Was ist Kunstfotografie.
Heute zweifelt keiner von uns daran, dass die künstlerische Fotografie eine Kunst ist, die die kreative Vision des Fotografen als Künstler widerspiegelt. Doch schon zu Beginn der jahrzehntelangen Entwicklung der Fotografie stellte sich die Frage, ob die Fotografie der Kunst zuzurechnen ist oder ob sie lediglich ein Mittel zur Erfassung und Übermittlung von Informationen über die Welt um uns herum ist.
Viele Jahre brauchte die Fotografie, um sich neben der Bildhauerei, dem Kino, der Malerei und dem Theater einen eigenen Platz in der Welt der Kunst zu erobern. Aber jetzt kann jeder Fotograf seine Einstellung zur Welt und zu Phänomenen durch fotografische Mittel wie Winkel, Farbe oder die Wahl des Aufnahmezeitpunkts ausdrücken.
Als die ersten fotografischen Abzüge auftauchten, nahm niemand die Fotografie ernst. Sie galt nur als einfache Verwöhnung und als Kinderspiel für einen begrenzten Personenkreis. In den ersten Jahren nach ihrer Entstehung konnte die Fotografie aufgrund technischer Beschränkungen weder dokumentarischen noch künstlerischen Wert, noch Freiheit bei Lichtlösungen und kreativer Vision des Fotografen beanspruchen.
Im 19. Jahrhundert wurde allgemein angenommen, dass nur ein handgefertigtes Werk als Kunst eingestuft werden könne. Dementsprechend konnten fotografische Abzüge, die mit verschiedenen physikalischen und chemischen Verfahren gewonnen wurden, schlicht keinen Kunststatus beanspruchen. Auch wenn schon die erste Generation von Fotografen versuchte, mit einigen interessanten Techniken und Herangehensweisen die Komposition ihrer Bilder etwas zu beleben, so blieb die Fotografie doch in den Augen der öffentlichen Meinung weiterhin ein scherzhafter Tand.
Die Fotografie wurde von den damaligen Kritikern nur als mechanische Kopie der Realität betrachtet, die nur ein Anschein künstlerischer Malerei sein konnte. Bis in die 1920er und 1930er Jahre beschäftigten sich Artikel und Publikationen ernsthaft mit der Frage, ob Fotografie eine Kunst ist oder nur eine angewandte, praktische Fähigkeit, bei der die Technik eine Schlüsselrolle spielt und nicht der Fotograf selbst.
Es gibt mehrere Perioden in der Entwicklung der Fotografie als Kunst. Schon zu Beginn der Entwicklung der Fotografie unterschied sie sich nicht wesentlich von der Malerei, dh Fotografen versuchten, Altbekanntes zu verwenden Maltechniken in der Fotografie. Sie filmten hauptsächlich monumentale, unbewegliche Objekte. Solche ersten fotografischen Abzüge gehörten dem Genre des Porträts oder der Landschaft an. Darüber hinaus besetzte die Fotografie aufgrund des Aufkommens der Zeitungsindustrie im 19. Jahrhundert die Nische eines einfachen dokumentarischen Beweises für bestimmte Ereignisse. Man kann sagen, dass damals von der Ausdruckskraft und Kunstfertigkeit der Fotografie keine Rede war. Wann wurde die Fotografie wirklich zur Kunst?
Wahrscheinlich kann kein genaues Datum angegeben werden. Aber Historiker der Fotografie vermerken für sich selbst ein bedeutendes Ereignis, das 1856 stattfand. Dann fertigte der Schwede Oscar G. Reilander einen einzigartigen kombinierten Abzug aus dreißig verschiedenen retuschierten Negativen an. Sein Foto mit dem Titel „Two Roads of Life“ schien eine alte Sage über den Eintritt zweier junger Menschen ins Leben zu beschreiben. Eine der Hauptfiguren auf dem Foto wendet sich verschiedenen Tugenden, Barmherzigkeit, Religion und Handwerk zu, während die andere im Gegenteil solche sündigen Reize des Lebens liebt wie Glücksspiele, Wein und Unmoral. Dieses allegorische Foto wurde sofort weithin bekannt. Und nach der Ausstellung in Manchester erwarb Königin Victoria höchstpersönlich Reilanders Fotografie für die Sammlung von Prinz Albert.
Diese kombinierte Fotografie kann zu Recht als eine der ersten eigenständigen Arbeiten im Zusammenhang mit Fotografie bezeichnet werden. Der kreative Ansatz von Oscar G. Reilander stützte sich natürlich auf die klassische kunsthistorische Ausbildung, die er an der Römischen Akademie erhielt. In der Zukunft werden mit seinem Namen verschiedene Experimente mit der Fotomontage, mit der Entwicklung der Doppelbelichtung und mit der atemberaubenden Mehrfachbelichtungsfotografie verbunden.
Der Fall Reilander wurde fortgesetzt talentierter Künstler und der Fotograf Henry Peach Robinson, der für seine zusammengesetzte Aufnahme „Leaving“ berühmt wurde, die aus fünf Negativen gemacht wurde. Dieses künstlerische Foto zeigte ein sterbendes Mädchen in einem Stuhl, über dem ihre Schwester und ihre Mutter traurig stehen, während ihr Vater hineinschaut Fenster öffnen. Das Bild "Leaving" wurde wegen Verdrehung der Wahrheit kritisiert, erlangte aber dennoch große Popularität. Es wurde sofort vom englischen Königshof erworben, und der Kronprinz erteilte Robinson sogar einen Dauerauftrag für einen Abzug eines solchen Fotos.
"Verlassen". GP Robinson Robinson selbst wurde zum führenden Vertreter der sogenannten bildhaften Fotografie in England und Europa. Diese Richtung der Fotokunst nahm bis ins erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts eine dominierende Stellung in der Fotografie ein. Viele Bildeffekte und Techniken wurden in der Bildfotografie verwendet.
Ich muss sagen, dass die Fotografie den „Schatten“ der Malerei lange Zeit nicht verlassen konnte. Die Entwicklung der Fotografie als eigenständige Kunst zu Beginn des letzten Jahrhunderts wurde jedoch maßgeblich durch regelmäßige Ausstellungen erleichtert, bei denen die Betrachter neben einfachen schönen Aufnahmen interessante Fotografien sehen konnten, die den Titel „Kunstwerk“ verdienen. Einer der ersten derartigen Internationale Ausstellungen es gab eine Fotogalerie mit dem bescheidenen Namen 291, die 1905 in New York von Alfred Stieglitz eröffnet wurde. Dies war eine echte Ausstellung zeitgenössischer Kunst, bei der die Namen berühmte Künstler stand mit den Fotografen in einer Reihe.
Mit Beginn der 1920er und 1930er Jahre begann in der Fotografie eine neue Epoche, die in direktem Zusammenhang mit der Massenproduktion von Zeitungen und Zeitschriften stand. Die Fotografie ändert ihren Stil zugunsten der Dokumentar- und Reportagefotografie. Dokumentarische und künstlerische Umsetzung verflechten sich in der Fotografie nach und nach zu einem Ganzen. Eine neue Generation von Fotografen ist entstanden, die durch Reportage- und Dokumentarfotografie täglich die Geschichte ihres Landes und der ganzen Welt geschrieben haben. In dieser Zeit waren in der Fotografie künstlerische Ausdruckskraft mit ideologischer und gesellschaftlicher Komponente eng verbunden.
Die Fotografie wird zum Träger einer historischen Wahrheit, zur Widerspiegelung realer Ereignisse. Nicht ohne Grund waren in den 1920er und 1930er Jahren verschiedene Plakate, Fotoalben und Zeitschriften von besonderem Wert. In diesen Jahren entstanden Gemeinschaften und Gesellschaften von Fotokünstlern, die die Fotografie zu einer eigenständigen Kunstform machen wollten.
In unserem Land wurden diese positiven Prozesse jedoch Ende der 1930er Jahre tatsächlich eingefroren. Eiserner Vorhang lange Zeit isolierte er die heimische Fotografie von den Tendenzen des internationalen Kunstlebens. Begabte sowjetische Fotografen waren gezwungen, sich nur mit sozialistisch-realistischer Fotoberichterstattung zu befassen. Während des Zweiten Weltkriegs besuchten viele von ihnen die Fronten und konnten die denkwürdigen Momente des großen Sieges filmisch festhalten.
In den 1960er und 1970er Jahren wurden Fotografien wieder als eigenständige Kunstwerke betrachtet. Dies ist die Ära des Fotorealismus und mutiger Experimente mit verschiedenen fotografischen Technologien und künstlerische Techniken. Ab diesem Zeitraum erhielten alle Bereiche der Fotografie, die an der Peripherie der öffentlichen Aufmerksamkeit standen, endlich das Recht, als eigenständiger künstlerischer Wert in der Kunst präsentiert zu werden. Neue Genres der Fotografie entstehen, in denen die Absicht des Autors und die kreative Vision des Fotografen zum Schlüsselmoment werden. Berühmte Fotografen dieser Zeit begannen in ihren Kunstwerken so ikonische soziale Themen wie soziale Ungleichheit, Armut, Ausbeutung von Kinderarbeit und viele andere zu berühren.
Eine weitere Revolution in der Fotografie verdanken wir dem Übergang von Film- zu Digitalkameras. Das digitale Bildformat hat es Fotografen ermöglicht, sich etwas davon zu entfernen, die Realität um sie herum einfach zu spiegeln. Mit dem Aufkommen von Digitalkameras, Computern u grafische Editoren Dem Fotografen wurde die Möglichkeit gegeben, seine Bilder so zu transformieren, dass der Betrachter die Möglichkeit hatte, sich mit der kreativen Vision des Bildschöpfers vertraut zu machen und in seine unwirkliche Welt einzutauchen. Obwohl die Fotografie heutzutage zu einem Massenphänomen geworden ist, sind für die Fotografie als Kunst immer noch Selektivität und eine besondere persönliche „Vision“ wichtig, die es einem Menschen ermöglichen, mit fotografischen Mitteln ein echtes Kunstwerk zu schaffen.
Trotz der Tatsache, dass eine Digitalkamera mehrere hundert Bilder in wenigen Minuten aufnehmen kann, ist natürlich nicht jedes Bild als künstlerisch einzustufen. Ein moderner Fotograf drückt seine Vision der Welt oder die Absicht des Autors durch eine perspektivische Verkürzung, ein gekonntes Spiel von Licht und Schatten, eine feine Wahl des Aufnahmemoments und andere Techniken aus. Im Mittelpunkt der Fotografie steht also immer noch der Fotograf, nicht der Techniker. Nur ein Mensch ist in der Lage, ein Stück seiner inneren Welt in das Bild zu bringen, sodass das Bild mit neuen Emotionen „überwuchert“ wird und das Talent des Fotografen selbst offenbart.
Kurichev Andrej
Die Lehr- und Forschungsarbeit wurde im Rahmen des Zusatzstudiums zeitgenössische Kunst verfasst. Das Thema ist für dieses Alter sehr interessant. Der Student unternahm den Versuch, auf seinem Niveau die Geschichte der Entstehung einer solchen Art von bildender Kunst wie der "Fotografie" zu erforschen. Ein Teenager beantwortet Fragen wie „Spiegelt die Fotografie die Realität objektiv wider? Ist Fotografie Kunst? Und warum hat die bildende Kunst nach dem Aufkommen der Fotografie nicht aufgehört zu existieren? Der Student stellte sein Projekt vor, sowie interessante Ergebnisse einer Studie an Jugendlichen zu diesem Thema, es wurde eine Analyse durchgeführt.
Die Arbeit ist leicht zu lesen und interessant, der Stoff ist strukturiert und logisch aufbereitet. Der Student betonte die Relevanz des Themas und legte die Ziele und Zielsetzungen des Studiums klar fest.
Die wichtigsten positiven Aspekte der Arbeit sind:
- Ein Blick auf die Fotografie als Form der bildenden Kunst aus der Sicht eines Teenagers.
- Die Aneignung des notwendigen Wissens durch die Studierenden zu Themen, die sie interessieren, die Entwicklung des eigenen Denkens und die weitere Selbstverbesserung.
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Vorschau:
Städtische Haushaltsbildungseinrichtung
Durchschnitt allgemein bildende Schule Nr. 10 Pawlowo
Abteilung - Humanitäre
Sektion - Kunstkritik
Erledigte Arbeit:
Kurichev Andrey, 15 Jahre alt
Schüler 9 "B"-Klasse
Wissenschaftliche Beraterin: Shitova Olga Konstantinovna,
Weltlehrer künstlerische Kultur
Pawlowo
Februar 2015
- Wartung……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………
- Hauptteil………………………………………………………… .4-12
"Ist Fotografie eine Kunst?"
- Geburt und Bedeutung der Fotografie………………………………. ….4-6
- Spiegelt die Fotografie die Realität objektiv wider? ……………………………………………….. …………7-8
- Ist Fotografie Kunst? Und warum hat die bildende Kunst nach dem Aufkommen der Fotografie nicht aufgehört zu existieren? .................…….8-9
- Forschung ……………………………………………………………………10-12
- Abschluss. Schlussfolgerungen ………………………………………………………..12
- Literatur ………………………………………………………………...13
- Einführung
Heutzutage existiert alles um des zu willen
mit einem Foto abschließen.
Die Fotografie mumifiziert die Zeit.
Henri Basin
Ich denke, dass im Gegensatz zu traditionellen Künsten Foto hat praktische Anwendungen. Es ist in vielen Bereichen des menschlichen Lebens nützlich: in der Wissenschaft, im Bildungsprozess, in der Forensik (Fotografie von Tatorten, zurückgelassenen Beweismitteln usw.), im Werbegeschäft, in Ausweisen, im Design usw. Und wenn ja, dannist Fotografie eine Kunst?
Ziel:
Finden Sie heraus, ob Fotografie eine Kunstform ist?
Aufgaben:
- Lernen Sie die Geschichte der Geburt und die Bedeutung der Fotografie kennen.
- Finden Sie heraus, ob das Foto die Realität objektiv widerspiegelt?
- Finden Sie heraus, warum die bildende Kunst nach dem Aufkommen der Fotografie nicht aufgehört hat zu existieren?
Meine Hypothese:
Fotografie ist ein breiteres Konzept als Fotokunst: Nicht alles, was mit einer Kamera (sowie einer Filmkamera) aufgenommen wird, ist Kunst.
Forschungsmethoden
2. Hauptkörper
2.1. Geburt und Bedeutung der Fotografie
Das Wort „Fotografie“ wird aus dem Griechischen mit „Lichtmalerei“ übersetzt. Licht ist das Hauptelement der Bilderzeugung in der Fotografie. Die Ursprünge der Fototechnik liegen in einem seit der Antike bekannten optischen Phänomen: Trifft ein Lichtstrahl in ein kleines Loch in einer Camera Obscura (lat. „dunkle Kammer“), so erscheint ein seitenverkehrtes Bild beleuchteter Objekte unter der Kamera die gegenüberliegende Wand.
Die erste Person, die ein echtes Bild aufgenommen hat, war Nicéphore Niépce. Es geschah in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts. Ein paar Jahre nach den Experimenten. Es geschah in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts. Einige Jahre nach den Experimenten von Niepce erhielt Louis Jacques Daguerre ein fotografisches Bild, indem er eine dünne Kupferplatte verwendete, die mit einer Silberschicht in einer Kassette bedeckt war. Diese Platten werden Daguerreotypien genannt. 1839 erkannte die Französische Akademie der Wissenschaften die Verdienste von Daguerre an und machte die Entdeckung des französischen Wissenschaftlers zum Eigentum der Menschheit.
1839 ist das offizielle Geburtsjahr der Fotografie.
Daguerreotypien waren Einzelkopien, das heißt, es war unmöglich, Kopien davon anzufertigen, und die Fotografie gliedert sich, wie Sie wissen, in zwei Vorgänge – das Erhalten eines Negativs und das Erstellen eines Positivs. Die Technik zur Herstellung eines Negativs wurde 1840 von Fox Tabol entdeckt.
Seitdem hat sich viel verändert: Filme erschienen, Technologien zum Erstellen von Farbfotografien wurden entwickelt, und vor nicht allzu langer Zeit erschien Digitaldruck, basierend auf elektronischer Technologie, die ein optisches Bild in ein elektrisches Signal umwandelt.
Die Geburt der Fotografie lässt sich nicht allein durch die Entwicklung der Technik erklären.
30-40 Jahre des 19. Jahrhunderts markieren die Geburt einer solchen Kunstrichtung wie Kritischer Realismus. Eines der Postulate des Realismus lässt sich wie folgt formulieren: Jedes menschliche Prinzip ist absolut. Die Tatsache, dass jeder sein eigenes Lichtbild hat (wenn auch nur im Pass), beweist, dass jeder von uns einander in der Realität gleichgestellt ist. Die Fotografie bekräftigt unsere Beteiligung am Leben und an der Ewigkeit.
In Werken des Realismus Menschenleben darin behandelt historischer Zusammenhang(Der Held wird immer in Bezug auf die Epoche angegeben).
Aufmerksamkeit für den Alltag, Details - all dies zeichnet sowohl eine realistische Arbeit als auch die Fotografie aus.
Die Fotografie ist der Hüter der Vergangenheit: Wir studieren historische Epochen, das Familienleben und so weiter. durch Fotografien. R. Arnheim formulierte die generischen Eigenschaften der Fotografie wie folgt: „Untrennbar verbunden mit der physischen Natur der Landschaft und menschlichen Siedlungen, mit Tieren und Menschen, mit unseren Taten, Leiden und Freuden, ist die Fotografie mit dem Privileg ausgestattet, einem Menschen zu helfen selbst studieren. Erweitern und bewahren Sie Ihre Erfahrung, tauschen Sie wichtige Botschaften aus ... “(Arnheim R. Neue Aufsätze zur Psychologie der Kunst. - M., 1994, S. 132).
2.2. Spiegelt die Fotografie die Realität objektiv wider?
studieren verschiedene Quellen, habe ich gelernt, dass Wissenschaftler das realistische Potenzial der Fotografie unterschiedlich einschätzen. Zum Beispiel argumentierte der französische Wissenschaftler A. Bazin, dass das fotografische Bild eines Objekts "dieses Objekt selbst ist". Die Fotografie, so der Forscher, ist objektiv, da „es nichts zwischen einem Objekt und seinem Bild gibt, außer einem anderen Objekt ... Alle Künste basieren auf der Anwesenheit einer Person, und nur in der Fotografie können wir uns an ihrer Abwesenheit erfreuen. Fotografie wirkt auf uns als „natürliches“ Phänomen wie eine Blume oder ein Schneekristall ... “(Bazen A. Was ist Kino? - M., 1972. - S. 44). Die ästhetischen Möglichkeiten der Fotografie liegen in der Offenlegung des Realen, das ohne verbale und andere künstliche Mittler direkt erscheint. Das Kameraobjektiv „befreit das Subjekt von gewohnten Vorstellungen und Vorurteilen“, und das Kino „erscheint vor uns als Vollendung der fotografischen Objektivität in der zeitlichen Dimension … Erstmals wird das Bild der Dinge auch zu einem Bild ihrer Existenz in der Zeit …“ (Bazin A., S. 45).
Es gibt auch einen gegensätzlichen Standpunkt. „Wir wissen es alle“, schreibt Yu.M. Lotman, - wie unähnlich, wie verzerrend Fotografien sein können. Je näher wir eine Person kennen, desto mehr Unähnlichkeiten finden wir auf Fotos. Für jede Person, deren Gesicht uns wirklich bekannt ist, bevorzugen wir ein Portrait guter Künstler ihm in der Fotografie ebenbürtig. Darin werden wir mehr Ähnlichkeiten finden. Aber wenn wir ein Porträt und ein Foto einer uns unbekannten Person erhalten und gebeten werden, zuverlässigere auszuwählen, werden wir nicht zögern, bei einem Foto anzuhalten, das ist der Reiz des „dokumentarischen“ Charakters dieser Art von Text “(Lotman Yu.M. On Art. - St. Petersburg, 2000. - S. 297).
Schlussfolgerungen: Diese Befragung lässt uns verstehen, dass die Mehrheit (66,7%) glaubt, dass Fotografie die Realität objektiv widerspiegelt, und der Rest
(33,3 %) glauben das nicht.
2.3. Ist Fotografie Kunst? Und warum hat die bildende Kunst nach dem Aufkommen der Fotografie nicht aufgehört zu existieren?
Viele der Bilder sind vergänglich, alltäglich, genauer gesagt, ausdruckslos, unkünstlerisch, das heißt, sie sind eine einfache „Kopie der Realität“. Natürlich ist bei unseren (ganz alltäglichen) Fotos zu Hause das Objekt des Bildes für uns am interessantesten: wir selbst, unsere Verwandten, Lieben, Freunde usw. Werden diese Fotos Kunst sein? Für uns - ohne Zweifel: wie viele Emotionen, Erinnerungen sie hervorrufen. Und für andere Menschen, die uns fremd sind, wird das auf unserem Foto abgebildete Objekt interessant sein? Hier ist es schwieriger.
Welche Bedingungen sind notwendig, damit eine „Kopie der Wirklichkeit“ Kunst wird? Anscheinend dasselbe wie für alle anderen Künste. „Kunst ... ist die einzige Aktivität, die die Aufgabe erfüllt, die persönliche Bedeutung von Aktivität, Realität zu entdecken, auszudrücken und zu kommunizieren“ (Leontiev A.N. Ausgewählte psychologische Werke. - M., 1983. - S. 237).
So herausragende Meister des 20. Jahrhunderts wie A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray und andere machten die Fotografie zur Kunst.
Ich habe mit meinem Freund ein Experiment gemacht:legte ihm zwei Fotografien hin.
Als mein Freund sie betrachtete, identifizierte mein Freund, sich auf seinen intuitiven Sinn verlassend, einen als "künstlerisch" und den anderen als "nicht künstlerisch". Auf meine Frage: „Warum hat er das so abgeschlossen?“ - gefolgt von einer etwas vagen Antwort: „Nun, es ist klar, es ist nur die Ansicht, die vor der Kamera war, aber hier kommt etwas hinzu, eine Art Stimmung, der Fotograf wollte etwas ausdrücken, um von sich aus zu sagen vermitteln, sehen Sie, was für ein Gefühl…“
Ich habe versucht, diese Gedanken konkreter auszudrücken.
Bei der Produktion von nicht-künstlerischer Fotografie wurden zwei Teilnehmer zu Freunden ernannt: Landschaft und Kamera; bei der produktion künstlerischer fotografie benennt er drei beteiligte: landschaft, apparat, fotograf.
Im ersten Fall erfasste das Foto automatisch, was in das Sichtfeld des Objektivs fiel, im zweiten wurde der realen Landschaft etwas hinzugefügt.
Tatsächlich sind hier die Zeichen, die normalerweise als Hervorhebung bezeichnet werden Unterscheidungsmerkmale Kunst: die Präsenz der Subjektivität des Autors, ... das Einbringen von Gedanken in das abgebildete Objekt, die Rekonstruktion des Objekts in Verbindung mit dem allgemeinen Weltverständnis des Künstlers. Das heißt, „zu einer Tatsache der Kunst geworden, wird die materielle Welt humanisiert und vergeistigt, erhält Bedeutung“ (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialogue with the screen, - Talin, 1994. - S. 19-20.)
Beim Fotografieren greifen wir in das umgebende Mi ein, wir „schneiden“ daraus ein „Stück“ der Realität, das uns irgendwie gefiel, oder einfach brauchte, oder mit irgendeiner Art unserer Erfahrung übereinstimmte, einen Gedanken ausdrückte.
Natürlich hat die Fotografie als Kunst ihre eigenen Ausdrucksmittel. Wenn wir ein Foto betrachten, achten wir nicht nur auf die Handlung, sondern auch auf den Plan, den Winkel, die Zusammensetzung des Rahmens, das Licht und die Farbe. Indem wir sie kreativ einsetzen, diese oder jene Optik, Schwarzweiß- oder Farbfilm und jetzt auch die enormen Möglichkeiten des Computers verwenden, können wir die Objekte der Welt auf unsere eigene Weise interpretieren und komplexe künstlerische Bilder erstellen. Die Kenntnis des Arsenals an Ausdrucksmitteln garantiert jedoch noch kein qualitativ hochwertiges künstlerisches Bild. Wie in jeder Kunst braucht es auch hier ein besonderes Flair, Inspiration und Geschmack.
Erste Umfrage: Warum hat die bildende Kunst nach dem Aufkommen der Fotografie nicht aufgehört zu existieren?
Schlussfolgerungen: Aus dieser Umfrage kann ich schließen, dass 84 % der Befragten glauben, dass die Fotografie zu einer der bildenden Künste geworden ist, und 16 % glauben, dass die Fotografie viel jünger als die bildende Kunst ist und sie wahrscheinlich in Zukunft ersetzen wird.
Schlussfolgerungen: 32 Prozent der Befragten glauben, dass man die modernste und hochwertigste Ausrüstung braucht, um ein guter Fotograf zu werden, und 64 Prozent sind immer noch der Meinung, dass es nicht auf die Technik ankommt, sondern darauf, wer sie nutzt.
Schlussfolgerungen: Diese Frage bleibt auch für mich umstritten. Die Zahl der Befürworter und Gegner des Einsatzes von Photoshop in der Fotografie teilte sich in zwei identische Lager, und diese Frage wird für uns unbeantwortet bleiben.
Schlussfolgerungen: Basierend auf dieser Umfrage können wir beurteilen, dass 80 % der Befragten glauben, dass Fotografie Kunst ist, 4 % verneinten und 16 % die Antwort auf diese Frage nicht kennen. Was denken Sie?
Abschluss
Meine Hypothese wurde bestätigt – Fotografie ist nicht immer Kunst.
Jeder, der Fotografie liebt, die Meisterwerke von Profis bewundert, hochwertige, einzigartige Werke und sich gleichzeitig nicht das Ziel setzt, sein Schaffen zu verkaufen - dafür ist die Antwort naheliegend: Fotografie ist eine Kunst!!! Und für diejenigen, die nur für sich selbst, für die Erinnerung fotografieren, ist die Fotografie einfach eine Bereicherung des Lebens, eine notwendige Bedingung.
Nun, ich denke, die Frage, ob Fotografie Kunst ist oder nicht, ist vielleicht so schwer zu beantworten wie die Frage nach dem Sinn unseres Daseins. Manche Leute denken, wenn man ein Foto mag und wünscht, man hätte es nicht gemacht, dann ist es Kunst. Aber meiner Meinung nach ist nicht alles Kunst, was man mag, und umgekehrt sollte Kunst nicht immer gemocht werden. Denn Schönheit und Hässlichkeit, Gut und Böse – diese Dinge gehören untrennbar zusammen, deshalb sollten sie die Kunst gleichermaßen erfüllen. Wenn wir nur Schönheit sehen, werden wir sie nicht wahrnehmen. Böses und Hässliches sind so notwendig wie Sauerstoff für unsere Lungen. Menschen, die vom absoluten Glück träumen, liegen ziemlich falsch, sie verstehen nicht, dass es ohne Krieg keinen Frieden geben würde, dass sie kein Gramm vom Glück wüssten, wenn sie keine Trauer erfahren würden. Das Leben selbst wäre langweilig, würde jeden Sinn verlieren. Es ist viel interessanter, in einer Welt voller Gegensätze zu leben, die das Leben eines Menschen am intensivsten und vielfältigsten machen.
Literatur
- Arnheim R. Neue kunstpsychologische Aufsätze. - M., 1994, S.132
- Bazin A. Was ist Kino? - M., 1972. - S.44
- Leontjew A. N. Ausgewählte psychologische Werke. - M., 1983. - p. 237
- Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog mit dem Bildschirm, - Talin, 1994.- vom 19.-20.
- http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
- http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg
Wenn Sie morgens aufwachen, was machen Sie normalerweise? Höchstwahrscheinlich greifen viele zum Smartphone und scrollen durch ihren Newsfeed auf Vkontakte, Facebook oder Twitter, aber einer der beliebtesten soziale Netzwerke ist in den letzten Jahren zu Instagram geworden. Manche Menschen können sich ihr Leben ohne sie nicht mehr vorstellen. Das Zeigen Ihrer Fotos ist zu einem Ritual geworden. Dank ihnen wurde es einfacher, Emotionen und den Moment der Handlung zu vermitteln.
Die Erfindung der Fotografie geht auf den Beginn des 19. Jahrhunderts zurück. Mehrere Personen haben fast gleichzeitig an seiner Entstehung gearbeitet: Thomas Wedgwood Mit William Henry Fuchs in England u Josef Niepce Mit Louis Daguerre in Frankreich. Ein Versuch, ein Bild zu reparieren, wurde jedoch viel früher unternommen. Das beweist die seit dem Mittelalter verwendete Camera Obscura („Dunkelkammer“). IN dieser Moment fraglichüber eine Kiste mit einem kleinen Loch, wo später eine Linse eingesetzt wurde. Die erste Kamera war ziemlich schwierig zu bedienen, da das durch das Loch einfallende Licht an der gegenüberliegenden Wand der Kamera ein umgekehrtes Bild lieferte.
Die Fotografie war für das 19. Jahrhundert eine echte Sensation. Erstens wurde es bald kommerzieller Natur, und zweitens gab es einen direkten Impuls für den technologischen Fortschritt, sodass die Verbesserung von Bildern sprunghaft voranschritt. Direkt darunter sind zwei Fotos, die im Abstand von 13 Jahren aufgenommen wurden. Ihr Schöpfer ist Josef Niepce.
Lochkamera
Das Bild wurde 1826 aufgenommen, das erste Naturfoto
Dieses Foto wurde 1839 aufgenommen
Eigentlich hätte sich das obige Bild als Kutsche herausstellen sollen, aber sie fuhr zu schnell, sodass die Kamera keine Zeit hatte, sie aufzunehmen, dieses Bild wurde mit einer „Belichtung“ von 8 Stunden aufgenommen. In diesem Jahr erschien die Fotografie tatsächlich.
In den 1860er Jahren gelang es ihnen, die Verschlusszeit von 8 Stunden auf 30 Sekunden zu reduzieren, was zu einer beispiellosen Popularität in der Fotografie führte.
Die Entwicklung der Fotografie schritt unaufhaltsam voran. Allmählich wurden sie zu echten Kunstwerken, durch sie konnten die Menschen die Welt so sehen, wie sie war, und neue Horizonte in einem realistischeren Format darstellen.
Die Entstehung der Fotografie als eigenständige Kunst begann sich Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts zu manifestieren. Die Technologie ist an einem Punkt angelangt, an dem jede Aufnahme, die ein Fotograf macht, die kleinsten Merkmale eines Modells oder einer Szenerie erfasst. In diesem Moment gab es eine Synthese zweier Kunstrichtungen, die es bis dahin nur gab künstlerischer Sinn: so wurden Moderne und Impressionismus eins. Diese Kombination zeigt Fred-Holland-Tag, der 1898 im Philadelphia Salon den Zyklus „Seven letzte Worte". Die Bilder zeigen die letzten Augenblicke des Lebens Christi.
Sieben letzte Worte von Fred Holland Day. Die Fotos zeigen den Autor selbst.
Aber wenn Fred Day an der klassischen Präsentation der Fotografie festhielt, dann veränderte der avantgardistische Ansatz alles. Alfred Stiglitz der die Fotografie zu dem gemacht hat, was sie für uns ist moderne Welt. Sein besondere Herangehensweise eine echte Revolution in der Branche gemacht. Er begann Stillleben einzufangen und brachte neue Trends in die Porträtfotografie. Stieglitz besaß mehrere Kunstgalerien in New York, in denen nicht nur seine Arbeiten präsentiert wurden, sondern auch Werke von Künstlern aus Europa.
Seine Arbeit ist ein klassisches Beispiel für die Fotografie des 20. Jahrhunderts.
Einige Jahre später gründete er mit Fred Day die „Photo-Secession“, die zur ersten Fotokunstbewegung wurde. Stiglitz bewarb seine Fotografien auch durch von ihm erstellte Magazine wie z "MITKamera Anmerkungen» Und « Kamera arbeiten» , wo jedem, der das Magazin kaufte, ein neues Kunstwort gegeben wurde. Der Fotograf reiste viel, sodass seine Sammlung nicht nur Bilder des amerikanischen Stadtbildes, sondern auch aus Europa umfasste. Auf seiner Reise musste Stieglitz mit der Geringschätzung der künstlerischen Elite fertig werden, die der Meinung war, dass die Fotografie nicht den gleichen ehrenvollen Platz verdient wie das Gemälde. Wie oben erwähnt, gelang es Alfred Stiglitz, mit diesen Klischees zu brechen und die öffentliche Aufmerksamkeit auf seine Arbeit zu lenken. Bemerkenswert ist, dass Stieglitz in der Fotografie nie ein kommerzielles Ziel verfolgte, er war entgegen der landläufigen Meinung ein echter Künstler, denn jede Aufnahme erforderte Anstrengung – sei es ein Foto vom verschneiten New York oder der Versuch, das richtige Licht dafür zu setzen ein Model.
Die Liste der Fotografen, die nach Alfred Stieglitz erschienen sind, ist zahlreich. Einige ahmten ihn nach, während andere ihre Aktivitäten auf die kommerzielle Industrie konzentrierten, die sich in Amerika im 20. Jahrhundert rasant entwickelte. Es lässt sich festhalten, dass die Fotografie während ihres kurzen Bestehens mehrfach die Einstellung der Öffentlichkeit zu sich selbst verändern konnte. Von einem kommerziellen Geschäft wurde es zur hohen Kunst und dann wieder zu einer Industrie, aber die Meisterwerke, die uns die Fotografen des frühen 20. Jahrhunderts bescherten, werden für immer bleiben. Sie existieren als Erinnerung daran, dass die Menschen die Fotografie früher etwas mehr schätzten als wir es heute tun.
Zur Zeit der Geburtsstunde der Fotografie war die Ästhetik von der Meinung geprägt, dass nur ein handgefertigtes Werk Kunst sein könne. Das mit Hilfe technisch-physikalischer und chemischer Methoden gewonnene Abbild der Wirklichkeit konnte einen solchen Status nicht einmal beanspruchen. Und obwohl die ersten Fotografen, die sich der Kunstfertigkeit des Bildes zuwandten, beträchtlichen kompositorischen Einfallsreichtum zeigten, um die Realität darzustellen (und sie manchmal bis zur Unkenntlichkeit zu verändern), ist das System öffentliche Werte und Prioritäten in die Rolle einer der Musen passte die Fotografie lange nicht hinein.Alle modernen Arten der "technischen Künste" - Fotografie, Kino, Fernsehen - haben jedoch eine ähnliche Entwicklung durchgemacht: Am Anfang ihres Daseins waren sie eine Art amüsante Attraktion, dann technisches Mittel zur Übermittlung von Informationen, und erst im Verlauf ihrer Existenz Durch die Schaffung einer neuen Kunstsprache innerhalb dieser Informations- und Kommunikationssysteme fand ein Übergang zu kommunikativen und künstlerischen Funktionen statt. Dies bedeutet jedoch nicht, dass das Problem des Verhältnisses von Fotografie und Kunst nicht diskutiert wurde. Der französische Maler Delaroche (1797-1856) betonte die Möglichkeiten der Fotografie und schrieb: "Die Malerei ist von heute an gestorben." Ein deutsches Magazin behauptete dagegen das Gegenteil: „... Die Entdeckung der Fotografie hat hochwertig für die Wissenschaft und sehr begrenzt für die Kunst". 1913 veröffentlichte die Rigaer Zeitschrift für praktische und künstlerische Fotografie "Rays" ("Stari") einen Sonderartikel "Fotografie und Kunst", in dem die Frage diskutiert wurde, ob Fotografie Kunst oder nur praktisch ist. angewandtes Können, bei dem die Beherrschung der Technik eine große Rolle spielt. Der Autor dieses Artikels kam zu dem Schluss, dass die Frage, ob Fotografie Kunst ist, so lange Bestand haben wird, wie es Fotografie gibt. technische Seite ist für die Kunst nicht neu, nur in der Fotografie manifestiert sie sich von einer historisch neuen Seite. Der Besitz einer fotografischen Ausrüstung, die Beherrschung der Fertigkeit scheint hier eine einfachere Aufgabe zu sein, als beispielsweise die Beherrschung der Technik des Weiterspielens Musikinstrument. Diese Leichtigkeit ist es, die Kritiker der Fotografie als Kunst in die Irre führt. Der Künstler Delaroche sah in dem neuen Phänomen sein künstlerische Besonderheiten und sein starkes künstlerisches Potenzial.
In den ersten Jahren nach ihrem Erscheinen (der Daguerreotypie-Zeit) wurde die Fotografie von der öffentlichen Meinung und Experten aus verschiedenen Kulturbereichen als amüsanter Schmuck eingestuft. Die Fotografie dieser Zeit besaß weder dokumentarische Qualität noch Aussagekraft noch Freiheit von Lichtlösungen und Erkenntnissen, also keines der Merkmale, die die Theorie heute als bestimmend für die Fotografie ansieht. Die Entwicklung der Fotografie wurde maßgeblich von gesellschaftlichen Bedürfnissen bestimmt. Der Aufstieg der Zeitungsindustrie trieb die Fotografie in den Mainstream der Reportage. Als die ersten „bewegten Bilder“ (Kino) auf der Grundlage der Fotografie auftauchten, war die Fotografie selbst ein bescheidenes dokumentarisches Zeugnis, das an Ausdruckskraft und Raffinesse der Malerei und Grafik unterlegen war. Um die Fotografie gab es immer wieder theoretische Auseinandersetzungen: Kann man Fotografie künstlerisch mit Malerei vergleichen? Ist die Fotografie nicht eine entartete Malerei, deren Technik das Können des Künstlers ersetzt? Umgekehrt ist es kein Foto moderne Sorte Malerei, Übernahme und Vertiefung ihrer Funktionen, Modifikation der Malerei in einer technischen Zivilisation, Veränderung der kulturellen und ästhetischen Bedeutung traditionelle Malerei? Aber das ist nichts weiter als eine Gegenüberstellung zweier Phänomene des künstlerischen Lebens, zweier Kunstarten, die sich deutlich anziehen und miteinander interagieren. Die Fotografie befreite die Malerei von ihrer Gebrauchsfunktion – der bildlichen Fixierung des Sachverhalts, die schon in der Renaissance eine der wichtigsten Aufgaben der Malerei war. Man kann sagen, dass die Fotografie zur Entwicklung der Malerei beigetragen hat und zur vollständigen Identifizierung ihrer einzigartigen Besonderheit beigetragen hat. Die Fotografie nahm aber auch viel von der jahrhundertealten Erfahrung in der Entwicklung der bildenden Kunst auf. Die eigentliche Vision der Welt „im Rahmen“ ist ein Vermächtnis der Malerei. Der Bilderrahmen ist das erste Storyboard der Wirklichkeit in der Kulturgeschichte. Verkürzung und Aufbau der Perspektive, die Fähigkeit des Betrachters, ein Foto als planares Bild des dreidimensionalen Raums zu "lesen" - all dies ist großartig kulturelles Erbe geerbte Fotografie von der Malerei. Der Einfluss der Malerei auf die Fotografie ist enorm. Gleichzeitig ist die Aufgabe der Fotografie zweiwertig, zweidimensional: Einerseits sich möglichst vollständig von der Malerei zu lösen und ihre eigenen Grenzen und Möglichkeiten, andererseits ihre Spezifik zu bestimmen die künstlerische Erfahrung der Malerei auf ihrer eigenen Grundlage vollständig zu beherrschen.
Einer von zentrale Themen Die Identifizierung jeder Art von Kunst ist ein Problem ihrer Sprache. Bei der Analyse der Geschichte der Bildsprache der Fotografie werden mehrere Perioden ihrer Entwicklung unterschieden. Aufgrund der unvermeidlichen Dauer der Belichtung in der Vergangenheit fotografierten Fotografen zunächst lieber das Monumentale, Unbewegliche (Berge, Häuser). Für Portraits mussten die Models lange einfrieren. Die Porträtierten auf den Fotografien von damals sind angespannt, konzentriert. Diese erste Periode begann 1839 und dauerte etwas mehr als ein Jahrzehnt lang an. Die zweite Periode ist mit dem Aufkommen neuer fotografischer Technologien verbunden, die es ermöglichten, die Verschlusszeit von einigen zehn Minuten auf Sekunden zu verkürzen und gleichzeitig die Reflexionsmöglichkeiten immer mehr zu erweitern eine Vielzahl Objekte der Realität. Fotografen versuchten, das Ganze einzufangen die Umwelt. Reisende Fotografen bereisten viele Länder und begannen, nicht nur den Weltraum, sondern auch die Tiefen zu erkunden öffentliches Leben, dem Publikum aufschlussreich präsentieren psychologische Porträts seine Zeitgenossen aus verschiedenen Gesellschaftsschichten in verallgemeinerten Bildern. Die Natürlichkeit und Genialität der Fotografie erzeugten eine frische Wahrnehmung, fasziniert von ihrer Einfachheit.
Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts. In der Fotografie wird eine Methode entwickelt, die mit dem bewussten Eingreifen der Hand in die Schaffung eines Werks verbunden ist - der Piktorialismus. Sie ist integraler Bestandteil der technischen Innovation – Trockentechnologie. Der Nachteil dieser Technologie (mangelnde Tonalitätsfülle) wurde durch das Auftragen von Tinte während des Druckens kompensiert. Bei der Erstellung einer Arbeit sind der Fotograf und der Künstler meistens in einer Person vereint. Das Fotomaterial wurde als „interlinear“ für die Übersetzung benötigt künstlerische Bearbeitung. Die manuelle Intonation verwischte die Unmittelbarkeit des fotografischen Bildes. Den Versuch, die Widersprüche der Bildlichkeit zu überwinden, versuchten Künstler, die der Disharmonie und der Repräsentation einen Tonalitätsreichtum entgegensetzten, eine innere Musikalität, die der Wirklichkeit selbst organisch innewohnt und ihr nicht künstlich aufgezwungen wird. Ohne jede Montage wurde ein tiefes menschliches Gefühl in das Verhältnis der Formen gebracht.
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Die technischen Mittel der Fotografie haben den menschlichen Aufwand für ein zuverlässiges Bild auf ein Minimum reduziert: Jeder kann sein ausgewähltes Objekt festhalten. Die technologische Seite des Schießens ist für die Fotoausrüstung zuständig. Hier gibt es Traditionen und spezifische handwerkliche Parameter. Der Zweck der Technik ist jedoch ein anderer: nicht die Gewährleistung der vollen Wirkung der "Nachahmung", sondern im Gegenteil das Eindringen, das gezielte Verformen des Displays, um die Art und Bedeutung der menschlichen Beziehung zum Dargestellten hervorzuheben.
Argumente über die künstlerische Natur der Fotografie sind vor allem im Hinblick auf das Finden und Behaupten grundlegender Ähnlichkeiten mit traditionellen Kunstformen möglich (Fotografie ist eine synthetische Innovation der künstlerischen Kultur des 20 Unterschied zu traditionellen Kunstformen (Fotografie ist eine spezifische Innovationskultur des 20. Jahrhunderts). Jeder dieser Aspekte des Studiums hat seine eigene innere Logik, und nur ihre harmonische Kombination und nicht die Verabsolutierung des einen durch Ignorieren des anderen erlaubt es, die künstlerischen Möglichkeiten und das Wesen der Fotografie mehr oder weniger objektiv zu bestimmen. Die Kunstfertigkeit der Arbeit zeigt sich in der Erfahrung von Schönheit, Harmonie, Lustgefühl, der Wirkung von persönlichem und erzieherischem Einfluss (letzteres ist jedoch ziemlich schwierig zu isolieren und momentan und konkret zu fixieren). Die Besonderheit der Fotografie als Kunstform ist die Dokumentation, die Authentizität des Bildes, die Fähigkeit, den Moment zu verewigen. Indem man die Aufmerksamkeit auf die fotografische Arbeit richtet, kann man einige davon herausgreifen signifikante Eigenschaften die Eigenschaften der Fotografie enthüllen. Jedes der identifizierten Merkmale des Fotos kann von einem ausführlichen Kommentar begleitet werden. Die Aufgabe, das Wesen der Fotografie als Kunstform zu definieren, besteht erstens darin, zu identifizieren, wie viel von der Beschaffenheit des Materials und der direkten "frontalen" Wahrnehmung abstrahiert werden kann, um ein künstlerisches Bild zu schaffen, und zweitens, was soziales und kulturelle Funktion, die diese oder jene künstlerische Form in Verbindung mit einem bestimmten Material erfüllt, d.h. wie rein und adäquat ein künstlerisches Werk durch das Selbstbewusstsein des Künstlers sowie durch die öffentliche Meinung und theoretische Formen des Verständnisses des künstlerischen Lebens fixiert ist. Die Besonderheit des künstlerischen Bildes in der Fotografie besteht darin, dass es bildhaftes Bild dokumentarischen Wert. Fotografie gibt ein Bild, das kombiniert künstlerische Ausdruckskraft einen wesentlichen Moment der Wirklichkeit mit Gewissheit und in einem eingefrorenen Bild verkörpern. Die berühmten Fotografien, die den Bataillonskommandanten zeigen, der Soldaten zum Angriff aufstellt, das Treffen der Helden der Verteidigung der Festung Brest, vereinen die künstlerische Kraft und Bedeutung eines historischen Dokuments.
Das fotografische Bild ist in der Regel ein Iso-Essay. Lebensfakten in der Fotografie wurden sie fast ohne weitere Bearbeitungen und Veränderungen aus dem Wirkungsbereich in den Bereich der Kunst überführt. Die Fotografie ist jedoch in der Lage, lebenswichtiges Material zu nehmen und die Realität sozusagen umzukehren und uns zu zwingen, sie auf neue Weise zu sehen und wahrzunehmen. Das erwähnte Muster operiert an der Schnittstelle seiner informativ-kommunikativen und kommunikativ-künstlerischen Bedeutung: Eine bloße Tatsache kann der informativen Sphäre zugeschrieben werden, aber ihre künstlerische Interpretation wird bereits ein Phänomen anderer Ordnung sein. Und es ist die ästhetische Einstellung des Fotografen zum Gefilmten, die das Endergebnis und die Wirkung des Bildes bestimmt.
Betrachtet man die Fotografie von der künstlerischen Seite, ist es notwendig, auf ihren dokumentarischen Charakter einzugehen. Fotografie umfasst und künstlerisches Porträt zeitgenössische und aktuelle Pressefotos (Dokument) und Bildberichte. Natürlich ist es unmöglich, von jedem Service eine Momentaufnahme zu verlangen hohe Kunst, aber es ist auch unmöglich, in jeder hochkünstlerischen Arbeit nur Videoinformationen und ein fotografisches Dokument zu sehen. Dokumentation, Authentizität, Realität – das ist die Hauptsache in der Fotografie. In dieser grundlegenden Eigenschaft liegt der Grund für den weltweiten Einfluss der Fotografie auf die moderne Kultur. Andere Qualitäten der Fotografie, ihre Besonderheiten, ihre gesamtkulturelle Bedeutung kristallisieren sich im Vergleich zwischen Fotografie und einzelnen Kunstgattungen heraus. Dokumentalismus ist eine Qualität, die erst mit dem Aufkommen der Fotografie in Kunst und Kultur vorgedrungen ist. Eingesetzt in verschiedene Typen Kunst, diese Qualität, die jedes Mal durch ihre Spezifität gebrochen wurde, bildete ein neues Derivat ihrer selbst. Aus anderen Kunstformen kehrten diese das Dokumentarische bereichernden Abkömmlinge in die Fotografie zurück und erweiterten und bereicherten nicht nur den Fundus der künstlerischen Kultur, sondern auch die Möglichkeiten der ästhetischen Praxis der Fotografie als Kunstform. Nicht-künstlerische Fotografie, also dokumentarisch in Bezug auf die verwendeten Techniken und journalistisch in Bezug auf die Funktionalität, trägt neben der Informationslast auch eine ästhetische in sich. Fotojournalismus spricht, wie Sie wissen, direkt das Dokumentarische an, das der Fotografie und all ihren Spielarten von Geburt an innewohnt. Allerdings wird diese Eigenschaft je nach Aufgabenstellung unterschiedlich genutzt. In jenen Fällen, in denen es um Fotochroniken geht – gewissenhafte, erschöpfende, protokollgenaue Informationen über ein Ereignis – offenbart sich die Individualität des Bildautors nicht. Sie ist der Fixierung der Tatsache, der letzten Verlässlichkeit ihrer Darstellung, ganz untergeordnet. Eine andere Sache ist der Fotojournalismus. Auch hier setzt sich der Fotograf mit den Tatsachen der Realität auseinander, deren Darstellung jedoch grundsätzlich in der Vision des Autors erfolgt, sie sind durch die persönliche Einschätzung des Autors gefärbt. Dokumentarfilm und Artistik im Bereich der Fotografie verschmelzen, überlagern sich. Im Allgemeinen existiert die moderne Fotografie in der Einheit all ihrer Aspekte – ideologisch und künstlerisch, semantisch und expressiv, sozial und ästhetisch.
Bestimmte Aspekte der Fotografie als Kunstform manifestieren sich in der Farbwahl, künstlerischer Stil, Gattung, Bildsprache, spezifische Techniken der Bildbearbeitung, die persönliche Einstellung des Fotografen zum entstehenden Werk etc. Farbe ist einer der wichtigsten Bestandteile der modernen Fotografie. Es entstand in der Fotografie unter dem Einfluss des Wunsches, das fotografische Bild den realen Formen von Objekten näher zu bringen. Die Farbe lässt das Fotobild authentischer wirken. Dieser Faktor führte zunächst zur Notwendigkeit von Farbrahmen und gab später der Entwicklung der Farbfotografie Impulse. Maßgeblich ist hier der Einfluss der Traditionen der Malerei, in denen der bedeutungsstiftende Umgang mit Farbe historisch gewachsen ist. Die künstlerische Fotografie hat in ihren höchsten Errungenschaften immer wieder die These verworfen, dass ihre Bilder statisch sind. Und Farbe spielt bei dieser Leugnung der Unbeweglichkeit eine wichtige Rolle. Basierend auf den Erfahrungen mit Farbfotografien können wir die Regeln für den Einsatz von Farbe in der Fotografie formulieren. Die erste davon ist, nur dann in Farbe zu fotografieren, wenn es von grundlegender Bedeutung ist, wenn es ohne Farbe unmöglich ist, das zu vermitteln, was beabsichtigt ist. Die zweite Regel: Die Symbolik von Farbe, Licht, das Spiel von Tönen und Schattierungen, angesammelt und angesammelt durch die bisherige kulturelle Strömung, die Erfahrung älterer Kunstformen - Malerei, Theater und später verwandte technische - Kino und Fernsehen, kann wirksam werden in der Fotografie verwendet. Die dritte Regel: Die Verwendung von Farbkontrasten, um einen semantischen Kontrast zu schaffen. Die Fotografie hat die Farbe noch nicht ganz beherrscht. Sie wird alles aufnehmen müssen Farbpalette Frieden. Farbe soll von der Fotografie ästhetisch beherrscht werden und zu einem Mittel nicht nur des Bildes, sondern auch des konzeptionellen Verständnisses der Wirklichkeit werden.
Der künstlerische Stil ist ein besonderes Problem in der Theorie und Praxis der Fotografie. Sie wird nicht im Rahmen der Gattungsfrage gelöst. Im empirischen Aspekt geht der Stil sowohl von Pastell-, Aquarell-Aufnahmen, als auch von grafisch strengen Fotoarbeiten und verallgemeinerten „Öl“-Bildern bis hin zur vollständigen Nachahmung der Malerei auf Leinwand mit fotografischen Mitteln. Theoretisch ist das Stilproblem in der Ästhetik offensichtlich unzureichend entwickelt, und doch lässt es sich in Bezug auf die Fotografie identifizieren. In der Fotografie ist sowohl das Vorhandensein als auch das Fehlen eines künstlerischen Stils sehr offensichtlich. Ein naturalistisches und dokumentarisches Filmmaterial wird alle kleinen Dinge und Details, die in den Raum des Objektivs eingedrungen sind, gewissenhaft demonstrieren. Aber es wird ein unorganisiertes Chaos der Vision sein. Wenn ein solches Bild aus dem Blickwinkel des Autors künstlerisch aufgenommen und stilistisch dekoriert wird, entsteht ein völlig anderes Werk. Richtung, Art und Stärke der Abweichung des Autors von der „spiegelnden“, naturalistischen, rein reflexiven Fotografie bestimmen den Stil in der fotografischen Arbeit. Es kann rein individuell sein oder einer bestimmten Schule, Tradition, Kunst Programm. Die Charakteristik des Fotostils kann assoziativ und künstlerisch sein.
Eng verbunden mit dem Stilproblem ist die Frage nach der nationalen Identität der Fotokunst. Verschiedene Tendenzen in der Fotografie zeigen in unterschiedlichem Maße Abhängigkeiten vom Nationalen kulturelle Überlieferung. So steht beispielsweise die Reportage oder ethnografische Reportage in direktem Zusammenhang mit der Fotografie Kulturleben Menschen, mit Rhythmus Alltagsleben, mit der Seele der Menschen in ihren alltäglichen Manifestationen. Andere Strömungen, wie künstlerisch-konstruktive oder dekorative, geben die nationalen Inhalte in künstlerisch-ästhetisch-abstrakten Formen wieder. Alle Stile und Genres der Fotografie, alle ihre nationale Schulen basieren auf der spezifischen Beherrschung der Weltkunst des Meisters.
Zeit in einem Rahmen ist nicht eindeutig, eindimensional. Hier werden 2 Hauptschichten unterschieden, die sozusagen synthetisch verschmolzen werden. Diese Schichten sind augenblicklich und monumental, die trotz der polaren Korrelation voneinander abhängig sind. Die künstlerische Welt vereint sich in der harmonischen Einheit aller Komponenten, aller Details der künstlerischen Fotografie.
Fotografie beinhaltet die Anwesenheit eines Fotografen-Künstlers. Es erfordert sorgfältige Selektivität, eine besondere persönliche "Vision", die es Ihnen ermöglicht, das zu unterscheiden, was der Aufmerksamkeit wert ist, von dem Äußeren, Zufälligen, Unvollständigen. Nicht jedes aufgenommene Bild wird zum Kunstwerk und natürlich ist nicht jeder Film ein gelungenes fotografisches Werk. So wie ein Künstler ständig, täglich Skizzen anfertigt, schult ein Fotokünstler sein Auge, seine fotografische Sicht auf die Welt. Tägliche Arbeit ermöglicht es Ihnen, die Technik der Ausführung zu polieren und stabile Prinzipien der moralischen, ethischen und ästhetischen Einstellung zu möglichen Objekten der Fotokunst zu entwickeln. Ein Fotograf muss viele Qualitäten haben. Er muss Psychologe sein, den Charakter des Porträtierten erfassen, den Moment seiner Selbstenthüllung einfangen, in Körperhaltung, Mimik, Mimik, Hintergrund und Darstellungswinkel einen geheimen Selbstausdruck finden können, um seine innere Welt und seine Einstellung zu ihm vollständig offenbaren. Der Fotograf muss ein tiefes Wissen über das Leben und seine verschiedenen Aspekte haben.Es ist unmöglich, das Gießen von Stahl in einer offenen Feuerstelle auf höchst künstlerische Weise zu fotografieren, ohne sich zumindest allgemein die Technologie dieses Prozesses vorzustellen, die Fotograf muss ein Forscher sein. Indem der Meister systematisch und konsequent an dem Thema arbeitet und einen Werkzyklus schafft, hält er nicht nur dokumentarische Momente fest, die schließlich zu historischem Wert werden. Es entsteht nicht nur eine aussagekräftige Bilddatenbank, die je nach soziologischer, ethnographischer, historischen Charakter kann auf unterschiedliche Weise verwendet werden. Er schafft nicht nur ein Kunstwerk, sondern fungiert auch als Forscher eines bestimmten Themas, wobei er eine so interessante und erkenntnistheoretische Form wie die Fotografie verwendet. Gleichzeitig wird es zu einer Methode der künstlerischen Erkenntnis und Bewertung des gefilmten Phänomens.
Im Gesicht des Fotografen müssen ein Mann der Technik und Ästhetik, ein Mann, der Genauigkeit, Klarheit liebt, und ein Mann, der von einem Ansturm der Inspiration gepackt wird, ein Mann des Gefühls und der Kontemplation, der Bilder und Harmonie sehen kann, vereint sein und synthetisiert, fungiert der Fotograf als Chronist der Epoche, was ihm eine besondere Verantwortung auferlegt. Vor ihm öffnet sich ein unbebautes Feld, auf dem Wege und Pfade angelegt werden müssen, um von verschiedenen abgegrenzte Bereiche zu markieren Funktionalität Fotos. Ästhetik gibt dem Künstler kein Rezept und garantiert keinen Erfolg. Es gibt nur Richtlinien für die Suche, deren Ergebnis letztlich vom Talent und der Arbeit des Autors abhängt. In der Endphase kreativer VorgangÄsthetik hilft, eine künstlerische Wahrnehmung des Bildes zu entwickeln.
Kritik spielt eine wichtige Rolle in der Entwicklung der Fotografie, einschließlich des theoretischen und kritischen Denkens der Fotografen selbst. Kritik und Theorie, sofern sie verbindlich und kompetent sind, können dilettantische Auseinandersetzungen unterbinden, die sowohl Fotografen als auch Betrachter stören und ablenken. Für die Fotokritik ist es wichtig, die Fotografie umfassend als sozialkünstlerisches Phänomen zu betrachten. Einige Aspekte der kritischen Analyse sind: Soziologie der Fotografie (Fotografie als Zeitdokument, Fotojournalismus, Methode der zwischenmenschlichen Kommunikation und Mittel der Massenkommunikation, journalistischer Beginn der Fotografie, auf dieser Grundlage lassen sich Kriterien finden und entwickeln die gesellschaftliche Bedeutung einer fotografischen Arbeit); Kulturwissenschaft der Fotografie (Fotografie als Phänomen der modernen Kultur und ihre Stellung im kulturellen Wertesystem; Kriterien in diesem Bereich werden definiert kulturelle Bedeutung fotografische Arbeiten); Psychologie der Fotografie (Fotografie als festes visuelles Gedächtnis und der Faktor der "Anwesenheit" des Abwesenden, dieser Aspekt hilft, ein Kriterium persönlicher Bedeutung zu entwickeln); Erkenntnistheorie der Fotografie (die Wahl eines Objekts und die Besonderheit seiner Reflexion in der Fotografie, Unbedingtes und Bedingtes in der Fotografie, "Annäherung" und "Abstand" von der Realität in der Fotografie; damit verbunden sind Probleme der Lebensähnlichkeit - die Kriterien der Kunst, der Wahrheit ); Axiologie der Fotografie (die Möglichkeit einer subjektiven Einstellung zum Objekt in der Fotografie, die Probleme der Bewertung des Abgebildeten; auf dieser Ebene werden die Kriterien für die Bewertung der Kunstfertigkeit gebildet); Semiotik der Fotografie (Sprache der Fotografie, ihr Alphabet, Morphologie, Syntax, Grammatik; hier werden die Kriterien für den Informationsgehalt festgelegt); Ästhetik der Fotografie (Fotografie als ästhetisches Phänomen, die figurativen und künstlerischen Möglichkeiten der Fotografie, der ästhetische Reichtum der Welt und ihre künstlerische Entwicklung in der Fotografie, hier kommen die Kriterien der ästhetischen Bedeutung zum Ausdruck).
Unter Berücksichtigung verschiedene Aspekte Kunstfotografie, man kann ihre Essenz formulieren, versuchen, Fotografie zu definieren. Fotokunst ist die Schaffung eines visuellen Bildes mit dokumentarischem Wert auf chemischem und technischem Wege, das künstlerisch ausdrucksstark und authentisch einen wesentlichen Moment der Realität in einem eingefrorenen Bild festhält. In der Fotografie haben sich einige recht klar umrissene Richtungen herauskristallisiert: ethnographisch-soziologische, Reportage, Plakat-Werbung, künstlerisch-konstruktive, dekorative, symbolisch-konzeptionelle, impressionistische. Jede dieser Richtungen erfüllt ihre eigene spezifische, klar definierte kulturelle und kommunikative Funktion. Diese Richtungen schließen sich nicht gegenseitig aus. Derselbe Fotograf arbeitet in der Regel in mehreren von ihnen. Es ist sehr wichtig, die Halbfunktionalität der künstlerischen Fotografie im Auge zu behalten, damit beispielsweise ihre künstlerisch-konstruktive Funktion die ethnografische und soziologische nicht ausschließt und umgekehrt, damit die Konzeptualität des Fotosehens Hand in Hand geht mit der nationalen Tradition. Wie jede Kunst unterliegt auch die Fotografie den allgemeinen Gesetzen der künstlerischen Entwicklung, des Bewusstseins und der künstlerischen Weltanschauung. Das künstlerische Bild wächst historisch auf der Grundlage empirisch wahrgenommener Realität und spiegelt die Entstehung und Entwicklung kultureller und semantischer Vermittlung zwischen dem Künstler und der Außenwelt wider.
Die Entwicklung jeder Art von Kunst kann als eigenes Selbstbewusstsein gesehen werden kulturelle Funktion, also als Herausbildung künstlerischen Selbstbewusstseins innerhalb einer bestimmten Kunstgattung. Für die Fotografie bedeutet dies, dass sich der Künstler-Fotograf im Kontakt mit der modernen Realität im Einklang mit der ethnographisch-soziologischen, der Reportage- und der Plakatfotografie zwangsläufig weiter entwickelt und vertieft künstlerisches Bild im Rahmen der symbolisch-konzeptuellen Fotografie. In diesem Sinne ist die konzeptionelle Fotografie gleichsam das Ergebnis jenes künstlerischen Lebens und der persönlichen Erfahrung, dank derer der Fotograf zum Meister wird und bleibende Werte schafft. Daraus folgt aber etwas anderes: Alle Richtungen und Genres der künstlerischen Fotografie machen die integrale Besonderheit der Fotografie als Kunstform aus, und nur durch das Verständnis der Merkmale und künstlerischen Möglichkeiten jeder von ihnen ist es möglich, eine kumulative und integrale Vorstellung davon zu schaffen Fotografie als neues, moderne Form Kunst, die in gewisser Weise typisch für das bestehende Kunstverständnis ist und in gewisser Weise ihre eigenen historischen und semantischen Anpassungen an das Verständnis des Systems, der Beziehungen und Funktionen von Kunstformen sowohl im Rahmen der künstlerischen Kultur als auch im Rahmen der Moderne einführt Kultur im Allgemeinen.
