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무대예술의 역사. 에스트라다: 용어의 일반적인 의미에서 그것은 무엇입니까? 무대 위의 인형들

단계- 보다 공연 예술노래, 춤, 오리지널 공연, 서커스 예술, 환상과 같은 별도의 장르와 장르의 합성을 모두 의미합니다.

대중 음악- 가장 광범위한 청중에게 전달되는 일종의 재미있는 음악 예술.

이러한 유형의 음악은 20세기에 가장 많이 발달했습니다. 일반적으로 댄스 음악, 다양한 노래, 팝 및 심포니 오케스트라, 성악 및 기악 앙상블을 위한 작품이 포함됩니다.

종종 팝 음악은 "가벼운 음악", 즉 인식하기 쉽고 공개적으로 사용할 수 있는 일반적인 개념으로 식별됩니다. 역사적으로 가벼운 음악은 F. Schubert와 J. Brahms, F. Lehar와 J. Offenbach의 연극, J. Strauss의 왈츠와 같이 내용이 단순하고 보편적인 인기를 얻은 클래식 작품에 기인할 수 있습니다. A. K. Glazunov, W. A. 모차르트의 "작은 밤의 세레나데".

이 방대하고 자연과 미적 수준이 매우 이질적일 뿐만 아니라 한편으로는 음악적 창의성 영역에서 진지한 음악에서와 동일한 표현 수단이 사용되는 반면에 그들 자신의 특정한 표현 수단이 사용됩니다. .

"버라이어티 오케스트라"라는 용어는 40년대 후반 L. O. Utyosov가 제안하여 두 가지 개념을 분리할 수 있게 했습니다.
팝과 재즈 음악.

현대의 다양한 음악그리고 재즈가 있다 전선 일반적인 특징: 리듬 섹션에 의해 수행되는 일정한 리드미컬한 맥동의 존재; 주로 팝과 재즈 그룹이 공연하는 작품의 댄스 캐릭터. 그러나 재즈 음악이 즉흥 연주로 특징 지어지고 특별한 리듬 속성이 스윙이고 현대 재즈의 형식이 때때로 인식하기 어려운 경우 팝 음악은 음악 언어, 멜로디 및 극도의 리듬 단순성의 가용성으로 구별됩니다.

팝 기악 작곡의 가장 일반적인 유형 중 하나는 팝 심포니 오케스트라(ESO) 또는 심포재즈입니다. 우리나라에서 ESO의 형성과 발전은 V. N. Knushevitsky, N. G. Minkh, Yu. V. Silantiev의 이름과 관련이 있습니다. 버라이어티 심포니 오케스트라의 레퍼토리는 독창적인 오케스트라 작품과 잘 알려진 주제에 대한 환상에서부터 노래와 오페레타의 반주에 이르기까지 매우 광범위합니다.

ESO는 빼놓을 수 없는 리듬 섹션과 빅밴드(색소폰 그룹 및 브라스 그룹)의 풀 브라스 구성 외에도 전통적인 그룹심포니 오케스트라 악기 - 목관악기, 호른 및 현악기(바이올린, 비올라, 첼로). ESO의 그룹 비율은 심포니 오케스트라의 비율에 가깝습니다. 문자열 그룹지배적이며 ESO 음악의 주로 선율적인 특성과 관련이 있습니다. 목관 악기는 중요한 역할을 합니다. 오케스트레이션의 원리는 심포니 오케스트라에서 채택된 것과 매우 유사하지만, 지속적으로 맥동하는 리듬 섹션의 존재와 브라스 그룹(때로는 색소폰)의 보다 적극적인 역할이 때때로 재즈 오케스트라의 사운드와 유사합니다. ESO에서 중요한 색채적 역할은 하프, 비브라폰, 팀파니가 담당합니다.

ESO는 우리나라에서 매우 인기가 있습니다. 그들의 공연은 라디오와 텔레비전으로 방송되며 대부분 영화 음악을 연주하고 다양한 콘서트와 축제에 참여합니다. 많은 소련 작곡가들은 ESO를 위해 특별히 음악을 씁니다. 이들은 A. Ya. Eshpay, I. V. Yakushenko, V. N. Ludvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter -letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky 등입니다.

팝 음악의 장르에는 전통적인 로맨스, 현대적인 팝송 등 다양한 유형의 팝송이 포함됩니다. 가사 노래, 노래 댄스 리듬고급 악기 반주와 함께. 수많은 유형의 팝송을 하나로 묶는 가장 중요한 것은 멜로디의 최대 접근성, 기억 가능성에 대한 저자의 열망입니다. 그러한 민주주의의 뿌리는 옛 낭만과 현대 도시 민속에 있다.

팝송은 단순한 엔터테인먼트가 아닙니다. 그래서 소비에트 팝송에서 시민권, 애국심, 평화를위한 투쟁 등의 주제 F. Tukhmanov와 다른 소비에트 작곡가들은 우리나라뿐만 아니라 국경 너머에서도 사랑 받고 있습니다. Solovyov-Sedoy의 노래 " 모스크바의 밤". XX 세기에. 서로 다른 유형의 댄스 음악이 서로를 계승했습니다. 그래서 탱고, 룸바, 폭스트롯은 로큰롤로 대체되었고, 트위스트 앤 쉐이크가 이를 대체하게 되었고, 삼바와 보사노바 리듬이 큰 인기를 끌었습니다. 수년 동안 디스코 스타일은 팝과 댄스 음악에 널리 퍼졌습니다. 그것은 Negro의 합금에서 발생했습니다. 기악팝 가수에게 전형적인 노래와 가소성 요소 라틴 아메리카, 특히 자메이카 섬에서. 서유럽과 미국에서 음반 산업 및 디스코 관행과 밀접한 관련이 있는 디스코 스타일 음악은 20세기 후반의 팝 및 댄스 음악에서 빠르게 움직이는 트렌드 중 하나로 밝혀졌습니다.

댄스 음악 장르에서 국내 전통을 세운 소련 작곡가 중에는 A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky 등이 있습니다.

현대 록 음악은 팝 음악 분야에 속할 수 있습니다. 이는 서유럽과 미국의 음악문화에서 사상적·예술적 수준과 미학적 원리면에서 매우 다채롭게 나타나는 경향이다. 그것은 사회적 불의, 군국주의, 전쟁에 대한 항의를 표현하는 작품과 무정부주의, 부도덕, 폭력을 설교하는 작품으로 표현됩니다. 이러한 경향을 대표하는 앙상블의 음악적 스타일도 그만큼 다양하다. 그러나 그들은 공통점, 몇 가지 구별되는 기능.

이러한 기능 중 하나는 노래, 솔로 및 앙상블을 사용하고 결과적으로 독립적인 내용을 전달하는 텍스트와 특별한 음색 색상으로 사람의 목소리를 사용하는 것입니다. 앙상블이나 그룹의 구성원은 종종 악기 연주자와 성악가의 기능을 결합합니다. 주요 악기는 기타와 다양한 키보드이며 덜 자주 관악기입니다. 악기의 소리는 다양한 사운드 변환기, 전자 증폭기에 의해 증폭됩니다. 록 음악은 보다 단편적인 메트로 리듬 구조에서 재즈 음악과 다릅니다.

우리나라에서는 록 음악의 요소가 보컬 및 기악 앙상블 (VIA) 작업에 반영됩니다.

대중적 성격과 광범위한 인기로 인해 소비에트 팝 음악은 미학 교육떠오르는 세대.

무대의 뿌리는 이집트, 그리스, 로마의 예술에서 추적되는 먼 과거로 거슬러 올라갑니다. 그 요소는 순회 코미디언-버푼 (러시아), shpilmans (독일), 저글러 (프랑스), 댄디 (폴란드), mascarabozes (중앙 아시아) 등의 공연에 있습니다.

도시 생활과 관습에 대한 풍자, 정치적 주제에 대한 날카로운 농담, 권력에 대한 비판적 태도, 2행시, 코믹 촌극, 농담, 게임, 광대 팬터마임, 저글링, 음악적 기행은 카니발의 소음 속에서 탄생한 미래 팝 장르의 시작이었습니다. 및 대중 엔터테인먼트.

농담, 재치, 재미있는 커플의 도움으로 광장과 시장에서 모든 제품을 판매 한 Barkers는 나중에 연예인의 선구자가되었습니다. 이 모든 것은 모든 팝 장르의 존재에 없어서는 안될 조건이었던 방대하고 이해하기 쉬운 성격이었습니다. 모든 중세 카니발 예술가들은 공연을 하지 않았습니다.

러시아에서 팝 장르의 기원은 민속 축제의 버푼, 재미 및 대량 창의성에서 나타났습니다. 그들의 대표자는 필수 수염을 가진 raus 할아버지-조커로 부스-raus, 파슬리, raeshniks, "학습 된"곰의 지도자, 배우-버푼의 지도자, "스케치"및 "복제"연주에서 청중을 즐겁게하고 손짓했습니다. "군중 사이에서 피리와 거문고를 치고 콧물을 내며 사람들을 즐겁게 하였다.

버라이어티 아트는 개방성, 간결성, 즉흥성, 축제성, 독창성, 엔터테인먼트와 같은 특성이 특징입니다.

축제 여가의 예술로 발전한 팝 음악은 항상 독특함과 다양성을 위해 노력해 왔습니다. 외부 엔터테인먼트, 빛의 유희, 그림 같은 풍경의 변화, 무대 형태의 변화 등으로 인해 축제의 느낌이 만들어졌습니다. 다양한 형식과 장르가 무대의 특징임에도 불구하고 세 그룹으로 나눌 수 있습니다.

- 콘서트 무대(이전에는 "다양성"이라고 함)는 다양한 콘서트에서 모든 유형의 공연을 결합합니다.
- 연극 무대(미니어처 극장의 실내 공연, 카바레 극장, 카페 극장 또는 대규모 콘서트 레뷔, 대규모 공연 스태프와 일류 무대 장비를 갖춘 음악 홀)
- 축제 무대 (민속 축제, 경기장 공휴일, 스포츠 및 콘서트 번호로 가득 차 있으며 무도회, 카니발, 가장 무도회, 축제 등).

다음도 있습니다.

1. 버라이어티 극장
2. 음악당

버라이어티 공연의 기초가 완성 된 숫자라면 어떤 드라마틱 액션과 마찬가지로 리뷰도 무대에서 일어나는 모든 일을 줄거리에 종속시켜야했습니다. 이것은 원칙적으로 유기적으로 결합되지 않았고 프레젠테이션의 구성 요소 중 하나 인 성능, 캐릭터 또는 플롯을 약화 시켰습니다. 이것은 "20 세기의 기적"제작 중에 발생했습니다. 연극은 여러 독립적이고 느슨하게 연결된 에피소드로 나뉩니다. 청중과의 성공에는 발레 앙상블과 여러 일류 품종 만있었습니다. 서커스 공연. Goleizovsky가 상연 한 발레 앙상블은 "Hey, let 's go!", "Moscow in the rain", "30 English girls"의 세 가지 숫자를 연주했습니다. 특히 '뱀'의 퍼포먼스가 인상적이었다. 서커스 숫자 중 최고는 Tea Alba와 "Australian Lumberjacks"Jackson과 Laurer였습니다. 알바는 오른손과 왼손으로 동시에 두 개의 판에 분필로 글을 썼다. 다른 단어. 경주가 끝날 때 벌목꾼들은 두 개의 두꺼운 통나무를 자르고 있었습니다. 독일 Strodi는 와이어의 우수한 균형 번호를 보여주었습니다. 그는 전선 위에서 공중제비를 했다. 항상 그렇듯이 소련 예술가 중 Smirnov-Sokolsky와 ditties V. Glebova 및 M. Darskaya는 큰 성공을 거두었습니다. 서커스 숫자 중 Zoya와 Martha Koch의 숫자는 두 개의 병렬 와이어에서 두드러졌습니다.

1928년 9월 레닌그라드 음악당 개관식.

3. 미니어처 극장 - 다양한 숫자(독백, 2행시, 패러디, 춤, 노래)와 함께 작은 연극, 스케치, 스케치, 오페라, 오페레타 등 주로 작은 형태로 작업하는 극장 그룹입니다. 레퍼토리는 유머, 풍자, 아이러니가 지배적이며 가사도 배제되지 않습니다. 극단은 작으며 한 배우의 극장, 두 배우가 가능합니다. 간결한 디자인의 공연은 비교적 적은 수의 청중을 위해 설계되었으며 일종의 모자이크 캔버스를 나타냅니다.
4. 무대 위의 대화 장르 - 엔터테이너, 막간, 촌극, 스케치, 스토리, 독백, feuilleton, microminiature (staged anecdote), burime 등 주로 단어와 관련된 장르의 상징.

엔터테이너 - 엔터테이너는 페어링, 싱글, 대량으로 가능합니다. "대립의 통일과 투쟁"의 법칙, 즉 풍자적 원칙에 따라 양에서 질로의 전환에 따라 만들어진 구어체 장르입니다.

팝 독백은 풍자적, 서정적, 유머러스할 수 있습니다.

interlude는 코믹한 장면이나 익살스러운 내용의 연극으로, 독립된 숫자로 공연됩니다.

스케치는 음모가 빠르게 발전하는 작은 장면으로, 예상치 못한 재미 있고 날카로운 상황, 회전을 기반으로 가장 단순한 음모가 구축되어 행동 과정에서 일련의 부조리가 발생할 수 있지만 일반적으로 모든 것이 끝나는 곳입니다. 행복한 비난에서. 배우 1~2명(3명 이하).

미니어처 - 무대에서 가장 인기있는 구어체 장르. 오늘 무대에서 인기있는 일화 (출판되지 않음, 인쇄되지 않음-그리스어에서)는 짧은 주제입니다. 구두 이야기예상치 못한 재치있는 결말로.

말장난은 소리가 비슷하지만 소리가 다른 단어를 우스꽝스럽게 사용하여 동등한 단어 또는 조합의 소리 유사성을 사용하는 농담입니다.

Reprise는 가장 일반적인 짧은 구어체 장르입니다.

커플릿은 가장 이해하기 쉽고 대중적인 구어체 장르 중 하나입니다. 커플 티스트는 이것 또는 저 현상을 조롱하고 그것에 대한 태도를 표현하려고합니다. 유머 감각이 있어야 합니다.

뮤지컬 및 구어체 장르에는 2행시, ditty, chansonette, 뮤지컬 feuilleton이 포함됩니다.

무대에서 흔히 볼 수 있는 패러디는 "구어체", 보컬, 뮤지컬, 댄스가 될 수 있습니다. 한때 낭송, 선율 선언, 문학 몽타주, "예술적 독서"가 연설 장르에 인접했습니다.

정확히 고정 된 음성 장르 목록을 제공하는 것은 불가능합니다. 음악, 춤, 오리지널 장르(변형, 통풍 등)은 새로운 장르를 형성합니다. 라이브 연습은 모든 종류의 품종을 지속적으로 제공하며, 오래된 포스터에서 배우 이름에 "그의 장르에서"를 추가하는 것이 관례였던 것은 우연이 아닙니다.

위의 각 음성 장르에는 고유한 특성, 고유한 역사, 구조가 있습니다. 사회의 발전, 사회적 조건은 하나 또는 다른 장르의 출현을 최전선에 지시했습니다. 사실 카바레 출신 연예인만이 '버라이어티' 장르라고 할 수 있다. 나머지는 유머러스하고 풍자적 인 잡지의 페이지에서 부스, 극장에서 나왔습니다. 다른 장르와 달리 외국 혁신을 습득하려는 경향이있는 연설 장르는 유머러스 한 문학과 함께 극장과 밀접한 관련이있는 국가 전통에 따라 개발되었습니다.

연설 장르의 발전은 문학 수준과 관련이 있습니다. 배우 뒤에는 연기자에서 "죽는"작가가 있습니다. 그럼에도 불구하고 연기의 내재적 가치는 공연의 성패를 좌우하는 작가의 중요성을 크게 훼손하지 않는다. 저자는 종종 예술가가되었습니다. I. Gorbunov의 전통은 Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov 등의 팝 스토리 텔러가 선택하여 자신의 레퍼토리를 만들었습니다 문학적 재능이없는 배우는 구두 공연을 기반으로 쓴 작가에게 도움을 요청했습니다. 연기자의 가면. 이 저자는 원칙적으로 "이름 없음"으로 남아 있습니다. 수년 동안 언론에서는 무대 공연을 위해 쓰여진 작품이 문학으로 간주될 수 있는지에 대한 질문이 논의되었습니다. 1980 년대 초에 All-Union과 All-Russian Association of Variety Authors가 창설되어 이러한 유형의 문학 활동을 합법화하는 데 도움이되었습니다. 저자의 "익명 성"은 과거의 일이며 저자 자신이 무대에 올랐습니다. 70 년대 말, 콘서트 유형에 따라 편집되었지만 팝 작가의 공연에서만 독점적으로 편집 된 프로그램 "웃음의 비하인드"가 공개되었습니다. 지난 몇 년 동안 개인 작가 (Averchenko, Ardov, Laskin)만이 자신의 프로그램을 생각해 냈다면 이제이 현상이 널리 퍼졌습니다. M. Zhvanetsky 현상은 성공에 많은 기여를했습니다. 60 년대에 Leningrad Theatre of Miniatures의 저자로 시작한 그는 검열을 우회하여 Vysotsky의 노래처럼 전국에 배포 된 Houses of the Creative Intelligentsia에서 닫힌 저녁에 짧은 독백과 대화를 읽기 시작했습니다. .

5. 재즈 온 스테이지

"재즈"라는 용어는 일반적으로 다음과 같이 이해됩니다. 1) 즉흥 연주와 특별한 리듬 강도를 기반으로 하는 음악 예술의 한 유형, 2) 이 음악을 연주하는 오케스트라 및 앙상블. "재즈 밴드", "재즈 앙상블"이라는 용어는 그룹을 지정하는 데에도 사용됩니다(때로는 연주자 수를 나타냄 - 재즈 트리오, 재즈 4중주, 재즈 오케스트라, 빅 밴드).

6. 무대 위의 노래

콘서트 연습에 널리 사용되는 보컬(보컬-악기) 미니어처. 무대에서는 가소성, 의상, 조명, 미장센("노래 극장")의 도움을 받아 무대 "게임" 미니어처로 해결되는 경우가 많습니다. 큰 중요성경우에 따라 작곡가의 "공동 저자"가되는 연주자의 성격, 재능 및 기술을 습득합니다.

노래의 장르와 형식은 다양합니다. 로맨스, 발라드, 민요, 2련, ditty, chansonette 등; 연주 방법도 다양합니다 : 솔로, 앙상블 (듀엣, 합창단, wok-instr. 앙상블).

팝 뮤지션들 사이에 작곡가 그룹도 있습니다. 이들은 Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk 등입니다.

감성적인 키치와 도시 로맨스부터 펑크 록과 랩에 이르기까지 다양한 스타일과 매너, 트렌드가 공존합니다. 따라서 오늘의 노래는 국내 민속 모방에서 아프리카 계 미국인, 유럽 및 아시아 문화의 접종에 이르기까지 수십 가지 방향을 포함하는 다색 및 다중 스타일 패널입니다.

7. 무대 위에서 춤추기

이것은 그룹 버라이어티 콘서트, 버라이어티 쇼, 뮤직홀, 미니어처 극장에서 제공되는 짧은 댄스 번호, 솔로 또는 그룹입니다. 보컬 프로그램, 원본 및 음성 장르의 수를 동반하고 보완합니다. 포크, 일상(볼룸)댄스를 기반으로 결성되었으며, 클래식 발레, 현대 무용, 체조, 곡예, 다양한 외국 영향과 국가 전통의 교차점. 댄스 가소성의 본질은 음악, 연극, 그림, 서커스, 무언극과 같은 관련 예술의 영향으로 형성된 현대 리듬에 의해 결정됩니다.

민속 무용은 원래 수도 극단의 공연에 포함되었습니다. 레퍼토리에는 농촌, 도시 및 군대 생활의 연극 다양성 공연, 러시아 민요 및 춤의 보컬 및 댄스 모음곡이 포함되었습니다.

1990년대 무대 위의 춤은 1920년대 상황으로 회귀한 듯 극명하게 양극화됐다. 댄스 그룹"에로틱 댄스"와 같은 쇼 비즈니스에 종사하는 사람들은 에로티카에 의존합니다. 나이트 클럽에서의 공연은 그들 자신의 법을 규정합니다.

8. 무대 위의 인형들

고대부터 수공예품은 러시아에서 가치가 있었고 장난감을 좋아했으며 존경 받았습니다. 재미있는 게임인형으로. Petrushka는 군인, 경찰관, 사제를 다루고 죽음 자체로도 용감하게 클럽을 휘두르고 사람들이 좋아하지 않는 사람들을 그 자리에 눕히고 악을 전복하고 사람들의 도덕성을 확인했습니다.

Petrushechniks는 혼자, 때로는 함께 방황했습니다. 인형극과 음악가, 그들은 스스로 연극을 작곡했고, 그들 자신은 배우, 감독이었습니다. 그들은 인형의 움직임, 미장센, 꼭두각시 트릭을 보존하려고 노력했습니다. 인형극은 박해를 받았습니다.

꼭두각시가 연기하는 다른 광경이있었습니다. 러시아의 도로에서 꼭두각시 인형이 실린 밴을 만날 수 있습니다. 때로는 인형이 아래에서 이동되는 내부에 슬롯이있는 상자가 있습니다. 그러한 상자를 성탄절이라고 불렀습니다. 인형극은 모방 기술을 마스터했습니다. 그들은 가수, 복사 곡예사, 체조 선수, 광대를 묘사하는 것을 좋아했습니다.

9. 무대 패러디

이것은 원작의 개별적인 방식, 스타일, 특징 및 고정 관념뿐만 아니라 예술의 전체 경향과 장르를 아이러니하게 모방(모방)한 넘버 또는 퍼포먼스입니다. 만화의 진폭 : 날카롭게 풍자적 (저하)에서 유머러스 한 (친절한 캐리커처)까지-원본에 대한 패러디 스트의 태도에 의해 결정됩니다. 패러디의 뿌리는 골동품 예술, 러시아에서 그녀는 오랫동안 버푼 게임, 희극 공연에 출연했습니다.

10. 소극장

러시아에서 카바레 극장 "The Bat", "Crooked Mirror" 등 제작

'삐뚤어진 거울'과 '배트' 모두 프로페셔널한 연기력을 갖춘 팀으로, 수준급 연극 문화의심 할 여지없이 수많은 미니어처 극장보다 높았습니다 (모스크바에서 Petrovsky는 D.G. Gutman, Mamonovsky가 감독 한 퇴폐적 인 예술을 재배하여 Alexander Vertinsky가 1 차 세계 대전 중에 데뷔 한 Nikolsky-예술가 및 상트 페테르부르크 중 A.P. Petrovsky-Troitsky A.M. Fokina-V.R. Rappoport 감독, 나중에 예술 극장의 예술가 인 V.O.

Topic 6. 세계 무대의 주요 방향 파노라마

주제 7 90년대와 21세기 초반의 팝 음악

제어 수업

섹션 III. 록 문화
주제 1. 20세기 음악 문화 현상으로서의 록 음악.

주제 2. 1950년대 미국 록 음악.

주제 4. 1970~1980년대 록음악의 방향성 검토.

주제 5. 1990년대 록 음악 경향 개요.

주제 6. XXI 세기 록 음악의 방향 개요.

주제 7. 소련의 록 음악

주제 8. 현대 국내 암석의 주요 방향 파노라마

섹션 IV 매스 장르뮤지컬 극장

주제

주제 4. 록 뮤지컬

주제 5. 록 오페라

학생 보고서

미분 오프셋

총:

3. 징계 프로그램 시행 조건

3.1. 최소 물류 요구 사항

중등 직업 교육 전문 분야의 중급 전문가 양성 프로그램을 구현하는 교육 기관은 모든 유형의 실용적인 수업, 징계, 학제 및 모듈 교육, 과정 교육 기관. 규율 프로그램을 시행하려면 그룹 수업을 위한 스터디룸이 필요합니다.

강의실 장비: 테이블, 의자(학생 수에 따라 다름), 데모 보드, 비디오 및 오디오 장비(TV, DVD 플레이어, 비닐 및 CD 플레이어, 프로젝터, 노트북, 피아노)

교구: TV, DVD 플레이어, 비닐 및 CD 플레이어, 프로젝터, 노트북(인터넷 접속)

3.2. 교육 정보 지원
서지

Konen V. The Birth of Jazz.-M., 1984.
Menshikov V. 록 음악 백과 사전. – 타슈켄트, 1992.
Sargent W. Jazz.-M., 1987.
Feofanov O. Rock 음악의 어제와 오늘.-M., 1978.
Schneerson G. American song.-M., 1977.
에리스만 가이. 프랑스 노래.-M., 1974.

주제 1. 음악 예술의 현상으로서의 재즈

재즈 정의. 재즈 문화의 혼합된 특성. 재즈의 탄생을 위한 역사적, 사회적, 예술적 전제조건. 재즈 역사의 주기화.

재즈 문화의 소통적 개방성. 학술 음악("제3의 흐름")과 전 세계 사람들의 민속("제4의 흐름")과의 상호 작용.

학술 작곡가의 재즈 표현 수단과 기법의 사용.

주제 2. 재즈의 기원

재즈 음악의 기원의 혼합된 특성.

흑인의 뿌리(즉흥적인 음악 제작, 특별한 리듬 조직 - 스윙, 보컬의 특정 기술 - 불안정한 - 억양. 더러운 톤, 외침, 으르렁, 고함 효과).

재즈의 유럽 전통(콘서트 음악 제작 전통, 연주 작곡, 음조 조화, 메트로 리듬 구성, 작곡 구조의 직각도)

미국의 가정문화. 민스트럴 극장.

주제 3. 아프리카계 미국인 민속의 장르

흔하다 장르 특징- 응답자 원리, 불안정한 억양, 리듬 원리의 역할.

영적 장르 -영가, 복음, 외침, 희년.

노동 노래 - 노동 노래: 거리, 들판, 농장.

테마 4 블루스: 장르 발전 단계

고대("시골") 블루스 - 포크 장르즉흥적인 성격.

클래식 블루스 - 장르적 특징(비유적 콘텐츠, 블루스 형식, 블루스 하모니, 블루스 인토네이션, 블루스 영역, 블루스 스퀘어 하모니). 블루스 연주자 - B. Smith, I. Cox, A. Hunter 등.

현대 재즈의 블루스. 기악 블루스; 현대 재즈의 다양한 스타일로 장르의 발전.

주제 5. 래그타임

장르의 기원; 래그 뮤직, 케이크 워크.

장르 특징: "반주에서 메트로놈적으로 정확한 8분의 1 악장의 배경에 대한 실신 멜로디", 형식 구성의 "모음" 원칙. 수행 기술의 특징.

래그타임 작곡가: Scott Joplin, Thomas Tarpen, James Scott 등.

ragtime의 개발 - 고급, Novetly 장르.

래그타임 오페라. 트리모니샤(S. 조플린)

주제 6. 초기 재즈 스타일

아프리카계 미국인이 시골에서 도시로 이주하고 최초의 재즈 센터(뉴올리언스, 시카고, 캔자스시티, 뉴욕)가 형성되었습니다.

뉴올리언스 스타일. 마칭 밴드, 최초의 재즈 앙상블 형성에서 그들의 역할. 기악 작곡 재즈 오케스트라, 도구 기능.

D. R. Morton, S. Bechet, L. Armstrong의 작품.

동부 해안과 중서부(캔자스시티, 멤피스 등)에서의 재즈 확산

시카고 스타일. Dixieland와 재즈 발전에서의 역할. "Original Dixieland Jazz Band"(리더 Jack Lane)의 활동. 배럴 하우스 스타일. 부기우기 장르.

주제 7. 1920-1930년대. 재즈의 부상. 스윙 시대

1920년대는 "재즈 시대"입니다(F. S. Fitzgerald). 재즈 개발 센터를 뉴욕으로 이전.

학술 음악의 전통과 재즈의 융합의 예로서의 심포 재즈. 창의성 J. Gershwin. Porgy and Bess는 Negro 민속을 기반으로 한 최초의 오페라입니다.

감미로운 음악은 댄스 엔터테인먼트 재즈의 한 방향이다. J. Kern, K. Porter 등의 독창성.

1930년대는 스윙의 시대다. 재즈의 존재 영역 확장 (댄싱홀, 레스토랑, 호텔; 뮤지컬 편곡쇼, 뮤지컬, 영화). 재즈 음악의 상업화로 인한 댄스 및 엔터테인먼트 기능.

빅밴드의 절대적인 위치. 도구의 섹션 그룹화 원칙. 편곡자와 즉흥 연주자의 기능. "표준화된" 음악 언어.

"명목상" 빅 밴드(F. Henderson, K. Basie, D. Ellington, B. Goodman, G. Miller, V. Herman 등)

주제 8. 모던 재즈 시대의 시작. 1940년대. 비밥 스타일.

현대 재즈의 첫 번째 스타일인 비밥의 형성에 대한 사회정치적 이유. 대중 문화 분야에서 엘리트 예술의 지위로 재즈의 재정향.

실내악 제작에 대한 오리엔테이션, 결과적으로 소규모 공연 앙상블의 형성은 콤보입니다. 즉흥 연주의 역할 강화.

현대 학술 음악 성과의 "차용"으로 인한 재즈의 음악적 표현 수단 시스템의 복잡성. 불안정한 민속 억양 전통의 부활과 재즈의 조화로운 분야에서의 표현.

비밥 유명인 - D. Gillespie, C. Parker, T. Monk.

주제 9. 1950년대. 멋진 스타일 및 기타 트렌드

Cool (쿨) - 핫 스타일 비밥에 대한 반응으로. 1940 년대 경향의 발전-실내악에 대한 성향, 음악 언어의 갱신, 즉흥적 시작의 강화. 재즈의 지능화, 학문적 전통의 음악에 더 가깝게 가져옴.

멋진 스타일의 대표자는 D. Brubeck, P. Desmond, B. Evans입니다. "현대 재즈 사중주".

프로그레시브 스타일은 스윙 빅밴드의 전통을 기반으로 한 콘서트 재즈 스타일이다. 오케스트라 리더 S. Kenton, V. Herman, B. Raeburn 등.

주제 10. 1960년대. 아방가르드 스타일의 재즈

프리 재즈는 최초의 아방가르드 스타일의 재즈입니다. 스타일의 출현을 위한 사회적 전제 조건. 형성, 주제, 고조파 "그리드", 균일 한 메트릭 맥동에 대한 자유로운 태도로 음악 언어의 현대적인 복잡한 수단을 사용하려는 경향.

일종의 프리 재즈인 "모달" 재즈. 스타일의 주요 설정은 선택한 스케일의 즉흥 연주입니다.

프리 재즈 대표 - O. Cowelman, J. Coltrane, C. Mingus, A. Shepp 등.

주제 11. 1960-1970년의 재즈 스타일

재즈 언어의 풍부함의 원천을 찾기 위한 다양한 음악 문화와 재즈의 상호 작용.

민족 스타일. 아프로쿠바와 보사노바 - 라틴 아메리카 풍미의 재즈 음악. 특징 - 댄스 장르 리듬, 다양한 이국적인 악기 사용을 통한 타악기 그룹 확장.

재즈 록은 재즈와 록 스타일의 합성을 기반으로 한 방향입니다. 특정 전자 악기를 유인하여 재즈 사운드를 풍부하게 합니다. M. Davis, C. Corea 및 기타 음악의 재즈 록.

"Third Current" - 학문적 음악 전통("First Current")과 재즈("Second Current")를 결합한 방향입니다. 오케스트라 작곡을 위해 설정 큰 형태, 즉흥 연주가 배경으로 떠납니다. "세 번째 전류"의 대표자 - G. Schuller, "Swingle Singers".

"제4의 흐름" 또는 "세계 음악"은 1970년대 이후 민족 재즈의 새로운 물결입니다. 그것은 원래 국가 세계 민속을 기반으로합니다. John McLaughlin, Jan Garbarek, John Zorn, San Ra의 독창성.

Topic 18. 재즈 인 소비에트 러시아

러시아의 1920년대 - "재즈 붐". 외국 재즈 밴드와 재즈 솔리스트의 소련 투어. 첫 번째 재즈 밴드: V. Parnakh의 Eccentric Jazz Band(1922), A. Tsfasman의 Orchestra(1926), L. Utyosov-Ya의 Tea Jazz. 스코모로프스키(1929). 영화의 도움으로 재즈 대중화 (L. Utesov 오케스트라와 함께 G. Aleksandrov의 "Merry Fellows"). 소련의 국가 재즈(M. Blanter 및 V. Knushevitsky의 지시에 따라) 및 All-Union Radio의 재즈 오케스트라(A. Varlamov의 지시에 따라 나중에 A. Tsfasman의 지시에 따라) 생성

1930년대-1940년대 재즈 음악의 다양성과 엔터테인먼트 지향; 소비에트 대중 노래와의 화해. "송 재즈" O. Lundstrem, E. Rosner의 지시에 따른 오케스트라 활동. 작곡가 I. Dunayevsky, N. Bogoslovsky 등의 독창성.

1940-1950년대는 소련의 국가 이데올로기와 외교 정책을 반영한 재즈에 대한 날카로운 비판과 금지의 시기였다. 언더그라운드 재즈. Yu.Saulsky의 독창성.

1950-1960s - "Khrushchev 해동"- 재즈 페스티벌 조직인 재즈 클럽 창설 시간. 외국 재즈맨 투어. 외국 재즈 페스티벌에 소련 음악가 참여.

1980년대 재즈의 점진적인 합법화. 레닌그라드 최초의 독립 재즈 클럽의 등장(1986), 잡지에 재즈에 대한 간행물 " 음악 생활", A. Kroll (1983)이 지휘하는 오케스트라의 참여로 영화 "We are from Jazz"(K. Shakhnazarov 감독) 개봉.

주제 19. 소비에트 이후 러시아의 재즈

1960-1980년에 진출한 국내 재즈맨: A. Kuznetsov, A. Kozlov, G. Holstein, I. Bril, L. Chizhik, D. Kramer, V. Ganelin, V. Chekasin, A. Kondakov 등. 보컬리스트 - L. Dolina, I. Otieva, V. Ponomareva.

1980년대 러시아 밴드와 솔로이스트 활동의 다양한 스타일: 레트로 스타일(Leningrad Dixieland), 비밥(D. Goloshchekin), 쿨 재즈(G. Lukyanov 및 그의 Kadans 앙상블), 프리 재즈(V. Gaivoronsky , V . 볼코프).

A. Rostotsky, A. Shilkloper, V. Tolkachev, N. Kondakov, A. Podymkin 등 1990 년대 러시아 재즈의 새로운 인물 등장.

섹션 2

주제 1. 대중음악의 구성요소로서의 대중가요의 장르

이 노래는 가장 널리 퍼진 팝 장르 중 하나입니다. 대중가요의 기원. 장르 발전의 연대기: 고대(시와 음악의 합성), 중세(트루바두르, 트루버, 미네싱어, 민스트럴 등의 노래), 르네상스(전문 예술 및 일상 음악 제작에서 악기 반주가 있는 노래), 18~20세기 후반. - 로맨스 노래 장르의 파생물, XIX 세기. 노래 장르를 팝 (대중 청취자 지향)과 "심각한"(학술 작곡가 활동 분야)의 두 방향으로 나눕니다.

장르의 특징은 의사 소통, 민주주의, 텍스트의 특징 ( "노래시")입니다. 다양한 노래 장르:

존재 형태별(어린이, 학생, 군인, 도시 등)

장르 가이드라인(애가, 애가, 애가 등)

대중음악문화에서 가요 장르의 중심적 위치

주제 2. 프랑스 샹송

샹송의 기원 민요, troubadours 및 trouveurs의 작업에서. 15~16세기. 샹송은 프랑스 음악의 민족가요 전통을 요약한 다성음악이다.

XVII 세기 - 전문 음악가의 도시 노래 연주 - Gros Guillaume, Jean Solomon 등) 다양한 주제.

XVIII 세기 - "chansonnier 극장"의 활동. Chanson 공연자 - Jean Joseph Vade, Pierre-Jean-Gara 및 기타.

XIX 세기 - Chansonnier의 작품. 다양한 예술적 마스크 - "컨츄리 가이"(Chevalier), "댄디"(Frant) 등 공연 스타일의 강조점은 그다지 중요하지 않습니다. 보컬 아트, 예술성에 얼마나.

20 세기는 Jacques Brel, Gilbert Beco, Charles Aznavour, Edith Piaf, Yves Montana의 작품에서 샹송입니다. Joe Dassin과 Mireille Mathieu의 작품에서 샹송의 전통.

주제 3. 소비에트 미사곡

1920-1930년대 소비에트 음악 예술에서 노래 장르의 역할.

사회 질서의 예로서 미사 노래; 대량 선전 수단. 장르의 민주주의, 대량 유통. 장르 대중화의 수단으로서의 영화. I. Dunayevsky의 "영화 노래".

위대한 애국 전쟁과 전후 시대의 대중 노래의 의미.

1950-1060년대. 학문적 장르(송 오페라)와 대중음악(송 재즈) 분야에서 가요 장르의 영향력 강화.

소비에트 작곡가 - M. Blanter, S. Tulikov, V. Solovyov-Sedoy, Ya. Frenkel, A. Pakhmutova 등의 작품.

Topic 4. 대중가요 장르: 국가무대에서의 발전단계

장르의 등장 XIX-XX의 차례수세기. 러시아의 첫 번째 팝 음악 장르는 "잔인한"과 집시 로맨스의 대련이었습니다. 인기 아티스트 20 세기 전반기 가수-I. Yuryeva, A. Vyaltseva, P. Leshchenko 등.

L. Utesov, M. Bernes, M. Kristallinskaya, E. Piekha 및 기타 연주자의 작업에서 소련 러시아의 팝송 개발. 창의성 VIA("Earthlings", "Electroclub", "Merry Fellows"). 복고풍 스타일 ( "Bravo", "Doctor Watson"), 연합 공화국 ( "Yalla", "Pesnyary", "Mziuri")의 민속 특성에 중점을 둔 그룹.

현대 팝송 연주자-A. Pugacheva, S. Rotaru, L. Vaikule, F. Kirkorov, V. Leontiev 및 기타. 설정 정의 현대 무대방송에서 시각적인 밝음과 과시성, 보컬 실력의 감가상각(음원에 맞춰 노래 부르기).

팝아트의 대안으로서의 작가의 노래. 챔버 성능, 청취자에 대한 최대 근접성. 저자의 노래 연주자는 Alexander Galich, Yuri Vizbor, Novella Matveeva, Sergey 및 Tatiana Nikitin, Alexander Dolsky, Yuli Kim 등입니다.

Bulat Okudzhava의 독창성. "모스크바의 테마"; 노래-추억, 노래-스타일화.

독창성 작곡블라디미르 비소츠키; 극도의 감성, 캐릭터의 생생한 특성, 풍자. 군대, 역사, 일상 등 노래의 "주기성".

Topic 6. 국내 근대무대 분야 주요 방향의 파노라마

현대 무대를 지배하는 노래의 장르. 히트에 대한 작곡가의 주요 오리엔테이션; 틀에 박힌 단순한 음악 언어. 팝 음악 (A. Rosenbaum, O. Mityaev), "Russian chanson"(M. Shufutinsky, A. Novikov)의 영향으로 작가 노래의 장르 특이성 변화. 일상의 배경이 되는 모던 팝송.

팝송 개발의 또 다른 방법은 포크 록 (I. Zhelannaya)과 합성 된 E. Kamburova의 "노래 극장"입니다.

섹션 3

주제 1. 20세기 음악 문화 현상으로서의 록

사회문화적 현상으로서의 록 문화; 자기 표현의 기회를 제공하는 현대 도시 민속의 한 형태. 록 음악의 구체적인 수단은 모델(컨츄리, 블루스, 상업 음악)에 의존하는 것이지만 동시에 주제와 이미지의 깊이를 위해 노력하는 내용이 문제적입니다.

특정 록 사운드를 정의하는 전자 악기.

주제 2. 1950년대 미국 록 음악

1950년대 미국의 로큰롤 폭발. 기원 - 리듬 앤 블루스, 컨트리, 웨스턴.

로큰롤 연주자 - B. Haley, J. Lewis, E. Presley. 스타일의 특이성은 음색 구성 (3 개의 일렉트릭 기타 및 드럼), 댄스 오리엔테이션입니다.

주제 3. 1960년대 영국 비트

비트 음악은 1960년대 청소년 댄스 및 엔터테인먼트 음악의 한 형태입니다. 음악적 특성비트 음악.

다양한 비트 음악(하드 비트, 소프트 비트, 주류 비트 등). 미국과 유럽에 분포.

비틀즈의 창의성. 독창적인 공연 스타일의 형성. 암석 개발의 주요 방향을 결정한 창의적인 경향.

주제 4. 1970~1980년대 록 음악의 방향성 개요

1960-1970년대 후반 - 성숙기록 음악의 발전. 창의적인 흐름의 "분기".

히피 이데올로기를 반영한 사이키델릭 록. 작곡의 명상성, 음악 언어의 복잡성. 핑크 플로이드 그룹의 창의성.

프로그레시브 록은 정부 정책, 인종 차별, 전쟁, 실업에 대한 항의의 주제입니다. 앨범 핑크 플로이드

"벽".

아트록은 학문적 음악과 재즈의 전통과의 화해로 인한 음악적 언어의 복잡성이 특징인 방향이다. "Emerson, Lake & Palmer", "King Crimson" 그룹의 독창성.

"하드 록" -전자 사운드의 증폭, 리듬의 강성, 사운드의 무거움. 창의력 그룹 "Uriah Heep" "Black Sabbath".

글램 록은 엔터테인먼트 증가, 콘서트 공연의 연극화와 관련된 록의 방향입니다. 글램 록의 대표 - 프레디 머큐리, 프랭크 자파.

주제 5. 소련의 록 음악

1960년대 말은 서양 록 음악이 소련에 침투한 시기였습니다. 국가 체제의 공식 이데올로기에 대한 항의의 한 형태로 바위에 대한 인식.

Philharmonic VIA("Merry Fellows", "Singing Guitars", "Pesnyary")가 연주하는 "합법화된" 록; 서정적 주제, 춤 및 노래의 엔터테인먼트 방향.

"필 하모닉 록"의 반대는 "타임머신"그룹입니다.

록 문화의 민속 방향 - "Pesnyary", "Syabry", "Yalla".

VIA와 뮤지컬 극장. "Singing Guitars" - "Orpheus and Eurydice"(A. Zhurbin 음악), "Ariel" - "The Legend of Emelyan Pugachev"(V. Yarushin 음악), "Araks" - "The Star and Death of Joaquin Murieta" (A. Rybnikov의 음악 ), "Rock Studio"- "Juno and Avos"(A. Rybnikov의 음악).

Rock Underground - Leningrad (그룹 "Aquarium", "Alisa", "Kino"), 모스크바 ( "Sounds of Mu", "Brigada S"), Ufa "DDT"및 기타 도시의 클럽. Sverdlovsk는 러시아 암석의 중심지 중 하나입니다(Urfin Juice, Nautilus Pompilius, Chaif, Agatha Christie, Sansara, Sahara, Semantic hallucinations 및 기타 그룹).

주제 6. 주요 방향의 파노라마 모던 록.

모던 록의 분기 방향. 컴퓨터 기술의 암석 문화 발전에 대한 영향. 음악 언어의 표준화, 작가 원칙의 평준화, 콘서트 형식에 대한 스튜디오 형식의 음악 존재 지배.

현대 테크노 방향:

힙합 - 벽화 - 그래피티, 댄스 브레이크 댄스, 음악적 방향- 랩.

하우스는 테크노 음악과 디스코의 결합을 기반으로 한 트렌드입니다. 엠보싱 퍼커션 베이스(디스코)와 "무거운" 전자 사운드(베이스, 비트, 다양한 음향 효과등.)

Rave는 라이프스타일 전반을 대표하는 방향성입니다. 레이브 파티는 대규모 클럽 디스코입니다. Rave는 멜로디보다 리듬이 우세하고 최대 볼륨이 특징인 일종의 테크노 음악입니다.

섹션 4

주제 1. 뮤지컬: 기원의 역사, 장르의 발전 단계

뮤지컬은 뮤지컬 극장의 주요 대중 장르 중 하나입니다. 장르의 기원은 민스트럴 극장, 풍자극, 보드빌, 뮤직 홀, 뮤지컬 장면입니다. 뮤지컬에 사용되는 다양한 장르의 표현수단(오페레타, 보드빌, 모던 팝과 록 문화, 안무). 뮤지컬의 장르 특성 형성에서 재즈 아트의 역할.

장르 발전 단계(1920~1930년대, 1930~1960년대, 1970~1980년대, 현대 뮤지컬).

1920년대 엔터테인먼트 문화에 대한 대중의 수요 증가를 반영하여 장르의 형성. 뮤지컬에서 매스아트의 특징은 줄거리의 스케치성, 스펙타클, 언어의 '템플릿', 어휘의 단순화 등이다.

J. Gershwin ( "Lady, please"), J. Kern ( "Excellent, Eddie"), K. Porter "Kiss me, Kat"), I. 블레이키 등.

주제 3. 음악 장르의 부상(1940~1960년대)

새로운 장르 기능

주제 확장; 클래식 플롯을 "마스터링" 문학 작품- K. Porter "Kiss me, Kate"(W. Shakespeare의 "The Taming of the Shrew", F. Lowe "My 멋진 여자"("Pygmalion B. Shaw 기반), L. Bernstein "West Side Story"(W. 셰익스피어의 "로미오와 줄리엣" 기반) 등

춤의 역할 강화. 제작에 유명 안무가 참여: 시카고의 B. Foss와 West Side Story의 Cabaret, J. Robbins 및 P. Gennaro

영화 뮤지컬 - 연극 뮤지컬을 영화로 옮기고 영화를 기반으로 한 뮤지컬 제작(Oliver!, My Fair Lady, The Man from La Mancha)

주제 4. 록 오페라

1960~1070년대 - 록 오페라의 등장. 단일을 기반으로 작곡을 결합하는 전통 줄거리앨범 (Pink Floyd의 The Wall).

초기 록 오페라 - G. McDermot의 "머리카락", T. Lin의 "구원" 등

E. L. Webber의 "Jesus Christ Superstar"를 예로 들어 록 오페라의 특수성. 작곡가의 다른 록 오페라는 Evita, Cats, Phantom of the Opera입니다.

주제 5. 록 뮤지컬

러시아의 록 뮤지컬 - A. Zhurbin의 "Orpheus and Eurydice", "Joaquin Murieta의 별과 죽음", A. Rybnikov의 "Juno and Avos", L. Quint의 "Giordano"등.

현대 재즈와 팝 음악은 끊임없이 발전하고 있습니다. 그것은 확립 된 두 가지를 모두 포함합니다 음악 장르새로운 문체 트렌드뿐만 아니라 형태. 따라서 지정된 과정은 자료에 따라 지속적으로 보완 및 업데이트됩니다. 이 프로그램은 여러 섹션으로 나뉩니다. 첫 번째 섹션은 재즈 음악의 발전에 전념합니다. 학생들은 재즈 음악 발전의 주요 단계에 대한 아이디어를 얻고, 스타일 발전의 일반적인 패턴을 이해하고, 국내외 최고의 사례를 숙지해야 합니다. 재즈 클래식, 뿐만 아니라 작곡가, 편곡가 및 뛰어난 재즈 연주자의 작품. 프로그램의 두 번째 부분은 팝송 창의성의 주요 방향에 대한 개요에 전념합니다. 세 번째 섹션에서는 록 음악과 네 번째이자 마지막 록 오페라와 뮤지컬의 발전을 추적할 것입니다.

중등 직업 교육 기관의 "음악 다양성 스타일의 역사" 과정의 목표는 학생들의 예술적 지평을 넓히고 다양한 음악 스타일과 방향을 탐색하는 능력을 개발하는 것입니다. 예술적 실천. 따라서 주요 요구 사항은 독립적 인 일학생은 추천 문헌을 공부하고 수업을 위한 오디오 자료를 듣는 것입니다.

이 과목은 특수 및 이론 분야의 순환을 보완합니다. 코스 공부뮤지컬 무대 스타일의 역사"는 음악 문학, 전문 분야, 앙상블, 오케스트라와 같은 분야와의 학제 간 연결을 의미합니다.

주제를 마스터하면 학생들의 창의적 사고 개발에 기여합니다. 계획적이고 체계적인 실행 숙제학생의 창의적 가능성 공개에 기여하여 시야를 넓힐 것입니다.

설문 작업.
교사가 권장하는 추가 문헌으로 작업합니다(메모 작성 포함).
초록 만들기.
음악 듣기.

4. 훈련을 마스터한 결과의 통제 및 평가

규율 마스터 결과의 제어 및 평가는 실습 및 실험실 작업, 테스트, 개별 작업, 프로젝트 및 학생의 연구 수행 과정에서 교사가 수행합니다.

학습 결과

(배운 기술, 습득한 지식)

학습 결과를 모니터링하고 평가하는 형식 및 방법

기술:

팝 음악과 재즈의 주요 문체를 탐색합니다.
팝 재즈 음악의 철학과 심리학 문제를 탐색합니다.
상업적 상대와 재즈 마스터를 구별합니다.

전류 제어 - 초록 구현

지식:

기본 역사적 단계사회 경제적, 민족적, 예술적 미학적 현상의 맥락에서 팝 음악과 재즈의 형성과 발전;
개발 과정에서 발생한 재즈의 주요 문체 품종;
특정 재즈 기법(즉흥 연주, 메트로 리듬 기능, 스윙, 아티큘레이션);
팝 재즈 음악의 음악적 표현력을 발휘하는 수단;
러시아 재즈의 발전과 스타일의 특징;
재즈와 다른 유형의 음악 예술의 상호 작용

추가 문헌을 사용하고 수업에서 학습한 자료를 요약한 설문 조사, 퀴즈, 보고서

5. 기본 및 추가 문헌 목록

주요 문헌

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코스별 엄선된 음반

"아바" s60-08353-54
앙상블 "아스날". 두 번째 바람 s60-2369002
소비에트 재즈의 선집. 첫 단계 М6045827006
암스트롱 루이스. с60-05909-10
Basie Count 및 Kansas City Seven c60-10279-80
베이시 카운트. 해가 지면 М60-47075-009
베이시 카운트. 14개의 황금 멜로디(2pl). c60-18653-4
비틀즈. 꿀맛. с60-26581-006
비틀즈. 힘든 낮의 밤. с60-23579-008
비틀즈. 사랑 노래 BTA 1141/42
브릴 이고르, 재즈 앙상블. 오케스트라는 60-14065-66에서 도착했습니다.
모스크바의 Brubeck Dave(2pl.) s60-301903007, s60-30195-001
거슈윈 조지. 인기 벨소리 s60-08625-26
디스코 클럽-9. 재즈 작곡 s60-19673-000
Goloshchekin David. 레닌그라드 재즈 앙상블. 15년 후. с60-20507-007
굿맨 베니. 달빛은 무엇을 할 수 있습니까? М6047507006
Davis Miles와 현대 재즈의 거인 М60-48821-006
제임스 해리와 그의 오케스트라. 내가 사랑하는 사람 М60-49229-006
딥 퍼플. 인 락 П91-00221-2
존 엘튼. 도시 부랑자. с60-24123-002
존 엘튼. 당신의 노래 c60-26003-002
존 엘튼. 더원 BL1027
도네간 도로시 c60-20423-005
"여왕". 최고의 조회수 A60-00703-001
크레덴스 그룹. 떠돌이 오케스트라. С60-27093-009
"레드 제플린" 그룹. 천국의 계단 с60-27501-005
Lundstrem Oleg와 그의 오케스트라. Duke Ellington을 기리며 с60-08473-74
레닌그라드 딕시랜드 33CM02787-88
Lundstrem Oleg와 그의 오케스트라. 풍부한 색상 c60-1837-74
Lundstrem Oleg와 그의 오케스트라. 선밸리 세레나데 c60-18651-52
폴 매카트니. 다시 소련에서. А6000415006
밀러 글렌과 그의 오케스트라. 분위기 있는 М60-47094-002
음악가게. L. Utesov М6044997-001을 기념하여
파커 찰리. M60-48457-007
핑크 플로이드. 라이브 А60 00543-007
피터슨 오스카와 디지 길레스피 c60-10287-88
피터슨 오스카. O. 피터슨 트리오. c60-16679-80
프레슬리 엘비스. 모든 것이 순서대로 М60-48919-003
롤링 스톤즈 그룹. 불장난 M60 48371 000
롤링 스톤즈 그룹. 레이디 제인 s60 27411-006
로스 다이아나 c60-12387-8
Whiteman Paul, 오케스트라 p/u M60 41643-44
내 인생의 Wonder StevieSun C60 26825-009
피츠제럴드 엘라 С60-06017-18
엘라 피츠제럴드 듀크 엘링턴 C90 29749004
피츠제럴드 엘라. 사보이에서 춤을. С6027469006
헨드릭스 바바라. 흑인 영가 A 1000185005
츠파스만 알렉산더. 만남과 이별 М6047455-008
웨버 앤드류 로이드. 지저스 크라이스트 슈퍼스타 P9100029
겨울 폴. 콘서트 어스 c6024669003
찰스 레이. 선택한 노래. BTA 11890
엘링턴 듀크 데이트 콜먼 호킨스 c60-10263-64
엘링턴 듀크와 그의 오케스트라. 콘서트(pl. 2) с6026783007

부록 2

설문지

재즈의 아프리카계 미국인 뿌리.
즉흥 연주 란 무엇입니까?
재즈의 양식적 진화의 주기화.
영적:

발생시간;

정의;

초기 아프리카계 미국인 민속:

2개 그룹;

장르에 대한 간략한 설명;

노동 노래
영가의 시적 이미지(텍스트).
음악적 스타일이나 특징 장르 특징영가.
복음:

에 대한 간략한 설명;

영가와의 차이;

노동 노래와 영가의 연주자.
래그타임:

정의;

특성(발생, 시간);

"스포츠 생활":

단어의 의미;

스콧 조플린
메이플 리프 래그타임은 언제 출판되었습니까?

외모를 설명하십시오.

뉴올리언스, 시카고의 엔터테인먼트 지구,

뉴욕.

민스트럴(검은색) 스테이지의 특징.
어떤 춤이 래그타임의 진화를 끝냈는가.
클래식 음악의 어떤 작품이 영성과 래그타임의 특징을 보여주는가.
영가의 장르와 제목을 나열하십시오.
"블루스"라는 단어의 의미.
초기 블루스의 타이밍.
블루스의 종류(분류).
농촌 블루스의 유명한 대표자이자 연주자.
농촌 블루스의 특징.
도시 블루스의 특성(발생 시간).
최초의 블루스 가수.
블루스의 "왕"과 "여왕".
도시 블루스의 특성(발생 시간).
블루스와 영적인 차이.
블루스 장르.
블루스와 그 내용의 시적인 이미지.
블루스 연주자.
최초의 인쇄 블루스. 작곡가. 이름.
블루스 테마를 사용하는 J. Gershwin의 작품 이름.
블루스의 장르 및 문체 수정. 대표자.
재즈는 단어의 의미입니다. 기원.
도시는 재즈의 요람입니다.
초기 재즈 스타일. 차이점.
유럽계 미국인 유형의 재즈 음악. 딕시랜드. 대표자.
뉴올리언스의 마칭 밴드와 거리 밴드.
뉴 제너레이션 재즈맨(시카고 뉴올리언스).
스트리트 재즈:

발생시간;

특성;

대표;

부록 3

용어 받아쓰기에 대한 용어 목록

섹션 I. 재즈 아트

Archaic Blues, Archaic Jazz, African American Music, Barbershop Harmony, Barrel House Style, Big Beat, Big Band, Block Chords, Wandering Bass, Blues, Blues Scale, Brass Band, Break, Bridge, Boogie Woogie, Background, Harlem Jazz, Groul , 그라운드 비트, 더티 톤, 재즈, 재즈 형식, 정글 스타일, 딕시랜드, 케이크 워크, 클래식 블루스, 코러스, 민스트럴 시어터, 오프 비트, 오프 피치 톤, 리프, 스윙, 심포재즈, 스트라이드 스타일

아방가르드 재즈, 아프로 쿠바 재즈, 바로크 재즈, 비밥, vers, 웨스트 코스트 재즈, 콤보, 메인스트림, 프로그레시브, 스캣, 모던 재즈, 스톱 타임 테크닉, "써드 스트림", 포크 재즈, 포비트 , 프리 재즈, 퓨전, 하드 밥, 올러, 핫 재즈, "포스 커런트", 시카고 재즈, 셔플, 전자 재즈, "재즈 시대".

섹션 II. 대중 음악

섹션 III. 록 문화

아방가르드 락, 얼터너티브 락, 언더그라운드 락, 아트 락, 비트닉, 블랙 메탈, 브레이크 댄스, 타자 락, 글램 락, 그런지, 인더스트리얼 락, 지적인 락, 주류 락, 펑크 록, 프로그레시브 락, 리듬 앤 블루스, 로커빌리, 로큰롤, 레게, 레이브, 랩, 심포닉 록, 포크 록, 하드 록, 헤비 메탈,

부록 4

차별화된 순위에 대한 대략적인 티켓

티켓 번호 1

1. 재즈 음악의 기원

2. 프랑스 샹송

티켓 번호 2

1. 아프리카계 미국인 민속의 장르

2. 국내외 대중음악의 대중가요 발전단계

티켓 번호 3.

1. 래그타임

2. 1950년대와 1960년대 미국 록 음악

티켓 번호 4

1. 블루스: 장르 발전 단계

2. 소비에트 미사곡

티켓 번호 5

1. 클래식 재즈. 스윙 스타일

2. 소련의 록 음악

티켓 번호 6

1. 1950년대의 쿨한 스타일과 기타 재즈 무브먼트

티켓 번호 7

1. 재즈 스타일 1960-1970

2. 브리티시 비트 1960년대

티켓 번호 8

1. 비밥 스타일.

2. 록 오페라와 록 뮤지컬

티켓 번호 9

1. 소비에트 이후 러시아 재즈의 발전 방식

2. 클래식 뮤지컬(1920-1930년대)

티켓 번호 10

1. 아방가르드 스타일의 재즈. 프리 재즈

2. 클래식 뮤지컬(1920-1930년대)

티켓 번호 11

1. 소비에트 러시아의 재즈

2. 뮤지컬의 장르: 기원의 역사, 발전의 단계

부록 5

시험에서 학생들의 답을 평가하는 기준:

이론적 자료에 대한 답이 의미 있고, 논리적으로 구성되어 있고, 논의 중인 문제를 충분히 자세하게 드러내고, 용어의 올바른 해석을 기반으로 하고, 음악적이고 예시적인 예가 갖추어져 있는 경우 "우수" 표시가 설정됩니다.

이론적 자료에 대한 답변이 충분히 상세하지 않거나 용어 사용에 사소한 오류가 있는 경우 "양호" 표시가 주어집니다.

"만족" 등급은 이론적 답변이 생성되지 않는 개별적으로 제시된 정보를 기반으로 하는 경우 제공됩니다. 완전한 그림고려중인 문제에 대해 용어에 대한 지식이 부족합니다.

최초의 연극 제작은 한때 거리에서 바로 상연되었습니다. 기본적으로 순회 공연자들이 공연을 합니다. 노래하고 춤추고 다양한 의상을 입고 동물을 묘사 할 수 있습니다. 모두가 최선을 다했습니다. 새로운 종류의 예술이 점차 발전하고 배우들의 기술이 향상되었습니다.

세계 최초의 극장

그리스어로 "극장"이라는 단어는 안경과 안경 자체를 보관하는 장소를 의미합니다. 아마도 최초의 그러한 문화 기관은 그리스에서 발생했을 것입니다. 기원전 V-IV 세기에 일어났습니다. 이자형. 이 시대를 "클래식"이라고합니다. 모든 요소와 구성 요소의 조화와 균형이 특징입니다. 고대 그리스 극장다양한 신의 숭배로 인해 나타났습니다.

디오니소스 극장은 가장 오래된 극장 건물입니다. 포도주 양조, 초목 및 자연의 신은 고대 그리스인들에게 매우 존경 받았습니다. Dionysus는 컬트 의식에 전념했으며 점차 실제 비극과 코미디로 발전했습니다. 의식 축제는 실제 연극 공연으로 바뀌 었습니다. 건물은 야외 공간이었습니다. 관중은 원래 나무 좌석에 위치했습니다. 그래서 존경 고대 그리스가난한 권력자들이 공연을 위해 돈을 받았다는 것. 기혼 여성의 공연 관람은 금지됐다.

첫 번째 예술 사원은 세 가지 주요 부분으로 구성되었습니다.

오케스트라 - 댄서와 합창단이 공연했습니다.
강당 - 오케스트라 주변에 위치;
예술가들의 방이 있던 스케네 빌딩.

커튼도 없고 평소의 장면도 없었지만 모두 여성 역할남자들이 놀았다. 배우들은 한 공연에서 역할을 여러 번 바꿔서 춤과 노래를 완벽하게 소화해야 했다. 마스크를 착용한 배우들의 모습이 달라졌다. 건물 옆에는 디오니소스 신전이 있었다.

고대 극장은 현대의 기초와 본질을 마련했습니다. 드라마 극장은 장르에서 가장 가깝다고 할 수 있습니다. 시간이 지남에 따라 점점 더 다양한 장르가 등장했습니다.

연극 장르

현대 사회의 연극 장르는 매우 다양합니다. 이 예술은 문학, 음악, 안무, 보컬, 미술을 종합합니다. 서로 다른 감정과 상황을 표현합니다. 인류는 끊임없이 진화하고 있습니다. 그 결과, 다양한 장르. 그들은 그들이 태어난 나라에 달려 있습니다. 문화 발전청중의 분위기와 요청에 따라 인구.

드라마, 코미디, 모노드라마, 보드빌, 엑스트라바간자, 패러디, 마임, 소극, 도덕성, 목가적, 뮤지컬, 희비극, 멜로드라마 등 몇 가지 유형의 장르를 나열합니다.

연극 예술의 장르는 서로 경쟁할 수 없습니다. 그들은 나름대로 흥미 롭습니다. 오페라극장을 사랑하는 관객들은 코미디극장을 찾는데 그 못지않은 즐거움을 선사한다.

최대 인기있는 종연극 장르는 드라마, 코미디, 희비극, 뮤지컬, 패러디 및 보드빌입니다.

이 드라마는 비극적인 순간과 코믹한 순간을 모두 가지고 있다. 여기에서 일하는 배우를 보는 것은 항상 흥미 롭습니다. 이 장르의 역할은 단순하지 않으며 시청자를 공감과 분석에 쉽게 참여시킵니다.

코미디 공연의 주요 목표는 시청자에게 웃음을 유발하는 것입니다. 어떤 상황을 웃기려면 배우들도 노력을 많이 해야 한다. 결국 시청자는 그들을 믿어야 합니다! 코미디 역할은 극적인 역할만큼 연기하기 어렵습니다. 동시에 풍자의 요소는 공연을 더 쉽게 볼 수 있게 한다.

비극은 항상 갈등 상황과 관련이 있으며 프로덕션에서 알려줍니다. 이 장르는 고대 그리스에서 처음 등장한 장르 중 하나입니다. 코미디처럼.

많은 팬을 보유하고 있는 뮤지컬입니다. 이것은 춤, 노래, 흥미로운 음모 및 유머가있는 항상 밝은 행동입니다. 이 장르의 두 번째 이름은 뮤지컬 코미디입니다. 19세기 말 미국에 등장했다.

품종

극장 유형은 극장에서 제공되는 장르와 직접적인 관련이 있습니다. 연기의 한 형태로 장르를 많이 표현하지는 않지만. 우리는 그들 중 일부를 나열합니다:

오페라;
극적인;
어린이들;
저자;
한 배우의 극장;
빛의 극장;
뮤지컬 코미디;
풍자 극장;
시 극장;
댄스 극장;
팝;
로봇 극장;
발레;
동물 극장;
장애인 극장;
농노;
그림자 놀이;
판토마임 극장;
노래 극장;
거리.

오페라와 발레 극장

오페라와 발레는 르네상스 시대에 이탈리아에 나타났습니다. 1637년 베니스에서 처음 등장했다. 발레는 궁정에서의 춤에서 변형되어 프랑스에서 별도의 연극 장르로 형성되었습니다. 종종 이러한 유형의 극장은 한 곳에서 결합됩니다.

오페라와 발레는 심포니 오케스트라와 함께합니다. 음악은 이러한 작품의 필수적인 부분이 됩니다. 무대에서 일어나는 모든 일의 분위기, 분위기를 전달하고 배우들의 연기를 강조한다. 오페라 가수그들은 목소리와 감정으로 작업하고 발레 댄서는 움직임을 통해 모든 것을 전달합니다. 오페라와 발레 극장은 항상 가장 아름다운 극장입니다. 그들은 독특한 건축물을 가진 가장 부유한 도시 건물에 위치하고 있습니다. 고급스러운 가구, 아름다운 커튼, 대형 오케스트라 피트- 내부에서 본 모습입니다.

드라마 극장

여기서 주요 장소는 배우와 감독에게 주어집니다. 캐릭터의 캐릭터를 만들어 필요한 이미지로 변형시키는 것은 바로 그들입니다. 감독은 자신의 비전을 전달하고 팀을 이끈다. 드라마 극장은 "경험"의 극장이라고 불립니다. K. S. Stanislavsky는 극적인 배우의 작품을 연구하면서 작품을 썼습니다. 그들은 공연뿐만 아니라 복잡한 음모로 연극을합니다. 드라마 시어터는 레퍼토리에 코미디, 뮤지컬 등을 포함합니다. 뮤지컬 공연. 모든 제작물은 극적 문헌만을 기반으로 합니다.

모든 취향을 위한 극장

뮤지컬 극장 - 무엇이든 볼 수 있는 곳 연극 공연. 오페라, 코미디, 오페레타, 뮤지컬 및 음악이 많은 모든 공연이 상연됩니다. 발레 댄서, 음악가, 배우들이 이곳에서 일합니다. 뮤지컬 극장은 오페라 극장, 발레, 오페레타 극장을 결합합니다. 팝 또는 팝과 관련된 모든 종류의 연극 예술 고전 음악, 이 극장에서 팬을 찾을 수 있습니다.

인형극

이것은 특별한 장소입니다. 여기서 당신은 어린 시절과 기쁨의 세계로 뛰어들 것입니다. 여기의 장식은 항상 화려하여 가장 작은 시청자의 관심을 끌고 있습니다. 인형극은 종종 아이들이 가장 먼저 입장하는 극장입니다. 그리고 극장에 대한 아이의 미래 태도는 경험이없는 관중에게 어떤 인상을 줄 것인지에 달려 있습니다. 다양한 연극 공연은 다양한 유형의 인형을 사용합니다.

최근 인형극 배우들은 스크린 뒤에 숨지 않고 무대 위에서 인형들과 교감한다. 이 아이디어는 유명한 S. V. Obraztsov에 속합니다. 그는 Tyapa라는 장갑 꼭두각시를 손에 들고 무대에서 멋진 미니어처를 연주하여 아버지 역할을했습니다.

이러한 유형의 연극의 기원은 고대 그리스에서 멀리 떨어져 있습니다. 의식용 인형을 만들면서 사람들은 이것이 실제 예술로 발전할 줄 몰랐습니다. 인형극은 예술에 대한 소개일 뿐만 아니라 가장 작은 사람들을 위한 심리적 교정 방법이기도 합니다.

코미디 극장

노래와 춤을 겸비한 배우. 코미디 이미지에 쉽게 익숙해지고 웃기는 것을 두려워하지 않아야 합니다. 매우 자주 "드라마 및 코미디 극장", "뮤지컬 코미디 극장"을 볼 수 있습니다. 하나의 극장에서 여러 장르를 결합해도 그 풍미를 유지하는 데 방해가 되지 않습니다. 레퍼토리에는 오페레타, 풍자 코미디, 뮤지컬, 드라마, 어린이 뮤지컬 공연이 포함될 수 있습니다. 사람들은 즐겁게 코미디 극장에갑니다. 홀은 항상 만원입니다.

버라이어티 극장

비교적 최근에 보충 된 유형의 극장. 그리고 즉시 청중과 사랑에 빠졌습니다. 최초의 버라이어티 극장은 지난 세기 중반에 나타났습니다. 그들은 1939년에 문을 연 레닌그라드의 극장이 되었습니다. 2002년에는 "버라이어티 극장"으로 명명되었습니다. A. I. 라이킨. 다양한 아티스트에는 현대 가수, 댄서, 발표자가 포함됩니다. 버라이어티 아티스트는 현재 쇼 비즈니스 스타, 댄서 및 쇼맨이라고 불립니다.

솔로 콘서트는 종종 버라이어티 극장에서 열리고 기억에 남는 날짜에 대한 콘서트가 열리며 현대 작가의 공연이 열립니다. 코미디언들은 여기에서 콘서트를 열고 공연-만화, 고전 작품 공연을합니다. 뮤지컬 극장은 유사한 공연을 제공할 수 있습니다.

풍자의 극장

우리는 청중을 사랑합니다! 등장 당시부터 마을 사람들의 삶을 보여주고 모든 결점을 보여주고 조롱했다. 배우는 항상 시력으로 알려졌으며 무대뿐만 아니라 영화에서도 코믹한 역할을 완벽하게 수행했습니다. 풍자 극장은 항상 특정 작품을 상연하는 것이 금지된 사람들의 최전방에 있었습니다. 검열과 관련이 있었습니다. 놀리는 부정적인면인간의 행동으로 인해 종종 허용선을 넘는 것이 가능했습니다. 금지는 더 많은 시청자를 끌었습니다. 잘 알려진 풍자 극장의 장엄한 배우 : A. A. Mironov, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Mikhail Derzhavin, Alexander Shirvindt. 이들 덕분에 풍자극장은 관객들의 사랑을 받게 됐다.

시간이 지남에 따라 오랫동안 잊혀졌거나 존재하는 것과 완전히 다른 유형의 극장이 나타납니다.

새로운 트렌드

새로운 유형의 예술 사원은 가장 세련된 시청자를 놀라게 합니다. 얼마 전 폴란드에 최초의 로봇 극장이 나타났습니다. 눈빛과 몸짓으로 감정을 전달하는 로봇 배우들이 연기한다. 공연은 어린이 청중을 위해 설계되었지만 프로젝트 리더는 레퍼토리를 지속적으로 확장하려고 합니다.

여름에는 연극 공연이 거리로 나옵니다. 이미 전통이 되었습니다. 올해는 야외에서 많은 축제가 열렸습니다. 극장 바로 옆에는 작은 무대가 세워져 공연이 완벽하게 진행되었습니다. 오페라와 발레 무용수들조차 이미 극장을 넘어 가능한 한 많은 관객을 끌어들이기 위해 움직이고 있다.

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무대 예술. 버라이어티 아트의 출현과 발전사를 위한 전제 조건 ........................................................................................................................ 3
서커스. 서커스 예술의 특성 ..................................................................................16

사용 문헌 목록 ..................................................20

무대 예술. 팝아트 버라이어티 아트장르 감독의 등장과 발전사를 위한 전제조건

무대의 뿌리는 이집트와 그리스의 예술에서 추적되는 먼 과거로 거슬러 올라갑니다. 무대의 뿌리는 이집트, 그리스, 로마의 예술에서 추적되는 먼 과거로 거슬러 올라갑니다. 그 요소는 순회 코미디언-버푼 (러시아), shpilmans (독일), 저글러 (프랑스), 댄디 (폴란드), mascarabozes (중앙 아시아) 등의 공연에 있습니다.

프랑스의 트루바두르 운동(11세기 말)은 새로운 사회적 관념의 전달자가 되었습니다. 그의 특징은 주문할 음악 작곡, 사랑 가사의 음모에서 군사 지도자의 군사적 착취에 대한 찬미에 이르기까지 다양한 장르의 노래였습니다. 고용된 가수와 유랑 예술가들이 음악적 창의성을 전파합니다. 무대의 뿌리는 이집트, 그리스, 로마의 예술에서 추적되는 먼 과거로 거슬러 올라갑니다. 그 요소는 순회 코미디언-버푼 (러시아), shpilmans (독일), 저글러 (프랑스), 댄디 (폴란드), mascarabozes (중앙 아시아) 등의 공연에 있습니다.

도시 생활과 관습에 대한 풍자, 정치적 주제에 대한 날카로운 농담, 권력에 대한 비판적 태도, 2행시, 코믹 촌극, 농담, 게임, 음악적 기이함은 카니발과 대중 엔터테인먼트의 소음 속에서 태어난 미래 팝 장르의 시작이었습니다. 농담, 재치, 쾌활한 대련의 도움으로 광장과 시장에서 모든 제품을 판매 한 Barkers는 나중에 연예인의 선구자가되었습니다. 이 모든 것은 모든 팝 장르의 존재에 없어서는 안될 조건이었던 방대하고 이해하기 쉬운 성격이었습니다. 모든 중세 카니발 예술가들은 공연을 하지 않았습니다. 공연의 기본은 액션을 하나로 묶는 요소 인 극장과 구별되는 미니어처였습니다. 이 작가들은 인물을 그리는 것이 아니라 늘 자신의 목소리를 내며 관객과 직접 소통한다. 이게 이제 메인 특징현대 쇼 비즈니스.

얼마 후 (18 세기 중반과 말) 음악당, 버라이어티 쇼, 카바레, 장관급 쇼 등 박람회장과 카니발 공연의 모든 경험을 결합하고 현대 엔터테인먼트의 선구자였던 다양한 엔터테인먼트 시설이 외국에 등장했습니다. 조직. 많은 거리 장르가 폐쇄된 공간으로 전환되면서 관객의 입장에서 더 집중된 인식을 요구하는 새로운 조건이 요구됨에 따라 특별한 수준의 공연 예술이 형성되기 시작했습니다. 19 세기 후반에 형성되어 소수의 방문객을 위해 설계된 카페 (chantans, 카페-콘서트)의 활동은 서정적 노래, 엔터테이너, 솔로 댄스, 편심과 같은 실내 장르의 발전을 허용했습니다. 이러한 카페의 성공으로 "Ambassador", "Eldorado"등과 같은 카페 콘서트와 같은 더 크고 멋진 기업이 등장했습니다.

이러한 형식의 공연은 개방성, 간결성, 즉흥성, 축제성, 독창성, 엔터테인먼트와 같은 특성을 특징으로 합니다. 현재 프랑스는 문화 및 엔터테인먼트 센터의 지위를 얻습니다. "Theater Montasier"(버라이어티 쇼) - 뮤지컬, 연극 및 서커스 예술 결합. 1792년에는 보드빌 극장이 큰 인기를 끌었습니다. 극장의 레퍼토리는 코미디 연극으로 구성되어 있으며 대화는 커플, 노래 및 춤과 번갈아 나타납니다. 카바레(흥미로운 성격의 노래와 춤 장르를 결합한 유흥업소)와 오페레타가 큰 인기를 끌었다.

축제 여가의 예술로 발전한 팝 음악은 항상 독특함과 다양성을 위해 노력해 왔습니다. 외부 엔터테인먼트, 빛의 유희, 그림 같은 풍경의 변화, 무대 형태의 변화로 인해 축제의 자기 느낌이 만들어졌습니다.

지난 세기의 20년대 이후 팝 음악은 문화 예술 노동자, 다양한 지식 분야의 연구원들의 관심의 중심에 있었고, 정기간행물 페이지에서 논란의 대상이 되었고 과학계의 논쟁거리가 되었습니다. 러시아 팝아트의 역사를 통틀어 그에 대한 태도는 반복적으로 변했습니다. "국내 과학에서는 사회학, 사회 심리학 및 기타 사회 과학의 틀에서 연구 대상이 된 대중 문화의 표현으로 팝 아트, 이러한 맥락에서 재즈, 록 음악을 고려하는 전통이 발전했습니다. 현대 버라이어티 아트의 문제와 그에 따른 사회문화적 현상에 대한 문화학자와 정치학자들의 관심은 오늘날에도 약해지지 않고 있다.

영화 촬영 기술의 발전은 전 세계적으로 놀라운 영향을 미쳤으며 이후 모든 사회의 직접적인 속성이 되었습니다. 1880년대 후반과 1900년대 초반부터, 그것은 기관으로서 그리고 스펙터클로서 부스의 직접적인 연속인 신흥 국내 무대와 밀접하게 인접해 있었습니다. 테이프는 프로젝션 장비와 함께 밴을 탄 기업가에 의해 도시에서 도시로 운송되었습니다. 전기 부족은 국가의 넓은 지역에서 영화의 발전을 방해했습니다. 이 사실을 감안할 때 기업가들은 영화 배급의 가능성을 크게 확장한 소형 휴대용 발전소를 인수하고 있습니다.

버라이어티 아트는 개방성, 간결성, 즉흥성, 축제성, 독창성, 엔터테인먼트와 같은 특성이 특징입니다.

축제 여가의 예술로 발전한 팝 음악은 항상 독특함과 다양성을 위해 노력해 왔습니다. 외부 엔터테인먼트, 빛의 유희, 그림 같은 풍경의 변화, 무대 형태의 변화 등으로 인해 축제의 느낌이 만들어졌습니다.

종합 예술로서의 다양성은 기악과 성악, 무용과 영화, 시와 그림, 연극과 서커스 등 다양한 장르를 흡수했습니다. 이 모든 것이 아말감처럼 뒤섞여 각자의 독립적인 삶을 살기 시작했고, 합성해도 질리지 않는 명확하고 완성된 장르의 형태로 변해 오늘날까지 있을 곳 없는 새로운 것을 낳고 있다. . 버라이어티 아트는 많은 가지가 있는 거대한 나무와 같습니다. 자라면서 강해지고 새로운 스타일의 새싹이 돋아나는 장르입니다.

“버라이어티 아트는 다양한 장르를 결합하며, 그 공통점은 짧은 시간 내에 공개 시위의 다양한 행동에 쉽게 적응할 수 있고 예술적 표현 수단의 집중으로 창의적 개성을 생생하게 식별하는 데 기여합니다. 연기자, 그리고 살아있는 단어와 관련된 장르 분야에서 시사성 , 유머, 풍자 및 저널리즘 요소의 우세에서 다루는 주제의 심각한 사회적 및 정치적 관련성. 이 품질은 특히 가치가 있으며 동시에 무대에 고유합니다.

다양한 형식과 장르가 무대의 특징임에도 불구하고 세 그룹으로 나눌 수 있습니다.

콘서트 무대 (이전에는 "다양성"이라고 함)는 다양한 콘서트에서 모든 유형의 공연을 결합합니다.

연극 무대(미니어처 극장의 실내 공연, 카바레 극장, 카페 극장 또는 대규모 콘서트 레뷔, 수많은 공연 스태프와 일류 무대 장비를 갖춘 음악 홀);

축제 무대 (민속 축제, 경기장 공휴일, 스포츠 및 콘서트 번호로 가득 차 있으며 무도회, 카니발, 가장 무도회, 축제 등).

다음도 있습니다.

1. 버라이어티 극장

2. 음악당

버라이어티 공연의 기초가 완성 된 숫자라면 어떤 드라마틱 액션과 마찬가지로 리뷰도 무대에서 일어나는 모든 일을 줄거리에 종속시켜야했습니다. 이것은 원칙적으로 유기적으로 결합되지 않았고 프레젠테이션의 구성 요소 중 하나 인 성능, 캐릭터 또는 플롯을 약화 시켰습니다. 이것은 "20 세기의 기적"제작 중에 발생했습니다. 연극은 여러 독립적이고 느슨하게 연결된 에피소드로 나뉩니다. 발레 앙상블과 몇몇 일류 버라이어티 및 서커스 공연만이 관객들에게 성공을 거두었습니다. Goleizovsky가 상연 한 발레 앙상블은 "Hey, let 's go!", "Moscow in the rain", "30 English girls"의 세 가지 숫자를 연주했습니다. 특히 '뱀'의 퍼포먼스가 인상적이었다. 서커스 숫자 중 최고는 Tea Alba와 "Australian Lumberjacks"Jackson과 Laurer였습니다. 알바는 오른손과 왼손으로 두 개의 판에 분필로 동시에 다른 단어를 썼습니다. 경주가 끝날 때 벌목꾼들은 두 개의 두꺼운 통나무를 자르고 있었습니다. 독일 Strodi는 와이어의 우수한 균형 번호를 보여주었습니다. 그는 전선 위에서 공중제비를 했다. 항상 그렇듯이 소련 예술가 중 Smirnov-Sokolsky와 ditties V. Glebova 및 M. Darskaya는 큰 성공을 거두었습니다. 서커스 숫자 중 Zoya와 Martha Koch의 숫자는 두 개의 병렬 와이어에서 두드러졌습니다.

1928년 9월 레닌그라드 음악당 개관식.

3. 미니어처 극장 - 다양한 숫자(독백, 2행시, 패러디, 춤, 노래)와 함께 작은 연극, 스케치, 스케치, 오페라, 오페레타 등 주로 작은 형태로 작업하는 극장 그룹입니다. 레퍼토리는 유머, 풍자, 아이러니가 지배적이며 가사도 배제되지 않습니다. 극단은 작으며 한 배우의 극장, 두 배우가 가능합니다. 간결한 디자인의 공연은 비교적 적은 수의 청중을 위해 설계되었으며 일종의 모자이크 캔버스를 나타냅니다.

4. 무대 위의 대화 장르 - 엔터테이너, 막간, 촌극, 스케치, 스토리, 독백, feuilleton, microminiature (staged anecdote), burime 등 주로 단어와 관련된 장르의 상징.

팝 독백은 풍자적, 서정적, 유머러스할 수 있습니다.

interlude는 독립적인 숫자로 연주되는 재미있는 콘텐츠의 만화 장면 또는 음악 작품입니다.

미니어처는 팝 음악에서 가장 인기 있는 구어체 장르입니다. 오늘 무대에서 인기있는 일화 (게시되지 않음, 인쇄되지 않음-그리스어에서)는 예상치 못한 재치있는 결말이있는 짧은 화제의 구전 이야기입니다.

말장난은 소리가 비슷하지만 소리가 다른 단어를 우스꽝스럽게 사용하여 동등한 단어 또는 조합의 소리 유사성을 사용하는 농담입니다.

Reprise는 가장 일반적인 짧은 구어체 장르입니다.

뮤지컬 및 구어체 장르에는 2행시, ditty, chansonette, 뮤지컬 feuilleton이 포함됩니다.

정확하게 고정 된 음성 장르 목록을 제공하는 것은 불가능합니다. 음악, 춤, 원래 장르 (변형, 통풍 등)로 단어의 예기치 않은 합성이 새로운 장르 형성을 일으 킵니다. 라이브 연습은 모든 종류의 품종을 지속적으로 제공하며, 오래된 포스터에서 배우 이름에 "그의 장르에서"를 추가하는 것이 관례였던 것은 우연이 아닙니다.

5. 재즈 온 스테이지

6. 무대 위의 노래

콘서트 연습에 널리 사용되는 보컬(보컬-악기) 미니어처. 무대에서는 가소성, 의상, 조명, 미장센("노래 극장")의 도움을 받아 무대 "게임" 미니어처로 해결되는 경우가 많습니다. 어떤 경우에는 작곡가의 "공동 저자"가되는 연주자의 성격, 재능 및 기술이 가장 중요합니다.

간단한 설명

무대예술의 역사. 에스트라다: 용어의 일반적인 의미에서 그것은 무엇입니까? 무대 위의 인형들

3. 징계 프로그램 시행 조건

3.2. 교육 정보 지원

서지

4. 훈련을 마스터한 결과의 통제 및 평가

규율 마스터 결과의 제어 및 평가는 실습 및 실험실 작업, 테스트, 개별 작업, 프로젝트 및 학생의 연구 수행 과정에서 교사가 수행합니다.

코스별 엄선된 음반