Ξένοι καλλιτέχνες του 19ου αιώνα: οι πιο λαμπρές μορφές των καλών τεχνών και η κληρονομιά τους. Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Ευρώπης στον 19ο αιώνα Ευρωπαίοι καλλιτέχνες των αρχών του 19ου αιώνα

Τέχνη Δυτική Ευρώπη πρώτο μισό του 19ου αιώνα.

Ιστορία του 19ου αιώνα ανοίγει όχι το ημερολογιακό έτος 1801, αλλά το 1789. Εξαιρετική Γαλλική επανάσταση(1789-99), που κατέστρεψε τη μοναρχία και ίδρυσε μια δημοκρατία, καθόρισε για μεγάλο χρονικό διάστημα την ανάπτυξη του ευρωπαϊκού πολιτισμού. Ελευθερία, Ισότητα και Αδελφότητα. Ωστόσο, λιγότερο από πέντε χρόνια αργότερα, η ελευθερία μετατράπηκε σε δεσποτισμό, η ιδέα της ισότητας οδήγησε σε μαζικές εκτελέσεις και εξαπολύθηκαν επιθετικοί πόλεμοι στο όνομα της αδελφότητας όλων των ανθρώπων. Και όμως η κύρια ανακάλυψη του αιώνα ήταν η συνειδητοποίηση της μοναδικής αξίας του ανθρώπινου προσώπου.

Στην τέχνη του πρώτου μισού του XIX αιώνα. δύο τάσεις συναγωνίστηκαν νεοκλασικισμός και ρομαντισμός. Άνοδος του νεοκλασικισμούέπεσε στα χρόνια της Γαλλικής Επανάστασης και την περίοδο της βασιλείας του Ναπολέοντα Α. Αυτό το στυλ κυριάρχησε στην αρχιτεκτονική, τις καλές και διακοσμητικές τέχνες κατά τις τρεις πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα. για τους ανθρώπους εκείνης της εποχής, η ζωή των αρχαίων Ελλήνων και Ρωμαίων δεν ήταν μόνο ένα ιδανικό ομορφιάς, αλλά και ένα πρότυπο του κόσμου που προσπαθούσαν να χτίσουν. Μια νέα κατεύθυνση στον ευρωπαϊκό πολιτισμό - ρομαντισμός(Γαλλικός ρομαντισμός) - εξέφρασε τις απόψεις της νεότερης γενιάς η αλλαγή του 18ου-19ου αιώνα,γνώρισε απογοήτευση από τις κοινές αλήθειες του Διαφωτισμού. Ο κόσμος των ρομαντικών είναι μυστηριώδης, αντιφατικός και απεριόριστος. ο καλλιτέχνης έπρεπε να ενσωματώσει τη διαφορετικότητά του στο έργο του. Κύρια μέσα ρομαντική δουλειά- συναισθήματα και φαντασία του συγγραφέα. Για έναν ρομαντικό καλλιτέχνη υπήρχαν και δεν μπορούσαν να υπάρχουν νόμοι στην τέχνη: άλλωστε ό,τι δημιούργησε γεννήθηκε στα βάθη της ψυχής του. Ο μόνος κανόνας που τίμησε ήταν η πίστη στον εαυτό του, η ειλικρίνεια καλλιτεχνική γλώσσα. Συχνά, οι δημιουργίες των ρομαντικών συγκλόνισαν την κοινωνία με την πλήρη απόρριψη των κυρίαρχων γούστων, την αμέλεια και την ατελότητα.

Αρχιτεκτονική

Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα, ο πολεοδομικός σχεδιασμός σε πρωτοφανή κλίμακα εκτυλίχθηκε στην Ευρώπη. Οι περισσότερες ευρωπαϊκές πρωτεύουσες - Παρίσι, Αγία Πετρούπολη, Βερολίνο - έχουν αποκτήσει τη χαρακτηριστική τους εμφάνιση. στα αρχιτεκτονικά τους σύνολα αυξήθηκε ο ρόλος των δημόσιων κτιρίων. Ο νεοκλασικισμός στο πρώτο μισό του XIX αιώνα. γνώρισε όψιμη άνθιση. Στα μέσα του αιώνα, το κύριο πρόβλημα της ευρωπαϊκής αρχιτεκτονικής ήταν η αναζήτηση του στυλ. Λόγω της ρομαντικής γοητείας με την αρχαιότητα, πολλοί δάσκαλοι προσπάθησαν να αναβιώσουν τις παραδόσεις της αρχιτεκτονικής του παρελθόντος - έτσι νεογοθική, νεογεννησιακή, νεομπαρόκ . Οι προσπάθειες των αρχιτεκτόνων οδήγησαν συχνά σε εκλεκτισμός - μηχανική σύνδεση στοιχείων διαφορετικά στυλ, παλιό με καινούργιο.

Γαλλική αρχιτεκτονική

Στα χρόνια της Γαλλικής Επανάστασης δεν κατασκευάστηκε ούτε μία ανθεκτική κατασκευή στη Γαλλία. Αυτή ήταν η εποχή των προσωρινών κτιρίων. Στην τέχνη της ναπολεόντειας Γαλλίας, ο κυρίαρχος ρόλος παρέμεινε στον νεοκλασικισμό, ενώ οι αρχιτεκτονικές μορφές απέκτησαν ιδιαίτερη μεγαλοπρέπεια και επισημότητα και η κλίμακα της κατασκευής έγινε μεγαλειώδης. Ο νεοκλασικισμός των χρόνων του Ναπολέοντα Α' ονομαζόταν Αυτοκρατορία (Γαλλική αυτοκρατορία - «αυτοκρατορία»). Υποτίθεται ότι συμβολίζει το μεγαλείο και τη δύναμη του κράτους που δημιούργησε ο στρατηγός Βοναπάρτης. Το κύριο γεγονός του Ναπολέοντα στον τομέα της αρχιτεκτονικής ήταν η ανοικοδόμηση του Παρισιού.

Gabriel Jacques Ange (1698-1782) - ο μεγαλύτερος αρχιτέκτονας της Γαλλίας του XVIII αιώνα. Ένας από τους θεμελιωτές του νεοκλασικισμού.

Place Louis XV (Place de la Concorde) στο Παρίσι. 1753-75

Petit Trianon στις Βερσαλλίες. 1762-64

Κάστρο Compiègne. 1751-88

Στρατιωτική σχολή στο Παρίσι. 1751-75

Σουφλό Ζακ Ζερμέν (1713-1780) Γάλλος αρχιτέκτονας.

εκπρόσωπος του νεοκλασικισμού.

Jean Leper, Jacques Gonduin – Γάλλοι αρχιτέκτονες.

Η θριαμβευτική στήλη στην Place Vendôme ανεγέρθηκε με εντολή του Ναπολέοντα προς τιμήν της νίκης των γαλλικών στρατευμάτων στο Austerlitz. Στην αρχή ονομάστηκε έτσι - "Austerlitskaya", στη συνέχεια μετονομάστηκε σε "Στήλη των Νικών", και ακόμη αργότερα - "Στήλη του Μεγάλου Στρατού".

Θριαμβευτική στήλη στην Place Vendôme στο Παρίσι.

1806-10 Ύψος 44 m; πλάτος βάσης 3,67μ

Εκκλησία της Αγίας Ζενεβιέβ (Πάνθεον) στο Παρίσι. 1757-90

Αρχιτεκτονική της Αγγλίας

Στην αρχιτεκτονική της Αγγλίας στο πρώτο μισό του 18ου αιώνα. Καθιερώθηκε το νεογοτθικό στυλ. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά παραδείγματά του ήταν το Κοινοβούλιο Ensemble στο Λονδίνο (από το 1840-1868), αρχιτέκτονας Σερ Τσαρλς Μπάρι (1795-1860)

Βουλή.1840-68.

Αρχιτέκτονας Jean Francois Chalgrin .

Αψίδα του Θριάμβου στην πλατεία Carousel στο Παρίσι.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (μήκος, βάθος, ύψος)).

Αρχιτέκτονες Ch. Persier, P.F.L. Φοντέιν.

Αψίδα του Θριάμβου στην πλατεία Charles de Gaulle στο Παρίσι.

1806-37 Ύψος 50 m, πλάτος 45 m

Αψίδα του Θριάμβου στην πλατεία Carousel, γνωστή και ως πύλη εισόδουΤο παλάτι Tuileries, ανεγέρθηκε με εντολή του Ναπολέοντα για να τιμήσει τις μεγάλες νίκες των γαλλικών όπλων. Τα ανάγλυφα που διακοσμούν την αψίδα απεικονίζουν σκηνές από τις νίκες του ναπολεόντειου στρατού στο Ουλμ και στο Άουστερλιτς. Μέχρι το 1815, η αψίδα στεφανώθηκε με ένα χάλκινο άρμα της Νίκης, το οποίο προηγουμένως κοσμούσε την πρόσοψη του καθεδρικού ναού του Αγίου Μάρκου στη Βενετία, στη συνέχεια αντικαταστάθηκε από ένα quadriga από τον γλύπτη F.J. Μπόσιο.

Η θριαμβευτική αψίδα του Μεγάλου Στρατού τοποθετήθηκε στο κέντρο της μελλοντικής πλατείας Zvezda (τώρα πλατεία Charles de Gaulle) με εντολή του Ναπολέοντα προς τιμήν της νίκης του Γάλλου αυτοκράτορα στη μάχη του Austerlitz (1805) επί των συνδυασμένων στρατευμάτων του Αυστρία και Ρωσία. Οι πυλώνες της στα 30s. 19ος αιώνας ήταν διακοσμημένα με γλυπτά ανάγλυφα. συμπεριλαμβανομένης της περίφημης σύνθεσης Φρανσουά Ρούντα (1784-1855) «Λόγος των Εθελοντών το 1792 (Μασσαλιάζ)» (1833-36). Από το 1921, κάτω από το θησαυροφυλάκιο της καμάρας, υπάρχει ο τάφος του Άγνωστου Στρατιώτη - συμμετέχοντος στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο.

Γερμανική αρχιτεκτονική Το μεγαλύτερο κέντρο αρχιτεκτονικής στη Γερμανία στο πρώτο μισό του XIX αιώνα. ήταν το Βερολίνο. Η ανάπτυξη της γερμανικής αρχιτεκτονικής σχολής αυτής της περιόδου καθόρισε σε μεγάλο βαθμό το έργο δύο δασκάλων - Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) και Leo von Klenze (1784-1864).

Παλιό μουσείο. 1824-28 Αψίδα. Κ.Φ.Σίνκελ.

Δραματικό Θέατρο Βερολίνου.1819.Αρχ.Κ.Φ.Σίνκελ.

Νέο φυλάκιο.1816-18. Αψίδα. Κ.Φ.Σίνκελ.

Εκκλησία Vender. 1824 Στο Βερολίνο. αρχιτέκτονας K.F.Shinkel.

Ευρωπαϊκή γλυπτική σε αρχές XIX V.

Η ευρωπαϊκή γλυπτική στις αρχές του 19ου αιώνα γνώρισε μικρή περίοδοςακμή. Αλλά ήδη στη δεκαετία του '20. έδωσε τη θέση της στην παρακμή και τη στασιμότητα. Κυρίαρχη και πιο γόνιμη στυλ ήταν νεοκλασικισμός. Ενδιαφέρον για την τέχνη Αρχαία Ελλάδακαι η αρχαία Ρώμη ήταν πανταχού παρούσα, η κατοχή διάσημων αρχαίων αριστουργημάτων έγινε σημαντικό ζήτημα στη διεθνή πολιτική εκείνης της εποχής.

Ο ρομαντισμός έφερε στη γλυπτική ένα ενδιαφέρον για το άτομο.Πλήθος μνημείων μεγάλων ανθρώπων του παρελθόντος, που ανεγέρθηκαν σε διάφορες ευρωπαϊκές πόλεις τη δεκαετία του 20-30, μαρτυρούν την επιρροή του. 19ος αιώνας Συνολικά, η γλυπτική, με τη γενικευμένη καλλιτεχνική της γλώσσα, δεν μπορούσε να περιέχει όλη την ποικιλία των εντυπώσεων από τη ζωή, που άλλαζε κυριολεκτικά μπροστά στα μάτια μας. αρχηγός τέχνη του 19ουαιώνα ήταν η ζωγραφική και η γλυπτική έπρεπε να ακολουθήσει το μονοπάτι του μικροπρεπούς και θαμπού νατουραλισμού για πολύ καιρό, μέχρι τη δεκαετία του '80. ο Γάλλος δάσκαλος Ογκίστ Ροντέν δεν επέστρεψε την υψηλή μοίρα της.

Canova Antonio (1757-1822) -Ιταλός γλύπτης και ζωγράφος.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- Δανός γλύπτης.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Γερμανός γλύπτης, εκπρόσωπος του νεοκλασικισμού.

Ο Δαίδαλος και ο Ίκαρος. 1777-79

Quadriga με τη φιγούρα της Νίκης στην Πύλη του Βρανδεμβούργου στο Βερολίνο. 1793

Μνημείο του Νικολάου Κοπέρνικου στη Βαρσοβία. 1829-30

Ο Θησέας και ο Μινώταυρος. 1781-83

Ο Γανυμήδης ταΐζει τον Αετό του Δία. 1817

Πριγκίπισσα Φρειδερίκη. 1795

Ισπανία ζωγραφικήΜετά την άνθηση σε XVII αιώναΗ ισπανική ζωγραφική ήταν σε παρακμή. Οι καλλιτέχνες του εργάστηκαν υπό την επίδραση των ιταλικών και γαλλικών παραδόσεων και οι καμβάδες τους ήταν αδύναμοι και μιμητικοι. Στο δεύτερο μισό του XVIII αιώνα. Η Ισπανία έχει αλλάξει. Ο βασιλιάς Κάρολος Γ' (1759-88) της γαλλικής δυναστείας των Βουρβόνων είχε προοδευτικές απόψεις για την εποχή του. Οι σύμβουλοί του, προσπαθώντας να μεταμορφώσουν τη χώρα στο πνεύμα των ιδεών του Διαφωτισμού, πραγματοποίησαν μεταρρυθμίσεις που περιόρισαν τη δύναμη της εκκλησίας. Αυτή την περίοδο διαμορφώθηκε το ταλέντο Φρανσίσκο Γκόγια (1746-1828) -Ισπανός ζωγράφος

Πορτρέτο της Δούκισσας της Άλμπα. 1797

Πωλητής επιτραπέζιων σκευών. 1778

Οικογένεια του βασιλιά Καρόλου Δ'. 1800

Ζωγραφική της Γαλλίας

Στο πρώτο μισό του XIX αιώνα. γαλλικό σχολείοη ζωγραφική ενίσχυσε την πρωτοκαθεδρία της στην τέχνη της Δυτικής Ευρώπης. Ο Theodore Géricault και ο Eugene Delacroix αποδέχτηκαν δημιουργικά τον ελεύθερο τρόπο και το χρώμα τους, προετοιμάζοντας τη γέννηση του ιμπρεσιονισμού και έτσι το σύνολο μοντέρνα ζωγραφική. Στις αρχές του XIX αιώνα. Ο γενικά αναγνωρισμένος ηγέτης μεταξύ των Γάλλων καλλιτεχνών ήταν ο Jacques Louis David (1748-1825) - ο πιο σταθερός εκπρόσωπος του νεοκλασικισμού στη ζωγραφική και ένας ευαίσθητος χρονικογράφος των ταραγμένων εποχών του. Το έργο του David έχει έντονο δημοσιογραφικό προσανατολισμό, ο καλλιτέχνης επιδιώκει να εκφράσει ηρωικά ιδανικά μέσα από τις εικόνες της αρχαιότητας

Géricault Theodore (1791-1824) - Γάλλος ζωγράφοςκαι γράφημα.

Ιδρυτής ρομαντική σκηνοθεσίαστις εικαστικές τέχνες.

Αξιωματικός των ιπποφυλάκων της αυτοκρατορικής φρουράς,

πηγαίνει στην επίθεση. 1812

Σχεδία "Μέδουσα". 1818-19

Ντελακρουά Ευγένιος (1798-1863) - Γάλλος ζωγράφος και γραφίστας. Επικεφαλής της ρομαντικής τάσης στις εικαστικές τέχνες.

Φανατικοί της Ταγγέρης. 1837-38

Freedom Leading the People (Freedom at the Barricades). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) - Γάλλος ζωγράφος. Στην προεπαναστατική εποχή στη Γαλλία μεγαλύτερος εκπρόσωποςο λεγόμενος «επαναστατικός» κλασικισμός.

Όρκος των Horatii. 1784

Ο Ναπολέων διασχίζει τον Άγιο Βερνάρδο. 1800

Ingres Dominique (1780-1867) - Γάλλος ζωγράφος, σχεδιαστής και μουσικός. εκπρόσωπος του γαλλικού νεοκλασικισμού. Ο Ingres είναι ένας λαμπρός μάστερ είδος πορτρέτου. Εκτός από πορτρέτα, δημιούργησε πίνακες με βιβλικά, μυθολογικά, αλληγορικά, λογοτεχνικά θέματα.

Γκρος Ζαν Αντουάν (1771-1835) - Γάλλος ζωγράφος και γραφίστας. Ο επίσημος ζωγράφος του Ναπολέοντα Α', ο χρονικογράφος του ναπολεόντειου έπους, αποτυπώνει τα σημαντικότερα ορόσημα του. Δημιούργησε πορτρέτα και πίνακες μάχης, που φουντώνει το πνεύμα του ηρωισμού.

Ο Ναπολέων στο πεδίο της μάχης του Eylau. 1808

Countess d "Ossonville. 1845

Πριγκίπισσα ντε Μπρόγλι. 1851-53

Ζωγραφική της Γερμανίας

Η Γερμανία στις αρχές του 19ου αιώνα γνώρισε κοινωνική και πολιτική έξαρση. Η αντίσταση στις κατακτήσεις του Ναπολέοντα και ο απελευθερωτικός πόλεμος το 1813 έκανε τον γερμανικό πατριωτισμό οικουμενικό και οι υπήκοοι των τριακοσίων γερμανικών νάνων κρατών αναγνώρισαν τους εαυτούς τους ως ενιαίο λαό. Εκείνα τα χρόνια, υπήρχε έντονο πάθος για τον Μεσαίωνα στη Γερμανία και το ενδιαφέρον για την εθνική ιστορία και τον πολιτισμό αυξήθηκε. Η Γερμανία έπαιξε εξαιρετικό ρόλο στην ιστορία του ρομαντισμού - μια τάση στον ευρωπαϊκό πολιτισμό του τέλους του 18ου - το πρώτο μισό του 19ου αιώνα.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Γερμανός ζωγράφος, γραφίστας και θεωρητικός της τέχνης. Ένας από τους ιδρυτές και ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του ρομαντισμού στη γερμανική ζωγραφική.

Ξεκούραση στην πτήση για Αίγυπτο. 1805-06

Πορτρέτο της συζύγου του καλλιτέχνη. 1807

Πορτρέτο των γονιών του καλλιτέχνη με τα εγγόνια τους. 1806

Friedrich Caspar David (1774-1840) - Γερμανός ζωγράφος, σχεδιαστής και χαράκτης. εκπρόσωπος του ρομαντισμού. Τοπιογράφος.

Γιγαντιαία βουνά. 1835

Ο θάνατος της «Ναντέζντα» στον πάγο. 1824

Πλωτά σύννεφα. Γύρω στο 1820

Πίνακας Biedermeier Το Biedermeier (γερμανικό Biedermeier) είναι ένα στυλ στην τέχνη της Γερμανίας και της Αυστρίας, το οποίο αναπτύχθηκε στη δεκαετία του 10-40. 19ος αιώνας Το όνομα του δόθηκε από παρωδικά χιουμοριστικά ποιήματα των L. Eichrodt και A. Kussmaul, που εκδόθηκαν το 1855-57. σε ένα από τα περιοδικά του Μονάχου. Ο μυθιστορηματικός τους συγγραφέας, ο δάσκαλος Γκότλιμπ Μπιντερμάιερ, είναι ένας σεμνός λαϊκός: αυτάρεσκος, συναισθηματικός, άτυχος, λάτρης της ήσυχης ζωής και της άνεσης. Η ζωγραφική του Biedermeier χαρακτηρίζεται από μια μικρή μορφή καμβάδων, έναν προσεκτικό και λεπτό τρόπο γραφής, κατά κανόνα, την απουσία δράσης στις απεικονιζόμενες σκηνές και την προτίμηση για μικρές λεπτομέρειες. Ο Biedermeier κατέκτησε την καλλιτεχνική εμπειρία του ρομαντισμού με την ποιητική του άποψη για τον κόσμο, μερικές φορές χρωματισμένη με ειρωνεία, αλλά ταυτόχρονα εξομαλύνει τα άκρα αυτού του στυλ, το «εξημερώνει» σύμφωνα με την άνευ συγκρούσεων φύση του λαϊκού. Οι δάσκαλοι του Biedermeier δοκίμασαν τις δυνάμεις τους στο πορτραίτο, το τοπίο και άλλα είδη, αλλά η καθημερινή ζωγραφική έγινε η πιο ξεκάθαρη έκφραση του στυλ.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) Αυστριακός ζωγράφος. Ένας από τους μεγαλύτερους δεξιοτέχνες της ευρωπαϊκής ζωγραφικής μέσα του δέκατου ένατου V. Χαρακτηριστικός εκπρόσωπος του Biedermeier.

Μπουκέτο σε κρατήρα αντίκα. Περίπου το 1840

Ορεινό τοπίο κοντά στο Mödling. 1859

Ναζωραίοι (Γερμανός Nazarener), επίσημος Ένωση Αγίου Λουκά (Γερμανική) Lukasbund)

- ομαδοποίηση Γερμανοί και Αυστριακοί ρομαντικοί ζωγράφοι του 19ου αιώναπου προσπάθησαν να αναβιώσουν το στυλ των δασκάλων του Μεσαίωνα και της Πρώιμης Αναγέννησης, που καθοδηγούνταν από την τέχνη του 15ου αιώνα. Οι περισσότεροι πίνακές τους είναι πίνακες ζωγραφικής με χριστιανικά, ιστορικά ή αλληγορικά θέματα, το ύφος τους είναι μια κληρονομιά του κλασικισμού και μια αντίδραση σε αυτόν υπό την επίδραση της ιδεολογίας του ρομαντισμού. Ηγετικές μορφές του κινήματος ήταν Friedrich Overbeck και Peter Cornelius.

Γιόχαν Φρίντριχ Όβερμπεκ ( 1789 - 1869 ) - Γερμανός καλλιτέχνης, γραφίστας και εικονογράφος.

Κύκλος νωπογραφίας για το σπίτι του Bartholdi στη Ρώμη

Peter Joseph von Cornelius ( 1783 - 1867 ) - Γερμανός καλλιτέχνης.

Σοφές και ανόητες παρθένες. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1813

Ταβέρνα, γύρω στο 1820

Ζωγραφική της Αγγλίας

Στην αγγλική ζωγραφική, η ακαδημαϊκή σχολή, της οποίας τα θεμέλια τέθηκαν τον 18ο αιώνα ο πρώτος πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών, Τζόσουα Ρέινολντς, διατήρησε την κυρίαρχη θέση της σε όλο το πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Ωστόσο, το πιο αξιοσημείωτο φαινόμενο εκείνα τα χρόνια ήταν το τοπίο, το οποίο στο ακαδημαϊκό περιβάλλον γινόταν αντιληπτό ως δευτερεύον, ασήμαντο είδος. Από τη μια, η επιθυμία για μια πραγματική αντανάκλαση του κόσμου, η επιβεβαίωση της εγγενούς αξίας των απλών αγροτικών τοπίων και από την άλλη, η φύση ως κόσμος παθών και βίαιων εμπειριών - όλα αυτά βρήκαν μια ζωντανή έκφραση στο έργο Άγγλων καλλιτεχνών. Η τέχνη της Αγγλίας εισήλθε στην εποχή του ρομαντισμού.

William Blake (1757-1827) -Άγγλος ποιητής, ζωγράφος, εικονογράφος. Μια σύνθετη και διφορούμενη προσωπικότητα, ο Μπλέικ ήταν μια εμβληματική φιγούρα για την εποχή του, η ενσάρκωση του πνεύματος του ρομαντισμού.

Δημιουργός του σύμπαντος.

Προμετωπίδα στο ποίημα «Ευρώπη». 1794

Κρίμα. Περίπου το 1795

Αστυφύλακας Ιωάννης (1776-1837) - Άγγλος ζωγράφος. Ο αστυφύλακας απεικόνιζε τη συνηθισμένη ύπαιθρο με όλη της τη φρεσκάδα και την αμεσότητά της, αναδημιουργώντας τη ρίγη του περιβάλλοντος φωτός-αέρα.

Βαγόνι σανό. 1821

Ασπρο άλογο. 1819

William Turner (1775-1851) - ο Άγγλος ζωγράφος στράφηκε σε βιβλικά, μυθολογικά και ιστορικά θέματα, αποκαλύπτοντας μια τάση για ρομαντική φαντασία, για την ενσάρκωση της δραματικής πάλης των φυσικών δυνάμεων, για τη μεταφορά ασυνήθιστων εφέ φωτισμού.

Τυφλοπόντικας στο Καλαί. Οι Γάλλοι ετοιμάζονται να βγουν στη θάλασσα: φτάνει ένα αγγλικό επιβατηγό πλοίο. 1803

Δουλεμπορικό πλοίο. 1840

Το τελευταίο ταξίδι του πλοίου «Brave». 1838

Πλειονοψηφία καλλιτεχνικές κατευθύνσειςτον 19ο αιώνα ήταν το αποτέλεσμα μιας διαδικασίας εκσυγχρονισμού. Η καλλιτεχνική ζωή της κοινωνίας καθοριζόταν πλέον όχι μόνο από τις εκκλησιαστικές επιταγές και τη μόδα των αυλικών κύκλων. Η αλλαγή στην κοινωνική δομή οδήγησε σε αλλαγή στην αντίληψη της τέχνης στην κοινωνία: αναδύονται νέα κοινωνικά στρώματα πλούσιων και μορφωμένων ανθρώπων που είναι σε θέση να αξιολογούν ανεξάρτητα έργα τέχνης, εστιάζοντας μόνο στην απαίτηση του γούστου. Ήταν τον 19ο αιώνα που ο σχηματισμός του Μαζική κουλτούρα; εφημερίδες και περιοδικά από τεύχος σε τεύχος, που τύπωναν μεγάλα μυθιστορήματα με διασκεδαστική πλοκή, έγιναν το πρωτότυπο των τηλεοπτικών σειρών στην τέχνη του 20ού αιώνα.

Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα, ο πολεοδομικός σχεδιασμός σε πρωτοφανή κλίμακα εκτυλίχθηκε στην Ευρώπη. Οι περισσότερες ευρωπαϊκές πρωτεύουσες - Παρίσι, Αγία Πετρούπολη, Βερολίνο - έχουν αποκτήσει τη χαρακτηριστική τους εμφάνιση. στα αρχιτεκτονικά τους σύνολα αυξήθηκε ο ρόλος των δημόσιων κτιρίων. Ο διάσημος Πύργος του Άιφελ, που χτίστηκε το 1889 για τα εγκαίνια της Παγκόσμιας Έκθεσης, έχει γίνει το σύμβολο του Παρισιού. Ο Πύργος του Άιφελ έδειξε τις τεχνικές δυνατότητες ενός νέου υλικού - μετάλλου. Ωστόσο, η αρχική καλλιτεχνική λύση δεν αναγνωρίστηκε αμέσως, ο πύργος κλήθηκε να κατεδαφιστεί, ονομάστηκε τερατώδης.

Ο νεοκλασικισμός στο πρώτο μισό του XIX αιώνα. γνώρισε μια αργή ακμή, τώρα λαμβάνει το όνομα Αυτοκρατορία (από το γαλλικό "αυτοκρατορία"), αυτό το στυλ εξέφραζε το μεγαλείο της αυτοκρατορίας που δημιούργησε ο Ναπολέοντας. Στα μέσα του αιώνα, το κύριο πρόβλημα της ευρωπαϊκής αρχιτεκτονικής ήταν η αναζήτηση του στυλ. Λόγω της ρομαντικής γοητείας με την αρχαιότητα, πολλοί δάσκαλοι προσπάθησαν να αναβιώσουν τις παραδόσεις της αρχιτεκτονικής του παρελθόντος - έτσι προέκυψε το νεογοτθικό, νεοαναγεννησιακό, νεομπαρόκ. Οι προσπάθειες των αρχιτεκτόνων οδήγησαν συχνά στον εκλεκτικισμό - έναν μηχανικό συνδυασμό στοιχείων διαφορετικών στυλ, παλιών με καινούργια.

ΣΕ καλλιτεχνική ζωήΟ ρομαντισμός επικράτησε στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, αντανακλώντας την απογοήτευση στην ιδεολογία του Διαφωτισμού. Ο ρομαντισμός έχει γίνει μια ιδιαίτερη κοσμοθεωρία και τρόπος ζωής. Το ρομαντικό ιδανικό ενός ατόμου που δεν είναι κατανοητό από την κοινωνία διαμορφώνει τον τρόπο συμπεριφοράς των ανώτερων στρωμάτων της. Ο ρομαντισμός χαρακτηρίζεται από την αντίθεση δύο κόσμων: του πραγματικού και του φανταστικού. Η πραγματικότητα θεωρείται άψυχη, απάνθρωπη, ανάξια ενός ανθρώπου και που τον εναντιώνεται. Η «πεζογραφία της ζωής» του πραγματικού κόσμου έρχεται σε αντίθεση με τον κόσμο της «ποιητικής πραγματικότητας», τον κόσμο του ιδανικού, των ονείρων και των ελπίδων. Βλέποντας τον κόσμο των κακών στη σύγχρονη πραγματικότητα, ο ρομαντισμός προσπαθεί να βρει μια διέξοδο για τον άνθρωπο. Αυτή η έξοδος είναι ταυτόχρονα μια απομάκρυνση από την κοινωνία μέσα διαφορετικές επιλογές: ο ήρωας μπαίνει στα δικά του εσωτερικός κόσμος, πέρα ​​από τα όρια του πραγματικού χώρου και της φροντίδας σε άλλο χρόνο. Ο ρομαντισμός αρχίζει να εξιδανικεύει το παρελθόν, ειδικά τον Μεσαίωνα, βλέποντας σε αυτό την πραγματικότητα, τον πολιτισμό και τις αξίες ως παγετό.

Ο Ευγένιος Ντελακρουά (1798-1863) έμελλε να γίνει ο επικεφαλής του γαλλικού ρομαντισμού στη ζωγραφική. Η ανεξάντλητη φαντασία αυτού του καλλιτέχνη δημιούργησε έναν ολόκληρο κόσμο εικόνων που ζουν ακόμα στον καμβά με την έντονη, γεμάτη αγώνα και πάθη ζωή τους. Ο Ντελακρουά άντλησε συχνά κίνητρα από τα έργα των Γουίλιαμ Σαίξπηρ, Γιόχαν Βόλφγκανγκ Γκαίτε, Τζορτζ Μπάιρον, Γουόλτερ Σκοτ, στράφηκε στα γεγονότα της Γαλλικής Επανάστασης, σε άλλα επεισόδια της εθνικής ιστορίας ("Μάχη του Πουατιέ"). Ο Ντελακρουά απαθανάτισε πολυάριθμες εικόνες των ανθρώπων της Ανατολής, κυρίως Αλγερινών και Μαροκινών, τους οποίους είδε κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του στην Αφρική. Στη Σφαγή στο νησί της Χίου (1824), ο Ντελακρουά αντανακλούσε τον αγώνα των Ελλήνων κατά της Τουρκοκρατίας, που ανησύχησε τότε όλη την Ευρώπη. Η ομάδα των πονεμένων αιχμαλώτων Ελλήνων στο προσκήνιο της εικόνας, μεταξύ των οποίων υπάρχει μια γυναίκα στενοχωρημένη από τη θλίψη, και ένα παιδί που σέρνεται στο στήθος μιας νεκρής μητέρας, ο καλλιτέχνης αντιπαραβάλλει τις αλαζονικές και σκληρές φιγούρες των τιμωρών. μια φλεγόμενη ερειπωμένη πόλη φαίνεται στο βάθος. Η εικόνα εντυπωσίασε τους σύγχρονους με τη δύναμη του ανθρώπινου πόνου που κόβει την ανάσα και με τον ασυνήθιστα τολμηρό και ηχηρό χρώμα της.

Τα γεγονότα της επανάστασης του Ιουλίου του 1830, που έληξαν με την ήττα της επανάστασης και την αποκατάσταση της μοναρχίας, ενέπνευσαν τον Ντελακρουά να δημιουργήσει ευρέως διάσημος πίνακας«Ελευθερία στα οδοφράγματα» (1830). Η γυναίκα που ύψωσε το τρίχρωμο πανό της Γαλλικής Δημοκρατίας αντιπροσωπεύει την ελευθερία. Η εικόνα της ελευθερίας στα οδοφράγματα 0 προσωποποίηση του αγώνα.

Ο Ισπανός καλλιτέχνης Francisco Goya (1746-1828) ήταν ένας παγκοσμίως γνωστός εκπρόσωπος του ρομαντισμού.Ο Γκόγια εξελίχθηκε σε σημαντικό καλλιτέχνη σχετικά αργά. Η πρώτη σημαντική επιτυχία του έφερε δύο σειρές (1776-1791) πολυάριθμων ταπετσαριών που δημιουργήθηκαν για το Royal Manufactory της Santa Barbara στη Μαδρίτη ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " Γάμος"). Στη δεκαετία του '90. XVIII αιώνα στο έργο του Γκόγια, τα χαρακτηριστικά της τραγωδίας, της εχθρότητας προς τη φεουδαρχική-κληρική Ισπανία της «παλιάς τάξης» αυξάνονται. Την ασχήμια των ηθικών, πνευματικών και πολιτικών του θεμελίων ο Γκόγια αποκαλύπτει σε γκροτέσκο-τραγική μορφή, τρεφόμενος από λαογραφικές πηγές, σε μια μεγάλη σειρά χαρακτικών «Κάπριχος» (80 φύλλα με τα σχόλια του καλλιτέχνη). η τολμηρή καινοτομία της καλλιτεχνικής γλώσσας, η έντονη εκφραστικότητα των γραμμών και των πινελιών, οι αντιθέσεις φωτός και σκιάς, ο συνδυασμός γκροτέσκου και πραγματικότητας, αλληγορίας και φαντασίας, κοινωνική σάτιρα και νηφάλια ανάλυση της πραγματικότητας άνοιξαν νέους δρόμους για την ανάπτυξη ευρωπαϊκής χαρακτικής. Στη δεκαετία του 1790 - αρχές του 1800, το πορτραίτο του Γκόγια έφτασε σε εξαιρετική άνθηση, όπου ένα ανησυχητικό αίσθημα μοναξιάς (πορτρέτο της Σενόρα Μπερμούντεζ), θαρραλέα αντιπαράθεση και πρόκληση με το περιβάλλον (πορτρέτο του Φ. Γκιμαρντέτ), το άρωμα του μυστηρίου και του κρυφού αισθησιασμό ("Maja ντυμένη "και" Nude Maha "). Με εκπληκτική δύναμη πεποίθησης, ο καλλιτέχνης αποτύπωσε την αλαζονεία, τη σωματική και πνευματική εξαθλίωση της βασιλικής οικογένειας στο ομαδικό πορτρέτο«Η οικογένεια του Καρόλου Δ΄». Ο βαθύς ιστορικισμός, η παθιασμένη διαμαρτυρία διαποτίζουν τους μεγάλους πίνακες του Γκόγια αφιερωμένους στον αγώνα κατά της γαλλικής επέμβασης ("Εξέγερση στις 2 Μαΐου 1808 στη Μαδρίτη", "Πυροβολισμός των επαναστατών τη νύχτα της 3ης Μαΐου 1808"), μια σειρά από χαρακτικά φιλοσοφικά κατανοώντας τη μοίρα των ανθρώπων «Καταστροφές του πολέμου» (82 φύλλα, 1810-1820).

Francisco Goya "Caprichos"

Αν στη λογοτεχνία η υποκειμενικότητα της αντίληψης ενός καλλιτέχνη ανακαλύπτεται από τον συμβολισμό, τότε στη ζωγραφική μια παρόμοια ανακάλυψη γίνεται από τον ιμπρεσιονισμό. Ο ιμπρεσιονισμός (από το γαλλικό impression - impression) είναι μια τάση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική που ξεκίνησε στη Γαλλία στα μέσα του 19ου αιώνα. Οι ιμπρεσιονιστές απέφευγαν κάθε λεπτομέρεια στο σχέδιο και προσπάθησαν να αποτυπώσουν τη γενική εντύπωση αυτού που βλέπει το μάτι σε μια συγκεκριμένη στιγμή. Πέτυχαν αυτό το αποτέλεσμα με τη βοήθεια του χρώματος και της υφής. Η καλλιτεχνική έννοια του ιμπρεσιονισμού βασίστηκε στην επιθυμία να συλλάβει φυσικά και φυσικά τον περιβάλλοντα κόσμο στην μεταβλητότητά του, μεταφέροντας τις φευγαλέες εντυπώσεις τους. Γόνιμο έδαφος για την ανάπτυξη του ιμπρεσιονισμού ετοίμασαν οι καλλιτέχνες της σχολής Barbizon: ήταν οι πρώτοι που ζωγράφισαν σκίτσα από τη φύση. Η αρχή του «ζωγραφίζοντας αυτό που βλέπετε στη μέση του φωτός και του αέρα» αποτέλεσε τη βάση της ζωγραφικής πλήρους αέρα των ιμπρεσιονιστών.

Στη δεκαετία του 1860, οι νέοι ζωγράφοι του είδους E. Manet, O. Renoir, E. Degas προσπάθησαν να εμπνεύσουν τη γαλλική ζωγραφική με φρεσκάδα και αμεσότητα παρατήρησης της ζωής, απεικονίζοντας στιγμιαίες καταστάσεις, αστάθεια και ανισορροπία μορφών και συνθέσεων, ασυνήθιστες γωνίες και απόψεις. Η εργασία σε εξωτερικούς χώρους βοήθησε να δημιουργηθεί στους καμβάδες η αίσθηση του αστραφτερού χιονιού, ο πλούτος των φυσικών χρωμάτων, η διάλυση αντικειμένων στο περιβάλλον, η δόνηση του φωτός και του αέρα. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες έδωσαν ιδιαίτερη προσοχή στη σχέση ενός αντικειμένου με το περιβάλλον του, σε μελέτες για την αλλαγή στο χρώμα και τον τόνο ενός αντικειμένου σε ένα μεταβαλλόμενο περιβάλλον. Σε αντίθεση με τους ρομαντικούς και τους ρεαλιστές, δεν είχαν πλέον την τάση να απεικονίζουν το ιστορικό παρελθόν. Η νεωτερικότητα ήταν η περιοχή ενδιαφέροντός τους. Η ζωή των μικρών παρισινών καφέ, των θορυβωδών δρόμων, των γραφικών όχθες του Σηκουάνα, των σιδηροδρομικών σταθμών, των γεφυρών, της δυσδιάκριτης ομορφιάς των αγροτικών τοπίων. Οι καλλιτέχνες δεν είναι πλέον διατεθειμένοι να αγγίξουν οξέα κοινωνικά προβλήματα.

Το έργο του Edouard Manet (1832-1883) προέβλεψε μια νέα κατεύθυνση στη ζωγραφική - τον ιμπρεσιονισμό, αλλά ο ίδιος ο καλλιτέχνης δεν εντάχθηκε σε αυτό το κίνημα, αν και άλλαξε κάπως γνώμη υπό την επίδραση των ιμπρεσιονιστών. δημιουργικό τρόπο. Ο Μανέ δήλωσε το πρόγραμμά του: «Ζήστε το χρόνο σας και απεικόνισε αυτό που βλέπετε μπροστά σας, ανακαλύπτοντας την αληθινή ομορφιά και την ποίηση στην καθημερινή πορεία της ζωής». Ταυτόχρονα, στα περισσότερα έργα του Μανέ δεν υπήρχε δράση, έστω και μια ελάχιστη πλοκή. Το Παρίσι γίνεται σταθερό κίνητρο για το έργο του Μανέ: το πλήθος της πόλης, τα καφέ και τα θέατρα, οι δρόμοι της πρωτεύουσας.

Édouard Manet "Bar at the Folies Bergère"

Edourd Manet "Music at the Tuileries"

Το ίδιο το όνομα ιμπρεσιονισμός οφείλει την προέλευσή του στο τοπίο του Κλοντ Μονέ (1840-1926) «Εντύπωση. Ανατολή ηλίου".

Στο έργο του Μονέ ηγετική αξίααπέκτησε το στοιχείο του φωτός. Μέχρι τη δεκαετία του '70. 19ος αιώνας Η εκπληκτική "Boulevard des Capucines" είναι ένα από αυτά, όπου οι πινελιές που ρίχνονται στον καμβά μεταφέρουν τόσο την προοπτική ενός πολυσύχναστου δρόμου που πηγαίνει μακριά, ένα ατελείωτο ρεύμα από άμαξες που κινούνται κατά μήκος του και ένα χαρούμενο εορταστικό πλήθος. Ζωγράφισε πολλούς πίνακες με το ίδιο, αλλά διαφορετικά φωτισμένο αντικείμενο παρατήρησης. Για παράδειγμα, μια θημωνιά το πρωί, το μεσημέρι, το βράδυ, στο φως του φεγγαριού, στη βροχή κ.ο.κ.

Πολλά από τα επιτεύγματα του ιμπρεσιονισμού συνδέονται με το έργο του Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), ο οποίος εισήλθε στην ιστορία της τέχνης ως «ζωγράφος της ευτυχίας». Πραγματικά δημιούργησε στους πίνακές του έναν ιδιαίτερο κόσμο με μαγευτικές γυναίκες και γαλήνια παιδιά, χαρούμενη φύση και όμορφα λουλούδια. Σε όλη του τη ζωή, ο Ρενουάρ ζωγράφιζε τοπία, αλλά το επάγγελμά του παρέμεινε η εικόνα ενός άνδρα. Του άρεσε να ζωγραφίζει πίνακες ειδών, όπου με εκπληκτική ζωντάνια αναδημιουργούσε τη φασαρία των παριζιάνικων δρόμων και λεωφόρων, την αδράνεια των καφέ και των θεάτρων, τη ζωντάνια των περιπάτων στην εξοχή και τις υπαίθριες διακοπές. Όλοι αυτοί οι πίνακες, ζωγραφισμένοι στο ύπαιθρο, διακρίνονται από την ηχητικότητα του χρώματος. Ο πίνακας «Moulin de la Galette» (λαϊκή μπάλα στον κήπο της αίθουσας χορού της Μονμάρτρης) είναι ένα αριστούργημα του ιμπρεσιονισμού του Ρενουάρ. Μαντεύει τον ζωηρό ρυθμό του χορού, την αναλαμπή νεανικών προσώπων. Δεν υπάρχουν απότομες κινήσεις στη σύνθεση και δημιουργείται μια αίσθηση δυναμικής από τον ρυθμό των χρωματικών κηλίδων. Η χωρική οργάνωση της εικόνας είναι ενδιαφέρουσα: το πρώτο πλάνο δίνεται από ψηλά, οι καθισμένες φιγούρες δεν συσκοτίζουν τους χορευτές. Σε πολλά πορτρέτα κυριαρχούν παιδιά και νεαρά κορίτσια, σε αυτά τα πορτρέτα αποκαλύφθηκε η δεξιοτεχνία του: «Αγόρι με γάτα», «Κορίτσι με θαυμαστή».

Ένας ενεργός συμμετέχων σε όλες τις εκθέσεις, ο Edgar Degas (1834 - 1917), ήταν μακριά από όλες τις αρχές των ιμπρεσιονιστών: ήταν αντίπαλος του plein air, δεν ζωγράφιζε από τη ζωή, δεν επιδίωξε να συλλάβει τη φύση διαφόρων καταστάσεων της φύσης. Σημαντική θέση στο έργο του Ντεγκά καταλαμβάνει μια σειρά από πίνακες που απεικονίζουν ένα γυμνό γυναικείο σώμα. Πολλοί από τους πίνακές του των τελευταίων ετών είναι αφιερωμένοι στη «γυναίκα στην τουαλέτα». Σε πολλά έργα, ο Degas δείχνει την ιδιαιτερότητα της συμπεριφοράς και της εμφάνισης των ανθρώπων, που δημιουργείται από τις ιδιαιτερότητες της ζωής τους, αποκαλύπτει τον μηχανισμό μιας επαγγελματικής χειρονομίας, στάσης, κίνησης ενός ατόμου, την πλαστική ομορφιά του ("Ironers", "Laundresses with ΛΕΥΚΑ ΕΙΔΗ"). Στην επιβεβαίωση της αισθητικής σημασίας της ζωής των ανθρώπων, των καθημερινών τους δραστηριοτήτων, αντικατοπτρίζεται ο ιδιόρρυθμος ανθρωπισμός του έργου του Ντεγκά. Η τέχνη του Ντεγκά είναι εγγενής στον συνδυασμό του όμορφου, μερικές φορές φανταστικού και του πεζού: μεταφέροντας το εορταστικό πνεύμα του θεάτρου σε πολλές σκηνές μπαλέτου ("Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson").

Ο μετα-ιμπρεσιονισμός καλύπτει την περίοδο από το 1886, όταν πραγματοποιήθηκε η τελευταία έκθεση ιμπρεσιονιστών, η οποία παρουσίασε τα πρώτα έργα των Νεοϊμπρεσιονιστών, έως τη δεκαετία του 1910, η οποία προανήγγειλε τη γέννηση μιας εντελώς νέας τέχνης με τις μορφές του κυβισμού και του φωβισμού. Ο όρος «μετα-ιμπρεσιονισμός» εισήχθη από τον Άγγλο κριτικό Roger Fry, εκφράζοντας τη γενική εντύπωση της έκθεσης μοντέρνας γαλλικής τέχνης που οργάνωσε στο Λονδίνο το 1910, η οποία παρουσίαζε έργα των Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne και άλλων. καλλιτέχνες.

Οι μετα-ιμπρεσιονιστές, πολλοί από τους οποίους είχαν προηγουμένως ενταχθεί στον ιμπρεσιονισμό, άρχισαν να αναζητούν μεθόδους έκφρασης όχι μόνο του στιγμιαίου και παροδικού - κάθε στιγμή, άρχισαν να κατανοούν τις μακροπρόθεσμες καταστάσεις του κόσμου γύρω τους. Ο μετα-ιμπρεσιονισμός χαρακτηρίζεται από διαφορετικά δημιουργικά συστήματα και τεχνικές που επηρέασαν τη μετέπειτα ανάπτυξη των καλών τεχνών. Το έργο του Βαν Γκογκ περίμενε την έλευση του Εξπρεσιονισμού, ο Γκογκέν άνοιξε το δρόμο για την Αρ Νουβό.

Ο Vincent van Gogh (1853-1890) δημιούργησε τα πιο εντυπωσιακά καλλιτεχνικές εικόνεςμε σύνθεση (συνδυασμό) σχεδίου και χρώματος. Η τεχνική του Βαν Γκογκ είναι τελείες, κόμματα, κάθετες γραμμές, συμπαγή σημεία. Οι δρόμοι, τα κρεβάτια και τα αυλάκια του τρέχουν πραγματικά μακριά, και οι θάμνοι καίγονται στο έδαφος σαν φωτιές. Δεν απεικόνισε μια αδρανοποιημένη στιγμή, αλλά τη συνέχεια των στιγμών. Δεν απεικόνισε αυτό το φαινόμενο ενός δέντρου που λυγίζει ο άνεμος, αλλά την ίδια την ανάπτυξη ενός δέντρου από το έδαφος.. Ο Βαν Γκογκ ήξερε πώς να μετατρέπει τα πάντα τυχαία σε κοσμικά. Η ψυχή του Βαν Γκογκ απαιτούσε έντονα χρώματα, παραπονιόταν συνεχώς στον αδερφό του για την έλλειψη δύναμης ακόμη και του αγαπημένου του λαμπερού κίτρινου χρώματος.

Η Έναστρη Νύχτα δεν ήταν η πρώτη προσπάθεια του Βαν Γκογκ να απεικονίσει τον νυχτερινό ουρανό. Το 1888, στην Αρλ, ζωγράφισε την Έναστρη Νύχτα πάνω από τον Ροδανό. Ο Βαν Γκογκ ήθελε να απεικονίσει την έναστρη νύχτα ως παράδειγμα της δύναμης της φαντασίας, η οποία μπορεί να δημιουργήσει πιο εκπληκτική φύση από ό,τι μπορούμε να αντιληφθούμε όταν κοιτάζουμε πραγματικό κόσμο.

Η αυξημένη αντίληψη της πραγματικότητας και η ψυχική ανισορροπία οδηγούν τον Βαν Γκογκ σε ψυχική ασθένεια. Ο Γκωγκέν έρχεται για να μείνει στην Αρλ, αλλά οι δημιουργικές διαφορές προκαλούν καυγά. Ο Βαν Γκογκ ρίχνει ένα ποτήρι στο κεφάλι του καλλιτέχνη και στη συνέχεια, μετά τη δήλωση του Γκωγκέν για την πρόθεσή του να φύγει, πετάγεται εναντίον του με ένα ξυράφι. Σε μια κρίση τρέλας το βράδυ της ίδιας μέρας, ο καλλιτέχνης κόβει το αυτί του («Αυτοπροσωπογραφία με δεσμευμένο αυτί»).

Το έργο του Paul Gauguin (1848-1903) είναι αχώριστο από την τραγική του μοίρα. Το πιο σημαντικό πράγμα στη στυλιστική αντίληψη του Γκωγκέν ήταν η κατανόηση του χρώματος. Περίπου. Η Ταϊτή, όπου ο καλλιτέχνης έφυγε το 1891, υπό την επίδραση των πρωτόγονων μορφών της πολυνησιακής τέχνης, ζωγράφισε εικόνες που διακρίνονται από διακοσμητικότητα, επίπεδες φόρμες και εξαιρετικά καθαρά χρώματα. Ο «εξωτικός» πίνακας του Γκωγκέν - «Ζηλεύεις;», «Το όνομά της είναι Βαϊραουμάτι», «Γυναίκα που κρατά ένα φρούτο» - αντικατοπτρίζει όχι τόσο τις φυσικές ιδιότητες των αντικειμένων όσο τη συναισθηματική κατάσταση του καλλιτέχνη και συμβολικό νόηματις εικόνες που συνέλαβαν. Η ιδιαιτερότητα του στυλ ζωγραφικής του Γκωγκέν είναι ένα έντονο διακοσμητικό αποτέλεσμα, η επιθυμία να ζωγραφίσει πάνω από μεγάλα επίπεδα του καμβά με ένα χρώμα, ερωτευμένος για διακόσμηση, που υπήρχε στα υφάσματα των ρούχων και στα χαλιά και στο φόντο του τοπίου.

Paul Gauguin «Πότε να παντρευτείς» «Γυναίκα που κρατά ένα φρούτο»

Το σημαντικότερο επίτευγμα του πολιτισμού του XIX αιώνα. είναι η ανάδυση της τέχνης της φωτογραφίας και του design. Η πρώτη κάμερα στον κόσμο κατασκευάστηκε το 1839 από τον Louis Jacques Mande Daguerre.

Οι πρώτες προσπάθειες του Daguerre να φτιάξει μια λειτουργική κάμερα ήταν ανεπιτυχείς. Το 1827, γνώρισε τον Joseph Niépce, ο οποίος επίσης προσπαθούσε (και μέχρι τότε είχε ελαφρώς μεγαλύτερη επιτυχία) να εφεύρει την κάμερα. Δύο χρόνια αργότερα έγιναν σύντροφοι. Ο Niépce πέθανε το 1833, αλλά ο Daguerre συνέχισε να εργάζεται σκληρά. Μέχρι το 1837 μπόρεσε τελικά να αναπτύξει ένα πρακτικό σύστημα φωτογραφίας που ονομάζεται daguerreotype. Η εικόνα (daguerreotype) λήφθηκε σε μια πλάκα αργύρου επεξεργασμένη με ατμό ιωδίου. Μετά από έκθεση για 3-4 ώρες, η πλάκα αναπτύχθηκε σε ατμό υδραργύρου και στερεώθηκε με ένα θερμό διάλυμα κοινού αλατιού ή υποθειώδους. Οι δαγκεροτυπίες ήταν πολύ υψηλής ποιότητας εικόνας, αλλά μπορούσε να ληφθεί μόνο μία λήψη.

Το 1839 ο Daguerre δημοσίευσε την εφεύρεσή του αλλά δεν κατέθεσε δίπλωμα ευρεσιτεχνίας. Σε απάντηση, η γαλλική κυβέρνηση χορήγησε σε αυτόν και στον γιο του Niépce ισόβιες συντάξεις. Η ανακοίνωση της εφεύρεσης του Νταγκέρ προκάλεσε μεγάλη αίσθηση. Ο Daguerre έγινε ο ήρωας της ημέρας, η φήμη έπεσε πάνω του και η μέθοδος daguerreotype βρήκε γρήγορα ευρεία εφαρμογή.

Η ανάπτυξη της φωτογραφίας οδήγησε σε μια αναθεώρηση καλλιτεχνικές αρχέςγραφικά, ζωγραφική, γλυπτική, συνδυασμένη καλλιτεχνία και ντοκιμαντέρ, κάτι που δεν είναι εφικτό σε άλλες μορφές τέχνης. Η βάση για το σχεδιασμό τέθηκε από τη Διεθνή Βιομηχανική Έκθεση στο Λονδίνο το 1850. Ο σχεδιασμός του σηματοδότησε τη σύγκλιση της τέχνης και της τεχνολογίας και έθεσε τα θεμέλια για ένα νέο είδος δημιουργικότητας.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce και Niepce's Camera Obscura

Joseph Nicephore Niepce. Η πρώτη φωτογραφία στον κόσμο που τραβήχτηκε σε κράμα κασσίτερου και μολύβδου, 1826.

Το «Στούντιο καλλιτέχνη» του Νταγκέρ, 1837

Στη δεκαετία του 1870, δύο εφευρέτες, ο Elisha Gray και ο Alexander Graham Bell, ανέπτυξαν ανεξάρτητα συσκευές που μπορούσαν να μεταδώσουν την ομιλία μέσω ηλεκτρικής ενέργειας, την οποία αργότερα ονόμασαν τηλέφωνο. Και οι δύο έστειλαν τις αντίστοιχες πατέντες τους στα γραφεία διπλωμάτων ευρεσιτεχνίας, η διαφορά στις αρχειοθετήσεις ήταν μόνο λίγες ώρες. Ωστόσο, ο Alexander Graham Bell) έλαβε πρώτος το δίπλωμα ευρεσιτεχνίας.

Το τηλέφωνο και ο τηλέγραφος είναι ηλεκτρικά συστήματα που βασίζονται σε καλώδια. Η επιτυχία του Alexander Bell, ή μάλλον η εφεύρεσή του, ήταν απολύτως φυσική, αφού, εφευρίσκοντας το τηλέφωνο, προσπάθησε να βελτιώσει τον τηλέγραφο. Όταν ο Μπελ άρχισε να πειραματίζεται με ηλεκτρικά σήματα, ο τηλέγραφος είχε ήδη χρησιμοποιηθεί ως μέσο επικοινωνίας για περίπου 30 χρόνια. Αν και ο τηλέγραφος ήταν ένα αρκετά επιτυχημένο σύστημα επικοινωνίας βασισμένο στον κώδικα Μορς με την εμφάνιση γραμμάτων χρησιμοποιώντας τελείες και παύλες, ωστόσο, το μεγάλο μειονέκτημα του τηλέγραφου ήταν ότι οι πληροφορίες περιορίζονταν στη λήψη και αποστολή ενός μηνύματος τη φορά.

Ο Alexander Bell μιλάει στο πρώτο μοντέλο τηλεφώνου

Το πρώτο τηλέφωνο, που δημιούργησε ο Alexander Graham Bell, ήταν μια συσκευή μέσω της οποίας μεταδίδονταν οι ήχοι της ανθρώπινης ομιλίας χρησιμοποιώντας ηλεκτρισμό (1875). Στις 2 Ιουνίου 1875, ο Alexander Graham Bell, ενώ πειραματιζόταν με την τεχνική του, την οποία ονόμασε «αρμονικός τηλέγραφος», ανακάλυψε ότι μπορούσε να ακούσει ήχο μέσω ενός καλωδίου. Ήταν ο ήχος ενός ρολογιού.

Η μεγαλύτερη επιτυχία του Μπελ σημειώθηκε στις 10 Μαρτίου 1876. Μιλώντας μέσω σωλήνα με τον βοηθό του, Τόμας Γουάτσον, που βρισκόταν στο διπλανό δωμάτιο, ο Μπελ πρόφερε τα λόγια που είναι γνωστά σε όλους σήμερα «Mr. Watson - έλα εδώ - θέλω να σε δω "(Κύριε Watson - έλα εδώ - θέλω να σε δω). Αυτή τη στιγμή, όχι μόνο γεννήθηκε το τηλέφωνο, αλλά πέθανε και ο πολλαπλός τηλέγραφος. Η δυνατότητα της επικοινωνίας να αποδείξει ότι ήταν δυνατή η ομιλία μέσω ηλεκτρικής ενέργειας ήταν πολύ διαφορετική από ό,τι μπορούσε να προσφέρει ο τηλέγραφος με το σύστημα μετάδοσης πληροφοριών χρησιμοποιώντας τελείες και παύλες.

Η έννοια του κινηματογράφου εμφανίστηκε για πρώτη φορά στη γαλλική εκδοχή του - "cinema", που υποδηλώνει ένα σύστημα δημιουργίας και προβολής μιας ταινίας, που αναπτύχθηκε από τους αδελφούς Louis Jean και Auguste Lumiere. Η πρώτη ταινία γυρίστηκε με κινηματογραφική κάμερα από τον Γάλλο Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842–1890) τον Νοέμβριο του 1888 στη Μεγάλη Βρετανία και αποτελούνταν από δύο κομμάτια: το πρώτο είχε 10-12 φωτογραφίες το δευτερόλεπτο, το δεύτερο είχε 20 εικόνες ανά δευτερόλεπτο. Επισήμως όμως πιστεύεται ότι ο κινηματογράφος ξεκινάει στις 28 Δεκεμβρίου 1895. Την ημέρα αυτή, στο ινδικό σαλόνι «Grand Cafe» στη λεωφόρο των Capucines (Παρίσι, Γαλλία), πραγματοποιήθηκε δημόσια προβολή της ταινίας «Κινηματογράφος των αδελφών Lumiere». Το 1896, τα αδέρφια έκαναν μια παγκόσμια περιοδεία με την εφεύρεσή τους, επισκεπτόμενοι το Λονδίνο, τη Νέα Υόρκη, τη Βομβάη.

Ο Louis Jean Lumiere αποφοίτησε από βιομηχανική σχολή, ήταν φωτογράφος και εργάστηκε σε ένα φωτογραφικό εργοστάσιο που ανήκε στον πατέρα του. Το 1895, ο Lumière εφηύρε την κινηματογραφική κάμερα για τη λήψη και την προβολή "κινούμενων φωτογραφιών". Ο αδερφός του Auguste Lumiere συμμετείχε ενεργά στη δουλειά του για την εφεύρεση του κινηματογράφου. Η συσκευή κατοχυρώθηκε με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας και ονομάστηκε κινηματογράφος. Τα πρώτα κινηματογραφικά προγράμματα του Lumiere έδειχναν σκηνές που γυρίστηκαν στην τοποθεσία: «Έξοδος εργαζομένων από το εργοστάσιο του Lumiere», «Άφιξη τρένου», «Πρωινό του παιδιού», «Πασπαλισμένο ποτίστρο» και άλλα. Είναι ενδιαφέρον ότι η λέξη lumiere στα γαλλικά σημαίνει «φως». Ίσως είναι ατύχημα, ή ίσως η μοίρα των δημιουργών του κινηματογράφου είχε κριθεί εκ των προτέρων.

Από τους εκπροσώπους της δυτικοευρωπαϊκής ζωγραφικής του 19ου αιώνα προκύπτει ότι η Γαλλία θεωρούνταν ακόμα το παγκόσμιο πολιτιστικό κέντρο εκείνη την εποχή (από τον 17ο αιώνα) και ο ρομαντισμός θεωρήθηκε το καλλιτεχνικό στυλ που άνοιξε την εποχή. Παραδόξως, στο Διαδίκτυο είναι πολύ πιο εύκολο να βρείτε πληροφορίες για τους εκπροσώπους του ρομαντισμού γενικά παρά για τους Γάλλους του 19ου αιώνα. Για παράδειγμα, μπορείτε να ανατρέξετε στις πληροφορίες που παρέχονται στον ιστότοπο smollbay.ru, ο οποίος περιλαμβάνει ρομαντικούς καλλιτέχνες όχι μόνο στη Γαλλία, αλλά και σε άλλες χώρες. Παρεμπιπτόντως, ο κατάλογος των εκπροσώπων του ρομαντισμού στη ζωγραφική του 19ου αιώνα θα πρέπει να ξεκινήσει με έναν από τους ιδρυτές του - τον Ισπανό Francisco Goya. Επίσης εδώ μπορείτε να συμπεριλάβετε τα ονόματα του Jacques Louis David, του οποίου το έργο καταλαμβάνει μια οριακή κατάσταση μεταξύ κλασικισμού και ρομαντισμού, και των «αληθινών ρομαντικών» Theodore Géricault και Eugene Delacroix.

Ο ρομαντισμός αντικαθίσταται από τη ρεαλιστική ζωγραφική, η οποία επίσης ξεκίνησε από τη Γαλλία. Αρκετά χωρητικότητας σχετικά με αυτή την κατεύθυνση περιέχεται στο " εγκυκλοπαιδικό λεξικό Brockhaus and Efron», μπορείτε να διαβάσετε το κείμενό του στο Διαδίκτυο στη διεύθυνση dic.academic.ru. Στους εκπροσώπους του ρεαλισμού στις καλές τέχνες της Γαλλίας συγκαταλέγονται καταρχήν οι Honore Daumier, Gustave Courbet και Jean-Francois Millet.

Μια από τις πιο λαμπερές σελίδες στην ιστορία γαλλική ζωγραφική- η εμφάνιση και ανάπτυξη του ιμπρεσιονισμού. Είναι πολύ εύκολο να βρείτε πληροφορίες για ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες ανατρέχοντας στους ιστότοπους hudojnik-impressionist.ru, impressionism.ru, καθώς και σε πολυάριθμες έντυπες δημοσιεύσεις σχετικά με αυτό το θέμα, για παράδειγμα, "Ιμπρεσιονισμός. Εικονογραφημένη Εγκυκλοπαίδεια» του Ιβάν Μοσίν, «Ιμπρεσιονισμός. Μαγεμένη στιγμή» της Natalia Sinelnikova, «Ιστορία της παγκόσμιας ζωγραφικής. Ιμπρεσιονισμός» της Ναταλίας Σκορομπογάτκο. Οι κορυφαίοι δάσκαλοι εδώ είναι οι Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas.

Δεν είναι λιγότερο συνηθισμένες πληροφορίες για εκπροσώπους του νεο-ιμπρεσιονισμού και του μετα-ιμπρεσιονισμού. Μπορείτε να το βρείτε στον ήδη αναφερόμενο ιστότοπο smollbay.ru ή στο βιβλίο της Έλενα Ζορίνα «Η ιστορία της παγκόσμιας ζωγραφικής. Ανάπτυξη του ιμπρεσιονισμού. Πρώτα από όλα, η λίστα θα πρέπει να συμπληρωθεί με τα ονόματα των Georges Seurat, Paul Signac, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec.
Μια τέτοια τάση στην αγγλική ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, όπως ο προ-ραφαηλισμός, γίνεται όλο και πιο δημοφιλής. Τα ονόματα των εκπροσώπων του βρίσκονται στις ιστοσελίδες dic.academic.ru, restorewiki.ru ή στα βιβλία «Pre-Raphaelism» του Ivan Mosin, «The History of World Painting. Victorian Painting and the Pre-Raphaelites» των Natalia Mayorova και Gennady Skokov. Οι κορυφαίοι δάσκαλοι αυτής της τάσης είναι οι Dante Gabriel Rossetti, John Everett Milles, William Holman Hunt, William Morris, Edward Burne-Jones.

Δάσκαλοι της ρωσικής ζωγραφικής του 19ου αιώνα

Είναι πολύ πιο εύκολο να συντάξετε μια λίστα με Ρώσους καλλιτέχνες του 19ου αιώνα επικοινωνώντας με ιστότοπους όπως www.art-portrets.ru, art19.info ή μια από τις πολλές εγκυκλοπαίδειες της ρωσικής ζωγραφικής για πληροφορίες. Εδώ θα πρέπει να επισημάνουμε τους εκπροσώπους του ρομαντισμού (Orest Kiprensky, Vasily Tropinin, Karl Bryullov), καλλιτέχνες των οποίων το έργο αντιπροσωπεύει τη μετάβαση από τον ρομαντισμό στον ρεαλισμό (Alexander Ivanov, Pavel Fedotov) και, τέλος, τους διάσημους Wanderers (Ilya Repin, Ivan Kramskoy, Vasily Perov, Vasily Surikov, Alexei Savrasov, Ivan Shishkin, Isaac Levitan, Viktor Vasnetsov και πολλοί άλλοι).

Η σύνταξη μιας λίστας καλλιτεχνών του 19ου αιώνα δεν είναι τόσο δύσκολη υπόθεση, απλά χρειάζεται να κάνετε λίγη προσπάθεια για να βρείτε και να οργανώσετε πληροφορίες.

Κλασσικότης, στυλ τέχνης σε ευρωπαϊκή τέχνη 17ος-αρχές 19ου αιώνα, ένα από τα σημαντικότερα χαρακτηριστικά του οποίου ήταν η έφεση στις μορφές της αρχαίας τέχνης, ως ιδανικό αισθητικό και ηθικό πρότυπο. Ο κλασικισμός, ο οποίος αναπτύχθηκε σε έντονη πολεμική αλληλεπίδραση με το μπαρόκ, εξελίχθηκε σε ένα αναπόσπαστο στυλιστικό σύστημα στη γαλλική καλλιτεχνική κουλτούρα του 17ου αιώνα.

Ο κλασικισμός του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα (στην ξένη ιστορία της τέχνης αναφέρεται συχνά ως νεοκλασικισμός), που έγινε πανευρωπαϊκό στυλ, διαμορφώθηκε επίσης κυρίως στους κόλπους του γαλλικού πολιτισμού, υπό την ισχυρή επιρροή των ιδεών του Διαφώτιση. Στην αρχιτεκτονική, καθορίστηκαν νέοι τύποι ενός εξαίσιου αρχοντικού, ενός μεγάλου δημόσιου κτιρίου, μιας ανοιχτής πλατείας της πόλης (Gabrielle Jacques Ange και Souflo Jacques Germain), η αναζήτηση νέων, ακατάστατων μορφών αρχιτεκτονικής, η επιθυμία για σκληρή απλότητα στο έργο του Ο Ledoux Claude Nicolas πρόβλεψε την αρχιτεκτονική του τελευταίου σταδίου του κλασικισμού - Αυτοκρατορίας. Το αστικό πάθος και ο λυρισμός συνδυάζονται σε πλαστικό (Pigalle Jean Baptiste και Houdon Jean Antoine), διακοσμητικά τοπία (Robert Hubert). Το θαρραλέο δράμα των ιστορικών και πορτραίτων εικόνων είναι εγγενές στα έργα του επικεφαλής του γαλλικού κλασικισμού, του ζωγράφου Ζακ Λουί Νταβίντ. Τον 19ο αιώνα, η ζωγραφική του κλασικισμού, παρά τις δραστηριότητες μεμονωμένων μεγάλων δασκάλων, όπως ο Jean Auguste Dominique Ingres, εκφυλίζεται σε μια επίσημη απολογητική ή επιτηδευμένα ερωτική τέχνη του σαλονιού. Η Ρώμη έγινε το διεθνές κέντρο του ευρωπαϊκού κλασικισμού τον 18ο - αρχές του 19ου αιώνα, όπου κυριαρχούσαν οι παραδόσεις του ακαδημαϊσμού, με τον χαρακτηριστικό συνδυασμό ευγένειας των μορφών και ψυχρής εξιδανίκευσης (Γερμανός ζωγράφος Anton Raphael Mengs, γλύπτες: Ιταλός Canova Antonio και Dane Thorvaldsen Bertel ). Η αρχιτεκτονική του γερμανικού κλασικισμού χαρακτηρίζεται από τη σοβαρή μνημειακότητα των κτιρίων του Karl Friedrich Schinkel, για τη στοχαστική-ελεγειακή διάθεση της ζωγραφικής και της πλαστικής τέχνης - πορτρέτα του Αυγούστου και του Wilhelm Tischbein, γλυπτική του Johann Gottfried Schadow. Στον αγγλικό κλασικισμό ξεχωρίζουν οι αρχαιότητες του Ρόμπερτ Άνταμ, τα παλλαδικά πάρκα κτήματα του Γουίλιαμ Τσέιμπερς, τα εξαιρετικά λιτά σχέδια του Τζ. Φλάξμαν και τα κεραμικά του Τζ. Γουέτζγουντ. Οι δικές τους παραλλαγές του κλασικισμού αναπτύχθηκαν στον καλλιτεχνικό πολιτισμό της Ιταλίας, της Ισπανίας, του Βελγίου, των Σκανδιναβικών χωρών, των ΗΠΑ. μια εξαιρετική θέση στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης καταλαμβάνει ο ρωσικός κλασικισμός της δεκαετίας 1760-1840.

Μέχρι το τέλος του πρώτου τρίτου του 19ου αιώνα, ο ηγετικός ρόλος του κλασικισμού σχεδόν καθολικά εξαφανιζόταν, αντικαταστάθηκε από διάφορες μορφές αρχιτεκτονικού εκλεκτικισμού. Η καλλιτεχνική παράδοση του κλασικισμού ζωντανεύει στον νεοκλασικισμό του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Γάλλος καλλιτέχνης, γενικά αναγνωρισμένος ηγέτης του ευρωπαϊκού ακαδημαϊσμού του 19ου αιώνα.
Στο έργο του Ingres - η αναζήτηση της καθαρής αρμονίας.
Σπούδασε στην Ακαδημία της Τουλούζης καλές τέχνες. Μετά την αποφοίτησή του από την ακαδημία, μετακόμισε στο Παρίσι, όπου το 1797 έγινε μαθητής του Jacques-Louis David. Το 1806-1820 σπούδασε και εργάστηκε στη Ρώμη, στη συνέχεια μετακόμισε στη Φλωρεντία, όπου πέρασε άλλα τέσσερα χρόνια. Το 1824 επέστρεψε στο Παρίσι και άνοιξε σχολή ζωγραφικής. Το 1835 επέστρεψε στη Ρώμη και πάλι ως διευθυντής της Γαλλικής Ακαδημίας. Από το 1841 μέχρι το τέλος της ζωής του έζησε στο Παρίσι.

Ο ακαδημισμός (fr. academisme) είναι μια τάση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική του 17ου-19ου αιώνα. Η ακαδημαϊκή ζωγραφική προέκυψε κατά την ανάπτυξη των ακαδημιών τέχνης στην Ευρώπη. Η στυλιστική βάση της ακαδημαϊκής ζωγραφικής στις αρχές του 19ου αιώνα ήταν ο κλασικισμός, στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα - ο εκλεκτικισμός.
Ο ακαδημαϊσμός αναπτύχθηκε ακολουθώντας εξωτερικές μορφέςκλασική τέχνη. Οι οπαδοί χαρακτήρισαν αυτό το στυλ ως προβληματισμό για τη μορφή τέχνης της αρχαίας αρχαιότητας και της Αναγέννησης.

Ingres. Πορτρέτα της οικογένειας Riviere. 1804-05

Ρομαντισμός

Ρομαντισμός- φαινόμενο που δημιουργείται από το αστικό σύστημα. Όπως η οπτική και το στυλ καλλιτεχνική δημιουργικότητααντανακλά τις αντιφάσεις του: το χάσμα ανάμεσα στο σωστό και το πραγματικό, το ιδανικό και την πραγματικότητα. Η επίγνωση της μη πραγματοποίησης των ανθρωπιστικών ιδανικών και αξιών του Διαφωτισμού οδήγησε σε δύο εναλλακτικές κοσμοθεωρητικές θέσεις. Η ουσία του πρώτου είναι να περιφρονήσει την βασική πραγματικότητα και να κλείσει στο κέλυφος των αγνών ιδανικών. Η ουσία του δεύτερου είναι να αναγνωρίσουμε την εμπειρική πραγματικότητα, να απορρίψουμε κάθε συλλογισμό για το ιδανικό. Η αφετηρία της ρομαντικής κοσμοθεωρίας είναι μια ανοιχτή απόρριψη της πραγματικότητας, η αναγνώριση μιας ανυπέρβλητης αβύσσου ανάμεσα στα ιδανικά και το πραγματικό ον, το παράλογο του κόσμου των πραγμάτων.

Χαρακτηρίζεται από αρνητική στάση απέναντι στην πραγματικότητα, απαισιοδοξία, ερμηνεία των ιστορικών δυνάμεων ως έξω από την πραγματική καθημερινή πραγματικότητα, μυστικοποίηση και μυθοποίηση. Όλα αυτά ώθησαν την αναζήτηση επίλυσης αντιφάσεων όχι στον πραγματικό κόσμο, αλλά στον κόσμο της φαντασίας.

Η ρομαντική κοσμοθεωρία αγκάλιασε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής - επιστήμη, φιλοσοφία, τέχνη, θρησκεία. Βγήκε σε δύο εκδόσεις:

Το πρώτο - σε αυτό ο κόσμος εμφανίστηκε ως μια άπειρη, απρόσωπη, κοσμική υποκειμενικότητα. Η δημιουργική ενέργεια του πνεύματος δρα εδώ ως η αρχή που δημιουργεί την παγκόσμια αρμονία. Αυτή η εκδοχή της ρομαντικής κοσμοθεωρίας χαρακτηρίζεται από μια πανθεϊστική εικόνα του κόσμου, την αισιοδοξία και τα υψηλά συναισθήματα.

Το δεύτερο είναι ότι σε αυτό η ανθρώπινη υποκειμενικότητα θεωρείται ατομικά και προσωπικά, νοείται ως ο εσωτερικός εγωκεντρικός κόσμος ενός ατόμου που βρίσκεται σε σύγκρουση με τον έξω κόσμο. Αυτή η στάση χαρακτηρίζεται από απαισιοδοξία, μια λυρικά θλιβερή στάση απέναντι στον κόσμο.

Η αρχική αρχή του ρομαντισμού ήταν «δύο κόσμοι»: σύγκριση και αντίθεση του πραγματικού και του φανταστικού κόσμου. Ο συμβολισμός ήταν ο τρόπος έκφρασης αυτού του διπλού κόσμου.

Ο ρομαντικός συμβολισμός αντιπροσώπευε έναν οργανικό συνδυασμό του ψευδαισθητικού και του πραγματικού κόσμου, ο οποίος εκδηλώθηκε με την εμφάνιση μεταφοράς, υπερβολής και ποιητικές συγκρίσεις. Ο ρομαντισμός, παρά τη στενή του σχέση με τη θρησκεία, χαρακτηριζόταν από χιούμορ, ειρωνεία, ονειροπόληση. Ο ρομαντισμός ανακήρυξε τη μουσική πρότυπο και κανόνα για όλους τους τομείς της τέχνης, στους οποίους, σύμφωνα με τους ρομαντικούς, ακουγόταν το ίδιο το στοιχείο της ζωής, το στοιχείο της ελευθερίας και ο θρίαμβος των συναισθημάτων.

Η εμφάνιση του ρομαντισμού οφειλόταν σε μια σειρά παραγόντων. Πρώτον, κοινωνικοπολιτικό: η Γαλλική Επανάσταση του 1769-1793, οι Ναπολεόντειοι Πόλεμοι, ο Πόλεμος της Ανεξαρτησίας Λατινική Αμερική. Δεύτερον, οικονομική: η βιομηχανική επανάσταση, η ανάπτυξη του καπιταλισμού. Τρίτον, σχηματίστηκε υπό την επίδραση της κλασικής γερμανικής φιλοσοφίας. Τέταρτον, διαμορφώθηκε με βάση και μέσα στα πλαίσια του υπάρχοντος λογοτεχνικά στυλ: διαφωτισμός, συναισθηματισμός.

Η ακμή του ρομαντισμού πέφτει την περίοδο 1795-1830. - η περίοδος των ευρωπαϊκών επαναστάσεων και των εθνικοαπελευθερωτικών κινημάτων και ο ρομαντισμός ήταν ιδιαίτερα έντονος στον πολιτισμό της Γερμανίας, της Αγγλίας, της Ρωσίας, της Ιταλίας, της Γαλλίας, της Ισπανίας.

Η ρομαντική τάση είχε μεγάλη επιρροή στον ανθρωπιστικό τομέα και η θετικιστική στις φυσικές επιστήμες, τεχνικές και πρακτικές.

Jean Louis Andre Theodore Géricault (1791-1824).
Μαθητής για ένα σύντομο διάστημα του C. Vernet (1808-1810) και στη συνέχεια του P. Guerin (1810-1811), ο οποίος ήταν αναστατωμένος από τις μεθόδους μεταφοράς της φύσης που δεν ήταν σύμφωνες με τις αρχές της σχολής του Jacques-Louis David. και τον εθισμό στον Rubens, αλλά αργότερα αναγνώρισε ορθολογισμό τις φιλοδοξίες του Gericault.
Υπηρετώντας στους βασιλικούς σωματοφύλακες, ο Gericault έγραψε κυρίως σκηνές μάχης, αλλά αφού ταξίδεψε στην Ιταλία το 1817-19. εκτέλεσε έναν μεγάλο και περίπλοκο πίνακα «Η σχεδία της Μέδουσας» (βρίσκεται στο Λούβρο του Παρισιού), που έγινε πλήρης άρνηση της δαυιδικής τάσης και εύγλωττο κήρυγμα ρεαλισμού. Η καινοτομία της πλοκής, το βαθύ δράμα της σύνθεσης και η αλήθεια της ζωής αυτού του αριστοτεχνικά γραμμένου έργου δεν εκτιμήθηκαν αμέσως, αλλά σύντομα αναγνωρίστηκε ακόμη και από οπαδούς του ακαδημαϊκού στυλ και έφερε στον καλλιτέχνη φήμη ως ταλαντούχο και θαρραλέο καινοτόμο .

Τραγική ένταση και δράμα Το 1818, ο Gericault εργάστηκε στον πίνακα The Raft of the Medusa, που σηματοδότησε την αρχή του γαλλικού ρομαντισμού. Ο Ντελακρουά, που πόζαρε για τον φίλο του, έγινε μάρτυρας της γέννησης μιας σύνθεσης που σπάει όλες τις συνήθεις ιδέες για τη ζωγραφική. Ο Ντελακρουά θυμήθηκε αργότερα ότι όταν είδε τον τελειωμένο πίνακα, «με χαρά έτρεξε να τρέξει σαν τρελός και δεν μπορούσε να σταματήσει μέχρι το σπίτι».
Η πλοκή της εικόνας βασίζεται σε ένα πραγματικό περιστατικό που συνέβη στις 2 Ιουλίου 1816 στα ανοιχτά της Σενεγάλης. Στη συνέχεια, στα ρηχά του Argen, 40 λεύγες από την αφρικανική ακτή, ναυάγησε η φρεγάτα Medusa. 140 επιβάτες και μέλη του πληρώματος προσπάθησαν να διαφύγουν επιβιβαζόμενοι στη σχεδία. Μόνο 15 από αυτούς επέζησαν και τη δωδέκατη μέρα της περιπλάνησής τους τους παρέλαβε ο ταξίαρχος Argus. Οι λεπτομέρειες του ταξιδιού των επιζώντων συγκλόνισαν τους σύγχρονους κοινή γνώμη, και η ίδια η συντριβή μετατράπηκε σε σκάνδαλο στη γαλλική κυβέρνηση λόγω της ανικανότητας του καπετάνιου του πλοίου και της ανεπάρκειας των προσπαθειών για τη διάσωση των θυμάτων.

εικονιστική λύση
Ο γιγαντιαίος καμβάς εντυπωσιάζει με την εκφραστική του δύναμη. Ο Gericault κατάφερε να δημιουργήσει μια ζωντανή εικόνα, συνδυάζοντας τους νεκρούς και τους ζωντανούς, την ελπίδα και την απόγνωση σε μια εικόνα. Της εικόνας είχε προηγηθεί μια τεράστια προπαρασκευαστική εργασία. Ο Gericault έκανε πολυάριθμα σκίτσα με τους ετοιμοθάνατους στα νοσοκομεία και τα πτώματα των εκτελεσθέντων. Η σχεδία της Μέδουσας ήταν το τελευταίο από τα ολοκληρωμένα έργα του Géricault.
Το 1818, όταν ο Gericault δούλευε πάνω στον πίνακα «The Raft of the Medusa», που σηματοδότησε την αρχή του γαλλικού ρομαντισμού, ο Eugene Delacroix, ποζάροντας για τον φίλο του, είδε τη γέννηση μιας σύνθεσης που σπάει όλες τις συνήθεις ιδέες για τη ζωγραφική. Ο Ντελακρουά θυμήθηκε αργότερα ότι όταν είδε τον τελειωμένο πίνακα, «με χαρά έτρεξε να τρέξει σαν τρελός και δεν μπορούσε να σταματήσει μέχρι το σπίτι».

Αντίδραση του κοινού
Όταν ο Géricault εξέθεσε τη σχεδία της Μέδουσας στο Σαλόνι το 1819, ο πίνακας προκάλεσε την οργή του κοινού, επειδή ο καλλιτέχνης, αντίθετα με τα ακαδημαϊκά πρότυπα της εποχής, δεν χρησιμοποίησε τόσο μεγάλο σχήμα για να απεικονίσει ένα ηρωικό, ηθικολογικό ή κλασικό θέμα.
Ο πίνακας αποκτήθηκε το 1824 και σήμερα βρίσκεται στην αίθουσα 77 στον 1ο όροφο της γκαλερί Denon στο Λούβρο.

Ευγένιος Ντελακρουά(1798 - 1863) - Γάλλος ζωγράφος και γραφίστας, επικεφαλής της ρομαντικής τάσης στην ευρωπαϊκή ζωγραφική.
Όμως το Λούβρο και η επικοινωνία με τον νεαρό ζωγράφο Theodore Gericault έγιναν τα πραγματικά πανεπιστήμια για τον Ντελακρουά. Στο Λούβρο γοητεύτηκε από τα έργα παλιών δασκάλων. Εκείνη την εποχή, μπορούσε κανείς να δει πολλούς πίνακες που είχαν συλληφθεί κατά τη διάρκεια των Ναπολεόντειων Πολέμων και δεν είχαν επιστραφεί ακόμη στους ιδιοκτήτες τους. Πάνω απ 'όλα, ο αρχάριος καλλιτέχνης προσελκύθηκε από τους μεγάλους χρωματιστές - Rubens, Veronese και Titian. Αλλά η μεγαλύτερη επιρροή στον Ντελακρουά ήταν ο Theodore Géricault.

Τον Ιούλιο του 1830, το Παρίσι επαναστάτησε ενάντια στη μοναρχία των Βουρβόνων. Ο Ντελακρουά συμπαθούσε τους επαναστάτες και αυτό αντικατοπτρίστηκε στο «Liberty Leading the People» (γνωρίζουμε αυτό το έργο και ως «Ελευθερία στα οδοφράγματα»). Εκτέθηκε στο Σαλόνι του 1831, ο καμβάς προκάλεσε θύελλα κοινής αποδοχής. Η νέα κυβέρνηση αγόρασε τον πίνακα, αλλά ταυτόχρονα διέταξε αμέσως την αφαίρεσή του, το πάθος του φαινόταν πολύ επικίνδυνο.

17.3 Ευρωπαϊκή ζωγραφική 19ος αιώνας

17.3.1 Γαλλική ζωγραφική . τις δύο πρώτες δεκαετίες του δέκατου ένατου αιώνα. στην ιστορία της γαλλικής ζωγραφικής χαρακτηρίζονται ως επαναστατικός κλασικισμός. Επιφανής εκπρόσωπος της ήταν ο J.L. David (1748- 1825), του οποίου τα κύρια έργα δημιουργήθηκαν από τον ίδιο τον 18ο αιώνα. Έργα του 19ου αιώνα. - εργάζεται σε αυλικός ζωγράφος Ναπολέοντας- «Ο Ναπολέων στο πέρασμα του Αγίου Βερνάρδου», «Στέψη», «Ο Λεωνίδας στις Θερμοπύλες». Ο David είναι επίσης συγγραφέας εξαιρετικών πορτρέτων, όπως το πορτρέτο της Madame Recamier. Δημιούργησε ένα μεγάλο σχολείο μαθητών και προκαθόρισε τα γνωρίσματα καλλιτεχνικόςαπό το στυλ της Αυτοκρατορίας.

Μαθητής του David ήταν ο J.O. Ingres (1780- 1867), που μετέτρεψε τον κλασικισμό σε ακαδημαϊκή τέχνη και για πολλά χρόνια αντίθετοςρομαντικοί. Ο Ingres είναι ο συγγραφέας του trueful αιχμηρόςπορτρέτα («L. F. Bertin», «Madame Rivière», κ.λπ.) και πίνακες σε στυλ ακαδημαϊκό κλασικισμό («Η Αποθέωση του Ομήρου», «Δίας και Θέμις»).

Ο ρομαντισμός της γαλλικής ζωγραφικής στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα- αυτοί είναι οι καμβάδες του T. Gericault (1791 - 1824) («The Raft of the Medusa» και «Derby in Epsom and other») και του E. Delacroix (1798-1863), συγγραφέας του διάσημου πίνακα Liberty Leading the People.

Η ρεαλιστική τάση στη ζωγραφική στο πρώτο μισό του αιώνα αντιπροσωπεύεται από τα έργα του G. Courbet (1819- 1877), ο συγγραφέας του όρου «ρεαλισμός» και των έργων ζωγραφικής «Stone Crushers» και «Funeral in Ornan», καθώς και των έργων του J. F . Millet (1814 - 1875), συγγραφέας της αγροτικής ζωής και («Οι μαζευτές των αυτιών», «Ο άνθρωπος με τη σκαπάνη», «Ο σπορέας»).

Σημαντικό φαινόμενο του ευρωπαϊκού πολιτισμού στο δεύτερο μισό του XIX αιώνα. ήταν το καλλιτεχνικό ύφος του ιμπρεσιονισμού, το οποίο έγινε ευρέως διαδεδομένο όχι μόνο στη ζωγραφική, αλλά στη μουσική και τη μυθοπλασία. Κι όμως προέκυψε στη ζωγραφική.

Στις χρονικές τέχνες, η δράση ξετυλίγεται στο χρόνο. Η ζωγραφική, όπως λες, είναι ικανή να συλλάβει μόνο μια μοναδική στιγμή στο χρόνο. Σε αντίθεση με τον κινηματογράφο, έχει πάντα ένα «κάδρο». Πώς να μεταφέρετε την κίνηση σε αυτό; Μία από αυτές τις προσπάθειες να αποτυπωθεί ο πραγματικός κόσμος στην κινητικότητα και τη μεταβλητότητά του ήταν η προσπάθεια των δημιουργών της σκηνοθεσίας στη ζωγραφική, που ονομάζεται ιμπρεσιονισμός (από τη γαλλική εντύπωση). Αυτή η κατεύθυνση συγκέντρωσε διάφορους καλλιτέχνες, καθένας από τους οποίους μπορεί να χαρακτηριστεί ως εξής. Εμπρεσιονιστήςείναι ένας καλλιτέχνης που μεταφέρει τα δικά του απευθείαςεντύπωση της φύσης, βλέπει σε αυτήν την ομορφιά της μεταβλητότητας και της παροδικότητας, σε δημιουργεί μια οπτική αίσθηση του λαμπερού ηλιακού φωτός, το παιχνίδι των χρωματιστών σκιών, χρησιμοποιώντας μια παλέτα από καθαρά αμίμητα χρώματα, από τα οποία εξορίζονται το μαύρο και το γκρι.

Στους πίνακες τέτοιων ιμπρεσιονιστών όπως ο C. Monet (1840-1926) και ο O. Renoir (1841-1919), στις αρχές της δεκαετίας του '70 του XIX αιώνα. εμφανίζεται η ύλη του αέρα, που διαθέτει όχι μόνο μια ορισμένη πυκνότητα που γεμίζει το χώρο, αλλά και κινητικότητα. Ρεύματα ηλιακού φωτός, ατμοί αναδύονται από την υγρή γη. Νερό, χιόνι που λιώνει, οργωμένη γη, ταλαντευόμενο γρασίδι στα λιβάδια δεν έχουν ξεκάθαρο παγωμένο περίγραμμα. Η κίνηση, η οποία προηγουμένως εισήχθη στο τοπίο ως εικόνα κινούμενων μορφών, ως αποτέλεσμα της δράσης των φυσικών δυνάμεων- ο άνεμος, που κυνηγά τα σύννεφα, τα δέντρα που ταλαντεύονται, αντικαθίσταται πλέον από την ειρήνη. Αλλά αυτή η ειρήνη της άψυχης ύλης είναι μια από τις μορφές της κίνησής της, η οποία μεταφέρεται από την ίδια την υφή της ζωγραφικής - δυναμικές πινελιές διαφορετικών χρωμάτων, που δεν περιορίζονται από τις άκαμπτες γραμμές του σχεδίου.

Το νέο στυλ ζωγραφικής δεν έγινε αμέσως αποδεκτό από το κοινό, το οποίο κατηγόρησε τους καλλιτέχνες ότι δεν μπορούσαν να σχεδιάσουν, πετώντας μπογιά που ξύστηκε από την παλέτα στον καμβά. Έτσι, οι ροζ καθεδρικοί ναοί του Μονέ στη Ρουέν φάνηκαν απίθανοι τόσο στο κοινό όσο και στους συναδέλφους καλλιτέχνες.- το καλύτερο από την εικονογραφική σειρά του καλλιτέχνη ("Πρωί", "Με τις πρώτες ακτίνες του ήλιου", "Μεσημέρι"). Ο καλλιτέχνης δεν είναι προσπάθησε να αναπαραστήσει τον καθεδρικό ναό σε καμβά σε διαφορετικές ώρες της ημέρας- συναγωνίστηκε με τους δασκάλους του γοτθικού για να απορροφήσει τον θεατή με την ενατένιση του μαγικού φωτός και των χρωματικών εφέ. Η πρόσοψη του καθεδρικού ναού της Ρουέν, όπως και οι περισσότεροι γοτθικοί καθεδρικοί ναοί, κρύβει ένα μυστικιστικό θέαμα x από το φως του ήλιου των φωτεινών χρωματιστών βιτρό του εσωτερικού. Ο φωτισμός στο εσωτερικό των καθεδρικών ναών ποικίλλει ανάλογα με την κατεύθυνση από την οποία λάμπει ο ήλιος, συννεφιασμένος ή καθαρός καιρός. Οι ακτίνες του ήλιου, που διαπερνούν το έντονο μπλε, κόκκινο χρώμα των βιτρώ, βάφονται και απλώνονται με χρωματιστές ανταύγειες στο πάτωμα.

Ένας από τους πίνακες του Μονέ οφείλει την εμφάνισή του στη λέξη «ιμπρεσιονισμός». Αυτός ο καμβάς ήταν πράγματι μια ακραία έκφραση της καινοτομίας της αναδυόμενης εικαστικής μεθόδου και ονομάστηκε «Sunrise at Le Havre». Ο συντάκτης του καταλόγου των έργων ζωγραφικής για μια από τις εκθέσεις πρότεινε στον καλλιτέχνη να το ονομάσει αλλιώς και ο Μονέ, έχοντας διαγράψει "στη Χάβρη", άφησε την "εντύπωση". Και λίγα χρόνια μετά την εμφάνιση των έργων του, έγραψαν ότι ο Μονέ «αποκαλύπτει μια ζωή που κανείς πριν από αυτόν δεν μπόρεσε να πιάσει, για την οποία κανείς δεν ήξερε καν». Στους πίνακες του Μονέ άρχισε να παρατηρεί το ανησυχητικό πνεύμα της γέννησης νέα εποχή. Έτσι, στο έργο του εμφανίστηκε το «σίριαλ» ως ένα νέο φαινόμενο της ζωγραφικής. Και επέστησε την προσοχή στο πρόβλημα του χρόνου. Η ζωγραφική του καλλιτέχνη, όπως σημειώνεται, αρπάζει ένα «κάδρο» από τη ζωή, με όλη την ημιτελή και ατελή της. Και αυτό έδωσε ώθηση στην εξέλιξη της σειράς ως διαδοχικά πλάνα. Επιπρόσθετα " Καθεδρικοί ναοί της Ρουέν» Ο Μονέ δημιουργεί τη σειρά «Gare Saint-Lazare», στην οποία οι πίνακες συνδέονται μεταξύ τους και αλληλοσυμπληρώνονται. Ωστόσο, ήταν αδύνατο να συνδυαστούν τα «κάδρα» της ζωής σε μια ενιαία ταινία εντυπώσεων στη ζωγραφική. Αυτό έχει γίνει καθήκον του κινηματογράφου. Οι ιστορικοί του κινηματογράφου πιστεύουν ότι ο λόγος για την εμφάνιση και την ευρεία διάδοσή του δεν ήταν μόνο τεχνικές ανακαλύψεις, αλλά και μια επείγουσα καλλιτεχνική ανάγκη για μια κινούμενη εικόνα. Και οι πίνακες των ιμπρεσιονιστών, ιδιαίτερα του Μονέ, έγιναν σύμπτωμα αυτής της ανάγκης. Είναι γνωστό ότι μια από τις πλοκές της πρώτης κινηματογραφικής περιόδου στην ιστορία, που κανόνισαν οι αδερφοί Lumiere το 1895, ήταν η «Άφιξη του τρένου». Οι ατμομηχανές, ο σταθμός, οι ράγες ήταν το θέμα μιας σειράς επτά πινάκων "Gare Saint-Lazare" του Monet, που εκτέθηκαν το 1877.

Ο Ο. Ρενουάρ ήταν ένας εξαιρετικός ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης. Στα έργα του ("Λουλούδια", "Ένας νεαρός άνδρας που περπατά με σκυλιά στο δάσος του Φοντενεμπλό", "Βάζο με λουλούδια", "Λούσιμο στον Σηκουάνα", "Λίζα με ομπρέλα", "Κυρία σε βάρκα", " Riders in the Bois de Boulogne», «Ball at Le Moulin de la Galette», «Portrait of Jeanne Samary» και πολλά άλλα) τα λόγια του Γάλλου καλλιτέχνη E. Delacroix «Η πρώτη αξιοπρέπεια οποιασδήποτε εικόνας είναι αρκετά εφαρμόσιμη- να είναι διακοπές m για τα μάτια. Όνομα Ρενουάρ- συνώνυμο της ομορφιάς και της νεότητας, εκείνη την εποχή της ανθρώπινης ζωής, που η πνευματική φρεσκάδα και η άνθηση της σωματικής δύναμης βρίσκονται σε πλήρη αρμονία. Ζώντας σε μια εποχή οξέων κοινωνικών συγκρούσεων, τις άφησε έξω από τους καμβάδες του, εστιάζοντας ξυπνώντας στις όμορφες και φωτεινές πλευρές της ανθρώπινης ύπαρξης. Και σε αυτή τη θέση δεν ήταν μόνος ανάμεσα στους καλλιτέχνες. Ακόμη και διακόσια χρόνια πριν από αυτόν, ο μεγάλος Φλαμανδός καλλιτέχνης Peter Paul Rubens ζωγράφισε εικόνες μιας τεράστιας αρχής που επιβεβαιώνει τη ζωή ("Περσέας και Ανδρομέδα"). Τέτοιες εικόνες δίνουν στους ανθρώπους ελπίδα. Κάθε άτομο έχει δικαίωμα στην ευτυχία, και κύριο σημείοΗ τέχνη του Ρενουάρ έγκειται στο γεγονός ότι κάθε εικόνα του επιβεβαιώνει το απαραβίαστο αυτού του δικαιώματος.

ΣΕ τέλη XIXαιώνες, ο μετα-ιμπρεσιονισμός διαμορφώθηκε στην ευρωπαϊκή ζωγραφική. Οι εκπρόσωποί της- Π . Cezanne (1839 - 1906), W. Van Gogh (1853 - 1890), P . Gauguin (1848 - 1903), αναλαμβάνοντας από ιμπρεσιονιστέςκαθαρότητα χρώματος, έψαξε μόνιμες απαρχές της ύπαρξης, γενίκευση εικονογραφικών μεθόδων, φιλοσοφικών και συμβολικών πτυχών της δημιουργικότητας. Πίνακες του Σεζάν- αυτά είναι πορτρέτα ("Smoker"), τοπία ("Banks of the Marne"), νεκρές φύσεις ("Still Life with a Basket of Fruit").

Πίνακες του Βαν Γκογκ- «Καλύβες», «Οβερ μετά τη βροχή», «Βόλτα φυλακισμένων».

Ο Γκωγκέν έχει τα χαρακτηριστικά του ιδεολογικού ρομαντισμού. ΣΕ τα τελευταία χρόνιαγοητευμένος από τη ζωή των πολυνησιακών φυλών, οι οποίες, κατά τη γνώμη του, διατήρησαν την πρωτόγονη αγνότητα και ακεραιότητά τους, φεύγει για τα νησιά της Πολυνησίας, όπου δημιουργεί αρκετούς πίνακες, η βάση των οποίων ήταν ο πρωτόγονος της μορφής, η επιθυμία να αποκτήσει πιο κοντα σε καλλιτεχνικές παραδόσειςιθαγενείς («Γυναίκα που κρατά ένα φρούτο», «Ταϊτιανό ποιμενικό», «Υπέροχη πηγή»).

Σπουδαίος γλύπτης του 19ου αιώνα ήταν ο O. Rodin (1840- 1917), συνδυάζοντας στο έργο του ιμπρεσιονιστικόρομαντισμό και εξπρεσιονισμό ρεαλιστικόςαναζητήσεις. Ζωτικότητα εικόνων, δράμα, εκφραστικότητα μιας τεταμένης εσωτερικής ζωής, χειρονομίες που συνεχίζονται στο χρόνο και στο χώρο (τι κάνεις δεν είναι δυνατόν να μελοποιήσουμε και μπαλέτο αυτό το γλυπτό), αποτυπώνοντας την αστάθεια της στιγμής- όλα αυτά μαζί δημιουργούν μια ουσιαστικά ρομαντική εικόνα και εξ ολοκλήρου ιμπρεσιονιστικόόραμα . Η επιθυμία για βαθιές φιλοσοφικές γενικεύσεις ("Η Εποχή του Χαλκού", " Citizens of Calais», ένα γλυπτό αφιερωμένο στον ήρωα του Εκατονταετούς Πολέμου, που θυσιάστηκε για να σώσει την πολιορκημένη πόλη, εργάστηκε για τις Πύλες της Κόλασης, συμπεριλαμβανομένου του The Thinker) και την επιθυμία να δείξει στιγμές απόλυτης ομορφιάς και ευτυχίας (« Αιώνια Άνοιξη», «Pas de -de»)– τα κύρια χαρακτηριστικά του έργου αυτού του καλλιτέχνη.

17.3.2 Αγγλική ζωγραφική. Καλές τέχνες της Αγγλίας στο πρώτο μισό του XIX αιώνα.είναι μια ζωγραφική τοπίου, φωτεινή αντιπροσώπωνπου ήταν ο J. Αστυφύλακας (1776 - 1837), Άγγλος προκάτοχος ιμπρεσιονιστές("The Hay Cart Crossing the Ford" and "The Rye Field") και U. Turner (1775 - 1851), του οποίου οι πίνακες όπως "Rain, Steam and Speed" "Ναυάγιο", διακρίνει την προτίμηση για πολύχρωμα βουνά φαντασίας.

Στο δεύτερο μισό του αιώνα, ο F.M. Brown δημιούργησε τα έργα του (1821- 1893), που δικαίως θεωρήθηκε ο «Holbein του 19ου αιώνα». Ο Μπράουν είναι γνωστός για τα ιστορικά έργα του ("Chaucer in the court of Edward III" και "Lear and Cordelia"), καθώς και για πίνακες ζωγραφικής στην πράξη καθημερινά θέματα («Τελευταία ματιά στην Αγγλία», «Εργασία»).

Η δημιουργική ένωση "Pre-Raphaelite Brotherhood" ("Pre-Raphaelites") προέκυψε το 1848. Αν και ο ενοποιητικός πυρήνας ήταν το πάθος για τα έργα των καλλιτεχνών της πρώιμης Αναγέννησης (πριν από τον Ραφαήλ), κάθε μέλος αυτής της αδελφότητας είχε το δικό του θέμα και καλλιτεχνική πίστη. Θεωρητικός της αδελφότητας ήταν ο Άγγλος πολιτισμολόγος και αισθητικός J. Ruskin, ο οποίος σκιαγράφησε την έννοια του ρομαντισμού σε σχέση με τις συνθήκες της Αγγλίας στα μέσα του αιώνα.

Ο Ράσκιν, συνδέοντας την τέχνη στα έργα του με το γενικό επίπεδο κουλτούρας της χώρας, βλέποντας την τέχνη ως εκδήλωση ηθικών, οικονομικών και κοινωνικών παραγόντων, προσπάθησε να πείσει τους Βρετανούς ότι οι προϋποθέσεις για την ομορφιά είναι η σεμνότητα, η δικαιοσύνη, η ειλικρίνεια, η αγνότητα και η ανεπιτήδευτη. .

Οι Προραφαηλίτες δημιούργησαν πίνακες με θρησκευτικά και λογοτεχνικά θέματα, σχεδίασαν καλλιτεχνικά βιβλία και ανέπτυξαν τη διακοσμητική τέχνη, προσπάθησαν να αναβιώσουν τις αρχές της μεσαιωνικής χειροτεχνίας. Συνειδητοποιώντας τον κίνδυνο διακοσμητικές τέχνεςτάση- Η αποπροσωποποίησή του από την παραγωγή μηχανών, ο Άγγλος καλλιτέχνης, ποιητής και δημόσιο πρόσωπο W. Ο Morris (1834 - 1896) οργάνωσε καλλιτεχνικά και βιομηχανικά εργαστήρια για την κατασκευή ταπετσαριών, υφασμάτων, βιτρό και άλλων ειδών οικιακής χρήσης, σχέδια για τα οποία χρησιμοποιούνται συμπλήρωσε ο ίδιος και οι Προραφαηλίτες καλλιτέχνες.

17.3.3 Ισπανική ζωγραφική. Γκόγια . Το έργο του Francisco Goya (1746- 1828) ανήκει σε δύο αιώνες - XVIII και XIX. Είχε μεγάλη σημασία για τη διαμόρφωση του ευρωπαϊκού ρομαντισμού. δημιουργικοί μας Η αρχοντιά του καλλιτέχνη είναι πλούσια και ποικίλη: ζωγραφική, πορτρέτα, γραφικά, τοιχογραφίες, χαρακτικά, χαρακτικά.

Ο Γκόγια χρησιμοποιεί τα πιο δημοκρατικά θέματα (ληστές, λαθρέμποροι, ζητιάνοι, συμμετέχοντες σε οδομαχίες και παιχνίδια- τους χαρακτήρες των έργων του). Έχοντας λάβει το 1789 τίτλος adv ένας διάσημος ζωγράφος, ο Γκόγια εκτελεί έναν τεράστιο αριθμό πορτρέτων: ο βασιλιάς, η βασίλισσα, οι αυλικοί ("Η οικογένεια του βασιλιά Καρόλου IV"). Η επιδείνωση της υγείας του καλλιτέχνη προκάλεσε αλλαγή στο θέμα των έργων. Έτσι, οι πίνακες που διακρίνονται από διασκεδαστική και παράξενη φαντασία («Καρναβάλι», «Blind Man's Bluff») αντικαθίστανται από καμβάδες γεμάτους τραγωδία («Δικαστήριο της Ιεράς Εξέτασης», «House of Lunatics»). Και ακολουθούν 80 χαρακτικά «Capricios», πάνω στα οποία ο καλλιτέχνης εργάστηκε για πάνω από πέντε χρόνια. Το νόημα πολλών από αυτά παραμένει ασαφές μέχρι σήμερα, ενώ άλλα ερμηνεύτηκαν σύμφωνα με τις ιδεολογικές απαιτήσεις της εποχής τους.

Με μια συμβολική, αλληγορική γλώσσα, ο Γκόγια σκιαγραφεί μια τρομακτική εικόνα της χώρας στις αρχές του αιώνα: άγνοια, δεισιδαιμονία, περιορισμένοι άνθρωποι, βία, σκοταδισμός, κακία. Χαλκογραφία "The Sleep of Reason Produces Monsters"- τρομερά τέρατα περιβάλλουν ένα άτομο που κοιμάται, νυχτερίδες, κουκουβάγιες και άλλα κακά πνεύματα. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης δίνει την εξής εξήγηση για το έργο του: «Πεπεισμένος ότι η κριτική ο άνθρωποςκακίεςΚαιαυταπάτες, Αν καιΚαιφαίνεταιο τομέας της ρητορικής και της ποίησης, μπορεί επίσης να αποτελέσει αντικείμενο ζωηρής περιγραφής, ο καλλιτέχνης επέλεξε για το έργο του από τις πολλές ανοησίες και παραλογές που ενυπάρχουν σε κάθε κοινωνία των πολιτών, καθώς και από τις προκαταλήψεις και τις δεισιδαιμονίες των απλών ανθρώπων, που νομιμοποιούνται από τα έθιμα, άγνοια ή συμφέροντα, αυτά που θεωρούσε ιδιαίτερα κατάλληλα για γελοιοποίηση και ταυτόχρονα για άσκηση της φαντασίας του.

17.3.4 Σύγχρονη – τελικός στυλ ευρωπαϊκός ζωγραφική XIX V . κατά το πολύ διάσημα έργαδημιουργήθηκε στην ευρωπαϊκή ζωγραφική του 19ου αιώνα. σε στυλ Art Nouveau, ήταν τα έργα του Άγγλου καλλιτέχνη O. Beardsley (1872– 1898). ΑυτόςεικονογραφημένοςδουλειάΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ. άγρια ("Σαλώμη"), δημιουργήθηκεκομψόςγραφικόςφαντασιώσεις, μαγεμένοςολόκληροςγενιάΕυρωπαίους. ΜόνομαύροςΚαιάσπροήτανεργαλείαπ.χγια την εργασία: ένα φύλλο λευκό χαρτί και ένα μπουκάλι μαύρο μελάνι και μια τεχνική παρόμοια με την καλύτερη δαντέλα («The Mysterious Rose Garden», 1895). Οι εικονογραφήσεις του Beardsley είναι επηρεασμένες από τα ιαπωνικά prints και το γαλλικό ροκοκό, καθώς και από τον διακοσμητικό μανιερισμό της Art Nouveau.

Το στυλ Art Nouveau, ξεκίνησε γύρω στο 1890– 1910 gg., χαρακτηρίζεταιπαρουσίακούρδισμαγραμμές, αναπολώνμπούκλεςμαλλιά, στυλιζαρισμένηλουλούδιαΚαιφυτά, Γλώσσεςφλόγα. ΣτυλΑυτόήτανπλατύςκοινόςΚαιVζωγραφικήΚαιVαρχιτεκτονική. ΑυτόεικονογραφήσειςΆγγλοςείναιrdsli, αφίσες και διαφημιστικές πινακίδες του Τσέχου A. Mucha, πίνακες του Αυστριακού G. Klimt, λάμπες και μεταλλικά προϊόντα της Tiffany, αρχιτεκτονική του Ισπανού A. Gaudi.

Άλλο ένα εξαιρετικό φαινόμενο της νεωτερικότητας του fin-de-siècle– Νορβηγόςκαλλιτέχνηςμι. Τραγανίζω (1863 – 1944). διάσημοςζωγραφικήΤραγανίζω« Scream (1893)– σύνθετοςΜέροςτουθεμελιώδηςκύκλος"ΔιάζωμαΖΩΗ", πάνω απόοι οποίεςκαλλιτέχνηςεχει δουλεψειμακρύςχρόνια. Ακολούθωςδουλειά"Κραυγή"ΤραγανίζωαλλεπάλληλοςVλιθογραφίες. Ζωγραφική"Κραυγή"μεταδίδεικατάστασηάκροΣυναισθηματικήΤάσηο άνθρωπος, αυτήπρόσωπαδημιουργεί την απόγνωση ενός μοναχικού ανθρώπου και την κραυγή του για βοήθεια, που κανείς δεν μπορεί να προσφέρει.

Πλέον μεγάλος καλλιτέχνηςΦινλανδία A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vστυλμοντέρνοεικονογραφημένοςέπος"Kalevaly". ΕπίΓλώσσαεμπειρικόςπραγματικότηταειναι ΑΠΑΓΟΡΕΥΜΕΝΟλέγωγια τον θρυλικό γέρο– σιδηρουργόςIlmarinene, οι οποίεςσφυρήλατοςουρανός, χτύπησαν μαζίουράνιος θόλος, αλυσοδεμένοςαπόΦωτιάαετός; Οτης μητέραςLemminkäinen, αναστήθηκετουσκοτώθηκευιός; ΟτραγουδιστήςVäinämöinien, οι οποίες"βούηξεχρυσαφένιοςΧριστουγεννιάτικο δέντρο", Gallel- Καλέλαδιαχειρίζεταιπαραδίνωκουκέταμια δύναμη των αρχαίων καρελιανών ρούνων στη σύγχρονη γλώσσα.