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프로코피예프가 로미오와 줄리엣을 썼을 때. 발레 "로미오와 줄리엣"창작의 역사

State Academic Bolshoi Theatre의 무대를 장식하는 최고의 소비에트 발레 중 소련, 첫 번째 장소 중 하나이지만 S. Prokofiev의 발레 "로미오와 줄리엣"을 정당하게 차지합니다. 그는 인간의 감정과 생각을 밝고 진실하게 구현 한 그의 높은 시와 진정한 휴머니즘으로 변함없이 청중을 사로 잡습니다. 발레 초연은 1940년 S. M. Kirov의 이름을 딴 Leningrad Opera and Ballet Theatre에서 열렸습니다. 1946 년에이 공연은 소련 볼쇼이 극장 무대로 일부 변경되어 이전되었습니다.

안무가 L. Lavrovsky가 상연 한 발레 로미오와 줄리엣 (셰익스피어 이후 S. Prokofiev와 L. Lavrovsky의 대본)은 소련 발레 극장이 사실주의로가는 길에서 가장 중요한 이정표 중 하나입니다. 모든 소비에트 예술에 공통적 인 높은 이데올로기 및 사실주의의 요구 사항은 셰익스피어의 불멸의 비극에 대한 깊은 이데올로기 개념의 구체화에 대한 Prokofiev와 Lavrovsky의 접근 방식을 결정했습니다. 셰익스피어 캐릭터의 라이브 재현에서 발레의 저자는 비극의 주요 아이디어를 밝히려고 노력했습니다. 한편으로는 중세 시대에 양육 된 우울한 세력과 시대의 사람들 초기 르네상스, - 다른 사람과 함께. 로미오와 줄리엣은 잔인한 중세 관습의 가혹한 세상에 살고 있습니다. 세대 간 불화가 오래된 귀족 가족을 나눕니다. 이런 상황에서 로미오와 줄리엣의 사랑은 그들에게 비극이었을 것이다. 낡은 중세의 편견에 도전하는 로미오와 줄리엣은 개인의 자유, 감정의 자유를 위한 투쟁에서 죽었다. 그들의 죽음과 함께 그들은 인본주의적 사상의 승리를 확인하는 것처럼 보였다. 새로운 시대, 그 새벽은 점점 더 밝아졌습니다. 가벼운 가사, 슬픔에 잠긴 파토스, 재미있는 버푸 너리-셰익스피어 비극이 살아가는 모든 것-발레의 음악과 안무에서 밝고 특징적인 구현을 찾습니다.

로미오와 줄리엣의 감동적인 사랑 장면이 시청자 앞에 생생하게 살아나고, 일상 생활의 사진과 베로나 귀족의 잔인하고 비활성 관습, 격정의 에피소드 거리 생활여유로운 재미가 피비린내 나는 싸움과 장례 행렬로 대체되는 이탈리아 도시. 중세와 르네상스의 힘은 발레 음악에서 비유적으로나 예술적으로 설득력 있게 대조됩니다. 날카로운 불길한 소리는 인간의 성격, 자유에 대한 열망을 무자비하게 억압하는 우울한 중세 관습에 대한 아이디어를 불러 일으 킵니다. 그러한 음악에서 전쟁 가족의 충돌 에피소드 인 Montagues와 Capulets가 만들어지며 중세 세계의 전형적인 대표자가 특징입니다. - 오만하고 포악한 티볼트, 영혼이 없고 잔인한 시그노라 캐풀렛 시그노라. 르네상스의 전령은 다르게 묘사됩니다. 부자 감정의 세계로미오와 줄리엣은 가볍고 신나고 선율적인 음악으로 드러납니다.

Juliet의 이미지는 Prokofiev의 음악에서 가장 완전하고 매력적으로 포착됩니다. 평온하고 쾌활한 소녀는 발레의 시작 부분에서 볼 수 있듯이 자신의 감정에 충실하기 위해 투쟁하면서 어리석은 편견에 반항 할 때 진정한 이타심과 영웅심을 보여줍니다. 이미지의 음악적 발전은 어린아이 같은 장난의 표현에서 가장 부드러운 가사와 깊은 드라마로 이어집니다. Romeo의 성격은 음악에서 더 간결하게 설명됩니다. 두 가지 대조되는 주제-서정적 명상과 열정적으로 열정적-은 줄리엣에 대한 사랑의 영향으로 우울한 몽상가에서 용감하고 목적이 있는 사람으로 변모하는 로미오를 묘사합니다. 작곡가와 새로운 시대의 다른 대표자들이 밝게 설명했습니다. 경쾌하고 다소 무례한 유머와 때로는 날카로운 풍자로 가득 찬 위트 있는 음악은 명랑한 명랑한 친구이자 조커인 Mercutio의 성격을 드러냅니다.

철학자이자 인본주의자인 로렌초 신부의 음악적 초상은 매우 표현력이 풍부합니다. 현명한 단순성과 차분한 균형이 큰 따뜻함과 인간성과 결합됩니다. Lorenzo를 특징 짓는 음악은 발레에 스며드는 전반적인 분위기, 즉 인간미와 정서적 완성도를 조성하는 데 중요한 역할을합니다. 셰익스피어 비극의 내용을 진정으로 구현하는 Prokofiev는 그것을 그의 창조적 개성의 특성으로 설명하는 독특한 방식으로 해석합니다.

1. 발레 "로미오와 줄리엣" 창작의 역사. 4

2. 주인공, 이미지, 특징. 7

3. 줄리엣의 주제(형식 분석, 의미 음악적 표현력, 음악 자료를 제시하여 이미지를 만드는 기술) 12

결론. 15

참고문헌.. 16

소개

세르게이 프로코피예프는 혁신적인 뮤지컬 극장을 만든 20세기의 위대한 창작자 중 한 명입니다. 그의 오페라와 발레의 줄거리는 놀랍도록 대조적입니다. Prokofiev의 유산은 다양한 장르와 그가 만든 작품의 수 모두에서 인상적입니다. 1909년부터 1952년까지 작곡가는 130개가 넘는 작품을 작곡했습니다. Prokofiev의 드문 창의적 생산성은 작곡에 대한 광적인 욕구뿐만 아니라 어린 시절부터 자란 규율, 근면성으로도 설명됩니다. 오페라와 발레, 기악 협주곡, 교향곡, 소나타, 피아노 조각, 노래, 로맨스, 칸타타, 연극 및 영화 음악, 어린이 음악. Prokofiev의 창의적인 관심의 폭, 한 줄거리에서 다른 줄거리로 전환하는 놀라운 능력, 위대한 시적 작품의 세계에 대한 그의 예술적 노출은 놀랍습니다. Prokofiev의 상상력은 Roerich, Blok, Stravinsky ( "Ala and Lolly"), 러시아 민속 ( "The Jester"), Dostoevsky ( "The Gambler") 및 Shakespeare ( "Romeo and Juliet")의 비극이 개발 한 스키타이주의의 이미지에 매료되었습니다. "). 그는 Andersen, Perrault, Bazhov의 동화의 지혜와 영원한 친절에 의지하고 비극적이지만 러시아 역사의 영광스러운 페이지 ( "Alexander Nevsky", "전쟁과 평화")의 사건에 흡수되어 사심없이 일합니다. 그는 유쾌하고 전염적으로 웃는 법을 알고 있습니다 ( "duenna", "Love for three oranges"). 10월 혁명의 시대를 반영하는 현대적 주제 선택(칸타타 "10월 20주년"), 내전("Semyon Kotko"), 그레이트 애국 전쟁( "진짜 남자 이야기"). 그리고 이러한 구성은 시간에 대한 찬사, 이벤트와 함께 "함께 연주"하려는 욕구가 아닙니다. 그들 모두는 Prokofiev의 높은 시민 지위를 증언합니다.

Prokofiev 작업의 매우 특별한 영역은 어린이를 위한 작업이었습니다. 전에 지난 날들 Prokofiev는 세상에 대한 젊고 신선한 인식을 유지했습니다. 아이들에 대한 큰 사랑, 그들과의 의사 소통에서 장난스러운 노래 "Chatterbox"(A. Barto의 구절까지)와 "Piglets"(L. Kvitka의 구절까지)가 생겨서 매혹적이었습니다. 교향곡 이야기"Peter and the Wolf", 피아노 미니어처 "Children 's Music", 전쟁으로 빼앗긴 어린 시절에 대한 극적인시 "The Ballad of a Boy Remaining Unknown"(P. Antokolsky의 텍스트).

종종 Prokofiev는 자신의 음악 테마를 사용했습니다. 그러나 구성에서 구성으로 테마를 이전하는 작업에는 항상 창의적인 수정이 수반되었습니다. 이것은 그의 창작 과정에서 특별한 역할을 한 작곡가의 스케치와 초안으로 입증됩니다. 작곡 과정은 종종 Prokofiev가 감독, 연주자 및 지휘자와 실시간으로 의사 소통하는 데 직접적인 영향을 받았습니다. 발레 "로미오와 줄리엣"의 첫 출연자들에 대한 비판은 일부 장면에서 오케스트레이션의 역동성을 가져왔습니다. 그러나 Prokofiev는 조언이 설득력이 있고 작업에 대한 자신의 비전에 반하지 않는 경우에만 수락했습니다.

동시에 Prokofiev는 미묘한 심리학자였으며 이미지의 외면 못지 않게 작곡가는 심리적 행동에 몰두했습니다. 그는 또한 20세기 최고의 발레 중 하나인 발레 로미오와 줄리엣에서와 같이 놀라운 미묘함과 정확성으로 그것을 구현했습니다.

1. 발레 "로미오와 줄리엣" 창작의 역사

첫 번째 주요 작품 인 발레 "로미오와 줄리엣"은 진정한 걸작이되었습니다. 그의 무대 생활을 시작하는 것은 어려웠습니다. 그것은 1935-1936년에 쓰여졌다. 대본은 S. Radlov 감독과 안무가 L. Lavrovsky와 함께 작곡가가 개발했습니다 (L. Lavrovsky는 1940 년 S. M. Kirov Leningrad Opera and Ballet Theatre에서 발레의 첫 번째 작품을 상연했습니다). 그럼에도 불구하고 Prokofiev의 특이한 음악에 점진적으로 익숙해지는 것은 성공을 거두었습니다. 발레 "로미오와 줄리엣"은 1936년에 완성되었지만 더 일찍 고안되었습니다. 발레의 운명은 계속해서 어려워졌습니다. 처음에는 발레 완성에 어려움이 있었다. Prokofiev는 S. Radlov와 함께 대본을 개발하는 동안 셰익스피어 학자들 사이에서 분노의 폭풍을 일으킨 해피 엔딩에 대해 생각했습니다. 위대한 극작가에 대한 명백한 무례는 다음과 같이 간단하게 설명되었습니다. 비극적으로 셰익스피어처럼 발레를 끝내기로 한 결정은 음악 자체, 마지막 에피소드에서 순수한 기쁨이 없다는 사실에 가장 큰 영향을 받았습니다. 문제는 안무가들과의 대화 끝에 "발레 파멸을 해결할 수있다"는 사실이 밝혀지면서 해결됐다. 그러나 볼쇼이 극장은 음악이 춤이 아닌 것으로 간주하여 합의를 위반했습니다. 두 번째로 레닌그라드 안무 학교는 계약을 거부했다. 그 결과 "로미오와 줄리엣"의 첫 번째 제작은 1938년 체코슬로바키아의 브르노 시에서 이루어졌습니다. 유명한 안무가 L. Lavrovsky가 발레의 감독이되었습니다. Juliet의 일부는 유명한 G. Ulanova가 춤을 췄습니다.

과거에는 발레 무대에서 셰익스피어를 선보이려는 시도가 있었지만 (예를 들어 1926 년 Diaghilev는 영국 작곡가 C. Lambert의 음악으로 발레 로미오와 줄리엣을 상연했습니다) 성공한 것으로 간주되는 것은 없습니다. 셰익스피어의 이미지가 Bellini, Gounod, Verdi가 한 것처럼 오페라로 구현되거나 Tchaikovsky와 같이 교향곡으로 구현 될 수 있다면 발레에서는 장르 특이성 때문에 불가능 해 보였습니다. 이와 관련하여 셰익스피어의 음모에 대한 Prokofiev의 호소는 대담한 단계였습니다. 그러나 러시아와 소련 발레의 전통이 이 단계를 준비했다.

발레 "로미오와 줄리엣"의 등장은 Sergei Prokofiev 작업의 중요한 전환점입니다. 발레 "로미오와 줄리엣"은 새로운 안무 공연을 찾는 데 가장 중요한 성과 중 하나가되었습니다. Prokofiev는 살아있는 인간 감정의 구체화, 사실주의 확립을 위해 노력합니다. Prokofiev의 음악은 셰익스피어 비극의 주요 갈등, 즉 중세 생활 방식의 야만성을 특징 짓는 구세대의 가족 불화와 밝은 사랑의 충돌을 생생하게 드러냅니다. 셰익스피어가 로미오와 줄리엣에서 시와 극적인 행동을 결합한 것처럼 작곡가는 발레에서 드라마와 음악의 융합을 만들었습니다. 프로코피예프의 음악은 가장 미묘한 심리적 움직임을 전달합니다. 인간의 영혼, 셰익스피어 사상의 풍부함, 그의 첫 번째 가장 완벽한 비극의 열정과 드라마. Prokofiev는 발레에서 셰익스피어의 캐릭터를 다양성과 완전성, 깊은 시와 활력으로 재현했습니다. 로미오와 줄리엣의 사랑의 시, 머큐시오의 유머와 장난, 간호사의 천진난만함, 파터 로렌조의 지혜, 티볼트의 분노와 잔인함, 이탈리아 거리의 축제적이고 폭력적인 색채, 아침 새벽의 부드러움 그리고 죽음의 장면의 드라마-이 모든 것은 기술과 뛰어난 표현력으로 Prokofiev에 의해 구현됩니다.

특성 발레 장르행동의 확대, 집중을 요구했습니다. 프로코피예프는 비극에서 이차적이거나 이차적인 모든 것을 차단하고 중심 의미론적 순간인 사랑과 죽음에 주의를 집중했습니다. Verona 귀족의 두 가족 인 Montagues와 Capulets 사이의 치명적인 적대감으로 연인의 죽음을 초래했습니다. Prokofiev의 Romeo와 Juliet은 심리적 상태의 복잡한 동기, 명확한 음악적 초상화 특성이 풍부한 풍부하게 발전된 안무 드라마입니다. 대본은 간결하고 설득력 있게 셰익스피어 비극의 근간을 보여줍니다. 장면의 주요 시퀀스를 유지합니다(몇 개의 장면만 축소됨 - 비극의 5막이 3개의 큰 막으로 그룹화됨).

로미오와 줄리엣은 매우 혁신적인 발레입니다. 그 참신함은 교향곡 발전의 원리에서도 나타납니다. 발레의 교향곡 드라마투르기에는 세 가지 유형이 있습니다.

첫 번째는 선과 악의 주제에 대한 상충되는 반대입니다. 모든 영웅 - 선함의 운반자는 다양하고다면적인 방식으로 표시됩니다. 작곡가는 적대감의 주제를 19세기 록의 주제에 더 가깝게, 20세기의 일부 악의 주제로 가져오면서 더 일반적으로 악을 제시합니다. 악의 주제는 에필로그를 제외한 모든 막에 나타납니다. 그들은 영웅의 세계를 침범하고 발전하지 않습니다.

두 번째 유형의 교향곡 개발은 캐릭터의 심리적 상태를 공개하고 이미지의 내부 성장을 보여주는 Mercutio 및 Juliet과 같은 이미지의 점진적인 변형과 관련이 있습니다.

세 번째 유형은 Prokofiev 교향곡 전체의 특징 인 변이, 변이의 특징을 드러내며 특히 서정적 주제에 영향을 미칩니다.

이 세 가지 유형 모두 발레에서 영화 몽타주의 원리, 샷의 특별한 리듬, 클로즈업 기술, 중거리 및 장거리 샷, "유입"기술, 장면에는 특별한 의미가 있습니다.

2. 주인공, 이미지, 특징

발레에는 3막(4막은 에필로그), 2개의 숫자, 9개의 장면이 있습니다.

나는 행동합니다-이미지 설명, 무도회에서 로미오와 줄리엣의 지인.

II 막 4 그림 - 밝은 사랑의 세계, 결혼 5 그림 - 적대감과 죽음의 끔찍한 장면.

III action.6 그림 - 작별 인사.7, 8 그림 - 수면제를 복용하기로 한 줄리엣의 결정.

에필로그 9 그림 - 로미오와 줄리엣의 죽음.

첫 번째 사진은 밤의 휴식 후 점점 움직임으로 가득 찬 베로나의 그림 같은 광장과 거리 사이에서 펼쳐집니다. 고독을 추구하는 "사랑에 대한 갈망"인 주인공 로미오의 장면은 전쟁을 벌이는 두 가족의 대표자 간의 다툼과 전투로 대체됩니다. 분노한 적들은 공작의 강력한 명령에 의해 제지됩니다. “죽음의 고통으로 해산하십시오! "

발레 "로미오와 줄리엣"의 등장은 Sergei Prokofiev 작업의 중요한 전환점입니다. 발레 "로미오와 줄리엣"은 새로운 안무 공연을 찾는 데 가장 중요한 성과 중 하나가되었습니다. Prokofiev는 살아있는 인간 감정의 구체화, 사실주의 확립을 위해 노력합니다. Prokofiev의 음악은 셰익스피어 비극의 주요 갈등, 즉 중세 생활 방식의 야만성을 특징 짓는 구세대의 가족 불화와 밝은 사랑의 충돌을 생생하게 드러냅니다. 셰익스피어가 로미오와 줄리엣에서 시와 극적인 행동을 결합한 것처럼 작곡가는 발레에서 드라마와 음악의 융합을 만들었습니다. 프로코피예프의 음악은 인간 영혼의 가장 미묘한 심리적 움직임, 셰익스피어 사상의 풍부함, 그의 가장 완벽한 첫 번째 비극의 열정과 드라마를 전달합니다. Prokofiev는 발레에서 셰익스피어의 캐릭터를 다양성과 완전성, 깊은 시와 활력으로 재현했습니다. 로미오와 줄리엣의 사랑의 시, 머큐시오의 유머와 장난, 간호사의 천진난만함, 파터 로렌조의 지혜, 티볼트의 분노와 잔인함, 이탈리아 거리의 축제적이고 폭력적인 색채, 아침 새벽의 부드러움 그리고 죽음의 장면의 드라마-이 모든 것은 기술과 뛰어난 표현력으로 Prokofiev에 의해 구현됩니다.

발레 장르의 특수성은 행동의 확대, 집중을 요구했습니다. 프로코피예프는 비극에서 이차적이거나 이차적인 모든 것을 차단하고 중심 의미론적 순간인 사랑과 죽음에 주의를 집중했습니다. Veronese 귀족의 두 가족 인 Montagues와 Capulets 사이의 치명적인 적대감으로 연인의 죽음을 초래했습니다. Prokofiev의 Romeo와 Juliet은 심리적 상태의 복잡한 동기, 명확한 음악적 초상화 특성이 풍부한 풍부하게 발전된 안무 드라마입니다. 대본은 간결하고 설득력 있게 셰익스피어 비극의 근간을 보여줍니다. 장면의 주요 시퀀스를 유지합니다(몇 개의 장면만 축소됨 - 비극의 5막이 3개의 큰 막으로 그룹화됨).

두 번째 유형의 교향곡 개발은 캐릭터의 심리적 상태를 공개하고 이미지의 내부 성장을 표시하는 Mercutio 및 Juliet과 같은 이미지의 점진적인 변형과 관련이 있습니다.

세 번째 유형은 Prokofiev 교향곡 전체의 특징 인 변이, 변이의 특징을 드러내며 특히 서정적 주제에 영향을 미칩니다.

프로코피예프 S. 발레 "로미오와 줄리엣"

발레 "로미오와 줄리엣"

발레 "로미오와 줄리엣"은 1935-1936년에 프로코피예프가 작곡했습니다. 대본은 작곡가가 S. Radlov 감독 및 안무가 L. Lavrovsky와 함께 개발했습니다 (L. Lavrovsky는 1940 년 S. M. Kirov의 이름을 딴 레닌 그라드 오페라 및 발레 극장에서 발레의 첫 번째 작품을 상연했습니다).

프로코피예프의 작품은 러시아 발레의 고전적 전통을 이어갔다. 이것은 발레 공연의 발전된 교향곡 극작에서 깊은 인간 감정을 반영하여 선택한 주제의 큰 윤리적 중요성으로 표현되었습니다. 그리고 동시에 로미오와 줄리엣의 발레 악보는 너무 이례적이어서 익숙해지는 데 시간이 걸렸다. "발레에서 프로코피예프의 음악보다 더 슬픈 이야기는 세상에 없다"는 아이러니한 말도 있었다. 이 모든 것은 음악에 대한 예술가와 대중의 열광적인 태도로 점차적으로 대체되었습니다 35 .

35 Prokofiev의 발레 음악이 댄서들에게 얼마나 이례적인지 G. Ulanova는 작곡가에 대한 회고록에서 다음과 같이 말합니다. 하지만 더 많이 듣고 더 많이 일하고 검색하고 실험할수록 음악에서 태어난 이미지가 더 밝아졌습니다. 그리고 점차 그녀의 이해가 왔고 점차 춤에 편안해졌고 안무 적으로나 심리적으로 분명해졌습니다.”(Ulanova G. 좋아하는 발레 작가. Cit. ed., p. 434).

우선 줄거리가 예사롭지 않았다. 셰익스피어로 전환하는 것은 일반적으로 받아 들여지는 의견에 따르면 그러한 복잡한 철학적 및 극적인 주제의 구현이 발레를 사용하는 것이 불가능하다고 믿었 기 때문에 소비에트 안무에서 대담한 단계였습니다. 36 . 셰익스피어 테마는 작곡가가 극적이고 심리적인 장면에 초점을 맞춰 캐릭터와 그들의 생활 환경에 대한 다면적이고 사실적인 특성을 부여할 것을 요구합니다.

프로코피예프의 음악과 라브로프스키의 연주에는 셰익스피어의 정신이 고스란히 담겨 있다. 최대한 가까워지려고 노력 발레 공연문학적 출처에 대본의 저자는 셰익스피어 비극의 주요 사건과 일련의 행동을 보존했습니다. 일부 장면만 잘랐다. 비극의 5막은 크게 3막으로 분류된다. 그러나 저자들은 발레의 드라마 투르 기의 특성을 바탕으로 액션의 분위기와 액션 자체를 댄스, 모션으로 전달할 수있는 몇 가지 새로운 장면을 소개했다. 2 막의 민속 축제, 장례식 Tybalt의 시체와 함께 행렬, 그리고 다른 사람들.

Prokofiev의 음악은 비극의 주요 갈등을 생생하게 드러냅니다. 젊은 영웅의 밝은 사랑과 중세 생활 방식의 야만성을 특징 짓는 구세대의 가족 적대감과 충돌합니다 (로미오와 줄리엣의 이전 발레 공연과 Gounod의 유명한 오페라는 주로 비극의 러브 라인을 묘사하는 것으로 제한됩니다). 프로코피예프는 또한 비극과 코믹, 숭고함과 광대함 사이의 셰익스피어의 대조를 음악으로 구현할 수 있었습니다.

베를리오즈 교향곡과 차이코프스키의 서곡 판타지와 같은 로미오와 줄리엣의 교향곡 구현의 고상한 예를 그 앞에 가지고 있던 프로코피예프는 완전히 독창적 인 작품을 만들었습니다. 발레의 가사는 절제되고 순수하며 때로는 세련된다. 작곡가는 긴 서정적 분출을 피하지만 필요한 경우 그의 가사에는 열정과 긴장감이 내재되어 있습니다. Prokofiev의 비 유적 정확성 특성, 음악의 가시성, 특성의 간결함이 특별한 힘으로 드러났습니다.

음악과 행동 사이의 가장 가까운 연결은 본질적으로 밝은 연극인 작품의 음악 극작술을 구별합니다. 판토마임과 춤의 유기적인 조합을 위해 설계된 장면을 기반으로 합니다. 이것은 솔로 초상화 장면입니다."

36 차이코프스키와 글라주노프 시대에는 발레에서 동화 같은 낭만적인 플롯이 가장 흔했습니다. 차이코프스키는 일반화 된 아이디어, 깊은 인간의 감정을 표현하기 위해 "백조의 호수", "잠자는 숲속의 미녀", "호두 까기 인형"의 시적 음모를 사용하여 발레에 가장 적합하다고 생각했습니다.

동화 같은 낭만적 인 음모와 함께 소비에트 발레는 세계 문학에서 가져온 역사적 혁명적, 현대적 주제와 같은 현실적인 주제에 대한 호소가 특징입니다. Gliere의 The Red Flower와 The Bronze Horseman, Asafiev의 The Flames 및 Bakhchisarai 분수, Khachaturian의 Gayane 및 Spartacus, Shchedrin의 Anna Karenina 및 The Seagull입니다.

("Juliet the Girl", "Mercutio", "Pater Lorenzo"), 대화 장면("At the Balcony". Roma and Juliet are apart"), 극적인 군중 장면("Quarrel", "Fight").

즉, 순전히 댄스 "콘서트"번호 (변형 및 특징적인 댄스의주기)가 삽입됩니다. 춤은 특징적이거나 ( "Dance of the Knights", 그렇지 않으면 "Montagues and Capuleti"라고도 함) 행동의 분위기를 재현합니다 (귀족의 우아한 사교 댄스, 쾌활한 민속 춤).

"로미오와 줄리엣"에서 가장 중요한 극적인 수단 중 하나는 라이트모티프입니다. 그의 발레와 오페라에서 Prokofiev는 독특한 라이트모티프 개발 기법을 개발했습니다. 일반적으로 그의 캐릭터의 음악적 초상화는 이미지의 다른 측면을 특징 짓는 여러 테마로 짜여져 있습니다. 그들은 반복 될 수 있고 미래에 다를 수 있지만 이미지의 새로운 특성의 출현은 가장 자주 새로운 테마의 출현을 유발하며 동시에 이전 테마 억양과 밀접하게 연결됩니다.

가장 밝은 예- 감정 발달의 세 단계를 나타내는 사랑의 세 가지 주제: 감정의 기원(예 177 참조), 개화(예 178), 비극적 강도(예 186).

Prokofiev는 로미오와 줄리엣의 다면적이고 복잡하게 발전된 이미지를 발레 전체에서 거의 변하지 않은 우울하고 어리석은 적대감, 영웅의 죽음을 초래 한 악의 이미지와 대조합니다.

날카롭게 대비되는 비교의 방법은 이 발레의 가장 강력한 극적 장치 중 하나이다. 예를 들어, Lorenzo 신부의 결혼식 장면은 축제 민속 재미의 장면으로 구성됩니다 (도시 생활의 일반적인 그림은 영웅 운명의 독점 성과 비극을 나타냅니다). 마지막 막에서 Juliet의 가장 강렬한 영적 투쟁의 이미지는 "Morning Serenade"의 밝고 투명한 사운드로 응답됩니다.

작곡가는 상대적으로 작고 매우 명확하게 설계된 음악 번호를 번갈아 가며 발레를 구성합니다. 이 궁극적 완전성에서 형태의 "면 처리"-프로 코피예프 스타일의 간결함. 그러나 종종 여러 숫자를 결합하는 주제별 연결, 일반적인 동적 라인은 구성의 모자이크처럼 보이는 것에 반대하고 훌륭한 교향곡 호흡의 구성을 만듭니다. 그리고 전체 발레에 걸쳐 leitmotif 특성의 지속적인 개발은 전체 작업에 무결성을 부여하고 극적으로 통합합니다.

프로코피예프는 어떤 수단을 통해 행동의 시간과 장소에 대한 감각을 만들어 냅니까? 칸타타 "Alexander Nevsky"와 관련하여 이미 언급했듯이 그가 과거로 간 진정한 음악 샘플로 전환하는 것은 일반적이지 않습니다. 그는 이적을 선호한다 현대적인 관점고대에 대해. 미뉴에트와 가보트, 18세기 춤 프랑스계 15세기 이탈리아 음악과 일치하지는 않지만 청취자들에게 오래된 유럽 춤으로 잘 알려져 있으며 광범위한 역사적 및 특정 비유적 연관성을 불러일으킵니다. 미뉴에트와 가보트 37은 Capuleti의 공 장면에서 특정 강성과 조건부 그라데이션을 특징으로 합니다. 동시에 현대 작곡가의 약간의 아이러니가 느껴져 "의식"시대의 이미지를 재현합니다.

민속 축제의 음악은 독창적이며, 르네상스 이탈리아의 끓고 햇볕에 흠뻑 젖고 생생한 감정 분위기를 묘사합니다. Prokofiev는 여기에서 사용합니다. 리드미컬한 특징이탈리아 민속 무용 타란텔라("민속 무용" 제2막 참조)..

이탈리아 생활에서 흔히 볼 수 있는 악기인 만돌린("Dance with Mandolins", "Morning Serenade" 참조)의 악보에 대한 소개가 다채롭다. 그러나 다른 많은 에피소드, 대부분 장르에서 작곡가가 질감과 음색을 이 악기의 구체적이고 소박한 "뽑아 낸" 사운드에 더 가깝게 가져온다는 것이 더 흥미 롭습니다("The Street Wakes Up", "Masks", " 공 준비”, “Mercutio ").

나는 행동한다.발레는 짧은 "소개"로 시작됩니다. 그것은 사랑의 주제로 시작하고, 서문처럼 간결하고, 동시에 가볍고 슬퍼합니다.

첫 번째 장면은 38시에 도시를 방황하는 로미오를 묘사합니다. 사려 깊은 멜로디는 사랑을 꿈꾸는 청년의 특징입니다.

87 가보트의 음악은 프로코피예프가 그의 클래식 교향곡에서 가져왔습니다.

88 셰익스피어에는 그런 장면이 없습니다. 그러나 이것은 Romeo의 친구 Benvolio가 전합니다. 이야기를 행동으로 옮기면서 libretto의 저자는 발레 극작의 특성에서 출발합니다.

이것은 Romeo의 두 가지 주요 테마 중 하나입니다(다른 하나는 "서론"에서 제공됨).

사진은 차례로 빠르게 번갈아 가며 아침을 묘사하고 점차 도시의 거리를 되살리며 쾌활한 번잡함, Montague와 Capuleti의 하인 간의 싸움, 그리고 마지막으로 전투와 공작의 강력한 명령으로 해산됩니다.

첫 번째 사진의 상당 부분은 부주의하고 재미있는 분위기로 가득 차 있습니다. 그것은 마치 댄스웨어 하우스 멜로디를 기반으로 한 작은 스케치 "The Street Wakes Up"에 초점을 맞춘 것처럼 "뽑아 낸"반주와 함께 가장 소박하게 조화를 이루는 것 같습니다.

약간의 손길: 2초, 드문 당김음, 예상치 못한 음조 병치가 음악에 특별한 신랄함과 장난을 더합니다. 오케스트레이션은 재치 있고 바순은 바이올린, 오보에, 플루트 및 클라리넷과 번갈아 대화합니다.

이 멜로디의 특징이나 그에 가까운 억양과 리듬은 그림의 여러 숫자를 통합합니다. 그들은 다툼 장면에서 "모닝 댄스"에 있습니다.

생생한 연극을 위해 노력하는 작곡가는 시각적 음악적 수단을 사용합니다. 따라서 공작의 화난 명령은 날카로운 불협화음과 날카로운 동적 대비에 위협적인 느린 "트레드"를 일으켰습니다. 무기의 노크와 덜거덕 거리는 소리를 모방 한 지속적인 움직임에 전투의 그림이 그려집니다. 그러나 여기서 표현 적 의미를 일반화하는 주제 인 적의 주제도 통과합니다. "서투름", 멜로디 움직임의 직설성, 낮은 리듬 이동성, 고조파 강성 및 시끄럽고 "유연하지 않은"구리 소리-모든 수단은 원시적이고 매우 우울한 이미지를 만드는 데 목적이 있습니다.

우아하고 부드러운

이미지의 다양한 측면이 예리하고 예기치 않게 나타나 서로를 대체합니다(소녀, 십대의 경우 일반적임). 첫 번째 테마의 가벼움과 생동감은 오케스트라의 다양한 그룹과 악기에 맞서 부서지는 단순한 스케일과 같은 "달리는"멜로디로 표현됩니다. 화음의 다채로운 고조파 "던지기"-주요 3화음(VI 감소, III 및 I 단계)은 리드미컬한 선명도와 이동성을 강조합니다. 두 번째 주제의 우아함은 클라리넷의 플라스틱 멜로디 인 Prokofiev가 가장 좋아하는 댄스 리듬 (gavotte)으로 전달됩니다.

미묘하고 순수한 서정은 Juliet 이미지의 가장 중요한 "측면"입니다. 따라서 줄리엣의 음악적 초상화의 세 번째 주제의 등장은 템포의 변화, 질감의 급격한 변화, 너무 투명하여 가벼운 메아리 만 멜로디의 표현력을 발산하는 변화로 일반적인 맥락과 구별됩니다. 음색에서(플루트 솔로).

Juliet의 세 가지 테마는 모두 미래에 지나가고 새로운 테마가 합류합니다.

비극의 줄거리는 Capuleti의 무도회 장면입니다. 로미오와 줄리엣의 사랑의 감정이 태어난 곳입니다. 여기에서 Capuleti 가족의 대표 인 Tybalt는 감히 집 문지방을 넘은 Romeo에게 복수하기로 결정합니다. 이 이벤트는 공의 밝고 축제적인 배경에서 열립니다.

각각의 춤에는 고유한 극적인 기능이 있습니다. 공식적인 엄숙한 분위기를 조성하는 미뉴에트의 소리에 손님이 모입니다.

"기사의 춤"- 이것 그룹 초상화, "아버지"의 일반화 된 특성. 점프하는 단속 리듬은 측정된 베이스의 묵직한 발걸음과 결합되어 일종의 웅장함과 결합된 호전성과 어리석음의 이미지를 만듭니다. "Dance of the Knights"의 비유적인 표현력은 청취자에게 이미 친숙한 적대감의 주제가베이스에 들어올 때 더욱 강해집니다. "Dance of the Knights"의 주제는 미래에 Capuleti 가족의 특징으로 사용됩니다.

"Dance of the Knights"에서 극명하게 대조되는 에피소드로 줄리엣과 파리의 연약하고 세련된 춤이 소개됩니다.

무도회 장면은 처음으로 로미오의 명랑하고 재치 있는 친구인 머큐시오를 보여줍니다. 그의 음악(No. 12, "Masks" 참조)에서 기발한 행진곡은 조롱하는 익살스러운 세레나데로 대체됩니다.

짜임새 있고 조화로운 리드미컬한 놀라움으로 가득 찬 긁힌 움직임은 Mercutio의 탁월함, 재치, 아이러니를 구현합니다(Mercutio, No. 15 참조).

무도회 장면(변주 14번 끝)에서 로미오의 불타는 주제가 들립니다. 처음에는 발레 소개에서 나옵니다(로미오는 줄리엣을 알아차립니다). Romeo가 Juliet에게 연설하는 Madrigal에서는 발레의 가장 중요한 서정적 멜로디 중 하나 인 사랑의 주제가 나타납니다. 장조와 단조의 연주는 이 가볍고 슬픈 주제에 특별한 매력을 더합니다.

사랑의 주제는 1막을 마무리하는 대규모 영웅 듀엣(“Scene at the Balcony”, No. 19-21)에서 널리 전개됩니다. 그것은 이전에 약간 윤곽이 잡힌 관조적인 멜로디로 시작합니다(Romeo, No. 1, 마지막 마디). 조금 더 나아가 새로운 방식으로 공개적이고 감정적으로 강렬한 첼로와 잉글리시 호른은 Madrigal에서 처음 등장한 사랑의 주제를 들려줍니다. 이 큰 무대 전체가 별도의 숫자로 구성된 것처럼 단일에 종속됩니다. 음악적 발전. 여기에서 여러 개의 항목이 서로 얽혀 있습니다. 동일한 주제에 대한 각각의 후속 보유는 이전 주제보다 더 강렬하며 각각의 새로운 주제는 더 역동적입니다. 전체 장면("Love Dance")의 절정에서 황홀하고 엄숙한 멜로디가 나타납니다.

영웅들을 사로잡은 고요함, 황홀감은 또 다른 주제로 표현된다. 부드럽고, 부드럽게 흔들리는 리듬으로 노래하며, 발레의 사랑 테마 중에서 가장 춤출 수 있습니다.

Love Dance 코다에서 "Introduction"의 Romeo 테마가 나타납니다.

발레의 두 번째 막은 강한 대조로 가득 차 있습니다. 밝고 집중된 서정으로 가득 찬 밝은 민속 춤이 결혼식 장면을 구성합니다. 액션 후반부에서는 축제의 반짝이는 분위기가 Mercutio와 Tybalt의 결투와 Mercutio의 죽음이라는 비극적 인 그림으로 대체됩니다. 티볼트의 시신과 함께하는 장례 행렬은 2막의 클라이막스로 비극적인 반전을 보여줍니다.

타란텔라 정신의 성급하고 경쾌한 "포크 댄스"(22 번), 다섯 커플의 무례한 스트리트 댄스, 만돌린 댄스. 댄스 동작의 요소를 전달하는 멜로디의 탄력성, 가소성에 주목해야합니다.

결혼식 장면에는 현명하고 박애적인 로렌초 신부의 초상화가 주어집니다(28번). 억양의 부드러움과 따뜻함으로 구별되는 합창 창고의 음악이 특징입니다.

Juliet의 모습은 플루트에서 그녀의 새로운 멜로디를 동반합니다 (이것은 발레의여 주인공의 여러 주제에 대한 leittimbre입니다).

플루트의 투명한 소리는 인간의 목소리에 가까운 표현력을 지닌 악기인 첼로와 바이올린의 듀엣으로 대체됩니다. 밝고 "말하는" 억양으로 가득 찬 열정적 인 멜로디가 나타납니다.

이 "음악적 순간"은 대화를 그대로 재현합니다! 셰익스피어의 비슷한 장면에서 로미오와 줄리엣:

로미오

오, 내 행복의 척도라면

너와 동등해, 나의 줄리엣,

하지만 당신은 더 있습니다 예술은,

"표현하려면 기뻐하라.

부드러운 연설로 주변 공기.

줄리엣

당신의 말의 멜로디가 살아있게하십시오

말할 수 없는 행복을 묘사하십시오.

거지만이 재산을 셀 수 있고,

내 사랑은 엄청나게 커졌어

그녀의 39의 절반을 셀 수 없다는 것.

결혼식에 수반되는 합창 음악이 장면을 완성합니다.

테마의 교향곡 변형 기술을 완벽하게 마스터한 프로코피예프는 2막에서 발레의 가장 경쾌한 테마 중 하나("The Street Wakes", No. 3)에 우울하고 불길한 특징을 부여합니다. Tybalt와 Mercutio의 만남 장면(32번)에서 친숙한 멜로디가 왜곡되고 무결성이 파괴됩니다. 사소한 착색, 멜로디를 자르는 날카로운 반음계, 색소폰의 "울부짖는"음색-이 모든 것이 그 특성을 극적으로 바꿉니다.

셰익스피어 에. 폴리. 콜. cit., 3권, p. 65.

고통의 이미지와 같은 주제는 프로코피예프가 심리적 깊이를 가지고 쓴 메르큐시오의 죽음의 장면을 관통한다. 이 장면은 반복되는 고통이라는 주제를 기반으로 합니다. 고통의 표현과 함께 나약한 사람의 움직임과 몸짓을 사실적으로 강하게 그려낸다. 의지의 엄청난 노력으로 Mercutio는 미소를 지도록 강요합니다. 이전 테마의 일부는 오케스트라에서 거의 들리지 않지만 오보에와 플루트와 같은 목제 악기의 "먼"상위 음역에서 들립니다.

돌아오는 메인 테마는 일시 중지로 중단됩니다. 이어지는 침묵의 비정상성은 메인 키의 "외래"인 최종 코드로 강조됩니다 (D 마이너-B 마이너 및 E- 플랫 마이너의 트라이어드 이후).

Romeo는 Mercutio의 복수를 결정합니다. 결투에서 그는 Tybalt를 죽입니다. Act II는 Tybalt의 시신과 함께 장엄한 장례 행렬로 끝납니다. 구리의 날카로운 소리, 질감의 밀도, 지속적이고 단조로운 리듬-이 모든 것이 행렬의 음악을 적대감의 주제에 가깝게 만듭니다. 발레 에필로그의 또 다른 장례 행렬 인 "줄리엣의 장례식"은 슬픔의 영성으로 구별됩니다.

Act III에서는 모든 것이 적대적인 세력에 맞서 그들의 사랑을 영웅적으로 지키는 로미오와 줄리엣의 이미지 개발에 중점을 둡니다. Prokofiev는 여기서 Juliet의 이미지에 특별한 관심을 기울였습니다.

3막 전반에 걸쳐 그녀의 "초상화"(첫 번째와 특히 세 번째)의 주제와 사랑의 주제가 전개되며 극적이거나 슬픈 모습을 취합니다. 비극적 강렬함과 힘이 특징인 새로운 멜로디가 등장합니다.

Act III는 더 큰 연속성에 의해 처음 두 개와 다릅니다. 행동을 통해, 장면을 하나의 뮤지컬 전체로 연결합니다(Juliet, No. 41-47 장면 참조). 무대의 틀에 "적합하지 않은" 교향곡 전개는 두 개의 막간(43번과 45번)을 낳습니다.

3막에 대한 간략한 소개는 막강한 "공작단"(1막에서)의 음악을 재현합니다.

무대 위에는 줄리엣의 방(38번)이 있다. 미묘한 트릭으로 오케스트라는 침묵의 느낌, 밤의 울리는 신비한 분위기, 로미오와 줄리엣의 이별을 재현합니다. 결혼식 장면의 주제는 플루트와 첼레 스타에서 바스락 거리는 현악기 소리로 이어집니다.

작은 듀엣은 절제된 비극으로 가득 차 있습니다. 새로운 멜로디는 이별이라는 주제를 기반으로 합니다(예제 185 참조).

그 안에 담긴 이미지는 복잡하고 내부적으로 대조적이다. 여기에 치명적인 운명과 살아있는 충동이 있습니다. 멜로디는 힘들게 올라가는 것 같고 떨어지기도 힘든 것 같습니다. 그러나 주제의 후반부에는 적극적으로 항의하는 억양이 들립니다(5-8절 참조). 오케스트레이션은 이것을 강조합니다. 현의 생생한 사운드는 호른의 "치명적인"부름과 처음에 들리는 클라리넷의 음색을 대체합니다.

멜로디의 이 부분(하반부)이 사랑의 독립적인 주제로 추가 장면에서 전개된다는 것은 흥미 롭습니다(42, 45번 참조). 또한 "서론"에서 전체 발레에 대한 서문으로 제공됩니다.

이별의 주제는 Interlude(43번)에서 완전히 다릅니다. 여기서 그녀는 열정적 인 충동, 비극적 결단력의 성격을 얻습니다 (줄리엣은 사랑의 이름으로 죽을 준비가되었습니다). 테마의 질감과 음색 배색은 이제 맡김 구리 도구:

줄리엣과 로렌조의 대화 장면에서 수도사가 줄리엣에게 수면제를 주는 순간 처음으로 죽음의 주제가 들린다("홀로 줄리엣", No. 47) - 뮤지컬 이미지, 셰익스피어의 다음과 정확히 일치합니다.

차갑고 나른한 공포가 내 혈관을 파고든다. 생명의 열을 얼립니다 40 .

8도의 자동 맥동 움직임은 무감각함을 전달합니다. 음소거 된 상승하는 저음 - "나른한 두려움"이 커집니다.

3막에서는 액션 설정을 특징짓는 장르적 요소가 이전보다 훨씬 더 적게 사용됩니다. 두 개의 우아한 미니어처인 "아침 세레나데"와 "Dance of Girls with L and L and I"가 발레의 패브릭에 도입되어 가장 미묘한 극적인 대조를 만듭니다. 두 번호 모두 질감이 투명합니다. 가벼운 반주와 솔로 악기에 맡겨진 멜로디입니다. "아침의 세레나데"는 줄리엣이 죽은 줄 모르고 그녀의 창문 아래에서 줄리엣의 친구들에 의해 연주된다.

40 코끼리 줄리엣.

41 아직 상상의 죽음이지만.

현의 선명한 울림은 빔처럼 미끄러지는 가벼운 멜로디처럼 들립니다(악기: 무대 뒤 만돌린, 플루트 피콜로, 솔로 바이올린).

백합을 든 소녀들의 춤, 신부를 축하하는 것, 속이 빈 연약한 우아함:

그러나 잠시 후 발레 42에서 세 번째로 등장하는 짧은 치명적인 주제가 들립니다(“By the bedside of Jula etta,” No. 50).

어머니와 유모가 줄리엣을 깨우러 가는 순간, 그녀의 주제는 바이올린의 최고 음역에서 슬프고 무게감 없이 지나간다. 줄리엣은 죽었다.

에필로그는 "줄리엣의 장례식" 장면으로 시작됩니다. 바이올린으로 전달되는 죽음의 주제는 선율적으로 전개되고 둘러싸여 있습니다.

42 "소녀 줄리엣", "로렌조 신부의 로미오" 장면의 결말도 참조하십시오.

반짝이는 신비한 피아노에서 놀라운 포르티시모에 이르기까지 이 장례식 행진곡의 다이내믹한 스케일입니다.

정확한 획은 로미오(사랑의 주제)의 등장과 그의 죽음을 표시합니다. Juliet의 각성, 그녀의 죽음, Montagues와 Capuleti의 화해가 마지막 장면의 내용을 구성합니다.

발레의 피날레는 죽음을 이기는 밝은 사랑의 찬가입니다. 줄리엣의 테마(제3주제, 다시 장조로 주어짐)의 점차 커지는 눈부신 소리를 기본으로 한다. 발레는 조용하고 "화해하는" 하모니로 끝납니다.

티켓 번호 3

낭만주의

낭만주의의 사회사적 배경. 특이점 이념적 내용그리고 예술적 방법. 음악에 나타난 낭만주의의 특징적 발현

계몽주의 예술을 지배했던 고전주의는 19세기에 낭만주의로 바뀌었고, 그 기치 아래 세기 전반기의 음악적 창의성도 발전했습니다.

예술적 경향의 변화는 2세기 초 유럽의 사회생활을 특징짓는 거대한 사회적 변화의 결과였다.

유럽 \u200b\u200b국가 예술에서이 현상의 가장 중요한 전제 조건은 프랑스 대혁명 *에 의해 깨어 난 대중 운동이었습니다.

* “1648년과 1789년의 혁명은 영국과 프랑스의 혁명이 아니었다. 이것들은 유럽 규모의 혁명이었습니다 ... 그들은 새로운 유럽 사회의 정치 체제를 선포했습니다 ... 이 혁명은 세계 일부의 요구보다 당시 전 세계의 요구를 훨씬 더 많이 표현했습니다. 영국과 프랑스”(Marx K. and Engels F. Works, 2nd ed., v.6, p. 115).

인류 역사의 새 시대를 연 혁명은 유럽 민족의 영적 힘을 엄청나게 고조시켰습니다. 민주적 이상의 승리를 위한 투쟁은 유럽의 역사검토 중인 기간.

인민 해방 운동과 불가분의 관계 속에서 새로운 유형의 예술가가 발전했습니다. 공인, 인간의 영적 힘의 완전한 해방을 가장 높은 정의의 법칙으로 열망했습니다. Shelley, Heine 또는 Hugo와 같은 작가뿐만 아니라 음악가들도 종종 펜을 들어 자신의 신념을 옹호했습니다. 높은 지적 발달, 넓은 이념적 전망, 시민의식 Weber, Schubert, Chopin, Berlioz, Wagner, Liszt 및 기타 여러 가지 특징 XIX의 작곡가세기 *.

* 베토벤의 예술은 다른 시대에 속하기 때문에 이 목록에는 베토벤의 이름이 언급되어 있지 않습니다.

동시에 새로운 시대 예술가들의 이데올로기 형성에 결정적인 요인은 프랑스 대혁명의 결과에 대한 일반 대중의 깊은 실망이었습니다. 계몽주의 이상의 환상적인 성격이 드러났습니다. "자유, 평등, 박애"의 원칙은 여전히 유토피아적인 꿈이었습니다. 봉건 절대주의 체제를 대체한 부르주아 체제는 대중에 대한 무자비한 형태의 착취로 특징지어졌다.

"이성의 상태는 완전히 붕괴되었습니다." 공공 및 정부 기관, 혁명 이후에 발생한 "... 악으로 판명되어 쓰라린 실망을 안겨 주었고 계몽주의의 화려한 약속에 대한 캐리커처"*.

* Marx K. 및 Engels F. Works, ed. 2권, 19권, p. 192 및 193.

최선의 희망에 속고 현실을 받아들이지 못한 새 시대의 예술가들은 새로운 질서에 대한 항의를 표명했습니다.

따라서 낭만주의라는 새로운 예술적 방향이 생겨 발전했습니다.

부르주아 편협함, 비활성 속물주의, 속물주의에 대한 비난은 낭만주의의 이데올로기 적 플랫폼의 기초를 형성합니다. 그것은 주로 당시의 예술적 고전의 내용을 결정했습니다. 그러나 자본주의 현실에 대한 비판적 태도의 본질에서 두 가지 주요 흐름; 이 예술이나 저 예술이 객관적으로 반영된 사회계의 이해관계에 따라 드러난다.

퇴임 계급의 이데올로기와 관련된 예술가들은 기존의 질서에 대한 증오로 "좋은 옛날"을 후회하며 주변 현실에서 외면했습니다. "수동적"이라고 불리는 이런 종류의 낭만주의는 중세의 이상화, 신비주의에 대한 매력, 자본주의 문명과는 거리가 먼 가상 세계의 미화를 특징으로합니다.

이러한 경향은 Chateaubriand의 프랑스 소설, "호수 학교"의 영국 시인의 시, Novalis와 Wackenroder의 독일 단편 소설, 독일의 나사렛 예술가, 영국. "수동적"낭만주의 철학 및 미학 논문 (Chateaubriand의 "기독교의 천재", Novalis의 "Christianity or Europe", Ruskin의 미학에 관한 기사)은 예술과 삶의 분리를 촉진하고 신비주의를 미화했습니다.

낭만주의의 또 다른 방향 - "효과적" - 현실과의 불화를 다른 방식으로 반영했습니다. 이러한 유형의 예술가들은 모더니티에 대한 태도를 열정적 저항의 형태로 표현했습니다. 새로운 사회 상황에 대한 반항, 프랑스 혁명 시대에 제기된 정의와 자유의 이상을 옹호하는 이 모티프는 다양한 해석으로 대부분의 유럽 국가에서 새로운 시대를 지배합니다. 그것은 Byron, Hugo, Shelley, Heine, Schumann, Berlioz, Wagner 및 혁명 이후 세대의 다른 많은 작가와 작곡가의 작품에 스며들어 있습니다.

예술 전체의 낭만주의는 복잡하고 이질적인 현상입니다. 위에서 언급한 두 가지 주요 흐름에는 각각 고유한 다양성과 뉘앙스가 있습니다. 각 국가 문화에서 국가의 사회 정치적 발전, 역사, 사람들의 심리적 구성, 예술적 전통, 낭만주의의 문체 적 특징에 따라 독특한 형태를 취했습니다. 따라서 많은 특징적인 국가 분파가 있습니다. 그리고 개별 낭만주의 예술가들의 작품에서도 상이하고 때로는 모순되는 낭만주의의 흐름이 때로는 교차하고 얽혀 있습니다.

문학, 시각 예술, 연극 및 음악에서 낭만주의의 표현은 상당히 다양했습니다. 그러나, 개발 중 다양한 예술 19 세기중요한 접점이 많이 있습니다. 그들의 특징을 이해하지 않고는 "낭만적 시대"의 음악적 창의성에서 새로운 경로의 본질을 이해하기 어렵습니다.

우선, 낭만주의는 이전 세기의 예술 작품에서 알려지지 않았거나 훨씬 덜 이데올로기적이고 감정적인 깊이로 다루어졌던 많은 새로운 주제로 예술을 풍요롭게 했습니다.

봉건 사회의 심리학에서 개인의 해방은 인간의 영적 세계의 높은 가치에 대한 주장으로 이어졌습니다. 감정적 경험의 깊이와 다양성은 예술가들에게 큰 관심거리입니다. 정밀한 정교함 가사-심리적 이미지주요 성과 중 하나 예술 XIX수세기. 사람들의 복잡한 내면을 진정으로 반영한 낭만주의는 예술의 새로운 감정 영역을 열었습니다.

객관적인 외부 세계의 묘사에서도 작가들은 개인의 인식에서 출발했다. 위에서 인본주의와 자신의 견해를 수호하는 투쟁의 열정이 그 시대의 사회 운동에서 그들의 위치를 결정했다고 말했습니다. 동시에 사회 문제를 다루는 것을 포함하여 낭만주의 예술 작품은 종종 친밀한 분출의 성격을 가지고 있습니다. 가장 눈에 띄고 중요한 것 중 하나의 이름 문학 작품그 시대의 - "세기의 아들의 고백"(Musset). 서정시가 독창성에서 주도적 위치를 차지한 것은 우연이 아닙니다. 19세기의 작가들수세기. 서정적 장르의 번성, 가사의 주제 범위 확장은 그 시대 예술의 비정상적 특징입니다.

그리고 음악적 창의성에서 "서정적 고백"이라는 주제, 특히 "영웅"의 내면 세계를 가장 완벽하게 드러내는 사랑 가사가 지배적 인 중요성을 얻습니다. 이 테마는 로맨티시즘의 모든 예술을 관통하는 붉은 실처럼 이어집니다. 챔버 로맨스슈베르트와 베를리오즈의 기념비적인 교향곡, 바그너의 웅장한 뮤지컬 드라마로 끝납니다. 낭만적인 것처럼 나른함과 꿈, 고통과 영적 분출의 설득력 있게 발전된 이미지와 같이 다양하고 정교하게 정의된 자연의 그림을 음악으로 창조한 클래식 작곡가는 없습니다. 그 어느 곳에서도 19세기 작곡가의 매우 특징적인 친밀한 일기 페이지를 찾을 수 없습니다.

영웅과 그의 환경 사이의 비극적인 갈등- 낭만주의 문학을 지배하는 주제. 외로움의 동기는 Byron에서 Heine, Stendhal에서 Chamisso에 이르기까지 그 시대의 많은 작가들의 작품에 스며 듭니다. 그리고 음악 예술의 경우 현실과의 불화의 이미지가됩니다. 가장 높은 학위접근하기 어려운 아름다운 세계에 대한 동경의 동기이자 자연의 기본 생명에 대한 예술가의 찬사로 굴절되는 특징적인 시작. 이 불화라는 주제는 현실 세계와 꿈의 불완전성에 대한 씁쓸한 아이러니와 열정적 인 항의의 어조를 모두 불러 일으 킵니다.

영웅적-혁명적 주제는 "글루코-베토벤 시대"의 음악 작품의 주요 작품 중 하나였던 낭만주의 작품에서 새로운 방식으로 들립니다. 작가의 개인적인 기분에 따라 굴절되어 특유의 한심한 모습을 얻습니다. 동시에 고전적 전통과는 달리 낭만주의 영웅주의의 주제는 보편적이 아니라 애국적인 민족적 방식으로 해석됩니다.

여기서 우리는 전체적으로 "낭만적 시대"의 예술적 창조의 근본적으로 중요한 또 다른 특징을 다룹니다.

낭만주의 예술의 일반적인 추세도 증가하고 있습니다. 민족문화에 대한 관심. 그는 나폴레옹의 침략에 대항한 민족해방전쟁으로 인해 높아진 민족적 자의식에 의해 생명을 얻었습니다. 민속 전통의 다양한 표현은 새로운 시대의 예술가를 매료시킵니다. 19세기 초에는 민속학, 역사학, 고대 문학. 잊혀진 중세의 전설이 되살아나고, 고딕 예술, 르네상스 문화. 단테, 셰익스피어, 세르반테스는 새로운 세대 사상의 지배자가 됩니다. 역사는 소설과 시, 연극 및 뮤지컬 극장의 이미지(Walter Scott, Hugo, Dumas, Wagner, Meyerbeer)에서 생생하게 살아납니다. 국가 민속에 대한 깊은 연구와 개발은 예술적 이미지의 범위를 확장하여 이전에는 거의 알려지지 않은 분야의 주제로 예술을 보충했습니다. 영웅 서사시, 고대 전설, 동화 소설의 이미지, 이교도시, 자연.

동시에 다른 나라 사람들의 삶, 삶, 예술의 독창성에 대한 예리한 관심이 깨어납니다.

예를 들어 프랑스 작가가 루이 14세의 궁정에서 귀족이자 가장 순수한 물의 프랑스인으로 제시한 몰리에르의 돈 후안을 바이런의 돈 후안과 비교하는 것으로 충분하다. 고전 극작가는 그의 영웅의 스페인 출신을 무시하는 반면, 낭만주의 시인에서 그는 스페인, 소아시아, 코카서스의 특정 상황에서 행동하는 살아있는 이베리아인입니다. 따라서 18세기에 널리 퍼진 이국적인 오페라(예: Rameau의 "Gallant India" 또는 Mozart의 "The Abduction from the Seraglio")에서 터키인, 페르시아인, 미국 원주민 또는 "인디언"은 본질적으로 문명화된 파리지앵 또는 동일한 비엔나인으로 행동했습니다. 18 세기, "Oberon"의 동양 장면에서 이미 Weber는 정통 동양 성가를 사용하여 하렘 경비원을 묘사하고 그의 "Preciosa"는 스페인 민속 모티프로 가득 차 있습니다.

새 시대의 음악예술에 있어 민족문화에 대한 관심은 막대한 의미를 지닌 결과를 낳았다.

XIX 세기는 국가의 번영이 특징입니다. 음악 학교전통을 기반으로 민속 예술. 이는 지난 2세기 동안 이미 세계적으로 중요한 작곡가를 배출한 국가(이탈리아, 프랑스, 오스트리아, 독일 등)에만 적용되는 것은 아닙니다. 그때까지 그림자 속에 남아 있던 많은 민족 문화(러시아, 폴란드, 체코, 노르웨이 및 기타)가 자체 독립 국립 학교와 함께 세계 무대에 나타났습니다. 때로는 범 유럽 음악의 발전에 주도적인 역할을 합니다.

물론 "낭만주의 이전 시대"에도 이탈리아, 프랑스, 독일 음악은 국가적 구성에서 나오는 특징이 서로 달랐습니다. 그러나 이 국가적 원칙은 분명히 특정 보편주의 경향에 의해 지배되었습니다. 음악적 언어 *.

* 예를 들어, 르네상스 시대에 전문 음악의 발전은 서유럽순종했다 프랑코 플랑드르전통. 17세기와 부분적으로는 18세기에 선율 양식이 모든 곳을 지배했습니다. 이탈리아 사람오페라. 처음에는 이탈리아에서 민족 문화의 표현으로 형성되었지만 이후 다른 나라의 민족 예술가들이 싸웠던 범 유럽 법원 미학의 전달자가되었습니다.

현대에 의존하는 지역, "지역", 국가음악 예술의 결정적인 순간이 됩니다. 범 유럽적 성과는 이제 많은 별개의 국립 학교의 기여로 구성됩니다.

예술의 새로운 이념적 내용의 결과로 낭만주의의 모든 다양한 분야의 특징인 새로운 표현 기법이 등장했습니다. 이 공통성은 우리가 화합에 대해 이야기할 수 있게 해줍니다. 낭만주의의 예술적 방법일반적으로 계몽주의의 고전주의와 비판적 사실주의 XIX수세기. 그것은 Hugo의 드라마, Byron의 시, Liszt의 교향시의 특징이기도 합니다.

이 방식의 가장 큰 특징이라고 할 수 있습니다. 고조된 감정 표현. 낭만적 인 예술가는 그의 예술에서 일반적인 계몽 미학의 계획에 맞지 않는 생생한 열정을 전달했습니다. 이성에 대한 감정의 우위는 낭만주의 이론의 공리입니다. 19세기 예술 작품의 흥분, 열정, 다채로움의 정도에서 우선 낭만적 표현의 독창성이 드러난다. 낭만적 인 감정 구조와 가장 완벽하게 일치하는 표현의 특이성 인 음악이 낭만 주의자들에 의해 이상적인 예술 형식으로 선언 된 것은 우연이 아닙니다.

낭만주의 방법의 똑같이 중요한 특징은 환상적인 소설. 상상의 세계는 예술가를 매력적이지 않은 현실 위로 끌어 올립니다. Belinsky에 따르면 낭만주의의 영역은 "영혼과 마음의 토양, 더 나은 것과 숭고한 것에 대한 모든 무한한 열망이 솟아 오르는 곳에서 환상이 만든 이상에서 만족을 찾으려고 노력하는 것"이었습니다.

낭만주의 예술가들의 이러한 깊은 요구는 민속과 고대 중세 전설에서 차용한 새롭고 멋진 범신론적 이미지 영역에 의해 훌륭하게 응답되었습니다. 을 위한 음악적 창의성 19세기 그녀는 우리를 좋아했다 우리는 나중에 볼 것이다, 파라마운트.

낭만주의 예술의 새로운 정복으로 예술적 표현력고전주의 단계와 비교하여 모순과 변증법적 통일성에서 현상의 표시입니다. 숭고의 영역과 일상의 영역 사이의 고전주의에 내재된 조건적 구분을 극복하고, 19세기의 예술가수 세기 동안 의도적으로 삶의 갈등을 함께 밀어붙였고, 그들의 대조뿐만 아니라 그들의 내적 연결도 강조했습니다. 좋다 "드라마 대립"의 원리그 시대의 많은 작품의 기초가됩니다. 그것은 전형적인 로맨틱 극장 Meyerbeer의 오페라를 위한 Hugo, Berlioz의 Schumann의 기악 주기. 인생의 모든 대조와 함께 셰익스피어의 사실적인 극작술을 재발견 한 것이 "낭만주의 시대"였던 것은 우연이 아닙니다. 나중에 우리는 셰익스피어의 작품이 새로운 낭만주의 음악의 형성에 얼마나 중요한 유익한 역할을 했는지 알게 될 것입니다.

XIX 세기의 새로운 예술 방법의 특징은 다음과 같습니다. 비유적인 구체성에 대한 매력, 특징적인 세부 묘사로 강조됩니다. 디테일링- 낭만주의가 아닌 인물의 작품에서도 현대 예술의 전형적인 현상. 음악에서 이러한 추세는 고전주의 예술과 비교하여 음악 언어의 상당한 차별화를 위해 이미지의 최대 개선에 대한 열망에서 나타납니다.

낭만주의 예술의 새로운 사상과 이미지는 계몽주의의 특징인 고전주의의 미학을 바탕으로 발전한 예술적 수단과 견줄 수 없었다. 그들의 이론적 저작(예를 들어, 1827년 드라마 크롬웰에 대한 Hugo의 서문 참조)에서 낭만주의자들은 창의력의 무한한 자유를 옹호하며 고전주의의 합리주의적 규범에 대한 무자비한 투쟁을 선언했습니다. 그들은 작품의 새로운 내용에 상응하는 장르와 형식, 표현기법으로 예술의 각 영역을 풍요롭게 했다.

이러한 갱신의 과정이 음악 예술의 틀 안에서 어떻게 표현되었는지 따라가 보자.

낭만주의는 말기 유럽과 미국 문화의 이데올로기적, 예술적 경향이다. XVIII- 전반전 XIX V.
음악에서 낭만주의는 1820년대. 처음까지 그 의미를 유지했습니다. 더블 엑스 V. 낭만주의의 주요 원리는 날카로운 반대일상과 꿈, 일상의 존재와 작가의 창조적 상상력이 만들어내는 더 높은 이상의 세계.

그는 Great의 결과에서 가장 넓은 범위의 실망을 반영했습니다. 프랑스 혁명 1789-1794, 계몽주의와 부르주아 진보의 이데올로기에서. 따라서 이윤추구에만 관심을 두는 사회에서 속물적 삶을 부정하는 비판적 지향이 특징이다. 인간 관계까지 모든 것이 판매 법칙의 적용을받는 거부 된 세계, 낭만 주의자들은 다른 진실, 즉 감정의 진실, 창조적 인 사람의 자유 의지에 반대했습니다. 따라서 그들의

세심한 주의사람의 내면 세계에 그의 복잡한 영적 움직임에 대한 미묘한 분석. 낭만주의는 예술이 예술가의 서정적 자기표현으로 확립되는 데 결정적인 공헌을 했다.

처음에는 낭만주의가 원칙으로 작용했습니다.

고전주의의 반대자. 고대의 이상은 먼 이국적인 나라 인 중세 시대의 예술에 반대되었습니다. 낭만주의는 보물을 발견했다 민속 예술- 노래, 이야기, 전설. 그러나 고전주의에 대한 낭만주의의 반대는 여전히 상대적이다. 왜냐하면 낭만주의자들은 고전의 성취를 수용하고 발전시켰기 때문이다. 많은 작곡가들이 마지막 비엔나 고전의 작품에 큰 영향을 받았습니다.
L. 베토벤.

낭만주의의 원칙은 여러 나라의 뛰어난 작곡가들에 의해 확인되었습니다. 이들은 K. M. Weber, G. Berlioz, F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Chopin,

F. 슈베르트 F. 리스트, R. 바그너. G. 베르디.

이 모든 작곡가들은 음악적 사고의 일관된 변형을 기반으로 음악 개발의 교향곡 방법을 채택했으며, 이는 자체적으로 반대를 생성합니다. 그러나 낭만 주의자들은 음악적 아이디어의 더 큰 구체성, 문학 이미지 및 기타 예술 형식과의 긴밀한 연결을 위해 노력했습니다. 이것은 그들이 소프트웨어 작품을 만들도록 이끌었습니다.

그러나 낭만적 인 음악의 주요 업적은 사람의 내면 세계, 그의 영적 경험의 변증법에 대한 민감하고 미묘하며 깊은 표현으로 나타났습니다. 로맨스의 고전과는 달리 완고한 투쟁으로 얻은 인간의 열망의 궁극적 인 목표를 긍정하는 것이 아니라 끊임없이 멀어지고 멀어지는 목표를 향한 끝없는 움직임을 전개했습니다. 따라서 전환의 역할, 기분의 부드러운 변화는 낭만주의 작품에서 매우 큽니다.
낭만주의 음악가에게는 결과보다 과정이 더 중요하고 성취보다 더 중요합니다. 한편으로 그들은 일반적으로 다양한 연극의 순환에 종종 포함되는 미니어처에 끌립니다. 반면에 그들은 낭만적인 시의 정신으로 자유로운 작곡을 지지한다. 새로운 장르인 교향시를 발전시킨 것은 낭만주의자들이었다. 교향곡, 오페라, 발레의 발전에 대한 낭만주의 작곡가들의 기여도 매우 크다.
작곡가 중 2위 XIX의 절반- 20세기 초: 낭만주의적 전통이 인본주의적 사상의 확립에 기여한 작품, - I. 브람스, A. 브루크너, G. 말러, R. 슈트라우스, E. 그리그, B. 사워크림, A. 드보르자크다른 사람

러시아 클래식 음악의 거의 모든 거장들은 러시아의 낭만주의에 경의를 표했습니다. 러시아 창시자의 작품에서 낭만적 세계관의 역할 뮤지컬 클래식 M. I. 글린카, 특히 그의 오페라 "Ruslan and Lyudmila"에서.

그의 위대한 후계자들의 작품에서 일반적인 사실주의적 지향을 가진 낭만적인 모티프의 역할은 중요했다. 그들은 많은 환상적인 환상적인 오페라에 영향을 미쳤습니다. N. A. 림스키-코르사코프, 교향시에서 PI. 차이코프스키그리고 "Mighty Handful"의 작곡가.
낭만적 인 시작은 A. N. Scriabin과 S. V. Rachmaninov의 작품에 스며 듭니다.

2. R.-코르사코프

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1막

장면 1
르네상스 베로나의 아침. Romeo Montecchi는 새벽을 만납니다. 도시는 점차 깨어나고 있습니다. Romeo의 두 친구 Mercutio와 Benvolio가 나타납니다. 시장 광장은 사람들로 가득 차 있습니다. Capulet 가문의 대표인 Tybalt가 광장에 나타나자 Montecchi와 Capulet 가문 사이의 불화는 폭발합니다. 순진한 농담이 결투로 발전합니다. Tybalt는 Benvolio 및 Mercutio와 싸 웁니다.
Signor와 Signora Capulet, Signora Montague가 나타납니다. 결투는 잠시 동안 가라 앉지 만 곧 두 가족의 모든 대표가 싸움에 들어갑니다. 베로나 공작은 전사들에게 권유하고 그의 경비병은 질서를 회복하고 있습니다. 군중은 흩어지고 죽은 두 젊은이의 시신이 광장에 남겨집니다.

장면 2
Signor와 Signora Capulet의 딸인 Juliet은 공을 위해 그녀에게 옷을 입히고 있는 간호사에게 다정하게 농담을 합니다. 그녀의 어머니가 들어와 줄리엣이 젊은 귀족 파리스와 결혼할 준비를 하고 있다고 알린다. Juliet의 아버지와 함께 Paris 자신이 나타납니다. 소녀는 자신이 이 결혼을 원하는지 확신이 서지 않지만 정중하게 파리스에게 인사를 건넨다.

장면 3
Capulet의 집에서 호화로운 무도회. 아버지는 모인 손님들에게 줄리엣을 소개합니다. 마스크 아래 숨어있는 Romeo, Mercutio 및 Benvolio는 공에 몰래 들어갑니다. 로미오는 줄리엣을 보고 첫눈에 반한다. 줄리엣은 파리와 춤을 추고, 로미오가 춤을 추고 줄리엣은 파리와 춤을 추고, 로미오는 춤을 추고 그녀에게 자신의 감정을 드러낸다. Juliet은 즉시 그와 사랑에 빠집니다. Juliet의 사촌인 Tybalt는 침입자를 의심하기 시작하고 그의 가면을 벗깁니다. 로미오가 폭로되고 티볼트는 격분하여 결투를 요구하지만 캐풀렛 시그너처는 그의 조카를 말립니다. 손님들이 흩어지자 티볼트는 줄리엣에게 로미오를 멀리하라고 경고한다.

장면 4
그날 밤 로미오는 줄리엣의 발코니로 온다. 그리고 줄리엣이 그에게 내려옵니다. 두 사람을 위협하는 명백한 위험에도 불구하고 그들은 사랑의 서약을 교환합니다.

2막

장면 1
시장 광장에서 Mercutio와 Benvolio는 사랑에 머리를 잃은 Romeo에게 속임수를 씁니다. 줄리엣의 유모가 나타나 로미오에게 여주인의 쪽지를 전합니다. 줄리엣은 애인과 비밀리에 결혼하기로 동의합니다. Romeo는 행복으로 옆에 있습니다.

장면 2
그들의 계획에 따라 로미오와 줄리엣은 위험에도 불구하고 그들과 결혼하기로 동의한 수도사 로렌조의 감방에서 만납니다. Lorenzo는 이 결혼이 두 가족 간의 적대감을 종식시키기를 희망합니다. 그는 의식을 수행하고 이제 젊은 연인은 남편과 아내입니다.

장면 3
시장에서 Mercutio와 Benvolio는 Tybalt를 만납니다. Mercutio는 Tybalt를 조롱합니다. 로미오가 나타납니다. Tybalt는 Romeo에게 결투에 도전하지만 Romeo는 도전을 거부합니다. 분노한 Mercutio는 계속해서 조롱하고 Tybalt와 칼날을 교차합니다. Romeo는 싸움을 막으려 하지만 그의 개입으로 인해 Mercutio가 사망합니다. 슬픔과 죄책감에 압도된 로미오는 결투에서 무기를 들고 티볼트를 찌릅니다. Signor와 Signora Capulet이 나타납니다. 티볼트의 죽음은 그들을 형언할 수 없는 슬픔에 빠뜨렸습니다. Duke의 명령에 따라 경비원은 Tybalt와 Mercutio의 시체를 운반합니다. 분노한 공작은 로미오를 망명으로 정죄하고 광장에서 도망칩니다.

3막

장면 1
줄리엣의 침실. 새벽. 로미오는 베로나에 머물렀다. 신혼 여행 밤줄리엣과 함께. 그러나 이제 그를 괴롭히는 슬픔에도 불구하고 Romeo는 떠나야합니다. 도시에서 찾을 수 없습니다. 로미오가 떠난 후 줄리엣의 부모와 패리스가 침실에 나타난다. Juliet과 Paris의 결혼식은 다음날 예정되어 있습니다. 줄리엣은 반대하지만 그녀의 아버지는 그녀에게 조용히 하라고 단호하게 명령한다. 절망에 빠진 줄리엣은 수도사 로렌조에게 도움을 청합니다.

장면 2
셀 로렌조. 수도사는 줄리엣에게 그녀를 죽음과 같은 깊은 잠에 빠뜨리는 약병을 줍니다. Lorenzo는 Romeo에게 무슨 일이 있었는지 설명하는 편지를 보내겠다고 약속합니다. 그러면 청년은 깨어 났을 때 가족 지하실에서 Juliet을 데려 갈 수 있습니다.

장면 3
줄리엣은 침실로 돌아온다. 그녀는 부모의 뜻에 순종하는 척하고 파리스의 아내가 되는 데 동의합니다. 그러나 혼자 남겨진 그녀는 수면제를 먹고 침대에 쓰러져 죽었습니다. 아침에 파리의 Signor와 Signora Capulet, 간호사와 하녀는 Juliet을 깨우러 왔지만 그녀가 생명이 없다는 것을 알게됩니다. 간호사가 소녀를 부추기려 하지만 줄리엣은 대답하지 않는다. 모두 그녀가 죽었다고 확신합니다.

장면 4
Capulet 가족 금고. 줄리엣은 여전히 죽음과 같은 잠에 얽매여 있습니다. 로미오가 나타납니다. 그는 Lorenzo로부터 편지를 받지 못했기 때문에 Juliet이 정말로 죽었다고 확신합니다. 필사적으로 그는 독약을 마시고 죽은 사랑하는 사람과 연합하기를 원합니다. 그러나 영원히 눈을 감기 전에 그는 줄리엣이 깨어난 것을 알아차립니다. Romeo는 그가 얼마나 잔인하게 속았는지, 그리고 얼마나 돌이킬 수 없는 일이 일어났는지 이해합니다. 그는 죽고 줄리엣은 단검으로 찔려 죽습니다. Montecchi 가족, Signor Capulet, Duke, Monk Lorenzo 및 기타 마을 사람들은 끔찍한 장면을 목격합니다. 가족의 적대감이 비극의 원인이 된 것을 깨닫고 Capulets와 Montagues는 슬픔으로 화해합니다.