Ιαπωνική τέχνη να κοιτάς στην απόσταση. CraftsGirl

Το Himeji είναι ένα από τα παλαιότερα κάστρα της Ιαπωνίας.

Ιαπωνική Τέχνη της Αρχαίας Περιόδου
Ο ιαπωνικός πολιτισμός διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε ιδιαίτερες φυσικές και ιστορικές συνθήκες. Η Ιαπωνία βρίσκεται σε τέσσερα μεγάλα και πολλά μικρά νησιά που βρέχονται από τις θάλασσες. Όντας στην άκρη της ανατολής, βίωσε την περιοδικά αυξανόμενη και στη συνέχεια εξασθενημένη επιρροή τέτοιων ηπειρωτικών πολιτισμών όπως η Κίνα και η Κορέα. Οι περίοδοι αλληλεπίδρασης με τον έξω κόσμο αντικαταστάθηκαν στην Ιαπωνική ιστορία από μακρούς αιώνες πολιτιστικής απομόνωσης (περίοδοι από τον 10ο έως τον 14ο και από τον 17ο έως τα μέσα του 19ου αιώνα). Η τελευταία αυτή περίσταση συνέβαλε στην ανάπτυξη και εδραίωση πολλών μοναδικών χαρακτηριστικών ιαπωνική κουλτούραγενικά και την τέχνη ειδικότερα. Η γνωριμία με τον πολιτισμό της Δύσης έγινε τον 16ο αιώνα, όταν είχαν ήδη διαμορφωθεί τα κύρια χαρακτηριστικά του αρχικού ιαπωνικού πολιτισμού. Μέχρι το 1854, η Ιαπωνία συναλλάσσονταν με την Κίνα και την Ολλανδία μέσω μόνο ενός λιμανιού.

Από τους αρχαίους κατοίκους των ιαπωνικών νησιών - κυνηγούς και ψαράδες - προήλθαν πέτρινα τσεκούρια, καμάκια, αιχμές βελών και χειροποίητα γλυπτά κεραμικά αγγεία που ανακαλύφθηκαν ως αποτέλεσμα αρχαιολογικών ανασκαφών, τα οποία έλαβαν το όνομα λόγω του μοτίβου "Jomon" που αποτυπώθηκε σε αυτά. σημαίνει «ίχνος του σχοινιού». Ως εκ τούτου, ο νεολιθικός πολιτισμός στην Ιαπωνία ονομάζεται επίσης Jomon. Οι άποικοι που έφτασαν από τη Σιβηρία, την Πολυνησία και αργότερα από την Κορέα και την Κίνα στάθηκαν σε διαφορετικά επίπεδα πολιτιστική ανάπτυξη. Αυτό εξηγεί το γεγονός ότι μνημεία τόσο της Νεολιθικής εποχής όσο και της Εποχής του Χαλκού βρίσκονται σε ορισμένα πολιτιστικά στρώματα. Η ιαπωνική γλώσσα είναι κοντά στις γλώσσες της ομάδας των Αλταϊκών. Όταν ως αποτέλεσμα επαφών με Κινεζικοί πολιτισμοίΩ, οι Ιάπωνες εξοικειώθηκαν με την κινεζική ιερογλυφική ​​γραφή, αποδείχθηκε ότι ήταν πολύ δύσκολο να προσαρμόσουν τα κινεζικά ιερογλυφικά για να μεταφέρουν τον προφορικό ιαπωνικό λόγο.

Η αρχική περίοδος του ιαπωνικού πολιτισμού, για την οποία έχουν διατηρηθεί αξιόπιστα δεδομένα, ονομάζεται η εποχή των kofuns (λόφων) - ταφές, το έδαφος της οποίας ήταν ένας χωμάτινος ανάχωμα με χαρακτηριστικό σχήμα - ένας συνδυασμός κύκλου και τραπεζοειδούς, που έμοιαζε με κλειδαρότρυπα, που συμβόλιζε την ένωση γης και νερού. Ήταν σημαντικού μεγέθους, περιβάλλονταν από μια διπλή τάφρο με νερό, γρασίδι φύτρωνε πάνω από το ανάχωμα και κατά μήκος της εσωτερικής περιμέτρου του ανάχωμα υπήρχαν κοίλες πήλινες φιγούρες ανθρώπων, ζώων, μοντέλα σκαφών και σπιτιών από 30 cm έως ένα και μισό μέτρο ύψος. Τους έλεγαν «haniwa». Μέσα στον ταφικό θάλαμο υπήρχαν φέρετρα με νεκρούς εκπροσώπους των ευγενών, όπου τοποθετούνταν τελετουργικά αντικείμενα: ένας καθρέφτης, ένα κουδούνι dotaku, του οποίου ο ήχος υποτίθεται ότι τρομάζει τα κακά πνεύματα και προσελκύει τους θεούς - τους προστάτες των γεωργών. Οι ταφές των βασιλιάδων Yamato περιείχαν πάντα τέτοια τελετουργικά σύμβολα δύναμης όπως μενταγιόν από νεφρίτη και ξίφη. Για να εξυψωθούν οι βασιλιάδες της φυλής Yamato, καθιερώθηκε η αρχή της ιστορίας, καθορίστηκε η ιεραρχία των θεών, ξεχωρίστηκε η θεότητα Amaterasu ("Λάμπει από τον ουρανό"), η οποία μεταβίβασε την εξουσία Ιαπωνικά νησιάβασιλιάδες της φυλής Yamato. Το όνομα «Nippon» ή «Nihon», που σημαίνει «γη του ανατέλλοντος ηλίου», εμφανίστηκε τον 7ο αιώνα. Το 608 ξεκίνησαν ταξίδια για σπουδές στην Κίνα, τα οποία συνεχίστηκαν για περισσότερο από δύο αιώνες.

Dotaku - τελετουργικές χάλκινες καμπάνες - κύλινδροι στενωμένοι στην κορυφή, με φαρδιές θηλιές με σγουρές προεξοχές, οι τοίχοι των οποίων χωρίζονται σε τετράγωνα γεμάτα με γραφικές εικόνες

Οι ετερογενείς πεποιθήσεις των Ιαπώνων, που έχουν πολλά χαρακτηριστικά πρωτόγονου ανιμισμού και φετιχισμού, αντικατοπτρίζονται στον Σιντοϊσμό. Ο Σιντοϊσμός ("ο δρόμος των θεών") στην ουσία του αντανακλά τις ιαπωνικές ιδέες για την παγκόσμια πνευματικότητα της φύσης. Ένας αμέτρητος αριθμός αποκαλούμενων "kami" (πνεύματα) υπάρχουν τόσο σε αντικείμενα θαυματουργών τοπίων, όπως η λίμνη Biwa και το όρος Fuji, όσο και σε αντικείμενα που δημιουργούνται από ανθρώπους - ξίφη, καθρέφτες, προικισμένα λόγω αυτού. μαγικές ιδιότητες. Το ιερό του Σιντοϊσμού διακρινόταν για την απλότητα της ξύλινης κατασκευής του: ένα δωμάτιο με μονή αίθουσα ήταν τοποθετημένο σε ξυλοπόδαρα, που περιβαλλόταν από όλες τις πλευρές από μια βεράντα. Το εσωτερικό του σιντοϊστικού ιερού ήταν θαμπό και άδειο. Οι πιστοί δεν μπήκαν στον ναό.

Παρά περίοδος (645-794 μ.Χ.)

Νάρα είναι το όνομα της πρώτης πρωτεύουσας και της μοναδικής πόλης της Ιαπωνίας εκείνη την εποχή. Αυτή ήταν η εποχή της ίδρυσης του ιαπωνικού κράτους, της εισαγωγής του Βουδισμού και της δημιουργίας μνημείων βουδιστικής τέχνης - ναών, παγόδων, διαφόρων αγαλμάτων βουδιστικών θεοτήτων. Ο Βουδισμός κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δεν ήταν τόσο η πίστη του λαού όσο η συνέχεια της πολιτικής της αυλής. Διάφορες αιρέσεις του Βουδισμού έπαιξαν πολύ σημαντικό ρόλο στην αυλή, οι γαίες των βουδιστικών μοναστηριών αυξήθηκαν, οι μοναχοί είχαν μεγάλη επιρροή στην αυλή. Εμφανίζονται βουδιστικά μοναστήρια, τα οποία είναι ομάδες από ξύλινα κτίρια που βρίσκονται σε μια ορθογώνια περιτειχισμένη περιοχή. Ιδιαίτερη σημασία είχε το φαρδύ δρομάκι που οδηγούσε στην μπροστινή πύλη, η πλατεία μπροστά από τον ναό και η πολυεπίπεδη παγόδα ορατή από απόσταση. Οι ξύλινοι ναοί ήταν βαμμένοι με κόκκινη λάκα, υψωμένοι σε πέτρινα θεμέλια και είχαν φαρδιές καμπύλες διπλές στέγες - irimoya.

Μεταξύ των πρώιμων βουδιστικών ναών είναι ο Asuadera, ο Horyuji, η κατασκευή του τελευταίου ξεκίνησε το 607 κατόπιν εντολής του τότε κυβερνώντος πρίγκιπα διαδόχου Shotoku Taishi. Το μοναστήρι αποτελούνταν από 53 κτίρια που βρίσκονταν σε έκταση 90 χιλιάδων τετραγωνικών μέτρων. Η πρόσοψη του ναού βλέπει νότια, τα κύρια κτίρια βρίσκονται στον άξονα βορρά-νότου, η ιερή ζώνη είναι βόρεια, υπήρχε μια αίθουσα για κηρύγματα - kodo, kondo και μια παγόδα πέντε επιπέδων. Στο Horyuji υπήρχαν 265 αγάλματα, η κύρια γλυπτική εικόνα ήταν η τριάδα του Shakyamuni, που αντιπροσωπεύεται από ένα γλυπτό του ιδρυτή του δόγματος, συνοδευόμενο από δύο μποντισάτβα. Τον 8ο αιώνα στα μεγάλα μοναστήρια υπήρχαν ήδη εργαστήρια γλυπτών. Διαδόθηκε η λατρεία του Μποντισάτβα Kannon, το όνομα του οποίου ήταν μετάφραση του σανσκριτικού ονόματος Avalokiteshvara (Προσοχή στους ήχους του κόσμου). Γεμάτος συμπόνια για τα ζωντανά όντα, ένας μποντισάτβα είναι σε θέση να ακούει τους ήχους εκείνων που υποφέρουν, όπου κι αν βρίσκονται. Η λατρεία του Avalokiteshvara ξεκίνησε από τη βορειοδυτική Ινδία και εξαπλώθηκε στην Κίνα. Στο Lotus Sutra, ειπώθηκε ότι ο μποντισάτβα πήρε τη μορφή εκείνων των όντων που τον καλούν. Στην Ιαπωνία, η διάδοση της λατρείας του Kannon οδήγησε στην εμφάνιση μεγάλου αριθμού εικόνων της - ο άγιος Kannon βοηθά στην κόλαση, ο Kannon με το κεφάλι ενός αλόγου σκορπίζει έλεος στα βοοειδή, τα κακά πνεύματα - οι ασούρες σώζονται κατά χιλιάδες -Οπλισμένο Kannon, Kannon με ένα ψαροδάσος σώζει ανθρώπους.

Περίοδος Heian (794-1185)

Το 794 η πρωτεύουσα του κράτους μεταφέρθηκε στην πόλη Heian (τώρα Κιότο). Κατά την περίοδο Heian, άκμασε μια εκλεπτυσμένη αυλική κουλτούρα. Δημιουργήθηκε μια ιαπωνική συλλαβή - kana (ιαπωνικά - ένα δανεικό ιερογλυφικό). Στην αρχή, μόνο γυναίκες χρησιμοποιούσαν αυτή τη γραφή, ενώ η επίσημη γραφή συνέχιζε να είναι κινέζικη. Κατά τον Χ αιώνα. η γυναικεία γραφή άρχισε να χρησιμοποιείται στην ιδιωτική πρακτική. Τον XI αιώνα. ξεκίνησε η ακμή της ιαπωνικής κλασικής λογοτεχνίας, ένα λαμπρό παράδειγμα της είναι το μυθιστόρημα «Genji Monogatari», που δημιουργήθηκε από την αυλική κυρία Murasaki Shikibu.

Στην τέχνη του Heian, την κύρια θέση καταλαμβάνουν οι βουδιστικές εικόνες των εσωτερικών αιρέσεων Tendai και Shingon που ήρθαν από την Κίνα εκείνη την εποχή, οι οποίοι δίδαξαν ότι όλα τα ζωντανά όντα έχουν την ουσία του Βούδα. Εκπαιδεύοντας το πνεύμα και το σώμα, εκπληρώνοντας τους όρκους, ο καθένας μπορεί να αποκτήσει την ουσία του Βούδα στη διαδικασία πολλών αναγεννήσεων. Οι ναοί αυτών των αιρέσεων χτίστηκαν στις κορυφές βουνών και βραχώδεις προεξοχές, τα παρεκκλήσια σε αυτά χωρίστηκαν σε δύο μέρη. Στο εσωτερικό, όπου βρισκόταν η ιερή εικόνα, δεν επιτρέπονταν απλοί πιστοί.

Η εποχή Heian είναι μια εποχή πολυτέλειας για τους κυρίαρχους κύκλους. Αυτή την εποχή, διαμορφώθηκε ο τύπος των κατοικιών shinden. Τα τείχη και οι συνθήκες θερμού κλίματος δεν ήταν κεφαλαία και δεν είχαν τιμή αναφοράς. Θα μπορούσαν πολύ εύκολα να απομακρυνθούν, να αντικατασταθούν από πιο ανθεκτικά για κρύο καιρό ή να αφαιρεθούν εντελώς σε ζεστό καιρό. Επίσης δεν υπήρχαν παράθυρα. Αντί για γυαλί, λευκό χαρτί τεντώθηκε πάνω από το δικτυωτό πλαίσιο, αφήνοντας ένα αμυδρό διάχυτο φως στο δωμάτιο. Το φαρδύ γείσο της οροφής προστάτευε τους τοίχους από την υγρασία και το φως του ήλιου. εσωτερικό, χωρίς μόνιμα έπιπλα, είχε συρόμενους διαχωριστικούς τοίχους, χάρη στους οποίους ήταν δυνατό να δημιουργηθεί, κατά βούληση, είτε μια αίθουσα ή πολλά μικρά απομονωμένα δωμάτια, το πάτωμα ήταν καλυμμένο με ψάθες - τατάμι, ίδιου μεγέθους (180 επί 90 εκ).

Κομφουκιανικά και βουδιστικά κείμενα μεταφέρθηκαν από την Κίνα κατά την περίοδο Heian. Συχνά ήταν διακοσμημένα με εικόνες. Αρχικά, Ιάπωνες καλλιτέχνες αντέγραψαν κινεζικά «διάσημα μέρη», αλλά ξεκινώντας από τον 10ο αιώνα. στραφούμε στην εικόνα των τοπίων και των εθίμων πατρίδα. Σχεδιάστηκε η ζωγραφική «Yamato-e», η οποία διέφερε από την κινεζική ζωγραφική χρησιμοποιώντας θέματα από ιαπωνική ποίηση, διηγήματα, μυθιστορήματα ή από λαϊκοί θρύλοι. Ο πίνακας πήρε το όνομά του από το όνομα της περιοχής Yamato - το νοτιοδυτικό τμήμα του νησιού Honshu, όπου σχηματίστηκε το κράτος της Ιαπωνίας.
Η εικόνα συχνά αντιπροσώπευε έναν κύλινδρο από εικονογραφήσεις με το αντίστοιχο κείμενο, το οποίο τραβήχτηκε με το χέρι και περιστρεφόταν από δεξιά προς τα αριστερά, ενώ διαβάζοντας την αντίστοιχη ενότητα, λαμβανόταν υπόψη η εικόνα που ακολουθούσε.

Η ζωγραφική Yamato-e κορυφώθηκε στην ύστερη περίοδο Heian. Αυτή τη στιγμή, εμφανίστηκαν επαγγελματίες καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν εικόνες σε κοσμικά θέματα σε οθόνες, συρόμενα χωρίσματα (shoji) και ειλητάρια - emakimono. Ο παλαιότερος από τους ρόλους είναι ο Genji Monogatari. Τα ειλητάρια Emakimano ήταν εικόνες-παραμύθια. Ο κύλινδρος του «Genji-monogatari-emaki», του διάσημου μυθιστορήματος του Murasaki Shikibu, έχει διασωθεί μέχρι σήμερα, που απεικονίζει την αδράνεια της αριστοκρατίας με ζωηρά χρώματα, είναι μια σύνθεση καλλιγραφίας, λογοτεχνίας και ζωγραφικής. Στα 19 από τα 54 κεφάλαια του μυθιστορήματος που σώζονται, δεν υπάρχει ενιαία πλοκή και μέσα από τη δράση στις εικονογραφήσεις. Οι περισσότερες από τις απεικονιζόμενες σκηνές διαδραματίζονται σε εσωτερικούς χώρους, όλα ορατά φαίνονται από ψηλά, δεν υπάρχει ενιαίο σημείο φυγής γραμμών, μεγάλης κλίμακας αντιστοιχία μορφών και αρχιτεκτονικής, τα πρόσωπα όλων των χαρακτήρων είναι τα ίδια, μόνο τα χτενίσματα και τα ρούχα είναι διαφορετικά . Το κύριο θέμα της προσοχής του καλλιτέχνη είναι η μεταφορά του συναισθηματικού περιεχομένου των γεγονότων που διαδραματίζονται στο μυθιστόρημα, που ήταν πολύ γνωστά σε όλους. Οι κύριες τεχνικές είναι η κατασκευή χώρου και η χρήση χρωματικών δυνατοτήτων. Για να αποδώσει την εσωτερική κατάσταση των χαρακτήρων και την ατμόσφαιρα κάθε σκηνής, είναι σημαντικό για τον καλλιτέχνη σε ποια γωνία σε σχέση με το κάτω άκρο του ειλητάρου κατευθύνονται οι διαγώνιες γραμμές, που δηλώνουν είτε τις δοκούς των δομών είτε τα γείσα από τις κουρτίνες, ή την άκρη της βεράντας. Ανάλογα με το βαθμό συναισθηματικής έντασης, αυτή η γωνία κυμαίνεται από 30 έως 54 μοίρες.

Το Bodhisattva - Kannon εμφανίζεται στην Κίνα, την Κορέα και την Ιαπωνία κυρίως σε γυναικεία μορφή, στα χέρια με μια κανάτα, ένα κλαδί ιτιάς και ένα λάσο

Στα σπίτια των αριστοκρατών δεν υπήρχαν χωρίσματα, σε παραβάν και κουρτίνες καλύτερους καλλιτέχνεςζωγραφισμένες εικόνες του yamato-e. Οι πίνακες Yamato-e ήταν ενότητα με κυριολεκτικά δουλεύει, που τοποθετήθηκαν επίσης σε παραβάν και κουρτίνες. Σε ανθολογίες ποίησης του X-XIII αιώνα. Οι στίχοι που γράφτηκαν σε οθόνες του 9ου-10ου αιώνα δεν είναι ασυνήθιστοι. Ο μεγαλύτερος αριθμός τέτοιων ποιημάτων περιέχεται στην ανθολογία "Sui-shu". Όπως η ποίηση αφορούσε τις τέσσερις εποχές, έτσι και η ζωγραφική για οθόνες. Σύμφωνα με τα δημοτικά τραγούδια, αναπτύχθηκε ένα συγκεκριμένο σύστημα ποιητικών τύπων και στη συνέχεια έγινε η βάση της ιαπωνικής κλασικής ποιητικής. Έτσι, το σημάδι της άνοιξης ήταν μια ομιχλώδης ομίχλη, μια ιτιά, ένα σημάδι του καλοκαιριού - ένας κούκος, τα τζιτζίκια, το φθινόπωρο - τα κόκκινα φύλλα σφενδάμου, ένα ελάφι, ένα φεγγάρι, οι χειμώνες - χιόνι και λουλούδια δαμάσκηνου.

Το Κιότο είναι ένα αρχαίο στολίδι της Ιαπωνίας.

Η αφθονία των ομωνύμων στη γλώσσα κατέστησε δυνατή την απόδοση πολλών σημασιών στους στίχους. Τα θέματα και οι πλοκές έδωσαν τη δυνατότητα, μέσω μιας λεπτομέρειας ή ενός υπαινιγμού, σε μια εξαιρετικά συνοπτική ποιητική μορφή (31 συλλαβές ανά τάνκα), να εκφραστεί η ποικιλομορφία όλων των αποχρώσεων των συναισθηματικών καταστάσεων. Υπήρχε μια σταδιακή μετάβαση από οθόνες με κείμενα σε οθόνες χωρίς κείμενο. Έτσι αναπτύχθηκαν οι πραγματικές υποδιαιρέσεις του εικονογραφικού είδους - shiki-e («εικόνες των τεσσάρων εποχών») και mei-se-e(«εικόνες από διάσημα μέρη»).
Η σύνθεση τέτοιων πινάκων δεν αντιστοιχούσε σε καμία από τις κατηγορίες της κινεζικής ζωγραφικής. Η μεγαλύτερη συγχώνευση φύσης και ανθρώπου θα γίνει χαρακτηριστικό για διάφορα είδη της ιαπωνικής τέχνης.

Περίοδος Kamakura (1185-1333) και περίοδος Muromachi (1333-1568)

Στα τέλη του 12ου αιώνα, η πρωτεύουσα μεταφέρθηκε ξανά, η εξουσία στη χώρα ως αποτέλεσμα μιας αιματηρής εμφύλιας διαμάχης καταλήφθηκε από τη φυλή Minamoto, της οποίας το κεφάλι μετέφερε την πρωτεύουσα στον οικισμό του Kamakura, το όνομα του οποίου έγινε το όνομα το επόμενο στάδιο στην ιστορία της Ιαπωνίας. Η στρατιωτική τάξη των σαμουράι ήρθε στην εξουσία στη χώρα, μεταξύ των οποίων προήλθαν οι σογκούν - οι πραγματικοί στρατιωτικοί ηγεμόνες της Ιαπωνίας, ο αυτοκράτορας, ο οποίος παρέμεινε στη Νάρα, διατήρησε μόνο ονομαστικά χαρακτηριστικά ισχύος. Η πολυπλοκότητα της αυλικής κουλτούρας των σαμουράι προτιμούσε την απλότητα. Τα μοναστήρια της αίρεσης Ζεν δεν περιλάμβαναν πλέον παγόδες, οι ναοί έμοιαζαν με αγροτικές καλύβες. Από τα τέλη του XIII αιώνα. υπό την επίδραση των πανθεϊστικών ιδεών της αίρεσης Ζεν, το τοπίο άρχισε να ενσωματώνει την ιδέα της παρουσίας βουδιστικών θεοτήτων σε οποιαδήποτε αντικείμενα τοπίου. Στα μοναστήρια της Καμακούρα έχει αναπτυχθεί η εικονογραφία των πορτρέτων του Πατριάρχη του Μινσκ: μια καθιστή και ήρεμη στάση με τονισμένο χαρακτηριστικό του προσώπου, την υπνωτική δύναμη του βλέμματος. Υπό την επιρροή της αίρεσης Ζεν, η γλυπτική υποβιβάζεται σε δεύτερο πλάνο, η ζωγραφική, ειδικά η τοπογραφία, εκφράζει τη στάση των ανθρώπων αυτής της εποχής.

Η περίοδος Muromachi ξεκινά με τα γεγονότα του 1333, όταν οι φεουδάρχες των νοτιοανατολικών περιοχών του νησιού Honshu κατέλαβαν και έκαψαν την Kamakura, επιστρέφοντας την πρωτεύουσα στο Heian. Ήταν μια εποχή εσωτερικών συγκρούσεων και πολέμων φεουδαρχικών φυλών. Κορυφαία για την εποχή των προβλημάτων ήταν η διδασκαλία των οπαδών της αίρεσης Ζεν ότι, έχοντας επιτύχει την ενότητα με τη φύση, μπορεί κανείς να συμβιβαστεί με τις δυσκολίες της ζωής και να επιτύχει ενότητα με τον κόσμο. Πρώτη θέση σε Ιαπωνική τέχνηΥπό την επίδραση της διδασκαλίας του Ζεν ότι το «σώμα» του Βούδα είναι η φύση, η τοπογραφία έρχεται στο προσκήνιο. Στο δεύτερο μισό του XII αιώνα. ζωγραφική με μαύρο μελάνι διείσδυσε στην Ιαπωνία από την Κίνα. Οι Ιάπωνες που ασκούσαν κατά κύριο λόγο μια τέτοια ζωγραφική ήταν μέλη της αίρεσης Ζεν. Δημιούργησαν ένα νέο στυλ που εξηγούσε τη νέα πίστη (shigaku - συνδυασμός ζωγραφικής και ποίησης). 15ος και 16ος αιώνας - η εποχή της μέγιστης άνθησης της ζωγραφικής με μελάνι, ο κορυφαίος δάσκαλος της οποίας ήταν ο Sesshu Toyo (1420-1506). Παράλληλα με αυτό το στυλ υπήρχε και το στυλ yamato-e.

Οι αλλαγές στις κοινωνικοπολιτικές σχέσεις, που έφεραν στο προσκήνιο τη στρατιωτική τάξη, οδήγησαν και στην εμφάνιση τον 16ο αιώνα. αρχιτεκτονικό στυλ"sein". Ο προηγουμένως ενιαίος όγκος του σπιτιού χωρίζεται τώρα με τη βοήθεια συρόμενων θυρών (shoji), συρόμενων χωρισμάτων (fusuma). Ένας ειδικός χώρος για μαθήματα εμφανίστηκε στα δωμάτια - ένα ράφι για βιβλία και ένα παράθυρο με ένα φαρδύ περβάζι παραθύρου και μια κόγχη (τοκονόμα) όπου τοποθετήθηκε ένα μπουκέτο ή μια πέτρα ιδιότροπου σχήματος και κρεμάστηκε ένας κάθετος κύλινδρος.

Τον XVI αιώνα. Στην ιστορία της ιαπωνικής αρχιτεκτονικής, τα περίπτερα τσαγιού εμφανίζονται σε σχέση με την ανάγκη για τη σωστή διεξαγωγή της τελετής τσαγιού. Το τσάι μεταφέρθηκε στην Ιαπωνία κατά την περίοδο Kamakura από βουδιστές μοναχούς ως φίλτρο. Το τελετουργικό του τσαγιού (cha-no-yu) εισήχθη με πρωτοβουλία του μοναχού Zen Murata Shuko και απαιτούσε ειδική μέθοδο για την εφαρμογή του. Ετσι κι εγινε νέου τύπουαρχιτεκτονική δομή - chashitsu (περίπτερο για την τελετή του τσαγιού), στην εποικοδομητική του βάση ήταν κοντά σε ένα κτίριο κατοικιών και στη λειτουργία του - σε έναν βουδιστικό ναό. Τα στηρίγματα του περιπτέρου του τσαγιού ήταν ξύλινα, η οροφή ήταν φινιρισμένη με μπαμπού ή καλάμι. Μέσα σε μια καλύβα επενδεδυμένη με ψάθες, 1,5 ή 2 τατάμι με πλίθινα τοιχώματα, μικρά παράθυρα διαφορετικών επιπέδων, μια κόγχη tokonoma με κρεμαστό μονόχρωμο τοπίο και ένα λουλούδι σε βάζο, υπήρχε μια εστία, ένα ράφι για σκεύη.

Κατά την περίοδο Muromachi, η τέχνη της κηπουρικής άκμασε. Οι ιαπωνικοί κήποι είναι διαφορετικοί. Οι μικροί κήποι βρίσκονται τις περισσότερες φορές σε ναούς ή συνδέονται με ένα παραδοσιακό σπίτι, είναι σχεδιασμένοι για προβολή. Οι μεγάλοι διαμορφωμένοι κήποι έχουν σχεδιαστεί για να γίνονται αντιληπτοί από το εσωτερικό.

Kondo - (Ιαπωνία χρυσή αίθουσα) - κύριος ναόςΒουδιστικό συγκρότημα που περιέχει εικόνες, αγάλματα, τοιχογραφίες

Ο κήπος του ναού του Ζεν χτίστηκε σύμφωνα με την αρχή ενός μονόχρωμου κυλίνδρου τοπίου. Αντί για ένα φύλλο χαρτιού, ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε την έκταση μιας λίμνης ή μιας πλατφόρμας καλυμμένης με βότσαλα, αντί για λεκέδες και ξεπλύματα από τα χοντρά - πέτρες, βρύα, φυλλώματα δέντρων και θάμνων. Σταδιακά, τα λουλούδια εξαφανίστηκαν από τον κήπο, αντικαταστάθηκαν από βρύα και θάμνους, άρχισαν να χρησιμοποιούνται πέτρες αντί για γέφυρες. Μερικοί κήποι ήταν τοπικοί, λοφώδεις (τσουκιγιάμα). Οι κήποι Tsukiyama ήταν ένας συνδυασμός φυσικών στοιχείων όπως βράχοι, βρύα, δέντρα, λίμνες, με ένα υποχρεωτικό περίπτερο στην ακτή. Ο παλαιότερος κήπος τοπίου βρίσκεται στο Κιότο και ανήκει στο μοναστήρι Sohoji. Οι ξηροί κήποι ονομάζονταν «χιρανίβα», δηλ. διαμέρισμα. Ο Χιράνιβα είναι ένας «φιλοσοφικός» κήπος, καθώς απαιτούσε ανεπτυγμένη φαντασία από τον θεατή. Ο κήπος hiraniwa «έμεινε από πέτρες, άμμο, βότσαλα. Κλειστός από τις τρεις πλευρές από έναν τοίχο που τον περιέβαλλε, ο κήπος προοριζόταν μόνο για περισυλλογή. Στα τέλη του XV αιώνα. δημιούργησε έναν από τους πιο γνωστούς ξηρούς κήπους στο μοναστήρι Ryoanji. Περιλαμβάνει 15 πέτρες που βρίσκονται σε ορθογώνιο χώρο με χαλίκι. Στον κήπο hiraniwa της Μονής Daitokuji, που δημιουργήθηκε το 1509, η φύση αντιπροσωπεύεται από συνθέσεις από πέτρες και βότσαλα. Ένα από τα μέρη του κήπου ονομαζόταν «ωκεανός του κενού» και αποτελείται από δύο χαμηλούς βοτσαλωτούς λόφους στη μέση μιας ορθογώνιας περιοχής. Οι κήποι θα μπορούσαν να αλληλοσυμπληρώνονται.

Στα τέλη του XV αιώνα. σχηματίστηκε η αυλική σχολή διακοσμητικής ζωγραφικής Κάνο. Ο ιδρυτής της σχολής Kano Masanobu (1434-1530) καταγόταν από στρατιωτική τάξη και έγινε αναγνωρισμένος επαγγελματίας καλλιτέχνης της αυλής. Τα τοπία του είχαν μόνο το πρώτο πλάνο, όλα τα άλλα ήταν καλυμμένα με μια ομιχλώδη ομίχλη. Η έμφαση σε ένα συγκεκριμένο θέμα της εικόνας θα γινόταν χαρακτηριστικό της σχολής Κάνο. Την κύρια θέση στη δουλειά των καλλιτεχνών της σχολής Κάνο κατέλαβαν διακοσμητικές τοιχογραφίες και παραβάν με ζωγραφική είδους. Οι τοιχογραφίες έχουν γίνει το κύριο συστατικό της σύνθεσης με την αρχιτεκτονική μορφή και ένα μέσο επιρροής στο εικονιστικό νόημα του αρχιτεκτονικού χώρου. Με τη σειρά τους, τα χαρακτηριστικά της αρχιτεκτονικής μορφής απαιτούσαν ορισμένες τεχνοτροπικές ιδιότητες των πινάκων, γι' αυτό σταδιακά διαμορφώθηκε ένας νέος στυλιστικός κανόνας, ο οποίος διατηρήθηκε στην ιαπωνική ζωγραφική μέχρι τον 19ο αιώνα.

Το Shinden είναι ένας τύπος κτιρίου κατοικιών. Ορθογώνιο σε κάτοψη, το μονόχωρο κεντρικό κτίριο, που βλέπει στην πλατεία με τη νότια πρόσοψή του και πλαισιώνεται από στοές από τα ανατολικά και δυτικά

Περίοδος Momoyama (1X73-1614)

Και αυτή τη φορά η εποχή των φεουδαρχικών πολέμων έφτασε στο τέλος της, η εξουσία στη χώρα πέρασε στους διαδοχικούς στρατιωτικούς δικτάτορες - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi και Iyaesu Tokugawa. Ήταν μια εποχή αστικής ανάπτυξης, εκκοσμίκευσης και εκδημοκρατισμού του πολιτισμού, διείσδυσης νέων αξιακών προσανατολισμών. Η λατρευτική αρχιτεκτονική έχει χάσει την προηγούμενη σημασία της. Οι νέοι ηγεμόνες της Ιαπωνίας δήλωσαν τη δύναμή τους χτίζοντας μεγαλειώδη κάστρα, η κατασκευή των οποίων προκλήθηκε από την εμφάνιση πυροβόλων όπλων στην Ιαπωνία και την αντίστοιχη αλλαγή στις τακτικές μάχης και άμυνας. Το κάστρο έχει γίνει ένας ριζικά νέος τύπος ιαπωνικής αρχιτεκτονικής. Η ασύμμετρα τοποθετημένη περιοχή του κάστρου, περιτριγυρισμένη από τάφρο και φρουρούς και γωνιακούς πύργους, περιελάμβανε μια κεντρική πλατεία και πολλές αυλές και δωμάτια, υπόγεια καταφύγια και περάσματα. Οι χώροι διαβίωσης βρίσκονταν σε ένα ξύλινο κτίριο που βρισκόταν στην επικράτεια του κάστρου με αυστηρή ιεραρχία του εσωτερικού χώρου, που αντικατοπτρίζει την κοινωνική ιεραρχία. Οι εσωτερικοί χώροι των κάστρων, βυθισμένοι στο λυκόφως, ταίριαζαν καλύτερα για διακοσμητικές τοιχογραφίες, μεγαλοπρεπείς σε μέγεθος, γεμάτες με έντονα χρώματα σε χρυσό φόντο.

Κάνο Εϊτόκου (1543-1590). Ο δημιουργός ενός νέου στυλ τοιχογραφιών, σχεδιασμένων να δοξάζουν τους στρατιωτικούς δικτάτορες. Πρώτα ανέπτυξε την αρχή της ενιαίας σύνθεσης σε μεγάλες οριζόντιες επιφάνειες, διευρύνοντας τις φόρμες, εγκαταλείποντας μικρά κομμάτιανα μεταφέρουν όχι μόνο σιλουέτες, αλλά και τη δυναμική των μορφών τους. Το Eitoku χαρακτηρίζεται από την επιθυμία να αυξηθεί η επιπεδότητα της εικόνας, να ενισχυθούν οι διακοσμητικές της ιδιότητες. Έτσι, σε σημεία που συμβολίζουν τον κενό χώρο, υπάρχουν κηλίδες με πρόσμιξη χρυσόσκονης. Ο χώρος της σύνθεσης ξεδιπλώθηκε όχι σε βάθος, αλλά κατά μήκος του βλέμματος.
Το 1576, στις όχθες της λίμνης Biwa, ανεγέρθηκε ένα άγνωστο μέχρι τότε κάστρο με έναν κολοσσιαίο επταώροφο πύργο, ο οποίος υποτίθεται ότι αποδείκνυε τη δύναμη του δικτάτορα Oda Nobunaga. Ένα χαρακτηριστικό του κάστρου ήταν η παρουσία όχι μόνο επίσημων, αλλά και ιδιωτικών θαλάμων. Τα κύρια διακοσμητικά των δωματίων ήταν τοιχογραφίες, οι οποίες ανατέθηκαν στον Κάνο Εϊτόκου, ο οποίος δούλεψε πάνω τους για τρία χρόνια με μια μεγάλη ομάδα βοηθών. Ο Κάνο Εϊτόκου, που έσπευσε ο δικτάτορας με την εκτέλεση της διαταγής, άρχισε να μεγεθύνει τα έντυπα, χρησιμοποιώντας ένα χοντρό πινέλο από άχυρο ρυζιού, καταφεύγοντας σε μια λακωνική καλλιτεχνική γλώσσα. Την κύρια θέση κατείχε η εικόνα των δέντρων, των λουλουδιών, των πουλιών και των ζώων. Ο χρωματικός συνδυασμός ήταν φωτεινός, δεν υπήρχε χρωματική απόχρωση.

Η αλλαγή στην κοινωνική κατάσταση στη χώρα μετά την άνοδο των σογκούν του Τοκουγκάουα στην εξουσία οδήγησε στην απαγόρευση της κατασκευής κάστρων.
Στο έργο των καλλιτεχνών του πρώτου τρίτου του XVII αιώνα. νέα χαρακτηριστικά αρχίζουν να κυριαρχούν. Στη ζωγραφική, η επιθυμία για ισορροπημένες, ήρεμες συνθέσεις, η ανάπτυξη των διακοσμητικών μορφών, το ενδιαφέρον για τον πολιτισμό της εποχής Heian και τα έργα του yamato-e έγιναν πιο αισθητά. Ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό της σχολής Kano αυτής της εποχής είναι η διακοσμητική και η αυξημένη διακοσμητικότητα. Όταν στο δεύτερο τέταρτο του XVII αιώνα. η κατασκευή κάστρων απαγορεύτηκε, το παραβάν έγινε η κύρια μορφή διακοσμητικής ζωγραφικής. Η μνημειακότητα του Kano Eitoku άφησε διακοσμητική ζωγραφική. Η τέχνη απέκτησε έναν προσωπικό χρωματισμό που επηρέασε τις στιλιστικές της ιδιότητες. διακοσμητικός ζωγραφική XVII V. πιο συχνά εμπνέεται από τους ήρωες και τα θέματα της κλασικής λογοτεχνίας, που αντανακλούν το φάσμα των ενδιαφερόντων της φυλετικής αριστοκρατίας και του ντάξχουντ της αναδυόμενης αστικής ελίτ. Η διακοσμητική ζωγραφική αναπτύχθηκε στην παλιά πρωτεύουσα - Κιότο.

Η Ogata Korin έγινε ο εκπρόσωπος της γεύσης των νέων καταναλωτών τέχνης - κατοίκων των πόλεων, εμπόρων και τεχνιτών. νέος εκπρόσωποςΣχολές Κάνο.

Το Emakimano είναι ένας οριζόντιος κύλινδρος από χαρτί ή μετάξι κολλημένος σε βάση που πλαισιώνεται με μπροκάρ περίγραμμα με ξύλινο ρολό στο τελείωμα.

Η Ogata Korin (1658-1716) ζούσε σαν μια πλούσια τσουγκράνα, επισκεπτόμενη συνεχώς τις «διασκεδαστικές συνοικίες». Μόνο μετά την καταστροφή, αντιμέτωπος με την έντονη ανάγκη να κερδίσει τα προς το ζην, άρχισε να ζωγραφίζει υφάσματα και να ζωγραφίζει. Η Ogata Korin ασχολήθηκε τόσο με κεραμικά όσο και με λάκα, ζωγράφιζε κιμονό και βεντάλιες. Πως
Δάσκαλε, άρχισε να γνωρίζει παραδοσιακή ζωγραφικήκαι τις μεθόδους της. Ο Κορίν πάντα προσπαθούσε για συμπαγή, ισορροπία μορφών, εξέχον χαρακτηριστικόδημιουργικός τρόπος - εστίαση στην ανάπτυξη πολλών μοτίβων πλοκής, στην επαναλαμβανόμενη επανάληψη και την παραλλαγή τους. Στο έργο της Ogata Korin, για πρώτη φορά, εμφανίστηκε το έργο από τη ζωή. Στη ζωγραφική της οθόνης «Red and White Plum Tree», το μοτίβο της πλοκής του Korin πηγαίνει πίσω στην κλασική ποίηση με τις εικόνες της πρώιμης άνοιξης και της αφυπνιστικής φύσης. Και στις δύο πλευρές του ρέματος, σε χρυσό φόντο, είναι γραμμένα ανθισμένα δέντρα: ένα κοντόχοντρο, με χοντρό κυρτό κορμό και σχεδόν κάθετα ανερχόμενα κλαδιά, μια κόκκινη δαμασκηνιά και μια άλλη, που υποδεικνύεται μόνο από το πόδι του κορμού και έντονα καμπυλωμένη, σαν να έπεφτε στο νερό, και γι' αυτό ξαφνικά πυροβόλησε ένα κλαδί, σπαρμένο με λευκά λουλούδια.

Γεράκι Kano Eitoku σε ένα πεύκο. Οθόνη. Λεπτομέρεια από τα τέλη του 16ου αιώνα.

Ο Ogata Kenzan (1663-1743), σε αντίθεση με τον μεγαλύτερο αδερφό του Ogata Korin, έλκεται προς τις πνευματικές αξίες από τη νεολαία του, ήταν οπαδός του Ζεν Βουδισμού, γνώριζε κινέζικα και ιαπωνικά κλασική λογοτεχνία, θέατρο Noh, τελετουργία τσαγιού. Στην περιοχή που ανήκει στον ναό Ninnaji, ο Kenzan έλαβε άδεια να κατασκευάσει τον δικό του κεραμικό κλίβανο, ο οποίος παρήγαγε προϊόντα για 13 χρόνια μέχρι το 1712. Δεν προσπάθησε για κερδοφορία, καθοδηγήθηκε από την ιδέα της δημιουργίας προϊόντων υψηλής τέχνης . Για πρώτη φορά χρησιμοποίησε παραδοσιακές τεχνικές ζωγραφικής με μελάνι στην ογκομετρική ζωγραφική. Ο Kenzan άρχισε να χρησιμοποιεί χρώμα, έγραψε σε ένα υγρό κομμάτι, ο πορώδης πηλός απορροφούσε το χρώμα, όπως το χαρτί στη ζωγραφική με μελάνι. Όπως ο μεγάλος σύγχρονος ποιητής του Basho, που μετέτρεψε το δημοφιλές χαμηλό είδος του χαϊκού σε αποκάλυψη, ο Ogata Kenzan έδειξε ότι τα συνηθισμένα κεραμικά πιάτα, κύπελλα, βάζα μπορούν να είναι και χρηστικά αντικείμενα και ταυτόχρονα ποιητικά αριστουργήματα τέχνης.

Περίοδος Έντο (1614-1868)

Το 1615, οι σαμουράι επανεγκαταστάθηκαν από το Κιότο στο Έντο. Η σημασία της τάξης των εμπόρων, εμπόρων και τοκογλύφων, συγκεντρωμένη στη Μάρα, το Κιότο και την Οσάκα, αυξήθηκε. Για εκπροσώπους αυτών Κοινωνικές Ομάδεςχαρακτηριζόταν από μια κοσμική αντίληψη της ζωής, την επιθυμία να απελευθερωθούν από την επιρροή της φεουδαρχικής ηθικής. Για πρώτη φορά, η τέχνη πραγματεύεται τα θέματα της καθημερινής ζωής, συμπεριλαμβανομένης της ζωής των λεγόμενων. διασκεδαστικές γειτονιές - ο κόσμος των σπιτιών τσαγιού, το θέατρο Kabuki, οι παλαιστές σούμο. Η εμφάνιση των ξυλογραφιών συνδέθηκε με τον εκδημοκρατισμό του πολιτισμού, αφού τα χαρακτικά χαρακτηρίζονται από κυκλοφορία, φθηνότητα και προσβασιμότητα. Μετά οικιακή ζωγραφικήη χαρακτική έγινε γνωστή ως ukiyo-e (κυριολεκτικά - ο θνητός μεταβαλλόμενος κόσμος).

Η παραγωγή χαρακτικών έχει αποκτήσει ευρύ πεδίο. Η πρώιμη περίοδος στην ανάπτυξη των γραφικών ukiyo-e συνδέεται με το όνομα του Hasikawa Moronobu (1618-1694), ο οποίος απεικόνιζε απλές σκηνές από τη ζωή των κατοίκων των τεϊοποτείων, τεχνιτών, συνδυάζοντας γεγονότα σε διαφορετικές χρονικές στιγμές, άσχετα με το καθένα. άλλο, σε ένα χαρακτικό. Το φόντο των χαρακτικών παρέμεινε λευκό, οι γραμμές ήταν καθαρές. Σταδιακά, το φάσμα των θεμάτων των χαρακτικών διευρύνθηκε, το ενδιαφέρον όχι μόνο για τον εξωτερικό, αλλά και για τον εσωτερικό κόσμο των χαρακτήρων έγινε βαθύτερο. Ιαπωνική γκραβούρα το 1780-1790. μπαίνει στην ακμή του. Η Suzuki Haranobu (1725-1770) άρχισε να αποκαλύπτει για πρώτη φορά εσωτερικός κόσμοςήρωες σε χαρακτικά όπως "Ομορφιές που μαζεύουν ένα κλαδί δαμάσκηνου", "Εραστές σε έναν χιονισμένο κήπο". Ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε την τεχνική κύλισης, η οποία δημιουργεί μια μετάβαση από τον σκούρο στον ανοιχτό τόνο, διαφοροποίησε το πάχος και την υφή των γραμμών. Ποτέ δεν νοιάστηκε για τα αληθινά χρώματα, η θάλασσα στα χαρακτικά του είναι ροζ, ο ουρανός είναι αμμώδης, το γρασίδι είναι μπλε, όλα εξαρτώνται από το γενικό συναισθηματική διάθεσησκηνές. Ένα από τα καλύτερα έργα του, το «Lovers Playing the Same Shamisen», ήταν εμπνευσμένο από την ιαπωνική παροιμία «Αν η μουσική προωθεί την αγάπη, παίξε».

Tokonoma - μια θέση στο εσωτερικό ενός σπιτιού τσαγιού

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - ένας εξαιρετικός δάσκαλος του ukiyo-e. Η δουλειά του ξεκίνησε με τα άλμπουμ "The Book of Insects", "Songs of Shells". Στα μισομήκους πορτρέτα γυναικών του μέχρι το μπούστο, ο Utamaro χρησιμοποιεί για πρώτη φορά τη σκόνη μαρμαρυγίας, η οποία δημιουργεί ένα αστραφτερό φόντο. Τέλεια ομορφιά Utamaro με χαριτωμένο σχήμα και εφαρμογή στο κεφάλι,
λεπτός λαιμός, μικρό στόμα, κοντά μαύρα φρύδια. Στη σειρά «Δέκα γυναικείοι χαρακτήρες«και» Μέρες και ώρες γυναικών» προσπάθησε να εντοπίσει διαφορετικούς τύπους εμφάνισης και χαρακτήρα γυναικών. Στα τέλη της δεκαετίας του '90. στο Utamaro ασχολείται με το θέμα της μητρότητας σε χαρακτικά όπως το «Mother with Child» και το «Ball Game», ενώ παράλληλα δημιουργεί τρίπτυχα και πολύπτυχα ιστορικά θέματα, καταφεύγοντας σε έμμεσο προσδιορισμό (οι ήρωες της χώρας απεικονίζονται ως καλλονές). Ο Teshusai Shyaraku δημιούργησε μια σειρά από πορτρέτα ηθοποιών του θεάτρου kabuki και παλαιστών σούμο. Εγκατέλειψε τις γενικά αποδεκτές παραδόσεις, κάνοντας το γκροτέσκο κύρια τεχνική του. Η τρίτη περίοδος στην ανάπτυξη των εκτυπώσεων ukiyo-e πέφτει το 1800-1868. Εκείνη την εποχή, η επιρροή των ολλανδικών και γερμανικών χαρακτικών στην ιαπωνική τέχνη αυξήθηκε. Για τη δημιουργικότητα της καλλιτεχνικής δυναστείας Utagawa, η απόρριψη της αναζήτησης της ατομικότητας, η επιθυμία για επίσημη κομψότητα έγιναν οι χαρακτήρες. Η ακμή του είδους του τοπίου στη χαρακτική συνδέεται με το όνομα του Κατσουσίκα Χοκουσάι (1760-1849). Ο Χοκουσάι μελέτησε την αρχαία και σύγχρονη ιαπωνική τέχνη, γνώρισε την τέχνη της Κίνας και γνώρισε την ευρωπαϊκή χαρακτική. Μέχρι σχεδόν 50 ετών, ο Hokusai δούλευε με τον παραδοσιακό τρόπο των καλλιτεχνών ukiyo-e. Μόνο στα άλμπουμ Manga (ένα βιβλίο με σκίτσα), ο πρώτος τόμος του οποίου εκδόθηκε το 1812, βρήκε ο Χοκουσάι τον τομέα της τέχνης του. Τώρα ζωγράφιζε καθημερινές σκηνές, τοπία, πλήθη.

κήποι τοπίων της Ιαπωνίας

Σε ηλικία 70 ετών, ο Hokusai δημιούργησε τη σειρά του "36 Views of Mount Fuji", σε κάθε ένα από τα γκραβούρα που ο καλλιτέχνης απεικονίζει το όρος Fuji. Ο συνδυασμός του θέματος του είδους με το τοπίο είναι χαρακτηριστικό του Hokusai. Σε αντίθεση με τους αρχαίους τοπιογράφους, ο Χοκουσάι δείχνει τη γη από κάτω. Παράλληλα δημιουργεί τις σειρές «Ταξίδι στους καταρράκτες της χώρας», «Γέφυρες», «Μεγάλα Λουλούδια», «100 Προβολές του Φούτζι». Ο Χοκουσάι μπορούσε να μεταφέρει τα πράγματα από μια απροσδόκητη οπτική γωνία. Στις γκραβούρες 100 Views of Fuji, τα βουνά είτε αναδύονται από το σκοτάδι της νύχτας, σαν όραμα, είτε είναι ορατά πίσω από τους μίσχους του μπαμπού, είτε αντανακλώνται στη λίμνη. Ο οπαδός του Hokusai Ando Hiroshige (1797-1858) ζωγράφισε τη φύση πολύ πιο ρεαλιστικά. Ποταμός στο επάγγελμα, ταξίδεψε πολύ σε όλη τη χώρα, δημιουργώντας τις σειρές του «53 Tokaido Stations», «8 Views of Lake Omi», «69 Views of Kishikaido». Η τέχνη του Χιροσίγκε προσεγγίζει την ευρωπαϊκή ζωγραφική, συμπληρώνοντας τη διακόσια χρόνια ακμής της χαρακτικής ukiyo-e.

Αρτελίνο

Το Great Wave off Kanagawa του Katsushika Hokusai (1760-1849) είναι ένα από τα πιο διάσημα prints και το πρώτο φύλλο της σειράς Thirty-six Views of Fuji. Στις αρχές της δεκαετίας του 1830, ο Katsushika Hokusai, με εντολή του εκδοτικού οίκου Eijudo, άρχισε να δημιουργεί μια σειρά 46 φύλλων (36 κύρια και 10 επιπλέον) και το The Great Wave off Kanagawa ήταν ένα χαρακτικό που ανοίγει ολόκληρη τη σειρά.

Τέτοιες συλλογές χαρακτικών χρησίμευαν ως ένα είδος «εικονικού ταξιδιού» για τους κατοίκους της πόλης εκείνης της εποχής, ένας βολικός και φθηνός τρόπος για να ικανοποιήσουν την περιέργεια. Οι εκτυπώσεις που μοιάζουν με το Fuji κοστίζουν περίπου 20 δευτ. - περίπου το ίδιο με μια διπλή μερίδα noodles σε ένα ιαπωνικό εστιατόριο της εποχής. Ωστόσο, η επιτυχία ήταν τόσο μεγάλη που μέχρι το 1838 το κόστος των φύλλων του Hokusai είχε αυξηθεί σε σχεδόν 50 μήνες, και μετά το θάνατο του πλοιάρχου, το Wave μόνο ανατυπώθηκε από νέους πίνακες περισσότερες από 1000 φορές.

Παραδόξως, παρά το δηλωμένο θέμα ολόκληρης της σειράς, ο Fuji στο The Wave φαίνεται να παίζει δευτερεύοντα ρόλο. Ο κύριος «χαρακτήρας» σε αυτό το χαρακτικό είναι ένα κύμα και σε πρώτο πλάνο ξετυλίγεται μια δραματική σκηνή της πάλης ενός άνδρα με τα στοιχεία. Οι άκρες της κορυφής του αφρού μοιάζουν με τα στριμμένα δάχτυλα ενός φανταστικού θυμωμένου δαίμονα και η απρόσωπη και η αδράνεια των ανθρώπινων μορφών στις βάρκες δεν αφήνει καμία αμφιβολία ποιος θα είναι ο νικητής σε αυτόν τον αγώνα. Ωστόσο, δεν είναι αυτή η αντιπαράθεση που είναι η σύγκρουση που δημιουργεί την πλοκή του χαρακτικού.
Σταματώντας τη στιγμή μετά την οποία συντρίβονται τα σκάφη, ο Χοκουσάι επιτρέπει στον θεατή να δει για μια στιγμή τον Φούτζι στον γκρίζο ουρανό, σκοτεινίζοντας προς τον ορίζοντα. Αν και οι Ιάπωνες χαράκτες ήταν ήδη εξοικειωμένοι με τις αρχές της ευρωπαϊκής γραμμικής και εναέρια προοπτική, δεν ένιωσαν την ανάγκη αυτής της τεχνικής. Το σκοτεινό φόντο, καθώς και το μακρύ ταξίδι του ματιού από το προσκήνιο με τις βάρκες μέσα από την κίνηση του κύματος προς το Φούτζι, πείθουν το μάτι ότι το ιερό βουνό μας χωρίζει η έκταση της θάλασσας.

Το Fuji υψώνεται μακριά από την ακτή ως σύμβολο σταθερότητας και σταθερότητας, σε αντίθεση με τα θυελλώδη στοιχεία. Η ενότητα και η αλληλεξάρτηση των αντιθέτων στηρίζουν την ιδέα της κοσμικής τάξης και της απόλυτης αρμονίας στην κοσμοθεωρία της Άπω Ανατολής και ήταν αυτά που έγιναν το κύριο θέμα του χαρακτικού "The Great Wave off Kanagawa", που άνοιξε τη σειρά από Κατσουσίκα Χοκουσάι.

"Beauty Nanivaya Okita" του Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο

Ο Kitagawa Utamaro (1753-1806) μπορεί δικαίως να ονομαστεί η τραγουδίστρια της γυναικείας ομορφιάς στα ιαπωνικά prints. ukiyo-e: δημιούργησε μια σειρά από κανονικές εικόνες γιαπωνέζων καλλονών ( bijinga) - οι κάτοικοι των σπιτιών τσαγιού και της διάσημης συνοικίας ψυχαγωγίας Yoshiwara στην πρωτεύουσα της Ιαπωνίας, Έντο edo — το όνομα του Τόκιο πριν από το 1868..

Στη χαρακτική bijinga, όλα δεν είναι ακριβώς όπως φαίνονται στον σύγχρονο θεατή. Οι πλούσια ντυμένες ευγενείς κυρίες, κατά κανόνα, ασχολούνταν με μια επαίσχυντη τέχνη και ανήκαν στην κατώτερη τάξη, και τα χαρακτικά με πορτρέτα καλλονών είχαν μια ανοιχτά διαφημιστική λειτουργία. Ταυτόχρονα, η γκραβούρα δεν έδωσε ιδέα για την εμφάνιση του κοριτσιού, και παρόλο που η Okita από το τεϊοποτείο Nanivaya κοντά στο ναό Asakusa θεωρήθηκε η πρώτη ομορφιά του Edo, το πρόσωπό της στη γκραβούρα είναι στερείται εντελώς ατομικότητας.

Από τον 10ο αιώνα, οι γυναικείες εικόνες στην ιαπωνική τέχνη υπόκεινται στον κανόνα του μινιμαλισμού. "Γραμμή-μάτι, γάντζος-μύτη" - τεχνική hikime-kagihanaεπέτρεψε στον καλλιτέχνη μόνο να υποδείξει ότι απεικονιζόταν μια συγκεκριμένη γυναίκα: στην ιαπωνική παραδοσιακή κουλτούρα, το ζήτημα της φυσικής ομορφιάς συχνά παραλείπονταν. Στις γυναίκες ευγενικής καταγωγής, η «ομορφιά της καρδιάς» και η εκπαίδευση εκτιμήθηκαν πολύ περισσότερο και οι κάτοικοι των χαρούμενων συνοικιών προσπαθούσαν να μιμηθούν τα υψηλότερα παραδείγματα σε όλα. Σύμφωνα με τον Utamaro, η Okita ήταν πραγματικά όμορφη.

Το φύλλο "Beauty Nanivaya Okita" τυπώθηκε το 1795-1796 στη σειρά "Διάσημες ομορφιές που παρομοιάζονται με έξι αθάνατους ποιητές", στην οποία ένας από τους συγγραφείς του 9ου αιώνα αντιστοιχούσε σε κάθε ομορφιά. Στο φύλλο με το πορτρέτο του Okita στην επάνω αριστερή γωνία υπάρχει μια εικόνα του Arivara no Narihira (825-880), ενός από τους πιο σεβαστούς ποιητές στην Ιαπωνία, στον οποίο αποδίδεται παραδοσιακά το μυθιστόρημα Ise Monogatari. Αυτός ο ευγενής ευγενής και λαμπρός ποιητής έγινε επίσης διάσημος για τους έρωτές του, μερικές από τις οποίες αποτέλεσαν τη βάση του μυθιστορήματος.

Αυτό το φύλλο είναι μια ιδιόμορφη χρήση της τεχνικής ακάρεα(συγκρίσεις) σε ιαπωνική γκραβούρα. Οι ιδιότητες ενός έγκυρου «πρωτότυπου» μεταφέρονται στην εικονιζόμενη ομορφιά και η κομψή εταίρα, με ένα γαλήνιο πρόσωπο που σερβίρει στον καλεσμένο ένα φλιτζάνι τσάι, διαβάζεται ήδη από τον θεατή ως μια κυρία με δεξιοτεχνία στην ποίηση και τα έργα αγάπης. Η σύγκριση με την Arivara no Narihira ήταν πραγματικά μια αναγνώριση της υπεροχής της μεταξύ των καλλονών Edo.

Ταυτόχρονα, ο Utamaro δημιουργεί μια εκπληκτικά λυρική εικόνα. Εξισορροπώντας σκοτεινά και ανοιχτόχρωμα σημεία στο φύλλο και σκιαγραφώντας τη φόρμα με μελωδικές, κομψές γραμμές, δημιουργεί μια πραγματικά τέλεια εικόνα χάρης και αρμονίας. Η «διαφήμιση» υποχωρεί και η ομορφιά που συνέλαβε ο Utamaro παραμένει διαχρονική.

Οθόνη «Irises» της Ogata Korin, δεκαετία του 1710

Wikimedia Commons / Μουσείο Nezu, Τόκιο

Ένα ζευγάρι οθόνες ίριδας με έξι πάνελ - τώρα εθνικός θησαυρός της Ιαπωνίας - δημιουργήθηκαν από τον Ogata Korin (1658-1716) γύρω στο 1710 για τον ναό Nishi Hongan-ji στο Κιότο.

Από τον 16ο αιώνα, η ζωγραφική σε πάνελ τοίχου και χάρτινες οθόνες έχει γίνει ένα από τα κορυφαία είδη διακοσμητικής τέχνης στην Ιαπωνία και ο Ogata Korin, ο ιδρυτής της σχολής τέχνης Rinpa, ήταν ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους της.

Οι οθόνες στο ιαπωνικό εσωτερικό έπαιξαν σημαντικό ρόλο. Οι ευρύχωροι χώροι του παλατιού δεν διέφεραν δομικά από τις κατοικίες ενός απλού Ιάπωνα: δεν είχαν σχεδόν καθόλου εσωτερικούς τοίχους και ο χώρος ήταν ζωνοποιημένος με πτυσσόμενες οθόνες. Μόλις λίγο περισσότερο από ενάμιση μέτρο ύψος, οι οθόνες σχεδιάστηκαν για την κοινή ιαπωνική παράδοση όλων των τάξεων να ζουν στο πάτωμα. Στην Ιαπωνία, τα παιδικά καρεκλάκια και τα τραπέζια δεν χρησιμοποιήθηκαν μέχρι τον 19ο αιώνα και το ύψος της οθόνης, καθώς και η σύνθεση της ζωγραφικής της, έχουν σχεδιαστεί για την θέα ενός ατόμου που κάθεται στα γόνατά του. Με αυτήν την άποψη προκύπτει ένα εκπληκτικό αποτέλεσμα: οι ίριδες φαίνεται να περιβάλλουν τον καθισμένο άτομο - και ένα άτομο μπορεί να αισθανθεί τον εαυτό του στις όχθες του ποταμού, περιτριγυρισμένο από λουλούδια.

Οι ίριδες είναι ζωγραφισμένες με τρόπο χωρίς περίγραμμα - σχεδόν ιμπρεσιονιστικές, φαρδιές πινελιές από σκούρο μπλε, λιλά και μοβ τέμπερα μεταδίδουν την πλούσια μεγαλοπρέπεια αυτού του λουλουδιού. Το γραφικό αποτέλεσμα ενισχύεται από τη θαμπή λάμψη του χρυσού, πάνω στην οποία απεικονίζονται ίριδες. Οι οθόνες δεν απεικονίζουν τίποτα άλλο εκτός από λουλούδια, αλλά η γωνιακή γραμμή ανάπτυξής τους υποδηλώνει ότι τα λουλούδια κάμπτονται γύρω από την ελικοειδή ροή του ποταμού ή τα ζιγκ-ζαγκ ξύλινων γεφυρών. Θα ήταν φυσικό για τους Ιάπωνες να δουν μια γέφυρα να λείπει από την οθόνη, μια ειδική «γέφυρα οκτώ σανίδων» ( γιατσουχάσιακούστε)), που σχετίζεται με τις ίριδες στην κλασική ιαπωνική λογοτεχνία. Το μυθιστόρημα Ise Monogatari (9ος αιώνας) περιγράφει το θλιβερό ταξίδι ενός ήρωα που εκδιώχθηκε από την πρωτεύουσα. Έχοντας εγκατασταθεί με τη συνοδεία του για να ξεκουραστεί στην όχθη του ποταμού κοντά στη γέφυρα Yatsuhashi, ο ήρωας, βλέποντας ίριδες, θυμάται την αγαπημένη του και συνθέτει ποιήματα:

η αγαπημένη μου με τα ρούχα
Χαριτωμένο εκεί, στην πρωτεύουσα,
Έφυγε η αγάπη...
Και σκέφτομαι με λαχτάρα πόσο
Είμαι μακριά της... Μετάφραση N.I. Konrad.

«Έτσι δίπλωσε και όλοι έριξαν δάκρυα στο ξερό ρύζι τους, έτσι που φούσκωσε από υγρασία», προσθέτει ο συγγραφέας και λυρικός ήρωας της ιστορίας, Arivara no Narihira.

Για έναν μορφωμένο Ιάπωνα, η σύνδεση μεταξύ ίριδες δίπλα στη γέφυρα και Ise monogatari, ίριδες και το θέμα του χωρισμένου έρωτα ήταν ξεκάθαρη, και η Ogata Korin αποφεύγει τη βερμπαλισμό και την παραστατικότητα. Με τη βοήθεια της διακοσμητικής ζωγραφικής, δημιουργεί μόνο έναν ιδανικό χώρο γεμάτο φως, χρώμα και λογοτεχνικές υποδηλώσεις.

Kinkakuji Golden Pavilion, Κιότο, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Ο Χρυσός Ναός είναι ένα από τα σύμβολα της Ιαπωνίας, που, κατά ειρωνικό τρόπο, δοξάστηκε περισσότερο από την καταστροφή του παρά από την κατασκευή του. Το 1950, ένας ψυχικά ασταθής μοναχός του μοναστηριού Rokuonji, στο οποίο ανήκει αυτό το κτίριο, έβαλε φωτιά σε μια λίμνη που στεκόταν στην επιφάνεια του
περίπτερο Κατά τη διάρκεια πυρκαγιάς το 1950, ο ναός σχεδόν καταστράφηκε. Οι εργασίες αποκατάστασης στο Kinkaku-ji ξεκίνησαν το 1955, μέχρι το 1987 ολοκληρώθηκε η ανακατασκευή στο σύνολό της, αλλά η αποκατάσταση της εντελώς χαμένης εσωτερικής διακόσμησης συνεχίστηκε μέχρι το 2003.. Τα αληθινά κίνητρα της πράξης του παρέμειναν ασαφή, αλλά στην ερμηνεία του συγγραφέα Yukio Mishima, έφταιγε η άφταστη, σχεδόν μυστικιστική ομορφιά αυτού του ναού. Πράγματι, για αρκετούς αιώνες, το Kinkakuji θεωρούνταν η επιτομή της ιαπωνικής ομορφιάς.

Το 1394, ο Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), ο οποίος υπέταξε σχεδόν όλη την Ιαπωνία στη θέλησή του, αποσύρθηκε επίσημα και εγκαταστάθηκε σε μια ειδικά κατασκευασμένη βίλα στο βόρειο Κιότο. Το τριώροφο κτίριο στην τεχνητή λίμνη Κυοκώτη («λίμνη-καθρέφτης») έπαιζε τον ρόλο ενός είδους ερημητηρίου, ενός απομονωμένου περιπτέρου για χαλάρωση, διάβασμα και προσευχή. Περιείχε μια συλλογή από πίνακες ζωγραφικής του σογκούν, μια βιβλιοθήκη και μια συλλογή βουδιστικών κειμηλίων. Τοποθετημένο στο νερό κοντά στην ακτή, το Kinkakuji είχε επικοινωνία μόνο με βάρκα με την ακτή και ήταν το ίδιο νησί με τα τεχνητά νησιά με πέτρες και πεύκα διάσπαρτα γύρω από το Kyokoti. Η ιδέα του «νησιού των ουρανίων» δανείστηκε από την κινεζική μυθολογία, στην οποία το νησί Penglai, το νησί των αθανάτων, χρησίμευε ως εικόνα της ουράνιας κατοικίας. Η αντανάκλαση του περιπτέρου στο νερό προκαλεί ήδη βουδιστικούς συσχετισμούς με ιδέες για την απατηλή φύση του θνητού κόσμου, που είναι μόνο μια χλωμή αντανάκλαση της λαμπρότητας του κόσμου της βουδιστικής αλήθειας.

Αν και όλες αυτές οι μυθολογικές αποχρώσεις είναι εικασιακές, η θέση του περιπτέρου του δίνει μια εκπληκτική αρμονία και αρμονία. Η αντανάκλαση κρύβει την κλίση του κτιρίου, καθιστώντας το ψηλότερο και πιο λεπτό. Ταυτόχρονα, είναι το ύψος του περιπτέρου που καθιστά δυνατή τη θέασή του από οποιαδήποτε όχθη της λίμνης, πάντα σε ένα σκοτεινό φόντο πρασίνου.

Παραμένει, ωστόσο, όχι απολύτως σαφές πόσο χρυσό ήταν αυτό το περίπτερο αρχική μορφή. Πιθανώς, υπό τον Ashikaga Yoshimitsu, ήταν πραγματικά καλυμμένο με φύλλα χρυσού και προστατευτικό στρώμαβερνίκι. Αλλά αν πιστεύετε τις φωτογραφίες του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα και τον Yukio Mishima, τότε μέχρι τα μέσα του 20ου αιώνα η επιχρύσωση είχε σχεδόν ξεφλουδίσει και τα υπολείμματά της ήταν ορατά μόνο στην επάνω βαθμίδα του κτιρίου. Αυτή την ώρα μάλλον άγγιξε την ψυχή με τη γοητεία της ερήμωσης, τα ίχνη του χρόνου, αδυσώπητα και στα πιο όμορφα πράγματα. Αυτή η μελαγχολική γοητεία αντιστοιχούσε στην αισθητική αρχή σάμπιπολύ σεβαστή στην ιαπωνική κουλτούρα.

Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, η λαμπρότητα αυτού του κτιρίου δεν ήταν καθόλου σε χρυσό. Η εξαιρετική αυστηρότητα των μορφών του Kinkakuji και η άψογη αρμονία του με το τοπίο το καθιστούν ένα από τα αριστουργήματα της ιαπωνικής αρχιτεκτονικής.

Μπολ "Iris" στο στυλ του καράτσου, αιώνες XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Η λέξη meibutsu- ένα πράγμα με όνομα. Μόνο το όνομα αυτού του κυπέλλου σώθηκε πραγματικά, αφού δεν έχει διασωθεί ούτε ο ακριβής χρόνος και ο τόπος δημιουργίας του, ούτε το όνομα του κυρίου. Παρόλα αυτά, συγκαταλέγεται στους εθνικούς θησαυρούς της Ιαπωνίας και είναι ένα από τα λαμπρότερα δείγματα κεραμικής σε εθνικό στυλ.

Στα τέλη του 16ου αιώνα η τελετή του τσαγιού cha-no-yuεγκατέλειψε το εκλεπτυσμένο Κινέζικη πορσελάνηκαι κεραμικά με λούστρες που θυμίζουν πολύτιμα υλικά. Η εντυπωσιακή ομορφιά τους φαινόταν πολύ τεχνητή και ειλικρινής στους δασκάλους του τσαγιού. Τέλεια και ακριβά αντικείμενα - μπολ, δοχεία νερού και τσαγιού - δεν αντιστοιχούσαν στους σχεδόν ασκητικούς πνευματικούς κανόνες του βουδισμού Ζεν, στο πνεύμα του οποίου αναπτύχθηκε η τελετή του τσαγιού. Μια πραγματική επανάσταση στη δράση του τσαγιού ήταν η απήχηση στην ιαπωνική κεραμική, πολύ πιο απλή και άτεχνη σε μια εποχή που τα εργαστήρια της Ιαπωνίας μόλις είχαν αρχίσει να κυριαρχούν στις τεχνολογίες της ηπειρωτικής κεραμικής.

Το σχήμα του μπολ Iris είναι απλό και ακανόνιστο. Η ελαφριά καμπυλότητα των τοίχων, τα βαθουλώματα του αγγειοπλάστη ορατά σε όλο το σώμα δίνουν στο μπολ μια σχεδόν αφελή ευκολία. Το θραύσμα πηλού καλύπτεται με ελαφρύ λούστρο με δίκτυο ρωγμών - κρακέλου. Στην μπροστινή πλευρά, που απευθύνεται στον καλεσμένο κατά τη διάρκεια της τελετής τσαγιού, μια εικόνα μιας ίριδας εφαρμόζεται κάτω από το γλάσο: το σχέδιο είναι αφελές, αλλά εκτελείται με ένα ενεργητικό πινέλο, ακριβώς, σαν σε μια κίνηση, στο πνεύμα του Ζεν καλλιγραφία. Φαίνεται ότι τόσο η φόρμα όσο και το ντεκόρ θα μπορούσαν να έχουν γίνει αυθόρμητα και χωρίς την εφαρμογή ειδικών δυνάμεων.

Αυτός ο αυθορμητισμός αντανακλά το ιδανικό wabi- απλότητα και άτεχνη, δημιουργώντας μια αίσθηση πνευματικής ελευθερίας και αρμονίας. Οποιοδήποτε άτομο ή ακόμα και ένα άψυχο αντικείμενο στις απόψεις των Ιαπώνων οπαδών του Ζεν Βουδισμού έχει τη φωτισμένη φύση του Βούδα και οι προσπάθειες του ειδικού στοχεύουν στην ανακάλυψη αυτής της φύσης στον εαυτό του και στον κόσμο γύρω του. Τα πράγματα που χρησιμοποιούνται στην τελετή του τσαγιού, παρ' όλη τους την αδεξιότητα, θα έπρεπε να προκαλούν μια βαθιά εμπειρία της αλήθειας, τη συνάφεια κάθε στιγμής, να αναγκάζονται να κοιτάξουν τις πιο συνηθισμένες μορφές και να δουν αληθινή ομορφιά σε αυτές.

Η αντίθεση με την τραχιά υφή του μπολ και την απλότητά του είναι η αποκατάσταση με μια μικρή πελεκημένη χρυσή λάκα (αυτή η τεχνική ονομάζεται kintsugi). Η αποκατάσταση πραγματοποιήθηκε τον 18ο αιώνα και καταδεικνύει την ευλάβεια με την οποία οι Ιάπωνες δάσκαλοι του τσαγιού περιποιήθηκαν τα σκεύη για την τελετή του τσαγιού. Έτσι, η τελετή του τσαγιού παρέχει στους συμμετέχοντες έναν «τρόπο» να ανακαλύψουν την αληθινή ομορφιά των πραγμάτων, όπως το μπολ της Ίριδας. Η σιωπηρή, η μυστικότητα έχει γίνει η βάση της αισθητικής έννοιας του wabi και ένα σημαντικό μέρος της ιαπωνικής κοσμοθεωρίας.

Πορτρέτο του μοναχού Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Τον 8ο αιώνα, η γλυπτική έγινε η κύρια μορφή καλλιτεχνικής έκφρασης της εποχής, της εποχής Νάρα (710-794), που συνδέεται με τη διαμόρφωση του ιαπωνικού κράτους και την ενίσχυση του βουδισμού. Οι Ιάπωνες δάσκαλοι έχουν ήδη περάσει το στάδιο της μαθητείας και της τυφλής μίμησης ηπειρωτικών τεχνικών και εικόνων και άρχισαν να εκφράζουν ελεύθερα και ζωντανά το πνεύμα της εποχής τους στη γλυπτική. Η εξάπλωση και η ανάπτυξη της εξουσίας του Βουδισμού προκάλεσε την εμφάνιση ενός βουδιστικού γλυπτικού πορτρέτου.

Ένα από τα αριστουργήματα αυτού του είδους είναι το πορτρέτο του Gandzin, που δημιουργήθηκε το 763. Φτιαγμένο με την τεχνική της ξηρής λάκας (δημιουργώντας στρώματα λάκας σε ξύλινο πλαίσιο καλυμμένο με ύφασμα), το γλυπτό σχεδόν σε φυσικό μέγεθος ζωγραφίστηκε ρεαλιστικά και στο λυκόφως του ναού, ο Ganjin κάθισε σε μια στάση διαλογισμού «ως αν ζεις». Αυτή η ζωντάνια ήταν η κύρια λατρευτική λειτουργία τέτοιων πορτρέτων: ο δάσκαλος έπρεπε να είναι πάντα μέσα στα τείχη του μοναστηριού Todaiji στην πόλη Nara και να είναι παρών στις πιο σημαντικές θείες λειτουργίες.

Αργότερα, τον 11ο-13ο αιώνα, τα γλυπτικά πορτρέτα έφτασαν σε έναν σχεδόν ανελέητο ψευδαίσθηση, που απεικονίζουν τη γεροντική αναπηρία των αξιοσέβαστων δασκάλων, τα βυθισμένα στόματά τους, τα χαλαρά μάγουλά τους και τις βαθιές ρυτίδες. Αυτά τα πορτρέτα κοιτάζουν τους οπαδούς του Βουδισμού με ζωντανά μάτια, ένθετα με βράχο κρύσταλλο και ξύλο. Αλλά το πρόσωπο του Gandzin φαίνεται θολό, δεν υπάρχουν σαφή περιγράμματα και σαφείς μορφές σε αυτό. Τα βλέφαρα των μισόκλειστων και μη επικαλυμμένων ματιών φαίνονται πρησμένα. το τεταμένο στόμα και οι βαθιές ρινοχειλικές πτυχές εκφράζουν τη συνήθη προσοχή παρά τη συγκέντρωση του διαλογισμού.

Όλα αυτά τα χαρακτηριστικά αποκαλύπτουν τη δραματική βιογραφία αυτού του μοναχού, την ιστορία εκπληκτικού ασκητισμού και τραγωδιών. Ο Ganjin, ένας Κινέζος βουδιστής μοναχός, προσκλήθηκε στην Ιαπωνία για την τελετή αγιασμού του μεγαλύτερου μοναστηριού της Nara, του Todaiji. Το πλοίο αιχμαλωτίστηκε από πειρατές, ανεκτίμητα ειλητάρια και βουδιστικά γλυπτά που προορίζονταν για έναν μακρινό ιαπωνικό ναό χάθηκαν στη φωτιά, ο Ganjin έκαψε το πρόσωπό του και έχασε την όρασή του. Αλλά δεν άφησε την επιθυμία να κηρύξει στα μακρινά περίχωρα του πολιτισμού - δηλαδή, πώς αντιλήφθηκε η Ιαπωνία από την ήπειρο εκείνη την εποχή.

Αρκετές ακόμα προσπάθειες να διασχίσει τη θάλασσα τελείωσαν με τον ίδιο ανεπιτυχή τρόπο και μόνο στην πέμπτη προσπάθεια, ο ήδη μεσήλικας, τυφλός και άρρωστος Ganjin φτάνει στην ιαπωνική πρωτεύουσα Νάρα.

Στην Ιαπωνία, ο Ganjin δεν δίδαξε βουδιστικό νόμο για πολύ: τα δραματικά γεγονότα της ζωής του υπονόμευσαν την υγεία του. Αλλά η εξουσία του ήταν τόσο υψηλή που, πιθανότατα, ακόμη και πριν από το θάνατό του, αποφασίστηκε να δημιουργήσει το γλυπτό του. Αναμφίβολα, οι καλλιτέχνες-μοναχοί προσπάθησαν να δώσουν στο γλυπτό όσο το δυνατόν περισσότερη ομοιότητα με το μοντέλο. Αυτό όμως δεν έγινε για να σωθεί εμφάνισηενός ατόμου, αλλά για να αποτυπώσει την ατομική πνευματική του εμπειρία, εκείνο το δύσκολο μονοπάτι που πέρασε ο Ganjin και στο οποίο καλούσε η βουδιστική διδασκαλία.

Daibutsu - Μεγάλος Βούδας του Ναού Todaiji, Νάρα, μέσα του 8ου αιώνα

Todd/flickr.com

Στα μέσα του 8ου αιώνα, η Ιαπωνία υπέφερε από φυσικές καταστροφές και επιδημίες και οι ίντριγκες της οικογένειας Fujiwara με επιρροή και η εξέγερση που ξεσήκωσαν ανάγκασαν τον αυτοκράτορα Shomu να εγκαταλείψει την πρωτεύουσα, την πόλη Nara. Στην εξορία, ορκίστηκε να ακολουθήσει το μονοπάτι των βουδιστικών διδασκαλιών και το 743 διέταξε να ξεκινήσει η ανέγερση του κύριου ναού της χώρας και η χύτευση ενός κολοσσιαίου χάλκινο άγαλμα Buddha Vairochana (Μεγάλος Ήλιος του Βούδα ή Όλο Φωτιστικό Φως). Αυτή η θεότητα θεωρήθηκε η παγκόσμια ενσάρκωση του Βούδα Σακιαμούνι, του ιδρυτή των βουδιστικών διδασκαλιών, και υποτίθεται ότι γινόταν ο εγγυητής της προστασίας του αυτοκράτορα και ολόκληρης της χώρας κατά την περίοδο της αναταραχής και της εξέγερσης.

Οι εργασίες ξεκίνησαν το 745 και διαμορφώθηκαν σύμφωνα με το γιγάντιο άγαλμα του Βούδα στους ναούς των σπηλαίων Longmen κοντά στην κινεζική πρωτεύουσα Luoyang. Το άγαλμα στη Νάρα, όπως κάθε εικόνα του Βούδα, υποτίθεται ότι έδειχνε «μεγάλα και μικρά σημάδια του Βούδα». Αυτός ο εικονογραφικός κανόνας περιελάμβανε επιμήκεις λοβούς αυτιών, που θυμίζουν το γεγονός ότι ο Βούδας Shakyamuni καταγόταν από πριγκιπική οικογένεια και από την παιδική του ηλικία φορούσε βαριά σκουλαρίκια, ένα ύψωμα στην κορυφή του κεφαλιού του (ushnisha), μια κουκκίδα στο μέτωπό του (τεφροδόχος).

Το ύψος του αγάλματος ήταν 16 μέτρα, το πλάτος του προσώπου ήταν 5 μέτρα, το μήκος της τεντωμένης παλάμης ήταν 3,7 μέτρα και η τεφροδόχος ήταν μεγαλύτερη από ανθρώπινο κεφάλι. Για την κατασκευή χρειάστηκαν 444 τόνοι χαλκού, 82 τόνοι κασσίτερου και τεράστια ποσότητα χρυσού, η αναζήτηση του οποίου έγινε ειδικά στα βόρεια της χώρας. Μια αίθουσα, το Daibutsuden, χτίστηκε γύρω από το άγαλμα για να προστατεύσει το ιερό. Στο μικρό του χώρο, μια ελαφρώς υπόκλιση καθιστή φιγούρα του Βούδα γεμίζει ολόκληρο τον χώρο, απεικονίζοντας ένα από τα κύρια αξιώματα του Βουδισμού - την ιδέα ότι η θεότητα είναι πανταχού παρούσα και διαπερνά τα πάντα, αγκαλιάζει και γεμίζει τα πάντα. Η υπερβατική ηρεμία του προσώπου και η χειρονομία του χεριού της θεότητας (μούτρα, η χειρονομία παροχής προστασίας) συμπληρώνουν την αίσθηση του ήρεμου μεγαλείου και δύναμης του Βούδα.

Ωστόσο, μόνο μερικά θραύσματα του αρχικού αγάλματος έχουν απομείνει σήμερα: πυρκαγιές και πόλεμοι προκάλεσαν τεράστιες ζημιές στο άγαλμα τον 12ο και 16ο αιώνα, και το σύγχρονο άγαλμα είναι κυρίως χυτό του 18ου αιώνα. Κατά την αποκατάσταση του 18ου αιώνα, η χάλκινη μορφή δεν ήταν πλέον καλυμμένη με χρυσό. Ο βουδιστικός ζήλος του αυτοκράτορα Shomu τον 8ο αιώνα ουσιαστικά άδειασε το θησαυροφυλάκιο και αφαίμαξε την ήδη συγκλονισμένη χώρα, και οι μεταγενέστεροι ηγεμόνες δεν μπορούσαν πλέον να αντέξουν οικονομικά τέτοιες άμετρες δαπάνες.

Ωστόσο, η σημασία του Daibutsu δεν έγκειται στον χρυσό και ούτε καν στην αξιόπιστη αυθεντικότητα - η ίδια η ιδέα μιας τέτοιας μεγαλειώδους ενσάρκωσης των βουδιστικών διδασκαλιών είναι ένα μνημείο σε μια εποχή που οι Ιάπωνες μνημειακή τέχνηγνώρισε μια γνήσια ανθοφορία, απελευθερώθηκε από την τυφλή αντιγραφή ηπειρωτικών μοντέλων και πέτυχε ακεραιότητα και εκφραστικότητα, που αργότερα χάθηκαν.

Ιαπωνία? Πώς αναπτύχθηκε; Θα απαντήσουμε σε αυτές και σε άλλες ερωτήσεις στο άρθρο. Ο ιαπωνικός πολιτισμός διαμορφώθηκε ως αποτέλεσμα μιας ιστορικής κίνησης που ξεκίνησε όταν οι Ιάπωνες μετακινήθηκαν από την ηπειρωτική χώρα στο αρχιπέλαγος και γεννήθηκε ο πολιτισμός της περιόδου Jomon.

Ο σημερινός διαφωτισμός αυτού του λαού επηρεάστηκε έντονα από την Ευρώπη, την Ασία (ιδιαίτερα την Κορέα και την Κίνα) και Βόρεια Αμερική. Ένα από τα σημάδια του ιαπωνικού πολιτισμού είναι η μακρόχρονη ανάπτυξή του στην εποχή της πλήρους απομόνωσης του κράτους (πολιτική sakoku) από όλες τις άλλες χώρες κατά τη διάρκεια της βασιλείας του Σογκουνάτου Tokugawa, η οποία διήρκεσε μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα - στις αρχές του Εποχή Meiji.

Επιρροή

Πώς αναπτύχθηκε η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας; Ο πολιτισμός επηρεάστηκε σημαντικά από την απομονωμένη περιφερειακή θέση της χώρας, τα κλιματικά και γεωγραφικά χαρακτηριστικά, καθώς και τα φυσικά φαινόμενα (τυφώνες και συχνοί σεισμοί). Αυτό εκφράστηκε με την εξαιρετική στάση του πληθυσμού απέναντι στη φύση ως ζωντανό ον. χαρακτηριστικό εθνικό χαρακτήραΓιαπωνέζικα είναι η ικανότητα να θαυμάζεις τη σημερινή ομορφιά του σύμπαντος, η οποία εκφράζεται σε πολλά είδη τέχνης σε μια μικρή χώρα.

Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας δημιουργήθηκε υπό την επίδραση του Βουδισμού, του Σιντοϊσμού και του Κομφουκιανισμού. Αυτές οι ίδιες τάσεις επηρέασαν την περαιτέρω ανάπτυξή του.

ΑΡΧΑΙΑ χρονια

Συμφωνώ, η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας είναι υπέροχη. Ο Σιντοϊσμός έχει τις ρίζες του στην αρχαιότητα. Ο Βουδισμός, αν και εμφανίστηκε πριν από την εποχή μας, άρχισε να διαδίδεται μόνο από τον πέμπτο αιώνα. Η περίοδος Heian (8ος-12ος αι.) θεωρείται η χρυσή εποχή του κρατισμού της Ιαπωνίας. Την ίδια περίοδο, η γραφική κουλτούρα αυτής της χώρας έφτασε στο υψηλότερο σημείο της.

Ο Κομφουκιανισμός εμφανίστηκε τον 13ο αιώνα. Σε αυτό το στάδιο, υπήρξε ένας διαχωρισμός της φιλοσοφίας του Κομφούκιου και του Βουδισμού.

Ιερογλυφικά

Η εικόνα της καλλιτεχνικής κουλτούρας της Ιαπωνίας ενσωματώνεται σε μια μοναδική στιχουργική, η οποία ονομάζεται Σε αυτή τη χώρα, η τέχνη της καλλιγραφίας είναι επίσης πολύ ανεπτυγμένη, η οποία, σύμφωνα με το μύθο, προέκυψε από ουράνιες θεϊκές εικόνες. Ήταν αυτοί που έδωσαν πνοή στη γραφή, έτσι ο πληθυσμός είναι ευγενικός με κάθε σημάδι στην ορθογραφία.

Φήμες λένε ότι ήταν ιερογλυφικά που έδωσαν τον ιαπωνικό πολιτισμό, αφού από αυτά εμφανίστηκαν εικόνες γύρω από το εγγεγραμμένο. Λίγο αργότερα άρχισε να παρατηρείται έντονος συνδυασμός στοιχείων ζωγραφικής και ποίησης σε ένα έργο.

Εάν μελετήσετε έναν ιαπωνικό κύλινδρο, θα διαπιστώσετε ότι το έργο περιέχει δύο είδη συμβόλων. Αυτά είναι σημάδια γραφής - σφραγίδες, ποιήματα, kolofen, καθώς και γραφικά. Ταυτόχρονα, το θέατρο Kabuki κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα. Ένα διαφορετικό είδος θεάτρου -Μα- προτιμάται κυρίως από το στρατιωτικό προσωπικό. η αυστηρότητα και η σκληρότητά τους είχαν ισχυρή επιρροή στον Αρ.

Ζωγραφική

Η καλλιτεχνική κουλτούρα έχει μελετηθεί από πολλούς ειδικούς. Τεράστιο ρόλο στη διαμόρφωσή του έπαιξε η ζωγραφική kaiga, που στα ιαπωνικά σημαίνει σχέδιο ή ζωγραφική. Αυτή η τέχνη θεωρείται ως ο παλαιότερος τύπος ζωγραφικής του κράτους, ο οποίος καθορίζεται από έναν τεράστιο αριθμό λύσεων και μορφών.

Σε αυτό, μια ιδιαίτερη θέση κατέχει η φύση, η οποία καθορίζει την ιερή αρχή. Η διαίρεση της ζωγραφικής σε sumi-e και yamato-e υπάρχει από τον δέκατο αιώνα. Το πρώτο στυλ αναπτύχθηκε πιο κοντά στον δέκατο τέταρτο αιώνα. Είναι ένα είδος μονόχρωμης ακουαρέλας. Τα Yamato-e είναι οριζόντια διπλωμένα ειλητάρια που χρησιμοποιούνται συνήθως στη διακόσμηση έργων λογοτεχνίας.

Λίγο αργότερα, τον 17ο αιώνα, εμφανίστηκε στη χώρα η εκτύπωση σε ταμπλέτες - ukiyo-e. Οι δάσκαλοι απεικόνιζαν τοπία, γκέισα, διάσημους ηθοποιούς του θεάτρου Καμπούκι. Αυτός ο τύπος ζωγραφικής τον 18ο αιώνα είχε ισχυρή επιρροή στην τέχνη της Ευρώπης. Η αναδυόμενη τάση ονομάστηκε «Ιαπωνισμός». Στο Μεσαίωνα, ο πολιτισμός της Ιαπωνίας ξεπέρασε τα σύνορα της χώρας - άρχισε να χρησιμοποιείται στο σχεδιασμό κομψών και μοντέρνων εσωτερικών χώρων σε όλο τον κόσμο.

Καλλιγραφία

Ω, πόσο όμορφη είναι η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας! Η κατανόηση της αρμονίας με τη φύση φαίνεται σε κάθε τμήμα της. Τι είναι η σύγχρονη ιαπωνική καλλιγραφία; Ονομάζεται shodo («τρόπος ειδοποιήσεων»). Η καλλιγραφία, όπως και η γραφή, είναι υποχρεωτική επιστήμη. Οι επιστήμονες ανακάλυψαν ότι αυτή η τέχνη ήρθε εκεί ταυτόχρονα με την κινεζική γραφή.

Παρεμπιπτόντως, στην αρχαιότητα, ο πολιτισμός ενός ατόμου κρίθηκε από το επίπεδο καλλιγραφίας του. Σήμερα, υπάρχει μεγάλος αριθμός στυλ γραφής και οι βουδιστές μοναχοί τα αναπτύσσουν.

Γλυπτική

Πώς προέκυψε ο ιαπωνικός πολιτισμός; Θα μελετήσουμε την ανάπτυξη και τους τύπους αυτού του τομέα της ανθρώπινης ζωής με όσο το δυνατόν περισσότερες λεπτομέρειες. Η γλυπτική είναι το αρχαιότερο είδος τέχνης στην Ιαπωνία. Στην αρχαιότητα, οι άνθρωποι αυτής της χώρας κατασκεύαζαν ειδώλια ειδώλων και πιάτα από κεραμικά. Τότε οι άνθρωποι άρχισαν να τοποθετούν αγάλματα του χανίβ, που δημιουργήθηκαν από ψημένο πηλό, στους τάφους.

Η ανάπτυξη της γλυπτικής τέχνης στη σύγχρονη ιαπωνική κουλτούρα συνδέεται με τη διάδοση του βουδισμού στο κράτος. Ένας από τους αρχαιότερους εκπροσώπους των ιαπωνικών μνημείων θεωρείται το άγαλμα του Βούδα Αμιτάμπα, κατασκευασμένο από ξύλο, τοποθετημένο στον ναό Zenko-ji.

Τα γλυπτά κατασκευάζονταν πολύ συχνά από δοκάρια, αλλά φαίνονταν πολύ πλούσια: οι τεχνίτες τα κάλυπταν με βερνίκι, χρυσό και έντονα χρώματα.

Origami

Σας αρέσει η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας; Η κατανόηση της αρμονίας με τη φύση θα φέρει μια αξέχαστη εμπειρία. χαρακτηριστικό στοιχείοΗ ιαπωνική κουλτούρα έχει γίνει καταπληκτικά προϊόντα origami («διπλωμένο χαρτί»). Αυτή η δεξιότητα οφείλει την καταγωγή της στην Κίνα, όπου, στην πραγματικότητα, εφευρέθηκε η περγαμηνή.

Στην αρχή το «διπλωμένο χαρτί» χρησιμοποιούνταν σε θρησκευτικές τελετές. Αυτή η τέχνη μπορούσε να μελετηθεί μόνο από την ανώτερη τάξη. Αλλά μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το origami άφησε τα σπίτια των ευγενών και βρήκε τους θαυμαστές του σε όλη τη Γη.

Ικεμπάνα

Όλοι πρέπει να γνωρίζουν ποια είναι η καλλιτεχνική κουλτούρα των χωρών της Ανατολής. Η Ιαπωνία έχει επενδύσει πολύ δουλειά στην ανάπτυξή της. Ένα άλλο συστατικό αυτής της κουλτούρας υπέροχη χώραείναι η ikebana («ζωντανά λουλούδια», «νέα ζωή των λουλουδιών»). Οι Ιάπωνες είναι λάτρεις της αισθητικής και της απλότητας. Είναι ακριβώς αυτές οι δύο ιδιότητες που επενδύονται στα έργα. Η πολυπλοκότητα των εικόνων επιτυγχάνεται με την ευεργετική χρήση της φυσικής ομορφιάς της βλάστησης. Το Ikebana, όπως το origami, χρησίμευε επίσης ως μέρος μιας θρησκευτικής τελετής.

Μινιατούρες

Πιθανώς, πολλοί έχουν ήδη καταλάβει ότι η καλλιτεχνική κουλτούρα της Αρχαίας Κίνας και της Ιαπωνίας είναι στενά συνυφασμένη. Και τι είναι το μπονσάι; Είναι μια Ιαπωνική μοναδική δεξιότητα να καλλιεργείς ένα σχεδόν ακριβές μικροσκοπικό αντίγραφο ενός πραγματικού δέντρου.

Στην Ιαπωνία, είναι επίσης σύνηθες να φτιάχνουν netsuke - μικρά γλυπτά που είναι ένα είδος μπρελόκ. Συχνά τέτοια ειδώλια με αυτή την ιδιότητα ήταν προσαρτημένα στα ρούχα των Ιαπώνων, τα οποία δεν είχαν τσέπες. Όχι μόνο το διακόσμησαν, αλλά χρησίμευαν και ως πρωτότυπο αντίβαρο. Τα μπρελόκ κατασκευάζονταν σε μορφή κλειδιού, πουγκί, ψάθινου καλαθιού.

Ιστορία της ζωγραφικής

Η καλλιτεχνική κουλτούρα της αρχαίας Ιαπωνίας ενδιαφέρει πολλούς ανθρώπους. Η ζωγραφική σε αυτή τη χώρα ξεκίνησε κατά την ιαπωνική παλαιολιθική περίοδο και αναπτύχθηκε με αυτόν τον τρόπο:

• Περίοδος Yamato. Την εποχή της Asuka και του Kofun (4ος-7ος αι.), μαζί με την εισαγωγή ιερογλυφικών, τη δημιουργία ενός κρατικού καθεστώτος κινεζικού τύπου και τη διάδοση του βουδισμού, πολλά έργα τέχνης μεταφέρθηκαν στην Ιαπωνία από την Κίνα. Μετά από αυτό, οι πίνακες κινέζικου στυλ άρχισαν να αναπαράγονται στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου.
• ώρα Νάρα. Τον VI και VII αιώνα. Ο Βουδισμός συνέχισε να αναπτύσσεται στην Ιαπωνία. Από αυτή την άποψη, η θρησκευτική ζωγραφική άρχισε να ανθίζει, που χρησιμοποιήθηκε για να διακοσμήσει τους πολυάριθμους ναούς που έχτισε η αριστοκρατία. Γενικά, την εποχή Νάρα, η συμβολή στην ανάπτυξη της γλυπτικής και της τέχνης ήταν μεγαλύτερη από ό,τι στη ζωγραφική. Οι πρώιμοι πίνακες αυτού του κύκλου περιλαμβάνουν τοιχογραφίες στους εσωτερικούς τοίχους του ναού Horyu-ji στο νομό Nara, που απεικονίζουν τη ζωή του Shakyamuni Βούδα.
• Εποχή Heian. Στην ιαπωνική ζωγραφική, ξεκινώντας από τον 10ο αιώνα, διακρίνεται η τάση του yamato-e, όπως γράψαμε παραπάνω. Τέτοιοι πίνακες είναι οι οριζόντιοι κύλινδροι που χρησιμοποιούνται για την εικονογράφηση βιβλίων.
• Η εποχή του Μουρομάτσι. Τον 14ο αιώνα, εμφανίστηκε το στυλ Supi-e (μονόχρωμη ακουαρέλα) και στο πρώτο μισό του XVII αιώνα. οι καλλιτέχνες άρχισαν να τυπώνουν χαρακτικά σε σανίδες - ukiyo-e.
• Η ζωγραφική της εποχής Azuchi-Momoyama βρίσκεται σε έντονη αντίθεση με τη ζωγραφική της περιόδου Muromachi. Έχει πολύχρωμο στυλ με εκτεταμένη χρήση ασημιού και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, απολάμβανε μεγάλο κύρος και φήμη εκπαιδευτικό ίδρυμαΚάνο. Ιδρυτής του ήταν ο Kano Eitoku, ο οποίος ζωγράφιζε ταβάνια και συρόμενες πόρτες σε ξεχωριστά δωμάτια. Τέτοια σχέδια κοσμούσαν τα κάστρα και τα παλάτια των στρατιωτικών ευγενών.
• Εποχή Maiji. Από το δεύτερο μισό του XIXαιώνα, η τέχνη χωρίστηκε σε ανταγωνιστικά παραδοσιακά και ευρωπαϊκά στυλ. Κατά την εποχή του Maiji, η Ιαπωνία υπέστη μεγάλες κοινωνικές και πολιτικές αλλαγές μέσω της διαδικασίας εκσυγχρονισμού και εξευρωπαϊσμού που οργανώθηκε από τις αρχές. Νέοι πολλά υποσχόμενοι καλλιτέχνες στάλθηκαν στο εξωτερικό για σπουδές και καλλιτέχνες από το εξωτερικό ήρθαν στην Ιαπωνία για να δημιουργήσουν σχολικά καλλιτεχνικά προγράμματα. Όπως και να έχει, μετά το αρχικό κύμα της περιέργειας για το δυτικό καλλιτεχνικό στυλ, το εκκρεμές γύρισε πίσω και το ιαπωνικό παραδοσιακό στυλ ξαναγεννήθηκε. Το 1880, οι δυτικές πρακτικές τέχνης απαγορεύτηκαν από επίσημες εκθέσεις και επικρίθηκαν έντονα.

Ποίηση

Ο καλλιτεχνικός πολιτισμός της αρχαίας Ιαπωνίας εξακολουθεί να μελετάται. Το χαρακτηριστικό του είναι η ευελιξία, κάποια συνθετική, καθώς διαμορφώθηκε υπό την επίδραση διαφορετικών θρησκειών. Είναι γνωστό ότι η ιαπωνική κλασική ποίηση προέκυψε από την καθημερινή ζωή, έδρασε μέσα της και αυτή η γήινη ποίηση διατηρήθηκε σε κάποιο βαθμό στις παραδοσιακές μορφές της σημερινής ποίησης - τρίγραμμο χαϊκού και πεντάγραμμο τάνκα, που διακρίνονται από έντονη μαζικός χαρακτήρας. Παρεμπιπτόντως, αυτή ακριβώς η ιδιότητα τους διακρίνει από τον «ελεύθερο στίχο» που έλκει προς τον ελιτισμό, που εμφανίστηκε στην Ιαπωνία στις αρχές του 20ού αιώνα υπό την επίδραση της ευρωπαϊκής ποίησης.

Έχετε παρατηρήσει ότι τα στάδια ανάπτυξης της καλλιτεχνικής κουλτούρας της Ιαπωνίας είναι πολύπλευρα; Η ποίηση στην κοινωνία αυτής της χώρας έπαιξε ιδιαίτερο ρόλο. Ένα από τα πιο διάσημα είδη είναι το χαϊκού, μπορείτε να το καταλάβετε μόνο αν εξοικειωθείτε με την ιστορία του.

Εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην εποχή Heian, ήταν παρόμοιο με το στυλ renga, το οποίο ήταν ένα είδος διέξοδος για ποιητές που ήθελαν να κάνουν ένα διάλειμμα από τους στοχαστικούς στίχους του wah. Το Haikai εξελίχθηκε σε ένα είδος από μόνο του τον 16ο αιώνα, καθώς η renga έγινε πολύ σοβαρή και το χαϊκού βασίστηκε σε καθομιλουμένηκαι ήταν ακόμα χιουμοριστικό.

Φυσικά, η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ιαπωνίας περιγράφεται εν συντομία σε πολλά έργα, αλλά θα προσπαθήσουμε να μιλήσουμε για αυτήν με περισσότερες λεπτομέρειες. Είναι γνωστό ότι στον Μεσαίωνα ένα από τα πιο διάσημα λογοτεχνικά είδη της Ιαπωνίας ήταν το tanka («λακωνικό τραγούδι»). Στις περισσότερες περιπτώσεις, πρόκειται για μια πεντάγραμμη, που αποτελείται από ένα ζευγάρι στροφών με σταθερό αριθμό συλλαβών: 5-7-5 συλλαβές σε τρεις γραμμές της πρώτης στροφής και 7-7 σε δύο γραμμές της δεύτερης. Όσον αφορά το περιεχόμενο, το tanka χρησιμοποιεί το ακόλουθο σχήμα: η πρώτη στροφή αντιπροσωπεύει μια συγκεκριμένη φυσική εικόνα και η δεύτερη αντικατοπτρίζει το συναίσθημα ενός ατόμου που απηχεί αυτήν την εικόνα:

• Στα μακρινά βουνά
  Ο μακρυουρός φασιανός κοιμάται -
  Αυτή η μακρά, μεγάλη νύχτα
  Μπορώ να κοιμηθώ μόνος μου; ( Kakinomoto no Hitovaro, αρχές 8ου αιώνα, μετάφραση Σάνοβιτς.)

Ιαπωνική δραματουργία

Πολλοί υποστηρίζουν ότι η καλλιτεχνική κουλτούρα της Κίνας και της Ιαπωνίας είναι μαγευτική. Σας αρέσουν οι παραστατικές τέχνες; Η παραδοσιακή δραματουργία της Χώρας του Ανατέλλοντος Ηλίου χωρίζεται σε joruri (κουκλοθέατρο), δραματουργία του θεάτρου Noh (kyogen και yokyoku), θέατρο kabuki και shingeki. Τα έθιμα αυτής της τέχνης περιλαμβάνουν πέντε βασικά θεατρικά είδη: kyogen no, bugaku, kabuki και bunraku. Και οι πέντε αυτές παραδόσεις εξακολουθούν να υπάρχουν σήμερα. Παρά τις κολοσσιαίες διαφορές, συνδέονται με κοινές αισθητικές αρχές που στηρίζουν την ιαπωνική τέχνη. Παρεμπιπτόντως, η δραματουργία της Ιαπωνίας ξεκίνησε στη σκηνή του Αρ.

Το θέατρο Καμπούκι εμφανίστηκε τον 17ο αιώνα και έφτασε στο απόγειό του προς τα τέλη του 18ου. Η μορφή των παραστάσεων που αναπτύχθηκε κατά την καθορισμένη περίοδο διατηρείται στη σύγχρονη σκηνή του Καμπούκι. Οι παραγωγές αυτού του θεάτρου, σε αντίθεση με τις σκηνές του No, εστιασμένες σε έναν στενό κύκλο θαυμαστών της αρχαίας τέχνης, είναι σχεδιασμένες για το μαζικό κοινό. Οι ρίζες των δεξιοτήτων Kabuki πηγάζουν από τις ερμηνείες κωμικών - ερμηνευτών μικρών φαρσών, σκηνών που αποτελούνταν από χορό και τραγούδι. Η θεατρική δεινότητα του Καμπούκι απορρόφησε τα στοιχεία του joruri και όχι.

Η εμφάνιση του θεάτρου Kabuki συνδέεται με το όνομα του εργάτη του βουδιστικού ιερού O-Kuni στο Κιότο (1603). Ο O-Kuni εμφανίστηκε στη σκηνή με θρησκευτικούς χορούς, που περιλάμβαναν τις κινήσεις των λαϊκών χορών των Nembutsu-odori. Οι παραστάσεις της διανθίστηκαν με κωμικά έργα. Σε αυτό το στάδιο, οι παραγωγές ονομάζονταν yujo-kabuki (καμπούκι των εταίρων), o-kuni-kabuki ή onna-kabuki (γυναικεία kabuki).

Χαρακτικά

Τον περασμένο αιώνα, οι Ευρωπαίοι, και στη συνέχεια οι Ρώσοι, συνάντησαν το φαινόμενο της ιαπωνικής τέχνης μέσω της χαρακτικής. Εν τω μεταξύ, στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ήλιου, το σχέδιο σε ένα δέντρο δεν θεωρήθηκε αρχικά καθόλου δεξιότητα, αν και είχε όλες τις ιδιότητες της μαζικής κουλτούρας - φθηνότητα, διαθεσιμότητα, κυκλοφορία. Οι γνώστες του Ukiyo-e μπόρεσαν να επιτύχουν την υψηλότερη ευαισθησία και απλότητα τόσο στην ενσάρκωση των πλοκών όσο και στην επιλογή τους.

Η Ukiyo-e ήταν μια ειδική σχολή τέχνης, έτσι ήταν σε θέση να παρουσιάσει μια σειρά από εξαιρετικούς δασκάλους. Έτσι, το όνομα του Hisikawa Moronobu (1618-1694) συνδέεται με την αρχική φάση της ανάπτυξης της χαρακτικής πλοκής. Στα μέσα του 18ου αιώνα, ο Suzuki Harunobu, ο πρώτος γνώστης της πολύχρωμης χαρακτικής, δημιούργησε. Τα κύρια κίνητρα του έργου του ήταν λυρικές σκηνές, στις οποίες δεν δόθηκε προσοχή στη δράση, αλλά στη μετάδοση διαθέσεων και συναισθημάτων: αγάπη, τρυφερότητα, θλίψη. Όπως η εξαίσια αρχαία τέχνη της εποχής Heian, οι βιρτουόζοι ukiyo-e αναβίωσαν την εξαιρετική λατρεία της εξαιρετικής ομορφιάς των γυναικών σε ένα ανακαινισμένο αστικό περιβάλλον.

Η μόνη διαφορά ήταν ότι αντί για τους περήφανους αριστοκράτες Heian, τα prints απεικόνιζαν χαριτωμένη γκέισα από τις περιοχές διασκέδασης του Edo. Ο καλλιτέχνης Utamaro (1753-1806) είναι, ίσως, ένα μοναδικό παράδειγμα επαγγελματία στην ιστορία της ζωγραφικής, που αφιέρωσε πλήρως τη δημιουργία του στην απεικόνιση κυριών σε διάφορες πόζες και φορέματα, σε διάφορες συνθήκες ζωής. Ένα από τα καλύτερα έργα του είναι το χαρακτικό «Γκέισα Οσάμα», που φυλάσσεται στη Μόσχα, στο Μουσείο Ζωγραφικής Πούσκιν. Ο καλλιτέχνης μετέφερε ασυνήθιστα διακριτικά την ενότητα της χειρονομίας και της διάθεσης, τις εκφράσεις του προσώπου.

Manga και anime

Πολλοί καλλιτέχνες προσπαθούν να μελετήσουν τη ζωγραφική της Ιαπωνίας. Τι είναι το anime (ιαπωνικό animation); Διαφέρει από τα άλλα είδη κινουμένων σχεδίων καθώς είναι περισσότερο προσαρμοσμένο σε έναν ενήλικο θεατή. Εδώ υπάρχει μια διπλή διαίρεση σε στυλ για ένα μονοσήμαντο στοχευμένο κοινό. Το μέτρο της σύνθλιψης είναι το φύλο, η ηλικία ή το ψυχολογικό πορτρέτο του κινηματογραφιστή. Πολύ συχνά, το anime είναι μια κινηματογραφική μεταφορά ιαπωνικών κόμικς manga, τα οποία έλαβαν επίσης μεγάλη φήμη.

Το βασικό μέρος του manga έχει σχεδιαστεί για έναν ενήλικο θεατή. Σύμφωνα με στοιχεία του 2002, περίπου το 20% της συνολικής ιαπωνικής αγοράς βιβλίων καταλαμβανόταν από κόμικς manga.

Η Ιαπωνία είναι κοντά μας γεωγραφικά, αλλά, παρόλα αυτά, για πολύ καιρό παρέμεινε ακατανόητη και απρόσιτη σε ολόκληρο τον κόσμο. Σήμερα γνωρίζουμε πολλά για αυτή τη χώρα. Μια μακρά εθελοντική απομόνωση οδήγησε στο γεγονός ότι ο πολιτισμός της είναι εντελώς διαφορετικός από τους πολιτισμούς άλλων κρατών.

Έχει πολύ πλούσια ιστορία. Η παράδοσή του είναι εκτεταμένη, με τη μοναδική θέση της Ιαπωνίας στον κόσμο να επηρεάζει σε μεγάλο βαθμό τα κυρίαρχα στυλ και τεχνικές των Ιαπώνων καλλιτεχνών. Γνωστό γεγονόςΤο ότι η Ιαπωνία ήταν αρκετά απομονωμένη εδώ και αιώνες οφείλεται όχι μόνο στη γεωγραφία, αλλά και στην κυρίαρχη ιαπωνική πολιτιστική τάση για απομόνωση που έχει σημαδέψει την ιστορία της χώρας. Κατά τη διάρκεια των αιώνων αυτού που θα μπορούσαμε να ονομάσουμε «ιαπωνικό πολιτισμό», ο πολιτισμός και η τέχνη αναπτύχθηκαν ξεχωριστά από εκείνες στον υπόλοιπο κόσμο. Και αυτό είναι ακόμη αισθητό στην πρακτική της ιαπωνικής ζωγραφικής. Για παράδειγμα, οι πίνακες Nihonga είναι από τις βασικές αρχές της ιαπωνικής ζωγραφικής πρακτικής. Βασίζεται σε πάνω από χίλια χρόνια παράδοσης και οι πίνακες δημιουργούνται συνήθως με πινέλα στο δικό σας (ιαπωνικό χαρτί) ή στην ίγινα (μετάξι).

Ωστόσο, η ιαπωνική τέχνη και ζωγραφική έχουν επηρεαστεί από ξένες καλλιτεχνικές πρακτικές. Πρώτον, ήταν η κινεζική τέχνη τον 16ο αιώνα και η κινεζική ζωγραφική και η κινεζική καλλιτεχνική παράδοση που είχαν ιδιαίτερη επιρροή με διάφορους τρόπους. Από τον 17ο αιώνα, η ιαπωνική ζωγραφική επηρεάστηκε επίσης από τις δυτικές παραδόσεις. Συγκεκριμένα, κατά την προπολεμική περίοδο, που διήρκεσε από το 1868 έως το 1945, η ιαπωνική ζωγραφική επηρεάστηκε από τον ιμπρεσιονισμό και τον ευρωπαϊκό ρομαντισμό. Ταυτόχρονα, τα νέα ευρωπαϊκά κινήματα τέχνης επηρεάστηκαν σημαντικά από τα Ιαπωνικά καλλιτεχνικές τεχνικές. Στην ιστορία της τέχνης, αυτή η επιρροή αναφέρεται ως «Ιαπωνισμός» και είναι ιδιαίτερα σημαντική για τους ιμπρεσιονιστές, τους κυβιστές και τους καλλιτέχνες που συνδέονται με τον μοντερνισμό.

Η μακρά ιστορία της ιαπωνικής ζωγραφικής μπορεί να θεωρηθεί ως σύνθεση πολλών παραδόσεων που δημιουργούν μέρη μιας αναγνωρισμένης ιαπωνικής αισθητικής. Πρώτα απ 'όλα, η βουδιστική τέχνη και οι μέθοδοι ζωγραφικής, καθώς και η θρησκευτική ζωγραφική, έχουν αφήσει σημαντικό σημάδι στην αισθητική των ιαπωνικών έργων ζωγραφικής. Η ζωγραφική με νερό με μελάνι τοπίων στην παράδοση της κινεζικής λογοτεχνικής ζωγραφικής είναι ένα άλλο σημαντικό στοιχείο που αναγνωρίζεται σε πολλούς διάσημους ιαπωνικούς πίνακες. Η ζωγραφική ζώων και φυτών, ιδιαίτερα πτηνών και λουλουδιών, είναι αυτό που συνήθως συνδέεται με τις ιαπωνικές συνθέσεις, όπως και τοπία και σκηνές από Καθημερινή ζωή. Τέλος, οι αρχαίες ιδέες για την ομορφιά από τη φιλοσοφία και τον πολιτισμό της αρχαίας Ιαπωνίας είχαν μεγάλη επιρροή στην ιαπωνική ζωγραφική. Το Wabi, που σημαίνει παροδική και σκληρή ομορφιά, το sabi (η ομορφιά της φυσικής πατίνας και της γήρανσης) και το yugen (βαθιά χάρη και λεπτότητα) εξακολουθούν να επηρεάζουν τα ιδανικά στην πρακτική της ιαπωνικής ζωγραφικής.

Τέλος, αν εστιάσουμε στην επιλογή των δέκα πιο διάσημων ιαπωνικών αριστουργημάτων, πρέπει να αναφέρουμε το ukiyo-e, που είναι ένα από τα πιο δημοφιλή είδη τέχνης στην Ιαπωνία, παρόλο που ανήκει στη χαρακτική. Κυριάρχησε στην ιαπωνική τέχνη από τον 17ο έως τον 19ο αιώνα, με καλλιτέχνες που ανήκουν σε αυτό το είδος να παράγουν ξυλογραφίες και πίνακες με θέματα όπως όμορφα κορίτσια, ηθοποιοί kabuki και παλαιστές σούμο, καθώς και σκηνές από ιστορία και λαϊκές ιστορίες, ταξιδιωτικές σκηνές και τοπία, χλωρίδα και πανίδα και ακόμη και ερωτική.

Είναι πάντα δύσκολο να φτιάξεις μια λίστα τις καλύτερες εικόνεςαπό καλλιτεχνικές παραδόσεις. Πολλά καταπληκτικά έργα θα αποκλειστούν. Ωστόσο, αυτή η λίστα περιλαμβάνει δέκα από τους πιο αναγνωρίσιμους ιαπωνικούς πίνακες στον κόσμο. Αυτό το άρθρο θα παρουσιάσει μόνο πίνακες που δημιουργήθηκαν από τον 19ο αιώνα μέχρι σήμερα.

Η ιαπωνική ζωγραφική έχει μια εξαιρετικά πλούσια ιστορία. Κατά τη διάρκεια των αιώνων, οι Ιάπωνες καλλιτέχνες έχουν αναπτύξει έναν μεγάλο αριθμό μοναδικών τεχνικών και στυλ που αποτελούν την πιο πολύτιμη συνεισφορά της Ιαπωνίας στον κόσμο της τέχνης. Μία από αυτές τις τεχνικές είναι το sumi-e. Το Sumi-e σημαίνει κυριολεκτικά «σχέδιο με μελάνι», συνδυάζοντας καλλιγραφία και ζωγραφική με μελάνι για να δημιουργήσει μια σπάνια ομορφιά από συνθέσεις ζωγραφισμένες με πινέλο. Αυτή η ομορφιά είναι παράδοξη - αρχαία αλλά μοντέρνα, απλή αλλά πολύπλοκη, τολμηρή αλλά συγκρατημένη, αντανακλώντας αναμφίβολα την πνευματική βάση της τέχνης στον Βουδισμό Ζεν. Βουδιστές ιερείς έφεραν το σκληρό μελάνι και το πινέλο από μπαμπού στην Ιαπωνία από την Κίνα τον έκτο αιώνα, και τους τελευταίους 14 αιώνες, η Ιαπωνία ανέπτυξε μια πλούσια κληρονομιά ζωγραφικής με μελάνι.

Κάντε κύλιση προς τα κάτω και δείτε 10 αριστουργήματα ιαπωνικής ζωγραφικής

1. Katsushika Hokusai "Το όνειρο της γυναίκας του ψαρά"

Ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους ιαπωνικούς πίνακες είναι το όνειρο της γυναίκας του ψαρά. Ζωγραφίστηκε το 1814 από τον διάσημο καλλιτέχνη Hokusai. Με αυστηρούς ορισμούς, αυτό το καταπληκτικό έργο του Χοκουσάι δεν μπορεί να θεωρηθεί πίνακας ζωγραφικής, καθώς πρόκειται για μια ξυλογραφία ukiyo-e από το Young Pines (Kinoe no Komatsu), το οποίο είναι ένα τρίτομο βιβλίο σούνγκα. Η σύνθεση απεικονίζει μια νεαρή ama δύτη σεξουαλικά μπλεγμένη με ένα ζευγάρι χταπόδια. Αυτή η εικόνα είχε μεγάλη επιρροή τον 19ο και τον 20ο αιώνα. Το έργο επηρέασε μεταγενέστερους καλλιτέχνες όπως οι Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf και Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro γράφει ένα νοσταλγικό ποίημα κοιτάζοντας το φεγγάρι"

Ο Tessai Tomioka είναι το ψευδώνυμο ενός διάσημου Ιάπωνα καλλιτέχνη και καλλιγράφου. Θεωρείται ο τελευταίος σημαντικός καλλιτέχνης στην παράδοση του Bunjing και ένας από τους πρώτους μεγάλους καλλιτέχνες του στυλ Nihonga. Η Μπουντζίνγκα ήταν μια σχολή ιαπωνικής ζωγραφικής που άκμασε κατά την ύστερη περίοδο Έντο ανάμεσα σε καλλιτέχνες που θεωρούσαν τους εαυτούς τους φιλομαθείς ή διανοούμενους. Καθένας από αυτούς τους καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένης της Tessaia, ανέπτυξε το δικό του στυλ και τεχνική, αλλά όλοι ήταν μεγάλοι θαυμαστές της κινεζικής τέχνης και κουλτούρας.

3. Fujishima Takeji "Sunris over the East Sea"

Ο Fujishima Takeji ήταν Ιάπωνας καλλιτέχνης γνωστός για το έργο του στην ανάπτυξη του ρομαντισμού και του ιμπρεσιονισμού στο καλλιτεχνικό κίνημα της Γιόγκα (δυτικού στυλ) στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα. Το 1905 ταξίδεψε στη Γαλλία, όπου επηρεάστηκε από τα γαλλικά κινήματα της εποχής, ιδιαίτερα από τον ιμπρεσιονισμό, όπως φαίνεται στον πίνακα του 1932 Η Ανατολή του Ήλιου πάνω από την Ανατολική Θάλασσα.

4. Kitagawa Utamaro «Δέκα τύποι γυναικείων προσώπων, μια συλλογή από κυρίαρχες καλλονές»

Ο Kitagawa Utamaro ήταν ένας εξέχων Ιάπωνας καλλιτέχνης που γεννήθηκε το 1753 και πέθανε το 1806. Είναι μακράν περισσότερο γνωστός για τη σειρά που ονομάζεται Ten Types of Women's Faces. Συλλογή από κυρίαρχες καλλονές, θέματα Μεγάλη αγάπηΚλασική Ποίηση» (μερικές φορές αποκαλείται «Ερωτευμένες γυναίκες», που περιέχει ξεχωριστά χαρακτικά «Γυμνή αγάπη» και «Συλλογισμένη αγάπη»). Είναι ένας από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες που ανήκουν στο είδος της ξυλογραφίας ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Ο Kawanabe Kyosai ήταν ένας από τους πιο διάσημους Ιάπωνες καλλιτέχνες της περιόδου Έντο. Η τέχνη του επηρεάστηκε από τον Tohaku, έναν ζωγράφο Kano του 16ου αιώνα, ο οποίος ήταν ο μόνος ζωγράφος της εποχής του που ζωγράφισε οθόνες εξ ολοκλήρου με μελάνι σε ένα ευαίσθητο φόντο χρυσού σε σκόνη. Αν και ο Kyosai είναι γνωστός ως σκιτσογράφος, έχει γράψει μερικά από τα περισσότερα διάσημους πίνακεςστην Ιαπωνική ιστορία Τέχνη XIXαιώνας. Ο «Τίγρης» είναι ένας από εκείνους τους πίνακες που ο Kyosai χρησιμοποίησε ακουαρέλα και μελάνι για να δημιουργήσει.

6. Hiroshi Yoshida Fuji από τη λίμνη Kawaguchi

Ο Hiroshi Yoshida είναι γνωστός ως μια από τις σημαντικότερες μορφές του στυλ Shin-Hanga (το Shin-Hanga είναι ένα κίνημα τέχνης στην Ιαπωνία στις αρχές του 20ου αιώνα, κατά τη διάρκεια των περιόδων Taisho και Showa, που αναβίωσαν παραδοσιακή τέχνη ukiyo-e, που ρίζωσε στην περίοδο Edo και Meiji (XVII - XIX αιώνες)). Εκπαιδεύτηκε στην παράδοση της δυτικής ελαιογραφίας, η οποία υιοθετήθηκε στην Ιαπωνία κατά την περίοδο Meiji.

7. Τακάσι Μουρακάμι «727»

Ο Takashi Murakami είναι ίσως ο πιο δημοφιλής Ιάπωνας καλλιτέχνης της εποχής μας. Το έργο του πωλείται σε αστρονομικές τιμές σε μεγάλες δημοπρασίες και το έργο του εμπνέει ήδη νέες γενιές καλλιτεχνών όχι μόνο στην Ιαπωνία αλλά και πέρα ​​από αυτήν. Η τέχνη του Μουρακάμι περιλαμβάνει μια σειρά από μέσα και συνήθως περιγράφεται ως υπερ-επίπεδη. Το έργο του είναι γνωστό για τη χρήση του χρώματος, ενσωματώνοντας μοτίβα από την ιαπωνική παραδοσιακή και λαϊκή κουλτούρα. Το περιεχόμενο των πινάκων του συχνά περιγράφεται ως «χαριτωμένο», «ψυχεδελικό» ή «σατιρικό».

8. Yayoi Kusama "Pumpkin"

Ο Yaoi Kusama είναι επίσης ένας από τους πιο διάσημους Ιάπωνες καλλιτέχνες. Εργάζεται σε διάφορα μέσα, όπως ζωγραφική, κολάζ, γλυπτική, περφόρμανς, περιβαλλοντική τέχνη και εγκατάσταση, τα περισσότερα από τα οποία δείχνουν το θεματικό της ενδιαφέρον για τα ψυχεδελικά χρώματα, την επανάληψη και το μοτίβο. Μια από τις πιο διάσημες σειρές αυτού του μεγάλου καλλιτέχνη είναι η σειρά Pumpkin. Μια κανονική κολοκύθα με πουά σε έντονο κίτρινο χρώμα φαίνεται πάνω σε ένα δίχτυ. Μαζί, όλα αυτά τα στοιχεία σχηματίζουν μια εικαστική γλώσσα που είναι αναμφισβήτητη για το στυλ του καλλιτέχνη και έχει αναπτυχθεί και τελειοποιηθεί επί δεκαετίες επίπονης χειροτεχνίας και αναπαραγωγής.

9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"

Ο Tenmyoya Hisashi είναι ένας σύγχρονος Ιάπωνας καλλιτέχνης που είναι γνωστός για τους πίνακές του neo-nihonga. Συμμετείχε στην αναβίωση της παλιάς παράδοσης της ιαπωνικής ζωγραφικής, που είναι ακριβώς το αντίθετο από τη σύγχρονη ιαπωνική ζωγραφική. Το 2000, δημιούργησε επίσης το νέο του στυλ, το butouha, το οποίο επιδεικνύει μια σταθερή στάση απέναντι σε ένα έγκυρο σύστημα τέχνης μέσα από τους πίνακές του. Το "Japanese Spirit No. 14" δημιουργήθηκε ως μέρος του καλλιτεχνικού σχήματος "BASARA", που ερμηνεύεται στην ιαπωνική κουλτούρα ως η επαναστατική συμπεριφορά της κατώτερης αριστοκρατίας κατά την περίοδο των εμπόλεμων κρατών, προκειμένου να στερήσει από τις αρχές την ικανότητα να επιτύχουν ένα ιδανικό τρόπο ζωής με το να ντύνονται με πλούσια και πολυτελή ρούχα και να ενεργούν ελεύθερα.βούληση που δεν αντιστοιχούσε στην κοινωνική τους τάξη.

10. Katsushika Hokusai "The Great Wave Off Kanagawa"

Τέλος, το The Great Wave off Kanagawa είναι ίσως το πιο αναγνωρίσιμο ιαπωνική ζωγραφικήγραμμένο ποτέ. Είναι πραγματικά το πιο διάσημο έργοτέχνη φτιαγμένη στην Ιαπωνία. Απεικονίζει τεράστια κύματα να απειλούν βάρκες στα ανοικτά των ακτών του νομού Καναγκάουα. Αν και μερικές φορές μπερδεύεται με τσουνάμι, το κύμα, όπως υποδηλώνει το όνομα του πίνακα, πιθανότατα έχει απλώς ένα ασυνήθιστα υψηλό ύψος. Ο πίνακας είναι φτιαγμένος με την παράδοση ukiyo-e.

Από: ,  18346 προβολές

- Πάρε μέρος τώρα! Το όνομα σου:

Ενα σχόλιο:

Η Ιαπωνία είναι η μικρότερη χώρα στην Άπω Ανατολή - 372 χιλιάδες τετραγωνικά χιλιόμετρα. Αλλά η συνεισφορά που έχει κάνει η Ιαπωνία στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού δεν είναι μικρότερη από τη συμβολή των μεγάλων αρχαίων κρατών.

Οι απαρχές της τέχνης αυτής της αρχαίας χώρας χρονολογούνται από την 8η χιλιετία π.Χ. Όμως το πιο σημαντικό στάδιο σε όλους τους τομείς της καλλιτεχνικής της ζωής ήταν η περίοδος που ξεκίνησε τον 6ο-7ο αιώνα μ.Χ. και συνεχίστηκε μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα. Η ανάπτυξη της ιαπωνικής τέχνης προχώρησε άνισα, αλλά δεν γνώριζε πολύ έντονες αλλαγές ή απότομες πτώσεις.

Η ιαπωνική τέχνη αναπτύχθηκε σε ιδιαίτερες φυσικές και ιστορικές συνθήκες. Η Ιαπωνία βρίσκεται σε τέσσερα μεγάλα νησιά (Honshu, Hokkaido, Kyushu και Shioku) και πολλά μικρότερα. Για πολύ καιρό ήταν απόρθητο και δεν γνώριζε εξωτερικούς πολέμους. Η εγγύτητα της Ιαπωνίας με την ηπειρωτική χώρα επηρέασε τη δημιουργία επαφών με την Κίνα και την Κορέα κατά την αρχαιότητα. Αυτό επιτάχυνε την ανάπτυξη της ιαπωνικής τέχνης.

Η ιαπωνική μεσαιωνική τέχνη αναπτύχθηκε υπό την επίδραση των κορεατικών και κινεζικών πολιτισμών. Η Ιαπωνία υιοθέτησε την κινεζική γραφή και τα χαρακτηριστικά της κινεζικής κοσμοθεωρίας. Ο Βουδισμός έγινε η κρατική θρησκεία της Ιαπωνίας. Όμως οι Ιάπωνες διέλυσαν τις κινεζικές ιδέες με τον δικό τους τρόπο και τις προσάρμοσαν στον τρόπο ζωής τους.

Ιαπωνικό σπίτι, ιαπωνικό εσωτερικό
Το ιαπωνικό σπίτι είναι τόσο καθαρό και απλό εσωτερικά όσο και εξωτερικά. Διατηρήθηκε συνεχώς καθαρό. Το δάπεδο, γυαλισμένο σε λάμψη, καλύφθηκε με ελαφριά ψάθες - τατάμι, χωρίζοντας το δωμάτιο σε ομοιόμορφα ορθογώνια. Τα παπούτσια αφαιρέθηκαν στο κατώφλι, τα πράγματα κρατήθηκαν σε ντουλάπες, η κουζίνα ήταν ξεχωριστή από το σαλόνι. Στα δωμάτια, κατά κανόνα, δεν υπήρχαν μόνιμα πράγματα. Τους έφεραν και τους πήραν όπως χρειαζόταν. Αλλά κάθε πράγμα σε ένα άδειο δωμάτιο, είτε είναι ένα λουλούδι σε ένα βάζο, μια εικόνα ή ένα τραπέζι με λάκα, τράβηξε την προσοχή και απέκτησε μια ιδιαίτερη εκφραστικότητα.

Όλα τα είδη τέχνης συνδέονται με το σχεδιασμό του χώρου ενός σπιτιού, ναού, παλατιού ή κάστρου στη μεσαιωνική Ιαπωνία. Το καθένα χρησίμευε ως συμπλήρωμα του άλλου. Για παράδειγμα, ένα επιδέξια επιλεγμένο μπουκέτο συμπλήρωνε και πυροδότησε τη διάθεση που μεταδίδεται στη ζωγραφική τοπίου.

Η ίδια άψογη ακρίβεια, η ίδια αίσθηση υλικού, όπως στη διακόσμηση ενός ιαπωνικού σπιτιού, ήταν αισθητή στα προϊόντα της διακοσμητικής τέχνης. Όχι χωρίς λόγο στις τελετές τσαγιού, καθώς το μεγαλύτερο κόσμημα, τα σκεύη που έφτιαχναν τα χέρια χρησιμοποιούνταν. Το μαλακό και ανομοιόμορφο σκεύος του κρατούσε το ίχνος των δακτύλων που σμιλεύουν τον υγρό πηλό. Τα ροζ-μαργαριτάρι, τυρκουάζ-λιλά ή γκρι-μπλε λούστρο δεν ήταν πιασάρικα, αλλά ένιωθαν τη λάμψη της ίδιας της φύσης, με τη ζωή της οποίας συνδέεται κάθε αντικείμενο της ιαπωνικής τέχνης.

Ιαπωνική κεραμική
Χωρίς υάλωμα, χυτευμένα στο χέρι και ψημένα σε χαμηλή θερμοκρασία, τα πήλινα αγγεία έμοιαζαν με κεραμικά άλλων αρχαίων λαών. Αλλά είχαν ήδη χαρακτηριστικά που είναι μοναδικά στον ιαπωνικό πολιτισμό. Τα σχέδια των κανατών και των πιάτων διαφόρων σχημάτων αντανακλούσαν ιδέες για τα στοιχεία των τυφώνων, των θαλασσών και των βουνών που αναπνέουν φωτιά. Η φαντασία αυτών των προϊόντων φαινόταν να προκλήθηκε από την ίδια τη φύση.

Ογκώδεις κανάτες ύψους σχεδόν ενός μέτρου με κολλημένο σχέδιο από κυρτές δέσμες πηλού μοιάζουν είτε με τυλιγμένα κοχύλια, είτε με διακλαδισμένους κοραλλιογενείς υφάλους, είτε με κουβάρια από φύκια ή με οδοντωτές άκρες ηφαιστείων. Αυτά τα μεγαλοπρεπή και μνημειώδη αγγεία και κύπελλα εξυπηρετούσαν όχι μόνο οικιακούς, αλλά και τελετουργικούς σκοπούς. Όμως στα μέσα της 1ης χιλιετίας π.Χ. Τα χάλκινα αντικείμενα ήρθαν σε χρήση και τα κεραμικά σκεύη έχασαν τον τελετουργικό τους σκοπό.

Δίπλα στην κεραμική, εμφανίστηκαν νέα προϊόντα καλλιτεχνικής χειροτεχνίας - όπλα, κοσμήματα, χάλκινες καμπάνες και καθρέφτες.

Ιαπωνικά είδη οικιακής χρήσης
Τον 9ο έως τον 12ο αιώνα μ.Χ., τα γούστα της ιαπωνικής αριστοκρατίας αποκαλύφθηκαν στις διακοσμητικές τέχνες. Απαλά, ανθεκτικά στην υγρασία αντικείμενα λάκας, πασπαλισμένα με χρυσό και ασήμι σε σκόνη, ελαφριά και κομψά, σαν να φωτίζουν το λυκόφως των ιαπωνικών δωματίων και αποτελούν μια τεράστια γκάμα καθημερινών ειδών. Η λάκα χρησιμοποιήθηκε για τη δημιουργία μπολ και κασετιών, σεντούκια και τραπεζιών, μουσικών οργάνων. Κάθε μικρό πράγμα του ναού και της καθημερινής ζωής - ασημένια μαχαιροπίρουνα για φαγητό, βάζα για λουλούδια, χαρτί με σχέδια για γράμματα, κεντημένες ζώνες - αποκάλυψε την ποιητική και συναισθηματική στάση των Ιαπώνων στον κόσμο.

Ιαπωνική ζωγραφική
Με την ανάπτυξη της μνημειακής ανακτορικής αρχιτεκτονικής, η δραστηριότητα των ζωγράφων της αυλικής σχολής έγινε πολύ πιο ενεργή. Οι καλλιτέχνες έπρεπε να ζωγραφίσουν μεγάλες επιφάνειες όχι μόνο τοίχων, αλλά και πτυσσόμενων οθονών πολλαπλών χαρτιών, που έπαιζαν το ρόλο τόσο των ζωγραφιών όσο και των φορητών χωρισμάτων στο δωμάτιο. Ένα χαρακτηριστικό του δημιουργικού τρόπου των ταλαντούχων τεχνιτών ήταν η επιλογή μιας μεγάλης, πολύχρωμης λεπτομέρειας του τοπίου στο τεράστιο επίπεδο ενός πάνελ τοίχου ή οθόνης.

Οι συνθέσεις λουλουδιών, βοτάνων, δέντρων και πουλιών, που ερμήνευσε ο Kano Eitoku σε χρυσαφένια λαμπερά φόντο με χοντρές και ζουμερές κηλίδες, γενικεύουν ιδέες για τη δύναμη και το μεγαλείο του σύμπαντος. Εκπρόσωποι της σχολής Kano, μαζί με φυσικά μοτίβα, περιλαμβάνονται στους πίνακες και νέα θέματα που αντικατοπτρίζουν τη ζωή και τη ζωή της ιαπωνικής πόλης του 16ου αιώνα.

Υπήρχαν επίσης μονόχρωμα τοπία στις οθόνες του παλατιού. Έχουν όμως εξαιρετικό διακοσμητικό αποτέλεσμα. Τέτοια είναι η οθόνη που ζωγράφισε ο οπαδός του Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Η λευκή ματ επιφάνειά του ερμηνεύεται από τον ζωγράφο ως ένα παχύ πέπλο ομίχλης, από το οποίο, σαν οράματα, ξεσπούν ξαφνικά οι σιλουέτες των παλιών πεύκων. Με λίγες μόνο τολμηρές σταγόνες μελανιού, ο Tohaku δημιουργεί μια ποιητική εικόνα ενός φθινοπωρινού δάσους.

Οι μονόχρωμοι κύλινδροι του τοπίου, με την απαλή ομορφιά τους, δεν μπορούσαν να ταιριάζουν με το στυλ των θαλάμων του παλατιού. Όμως διατήρησαν τη σημασία τους ως αναπόσπαστο μέρος του περιπτέρου τσαγιού chashitsu, σχεδιασμένο για πνευματική συγκέντρωση και γαλήνη.

Έργα τέχνης Ιάπωνων δασκάλων όχι μόνο παραμένουν πιστά στα αρχαία στυλ, αλλά έχουν πάντα κάτι νέο μέσα τους που κανένα άλλο έργο τέχνης δεν έχει. Στην ιαπωνική τέχνη δεν υπάρχει χώρος για κλισέ και πρότυπα. Σε αυτό, όπως και στη φύση, δεν υπάρχουν δύο εντελώς πανομοιότυπες δημιουργίες. Και ακόμη και τώρα, τα έργα τέχνης από Ιάπωνες δασκάλους δεν μπορούν να συγχέονται με έργα τέχνης από άλλες χώρες. Στην ιαπωνική τέχνη, ο χρόνος έχει επιβραδυνθεί, αλλά δεν έχει σταματήσει. Στην ιαπωνική τέχνη, οι παραδόσεις των αρχαίων χρόνων έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα.