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Wo wurde der Dirigent und Komponist Sergej Prokofjew geboren? Sergei Prokofjew: Biografie, interessante Fakten, Kreativität

Sergej Sergejewitsch Prokofjew (1891 – 1953), der als großer Komponist, Erneuerer, Meister des Musiktheaters, Schöpfer einer neuen Musiksprache und Unterwanderer alter Kanons in die Geschichte der russischen Musik einging, ist immer ein wahrhaft russischer Künstler geblieben.
M. Tarakanov stellt fest, dass dies die Hauptsache ist historische Bedeutung Prokofjew, der die Arbeit in dieser Richtung fortsetzte und; sein

„Sie können zu Recht als die Sonne der russischen Musik bezeichnet werden.“

Gleichzeitig folgt er weiterhin dem Weg von A. Borodin und verleiht der Musik gewissermaßen einen Ansturm, Dynamik, Energie, gefüllt mit tiefen Ideen und strahlendem Optimismus.

Prokofjew-Musiktheater

Der kontinuierliche kreative Prozess der Arbeit des Komponisten in dieser Richtung ist auf die Entwicklung der musikalischen Bühnendramaturgie in Verbindung mit drei Hauptlinien zurückzuführen (hebt L. Danko hervor):

Komödie-Scherzo, gekennzeichnet durch eine Verbindung mit den Traditionen der Volksfestaufführung, Märchenparodieaufführungen (zum Beispiel das Ballett „Narr“, die Oper „Liebe zu drei Orangen“);
konfliktdramatisch, ausgehend von der Oper „Der Spieler“ – bis hin zur Oper „Krieg und Frieden“;
Lyrik-Komödie(Oper Die Duenna, Ballett Aschenputtel).

Die vierte Zeile, die mit Volksliedern verbunden ist, entsteht in den letzten Lebensjahren des Komponisten (die Oper „The Tale of a Real Man“, das Ballett „The Tale of Steinblume».

Opern von S.S. Prokofjew

Das Thema Opernhandlungen umfasst Beispiele russischer und europäischer klassischer Literatur; Die Zeitspanne reicht vom Mittelalter bis zur Zeit der Sowjetunion. Zusätzlich zu den abgeschlossenen Opernplänen blieben viele Opernpläne unrealisiert; einige werden von N. Lobachevskaya als Beispiel angeführt:

„Die Geschichte einer einfachen Sache“ (nach der Erzählung von B. Lavreniev), die in Form eines kurzen Abrisses der Oper vorliegt;
„Spender“ (nach dem Stück von N. Leskov), eine ausführliche Darstellung der Handlung;
„Taimyr ruft dich“ (nach dem Stück von A. Galich und K. Isaev) – hier werden separate Charaktere und Szenen entwickelt;
die Ideen der Opern „Khan Buzai“ und „Ferne Meere“ (das 1. Bild ist erhalten geblieben).

Unter den abgeschlossenen Opern:

„Fest zur Zeit der Pest“, entstanden als Ergebnis des Studiums des Komponisten bei Gliere;
Maddalena (1911, 2. Auflage 1913) ist eine lyrisch-dramatische Oper in einem Akt;
Der Spieler (1916, 2. Aufl. 1927), wo eine Art Konfliktdramaturgie entsteht;
Die Liebe zu drei Orangen (1919), das aus der Dell-Arte-Tradition stammt;
„Feuriger Engel“ (1919-1927/1928, nach gleichnamiger Roman V. Bryusov) vereint die Merkmale einer kammerlyrisch-psychologischen Oper und einer sozialen Tragödie;
„Semyon Kotko“ (1939) kombiniert Funktionen Liebesdrama, Komödie, soziale Tragödie;
Duenna (oder Verlobung in einem Kloster, 1946) vereint die Genres lyrische Komödie und Gesellschaftssatire;
„Krieg und Frieden“ (1941-1952) – eine Operndilogie nach dem Roman von L. Tolstoi;
„The Tale of a Real Man“ (1948, 2. Auflage 1960) – einem der wichtigsten Probleme der sowjetischen Kunst gewidmet: Volkscharakter während des Großen Vaterländischer Krieg.

Prokofjew ist in den musikalischen Texten seiner Werke ein Befürworter des rationalen Einsatzes musikalischer Ausdrucksmittel; als Dramatiker, Updates Operngenre durch Einführung von Elementen Schauspieltheater und Kino. So beschrieb M. Druskin die Besonderheiten von Prokofjews Montagedramaturgie: „Prokofjews Dramaturgie ist kein einfacher Wechsel von „Rahmen“, kein Kaleidoskop abwechselnder Episoden, sondern eine musikalische Reinkarnation der Prinzipien des „langsamen“ und dann „schnellen“ Schießens , dann „Zustrom“, dann „ Nahaufnahme". Prokofjews Opern zeichnen sich auch durch die Vielfalt der Bilder und Bühnensituationen, die Polarität in der Widerspiegelung der Realität aus.

Prokofjews Ballette

Charakteristisch für das 20. Jahrhundert. die Tendenz, Erektionen zu symphonisieren Ballett-Genre nicht nur in den Rang eines der führenden, sondern macht ihn auch zu einem ernstzunehmenden Konkurrenten der Oper. In vielerlei Hinsicht ist es (der Trend) mit dem Namen S. Diaghilew verbunden, der fast alle frühen Ballette Prokofjews in Auftrag gegeben hat.

Der Komponist setzt die begonnene Ballettreform fort und vollendet sie, indem er sie auf den Höhepunkt bringt, wo sich das Ballett von einer choreografischen Darbietung in ein Musiktheater verwandelt.
Von den drei Leitlinien des sowjetischen Balletttheaters (heroisch-historisch, klassisch, satirisch) erweist sich die Klassik mit lyrisch-psychologischem Charakter als grundlegend für Prokofjews Ballette;
, die wichtige Rolle des Orchesters, ein entwickeltes Leitmotivsystem.

„Ala und Lolly“ (1914), das auf der skythischen Geschichte basiert. Seine Musik ist auch als „Skythische Suite“ bekannt; gewagter, scharfer, kühner „Der Narr“ oder „Das Märchen vom Narren der sieben Narren, die Witze wechselten“ (1915 - 1920), aufgeführt in Paris.
Ballette der 20-30er Jahre: („Trapezoid“, 1924; „Steel lope“, 1925; „ Verlorene Sohn", 1928; „Am Dnjepr“, 1930, zum Gedenken an S. Diaghilew).
Drei Ballette sind Meisterwerke, die nach der Rückkehr in ihre Heimat entstanden (Romeo und Julia, 1935; Aschenputtel, 1940-1944; Das Märchen von der steinernen Blume, 1948-1950).

Instrumentale Kreativität von Prokofjew

Sinfonien

Nr. 1 (1916 - 1917) „Klassik“, wobei sich der Komponist dem konfliktfreien Symphonietypus der Vor-Beethoven-Zeit (Haydns Symphonietypus) zuwendet;
Nr. 2–4 (1924, 1928, 1930) – Sinfonien der Auslandszeit. Asafiev nannte die Symphonie Nr. 2 eine Symphonie „aus Eisen und Stahl“. Symphonien Nr. 3 und Nr. 4 – basierend auf der Oper „Fiery Angel“ und dem Ballett „Prodigal Son“;
Nr. 5–7 (1944, 1945–47, 1951–1952) – geschrieben in späte Periode. Die heroisch-epische Symphonie Nr. 5 spiegelte den Geist der Kriegszeit wider; Die Symphonie Nr. 7, die weniger als ein Jahr vor dem Tod des Komponisten fertiggestellt wurde, ist dennoch voller Optimismus und Lebensfreude.
S. Slonimsky bezieht sich auch auf die Sinfonien des Sinfoniekonzerts für Cello B-Moll (1950 - 1952).

Klavierwerke von Prokofjew

„glasige“ Farbgebung, „die genau Prokofjews eigenem nicht-alten Pianismus entspricht“ (L. Gakkel).

Kutschkistische Komponisten hingegen zählen zu Vertretern der westlichen Musikkultur. So machen ihn der schwungvolle Ton der Kreativität, die Harmonie der Musik, die Methoden der harmonischen Entwicklung (Orgelpunkte, Parallelismen usw.), die rhythmische Klarheit und die Prägnanz in der Darstellung musikalischer Gedanken mit Grieg verwandt; Einfallsreichtum auf dem Gebiet der Harmonie – mit Reger; die Anmut der Tarantella-Rhythmen – mit Saint-Saens (Notizen L. Gakkel).

Für Prokofjew sind die Klarheit musikalischer Ideen, maximale Einfachheit und Erleichterung bei ihrer Umsetzung wichtig. Daher der Wunsch nach „Transparenz“ des Klangs (typisch für frühe Werke), bei denen Themen oft in der oberen Lage angesiedelt sind und mit zunehmender dynamischer Spannung die Anzahl der Werke zunimmt klingende Stimmen(um die Klangfülle nicht zu überlasten). Die allgemeine Entwicklungslogik wird in der Regel durch die Bewegung der Melodielinie bestimmt.

Prokofjews Klaviererbe umfasst 9 Sonaten (Nr. 10 blieb unvollendet), 3 Sonatinen, 5 Konzerte (Nr. 4 – für die linke Hand), viele Stücke, Klavierzyklen(„Sarkasmen“, „Flüchtig“, „Geschichten einer alten Großmutter“ usw.), etwa 50 Transkriptionen (meist eigene Kompositionen).

Kantaten-Oratorienwerke

Prokofjew schuf 6 Kantaten:

„Sieben von ihnen“ 1917–18, „Kantate zum 20. Oktoberjubiläum“ 1936–37, „Toast“ 1939, „Alexander Newski“ 1938–39, „Ballade über einen Jungen, der unbekannt blieb“ 1942–43, „Flourish“. , mächtiges Land“ 1947, Oratorium „Auf der Hut vor der Welt“ 1950.

Eines der ersten Beispiele für eine neue Herangehensweise an das Genre der historischen Kantate ist Prokofjews einsätzige Kantate „Sieben von ihnen“, geschrieben nach den Texten von Balmonts „Calls of Antiquity“, chaldäischen Zaubersprüchen, die in Verse umgewandelt wurden, um sieben Monster, Anti, zu beschwören -Götter, die das Leben stören. In der Kantate verschränken sich skythische Tendenzen mit konstruktivistischen, was auch für die Skythensuite und die Symphonie Nr. 2 charakteristisch ist; Die klangvollen Techniken des Chorsatzes werden vorweggenommen. Das wichtigste Ausdrucksmittel ist die Ostinato-Technik, die einerseits den alten Zaubersprüchen ähnelt; andererseits aus der Musik der Neuzeit stammend.

„Kantate zum 20. Oktoberjubiläum“ entstand unter dem Eindruck der Rückkehr des Komponisten in seine Heimat und dem Wunsch, die epochalen Ereignisse Sowjetrusslands festzuhalten. Sein ideologisches Wesen: die Große Sozialistische Oktoberrevolution, Sieg, Industrialisierung des Landes, die Verfassung. Textlich enthält es Fragmente der Werke von Marx, Stalin, Lenin. Das Werk wurde vom Kunstausschuss abgelehnt, da die Idee, diese Themen in Musik zu übersetzen, als Blasphemie angesehen wurde. Die Uraufführung fand erst 1966 statt.

Das weithin bekannte historische (heroisch-patriotische) Werk „Alexander Newski“ ist eine monumentale Schöpfung Prokofjews, basierend auf dem musikalischen Material des gleichnamigen Films (Texte des Komponisten und V. Lugovsky). In 7 Teilen der Kantate („Rus' unter dem mongolischen Joch“, „Lied von Alexander Newski“, „Kreuzfahrer in Pskow“, „Steht auf, russisches Volk“, „ Kampf auf dem Eis„“, „Dead Field“, „Alexanders Einzug in Pskow“) besteht eine enge Wechselwirkung zwischen den dramatischen Prinzipien epischer Komposition und filmischer Montage:

episch - indem das Volk im Mittelpunkt steht Schauspieler, eine verallgemeinerte Interpretation des Bildes von Alexander Newski, gekennzeichnet durch ein Lied über ihn;
Das Montageprinzip manifestiert sich deutlich in der Schlacht auf dem Eis, indem es eine neue Szene verbindet Musikalisches Material, aufgrund der Dynamik des Sichtbereichs. Gleichzeitig operiert es auf der Ebene der Formen – in einer Abfolge unabhängiger Abschnitte, wobei manchmal innere Strukturen gebildet werden, manchmal – die Entwicklung gehorcht keiner der typischen Formen.

Die allgemeine Dynamik der Entwicklung des Stils von S. Prokofjew ist durch eine allmählich zunehmende Neigung zur Melodie im Vergleich zu motorischen Fähigkeiten und Scherzoismus gekennzeichnet Leitwert in der frühen Schaffensperiode, die allerdings nicht immer mit der Entwicklung des Schaffens des Komponisten verbunden war, sondern von dem Land bestimmt wurde, in dem und wann er lebt.

Zusammen mit anderen Innovatoren (C. Debussy, B. Bartok) bestimmte er in seinem Werk neue Wege zur Entwicklung der Musik des 20. Jahrhunderts.

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Ein Männerphänomen, in leuchtend gelben Stiefeln, kariert, mit rot-oranger Krawatte, das eine trotzige Kraft in sich trägt – so beschrieb der große russische Pianist Prokofjew. Diese Beschreibung passt sowohl zur Persönlichkeit des Komponisten als auch zu seiner Musik am besten. Prokofjews Werk ist eine Fundgrube unseres musikalischen und künstlerischen Schaffens Nationalkultur, aber das Leben des Komponisten ist nicht weniger interessant. Nachdem der Komponist zu Beginn der Revolution in den Westen ausgewandert war und dort 15 Jahre lang gelebt hatte, wurde er zu einem der wenigen „Rückkehrer“, was für ihn eine tiefe persönliche Tragödie bedeutete.

Es ist unmöglich, das Werk von Sergej Prokofjew zusammenzufassen: Er schrieb eine riesige Menge Musik, arbeitete in völlig unterschiedlichen Genres, von kleinen Klavierstücken bis hin zu Musik für Filme. Unermüdliche Energie trieb ihn ständig zu verschiedenen Experimenten, und selbst die Kantate, die Stalin verherrlicht, verblüfft mit ihrer absolut brillanten Musik. Es sei denn, er schrieb ein Konzert für Fagott mit Volksorchester, und das Werk dieses großen russischen Komponisten wird in diesem Artikel besprochen.

Kindheit und erste Schritte in der Musik

Sergei Prokofjew wurde 1891 im Dorf Sontsovka in der Provinz Jekaterinoslaw geboren. Von früher Kindheit an waren zwei seiner Merkmale prägend: ein äußerst unabhängiger Charakter und ein unwiderstehliches Verlangen nach Musik. Bereits im Alter von fünf Jahren beginnt er, kleine Stücke für das Klavier zu komponieren, mit 11 Jahren schreibt er eine echte Kinderoper „Der Riese“, die für die Aufführung zu Hause gedacht ist. Theaterabend. Gleichzeitig wurde ein junger, damals noch unbekannter Komponist, Reinhold Gliere, nach Sontsovka entlassen, um dem Jungen die Grundfertigkeiten der Kompositionstechnik und des Klavierspielens beizubringen. Gliere erwies sich als ausgezeichneter Lehrer, unter seiner strengen Anleitung füllte Prokofjew mehrere Ordner mit seinen neuen Kompositionen. Mit all diesem Reichtum ging er 1903 an das St. Petersburger Konservatorium. Rimsky-Korsakov war von diesem Fleiß beeindruckt und meldete ihn sofort in seine Klasse an.

Studienjahre am St. Petersburger Konservatorium

Am Konservatorium studierte Prokofjew Komposition und Harmonielehre bei Rimski-Korsakow und Ljadow sowie Klavier bei Esipowa. Lebhaft, neugierig, scharf und sogar bissig auf der Zunge, gewinnt er nicht nur viele Freunde, sondern auch Ungläubige. Zu dieser Zeit beginnt er, sein berühmtes Tagebuch zu führen, das er erst mit dem Umzug in die UdSSR beenden wird, in dem er fast jeden Tag seines Lebens detailliert aufzeichnet. Prokofjew interessierte sich für alles, aber Schach beschäftigte ihn am meisten. Er konnte stundenlang bei Turnieren untätig herumstehen und das Spiel der Meister verfolgen, und er selbst erzielte in diesem Bereich bedeutende Erfolge, auf die er unglaublich stolz war.

Prokofjews Klavierwerk wurde zu dieser Zeit durch die Erste und Zweite Sonate sowie das Erste Konzert für Klavier und Orchester ergänzt. Der Stil des Komponisten stand sofort fest – frisch, völlig neu, mutig und gewagt. Er schien weder Vorgänger noch Nachfolger zu haben. Tatsächlich ist das natürlich nicht ganz richtig. Die Themen von Prokofjews Werk entstanden aus der kurzen, aber sehr fruchtbaren Entwicklung der russischen Musik und führten logischerweise den von Mussorgski, Dargomyschski und Borodin begonnenen Weg fort. Doch gebrochen im energischen Geist von Sergej Sergejewitsch entstand eine völlig originelle Musiksprache.

Nachdem Prokofjews Werk die Quintessenz des russischen, ja sogar skythischen Geistes in sich aufgenommen hatte, wirkte es auf die Zuhörer wie eine kalte Dusche und löste entweder stürmische Freude oder empörte Ablehnung aus. Er ist buchstäblich eingebrochen Musikwelt- Er schloss sein Studium als Pianist und Komponist am St. Petersburger Konservatorium ab und spielte bei der Abschlussprüfung sein erstes Klavierkonzert. Die Kommission, vertreten durch Rimsky-Korsakov, Lyadov und andere, war entsetzt über die trotzigen, dissonanten Akkorde und die markante, energische, ja barbarische Spielweise. Sie konnten jedoch nicht umhin zu verstehen, dass vor ihnen ein mächtiges Phänomen in der Musik stand. Der höchste Provisionswert lag bei fünf plus drei.

Erster Besuch in Europa

Als Belohnung für den erfolgreichen Abschluss des Konservatoriums erhält Sergei von seinem Vater eine Reise nach London. Hier lernte er Diaghilew kennen, der sofort das bemerkenswerte Talent des jungen Komponisten erkannte. Er hilft Prokofjew bei der Organisation von Tourneen in Rom und Neapel und gibt den Auftrag, ein Ballett zu schreiben. So entstand „Ala und Lolly“. Diaghilew lehnte die Handlung wegen „Banalität“ ab und gab den Rat, beim nächsten Mal etwas über ein russisches Thema zu schreiben. Prokofjew begann mit der Arbeit am Ballett „Das Märchen vom Narren, der die sieben Narren überlistete“ und begann gleichzeitig, sich am Schreiben einer Oper zu versuchen. Die Leinwand für die Handlung war Dostojewskis Roman „Der Spieler“, den der Komponist seit seiner Kindheit liebte.

Auch sein Lieblingsinstrument lässt Prokofjew nicht außer Acht. 1915 beginnt er, den Klavierzyklus „Flüchtig“ zu schreiben, und entdeckt dabei eine lyrische Begabung, die bei einem „Komponisten-Fußballspieler“ bisher niemand vermutet hatte. Prokofjews Texte sind ein besonderes Thema. Unglaublich berührend und zart, gekleidet in eine transparente, fein abgestimmte Textur, besticht es vor allem durch seine Einfachheit. Prokofjews Werk hat gezeigt, dass er ein großer Melodiker und nicht nur ein Zerstörer von Traditionen ist.

Ausländische Periode im Leben von Sergej Prokofjew

Tatsächlich war Prokofjew kein Emigrant. 1918 wandte er sich an Lunatscharski, den damaligen Volkskommissar für Bildung, mit der Bitte um Erlaubnis, ins Ausland reisen zu dürfen. Ihm wurden ein ausländischer Reisepass und Begleitdokumente ohne Ablaufdatum ausgehändigt, in dem die Reise dem Aufbau kultureller Bindungen und der Verbesserung der Gesundheit diente. Die Mutter des Komponisten blieb lange Zeit in Russland, was Sergej Sergejewitsch große Sorgen bereitete, bis er sie nach Europa rufen konnte.

Zunächst geht Prokofjew nach Amerika. Buchstäblich ein paar Monate später trifft dort ein weiterer großer russischer Pianist und Komponist ein: Sergej Rachmaninow. Die Rivalität mit ihm war zunächst die Hauptaufgabe Prokofjews. Rachmaninow wurde in Amerika sofort sehr berühmt, und Prokofjew nahm jeden seiner Erfolge eifrig zur Kenntnis. Seine Haltung gegenüber seinem älteren Kollegen war sehr gemischt. In den Tagebüchern des Komponisten dieser Zeit findet sich häufig der Name Sergej Wassiljewitsch. Prokofjew bemerkte seinen unglaublichen Pianismus und schätzte seine musikalischen Qualitäten und glaubte, dass Rachmaninow unnötigerweise den Geschmack des Publikums verwöhnte und wenig eigene Musik schrieb. Sergej Wassiljewitsch hat in den mehr als zwanzig Jahren seines Lebens außerhalb Russlands wirklich sehr wenig geschrieben. Das erste Mal nach der Auswanderung befand er sich in einer tiefen und anhaltenden Depression und litt unter akuter Nostalgie. Das Werk Sergej Prokofjews hingegen schien überhaupt nicht unter der mangelnden Bindung an sein Heimatland zu leiden. Es blieb genauso brillant.

Prokofjews Leben und Werk in Amerika und Europa

Auf einer Reise nach Europa trifft Prokofjew erneut Diaghilew, der ihn bittet, die Musik von „Der Narr“ zu überarbeiten. Die Inszenierung dieses Balletts bescherte dem Komponisten seinen ersten sensationellen Erfolg im Ausland. Es folgte die berühmte Oper „Die Liebe zu drei Orangen“, deren Marsch zum gleichen Zugabestück wurde wie Rachmaninows Präludium in cis-Moll. Diesmal gehorchte Prokofjew Amerika – die Uraufführung der Oper „Die Liebe zu drei Orangen“ fand in Chicago statt. Beide Werke haben viel gemeinsam. Humorvoll, manchmal sogar satirisch – wie zum Beispiel in „Love“, wo Prokofjew seufzende Romantiker ironisch als schwache und kränkliche Charaktere darstellte – sprühen sie vor typisch prokofjewscher Energie.

1923 ließ sich der Komponist in Paris nieder. Hier trifft er die charmante junge Sängerin Lina Kodina ( Künstlername Lina Lubera), die später seine Frau werden sollte. Eine gebildete, kultivierte und atemberaubende spanische Schönheit erregte sofort die Aufmerksamkeit anderer. Ihre Beziehung zu Sergei verlief nicht sehr reibungslos. Lange Zeit wollte er ihre Beziehung nicht legitimieren, da er der Meinung war, dass der Künstler von jeglichen Verpflichtungen befreit sein sollte. Sie heirateten erst, als Lina schwanger wurde. Es war ein absolut brillantes Paar: Lina stand Prokofjew in nichts nach – weder in der charakterlichen Unabhängigkeit noch im Ehrgeiz. Zwischen ihnen kam es oft zu Streitigkeiten, denen eine zärtliche Versöhnung folgte. Linas Hingabe und Aufrichtigkeit der Gefühle zeigt sich darin, dass sie Sergej nicht nur für sie in ein fremdes Land folgte, sondern dem Komponisten bis zu ihrem Lebensende treu blieb, nachdem sie den Kelch des sowjetischen Strafsystems bis auf den Grund ausgetrunken hatte Tage blieb er seine Frau und kümmerte sich um sein Erbe.

Das Werk von Sergej Prokofjew erfuhr damals eine spürbare Tendenz zur romantischen Seite. Aus seiner Feder entstand die Oper „Fiery Angel“ nach der Kurzgeschichte von Bryusov. Der düstere mittelalterliche Flair wird in der Musik mit Hilfe dunkler Wagner-Harmonien vermittelt. Für den Komponisten war es eine neue Erfahrung und er arbeitete mit Begeisterung an diesem Werk. Das ist ihm wie immer perfekt gelungen. Thematisches Material Die Oper wurde später in der Dritten Symphonie verwendet, einer der offenherzigsten romantische Werke, von denen nicht so viele im Werk des Komponisten Prokofjew enthalten sind.

fremde Luft

Für die Rückkehr des Komponisten in die UdSSR gab es mehrere Gründe. Das Leben und Werk von Sergej Prokofjew hatte seine Wurzeln in Russland. Nachdem er etwa zehn Jahre im Ausland gelebt hatte, begann er zu spüren, dass sich die Luft eines fremden Landes negativ auf seinen Zustand auswirkte. Er korrespondierte ständig mit seinem Freund, dem Komponisten N. Ya. Myaskovsky, der in Russland blieb, um sich über die Situation in seiner Heimat zu informieren. Natürlich hat die Sowjetregierung alles getan, um Prokofjew zurückzubekommen. Dies war notwendig, um das Ansehen des Landes zu stärken. Regelmäßig wurden Kulturschaffende zu ihm geschickt, die in Farben schilderten, welche glänzende Zukunft ihn in seiner Heimat erwartet.

1927 unternahm Prokofjew seine erste Reise in die UdSSR. Sie empfingen ihn mit Begeisterung. In Europa fand er trotz des Erfolgs seiner Schriften weder Verständnis noch Sympathie. Die Rivalität mit Rachmaninow und Strawinsky wurde nicht immer zugunsten Prokofjews entschieden, was seinen Stolz verletzte. In Russland hoffte er, das zu finden, was ihm so sehr fehlte – wahres Verständnis seine Musik. Die herzliche Aufnahme, die dem Komponisten auf seinen Reisen 1927 und 1929 zuteil wurde, ließ ihn ernsthaft über die endgültige Rückkehr nachdenken. Darüber hinaus erzählten Freunde aus Russland in Briefen aufgeregt, wie wunderbar es für ihn wäre, im Land der Sowjets zu leben. Der Einzige, der sich nicht scheute, Prokofjew vor einer Rückkehr zu warnen, war Mjaskowski. Die Atmosphäre der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts begann sich bereits über ihren Köpfen zu verdichten, und er verstand vollkommen, was den Komponisten wirklich erwarten konnte. 1934 traf Prokofjew jedoch die endgültige Entscheidung, in die Union zurückzukehren.

Heimkehr

Prokofjew akzeptierte die kommunistischen Ideen ganz aufrichtig und sah in ihnen vor allem den Wunsch, eine neue, freie Gesellschaft aufzubauen. Er war beeindruckt vom Geist der Gleichheit und Antibürgerlichkeit, der von der Staatsideologie eifrig unterstützt wurde. Fairerweise muss man sagen, dass es viele gibt Sowjetisches Volk Ich teilte diese Ideen auch ganz aufrichtig. Obwohl Prokofjews Tagebuch, das er in allen vergangenen Jahren pünktlich geführt hat, kurz nach seiner Ankunft in Russland endet, lässt sich fragen, ob Prokofjew sich der Kompetenz der Sicherheitsbehörden der UdSSR wirklich nicht bewusst war. Äußerlich war er den sowjetischen Behörden gegenüber aufgeschlossen und ihr gegenüber loyal, obwohl er alles perfekt verstand.

Dennoch hatte die heimische Luft einen äußerst fruchtbaren Einfluss auf Prokofjews Werk. Nach Angaben des Komponisten selbst wollte er sich so schnell wie möglich mit der Arbeit zum sowjetischen Thema befassen. Nachdem er den Regisseur kennengelernt hat, nimmt er mit Begeisterung die Arbeit an der Musik für den Film „Alexander Newski“ auf. Das Material erwies sich als so autark, dass es heute in Form einer Kantate auf Konzerten aufgeführt wird. In diesem Werk voller patriotischer Begeisterung drückte der Komponist seine Liebe und seinen Stolz gegenüber seinem Volk aus.

1935 vollendete Prokofjew eines seiner besten Werke, das Ballett Romeo und Julia. Das Publikum sah ihn jedoch nicht bald. Die Zensur lehnte das Ballett wegen des Happy Ends ab, das nicht mit Shakespeares Original übereinstimmte, und die Tänzer und Choreografen beklagten, dass die Musik zum Tanzen ungeeignet sei. Neuer Kunststoff, die Psychologisierung der Bewegungen, die die musikalische Sprache dieses Balletts erforderte, wurden nicht sofort verstanden. Die Uraufführung fand 1938 in der Tschechoslowakei statt, in der UdSSR sah das Publikum sie 1940, als auch Konstantin Sergeev die Hauptrollen spielte. Ihnen gelang es, den Schlüssel zum Verständnis der Bühnensprache der Bewegungen zur Musik von Prokofjew zu finden und dieses Ballett zu verherrlichen. Bisher gilt Ulanova als die beste Darstellerin der Rolle der Julia.

„Kinderwerk“ von Prokofjew

Im Jahr 1935 besuchte Sergej Sergejewitsch zusammen mit seiner Familie erstmals das Kindermusiktheater unter der Leitung von N. Sats. Prokofjew war vom Bühnengeschehen nicht weniger fasziniert als seine Söhne. Die Idee, in einem ähnlichen Genre zu arbeiten, inspirierte ihn so sehr, dass er in kurzer Zeit ein musikalisches Märchen „Peter und der Wolf“ schrieb. Im Zuge dieses Auftritts haben die Jungs die Möglichkeit, sich mit den Klängen verschiedener Künstler vertraut zu machen Musikinstrumente. Zu Prokofjews Werk für Kinder gehören auch die Romanze „Chatterbox“ zu den Versen von Agnia Barto und die Suite „Winter Campfire“. Der Komponist liebte Kinder sehr und schrieb gerne Musik für dieses Publikum.

Ende der 1930er Jahre: Tragische Themen im Werk des Komponisten

Ende der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts musikalische Kreativität Prokofjew war von ängstlichen Tönen durchdrungen. Dies ist sein Dreiklang aus Klaviersonaten, genannt „Militär“ – Sechste, Siebte und Achte. Sie waren fertig andere Zeit: Die Sechste Sonate – 1940, die Siebte – 1942, die Achte – 1944. Aber der Komponist begann ungefähr zur gleichen Zeit, an all diesen Werken zu arbeiten – im Jahr 1938. Es ist nicht bekannt, was in diesen Sonaten mehr steht – 1941 oder 1937. Scharfe Rhythmen, dissonante Harmonien und Trauerglocken überwältigen diese Kompositionen förmlich. Aber gleichzeitig kommen in ihnen die typischen Texte Prokofjews am deutlichsten zum Ausdruck: Die zweiten Teile der Sonaten sind Zärtlichkeit gepaart mit Kraft und Weisheit. Die Uraufführung der Siebten Sonate, für die Prokofjew den Stalin-Preis erhielt, fand 1942 unter der Aufführung von Swjatoslaw Richter statt.

Fall Prokofjew: zweite Ehe

Auch im Privatleben des Komponisten gab es zu dieser Zeit ein Drama. Die Beziehungen zu Ptaschka – wie Prokofjew seine Frau nannte – platzten aus allen Nähten. Als unabhängige und gesellige Frau, die an säkulare Kommunikation gewöhnt war und in der Union einen akuten Mangel daran erlebte, besuchte Lina ständig ausländische Botschaften, was zu Problemen führte genaue Aufmerksamkeit Ministerium für Staatssicherheit. Prokofjew sagte seiner Frau mehr als einmal, dass es sich lohnte, eine solche verwerfliche Kommunikation einzuschränken, insbesondere in einer instabilen internationalen Situation. Die Biografie und das Werk des Komponisten litten stark unter diesem Verhalten von Lina. Sie ignorierte jedoch die Warnungen. Zwischen Ehepartnern kam es oft zu Streitigkeiten, die ohnehin schon stürmischen Beziehungen wurden noch angespannter. Während er sich in einem Sanatorium entspannte, wo Prokofjew allein war, traf er eine junge Frau, Mira Mendelssohn. Forscher streiten noch immer darüber, ob sie speziell zum Komponisten geschickt wurde, um ihn vor seiner eigensinnigen Frau zu schützen. Mira war die Tochter eines Mitarbeiters des staatlichen Planungsausschusses, daher erscheint diese Version nicht sehr unwahrscheinlich.

Sie zeichnete sich weder durch besondere Schönheit noch durch schöpferische Fähigkeiten aus, sie schrieb sehr mittelmäßige Gedichte und scheute sich nicht, sie in ihren Briefen an den Komponisten zu zitieren. Ihre Haupttugenden waren die Verehrung Prokofjews und völlige Demut. Bald beschloss der Komponist, Lina um eine Scheidung zu bitten, die sie ihm jedoch verweigerte. Lina verstand, dass sie, solange sie Prokofjews Frau blieb, zumindest eine Chance hatte, in diesem ihr feindlich gesinnten Land zu überleben. Es folgte eine völlig erstaunliche Situation, die in der Rechtspraxis sogar den Namen „Prokofjews Vorfall“ erhielt. Die offiziellen Stellen der Sowjetunion erklärten dem Komponisten, dass seine Ehe mit Lina Kodina, da sie in Europa registriert sei, aus Sicht der Gesetze der UdSSR ungültig sei. Infolgedessen heiratete Prokofjew Mira, ohne die Ehe mit Lina aufzulösen. Genau einen Monat später wurde Lina verhaftet und in ein Lager gebracht.

Prokofjew Sergej Sergejewitsch: Kreativität in den Nachkriegsjahren

Was Prokofjew unbewusst befürchtete, geschah 1948, als der berüchtigte Regierungserlass erlassen wurde. In der Zeitung „Prawda“ veröffentlicht, bezeichnete es den von einigen Komponisten eingeschlagenen Weg als falsch und dem sowjetischen Weltbild fremd. Auch Prokofjew gehörte zu den „Irrführern“. Das charakteristische Werk des Komponisten war wie folgt: menschenfeindlich und formalistisch. Es war ein schrecklicher Schlag. An lange Jahre er verurteilte A. Achmatowa zum „Schweigen“, drängte D. Schostakowitsch und viele andere Künstler in den Schatten.

Doch Sergej Sergejewitsch gab nicht auf und kreierte bis ans Ende seiner Tage in seinem eigenen Stil. Symphonische Werke von Prokofjew den letzten Jahren war der Höhepunkt seiner gesamten Karriere als Komponist. Die Siebte Symphonie, die ein Jahr vor seinem Tod geschrieben wurde, ist ein Triumph der weisen und reinen Einfachheit, des Lichts, dem er seit vielen Jahren entgegenstrebte. Prokofjew starb am selben Tag wie Stalin. Sein Abgang blieb aufgrund der landesweiten Trauer über den Tod des geliebten Führers der Völker fast unbemerkt.

Das Leben und Werk Prokofjews lässt sich kurz als ein ständiges Streben nach Licht beschreiben. Unglaublich lebensbejahend bringt es uns der Idee näher, die der große Beethoven in seinem Abgesang, der Neunten Symphonie, verkörperte, wo im Finale die Ode „An die Freude“ erklingt: „Umarme Millionen, verschmelze in der Freude eines einzigen.“ Das Leben und Werk Prokofjews ist der Weg eines großen Künstlers, der sein ganzes Leben dem Dienst der Musik und ihrem großen Geheimnis gewidmet hat.

In der Frühphase von Prokofjews Schaffen steht Klaviermusik unterschiedlichster Ausprägung im Vordergrund – von Miniaturen über kleine Zyklen bis hin zu Konzerten und Sonaten. In kleinen Programmklavierstücken reift der ursprüngliche Stil des Komponisten heran. Die zweite Welle des Aufstiegs von Prokofjews Klaviermusik fand in den späten 1930er- und frühen 1940er-Jahren statt, als die Sonatentriade (Nr. 6, 7, 8) entstand, die in Bezug auf epische Kraft und Tiefe dramatischer Konflikte nahezu einzigartig ist ebenso gut wie die Symphonien derselben Zeit - die Fünfte und Sechste.

Prokofjews Beitrag zur Klavierliteratur des 20. Jahrhunderts ist nur mit dem von Debussy, Skrjabin und Rachmaninow vergleichbar. Wie dieser schuf er eine Reihe monumentaler Klavier-„Konzertsymphonien“ und setzte in diesem Sinne die von Tschaikowsky hinterlassene Tradition fort.

Prokofjews Pianismus ist anschaulich, muskulös und ohne Pedal, was das Gegenteil von Rachmaninows romantischem Stil und Debussys impressionistischen Schwankungen ist. B. Asafiev: „Strenger Konstruktivismus verbindet sich mit psychologischer Ausdruckskraft.“ Merkmale: Kraft, Toccato, konstante Dynamik, Instrumentalmelodie, transparente Textur, Neigung zum Psychologismus, kühne Klangfarbenkombinationen, klare Formen, Spiel in extremen Registern (Debussy). Scharfe figurative Kontraste: Primitivität und Eleganz, barbarischer Fauvismus und Raffinesse, Prosapassagen und Märchenepisoden, Sarkasmus und Lyrik.

Prokofjews Klavierwerk ist in seiner Gattung vielfältig (Klavierzyklen, Miniaturen, Transkriptionen von Ballettkompositionen, Konzertsonaten). Prokofjew gilt neben Strawinsky, Bartok und Hindemith zu Recht als Vertreter der antiromantischen Tradition der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Die Überwindung der romantischen Interpretation des Klaviers ist auf mehrere Faktoren zurückzuführen:

Verweigerung der sinnlichen Klanginterpretation (trocken, hart, glasig). Die besondere Rolle der Betonung, Nicht-Legato-Stil;

Ton entladen. Häufige Verwendung extremer Register. Kein Sättigungsgefühl;

Percussion-Interpretation des Klaviers. Prokofjew führt die Traditionen der frühen klassischen Kunst von Scarlatti, Haydn, den französischen Clavisinisten, Debussys Klavierklassizismus und die russische Tradition Mussorgskys fort.

Trotz der Vorherrschaft antiromantischer Traditionen weist Prokofjews Klavierstil auch Merkmale romantischer Klaviermusik auf. Dies gilt insbesondere in Bezug auf die Momente der Kantilenenthemen. Gewöhnlich Kreativität am Klavier Prokofjew ist in drei Perioden unterteilt:

1) Früh . Vor seiner Abreise ins Ausland (1908 - 1918). In dieser Zeit entstanden vier Sonaten, zwei Konzerte, Etüden (op. 2), Theaterstücke (op. 3,4), Toccata (op. 11), Sarkasmus (op. 17) und Vergänglichkeit (op. 22);

2) Ausländisch (1918 - 1933). In der Kreativität kommt es zu einer Vertiefung der lyrischen Sphäre. Geschriebenes 3., 4., 5. Konzert, 5. Sonate, „Tales“ (op. 31), vier Stücke (op. 32);

3) Sowjetisch (Mitte der 1930er Jahre). Laut Prokofjew selbst findet in dieser Schaffensperiode ein „Übergang zu einer neuen Einfachheit“ statt. Geschrieben „Kindermusik“ (op. 65), Transkriptionen, Sonaten 6-9.

Thema: N.Ya. Mjaskowski. Schaffung. Stilmerkmale.

Einführung.

Ging in die Geschichte ein Sowjetische Musik als großer Symphoniker und hervorragender Lehrer. Er stand an den Ursprüngen der Entstehung der sowjetischen Symphonie. Äußerlicher Prunk, konzertante Brillanz sind seinem Stil fremd, von Leidenschaft für bunte Klangmalerei oder Superrationalismus keine Spur. Das Werk von Mjaskowski ist ein eigenständiger Zweig der russischen philosophischen Symphonie, in dem die Traditionen von Liszt, Wagner, Tschaikowsky und den „Kutschkisten“ ursprünglich im Geiste des Expressionismus weiterentwickelt und überarbeitet wurden.

Frühe Periode Kreativität.

Die Entwicklung von Mjaskowski war wie bei vielen anderen Komponisten des 20. Jahrhunderts darauf ausgerichtet, einfach über das Komplexe zu sprechen, ohne an Tiefe zu verlieren. Seine frühen Werke zeichnen sich aus durch: dichtes musikalisches Gefüge, komplizierte Harmonie. Die 5. Symphonie eröffnet die zentrale Schaffensperiode Mjaskowskis.

E Jahre.

Einer der schwierigsten Schaffensperioden. Die Erfassung zutiefst persönlicher Gefühle und subjektiver tragischer Emotionen überwiegt in diesen Jahren deutlich die objektive Sphäre (Symphonien Nr. 6, 7, 9, 10, 12, Sonaten Nr. 3, 4, „Modeerscheinungen“, „Gelbe Seiten“). Die Symphonien Nr. 5 und 8 enthalten volkstümliche Bilder.

E Jahre.

Zunehmende Rolle Volksbilder, heroischer, mutig-willensvoller Anfang. Lyrische Thematik, Melodik, melodische Breite und Geschmeidigkeit (Sinfonien Nr. 15, 17, 18, 19, 21), Zitate aus populären Liedern.

E Jahre.

Der etablierte Stil des Komponisten erhielt Züge akademischer Strenge. Lyrisch-episch-dramatischer Symphonismus der Kriegsjahre und suiteartige Werke (Symphonie Nr. 23). Das Genre existiert neben verstörenden Themen, narrativen Episoden und lyrischen Monologen. Der Musikstoff ist klar und transparent.

Als Ergebnis kristallisierten sich zwei Linien von Myaskovskys Schaffen heraus: das lyrisch-psychologische und das epische Genre. Von den wichtigsten Stilrichtungen des 20. Jahrhunderts spiegelten sich Spätromantik und Expressionismus im Werk des Komponisten wider.

Thema: S.S. Prokofjew. Kantate „Alexander Newski“.

Einführung.

Musik zum Film von S. Eisenstein „A. Newski“ ist einer der anerkannten Höhepunkte im Schaffensleben Prokofjews. In diesem Werk wandte er sich zunächst russischen heroisch-epischen Themen zu. Darüber hinaus wurde diese Linie in der Oper „Krieg und Frieden“, der Symphonie Nr. 5, der Ersten Sonate für Violine und Klavier und der Musik zum Film „Iwan der Schreckliche“ fortgesetzt. Im Mai 1939 fand die Uraufführung der Kantate statt.

Dramaturgie.

Die Gattung der Kantate ist in vielerlei Hinsicht originell. Dem Komponisten gelang eine kühne Verbindung malerischer und bildhafter Orchesterepisoden mit Gesangs- und Chorszenen. So entstand eine neue Gattungsverschmelzung der programmatischen Symphonie mit einer spezifischen Opern- und Chorhandlung.

Die Dramaturgie der Kantate basiert auf einem scharfen Kontrast zwischen zwei widersprüchlichen Intonationssphären: der russischen patriotischen Armee und dem abstoßenden Gesicht der germanischen Kreuzfahrer. Die ersten zeichnen sich durch epische Lieder, traurige Gleichnisse und lustige Possenreißermelodien aus. Die zweite wird mit schallender Militärfanfare, katholischem Gesang und einem automatisierten Marsch dargestellt. Prokofjew betonte wie immer den Kontrast zwischen ihnen mit Hilfe harmonischer und Orchestermittel. In der „russischen“ Musik überwiegen leichte Diatonik, weiche Klangfarben, melodiöse Klangfülle der Streicher und gefühlvolle Klangfarben der Stimmen. „Deutsch“ zeichnet sich durch harte polytonale Klänge, „mechanische“ Rhythmen, schwere Blechbläser und Percussion aus. Einen besonderen Platz nehmen die Techniken der kontrapunktischen Kombinationen ein. verschiedene Themen(„Schlacht auf dem Eis“).

Das kompositorische Schema des Werkes besticht durch seine sorgfältige Nachdenklichkeit. Sieben inhaltlich sehr unterschiedliche Teile basieren auf einem kontrastierenden Wechsel von Bild- und Bildepisoden („Russland unter dem mongolischen Joch“, „Kreuzfahrer in Pskow“, „Schlacht auf dem Eis“) mit relativ komprimierten Gesangs- und Chornummern („ Und es war an der Newa“, „Steht auf, russisches Volk“, „Totes Feld“). Die Komposition zeigt deutlich die Merkmale des Sonaten-Sinfonie-Zyklus:

Die ersten 4 Teile sind Einleitung und Erläuterung;

5. - Entwicklung;

6. – lyrisches Intermezzo;

7. – synthetisierendes Finale.

Analyse der Kantate.

Erster Teil „Rus unter dem mongolischen Joch“ ist ein symphonischer Prolog zum Zyklus. Das Gefühl der Leere wird durch einen besonderen phonischen Effekt erreicht, der häufig bei Prokofjew zu finden ist: Hohe und tiefe Klangfarben bewegen sich im Einklang mit einer leeren Mitte. So entsteht eine Landschaft voller Angst und Trauer.

Der zweite Teil ist episch Lied über Alexander Newski". Mittlere Reichweite, gemächlicher Einsatz, Klarheit der Bewegung. Die raue Farbgebung wird durch das Vorherrschen tiefer Klangfarben im Orchester und Chor betont. Das schlachtbildliche Element wird im Mittelteil verstärkt.

Die Merkmale dramatischer Konflikte werden im dritten Teil vollständig offenbart - „Kreuzfahrer in Pskow“. Zum ersten Mal prallen darin polare Bilder aufeinander: der grausame teutonische Einfall (extreme Abschnitte) und das Leid der Besiegten (Mitte). Die Kreuzfahrer werden anhand von drei Themen dargestellt: einem katholischen Gesang, einem Bassmotiv und einer Militärfanfare. In der Mitte erklingt eine traurige Melodie: eine traurige Klagemelodie, ein reiches subvokales Gefüge.

Vierter Teil - „Steht auf, russisches Volk“- Wie das zweite ist es in Form einer Chorszene eines Liederlagers aufgebaut. Das Hauptthema ist voller Kampfmut und Tapferkeit. Der Mittelteil („Native in Rus“) besticht durch leichte Poesie.

Im umfangreichsten fünften Teil - „Schlacht auf dem Eis“- Die Hauptereignisse des gesamten symphonischen Dramas werden konzentriert. Hier ist die Nähe zum Wesen des Kinos am deutlichsten spürbar: das Prinzip der „Montage“, Kontrapunkttechniken, die Durcharbeitung von Bildthemen. Einleitung, Fazit, Merkmale der Rondalität. Dem erschreckenden Thema der Kreuzfahrer steht die russische Possenmelodie gegenüber. Die Themen der vorherigen Teile – des 3. und 4. – erklingen. Nach dem grandiosen Höhepunkt (tutti, fff) und dem Scheitern der Deutschen unter dem Eis folgt ein ruhiger und poetischer Abschluss.

Sechster Teil „Totes Feld“- lyrisch-epischer Ausklang nach einem spannenden Kampf. Die einzige Arie der gesamten Kantate, die zum ersten Mal ein Element persönlicher Gefühle in die Musik einbringt. Gedämpfte Streicher, traurige Intonationen, natürliches Moll, Variabilität des Modus, Gesang – ein anschauliches Beispiel für slawische Melos.

Der siebte Teil - „Alexanders Einzug in Pskow“. Das siegreich-patriotische Finale der Kantate basiert fast ausschließlich auf russischen Themen aus dem 2., 4. und 5. Satz. Die Grundstimmung ist der Volksjubel, die Freude des russischen Volkes.

D.D. Schostakowitsch. (1906-1975).

Sergej Prokofjew(23. April 1891 – 5. März 1953) gilt als einer der größten, einflussreichsten und meistgespielten Komponisten des 20. Jahrhunderts. Er war auch Pianist und Dirigent. Um das Werk dieses Komponisten kam es oft zu Streitigkeiten, da Originalität und Originalität immer eine widersprüchliche Reaktion hervorrufen. Doch nicht nur Fans, sondern auch diejenigen, die Prokofjews Musik nicht sofort verstanden, spürten die kraftvolle Stärke und Helligkeit seines Talents.

Die Kindheit von Sergej Prokofjew

Sergej Sergejewitsch Prokofjew wurde am 23. April 1891 auf dem Gut Sontsovka (heute das Dorf Krasnoje, Gebiet Donezk) geboren, wo sein Vater, ein Agronom, als Verwalter des Gutshofs eines Gutsbesitzers fungierte.

Die Eltern investierten all ihre Liebe und Hoffnungen in ihren Sohn. Das musikalische Talent des Jungen zeigte sich schon sehr früh und unter der Anleitung seiner Mutter Maria Grigorievna begann Seryozha mit dem Musikunterricht.

Bereits im Alter von fünf Jahren komponierte er sein erstes Werk. Gerüchten zufolge kannte der Junge die Noten immer noch nicht und versuchte, etwas Eigenes auf dem Klavier zu spielen, lernte dann die Noten, um dieses „Eigene“ aufzunehmen.

Erste Oper – Riese

Im Alter von neun Jahren beschloss Seryozha unter dem Eindruck der Oper Faust von C. Gounod, seine eigene Oper nach seiner eigenen Handlung zu komponieren. Es war eine Oper Riese in drei Akten mit Abenteuern, Kämpfen und mehr.

Die Eltern des Jungen waren gebildete Leute und brachten ihm alle Schulfächer selbst bei, aber die Regeln des Komponierens von Musik konnten sie ihm natürlich nicht beibringen. Deshalb nahm Maria Grigorjewna ihren Sohn mit auf eine ihrer Reisen nach Moskau und brachte ihn zu dem berühmten Komponisten und Lehrer Sergej Iwanowitsch Tanejew, der empfahl, zum Unterricht bei Serezha, einem jungen Komponisten, der gerade das Konservatorium mit einer Goldmedaille abgeschlossen hatte, für den Sommer nach Sontsovka einzuladen Reinhold Moritsevich Gliere.

Jugend Prokofjew

Gliere verbrachte zwei Sommer hintereinander in Sontsovka und studierte bei Serjoscha, und im Herbst 1904 kam der dreizehnjährige Sergei Prokofjew nach St. Petersburg, um eine Prüfung am Konservatorium abzulegen, und im Gepäck hatte er ein umfangreiches Gepäck an Kompositionen. Der dicke Ordner enthielt zwei Opern, eine Sonate, eine Symphonie und viele kleine Klavierstücke. Lied geschrieben unter der Leitung von Gliere. Einige der Lieder hatten einen so originellen und scharfen Klang, dass einer von Serezhas Freunden ihnen riet, sie nicht Lieder, sondern Hunde zu nennen, weil sie „beißen“.

Jahrelanges Studium am Konservatorium

Serezha war die jüngste Studentin am Konservatorium. Und natürlich fiel es ihm schwer, sich mit seinen Klassenkameraden anzufreunden, zumal er manchmal aus Unfug die Fehler zählte musikalische Aufgaben jeder der Schüler. Aber hier im Wintergarten wirkte man immer sehr zurückhaltend, streng, klug Nikolai Jakowlewitsch Mjaskowski, in der Zukunft ein berühmter Komponist. Trotz eines Altersunterschieds von zehn Jahren entwickelte sich zwischen ihnen eine lebenslange Freundschaft. Sie zeigten sich gegenseitig ihre Kompositionen, diskutierten darüber – persönlich und in Briefen.

im Kompositionstheorieunterricht und freie Komposition Prokofjews besonderes Talent geriet im Allgemeinen in Ungnade. Prokofjew wagte es nicht einmal, den Lehrern die gewagtesten Kompositionen zu zeigen, da er wusste, dass dies Verwirrung oder Irritation hervorrufen würde. Die Haltung der Lehrer drückte sich in sehr durchschnittlichen Noten in Prokofjews Komponistendiplom aus. Doch mit einem Abschluss in Klavier schloss er das Konservatorium im Frühjahr 1914 erfolgreich ab.

„Während mir die schlechte Qualität des Komponistendiploms gleichgültig war“, erinnerte sich Prokofjew später, „wurde ich dieses Mal vom Ehrgeiz gepackt und beschloss, zuerst das Klavierstudium zu absolvieren.“

Prokofjew ging ein Risiko ein: Anstelle des klassischen Klavierkonzerts entschied er sich, sein gerade veröffentlichtes Erstes Konzert zu spielen, wobei er die Noten vorab den Prüfern übergab. Die jubelnde, von jugendlicher Begeisterung geprägte Musik des Konzerts fesselte das Publikum, Prokofjews Auftritt war ein Triumph, er erhielt ein Diplom mit Auszeichnung und den Anton-Rubinstein-Preis – ein wunderschönes deutsches Klavier.

Frühes Werk von S. Prokofjew

Die kreative Energie des jungen Komponisten Prokofjew war wahrlich vulkanisch. Er arbeitete schnell, mutig und unermüdlich und deckte das meiste ab verschiedene Genres und Formen. Dem ersten Klavierkonzert folgte das zweite, gefolgt vom ersten Violinkonzert, Oper, Ballett, Romanzen, Skythen-Suite mit seinen atemberaubend leuchtenden Orchesterfarben, spontaner Dynamik und energiegeladenen Rhythmen.

Sergej Prokofjew reihte sich schnell in die erste Reihe nicht nur im Inland, sondern auch im Ausland bekannter Komponisten ein, obwohl seine Musik schon immer für Kontroversen gesorgt hat und einige Werke, vor allem Bühnenwerke, schon seit Jahren auf ihre Aufführung warten. Aber es war die Szene mit ihrer Fähigkeit, lebendige menschliche Charaktere zu schaffen, die den Komponisten besonders anzog.

Während er das tat Kammermusik, zum Beispiel in einer Gesangsgeschichte das häßliche Entlein (laut Andersen). Jeder der Bewohner des Geflügelhofs hat seinen eigenen, einzigartigen Charakter: eine ruhige Entenmutter, kleine begeisterte Entenküken und die Hauptfigur selbst, unglücklich und von allen verachtet, bevor sie sich in einen wunderschönen Schwan verwandelt. Als A.M. diese Geschichte von Prokofjew hörte, Gorki rief aus: „Aber er hat es über sich selbst geschrieben, über sich selbst!“

Im Jahr 1918 wurde es uraufgeführt Klassische Symphonie- eine elegante Komposition voller Spaß und subtilem Humor, ein wahrer Klassiker der Musik Sowjetzeit. Im Werk des Komponisten begann mit der Sinfonie eine helle und klare Linie, die bis zu seinen späteren Werken – dem Ballett – reicht Aschenputtel, Siebte Symphonie.

Leben im Ausland

Im Frühjahr 1918 reiste er nach Erhalt eines ausländischen Passes nach Amerika. Ein längerer Auslandsaufenthalt (bis 1933) bedeutete keine völlige Trennung von der Heimat.
Drei Konzertreisen die Sowjetunion waren eine Gelegenheit, sowohl mit alten Freunden als auch mit einem neuen Publikum zu kommunizieren. 1926 wurde in Leningrad eine Oper aufgeführt Liebe zu drei Orangen, im Inland konzipiert, aber im Ausland geschrieben. Ein Jahr zuvor gab Prokofjew den Auftrag S. Diaghileva schrieb ein Ballett Stahlhang- eine Reihe von Gemälden aus dem Leben der jungen Sowjetrepublik (den Zuhörern ist es in Form einer symphonischen Suite bekannt).

Heimkehr

1933 kehrte Prokofjew schließlich in seine Heimat zurück. Die Jahre nach seiner Rückkehr erwiesen sich als sehr produktiv. Es entstehen Werke nacheinander, und jedes von ihnen markiert eine neue, hohe Stufe in einem bestimmten Genre.

Oper Semyon Kotko, Ballett, Filmmusik Alexander Newski, auf deren Grundlage der Komponist das Oratorium schuf – all dies wurde in den goldenen Fundus der Musik der Sowjetzeit aufgenommen.

Werke der Reifezeit

Das unbändige Sieden des kreativen Denkens wird durch weise Haltung ersetzt, das Interesse am Unglaublichen, Fabelhaften, Legendären wird durch Interesse an echten menschlichen Schicksalen ersetzt ( Semyon Kotko- eine Oper über einen jungen Soldaten), zur heroischen Vergangenheit seines Heimatlandes ( Alexander Newski, Oper), zu ewiges Thema Liebe und Tod ().

Gleichzeitig verschwand der für Prokofjew charakteristische Humor nicht. In dem Märchen (für einen Vorleser und ein Sinfonieorchester), das sich an die jüngsten Zuhörer richtet, ist jede Figur durch ein Instrument gekennzeichnet. Es entpuppte sich als eine Art Leitfaden für das Orchester und zugleich als fröhliche, lustige Musik.

Der Höhepunkt von Prokofjews Schaffen ist seine Oper. Die Handlung des großen Werkes von L. Tolstoi, Nachbildung heroische Seiten Die russische Geschichte wurde in den Jahren des Vaterländischen Krieges (damals entstand die Oper) ungewöhnlich scharfsinnig und modern wahrgenommen.

Dieses Werk vereinte die besten und typischsten Merkmale seiner Arbeit. Hier ist Prokofjew sowohl ein Meister eines charakteristischen Intonationsporträts als auch ein Wandmaler, der frei Massenvolksszenen komponiert, und schließlich ein Lyriker, der ein ungewöhnlich poetisches und weibliches Bild von Natascha schuf.

Prokofjews Werk hatte einen erheblichen Einfluss auf Musikalische Kunst 20. Jahrhundert. Seine Werke werden ständig aufgeführt herausragende Pianisten, Geiger, Symphonieorchester in allen Ländern der Welt. Ballette und Aschenputtel Mit Erfolg auf vielen Bühnen Russlands und anderer Länder.

Kreatives Erbe von Prokofjew umfasst über 130 Werke, darunter 8 Opern, 7 Ballette, 7 Kantaten, 7 Sinfonien und eine Reihe anderer symphonischer Werke (Suiten, Ouvertüren usw.), 8 Konzerte, 14 Sonaten, Kammerensembles, Märsche für Blaskapelle, Klavierstücke, Romanzen, Lieder, Chöre, Theatermusik und Musik für Filme.

Erstellt von: Venskaya I.S.

Die Biografie von Prokofjew, dem großen russischen und sowjetischen Komponisten, ist so umfangreich und vielseitig, dass man sich manchmal kaum vorstellen kann, wie das alles in einer Person zusammenpasst? Als Pianist, Musikautor, Filmkomponist und Dirigent schuf Sergej Sergejewitsch darüber hinaus seinen eigenen einzigartigen Kompositionsstil, liebte Schach und die Christliche Wissenschaft. In diesem Artikel können Sie es herausfinden Kurze Biographie Prokofjew sowie die wichtigsten Perioden seines Schaffens.

Kindheit und Jugend

Die Biografie von Sergej Sergejewitsch Prokofjew beginnt am 15. (27.) April 1891 im Dorf Sontsovka in der Provinz Jekaterinoslaw (heutiges Gebiet Donezk in der Ukraine). Kaufmannsfamilie. Sergeis Mutter, Maria Grigorievna, beherrschte das Klavier während ihres Studiums am Gymnasium und führte zu Hause oft Werke von Beethoven und Chopin auf. Der kleine Seryozha setzte sich oft neben seine Mutter an die Tasten und prägte sich ihr Spiel visuell und nach Gehör ein. Im Alter von fünf Jahren begann er seine Musikbiographie Prokofjew Serjoscha komponierte in so jungen Jahren sein erstes Stück – „Indischer Galopp“. Maria Grigorievna brachte ihrem Sohn das Notieren von Werken bei, und alle folgenden kleinen Rondos und Walzer seiner eigenen Komposition wurden vom Wunderkind Prokofjew selbst aufgenommen.

Im Alter von neun Jahren schrieb Prokofjew seine erste Oper mit dem Titel „Der Riese“ und mit elf Jahren spielte er sie dem berühmten Komponisten und Lehrer Sergej Tanejew vor. Tanejew war vom Talent des Jungen beeindruckt und vereinbarte mit seinem Freund, ebenfalls einem berühmten Komponisten Reinhold Gliere, die Ausbildung von Serezha Prokofjew.

Studium und Beginn der Kreativität

Die gesamte frühe Biografie von Sergej Prokofjew ist aus seinen persönlichen Tagebüchern zusammengestellt, die er sein ganzes Leben lang detailliert und genau führte. Bereits 1909, im Alter von 18 Jahren, schloss Sergei das St. Petersburger Konservatorium als Dirigent ab, fünf Jahre später auch als Pianist. Seine Lehrer waren so große Musiker wie Rimsky-Korsakow, Ljadow und Tscherepnin. Während seines Studiums lernte er auch andere zukünftige große Komponisten kennen – Sergei Rachmaninow und Igor Strawinsky. Auf dem Foto unten ist Prokofjew während seines Studiums am Konservatorium zu sehen.

Nach seinem Debüt mit eigenen Werken am Klavier wurde Prokofjews Werk als kühn und originell bezeichnet, mit „ungezügeltem Spiel der Fantasie und Extravaganz des Stils“. Dem unerfahrenen Komponisten wurde der Status eines „extremen Modernisten“ zugeschrieben.

Im Jahr 1913, nach Prokofjews Aufführung des Zweiten Klavierkonzerts, war das Publikum deutlich gespalten in diejenigen, die den Komponisten bewunderten, und diejenigen, die ihn kritisierten und das Werk als „skandalös und futuristisch“ bezeichneten.

Die besten Werke und weltweite Anerkennung

Die Biografie des Komponisten Prokofjew erzählt von 1918 bis 1936 über seinen amerikanischen Lebensabschnitt. Sergej Sergejewitsch nahm die Oktoberrevolution gelassen hin, da er weder der weißen noch der roten Bewegung angehörte. Auf der Suche nach neuer Inspiration wanderte er aus.

Nachdem der Komponist auf der anderen Seite des Ozeans Anerkennung gefunden hat, kehrt er in seine Heimat zurück. Während des Großen Vaterländischen Krieges hörte er nicht auf zu arbeiten die besten Werke an dieser Stelle wird es zum Ballett „Aschenputtel“, zur Oper „Krieg und Frieden“ und zur „Fünften Symphonie“. Die Fünfte gilt neben Schostakowitschs Siebter Symphonie als das bedeutendste Werk des Vaterländischen Krieges. Unten ist ein Auszug aus Prokofjews Fünfter Symphonie aufgeführt, aufgeführt von einem Symphonieorchester.

Im Jahr 1948 wurde Sergej Prokofjew zusammen mit anderen Avantgarde-Komponisten wie Schostakowitsch und Chatschaturjan vom Komitee für Künste wegen „Formalismus und Futurismus“ kritisiert, woraufhin viele Werke von Sergej Sergejewitsch verboten wurden. Doch glücklicherweise interessierte sich Josef Stalin sehr für das Werk und die Biografie Prokofjews, und so wurde 1949 auf persönlichen Befehl des Führers das Verbot aufgehoben und die Aktionen des Komitees scharf verurteilt.

Der einzigartige Stil des Komponisten

In der Weltgeschichte zeichnet sich die Biographie von Sergej Sergejewitsch Prokofjew vor allem durch die Schaffung einer einzigartigen Musiksprache aus. Die Techniken, die die Werke des Komponisten auszeichnen, bestanden in der Verwendung einer besonderen Form der Dominante (später wurde sie Prokofjews Dominante genannt), linearer und dissonanter Akkorde sowie chromatischer Cluster, die Tonhöhen bei der Ausführung „aufdringlicher“ musikalischer Phrasen kombinieren. Eigentümlich ist auch die kompositorische, antiromantische Rhythmik, die vielen Werken Prokofjews eine ausdrucksstarke Fragmentierung verleiht.

Film funktioniert

Im Laufe seines Lebens schrieb der Komponist Musik für acht sowjetische Filme. Die bekanntesten Filmwerke in der Biografie Prokofjews sind Kompositionen, die für die Filme des berühmten Regisseurs Sergej Eisenstein geschrieben wurden: „Alexander Newski“ (1938) und „Iwan der Schreckliche“ (1945). Eisenstein freute sich über die Zusammenarbeit mit dem großen Komponisten, da Regisseur und Musiker einen ähnlichen, avantgardistischen Ansatz zur Kreativität hatten. Anschließend vollendete Prokofjew die für diese Filme komponierte Musik in Form eigenständiger Werke. Einen Ausschnitt aus dem Film „Iwan der Schreckliche“ mit Prokofjews Komposition finden Sie unten.

Kunstwerke für Kinder

In Prokofjews kreativer Biografie wurden viele Werke für Kinder geschrieben, zum Beispiel die Ballette „Aschenputtel“ und „Das Märchen von der steinernen Blume“, Kompositionen für den Chor „Ballade eines unbekannten Jungen“, „Winterlagerfeuer“ und „Auf der Hut vor der Welt“.

Aber Prokofjews berühmtestes Kinderwerk ist es ohne Zweifel symphonische Geschichte„Peter und der Wolf“. Sergej Sergejewitsch komponierte dieses Werk und setzte es 1936 für die Inszenierung in einem Kindertheater auf seinen eigenen Text um. „Peter und der Wolf“ war das erste Werk des Komponisten nach seiner Rückkehr in seine Heimat.

Neben Aufführungen gibt es mehrere animierte Versionen dieses Märchens: Die erste entstand 1946 in den Walt Disney Studios. Dann kamen zwei sowjetische Puppentrickfilme heraus (1958 und 1976) sowie ein polnisch-britischer Puppentrickfilm, der 2006 ebenfalls mit dem Oscar ausgezeichnet wurde.

andere Hobbys

Als sehr vielseitiger Mensch beschäftigte sich Sergej Prokofjew nicht nur mit der Musik – seine zweite Leidenschaft war die Literatur. Alles, was aus seiner Feder kam, war von der Außergewöhnlichkeit seiner schriftstellerischen Fähigkeiten geprägt: Dies ist die riesige „Autobiographie“, die das Leben des Komponisten von seiner Geburt bis 1909 abdeckt, seine Tagebücher und alle von ihm verfassten Libretti und Geschichten voller Optimismus Und wunderbares Gefühl Humor.

Neben Musik und Literatur interessierte sich Sergej Sergejewitsch sehr für Schach und nannte es „die Musik des Denkens“. Von 1914 bis 1937 gelang es Prokofjew, Partien mit so berühmten Schachspielern wie Capablanca, Lasker und Tartakower zu spielen.

Der Komponist war auch ein Anhänger der Christlichen Wissenschaft, deren Methoden es ihm ermöglichten, die Aufregung vor Aufführungen zu überwinden. Prokofjew las gern das Buch „Wissenschaft und Gesundheit“ von Mary Baker Eddy, in seinen Tagebüchern erwähnte er es mehr als einmal und sagte, dass dieses Buch seine persönliche Einstellung zu Gut, Böse, Gott und den Menschen geprägt habe.

Privatleben

1923 heiratete Prokofjew die katalanische Kammersängerin Lina Codina, die ihm zwei Söhne gebar: Swjatoslaw und Oleg. Auf dem Foto unten der Komponist mit seiner Frau und seinen Söhnen.

Trotz gegenseitigem Verständnis mit seiner Frau und achtzehn Jahren gemeinsames Leben 1941 verließ Prokofjew die Familie und begann mit einer Studentin der Philologischen Fakultät, Mira Mendelson, zusammenzuleben. Im Jahr 1948 heiratete Sergej Prokofjew Mira, ohne sich von seiner ersten Frau scheiden zu lassen. In einem anschließenden Gerichtsverfahren wurden beide Ehen für gültig erklärt. In diesem Zusammenhang wurde von sowjetischen Juristen der Begriff „Fall Prokofjew“ eingeführt, der sich auf solche Vorfälle bezog. Unten sehen Sie ein Foto von Prokofjew und seiner zweiten Frau.

Sergej Sergejewitsch lebte bis an sein Lebensende mit Mira Mendelson-Prokofjewa zusammen. Großartiger Komponist Prokofjew starb am 5. März 1953 – am selben Tag starb Josef Stalin, und so blieb der Tod des Komponisten lange Zeit unbemerkt.

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