Μπετόβεν και άλλοι Γερμανοί συνθέτες. Η μουσική κουλτούρα της Γερμανίας στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα Αντιφάσεις στην ανάπτυξη της γερμανικής μουσικής

Οι συμφωνίες του Max Bruch δεν είναι τόσο δημοφιλείς όσο τα κοντσέρτα του για βιολί ή το Scottish Fantasy και ερμηνεύονται σπάνια. Ωστόσο, η Αρμονία κυριαρχεί σε αυτά, ξυπνώντας στην ψυχή του ακροατή τη φιλοδοξία για σοφία και δύναμη, ενισχύοντας το πνεύμα και βοηθώντας να αντιμετωπίσει όλες τις δυσκολίες. Οι αξιοσημείωτες ηχογραφήσεις των έργων του Bruch, εκτός από τα κύρια κομμάτια της συναυλίας, περιλαμβάνουν ένα σύνολο τριών από τις σπάνια ερμηνευμένες συμφωνίες του. έργο που πραγματοποιήθηκε από τον μαέστρο Kurt Masur. Μια από αυτές τις ηχογραφήσεις θα ακουστεί τώρα - Ένα πολύ όμορφο Adagio από την Τρίτη Συμφωνία σε μι μείζονα

Gewandhausorchester Leipzig

Kurt Masur, μαέστρος

Η μουσική είναι η τέχνη των ήχων και κάθε ήχος σε αυτήν έχει τη δική του ονομασία. Η νότα (lat. nōta - «σημάδι», «σημάδι») στη μουσική είναι ένας γραφικός προσδιορισμός του ήχου ενός μουσικού έργου, ένα από τα κύρια σύμβολα της σύγχρονης μουσικής σημειογραφίας. Παραλλαγές σε…

Το όνομα του Max Bruch (1838-1920) δεν είναι τόσο δυνατό στον μουσικό κόσμο όσο τα ονόματα των Mendelssohn και Brahms. Αλλά το κονσέρτο του για βιολί Νο. 1 σε σολ ελάσσονα, Op. 26, κατέχει επάξια θέση στη γενεαλογία των μεγάλων ρομαντικά αριστουργήματα. Ο Μαξ Μπρουχ γεννήθηκε την ίδια χρονιά που ο Μέντελσον έκανε τα πρώτα προσχέδια του κοντσέρτου του για βιολί σε μι ελάσσονα. Το κονσέρτο του Μπρουχ έκανε πρεμιέρα δέκα χρόνια μετά τον θάνατο του Σούμαν. Μια δεκαετία αργότερα υπήρξε διάσημη συναυλίαγια βιολί και ορχήστρα του Μπραμς. Ωστόσο, υπάρχει ένα ακόμη σπουδαίος μουσικός, της οποίας η τέχνη ένωσε τα ονομαζόμενα κοντσέρτα για βιολί σε μια παράδοση που παραμένει αδιάκοπη εδώ και έναν αιώνα. Το όνομά του ήταν Ιωσήφ Ιωακείμ. Επί τίτλος σελίδαςη παρτιτούρα του Κοντσέρτου για βιολί του Μπρουχ είναι αφιερωμένη στον: Josef Joachim ως ένδειξη φιλίας.

Τα σκίτσα για το κονσέρτο σε σολ ελάσσονα μπορεί να χρονολογούνται από το 1857, όταν ο 19χρονος Μπρουχ αποφοίτησε από το ωδείο της Κολωνίας, όπου δάσκαλοι του ήταν ο Φέρντιναντ Χίλερ και ο Καρλ Ράινεκε. Σε ηλικία 20 ετών, ο Μπρουχ δίδασκε ήδη μουσικοθεωρητικά μαθήματα στο ωδείο. Η μία μετά την άλλη, οι πρεμιέρες των όπερων, των ορατόριων, των συμφωνιών του, οργανικές συναυλίες, σύνολα δωματίου, κύκλοι φωνητικών... Οι χορωδίες του Bruch είναι ιδιαίτερα δημοφιλείς στη Γερμανία. Διευθύνει παραστάσεις όπερας και συμφωνικές συναυλίεςσε διάφορες πόλεις της Γερμανίας και του εξωτερικού. Μεταξύ των μαθητών του Max Bruch είναι εκπρόσωποι της εθνικής σχολές συνθέτων, εξαιρετικούς δασκάλους του εικοστού αιώνα όπως ο Ιταλός Ottorino Respighi, ο Άγγλος Ralph Vaughan Williams.

Μαξ Μπρουχ

Johann Philipp Kirnberger (Γερμανικά Johann Philipp Kirnberger; βαφτισμένος 24 Απριλίου 1721, Saalfeld - 27 Ιουλίου 1783, Βερολίνο) - Γερμανός θεωρητικός της μουσικής, συνθέτης, βιολονίστας, δάσκαλος.

Σύμφωνα με τον F. W. Marpurg, το 1739-41 ο Kirnberger σπούδασε στη Λειψία με τον J. S. Bach, τον οποίο θεωρούσε τον μεγαλύτερο Γερμανό συνθέτη. Το 1741 - 50 υπηρέτησε ως δάσκαλος μουσικής και μπάντας σε πολωνικές αριστοκρατικές οικογένειες, ήταν μπάντας γυναικεία μονήστο Λβιβ. Από το 1754, ο Kirnberger, βιολονίστας και μπάντας στο παρεκκλήσι της αυλής στο Βερολίνο, δίδαξε σύνθεση στην Άννα Αμαλία της Πρωσίας, τη μικρότερη αδερφή του βασιλιά Φρειδερίκου του Μεγάλου της Πρωσίας.
Ο Kirnberger επεδίωξε τη δημοσίευση των χορωδιακών ρυθμίσεων του Μπαχ, για τις οποίες έγραψε σε μια επιστολή του προς τον εκδότη της Λειψίας Breitkopf:

Όσον αφορά τα περισσότερα από 400 χορικά του Μπαχ που συνέλεξε ο C. F. E. Bach και πολλά από τα οποία μεταγράφηκαν από το δικό του χέρι, είναι εξαιρετικά σημαντικό για μένα αυτά τα χορικά, τα οποία είναι τώρα στη διάθεσή μου, να διατηρηθούν για μελλοντικούς μουσικούς, συνθέτες και μουσική γνώστες .

Ο Kirnberger αγόρασε τα χειρόγραφα χορωδίας από τον C. F. E. Bach. Για να προωθήσει τη δημοσίευση, ο Kirnberger έδωσε αυτά τα χειρόγραφα δωρεάν στον εκδοτικό οίκο του Breitkopf (ο οποίος παρέμεινε ο ιδιοκτήτης τους μετά το θάνατο του Kirnberger).

Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος του βιολιού στη Γερμανία κατά το πρώτο μισό του 19ου αιώνα ήταν ο διάσημος Ludwig Spohr.

Γιος ενός γιατρού που ζούσε στο Braunschweig, ο Spohr τοποθετήθηκε από πολύ νωρίς σε συνθήκες εξαιρετικά ευνοϊκές για την ανάπτυξη του μουσικό ταλέντο. Ο πατέρας του Spohr έπαιζε φλάουτο (!), και η μητέρα του ήταν τραγουδίστρια και αρκετά καλή πιανίστα. Το αγόρι άκουγε με ιδιαίτερη χαρά τη μουσική του σπιτιού και χάρηκε πολύ όταν του αγόρασαν ένα μικρό βιολί: μπορούσε να παίζει τραγούδια και ειδύλλια που τραγουδούσε η μητέρα του στο αυτί. Τα χαρίσματα του αγοριού έγιναν αντιληπτά από έναν Γάλλο μετανάστη, τον Dufour, ο οποίος ζούσε στην πόλη όπου μετακόμισαν και οι γονείς του Spohr από το Braunschweig. Ο Dufour, που ο ίδιος έπαιζε αρκετά καλά στο βιολί και στο τσέλο, επέβλεπε τις σπουδές του Spohr και άρχισε να γράφει τις δικές του συνθέσεις (λένε ότι τα ντουέτα βιολιού του Spohr χρονολογούνται από αυτή την εποχή).

Ακολούθησαν χρόνια σπουδών, δουλειά ως σολίστ στο παρεκκλήσι του Δούκα του Μπράνσγουικ, περιοδείες σε ευρωπαϊκές πόλεις. Για παράδειγμα, στη Δανία, ο Spohr έτυχε να συνομιλεί με μια κυρία που θαυμαστή του ταλέντου του. Μου ζήτησε να της πω κάποιες λεπτομέρειες από τα δικά του περασμένη ζωήκαι ανέμελα ρώτησε αν ο Spohr δεν θα τα κατάφερνε καλύτερα αν ασχοληθεί με το εμπόριο του πατέρα του. Ο Spur απάντησε ως εξής:

Christian Cannabich (Γερμανικά: Christian Cannabich; 28 Δεκεμβρίου 1731 - 20 Ιανουαρίου 1798, Φρανκφούρτη του Μάιν) - Γερμανός μπάντας, βιολονίστας και συνθέτης, εκπρόσωπος της σχολής του Mannheim.

Μαθητής των J. Stamitz, N. Jommelli (σύνθεση). Εργάστηκε στις ορχήστρες του Μάνχαϊμ και του Μονάχου. Βιολιστής του παρεκκλησίου του Mannheim Court (από το 1774 διευθυντής του). Από το 1778 έζησε στο Μόναχο. Μετά τον θάνατο του J. Stamitz, αναγνωρίστηκε ως επικεφαλής της Σχολής του Mannheim. Ο φίλος V.A. Μότσαρτ. Η Cannabih εφάρμοσε νέες αρχές ενορχήστρωσης βασισμένες στην ομοιόμορφη κατανομή του θεματικού υλικού μεταξύ όλων ορχηστρικά συγκροτήματα, από τους πρώτους που εισήγαγαν Συμφωνική ορχήστρακλαρίνα. Το κορυφαίο είδος δημιουργικότητας είναι η συμφωνική. Συγγραφέας περίπου 90 συμφωνιών, 40 όπερων και μπαλέτων, κοντσέρτα για βιολί και ορχήστρα, σύνολα δωματίου και ορχηστρών. Ο Μότσαρτ στα γράμματά του μιλά με επαίνους για το ταλέντο της Κάναμπιχ. Όπως και να έχει, ο Μότσαρτ τον περιγράφει ως τον καλύτερο μουσικό σκηνοθέτη που έχει δει ποτέ.

Ο Καρλ Ορφ (Carl Orff, Carl Heinrich Maria Orff, 10 Ιουλίου 1895, Μόναχο - 29 Μαρτίου 1982, Μόναχο) είναι Γερμανός συνθέτης και δάσκαλος, περισσότερο γνωστός για την καντάτα Carmina Burana (1937). Ως σημαντικός συνθέτης του 20ου αιώνα, συνέβαλε επίσης πολύ στην εξέλιξη μουσική παιδεία.

Ο πατέρας του Karl Orff, αξιωματικός, έπαιζε πιάνο και αρκετοί έγχορδα όργανα. Η μητέρα του ήταν επίσης καλή πιανίστα. Ήταν αυτή που ανακάλυψε το ταλέντο του γιου της στη μουσική και ξεκίνησε την εκπαίδευσή του.

Ο Ορφ έμαθε να παίζει πιάνο σε ηλικία 5 ετών. Σε ηλικία εννέα ετών έγραφε ήδη μεγάλα και σύντομα μουσικά κομμάτια για το δικό του κουκλοθέατρο.

Το 1912-1914, ο Ορφ σπούδασε στη Μουσική Ακαδημία του Μονάχου. Το 1914 συνέχισε τις σπουδές του με τον Herman Zilcher. Το 1916 εργάστηκε ως μπάντας στο Θέατρο Δωματίου του Μονάχου. Το 1917, κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, ο Ορφ πήγε εθελοντικά στον στρατό στο Πρώτο Σύνταγμα Πεδίου Πυροβολικού της Βαυαρίας. Το 1918 προσκλήθηκε στη θέση του bandmaster στο Εθνικό Θέατρο Mannheim υπό τη διεύθυνση του Wilhelm Furtwängler, και στη συνέχεια άρχισε να εργάζεται στο Palace Theatre του Μεγάλου Δουκάτου του Darmstadt.

Το 1923 γνώρισε την Dorothea Günther και το 1924 δημιούργησε μαζί της τη σχολή γυμναστικής, μουσικής και χορού Günther-Schule (γερμανικά: Günther-Schule) στο Μόναχο. Από το 1925 μέχρι το τέλος της ζωής του, ο Ορφ ήταν επικεφαλής του τμήματος σε αυτό το σχολείο, όπου συνεργάστηκε με νέους μουσικούς. Έχοντας συνεχή επαφή με τα παιδιά, ανέπτυξε τη θεωρία του για τη μουσική εκπαίδευση.

Καρλ (Χάινριχ Κάρστεν) Ράινεκε(Γερμανός Καρλ (Χάινριχ Κάρστεν) Ράινεκε ; 23 Ιουνίου1824, Altona, τώρα μέρος του Αμβούργου - 10 Μαρτίου 1910, Λειψία) - Γερμανός συνθέτης, μαέστρος και πιανίστας.

Από την ηλικία των έξι ετών σπούδασε μουσική με τον πατέρα του, Johann Rudolf Reinecke. ΣΕ 1835 έκανε το ντεμπούτο του στη γενέτειρά του ως πιανίστας, στη συνέχεια περιόδευσε στην Ευρώπη, όπου κέρδισε τη φήμη ως «χαριτωμένος ερμηνευτής έργωνΜότσαρτ ". Τα μουσικά είδωλα των νεαρών ήταν Clara Wieck και Φραντς Λίστα; Λόγω της συνεσταλμένης φύσης του Reinecke, δεν ταίριαζε για το ρόλο ενός βιρτουόζου πιανίστα που περιοδεύει.

ΜΕ 1843 έως 1846 χάρη σε υποτροφία του βασιλιά Christian VIII της Δανίας, σπούδασε στο Ωδείο της Λειψίας πιάνο και σύνθεση. Ο Felix Mendelssohn, ο οποίος ήταν εκείνη την εποχή bandmaster των Gewandhaus, οργάνωσε δημόσιες παραστάσεις για αυτόν. Την ίδια περίοδο, ο Reinecke γνώρισε τον Robert Schumann. Ο Reinecke επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τα έργα του Mendelssohn και του Schumann, οι οποίοι είχαν μεγάλη επιρροή στις δικές του συνθέσεις.

Πώς θα ήταν η ζωή μας χωρίς μουσική; Εδώ και χρόνια, οι άνθρωποι κάνουν αυτό το ερώτημα και καταλήγουν στο συμπέρασμα ότι χωρίς τους όμορφους ήχους της μουσικής, ο κόσμος θα ήταν ένα πολύ διαφορετικό μέρος. Η μουσική μας βοηθά να βιώσουμε τη χαρά πιο ολοκληρωμένα, να βρούμε τον εσωτερικό μας εαυτό και να ανταπεξέλθουμε στις δυσκολίες. Οι συνθέτες, δουλεύοντας πάνω στα έργα τους, εμπνεύστηκαν από διάφορα πράγματα: αγάπη, φύση, πόλεμος, ευτυχία, λύπη και πολλά άλλα. Κάποια από αυτά που δημιούργησαν μουσικές συνθέσειςθα μείνει για πάντα στις καρδιές και στη μνήμη των ανθρώπων. Εδώ είναι μια λίστα με τους δέκα μεγαλύτερους και πιο ταλαντούχους συνθέτες όλων των εποχών. Κάτω από κάθε έναν από τους συνθέτες θα βρείτε έναν σύνδεσμο προς ένα από τα πιο διάσημα έργα του.

10 ΦΩΤΟΓΡΑΦΙΕΣ (ΒΙΝΤΕΟ)

Franz Peter Schubert - Αυστριακός συνθέτης, που έζησε μόνο 32 χρόνια, αλλά η μουσική του θα συνεχίσει να ζει για πολύ καιρό. Ο Σούμπερτ έγραψε εννέα συμφωνίες, περίπου 600 φωνητικές συνθέσεις, καθώς και μεγάλο αριθμό μουσικής δωματίου και σόλο για πιάνο.

«Βραδυνή Σερενάτα»

Γερμανός συνθέτης και πιανίστας, συγγραφέας δύο σερενάδων, τεσσάρων συμφωνιών και κοντσέρτων για βιολί, πιάνο και τσέλο. Έπαιξε σε συναυλίες από την ηλικία των δέκα ετών, για πρώτη φορά με σόλο συναυλίασε ηλικία 14 ετών. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, κέρδισε δημοτικότητα κυρίως χάρη στα βαλς και τους ουγγρικούς χορούς που έγραψε.

«Ουγγρικός χορός Νο 5».

Georg Friedrich Handel - Γερμανός και Άγγλος συνθέτηςΕποχή του μπαρόκ, έγραψε περίπου 40 όπερες, πολλά οργανικά κοντσέρτα, καθώς και μουσική δωματίου. Η μουσική του Χέντελ παίζεται στη στέψη των Άγγλων βασιλιάδων από το 973, ακούγεται επίσης σε βασιλικές γαμήλιες τελετές και χρησιμοποιείται ακόμη και ως ύμνος του UEFA Champions League (με λίγη διασκευή).

"Music on the Water"

Τζόζεφ Χάιντν- διάσημος και παραγωγικός Αυστριακός συνθέτης της κλασικής εποχής, αποκαλείται ο πατέρας της συμφωνίας, καθώς συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη αυτής μουσικό είδος. Ο Joseph Haydn είναι συγγραφέας 104 συμφωνιών, 50 σονάτες για πιάνο, 24 όπερες και 36 κοντσέρτα

«Συμφωνία Νο 45».

Ο Pyotr Ilyich Tchaikovsky είναι ο πιο διάσημος Ρώσος συνθέτης, ο συγγραφέας περισσότερων από 80 έργων, συμπεριλαμβανομένων 10 όπερων, 3 μπαλέτων και 7 συμφωνιών. Ήταν πολύ δημοφιλής και γνωστός ως συνθέτης κατά τη διάρκεια της ζωής του, έπαιξε στη Ρωσία και στο εξωτερικό ως μαέστρος.

«Βαλς των Λουλουδιών» από το μπαλέτο «Ο Καρυοθραύστης».

Ο Φρεντερίκ Φρανσουά Σοπέν είναι Πολωνός συνθέτης που θεωρείται επίσης ένας από τους καλύτεροι πιανίστεςόλων των εποχών. Έγραψε πολλά μουσικά έργαγια πιάνο, συμπεριλαμβανομένων 3 σονάτες και 17 βαλς.

«Βαλς της βροχής».

Ο Βενετός συνθέτης και βιρτουόζος βιολονίστας Antonio Lucio Vivaldi είναι ο συγγραφέας περισσότερων από 500 κοντσέρτων και 90 όπερων. Είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της ιταλικής και παγκόσμιας τέχνης του βιολιού.

"Τραγούδι των ξωτικών"

Ο Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ είναι ένας Αυστριακός συνθέτης που κατέπληξε τον κόσμο με το ταλέντο του παιδική ηλικία. Ήδη σε ηλικία πέντε ετών, ο Μότσαρτ συνέθετε μικρά κομμάτια. Συνολικά έγραψε 626 έργα, μεταξύ των οποίων 50 συμφωνίες και 55 κοντσέρτα. 9.Μπετόβεν 10.Μπαχ

Johann Sebastian Bach - Γερμανός συνθέτης και οργανίστας της εποχής του μπαρόκ, γνωστός ως δεξιοτέχνης της πολυφωνίας. Είναι συγγραφέας περισσότερων από 1000 έργων, τα οποία περιλαμβάνουν σχεδόν όλα τα σημαντικά είδη εκείνης της εποχής.

"Μουσικό αστείο"

Χανς Λέο Χάσλερ(βαφτίστηκε 26/10/1564 - 08/06/1612) - Γερμανός συνθέτης και οργανίστας της ύστερης Αναγέννησης και του πρώιμου μπαρόκ. Ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες που ανέπτυξαν το ιταλικό στυλ στη Γερμανία στις αρχές του δέκατου έβδομου αιώνα.

Johann Heinrich Scheidemann(περίπου 1595 - 26 Σεπτεμβρίου 1663) - Γερμανός οργανίστας και συνθέτης της εποχής του μπαρόκ. Ένας από τους ηγέτες της οργανικής σχολής της Βόρειας Γερμανίας. Ένας σημαντικός προκάτοχος του Dietrich Buxtehude και του J.S. Bach.

Χάινριχ Σουτς(10/08/1585 - 11/06/1672) - ο μεγάλος Γερμανός συνθέτης και οργανίστας της εποχής του μπαρόκ. Θεωρείται στο ίδιο επίπεδο με τους Claudio Monteverdi και Johann Sebastian Bach. Συνδύασε τη βενετική αντιφωνική και μονοδική τεχνική με την προτεσταντική μουσική και δημιούργησε επίσης την πρώτη γερμανική όπερα.

Ιερώνυμος Πραιτώριος(08/10/1560 - 01/27/1629) - Βορειο-Γερμανός συνθέτης και οργανίστας ύστερη Αναγέννησηκαι πρώιμο μπαρόκ. Ο συνονόματος του πιο διάσημου συνθέτη Michael Pretorius, αν και υπήρχαν πολλοί στην οικογένεια του Jerome Pretorius εξαιρετικοί μουσικοί 16ος-17ος αιώνας

Johann Adam Reincken(βαφτίστηκε 10 Δεκεμβρίου 1643 - 24 Νοεμβρίου 1722) - Ολλανδο-Γερμανός συνθέτης και οργανίστας της περιόδου του μπαρόκ. Ένας από τους εξέχοντες εκπροσώπους της βορειο-γερμανικής σχολής, φίλος του Dietrich Buxtehude, άσκησε μεγάλη επιρροή στον νεαρό Johann Sebastian Bach.

Johann Hermann Schein (Schein) (Johann Hermann Schein)(20/01/1586 - 19/11/1630) - Γερμανός συνθέτης και ποιητής της πρώιμης εποχής του μπαρόκ. Ήταν από τους πρώτους που ανέπτυξαν το καινοτόμο ιταλικό στυλ στη γερμανική μουσική. Θεωρήθηκε εκλεπτυσμένος και κομψός συνθέτης της εποχής του.

Johannes Nucius (Nux, Nucis))(περ. 1556 - 25/03/1620) - Γερμανός συνθέτης και θεωρητικός της μουσικής της ύστερης Αναγέννησης και του πρώιμου μπαρόκ. Όντας μακριά από μεγάλα κέντραμουσική δραστηριότητα, ήταν ένας εξαίσιος συνθέτης στο ύφος του Γαλλο-Φλαμανδού συνθέτη Orlando di Lasso. Συνέταξε ένα πολύ επιδραστικό πραγματείασχετικά με τη ρητορική εφαρμογή των τεχνικών σύνθεσης.

Johann Ulrich Steigleder(22 Μαρτίου 1593 - 10 Οκτωβρίου 1635) - Νοτιο-Γερμανός συνθέτης και οργανίστας της εποχής του μπαρόκ. Το πιο γνωστό μέλος της μουσικής οικογένειας Steigleder από τη Στουτγάρδη, η οποία περιλαμβάνει τον πατέρα του Adam (1561-1633) και τον παππού του Utz (π. 1581), ο οποίος ήταν αυλικός μουσικός και διπλωμάτης.

Johann Jakob Froberger(βαφτίστηκε 19 Μαΐου 1616 - 7 Μαΐου 1667.) - Γερμανός συνθέτης μπαρόκ, βιρτουόζος τσέμπαλος και οργανίστας. Ένας από τους πιο γνωστούς συνθέτες της εποχής, συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη του ρεπερτορίου των κλαβιέρων και δημιούργησε τα πρώτα δείγματα μουσικής προγράμματος. Χάρη σε πολλά ταξίδια, συνέβαλε πολύ στην ανταλλαγή μουσικές παραδόσειςΓερμανία, Ιταλία και Γαλλία. Το έργο του μελετήθηκε από μουσικούς τον 18ο αιώνα, συμπεριλαμβανομένων συνθετών όπως ο Χέντελ και ο Μπαχ, ακόμη και ο Μότσαρτ και ο Μπετόβεν.

Ο Richard Wagner είχε σημαντικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη όχι μόνο της μουσικής της ευρωπαϊκής παράδοσης, αλλά και του κόσμου καλλιτεχνική κουλτούραγενικά. Ο Βάγκνερ δεν έλαβε συστηματική μουσική εκπαίδευση και στην ανάπτυξή του ως κύριος της μουσικής είναι αποφασιστικά υποχρεωμένος στον εαυτό του. Σχετικά νωρίς, τα ενδιαφέροντα του συνθέτη, που επικεντρώθηκαν εξ ολοκλήρου στο είδος της όπερας, έγιναν εμφανή.

Σε πολύ μεγαλύτερο βαθμό από όλα Ευρωπαίοι συνθέτες XIX αιώνα, ο Βάγκνερ θεωρούσε την τέχνη του ως σύνθεση και ως τρόπο έκφρασης μιας συγκεκριμένης φιλοσοφικής αντίληψης. Η ουσία του τίθεται σε μορφή αφορισμού στο παρακάτω απόσπασμα από το άρθρο του Βάγκνερ " Εργο ΤΕΧΝΗΣτου μέλλοντος»: «Όπως ένας άνθρωπος δεν θα είναι ελεύθερος μέχρι να αποδεχτεί με χαρά τους δεσμούς που τον συνδέουν με τη Φύση, έτσι και η τέχνη δεν θα γίνει ελεύθερη μέχρι να μην έχει λόγο να ντρέπεται για τη σύνδεσή του με τη ζωή». Από αυτή την έννοια πηγάζουν δύο θεμελιώδεις ιδέες: η τέχνη πρέπει να δημιουργείται από μια κοινότητα ανθρώπων και να ανήκει σε αυτήν την κοινότητα. η υψηλότερη μορφή τέχνης είναι το μουσικό δράμα, κατανοητό ως μια οργανική ενότητα λέξης και ήχου. Το Μπαϊρόιτ έγινε η ενσάρκωση της πρώτης ιδέας, όπου θέατρο όπεραςγια πρώτη φορά άρχισε να ερμηνεύεται ως ναός τέχνης και όχι ως θεσμός ψυχαγωγίας. η ενσάρκωση της δεύτερης ιδέας είναι η νέα οπερατική μορφή «μουσικό δράμα» που δημιούργησε ο Βάγκνερ. Η δημιουργία της ήταν που έγινε στόχος δημιουργική ζωήΒάγκνερ. Μερικά από τα στοιχεία του ενσωματώθηκαν πρώιμες όπερεςσυνθέτης της δεκαετίας του 1840 - "The Flying Dutchman", "Tannhäuser" και "Lohengrin".

Η θεωρία του μουσικού δράματος ενσωματώθηκε πλήρως στα ελβετικά άρθρα του Βάγκνερ ("Όπερα και Δράμα", "Τέχνη και Επανάσταση", "Μουσική και Δράμα", "Έργο τέχνης του μέλλοντος") και στην πράξη - στις μεταγενέστερες όπερες του: " Τριστάνος ​​και Ιζόλδη», την τετραλογία «Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ» και το μυστήριο «Παρσιφάλ». Σύμφωνα με τον Βάγκνερ, ένα μουσικό δράμα είναι ένα έργο στο οποίο πραγματοποιείται η ρομαντική ιδέα της σύνθεσης των τεχνών (μουσική και δράμα), έκφραση της προγραμματικότητας στην όπερα. Για να εφαρμόσει αυτό το σχέδιο, ο Βάγκνερ εγκατέλειψε τις παραδόσεις των μορφών όπερας που υπήρχαν εκείνη την εποχή - κυρίως ιταλικές και γαλλικές. Κατέκρινε τον πρώτο για υπερβολές, τον δεύτερο για μεγαλοπρέπεια. Με έξαλλη κριτική επιτέθηκε στα έργα των κορυφαίων εκπροσώπων της κλασικής όπερας (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert), αποκαλώντας τη μουσική τους «ζαχαρωμένη πλήξη». Προσπαθώντας να φέρει την όπερα πιο κοντά στη ζωή, ήρθε με την ιδέα μιας δραματικής εξέλιξης - από την αρχή μέχρι το τέλος, όχι μόνο μιας πράξης, αλλά ολόκληρου του έργου, ακόμη και ενός κύκλου έργων (και οι τέσσερις όπερες του ο κύκλος Der Ring des Nibelungen).

ΣΕ κλασική όπεραΟ Βέρντι και ο Ροσίνι χωριστά νούμερα (άριες, ντουέτα, σύνολα με χορωδίες) χωρίζουν μια ενιαία μουσική κίνηση σε θραύσματα. Ο Βάγκνερ τα εγκατέλειψε τελείως για χάρη των μεγάλων φωνητικών και συμφωνικών σκηνών που ρέουν η μία στην άλλη και αντικατέστησε τις άριες και τα ντουέτα με δραματικούς μονολόγους και διαλόγους. Ο Βάγκνερ αντικατέστησε τις οβερτούρες με πρελούδια - σύντομες μουσικές εισαγωγές σε κάθε πράξη, σε σημασιολογικό επίπεδο, άρρηκτα συνδεδεμένο με τη δράση. Επιπλέον, ξεκινώντας με την όπερα Lohengrin, αυτά τα πρελούδια εκτελέστηκαν όχι πριν από το άνοιγμα της αυλαίας, αλλά ήδη με τη σκηνή ανοιχτή. Η εξωτερική δράση στις όψιμες όπερες του Βάγκνερ (ειδικά στον Τριστάνο και την Ιζόλδη) περιορίζεται στο ελάχιστο, μεταφέρεται στην ψυχολογική πλευρά, στη σφαίρα των συναισθημάτων των χαρακτήρων. Ο Βάγκνερ πίστευε ότι η λέξη δεν είναι ικανή να εκφράσει το πλήρες βάθος και το νόημα των εσωτερικών εμπειριών, επομένως, είναι η ορχήστρα, και όχι το φωνητικό μέρος, που παίζει τον πρωταγωνιστικό ρόλο στο μουσικό δράμα. Η τελευταία είναι εξ ολοκλήρου υποταγμένη στην ενορχήστρωση και θεωρείται από τον Βάγκνερ ως ένα από τα όργανα μιας συμφωνικής ορχήστρας. Ταυτόχρονα, το φωνητικό μέρος σε ένα μουσικό δράμα ισοδυναμεί με έναν θεατρικό δραματικό λόγο. Δεν υπάρχει σχεδόν κανένα τραγούδι, arioznost σε αυτό. Σε σχέση με τις ιδιαιτερότητες των φωνητικών στη μουσική όπερας του Βάγκνερ (εξαιρετικό μήκος, υποχρεωτική απαίτηση για δραματική ικανότητα, ανελέητη εκμετάλλευση των ακραίων καταγραφών της τεσιτούρας της φωνής), έχουν καθιερωθεί νέα στερεότυπα στην πρακτική της σόλο παράστασης. τραγουδιστικές φωνές- Βαγκνεριανός τενόρος, Βαγκνεριανή σοπράνο.

Ο Βάγκνερ έδωσε εξαιρετική σημασία στην ενορχήστρωση και, ευρύτερα, στη συμφωνία. Η ορχήστρα του Βάγκνερ συγκρίνεται με μια αρχαία χορωδία που σχολίαζε αυτό που συνέβαινε και μετέφερε ένα «κρυφό» νόημα. Αναμορφώνοντας την ορχήστρα, ο συνθέτης δημιούργησε ένα κουαρτέτο τούμπα, εισήγαγε μια μπάσο τούμπα, ένα τρομπόνι κοντραμπάσο, επεκτάθηκε ομάδα χορδών, χρησιμοποίησε έξι άρπες. Σε ολόκληρη την ιστορία της όπερας πριν από τον Βάγκνερ, κανένας συνθέτης δεν χρησιμοποίησε ορχήστρα αυτού του μεγέθους (για παράδειγμα, το Der Ring des Nibelungen εκτελείται από μια τετραπλή ορχήστρα με οκτώ κόρνα). Η καινοτομία του Wagner στον τομέα της αρμονίας είναι επίσης γενικά αναγνωρισμένη. Την τονικότητα που κληρονόμησε από τους βιεννέζους κλασικούς και τους πρώιμους ρομαντικούς, διεύρυνε πολύ εντείνοντας τον χρωματισμό και τις τροπικές αλλοιώσεις. Έχοντας αποδυναμώσει (ευθεία για τους κλασικούς) τη μοναδικότητα των συνδέσεων μεταξύ του κέντρου (τονικό) και της περιφέρειας, αποφεύγοντας σκόπιμα την άμεση ανάλυση της ασυμφωνίας σε ομοφωνία, έδωσε ένταση, δυναμισμό και συνέχεια στην ανάπτυξη της διαμόρφωσης. τηλεφωνική κάρταΗ βαγκνερική αρμονία θεωρούνται «Τριστάν-κόρντ» (από το πρελούδιο της όπερας «Τριστάνος ​​και Ιζόλδη») και το μοτίβο της μοίρας από το «Δαχτυλίδι των Νιμπελούνγκ». Ο Βάγκνερ εισήγαγε ένα ανεπτυγμένο σύστημα μοτίβων. Κάθε τέτοιο leitmotif (σύντομο μουσικό χαρακτηριστικό) είναι ένας προσδιορισμός κάτι: ένας συγκεκριμένος χαρακτήρας ή ζωντανό ον (για παράδειγμα, το leitmotif του Ρήνου στο χρυσό του Ρήνου), αντικείμενα που συχνά λειτουργούν ως χαρακτήρες (το δαχτυλίδι, το σπαθί και ο χρυσός στο το Δαχτυλίδι, ένα φίλτρο αγάπης στον Τριστάν και την Ιζόλδη), σκηνές δράσης (τα μοτίβα του Δισκοπότηρου στο Λόενγκριν και της Βαλχάλα στον Χρυσό του Ρήνου) και ακόμη και μια αφηρημένη ιδέα (πολλά μοτίβα της μοίρας και της μοίρας στον κύκλο του Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ, μαρασμός, μια ερωτική ματιά στον Τριστάνο και την Ιζόλδη).

Το Wagnerian σύστημα των μοτίβων αναπτύχθηκε πλήρως στο The Ring - συσσωρεύοντας από όπερα σε όπερα, συμπλέκοντας το ένα με το άλλο, λαμβάνοντας κάθε φορά νέες επιλογές ανάπτυξης, όλα τα μοτίβα αυτού του κύκλου ως αποτέλεσμα συνδυάζονται και αλληλεπιδρούν στην περίπλοκη μουσική υφή του τελευταία όπερα Ο θάνατος των θεών. Κατανοώντας τη μουσική ως την προσωποποίηση της συνεχούς κίνησης, η ανάπτυξη των συναισθημάτων οδήγησε τον Βάγκνερ στην ιδέα της συγχώνευσης αυτών των μοτίβων σε ένα ενιαίο ρεύμα συμφωνικής ανάπτυξης, σε μια «ατελείωτη μελωδία» (unendliche Melodie). Η απουσία τονωτικής υποστήριξης (σε ολόκληρη την όπερα Tristan und Isolde), η ατελή κάθε θέματος (σε ολόκληρο τον κύκλο Der Ring des Nibelungen, με εξαίρεση την κορυφαία νεκρική πορεία στην όπερα The Death of the Gods) συμβάλλουν μια συνεχής συσσώρευση συναισθημάτων που δεν λαμβάνει ανάλυση, η οποία επιτρέπει στον ακροατή να διατηρείται σε συνεχή ένταση (όπως στα πρελούδια των όπερων Tristan and Isolde και Lohengrin). Ο A. F. Losev ορίζει τη φιλοσοφική και αισθητική βάση του έργου του Wagner ως «μυστικιστικό συμβολισμό».

Το κλειδί για την κατανόηση της οντολογικής έννοιας του Βάγκνερ είναι η τετραλογία «Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκεν» και η όπερα «Τριστάνος ​​και Ιζόλδη». Πρώτον, το όνειρο του Βάγκνερ για τη μουσική οικουμενικότητα ενσωματώθηκε πλήρως στο The Ring. «Στο Δαχτυλίδι, αυτή η θεωρία ενσωματώθηκε μέσω της χρήσης μοτίβων, όταν κάθε ιδέα και κάθε ποιητική εικόνα οργανώνεται αμέσως ειδικά με τη βοήθεια ενός μουσικού μοτίβου», γράφει ο Losev. Επιπλέον, το «Δαχτυλίδι» αντανακλούσε πλήρως το πάθος για τις ιδέες του Σοπενχάουερ. Ωστόσο, πρέπει να θυμόμαστε ότι η γνωριμία μαζί τους έγινε όταν το κείμενο της τετραλογίας ήταν έτοιμο και άρχισαν οι εργασίες για τη μουσική. Όπως και ο Σοπενχάουερ, ο Βάγκνερ αισθάνεται τη δυσμενή και ακόμη και παράλογη βάση του σύμπαντος. Το μόνο νόημα της ύπαρξης πιστεύεται ότι είναι να απαρνηθεί αυτή την καθολική θέληση και, βυθίζοντας στην άβυσσο της καθαρής διανόησης και της αδράνειας, να βρει την αληθινή αισθητική απόλαυση στη μουσική. Ωστόσο, ο Βάγκνερ, σε αντίθεση με τον Σοπενχάουερ, θεωρεί πιθανό και μάλιστα προκαθόρισε έναν κόσμο στον οποίο οι άνθρωποι δεν θα ζουν πλέον στο όνομα της συνεχούς αναζήτησης του χρυσού, που στη βαγκνερική μυθολογία συμβολίζει τη βούληση του κόσμου. Τίποτα δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα για αυτόν τον κόσμο, αλλά δεν υπάρχει αμφιβολία για τον ερχομό του μετά την παγκόσμια καταστροφή. Το θέμα της παγκόσμιας καταστροφής είναι πολύ σημαντικό για την οντολογία του «Δαχτυλιδιού» και, προφανώς, είναι μια νέα αναθεώρηση της επανάστασης, η οποία δεν νοείται πλέον ως αλλαγή στο κοινωνικό σύστημα, αλλά ως μια κοσμολογική δράση που αλλάζει το η ίδια η ουσία του σύμπαντος.

Όσο για τον Τριστάνο και την Ιζόλδη, οι ιδέες που ενσωματώθηκαν σε αυτό επηρεάστηκαν σημαντικά από μια σύντομη γοητεία με τον Βουδισμό και ταυτόχρονα δραματική ιστορίααγάπη για τη Mathilde Wesendonck. Εδώ λαμβάνει χώρα η πολυπόθητη συγχώνευση της διχασμένης ανθρώπινης φύσης από τον Βάγκνερ. Αυτή η σύνδεση συμβαίνει με την αναχώρηση του Τριστάνου και της Ιζόλδης στη λήθη. Θεωρούμενη ως μια εντελώς βουδιστική συγχώνευση με τον αιώνιο και άφθαρτο κόσμο, επιλύει, σύμφωνα με τον Losev, την αντίφαση μεταξύ του υποκειμένου και του αντικειμένου στην οποία Ευρωπαϊκός πολιτισμός. Το πιο σημαντικό είναι το θέμα της αγάπης και του θανάτου, που για τον Βάγκνερ είναι άρρηκτα συνδεδεμένα. Η αγάπη είναι εγγενής σε ένα άτομο, υποτάσσοντάς τον πλήρως στον εαυτό του, όπως ο θάνατος είναι το αναπόφευκτο τέλος της ζωής του. Με αυτή την έννοια πρέπει να γίνει κατανοητό το ερωτικό φίλτρο του Βάγκνερ. «Ελευθερία, ευδαιμονία, ευχαρίστηση, θάνατος και μοιρολατρικός προκαθορισμός - αυτό είναι ένα ποτό αγάπης, που απεικονίζεται τόσο έξοχα από τον Βάγκνερ», γράφει ο Λόσεφ. Η οπερατική μεταρρύθμιση του Βάγκνερ είχε σημαντικό αντίκτυπο στην ευρωπαϊκή και τη ρωσική μουσική, σηματοδοτώντας το υψηλότερο στάδιο του μουσικού ρομαντισμού και ταυτόχρονα έθεσε τα θεμέλια για μελλοντικά μοντερνιστικά κινήματα. Η άμεση ή έμμεση αφομοίωση της βαγκνερικής οπερατικής αισθητικής (ιδιαίτερα η καινοτόμος «μέσα» της μουσικής δραματουργίας) σημάδεψε σημαντικό μέρος των επόμενων οπερατικών έργων. Η χρήση του συστήματος leitmotif στις όπερες μετά τον Βάγκνερ έγινε τετριμμένη και καθολική. Εξίσου σημαντικός ήταν ο αντίκτυπος του καινοτόμου μουσική γλώσσαΟ Βάγκνερ, ειδικά η αρμονία του, στην οποία ο συνθέτης αναθεώρησε τους «παλιούς» (που προηγουμένως θεωρούνταν ακλόνητοι) κανόνες τονικότητας.

Μεταξύ των Ρώσων μουσικών, ο φίλος του Βάγκνερ A. N. Serov ήταν ειδικός και προπαγανδιστής. Ο N. A. Rimsky-Korsakov, ο οποίος επέκρινε δημόσια τον Βάγκνερ, παρόλα αυτά βίωσε (ειδικά σε αργότερα δουλειά) Η επιρροή του Βάγκνερ στην αρμονία, την ορχηστρική γραφή και τη μουσική δραματουργία. Πολύτιμα άρθρα για τον Βάγκνερ άφησε ένας μεγάλος Ρώσος μουσικός κριτικός G. A. Larosh. Γενικότερα, το «βαγκνεριανό» γίνεται πιο άμεσα αισθητό στα έργα των «φιλοδυτικών» συνθετών. Ρωσία XIXαιώνα (για παράδειγμα, A. G. Rubinshtein) από εκπροσώπους του εθνικού σχολείου. Η επιρροή του Βάγκνερ (μουσική και αισθητική) σημειώνεται στη Ρωσία τις πρώτες δεκαετίες του 20ού αιώνα, στα έργα του A. N. Scriabin. Στα δυτικά, το λεγόμενο σχολείο της Βαϊμάρης (αυτονομία - Νέα γερμανικό σχολείο), που αναπτύχθηκε γύρω από τον F. Liszt στη Βαϊμάρη. Οι εκπρόσωποί της (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff και άλλοι) υποστήριξαν τον Wagner, κυρίως στην επιθυμία του να διευρύνει το πεδίο εφαρμογής μουσική εκφραστικότητα(αρμονία, ορχηστρική γραφή, οπερατική δραματουργία).

Μεταξύ των δυτικών συνθετών που επηρεάστηκαν από τον Βάγκνερ είναι οι Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg (στο πρώιμη εργασία). Η αντίδραση στη λατρεία του Βάγκνερ ήταν η «αντι-Βάγκνερ» τάση που τον αντιτάχθηκε. σημαντικούς εκπροσώπουςπου ήταν ο συνθέτης Johannes Brahms και μουσική αισθητική E. Hanslik, ο οποίος υπερασπίστηκε την εμμονή και αυτάρκεια της μουσικής, την ασύνδεσή της με εξωτερικούς, μη μουσικούς «ερεθιστικούς παράγοντες»

Στη Ρωσία, τα αντι-Βαγκνερικά αισθήματα είναι χαρακτηριστικά της εθνικής πτέρυγας των συνθετών, κυρίως των M. P. Mussorgsky και A. P. Borodin. Η στάση απέναντι στον Βάγκνερ μεταξύ των μη μουσικών (που αξιολόγησαν όχι τόσο τη μουσική του Βάγκνερ όσο τις αντιφατικές δηλώσεις του και τις «αισθητικές» δημοσιεύσεις του) είναι διφορούμενη. Για παράδειγμα, ο Friedrich Nietzsche έγραψε στο άρθρο του «Casus Wagner»:

Ήταν καθόλου μουσικός ο Βάγκνερ; Εν πάση περιπτώσει, ήταν κάτι περισσότερο από κάτι άλλο... Η θέση του είναι σε κάποια άλλη περιοχή, και όχι στην ιστορία της μουσικής: δεν πρέπει να συγχέεται με τους μεγάλους αληθινούς εκπροσώπους της. Ο Βάγκνερ και ο Μπετόβεν είναι βλασφημία…» Σύμφωνα με τον Τόμας Μαν, ο Βάγκνερ «είδε στην τέχνη μια ιερή αποκρυφιστική δράση, μια πανάκεια ενάντια σε όλες τις πληγές της κοινωνίας…».

Οι μουσικές δημιουργίες του Βάγκνερ στους 20-21 αιώνες συνεχίζουν να ζουν στα πιο διάσημα σκηνές όπερας, όχι μόνο η Γερμανία, αλλά ολόκληρος ο κόσμος (με εξαίρεση το Ισραήλ).Ο Βάγκνερ έγραψε το Der Ring des Nibelungen με ελάχιστη ελπίδα ότι θα βρεθεί ένα θέατρο που θα μπορούσε να ανεβάσει ολόκληρο το έπος και να μεταφέρει τις ιδέες του στον ακροατή. Ωστόσο, οι σύγχρονοι μπόρεσαν να εκτιμήσουν την πνευματική του αναγκαιότητα και το έπος βρήκε τον δρόμο του προς τον θεατή. Ο ρόλος του «Δαχτυλιδιού» στη διαμόρφωση του γερμανικού εθνικού πνεύματος δεν μπορεί να υπερεκτιμηθεί. ΣΕ μέσα του δέκατου ένατουτον αιώνα που γράφτηκε το «Δαχτυλίδι των Νιμπελούνγκ», το έθνος παρέμεινε διχασμένο. Οι Γερμανοί θυμήθηκαν την ταπείνωση των ναπολεόντειων εκστρατειών και των συνθηκών της Βιέννης. πρόσφατα βρόντηξε μια επανάσταση που συγκλόνισε τους θρόνους των βασιλιάδων της απανάζας - όταν ο Βάγκνερ έφυγε από τον κόσμο, η Γερμανία ήταν ήδη ενωμένη, έγινε αυτοκρατορία, φορέας και κέντρο όλου του γερμανικού πολιτισμού. Το «Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ» και το έργο του Βάγκνερ στο σύνολό του, αν και όχι το μοναδικό, ήταν για τον γερμανικό λαό και για τη γερμανική ιδέα αυτή η κινητοποιητική ώθηση που ανάγκασε τους πολιτικούς, τη διανόηση, τον στρατό και ολόκληρη την κοινωνία να ενωθούν. .

Το 1864, έχοντας επιτύχει την εύνοια του Βαυαρού βασιλιά Λουδοβίκου Β', ο οποίος πλήρωσε τα χρέη του και τον στήριξε περαιτέρω, μετακόμισε στο Μόναχο, όπου έγραψε κωμική όπερα«The Nuremberg Mastersingers» και τα δύο τελευταία μέρη του Ring of the Nibelungs: «Siegfried» και «The Death of the Gods». Το 1872 έγινε η τοποθέτηση του θεμελίου λίθου για το House of Festivals στο Bayreuth, το οποίο άνοιξε το 1876. Εκεί όπου πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα της τετραλογίας Ring of the Nibelungen στις 13-17 Αυγούστου 1876. Το 1882, η όπερα μυστηρίου Parsifal ανέβηκε στο Μπαϊρόιτ. Την ίδια χρονιά, ο Βάγκνερ έφυγε για λόγους υγείας στη Βενετία, όπου πέθανε το 1883 από καρδιακή προσβολή. Ο Βάγκνερ είναι θαμμένος στο Μπαϊρόιτ.

Οι μεγαλύτεροι συνθέτες όλων των εποχών στον κόσμο: Χρονολογικές και αλφαβητικές καταχωρίσεις, αναφορές και έργα

100 μεγάλοι συνθέτες του κόσμου

Κατάλογος συνθετών με χρονολογική σειρά

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Τζιοβάνι Πιερλουίτζι ντα Παλεστρίνα (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Αντόνιο Βιβάλντι (1678-1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Handel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Γιόχαν Σεμπάστιαν Μπαχ (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. Joseph Haydn (1732 -1809)
15. Αντόνιο Σαλιέρι (1750-1825)
16. Ντμίτρι Στεπανόβιτς Μπορτνιάνσκι (1751-1825)
17. Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ (1756 – 1791)
18. Λούντβιχ βαν Μπετόβεν (1770 -1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 -1826)
23. Τζιοακίνο Ροσίνι (1792 -1868)
24. Φραντς Σούμπερτ (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Βιντσέντζο Μπελίνι (1801 –1835)
27. Έκτορ Μπερλιόζ (1803 -1869)
28. Μιχαήλ Ιβάνοβιτς Γκλίνκα (1804 -1857)
29. Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 -1849)
31. Ρόμπερτ Σούμαν (1810 -1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 -1869)
33. Φραντς Λιστ (1811 -1886)
34. Richard Wagner (1813 -1883)
35. Τζουζέπε Βέρντι (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 -1872)
38. Ζακ Όφενμπαχ (1819 -1880)
39. Alexander Nikolaevich Serov (1820 -1871)
40. Cesar Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Anton Bruckner (1824 -1896)
43. Γιόχαν Στράους (1825 -1899)
44. Anton Grigorievich Rubinstein (1829 -1894)
45. Γιοχάνες Μπραμς (1833 -1897)
46. ​​Alexander Porfiryevich Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836 -1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 -1910)
50. Ζωρζ Μπιζέ (1838 -1875)
51. Modest Petrovich Mussorgsky (1839 -1881)
52. Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 -1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Jules Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Νικολάι Αντρέεβιτς Ρίμσκι-Κόρσακοφ (1844 -1908)
57. Gabriel Fauré (1845 -1924)
58. Leos Janacek (1854 -1928)
59. Anatoly Konstantinovich Lyadov (1855 -1914)
60. Σεργκέι Ιβάνοβιτς Τανέεφ (1856 -1915)
61. Ρουτζέρο Λεονκαβάλο (1857 -1919)
62. Τζάκομο Πουτσίνι (1858 -1924)
63. Hugo Wolf (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Richard Strauss (1864 -1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 -1956)
68. Alexander Konstantinovich Glazunov (1865 -1936)
69. Jean Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870–1945)
71. Alexander Nikolaevich Skryabin (1872 -1915)
72. Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμανίνοφ (1873 -1943)
73. Arnold Schoenberg (1874 -1951)
74. Maurice Ravel (1875 -1937)
75. Νικολάι Κάρλοβιτς Μέντνερ (1880 -1951)
76. Μπέλα Μπάρτοκ (1881 -1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 -1950)
78. Igor Fedorovich Stravinsky (1882 -1971)
79. Anton Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Σεργκέι Σεργκέεβιτς Προκόφιεφ (1891 -1953)
83. Άρθουρ Χόνεγκερ (1892 -1955)
84. Darius Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paul Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Isaak Osipovich Dunayevsky (1900 -1955)
89. Aram Ilyich Khachaturian (1903 -1978)
90. Ντμίτρι Ντμίτριεβιτς Σοστακόβιτς (1906 -1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (γεννημένος το 1913)
92. Benjamin Britten (1913 -1976)
93. Georgy Vasilievich Sviridov (1915 -1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (γεν. το 1932)
96. Krzysztof Penderecki (γ. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Μπομπ Ντύλαν (γεν. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) και Paul McCartney (γεν. 1942)
100. Sting (γεν. 1951)

ΑΡΙΣΤΟΥΡΓΗΜΑΤΑ ΚΛΑΣΙΚΗΣ ΜΟΥΣΙΚΗΣ

Οι πιο διάσημοι συνθέτες στον κόσμο

Κατάλογος συνθετών με αλφαβητική σειρά