างระหว่างการสร้างโอเปร่าหนังควายของอิตาลีและการสร้างการ์ตูนโอเปร่าของฝรั่งเศส? 2. กิจกรรมของ Christoph Willibald Gluck นักปฏิรูปโอเปร่าผู้ยิ่งใหญ่เชื่อมโยงกับประเทศและเมืองใดบ้าง เขาเขียนพล็อตเกี่ยวกับอะไร ชื่อของวงเครื่องดนตรีอื่น ๆ ของวงแชมเบอร์ - เซ็กเต็ต (6), เซ็ปเตต (7), อ็อกเตต (8), ไม่มี (9), เดซิเมต (10) คำจำกัดความของ "แชมเบอร์มิวสิค" มาจากคำว่า "กล้อง" - "ห้อง" ในภาษาอิตาลี จนถึงศตวรรษที่ 19 การแต่งเพลงสำหรับเครื่องดนตรีหลายชนิดมักแสดงที่บ้าน นั่นคือเข้าใจว่าเป็น "ดนตรีในห้อง" 19 22 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาท่วงทำนองศิลปะการเต้นรำของรัสเซียสามารถได้ยินได้ทั้งในหมู่บ้านและในเมือง ในเวียนนาดนตรีพื้นบ้านฟังได้ทุกที่ - ในใจกลางเมืองและนอกเมืองที่สี่แยกถนนในสวนสาธารณะและสวนสาธารณะในร้านอาหารและผับในบ้านส่วนตัวที่ร่ำรวยและยากจน เวียนนายังเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของวัฒนธรรมดนตรีอาชีพ โดยมีศูนย์กลางอยู่ที่ราชสำนัก โบสถ์ของขุนนาง 1 และร้านเสริมสวย วิหาร และโบสถ์ของชนชั้นสูง โอเปร่าซีเรียของอิตาลีได้รับการฝึกฝนมายาวนานในเมืองหลวงของออสเตรีย Gluck เริ่มการปฏิรูปโอเปร่าของเขาที่นี่ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ดนตรีที่มาพร้อมกับงานเฉลิมฉลองในราชสำนักมากมาย แต่ชาวเวียนนาเต็มใจเข้าร่วมการแสดงตลกขบขันพร้อมดนตรีซึ่งเป็นที่มาของ singshpils และพวกเขาชอบเต้นรำมาก จากสามผู้ยิ่งใหญ่ชาวเวียนนา ดนตรีคลาสสิก ไฮเดินมีอายุมากที่สุด เขาอายุ 24 ปีเมื่อ Mozart เกิด และ 38 ปีเมื่อ Beethoven เกิด ไฮเดินมีชีวิตยืนยาว เขารอดชีวิตจากโมสาร์ทซึ่งเสียชีวิตก่อนกำหนดเกือบสองทศวรรษและยังมีชีวิตอยู่เมื่อเบโธเฟนสร้างผลงานส่วนใหญ่ของเขาที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว สำหรับโรงละครส่วนตัวของเจ้าชาย เขาเขียนโอเปร่ามากกว่าสองโหลในประเภทของซีเรีย หนังควาย รวมถึงโอเปร่า "หุ่นกระบอก" อีกหลายเรื่องสำหรับการแสดงที่เล่นโดยหุ่นเชิด แต่ความสนใจและความสำเร็จในการสร้างสรรค์หลักของเขาคือดนตรีบรรเลงซิมโฟนิกและแชมเบอร์ทู รวมแล้วมีมากกว่า 800 องค์ประกอบ3. ในหมู่พวกเขา ซิมโฟนีมากกว่า 100 เพลง เครื่องสายมากกว่า 80 เครื่อง และโซนาตาคลาเวียร์มากกว่า 60 เครื่องมีความสำคัญเป็นพิเศษ ในตัวอย่างที่โตเต็มวัยซึ่งมีความสมบูรณ์ ความสว่าง และความคิดริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เผยให้เห็นโลกทัศน์ในแง่ดีของนักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ บางครั้งทัศนคติที่สดใสนี้ถูกกำหนดโดยอารมณ์ที่เศร้าหมอง พวกเขามักจะเอาชนะความรักในชีวิตที่ไม่สิ้นสุดของ Haydn การสังเกตที่กระตือรือร้น อารมณ์ขันร่าเริง เรียบง่าย มีสุขภาพดี และในขณะเดียวกันก็รับรู้บทกวีเกี่ยวกับความเป็นจริงโดยรอบ เส้นทางชีวิตเด็กปฐมวัย. โรเรา และ ไฮน์บวร์ก Franz Joseph Haydn เกิดในปี 1732 ในหมู่บ้าน Rorau ซึ่งตั้งอยู่ทางตะวันออกของออสเตรีย ใกล้ชายแดนฮังการีและไม่ไกลจากเวียนนา พ่อของ Haydn เป็นโค้ชที่มีฝีมือ ส่วนแม่ของเขาทำหน้าที่เป็นคนทำอาหารในที่ดินของท่านเคานต์ ซึ่งเป็นเจ้าของ Rorau โจเซฟลูกชายคนโตของเขาซึ่งในครอบครัวเรียกว่า Zepperl ด้วยความรัก พ่อแม่เริ่มคุ้นเคยกับเขาตั้งแต่เนิ่นๆ กับความอุตสาหะ ความถูกต้อง ความสะอาด พ่อของ Haydn ไม่รู้จักดนตรีเลย แต่เขาชอบร้องเพลง เล่นพิณไปกับเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่ออยู่กับเขา แขกรวมตัวกันในบ้านหลังเล็ก Zepperl ร้องคลอด้วยเสียงสีเงินใส เผยให้เห็นหูอันน่าทึ่งสำหรับดนตรี และเมื่อเด็กชายอายุเพียงห้าขวบเขาถูกส่งไปยังเมือง Hainburg ที่อยู่ใกล้เคียงเพื่อไปหาญาติห่าง ๆ ซึ่งเป็นผู้นำโรงเรียนและนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ ใน Hainburg Sepperl ได้เรียนรู้การอ่าน เขียน นับ ร้องเพลงประสานเสียง และเริ่มฝึกฝนทักษะการเล่นคลาวิคอร์ดและไวโอลิน แต่มันไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเขาที่จะอยู่ในครอบครัวแปลก ๆ หลายปีต่อมา เขาจำได้ว่าเขาได้รับ "เครื่องตีมากกว่าอาหาร" ทันทีที่ Zepperl ไปถึง Hainburg เขาได้รับคำสั่งให้เรียนรู้การตีกลองทิมปานีเพื่อเข้าร่วมในขบวนแห่เพลงของโบสถ์เดียวกัน เด็กชายหยิบตะแกรง ดึงผ้ามาคลุม แล้วเริ่มออกกำลังกายอย่างขยันขันแข็ง เขาทำงานของเขาสำเร็จ เฉพาะในการจัดขบวนแห่เท่านั้นที่ต้องแขวนเครื่องดนตรีไว้บนหลังคนตัวเตี้ย และเขาก็หลังค่อมซึ่งสร้างเสียงหัวเราะจากผู้ชม ในโบสถ์ของมหาวิหารเซนต์สตีเฟนในกรุงเวียนนา เมื่อไปเยือนเมืองไฮน์บวร์ก เกออร์ก รอยเตอร์ นักดนตรีประจำมหาวิหารแห่งเวียนนาและนักแต่งเพลงประจำศาลได้ดึงดูดความสนใจไปที่ความสามารถทางดนตรีอันโดดเด่น ไฮเดินเป็นผู้ศรัทธาที่จริงใจ เขาเป็นผู้ประพันธ์เพลงจำนวนมากและงานร้องและเครื่องดนตรีอื่น ๆ ตามตำราทางจิตวิญญาณ 23 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Zepperl ดังนั้นในปี 1740 Haydn วัยแปดขวบจึงพบว่าตัวเองอยู่ในเมืองหลวงของออสเตรียซึ่งเขาได้รับการยอมรับให้เป็นนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ของมหาวิหาร (หลัก) ของมหาวิหารเซนต์สตีเฟน ทำมันเอง การเริ่มต้นชีวิตอิสระที่ยากลำบาก เมื่อตอนอายุสิบแปดปี เสียงของชายหนุ่มเริ่มขาดห้วง - เสียงแหบแห้งชั่วคราวและสูญเสียความยืดหยุ่น เขาถูกโยนออกจากโบสถ์อย่างหยาบคายและไร้ความปรานี เมื่อพบว่าตัวเองไม่มีที่พักพิงและเงินทุน เขาอาจเสียชีวิตจากความหิวโหยและความหนาวเหน็บได้หากไม่ได้รับที่กำบังจากนักร้องที่คุ้นเคยซึ่งอาศัยอยู่กับภรรยาและลูกในห้องเล็กๆ ใต้หลังคาเป็นระยะเวลาหนึ่ง Haydn เริ่มรับงานดนตรีทุกอย่างที่เกิดขึ้น: เขาคัดลอกโน้ต, ให้บทเรียนเพนนีในการร้องเพลง, เล่นคลอเวียร์, เข้าร่วมในฐานะนักไวโอลินในวงดนตรีบรรเลงข้างถนนที่แสดงเซเรเนดในตอนกลางคืนเพื่อเป็นเกียรติแก่ชาวเมืองคนหนึ่ง ในที่สุด เขาก็สามารถเช่าห้องเล็กๆ บนชั้นหกซึ่งเป็นชั้นสุดท้ายของบ้านในใจกลางกรุงเวียนนาได้ ห้องถูกลมพัดแรงไม่มีเตาในฤดูหนาวน้ำมักจะแข็งตัว ไฮเดินอยู่ในสภาพเช่นนั้นเป็นเวลาสิบปี แต่เขาก็ไม่ย่อท้อและทำงานศิลปะที่เขาชื่นชอบอย่างกระตือรือร้น “เมื่อข้าพเจ้านั่งอยู่ที่โต๊ะตัวเก่าที่กินหนอนเป็นอาหาร” เขาย้อนนึกถึงในวัยชรา “ข้าพเจ้าไม่อิจฉาความสุขของกษัตริย์องค์ใดเลย” Haydn ได้รับความช่วยเหลือให้เอาชนะความยากลำบากในชีวิตประจำวันด้วยบุคลิกที่สดใสและร่าเริงของเขา ตัวอย่างเช่น ครั้งหนึ่งในตอนกลางคืน เขาให้นักดนตรีคนอื่นๆ อยู่ในมุมที่เงียบสงบบนถนนสายหนึ่งของกรุงเวียนนา และเมื่อสัญญาณของเขาดังขึ้น ทุกคนก็เล่นเพลงที่เขาชอบ ผลที่ตามมาคือ "คอนเสิร์ตแมว" ซึ่งก่อให้เกิดความปั่นป่วนในหมู่ผู้อยู่อาศัยโดยรอบ นักดนตรีสองคนลงเอยด้วยการเป็นตำรวจ แต่ผู้ยุยงของ "เซเรเนด" อื้อฉาวไม่ได้ถูกส่งตัวข้ามแดน เมื่อได้รู้จักกับนักแสดงการ์ตูนยอดนิยม ไฮเดินได้แต่งเพลง "The Lame Demon" ร่วมกับเขา และได้รับเงินจำนวนเล็กน้อย ทำหน้าที่เป็นทหารราบ ไฮเดินเริ่มมีชื่อเสียงในเวียนนาทีละน้อยทั้งในฐานะครูและนักแต่งเพลง เขาได้พบกับคนดัง นักดนตรีและคนรักดนตรี ในบ้านของเจ้าหน้าที่ที่มีชื่อเสียง เขาเริ่มมีส่วนร่วมในการแสดงวงแชมเบอร์ และสร้างวงเครื่องสายวงแรกสำหรับคอนเสิร์ตในชนบทของเขา และไฮเดินได้ประพันธ์ซิมโฟนีชุดแรกในปี พ.ศ. 2302 เมื่อเขาได้รับวงออร์เคสตราขนาดเล็กมาจัดการ และกลายเป็นหัวหน้าห้องสวดมนต์ของเคานต์มอร์ซิน การนับนั้นเก็บเฉพาะนักดนตรีที่ยังไม่แต่งงานเท่านั้น ไฮเดินซึ่งแต่งงานกับลูกสาวของช่างทำผมชาวเวียนนาถูกบังคับให้ปิดเป็นความลับ แต่สิ่งนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงปี 1760 เมื่ออยู่ในกรุงเวียนนา เมืองที่สวยงามขนาดใหญ่ที่มีอาคารที่งดงามและสถาปัตยกรรมตระการตา คลื่นแห่งความประทับใจใหม่ที่สดใสได้พัดผ่านเด็กชาย เสียงเพลงพื้นบ้านสากลดังขึ้น ในอาสนวิหารและในราชสำนักซึ่งคณะนักร้องประสานเสียงทำการแสดง ก็มีการแสดงเสียงร้องและเครื่องดนตรีอันเคร่งขรึม แต่เงื่อนไขของการดำรงอยู่กลับกลายเป็นเรื่องยากอีกครั้ง ในห้องเรียน การซ้อมและการแสดง หนุ่มๆ คณะนักร้องประสานเสียงเหนื่อยมาก พวกเขาได้รับอาหารไม่ดี พวกเขาหิวโหยตลอดเวลา พวกเขาถูกลงโทษอย่างรุนแรงจากการเล่นตลก ไฮเดินน้อยยังคงศึกษาศิลปะการร้องเพลง เล่นคลาเวียร์และไวโอลินอย่างขะมักเขม้น และเขาต้องการแต่งเพลงจริงๆ อย่างไรก็ตาม รอยเตอร์ไม่สนใจเรื่องนี้ ยุ่งกับเรื่องของตัวเองมากเกินไป ตลอดเวลาเก้าปีที่ไฮเดินอยู่ในโบสถ์ เขาสอนเขาเพียงสองบทเรียนในการแต่งเพลง แต่โจเซฟก็ทำตามเป้าหมายอย่างดื้อรั้น ขยันขันแข็ง ไม่กี่ปีต่อมาเขาได้เขียนบทเพลงอีกเพลงหนึ่งชื่อ "The New Lame Imp" 20 24 www.classON.ru การศึกษาของเด็กๆ ในสาขาศิลปะรัสเซีย กิจการด้านวัตถุของเคานต์สั่นคลอน และเขาเลิกโบสถ์ของเขา การแต่งงานของไฮเดินไม่ประสบความสำเร็จ คนที่เขาเลือกนั้นมีความโดดเด่นด้วยตัวละครที่หนักและไม่พอใจ เธอไม่สนใจเรื่องการแต่งเพลงของสามีเลย - จนถึงจุดที่เธอทำกระดาษปาปิลโลตและซับในสำหรับกบาลจากต้นฉบับการแต่งเพลงของเขา ไม่กี่ปีต่อมา Haydn เริ่มแยกตัวจากภรรยา พวกเขาไม่มีลูก ในโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy ในปี พ.ศ. 2304 ชาวฮังการีผู้มั่งคั่ง เจ้าชาย Pal Antal Esterhazy เชิญ Haydn ไปที่ Eisenstadt ในฐานะรอง kapellmeister จากช่วงเวลานั้น Haydn ก็เริ่มให้บริการกับครอบครัว Esterhazy ซึ่งกินเวลานานถึงสามทศวรรษทั้งหมด ห้าปีต่อมาเขากลายเป็นหัวหน้าวง - หลังจากนักดนตรีสูงอายุที่ดำรงตำแหน่งนี้เสียชีวิต ทายาทของ Pala Antal ซึ่งเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2305 โดดเด่นด้วยความมุ่งมั่นในความบันเทิงที่หรูหราและมีราคาแพง Myklosh 1 น้องชายของเขาได้รับฉายาว่า Magnificent ไม่กี่ปีต่อมา พระองค์ทรงย้ายที่ประทับจาก Eisenstadt ไปยังพระราชวังใหม่ซึ่งมีห้อง 126 ห้อง ล้อมรอบด้วยสวนสาธารณะขนาดใหญ่ และสร้าง โรงละครโอเปร่า สำหรับที่นั่ง 400 ที่นั่งและโรงละครหุ่น ทำให้จำนวนนักดนตรีในโบสถ์เพิ่มขึ้นอย่างมาก การทำงานในนั้นทำให้ Haydn ได้รับการสนับสนุนทางการเงินที่ดีและนอกจากนี้ - โอกาสในการแต่งเพลงมากมายและทดสอบตัวเองทันทีในทางปฏิบัติโดยกำกับการแสดงของวงออเคสตราในผลงานใหม่ของเขา ใน Esterhaz (ตามที่เรียกว่าที่พำนักใหม่ของเจ้าชาย) มักจะมีการจัดงานต้อนรับที่แออัดโดยมักจะมีแขกต่างชาติระดับสูงเข้าร่วม ด้วยเหตุนี้ ผลงานของ Haydn จึงค่อยๆ เป็นที่รู้จักนอกประเทศออสเตรีย แต่มีในทั้งหมดนี้อย่างที่พวกเขาพูด อีกด้านหนึ่งของเหรียญ เมื่อเขาเข้ารับราชการ Haydn ได้เซ็นสัญญาซึ่งเขากลายเป็นคนรับใช้ทางดนตรี เขาต้องปรากฏตัวทุกวันก่อนและหลังอาหารค่ำที่ด้านหน้าของพระราชวังในวิกผมและถุงน่องสีขาวเพื่อฟังคำสั่งของเจ้าชาย สัญญาบังคับให้ไฮเดินเขียนโดยด่วน "เพลงใด ๆ ที่เจ้านายของเขาปรารถนา ไม่แสดงการแต่งใหม่ให้ใครเห็น และยิ่งกว่านั้นคือไม่อนุญาตให้ใครตัดออก แต่ให้เก็บไว้เพื่อเจ้านายของเขาเท่านั้นโดยที่เขาไม่รู้และมีน้ำใจ ขออนุญาติไม่แต่งอะไรให้ใคร" . นอกจากนี้ ไฮเดินน์ยังต้องปฏิบัติตามระเบียบในโบสถ์และพฤติกรรมของนักดนตรี ให้บทเรียนแก่นักร้อง และรับผิดชอบความปลอดภัยของเครื่องดนตรีและตัวโน้ต เขาไม่ได้อาศัยอยู่ในวัง แต่อยู่ในหมู่บ้านใกล้เคียงในบ้านหลังเล็ก ๆ จาก Eisenstadt ศาลของเจ้าชายเคยย้ายไปเวียนนาในฤดูหนาว และจากเอสเตอร์ฮาซี ไฮเดินสามารถเข้าไปในเมืองหลวงได้เป็นครั้งคราวกับเจ้าชายหรือได้รับอนุญาตพิเศษเท่านั้น ในช่วงหลายปีที่อยู่ใน Eisenstadt และ Esterhase นั้น Haydn ได้เปลี่ยนจากนักดนตรีมือใหม่ไปสู่นักแต่งเพลงฝีมือเยี่ยม ซึ่งผลงานของเขามีความสมบูรณ์แบบทางศิลปะสูงและไม่เพียงเป็นที่รู้จักในออสเตรียเท่านั้น แต่ยังอยู่ไกลเกินขอบเขตอีกด้วย ดังนั้นเขาจึงเขียน "Paris Symphonies" หกเพลง (หมายเลข 82-87) ตามคำสั่งจากเมืองหลวงของฝรั่งเศสซึ่งประสบความสำเร็จในปี พ.ศ. 2329 การประชุมของ Haydn กับ Wolfgang Amadeus Mozart ในเวียนนาย้อนกลับไปในทศวรรษที่ 1780 การสร้างสายสัมพันธ์ที่เป็นมิตรมีผลดีต่องานของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสอง เมื่อเวลาผ่านไป Haydn เริ่มตระหนักถึงตำแหน่งที่ต้องพึ่งพิงของเขามากขึ้นเรื่อยๆ ในจดหมายของเขาถึงเพื่อน ๆ จาก Esterhazy ในเวียนนาซึ่งเขียนขึ้นในช่วงครึ่งแรกของปี 1790 มีวลีดังกล่าว: "ตอนนี้ - ฉันกำลังนั่งอยู่ในถิ่นทุรกันดาร - ถูกทอดทิ้ง - เหมือนเด็กกำพร้าที่น่าสงสาร - เกือบจะไม่มีผู้คน - เศร้า .. เจ้าชายองค์สุดท้ายแห่ง Esterhazy เป็นเจ้าของที่ดินอันกว้างใหญ่ มีคนรับใช้มากมาย และใช้ชีวิตแบบราชวงศ์ในวังของพวกเขา พิเศษ 25 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียฉันไม่รู้มาหลายวันแล้วว่าฉันเป็นหัวหน้าวงหรือดรัมเมเยอร์... เป็นเรื่องน่าเศร้าที่ต้องเป็นทาสตลอดเวลา...» จุดเปลี่ยนใหม่ โชคชะตา. การเดินทางไปอังกฤษ. Miklós Esterházy เสียชีวิตในฤดูใบไม้ร่วงปี 1790 เขาเป็นคนรักดนตรีที่รู้แจ้ง เล่นเครื่องสาย และชื่นชม "คนรับใช้ทางดนตรี" ในแบบของเขาอย่างไฮเดินไม่ได้ เจ้าชายมอบเงินบำนาญตลอดชีวิตก้อนโตให้เขา Antal ทายาทของ Miklos ไม่แยแสกับดนตรี แต่ต้องการให้นักแต่งเพลงชื่อดังยังคงเป็นหัวหน้าวงดนตรีในศาลของเขาต่อไป เขาจึงเพิ่มการจ่ายเงินสดให้กับ Haydn ซึ่งทำให้เขาเป็นอิสระจากหน้าที่ราชการและสามารถกำจัดตัวเองได้อย่างสมบูรณ์ ไฮเดินน์ย้ายไปเวียนนาด้วยความตั้งใจที่จะแต่งเพลง และในตอนแรกปฏิเสธข้อเสนอที่จะไปเยือนประเทศอื่น แต่แล้วเขาก็ตกลงรับข้อเสนอให้เดินทางไกลไปอังกฤษ และเมื่อต้นปี พ.ศ. 2334 ก็มาถึงลอนดอน ดังนั้นเมื่อใกล้ถึงวันเกิดปีที่ 60 ของเขา Haydn ได้เห็นทะเลเป็นครั้งแรกด้วยตาของเขาเอง และเป็นครั้งแรกที่พบว่าตัวเองอยู่ในสถานะอื่น ซึ่งแตกต่างจากออสเตรียซึ่งยังคงเป็นศักดินา-ขุนนางในแบบของตน อังกฤษเป็นประเทศชนชั้นนายทุนมาช้านาน และสังคม รวมทั้งดนตรี ชีวิตในลอนดอนแตกต่างจากเวียนนาอย่างมาก ในลอนดอน เมืองใหญ่ที่มีธุรกิจอุตสาหกรรมและการค้ามากมาย คอนเสิร์ตไม่ได้จัดขึ้นสำหรับบุคคลที่ได้รับเลือกซึ่งได้รับเชิญให้ไปที่พระราชวังและร้านเสริมสวยของขุนนาง แต่จัดในห้องโถงสาธารณะซึ่งทุกคนมาโดยมีค่าธรรมเนียม ชื่อของไฮเดินในอังกฤษถูกห้อมล้อมด้วยรัศมีแห่งความรุ่งโรจน์แล้ว และ นักดนตรีที่มีชื่อเสียง และบุคคลระดับสูงปฏิบัติต่อเขาไม่เพียงเท่าเทียมกัน แต่ยังให้ความเคารพเป็นพิเศษอีกด้วย ผลงานใหม่ของเขาในการแสดงที่เขาทำหน้าที่เป็นวาทยกรนั้นได้รับการตอบสนองอย่างกระตือรือร้นและได้รับค่าตอบแทนอย่างไม่เห็นแก่ตัว Haydn แสดงวงออเคสตร้าขนาดใหญ่ที่มีผู้เข้าร่วม 40-50 คน นั่นคือสองเท่าของโบสถ์ Esterhazy มหาวิทยาลัยอ็อกซ์ฟอร์ดมอบปริญญาดุษฎีบัณฑิตกิตติมศักดิ์สาขาดนตรีให้เขา ไฮเดินกลับไปเวียนนาในหนึ่งปีครึ่งต่อมา ระหว่างทางได้แวะเมืองบอนน์ของเยอรมัน ที่นั่นเขาได้พบกับลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในวัยเยาว์เป็นครั้งแรก ซึ่งไม่นานก็ย้ายไปเวียนนาด้วยความตั้งใจที่จะเรียนกับไฮเดิน แต่เบโธเฟนไม่ได้เรียนบทเรียนจากเขานานนัก อัจฉริยะทางดนตรีสองคนที่มีอายุและอารมณ์ต่างกันเกินไปจึงไม่พบความเข้าใจที่แท้จริงร่วมกัน อย่างไรก็ตาม เบโธเฟนได้อุทิศเปียโนโซนาตาสามตัวของเขา (ลำดับที่ 1-3) ให้กับไฮเดินในระหว่างการตีพิมพ์ การเดินทางไปอังกฤษครั้งที่สองของ Haydn เริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2337 และกินเวลานานกว่าปีครึ่งเล็กน้อย ความสำเร็จเป็นชัยชนะอีกครั้ง จากผลงานที่สร้างไว้มากมาย ในระหว่างการเดินทางเหล่านี้และเกี่ยวข้องกับพวกเขา สิ่งที่เรียกว่า "London Symphonies" ทั้งสิบสองรายการมีความสำคัญเป็นพิเศษ ปีสุดท้ายของชีวิตและความคิดสร้างสรรค์ มิคลอสที่ 2 เจ้าชายองค์ต่อไปแห่งเอสเตอร์ฮาซีทรงสนพระทัยในดนตรีมากกว่าพระองค์ก่อน ดังนั้นบางครั้ง Haydn จึงเริ่มวิ่งจากเวียนนาไปยัง Eisenstadt และเขียนมวลชนหลายชุดตามคำสั่งของเจ้าชาย ผลงานหลักของนักแต่งเพลงในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา - oratorios ที่ยิ่งใหญ่สองเรื่อง "The Creation of the World" และ "The Seasons" - จัดแสดงในเวียนนาโดยประสบความสำเร็จอย่างมาก (ชิ้นหนึ่งในปี 1799 อีกชิ้นในปี 1801) การพรรณนาถึงความโกลาหลในสมัยโบราณ ซึ่งโลกถือกำเนิดขึ้น การสร้างโลก การกำเนิดชีวิตบนโลก และการสร้างมนุษย์ นั่นคือเนื้อหาของ oratorios แรกเหล่านี้ สี่ส่วนของ oratorio ที่สอง (“ฤดูใบไม้ผลิ”, “ฤดูร้อน”, “ฤดูใบไม้ร่วง”, “ฤดูหนาว”) ประกอบด้วยภาพร่างดนตรีที่มีจุดมุ่งหมายอย่างดีของธรรมชาติในชนบทและชีวิตชาวนา 26 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย หลังจากปี 1803 Haydn ไม่ได้แต่งเรื่องอื่น เขาใช้ชีวิตของเขาอย่างเงียบ ๆ ล้อมรอบด้วยเกียรติยศและเกียรติยศ ไฮเดินน์ถึงแก่กรรมในฤดูใบไม้ผลิปี 1809 ในช่วงที่เกิดสงครามนโปเลียน เมื่อฝรั่งเศสเข้าสู่กรุงเวียนนา เชลโลและดับเบิ้ลเบส กลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ประกอบด้วยฟลุต โอโบ คลาริเน็ต และบาสซูน 21. กลุ่มเครื่องเป่าลมทองเหลืองของไฮเดินประกอบด้วยแตรและทรัมเป็ต และเขาใช้เพียงทิมปานีจากเครื่องเพอร์คัชชัน และเฉพาะในลอนดอนซิมโฟนีที่สิบสองสุดท้ายเท่านั้น ที่เขาเพิ่มสามเหลี่ยมเข้าไป ฉิ่งและกลอง คำถามและภารกิจ 1 . นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมสามคนคนใดที่เรียกว่าดนตรีคลาสสิกของเวียนนา อะไรอธิบายคำจำกัดความดังกล่าว? 2. บอกเราเกี่ยวกับชีวิตทางดนตรีของเวียนนาในศตวรรษที่ 18 3. อะไรคือหลัก แนวดนตรีในผลงานของไฮเดิน 4. วัยเด็กและเยาวชนของ Haydn ผ่านไปที่ไหนและอย่างไร? 5. Haydn เริ่มต้นการเดินทางอย่างอิสระได้อย่างไร? 6.. ชีวิตและงานของ Haydn ดำเนินไปอย่างไรในระหว่างที่เขารับใช้ในโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy? 7. บอกเราเกี่ยวกับการเดินทางไปอังกฤษของ Haydn และเกี่ยวกับปีสุดท้ายในชีวิตของเขา ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ เมื่อ Haydn เขียนซิมโฟนีครั้งแรกในปี 1759 งานประเภทนี้มีอยู่แล้วและยังคงถูกสร้างขึ้นอย่างต่อเนื่อง พวกเขาเกิดขึ้นในอิตาลี เยอรมนี ออสเตรีย และประเทศอื่นๆ ในยุโรป ตัว​อย่าง​เช่น ใน​กลาง​ศตวรรษ​ที่ 18 ซิมโฟนี​ที่​แต่ง​และ​แสดง​ใน​เมือง​มันน์ไฮม์​ของ​เยอรมัน​ซึ่ง​มี​วง​ออร์เคสตรา​ที่​ดี​ที่​สุด​ใน​เวลา​นั้น​ได้​รับ​ชื่อเสียง​ทั่ว​ไป. ในบรรดานักแต่งเพลงของ "โรงเรียนมันไฮม์" มีชาวเช็กจำนวนมาก หนึ่งในบรรพบุรุษของซิมโฟนีคือการทาบทามของโอเปร่าอิตาลีสามท่อน (โดยมีอัตราส่วนของส่วนตามจังหวะ: "เร็ว-ช้า-เร็ว") ในซิมโฟนียุคแรก ("ยุคก่อนคลาสสิก") เส้นทางสู่ซิมโฟนีคลาสสิกในอนาคตยังคงปูอยู่ โดยคุณลักษณะเด่นคือความสำคัญของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความสมบูรณ์แบบของรูปแบบ จากเส้นทางนี้ ไฮเดินมาถึงวงซิมโฟนีของเขาในช่วงปี 1780 และในเวลาเดียวกัน ซิมโฟนีที่โตเต็มที่ของโมสาร์ทที่ยังเด็กมากก็ปรากฏตัวขึ้น ซึ่งก้าวขึ้นสู่ระดับสูงสุดของความเชี่ยวชาญทางศิลปะอย่างรวดเร็วอย่างน่าอัศจรรย์ ไฮเดินสร้างซิมโฟนีลอนดอนของเขาซึ่งครองตำแหน่งความสำเร็จของเขาในประเภทนี้ หลังจากการมรณกรรมของโมสาร์ทก่อนวัยอันควรซึ่งทำให้เขาตกใจอย่างมาก ในซิมโฟนีที่โตเต็มที่ของ Haydn ได้มีการกำหนดองค์ประกอบทั่วไปของวงจรสี่การเคลื่อนไหวดังต่อไปนี้: sonata allegro, slow movement, minuet และfinale (โดยปกติจะอยู่ในรูปของ rondo หรือ sonata allegro) ในเวลาเดียวกันองค์ประกอบคลาสสิกของวงออเคสตราจากเครื่องดนตรีสี่กลุ่มถูกกำหนดไว้ในคุณสมบัติหลัก กลุ่มชั้นนำ - สตริง ซึ่งรวมถึงไวโอลิน วิโอลา Haydn ไม่ได้ใช้คลาริเน็ตเสมอไป แม้แต่ในลอนดอนซิมโฟนีของเขา ก็ปรากฏเพียงห้าครั้ง (จากสิบสอง) 21 27 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ซิมโฟนีนี้เรียกว่า "การทหาร" นอกจากนี้ยังมีชื่อสำหรับซิมโฟนีอื่น ๆ ของ Haydn ในกรณีส่วนใหญ่ผู้แต่งไม่ได้กำหนดรายละเอียดเหล่านี้เองและทำเครื่องหมายเพียงรายละเอียดเดียวซึ่งมักจะเป็นภาพเช่นการเลียนแบบการคลิกในส่วนช้าของซิมโฟนี "ไก่" หรือ "ฟ้อง" - ในส่วนช้าของซิมโฟนี " ชั่วโมง". เรื่องราวพิเศษเกี่ยวข้องกับซิมโฟนีใน F-sharp minor ซึ่งมีชื่อว่า "Farewell" มันมีส่วนที่ห้าเพิ่มเติม (อย่างแม่นยำยิ่งขึ้นคือ Adagio ของประเภท coda) ระหว่างการแสดง สมาชิกวงออร์เคสตราดับเทียนที่คอนโซลทีละคน หยิบเครื่องดนตรีและออกไป เหลือเพียงนักไวโอลินสองคนซึ่งเล่นบาร์สุดท้ายอย่างเงียบ ๆ และเศร้าใจและจากไป มีคำอธิบายดังต่อไปนี้ ราวกับว่าครั้งหนึ่งในฤดูร้อน เจ้าชายมิคลอสที่ 1 เลื่อนนักดนตรีของโบสถ์ของเขาในเอสเตอร์ฮาซออกไปนานกว่าปกติ และพวกเขาต้องการพักผ่อนให้เร็วที่สุดเพื่อไปหาครอบครัวที่อาศัยอยู่ใน Eisenstadt และตอนจบที่สองที่ผิดปกติของ Farewell Symphony ก็ทำหน้าที่เป็นสัญญาณของสถานการณ์เหล่านี้ นอกจากซิมโฟนีแล้ว ไฮเดินยังมีผลงานอื่นๆ อีกมากมายสำหรับวงออเคสตร้า รวมถึงเครื่องดนตรีเดี่ยวกว่าร้อยชิ้น และทันใดนั้นทุกอย่างก็เปลี่ยนไปอย่างสนุกสนาน: การแสดงของ sonata allegro เริ่มต้นขึ้น แทนที่จะเป็นจังหวะช้า - เร็ว (Allegro con spirito - "อย่างรวดเร็วด้วยความกระตือรือร้น") แทนที่จะเป็นเสียงเบสหนักพร้อมเพรียง - แรงจูงใจแรกของธีมการเต้นแบบเคลื่อนที่ร่าเริงติดต่อของส่วนหลักเกิดจากเสียงเดียวกันของ G และ A-flat ในการลงทะเบียนสูง ลวดลายทั้งหมดของธีมนี้ซึ่งระบุไว้ในคีย์หลัก เริ่มต้นด้วยเสียงซ้ำๆ ของเสียงแรก - ราวกับว่ามีการเหยียบย่ำอย่างรุนแรง: ซิมโฟนีในอีแฟลตเมเจอร์ นี่คือ "London Symphonies" ครั้งที่สิบเอ็ดของสิบสองของ Haydn คีย์หลักของมันคือ E-flat major เป็นที่รู้จักกันในนาม "ซิมโฟนีลูกคอทิมปานี" 22. ซิมโฟนีประกอบด้วยสี่ท่วงท่า ส่วนแรกเริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ ลูกคอ (“เศษส่วน”) ของทิมปานีปรับให้เข้ากับเสียงโทนิกอย่างนุ่มนวล มันเหมือนเสียงฟ้าร้องที่อยู่ไกลออกไป จากนั้นธีมของบทนำก็แผ่ออกไปใน "หิ้ง" ที่กว้างและราบรื่น ประการแรก บรรเลงโดยเชลโล ดับเบิ้ลเบส และปี่ ดูเหมือนว่าเงาลึกลับบางอย่างกำลังลอยอย่างเงียบ ๆ บางครั้งก็หยุดนิ่ง ที่นี่พวกเขาลังเลและหยุดนิ่ง: ในมาตรการสุดท้ายของการแนะนำพร้อมเพรียงกันสลับกันหลายครั้งกับเสียงใกล้เคียง G และ A-flat บังคับให้หูคาดหวัง - จะเกิดอะไรขึ้นต่อไป? ธีมนี้ถูกเล่นซ้ำสองครั้งโดยเครื่องสายเปียโน เสริมด้วยเสียงคำรามของการเต้นรำที่สนุกสนาน ทำให้เกิดเสียงที่ไพเราะในวงออร์เคสตราทั้งหมด เสียงดังกึกก้องนี้ผ่านไปอย่างรวดเร็ว และคำใบ้ของความลึกลับปรากฏขึ้นอีกครั้งในส่วนที่เชื่อมต่อกัน โทนเสียงขาดเสถียรภาพ มีการมอดูเลตใน B-flat major (เด่นกว่า E-flat major) - คีย์ของส่วนด้านข้าง ไม่มีธีมใหม่ในส่วนที่เชื่อมต่อกัน แต่ได้ยินแรงจูงใจดั้งเดิมของธีมของ Timpani นั่นคือซีกโลกที่มีผิวหนังยื่นออกมาซึ่งถูกตีด้วยไม้สองอัน แต่ละซีกสามารถสร้างเสียงได้เพียงหนึ่งระดับเท่านั้น ซิมโฟนีคลาสสิกมักจะใช้สองซีกที่ปรับเป็นโทนิกและโดเรมอน 22 28 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียในส่วนหลักและการเตือนความจำที่ห่างไกลเกี่ยวกับหัวข้อของบทนำ: การแสดงจบลงด้วยการยืนยันกุญแจของส่วนด้านข้าง (B-flat major) การแสดงซ้ำและการพัฒนาตามมา มันเต็มไปด้วยการเลียนแบบโพลีโฟนิกและการพัฒนาโทนเสียงฮาร์มอนิกของลวดลายที่แยกได้จากธีมของส่วนหลัก ธีมของเกมด้านข้างปรากฏขึ้นในช่วงท้ายของการพัฒนา มันดำเนินการทั้งหมดในคีย์ของ D-flat major ซึ่งห่างไกลจากคีย์หลักนั่นคือมันปรากฏขึ้นในแสงใหม่ที่ผิดปกติ และวันหนึ่ง (หลังจากหยุดชั่วคราวด้วยเฟอร์มาตา) น้ำเสียงของธีมลึกลับของบทนำก็ปรากฏในเสียงเบสด้วย การพัฒนาเสียงเปียโนและ pianissimo เป็นส่วนใหญ่ และมีเพียงบางครั้งเท่านั้น - forte และ fortissimo ที่มีสำเนียง sforzando แยกกัน สิ่งนี้ช่วยเพิ่มความประทับใจในความลึกลับ แรงจูงใจจากธีมของปาร์ตี้หลักในการพัฒนาบางครั้งคล้ายกับการเต้นรำที่ยอดเยี่ยม เราสามารถจินตนาการได้ว่านี่คือการเต้นรำของแสงลึกลับซึ่งบางครั้งก็กระพริบอย่างสดใส ในการบรรเลงในคีย์ของ E-flat major ไม่เพียงแต่ส่วนหลักเท่านั้น แต่ยังมีการทำซ้ำส่วนด้านข้างและเครื่องผูกจะถูกข้ามไป ความลึกลับบางอย่างปรากฏในรหัส มันเริ่มต้นด้วยจังหวะ Adagio ลูกคอของกลองทิมปานีที่เงียบสงบ และการเคลื่อนไหวพร้อมเพรียงกันที่ช้า เช่นเดียวกับบทนำ แต่ในไม่ช้าในตอนท้ายสุดของท่อนแรก จังหวะที่รวดเร็ว เสียงดัง และการเต้นรำที่ร่าเริง "กระทืบ" ก็กลับมาอีกครั้ง ส่วนที่สองของซิมโฟนี - Andante - เป็นรูปแบบของสองรูปแบบ - เพลงใน C minor และเพลงเดินขบวนใน C major การสร้างสิ่งที่เรียกว่าการแปรผันสองครั้งมีดังนี้: โครงร่างชุดรูปแบบที่หนึ่งและสอง จากนั้นตามด้วย: ชุดรูปแบบแรกของชุดรูปแบบแรก ชุดรูปแบบแรกของชุดรูปแบบที่สอง ชุดรูปแบบที่สองของชุดรูปแบบแรก ชุดที่สอง การเปลี่ยนแปลงของธีมและโค้ดที่สอง โดยอิงตามเนื้อหาของธีมที่สอง จนถึงทุกวันนี้ นักวิจัยโต้แย้งเกี่ยวกับสัญชาติของหัวข้อแรก นักดนตรีชาวโครเอเชียเชื่อว่าในแง่ของคุณลักษณะมันเป็นชาวโครเอเชีย เพลงพื้นบ้าน , และฮังการี - นี่คือเพลงฮังการี Serbs, บัลแกเรีย, โปแลนด์ยังพบลักษณะประจำชาติของพวกเขาในนั้น ข้อพิพาทนี้ไม่สามารถแก้ไขได้อย่างแน่นอนเนื่องจากการบันทึกธีมของส่วนด้านข้างเป็นการเต้นรำที่ร่าเริงอีกครั้ง แต่เมื่อเปรียบเทียบกับปาร์ตี้หลักแล้วเธอไม่ได้มีพลังมาก แต่ดูสง่างามและเป็นผู้หญิงมากกว่า ทำนองเสียงไวโอลินกับโอโบ การบรรเลงเพลงวอลทซ์ทั่วไปทำให้ธีมนี้เข้าใกล้คนลงจอดมากขึ้น นั่นคือการเต้นรำของออสเตรียและเยอรมันใต้ ซึ่งเป็นหนึ่งในบรรพบุรุษของเพลงวอลทซ์: 29 www.classON.ru ไม่พบการศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียของท่วงทำนองเก่าและคำพูดของมัน เห็นได้ชัดว่าคุณสมบัติของเพลงสลาฟและฮังการีหลายเพลงได้รวมเข้าด้วยกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การเคลื่อนไหวที่แปลกประหลาดสำหรับวินาทีเสริม (E-flat - fadiez): การเปลี่ยนแปลงของธีมที่สองกลับมาดำเนินต่อด้วยการเดินขบวนอย่างกล้าหาญ ประดับประดาด้วยข้อความอัจฉริยะ - ความสง่างามของขลุ่ย และในรหัสขนาดใหญ่การพัฒนา "กิจกรรมดนตรี" ที่ไม่คาดคิดก็เกิดขึ้น ประการแรก ธีมการเดินขบวนเปลี่ยนเป็นเสียงที่นุ่มนวลและโปร่งใส จากนั้นลวดลายที่แยกออกมาด้วยจังหวะประจะพัฒนาอย่างเข้มข้น สิ่งนี้นำไปสู่การปรากฏตัวอย่างกะทันหันของโทนเสียงของ E-flat major หลังจากนั้นข้อความสุดท้ายของธีมเดือนมีนาคมจะฟังดูสดใสและเคร่งขรึมใน C major ส่วนที่สามของซิมโฟนี - the Minuet - แต่เดิมเป็นการรวมท่วงท่าอันสง่างามของการเต้นรำในสังคมชั้นสูงเข้ากับการกระโดดโลดโผนกว้างตามอำเภอใจและการประสานเสียงในท่วงทำนอง: บทสวดและบทที่สอง ธีมหลักของการเดินทัพ ตรงกันข้ามกับจังหวะแรก ในขณะเดียวกันก็มีความผูกพันกับมัน - จังหวะที่สี่ ทิศทางขึ้นและลงของเมโลดี้ และจังหวะที่สี่ที่สูงขึ้น (fadiez): ธีมแปลกนี้ถูกกำหนดโดยการเคลื่อนไหวที่นุ่มนวลและสงบ ใน Trio - ส่วนตรงกลางของ Minuet ซึ่งอยู่ระหว่างส่วนแรกและการทำซ้ำที่แน่นอน23: การแสดงชุดรูปแบบแรกด้วยเครื่องสายเปียโนและเปียโนเป็นเหมือนการเล่าเรื่องแบบสบายๆ เช่น จุดเริ่มต้นของเรื่องราวเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่ผิดปกติบางอย่าง ท่อนแรกอาจนำเสนอด้วยการนำเสนอที่ดังกระทันหันของท่อนที่สอง ธีมการเดินขบวน ซึ่งมีการเพิ่มเครื่องเป่าลงในกลุ่มเครื่องสาย โทนการเล่าเรื่องยังคงอยู่ในรูปแบบแรกของธีมแรก แต่เสียงสะท้อนที่โศกเศร้าและระแวดระวังก็รวมเข้ากับเสียงของเธอ ในรูปแบบแรกของธีมที่สอง ไวโอลินเดี่ยวจะแต่งทำนองด้วยท่อนที่มีลวดลายแปลกตา ในรูปแบบที่สองของธีมแรก จู่ๆ คำบรรยายก็มีลักษณะที่ปั่นป่วนและปั่นป่วน (ใช้เครื่องดนตรีทั้งหมด รวมถึงกลองทิมปานี) ในช่วงที่สอง วงมินูเอต (หรือมากกว่านั้นคือส่วนที่แปลกประหลาดอย่างยิ่งในแง่ของลักษณะนิสัย) ขัดแย้งกับรูปแบบพื้นบ้านและในชีวิตประจำวัน ในแง่หนึ่ง ส่วนที่หนึ่งและสองของซิมโฟนี และในทางกลับกัน สุดท้าย ส่วนที่สี่ - ตอนจบ ในที่นี้ ตามที่ควรจะเป็นใน sonata allegro แบบคลาสสิก ในคำอธิบาย ส่วนหลักจะแสดงในคีย์หลักของ E-flat major ส่วนด้านข้างอยู่ในคีย์เด่นของ B-flat major และในการบรรเลงทั้งสองของ พวกเขาฟังใน E-flat major อย่างไรก็ตาม ในส่วนด้านข้าง เป็นเวลานานแล้ว ส่วนตรงกลางของงานออเคสตร้ามักจะเล่นด้วยเครื่องดนตรีสามชิ้น นี่คือที่มาของชื่อ "ทรีโอ" 23 30 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซียเป็นหัวข้อใหม่ทั้งหมด มันถูกสร้างขึ้นจากเนื้อหาของธีมของปาร์ตี้หลัก ผลิตจาก คำภาษาฝรั่งเศส "ronde" ซึ่งแปลว่า "วงกลม" หรือ "การเต้นรำแบบกลม" คำถามและภารกิจ 1 . ไฮเดินและโมสาร์ทมาแต่งเพลงซิมโฟนีผู้ใหญ่เมื่อใด 2. ซิมโฟนีของ Haydn มักประกอบด้วยส่วนใดบ้าง ตั้งชื่อกลุ่มเครื่องดนตรีในวงออร์เคสตราของ Haydn 3. คุณรู้จักซิมโฟนีของ Haydn ชื่ออะไร 4. ทำไมซิมโฟนีของ Haydn ใน E-flat major ถึงเรียกว่า "พร้อมลูกคอหรือราศีพฤษภ" มันเริ่มต้นด้วยส่วนใด 5. อธิบายสาระสำคัญของรูปแบบโซนาตาในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีนี้ 6. ส่วนที่สองของซิมโฟนีเขียนในรูปแบบใดและในหัวข้อใด 7. อธิบายหัวข้อหลักและส่วนต่างๆ ของส่วนที่ 3 8. อะไรคือลักษณะเฉพาะของความสัมพันธ์ระหว่างธีมของส่วนหลักและส่วนด้านข้างในตอนจบ? อะไรคือความเชื่อมโยงระหว่างลักษณะของดนตรีในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีและในตอนจบ? ดังนั้นจึงกลายเป็นว่าตอนจบทั้งหมดขึ้นอยู่กับธีมเดียว นักแต่งเพลงราวกับว่าอยู่ในเกมที่สลับซับซ้อน ไม่ว่าจะเป็นการนำธีมกลับมาใช้ใหม่ทั้งหมด หรือผสมผสานความหลากหลายและองค์ประกอบแต่ละอย่างเข้าด้วยกันอย่างชำนาญ และเธอก็น่าสนใจในตัวเธอเอง ท้ายที่สุดแล้วพื้นฐานฮาร์มอนิกจะปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก - ที่เรียกว่า "การเคลื่อนไหวสีทอง" ของสองเขา - สัญญาณทั่วไปของการล่าเขา จากนั้นทำนองการเต้นรำที่ใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านของโครเอเชียจะถูกซ้อนทับบนพื้นฐานนี้ มันเริ่มต้นด้วยการ "กระทืบ" กับเสียงหนึ่ง และในอนาคต แรงจูงใจนี้ถูกทำซ้ำหลายครั้ง เลียนแบบ ย้ายจากเสียงหนึ่งไปยังอีกเสียงหนึ่ง สิ่งนี้ชวนให้นึกถึงบรรทัดฐานเปิดของธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกและการพัฒนาที่นั่นอย่างไร นอกจากนี้ผู้แต่งยังระบุจังหวะเดียวกันในรอบชิงชนะเลิศ - Allegro con spirito ดังนั้นในตอนจบ องค์ประกอบของการเต้นรำพื้นบ้านที่ร่าเริงจึงเข้ามามีบทบาทในที่สุด แต่ที่นี่มีลักษณะพิเศษ - ดูเหมือนการเต้นรำรอบที่ซับซ้อนซึ่งเป็นการเต้นรำกลุ่มที่การเต้นรำผสมผสานกับเพลงและเกมแอ็คชั่น นอกจากนี้ยังได้รับการยืนยันจากข้อเท็จจริงที่ว่าในส่วนหลักจะถูกทำซ้ำในคีย์หลักสองครั้งในคำอธิบาย - หลังจากตอนเปลี่ยนผ่านเล็กน้อยและหลังจากส่วนด้านข้าง นั่นคือดูเหมือนว่าจะกลับมาเคลื่อนไหวเป็นวงกลม และนี่เป็นการแนะนำคุณลักษณะของรูปแบบ rondo ในรูปแบบ sonata คำว่า "รอนโด" ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ความคิดสร้างสรรค์ของคลาเวียร์ เมื่อไฮเดินสร้างผลงานคลาเวียร์ของเขา เปียโนค่อยๆ แทนที่ฮาร์ปซิคอร์ดและคลาวิคอร์ดจากการฝึกฝนดนตรี Haydn ประพันธ์ผลงานชิ้นแรกของเขาสำหรับเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดโบราณเหล่านี้ และในฉบับต่อๆ มา เขาเริ่มระบุว่า "สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดหรือเปียโน" และสุดท้าย บางครั้งก็เป็นเพียง "สำหรับเปียโน" ในบรรดาผลงาน clavier ของเขา สถานที่ที่สำคัญที่สุดคือโซนาตาเดี่ยว ก่อนหน้านี้เชื่อกันว่า Haydn มีเพียง 52 คนเท่านั้น แต่ด้วยการค้นหาของนักวิจัยจำนวนนี้จึงเพิ่มขึ้นเป็น 62 ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ sonatas ใน D major และ E minor24 โซนาตาใน D เมเจอร์ ธีมของส่วนหลักซึ่งเริ่มต้นส่วนแรกของโซนาตานี้คือการเต้นรำที่สาดกระเซ็นด้วยความสุขและความร่าเริงด้วยการกระโดดระดับแปดเสียงที่ซุกซนแบบเด็กๆ โน้ตที่ไพเราะ ท่วงทำนอง และเสียงซ้ำๆ ดนตรีดังกล่าวสามารถจินตนาการได้ว่ากำลังเล่นในโอเปราบัฟฟา: ในรุ่นก่อนหน้า โซนาตาเหล่านี้พิมพ์เป็น "No. 37" และ "No. 34" และในรุ่นต่อๆ มาจะพิมพ์เป็น "No. 50" และ "No. 53" . 24 31 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซีย แต่แล้วการกระโดดที่ซุกซนจากส่วนหลักก็แทรกซึมเข้าไปในการพัฒนารูปแบบของส่วนด้านข้างจากนั้น - ทางเดินจุกจิก การเคลื่อนไหวจากส่วนที่เชื่อมต่อ มันตึงเครียดมากขึ้น แผ่วเบา และสงบลงอย่างรวดเร็วในทันใด - ราวกับว่ามีการตัดสินใจบางอย่างในทันที หลังจากนั้นการแสดงจะจบลงด้วยการเต้นรำในงานเลี้ยงส่งท้ายอย่างไม่ไยดี มีความยุ่งยากมากมายในการพัฒนาอีกครั้ง ที่นี่เสียงอ็อกเทฟกระโดดจากธีมของส่วนหลัก เคลื่อนไปทางซ้าย กลายเป็นซุกซนยิ่งขึ้น และการเคลื่อนไหวของเนื้อเรื่องมีความตึงเครียดและขอบเขตที่กว้างกว่าในการพัฒนาธีมของส่วนรองในนิทรรศการ ในการบรรเลง เสียงด้านข้างและท่อนสุดท้ายในคีย์หลัก (D เมเจอร์) ช่วยสร้างอารมณ์ที่สนุกสนาน คอนทราสต์ที่ชัดเจนที่สุดถูกนำเข้าสู่โซนาตาโดยการเคลื่อนไหววินาทีสั้นๆ ซึ่งมีลักษณะที่ช้าและจำกัด มันเขียนด้วยคีย์ชื่อเดียวกันใน D minor ได้ยินเสียงเพลงหนักๆ ของ sarabande ในเพลง ซึ่งเป็นการเต้นรำแบบเก่า ซึ่งมักจะแสดงลักษณะของขบวนแห่ศพ และในเสียงอุทานไพเราะที่แสดงออกด้วยแฝดสามและตัวเลขจังหวะประมีความคล้ายคลึงกันกับท่วงทำนองที่โศกเศร้าของชาวยิปซีฮังการี: ข้อความที่สิบหกที่ร่าเริงและยุ่งเหยิงเติมเต็มส่วนที่เชื่อมโยง และธีมของส่วนด้านข้าง (ในคีย์ของ A major) ก็สามารถเต้นได้เช่นกัน แต่มีข้อ จำกัด และสง่างามมากขึ้นเท่านั้น: 32 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย Sonata in E Minor . เขาเตรียมการอย่างขยันขันแข็ง แต่ไม่สามารถดำเนินการได้เนื่องจากหน้าที่ราชการของเขาในโบสถ์ Esterhazy เป็นไปได้ว่าความฝันของการเดินทาง "ต่างประเทศ" อันไกลโพ้นและประสบการณ์ที่เกี่ยวข้องกับพวกเขาสะท้อนให้เห็นใน E minor sonata ที่เกิดขึ้นในเวลานั้น นี่เป็นเพียงหนึ่งในไม่กี่โซนาตาเล็กน้อยของไฮเดิน ซึ่งในการเคลื่อนไหวครั้งแรกจะมีการรวมอักขระโคลงสั้น ๆ เข้ากับจังหวะที่เร็วมาก ธีมของส่วนหลักของการเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเริ่มด้วยโซนาตาก็แปลกประหลาดเช่นกัน แต่ในงานศิลปะที่มองโลกในแง่ดีของ Haydn ภาพแห่งความตายที่มืดมนมักถูกเอาชนะด้วยภาพชีวิตที่สดใส และส่วน D รองที่สองของโซนาตานี้ไม่ได้ลงท้ายด้วยโทนิค แต่อยู่บนคอร์ดที่โดดเด่นผ่านตอนจบ D เมเจอร์ 25 ที่ใจร้อนโดยตรงตอนจบถูกสร้างขึ้นในรูปแบบของ rondo โดยที่ธีมหลัก - การละเว้น ( ในคีย์หลักของ D major) - ทำซ้ำสามครั้งและระหว่างการทำซ้ำมีส่วนที่เปลี่ยนแปลง - ตอน: ตอนแรกอยู่ใน D minor และครั้งที่สองใน G major ที่นี่ เฉพาะตอนแรกใน D minor ตอน ความทรงจำอันโศกเศร้าเล็ดลอดผ่านเข้ามา - เสียงสะท้อนของตอนกลาง ตอนที่สองใน G major ร่าเริงอย่างไม่ระมัดระวังและนำไปสู่การ "ม้วนสาย" แบบการ์ตูนของมือขวาและมือซ้ายในโน้ตตัวเดียวกัน และธีมหลักที่บินได้และเต้นระบำของตอนจบ (งดเว้น rondo) เป็นหนึ่งในเรื่องที่ร่าเริงที่สุดของ Haydn: วลีเปิดของธีมนี้ประกอบด้วยองค์ประกอบสองอย่างรวมกัน ในมือซ้ายของเสียงเบส เปียโนจะเคลื่อนไหวด้วยโทนิกเล็กน้อย 3 ตัว ราวกับเสียงเรียกร้องให้เร่งรีบไปที่ไหนสักแห่งที่อยู่ไกลออกไป และที่นั่นด้วยมือขวาสั่นเทาราวกับสงสัยและลังเลใจ - คำตอบ การเคลื่อนไหวทั่วไปของธีมนั้นนุ่มนวล ลูกคลื่น พลิ้วไหว นอกจากนี้ ขนาดของการเคลื่อนไหวครั้งแรก - 6/8 - เป็นเรื่องปกติของประเภทบาร์คาโรล - "เพลงบนผืนน้ำ"26 ในส่วนเชื่อมโยงมีการมอดูเลตเป็น G เมเจอร์ขนานกับ E รอง - คีย์ของด้านข้างและส่วนสุดท้าย ส่วนเชื่อมต่อและส่วนสุดท้ายซึ่งเต็มไปด้วยทางเดินของส่วนที่สิบหกกำหนดกรอบส่วนด้านข้าง - เบา ชวนฝัน สิ่งนี้ระบุด้วยคำภาษาอิตาลี "attacca subito il Finale" ซึ่งแปลว่า "เริ่มตอนจบทันที" ในขั้นต้นเพลงของชาวเรือกอนโดลิเออร์ชาวเวนิสเรียกว่า barcarolles ชื่อของประเภทมาจากคำว่า "barca" - "boat" ในภาษาอิตาลี 25 26 33 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะของรัสเซียราวกับว่าทะยานขึ้น: ธรรมชาติพร้อมเสียงสัญญาณราวกับกำลังเรียกร้องให้เดินทางกลับหัวใจดูเหมือนจะเริ่มขึ้นด้วยความวิตกกังวลที่สนุกสนาน! และที่นี่หลังจากการเปลี่ยนคอร์ด ธีมหลักของการเคลื่อนไหวที่สาม (ตอนจบ) จะปรากฏขึ้น นี่คือการละเว้นของรูปแบบ rondo ที่เขียนตอนจบ ดูเหมือนเป็นเพลงประกอบที่ได้แรงบันดาลใจซึ่งช่วยให้ "แล่นเต็มที่" ไปยังดินแดนบ้านเกิดของพวกเขา ดังนั้น โครงร่างของ rondo ในตอนสุดท้ายจึงเป็นดังนี้: งดเว้น (E minor) ตอนแรก (E major) , งดเว้น (E minor) ตอนสอง (E major) งดเว้น (E minor) ทั้งสองตอนเชื่อมโยงกับบทและซึ่งกันและกันด้วยความไพเราะ เมื่อเสียงเชื่อมโยง ส่วนรอง และส่วนสุดท้ายดังขึ้น จินตนาการจะวาดภาพที่เย้ายวนใจ - สายลมที่พัดอย่างอิสระเสรี การเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วที่เคลื่อนไปข้างหน้าอย่างมีความสุขสนุกสนานเพียงใด นอกจากนี้ ในการพัฒนา สร้างขึ้นจากวัสดุของส่วนหลัก ส่วนเชื่อมต่อ และส่วนสุดท้าย ความเบี่ยงเบนในคีย์ย่อยจะเหนือกว่า ในหลักนั่นคือไม่ใช่เสียงหลัก แต่เป็นโทนเสียงรอง ส่วนรองและสุดท้ายที่กลายเป็นเสียงที่กว้างขวางขึ้นในการบรรเลง อย่างไรก็ตาม ในที่สุด ความโศกเศร้าและความสงสัยทางจิตวิญญาณก็พ่ายแพ้ด้วยการพยายามไปสู่ระยะทางที่ไม่รู้จัก นั่นคือความหมายของแถบสุดท้ายของการเคลื่อนไหวชุดแรก ที่ซึ่งการเริ่มหัวข้อของพรรคหลักที่ปลุกระดมเกิดขึ้นซ้ำแล้วซ้ำเล่าอย่างน่าทึ่ง ส่วนที่สองของโซนาตา เพลงช้าๆ ใน G major เป็นเพลงบรรเลงประเภทหนึ่ง อบอวลไปด้วยอารมณ์ครุ่นคิดเบาๆ coloratura แสงของเธอเต็มไปด้วยเสียงนกร้องเจื้อยแจ้ว, ลำธารพึมพำ: คำถามและภารกิจ 1. ประเภทหลักคืออะไร เพลงคลาเวียร์ ไฮเดิน รู้จักโซนาตาของเขากี่คน? 2. อธิบายส่วนหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของโซนาตาใน D major มีการเชื่อมต่อในส่วนนี้ระหว่างส่วนหลักและส่วนด้านข้างหรือไม่? 3. การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของ sonata ใน D major ทำให้เกิดความแตกต่างอะไรบ้าง? ความสัมพันธ์กับตอนจบคืออะไร? 4. บอกเราเกี่ยวกับคุณสมบัติของโครงสร้างและลักษณะของธีมของส่วนหลักของโซนาตาส่วนแรกใน E minor เติบโตและกำหนดลักษณะของหัวข้อและส่วนต่างๆ ที่เหลือของส่วนนี้ 5. ลักษณะของการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของโซนาตาใน E minor คืออะไร? 6. บอกเราเกี่ยวกับรูปแบบตอนจบของ sonata ใน E minor และลักษณะของธีมหลัก ผลงานสำคัญกว่า 100 ซิมโฟนี (104) ชุดคอนแชร์โตสำหรับเครื่องดนตรีและวงออร์เคสตราต่างๆ มากกว่า 80 ควอเต็ต (สำหรับไวโอลิน 2 เครื่อง วิโอลาและเชลโล) (83) 62 คลาเวียร์โซนาตาส ครีเอชั่นและซีซั่นส์ โอราทอริโอ 24 โอเปร่า การเรียบเรียงเพลงของสกอตแลนด์และไอริช อย่างไรก็ตาม ไม่ว่า การพักผ่อนอย่างสงบสุขช่างหอมหวานเพียงใดในอ้อมอกของ 34 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซียที่เขียนขึ้นในหลายประเภท - ซิมโฟนีของเขา, คอนแชร์โตบรรเลง, วงแชมเบอร์ต่างๆ, เปียโนโซนาตา, บังสุกุลสำหรับนักร้องประสานเสียง ศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตรา พรสวรรค์ที่ไม่ธรรมดาและพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็วของ Mozart สร้างขึ้นจากชื่อของเขา รัศมีของ "ปาฏิหาริย์ทางดนตรี" ในตำนาน ลักษณะที่สดใส เขาได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปิน A. S. Pushkin ในบทละคร ("โศกนาฏกรรมเล็กน้อย") "Mozart and Salieri" ตามนั้นโอเปร่าชื่อเดียวกันเขียนโดย N. A. Rimsky Korsakov 27. Mozart เป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของ P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 เส้นทางชีวิต ครอบครัว. เด็กปฐมวัย. บ้านเกิดของ Wolfgang Amadeus Mozart ซึ่งเกิดในเดือนมกราคม พ.ศ. 2399 คือเมืองซาลซ์บูร์กของออสเตรีย มันแผ่ขยายออกไปอย่างงดงามบนฝั่งเนินเขาของแม่น้ำ Salzach ซึ่งไหลผ่านเชิงเขาทางตะวันออกของเทือกเขาแอลป์ ซาลซ์บูร์กเป็นเมืองหลวงของอาณาเขตเล็ก ๆ ผู้ปกครองซึ่งมีศักดิ์ศรีทางจิตวิญญาณของอาร์คบิชอป Leopold Mozart บิดาของ Wolfgang Amadeus รับใช้ในโบสถ์ของเขา เขาเป็นนักดนตรีที่เอาจริงเอาจังและมีการศึกษาสูง - เป็นนักแต่งเพลง นักไวโอลิน นักออร์แกน และครูที่มีผลงานมากมาย "โรงเรียนการเล่นไวโอลิน" ที่เผยแพร่โดยเขาเผยแพร่ในหลายประเทศรวมถึงรัสเซีย ในบรรดาลูกทั้งเจ็ดของ Leopold และ Anna Maria ภรรยาของเขา มีเพียงสองคนเท่านั้นที่รอดชีวิต - Wolfgang Amadeus ลูกชายคนสุดท้องและลูกสาว Maria Anna (Nannerl) ซึ่งแก่กว่า! พี่ชายเป็นเวลาสี่ปีครึ่ง เมื่อพ่อของเขาเริ่มสอน Nannerl ซึ่งมีความสามารถเป็นเลิศให้เล่นฮาร์ปซิคอร์ด ในไม่ช้าเขาก็เริ่มเรียนกับ Wolfgang วัยสามขวบ โดยสังเกตเห็นหูที่ดีที่สุดของเขาและความทรงจำทางดนตรีที่น่าทึ่ง เป็นเวลาสี่ปีที่เด็กชายพยายามทำ แต่งเพลง และฮาร์ปซิคอร์ดชิ้นแรกของเขาที่ยังมีชีวิตรอดถูกบันทึกโดยพ่อของเขา เมื่อผู้เขียนอายุเพียงห้าขวบ มีเรื่องราวเกี่ยวกับวิธีที่ Wolfgang วัยสี่ขวบพยายามแต่งเพลงประสานเสียงคลอเวียร์ เขาใช้ปากกาจุ่มนิ้วลงในอ่างหมึกและแต้มลงบนกระดาษดนตรีพร้อมกับปากกา ไม่ใช่ตอนที่พ่อของฉันมองดูการบันทึกเสียงแบบเด็กๆ นี้ เขาค้นพบความหมายทางดนตรีอย่างไม่ต้องสงสัยผ่านรอยเปื้อนนั้น โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมซาร์ท นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย หนึ่งในอัจฉริยะทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่ง มีอายุเพียง 35 ปีเท่านั้น ในจำนวนนี้ เขาแต่งเพลงมาเป็นเวลาสามสิบปี และทิ้งมรดกไว้มากกว่า 600 ผลงาน ได้สร้างคุณูปการอันล้ำค่าให้กับกองทุนทองคำแห่งศิลปะโลก ของขวัญสร้างสรรค์ของโมสาร์ทที่ซื่อสัตย์ที่สุดและมีค่าสูงสุดในช่วงชีวิตของเขานั้นมอบให้โดยโจเซฟ ไฮเดิน ผู้อาวุโสร่วมสมัยของเขา “… ลูกชายของคุณ” ครั้งหนึ่งเขาเคยพูดกับพ่อของโวล์ฟกัง อะมาเดอุส “เป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่ฉันรู้จักเป็นการส่วนตัวและในนาม เขามีรสนิยม และนอกจากนั้น ความรู้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการแต่งเพลง เพลงของ Haydn และ Mozart ที่เรียกว่าเพลงคลาสสิกของเวียนนา มีเหมือนกันคือการรับรู้โลกในแง่ดีและกระตือรือร้น การผสมผสานระหว่างความเรียบง่ายและความเป็นธรรมชาติในการแสดงความรู้สึกด้วยความสูงส่งและความลุ่มลึกของกวี ในขณะเดียวกันก็มีความแตกต่างกันอย่างมากระหว่างความสนใจด้านศิลปะของพวกเขา ไฮเดินนั้นใกล้ชิดกับภาพพื้นบ้านในชีวิตประจำวันและภาพโคลงสั้น ๆ ที่ยิ่งใหญ่ และสำหรับโมสาร์ท จริง ๆ แล้วเป็นภาพโคลงสั้น ๆ และโคลงสั้น ๆ ที่น่าทึ่ง ศิลปะของโมสาร์ทมีเสน่ห์เป็นพิเศษเนื่องจากความอ่อนไหวต่อประสบการณ์ทางอารมณ์ของบุคคล ตลอดจนความแม่นยำและความมีชีวิตชีวาในรูปลักษณ์ของมนุษย์ที่หลากหลาย สิ่งนี้ทำให้เขาเป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าที่โดดเด่น โอเปร่าของเขาและเหนือสิ่งอื่นใด The Marriage of Figaro, Don Giovanni และ The Magic Flute ประสบความสำเร็จอย่างไม่เปลี่ยนแปลงในศตวรรษที่สาม โดยจัดแสดงบนเวทีของโรงละครดนตรีทุกแห่ง สถานที่ที่มีเกียรติที่สุดแห่งหนึ่งในการแสดงคอนเสิร์ตระดับโลกถูกครอบครองโดยผลงานของ Mozart เวอร์ชันที่ Salieri วางยาพิษ Mozart ด้วยความอิจฉาเป็นเพียงตำนานเท่านั้น ไชคอฟสกีแต่งเพลงสี่เพลง ชิ้นเปียโนโมสาร์ทและรวบรวมชุด "Mozartiana" จากพวกเขา 27 28 35 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียจะแสดงไวโอลินคอนแชร์โต... เล่นบนแป้นพิมพ์ที่คลุมด้วยผ้าเช็ดหน้าราวกับว่าอยู่ต่อหน้าต่อตาจากนั้นเขาจะตั้งชื่อทั้งหมดจากระยะไกล เสียงที่พวกเขาจะถูกนำมาใช้ทีละตัวหรือในคอร์ดบน clavier หรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ หรือเผยแพร่โดยวัตถุ - ระฆัง, แก้ว, นาฬิกา ในท้ายที่สุดเขาจะด้นสดไม่เพียง แต่บนฮาร์ปซิคอร์ดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงออร์แกนตราบเท่าที่ผู้ชมต้องการและแม้แต่คีย์ที่ยากที่สุดที่พวกเขาเรียกเขาว่า ... ” ทริปคอนเสิร์ตครั้งแรก Leopold Mozart ตัดสินใจเริ่มทัวร์คอนเสิร์ตที่ศูนย์ดนตรีใหญ่ๆ กับลูกๆ ที่มีพรสวรรค์ของเขา การเดินทางครั้งแรก - ไปยังเมืองมิวนิคของเยอรมัน - เกิดขึ้นเมื่อต้นปี พ.ศ. 2305 เมื่อโวล์ฟกังอายุเพียงหกขวบ หกเดือนต่อมา ครอบครัวโมสาร์ทเดินทางไปเวียนนา ที่นั่น Wolfgang และ Nannerl แสดงที่ราชสำนัก ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม และได้รับของขวัญมากมาย ในฤดูร้อนปี 1763 Mozarts ได้ออกเดินทางครั้งใหญ่ไปยังปารีสและลอนดอน แต่ก่อนอื่นพวกเขาไปเยี่ยมชมเมืองต่างๆ ของเยอรมัน และระหว่างทางกลับ - อีกครั้งในปารีส เช่นเดียวกับในอัมสเตอร์ดัม กรุงเฮก เจนีวา และอีกหลายเมือง การแสดงของโมสาร์ทตัวน้อย โดยเฉพาะวูล์ฟกัง สร้างความประหลาดใจและชื่นชมในทุกที่ แม้แต่ในราชสำนักที่งดงามที่สุด ตามประเพณีในสมัยนั้นโวล์ฟกังปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมผู้สูงศักดิ์ในชุดสูทสีดำปักและวิกผมสีฝุ่น แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ทำตัวเป็นเด็กอย่างเป็นธรรมชาติเช่นกระโดดคุกเข่าไปหาจักรพรรดินี . คอนเสิร์ตที่กินเวลา 4-5 ชั่วโมงติดต่อกันนั้นเหนื่อยมากสำหรับนักดนตรีตัวน้อยและสำหรับสาธารณชนก็กลายเป็นความบันเทิงชนิดหนึ่ง นี่คือสิ่งที่กล่าวไว้ในประกาศฉบับหนึ่ง: "... เด็กหญิงอายุสิบสองและเด็กชายอายุเจ็ดปีจะเล่นคอนเสิร์ตบนฮาร์ปซิคอร์ด ... นอกจากนี้ เด็กชาย 36 www.classON.ru Children's การศึกษาในสาขาศิลปะรัสเซีย ทัวร์คอนเสิร์ตดำเนินต่อไปนานกว่าสามปีและนำความประทับใจที่หลากหลายมาสู่วูล์ฟกัง เขาได้ยินเสียงเครื่องดนตรีจำนวนมากและ เสียงทำงาน ได้พบกับนักดนตรีที่โดดเด่นบางคน (ในลอนดอน - กับลูกชายคนสุดท้องของ Johann Sebastian Bach, Johann Christian) ระหว่างการแสดง โวล์ฟกังศึกษาองค์ประกอบอย่างกระตือรือร้น ในปารีส โซนาตาสี่ตัวสำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ดของเขาหลุดออกมาจากการพิมพ์ ซึ่งบ่งชี้ว่าสิ่งเหล่านี้เป็นผลงานของเด็กชายวัยเจ็ดขวบ ในลอนดอน เขาเขียนซิมโฟนีชุดแรกของเขา กลับไปซาลส์บวร์กและพักในเวียนนา โอเปร่าเรื่องแรก ในตอนท้ายของปี 1766 ทั้งครอบครัวกลับไปที่ซาลซ์บูร์ก โวล์ฟกังเริ่มมีส่วนร่วมในเทคนิคการแต่งเพลงอย่างเป็นระบบภายใต้การแนะนำของพ่อของเขา Mozarts ใช้เวลาทั้งหมดในปี 1768 ในเวียนนา ภายใต้สัญญากับโรงละคร โวล์ฟกังวัย 12 ปีเขียนโอเปร่าควายเรื่อง The Imaginary Simple Girl ตามรอยนางแบบชาวอิตาลีในสามเดือน การซ้อมเริ่มขึ้น แต่การแสดงเริ่มถูกเลื่อนออกไปและถูกยกเลิกโดยสิ้นเชิง (อาจเป็นเพราะความสนใจของคนอิจฉา) มันเกิดขึ้นในปีหน้าที่ซาลซ์บูร์กเท่านั้น ในเวียนนา โวล์ฟกังยังแต่งเพลงอีกหลายชิ้น รวมทั้งซิมโฟนี 5 เพลง และประสบความสำเร็จในการประกอบพิธีมิสซาที่โบสถ์ใหม่ การเดินทางไปอิตาลี ตั้งแต่ปลายปี พ.ศ. 2312 ถึงต้นปี พ.ศ. 2316 โวล์ฟกัง อะมาเดอุสเดินทางไกล 3 ครั้งทั่วอิตาลีกับพ่อของเขา ใน "ดินแดนแห่งเสียงดนตรี" โมสาร์ทวัยเยาว์ได้แสดงอย่างประสบความสำเร็จในเมืองต่างๆ กว่าสิบเมือง รวมทั้งโรม เนเปิลส์ มิลาน และฟลอเรนซ์ เขาแสดงดนตรีซิมโฟนี เล่นฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลินและออร์แกน โซนาตาและฟิวก์กลอนสดตามธีมที่กำหนด อาเรียตามข้อความที่กำหนด เล่นงานยากอย่างดีเยี่ยมในสายตา และเล่นซ้ำในคีย์อื่นๆ เขาไปเยี่ยมโบโลญญาสองครั้งซึ่งบางครั้งเขาได้เรียนบทเรียนจากครูชื่อดัง - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลง Padre Martini หลังจากผ่านการทดสอบที่ยากลำบากอย่างยอดเยี่ยม (โดยเขียนองค์ประกอบโพลีโฟนิกโดยใช้เทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อน) โมสาร์ทวัยสิบสี่ปีได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของ Bologna Philharmonic Academy เป็นข้อยกเว้นพิเศษ และตามกฎบัตรอนุญาตให้เฉพาะนักดนตรีที่มีอายุครบยี่สิบปีและมีประสบการณ์การเข้าพักเบื้องต้นในสถาบันที่มีอำนาจนี้เท่านั้น ในกรุงโรม เยี่ยมชมโบสถ์น้อยซิสทีนในนครวาติกัน (ที่พักของสันตะปาปา) [29] โมสาร์ทเคยได้ยินเพลงประสานเสียงขนาดใหญ่สำหรับนักร้องประสานเสียงสองคนโดยเกรกอรีโอ อัลเลกรี นักแต่งเพลงชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 17 งานนี้ถือเป็นทรัพย์สินของพระสันตะปาปาและไม่อนุญาตให้คัดลอกหรือแจกจ่าย แต่โมสาร์ทจดโน้ตเพลงที่ซับซ้อนทั้งหมดจากหน่วยความจำ และคณะนักร้องประสานเสียงยืนยันความถูกต้องของการบันทึกเสียง อิตาลี - ประเทศที่ยิ่งใหญ่ไม่เพียง แต่ในด้านดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปกรรมและสถาปัตยกรรมด้วย - ทำให้ Mozart มีความประทับใจทางศิลปะมากมาย เขารู้สึกทึ่งกับการไปเยี่ยมชมโรงละครโอเปร่าเป็นพิเศษ ชายหนุ่มเข้าใจสไตล์โอเปร่าของอิตาลีมากจนเขาเขียนโอเปร่าสามเรื่องในเวลาอันสั้น ซึ่งหลังจากนั้นก็ประสบความสำเร็จอย่างมากในมิลาน นี่คือละครโอเปร่าสองเรื่อง - "Mithridates, King of Pontus" และ "Lucius Sulla" - และโอเปร่าอภิบาลเรื่อง "Ascanio in Alba"30 การเดินทางไปเวียนนา มิวนิก มันไฮม์ ปารีส แม้จะประสบความสำเร็จอย่างยอดเยี่ยมในการสร้างสรรค์และการแสดงคอนเสิร์ต แต่โวล์ฟกัง อะมาเดอุสก็ล้มเหลวในการรับราชการในราชสำนักของผู้ปกครองประเทศอิตาลี ฉันต้องกลับไปที่ซาลซ์บูร์ก ที่นี่แทนที่จะเป็นอาร์คบิชอปผู้ล่วงลับผู้ปกครองคนใหม่ที่เผด็จการและหยาบคายขึ้นครองราชย์ มันยากขึ้นสำหรับ Mozarts ที่รับใช้เขาเพื่อรับการลาสำหรับการเดินทางครั้งใหม่ และโรงละครโอเปร่าซึ่งโมสาร์ทใฝ่ฝันที่จะแต่งก็ไม่มีในซาลซ์บูร์ก และโอกาสอื่น ๆ สำหรับกิจกรรมทางดนตรีก็มีจำกัด การเดินทางไปเวียนนาของนักดนตรีทั้งสองเป็นไปได้ด้วยความจริงที่ว่าอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์กต้องการไปเยือนเมืองหลวงของออสเตรีย เขายังอนุญาตให้โมสาร์ทเดินทางไปอย่างไม่เต็มใจ มิวนิก ซึ่งเป็นสถานที่จัดแสดงโอเปราควายตัวใหม่ นักแต่งเพลงหนุ่ม. และสำหรับการเดินทางครั้งต่อไปมีเพียง Wolfgang Amadeus เท่านั้นที่สามารถขออนุญาตได้อย่างยากลำบาก พ่อของเขาถูกบังคับให้อยู่ในซาลซ์บูร์ก และแม่ของเขาไปกับลูกชายของเขา การหยุดยาวครั้งแรกเกิดขึ้นที่เมืองมันไฮม์ของเยอรมัน ที่นี่ Wolfgang Amadeus และ Anna Maria ได้รับการต้อนรับอย่างอบอุ่นในบ้านของเขาโดยหนึ่งในผู้นำของวงดุริยางค์ซิมโฟนีที่มีชื่อเสียงในขณะนั้น ซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนนักแต่งเพลงยุคก่อนคลาสสิกมันไฮม์ ในเมืองมันไฮม์ โมซาร์ทแต่งเพลงโดยศิลปินชาวอิตาลี รวมทั้งมีเกลันเจโล 30 อาณาจักรปอนทัสเป็นรัฐโบราณในทะเลดำ ส่วนใหญ่เป็นชายฝั่งตุรกีในปัจจุบัน (“ปงต์ยูซินัส” ซึ่งก็คือ “ทะเลที่มีอัธยาศัยไมตรี” ซึ่งเป็นชื่อภาษากรีกโบราณสำหรับทะเลดำ) Lucius Sulla เป็นบุคคลสำคัญทางทหารและการเมืองของกรีกโบราณ Pastoral (จากคำภาษาอิตาลี "pastore" - "shepherd") เป็นงานที่มีเนื้อเรื่องที่ทำให้ชีวิตในอุดมคติอยู่ในอ้อมอกของธรรมชาติ Sistine Chapel - โบสถ์ประจำบ้านของพระสันตปาปาในวาติกัน; มันถูกสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 15 ภายใต้สมเด็จพระสันตะปาปา Sixtus IV ผนังและเพดานของโบสถ์ทาสีอย่างสวยงาม 29 37 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ทั้งเส้นงานส่วนใหญ่เป็นเครื่องมือที่ทำเครื่องหมายโดยการเริ่มต้นของวุฒิภาวะ สไตล์ดนตรี . แต่ไม่มีตำแหน่งงานว่างถาวรสำหรับ Wolfgang Amadeus ที่นี่เช่นกัน ในฤดูใบไม้ผลิปี ค.ศ. 1778 โมสาร์ทและมารดามาถึงปารีส อย่างไรก็ตาม ความหวังที่จะได้รับการยอมรับอย่างแท้จริงที่นั่นและการครองตำแหน่งที่โดดเด่นไม่เป็นจริง ในเมืองหลวงของฝรั่งเศส เด็กมหัศจรรย์ ของเล่นที่ดูเหมือนมีชีวิตนี้ได้ถูกลืมไปแล้ว และพวกเขาไม่สามารถรับรู้ถึงพรสวรรค์อันเฟื่องฟูของนักดนตรีหนุ่ม โมสาร์ทไม่โชคดีกับการจัดคอนเสิร์ตหรือได้รับคำสั่งให้แสดงโอเปร่า เขาใช้ชีวิตอย่างน่าสังเวชจากบทเรียนสำหรับโรงละครเขาสามารถเขียนเพลงสำหรับบัลเล่ต์ขนาดเล็ก "Trinkets" เท่านั้น ผลงานที่น่าทึ่งใหม่ออกมาจากใต้ปากกาของเขา แต่แล้วพวกเขาก็ไม่ได้ดึงดูดความสนใจอย่างจริงจัง และในฤดูร้อนของ Wolfgang Amadeus ได้รับความโศกเศร้าอย่างหนัก: แม่ของเขาล้มป่วยและเสียชีวิต ต้นปีหน้า Mozart กลับไปที่ Salzburg โอเปร่าอิโดเมเนโอ. เลิกกับอาร์คบิชอปและย้ายไปเวียนนา เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในอีกไม่กี่ปีข้างหน้าสำหรับ Mozart คือการสร้างและจัดแสดงโอเปร่า Idomeneo ราชาแห่งเกาะครีตในมิวนิก ซึ่งเป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ คุณสมบัติที่ดีที่สุดของอิตาลีโอเปร่าซีเรียถูกรวมเข้ากับหลักการของการปฏิรูปโอเปร่าของกลัค นี่เป็นการปูทางไปสู่ผลงานชิ้นเอกของโอเปร่าดั้งเดิมที่สดใสของโมสาร์ท ... มันเป็นปี 1781 โมสาร์ทอายุ 25 ปี เขาเป็นผู้ประพันธ์ผลงานสามร้อยครึ่งซึ่งเต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์ใหม่ๆ และสำหรับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก เขาเป็นเพียงคนรับใช้ทางดนตรี ซึ่งเจ้านายผู้หยิ่งยะโสและเผด็จการกดขี่ข่มเหงและทำให้อับอายมากขึ้นเรื่อย ๆ บังคับให้เขานั่งที่โต๊ะในห้องของผู้คน "เหนือพ่อครัว แต่ต่ำกว่าคนขี้ขลาด" ไม่อนุญาตให้เขา ไปในที่ใดโดยไม่ได้รับอนุญาตหรือกระทำการในที่ใด ทั้งหมดนี้ทำให้ Mozart ทนไม่ได้และเขายื่นลาออก อาร์คบิชอปปฏิเสธเขาถึงสองครั้งด้วยการสาปแช่งและดูหมิ่น และผู้ติดตามของเขาก็ไล่นักดนตรีออกจากประตูอย่างหยาบคาย แต่หลังจากประสบกับความตกใจทางวิญญาณ เขายังคงแน่วแน่ในการตัดสินใจของเขา โมสาร์ทเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมคนแรกที่แยกตัวออกจากตำแหน่งนักดนตรีในศาลที่มีความมั่นคงทางการเงินอย่างภาคภูมิใจ เวียนนา: ทศวรรษที่ผ่านมา โมสาร์ทตั้งรกรากในเวียนนา บางครั้งเขาก็ออกจากเมืองหลวงของออสเตรียในช่วงสั้น ๆ เช่นที่เกี่ยวข้องกับการผลิตโอเปร่าเรื่องแรกของเขา Don Giovanni ในปรากหรือระหว่างทัวร์คอนเสิร์ตสองครั้งในเยอรมนี ในปี ค.ศ. 1782 เขาแต่งงานกับ Constance Weber ซึ่งโดดเด่นด้วยนิสัยร่าเริงและการแสดงละครของเธอ เด็ก ๆ เกิดมาทีละคน (แต่ในหกคนสี่คนเสียชีวิตตั้งแต่ยังเป็นทารก) รายได้ของโมสาร์ทจากการแสดงคอนเสิร์ตในฐานะนักแสดงดนตรีคลาเวียร์ของเขา จากการตีพิมพ์บทประพันธ์และการผลิตโอเปร่านั้นไม่สม่ำเสมอ นอกจากนี้ โมสาร์ทยังเป็นคนใจดี ไว้ใจได้ และปฏิบัติไม่ได้ ไม่รู้วิธีจัดการเรื่องเงินอย่างรอบคอบ การแต่งตั้งเมื่อปลายปี พ.ศ. 2330 ในตำแหน่งนักดนตรีห้องศาลที่ได้รับค่าตอบแทนน้อยซึ่งได้รับคำสั่งให้แต่งเพลงเต้นรำเท่านั้นไม่ได้ช่วยเขาจากความต้องการเงินที่มีประสบการณ์บ่อยครั้ง ในช่วงเวลาสิบปีของเวียนนา Mozart ได้สร้างผลงานใหม่มากกว่าสองร้อยครึ่ง ในหมู่พวกเขาได้ฉายแววความสำเร็จทางศิลปะที่เจิดจรัสของเขาในหลายประเภท ในปีแห่งการแต่งงานของ Mozart บทเพลง The Abduction from the Seraglio ซึ่งเป็นบทเพลงที่เปล่งประกายของเขาได้จัดแสดงในเวียนนาโดยประสบความสำเร็จอย่างมาก อารมณ์ขัน31. และโอเปร่าควาย "The Marriage of Figaro" ต้นฉบับโดย; ประเภทของ "ละครครึกครื้น" "ดอนฮวน" และเทพนิยายโอเปร่า "ขลุ่ยวิเศษ" ซึ่งเกิดขึ้นในปีเวียนนาที่ผ่านมาเป็นของ ยอดเขาที่สูงที่สุดประสบความสำเร็จโดยละครเพลงทั้งหมด! เรื่องราวของเขา สามของคุณ ซิมโฟนีที่ดีที่สุดซึ่งกลายเป็นคนสุดท้ายรวมถึง G minor (หมายเลข 40) Mozart เขียนในฤดูร้อนปี 1788 ในทศวรรษเดียวกันผลงานเพลงอื่น ๆ ของนักแต่งเพลงก็ปรากฏตัวขึ้น - วงออเคสตราสี่ส่วน "Little Night Serenade" เปียโนคอนแชร์โตโซนาตาและวงแชมเบอร์ต่างๆ โมสาร์ทได้อุทิศเครื่องสาย 6 เครื่องให้กับไฮเดิน ซึ่งเขามีความสัมพันธ์อันอบอุ่น มิตรไมตรี. โมสาร์ทศึกษาผลงานของบาคและฮันเดลด้วยความสนใจอย่างมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมา งานล่าสุดของโมสาร์ทคือ Requiem ซึ่งเป็นพิธีมิสซาสำหรับนักร้องประสานเสียง ศิลปินเดี่ยว และวงออร์เคสตรา ในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2334 ได้รับคำสั่งให้แต่งโดยชายผู้ไม่ประสงค์จะออกนาม มันดูลึกลับ อาจก่อให้เกิดลางสังหรณ์มืดมนได้ เพียงไม่กี่ปีต่อมาปรากฎว่าคำสั่งดังกล่าวมาจากเคานต์ชาวเวียนนาที่ต้องการซื้องานของคนอื่นและส่งต่อเป็นของตนเอง โมสาร์ทป่วยหนักไม่สามารถทำบังสุกุลได้เต็มที่ เสร็จสมบูรณ์ตามแบบร่างโดยหนึ่งในนักเรียนของนักแต่งเพลง มีเรื่องเล่ากันว่าในวันก่อนการเสียชีวิตของนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งตามมาในคืนวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334 เพื่อน ๆ ได้ร้องเพลงบางส่วนของงานที่ยังทำไม่เสร็จร่วมกับเขา เพื่อให้สอดคล้องกับการออกแบบที่โศกเศร้าใน Requiem บทเพลงของ Mozart ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากโคลงสั้น ๆ และน่าทึ่งทำให้มีความละเอียดอ่อนและความจริงจังเป็นพิเศษ เนื่องจากขาดเงินทุน Mozart จึงถูกฝังในหลุมฝังศพทั่วไปสำหรับ 31 32 Seraglio - ลูกครึ่งหญิงในบ้านของขุนนางตะวันออกที่ร่ำรวย คำภาษาละติน "บังสุกุล" หมายถึง "สันติภาพ" 38 www.classON.ru การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะในรัสเซียนั้นไม่ดีและยังไม่ทราบสถานที่ฝังศพที่แน่นอนของเขา สำหรับซูซานนา เคาน์เตสสวมชุดของเธอ ด้วยความละอายใจจากภรรยาของเขา Almaviva ถูกบังคับให้ไม่ขัดขวาง Figaro และ Susanna จากการฉลองงานแต่งงานของพวกเขาอีกต่อไป ซึ่งเป็นการสิ้นสุด "วันบ้าๆบอๆ" อย่างสนุกสนานและมีความสุข เต็มไปด้วยเหตุการณ์ไม่คาดฝันทุกประเภท โอเปร่าเริ่มต้นด้วยการทาบทามที่ได้รับความนิยมอย่างมากและมักแสดงในคอนเสิร์ตซิมโฟนี 34 การทาบทามนี้ไม่เหมือนกับทาบทามอื่น ๆ มากมาย ไม่ใช้รูปแบบที่เหมือนในโอเปร่า ที่นี่อารมณ์ทั่วไปของการกระทำที่ตามมาได้รับการถ่ายทอดอย่างชัดเจน ความรวดเร็วที่น่าหลงใหล และความร่าเริงที่เดือดพล่าน การทาบทามเขียนขึ้นในรูปแบบโซนาตา แต่ไม่มีการพัฒนา ซึ่งถูกแทนที่ด้วยการเชื่อมโยงสั้น ๆ ระหว่างการแสดงและการบรรเลง ในเวลาเดียวกัน ห้าธีมมีความโดดเด่นอย่างชัดเจนและแทนที่กันได้อย่างรวดเร็ว ที่หนึ่งและสองประกอบกันเป็นชุดหลัก ชุดที่สามและสี่ - ชุดข้าง ชุดที่ห้า - ชุดสุดท้าย พวกเขาทั้งหมดมีพลัง แต่ในขณะเดียวกันแต่ละคนก็มีลักษณะพิเศษของตัวเอง ธีมแรกของส่วนหลัก บรรเลงโดยเครื่องสายและปี่ที่พร้อมเพรียงกัน เคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วด้วยความว่องไวซุกซน: คำถามและงานที่มอบหมาย 1. ดนตรีของ Mozart มีอะไรที่เหมือนกันกับดนตรีของ Haydn? และอะไรคือความแตกต่างระหว่างความสนใจทางศิลปะของคลาสสิกเวียนนาทั้งสองนี้ 2. บอกเราเกี่ยวกับครอบครัวของคุณและ เด็กปฐมวัยโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท 3. โมสาร์ทแสดงเป็นเด็กน้อยในประเทศและเมืองใดบ้าง การแสดงเหล่านี้เป็นอย่างไร? 4. โมสาร์ทเขียนหนังสือโอเปร่าเรื่องแรกตอนอายุเท่าไร? มันเรียกว่าอะไรและวางไว้ที่ไหน? 5. บอกเราเกี่ยวกับการเดินทางไปอิตาลีของโมสาร์ทในวัยเยาว์ 6. โมสาร์ทไปเยือนเมืองใดบ้างในภายหลัง การเดินทางไปปารีสของเขาประสบความสำเร็จหรือไม่? 7. บอกเราเกี่ยวกับการที่ Mozart หยุดพักกับอาร์คบิชอปแห่ง Salzburg 8. อธิบายทศวรรษสุดท้ายของชีวิตและการทำงานของ Mozart ตั้งชื่อผลงานหลักที่เขาสร้างขึ้นในช่วงเวลานี้ โอเปร่า "The Marriage of Figaro" รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า "The Marriage of Figaro" ของ Mozart จัดขึ้นที่กรุงเวียนนาในปี พ.ศ. 2329 นักแต่งเพลงเองเล่นฮาร์ปซิคอร์ดในการแสดงสองครั้งแรก ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มากมาย แต่มาตรการซ้ำแล้วซ้ำอีกสำหรับอังกอร์ บทประพันธ์ (บทพูด) ของโอเปร่านี้ในสี่องก์เขียนเป็นภาษาอิตาลีโดยลอเรนโซ ดา ปอนเต โดยสร้างจากเรื่องขบขันของนักเขียนชาวฝรั่งเศส Beaumarchais Crazy Day หรือ The Marriage of Figaro ในปีพ. ศ. 2418 P. I. Tchaikovsky ได้แปลบทนี้เป็นภาษารัสเซียและในการแปลของเขามีการแสดงโอเปร่าในประเทศของเรา โมสาร์ทเรียก The Marriage of Figaro ว่าเป็นโอเปร่าควาย แต่มันไม่ใช่แค่หนังตลกที่ให้ความบันเทิงกับสถานการณ์ตลกๆ หลัก ตัวละคร ถูกบรรยายโดยดนตรีเป็นตัวละครมนุษย์ที่มีชีวิตต่างๆ และแนวคิดหลักของการเล่นของ Beaumarchais ก็ใกล้เคียงกับ Mozart เพราะมันประกอบด้วยข้อเท็จจริงที่ว่าคนรับใช้ของเคานต์อัลมาวีวา ฟิกาโรและเจ้าสาวของเขา ซูซานนา คนรับใช้ของเขา ฉลาดกว่าและเหมาะสมกว่าเจ้านายที่มีบรรดาศักดิ์ ซึ่งพวกเขาเปิดเผยอุบายอย่างช่ำชอง เคานต์เองชอบซูซานนา และเขาพยายามถ่วงเวลาการแต่งงานของเธอ แต่ฟิกาโรและซูซานนาเอาชนะอุปสรรคทั้งหมดที่เกิดขึ้นอย่างสร้างสรรค์โดยดึงดูดภรรยาของเคานต์และหน้าเด็ก Cherubino ให้อยู่เคียงข้างพวกเขาในการรับใช้บุคคลผู้สูงศักดิ์ ธีมการเชื่อมต่อของปาร์ตี้หลักและปาร์ตี้ที่เติมจะแตกต่างกันเป็นหลัก จำได้ว่าคำว่า "ทาบทาม" มาจากคำกริยาภาษาฝรั่งเศส "ouvrir" ซึ่งแปลว่า "เปิด" "เพื่อเริ่มต้น" 33 34 39 www.classON.ru กล้าหาญ การศึกษาของเด็ก ๆ ในสาขาศิลปะรัสเซียพร้อมทางเดินมาตราส่วนชุดรูปแบบแรกของส่วนด้านข้างปรากฏขึ้นซึ่งเป็นท่วงทำนองที่บรรเลงโดยไวโอลิน ชุดรูปแบบมีจังหวะที่แปลกประหลาด ตามอำเภอใจเล็กน้อย แต่คงอยู่: หมายเลขเสียง ดังนั้นหมายเลขโซโลตัวแรกในส่วนของ Figaro (เธอได้รับมอบหมายให้เป็นบาริโทน) - อาเรียขนาดเล็ก (cavatina) - ฟังทันทีหลังจากที่ Susanna แจ้งให้คู่หมั้นของเธอทราบว่าการนับเริ่มติดตามการเกี้ยวพาราสีของเธอ ในเรื่องนี้ ฟิกาโรร้องเพลงท่วงทำนองอย่างเยาะเย้ยในการเคลื่อนไหวของมินูเอต - การเต้นรำในสังคมชั้นสูงที่กล้าหาญ (ส่วนสุดโต่งของรูปแบบการแสดงซ้ำสามส่วนของคาวาตินา): ธีมที่สองของส่วนด้านข้างคล้ายกับเสียงอุทานที่เด็ดขาด: และ ธีมของส่วนสุดท้ายมีความสมดุลมากที่สุด ราวกับว่าทุกอย่างลงตัว: ในการบรรเลง ท่อนข้างและท่อนสุดท้ายจะเล่นซ้ำแล้วซ้ำอีกในคีย์หลักของ D major พวกเขาเข้าร่วมโดย coda ซึ่งเน้นย้ำถึงลักษณะที่ร่าเริงและมีชีวิตชีวาของการทาบทาม ในโอเปร่าโมสาร์ทนี้ สถานที่ขนาดใหญ่ถูกครอบครองโดยวงนักร้องประสานเสียง ส่วนใหญ่ดูเอ็ท (สำหรับตัวละครสองตัว) และเทอร์เซเตส (สำหรับตัวละครสามตัว) พวกเขาถูกแยกออกจากกันโดยการบรรยายพร้อมกับฮาร์ปซิคอร์ด และการแสดงครั้งที่สอง, สามและสุดท้าย, สี่จบลงด้วยรอบชิงชนะเลิศ - วงดนตรีขนาดใหญ่ที่มีตัวละครหกถึงสิบเอ็ดตัว โซโลรวมอยู่ในการพัฒนาแบบไดนามิกของการกระทำในรูปแบบต่าง ๆ ในส่วนตรงกลางของ cavatina การเคลื่อนไหวที่ถูก จำกัด จะถูกแทนที่ด้วยเสียงที่รวดเร็วและท่วงทำนองสามจังหวะที่สง่างามจะถูกแทนที่ด้วยจังหวะสองจังหวะที่แน่วแน่ ที่นี่ Figaro แสดงเจตนาอย่างแน่วแน่ที่จะป้องกัน "แผนร้ายกาจของเจ้านายของเขาด้วยค่าใช้จ่ายทั้งหมด: จ่าหน้าซองถึง Cherubino หน้าเด็ก เขาได้ยินโดยบังเอิญว่าเคานต์พยายามประกาศความรักของเขากับซูซานน์อย่างไร และพยานที่ไม่พึงประสงค์คนนั้นก็ได้รับคำสั่งให้ไปพบ การรับราชการทหาร. ในเพลงของเขา ฟิกาโรเยาะเย้ยสถานการณ์อย่างร่าเริงและฉลาดหลักแหลม ภาพวาดของชายหนุ่มที่ถูกปรนเปรอโดยชีวิตในราชสำนัก ภาพชีวิตทหารที่โหดร้าย ในด้านดนตรี สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นโดยการผสมผสานทักษะการเต้นที่เร้าใจเข้ากับท่วงท่าการประโคม "สงคราม" นี่คือท่อนร้องที่ฟังสามครั้งในรูปแบบของ rondo: อีกท่อนเป็นเพลงเล็กๆ ที่มีลักษณะเหมือนเพลง “Hot blood excites the heart” นี่เป็นคำสารภาพที่ยับยั้งชั่งใจมากขึ้นซึ่งส่งถึงคุณหญิงอย่างขี้อาย: ซูซานนา (นักร้องเสียงโซปราโน) ได้รับการอธิบายในหลายวงว่ามีพลัง กระฉับกระเฉง และมีไหวพริบ ซึ่งไม่ด้อยไปกว่าฟิกาโรในเรื่องนี้ ในขณะเดียวกัน ภาพลักษณ์ของเธอก็ถูกถ่ายทอดออกมาอย่างละเอียดอ่อนในบทเพลงชวนฝันอันสดใสจาก องก์ที่สี่. ในนั้น ซูซานนากล่าวถึงฟิกาโรในทางจิตใจด้วยคำขอร้องที่อ่อนโยน: สำหรับตัวเชรูบิโนเอง (บทของเขาแสดงโดยเสียงผู้หญิงต่ำๆ - เมซโซ-โซปราโน) เขาถูกอธิบายในสองเพลงว่าเป็นเยาวชนที่กระตือรือร้นซึ่งยังไม่สามารถเข้าใจได้ ความรู้สึกของตัวเอง ที่พร้อมจะตกหลุมรักทุกเมื่อ หนึ่งในนั้นเป็นเพลงที่ทั้งสนุกสนานและสั่นสะท้าน “บอกแล้วไงว่าฉันอธิบายไม่ได้” มันผสมผสานความไพเราะเข้ากับจังหวะราวกับว่าเต้นเป็นจังหวะด้วยความตื่นเต้น: 41 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย คำถามและภารกิจ 1 . Le nozze di Figaro ของ Mozart ฉายรอบปฐมทัศน์เมื่อใดและที่ไหน 2. บทละครตลกมีพื้นฐานมาจากเรื่องใด 3. แนวคิดหลักของงานนี้คืออะไร? 4. การทาบทามโอเปร่าถูกสร้างขึ้นอย่างไร? 5.จงบอกคุณสมบัติของเลขเดี่ยวสองตัวในส่วนของฟิกาโร 6. เสียงใดที่ได้รับความไว้วางใจในส่วนของ Cherubino? ร้องเพลงท่วงทำนองของอาเรียของเขา 7. ซูซานนามีลักษณะอย่างไรในวงดนตรีและอย่างไร - ในเพลงจากองก์ที่สี่? รูปแบบที่สี่ (ด้วยการขว้างมือซ้ายไปทางขวา) ตรงกันข้ามเป็นการกวาดอย่างกล้าหาญ รูปแบบที่ห้า ซึ่งจังหวะเริ่มต้นที่ไม่เร่งรีบของ Andante grazioso ถูกแทนที่ด้วยจังหวะที่ช้ามาก - Adagio เป็นเพลงบรรเลงที่ไพเราะ แต่งแต้มด้วย coloratura จากนั้นเปลี่ยนจังหวะเป็นเร็ว (อัลเลโกร) สอดคล้องกับลักษณะการเต้นที่ร่าเริงของรูปแบบที่หกสุดท้าย การเคลื่อนไหวที่สองของโซนาต้าคือ Minuet ตามปกติ มันถูกสร้างขึ้นในรูปแบบการบรรเลงซ้ำสามการเคลื่อนไหวพร้อมการทำซ้ำที่แน่นอนในการบรรเลงดนตรีของการเคลื่อนไหวครั้งแรก ระหว่างพวกเขาคือส่วนตรงกลาง (Trio) 35. ในทุกส่วนของ Minuet น้ำเสียงที่เฉียบขาดและดุดันของผู้ชายจะถูกเปรียบเทียบกับน้ำเสียงที่นุ่มนวลและนุ่มนวลของผู้หญิง คล้ายกับคำอุทานที่แสดงโคลงสั้น ๆ Sonata in A Major สำหรับโซนาตาที่รู้จักกันดีของ Clavier Mozart ใน A major เรียกว่า Turkish March Sonata เป็นวงจรที่สร้างขึ้นอย่างผิดปกติ การเคลื่อนไหวครั้งแรกในที่นี้ไม่ใช่ sonata allegro แต่เป็นรูปแบบหกรูปแบบในธีมที่เบาและสงบและสง่างามอย่างแยบยล ดูเหมือนเป็นเพลงที่สามารถร้องได้อย่างอารมณ์ดีและสงบสุขในชีวิตดนตรีของชาวเวียนนา ในจังหวะที่ไหวเบา ๆ มีความคล้ายคลึงกับการเคลื่อนไหวของซิซิลีอานา - เพลงเต้นรำหรือเพลงเต้นรำของอิตาลีเก่า: นักแต่งเพลงเรียกส่วนที่สามของโซนาตา (สุดท้าย) "A11a Turca" - "ในแบบตุรกี" ต่อมาชื่อ "Turkish March" ถูกกำหนดให้กับตอนจบนี้ ไม่มีอะไรที่เหมือนกันกับโครงสร้างเสียงของดนตรีโฟล์กตุรกีและดนตรีมืออาชีพ ซึ่งไม่ปกติสำหรับหูของชาวยุโรป แต่ในศตวรรษที่ 18 ในยุโรปซึ่งส่วนใหญ่เป็นดนตรีการแสดงละครแฟชั่นเกิดขึ้นสำหรับการเดินขบวนเรียกว่า "ตุรกี" ตามอัตภาพ พวกเขาใช้สีเสียงต่ำของวงออเคสตรา "Janissary" ซึ่งใช้เครื่องลมและเครื่องกระทบ - กลองขนาดใหญ่และสแนร์, ฉิ่ง, สามเหลี่ยม ทหารของหน่วยทหารราบของกองทัพตุรกีเรียกว่า Janissaries เพลงเดินขบวนของพวกเขาถูกชาวยุโรปมองว่าดุร้าย เสียงดัง และ "ป่าเถื่อน" ไม่มีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างรูปแบบต่างๆ แต่ทั้งหมดมีลักษณะที่แตกต่างกัน ในรูปแบบแรก การเคลื่อนไหวที่ไพเราะอย่างประหลาดที่สง่างามจะเหนือกว่า ในรูปแบบที่สอง - ความขี้เล่นที่สง่างามจะรวมเข้ากับสีที่ตลกขบขัน รูปแบบที่สาม - รูปแบบเดียวที่ไม่ได้เขียนใน A major แต่อยู่ใน A minor - เต็มไปด้วยโครงร่างที่ไพเราะเศร้าเล็กน้อย เคลื่อนไหวอย่างสม่ำเสมอราวกับว่ามีความประหม่าเล็กน้อย ในตอนท้ายของ Trio มีการกำหนด "Minuetto da capo" . ภาษาอิตาลี - "จากหัว", "จากจุดเริ่มต้น" 35 "Da capo" แปลจาก 42 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย ตอนจบเขียนในรูปแบบที่ผิดปกติ สามารถกำหนดได้ว่าเป็นเสียงประสานสามท่อน (ใน A major) การขับร้องซ้ำๆ ซ้ำๆ ทำให้โครงสร้างของท่อนสุดท้ายมีคุณลักษณะของรอนโด การเคลื่อนไหวครั้งแรก - ที่มีลวดลาย "วนเป็นวงกลม" อย่างง่ายดาย (A minor) - และการเคลื่อนไหวช่วงกลาง - ด้วยการเคลื่อนไหวที่ไพเราะ (F-sharp minor) - ผสมผสานความสามารถในการเต้นที่สง่างามเข้ากับท่วงท่าที่ชัดเจน: เชื่อกันมานานแล้วว่า โมซาร์ทแต่งโซนาตาในเพลง A major ในฤดูร้อนปี 1778 ที่ปารีส แต่แล้วพวกเขาก็ค้นพบข้อมูลว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นในไม่กี่ปีต่อมาในเวียนนา ข้อมูลดังกล่าวมีความเป็นไปได้มากกว่าเพราะในปี ค.ศ. 1782 รอบปฐมทัศน์ของบทเพลงของ Mozart เรื่อง "The Abduction from the Seraglio" เกิดขึ้น ในนั้น การกระทำเกิดขึ้นในตุรกีและในเพลงทาบทามและในสองนักร้องประสานเสียงที่มีลักษณะคล้ายการเดินขบวน การเลียนแบบเพลง "Janissary" นั้นสังเกตได้ชัดเจน นอกจากนี้ มีเสียงดังหรือไม่? โมสาร์ทได้เพิ่มโคดา "แจนิสซารี" ปลอมใน A major ในตอนสุดท้ายของวุฒิสภาในปี พ.ศ. 2327 เมื่อผลงานได้รับการตีพิมพ์ เป็นที่น่าสังเกตว่าในโซนาตาเช่นเดียวกับใน "The Abduction from the Seraglio" บทบาทส่วนใหญ่อยู่ในประเภทของเพลงและการเดินขบวน ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นความเชื่อมโยงของดนตรีบรรเลงกับดนตรีละครซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโมสาร์ท คำถามและภารกิจ 1 . มีอะไรผิดปกติเกี่ยวกับวัฏจักรในโซนาตาของ Mozart ใน A major? บอกเราเกี่ยวกับลักษณะของธีมและหกรูปแบบในส่วนแรกของงานนี้ 2. ประเภทการเต้นใดที่ใช้ในส่วนที่สองของโซนาตา 3. อธิบายว่าเหตุใดตอนจบของโซนาตาใน A major จึงเรียกว่า Turkish March ลักษณะเฉพาะของการก่อสร้างคืออะไร? ร้องเพลงตามธีมหลัก 4. เพลง "Turkish March" ของเขาสะท้อนกับงานดนตรีและละครของโมสาร์ทเรื่องใด Symphony in G minor ประพันธ์ขึ้นที่เวียนนาในปี 1788 ซิมโฟนีใน G minor! (ฉบับที่ 40) เป็นหนึ่งในผลงานที่ได้รับแรงบันดาลใจมากที่สุดของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ การเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีคือโซนาตาอัลเลโกรในจังหวะที่เร็วมาก มันเริ่มต้นด้วยธีมของส่วนหลักซึ่งดึงดูดทันทีว่าเป็นคำสารภาพที่เป็นความลับและจริงใจ ขับร้องโดยไวโอลินเคล้าเสียงเครื่องสายอื่นๆ ที่พริ้วไหวอย่างนุ่มนวล จังหวะที่ตื่นเต้นแบบเดียวกันนั้นสามารถจดจำได้ในท่วงทำนองเพลงเมื่อเริ่มเพลงแรกของ Cherubino จากโอเปร่าเรื่อง The Marriage of Figaro (ดูตัวอย่างที่ 37) แต่ตอนนี้มันเป็นเนื้อเพลงที่ "เป็นผู้ใหญ่" จริงจังและกล้าหาญมากขึ้น: คอรัส (ในวิชาเอก) ฟังสามครั้งมันเหมือนกับ "การงดเว้นเสียงของ Janissary" ในส่วนของมือซ้ายเลียนแบบกลองม้วน ได้ยิน: ในเรื่องนี้ "Turkish March" บางครั้งเรียกว่า "Rondo ในสไตล์ตุรกี" ("Rondo alla Turca") 36 43 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะในรัสเซีย การพัฒนาเล็กน้อย) แต่ไม่มีความแตกต่างในนั้นทุกอย่างเป็นไปตามอารมณ์ที่สดใสโดยทั่วไปซึ่งกำหนดตั้งแต่เริ่มต้นในส่วนหลักที่ฟังเครื่องสาย: ความเป็นชายของตัวละครได้รับการปรับปรุงในส่วนเชื่อมต่อซึ่งส่วนหลักพัฒนาขึ้น . มีการมอดูเลตเป็น B-flat major ขนานกับ G minor - คีย์ของส่วนด้านข้าง ธีมจะเบากว่า สง่างาม และเป็นผู้หญิงมากกว่าเมื่อเทียบกับธีมหลัก มีการลงสีด้วยโทนเสียงสี ตลอดจนการสลับเสียงต่ำของเครื่องสายและเครื่องลมไม้: ในแถบที่เจ็ด ตัวเลข "กระพือ" เบาๆ ของโน้ต 30 วินาที 2 ตัวปรากฏขึ้นที่นี่ ในอนาคตมันจะแทรกซึมเข้าไปในแนวทำนองของธีมทั้งหมด แล้วดูเหมือนว่าจะโอบล้อมพวกมัน ปรากฏในรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกันกับเครื่องดนตรีที่แตกต่างกัน เป็นเหมือนเสียงสะท้อนของธรรมชาติอันเงียบสงบ บางครั้งถูกรบกวนเล็กน้อย ตอนนี้พวกเขาได้ยินใกล้ ๆ แล้วในระยะไกล ตามประเพณีที่กำหนด การเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีคือ Minuet แต่มีเพียงส่วนตรงกลางเท่านั้น - Trio - เป็นแบบดั้งเดิมอย่างชัดเจน ด้วยการเคลื่อนไหวที่ราบรื่น ความไพเราะของเสียงและโทนเสียงใน G major ทำให้ Trio นำเสนอ G-minor main ซึ่งเป็นส่วนสุดโต่งของ Minuet นี้ ซึ่งโดยรวมแล้วถือว่าไม่ปกติในแง่ของความตึงของโคลงสั้นและดราม่า ปรากฏว่าหลังจากนั้น การไตร่ตรองอย่างเงียบ ๆ ธรรมชาติที่รวมอยู่ใน Andante บัดนี้ต้องกลับสู่โลกแห่งความวิตกกังวลทางจิตวิญญาณและความไม่สงบที่ครอบงำส่วนแรกของซิมโฟนี สิ่งนี้สอดคล้องกับการกลับมาของคีย์หลักของซิมโฟนี - G minor: การระเบิดของพลังงานครั้งใหม่เกิดขึ้นในส่วนสุดท้าย ที่นี่บทบาทนำเป็นของการพัฒนาซ้ำแล้วซ้ำอีกและต่อเนื่องของบรรทัดฐานแรก - สามเสียงของธีมของปาร์ตี้หลัก ด้วยจุดเริ่มต้นของการพัฒนาที่ค่อนข้างกว้างขวาง เมฆดูเหมือนจะรวมตัวกันอย่างใจจดใจจ่อ จาก B-flat major ที่เบา มีการหักเลี้ยวอย่างรวดเร็วไปยังคีย์ F-sharp minor ที่อยู่ห่างไกลอันมืดมน ในการพัฒนา ธีมของปาร์ตี้หลักพัฒนาขึ้นอย่างมาก มันผ่านช่วงของคีย์ทั้งหมด แบ่งออกเป็นวลีและบรรทัดฐานที่แยกจากกัน และพวกเขามักจะเลียนแบบเสียงที่แตกต่างกันของวงออเคสตรา แรงจูงใจแรกของหัวข้อนี้เต้นแรงมาก แต่ในที่สุดการเต้นของชีพจรก็อ่อนลง ยับยั้งการสั่นไว้ และการบรรเลงก็มาถึง อย่างไรก็ตาม ผลกระทบของความเข้มข้นอย่างมากที่เกิดขึ้นในการพัฒนาได้สะท้อนให้เห็นในส่วนนี้ของส่วนแรก ที่นี่ความยาวของส่วนเชื่อมต่อเพิ่มขึ้นอย่างมาก มันนำไปสู่การนำเสนอด้านข้างและส่วนสุดท้ายที่ไม่ได้อยู่ในคีย์หลักอีกต่อไป แต่อยู่ในคีย์หลักของ G minor ซึ่งทำให้เสียงของพวกเขาน่าทึ่งยิ่งขึ้น การเคลื่อนไหวที่สองของซิมโฟนีคือ Andante ใน E flat major มันตรงกันข้ามกับท่อนแรกที่โคลงสั้น ๆ ดราม่าด้วยความนุ่มนวลและเงียบสงบ รูปแบบ Andante ยังเป็นโซนาตา (โดย G minor เป็นคีย์หลักและส่วนที่สี่ของซิมโฟนี - ตอนจบ ดำเนินไปอย่างรวดเร็ว ตอนจบเขียนในรูปแบบโซนาตา ธีมหลักในส่วนนี้ของซิมโฟนีคือ ธีมของส่วนหลัก ร่วมกับธีมของส่วนหลักของส่วนแรก จะหมายถึง แต่ถ้าธีมในส่วนแรกฟังดูเหมือนเป็นโคลงสั้น ๆ ที่อ่อนโยนและคารวะ ธีมของตอนจบจะเป็นโคลงสั้น ๆ ที่เร่าร้อน - การอุทธรณ์ที่น่าทึ่งเต็มไปด้วยความกล้าหาญและเราจะตัดสินใจ 44 www.classON.ru การศึกษาของเด็กในสาขาศิลปะรัสเซีย 2. บอกเราเกี่ยวกับหัวข้อหลักของซิมโฟนีส่วนแรกและพัฒนาการของพวกเขา 3. ตัวละครคืออะไร ของดนตรีในท่อนที่ 2 และ 3 ของซิมโฟนี 4. ท่อนนำในตอนจบของซิมโฟนีคืออะไร มีลักษณะ แตกต่างจากลักษณะของท่อนหลักของท่อนที่ 1 อย่างไร 5. อย่างไร ธีมของส่วนหลักถูกสร้างขึ้นหรือไม่ องค์ประกอบหลัก ความดึงดูดที่เร่าร้อนนี้ถูกสร้างขึ้นโดยทำนองเพลงที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วตามเสียงของคอร์ด เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนี ธีมที่สง่างามของส่วนด้านข้างของตอนจบจะสดใสเป็นพิเศษในการแสดงเมื่อแสดงใน B flat major: โอเปร่า 19 ชิ้น Requiem ประมาณ 50 ซิมโฟนี 27 คอนแชร์โตสำหรับคลอเวียร์และออร์เคสตรา 5 คอนแชร์โตสำหรับไวโอลิน และวงออร์เคสตราคอนแชร์โตที่มีวงออร์เคสตราคลอสำหรับฟลุต คลาริเน็ต บาสซูน ฮอร์น ฟลุตกับพิณ เครื่องสาย (มากกว่า 20 เครื่อง) และควินเต็ต โซนาตาสสำหรับคลาเวียร์ สำหรับไวโอลินและคลาเวียร์ การแปรผัน จินตนาการ รอนดอส มินินูเอตสำหรับคลาเวียร์ ส่วนสุดท้ายขึ้นอยู่กับ องค์ประกอบที่สองของธีมของส่วนหลัก ในการพัฒนาตอนจบองค์ประกอบแรกที่กระตุ้นของธีมของปาร์ตี้หลักจะพัฒนาอย่างเข้มข้นเป็นพิเศษ ความตึงเครียดที่น่าทึ่งสูงเกิดขึ้นได้จากความเข้มข้นของวิธีการพัฒนาแบบฮาร์มอนิกและโพลีโฟนิก - ดำเนินการในคีย์จำนวนมากและการโทรเลียนแบบ ในการบรรเลง การแสดงของท่อนข้างในคีย์หลักของ G minor นั้นถูกบดบังด้วยความเศร้าเล็กน้อย และองค์ประกอบที่สองของธีมของส่วนหลัก (ตัวเลขที่ยืนยันและมีพลัง) เช่นเดียวกับในคำอธิบาย เสียงที่เป็นหัวใจของส่วนสุดท้ายในการบรรเลง ผลที่ตามมา ตอนจบในการสร้างสรรค์มาซาร์ตอันชาญฉลาดนี้ก่อให้เกิดจุดสุดยอดของบทเพลงที่สดใสและน่าทึ่งของวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกทั้งหมด ซึ่งไม่เคยมีมาก่อนในด้านความเด็ดเดี่ยวผ่านการพัฒนาโดยเป็นรูปเป็นร่าง Ludwig van Beethoven 1770-1827 นักแต่งเพลงชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Ludwig van Beethoven เป็นนักดนตรีที่อายุน้อยที่สุดในบรรดานักดนตรีที่เก่งกาจสามคนที่ถูกเรียกว่าคลาสสิกเวียนนา เบโธเฟนมีชีวิตอยู่และสร้างสรรค์ขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17 และ 19 ในยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและกลียุคอันยิ่งใหญ่ วัยหนุ่มของเขาตรงกับเวลา คำถาม และงานที่ได้รับมอบหมาย 1 . โมสาร์ทสร้างซิมโฟนีใน G minor No. 40 เมื่อใดและที่ไหน 45 www.classON.ru การศึกษาศิลปะสำหรับเด็กในรัสเซีย

(คะแนน: 3 , เฉลี่ย: 3,67 จาก 5)

ชื่อเรื่อง วรรณกรรมทางดนตรีของต่างประเทศ

เกี่ยวกับหนังสือ "วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ" โดย I. A. Prokhorov

หนังสือเรียนเรื่อง "วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ" ที่รวบรวมโดย I. Prokhorova มีไว้สำหรับ การศึกษาด้วยตนเอง. สิ่งนี้อธิบายความสั้นและการเข้าถึงของการนำเสนอเนื้อหา

หนังสือ "วรรณกรรมเพลงต่างประเทศ" จะแนะนำให้นักเรียนรู้จักชีวประวัติโดยย่อและผลงานที่ดีที่สุดของคีตกวีที่มีชื่อเสียง เด็กๆ จะสามารถเรียนรู้เกี่ยวกับชีวิตและผลงานของอัจฉริยะเช่น I.S. บาค, เจ. ไฮเดิน, W.A. โมซาร์ท, แอล. เบโธเฟน, เอฟ. ชูเบิร์ต และเอฟ. โชแปง I. Prokhorova ไม่ได้อธิบายรายละเอียดมากเกินไปเกี่ยวกับเรื่องราวของนักแต่งเพลงที่มีความสามารถในตำราเรียนคุณจะพบกับวันที่สำคัญของชีวิต, ที่มา, ชื่อและชื่อ, สาขากิจกรรม, เงื่อนไขที่มีอิทธิพลต่อการเลือกอาชีพ หนังสือเล่มนี้จะบอกเกี่ยวกับขั้นตอนหลักของชีวิตและผลงานของนักดนตรี มุมมองทางสังคมและการเมืองของพวกเขา

สิ่งพิมพ์ "วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ" มีไว้สำหรับนักเรียนของโรงเรียนดนตรีอย่างไรก็ตามทุกคนที่ไม่สนใจงานคลาสสิกจะพบสิ่งที่น่าสนใจในหนังสือเล่มนี้สำหรับตัวเอง I. Prokhorova เสริมข้อความด้วยคำอธิบายเกี่ยวกับแนวคิดทางดนตรีและที่ไม่ใช่ดนตรีซึ่งทำให้เป็นวิชาการน้อยลง ส่วนที่กล่าวถึงชีวิตของนักดนตรีนำเสนอในบริบททางประวัติศาสตร์และ ชีวิตทางวัฒนธรรมประเทศในยุโรปในยุคนั้น สิ่งนี้เปิดโอกาสให้นักเรียนเข้าใจอย่างลึกซึ้งและกว้างขึ้นเกี่ยวกับเงื่อนไขที่นักแต่งเพลงในตำนานอาศัยและทำงาน

เนื่องจากหนังสือ "วรรณกรรมทางดนตรีต่างประเทศ" มีไว้สำหรับอ่านที่บ้านทั้งหมด ผลงานไพเราะนำเสนอในรูปแบบสี่มือ เป็นที่น่าสังเกตว่าเรื่องราวเกี่ยวกับงานของ Bach ซึ่งตามโปรแกรมมีการศึกษาในช่วงปลายปีนั้นถูกวางไว้ที่จุดเริ่มต้น ผู้เขียนใช้ขั้นตอนนี้เพื่อประโยชน์ในการสังเกตลำดับเหตุการณ์ของงานนำเสนอ

ผู้รวบรวมหนังสือเล่มนี้มั่นใจว่าการใช้หนังสือเรียนเป็นประจำจะปลุกให้นักเรียนได้ลิ้มรสความคุ้นเคยด้วยตนเองกับวรรณกรรมดนตรีที่เป็นที่นิยมและเป็นวิทยาศาสตร์ นอกจากนี้เด็ก ๆ ยังสามารถพัฒนาและเสริมสร้างทักษะการอ่าน ผลงานทางดนตรีจากแผ่นและคุ้นเคยกับการเล่นสี่มือ
การเรียนรู้อย่างอิสระ ผลงานที่มีชื่อเสียงจะอนุญาตให้แสดงในระหว่างบทเรียนต่อหน้าเด็กคนอื่น ๆ ซึ่งจะทำให้ชั้นเรียนรวมมีความกระตือรือร้นมากขึ้นและปรับปรุงการรับรู้ของดนตรีคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ

บนเว็บไซต์ของเราเกี่ยวกับหนังสือ lifeinbooks.net คุณสามารถดาวน์โหลดฟรีโดยไม่ต้องลงทะเบียนหรืออ่านหนังสือ "วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ" ทางออนไลน์โดย I. A. Prokhorov ในรูปแบบ epub, fb2, txt, rtf, pdf สำหรับ iPad, iPhone, Android และ Kindle หนังสือเล่มนี้จะทำให้คุณมีช่วงเวลาที่น่ารื่นรมย์และมีความสุขอย่างแท้จริงในการอ่าน คุณสามารถซื้อเวอร์ชันเต็มได้จากพันธมิตรของเรา นอกจากนี้ คุณจะพบข่าวสารล่าสุดจากโลกวรรณกรรม เรียนรู้ชีวประวัติของนักเขียนคนโปรดของคุณได้ที่นี่ สำหรับนักเขียนมือใหม่ มีส่วนแยกต่างหากพร้อมคำแนะนำและเคล็ดลับที่เป็นประโยชน์ บทความที่น่าสนใจ ซึ่งคุณสามารถลองเขียนด้วยมือของคุณเองได้

จากคอมไพเลอร์
หนังสือเล่มนี้เป็นตำราเกี่ยวกับวรรณคดีดนตรีในยุคประวัติศาสตร์นั้นซึ่งเริ่มต้นด้วย ทศวรรษที่ผ่านมาศตวรรษที่สิบเก้า ตำราดังกล่าวปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก: ฉบับที่ห้าจบลงด้วยงานของ K-Debussy และ M. Ravel อย่างที่คุณทราบ
หนังสือเล่มนี้มีคำอธิบายของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติต่างๆ ซึ่งกำหนดโครงสร้างโดยรวม ส่วนแรกให้คำอธิบายเกี่ยวกับกระบวนการทั่วไปที่ดำเนินการในแบบของตนเองในศิลปะดนตรีของประเทศต่างๆ และในงานของนักแต่งเพลงที่มีบุคลิกต่างกัน แต่ละส่วนที่ตามมาประกอบด้วยภาพรวมของวัฒนธรรมดนตรีของประเทศที่กำหนด เช่นเดียวกับส่วนเอกสารที่อุทิศให้กับผลงานของนักแต่งเพลงที่สำคัญที่สุดของโรงเรียนนี้ เฉพาะส่วนที่อุทิศให้กับงานของ I. Stravinsky เท่านั้นที่แตกต่างกันในโครงสร้าง: ไม่มีบทวิจารณ์เบื้องต้น และนี่เป็นสิ่งที่เข้าใจได้: หลังจากใช้ชีวิตส่วนใหญ่นอกรัสเซียเนื่องจากสถานการณ์พิเศษ Stravinsky ยังคงเป็นปรมาจารย์ชาวรัสเซียและไม่ได้สังกัดโรงเรียนต่างประเทศแห่งใดเลย อิทธิพลชี้ขาดของมัน หลักการสร้างสรรค์นักดนตรีชั้นนำเกือบทั้งหมดในศตวรรษของเราไม่อนุญาตให้ถอด Stravinsky ออก ภาพรวมการพัฒนาศิลปะดนตรีของศตวรรษที่ XX การรวมบทเดียวนี้ไว้ในตำราวรรณกรรมดนตรีต่างประเทศก็เนื่องมาจากลักษณะเฉพาะของหลักสูตรที่โรงเรียน เมื่อถึงเวลาที่พวกเขาศึกษาดนตรีต่างประเทศในศตวรรษที่ 20 นักเรียนไม่คุ้นเคยกับบุคลิกลักษณะหรือ เพลงของ I. Stravinsky พวกเขาจะหันไปที่หน้าศิลปะดนตรีนี้เฉพาะเมื่อสิ้นสุดหลักสูตรที่สี่ซึ่งพิจารณาเฉพาะงานนักแต่งเพลงยุคแรกของรัสเซียเท่านั้น

ความสนใจของผู้รวบรวมและผู้เขียนตำรามุ่งเน้นไปที่การแสดงกระบวนการทางดนตรีและประวัติศาสตร์ทั่วไปของช่วงเวลาที่อยู่ระหว่างการตรวจสอบ และการวิเคราะห์ผลงานที่โดดเด่นที่สุดซึ่งกลายเป็นคลาสสิกในศตวรรษของเรา เมื่อพิจารณาถึงความซับซ้อนเป็นพิเศษของเหตุการณ์ต่างๆ ของศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 20 ความแตกต่าง ความแตกแยกร่วมกัน และการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว บทวิจารณ์จึงใช้พื้นที่ในหนังสือเล่มนี้มากกว่าฉบับก่อนๆ มาก อย่างไรก็ตาม ตามหลักการของระเบียบวิธีวิทยา ผู้เรียบเรียงพยายามที่จะให้ความสำคัญกับการวิเคราะห์งานดนตรี ซึ่งใน กรณีนี้ออกแบบมาเพื่อเผยให้เห็นความหลากหลายของวิธีการสร้างสรรค์ วิธีคิด แนวทางโวหารที่แตกต่างกัน และเทคนิคการแต่งเพลงที่หลากหลายของปรมาจารย์แห่งศตวรรษของเรา

ด้วยความจริงที่ว่าหนังสือเล่มนี้ให้ภาพกว้างๆ ของศิลปะดนตรี และการวิเคราะห์ในหลายกรณีก็ซับซ้อนมาก (ซึ่งส่วนใหญ่จะกำหนดไว้ล่วงหน้าโดยตัวเนื้อหาเอง) ผู้รวบรวมจึงพิจารณาว่าเป็นไปได้ที่จะกล่าวถึงตำรานี้แก่นักเรียนไม่เพียง การแสดง แต่ยังรวมถึงแผนกทฤษฎีด้วย โรงเรียนสอนดนตรี. เนื้อหาของหนังสืออนุญาตให้มีแนวทางเลือกในกระบวนการศึกษา ความลึกและรายละเอียดของการศึกษาบทนั้นขึ้นอยู่กับระดับความพร้อมของนักเรียนอุปกรณ์วัสดุของกระบวนการศึกษาพร้อมโน้ตและการบันทึกเพลงและจำนวนชั่วโมงที่หลักสูตรจัดสรรสำหรับส่วนนี้ ของหลักสูตร
ผู้เขียนกลุ่มใหญ่ทำงานในหนังสือเล่มนี้ ดังนั้นวิธีการนำเสนอเนื้อหาที่แตกต่างกันอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในเวลาเดียวกันคอมไพเลอร์พยายามที่จะรักษาหลักการวิธีการที่เหมือนกัน

เนื้อหา
จากคอมไพเลอร์
วิธีการพัฒนาศิลปะดนตรีต่างประเทศในศตวรรษที่ XX
วัฒนธรรมดนตรีของออสเตรีย
กุสตาฟ มาห์เลอร์
ความคิดสร้างสรรค์ทางเสียง "เพลงฝึกหัดการเดินทาง"
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ ซิมโฟนีแรก
อาร์โนลด์ เช็นเบิร์ก
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
"ผู้รอดชีวิตจากวอร์ซอว์"
อัลบัน เบิร์ก
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ละครเพลง Wozzeck
คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออร์เคสตรา
แอนตัน เว็บเบิร์น
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
วัฒนธรรมดนตรีของประเทศเยอรมนี
ริชาร์ด สเตราส์
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ บทกวีไพเราะ "ดอนฮวน" และ "ทิล อูเลนส์ปีเกล"
พอล ฮินเดมิธ
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ ซิมโฟนี "ศิลปินมาติส"
คาร์ล ออร์ฟ
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ประเภทหลักของงานของ Karl Orff และคุณลักษณะของพวกเขา
โอเปร่า "สาวฉลาด"
"คาร์มิน่า บูรณะ"
อิกอร์ สตราวินสกี้
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
"ซิมโฟนีแห่งสดุดี"
โอเปร่าเรื่อง "Oedipus Rex"
วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส
อาเธอร์ โอเน็กเกอร์
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ความคิดสร้างสรรค์ด้านการแสดงละครและการปราศรัย Oratorio "โจนออฟอาร์คเป็นเดิมพัน"
ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะ ซิมโฟนีที่สาม ("พิธีกรรม")
ดาเรียส มิโจ
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
ร้อง-บรรเลง,สร้างสรรค์. "ปราสาทแห่งไฟ"
ฟรานซิส ปูเลนซ์
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
โอเปร่า "เสียงมนุษย์"
วัฒนธรรมดนตรีของสเปน
มานูเอล เด ฟอลลา
เส้นทางชีวิตและสร้างสรรค์
บัลเล่ต์ "ความรักคือแม่มด"
โอเปร่า "ชีวิตสั้น"

ประกอบบันทึกวรรณคดีดนตรีของต่างประเทศเป็นการเสริมจากตำราวรรณคดีดนตรีที่มีอยู่เดิม เนื้อหาของคู่มือสอดคล้องกับโปรแกรมของวิชา PO.02.UP.03 "วรรณคดีดนตรี" ของโปรแกรมการศึกษาเพิ่มเติมก่อนวิชาชีพทั่วไปในสาขาศิลปะดนตรี "เปียโน", "เครื่องสาย", "เครื่องเป่าและเครื่องเคาะ", "เครื่องดนตรีพื้นบ้าน", " การร้องเพลงประสานเสียง" แนะนำโดยกระทรวงวัฒนธรรมแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย

บันทึกสนับสนุนเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีได้รับการออกแบบมาเพื่อพัฒนาการศึกษาด้านมนุษยธรรมและความสามารถพิเศษของนักเรียน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง: “...เพื่อสร้าง ความคิดทางดนตรี, ทักษะการรับรู้และวิเคราะห์ผลงานดนตรี , เพื่อให้ได้รับความรู้เกี่ยวกับรูปแบบของรูปแบบดนตรี , ลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรี , สื่อความหมายทางดนตรี " 1 .

ตำรานำเสนอผลงานของคีตกวีในบริบทของยุคสมัยทางวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ ศึกษาโดยเชื่อมโยงกับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิด เนื้อหานามธรรมเป็นวิทยานิพนธ์หลักของการวิจัยเกี่ยวกับประวัติดนตรีและวรรณกรรมดนตรีโดย V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova และนักดนตรีชื่อดังคนอื่น ๆ สื่อการเรียนการสอนทั่วไปและกระชับในรูปแบบ ของตาราง ไดอะแกรม และการสนับสนุนภาพ การสนับสนุนด้านภาพ (การทำสำเนาภาพวาดโดยศิลปินที่มีชื่อเสียง ภาพเหมือนของนักแต่งเพลง ญาติและเพื่อนของพวกเขา บุคคลสำคัญด้านวัฒนธรรมและศิลปะ ตัวเลขทางประวัติศาสตร์ฯลฯ) ไม่เพียง แต่มาพร้อมกับและเสริมข้อมูลทางวาจาเท่านั้น แต่ยังเป็นพาหะของข้อมูลในด้านวิจิตรศิลป์ที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับยุคสมัยและแนวโน้มของดนตรี ผลงานของนักแต่งเพลง สะท้อนถึงประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และศิลปะของประเทศในยุโรป

เนื้อหาของบันทึกอ้างอิงประกอบด้วยสี่ส่วนซึ่งแบ่งออกเป็นหัวข้อที่ครอบคลุมช่วงเวลาของการพัฒนาดนตรียุโรปตั้งแต่วัฒนธรรมดนตรีของกรีกโบราณไปจนถึงงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกในศตวรรษที่ 19 ส่วนแรกจะกล่าวถึงวัฒนธรรมทางดนตรีของกรีกโบราณ ยุคกลาง และยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ส่วนที่สองศึกษายุคบาโรก ผลงานของ J. S. Bach และ G. F. Handel ส่วนที่สามอุทิศให้กับยุคคลาสสิกโดยเน้นที่งานคลาสสิกเวียนนา - J. Haydn, W. A. ​​Mozart และ L. Beethoven ส่วนที่สี่นำเสนอเนื้อหาเกี่ยวกับยุคจินตนิยม ผลงานของ F. Schubert และ F. Chopin ซึ่งให้ รีวิวสั้น ๆผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกในศตวรรษที่ 19 F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, J. Brahms, J. Bizet

คู่มือนี้ยังประกอบด้วยพจนานุกรมความหมาย คำศัพท์และแนวคิดที่พบในข้อความ การวิเคราะห์โดยย่อ และตัวอย่างดนตรีของผลงานที่ศึกษา

นอกเหนือจากการนำเสนอเนื้อหาอย่างเข้มงวดในตารางและไดอะแกรมแล้วคู่มือยังมี ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจจากชีวิตนักแต่งเพลงมานำเสนอในรูปแบบของการเล่าเรื่องพร้อมภาพประกอบศิลป์สีสันสดใสซึ่งช่วยฟื้นฟูการรับรู้และความสนใจของเด็กๆ

บันทึกอ้างอิงเกี่ยวกับวรรณคดีดนตรีต่างประเทศมีไว้สำหรับนักเรียนของโรงเรียนศิลปะเด็ก, โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กในปีการศึกษาที่สองและสาม (เกรด 5 และ 6) ที่กำลังศึกษาเพิ่มเติมในหลักสูตรการศึกษาก่อนวิชาชีพทั่วไปในสาขานี้ ของศิลปะดนตรี. ครูผู้สอนวิชาทฤษฎีดนตรีและสาขาวิชาพิเศษของโรงเรียนดนตรีเด็ก, โรงเรียนศิลปะเด็กสามารถใช้หนังสือเรียนเมื่อศึกษาเนื้อหาใหม่, ทำซ้ำและจัดระบบหัวข้อที่ครอบคลุม, เตรียมความพร้อมสำหรับการรับรองนักเรียนขั้นกลางและขั้นสุดท้าย, การเตรียมการสำหรับโอลิมปิกทฤษฎีดนตรี งานอิสระนักเรียน กลุ่ม และ การฝึกอบรมรายบุคคลบางส่วนระหว่างการดำเนินการตามโปรแกรมการพัฒนาทั่วไปเพิ่มเติมใน สาขาศิลปะดนตรีในกิจกรรมทางวัฒนธรรมและการศึกษา

แนบไปกับบันทึกย่อฐาน สมุดงานซึ่งออกแบบมาเพื่อทำงานในห้องเรียน

ด้านล่างนี้คือชิ้นส่วนของคู่มือ "หมายเหตุประกอบวรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ"

สำหรับการซื้อคู่มือของ Tatyana Guryevna Savelyeva "หมายเหตุอ้างอิงเกี่ยวกับวรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ" โปรดติดต่อผู้เขียนที่ [ป้องกันอีเมล]

_____________________________________________

1 ตัวอย่างโปรแกรมวิชา ปพ.02 อัพ.03. วรรณคดีดนตรี. - มอสโก 2012

______________________________________________________