hjem › Testkjøringer › Funksjoner ved komposisjonen til stykket "The Cherry Orchard. Funksjoner ved å undervise i et dramatisk arbeid på skolen etter eksemplet med A.P. Chekhovs skuespill "The Cherry Orchard" Eventserie i stykket The Cherry Orchard

Funksjoner ved komposisjonen til stykket "The Cherry Orchard. Funksjoner ved å undervise i et dramatisk arbeid på skolen etter eksemplet med A.P. Chekhovs skuespill "The Cherry Orchard" Eventserie i stykket The Cherry Orchard

UTDANNINGSBYRÅET I DEN RUSSISKE FØDERASJON

STATS UTDANNINGSINSTITUTION

HØYERE PROFESJONELL UTDANNING

MOSKVA STATSuniversitetet

KULTUR OG KUNST.

Regissørens analyse av stykket

Anton Pavlovich Tsjekhov

"Kirsebærhagen"

kurs: "Russisk dramaturgis historie"

Utført: 2. års student

gruppe 803

Minenko V.S.

Krysset av: Lidyaeva S.V.

Naberezhnye Chelny 2010

Stykket «Kirsebærhagen» er Tsjekhovs siste verk. På åttitallet formidlet Tsjekhov den tragiske situasjonen til mennesker som har mistet meningen med livet. Stykket ble satt opp på Kunstteateret i 1904. Det tjuende århundre kommer, og Russland er endelig i ferd med å bli et kapitalistisk land, et land med fabrikker, planter og jernbaner. Denne prosessen akselererte med frigjøringen av bøndene av Alexander II. Funksjonene til det nye forholder seg ikke bare til økonomien, men også til samfunnet, ideene og synspunktene til mennesker endrer seg, det gamle verdisystemet går tapt.

Tsjekhov er preget av en objektiv måte å fortelle på; stemmen hans blir ikke hørt i prosa. I dramaet er det umulig å høre forfatterens egen stemme i det hele tatt. Og likevel komedie, drama eller tragedie "The Cherry Orchard"? Å vite hvordan Tsjekhov ikke likte sikkerhet og følgelig ufullstendigheten av dekningen av et livsfenomen med alle dets kompleksiteter, bør man svare nøye: litt av hvert. Teateret vil fortsatt ha det siste ordet i denne saken.

IDÉ OG TEMATISK ANALYSE AV LEKET

Emne:

Tsjekhov, som er etterfølgeren til Ivan Sergeevich Turgenev, fremhever også problemet med edle reirs død i skuespillet Kirsebærhagen. Hovedtemaet for hans arbeid er temaet om den utadvendte verden.

Stykket finner sted på eiendommen til grunneieren Lyubov Andreevna Ranevskaya. Stykkets sosiale konflikt er konflikten mellom den utgående adelen og borgerskapet som kom for å erstatte det. En annen historie er en sosioromantisk. "Hele Russland er vår hage" - så sier Tsjekhov selv gjennom leppene til heltene sine. Men drømmen til Anya og Petya Trofimov blir knust av det praktiske til Lopakhin, etter hvis vilje Kirsebærhagen.

Idé:

Tsjekhov var ingen revolusjonær. Derfor klarte han ikke å finne en reell vei ut av krisen Russland var i. Forfatteren føler dypt med de nye fenomenene som finner sted i landet, han hater den gamle livsstilen. Mange forfattere har videreført Tsjekhovs tradisjoner.

Super oppgave:

Kirsebærhagen er et mangefasettert verk. Tsjekhov kom inn på mange problemer i den som ikke har mistet sin relevans selv i dag. Men hovedspørsmålet er selvsagt spørsmålet om motsetninger mellom den gamle og den nye generasjonen. Disse motsetningene ligger til grunn for stykkets dramatiske konflikt. Den utadvendte verden av adelsmenn motarbeides av representanter for det nye samfunnet.

Tsjekhovs skuespill "Kirsebærhagen" gjenspeiler et vendepunkt - en tid da det gamle allerede var dødt, og det nye ennå ikke var født, og nå stoppet livet opp et øyeblikk, roet seg ... Hvem vet, kanskje dette er stille før stormen? Ingen vet svaret, men alle venter på noe ... På samme måte ventet han, kikket inn i det ukjente, og Tsjekhov, i påvente av slutten på livet sitt, ventet på hele det russiske samfunnet, led av usikkerhet og være rådvill. En ting var klart: det gamle livet var uopprettelig borte, og en annen kom for å erstatte det... Hvordan ville det være, dette nye livet?

Livets sannhet i all dens sekvens og fullstendighet - dette er hva Tsjekhov ble styrt av da han lagde bildene sine. Det er derfor hver karakter i skuespillene hans er en levende menneskelig karakter, tiltrekker seg med stor mening og dyp emosjonalitet, overbevisende med sin naturlighet, varme av menneskelige følelser.

På grunn av sin direkte følelsesmessige innvirkning er Tsjekhov kanskje den mest fremragende dramatikeren innen kritisk realisme.

Tsjekhovs dramaturgi, som reagerte på de aktuelle spørsmålene i sin tid, tok opp de daglige interessene, følelsene og bekymringene til vanlige mennesker, vekket protestånden mot treghet og rutine, og ba om sosial aktivitet for å forbedre livet. Derfor har det alltid hatt stor innvirkning på lesere og seere. Betydningen av Tsjekhovs dramaturgi har for lengst gått utover grensene til vårt hjemland, den har blitt global. Tsjekhovs dramatiske innovasjon er allment anerkjent utenfor vårt store hjemland. Jeg er stolt over at Anton Pavlovich er en russisk forfatter, og uansett hvor forskjellige kulturmestrene er, er de nok alle enige om at Tsjekhov med verkene sine forberedte verden på et bedre liv vakrere, mer rettferdig, mer fornuftig.

KOMPOSISJONSANALYSE AV STYKKET

akt nummer, handling	Hendelsesserie (fakta om hendelser)	Elementnavn hendelsesserie	Navn (komponent) komposisjonsstruktur
Akt én	Handlingen finner sted i boet til L. A. Ranevskaya. Lyubov Andreevna, Anya, Charlotte Ivanovna med en hund på en kjede, Yasha kom tilbake fra Paris. Anya sa at de ikke hadde en krone igjen, at Lyubov Andreevna allerede hadde solgt hytten nær Mentona, hun hadde ingenting igjen, "vi kom så vidt." Lopakhin sa at kirsebærhagen ble solgt for gjeld, og en auksjon var planlagt til 22. august. Og han foreslo sitt eget prosjekt: å rive huset, hugge ned kirsebærhagen og bryte jorda langs elva til sommerhytter og så leie det ut til sommerhus. Lopakhin dro til Kharkov i tre uker. Gaev foreslo at Anya skulle gå til Yaroslavl til tanten-grevinnen (bestemoren) for å be om penger til å betale renter, siden hun er veldig rik. Anya var enig. Alle gikk og la seg.	Kildehendelse, ankerhendelse	Eksponering. Starter med en relativt treg intro. Bevegelsen av første akt er ganske rask, kraftig, med en konsekvent økning i antall hendelser og karakterer, ved slutten av første akt kjenner vi allerede alle karakterene med deres gleder og sorger, kortene er åpne og det er ingen "hemmelighet" der.
Handling to	Handlingen foregår på et felt hvor det er et gammelt, skjevt, forlengst forlatt kapell. Dunyashas kjærlighet til Yasha vises. Etter Gaev bestemte Lyubov Andreevna og Lopakhin hva de skulle gjøre med boet og hvordan de skulle betale ned gjeld. De fikk senere selskap av Trofimov, Anya og Varya. Varya var gift med Lopakhin. Lyubov Andreevna ga en av de siste gullmyntene til en forbipasserende. Alle dro unntatt Anya og Trofimov. De bekjente sin kjærlighet til hverandre og dro til elven for at Varya ikke skulle finne dem. Handlingen ble avsluttet med Varyas stemme: «Anya! Anya!	uavgjort arrangement	Slips. Handlingen er langsom, andante, bevegelse og generell tone er dempet, den generelle karakteren er lyrisk meditasjon, til og med elegi, samtaler, historier om seg selv. I denne handlingen er kulminasjonen psykologisk forberedt - konstruksjonene og ambisjonene til aktørene som var planlagt i begynnelsen utvikler seg, intensiveres, får en nyanse av utålmodighet, behovet for å bestemme noe, for å endre noe for seg selv.
Tredje akt	Kveld. Handlingen foregår i stua. Den generelle forventningen til Lopakhin og Gaev, som skulle komme fra auksjonen. Charlotte viste triks til Pishchik og alle andre. Borte. Pishchik skyndte seg etter henne. Lyubov Andreevna rapporterte at Yaroslavl-bestemoren sendte femten tusen for å kjøpe eiendommen i hennes navn, og disse pengene var ikke engang nok til å betale renter. Trofimovs krangel med Lyubov Andreevna, hvoretter han, forlot, falt ned trappene. Anya lo. Alle danset. Varya utviste Epikhodov, fordi han ikke gjorde noe, brøt biljardkøen og kranglet også. Lopakhin og Gaev dukket opp. Lopakhin sa at han kjøpte eiendommen deres. Lyubov Andreevna begynte å gråte. Varya, forlot nøklene, gikk, Anna ble igjen for å trøste moren.	Key Event (Main Event), Climax Event	Klimaks. Bevegelsen i tredje akt er animert og foregår på bakgrunn av spennende hendelser.
akt fire	Scenery av første akt. Føles tomt. Alle var i ferd med å gå. Lopakhin, fornøyd, tilbød seg å ta en drink på banen. Jeg ønsket å gi Trofimov penger. Han nektet. Du kan høre lyden av en øks som banker mot tre i det fjerne. Alle trodde at Firs allerede var tatt til sykehuset. Lopakhin turte ikke å fri til Varya. Lyubov Andreevna og Gaev, gråtende, sa farvel til huset og dro. De lukket døren. De syke granene, som var blitt glemt, dukket opp i rommet. Lyden av en brukket streng og lyden av en øks på tre.	Siste arrangement	Utveksling. Den siste akten er uvanlig i oppløsningens natur. Bevegelsen hans bremses ned. "Stigningseffekten erstattes av fall-off-effekten." Denne lavkonjunkturen bringer handlingen etter eksplosjonen tilbake til sitt vanlige spor ... Den daglige flyten av livet fortsetter. Tsjekhov kaster et blikk inn i fremtiden, oppløsning som fullføring menneskeskjebner han har ikke... Derfor ser første akt ut som en epilog, den siste - som en prolog til et uskreven drama.

Funksjoner ved poetikk " nytt drama". Først av alt ødelegger Tsjekhov "gjennom handlingen", nøkkelbegivenheten som organiserer plotenheten til det klassiske dramaet. Dramaet faller imidlertid ikke fra hverandre, men er satt sammen på grunnlag av en annen, indre enhet. Karakterenes skjebner, med alle deres forskjeller, med all deres plotuavhengighet, "rimer", ekkoer hverandre og smelter sammen til en felles "orkesterlyd". Fra mange forskjellige, parallelle utviklingsliv, fra de mange stemmene til forskjellige helter, vokser en enkelt "korskjebne", en felles stemning dannes for alle. Det er derfor de ofte snakker om "polyfonien" i Tsjekhovs dramaer og til og med kaller dem "sosiale fuger", og trekker en analogi med den musikalske formen, der fra to til fire spiller og utvikler seg samtidig. musikalske temaer, melodier.

I Tsjekhovs drama er taleindividualiseringen av karakterenes språk bevisst tilslørt. Talen deres er individualisert bare så mye at den ikke faller ut av den generelle tonen i dramaet. Av samme grunn er talen til Tsjekhovs helter melodiøs, melodiøs, poetisk intens: "Anya. Jeg går og legger meg. God natt, mor". La oss lytte til denne setningen: vi har foran oss en rytmisk organisert tale, nærmest ren jambisk. Den samme rollen spilles i dramaer av den så ofte møtte rytmiske repetisjonen: "Men det viste seg å være det samme, alt det samme." Denne svekkelsen av Ostrovskys favoritttaleindividualisering og språkets poetiske oppstemthet er nødvendig for at Tsjekhov skal skape en generell stemning som gjennomsyrer hans drama fra begynnelse til slutt og reduserer talemangfoldet og absurditeten som hersker på overflaten til kunstnerisk integritet.

PSYKOLOGISK ANALYSE AV LEKET

Tsjekhovs drama gjennomsyrer atmosfæren av generelle problemer. Det er ingen glade mennesker i det.

Generelle problemer er komplisert og forsterket av følelsen av generell ensomhet. Døvegraner i denne forstand er en symbolsk figur. Han dukker opp for første gang foran publikum i gammelt liv og i høy hatt, og går over scenen og snakker med seg selv, men ikke et eneste ord kan forstås. Lyubov Andreevna forteller ham: "Jeg er så glad for at du fortsatt er i live," og Firs svarer: "I forgårs." I hovedsak er denne dialogen en grov modell for kommunikasjon mellom alle karakterene i Tsjekhovs drama. Dunyasha i The Cherry Orchard deler med Anya, som ankom fra Paris, en gledelig begivenhet: "Klerken Epikhodov ga meg et tilbud etter helgenen," svarte Anya: "Jeg mistet alle hårnålene." I Tsjekhovs drama er det en spesiell atmosfære av døvhet - psykologisk døvhet. Folk er for selvopptatte egne saker, sine egne problemer og feil, og derfor hører de ikke hverandre godt. Kommunikasjon mellom dem blir neppe til en dialog. Med gjensidig interesse og velvilje kan de ikke komme gjennom til hverandre på noen måte, siden de "snakker til seg selv og for seg selv" mer.

Kjennetegn på konflikten:

A.P. Chekhov kalte verket hans "The Cherry Orchard" en komedie. Etter å ha lest stykket, tilskriver vi det mer tragedie enn komedie. Det virker for oss tragiske bilder Gaev og Ranevskaya, deres skjebner er tragiske. Vi føler med og føler med dem. Først kan vi ikke forstå hvorfor Anton Pavlovich klassifiserte skuespillet hans som en komedie. Men når vi leser verket på nytt, forstår det, finner vi fortsatt oppførselen til slike karakterer som Gaev, Ranevskaya, Epikhodov, noe komisk. Vi tror allerede at de selv har skylden for sine problemer, og kanskje fordømmer vi dem for dette. Hvilken sjanger tilhører A.P. Tsjekhovs skuespill «Kirsebærhagen» komedie eller tragedie? I stykket "The Cherry Orchard" ser vi ikke en lys konflikt, alt, ser det ut til, flyter som vanlig. Stykkets helter oppfører seg rolig, det er ingen åpne krangler og sammenstøt mellom dem. Og likevel føler vi eksistensen av en konflikt, men ikke åpen, men intern, skjult i den stille, ved første øyekast, fredelige atmosfæren i stykket. Bak de vanlige samtalene til verkets helter, bak deres rolige holdning til hverandre, ser vi dem. intern misforståelse av andre. Vi hører ofte bemerkninger fra karakterer som ikke er på plass; vi ser ofte deres fjerne blikk, som om de ikke hører andre.

Men hovedkonflikten i stykket "Kirsebærhagen" ligger i misforståelsen av generasjon for generasjon. Det virker som om tre ganger krysses i stykket: fortid, nåtid og fremtid. Disse tre generasjonene drømmer om sin tid, men de snakker bare og kan ikke gjøre noe for å forandre livene deres.Gaev, Ranevskaya, Graner tilhører den forrige generasjonen; til dagens Lopakhin, og representanter for den fremtidige generasjonen er Petya Trofimov og Anya.

Lyubov Andreevna Ranevskaya, en representant for den gamle adelen, snakker konstant om sine beste unge år i et gammelt hus, i en vakker og luksuriøs kirsebærhage. Hun lever bare med disse minnene fra fortiden, hun er ikke fornøyd med nåtiden, og hun ønsker ikke engang å tenke på fremtiden. Og vi synes infantilismen hennes er latterlig. Og hele den gamle generasjonen i dette stykket tenker på samme måte. Ingen av dem prøver å endre noe. De snakker om det «vakre» gamle livet, men selv ser de ut til å resignere med nåtiden, lar alt gå sin gang, gir etter uten å kjempe for ideene sine. Og derfor fordømmer Tsjekhov dem for dette.

Lopakhin er en representant for borgerskapet, en helt for nåtiden. Han lever for i dag. Vi kan ikke unngå å legge merke til at ideene hans er smarte og praktiske. Han har animerte samtaler om hvordan man kan forandre liv til det bedre, og ser ut til å vite hva han skal gjøre. Men alt dette er bare ord. Lopakhin er faktisk heller ikke den ideelle helten i stykket. Vi føler hans selvtillit. Og på slutten av Verket ser det ut til at hendene faller ned, og han utbryter: "Vårt klønete, ulykkelige liv vil helst forandre seg!".

Stykket har ikke et klassisk plot, klimaks og dramatisk handling i klassisk forstand av disse konseptene. Kirsebærhagen, som alle Tsjekhovs skuespill, skiller seg fra de vanlige dramatiske verkene. Den er blottet for spektakulære scener og eksternt mangfold.

Hovedbegivenheten - salget av eiendommen med en kirsebærhage - finner sted ikke foran publikum, men bak kulissene. På scenen ser seeren scener fra hverdagen (folk snakker om hverdagens bagateller, krangler og sminker seg, gleder seg over møtet, trist over den kommende separasjonen).

Det er 4 handlinger i komedie som ikke er delt inn i fenomener. Tidsbegrensningene for stykket er fra mai til oktober. Komposisjonen er sirkulær - stykket begynner med ankomsten til Ranevskaya fra Paris og slutter med hennes avreise til Paris.

Selve komposisjonen gjenspeiler det tomme, kjedelige og begivenhetsrike livet til adelen. For å forstå forfatterens holdning til det som skjer og karakterene, må man følge nøye med på det nøye gjennomtenkte bildesystemet, arrangementet av karakterer, vekslingen av mise-en-scenes, lenkingen av monologer og dialoger, individuelle bemerkninger og forfatterens bemerkninger.

Akt én

Eksponering. Karakterene venter på ankomsten til Ranevskaya fra Paris. Betrakteren ser situasjonen i huset, der alle snakker og tenker på sitt eget, der en atmosfære av fremmedgjøring og splittelse hersker.

Slips. Ranevskaya dukker opp sammen med datteren. Det viser seg at boet er ute på auksjon. Lopakhin foreslår å gi det til dachas, men Gaev og Ranevskaya er ikke i stand til å ta en slik avgjørelse.

Dette er begynnelsen på en konflikt, men ikke så mye mellom mennesker, men mellom generasjoner, fortid og nåtid. Kirsebærhagen er en metafor for den vakre fortiden til adelen som ikke klarer å beholde den. Tiden i seg selv bringer konflikt.

Handling to

Handlingsutvikling. Skjebnen til kirsebærhagen og Ranevskaya-godset blir avgjort.

Tredje akt

Klimaks. Et sted bak kulissene pågår salget av eiendommen og kirsebærhagen, og fortsetter
scene - et latterlig ball arrangert av Ranevskaya med de siste pengene.

akt fire

Utveksling. Etter å ha løst problemet, roer alle seg ned og skynder seg inn i fremtiden - de sprer seg. Økseslag høres - de hogger ned en kirsebærhage. I sluttscenen blir den gamle tjeneren Firs igjen i det oppbygde huset.

Originaliteten til komposisjonen ligger i handlingens naturlige utvikling, komplisert av parallelle linjer, digresjoner, hverdagslige bagateller, ekstraplottmotiver og i dialogenes natur. Dialoger er mangfoldige i innhold (hverdagslige, komiske, lyriske, dramatiske).

Hendelsene i stykket kan bare kalles en repetisjon av konflikten som vil skje i fremtiden. Det er ikke kjent hva som vil skje med karakterene i stykket videre og hvordan livet deres vil bli.

Dramatisk" kirsebærhage"saken er tragiske hendelser finne sted etter slutten av stykket. Forfatteren avslører ikke hva som venter karakterene i fremtiden, som sådan er det ingen oppløsning. Derfor ser første akt ut som en epilog, og siste akt ser ut som en prolog til dramaet.

Ja, forstår. At alt tok slutt, for nesten to århundrer siden, men med tanker om å vandre i nattskogen og fortsatt ikke høre lyden av en vedhogger.

Vi nærmer oss en spesifikk vurdering av ferdighetene til A.P. Chekhov i stykket "Kirsebærhagen". Først passerer vi sammendrag dramaer, bestemmer vi det ideologiske og tematiske grunnlaget i karakterene. Vi navngir emnet, vi definerer handling, stopper vi oppmerksomheten på hovedkomponentene i stykket.

Dette arbeidet har tre økter. Samtalen fokuserte på følgende spørsmål:

1. Nevn de sosiale typene av bred og dyp generalisering, noter deres personlige egenskaper, fremhev deres ledende trekk og bevis at det ledende trekk dominerer, men ikke absorberer andre.
2. Når du analyserer stykket, fremhev karakterene til sterk drama og komedie. Hvordan er lyrikken, de sublime følelsene til heltinnen presentert av forfatteren?
3. Vær oppmerksom på originaliteten til karakterenes språk.
4. Bestem forfatterens posisjon.
5. Legg merke til den stilistiske enheten til alle komponentene.

Stykket "The Cherry Orchard" ble skrevet av A.P. Chekhov i 1903. Ikke bare den sosiopolitiske verden, men også kunstens verden trengte fornyelse. A.P. Chekhov, vesen talentfull person, som viste sin dyktighet i noveller, går inn i dramaturgien som innovatør. Etter premieren på stykket "The Cherry Orchard" blusset det opp mye kontrovers blant kritikere og tilskuere, blant skuespillere og regissører om ca. sjangertrekk spiller. Hva er The Cherry Orchard når det gjelder sjanger - drama, tragedie eller komedie

Mens han jobbet med stykket, snakket A.P. Chekhov i brev om karakteren hennes som helhet: "Jeg kom ikke ut med et drama, men en komedie, noen steder til og med en farse ...". I brev til Vl. A.P. Chekhov advarte I. Nemirovich-Danchenko om at Anya ikke skulle ha en "gråtende" tone, at det generelt ikke burde være "mye gråt" i stykket. Produksjonen, til tross for den rungende suksessen, tilfredsstilte ikke A.P. Chekhov. Anton Pavlovich uttrykte misnøye med den generelle tolkningen av stykket: «Hvorfor kalles skuespillet mitt så hardnakket et drama på plakater og i avisannonser? Nemirovich og Alekseev (Stanislavsky) ser positivt i skuespillet mitt noe annet enn det jeg skrev, og jeg er klar til å gi noen ord om at de begge aldri har lest skuespillet mitt oppmerksomt.

Dermed insisterer forfatteren selv på at Kirsebærhagen er en komedie. Denne sjangeren utelukket slett ikke det alvorlige og triste i A.P. Chekhov. Stanislavsky brøt åpenbart Tsjekhovs mål i forholdet mellom det dramatiske og det komiske, det triste og det morsomme. Resultatet ble et drama der A.P. Chekhov insisterte på en lyrisk komedie.

En av egenskapene til The Cherry Orchard er at alle karakterene presenteres i et dobbelt, tragikomisk lys. Det er rent komiske karakterer i stykket: Charlotte Ivanovna, Epikhodov, Yasha, Firs. Anton Pavlovich Chekhov ler av Gaev, som "levde formuen sin på godteri", av den tidlige Ranevskaya og hennes praktiske hjelpeløshet. Selv over Petya Trofimov, som, det ser ut til, symboliserer fornyelsen av Russland, er A.P. Chekhov ironisk og kaller ham en "evig student". Denne holdningen til forfatteren Petya Trofimov fortjente hans ordlyd, som A.P. Chekhov ikke tolererte. Petya ytrer monologer om arbeidere som «spiser motbydelig, sover uten puter», om de rike som «lever i gjeld, på andres bekostning», om en «stolt person». Samtidig advarer han alle om at han er «redd for seriøse samtaler».

Petya Trofimov, som ikke har gjort noe på fem måneder, fortsetter å fortelle andre at "vi må jobbe." Og dette er med den hardtarbeidende Varya og den forretningsmessige Lopakhin! Trofimov studerer ikke, fordi han ikke kan studere og forsørge seg selv samtidig. veldig skarp, men nøyaktig beskrivelse i forhold til "spiritualitet" og "takt", gir Trofimova Petya Ranevskaya: "... Du har ingen renhet, men du er bare en ryddig person." A.P. Chekhov snakker med ironi om sin oppførsel i bemerkninger. Trofimov roper nå "med gru," nå, kvalt av indignasjon, kan han ikke si et ord, nå truer han med å forlate og kan ikke gjøre det på noen måte.

A.P. Chekhov har visse sympatiske notater i bildet av Lopakhin. Han gjør alt for å hjelpe Ranevskaya med å beholde eiendommen. Lopakhin er følsom og snill. Men i dobbel dekning er han langt fra ideell: det er en forretningsmangel på vinger i ham, Lopakhin er ikke i stand til å bli revet med og elske. I forholdet til Varya er han komisk og keitete. Den kortsiktige feiringen knyttet til kjøpet av en kirsebærhage blir raskt erstattet av en følelse av motløshet og tristhet. Lopakhin uttaler med tårer en betydningsfull setning: "Å, hvis bare alt dette ville passere, hvis bare vårt vanskelige, ulykkelige liv på en eller annen måte ville endre seg." Her berører Lopakhin direkte hovedkilden til drama: han er ikke i kampen om kirsebærhagen, men i misnøye med livet, opplevd annerledes av alle historiens helter. Livet fortsetter absurd og keitete, og bringer verken glede eller lykke til noen. Dette livet er ulykkelig ikke bare for hovedpersonene, men også for Charlotte, ensom og ubrukelig, og for Epikhodov med hans konstante feil.

Det er en stor litteratur om The Cherry Orchard, inkludert metodologisk litteratur, som vil hjelpe læreren til å bygge interessante og kreative klasser for studiet av dette særegne skuespillet av Tsjekhov.

«Kirsebærhagen» er det kunstneriske resultatet av den store russiske forfatterens observasjoner av de sosiale prosessene som fant sted i den moderne virkeligheten. Stykket utviklet et viktig sosialt tema som begeistret forfatterens fantasi gjennom hele hans kreative liv, og startet med det første ungdomsspillet uten tittel, og som fikk en kunstnerisk fullstendig fullføring i det siste stykket, Kirsebærhagen. Dette er temaet for adelens materielle utarming og moralske forfall og overføringen av edle reir i hendene på en ny eier - den borgerlige.

Det dype sosiale innholdet i stykket kommer til uttrykk på en subtil, særegen kunstnerisk måte. Vl. I. Nemirovich-Danchenko kalte Kirsebærhagen Tsjekhovs mest raffinerte verk, og fant i stykket "subtil, delikat skrift, realisme finslipt til symboler, følelsenes skjønnhet."

K. S. Stanislavsky skrev til Anton Pavlovich: «Etter min mening er The Cherry Orchard ditt beste skuespill. Jeg ble enda mer forelsket i henne enn den søte "Måken" ... Den har mer poesi, tekster, scenetilstedeværelse, alle rollene, inkludert forbipasserende, er strålende ... jeg er redd for at alt dette er også subtil for publikum. Hun vil ikke snart forstå alle finessene. Kanskje jeg er partisk, men jeg finner ingen feil i stykket. Det er en: hun krever for store og tynne skuespillere for å avsløre alle skjønnhetene sine.

Tsjekhovs skuespill er et ganske komplekst verk, til tross for dets klare generelle sosiale mønster. Kompleksiteten i stykket ligger i allsidigheten og inkonsekvensen til individuelle bilder og Tsjekhovs særegne holdning til disse karakterene. Kompleksitet ideologisk innhold Tsjekhovs skuespill førte til forskjellige tolkninger av noen av bildene og betydningen av stykket i litterær og teatralsk kritikk, til forskjellige scene-"tolkninger av The Cherry Orchard.

For elever i niende klasse som studerer The Cherry Orchard, vil en viss vanskelighet med å analysere dette stykket være et utmerket insentiv for grundig arbeid med dette arbeidet, for arbeidet med uavhengig tanke, for "oppdagelser", for å tilegne seg ferdighetene til en subtil analyse av komplekse litterære fenomener.

Prosessen med bildeanalyse bør bestå i det faktum at elevene, etter å ha mottatt den tilsvarende oppgaven fra læreren, først uavhengig avslører egenskapene til karakterene til karakterene, basert på teksten til stykket, og deretter oppsummerer læreren og korrigerer , supplere og systematisere materialet foreslått av studentene. I noen tilfeller er kritisk og scenemateriale involvert.

Ved å analysere bildene til den yngre generasjonen, legge merke til en viss vaghet, ubestemthet av disse bildene (Tsjekhov selv snakket om "ufullstendigheten til en student Trofimov"), bør studentene komme til den konklusjon at denne "ufullstendigheten" ikke er tilfeldig, det er et uttrykk av usikkerheten i Tsjekhovs sosiale idealer. Ved å avsi dommen over fortiden og nåtiden, forestilte Tsjekhov seg vagt en bedre fremtid, som han drømte om og etterlyste.

Det er nyttig å stoppe elevenes oppmerksomhet på figuren til en forbipasserende for å finne ut det interessante spørsmålet om hvilken funksjon dette episodiske bildet utfører i stykkets bildesystem. Dette spørsmålet ser ut til å være riktig besvart. Nasjonal kunstner USSR N.V. Petrov: "Den episodiske figuren til en forbipasserende fra andre akt av The Cherry Orchard er nødvendig som en opposisjon til en annen verden som Ranevskys ikke kjenner, som de er redde for og er klare til å gi alt i frykt, om bare han forstyrrer ikke deres stille liv.»

Spørsmålet om sjangeren til The Cherry Orchard er fortsatt kontroversielt. Denne omstendigheten kan tjene som grunnlag for en debatt i klasserommet. Bør studentene først bli bedt om å løse forfatterens tvist med Moskva kunstteater på egen hånd og forberede seg på en debatt om emnet: "Kirsebærhagen" - et drama eller en komedie?" Etter debatten oppsummerer, oppsummerer og supplerer læreren stoffet i tvisten, og trekker en konklusjon. Etter vår mening, siste ord lærere etter tvisten bør inneholde slike grunnleggende bestemmelser.

Tsjekhov fulgte allerede i stykket "Ivanov" sitt berømte prinsipp: "La alt være like komplisert og samtidig enkelt på scenen som i livet." I Ivanov, som i påfølgende hendelser, inkludert Kirsebærhagen, søker ikke Tsjekhov å presse inn et kompleks viktig innhold, innenfor de snevre grensene til «rene» sjangere. Han har verken dramaer eller komedier i «ren» form; skuespillene hans ble preget av et karakteristisk trekk - de, som i livet, kombinerer heterogene elementer, derfor kan hans dramatiske verk kalles som Dobrolyubov kalte Ostrovskys skuespill: disse er "livets skuespill". full dyp betydning Tolstojs definisjon av forfatteren Tsjekhov som "livets kunstner".

People's Artist of the USSR B. Zakhava påpekte dette trekket ved Tsjekhovs dramaturgi: «Med overraskende utholdenhet, de fleste av skuespillene hans, fordi han ikke ønsket å lytte til noen innvendinger, erklærte han komedier. Men hvor mange tekster, tårer, tristhet og noen ganger de mest virkelige tragiske tonene er det i disse "komediene!"

I denne forbindelse er det fornuftig å Gorkys definisjon sjanger av Tsjekhovs skuespill: lyrisk komedie. Poenget her er ikke bare i individuelle lyriske scener (forholdet mellom Petya og Anya, avskjeden til Gaev og Ranevskaya i siste akt), men i ideens dype lyrikk. og undertekst av stykket. I The Cherry Orchard manifesterte Tsjekhovs lyrikk seg, det vil si en rent individuell, opphisset oppfatning av livet, hans dype tanker om Russlands nåtid og fremtid.

De komiske og satiriske elementene i Tsjekhovs skuespill har sine egne særtrekk. Den kjente tsjekkiske lærde V. Ermilov i en anmeldelse av stykket "Kirsebærhagen" ved Central Television and Television Theatre (V. Ermilov. "Søket fortsetter." " Sovjetisk kultur”, 29. april 1995. Det ville være nyttig å gjøre studentene kjent med denne anmeldelsen, som har en karakteristisk tittel: søket etter en “nøkkel” for å “oppdage” uavslørte hemmeligheter fra Tsjekhov kunstneren fortsetter i vår tid) korrekt bemerket disse funksjonene : "Det er en spesiell, subtil, "umerkelig" Tsjekhovs satire - dempet satire .., en slags lyrisk-satirisk Tsjekhovs komedie ... "

En rekke andre spennende spørsmål kan dukke opp for elever i niende klasse som studerer Tsjekhovs komplekse skuespill.

Hvorfor krevde Tsjekhov fra direktørene for Kirsebærhagen i landskapsdesign Act 2, der Trofimov leverer en patriotisk monolog om Russland, et betydelig stykke unna? Dette er ingen tilfeldighet. Et av trekkene til steppelandskapet som Tsjekhov likte, assosiert med store vidder, er avstanden - denne landskapsdetaljen ble meningsfull i Tsjekhov. Det er forbundet med ideen om behovet for at en person hele tiden strever fremover, mot et stort mål i livet. Den patriotiske tanken til forfatteren om den lyse fremtiden til moderlandet var også forbundet med den.

I andre akt av "The Cherry Orchard" leser vi bemerkningen: "Plutselig høres en fjern lyd, som fra himmelen, lyden av en knekt streng, falmende, trist." Lopakhin antyder at et sted i gruvene har en bøtte falt av. Tsjekhov, som gjentatte ganger hadde vært i den nordlige Donbass-delen av Taganrog-distriktet, observerte hvordan kullgruver dukket opp i dette området med primitiv teknikk- bøtter falt ofte av i gruvene, og lyden fra bøtta som falt til bunnen av gruven feide illevarslende gjennom nattens stillhet og «spredte» seg over steppen. Tsjekhov gjorde en god jobb med å formørke denne lyden i steppen. Forfatteren nevnte ham først i historien "Happiness" (1887), og deretter i stykket "The Cherry Orchard". Hvis Tsjekhov i historien formidlet inntrykket av denne lyden i et figurativt uttrykk - den "sendes ut" i steppen, sammenlignes i stykket lyden av en bøtte som faller til bunnen av gruven med den falmende lyden av en brukket streng.

Hvorfor snakker Lola hin om denne lyden? Hvorfor drar Lopakhin til Kharkov etter å ha skaffet seg en kirsebærhage? Er det i Kharkov?

Det ser ut til at disse faktaene i innholdet i The Cherry Orchard ikke er tilfeldige. Det er mulig å fremsette en slik hypotese. På Tsjekhovs tid var Kharkov et voksende sentrum gründervirksomhet borgerskapet, i byen var det en mektig kapitalistisk Union of Gruvearbeidere i Sør-Russland. Lopakhin, en borgerlig, var knyttet til Kharkov, sentrum for kullindustrien i Sør-Russland, og kunne. høre lyden av en bøtte som faller på gruvebunnen mens du reiser sør i Russland.

Elever i klasse 9 som seriøst har studert Tsjekhovs kreative verden bør sørge for at Tsjekhov er en kompleks og subtil kunstner, at arbeidet hans inneholder mange flere hemmeligheter, uløste mysterier så langt, at lesing og gjenlesing av Tsjekhov er en stor estetisk glede som beriker åndelig en person.

Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor

Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.

postet på http://www.allbest.ru/

Introduksjon

Dannelsen av en kulturell leser er målet for moderne litterær utdanning for skolebarn. Erfaring med å lese skjønnlitteratur, journalistiske, kritiske og vitenskapelige tekster; stabile ideer om hvordan et litterært verk «arrangeres» og litterær prosess; et system av ferdigheter som lar en utvide opplevelsen av lesing, analyse og tekstgenerering i løpet av senere liv, dette er hovedparametrene for resultatet av utdanning i faget "litteratur".

Tradisjonelt består hoveddelen av litteraturelskeres lesning av litterære verk av episke og lyriske sjangere. Dramaturgi forbindes vanligvis med teater. Faktisk, "drama lever på scenen" (N. Gogol), men å se en forestilling kan ikke være en tilstrekkelig erstatning for å lese et skuespill, siden iscenesettelse er en historisk og sosialt betinget lesning, konkretisering av mulige betydninger, i tillegg er ikke alt dramatisk verk kan sees på teaterscenen, men dette bør ikke bety deres "død" for samfunnets åndelige liv.

Få ideen literært arbeid, sier professor G. A. Gukovsky, betyr det å forstå ideen om hver av komponentene i deres syntese, i deres helhet.

Som forberedelse til arbeidet med dramaet "The Cherry Orchard" bruker vi litterære verk: V. I. Sorokin "Theory of Literature", V. V. Vinogradov "Subject and Style", G. A. Gukovsky "Studying a litterary work at school", en samling av artikler "Teori av litteratur" utg. Abramovich, Elsberg og andre, boken av N. Ya. Meshcheryakova "Å studere stilen til en forfatter på videregående."

Bekjentskap med spesifikasjonene til drama som en spesiell type litteratur og undervisningsmetoder vil bidra til å forstå originaliteten og originaliteten til hvert av de studerte dramatiske verkene, vil bidra til en mer meningsfull oppfatning av det.

"Et skuespill-drama, en komedie er den vanskeligste formen for litteratur," skrev M. Gorky. "... I en roman, i en historie, handler menneskene som er portrettert av forfatteren med hans hjelp, han er med dem alle tiden viser han leseren hvordan han skal forstå, forklarer ham de hemmelige tankene, skjulte motivene til handlingene til de avbildede figurene, setter i gang stemningen deres med beskrivelser av naturen, situasjonen ... kontrollerer deres handlinger, gjerninger, ord, relasjoner ... Stykket krever at hver enhet som opptrer i det er preget av både ord og handling på egen hånd, uten oppfordring fra forfatteren ... ".

Dramatikeren snakker ikke om livet, om karakterene til karakterene sine, men viser dem i handling. Fraværet av en forfatters karakterisering, et portrett og andre komponenter i bildet som er karakteristisk for prosa, kompliserer oppfatningen av dramaet til elevene. Derfor er det nødvendig å lete etter slike metoder og arbeidsformer som på den ene siden vil gjøre det mulig å gjøre skoleelever kjent med spesifikke dramatikk som en spesiell type litteratur, og på den andre siden hjelpe dem. se i de studerte prøvene verk beregnet på scenen og som derfor krever mye mer fantasi og innsats fra leserens side. Dette er relevansen til verket, at originaliteten til dramaet, dets forskjell fra eposet og tekstene gir grunn til å reise spørsmålet om noen funksjoner i forholdet mellom arbeidsmetoder og arbeidsteknikker som brukes i analysen av dramatiske verk på videregående. .

Og så, når du leser stykket, bestemme handlingen, finn handlingen, følg utviklingen av handlingen, fange det voksende dramaet, stopp ved klimakset, gi din første vurdering av verket som helhet.

Bare når man vurderer alle elementer kunstverk ved sammenkobling, i kobling, oppfatter leseren det som en helhet. "På grunnlag av "bevegelsene" av persepsjon og forståelse av hele verket og dets deler, deres organiske forbindelse med hverandre," skriver P. M. Yakobson, "har betrakteren et dypere helhetsinntrykk, som er født med tilstrekkelig kunstnerisk mottakelighet, et betydelig spekter av opplevelser, ambisjoner om tanker.

Hensikten med arbeidet: å identifisere det spesielle ved undervisning dramatisk arbeid basert på stykket av A.P. Tsjekhov "Kirsebærhagen".

For å oppnå dette målet er det nødvendig å løse følgende oppgaver:

Vurder metodene for å undervise drama på skolen

Beskriv metodene for å undervise drama i skolen

Analyser problemene og poetikken til det aktuelle verket

Beskriv systemet for undervisning i stykket av A.P. Tsjekhov "Kirsebærhagen"

Lag en presentasjon av leksjonen «The play of A.P. Tsjekhov "Kirsebærhagen"

Arbeidet består av introduksjon, to kapitler, konklusjon, litteratur.

litterært drama tsjekkisk utdanning

1. undervisningdramatiskvirkerVskole

1. 1 MetodikkundervisningdramatiskvirkerVskole

En av de betydelige manglene ved å undervise i litteratur, som fortsatt er ganske vanlig på skolen, er å ignorere spørsmål kreativ individualitet forfatter. Forfattere presenteres i slike generelle formuleringer som sletter funksjonene, styrken og sjarmen til kunsten deres.

La oss huske hva veldig viktig Belinsky ga studiet av originalitet, originaliteten til en stor kunstner, der alt "skinner med sine egne, ulånte farger, alt puster med originale og kreative tanker, alt danner en ny, hittil usett verden."

Når han snakket om prosessen med å studere forfatterens arbeid, la Belinsky vekt på behovet for å forstå originaliteten til en gitt forfatter for å bestemme hans "patos", som markerer hovedtrekket ved kunstnerisk individualitet og "heles i sin helhet kreativ aktivitet poet", og er "nøkkelen til hans personlighet og til hans poesi".

Belinsky avslørte subtilt trekkene til den kreative "patosen" til Pushkin, Lermontov, Gogol og andre store russiske forfattere.

Belinskys femte artikkel om Pushkin viser forholdet mellom helheten og det spesielle i forfatterens verk: hvert enkelt verk av den store kunstneren lever sitt eget liv og har sin egen patos, som refererer til patosen til forfatterens hele verk, som "del til helheten, som en nyanse, som en modifikasjon av hovedideen, som en av dens utallige sider."

Hvor mye i Belinskys fantastiske ord om "patosen" til den store forfatteren er det verdifullt, "nøkkelt" materiale for å iscenesette studiet av forfatterens kreative individualitet på videregående!

Anton Pavlovich Chekhov skiller seg ut blant andre store russiske forfattere med sitt unike individuelle utseende, sin kunstneriske stil. Funksjoner ved Tsjekhovs kreative individualitet er usedvanlig verdifulle og interessant materiale for elever i klasse IX, hvor Tsjekhov studeres. La oss utpeke følgende metoder for å undervise i et dramatisk verk på skolen

1. Metode for kreativ persepsjon (metode for kreativ lesing)

Dens formål: å fremme et sterkt og varig kunstnerisk inntrykk, som deretter kontinuerlig blir dypere (kan bli avbrutt av en kommentar, en kort samtale).

2. Analysere og tolke (søk, forskning) metode. Dens formål: hovedsakelig en dypere penetrasjon i et litterært verk.

3.Syntetiseringsmetode (realiserer et dobbelt aspekt: kunst og vitenskap i litteraturundervisning).

Dens mål: den komplekse mentale aktiviteten til studenter i sluttfasen av arbeidet, kravet høy grad kreativ aktivitet av studenter. Alle disse metodene kan brukes i alle faser av studiet av arbeidet. Metoden for kreativ persepsjon (kreativ lesing) brukes imidlertid hovedsakelig i den første og andre fasen av å studere arbeidet, analysere og tolke - hovedsakelig i den andre, syntetisere - hovedsakelig i den tredje fasen. Hver teknikk som brukes av læreren, bør knyttes til den tilsvarende type elevaktivitet.

Lærerens oppgave:	Metoden manifesteres gjennom teknikkene:	Metoden utvikler:	Typer studentaktiviteter:
KREATIV LESEMETODE
Å utvikle og forbedre en dypere, mer aktiv og full, kreativ oppfatning av et kunstverk	1. Ekspressiv (kunstnerisk) lesing av læreren, lesing av mestere kunstnerisk ord, individuelle scener fremført av skuespillere; 2. Trening uttrykksfull lesning studenter; kommentert lesing; 3. Ordet til læreren, som vet å være helt korrekt og muligens dypere emosjonell oppfatning virker; 4. Samtale (målet er å finne ut elevenes inntrykk av det leste arbeidet, og rette oppmerksomheten mot ideologiske og kunstneriske trekk; 5. Iscenesette kunstnerisk, moralsk, filosofisk problem, direkte oppstått fra det leste arbeidet; 6. Lærerens ord eller samtale etter å ha studert arbeidet.	1. Observasjon; 2. Evnen til å se og høre livets fenomener; 3. Evnen til å finne de riktige ordene og uttrykkene for å formidle sine inntrykk ved å utføre ulike typer kreative oppgaver;	1. Lesing fungerer hjemme og i klasserommet; 2. Ekspressiv lesing; 3. Læring utenat; 4. Lytte til kunstnerisk lesing; 5. Lage en plan; 6. Nær teksten og konsise parafraser; 7. Kunstnerisk historiefortelling; 8. Muntlige og skriftlige anmeldelser av arbeidet som nettopp er lest; 9. Dramatisering; 10. Kritiske notater; 11. Betraktning av illustrasjoner og vurdering av dem; 12. Komposisjoner av ulike sjangere.
HEURISTISK METODE
For å hjelpe elevene å mestre arbeidet, forstå det, løse de moralske, sosiale, kunstneriske problemene som har oppstått. Det er viktig å hjelpe elevene med å løse disse problemene; å lære å analysere et verk, å forstå dets enhet i mangfoldet av dets komponenter, å lære å reflektere, å formulere sine tanker i ord, i en sammenhengende, konsistent, evidensbasert tale – muntlig eller skriftlig. Når du arbeider med denne teknikken, er det viktig at: 1. Elevene forsto essensen av problemet for diskusjon; 2. Klarte å underbygge sine vurderinger med fakta; 3. Klarte å lytte til andres argumenter, rettferdiggjøre deres fordeler og ulemper; 4. Klargjorde betydningen av begrepsbegrepene.	1. Lære elevene å analysere teksten til et kunstverk, analysere en episode, flere sammenhengende episoder av et helt verk; bilder av helter; Språk; komposisjoner av verket, sammenligning ulike arbeider; 2. Uttalelse av et system av spørsmål, og svaret på hvert spørsmål innebærer logisk en overgang til neste spørsmål eller tilsvarende oppgaver; 3. Elevene søker selvstendig etter et betydelig problem for analyse, prøver å svare på spørsmål, løse problemer.	Det bidrar til studenters videre assimilering av vitenskapsmetoden: metoden for å analysere et kunstverk par excellence og noen metoder for historisk og litterær analyse, og i prosessen med dette arbeidet, mestre kunnskapen gitt av programmet på litteraturteori og litteraturhistorie. Utvikler vitenskapelig kritisk tanke studenter, utvikler sine litterære evner, lærer selvstendig tilegnelse av kunnskap, ferdigheter i spesiell analyse av et litterært verk.	1. Arbeid med teksten til et kunstverk, analyse av en episode eller et helt verk; 2. Gjenfortelling som analysemetode; 3. Valg av sitater for å svare på spørsmålet; 4. Utarbeide en plan som en teknikk for å analysere en komposisjon, del eller hele verk; 5. Analyse av bildet av helten, komparative egenskaper til heltene; 6. Lage en plan for ditt detaljerte svar, for en rapport og essay; 7. Et sammendrag av resultatene av analysen av arbeidet, komparativ analyse virker ulike kunster, analyse av problemet; 8. Innlegg ved debatten. 9. Essay om private emner som et resultat av arbeidet ditt med arbeidet.
FORSKNINGSMETODE (nær heuristikk i funksjon og navn, men den vesentlige forskjellen mellom det ene og det andre er forskjellen mellom lærerens lærerrolle og elevenes pedagogiske, kognitive aktivitet)
Læreren stiller ikke bare en rekke spørsmål eller problemer, men forklarer også måtene å løse dem på, lærer å samle inn materiale, analysere, systematisere det, viser eller forklarer forholdene eller arbeidsmetodene.	Læreren legger frem en oppgave for hele klassen, og en rekke aspekter ved denne oppgaven utvikles av grupper av elever eller enkeltstudenter (Læreren angir kilder, tilbyr en rekke essaytemaer, legger frem emner for seminarer)	1. Tenker på studenter; 2. Mestre ferdigheter knyttet til dette faget	1. Uavhengig analyse av en del, episode av arbeidet som studeres, analyse av hele arbeidet som ikke er studert på skolen; 2. Sammenligning i tematiske, problem-ideologiske, teoretisk-litterære, historisk-litterære planer av to eller flere verk; 3. Sammenligning, analyse av flere synspunkter uttrykt i kritikk på arbeidet, bildet av helten med begrunnelsen for hans mening; 4. Sammenligning av et litterært verk med dets bearbeidelse; 5. Egenvurdering av et litterært verk, helter (rapporter, seminarer, essays, deltakelse i tvister).

Samtalemetoden som brukes i studiet av episke og lyriske verk er også effektiv for dramatiske. De fleste metodologer anbefaler å bruke det hovedsakelig når de analyserer utviklingen av en handling, avklarer konflikten, problemene og den ideologiske betydningen av dramatiske verk. Man kan ikke annet enn å si seg enig i dette, siden samtalen gjør det mulig i stor grad å involvere teksten til arbeidet, å bruke fakta innhentet av studenter som et resultat av selvstendig arbeid med arbeidet.

Av spesiell betydning i analysen av dramatiske verk er elevenes selvstendige arbeid med teksten til arbeidet. En analyse av talen og handlingene til karakterene hjelper elevene til å forstå essensen av karakterene deres og skape en konkret idé om utseendet deres i fantasien. I dette tilfellet vil analysen utført av studenter av et bestemt fenomen eller scene i et dramatisk verk til en viss grad likne arbeidet til en skuespiller på en rolle.

Av stor betydning i analysen av stykket er klargjøringen av underteksten til kopiene av karakterene. Arbeid med å avklare underteksten til heltenes tale kan utføres allerede i 8. klasse når du studerer "Ve fra Wit" (akt. 1, yavl. 7, Chatskys møte med Sophia).

I prosessen med å analysere et dramatisk verk, legger vi spesiell vekt på karakterenes tale: det hjelper å avsløre åndelig verden helten, hans følelser, vitner om kulturen til en person, hans sosiale posisjon.

Imidlertid kan man ikke vurdere talen til karakterer bare i denne funksjonen; bør huskes og i ferd med arbeidet mer enn en gang stoppe studentenes oppmerksomhet til det faktum at hver setning skuespiller, hver replika, "som elektrisitet, er ladet med handling, fordi alle av dem skal flytte stykket fremover, tjene til å utvikle konflikten, plottet."

I stykket handler en person, plassert av dramatikeren under visse omstendigheter, i henhold til sin egen logikk, karakterene, som det var, selv, "uten oppfordring fra forfatteren", fører hendelsene til en "fatal slutt". "Med hver setning tar karakteren et steg oppover stigen til sin skjebne," skrev A. N. Tolstoy. (det er som regel svært få av dem), bildene som oppstår i fantasien er basert på visuelle representasjoner av noen personer. Så studenter gjenskaper ofte utseendet til helten i henhold til de eksterne dataene til skuespilleren som spilte sin rolle i skuespillet eller filmen.

I skuespill rapporteres alt og alt gjøres gjennom talen til karakterene selv. Forfatteren påpeker, bare i unntakstilfeller, karakterens oppførsel og den emosjonelle og innasjonale siden av talen hans på en uvanlig måte. kortform(bemerkninger).

Mange elever, når de leser et skuespill, kan i det hele tatt ikke gjenskape i fantasien verken handlingene eller oppførselen til karakterene. Andre, som går ut fra den logiske og semantiske siden av karakterenes tale og oppfatter den som en kilde til informasjon, gjenskaper i fantasien bare handlingene til karakterene. Noen elever (som regel er det svært få av dem) når de leser et skuespill, ta hensyn til bemerkninger som indikerer karakterenes ytre handlinger, og prøver på dette grunnlaget å "se" den ytre (fysiske) siden av deres oppførsel, ignorerer sinnstilstand helter, som bestemmer deres ytre handlinger. I tillegg legger det store flertallet av skolebarn ikke merke til bemerkningene som indikerer karakterenes psykologiske tilstand. Men ved å "se" bare den fysiske siden av karakterens oppførsel og ikke "se" hans indre tilstand, representerer ikke elevene ham som en person. For dem forblir helten et ukroppslig vesen, talerøret for forfatterens ideer, heltens karakter er ikke dypt kjent.

Skolebarn kan ikke gjenskape den psykofysiske oppførselen til karakterene i et dramatisk verk på grunnlag av deres tale, fordi de bare tar hensyn til innholdssiden (det som sies) og mister uttrykksformen til dette innholdet av syne. Dette er imidlertid ikke begrenset til særegenhetene ved elevenes "visjon" av handlingene og oppførselen til dramaets helter basert på oppfatningen av innholdssiden av talen deres. I beste fall «ser» elevene selve handlingen, men utelukker den fra en spesifikk situasjon som til en viss grad forutbestemmer den, kan de dermed ikke avsløre underteksten til denne handlingen.

Opplevelsen av å oppfatte den dramatiske sjangeren, ervervet av studenter i ferd med å studere litteratur, er den viktigste hjelpen for oppfatningen av et dramatisk verk. Vi mener studentens sikre kunnskap om sjangerens spesifikke egenskaper - dens struktur, elementer, trekk ved rekonstruksjonen av karakterer, etc.

En annen ting er sirkelen av historiske og hverdagslige realiteter, menneskelige relasjoner, språklige idiomer.

Noen ganger, for å aktivere fantasien til studentene, bør man vende seg til den historiske og hverdagslige kommentaren. Dette gjøres i de tilfellene hvor studenter, langt fra epoken som er avbildet i dramaet, ikke har de nødvendige ideene og kunnskapene og ikke kan gjenskape detaljene i det ytre utseendet til hovedpersonen i stykket i fantasien, for eksempel: uniformen av ordføreren, klærne til Kabanikh, osv. Hvis elevene hjelper, vil de ikke ha de riktige ideene, og de vil bare lære betydningen av ordet.

Aspirasjoner, stemninger, følelser av karakteren i handlingsforløpet, dialog "bevege seg", endre. Alt dette kommer til uttrykk i talen hans, derfor når han analyserer mest viktige poeng dialog, er det nødvendig å forstå karakterens oppførsel, som bør betraktes i sin "to-i-ett" natur, det vil si som psyko-fysisk. Det er umulig å omgå et så viktig moment i dramaturgien som teksten.

I Tsjekhovs «Onkel Vanya» har karakterene nettopp gått gjennom svært dramatiske hendelser, håpets kollaps, tapet av idealer. Og en av dem, Dr. Astrov, kommer plutselig, utad tilsynelatende uten noen motivasjon, opp til et geografisk kart som henger på veggen og sier, som helt malplassert: «Åh, det må være varmt i akkurat dette Afrika nå - en forferdelig ting!"

I Gorky-stykket "At the Bottom" leder Vaska Pepel det viktigste og ikke bare for seg selv - en forklaring med Natasha. Bubnov legger i dette øyeblikket inn: "Men trådene er råtne" - akkurat på dette tidspunktet syr han virkelig noe fra filler. Men det er klart at denne bemerkningen ikke er tilfeldig, og ikke bærer den betydningen som ligger i den så å si «på overflaten». Og dette bør forklares for elevene.

"Den første betingelsen for analysen av et dramatisk verk vil være rekreasjonen i ... deres (skolebarns) fantasi av forestillingen ... Derfor er det nødvendig å tiltrekke seg materiale som forteller om ytelsen til kunstnerne, som ikke ga bare lyse, men også konsonante bilder til forfatteren." Dette er ubestridelig. Men å «se» og «høre» hvordan en karakter handler, snakker, føler, kan bare være basert på å lese og analysere et dramatisk verk.

Her er siste scene av The Examiner. Alle har nettopp fått vite at Khlestakov «ikke er revisor i det hele tatt». Sinne og ondskap tar borgermesteren i besittelse. Han (ifølge bemerkninger) kommanderende "vifter med hånden", indignert "slår pannen", roper "i hjertet", "truer knyttneven mot seg selv", "banker føttene i gulvet av sinne". Magre forfatterens instruksjoner bør brukes nøye når du leser stykket - de alene skildrer på mange måter den psykofysiske tilstanden til helten.

Samtidig med den ekspressive lesningen av stykket eller etter det, gjennomføres en analyse av verket. Denne analysen er basert på å ta hensyn til de spesifikke trekkene ved konstruksjonen av dramaet og avsløringen av bildene og, selvfølgelig, særegenhetene ved oppfatningen av denne sjangeren av skolebarn.

Det spesifikke gjenstanden for skildring i drama er liv i bevegelse, eller med andre ord handling, og det er en helhetlig analyse av stykket som følger scenehandlingen som gjør det mulig å forstå essensen av denne handlingen.

I stykket, sammen med den sentrale linjen, er det alltid ikke-hovedlinjer, «side»-linjer, som «flyter inn i kampens hovedstrøm og forsterker dens kurs». Å ikke betrakte disse linjene i sammenheng, å redusere alt til kun én sentral linje betyr å utarme det ideologiske innholdet i et dramatisk verk. Selvfølgelig er dette kravet bare gjennomførbart når man studerer stykket som helhet eller i montasje. I den samme nasjonale skoler, der kun utdrag fra dramaet studeres, informerer læreren om handlingen i stykket.

Som nevnt ovenfor, manifesteres handlingen i dramaet i at karakterene kommer inn i konflikt. Dette betyr at når man analyserer dramaet, må man vurdere handlingens utvikling og avsløringen av karakterer i en organisk enhet. Til og med V.P. Ostrogorsky foreslo at læreren, ved å analysere et dramatisk verk, stille følgende spørsmål til elevene: Stemmer folks handlinger helt overens med karakterene deres? .. Hva får helten til å handle? Har han en idé eller en lidenskap? Hvilke hindringer møter han? Er de innenfor den eller utenfor den?

En helhetlig analyse av dramaet etter utviklingen av dets handling forplikter oss til å gå ut fra denne fundamentale loven om dramatisk kunst. Samtidig må vi ikke glemme at handling ikke bare forstås som karakterers handlinger, men også som en manifestasjon av karakter i detaljene i atferd. Karakterene i stykket avsløres enten i kampen for realiseringen av bestemte mål, eller i bevisstheten og opplevelsen av ens vesen. Hele spørsmålet er hvilken handling i dette dramaet som kommer i forgrunnen. Gitt dette, fokuserer læreren i prosessen med å analysere dramaet enten på handlingene til dramaets helter, eller på detaljene i deres oppførsel. I løpet av analysen av Tordenstormen vil karakterenes "viljehandlinger" være i sentrum av oppmerksomheten, mens i analysen av Cherry Orchard vil karakterenes "detaljerte oppførsel" være i fokus.

Når man analyserer bildene av et skuespill, bør man ikke begrense seg til kun å klargjøre karakterenes handlinger. Det er nødvendig å trekke elevenes oppmerksomhet til hvordan karakteren utfører sine handlinger. Og læreren står overfor oppgaven med å forme og utvikle den gjenskapende fantasien til elevene.

Den psykofysiske oppførselen til en karakter i et dramaturgisk verk – spesielt når man leser et skuespill, og ikke når man oppfatter det fra scenen – er vanskelig å forestille seg og forstå på grunn av fraværet av forfatterens kommentar i dramaet. Det kan bare komme frem av dialog og gjerrige forfatterbemerkninger. Derfor, når du begynner å analysere heltens tale, bør det huskes at den karakteriserer karakteren med dens kausale karakter, dens innhold, logiske og semantiske side og formen som dette innholdet ble nedfelt i.

Begynner å analysere scene-dialogen, først og fremst bør spørsmålet stilles til studentene: I hvilket miljø og hvorfor oppsto og ble denne dialogen ført? Her vil forfatterens kommentarer gi litt hjelp, og derfor er det nødvendig å være oppmerksom på deres vurdering, for å finne ut hvor mye de bevæpnet studentene.

Hvis forfatterens bemerkninger, som ofte skjer, ikke gir elevene tilstrekkelig støtte til arbeidet med den gjenskapende fantasien, vil det være nødvendig å gi en serie tilleggsmaterialer: enten skisser av natur (for eksempel for B. Kustodievs Tordenværet), deretter forfatterens forklaringer (si, i Tsjekhovs brev til Stanislavskij om landskapet i akt II av Kirsebærhagen), så bruk bøker (kapittelet "Khitrov-markedet" fra essays av Vl. Gilyarovsky "Moscow and Muscovites", fotografier av doss-hus fra albumet "Moscow Art Theatre" - for stykket "At the Bottom"), etc.

Vi bør ikke gå glipp av mulighetene som noen ganger ligger i selve arbeidet. Så i The Cherry Orchard bør man påpeke hva situasjonen er foran oss i talene til deltakerne i selve arrangementene (Gaev: Hagen er helt hvit; Varya: Solen har allerede stått opp ... Se, mamma, hvilke fantastiske trær! .. hvilken luft! Stærene synger! osv.).

Det er klart at reproduksjonen i fantasien til studentene av en spesifikk hendelsessituasjon ikke er et mål i seg selv, men bidrar til avsløringen av verkets ideologiske innhold.

Gitt at skolebarn som regel ikke har visuelle representasjoner av helten til et dramatisk verk, og prosessen med å forstå bildet av helten er assosiert med en visuell representasjon av ham, er det nødvendig i prosessen med å analysere arbeidet i løpet av utviklingen av handlingen for å finne ut hva forfatteren sier om utseendet til helten, hva de sier andre karakterer i stykket om utseendet til karakteren, hva helten selv sier om utseendet hans, hvilke detaljer i utseendet til helten indikerer hans opprinnelse og levekår, hvordan visse personlighetstrekk kommer til uttrykk i hans utseende.

Det kan ikke forventes at elevene utvikler en fullstendig forståelse av stykket og dets karakterer som et resultat av tekstanalyse utført i klasserommet. Oppfølgingsarbeid er nødvendig - syntese av materialer akkumulert i prosessen helhetlig analyse, for eksempel en generalisering av observasjoner på bildene av helter.

Dette arbeidet er i hvert enkelt tilfelle spesifikt, men du kan også peke på en rekke generelle spørsmål som avklares i en generaliserende samtale om karakteren: Hvilken rolle har denne karakteren i den generelle hendelsesforløpet i dramaet? Hvordan ser denne helten ut? I hvilke scener avslører han seg mest uttrykksfullt og fullstendig? Kjenner vi historien hans og hvordan finner vi ut om den? Hvilke tanker, synspunkter, karaktertrekk oppdager helten i dialogene og med hvem fører han disse dialogene? Hvordan karakteriserer karakteren hans holdning til andre karakterer? Hva ideologisk mening bilde.

Det er nødvendig å identifisere den sanne konflikten som ligger til grunn for dramatikeren, slik at elevene ikke har feilaktige ideer om det. Så det kan for eksempel virke for dem som om i Gorkys skuespill "At the Bottom" er konflikten i interessesammenstøt til Natasha og Ash, på den ene siden, og Kostylevs, på den andre. I mellomtiden, hvis dette var tilfelle, ville stykket ende i tredje akt og den fjerde ville rett og slett være overflødig. Og stykkets konflikt er i sammenstøtet mellom verdensbildene, og Lukas forsvinning, også i tredje akt, understreker bare fortsettelsen av den åndelige kampen, kampen med den «reddende» løgnen, som ender i fjerde akt med livsprøven for «trøst», sammenbruddet av denne «filosofien», åpenbaringen av nytteløshet og skadeligheten av illusjonene formidlet av Lukas.

Læreren avslører hovedkonflikten i stykket og viser elevene at forfatterens verdensbilde kommer til uttrykk i essensen av denne konflikten.

1.2 triksstuderedramatiskvirkerVskole

Den innledende fasen av å studere et dramatisk verk på skolen, lese et skuespill, dessuten uttrykksfull lesing, lesing i klasserommet.

I middelklassene er det nødvendig å lese hele dramaarbeidet i timen; i seniorklassene vil kun individuelle handlinger eller fenomener bli tildelt for lesing. Hvis lærerens lesing på mellomtrinnet skal kombineres med lesingen til elevene, så kan man på de øvre klassetrinnene begrense seg til kun å lese elevene selv.

Den første uavhengige hjemmelesingen av dramaet introduserer elevene til innholdet kun i det aller meste generelt syn- dette er assimileringen av en rent ytre, begivenhetsrik side, individuelle plot-øyeblikk. Ekstremt sjelden oppfattet med en viss grad av dybde, de dramatiske karakterene og konfliktens alvorlighetsgrad. Og selv om det i dette tilfellet oppstår en følelsesmessig respons på det avbildede bildet av livet, er det imidlertid på mange måter tilfeldig og grunt.

Forberedelse av elever til ansiktslesing vil også variere avhengig av alder, kunnskap og ferdigheter til elevene. Hvis det i middelklassen er nødvendig med mye forberedende arbeid, der karakterenes karakterer, deres historie, utseende, talemåte blir avklart, barn lærer å lese et dramatisk verk etter ansikter, vil mye i seniorklassene gjøres av elevene på egenhånd.

Og uttrykksfull lesing her er et kraftig middel for å introdusere elevene til verden av tanker og følelser til heltene i stykket. Tross alt, "å lytte ... betyr å se hva de snakker om."

Derfor begynner studiet av et dramatisk verk på skolen som regel med å lese det i klassen. I leksjonen leses bare noen scener, der årsakene til sammenstøtene til karakterene avsløres. Lesing bør ledsages av små kommentarer. Mens du leser og snakker om innholdet i arbeidet, anbefales det å bruke illustrasjoner og transparenter til arbeidet.

Studentenes første bekjentskap med innholdet i arbeidet fullføres ved å lese det ved ansikter. Med en slik sekvens i arbeidet er det lettere for elevene å forstå karakterene til karakterene og korrekt lese det analyserte dramatiske verket. Ansiktslesing kan imidlertid brukes ikke bare i prosessen med kommentert lesing, men også under analysen av dramaet, i de siste leksjonene og som en selvstendig arbeidsmetode brukt på ulike punkter i analysen av arbeidet. Lesing av ansikter er forårsaket av selve formen til et dramatisk verk og bidrar følgelig til en dyp avsløring av innholdet.

Vi må heller ikke glemme at uttrykksfull lesing utdanner lesere av skjønnlitteratur, og dette er en av hovedoppgavene for å undervise i russisk litteratur. Det vil spare mye undervisningstid å lese hele stykket av læreren. Men med alle de utvilsomme fordelene med lærerlesing, har det også en åpenbar ulempe – det er veldig vanskelig for én person å formidle tankene og følelsene til alle karakterene i stykket.

Når det gjelder ekspressiv lesing av stykket av roller av elever, er det mulig først etter at de forstår det ideologiske og kunstneriske innholdet i verket, det vil si etter en lang forberedelse - både når det gjelder analytisk og når det gjelder å mestre språket.

Den mest effektive måten er kombinasjonen av lærerens lesing med elevens lesing. La oss si at en lærer leser en eller to roller, og skoleelever tar del i de såkalte "masse"-scenene.

Men selv for å delta i "massescenene" til skolebarn, må utøvere være forberedt på forhånd, før den første lesingen av stykket med klassen. Det er klart at for dette formålet er de mest suksessrike studentene på det russiske språket valgt. Forarbeid med «leserne» inkluderer selvfølgelig deres introduksjon til det grunnleggende i det ideologiske og kunstneriske innholdet i stykket, og lærereksempler på å lese rollene som er tildelt dem, og prøvearbeid med dem. Men tiden brukt på å forberede disse få elevene er mer enn lønnet når man jobber med klasseleken som helhet. N. I. Kudryashev beskrev prosessen med å lære et dramatisk bilde av skolebarn, og bemerket med rette: "I hovedsak oppnås en dypere forståelse av dramatiske bilder bare når de som studerer dem blir i det minste til en viss grad i posisjonen som en utøver." bli "Lesere" i finalen alle jobber med det, hvis mulig, alle eller nesten alle elevene i klassen. La oss derfor, når vi ser litt fremover, berøre noen generelle trekk ved den ekspressive lesningen av et dramatisk verk i klasserommet.

«Å stå i posisjonen til en utøver» er ikke bare å strebe etter å formidle med et ord ens velvære og indre tilstand hans "helt". Uunngåelig er det behov for andre midler for "scenen" uttrykksevne - gest, bevegelse, smil, glis, etc.

Det er klart at studentene ikke er skuespillere, men elementene av "ekstern" uttrykksevne vil ikke bare ikke forstyrre ekspressiv lesing, men vil bidra til organiseringen. Og disse elementene bør vurderes av læreren, følge av hans egen analyse av arbeidet, og først etter det er rimelig anbefalt til studenten.

Petya Trofimov i The Cherry Orchard henvender seg til Lopakhin, i ansiktet hans er et halvt sympatisk, halvt hånende smil, og i det er hele essensen av hans forhold til Lopakhin.

Lopakhin, bekymret, forteller eierne av kirsebærhagen, Ranevskaya og Gaev, nyhetene, som etter hans mening burde glede dem: han har tross alt funnet et universalmiddel for alle deres problemer. Til hvem av de to eierne av hagen henvender han seg imidlertid til, selv om talen hans formelt er til begge? Selvfølgelig til Ranevskaya, fordi han, som du vet, aldri tok Gaev på alvor. Og faktisk, selv om han hører Gaevs reaksjon på forslaget: «Beklager, hvilket tull», plager ikke Gevs bemerkning ham i det hele tatt, stopper ham ikke. Han venter utålmodig på Ranevskayas svar, hennes avgjørelse, hennes dom. Og derfor ser han naturligvis på Ranevskaya, han er vendt mot henne, tar ikke øynene fra henne. En vending mot henne, et blikk på henne, en gest som ikke bare illustrerer det som blir sagt, men representerer en handling som er organisk knyttet til ordet og derfor nødvendig.

For å forberede elevene på å lese komedie, er det nødvendig å fortelle dem om den russiske virkeligheten på 30-tallet. XIX århundre, om ordenene som rådet i byer, om forholdet mellom mennesker som tilhører forskjellige lag i samfunnet, eller les de riktige stedene fra et kunstverk som beskriver livet fylkesby 30-årene siste århundre. Å lese, for eksempel, utdrag fra kapittel 27 i Herzens fortid og tanker vil hjelpe elevene å forstå hvordan flertallet av guvernører, ordførere, embetsmenn og kjøpmenn var. I dette tilfellet, allerede under den første lesingen av Generalinspektøren, vil elevene forstå dens anklagende natur og karakterenes typiske karakter.

Arten og innholdet i introduksjonstimer vil imidlertid variere avhengig av oppgaven som er satt av læreren. Hvis han har til hensikt å introdusere studentene til stykket "Regjeringsinspektøren" før han leser komedien i klassen, må han naturligvis rapportere om arbeidet til regissøren, kunstneren, skuespillerne, om deres deltakelse i opprettelsen av spille og om hvordan du kan se stykket. Å diskutere stykket og alle dets detaljer vil forberede elevene til å lese komedien.

Det skal imidlertid bemerkes at kjennskap til forestillingen før du studerer arbeidet i klassen reduserer til en viss grad dybden av oppfatningen av det, siden det er vanskelig for noen elever å dekke alle karakterene samtidig og forstå karakterene og handlingene deres. Noen ganger blir skolebarn bare revet med av ekstern komedie, uten å tenke på dens anklagende betydning. Derfor, i tilfeller der elevene ikke er tilstrekkelig forberedt på oppfatningen av forestillingen av alt tidligere arbeid og ikke er godt lest, er det bedre å gjøre dem kjent med forestillingen etter å ha lest komedien eller i de siste klassene.

Oppgavene med å studere dramatiske verk i seniorklassene blir mye mer kompliserte i forbindelse med studiet av grunnlaget for russisk litteraturhistorie.

I introduksjonsforelesninger introduserer læreren videregående elever ikke bare for hendelsene som gjenspeiles i arbeidet, men også til historien om dets opprettelse og de sosiale problemene som bekymret forfatteren og fant kunstnerisk løsning i arbeidet hans. I tillegg, i prosessen med å studere grunnlaget for russisk litteraturs historie, gir læreren en idé til skolebarn om måtene å utvikle realistisk drama og teater på.

De anvendte arbeidsmetodene kan ha en annen kombinasjon i de øvre klassetrinn. Lærerens forelesning eller hans historie kan kombineres med selvstendig arbeid elever: rapporter, små meldinger eller lesing i ansiktene til enkeltscener som er en illustrasjon av en eller annen uttalt posisjon. Det er tilrådelig å kombinere en forelesning om Tsjekhovs dramaturgi, for eksempel med korte muntlige rapporter fra studenter om Tsjekhovs skuespill som anbefales for selvstendig lesing, en forelesning om Gorkys dramaturgi med elevenes selvstendige skriftlige arbeid med skuespill som anbefales til lesing. Disse verkene kan leses av elever i klasserommet eller kl fritidsaktiviteter, kan brukes av lærer i en oversiktsforelesning.

I introduksjonsklassene blir elevene også kjent med noen fakta som avslører historien til russisk drama og teater.

Innledende gjennomgang økter litterær virksomhet A. N. Ostrovsky, vil gi en mulighet til å gjøre skolebarn kjent med en hel epoke i historien til det russiske teatret og med ulike sjangre av realistisk drama og deres funksjoner. I dette tilfellet involverer læreren arbeidene anbefalt av programmet for selvstendig lesing.

Originaliteten til dramaturgien på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. vil bli avslørt når du studerer verkene til Tsjekhov og Gorky. I forbindelse med karakteriseringen av Tsjekhovs dramaturgi, er det tilrådelig for elevene å ta opp spørsmålet om forskjellen mellom Tsjekhovs skuespill og de dramatiske verkene til Gogol og Ostrovsky. Historien om læreren om kunstteateret, som klarte å avsløre originaliteten til Chekhovs og Gorkys skuespill, vil fullføre de tidligere rapportene fra historien til det russiske teateret på slutten av 1800-tallet. Det er tilrådelig å informere studentene om Gorkys syn på drama, da de er et resultat av observasjoner, teoretiske generaliseringer og kreative søk av forfatteren selv.

Det er nødvendig å avslutte studiet av dramatiske verk ved å besøke teateret, se en film eller et skoleskuespill.

Diskusjonen av forestillingen vil kreve involvering av scenehistorien til verket som studeres og litt informasjon fra det russiske teatrets historie.

Men med tanke på at det ofte er umulig å besøke teatret og se forestillingen. Så på de siste timene kan du introdusere elevene til de viktigste fakta fra historien til det russiske teateret. Metodister skrev om dette i sine arbeider. Det er best å formidle denne informasjonen i forelesninger som avslutter studiet av dramatiske verk.

Samtalen om forestillingen går over i lærerens fortelling om stykkets sceneskjebne. Det er ikke nødvendig å fortelle hele scenehistorien fra oppsetningen av Kirsebærhagen på Moskva kunstteater til oppsetningen på Sovremennik; det er viktig å vise hvordan ulik scenetolkning kan utdype forfatterens intensjon eller omvendt skade den. Det bør bemerkes hvordan de teatralske tolkningene av samme stykke er forskjellige til forskjellige tider, hvordan de er avhengige av tolkenes oppgaver.

Det er godt å gjøre studentene kjent med iscenesettelsen av verk av russisk drama på scenen, med historien om livet til dette verket i teatret, med innflytelsen som arbeidet til den russiske dramatikeren hadde på dannelsen og utviklingen av drama.

Oppsummering av samtalen om forestillingen, vil læreren stille elevene om følgende spørsmål: I hvilken grad samsvarer utseendet til rollene som utøver rollene deres visuelle representasjon av karakterene? I hvilke scener avslører skuespillerne mest fullstendig og levende karakterenes hovedtrekk? Med hvilke midler av ytre uttrykksevne trekker skuespillerne vår oppmerksomhet til disse trekkene? Hvilken rolle spilte musikk, kulisser og lys for å avsløre ideen om verket? Hva i forestillingen kan vi ikke være enige i? Og så videre.

Metodene og teknikkene for arbeid som brukes i studiet av dramatiske verk skiller seg ikke fra metodene og teknikkene som brukes i analysen av episke og lyriske verk, men deres forhold er noe annerledes. I denne forbindelse er det nødvendig å vurdere, ved å bruke spesifikke eksempler, hvordan metodene og teknikkene for arbeid som brukes i studiet av dramatiske verk varierer, avhengig av egenskapene til deres oppfatning, målene og målene for studien.

2 . EgendommerundervisningdramatiskvirkerVskolepåeksempelspillerA.P. Tsjekhov"Kirsebærhage"

2.1 ProblemerOgpoetikkspillerA.P.Tsjekhov« kirsebærhage"

Ja, forstår. At alt tok slutt, for nesten to århundrer siden, men med tanker om å vandre i nattskogen og fortsatt ikke høre lyden av en vedhogger.

Vi nærmer oss en spesifikk vurdering av ferdighetene til A.P. Chekhov i stykket "Kirsebærhagen". Først formidler vi et sammendrag av dramaet, bestemmer det ideologiske og tematiske grunnlaget i karakterene. Vi navngir temaet, definerer historien, fokuserer på hovedkomponentene i stykket.

Dette arbeidet har tre økter. Samtalen fokuserte på følgende spørsmål:

1. Nevn de sosiale typene av bred og dyp generalisering, noter deres personlige egenskaper, fremhev deres ledende trekk og bevis at det ledende trekk dominerer, men ikke absorberer andre.

2. Når du analyserer stykket, fremhev karakterene til sterk drama og komedie. Hvordan er lyrikken, de sublime følelsene til heltinnen presentert av forfatteren?

3. Vær oppmerksom på originaliteten til karakterenes språk.

5. Legg merke til den stilistiske enheten til alle komponentene.

Stykket "The Cherry Orchard" ble skrevet av A.P. Chekhov i 1903. Ikke bare den sosiopolitiske verden, men også kunstens verden trengte fornyelse. A.P. Chekhov, som er en talentfull person som viste sine ferdigheter i noveller, går inn i dramaturgien som en innovatør. Etter premieren på The Cherry Orchard brøt det ut mye kontrovers blant kritikere og tilskuere, blant skuespillere og regissører om sjangertrekkene i stykket. Hva er The Cherry Orchard når det gjelder sjanger - drama, tragedie eller komedie

Petya Trofimov, som ikke har gjort noe på fem måneder, fortsetter å fortelle andre at "vi må jobbe." Og dette er med den hardtarbeidende Varya og den forretningsmessige Lopakhin! Trofimov studerer ikke, fordi han ikke kan studere og forsørge seg selv samtidig. Petya Ranevskaya gir en veldig skarp, men nøyaktig beskrivelse av Trofimovs "åndelighet" og "takt": A.P. Chekhov snakker med ironi om sin oppførsel i bemerkninger. Trofimov roper nå "med gru," nå, kvalt av indignasjon, kan han ikke si et ord, nå truer han med å forlate og kan ikke gjøre det på noen måte.

Tsjekhovs skuespill er et ganske komplekst verk, til tross for dets klare generelle sosiale mønster. Kompleksiteten i stykket ligger i allsidigheten og inkonsekvensen til individuelle bilder og Tsjekhovs særegne holdning til disse karakterene. Kompleksiteten i det ideologiske innholdet i Tsjekhovs skuespill førte til ulike tolkninger av noen av bildene og betydningen av stykket i litteratur- og teaterkritikk, til ulike stadier av "tolkninger av Kirsebærhagen".

Det er nyttig å stoppe elevenes oppmerksomhet på figuren til en forbipasserende for å finne ut det interessante spørsmålet om hvilken funksjon dette episodiske bildet utfører i stykkets bildesystem. People's Artist of the USSR N. V. Petrov ga det riktige svaret på dette spørsmålet: "Den episodiske figuren til en forbipasserende fra andre akt av The Cherry Orchard er nødvendig som en opposisjon til en annen verden som Ranevskys ikke kjenner, som de er redd for og er klare til å gi alt i frykt, Hvis bare han ikke forstyrret deres stille liv.

Spørsmålet om sjangeren til The Cherry Orchard er fortsatt kontroversielt. Denne omstendigheten kan tjene som grunnlag for en debatt i klasserommet. Bør studentene først bli bedt om å løse forfatterens tvist med Moskva kunstteater på egen hånd og forberede seg på en debatt om emnet: "Kirsebærhagen" - et drama eller en komedie?" Etter debatten oppsummerer, oppsummerer og supplerer læreren stoffet i tvisten, og trekker en konklusjon. Etter vår mening bør lærerens siste ord etter debatten inneholde slike grunnleggende bestemmelser.

Tsjekhov fulgte allerede i stykket "Ivanov" sitt berømte prinsipp: "La alt være like komplisert og samtidig enkelt på scenen som i livet." I Ivanov, så vel som i påfølgende nyesas, inkludert The Cherry Orchard, søker ikke Tsjekhov å presse det komplekse innholdet i livet inn i de smale grensene for "rene" sjangere. Han har verken dramaer eller komedier i «ren» form; skuespillene hans ble preget av et karakteristisk trekk - de, som i livet, kombinerer heterogene elementer, derfor kan hans dramatiske verk kalles som Dobrolyubov kalte Ostrovskys skuespill: disse er "livets skuespill". Tolstojs definisjon av forfatteren Tsjekhov som "en livskunstner" er full av dyp mening.

I denne forbindelse er det en mening i Gorkys definisjon av sjangeren til Tsjekhovs skuespill: lyrisk komedie. Poenget her er ikke bare i individuelle lyriske scener (forholdet mellom Petya og Anya, avskjeden til Gaev og Ranevskaya i siste akt), men i ideens dype lyrikk. og undertekst av stykket. I The Cherry Orchard manifesterte Tsjekhovs lyrikk seg, det vil si en rent individuell, opphisset oppfatning av livet, hans dype tanker om Russlands nåtid og fremtid.

De komiske og satiriske elementene i Tsjekhovs skuespill har sine egne særtrekk. Den kjente Tsjekhov-lærde V. Yermilov i en anmeldelse av stykket "Kirsebærhagen" ved Central Television and Television Theatre (V. Yermilov. "Søket fortsetter." "Sovjetisk kultur", 29. april 1995. Det ville være nyttig for å gjøre studentene kjent med denne anmeldelsen, som har en karakteristisk tittel: søket "nøkkel" for "oppdagelsen" av uavslørte hemmeligheter i Tsjekhov fortsetter artisten i vår tid) bemerket disse funksjonene korrekt: "Stykket har en spesiell, subtil ," umerkelig "Tsjekhovs satire - satire på lur .., en slags lyrisk-satirisk Tsjekhovs komedie ..."

Studiet av drama. Drama spesifikt. Dramaanalyse. Det konkrete ved å studere stykket av A.N. Ostrovsky. Metodisk forskning på undervisningen i stykket. Tematisk planlegging for stykket. Sammendrag av leksjoner om studiet av arbeidet.

semesteroppgave, lagt til 19.01.2007

Originaliteten til eiendomslivet og trekk ved bildet av russisk natur i A. Tsjekhovs skuespill "Three Sisters", "The Cherry Orchard", "Oncle Vanya", "The Seagull". Retningslinjer om studiet av bildet av den russiske eiendommen i Tsjekhovs skuespill på litteraturtimer på skolen.

avhandling, lagt til 02.01.2011

Historien om dannelsen og utviklingen av japansk litteratur. Funksjoner av A.P. Tsjekhov og avslører naturen til den japanske interessen for verkene hans. Avsløring av handlingen til stykket "The Cherry Orchard" i Russland og Japan. Refleksjon av Tsjekhov i japansk kunst og litteratur.

semesteroppgave, lagt til 12.03.2015

Stykket «Kirsebærhagen» er Tsjekhovs toppverk, dramatikerens refleksjoner over Russland, den adelige klassens skjebne. Ideen om stykket, dannelsen av plottet, en kort kronologi av skapelsen. Symbolikken i tittelen, konstruksjonen av komposisjonen, plottforholdene til bildene.

presentasjon, lagt til 06.11.2014

«Måken» av den fremragende russiske forfatteren A.P. Chekhov - det første skuespillet i det nye russiske dramaet. Den kunstneriske originaliteten til stykkets dramaturgi. Stykkets motsetninger og konflikter, deres originalitet. Fraværet av antagonistisk kamp mellom karakterene i stykket.

abstrakt, lagt til 08.11.2016

Introduksjon til konseptet "understrømmer" på eksemplet med stykket "Kirsebærhagen". Det særegne ved Tsjekhovs språk i bemerkninger. Tsjekhovs monologer, pauser i Tsjekhovs skuespill. Tsjekhovs innledende (prepositive) bemerkninger ifølge T.G. Ivleva. Innflytelsen fra utenlandske dramatikere på Tsjekhov.

semesteroppgave, lagt til 06.12.2014

Studiet av drama. Drama spesifikt. Dramaanalyse. Spørsmål om litteraturteori. Det konkrete ved å studere stykket av A.N. Ostrovsky. Metodisk forskning på undervisning i stykket «Tordenvær». Sammendrag av leksjoner om studiet av stykket "Tordenvær".

semesteroppgave, lagt til 12.04.2006

Tsjekhovs innovasjon som dramatiker. Tidskategoriens spesielle plass i dramatiske konflikter. Samholdet mellom det tragiske og det komiske i verkene. Overføring av semantiske nyanser av dialogene til karakterene i stykket ved hjelp av bemerkninger. Symbolikken til kirsebærhagen.

"The Cherry Orchard" av A.P. Chekhova: På jakt etter tapt tid*

Handlingens natur, sjangerverdier, komposisjonsteknikker, retningslinjer for verdenssyn, måter å symbolisere og generalisere på, parametere for rom og tid, prinsipper for karakterisering av karakterer, kommunikative trekk ved Tsjekhovs dramaturgi i Kirsebærhagen er kanskje mer fremtredende enn i noe annet skuespill av denne forfatteren. "Kirsebærhagen" lukker tilleggssirkelen til Anton Chekhov-teatret, og kommer i sin poetikk veldig nær miniatyrene til hans egne vaudeviller. I mellomtiden falt den bemerkede krystalliseringen av de figurative egenskapene til Tsjekhovs dramaturgi paradoksalt nok sammen med utdypingen av avvik og motsetninger i tolkningen.

Striden om sjangerprioriteringene til The Cherry Orchard er velkjent, som går tilbake til uenigheter i forståelsen av dem av A.P. Tsjekhov og K.S. Stanislavsky. Er stykket en komedie eller et drama, en tragedie eller en farse? Allerede i 1904 uttrykte V.E. sin autoritative mening om denne saken. Meyerhold. I mellomtiden forble intensjonen til Tsjekhov selv om å skrive et "morsomt skuespill" for Moskva kunstteater, som først oppsto så tidlig som i 1901, uendret. I 1903, i en serie brev, avklarte Tsjekhov detaljene i komedieplanen. Den sentrale rollen i stykket vil tilhøre «kjerringa», skrev dramatikeren V.F. Komissarzhevskaya. «Du kommer til å spille dum», forsikret han O.L. Knipper. "Hvis skuespillet mitt ikke kommer ut slik jeg planla det, så slå meg i pannen med knyttneven din. Stanislavsky har en komisk rolle, og det har du også." I Moscow Art Theatre-produksjonen fra 1904 spilte Knipper rollen som Ranevskaya og Stanislavsky - Gaev. Det var med disse bildene at de «tragisk-dramatiske» fremstillingene av regi først og fremst ble parret. "Jeg vil kalle stykket en komedie," skrev Chekhov V.I. Nemirovich-Danchenko. "Jeg fikk ikke et drama, men en komedie, noen steder til og med en farse," insisterte han og henvendte seg til utøveren av rollen som Anya M.P. Lilina. Og selv etter at forestillingen ble vist for publikum, og den åpenbare uoverensstemmelsen i forståelsen av Kirsebærhagen ble en scenerealitet, fortsatte Tsjekhov å appellere til Knipper. "Hvorfor kalles skuespillet mitt så hardnakket et drama på plakater og i avisannonser? Nemirovich og Alekseev ser positivt i stykket mitt noe jeg ikke har skrevet, og jeg er klar til å gi noen ord om at de les aldri skuespillet mitt nøye".

Siden den gang har «The Cherry Orchard» blitt lest og gjenlest utallige ganger, hver gang, mens den har lest sin egen. Jeg vil igjen prøve å lese nøye noen sider av stykket i forbindelse med visse omstendigheter som fulgte med dets utseende og eksistens. Ikke mer. Og enda mindre. I virkelig detalj har jeg tenkt å analysere bare de to første sidene av teksten. Til å begynne med bør du imidlertid se på plakaten til The Cherry Orchard.

I listen over skuespillere trekkes oppmerksomheten mot Tsjekhovs rekordmange betydelige karakterer fra underklassen - tjenere. Når jeg ser fremover, merker jeg at når det gjelder deres dramatiske funksjoner, er de alle klovner. Klovner og helter med klovnefunksjoner er til stede i nesten alle Tsjekhov-skuespill. I mellomtiden, i The Cherry Orchard, er nesten alle heltene klovner. Absolutte klovner - Simeonov-Pishchik, Charlotte Ivanovna, Epikhodov, Firs, Yasha, Dunyasha. Personer med klovneri - Ranevskaya og Gaev (sistnevnte avslører samtidig en klar tendens til absolutt klovneri). Anya og Trofimov er hverken mer eller mindre enn et par forelskede komiske enfoldige. Trofimovs patetiske monologer høres ofte ut som en parafrase av Gaevs klovnemonologer, og Anya, som vi vet fra Tsjekhov selv, er «et barn som er muntert til siste slutt». På sin egen måte, et "barn" (i sosiale termer) og hennes Petya, som ifølge Ranevskaya ikke kjenner den virkelige, praktisk liv. "Evig student" - "rolle" i seg selv, selvfølgelig, komedie. Til slutt kommer forholdet mellom Varya og Lopakhin også gjennom med en komisk tolkning og er assosiert med den sentrale situasjonen i Gogols "Ekteskap". I Tsjekhov er slike gjennomsiktige assosiasjoner aldri tilfeldige.

Scenen i første akt er "rommet som fortsatt heter barnas"Mens ingen i stykket har barn i passende alderen." blomstre kirsebærtrær men i hagen kaldt, morgen"Så, to "skift" i tid, som indikerer en klar tidsmessig avvik, er allerede skjult i den første bemerkningen.

Hva skjer i den første scenen? Hva er dens handling? Forventning. Venter som en handling. Når det gjelder hendelser, skjer det ingenting, samtidig er den effektive fyllingen av scenen så intens, anspent at Dunyasha på slutten av episoden, med tillatelse, er nær ved å besvime. Vi vet fortsatt ikke noe om naturen til Dunyashas ekstreme delikatesse og følsomhet, og derfor oppfattes ordet "besvimelse" som identisk med seg selv. En "intens" handling utspiller seg klokken to om morgenen (en annen betydelig forskyvning i tid) på bakgrunn av ikke bare en synlig, men til og med en bevisst mangel på handling - Lopakhin "gjesper og strekker seg", han "sov".

Hvem og når som sover i Cherry Orchard er av stor betydning. Som allerede nevnt er varigheten av episoden natt. Lopakhin forsov seg, men hva er så viktig at han forsov seg? Glem det. Hans tilsynelatende klossethet, savner den midlertidige situasjonen - imaginær. Vi vet at i finalen vil Lopakhin være den eneste som ikke sovner i sanntid. Det er ingen tilfeldighet at Tsjekhov advarte Moskva kunstteater om at Lopakhin var «en rolle ... sentral». Hvis det divergerer i tid, er det ikke med tiden selv, men med andre aktører. Alle de andre vil "sove" i sanntid og vil ikke engang merke det. Lopakhin - eneste person i sanntid, han sover om natten, han sover om natten. Ranevskaya drikker kaffe om natten.

"Alt er som en drøm," bemerker Varya videre. "Hva om jeg sover?" – Ranevskaya vil spørre seg selv. Klovnen Pishchik sovner konstant og snorker i løpet av handlingen. Sover i sin barnslige uvitenhet om livet Anya. Ledetemaet i drømmen som utspiller seg videre, som er ekstremt betydningsfullt i stykket, begynner i den første episoden nettopp med Lopakhin, som angivelig "sov".

Det er to karakterer på scenen, Lopakhin og Dunyasha. Vi får vite av dem at toget som de forventede heltene kom med også er ute av takt med tiden - det var "sent" i minst to timer. Takket være togets treghet kan vi lære noe om de fremmøtte.

Lopakhins autorepresentasjon som følger er full av mening. "... Min far ... han handlet i en butikk i landsbyen" og Lopakhin selv var en "mann" for Ranevskaya som barn. «Mann ... Faren min var imidlertid en mann, men jeg i hvit vest, gule sko. Med en grisesnute kalashny rad... Akkurat nå er han rik, det er mye penger, men hvis du tenker og finner ut av det, så er en bonde en bonde ... Jeg leste en bok og skjønte ingenting. Jeg leste og sovnet. "Det faktum at Lopakhin sovnet mens han leste en bok er ikke så viktig. Hvis lesingen overvant Yermolai Alekseevich, så var enten boken kjedelig, eller det var ingen praktisk mening i den, som for ham er samme ting. Lopakhins uforståelighet, som og hans mangel på tid, imaginær, foreløpig maskerer hans ekstreme skarphet. Det er mye viktigere at vi i personen til Lopakhin møter den første "forkledde" "Cherry Orchard". Han er i en hvit vest og gule sko, og han er selv bonde, så det begynner hovedtema skuespill, temaet for en mann som ikke er på sin plass og ikke i sin tid.

Etter å ha introdusert seg, "introduserer" Lopakhin, som om han utilsiktet, sin samtalepartner for oss.

"LOPAKHIN. Hva er du, Dunyasha, sånn ... DUNYASHA. Hendene mine skjelver. Jeg kommer til å besvime.

(Senere vil temaet for Dunyashas besvimelse pumpes opp og utvikles av Tsjekhov på en rent farseaktig måte - A.K.)

LOPAKHIN. Du er veldig mild, Dunyasha. Og du kler deg som en ung dame, og håret ditt også. Du kan ikke gjøre det på denne måten. Vi må huske oss selv."

Så Dunyasha er også "i forkledning", også, på sin måte, malplassert. Den tredje karakteren kommer inn, Epikhodov. Tsjekhovs bemerkning: "Epikhodov kommer inn med en bukett, han er i jakke og i blankpolerte støvler som knirker sterkt". Det viser seg at Epikhodov også er "forkledd". I mellomtiden gjør Tsjekhov det umiddelbart klart at han har gått inn klovn. Remarque: "når han kommer inn, slipper han buketten." Epikhodov ga uttrykk for nok en nyhet om den "dislokerte tiden", allerede uttalt i den første bemerkningen: "Nå er det en matinee, frosten er tre grader, og kirsebæret blomstrer."

På den ene siden tilbyr Tsjekhov oss et subtilt poetisk dramatisk bilde av "blomster i frosten", men dette bildet legges inn i munnen til Epikhodov. Dette blir umiddelbart etterfulgt av Epikhodovs komiske klovns avslørende kommentar, som advarer mot å ta ordene hans på alvor. "Jeg kan ikke godkjenne klimaet vårt. (Sukk.) Jeg kan ikke. Klimaet vårt kan ikke hjelpe akkurat. Her, Ermolai Alekseich, la meg legge til, jeg kjøpte meg støvler i forgårs, og jeg tør å forsikre deg, de knirker slik at det ikke er mulig ..."

Den komiske effekten utføres her av en klar diskrepans mellom ord, språk og den meningsfulle betydningen av den talte teksten. Det viser seg at ikke bare Epikhodov selv viser seg å være i forkledning, men også hans Språk, hans Jeg. "Forkledd" er også hans "tjueto ulykker", som ikke er ulykker: han mistet buketten, støvlene knirker, han snublet over en stol og lignende.

Epikhodov drar, men Dunyasha tar opp hans komiske tema. På toppen av hennes "lyriske" historie om Epikhodovs "gale" kjærlighet til henne og om frieriet han ga henne, er venteepisoden løst - "de kommer!"

I prinsippet ser hele den to sider lange episoden ut som et klovnedivertissement før showstart. Dette divertissementet inneholder allerede alle fremtidige temaer for det store skuespillet, og fremfor alt hovedtemaet "dislocated time", mennesker som ikke er på sin plass og i sin tid, som har falt ut av tiden, som har forvirret tiden, og er derfor i et opposisjonsforhold med tiden. Komedieopposisjon.

Dette divertissementet minner om åpningsdivertissementet til en annen Tsjekhov-komedie, Måken, spilt av Medvedenko og Masha ("Hvorfor har du alltid svart på deg?") Riktignok danner klovneparet Medvedenko og Masha i The Seagull en kontrast til paret. av elskere av den første planen, Treplev og Zarechnaya. I den «farseaktige» «Kirsebærhagen», til tross for sin parodi, oppfattes ikke parodien som en kontrast, men kun som en fordobling og overdrivelse av en situasjon eller et atferdsmotiv. Avstanden mellom det parodierte og det parodierte er ikke så stor, fordi klovneriet til Kirsebærhagen er totalt, frodig og fanger nesten alle karakterer fra den ærlige klovnen Charlotte Ivanovna til Ranevskaya og Gaev, inkludert.

I The Cherry Orchard selv utvikles den innledende fortsatt implisitte klovne-divertissementet til første akt i den allerede åpenhjertige klovningen av den første scenen i andre akt, fremført av Charlotte, Yasha, Dunyasha og Epikhodov. Denne scenen er en parade av karikerte klovner med revolvere, våpen, talmochki, sigarer, kjærlighetsromantikk, forklaringer, svik, krenket verdighet, motiver for ensomhet og desperat selvmord. Fatale temaer og omgivelsene og vokabularet som tilsvarer dem «i et menneske» ser parodisk ut, mens hovedtemaet «en mann er malplassert og ute av sin tid» er bevart. Charlotte sier at hun ikke har pass, at hun ikke engang vet hvor gammel hun er. "... Hvor jeg kommer fra og hvem jeg er - jeg vet ikke... (tar en agurk opp av lommen og spiser den.) Jeg vet ingenting." Charlotte med agurken i denne scenen er hverken mer eller mindre enn en parodidobbel på Ranevskaya.

Tilbake til første akt, er det passende å merke seg at det var Ranevskaya som var den første som tok opp temaet for klovnedivertissementet der, gledelig, gjennom tårer, berørt av rommet, "barnas!". "Barns" dette er beslektet med Gaevs "skap". "Barnas, kjære, vakre rom ... jeg sov her da jeg var liten ... ( gråter.) Og nå er jeg som en liten ... "Hvis vi husker Tsjekhovs definisjon av Ranevskaya som en "gammel kvinne", vil upassende følelsene hennes bli mer enn åpenbare. uttrykker ikke noe mer enn karakterens stemning, og på ingen måte scenen, og motsier ikke handlingens komiske natur.

Livet til kirsebærgården er allerede historie. Hagen er bemerkelsesverdig bare fordi den er nevnt i Encyclopedic Dictionary. Huset og alt i det er forbundet med minner, men ikke i det hele tatt egnet for det virkelige liv. Faktisk, i virkeligheten eksisterer de ikke lenger. De tilhører faktisk ikke lenger de tidligere eierne. Lopakhin avsier dommen over kirsebærhagen i begynnelsen av første akt.

I 1914 husket Stanislavsky. "Stykket ble ikke gitt på lenge. Spesielt andre akt. Det har i teatralsk forstand ingen handling og virket veldig monotont på prøver. Det var nødvendig å skildre kjedsomhet av å ikke gjøre noe slik at det ville være interessant..." Vi henvendte oss til Tsjekhov med en forespørsel om reduksjon. "Tilsynelatende såret denne forespørselen ham, ansiktet hans ble mørkere. Men så svarte han: "Vel, forkort det ..." Stanislavsky, på jakt etter handling, befinner seg faktisk i fangenskap av ord, og legger ikke merke til handlingen som skjuler seg bak dem. Sammen med Tsjekhovs helter føler han ikke det virkelige tidsforløpet , å finne seg selv ikke på scenen, men i livet i en komisk situasjon. Temaet i andre akt er ikke "kjedsomhet" i det hele tatt - en slik forståelse av stykket ble kritisert av den samme Meyerhold i 1904. Hans tema, igjen, forventning, raskt voksende i omfang - forventningen om en mystisk katastrofe av et hus som kollapser. Effekten av den andre akten ligger i det faktum at det ikke er noen handling, eller rettere sagt, ingen handling, til tross for Lopakhins overtalelse til å ta en praktisk beslutning. Samtidig beveger sanntid seg, noe som bringer den uunngåelige kollapsen av kirsebærgodset nærmere. I mellomtiden er dette på ingen måte "kjedsomheten ved å ikke gjøre noe", men spenningen strukket streng, som bryter av på slutten av akten («lyden av en knekt streng» høres).

Tredje akt åpner i det hele tatt med en farse: en dansescene, en "ball" som finner sted på bakgrunn av pågående auksjoner. Det er ingen tilfeldighet at danserne fremstod for Meyerhold som uforsiktig dansende marionetter. Betydningen av denne farsen uttrykkes ikke så mye i ordene og oppførselen til individuelle karakterer, men i situasjonen som helhet. (Men, som seg hør og bør i en farse, er klovnen Pishchik, som forteller om hestens opprinnelse, den første som snakker.) Før den forestående katastrofen ser til og med Ranevskaya ut til å se klart. Virkeligheten dukker opp. Hennes innsikt er imidlertid, i likhet med Lopakhins tilsynelatende "misser", imaginær. "Ulykken virker for meg så utrolig at jeg på en eller annen måte ikke engang vet hva jeg skal tenke, jeg er rådvill ..." I mellomtiden har "ulykken" allerede funnet sted. Lopakhin kjøpte Kirsebærhagen, og dette faktum taler for seg selv og for ham, Lopakhin, mer enn noe annet. I møte med Lopakhin triumferer sanntid over illusorisk tid.

Fjerde akt åpnes igjen av klovnen, denne gangen av Yasha. En rekke farvel følger. Lopakhin og Trofimov sammenligner sine verdier, mens den utdannede, snakkesalige og absolutt inaktive Petya lenge og på alle måter har «tapt» for den uutdannede, men aktive Yermolai Alekseevich. Yasha og Dunyasha forklarer også farvel, og lar ikke handlingen falle ut av komedierammen som er foreskrevet for ham av Tsjekhov. Gaev og Ranevskaya faller tilbake i barndommen. Med en annens, Aninas tantes penger, drar hun til Paris, vel vitende om at midlene ikke vil vare lenge, men hun ønsker ikke å se langt inn i fremtiden. Saken, viser det seg, er slett ikke i kirsebærhagen, som i realiteten ikke eksisterer lenger. Kirsebærhagen avslører endelig sin egen symbolske natur. Gran er glemt innelåst i huset. Lyden av en brukket streng høres igjen, etterfulgt av lyden av en øks ...

Som svar på Tsjekhovs brev til Lilina, protesterte Stanislavsky. "Dette er ikke en komedie, ikke en farse, som du skrev - dette er en tragedie, uansett hvilket utfall til et bedre liv du åpner i siste akt. Jeg gråt som en kvinne." I mellomtiden er det ikke noe spesielt «utfall til et bedre liv» i Tsjekhovs skuespill. Resultatet er uttømt av eksponeringen av illusjonen, den illusoriske naturen til imaginær tid. Anya er glad for sammenbruddet av Cherry Orchard bare fordi det betyr frihet fra illusjoner. Trofimovs revolusjonerende fortid og fremtid er også fraværende i stykket. De vil bli oppfunnet senere. Delvis vil dette bli tilrettelagt av hendelsene, ikke av stykket, men av livet i neste 1905.

Det er merkelig at for Stanislavsky og tradisjonen han representerer, er «exodus» hoveddeterminanten for stykkets sjanger. Fraværet av et utfall for Ranevskaya og Gaev gjør stykket til en tragedie etter hans mening. I mellomtiden er det åpenbart at Stanislavsky og Tsjekhov demonstrerer en annen forståelse av konfliktens omfang og natur på grunn av en annen forståelse av naturen til ikke bare handling, men også humanisme. Ulike både historisk og estetisk. Stanislavsky bekjenner seg til en personalistisk forståelse av humanisme: På nivå med mennesker han liker, viser konflikten seg å være uløselig – dette ser Stanislavsky på som en tragedie. Derfor tolker han stykkets konvensjoner ut fra logikken i livsatferd som ikke samsvarer med dem.

Tsjekhov har en annen, generalisert forståelse av humanisme. Karakterene hans er ikke i konflikt med hverandre, men med tidens ubønnhørlige gang. Stanislavsky kan, som mange etter ham, for eksempel ikke innrømme at komedien ender med en scene med de syke granene, glemt og innelåst i huset, som nå uunngåelig vil dø. For Tsjekhov, men i sanntid, hadde Firs for lengst dødd, lenge før stykket begynte. Det faktum at han ble glemt er nok et bevis på det «dislocated century», en tid som med salget av kirsebærhagen endelig mistet sin illusoriske natur. Kirsebærhagen var den siste illusjonen som gjorde det mulig å betrakte den uvirkelige tidsdimensjonen der heltene levde som en realitet. I denne generaliserte betydningen av "The Cherry Orchard" er garantien for dens relevans.

Tsjekhovs skuespill er på ingen måte stivt knyttet til noen bestemt tid, eller til noe spesielt sosialt lag. Å snakke i forbindelse med det om adelens eller livegenskapets krise, om kjøpmenns økende aktivitet, om Trofimovs revolusjonære ånd og lignende, er å begrave stykket i historien. Imidlertid motstår hun dette med hell. Hvordan teatret motstår dette, og tilbyr over tid nye og relevante tolkninger av The Cherry Orchard.

________________________________________

* Alle sitater er hentet fra boken: Chekhov A.P. Sobr. cit.: I 12 t. M., 1963. T. 9. Kursiv er min overalt - A.K.

hentet fra nettstedet: http://www.utoronto.ca/tsq/16/index16.shtml

Populær i kategorien: