E Greco männliches Porträt. Ritter mit einer Hand auf seiner Brust

Über das Leben des Kreters Domenico Theotokopuli, des Künstlers, der unter dem Namen El Greco, also des Griechen, das spanische Toledo eroberte, gibt es fast keine Beweise mehr. Die „Verrücktheit“ seines Charakters und die seltsame Bildsprache verblüfften viele und zwangen sie, zur Feder zu greifen – aber nur wenige Buchstaben sind erhalten. Eine davon enthält folgende Zeilen: „... das Wetter war schön, die Frühlingssonne schien sanft. Es machte alles fröhlich, und die Stadt sah festlich aus. Stellen Sie sich meine Überraschung vor, als ich El Grecos Werkstatt betrat und sah, dass die Fensterläden geschlossen waren und es daher schwierig war, die Umgebung zu sehen. El Greco selbst saß auf einem Hocker, tat nichts, war aber wach. Er wollte nicht mit mir ausgehen, weil das Sonnenlicht seiner Meinung nach sein inneres Licht störte ... "

Es gibt fast keine Beweise für Domenico, den Mann, der zurückgelassen wurde, nur Echos: dass er im großen Stil lebte, die reichste Bibliothek führte, viele Philosophen las und auch Kunden verklagte (er wurde geliebt, aber häufiger nicht verstanden), fast in Armut starb, wie dünne Strahlen Tageslicht die Risse in den "geschlossenen Fensterläden" seines Lebens durchbrechen. Aber sie lenken nicht von der Hauptsache ab – vom inneren Licht, das die Gemälde des Künstlers El Greco erfüllt. Vor allem Porträts.

Sie haben keine Landschaften, die sich hinter dem Porträtierten öffnen, es gibt keine Fülle von Details, die neugierige Blicke auf sich ziehen. Sogar der Name des Helden wird oft ausgelassen. Weil all dies verhindern würde, das Gesicht zu sehen. Und Augen, tief, dunkel, die dich direkt ansehen. Es ist schwierig, sich von ihnen zu lösen, und wenn Sie sich zwingen, dann die Geste zu sehen - und wieder in Gedanken innezuhalten.

So etwa das „Bildnis eines Herrn mit einer Hand auf der Brust“ (1577-1579), das der Meister kurz nach seinem Umzug nach Toledo schrieb. Dieses Porträt gilt als eines der besten der spanischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Outlander El Greco schuf „helle Bilder Spanisches Leben und Geschichten", die "echte Lebewesen darstellen, die alles in sich vereinen, was an unserem Volk bewundert werden sollte, alles Heroische und Unbezwingbare, mit jenen gegensätzlichen Eigenschaften, die widergespiegelt werden müssen, ohne ihr Wesen zu zerstören" (A. Segovia). Aristokraten aus den alten Familien von Toledo wurden die wahren Helden von El Greco, er sah sie Inneres Licht- ihr Adel und ihre Würde, ihre Pflichttreue, ihre Intelligenz, ihr feines Benehmen, ihr Mut, ihre äußere Zurückhaltung und ihr innerer Impuls, die Stärke eines Herzens, das weiß, wofür es lebt und stirbt ...

Tag für Tag bleiben die Besucher der Prado-Galerie vor dem unbekannten Hidalgo stehen, überrascht, mit den Worten: „Wie lebendig ...“ Wer ist dieser Ritter? Warum öffnet er sein Herz mit solcher Aufrichtigkeit? Warum sind seine Augen so attraktiv? Und diese Schwurgeste? Und der Griff des Schwertes?.. Vielleicht haben diese Fragen zu der Legende geführt, dass der auf dem Porträt abgebildete ein weiterer großer Spanier ist: Miguel de Cervantes. Ein Krieger und Schriftsteller, der der Welt die Geschichte eines Ritters von traurigem Image erzählte, dem dieselbe göttliche Gabe wie El Greco gegeben wurde – Menschen so zu sehen, wie sie sein sollten, ihr inneres Licht zu sehen ...

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El caballero de la mano en el pecho Leinwand, Öl. 81,8 × 65,8 cm Prado, Madrid, Spanien K: Gemälde von 1580

„Ritter mit der Hand auf der Brust“- malen Spanischer Künstler El Greco, gemalt in Toledo um 1580 Am bekanntesten in einer Reihe weltlicher Porträts unbekannter Caballeros in schwarzen Gewändern und weißen Meißeln vor dunklem Hintergrund. Derzeit im Prado aufbewahrt.

Die Pose eines Caballeros kann bedeuten, einen Eid zu leisten, oder Vertrauen zu zeigen, wenn man einen Vertrag abschließt, oder edle Geburt Charakter, oder sogar ein geheimes vorher vereinbartes Signal. Ein goldenes Schwert und ein Medaillon weisen auf Reichtum und Zugehörigkeit zur High Society hin. Aussehen Der Charakter ist typisch für einen Adligen aus der Zeit des spanischen Goldenen Zeitalters. Bei der Restaurierung des Gemäldes stellte sich heraus, dass der Hintergrund zunächst nicht schwarz, sondern hellgrau war, das Gemälde aber mit der Zeit nachdunkelte. Der Farbreichtum auf dunkler Kleidung zeugt vom Einfluss der venezianischen Malschule auf El Greco.

Früher wurde angenommen, dass "Ritter mit einer Hand auf seiner Brust" ein Porträt von Cervantes ist, aber jetzt neigen die meisten Kunsthistoriker zu der Annahme, dass das Porträt Juan de Silva y Ribera, den dritten Marquis von Montemayor und Alcalde von Toledo Alcazar, darstellt. Der Kunsthistoriker Alex Berghart und der Künstler Robert Shrive lassen die Möglichkeit zu, dass es sich um das Selbstporträt des Künstlers handelt.

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Anmerkungen

Ein Auszug, der den Ritter mit einer Hand auf seiner Brust charakterisiert

„Im Gegenteil, es scheint alles gut zu gehen, ma cousine“, sagte Pierre mit jener spielerischen Angewohnheit, die Pierre, der seine Rolle als Wohltäter vor der Prinzessin immer verlegen erduldete, sich ihr gegenüber aneignete.
- Ja, es ist sicher ... gutes Wohlbefinden! Heute hat mir Warwara Iwanowna erzählt, wie unterschiedlich unsere Truppen sind. Sicherlich eine Ehre zuzuschreiben. Ja, und die Leute rebellierten völlig, sie hörten auf; mein Mädchen und sie wurde unhöflich. So bald werden sie uns schlagen. Auf den Straßen darf man nicht laufen. Und vor allem, heute werden die Franzosen morgen hier sein, was können wir erwarten! Ich bitte um eines, mein Cousin, - sagte die Prinzessin, - befiehl mir, nach Petersburg gebracht zu werden: Was auch immer ich bin, aber ich kann nicht unter Bonapartes Macht leben.
„Komm schon, Ma Cousine, woher hast du deine Informationen?“ Gegen…
„Ich werde mich Ihrem Napoleon nicht unterwerfen. Andere, wie sie wollen ... Wenn Sie dies nicht tun möchten ...
- Ja, das werde ich, ich werde jetzt bestellen.
Die Prinzessin war anscheinend verärgert, dass es niemanden gab, auf den sie wütend sein konnte. Sie flüsterte etwas und setzte sich auf einen Stuhl.
„Aber Sie werden falsch gemeldet“, sagte Pierre. In der Stadt ist alles ruhig und es besteht keine Gefahr. Also las ich jetzt ... - Pierre zeigte der Prinzessin die Plakate. - Der Graf schreibt, dass er mit seinem Leben antwortet, dass der Feind nicht in Moskau sein wird.
„Ah, dieser Graf von Ihnen“, sprach die Prinzessin mit Bosheit, „das ist ein Heuchler, ein Bösewicht, der selbst das Volk zum Aufruhr gebracht hat. Hat er nicht auf diesen blöden Plakaten geschrieben, was auch immer es war, schlepp ihn an der Kuppe zum Ausgang (und wie blöd)! Wer nimmt, sagt er, Ehre und Ruhm. Da hat er sich vertan. Varvara Ivanovna sagte, dass sie fast ihre Leute getötet hätte, weil sie Französisch sprach ...
„Aber es ist so … Du nimmst dir alles sehr zu Herzen“, sagte Pierre und begann Solitaire zu spielen.
Trotz der Tatsache, dass der Solitär konvergierte, ging Pierre nicht zur Armee, sondern blieb im verlassenen Moskau, immer noch in der gleichen Angst, Unentschlossenheit, Angst und zusammen in Freude, etwas Schreckliches erwartend.
Am nächsten Tag reiste die Prinzessin abends ab, und sein Oberbefehlshaber kam mit der Nachricht zu Pierre, dass das Geld, das er für die Uniformierung des Regiments benötigte, nicht beschafft werden könne, wenn nicht ein Anwesen verkauft werde. Der Oberbefehlshaber machte Pierre im Allgemeinen geltend, dass alle diese Unternehmungen des Regiments ihn ruinieren sollten. Pierre konnte sein Lächeln kaum verbergen, als er den Worten des Managers lauschte.
„Gut, verkauf es“, sagte er. „Was kann ich tun, ich kann jetzt nicht ablehnen!“

Swetlana Obuchova

Über das Leben des Kreters Domenico Theotokopuli, des Künstlers, der unter dem Namen El Greco, also des Griechen, das spanische Toledo eroberte, gibt es fast keine Beweise mehr. Die „Verrücktheit“ seines Charakters und die seltsame Bildsprache verblüfften viele und zwangen sie, zur Feder zu greifen – aber nur wenige Buchstaben sind erhalten. Eine davon enthält folgende Zeilen: „... das Wetter war schön, die Frühlingssonne schien sanft. Es machte alles fröhlich, und die Stadt sah festlich aus. Stellen Sie sich meine Überraschung vor, als ich El Grecos Werkstatt betrat und sah, dass die Fensterläden geschlossen waren und es daher schwierig war, die Umgebung zu sehen. El Greco selbst saß auf einem Hocker, tat nichts, war aber wach. Er wollte nicht mit mir ausgehen, weil das Sonnenlicht seiner Meinung nach sein inneres Licht störte ... "

Es gibt fast keine Beweise für den Mann Domenico, nur Echos: dass er im großen Stil lebte, die reichste Bibliothek führte, viele Philosophen las und auch Kunden verklagte (er wurde geliebt, aber häufiger nicht verstanden), starb fast in Armut, wie dünne tageslichtstrahlen brechen durch die ritzen der "geschlossenen läden" seines lebens. Aber sie lenken nicht von der Hauptsache ab – vom inneren Licht, das die Gemälde des Künstlers El Greco erfüllt. Vor allem Porträts.

Sie haben keine Landschaften, die sich hinter dem Porträtierten öffnen, es gibt keine Fülle von Details, die neugierige Blicke auf sich ziehen. Sogar der Name des Helden wird oft ausgelassen. Weil all dies verhindern würde, das Gesicht zu sehen. Und Augen, tief, dunkel, die dich direkt ansehen. Es ist schwierig, sich von ihnen zu lösen, und wenn Sie sich zwingen, dann die Geste zu sehen - und wieder in Gedanken innezuhalten.

So etwa das „Bildnis eines Herrn mit einer Hand auf der Brust“ (1577-1579), das der Meister kurz nach seinem Umzug nach Toledo schrieb. Dieses Porträt gilt als eines der besten der spanischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Der Ausländer El Greco schuf "lebendige Bilder des spanischen Lebens und der spanischen Geschichte", die "echte Lebewesen darstellen, die alles, was an unserem Volk zu bewundern ist, alles Heroische und Unbezwingbare, mit jenen gegensätzlichen Eigenschaften verbinden, die widergespiegelt werden müssen, ohne zu zerstören seine Essenz“ (A. Segovia). Aristokraten aus den alten Familien von Toledo wurden die wahren Helden von El Greco, er sah ihr inneres Licht - ihren Adel und ihre Würde, Pflichttreue, Intelligenz, Kultiviertheit der Manieren, Mut, äußere Zurückhaltung und inneren Impuls, die Stärke des Herzens, der weiß, wofür lebt und stirbt. ..

Tag für Tag bleiben die Besucher der Prado-Galerie vor dem unbekannten Hidalgo stehen, überrascht, mit den Worten: „Wie lebendig ...“ Wer ist dieser Ritter? Warum öffnet er sein Herz mit solcher Aufrichtigkeit? Warum sind seine Augen so attraktiv? Und diese Schwurgeste? Und der Griff des Schwertes?.. Vielleicht haben diese Fragen zu der Legende geführt, dass der auf dem Porträt abgebildete ein weiterer großer Spanier ist: Miguel de Cervantes. Ein Krieger und Schriftsteller, der der Welt die Geschichte eines Ritters von traurigem Image erzählte, dem dieselbe göttliche Gabe wie El Greco gegeben wurde – Menschen so zu sehen, wie sie sein sollten, ihr inneres Licht zu sehen ...

Und andere Gemälde aus dem Prado-Museum in der Eremitage...

El Greco "Christus umarmt das Kreuz" 1600 - 1605

Vor dem Hintergrund eines für El Greco typischen stürmischen Himmels umarmt Christus das Kreuz mit seinen anmutigen Armen und blickt mit ruhigem Untergang auf. Das Gemälde war ein großer Erfolg und viele Versionen davon wurden in El Grecos Werkstatt geschaffen.

El Greco "Die Heilige Familie mit St. Anne und Little John the Baptist" c. 1600 - 1605

Die späte Periode von El Grecos Werk ist durch die Verwendung von durchdringenden Farben und Blitzen gekennzeichnet; Der Raum ist vollständig mit Figuren gefüllt, die den Horizont verdecken. Mit vibrierendem Strich gezeichnete Formen verlieren ihre Materialität. Der kleine Johannes der Täufer ruft den Betrachter zum Schweigen auf, um den Frieden des Christuskindes nicht zu stören...

Velasquez - Porträt von Philipp IV. Porträt von König Philipp IV. 1653-1657

Grundlagen des psychologischen Porträts in Europäische Kunst flach gelegt Spanischer Maler Diego Rodríguez de Silva Velázquez. Er wurde in einer armen Adelsfamilie in Sevilla geboren, studierte bei Herrera the Elder und Pacheco. 1622 kam er erstmals nach Madrid. In praktischer Hinsicht war diese Reise nicht sehr erfolgreich - Velasquez fand keinen würdigen Platz für sich. Er hoffte, den jungen König Philip IV zu treffen, aber das Treffen fand nicht statt. Trotzdem erreichten Gerüchte über den jungen Künstler den Hof, und bereits im Jahr darauf, 1623, lud der erste Minister, der ebenfalls aus Sevilla stammende Herzog de Olivares, Velázquez nach Madrid ein, um ein Porträt des Königs zu malen. Dieses nicht überlieferte Werk machte auf den Monarchen einen so angenehmen Eindruck, dass er Velázquez sofort die Stelle als Hofmaler anbot. Bald gab es zwischen dem König und Velasquez Ruhe freundschaftliche Beziehungen, was für die am spanischen Hof vorherrschenden Anordnungen nicht sehr typisch war. Der König, der das größte Reich der Welt regierte, galt nicht als Mensch, sondern als Gottheit, und der Künstler konnte sich nicht einmal darauf verlassen edle Privilegien weil er seinen Lebensunterhalt durch Arbeit verdient hat. In der Zwischenzeit ordnete Philip an, dass fortan nur noch Velasquez seine Porträts malte. Der große Monarch war überraschend großzügig und unterstützte Velasquez. Das Atelier des Künstlers befand sich in den königlichen Gemächern, und dort wurde ein Stuhl für Seine Majestät installiert. Der König, der den Schlüssel zur Werkstatt hatte, kam fast jeden Tag hierher, um die Arbeit des Künstlers zu beobachten. Während er von 1623 bis 1660 im königlichen Dienst stand, malte Velasquez etwa ein Dutzend Porträts seines Oberherrn. Davon sind uns etwas mehr als 10 Gemälde überliefert. So porträtierte Velasquez seinen Oberherrn im Durchschnitt etwa alle drei Jahre. Das Malen von Porträts des Königs war das Werk von Velasquez, und er erledigte diese Arbeit perfekt. Dank dessen haben wir einen Werkkomplex, der in seiner Art einzigartig ist: auf den Porträts von Velasquez kann man nachvollziehen Lebensweg King Philip so deutlich, wie es später erst im Zeitalter der Fotografie zum Brauch wurde. Die Evolution ist auf den Leinwänden des Künstlers deutlich sichtbar. Erstens verändert sich der König selbst, 18-jährig auf dem ersten Porträt und 50-jährig auf dem letzten, sein Gesicht trägt die Spuren des Alters und der spirituellen Veränderungen. Zweitens vertieft sich die Wahrnehmung des Künstlers für sein Modell und wird von oberflächlich zu einsichtig. Im Laufe der Zeit ändert sich die Art und Weise, wie das Modell präsentiert wird künstlerische Techniken. Velazquez' Verhalten verändert sich unter dem Einfluss seines eigenen kreatives Wachstum, sowie unter dem Einfluss moderner in- und ausländischer Traditionen. Auf diesem Büstenporträt ist Philipp IV. vor einem dunklen Hintergrund in einem schwarzen Gewand mit weißem Kragen zu sehen, der das Gesicht des Monarchen betont. Velasquez verzichtet im Porträt des Königs auf protzigen Luxus und zeigt das „menschliche Antlitz“ des Monarchen ohne Schmeichelei oder höfische List. Wir spüren deutlich, dass die Person, die uns von der Leinwand aus betrachtet, unglücklich ist, letzten Jahren Die Regentschaft war für den König nicht einfach. Dies ist eine Person, die Enttäuschungen erlebt hat, aber gleichzeitig - eine Person, deren Fleisch voller angeborener Größe ist, die nichts erschüttern kann. Andere großartiger Künstler, ein Spanier bis ins Mark seiner Knochen - Pablo Ruiz Picasso sagt über das Bild des spanischen Königs: „Wir können uns keinen anderen Philipp IV. vorstellen, außer dem von Velazquez geschaffenen ...“

"Porträt von König Philipp IV." (um 1653 - 1657)

Eines der letzten Porträts des Monarchen. Interessanterweise gibt es hier kein einziges Element, das vom königlichen Status der dargestellten Person spricht. Velazquez diente Philipp IV. fast vierzig Jahre lang – von 1623 bis zu seinem Tod malte er Porträts des Königs und seiner Familie, große Plot-Leinwände für die Königliche Sammlung.

Diego Velasquez "Porträt des Narren Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Bildnis der Königin Marianne von Österreich" 1652-1653

Tizian (Tiziano Vecellio) „Venus mit Amor und Organist“ 1555

Der Musiker spielt, zu Füßen der Venus sitzend und den nackten Körper der Göttin bewundernd, ein abstraktes Spiel mit Amor. Einige sahen in diesem Bild ein rein erotisches Werk, während andere es symbolisch wahrnahmen - als Allegorie der Gefühle, wo Sehen und Hören als Werkzeuge zum Verständnis von Schönheit und Harmonie dienen. Tizian schrieb fünf Versionen dieses Themas.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Büßende Maria Magdalena 1583

Nach ihrer Bekehrung widmete Maria Magdalena ihr Leben der Umkehr und dem Gebet und zog sich von der Welt zurück. Auf dieser Leinwand ist sie dargestellt, wie sie in den Himmel blickt und überflutet wird göttliches Licht. Das Bild ist in dicken dunklen Farben geschrieben, was für Veroneses Stil in der späten Schaffensphase charakteristisch ist. Bevor es in die spanischen Königlichen Sammlungen kam, gehörte das Werk dazu der englische König Karl I. (hingerichtet 1649)

Anthony van Dyck "Porträt eines Mannes mit einer Laute" 1622-1632

Anthony van Dyck verdankt seinen Ruhm gerade dem Porträtgenre, das in der Hierarchie Europäische Malerei eine eher niedrige Position eingenommen. In Flandern hatte sich zu dieser Zeit jedoch bereits eine Tradition der Porträtkunst entwickelt. Van Dyck malte Hunderte von Porträts, mehrere Selbstporträts und wurde einer der Schöpfer des zeremoniellen Porträtstils des 17. Jahrhunderts. In den Porträts seiner Zeitgenossen zeigte er ihre geistige, emotionale Welt, ihr geistiges Leben, den lebendigen Charakter eines Menschen.
Das traditionelle Vorbild für dieses Porträt ist Jacob Gautier, ein Lautenist am englischen Hof von 1617 bis 1647, aber das Vorhandensein eines Schwertes und vor allem die stilistischen Merkmale des Werks weisen darauf hin, dass es viel früher datiert werden muss Van Dycks Reise nach London, die diese Theorie in Frage stellt. Das Vorhandensein eines Musikinstruments bedeutet nicht zwangsläufig, dass das Modell ein Musiker war. Als Symbol wurden Musikinstrumente oft in Porträts dargestellt, als Hinweis auf die intellektuelle Raffinesse und Sensibilität der Dargestellten.

Juan Bautista Maino „Die Anbetung der Hirten“ 1612-1614

Eines von Mainos Meisterwerken. In Sammlung Staatliche Eremitage eine andere Version dieser Geschichte, geschrieben von Maino, wird aufbewahrt. Der Künstler wurde in Pastrana (Guadalajara) geboren und lebte von 1604 bis 1610 in Rom. In diesem Werk, das bei seiner Rückkehr nach Spanien geschrieben wurde, spürt man den Einfluss von Caravaggio und Orazio Gentileschi. 1613 wurde Maino Mitglied des Dominikanerordens, und das Gemälde wurde in den Altarzyklus des Klosters St. Peter der Märtyrer in Toledo aufgenommen.

Georges de Latour „Der blinde Musikant mit der Leier“ ca. 1625- 1630

Latour stellt einen alten blinden Musiker dar, der eine Drehleier spielt und diese Geschichte viele Male wiederholt. Der Künstler, der unter dem Einfluss des Stils von Caravaggio arbeitete, reproduziert begeistert die Details – das Muster, das ihn schmückt Musikinstrument, Falten im Gesicht eines Blinden, sein Haar.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens „Perseus befreit Andromeda“ ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Porträt von Ferdinand VII" 1814-1815

Nach der Niederlage Napoleons 1814 kehrte Ferdinand VII. auf den spanischen Thron zurück. Auf dem Porträt ist er in einem hermelingefütterten Königsmantel mit Zepter und den Orden Karls III. und dem Goldenen Vlies dargestellt.
Ferdinand VII., der das Land bis 1833 regierte, gründete 1819 das Prado-Museum.

Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz“ 1805

Maria von Santa Cruz, die Frau des ersten Direktors des Prado, war zu ihrer Zeit eine der am meisten verehrten Frauen Spaniens.
In einem Porträt von 1805 stellte Goya die Marquise als Muse der Lyrik, Euterpe, auf einem Baldachin liegend und mit einer Leier in der linken Hand dar. Die Wahl eines solchen Bildes ist der Leidenschaft der Marquise für Poesie geschuldet.

Francisco Goya - "Herbst (Weintrauben)" 1786 - 1787

Francisco Goya - Die Weinlese. Fragment

Zwischen 1775 und 1792 schuf Goya sieben Serien von Wandteppichen aus Pappe für die Paläste Escorial und Prado am Stadtrand von Madrid. Insbesondere dieses Gemälde gehört zur Serie der Jahreszeiten und war für das Speisezimmer des Prinzen von Asturien im Prado bestimmt. Goya porträtierte die klassische Handlung als Alltagsszene, die die Art der Beziehung zwischen verschiedenen Klassen widerspiegelt - das Bild zeigt die Besitzer des Weinbergs mit ihrem Sohn und ihrer Magd.

Francisco Goya "Porträt von General José de Urrutia" (um 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - einer der prominentesten spanischen Militärführer und der einzige Armeeoffizier nichtadliger Herkunft im 18. Jahrhundert, der den Rang eines Generalkapitäns erreichte - ist mit dem St.-Georgs-Orden dargestellt, die ihm von der russischen Kaiserin Katharina der Großen für die Teilnahme an der Eroberung von Ochakov während des Krimfeldzugs von 1789 verliehen wurde.

Peter Paul Rubens „Bildnis der Marie von Medici“. OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) war die Tochter des Großherzogs der Toskana Francesco I. 1600 wurde sie die Frau des französischen Königs Heinrich IV. Seit 1610 war sie Regentin für ihren kleinen Sohn, den späteren König Ludwig XIII. Rubens gab sie eine Reihe von Werken in Auftrag, die sich selbst und ihren verstorbenen Ehemann verherrlichten. Das Porträt zeigt die Königin im Witwenkopfschmuck vor einem unvollendeten Hintergrund.

Domenico Tintoretto „Frau entblößt ihre Brüste“ ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna „Porträt von Felix Maximo Lopez, erster Organist der Königlichen Kapelle“ 1820

Spanischer neoklassizistischer Maler, der Spuren des Rokokostils bewahrt. Lopez galt als einer der besten Porträtmaler seiner Zeit, nach Francisco de Goya an zweiter Stelle. Im Alter von 13 Jahren begann er in Valencia Malerei zu studieren, und vier Jahre später gewann er mehrere erste Preise an der San Carlos Academy, was ihm ein Stipendium für ein Studium an der renommierten Royal Academy in der Hauptstadt einbrachte. Bildende Kunst San Fernando. Nach Abschluss seines Studiums arbeitete Lopez mehrere Jahre in der Werkstatt von Mariano Salvador Maella, seinem Lehrer. 1814, nach der französischen Besetzung, ging es Lopez bereits gut genug berühmter Künstler, so berief ihn der spanische König Ferdinand VII. nach Madrid und ernannte ihn zum offiziellen Hofmaler, obwohl Francisco Goya damals selbst der „erste königliche Künstler“ war. Vicente López war ein produktiver Künstler, er malte religiöse, allegorische, historische und mythologische Themen, aber vor allem war er natürlich ein Porträtmaler. Während seiner langen Karriere malte er Porträts fast aller berühmten Persönlichkeiten Spaniens in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
Dieses Porträt des ersten Organisten der königlichen Kapelle u berühmter Musiker und Komponist wurde kurz vor dem Tod des Künstlers geschrieben und von seinem ältesten Sohn Ambrosio Lopez vollendet.

Anton Raphael Mengs „Bildnis Maria Luise von Parma, Prinzessin von Asturien“ 1766

Juan Sanchez Cotán „Stillleben mit Wild, Gemüse und Früchten“ 1602

Don Diego de Acedo ist seit 1635 am Hof. Neben dem „Narrendienst“ fungierte er als königlicher Bote und war für das Siegel des Königs zuständig. Anscheinend sprechen die auf dem Bild abgebildeten Bücher, Papiere und Schreibmaterialien von diesen Aktivitäten. Es wird angenommen, dass das Porträt in Fraga, Provinz Huesca, während der Reise Philipps IV. nach Aragon gemalt wurde, bei der er von Diego de Acedo begleitet wurde. Im Hintergrund erhebt sich der Gipfel des Maliceos des Guadarrama-Gebirges.

Hieronymus Bosch "Entfernung des Steins der Dummheit" c. 1490

In einer satirischen Szene mit Figuren vor dem Hintergrund einer Landschaft wird eine Operation zur Extraktion des "Steins der Dummheit" dargestellt. Inschrift gotische Schrift lautet: - "Meister, entferne schnell den Stein. Mein Name ist Lubbert Das." Lubbert ist ein gebräuchliches Substantiv, das Unwissenheit und Unschuld bezeichnet. Ein Chirurg mit einer Kopfbedeckung in Form eines umgekehrten Trichters, der Unwissenheit symbolisiert, „zieht“ einen Stein (Seerose) aus dem Kopf eines leichtgläubigen Patienten und fordert eine großzügige Bezahlung von ihm. Damals glaubten die Einfältigen, dass ein Stein im Kopf an ihrer Dummheit schuld sei. Das haben die Scharlatane benutzt.

Raffael (Raffaello Santi) "Heilige Familie mit einem Lamm" 1507

Maria hilft dem kleinen Christus, sich auf das Lamm zu setzen - christliches symbol die kommende Passion Christi und St. Josef beobachtet sie. Das Gemälde wurde in Florenz gemalt, wo der Künstler die Arbeit von Leonardo da Vinci studierte, beeinflusst von seinen Kompositionen mit der Heiligen Familie. Im Prado-Museum ist dies das einzige Werk Raffaels aus der Frühzeit.

Albrecht Dürer „Bildnis eines unbekannten Mannes“ ca. 1521

Das Porträt gehört Spätzeit Dürers Werk. Ähnlich wie im Stil geschrieben Niederländische Künstler. Ein breitkrempiger Hut lenkt die Aufmerksamkeit auf das Gesicht der Porträtierten, das von links einfallende Licht lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf. Der zweite Blickfang des Porträts sind die Hände, vor allem die linke, in der der Unbekannte eine Schriftrolle hält – offenbar um seinen sozialen Status zu erklären.

Rogier Van der Weyden "Lamentation" c. 1450

Das Vorbild war das Altartriptychon für das Kloster Miraflores (in der Kunstgalerie in Berlin aufbewahrt), das von Van der Weyden vor 1444 geschaffen und mit einigen Abweichungen wiederholt wurde. In dieser Version, deren oberer Teil zu einem unbekannten Zeitpunkt hinzugefügt wurde, sind Maria, Christus, St. John und der Spender (Kunde des Gemäldes) – ein Mitglied der Familie Broers – sind im selben Raum abgebildet. Ausdrucksstark vermittelt die Künstlerin die Trauer der Gottesmutter, indem sie den Leichnam ihres toten Sohnes an ihre Brust drückt. Der tragischen Gruppe auf der linken Seite steht die Figur des Stifters gegenüber, getrennt durch einen Stein. Er befindet sich in einem Zustand betender Konzentration. Kunden baten damals oft darum, sich auf den Gemälden darstellen zu dürfen. Aber ihre Bilder waren immer zweitrangig - irgendwo im Hintergrund, in der Menge usw. Hier ist der Stifter im Vordergrund dargestellt, jedoch durch einen Stein und mit Hilfe von Farbe von der Hauptgruppe getrennt.

Alonso Cano "Toter Christus, unterstützt von einem Engel" c. 1646 - 1652

Vor dem Hintergrund einer Dämmerungslandschaft stützt ein Engel den leblosen Leib Christi. Die ungewöhnliche Ikonographie dieser Leinwand erklärt sich aus der Tatsache, dass sie nicht mit den evangelischen Texten, sondern mit dem sogenannten Christus von St. Gregor. Der Legende nach hatte Papst Gregor der Große eine Vision des toten Christus, der von zwei Engeln gestützt wurde. Kano interpretierte diese Geschichte anders – nur ein Engel stützt den bewegungslosen Leib Christi.

Bartolome Esteban Murillo „Unsere Liebe Frau vom Rosenkranz“ ca. 1650 -1655

Das Werk von Bartolome Esteban Murillo vollendet das goldene Zeitalter der spanischen Malerei. Murillos Werke sind tadellos akkurat in der Komposition, reich und harmonisch in der Farbe und schön im höchsten Sinne des Wortes. Seine Gefühle sind immer aufrichtig und zart, aber in den Gemälden von Murillo gibt es nicht mehr diese spirituelle Kraft und Tiefe, die in den Werken seiner älteren Zeitgenossen so schockierend sind. Das Leben des Künstlers ist mit seiner Heimat Sevilla verbunden, obwohl er Madrid und andere Städte besuchen musste. Nach seinem Studium bei dem lokalen Maler Juan del Castillo (1584-1640) arbeitete Murillo viel im Auftrag von Klöstern und Tempeln. 1660 wurde er Präsident der Akademie der Schönen Künste in Sevilla.
Mit seinen Gemälden zu religiösen Themen suchte Murillo Trost und Beruhigung zu spenden. Es ist kein Zufall, dass er sehr oft das Bild der Gottesmutter malte. Von Bild zu Bild ging das Bild von Maria in Form eines hübschen jungen Mädchens mit regelmäßigen Gesichtszügen und einem ruhigen Blick weiter. Ihre unschuldige Erscheinung sollte beim Betrachter ein Gefühl süßer Zärtlichkeit hervorrufen. In diesem Gemälde stellte Bartolome Murillo die Madonna und Jesus mit einem Rosenkranz dar, einem traditionellen katholischen Rosenkranz, der gebetet wurde sehr wichtig zur Zeit des Künstlers. In diesem Werk sind die Züge des Naturalismus, die in den Werken der Vertreter der Sevillaner Schule in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts vorherrschten, noch spürbar, aber der Malstil von Murillo ist bereits freier als in seinem frühe Arbeit. Besonders ausgeprägt ist diese freie Art bei der Darstellung des Schleiers der Jungfrau Maria. Der Künstler verwendet helles Licht, um die Figuren vor einem dunklen Hintergrund hervorzuheben und einen Kontrast zwischen den zarten Tönen des Gesichts der Jungfrau und dem Körper des Christuskindes und den tiefen Schatten in den Stofffalten zu schaffen.
Im Andalusien des 17. Jahrhunderts war das Bild der Gottesmutter mit dem Kind besonders gefragt. Murillo, dessen kreatives Leben in Sevilla stattfand, schrieb viele solcher Bilder, durchdrungen von Zärtlichkeit. In diesem Fall ist die Gottesmutter mit einem Rosenkranz abgebildet. Und hier wie in frühe Jahre Bei seiner Arbeit bleibt der Künstler seiner Vorliebe für Licht- und Schattenkontraste treu.

Bartolomé Esteban Murillo „Der gute Hirte“ 1655-1660

Das Bild ist von tiefer Lyrik und Freundlichkeit durchdrungen. Der Titel ist dem Johannesevangelium entnommen: „Ich bin der gute Hirte“. Dies deutet darauf hin, dass das Bild Christus darstellt, wenn auch in einem sehr frühen Alter. Auf dem Bild von Murillo ist alles schön und einfach. Der Künstler liebte es, Kinder zu malen, und all diese Liebe steckte er in die Schönheit des Bildes dieses jungen Gottes. In den 1660er und 1670er Jahren, während der Blütezeit seiner malerischen Fähigkeiten, bemühte sich Murillo, seine Figuren zu poetisieren, und er wurde oft wegen einiger sentimentaler Bilder und ihrer absichtlichen Schönheit beschuldigt. Allerdings sind diese Vorwürfe nicht ganz fair. Das abgebildete Kind ist heute sowohl in Sevilla als auch in den umliegenden Dörfern zu sehen. Und gerade darin manifestierte sich die demokratische Ausrichtung des Schaffens der Künstlerin – in der Gleichsetzung der Schönheit der Madonna mit der Schönheit gewöhnlicher spanischer Frauen und der Schönheit ihres Sohnes, des kleinen Christus, mit der Schönheit von Straßenwildbuben.

Alonso Sanchez Coelho „Porträt der Infantin Isabella Clara Eugenia und Catalina Michaela“ 1575

Das Porträt der acht- und neunjährigen Prinzessin hält einen Blumenkranz. Sanchez Coelho malte Porträts von Infantas – den geliebten Töchtern von König Philipp II. und seiner dritten Frau Isabella von Valois – schon in jungen Jahren. Alle Porträts werden nach den Regeln eines Hofporträts angefertigt - Mädchen in prächtigen Kleidern und mit unbewegten Gesichtsausdrücken.

Anton Raphael Mengs. Porträt von König Carlos III. 1767

Karl III. wurde vielleicht als der einzige wirklich aufgeklärte Monarch in der Geschichte Spaniens bezeichnet. Er war es, der 1785 das Prado-Museum gründete, zunächst als Museum für Naturgeschichte. Charles III träumte davon, dass das Prado-Museum zusammen mit dem benachbarten botanische Gärten Zentrum der wissenschaftlichen Bildung werden.
Nachdem er den Thron bestiegen hatte, begann er ernsthafte politische und wirtschaftliche Reformen durchzuführen, die das Land zu dieser Zeit so dringend benötigte. Seine Bemühungen waren jedoch vergebens - sein Sohn Karl IV. teilte die fortschrittlichen Ansichten seines Vaters nicht, und nach dem Tod Karls III. waren die Reformen beendet.
Dieses Porträt ist absolut typisch für seine Zeit. Mit jedem Detail lenkt der Künstler die Aufmerksamkeit auf die Position, die das Modell einnimmt: Ein hermelinbesetzter Mantel, ein mit Juwelen besetztes Malteserkreuz, glänzende Rüstungen sind unverzichtbare Attribute königlicher Größe. Üppige Vorhänge und Pilaster (element klassische Architektur) ist ein traditioneller Hintergrund für solche Porträts.
Doch schon bei diesem Portrait überrascht, wie das Gesicht des Models präsentiert wird. Mengs unternimmt keinen Versuch, seine zwiebelartige, königliche Nase zu verkleinern oder die Linien in seinen faltigen Wangen zu glätten. Dank maximaler Individualität schafft dieses Gemälde ein Lebensgefühl, das die Vorgänger von Mengs nicht erreichen konnten. Das Porträt lässt Sie Sympathie für Carlos III empfinden, der bereit ist, sein unvollkommenes Aussehen zu „zeigen“.

Antoine Watteau "Festival im Park" c. 1713 - 1716

Diese bezaubernde Szene ist ein typisches Beispiel für Watteaus „ritterliche Feiern“. leichter Nebel, gleitende Umrisse, die fast im Laub über dem Brunnen verborgene Neptunstatue und eine verblichene goldene Farbe - all dies vermittelt eine Atmosphäre von scharfem, aber flüchtigem Vergnügen.
Das Gemälde gehörte Isabella Farnese, der zweiten Frau von König Philip V.

Antonio Carnicero "Aufstieg des Heißluftballons in Aranjuez" c. 1784

Das Gemälde wurde vom Herzog und der Herzogin von Ossuan in Auftrag gegeben, es fängt den Geist der Aufklärung ein, der das Interesse an Errungenschaften weckte wissenschaftlicher Fortschritt. abgebildet echtes Ereignis: 1784 wurde in den königlichen Gärten von Aranjuez in Anwesenheit des Monarchen, seiner Familie und Höflingen ein Flug mit dem Ballon Montgolfier durchgeführt. Antonio Carnicero war bekannt für seine bezaubernden Genreszenen, und dieses Gemälde ist eines seiner ambitioniertesten Werke.

José de Madrazo y Agudo „Himmlische Liebe und irdische Liebe“ 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Lamm Gottes" 1635-1640

Ein Lamm liegt auf einem grauen Tisch und hebt sich in einem scharf gebündelten hellen Licht scharf von einem dunklen Hintergrund ab. Jeder Mensch im 17. Jahrhundert würde in ihm sofort das „Lamm Gottes“ erkennen und verstehen, dass dies ein Hinweis auf die Selbstaufopferung Christi ist. Die Lammwolle ist auffallend ausgeschrieben und wirkt so weich, dass es schwer fällt, den Blick vom Tier abzuwenden und es anzufassen.

Juan Pantoja de la Cruz "Porträt der Königin Isabella von Valois" c. 1604 - 1608

Pantoja de la Cruz malte dieses Porträt und wiederholte das Werk von Sofonisba Anguishola – das Original brannte 1604 im Palast nieder. Der Künstler fügte dem Outfit der Königin lediglich einen Murmeltierpelz-Umhang hinzu.
Sofonisba Anguixola ist eine Künstlerin aus Cremona, die am spanischen Hof arbeitete. Es war das erste Porträt einer jungen Königin aus einer Serie des Künstlers. Das Bild ist fast spanisch geschrieben, aber in wärmeren und helleren Farben.

Jean Rann "Porträt von Carlos III als Kind" 1723

Luis Melendez "Stillleben mit einer Bonbonschachtel, einer Brezel und anderen Gegenständen" 1770

Der größte Meister des spanischen Stilllebens des 18. Jahrhunderts, Luis Melendez, wurde in Italien in der Familie eines Miniaturmalers aus Asturien geboren. 1717 zog die Familie nach Madrid, wo der junge Mann in die Vorbereitungsabteilung der Akademie von San Fernando eintrat und unter den begabtesten ihrer Schüler den ersten Platz belegte. 1747 musste er die Akademie jedoch im Gefolge seines Vaters verlassen, der infolge des Konflikts aus ihr ausgeschlossen wurde. Während dieser Zeit besucht Melendez erneut Italien. Zunächst half er seinem Vater, wurde Miniaturmaler, und als er aus Italien zurückkehrte, wurde er von Ferdinand VI. eingeladen, Bücher in der Königlichen Kapelle von Madrid zu illustrieren. Im Genre des Stilllebens, dem sich der Künstler Anfang der 1760er Jahre zuwandte, neues Gesicht seine Kreativität.
Dieses Stillleben wurde eingemalt Reifezeit die Kreativität des Künstlers. Zu dieser Zeit tauchen in seinen Kompositionen Luxusartikel und Silberutensilien auf. Dennoch hält der Künstler an seinen Idealen fest und arbeitet im Einklang mit ihnen Genre-Tradition. Die materielle Greifbarkeit jedes der auf Leinwand gemalten Objekte erinnert uns an die besten Beispiele für Stillleben in der Weltkunst. Das fühlbar transparente Glas des Glases spiegelt sich in der matt schimmernden Oberfläche der silbernen Vase. Weich, Brezel auf einer weißen Serviette, es scheint wie frisch gebackenes Brot zu riechen. Der Hals einer verschlossenen Flasche glänzt matt. Eine silberne Gabel ragt leicht über die Kante des beleuchteten Tisches hinaus. In der Komposition dieses Stillebens gibt es keine asketische Anordnung von Gegenständen in einer Reihe, wie sie beispielsweise für Zurbarans Stilleben charakteristisch ist. Vielleicht hat es etwas mit den holländischen Mustern gemeinsam. Aber der Ton ist dunkler, die Objekte sind kleiner und die Komposition einfacher.

Juan de Arellano "Blumenkorb" 1670

Als spanischer Barockmaler, der sich auf Blumenarrangements spezialisiert hat, wurde er 1614 in Santorcase geboren. Zunächst studierte er im Atelier eines heute unbekannten Künstlers, zog aber im Alter von 16 Jahren nach Madrid, wo er bei Juan de Solis studierte, einem Künstler, der Aufträge für Königin Isabella ausführte. Juan de Arellano lange Zeit lebte von kleinen Aufträgen, darunter Wandmalereien, bis er beschloss, sich ausschließlich auf das Malen von Blumen zu konzentrieren und ein unübertroffener Meister auf diesem Gebiet wurde. Es wird angenommen, dass der Meister damit begann, die Werke anderer, insbesondere italienischer Künstler zu kopieren, die flämischen Stillleben fügten seinem Stil Eleganz und Strenge hinzu. Später fügte er dieser Kombination eigene kompositorische Erkenntnisse und eine charakteristische Farbpalette hinzu.
Charakteristisch für Arellano ist die eher schlichte Komposition dieses Stilllebens. Reine, intensive Pflanzenfarben heben sich durch die intensive Beleuchtung hell von einem neutralen bräunlichen Hintergrund ab.

El Greco - "Porträt eines Herrn mit einer Hand auf der Brust"

Swetlana Obuchova

Über das Leben des Kreters Domenico Theotokopuli, des Künstlers, der unter dem Namen El Greco, also des Griechen, das spanische Toledo eroberte, gibt es fast keine Beweise mehr. Die „Verrücktheit“ seines Charakters und die seltsame Bildsprache verblüfften viele und zwangen sie, zur Feder zu greifen – aber nur wenige Buchstaben sind erhalten. Eine davon enthält folgende Zeilen: „... das Wetter war schön, die Frühlingssonne schien sanft. Es machte alles fröhlich, und die Stadt sah festlich aus. Stellen Sie sich meine Überraschung vor, als ich El Grecos Werkstatt betrat und sah, dass die Fensterläden geschlossen waren und es daher schwierig war, die Umgebung zu sehen. El Greco selbst saß auf einem Hocker, tat nichts, war aber wach. Er wollte nicht mit mir ausgehen, weil das Sonnenlicht seiner Meinung nach sein inneres Licht störte ... "

Es gibt fast keine Beweise für den Mann Domenico, nur Echos: dass er im großen Stil lebte, die reichste Bibliothek führte, viele Philosophen las und auch Kunden verklagte (er wurde geliebt, aber häufiger nicht verstanden), starb fast in Armut, wie dünne tageslichtstrahlen brechen durch die ritzen der "geschlossenen läden" seines lebens. Aber sie lenken nicht von der Hauptsache ab – vom inneren Licht, das die Gemälde des Künstlers El Greco erfüllt. Vor allem Porträts.

Sie haben keine Landschaften, die sich hinter dem Porträtierten öffnen, es gibt keine Fülle von Details, die neugierige Blicke auf sich ziehen. Sogar der Name des Helden wird oft ausgelassen. Weil all dies verhindern würde, das Gesicht zu sehen. Und Augen, tief, dunkel, die dich direkt ansehen. Es ist schwierig, sich von ihnen zu lösen, und wenn Sie sich zwingen, dann die Geste zu sehen - und wieder in Gedanken innezuhalten.

So etwa das „Bildnis eines Herrn mit einer Hand auf der Brust“ (1577-1579), das der Meister kurz nach seinem Umzug nach Toledo schrieb. Dieses Porträt gilt als eines der besten der spanischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Der Ausländer El Greco schuf "lebendige Bilder des spanischen Lebens und der spanischen Geschichte", die "echte Lebewesen darstellen, die alles, was an unserem Volk zu bewundern ist, alles Heroische und Unbezwingbare, mit jenen gegensätzlichen Eigenschaften verbinden, die widergespiegelt werden müssen, ohne zu zerstören seine Essenz“ (A. Segovia). Aristokraten aus den alten Familien von Toledo wurden die wahren Helden von El Greco, er sah ihr inneres Licht - ihren Adel und ihre Würde, Pflichttreue, Intelligenz, Kultiviertheit der Manieren, Mut, äußere Zurückhaltung und inneren Impuls, die Stärke des Herzens, der weiß, wofür lebt und stirbt. ..

Tag für Tag bleiben die Besucher der Prado-Galerie vor dem unbekannten Hidalgo stehen, überrascht, mit den Worten: „Wie lebendig ...“ Wer ist dieser Ritter? Warum öffnet er sein Herz mit solcher Aufrichtigkeit? Warum sind seine Augen so attraktiv? Und diese Schwurgeste? Und der Griff des Schwertes?.. Vielleicht haben diese Fragen zu der Legende geführt, dass der auf dem Porträt abgebildete ein weiterer großer Spanier ist: Miguel de Cervantes. Ein Krieger und Schriftsteller, der der Welt die Geschichte eines Ritters von traurigem Image erzählte, dem dieselbe göttliche Gabe wie El Greco gegeben wurde – Menschen so zu sehen, wie sie sein sollten, ihr inneres Licht zu sehen ...

Und andere Gemälde aus dem Prado-Museum in der Eremitage...

El Greco "Christus umarmt das Kreuz" 1600 - 1605

Vor dem Hintergrund eines für El Greco typischen stürmischen Himmels umarmt Christus das Kreuz mit seinen anmutigen Armen und blickt mit ruhigem Untergang auf. Das Gemälde war ein großer Erfolg und viele Versionen davon wurden in El Grecos Werkstatt geschaffen.

El Greco "Die Heilige Familie mit St. Anne und Little John the Baptist" c. 1600 - 1605

Die späte Periode von El Grecos Werk ist durch die Verwendung von durchdringenden Farben und Blitzen gekennzeichnet; Der Raum ist vollständig mit Figuren gefüllt, die den Horizont verdecken. Mit vibrierendem Strich gezeichnete Formen verlieren ihre Materialität. Der kleine Johannes der Täufer ruft den Betrachter zum Schweigen auf, um den Frieden des Christuskindes nicht zu stören...

Velasquez - Porträt von Philipp IV. Porträt von König Philipp IV. 1653-1657

Die Grundlagen des psychologischen Porträts in der europäischen Kunst legte der spanische Maler Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Er wurde in einer armen Adelsfamilie in Sevilla geboren, studierte bei Herrera the Elder und Pacheco. 1622 kam er erstmals nach Madrid. In praktischer Hinsicht war diese Reise nicht sehr erfolgreich - Velasquez fand keinen würdigen Platz für sich. Er hoffte, den jungen König Philip IV zu treffen, aber das Treffen fand nicht statt. Trotzdem erreichten Gerüchte über den jungen Künstler den Hof, und bereits im Jahr darauf, 1623, lud der erste Minister, der ebenfalls aus Sevilla stammende Herzog de Olivares, Velázquez nach Madrid ein, um ein Porträt des Königs zu malen. Dieses nicht überlieferte Werk machte auf den Monarchen einen so angenehmen Eindruck, dass er Velázquez sofort die Stelle als Hofmaler anbot. Bald entwickelten sich zwischen dem König und Velazquez recht freundschaftliche Beziehungen, die für die am spanischen Hof herrschende Ordnung nicht sehr typisch waren. Der König, der das größte Reich der Welt regierte, galt nicht als Mensch, sondern als Gottheit, und der Künstler konnte nicht einmal mit Adelsprivilegien rechnen, da er seinen Lebensunterhalt durch Arbeit verdiente. In der Zwischenzeit ordnete Philip an, dass fortan nur noch Velasquez seine Porträts malte. Der große Monarch war überraschend großzügig und unterstützte Velasquez. Das Atelier des Künstlers befand sich in den königlichen Gemächern, und dort wurde ein Stuhl für Seine Majestät installiert. Der König, der den Schlüssel zur Werkstatt hatte, kam fast jeden Tag hierher, um die Arbeit des Künstlers zu beobachten. Während er von 1623 bis 1660 im königlichen Dienst stand, malte Velasquez etwa ein Dutzend Porträts seines Oberherrn. Davon sind uns etwas mehr als 10 Gemälde überliefert. So porträtierte Velasquez seinen Oberherrn im Durchschnitt etwa alle drei Jahre. Das Malen von Porträts des Königs war das Werk von Velasquez, und er erledigte diese Arbeit perfekt. Dank dessen verfügen wir über einen in seiner Art einzigartigen Werkkomplex: Die Porträts von Velázquez zeichnen den Lebensweg von König Philipp so deutlich nach, wie es später erst im Zeitalter der Fotografie üblich wurde. Die Evolution ist auf den Leinwänden des Künstlers deutlich sichtbar. Erstens verändert sich der König selbst, 18-jährig auf dem ersten Porträt und 50-jährig auf dem letzten, sein Gesicht trägt die Spuren des Alters und der spirituellen Veränderungen. Zweitens vertieft sich die Wahrnehmung des Künstlers für sein Modell und wird von oberflächlich zu einsichtig. Im Laufe der Zeit ändern sich die Art und Weise, wie das Modell präsentiert wird, und die künstlerischen Techniken. Die Art und Weise von Velazquez verändert sich unter dem Einfluss seines eigenen kreativen Wachstums sowie unter dem Einfluss moderner in- und ausländischer Traditionen. Auf diesem Büstenporträt ist Philipp IV. vor einem dunklen Hintergrund in einem schwarzen Gewand mit weißem Kragen zu sehen, der das Gesicht des Monarchen betont. Velasquez verzichtet im Porträt des Königs auf protzigen Luxus und zeigt das „menschliche Antlitz“ des Monarchen ohne Schmeichelei oder höfische List. Wir spüren deutlich, dass die Person, die uns von der Leinwand aus betrachtet, unglücklich ist, die letzten Jahre der Regierung waren für den König nicht einfach. Dies ist eine Person, die Enttäuschungen erlebt hat, aber gleichzeitig - eine Person, deren Fleisch voller angeborener Größe ist, die nichts erschüttern kann. Ein weiterer großer Künstler, ein Spanier bis ins Mark seiner Knochen - Pablo Ruiz Picasso sagt über das Bild des spanischen Königs: „Wir können uns keinen anderen Philipp IV. vorstellen, außer dem von Velazquez geschaffenen ...“

"Porträt von König Philipp IV." (um 1653 - 1657)

Eines der letzten Porträts des Monarchen. Interessanterweise gibt es hier kein einziges Element, das vom königlichen Status der dargestellten Person spricht. Velazquez diente Philipp IV. fast vierzig Jahre lang – von 1623 bis zu seinem Tod malte er Porträts des Königs und seiner Familie, große Plot-Leinwände für die Königliche Sammlung.

Diego Velasquez "Porträt des Narren Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Bildnis der Königin Marianne von Österreich" 1652-1653

Tizian (Tiziano Vecellio) „Venus mit Amor und Organist“ 1555

Der Musiker spielt, zu Füßen der Venus sitzend und den nackten Körper der Göttin bewundernd, ein abstraktes Spiel mit Amor. Einige sahen in diesem Bild ein rein erotisches Werk, während andere es symbolisch wahrnahmen - als Allegorie der Gefühle, wo Sehen und Hören als Werkzeuge zum Verständnis von Schönheit und Harmonie dienen. Tizian schrieb fünf Versionen dieses Themas.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Büßende Maria Magdalena 1583

Nach ihrer Bekehrung widmete Maria Magdalena ihr Leben der Umkehr und dem Gebet und zog sich von der Welt zurück. Auf dieser Leinwand ist sie dargestellt, wie sie in den Himmel blickt und in göttliches Licht getaucht ist. Das Bild ist in dicken dunklen Farben geschrieben, was für Veroneses Stil in der späten Schaffensphase charakteristisch ist. Bevor das Werk in die spanischen königlichen Sammlungen gelangte, gehörte es dem englischen König Karl I. (hingerichtet 1649)

Anthony van Dyck "Porträt eines Mannes mit einer Laute" 1622-1632

Anthony Van Dyck verdankt seine Berühmtheit dem Porträtgenre, das in der Hierarchie der europäischen Malerei eine eher niedrige Position einnahm. In Flandern hatte sich zu dieser Zeit jedoch bereits eine Tradition der Porträtkunst entwickelt. Van Dyck malte Hunderte von Porträts, mehrere Selbstporträts und wurde einer der Schöpfer des zeremoniellen Porträtstils des 17. Jahrhunderts. In den Porträts seiner Zeitgenossen zeigte er ihre geistige, emotionale Welt, ihr geistiges Leben, den lebendigen Charakter eines Menschen.
Das traditionelle Vorbild für dieses Porträt ist Jacob Gautier, ein Lautenist am englischen Hof von 1617 bis 1647, aber das Vorhandensein eines Schwertes und vor allem die stilistischen Merkmale des Werks weisen darauf hin, dass es viel früher datiert werden muss Van Dycks Reise nach London, die diese Theorie in Frage stellt. Das Vorhandensein eines Musikinstruments bedeutet nicht zwangsläufig, dass das Modell ein Musiker war. Als Symbol wurden Musikinstrumente oft in Porträts dargestellt, als Hinweis auf die intellektuelle Raffinesse und Sensibilität der Dargestellten.

Juan Bautista Maino „Die Anbetung der Hirten“ 1612-1614

Eines von Mainos Meisterwerken. Die Sammlung der Staatlichen Eremitage enthält eine andere Version dieser Geschichte, geschrieben von Mainot. Der Künstler wurde in Pastrana (Guadalajara) geboren und lebte von 1604 bis 1610 in Rom. In diesem Werk, das bei seiner Rückkehr nach Spanien geschrieben wurde, spürt man den Einfluss von Caravaggio und Orazio Gentileschi. 1613 wurde Maino Mitglied des Dominikanerordens, und das Gemälde wurde in den Altarzyklus des Klosters St. Peter der Märtyrer in Toledo aufgenommen.

Georges de Latour „Der blinde Musikant mit der Leier“ ca. 1625- 1630

Latour stellt einen alten blinden Musiker dar, der eine Drehleier spielt und diese Geschichte viele Male wiederholt. Der Künstler, der unter dem Einfluss von Caravaggios Stil arbeitete, gibt mit Begeisterung die Details wieder – das Muster, das das Musikinstrument ziert, die Falten im Gesicht des Blinden, seine Haare.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens „Perseus befreit Andromeda“ ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Porträt von Ferdinand VII" 1814-1815

Nach der Niederlage Napoleons 1814 kehrte Ferdinand VII. auf den spanischen Thron zurück. Auf dem Porträt ist er in einem hermelingefütterten Königsmantel mit Zepter und den Orden Karls III. und dem Goldenen Vlies dargestellt.
Ferdinand VII., der das Land bis 1833 regierte, gründete 1819 das Prado-Museum.

Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz“ 1805

Maria von Santa Cruz, die Frau des ersten Direktors des Prado, war zu ihrer Zeit eine der am meisten verehrten Frauen Spaniens.
In einem Porträt von 1805 stellte Goya die Marquise als Muse der Lyrik, Euterpe, auf einem Baldachin liegend und mit einer Leier in der linken Hand dar. Die Wahl eines solchen Bildes ist der Leidenschaft der Marquise für Poesie geschuldet.

Francisco Goya - "Herbst (Weintrauben)" 1786 - 1787

Francisco Goya - Die Weinlese. Fragment

Zwischen 1775 und 1792 schuf Goya sieben Serien von Wandteppichen aus Pappe für die Paläste Escorial und Prado am Stadtrand von Madrid. Insbesondere dieses Gemälde gehört zur Serie der Jahreszeiten und war für das Speisezimmer des Prinzen von Asturien im Prado bestimmt. Goya porträtierte die klassische Handlung als Alltagsszene, die die Art der Beziehung zwischen verschiedenen Klassen widerspiegelt - das Bild zeigt die Besitzer des Weinbergs mit ihrem Sohn und ihrer Magd.

Francisco Goya "Porträt von General José de Urrutia" (um 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - einer der prominentesten spanischen Militärführer und der einzige Armeeoffizier nichtadliger Herkunft im 18. Jahrhundert, der den Rang eines Generalkapitäns erreichte - ist mit dem St.-Georgs-Orden dargestellt, die ihm von der russischen Kaiserin Katharina der Großen für die Teilnahme an der Eroberung von Ochakov während des Krimfeldzugs von 1789 verliehen wurde.

Peter Paul Rubens „Bildnis der Marie von Medici“. OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) war die Tochter des Großherzogs der Toskana Francesco I. 1600 wurde sie die Frau des französischen Königs Heinrich IV. Seit 1610 war sie Regentin für ihren kleinen Sohn, den späteren König Ludwig XIII. Rubens gab sie eine Reihe von Werken in Auftrag, die sich selbst und ihren verstorbenen Ehemann verherrlichten. Das Porträt zeigt die Königin im Witwenkopfschmuck vor einem unvollendeten Hintergrund.

Domenico Tintoretto „Frau entblößt ihre Brüste“ ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna „Porträt von Felix Maximo Lopez, erster Organist der Königlichen Kapelle“ 1820

Spanischer neoklassizistischer Maler, der Spuren des Rokokostils bewahrt. Lopez galt als einer der besten Porträtmaler seiner Zeit, nach Francisco de Goya an zweiter Stelle. Im Alter von 13 Jahren begann er in Valencia Malerei zu studieren, und vier Jahre später gewann er mehrere erste Preise an der San Carlos Academy, was ihm ein Stipendium für ein Studium an der renommierten San Fernando Royal Academy of Fine Arts in der Hauptstadt einbrachte. Nach Abschluss seines Studiums arbeitete Lopez mehrere Jahre in der Werkstatt von Mariano Salvador Maella, seinem Lehrer. 1814, nach der französischen Besetzung, war López bereits ein ziemlich bekannter Künstler, weshalb ihn der spanische König Ferdinand VII. nach Madrid berief und ihn zum offiziellen Hofmaler ernannte, obwohl Francisco Goya selbst der „erste königliche Künstler“ war. damals. Vicente López war ein produktiver Künstler, er malte religiöse, allegorische, historische und mythologische Themen, aber vor allem war er natürlich ein Porträtmaler. Während seiner langen Karriere malte er Porträts fast aller berühmten Persönlichkeiten Spaniens in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
Dieses Porträt des ersten Organisten der königlichen Kapelle und des berühmten Musikers und Komponisten wurde kurz vor dem Tod des Künstlers gemalt und von seinem ältesten Sohn Ambrosio López vollendet.

Anton Raphael Mengs „Bildnis Maria Luise von Parma, Prinzessin von Asturien“ 1766

Juan Sanchez Cotán „Stillleben mit Wild, Gemüse und Früchten“ 1602

Don Diego de Acedo ist seit 1635 am Hof. Neben dem „Narrendienst“ fungierte er als königlicher Bote und war für das Siegel des Königs zuständig. Anscheinend sprechen die auf dem Bild abgebildeten Bücher, Papiere und Schreibmaterialien von diesen Aktivitäten. Es wird angenommen, dass das Porträt in Fraga, Provinz Huesca, während der Reise Philipps IV. nach Aragon gemalt wurde, bei der er von Diego de Acedo begleitet wurde. Im Hintergrund erhebt sich der Gipfel des Maliceos des Guadarrama-Gebirges.

Hieronymus Bosch "Entfernung des Steins der Dummheit" c. 1490

In einer satirischen Szene mit Figuren vor dem Hintergrund einer Landschaft wird eine Operation zur Extraktion des "Steins der Dummheit" dargestellt. Die Inschrift in gotischer Schrift lautet: - "Meister, entferne schnell den Stein. Mein Name ist Lubbert Das." Lubbert ist ein gebräuchliches Substantiv, das Unwissenheit und Unschuld bezeichnet. Ein Chirurg mit einer Kopfbedeckung in Form eines umgekehrten Trichters, der Unwissenheit symbolisiert, „zieht“ einen Stein (Seerose) aus dem Kopf eines leichtgläubigen Patienten und fordert eine großzügige Bezahlung von ihm. Damals glaubten die Einfältigen, dass ein Stein im Kopf an ihrer Dummheit schuld sei. Das haben die Scharlatane benutzt.

Raffael (Raffaello Santi) "Heilige Familie mit einem Lamm" 1507

Maria hilft dem kleinen Christus, sich auf ein Lamm zu setzen – ein christliches Symbol für die kommende Passion Christi, und St. Josef beobachtet sie. Das Gemälde wurde in Florenz gemalt, wo der Künstler die Arbeit von Leonardo da Vinci studierte, beeinflusst von seinen Kompositionen mit der Heiligen Familie. Im Prado-Museum ist dies das einzige Werk Raffaels aus der Frühzeit.

Albrecht Dürer „Bildnis eines unbekannten Mannes“ ca. 1521

Das Porträt gehört ins Spätwerk Dürers. Geschrieben in einer Weise, die dem Stil niederländischer Künstler ähnelt. Ein breitkrempiger Hut lenkt die Aufmerksamkeit auf das Gesicht der Porträtierten, das von links einfallende Licht lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf. Der zweite Blickfang des Porträts sind die Hände, vor allem die linke, in der der Unbekannte eine Schriftrolle hält – offenbar um seinen sozialen Status zu erklären.

Rogier Van der Weyden "Lamentation" c. 1450

Das Vorbild war das Altartriptychon für das Kloster Miraflores (in der Kunstgalerie in Berlin aufbewahrt), das von Van der Weyden vor 1444 geschaffen und mit einigen Abweichungen wiederholt wurde. In dieser Version, deren oberer Teil zu einem unbekannten Zeitpunkt hinzugefügt wurde, sind Maria, Christus, St. John und der Spender (Kunde des Gemäldes) – ein Mitglied der Familie Broers – sind im selben Raum abgebildet. Ausdrucksstark vermittelt die Künstlerin die Trauer der Gottesmutter, indem sie den Leichnam ihres toten Sohnes an ihre Brust drückt. Der tragischen Gruppe auf der linken Seite steht die Figur des Stifters gegenüber, getrennt durch einen Stein. Er befindet sich in einem Zustand betender Konzentration. Kunden baten damals oft darum, sich auf den Gemälden darstellen zu dürfen. Aber ihre Bilder waren immer zweitrangig - irgendwo im Hintergrund, in der Menge usw. Hier ist der Stifter im Vordergrund dargestellt, jedoch durch einen Stein und mit Hilfe von Farbe von der Hauptgruppe getrennt.

Alonso Cano "Toter Christus, unterstützt von einem Engel" c. 1646 - 1652

Vor dem Hintergrund einer Dämmerungslandschaft stützt ein Engel den leblosen Leib Christi. Die ungewöhnliche Ikonographie dieser Leinwand erklärt sich aus der Tatsache, dass sie nicht mit den evangelischen Texten, sondern mit dem sogenannten Christus von St. Gregor. Der Legende nach hatte Papst Gregor der Große eine Vision des toten Christus, der von zwei Engeln gestützt wurde. Kano interpretierte diese Geschichte anders – nur ein Engel stützt den bewegungslosen Leib Christi.

Bartolome Esteban Murillo „Unsere Liebe Frau vom Rosenkranz“ ca. 1650 -1655

Das Werk von Bartolome Esteban Murillo vollendet das goldene Zeitalter der spanischen Malerei. Murillos Werke sind tadellos akkurat in der Komposition, reich und harmonisch in der Farbe und schön im höchsten Sinne des Wortes. Seine Gefühle sind immer aufrichtig und zart, aber in den Gemälden von Murillo gibt es nicht mehr diese spirituelle Kraft und Tiefe, die in den Werken seiner älteren Zeitgenossen so schockierend sind. Das Leben des Künstlers ist mit seiner Heimat Sevilla verbunden, obwohl er Madrid und andere Städte besuchen musste. Nach seinem Studium bei dem lokalen Maler Juan del Castillo (1584-1640) arbeitete Murillo viel im Auftrag von Klöstern und Tempeln. 1660 wurde er Präsident der Akademie der Schönen Künste in Sevilla.
Mit seinen Gemälden zu religiösen Themen suchte Murillo Trost und Beruhigung zu spenden. Es ist kein Zufall, dass er sehr oft das Bild der Gottesmutter malte. Von Bild zu Bild ging das Bild von Maria in Form eines hübschen jungen Mädchens mit regelmäßigen Gesichtszügen und einem ruhigen Blick weiter. Ihre unschuldige Erscheinung sollte beim Betrachter ein Gefühl süßer Zärtlichkeit hervorrufen. In diesem Gemälde stellte Bartolome Murillo die Madonna und Jesus mit einem Rosenkranz dar, einem traditionellen katholischen Rosenkranz, dem das Gebet zur Zeit des Künstlers große Bedeutung beimaß. In diesem Werk sind die Züge des Naturalismus, die in den Werken der Vertreter der Sevillaner Schule in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts vorherrschten, noch spürbar, aber Murillos Malstil ist bereits freier als in seinem Frühwerk. Besonders ausgeprägt ist diese freie Art bei der Darstellung des Schleiers der Jungfrau Maria. Der Künstler verwendet helles Licht, um die Figuren vor einem dunklen Hintergrund hervorzuheben und einen Kontrast zwischen den zarten Tönen des Gesichts der Jungfrau und dem Körper des Christuskindes und den tiefen Schatten in den Stofffalten zu schaffen.
Im Andalusien des 17. Jahrhunderts war das Bild der Gottesmutter mit dem Kind besonders gefragt. Murillo, dessen kreatives Leben in Sevilla verbracht wurde, malte viele dieser von Zärtlichkeit durchdrungenen Gemälde. In diesem Fall ist die Gottesmutter mit einem Rosenkranz abgebildet. Und auch hier bleibt der Künstler, wie schon in den Anfangsjahren seines Schaffens, seiner Vorliebe für Licht- und Schattenkontraste treu.

Bartolomé Esteban Murillo „Der gute Hirte“ 1655-1660

Das Bild ist von tiefer Lyrik und Freundlichkeit durchdrungen. Der Titel ist dem Johannesevangelium entnommen: „Ich bin der gute Hirte“. Dies deutet darauf hin, dass das Bild Christus darstellt, wenn auch in einem sehr frühen Alter. Auf dem Bild von Murillo ist alles schön und einfach. Der Künstler liebte es, Kinder zu malen, und all diese Liebe steckte er in die Schönheit des Bildes dieses jungen Gottes. In den 1660er und 1670er Jahren, während der Blütezeit seiner malerischen Fähigkeiten, bemühte sich Murillo, seine Figuren zu poetisieren, und er wurde oft wegen einiger sentimentaler Bilder und ihrer absichtlichen Schönheit beschuldigt. Allerdings sind diese Vorwürfe nicht ganz fair. Das abgebildete Kind ist heute sowohl in Sevilla als auch in den umliegenden Dörfern zu sehen. Und gerade darin manifestierte sich die demokratische Ausrichtung des Schaffens der Künstlerin – in der Gleichsetzung der Schönheit der Madonna mit der Schönheit gewöhnlicher spanischer Frauen und der Schönheit ihres Sohnes, des kleinen Christus, mit der Schönheit von Straßenwildbuben.

Alonso Sanchez Coelho „Porträt der Infantin Isabella Clara Eugenia und Catalina Michaela“ 1575

Das Porträt der acht- und neunjährigen Prinzessin hält einen Blumenkranz. Sanchez Coelho malte Porträts von Infantas – den geliebten Töchtern von König Philipp II. und seiner dritten Frau Isabella von Valois – schon in jungen Jahren. Alle Porträts werden nach den Regeln eines Hofporträts angefertigt - Mädchen in prächtigen Kleidern und mit unbewegten Gesichtsausdrücken.

Anton Raphael Mengs. Porträt von König Carlos III. 1767

Karl III. wurde vielleicht als der einzige wirklich aufgeklärte Monarch in der Geschichte Spaniens bezeichnet. Er war es, der 1785 das Prado-Museum gründete, zunächst als Museum für Naturgeschichte. Karl III. träumte davon, dass das Prado-Museum zusammen mit den benachbarten botanischen Gärten ein Zentrum der wissenschaftlichen Bildung werden würde.
Nachdem er den Thron bestiegen hatte, begann er ernsthafte politische und wirtschaftliche Reformen durchzuführen, die das Land zu dieser Zeit so dringend benötigte. Seine Bemühungen waren jedoch vergebens - sein Sohn Karl IV. teilte die fortschrittlichen Ansichten seines Vaters nicht, und nach dem Tod Karls III. waren die Reformen beendet.
Dieses Porträt ist absolut typisch für seine Zeit. Mit jedem Detail lenkt der Künstler die Aufmerksamkeit auf die Position, die das Modell einnimmt: Ein hermelinbesetzter Mantel, ein mit Juwelen besetztes Malteserkreuz, glänzende Rüstungen sind unverzichtbare Attribute königlicher Größe. Üppige Vorhänge und ein Pilaster (ein Element der klassischen Architektur) sind ein traditioneller Hintergrund für solche Porträts.
Doch schon bei diesem Portrait überrascht, wie das Gesicht des Models präsentiert wird. Mengs unternimmt keinen Versuch, seine zwiebelartige, königliche Nase zu verkleinern oder die Linien in seinen faltigen Wangen zu glätten. Dank maximaler Individualität schafft dieses Gemälde ein Lebensgefühl, das die Vorgänger von Mengs nicht erreichen konnten. Das Porträt lässt Sie Sympathie für Carlos III empfinden, der bereit ist, sein unvollkommenes Aussehen zu „zeigen“.

Antoine Watteau "Festival im Park" c. 1713 - 1716

Diese bezaubernde Szene ist ein typisches Beispiel für Watteaus „ritterliche Feiern“. Ein leichter Nebel, der die Umrisse verwischt, eine Neptunstatue, die fast im Laub über dem Brunnen verborgen ist, und eine verblichene goldene Farbe - all dies vermittelt eine Atmosphäre von scharfem, aber flüchtigem Vergnügen.
Das Gemälde gehörte Isabella Farnese, der zweiten Frau von König Philip V.

Antonio Carnicero "Aufstieg des Heißluftballons in Aranjuez" c. 1784

Das Gemälde wurde vom Herzog und der Herzogin von Ossuan in Auftrag gegeben, es spiegelt den Geist der Aufklärung wider, der das Interesse an den Errungenschaften des wissenschaftlichen Fortschritts weckte. Ein wahres Ereignis wird dargestellt: 1784 wurde in den königlichen Gärten von Aranjuez in Anwesenheit des Monarchen, seiner Familie und Höflingen ein Flug mit dem Ballon Montgolfier durchgeführt. Antonio Carnicero war bekannt für seine bezaubernden Genreszenen, und dieses Gemälde ist eines seiner ambitioniertesten Werke.

José de Madrazo y Agudo „Himmlische Liebe und irdische Liebe“ 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Lamm Gottes" 1635-1640

Ein Lamm liegt auf einem grauen Tisch und hebt sich in einem scharf gebündelten hellen Licht scharf von einem dunklen Hintergrund ab. Jeder Mensch im 17. Jahrhundert würde in ihm sofort das „Lamm Gottes“ erkennen und verstehen, dass dies ein Hinweis auf die Selbstaufopferung Christi ist. Die Lammwolle ist auffallend ausgeschrieben und wirkt so weich, dass es schwer fällt, den Blick vom Tier abzuwenden und es anzufassen.

Juan Pantoja de la Cruz "Porträt der Königin Isabella von Valois" c. 1604 - 1608

Pantoja de la Cruz malte dieses Porträt und wiederholte das Werk von Sofonisba Anguishola – das Original brannte 1604 im Palast nieder. Der Künstler fügte dem Outfit der Königin lediglich einen Murmeltierpelz-Umhang hinzu.
Sofonisba Anguixola ist eine Künstlerin aus Cremona, die am spanischen Hof arbeitete. Es war das erste Porträt einer jungen Königin aus einer Serie des Künstlers. Das Bild ist fast spanisch geschrieben, aber in wärmeren und helleren Farben.

Jean Rann "Porträt von Carlos III als Kind" 1723

Luis Melendez "Stillleben mit einer Bonbonschachtel, einer Brezel und anderen Gegenständen" 1770

Der größte Meister des spanischen Stilllebens des 18. Jahrhunderts, Luis Melendez, wurde in Italien in der Familie eines Miniaturmalers aus Asturien geboren. 1717 zog die Familie nach Madrid, wo der junge Mann in die Vorbereitungsabteilung der Akademie von San Fernando eintrat und unter den begabtesten ihrer Schüler den ersten Platz belegte. 1747 musste er die Akademie jedoch im Gefolge seines Vaters verlassen, der infolge des Konflikts aus ihr ausgeschlossen wurde. Während dieser Zeit besucht Melendez erneut Italien. Zunächst half er seinem Vater, wurde Miniaturmaler, und als er aus Italien zurückkehrte, wurde er von Ferdinand VI. eingeladen, Bücher in der Königlichen Kapelle von Madrid zu illustrieren. Im Genre des Stilllebens, dem sich der Künstler Anfang der 1760er Jahre zuwandte, tauchte eine neue Facette seines Schaffens auf.
Dieses Stillleben entstand in der Reifezeit des Künstlers. Zu dieser Zeit tauchen in seinen Kompositionen Luxusartikel und Silberutensilien auf. Dennoch hält der Künstler an seinen Idealen fest und arbeitet in der Gattungstradition. Die materielle Greifbarkeit jedes der auf Leinwand gemalten Objekte erinnert uns an die besten Beispiele für Stillleben in der Weltkunst. Das fühlbar transparente Glas des Glases spiegelt sich in der matt schimmernden Oberfläche der silbernen Vase. Weich, Brezel auf einer weißen Serviette, es scheint wie frisch gebackenes Brot zu riechen. Der Hals einer verschlossenen Flasche glänzt matt. Eine silberne Gabel ragt leicht über die Kante des beleuchteten Tisches hinaus. In der Komposition dieses Stillebens gibt es keine asketische Anordnung von Gegenständen in einer Reihe, wie sie beispielsweise für Zurbarans Stilleben charakteristisch ist. Vielleicht hat es etwas mit den holländischen Mustern gemeinsam. Aber der Ton ist dunkler, die Objekte sind kleiner und die Komposition einfacher.

Juan de Arellano "Blumenkorb" 1670

Als spanischer Barockmaler, der sich auf Blumenarrangements spezialisiert hat, wurde er 1614 in Santorcase geboren. Zunächst studierte er im Atelier eines heute unbekannten Künstlers, zog aber im Alter von 16 Jahren nach Madrid, wo er bei Juan de Solis studierte, einem Künstler, der Aufträge für Königin Isabella ausführte. Juan de Arellano lebte lange Zeit von kleinen Aufträgen, darunter auch Wandmalereien, bis er beschloss, sich ausschließlich auf die Blumenmalerei zu konzentrieren und ein unübertroffener Meister auf diesem Gebiet wurde. Es wird angenommen, dass der Meister damit begann, die Werke anderer, insbesondere italienischer Künstler zu kopieren, die flämischen Stillleben fügten seinem Stil Eleganz und Strenge hinzu. Später fügte er dieser Kombination eigene kompositorische Erkenntnisse und eine charakteristische Farbpalette hinzu.
Charakteristisch für Arellano ist die eher schlichte Komposition dieses Stilllebens. Reine, intensive Pflanzenfarben heben sich durch die intensive Beleuchtung hell von einem neutralen bräunlichen Hintergrund ab.

Der Mann im Spiegel der Kunst: Das Genre des Porträts

Porträt(französisches Porträt) - ein Bild einer bestimmten Person oder Personengruppe. Das Genre des Porträts verbreitete sich in der Antike in der Bildhauerei, dann in Malerei und Grafik. Aber Ähnlichkeit das ist nicht das einzige, was der künstler zu vermitteln hat. Viel wichtiger ist es, wenn der Meister die innere Essenz eines Menschen auf die Leinwand überträgt und die Atmosphäre der Zeit vermittelt. UnterscheidenHaustür Und Kammer Porträts. Es gibt Porträtsgepaart Und Gruppe. Sie sollen die Hauptsäle schmücken, bestimmte Menschen preisen und die Erinnerung an Menschen bewahren, die durch berufliche, geistige und familiäre Bindungen verbunden sind. besondere KategorieIst Selbstportrait, auf dem sich der Künstler selbst darstellt.

Jedes der Porträts kann entweder einem psychologischen Porträt zugeschrieben werden oder
zu einer Porträtfigur oder zu einer Porträtbiografie.

Kunst hilft, eine Person zu kennen. Nicht nur, um sein Äußeres zu sehen
Gesicht, sondern auch sein Wesen, seinen Charakter, seine Stimmung usw. zu verstehen. Das Porträt ist fast
immer realistisch. Denn ihr Hauptziel ist die Wiedererkennung des Abgebildetenein Mensch darauf. Allerdings ist die Aufgabe des Künstlers in der Regel nicht die exakteKopieren äußere Merkmale Modelle, keine Nachahmung der Natur, sondern eine „malerische Nachbildung“ des Bildes einer Person. Es ist kein Zufall, dass der Wunscherkenne dich einfach im Portrait wieder und entdecke vielleicht sogar etwas Neues an sich.
Die Haltung des Künstlers zum Modell wird dem Betrachter unwillkürlich vermittelt. Wichtig
ist alles, was Emotionen, Lebensgefühl, Menschen ausdrückt: Mimik
dargestelltes Gesicht, Augenausdruck, Lippenlinie, Kopfdrehung, Körperhaltung,
Geste.
Oft interpretieren wir ein Werk aus der Perspektive des heutigen Menschen.
Tag schreiben wir ihm Charakterzüge zu, die seiner Zeit völlig untypisch sind, das heißt, wir streben danach, das Unbekannte durch das Bekannte zu verstehen.
Es ist auch sehr wichtig, den sozialen Status der Porträtierten zu zeigen, um ein typisches Bild eines Vertreters einer bestimmten Epoche zu schaffen.

Als Gattung tauchte das Porträt vor mehreren Jahrtausenden in der antiken Kunst auf. Unter den Fresken des berühmten Palastes von Knossos, die Archäologen bei Ausgrabungen auf der Insel Kreta gefunden haben, gibt es ganze Linie bildliche Darstellungen von Frauen im Zusammenhang mit XVI Jahrhundert BC. Obwohl die Forscher diese Bilder "Hofdamen" nannten, wissen wir nicht, wen die kretischen Meister zu zeigen versuchten - Göttinnen, Priesterinnen oder edle Damen in eleganten Kleidern.
"Pariser". Fresko aus dem Palast von Knossos, 16. Jahrhundert v

Das berühmteste war das Porträt einer jungen Frau, die von Wissenschaftlern „Pariserin“ genannt wurde. Wir sehen vor uns ein Profilbild (nach den Traditionen der Kunst dieser Zeit) einer jungen Frau, sehr kokett und nicht vernachlässigend auf Make-up, wie ihre dunkelumrandeten Augen und bunt geschminkten Lippen beweisen.
Die Künstler, die Freskoporträts ihrer Zeitgenossen schufen, vertieften sich nicht in die Eigenschaften der Modelle, und die äußere Ähnlichkeit dieser Bilder ist sehr relativ.
Religiöse Überzeugungen im alten Ägypten, die mit dem Kult verbunden sind
tot, bestimmt den Wunsch, im skulpturalen Abbild einer Person eine Porträtähnlichkeit zu vermitteln: Die Seele des Verstorbenen musste ihren Behälter finden.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Archäologen haben für die ganze Welt ein wunderbares Porträtbild der Königin Nofretete entdeckt.

Erstellt in 14. Jahrhundert BC e.,Dieses Bild beeindruckt durch die Geschmeidigkeit der Profillinien, die Anmut des flexiblen Halses, die luftige Leichtigkeit und die fließenden Übergänge der unregelmäßigen, aber lieblichen Züge des weiblichen Gesichts.. Nofretete war nicht nur die Königin von Ägypten, sie wurde auch als Göttin verehrt. Die berühmteste und vielleicht schönste der Frauen der ägyptischen Pharaonen lebte mit ihrem gekrönten Ehemann in einem riesigen luxuriösen Palast am Ostufer des Nils.

In Kunst Antikes Griechenland einen besonderen Platz nehmen verallgemeinerte, idealisierte Helden- oder Götterbilder ein. Spirituelles und Physisches verschmelzenMaler und Bildhauer sahen die VerkörperungSchönheit und Harmonie des Menschen.

In seinem berühmten "Discobolus" Bildhauer des 5. Jahrhunderts. BC e Miron versucht zunächst, mit der Stabilität und Monumentalität der Körperlinien ein Gefühl von Bewegung zu vermitteln, ohne die Aufmerksamkeit des Publikums auf die Gesichtszüge zu lenken.

Eine besondere Zärtlichkeit und Wärme geht von der Statue der Aphrodite aus, der Göttin der Liebe und Schönheit, die der Bildhauer Praxiteles im 4. Jahrhundert v. Chr. geschaffen hat. BC. für einen Tempel auf Kreta. Es gibt keine göttliche Majestät in diesem Bild, das Bild atmeterstaunlicher Frieden und Keuschheit.

Das Porträt von Caracalla fängt das Bild eines starken, bösen und kriminellen Mannes ein. Verschobene Augenbrauen, eine gerunzelte Stirn, ein misstrauischer Blick unter den Brauen, sinnliche Lippen verblüffen mit der Kraft der Charakterisierung. Der kräftige Kopf sitzt auf einem dicken, muskulösen Hals. Steile Haarlocken sind fest an den Kopf gedrückt und betonen seine runde Form. Sie haben keinen dekorativen Charakter wie in der Vorperiode. Eine leichte Asymmetrie des Gesichts wird vermittelt: Das rechte Auge ist kleiner und tiefer platziert als das linke, die Mundlinie ist schräg. Der Bildhauer, der dieses Porträt geschaffen hat, verfügte über den ganzen Reichtum der virtuosen Marmorbearbeitungstechnik, sein ganzes Können war darauf ausgerichtet, ein Werk zu schaffen, das mit höchster Ausdruckskraft die körperlichen und seelischen Züge der Persönlichkeit Caracallas wiedergibt.
Das römische Porträt ist mit dem Ahnenkult verbunden, mit dem Wunsch, ihr Aussehen für die Nachwelt zu bewahren. Dies trug zur Entwicklung eines realistischen Porträts bei. Es zeichnet sich durch die individuellen Eigenschaften einer Person aus: Größe,
Zurückhaltung oder Grausamkeit und Willkür, Spiritualität oder Arroganz.

Die Blütezeit des Porträtgenres begann in der Renaissance, als der Hauptwert der Welt eine aktive und zielstrebige Person war, die in der Lage war, diese Welt zu verändern und sich gegen alle Widrigkeiten zu stellen. Im 15. Jahrhundert begannen Künstler, eigenständige Porträts zu schaffen, die Modelle vor dem Hintergrund majestätischer Panoramalandschaften zeigten.
B. Pinturicchio. "Porträt eines Jungen" Bildergalerie, Dresden

Pinturicchio (Pinturicchio) (ca. 1454-1513) Italienischer Maler der Frührenaissance, am besten bekannt für seine bemerkenswerten Fresken.
So ist das „Portrait of a Boy“ von B. Pinturicchio. Das Vorhandensein von Naturfragmenten in den Porträts schafft jedoch keine Integrität, Einheit einer Person und der Welt um sie herum, die Person, die porträtiert wird, scheint die natürliche Landschaft zu verdecken. Nur bei Porträts XVI Jahrhundert es herrscht Harmonie, eine Art Mikrokosmos
Die Porträtkunst der Renaissance scheint sich zu verbinden
Zeugnisse der Antike und des Mittelalters. Es klingt wieder feierlich
eine Hymne an einen mächtigen Mann mit seiner einzigartigen körperlichen Erscheinung, geistigen Welt, individuellen Charakterzügen und Temperament.

Der anerkannte Meister der Porträtgattung war der deutsche Künstler Albrecht Dürer, dessen Selbstporträts noch heute das Publikum begeistern und Künstlern als Vorbild dienen.

In "Selbstporträt" Albrecht Dürer(1471–1528) Streben wird vermutet Finden Sie einen idealisierten Künstler Held. Bilder von Universalgenies des 16. Jahrhunderts, Meister der Ära der Hohen Renaissance - Leonardo da Vinci u Raphael Santi - personifizieren perfekte Person diese Zeit.

Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Italienischer "Lautenspieler" St. Petersburg, Staatliche Eremitage

Zu den berühmten Porträt-Meisterwerken dieser Zeit gehört der „Lautenspieler“ Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), in dem der Künstler ein Motiv aus dem realen Alltag entwickelt.

El Greco(1541-1614) Spanien. Porträt eines Mannes mit einer Hand auf der Brust

Ende des 16. Jahrhunderts im Werk des spanischen Künstlers El Greco (1541-1614) entsteht neuer Typ Porträt, das nicht vermitteltdie übliche innere Konzentration eines Menschen, die Intensität seinerspirituelles Leben, Eintauchen in das Eigene Innere. Dazu verwendet der Künstler scharfe Lichtkontraste, das OriginalVerfärbungen, ruckartige Bewegungen oder erstarrte Körperhaltungen. Spiritualität u einzigartige Schönheit die von ihm geprägten blassen länglichen unterscheiden sichGesichter mit riesigen dunklen, wie bodenlosen Augen.

IN XVII Jahrhundert Ein wichtiger Platz in der europäischen Malerei war ein intimes (Kammer-) Porträt, dessen Zweck es ist, den Geisteszustand eines Menschen, seine Gefühle und Emotionen zu zeigen. Der anerkannte Meister dieser Art von Porträt war Niederländischer Maler Rembrandt, der viele gefühlvolle Bilder schrieb.

„Porträt einer alten Frau“ (1654) ist von einem aufrichtigen Gefühl durchdrungen, diese Werke werden dem Betrachter präsentiert gewöhnliche Menschen die weder edle Vorfahren noch Reichtum haben. Aber für Rembrandt, der eine neue Seite in der Geschichte des Porträtgenres aufgeschlagen hat, war es wichtig, die Freundlichkeit seines Modells, ihre wahrhaft menschlichen Qualitäten, zu vermitteln.
Im 17. Jahrhundert das Hauptkriterium der Kunstfertigkeit ist materielle Weltüber die Sinne wahrgenommen. Die Nachahmung der Realität ersetzte im Porträt die Unverständlichkeit und Unerklärbarkeit der mentalen Manifestationen eines Menschen, seiner vielfältigen spirituellen Impulse. Der Charme von weichem Samt und luftiger Seide, flauschigem Fell und zerbrechlichem Glas, zartem, mattem Leder und funkelndem Hartmetall wird in dieser Zeit mit höchster Kunstfertigkeit vermittelt.
Porträts des großen Holländers Rembrandt(1606-1669) gelten nicht ohne Grund als Höhepunkt der Porträtkunst. Sie werden zu Recht Portraits-Biographien genannt. Rembrandt wurde der Dichter des Leidens und des Mitleids genannt. Menschen, die bescheiden, bedürftig, von allen vergessen sind, liegen ihm am Herzen. Mit besonderer Liebe behandelt der Künstler die „Gedemütigten und Beleidigten“. Aufgrund seiner Arbeit wird er mit F. Dostojewski verglichen. Seine Porträts-Biografien spiegeln das komplexe, voller Nöte und Entbehrungen des Schicksals einfacher Menschen wider, die trotz der schweren Prüfungen, die ihnen zugefallen sind, nicht verloren haben Menschenwürde und spirituelle Wärme.

Kaum die Schwelle überschritten, die das 17. Jahrhundert trennt. ab XVIII werden wir in den Porträts eine andere Rasse von Menschen sehen, die sich von ihren Vorgängern unterscheidet. Die höfisch-aristokratische Kultur brachte den Stil des Rokoko mit seinen raffiniert verführerischen, nachdenklich trägen, träumerisch verstreuten Bildern hervor.

Porträts von Künstlern zeichnen Anton Watteau(1684-1721), François Boucher(1703-1770) usw. leicht, beweglich, ihre Farbgebung ist voller anmutiger Modulationen, sie zeichnet sich durch eine Kombination exquisiter Halbtöne aus.
Folie 27 A. Watteau. (1684-1721) Mezzetin
Rokoko und klassizistische Malerei.
Malen Französischer Maler Antoine Watteau „Mezzetin“. In der Zeit von 1712 bis 1720 ist Watteau vom Schreiben von Szenen fasziniert Theaterleben. Watteau verwendete Skizzen seiner Lieblingsposen, Gesten, Gesichtsausdrücke von Schauspielern, die er im Theater machte, das für ihn zu einem Hort lebendiger Gefühle wurde. Voller Liebespoesie ist das romantisch-melancholische Bild des Helden des Kirmestheaters, des Schauspielers, der das Ständchen aufführt, im Film Mezzeten.

Denkmal für Peter I. des französischen Bildhauers Etienne Maurice Falcone

Die Suche nach dem Heroischen, Bedeutenden, Monumentalen in der Kunst ist mit dem 18. Jahrhundert verbunden. mit revolutionärem Wandel. Eines der genialen skulpturalen Porträts der Weltkunst ist das Denkmal
Peter I Französischer Bildhauer Etienne Maurice Falcone(1716-1791), errichtet in St. Petersburg in 1765-1782 Es ist als Bild eines Genies und Schöpfers konzipiert. Unbezwingbare Energie, betont durch die schnellen Bewegungen von Pferd und Reiter, drückt sich in der herrischen Geste einer ausgestreckten Hand in einem mutigen Öffnen aus Gesicht, auf dem Furchtlosigkeit, Wille, Klarheit des Geistes.

19. Jahrhundert führte die Variabilität des künstlerischen Geschmacks, die Relativität des Schönheitsbegriffs in die Porträtkunst ein. Innovatives Suchen in der Malerei richtet sich nun auf die Annäherung an die Wirklichkeit, auf die Suche nach der Vielfalt der Bilder.
Eugène Delacroix(1798-1863). Porträt von F. Chopin

In der Zeit der Romantik wird das Porträt als Abbild des inneren „Ich“ eines mit einem freien Willen ausgestatteten Menschen wahrgenommen. Echtes romantisches Pathos zeigt sich im Porträt von F. Chopin mit französischem Pinsel
romantischer Künstler Eugène Delacroix(1798-1863).

Vor uns liegt ein echtes psychologisches Porträt, das die Leidenschaft, die Glut der Natur des Komponisten, seine innere Essenz vermittelt. Das Bild ist erfüllt von schnellen, dramatischen Bewegungen. Dieser Effekt wird erreicht durch Drehen der Chopin-Figur, intensive Farbgebung des Bildes, kontrastierendes Hell-Dunkel, schnelle, intensive Striche,
Zusammenprall von warmen und kalten Tönen.
Die künstlerische Struktur des Porträts von Delacroix steht im Einklang mit der Musik der Etüde
in E-Dur für Klavier Chopin. Hinter ihr ist echtes Bild- um-
einmal das Mutterland. Immerhin, als sein geliebter Schüler einmal diesen Sketch spielte,
Chopin hob die Hände mit einem Ausruf: "Oh, mein Vaterland!"
Chopins Melodie, echt und kraftvoll, war das wichtigste Ausdrucksmittel, seine Sprache. Die Kraft seiner Melodie liegt in ihrer Stärke
Wirkung auf den Zuhörer. Es ist wie ein sich entwickelnder Gedanke, der der Entfaltung der Handlung einer Geschichte oder dem Inhalt einer historisch wichtigen Geschichte ähnelt
te Nachricht.

In der Porträtkunst des XX-XXI Jahrhunderts. bedingt lassen sich zwei Richtungen unterscheiden. Einer von ihnen setzt die klassischen Traditionen der realistischen Kunst fort und verherrlicht die Schönheit und Größe des Menschen, der andere sucht nach neuen abstrakten Formen und Wegen, seine innere Welt auszudrücken.

Auch Vertreter der im 20. Jahrhundert aufkommenden modernistischen Strömungen wandten sich dem Genre des Porträts zu. Viele Porträts wurden uns von den Berühmten hinterlassen französischer Künstler Pablo Picasso. An diesen Werken kann man nachvollziehen, wie sich das Werk des Meisters aus den sog. blaue Periode zum Kubismus.
Folie 32 Picasso (1881-1973) "Porträt von Ambroise Vollard".
Die Ideen des analytischen Kubismus fanden in Picassos „Bildnis des Ambroise Vollard“ eine originelle Verkörperung.

Kreative Aufgaben
Finden Sie die Porträts, auf die im Text verwiesen wird. Vergleichen Sie sie miteinander, identifizieren Sie Gemeinsamkeiten und Unterschiede. Geben Sie Ihre eigene Interpretation ihrer Bilder.
Welche Porträts werden Sie der traditionellen klassischen Richtung zuordnen und welche abstrakte Kunst. Argumentieren Sie Ihre Meinung.
Sprache abgleichen verschiedene Richtungen Porträtgemälde. Bestimmen Sie die Ausdruckskraft von Linien, Farbe, Farbe, Rhythmus und Zusammensetzung von jedem von ihnen.
Musikkompositionen anhören. Nehmen Sie für die Porträts die Werke auf, die mit den auf ihnen eingeprägten Bildern übereinstimmen.
Künstlerische und kreative Aufgabe
Bereiten Sie ein Album, eine Zeitung, einen Almanach, eine Computerpräsentation (optional) zum Thema „Genre des Porträts in der Kultur verschiedener Zeiten“ vor.
Fügen Sie Informationen über Künstler, Bildhauer, Grafiker sowie Gedichte, Prosapassagen und Fragmente hinzu Musikalische Werke, im Einklang mit den Bildern Ihrer Porträtgalerie.

HörenMusikalische Werke:Chopin Nocturne b moll; F.Chopin Etüde in E-Dur;