Fondamenti di studi corali - T.S. Bogdanov

Istituto di istruzione statale federale
Istruzione superiore e professionale
"Accademia statale di cultura e arti di Chelyabinsk"

Musicale - Facoltà Pedagogica
Dipartimento di REDO

Lavoro del corso
Su questo argomento:
Forme e metodi per condurre lezioni in un team strumentale e creativo

Completato da: studente del gruppo 421
Podshivalov A.A.
Ricevuto da: Professore Associato del Dipartimento di REDO
Panov DP

Chelyabinsk 2012
Contenuto

introduzione

Capitolo 1. Caratteristiche psicologiche e le qualità di un direttore d'orchestra………..7

1.1 Qualità professionali direttore creativo(direttore)……..7
1.2 Processi di comunicazione tra un direttore e un gruppo musicale………………..12

Capitolo 2. Forme e modalità di svolgimento delle lezioni………………………….16

2.1 Metodologia per condurre le prove………………………………………………………………16
2.2 Peculiarità del lavoro di prova in un gruppo musicale .............................17
2.3 Iniziare le prove di un nuovo brano……………………………………18
2.4 Studio dettagliato dei singoli lotti ................................................. .............. .19
2.5 Padroneggiare il lavoro per gruppi……………………………………………21

Conclusione……………………………………………………………………………24

Riferimenti………………………………………………………………….26

introduzione

La rilevanza dell'argomento è dovuta alla necessità di uno studio più completo del contenuto e delle specificità dell'attività professionale di un direttore d'orchestra in un team creativo strumentale. Quali forme, metodi, è meglio usare, dove, quando e come applicare nella pratica.
Attualmente, la direzione d'orchestra sta diventando sempre più una professione che musicisti di altro profilo non possono svolgere senza un'adeguata formazione professionale, come spesso veniva praticato in passato. Artisti professionisti - musicisti d'orchestra - si sforzano di lavorare con direttori competenti. Pertanto, già all'inizio della sua carriera, un direttore d'orchestra moderno deve avere una profonda conoscenza, la capacità di interpretare le opere in modo interessante e significativo. Inoltre, il capo di un team di professionisti deve avere una vasta gamma di competenze professionali. qualità importanti, che, oltre che musicale, ma anche pedagogico, psicologico, organizzativo. Altrettanto importante per un direttore d'orchestra è una padronanza buona e di alta qualità della tecnica manuale.
Fin dall'inizio, la professione di direttore d'orchestra è stata un'area misteriosa dell'esecuzione musicale, sia per le persone professionalmente impegnate in attività di direzione, sia per una vasta gamma di amanti della musica. Nonostante gli sviluppi teorici esistenti nei problemi della direzione artistica, la direzione è ancora per molti, secondo L. Stokowski, "una delle aree più vaghe e fraintese dell'arte musicale"
Anche AN Rimsky-Korsakov ha definito la conduzione di una "materia oscura", e non era lontano dalla verità. A quel tempo, la scienza non era ancora in grado di risolvere i problemi teorici e pratici emergenti della professione di direttore d'orchestra, inoltre, la pratica era significativamente più avanti della teoria, senza ricevere una giustificazione scientifica sufficiente. Il direttore Y.Simonov osserva: “È risaputo che la direzione è un'attività umana psicofisica complessa. Allo stesso tempo, è teoricamente il tipo di esecuzione musicale meno studiato e comprovato. Va notato che le attività professionali di molti importanti direttori del passato non hanno ancora una generalizzazione psicologica.
Ogni conduttore ha trovato il proprio modo di gestire la squadra, basandosi sulla sua visione degli obiettivi e degli obiettivi dell'attività del conduttore, sulle proprie idee, intuizione. Lo studio delle attività dei direttori consisteva principalmente nel determinare le conoscenze necessarie; competenze: cioè ha seguito il percorso di studio - materia e preparazione metodologica dei futuri direttori.
Attualmente, grazie alla ricerca nel campo della psicologia sociale, psicologia del lavoro, psicologia della comunicazione, nonché psicologia della creatività, psicologia musicale L. Ginzburg Attività "Sulla tecnica della direzione", psicologia della creatività, psicologia musicale, è diventato possibile (sulla base dei risultati della ricerca scientifica) spiegare la struttura del funzionamento dei meccanismi psicologici sottostanti attività professionale conduttore.
Le opere di A.L. Bochkarev, A.L. Gotsdiner, G.L. Erzhemsky, V.I. Petrushin, V.G. Razhnikov sono dedicate all'analisi psicologica dell'attività di conduzione e alla considerazione della struttura delle capacità del conduttore. La questione delle qualità professionalmente importanti di un direttore d'orchestra nel contesto della sua attività professionale rimane ancora aperta.
Pertanto, il possesso incompleto delle conoscenze teoriche e pratiche, la scarsa padronanza delle tecniche manuali, la mancanza di capacità di comprendere la trama di un'opera, porta i moderni leader (direttori) di gruppi musicali e creativi a un blocco psicologico. Cioè, quando va dai musicisti per le prove, il leader (direttore) il più delle volte non sa da dove cominciare, da qui diventa psicologicamente costretto, sbilanciato (forse: urla, impreca, chiedi ai musicisti ciò che lui stesso non può spiegare) .

Scopo: identificare un insieme di qualità professionalmente importanti di un direttore (leader) di un gruppo musicale e creativo, per determinarne la struttura e il significato nel processo di selezione di forme e metodi per condurre lezioni in un gruppo musicale e creativo.

Oggetto di studio: la formazione delle qualità professionali di un direttore d'orchestra, espresse nella selezione delle forme e dei metodi delle lezioni di direzione.

Oggetto della ricerca: qualità musicali di un direttore d'orchestra.

Compiti:
1. Considerare e analizzare i lavori sulla direzione, la ricerca sulla psicologia musicale, riguardanti il ​​contenuto e la struttura dell'attività del direttore.
2. Identificare e considerare i componenti principali delle qualità professionalmente importanti di un direttore d'orchestra.
3. Definire i concetti chiave nella formazione delle qualità professionali di un direttore d'orchestra.
4. Determinare le caratteristiche specifiche della professione del direttore d'orchestra.
5. Considera le forme e i metodi per condurre lezioni di musica - team creativi.
A mio parere, su questo argomento, possiamo consigliare i seguenti lavori per i musicisti da studiare:
Manuale educativo - metodico "Domande sulla metodologia di lavoro con un ensemble strumentale pop" autori Khabibulin R.G., Panov D.P. Chelyabinsk 2011
Questo contributo esamina in modo completo le caratteristiche psicologiche e pedagogiche dei membri dell'ensemble, insieme di varietà mostrato come oggetto di attività musicale e pedagogica, è ben divulgato anche il materiale della storia e dello sviluppo degli ensemble strumentali.
Articolo di Buyanova N.V. "Il ruolo del direttore d'orchestra nel processo artistico e creativo"
In questo articolo l'autore svela le speciali modalità di comunicazione tra il leader del musicista e gli interpreti, i modelli di formazione di un microclima positivo nel team creativo. L'articolo sottolinea anche la connessione tra la capacità del direttore di organizzare il processo creativo e le sue qualità personali. L'essenza del team creativo, comunicazione, competenza professionale.

Capitolo 1. Caratteristiche psicologiche e qualità di un direttore d'orchestra.

1.1 Qualità professionali di un direttore creativo (direttore).

Qualità professionalmente necessarie - caratteristiche individuali-personali e socio-psicologiche di una persona, in un complesso che garantisce il successo del suo lavoro.
La conduzione della performance è un complesso complesso vari tipi attività musicale, che include azioni che si verificano in sequenza o simultaneamente e mirano a obiettivi diversi. Ciascuno di essi viene eseguito con più o meno sforzo, è causato e motivato da vari motivi, accompagnati da emozioni appropriate. Numerose funzioni svolte dal direttore al momento della direzione dello spettacolo sono correlate e talvolta agiscono in relazioni contraddittorie e persino conflittuali. Nessuna delle arti dello spettacolo conosce tale originalità.
Direttore (dal francese diriger - dirigere, dirigere, gestire) - il capo dell'apprendimento e dell'esecuzione della musica d'insieme (orchestrale, corale, opera, balletto), che possiede l'interpretazione artistica dell'opera, svolta sotto il suo controllo dall'intero ensemble degli esecutori.
Il direttore assicura l'armonia dell'insieme e la perfezione tecnica della performance, e cerca anche di trasmettere ai musicisti che dirige le sue intenzioni artistiche, per rivelare nel processo di esecuzione la sua interpretazione dell'intenzione creativa del compositore, la sua comprensione del contenuto e delle caratteristiche stilistiche questo lavoro. Il piano esecutivo del direttore si basa su uno studio approfondito e sulla riproduzione più accurata e attenta del testo della partitura dell'autore.
Un direttore d'orchestra non è solo un leader, organizzatore, interprete, ma anche un insegnante.
E l'insegnante e il conduttore hanno molto in comune: benevolenza, tatto, capacità di "accendere" le persone e guidarle. “Non è necessario dimostrare la posizione indiscutibile secondo cui il leader di un gruppo musicale è essenzialmente il suo mentore e insegnante. Il suo compito è educare la squadra, migliorare la sua cultura della performance, la capacità di comprendere e sentire il contenuto figurativo ed emotivo della musica", ha scritto il noto insegnante, direttore d'orchestra, professore al Conservatorio di Leningrado Ilya Alexandrovich Musin.
Un musicista impegnato nella direzione deve capire che la direzione non è fine a se stessa, ma un mezzo di comunicazione tra il direttore e i musicisti dell'orchestra, un modo di trasmettere informazioni, cioè il linguaggio musicale con cui il direttore parla con Gruppo musicale(orchestra).
Cosa significa "condurre"?
La direzione d'orchestra (dal tedesco dirigieren, francese diriger - dirigere, gestire, condurre; direzione inglese) è uno dei tipi più difficili di arti dello spettacolo musicale.
La direzione è la gestione di un gruppo di musicisti (orchestra, coro, ensemble, opera o compagnia di balletto ecc.) nel processo di apprendimento e di esecuzione pubblica di un'opera musicale da parte loro. Condotto dal conduttore.
Il conduttore deve avere tutta una serie di abilità diverse. Gli psicologi delle abilità chiamano tali tratti della personalità che forniscono a una persona lo svolgimento di successo di qualsiasi attività, suddividendoli in abilità generali e speciali. Le abilità sono il risultato dello sviluppo. Si formano e raggiungono un livello o un altro, soggetto al coinvolgimento attivo di una persona in un'attività strettamente definita.
Un direttore musicale (direttore d'orchestra) deve avere capacità musicali come: musicalità, orecchio per la musica, ritmo, memoria musicale. Anche le capacità di esecuzione sono importanti: suonare uno strumento, tecnica manuale. È necessario disporre di tre abilità musicali di base nella struttura della musicalità: il sentimento modale, la capacità di usare arbitrariamente rappresentazioni uditive che riflettono il movimento dell'altezza del suono e il sentimento musicale-ritmico.
Queste capacità costituiscono il nucleo della musicalità. La musicalità è intesa dalla maggior parte dei ricercatori come una sorta di combinazione di abilità e aspetti emotivi di una persona, manifestata nell'attività musicale. Il significato della musicalità è grande non solo nell'educazione estetica e morale, ma anche nello sviluppo della cultura psicologica di una persona.
Musical dovrebbe essere chiamato una persona che sente la bellezza della musica, la sua espressività, è in grado di percepire un certo contenuto artistico nei suoni di un'opera e, se è un esecutore, quindi riprodurre questo contenuto. La musicalità presuppone una percezione sottile e differenziata della musica, ma la capacità di distinguere bene i suoni non significa ancora che questa sia una percezione musicale, e che chi la possiede sia musicale.
È noto che un direttore d'orchestra deve avere un orecchio eccezionale per la musica. L'orecchio musicale è un concetto complesso e comprende una serie di componenti, i più importanti dei quali sono l'altezza, il modale (melodico e armonico), il timbro e l'orecchio dinamico. C'è anche orecchio assoluto e relativo per la musica. La presenza dell'altezza assoluta (passiva o attiva) indica spesso un talento musicale generale. Come udito migliore direttore d'orchestra, tanto più completa è la sua padronanza dell'orchestra. È utile che un direttore abbia un'altezza assoluta, ma non è necessario. Ma ha bisogno di avere un buon udito relativo, che consenta di distinguere tra i rapporti dei suoni in altezza, presi simultaneamente e in sequenza. Anche un musicista affermato deve continuare costantemente ad allenare il proprio orecchio.
Lo strumento di lavoro più importante per un direttore d'orchestra è un orecchio interno altamente sviluppato.
L'udito interno è inteso come la capacità di un direttore d'orchestra di immaginare il suono sia dei singoli toni che degli accordi, e di tutti loro nel processo di lettura della partitura. Leggere una partitura senza strumento, come leggere un libro senza pronunciare le parole ad alta voce, è una questione di allenamento e deve essere padroneggiata da ogni direttore d'orchestra.
La base della comunicazione, che unisce le attività del direttore e dell'orchestra in un unico sistema, è l'attenzione compenetrante del leader e della squadra. Il direttore deve essere in grado di stabilire e mantenere costantemente i contatti con ciascuno dei membri dell'orchestra e con l'intera squadra nel suo insieme.
Lo sviluppo delle capacità musicali va di pari passo con lo sviluppo dell'attenzione uditiva.
L'attenzione è uno stato psicologico di una persona che caratterizza l'intensità della sua attività cognitiva. Il mondo che ci circonda colpisce incessantemente una persona con molti dei suoi aspetti, ma solo una parte di ciò che sta accadendo intorno è nella mente. Questo mostra la natura selettiva della nostra conoscenza. Allo stesso tempo, cerchiamo di concentrarci su qualcosa di importante per noi, scrutare, ascoltare, prestare attenzione.
Grandi scienziati, musicisti, figure di varie arti hanno prestato grande attenzione allo studio: K. Stanislavsky, L. Kogan, I. Hoffman, B. Teplov e altri.
Il direttore d'orchestra utilizza più spesso "l'attenzione di controllo" (esterna), che mira a risolvere problemi organizzativi: esercitare il controllo e la regolazione delle azioni dell'orchestra. Allo stesso tempo, i contatti interni coprono la sfera intellettuale associata al processo creativo.
Il contatto interno è un modo di intendere mondo interiore musicista, penetrazione nel suo "io" creativo. Va notato che i contatti interni hanno un duplice obiettivo dell'udito: il primo è controllare l'azione dell'orchestra, e il secondo è contattare il direttore con il suo suono interno dell'orchestra, cioè la sua idea di come l'orchestra dovrebbe suonare.
Secondo molti direttori di spicco, come Walter, Weingartner, l'essenza della comunicazione tra direttore e musicisti risiede nella reciproca carica mentale reciproca, nell'emergere di una speciale "corrente spirituale" tra le persone.
Di tutte le abilità di cui un direttore d'orchestra ha bisogno per il suo lavoro, l'attenzione uditiva dovrebbe essere messa al primo posto. L'attenzione uditiva è necessaria per ogni musicista-esecutore. Mentre suona lo strumento, il musicista ascolta attentamente la sua esecuzione, confrontandola con le idee che si sono formate nella sua mente.
Nell'attività di un direttore, entrambi i tipi di attenzione uditiva - esecutiva e pedagogica - si uniscono in un'unità organica. Ascoltando l'orchestra, il direttore risolve problemi simili ai compiti di ogni insegnante - strumentista che lavora con il suo allievo, deve raggiungere l'incarnazione più perfetta del lavoro eseguito.
Non meno importante per l'attività di successo di un direttore d'orchestra è una memoria musicale sviluppata. È importante che un direttore d'orchestra sviluppi la memoria uditiva, che funge da base per lavoro di successo in qualsiasi campo dell'arte musicale; logico - associato alla comprensione del contenuto dell'opera, dei modelli di sviluppo dei pensieri del compositore; motore - associato alla tecnica manuale del conduttore; visivo - nello studio e nella memorizzazione della partitura.
Infine, il direttore d'orchestra deve avere un senso dell'immaginazione. L'immaginazione è un dono magico, fa nascere immagini, scoperte. immaginazione creativaè la capacità di aiutarci a passare dall'ideazione all'implementazione. Il direttore, già in fase di studio della partitura, ha problemi di esecuzione, problemi di interpretazione artistica, il che significa che non si può fare a meno dell'immaginazione artistica, senza fantasia. Nel processo creativo, la fantasia, l'immaginazione artistica è tutto. È necessario sviluppare e addestrare l'immaginazione creativa, l'intuizione.
Tutto parte dal talento. Il talento è la capacità di lavorare (non c'è genio senza lavoro), è una visione straordinaria dell'essenza del lavoro. Il talento va trattato con rispetto.
Il talento di un direttore d'orchestra (genuino) è una rarità assoluta. Questo talento presuppone la capacità di abbracciare il fenomeno musicale nel suo significato totalizzante - storico, sociale, popolare - nazionale. E questo non è dato a molti.

1.2 Processi di comunicazione tra direttore e gruppo musicale

Durante la direzione, molti direttori notano l'emergere di "correnti spirituali" tra loro ei musicisti, attraverso le quali viene stabilita la necessaria connessione. Parlano dell'influenza ipnotica del direttore sulla coscienza dei musicisti, che, come incantati, seguono tutte le istruzioni del gesto del direttore. Molti direttori attribuiscono grande importanza al contatto visivo. "Gli occhi sono onnipotenti", ha detto Y. Ormandy. “Gli occhi che ispirano, chiedono, persuadono sono un mezzo di costante comunicazione tra il direttore d'orchestra e i musicisti, uno specchio che riflette ogni pensiero ed emozione del direttore.”
I tentativi di insegnare la direzione d'orchestra a musicisti ciechi non hanno avuto successo. La mancanza di espressioni facciali dal vivo e il contatto visivo hanno influito negativamente sul risultato.
Un problema molto importante è la capacità di fare osservazioni critiche ai tuoi musicisti sulla loro performance. Molti di loro percepiscono dolorosamente tali osservazioni, poiché diverse osservazioni del direttore allo stesso musicista su come suonare al meglio questa o quella frase possono essere percepite da lui come un danno al suo prestigio professionale. Il direttore d'orchestra può essere di grande aiuto qui con le raccomandazioni del libro di Dale Carnegie How to Win Friends and Influence People. Nella sezione su come influenzare le persone senza offenderle e senza provocare risentimento, D. Carnegie scrive che per questo è necessario:
iniziare con lode e sincero riconoscimento dei meriti dell'interlocutore;
segnalare gli errori non direttamente, ma indirettamente;
Prima parla dei tuoi errori e poi critica il tuo interlocutore;
fare domande all'interlocutore, invece di ordinargli qualcosa;
Esprimere approvazione alle persone per il loro minimo successo e celebrare ogni loro successo;
· Creare una buona reputazione per le persone, che cercheranno di mantenere.
La capacità di comunicare del direttore d'orchestra è uno degli aspetti componenti del suo talento.
Dal punto di vista della teoria transazionale, per mantenere buoni rapporti con i musicisti, il direttore deve potersi alternare in tre posizioni: Genitore, Adulto e Bambino. Essendo nella posizione del Genitore e avendo tutti i poteri di autorità, il direttore d'orchestra può ordinare che determinate azioni vengano eseguite o non eseguite, ad esempio, imporre una multa per il ritardo alle prove o dare un rimprovero per aver violato il termini del contratto. Essendo nella posizione di un adulto, discute i problemi di interpretazione di un brano musicale o di un caso della vita attuale dell'orchestra. Essendo nella posizione del Bambino, può scherzare con i suoi musicisti, ad esempio: diglielo storia divertente o un aneddoto.
La capacità di assumere la giusta posizione a seconda della situazione attuale contribuisce alla formazione e al mantenimento dell'unità di gruppo della squadra.
Il campo di attività principale e più sviluppato e la comunicazione congiunta tra il direttore e il coro sono le prove. Ecco perché l'orchestra e il direttore ne hanno sempre bisogno. L'orchestra ha bisogno di conoscere e assimilare i gesti del direttore, di conoscere la sua interpretazione del brano musicale, il tempo. Il direttore deve conoscere le capacità esecutive dei solisti, dei singoli gruppi e dell'orchestra nel suo insieme, la sua flessibilità e la rapida risposta alle richieste del direttore
gesto. Dovrebbero "lavorare insieme" entro due o tre prove. Il coro per il direttore è uno "strumento dal vivo" che non può utilizzare in un lavoro preparatorio indipendente, quindi, minore è l'esperienza di un direttore, minore è il tempo per le prove. Allo stesso tempo, stabilire il numero delle prove, organizzare la prova stessa e la sua produttività è una seria prova della maturità del direttore e delle sue qualità psicologiche.
Una buona conoscenza della partitura e un'ottima padronanza della tecnica di direzione aumentano la produttività delle prove, ma questa non è l'unica condizione per stabilire una comprensione reciproca tra direttore e coro. Qui, le condizioni psicologiche della comunicazione giocano un ruolo significativo e talvolta decisivo.
Pertanto, di tutte le professioni dello spettacolo, la professione del direttore d'orchestra è la più difficile e responsabile.
L'attività di direzione provoca le opinioni più contraddittorie tra gli ascoltatori e talvolta anche tra i musicisti professionisti. Dal fatto che la stessa opera di diversi direttori, nella stessa orchestra suona in modo completamente diverso, gli ascoltatori, e talvolta anche i musicisti, concludono che l'arte di dirigere è qualcosa di mistico, inspiegabile, una sorta di epifenomeno. Questa impressione è ulteriormente migliorata dopo l'incontro con un direttore d'orchestra eccezionale che ottiene risultati creativi eccezionali. Ma i musicisti più "sobri" non vedono nulla di mistico in questo. In tali casi, notano giustamente gli eccezionali meriti musicali e creativi del direttore, la sua capacità di condurre razionalmente le prove, la sua grande immaginazione creativa e l'alta cultura, che lo aiutano ad affascinare l'orchestra con la sua interpretazione, la sua comprensione anche di opere esagerate.

Capitolo 2. Forme e modalità di svolgimento delle prove.

2.1 Metodologia per condurre le prove

La principale forma di studio collettivo nel lavoro educativo di gruppi musicali e creativi (ensemble) sono le prove.
Prove - esecuzione preparatoria e di prova di un brano musicale.
Nella pratica del lavoro di gruppi musicali e creativi, ci sono quattro tipi principali di prove. Ognuno dei quali ha i propri compiti e caratteristiche specifiche.

Tipi di prove

Le prove correttive vengono eseguite per chiarire la natura dell'arrangiamento del brano studiato, la sua conformità al suo contenuto, l'intenzione esecutiva, nonché per identificare le carenze e determinare i modi per eliminarle. Si svolge in gruppi con un livello di formazione musicale sufficientemente elevato, nei casi in cui il leader ha dei dubbi sulla strumentazione di un'opera teatrale o di una canzone.
Le prove ordinarie, o di lavoro, vengono effettuate per studiare un'opera particolare, prepararla per l'esecuzione concertistica. A seconda della complessità dello spettacolo, il leader determina il numero di prove ordinarie e redige un piano di prove per ciascuna di esse, indicando i compiti da risolvere. Queste prove sono a pieno regime orchestra (ensemble), in gruppi e individualmente. Lo scopo di questa prova è elaborare le parti in dettaglio.
Vengono effettuate prove di esecuzione per risolvere problemi individuali relativi al miglioramento della qualità dell'esecuzione dell'intero lavoro, stabilendo il corretto rapporto di tempi, dinamiche, ecc., nonché per mantenere il corretto livello artistico di esecuzione delle opere finite.
Viene eseguita una prova generale per determinare la prontezza del brano studiato per l'esecuzione in concerto, per eliminare piccoli errori. È una sorta di risultato di prove ordinarie, quindi dovrebbe essere nominato quando il lavoro è stato elaborato in dettaglio ed è pronto per essere eseguito in un concerto.

2.2 Caratteristiche del lavoro di prova in un gruppo musicale

Il processo di lavoro di prova con un team musicale e creativo consiste nel risolvere molti compiti esecutivi ed educativi. Il compito principale è lo sviluppo musicale, estetico e creativo dei musicisti nel processo di lavoro su un brano. Qui è possibile individuare e sottolineare l'enfasi educativa nell'organizzazione delle prove in gruppi strumentali e creativi (ensemble), poiché è in questi gruppi che spesso si verificano momenti negativi, errori di calcolo pedagogici nella metodologia di conduzione delle lezioni con i membri del team. Molti leader copiano ciecamente le attività di orchestre ed ensemble professionali e trasferiscono meccanicamente i metodi metodologici generali di lavorare con un gruppo musicale professionale a piccoli ensemble, senza tener conto delle loro specificità. Naturalmente, per sua natura, l'attività di un membro del circolo è vicina all'attività di un musicista professionista (preparare un'opera per la sua esecuzione davanti al pubblico). È costruito sugli stessi principi e si svolge nella stessa sequenza del lavoro creativo dei musicisti professionisti.
La particolarità dell'organizzazione del processo di prova in gruppi strumentali e creativi (ensemble) è che:
In primo luogo, il lavoro su un brano musicale è soggetto a compiti educativi, procede a diversi livelli e copre un periodo di tempo molto più lungo per il suo sviluppo.
In secondo luogo, per un professionista, il risultato della sua attività - la performance - funge da mezzo di influenza estetica sull'ascoltatore, e nel lavoro di un esecutore dilettante, sia la preparazione che la performance sono importanti, prima di tutto, come mezzo di estetica sviluppo e la formazione della personalità del partecipante stesso.
Pertanto, la copia cieca delle attività dei gruppi professionali provoca alcuni danni all'organizzazione del processo educativo nei gruppi musicali e creativi (ensemble).
Il leader deve considerare criticamente il positivo accumulato nel lavoro pratico degli artisti professionisti e applicarlo in modo creativo, tenendo conto delle capacità della sua squadra.
Le peculiarità dei metodi del processo di prova nei gruppi musicali e creativi (ensemble) sono determinate dal livello di formazione professionale dei partecipanti, dalle condizioni specifiche dell'attività di un gruppo amatoriale.
Ancora più importante, alcuni compiti che devono affrontare la squadra.
A seconda del livello di capacità di esecuzione dei membri del team, il leader stabilisce una serie di fasi del processo di prova. Ognuno di loro ha le sue caratteristiche e compiti.

2.3 Iniziare a provare un nuovo brano

Il lavoro su un nuovo lavoro inizia con la conoscenza dei partecipanti del team musicale e creativo (ensemble) con il materiale musicale. Se la squadra è un principiante, il leader introduce i partecipanti al lavoro propria prestazione o include una registrazione audio o video. Racconta l'autore, il personaggio e il contenuto dell'opera. Attira l'attenzione dei musicisti sulle peculiarità del linguaggio musicale, lo stile dell'opera. Oltre a sfumature dinamiche, ritmo, tratti, struttura dell'opera, ecc.
Se la squadra è sufficientemente preparata, il leader delinea brevemente informazione necessaria sull'autore, il contenuto dell'opera, ne caratterizza le caratteristiche e pone dei compiti ai partecipanti, segnalando ai musicisti le difficoltà esecutive che devono superare. Quindi, suonando l'intero brano con l'ensemble o l'orchestra, senza sosta, in modo che i membri del gruppo se ne facciano un'idea generale, inizia a risolvere insieme a loro i problemi di esecuzione, collegando tutti alla ricerca di espressività significa.
Dovrebbe essere notato esperienza interessante alcuni leader con cui organizzare la familiarizzazione pezzo di musica finalizzato ad attivare l'attività musicale e cognitiva delle esibizioni amatoriali. Questo metodo può essere utilizzato in gruppi con una formazione di esecuzione nota. Il leader dedica del tempo alla visione individuale e alla padronanza preliminare delle loro parti da parte dei musicisti, dopodiché il lavoro viene eseguito per intero e, se possibile, senza interruzioni. Quindi inizia una discussione, durante la quale i partecipanti determinano autonomamente il contenuto dell'opera, la natura dei temi, gli sviluppi, le caratteristiche della trama, ecc., E delineano un piano d'azione per il suo sviluppo. Il manager dirige questo lavoro, se necessario, lo corregge.

2.4 Studio dettagliato dei singoli lotti

Lo studio dettagliato di un'opera inizia con uno studio individuale di ogni musicista della sua parte. Durante le prove, l'apprendimento individuale della parte viene effettuato sotto la guida del direttore. I partecipanti più preparati possono essere coinvolti in questo lavoro. Il leader evidenzia i punti difficili, affina i tratti e li istruisce a elaborare le parti con il resto dei membri del team musicale e creativo (ensemble).
In questa fase, l'attenzione principale dovrebbe essere prestata alla corretta lettura del testo musicale, alla purezza dell'intonazione, all'osservanza dei tratti e delle sfumature dinamiche. Di norma, l'apprendimento della parte viene effettuato in ritmo lento in modo che l'esecutore possa contrassegnare i punti difficili in termini di esecuzione (pattern ritmico complesso, passaggio, diteggiatura scomoda, ecc.). Quindi elaborali in dettaglio, eliminando gradualmente i difetti della tua performance.
Il leader non dovrebbe consentire la riproduzione meccanica di pas
eccetera.................

processo di prova- il processo di creazione completa dello spettacolo, comprese tutte le componenti teatrali:

Dalla recitazione

Prima del lavoro dei negozi di produzione.

Il processo di prova consiste in vari tipi di prove, che si svolgono sotto la guida del regista dello spettacolo o dei suoi assistenti, agendo nell'ambito dell'idea principale determinata dal regista.

Prova(Dal lat. Repetitio - ripetizione) - la forma principale di preparazione di uno spettacolo, che prevede la lettura e la discussione dell'opera, la sua esecuzione ripetuta in scene separate, atti e il tutto.

Le prove si svolgono sotto la direzione del regista.

Durante le prove, il regista e gli artisti:

chiedere la divulgazione contenuto ideologico lavoro drammatico e vivida incarnazione delle immagini;

Sforzati di trovare mezzi di espressione creare una performance olistica nella sua soluzione ideologica e artistica.

Distinguere:

Prove al tavolo;

Prove nell '"armadio";

Montaggio, prova generale e prove generali sul palco.

Prova a tavola- la prima fase del processo di prova, che comprende:

La prima lettura dell'opera per ruoli;

Affinamento delle repliche;

Conversazioni con il regista sul concetto dello spettacolo futuro;

Analisi efficace e semantica della base drammatica, ecc.

Cablaggio- a teatro - la distribuzione degli attori, virgole nello spettacolo, in diversi punti del palcoscenico.

prove in recinto- prove in sala prove, in cui le scene e gli scenari futuri sono indicati dagli assistenti AIDS: sedie, schermi divisori, recinzioni scorrevoli portatili, ecc.

Durante le prove nel recinto:

La messa in scena e la plasticità dei personaggi sono tratteggiate e sviluppate;

C'è una ricerca di personaggi e relazioni di personaggi;

Gli attori padroneggiano e memorizzano gradualmente i testi dei loro ruoli.

Metodo di studio- un metodo per condurre le prove, che si basa sull'improvvisazione (studi) sui temi di un'opera teatrale o delle sue singole scene. Tali schizzi, offerti dal regista dello spettacolo, consentono agli attori di comprendere più accuratamente l'essenza dei personaggi e le relazioni dei personaggi.

prova vocale- una prova durante la quale i tutor vocali inseriscono i numeri vocali inclusi nell'esibizione.

Prova plastica- una prova, in cui gli specialisti del movimento scenico mettono in scena combattimenti, numeri pantomimici, ecc.

prova di ballo- una prova durante la quale i coreografi mettono in scena numeri di danza inclusi nello spettacolo.

Prova di montaggio(dal francese Monter - rilanciare) - un controllo preliminare di tutti gli elementi della scenografia dello spettacolo. Durante le prove di montaggio:

Lo scenario dell'opera è assemblato secondo gli atti secondo lo schizzo e il layout tecnico dell'autore;

Si stanno sviluppando metodi e mezzi per un rapido cambiamento di scenario;

Viene specificato il posizionamento degli elementi del design delle prestazioni;

Sono in fase di sperimentazione meccanismi per ottenere effetti scenici, illuminazione artistica delle scenografie.

Le ultime prove di montaggio si svolgono con la partecipazione di attori in costume e trucco.

Prova, prova- prova la visione di una performance o di una scena separata, atto. La prova generale di solito precede la prova generale. Durante la corsa le prestazioni sono attive nella scenografia, con un'adeguata illuminazione, gli attori recitano in costume e trucco. Durante le prove, il direttore di produzione raramente interrompe il flusso delle singole scene per chiarirle o ripeterle; tutte le osservazioni agli attori vengono fatte alla fine della corsa.

prova generale- l'ultima prova prima dell'uscita finale dello spettacolo. Di solito si tiene la prova generale:

In pubblico;

In pieno trucco e costumi;

Con un design completo di palcoscenici, luci, musica e rumore.

B. Drammaturgia storica e documentaristica. I concetti di fatto e documento.

La nascita del genere - "sotto il documento" - indica che l'interesse e la fiducia del lettore e dello spettatore nella narrativa documentaria è così grande che anche la forma stessa della presentazione del documentario, anche quando il suo contenuto non risale ai materiali documentari, può avere un effetto convincente su di loro, creare l'effetto dell'autenticità di ciò che è scritto o mostrato sul palcoscenico e sullo schermo.La moderna letteratura documentaria non è nata da zero. Il desiderio dell'uomo di vedere nell'arte, cioè in comprensione artistica In effetti, un'immagine attendibile del mondo è antica quanto l'arte stessa. La “letteratura di finzione”, che ha attraversato varie fasi di sviluppo, ha sempre avuto la tendenza a riflettere il mondo oggettivo in modo generalizzato e tipico. Tutta la storia della letteratura è segnata dal costante rafforzamento di questa tendenza. Il merito del realismo - il livello più alto sviluppo letterario, - consiste precisamente nel fatto che ha portato il finzione con la realtà, finzione oggettivata.Nel XIX secolo, la letteratura e, in particolare, la letteratura russa si avvicinarono all'uso per migliorare l'effetto di autenticità, fatti documentari e documenti storici.Quindi, parlando dello sviluppo nel nostro tempo della tendenza storico-documentaria nella letteratura e nell'arte, bisogna essere consapevoli della gravità dei fattori oggettivamente storici nello sviluppo di processo letterario che lo ha portato alla vita. "letteratura di finzione" e "letteratura di fatto" - ha diritto alla vita, a condizione che sia correttamente compresa. La "letteratura di fatto", in contrasto con la "letteratura di finzione", dovrebbe includere opere il cui compito è proprio escludere la finzione e la più adeguata riproduzione dei fatti. Queste sono le opere di storici, memorie, diari. Opere di questo tipo rimarranno "letteratura dei fatti" anche se non contengono un solo documento. In assenza di finzione in essi, le memorie e i diari stessi diventano documenti, prove di fatti... Per quanto riguarda le opere di prosa e drammaturgia costruite su materiale documentario, sono pienamente legate alla finzione. Innanzitutto perché un'opera documentaria non è affatto priva di finzione: come si vedrà in seguito, la creazione di un'opera documentaria richiede non meno, ma molto più immaginazione autoriale e abilità artistica rispetto alla creazione di una narrazione interamente fittizia. con il rifiuto del documentarismo come regia finzione, c'è anche un'opinione opposta: un'interpretazione incredibilmente ampia del concetto di "documentarismo". riferirsi ad esso tutte le opere d'arte che descrivono i fatti veri della storia, i veri personaggi storici o contemporanei.I concetti di "fatto" e "documento" sono considerati così. come sinonimi. Su questa base, c'è molta confusione. Dobbiamo chiaramente immaginare che un fatto storico sia unico e, come tale, irriproducibile. Potrebbe quindi essere presente in opera d'arte come immagine di un evento storico.Un documento è la prova di un fatto. È reale e può essere utilizzato. Le prove possono essere l'una o l'altra fissazione di un fatto che riflette, "copre" alcuni dei suoi lati. Tale fissazione può essere una prova scritta dell'essenza di ciò che sta accadendo: un protocollo, una trascrizione, un atto di vendita, un decreto, decreti, un certificato di nascita, ecc. La fissazione dei fatti è un mezzo per catturare la serie esterna, "visibile" di ciò che sta accadendo: uno schizzo, una fotografia, un fotogramma di un film... Questi e altri modi per fissare i fatti li "coprono" solo parzialmente, per niente in modo completo. Ogni fissazione di un fatto porta tracce di una corrispondente tendenza, punto di vista, interpretazione.La prova di un fatto può anche essere la sua descrizione, fatta da un testimone oculare diretto - un contemporaneo, o dopo il passare del tempo. Prove di questo tipo sono ancora più sature di tendenziosità, sono un'interpretazione deliberata dell'evento, riflettono il punto di vista di chi lo ha descritto. È più probabile che le opere documentarie includano quelle in cui la riproduzione di documenti originali è l'elemento principale mezzo artistico impatto sul lettore e sullo spettatore, costituisce la trama principale, il tessuto dell'opera L'uso e persino la riproduzione di singoli documenti in un'opera d'arte non rende ancora l'opera documentaria. Nessuno dei compiti artistici che devono affrontare gli autori che lavorano in altri generi di teatro viene rimosso dall'autore di un'opera documentaria. Deve creare un'opera in cui recitino persone viventi, dotate di caratteri umani, in modo che ci sia un conflitto drammatico, in modo che l'opera abbia una struttura drammatica artistica integrale. metodo creativo un autore di documentari, in particolare un drammaturgo, è una combinazione - un montaggio di vari documenti.La combinazione di due documenti, ognuno dei quali ha il proprio contenuto (significato), dà origine a un nuovo contenuto (significato), che non è in nessuno dei i due termini - il cosiddetto terzo significato. Documento - un atto in una certa forma. Questa è una fissazione di un fatto, una fissazione della realtà in una parola, disegno, fotografia, oggetto. Fatto - un evento reale, un incidente, un caso, verità, risultato, cosa è successo, è successo ieri, oggi, lì. Il fatto è neutro, che può diventare un mezzo artistico per dimostrare un'idea: quando crea una sceneggiatura per un concerto, il regista può e deve, per quanto possibile, utilizzare materiale locale. I documenti e i fatti da lui selezionati possono comprendere la connessione dell'evento, in onore del quale è stato organizzato il concerto, con la vita di un dato villaggio, città, repubblica.I fatti, a loro volta, sono suddivisi in: 1. fatti della vita – fatti reali e gli eventi della vita

Anche eventi reali registrato in documenti, fotografie, registrazioni su nastro, lettere, documenti ufficiali, ecc.

2. Fatti d'arte - Tutto diversità di genere opere d'arte,

così come i loro frammenti (musicali, poetici, coreografici, plastici, drammatici, estratti da lungometraggi, spettacoli di vari tipi e generi di arte professionale e amatoriale).

Tra i tanti fatti e documenti, il regista deve selezionare quelli che gli permetteranno di esprimere nel modo più accurato e vivido il suo pensiero.

Il livello artistico di ogni scenario sarà il più alto che in

in misura maggiore, soddisferà alcuni requisiti drammatici generali, come la completezza drammatica di ogni episodio, l'integrità del quadro figurativo, la crescita dall'inizio alla fine della forza impatto emotivo sugli spettatori (e sui partecipanti).

tecniche, creando un lavoro brillante, eccitante, emotivamente efficace.

fatto storico unico, irriproducibile. Non può apparire in nessuna opera.

Documento è la prova di un fatto. È reale e può essere utilizzato.

Nella prima fase, quando si scrive la sceneggiatura di un documentario, è necessario trovare documenti che non solo riguardino il tema dell'opera nel contenuto, ma abbiano anche una carica di impatto emotivo. Il documento e l'idea iniziano il loro connubio vita artistica sostanzialmente allo stesso tempo. La combinazione di due documenti, ognuno dei quali ha un proprio contenuto (significato), dà origine a un nuovo contenuto (significato), che non è in nessuno dei due termini: il cosiddetto terzo significato.

“Sopra” la serie di documentari e sulla sua base, nella percezione dello spettatore nasce una serie figurativa e semantica, interamente creata dall'autore dell'opera, che è il risultato dei suoi sforzi creativi diretti, frutto dell'immaginazione dell'autore, “fiction ”.

Il fatto deve essere un mezzo artistico. Dovrebbe aiutare a rivelare l'argomento e trasmettere pensieri. Il fatto deve essere valido. Sul palco bisogna cercare l'immagine del fatto: il nucleo artistico nazionale. Il materiale documentario e artistico dovrebbe essere sul palco.

concerti e attività di spettacolo,

Organizzazione incontri creativi con vari gruppi amatoriali e professionisti,

Organizzazione e realizzazione di tournée del coro,

Contatti commerciali.

Il compito del capo del coro non è solo quello di insegnare ai suoi membri le corrette abilità canore e corali, lo sviluppo della musicalità, ma anche di educarli al buon gusto artistico, all'alta spiritualità, all'amore per arte corale. Questo compito è complicato dal fatto che il leader deve lavorare con le persone età diverse, diversi livelli educativi e culturali.

Una gamma così ampia e variegata di attività della testa coro amatoriale richiede da lui non solo conoscenze, abilità e abilità nel campo del corale arte popolare ma anche ampia erudizione generale ed educazione pedagogica. Deve essere un insegnante versatile preparato, creativamente attivo. Ciò richiede una grande conoscenza nel campo della letteratura, del teatro, arti visive, scienze sociali, fondamenti di psicologia. Il capo del coro deve avere un intelletto e una forza di volontà sviluppati. Lavorare con un coro amatoriale richiede una grande capacità di lavoro, resistenza e buona salute, nonché ottimismo e, naturalmente, senso dell'umorismo da parte del leader.Tutte queste conoscenze, abilità, abilità, abilità e tratti caratteriali sono, in sostanza, , qualità professionali capo di un dilettante coro.

Caratteristiche dell'organizzazione di un coro amatoriale

I cori amatoriali vengono creati presso varie istituzioni: università, case e palazzi della cultura, centri culturali e associazioni, ecc.

Come detto sopra, lavoro organizzativoè strettamente connesso con il lavoro della pedagogia e si svolge durante l'intera attività dell'équipe.

Per creare un coro amatoriale sono necessarie determinate condizioni: materiale e base tecnica, una sala prove, strumenti musicali, mobili necessari per il lavoro del coro, nonché contanti per la retribuzione del capo del coro e dei suoi assistenti, l'acquisto di costumi da concerto, una biblioteca musicale, una discoteca, ecc.

È importante che la sala prove sia adatta al coro per lavorare in essa. Per le prove del coro è auspicabile la presenza di più sale isolate dotate di strumenti musicali. Ciò consentirà al coro di provare in parti (gruppi). La pratica dimostra che tali condizioni per lavorare con il coro sono molto rare. Almeno due stanze spaziose dovrebbero essere assegnate per la pratica del coro. È essenziale che ogni stanza abbia una buona acustica, ventilazione e illuminazione. Le condizioni acustiche delle sale prove richiedono un'attenzione particolare. Le stanze con un'acustica scadente (completo assorbimento del suono o sua riflessione con effetto "eco") sono del tutto inadatte alla pratica. Di solito, gli angoli sono drappeggiati in una stanza per migliorare l'acustica.

La creazione e l'organizzazione di un gruppo corale è un processo complesso che richiede grande interesse e assistenza da parte della direzione dell'organizzazione in cui il gruppo è creato. Nel processo di organizzazione di un coro dovrebbero essere utilizzati vari mezzi di pubblicità, agitazione e propaganda: annunci sulla creazione di un coro alla radio locale e sulla stampa, ecc.

CARATTERISTICHE PEDAGOGICHE DELLA FORMAZIONE DELLA COMPOSIZIONE CANTO

La fase più importante formazione del coro è ascoltare i suoi membri. I risultati dell'ascolto devono essere rigorosamente e sistematicamente registrati in un apposito diario. In esso, oltre ai dati vocali e musicali di chi ascolta, è necessario fissare il generale e educazione speciale, luogo di lavoro o di studio, indirizzo di residenza (telefono, anno di nascita, stato civile).

Durante l'ascolto, dovresti determinare la qualità della voce (tipo, gamma), orecchio musicale, senso del ritmo, memoria musicale e scopri formazione musicale: conoscenza notazione musicale, possesso di qualsiasi strumento musicale, l'esperienza del canto nel coro. Esistono vari metodi per ascoltare i candidati del coro. Di norma, il richiedente è invitato a eseguire una canzone, dopodiché viene determinata l'estensione della voce, il tipo di voce, la qualità dell'orecchio musicale viene determinata in semplici esercizi. Ad esempio, si propone di ripetere vari canti dopo lo strumento o la voce all'interno del segmento medio dell'estensione vocale della voce in arrivo, ripetere con la voce una semplice costruzione da tre a cinque suoni suonati sullo strumento. Se il richiedente ha educazione musicale o l'esperienza di cantare in un coro, gli esercizi possono essere alquanto complicati. Ad esempio, un candidato è invitato a determinare a orecchio semplici intervalli in una forma melodica, e quindi in una forma armonica, costruire una voce da un dato suono intervalli diversi. Si consiglia di inserire nell'ascolto semplici costruzioni cromatiche.

Il senso del ritmo viene testato ripetendo un semplice schema ritmico.

Se coloro che sono venuti all'audizione per il coro non hanno né esperienza di canto né formazione musicale, è consigliabile fare l'audizione in più fasi. Nella prima fase ci si può limitare solo a una conoscenza generale del candidato, suggerendogli di iniziare a frequentare le lezioni di coro, e dopo tre o quattro settimane per condurre una conoscenza più approfondita dei dati vocali e musicali e solo dopo esprimere finalmente un parere sulla sua idoneità alla partecipazione al coro. Molto spesso la timidezza, la timidezza della persona che è venuta all'audizione ostacolano la scoperta delle sue capacità vocali e musicali. In questo caso, in via eccezionale, puoi provare a svolgere questo lavoro durante le prove del coro.

Non è consigliabile formare la composizione del coro senza alcuna verifica dei dati vocali e musicali entranti nel coro.

Si dovrebbe prestare attenzione per garantire che i nuovi membri del coro non riducano il livello delle prestazioni del coro. Per questo scopo, è desiderabile avere gruppo preparatorio coro.

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