20세기 문학의 러시아 아방가르드. 회화의 러시아 아방가르드 - 예술가, 경향, 특성
레닌 그라드 건축의 아방가르드 (구성주의) - 1920 년대 후반과 1930 년대 초 러시아 (소련) 건축의 추세 (일부 개체는 1930 년대 말 이전에 도입됨). 러시아 혁명, 새로운 건설 ... ... Wikipedia
아방가르드- 아방가르드 f. 1. 군대 주력 부대보다 앞에 위치한 부대의 일부. 처음에는 강력한 군단 .. 미리 모든 도로와 패스를 조사했습니다 .. 어느 군단을 아방가르드라고 부르는지 살펴볼 필요가 있습니다. UV 1716 188. 적의 선봉대. JCF… … 러시아어 Gallicism의 역사 사전
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뱅가드(영화 속)
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미술- 빈센트 반 고흐. 별이 빛나는 밤, 1889 ... Wikipedia
전위- VANGUARD(French avant garde forward detachment) 현대 미학과 미술사에서 예술의 다양한 혁신적 움직임과 경향의 총체를 의미하는 카테고리 1층. 20 세기 러시아에서 그는 그것을 처음 사용했습니다 (부정적으로 ... ... 철학적 백과사전
서적
- 1910~1930년대 러시아 책의 예술. 좌파의 대가들. 카탈로그 자료, S. V. Khachaturov. 독자들은 1910년대-1930년대 소위 '아방가르드'(또는 '좌파') 운동의 예술가들이 디자인한 출판물의 체계적인 카탈로그에 대한 첫 번째 시도를 제공받습니다. 수집한 자료… 1078 UAH에 구매(우크라이나만 해당)
- 러시아 1910-1930, S. V. Khachaturov의 책의 예술. 독자들의 관심은 1910-1930년대 소위 "아방가르드"(또는 "좌파") 운동의 예술가들이 디자인한 출판물의 체계적인 카탈로그에 대한 첫 번째 시도입니다. 모은…
아방가르드 - (fr. avant-garde - "vanguard") - 다양한 혁신적인 움직임과 방향의 집합 예술 문화 20세기 초반의 모더니즘: 미래파, 다다이즘, 초현실주의, 큐비즘, 최고주의, 야수파 등. 아방가르드는 전체적으로 모더니즘의 극단적 표현입니다. 아방가르드는 역동적이고 실험적인 예술입니다. 아방가르드의 시작은 1905~1906년이고 사람들은 이미 20년대에 그의 죽음에 대해 이야기한다.
아방가르드의 사회적 기반은 항의, 현대문명에 대한 적대감이다. 아방가르드 작품은 파괴의 아이디어와 결합된 고전 문화와의 유희를 기반으로 합니다. 아방가르드의 특징은 예술적 형식 분야와 실용학 분야(독자와 텍스트의 상호 작용, 인공물 구조에서 인식하는 사람 포함) 모두에서 혁신적인 예술적 실천입니다. ).
Vanguard는 고전적 모더니즘과 달리 의식적으로 청중에게 집중하고 적극적으로 영향을 미칩니다. 아방가르드에는 진화의 개념이 없으며 발전하지 않습니다. 이것은 아방가르드에 보수적으로 보이는 모든 것에 대한 날카로운 항의입니다. 러시아 철학자 V. F. Petrov-Stromsky가 언급한 것처럼, "파괴적인 경향에서 이 예술은 1914년 인도주의적 재앙의 예고이자 전조였으며, 이는 "인간이 자랑스러워 보인다"는 Nietzsche-Gorky 주장의 모든 공허한 이야기를 폭로했습니다.
기원 연도는 젊은 파블로 피카소(1881-1973)가 계획적인 입체파 그림인 아비뇽의 처녀들을 그렸던 1907년입니다. Cubism은 예를 들어 1907 년에 "원통, 공, 원뿔을 통해 자연을 해석하십시오"라는 유명한 외침으로 예술가로 전환 한 Paul Cezanne과 같은 후기 인상파 예술에 대한 분석 검색의 논리적 연속으로 발생했습니다.
큐비즘의 역사에는 세 단계가 있습니다.
1. Cezanne (1907-1909), 입체파가 세계 현상의 가장 단순한 공간 구조를 찾으려고 노력했을 때 그들은 현실을 묘사하지 않고 "다른 현실"을 만들어 대상의 모습이 아니라 그 디자인, 건축학, 구조, 본질.
2. 큐비즘(1910-1912)의 분석 단계는 특정한 기하학적 기법의 적용과 물체에 대한 서로 다른 관점 또는 각도의 조합으로 구성되었습니다. 입체파 작품에서 보이는 세계의 모든 주제-공간 관계는 의도적으로 위반됩니다. 조밀하고 무거운 물체는 여기에서 무중력이 될 수 있고 가벼운 물체는 무거워질 수 있습니다. 벽, 테이블 표면, 책, 바이올린 요소, 기타는 광학적으로 초현실적인 특별한 공간에 떠 있습니다.
3. 큐비즘의 마지막 합성 단계(1913-1914)에서 입체파는 비회화적 요소를 캔버스에 도입합니다. 신문의 스티커, 연극 프로그램, 포스터, 성냥갑, 옷 조각, 벽지 조각, 모래와 페인트 촉각 질감, 자갈 및 기타 작은 항목을 향상시키기 위해.
N. Berdyaev는 입체파에서 부패, 죽음, 오래된 예술과 존재를 휩쓸어가는 "겨울 우주 바람"의 공포를 보았습니다.
큐비즘의 대표자: P. Picasso, J. Braque, H. Gris.
Fauvism - (fr. Les faues - "야생 동물, 열린 색상 실험") 색상은 주변 세계의 대상에 대한 동정심을 나타내는 감정적 자기 표현의 주요 수단이되었습니다. Fauvists는 사물의 다채롭고 표현적인 표현의 전달, 색상 효과의 마법에 대해 걱정했습니다. 내면 세계사람. 1905년 앙리 마티스(Henri Matisse, 1869-1954)의 그림 "The Joy of Life"가 파리에서 열린 전시회에 출품되어 추상적 아름다움에 대한 경향이 명확하게 드러났습니다.
Fauvism의 대표자 : J. Rouault, R. Dufy, A. Matisse, M. Vlaminka, A. Marquet, A. Derain.
미래주의와 Cubofuturism.
미래주의 - (lat. Futurum - "미래") - 아방가르드 예술의 가장 터무니없는 추세 중 하나이며 이탈리아와 러시아의 시각 및 언어 예술에서 가장 완벽하게 실현되었습니다. 미래주의의 시작 - 1909년 2월 20일 이탈리아 시인 F.T. 마리네티(1876-1944). 미래주의 미학의 중심에는 현대 문명에 대한 찬사가 있습니다. 최신 기술 발전에 도취된 미래학자들은 도시화, 산업 발전, 물질적 가치를 이상화했습니다. 미래주의는 고전적인 고급 예술과 그 "신비적 이상"을 거부했습니다.
러시아 미래주의는 이탈리아어와 독립적으로 발생했으며 더 중요했습니다. 러시아 미래주의의 기초는 붕괴의 느낌, 오래된 모든 것의 위기입니다. 미래파에 가장 가까운 것은 A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, 형제 V. 및 D. Burliuks, V. Kamensky 및 스스로를 "미래파"라고 부르는 다른 사람들을 포함하는 입방체 미래파 "Gilea"의 협회였습니다. "부데틀레나미" .
특히 N. Goncharova, M. Larionov, M. Matyushin, K. Malevich와 같이 시인과 창의적으로 교류하는 러시아 입방체 미래파 예술가가 눈에 띕니다.
추상화.
추상주의는 1910~1920년대의 여러 아방가르드 영역에서 일반적인 추세입니다. 그림에서 조형적 구성, 언어적 의미가 없는 색상 조합을 만드는 그림. 추상화에서는 심리학과 기하학적이라는 두 가지 흐름이 발전했습니다.
심리적 추상화의 창시자는 Wassily Kandinsky (1866-1944)였으며 "Mountain", "Moscow"등의 그림에서 그는 색상의 독립적 표현 가치를 강조했습니다. 색상 조합의 음악적 연관성이 중요합니다. 추상 미술깊은 "존재의 진실", "우주의 힘"의 움직임, 인간 경험의 서정과 드라마를 표현하고자했습니다.
기하학적(논리적, 지적) 추상화는 비구상적 입체주의입니다. 작가들은 다양한 기하학적 형태, 색면, 직선과 파선을 조합하여 새로운 유형의 예술 공간을 창조했습니다. 예를 들어, 러시아에서-M. Larionov (1881-1964)의 Rayonism은 핵 물리학 분야의 첫 번째 발견에 대한 일종의 굴절로 발생했습니다. O. Rozanova, L. Popova, V. Tatlin의 "비객관성"; K. Malevich의 절대주의.
절대주의.
카지미르 말레비치(1878,1879-1935)는 1913년 그림 "검은 사각형"으로 절대주의를 발견했습니다. "내가 그린 것은 "빈 사각형이 아니라 편견의 인식"이었습니다."(K. Malevich).
나중에 "Suprematism, or the World of Non-Display"(1920) 에세이에서 작가는 자신의 미적 원칙을 공식화했습니다. . Suprematism에는 줄거리, 그림, 공간적 관점이 없으며 가장 중요한 것은 기하학적 모양과 열린 색상입니다. 추상적 인 형태로 관리하십시오. Suprematism의 3 기간 : 검정, 컬러 및 흰색. 흰색: 작가가 흰색 배경에 흰색 형태를 쓰기 시작했을 때.
구성주의.
구성주의는 건축의 범주를 미학의 중심에 두는 아방가르드의 주요 방향 중 하나입니다. 구성주의는 과학 기술 혁명의 여명기에 등장했으며 기술주의의 이상을 이상화했습니다. 그는 개인보다 기계와 그 제품을 소중히 여기며 예술과의 싸움을 촉구했습니다. 디자인 - 요소의 편리한 구성 예술적 구조, 특정 실용적 또는 기능적 가치가 있습니다. 러시아 구성주의의 조상은 블라디미르 타틀린(Vladimir Tatlin, 1885-1953)입니다. 적절한 색상. 제 3 인터내셔널의 사회 정치적 역할에 대한 아이디어를 구현 한 그의 유명한 프로젝트 "제 3 공산주의 인터내셔널 기념비". 러시아 구성주의는 볼셰비키의 혁명적 이데올로기에 봉사하고 있었다.
유럽에서 구성주의에 대한 최초의 공식적인 확인은 1922년 뒤셀도르프에서 "국제 구성주의 분파"의 창설이 발표되었을 때 이루어졌습니다. 구성주의 미학에 따르면, 예술적 창의성의 목표는 편리한 "사물"의 생산인 "생명 구축"입니다. 이것은 디자인의 발전에 기여했습니다. 기능주의(구성주의)의 이론가이자 실천가인 르 코르뷔지에(1887-1965)는 도시를 햇볕이 내리쬐는 야외 공원으로 바꾸려고 했습니다. 그는 계층적으로 다른 수준의 구역으로 나뉘지 않는 "빛나는 도시"의 모델을 만들었습니다. Corbusier는 건축에서 합리주의, 민주주의 및 평등의 아이디어를 주장했습니다.
구성주의 역사에서 특별한 장소는 "Bauhaus"(Bauhaus- "건축가 길드")-1919 년 독일에서 건축가 W. Gropius가 조직 한 예술 및 산업 학교로 Dessau의 Weimar에서 활발하게 기능했습니다. 1933년 나치에 의해 폐쇄될 때까지 베를린 이 학교의 목적은 예술, 과학 및 기술의 최신 업적을 결합하여 디자이너를 양성하는 것이었습니다.
다다이즘은 예술과 문학의 아방가르드 운동입니다. 서유럽. 스위스에서 결성되어 1916년부터 1922년까지 개발되었습니다. 방향의 창시자는 루마니아 시인 Tristan Tzara (1896-1963)입니다. Dada의 기원은 1916년 취리히에 문을 연 카페 "Voltaire"로 거슬러 올라갑니다. 이곳에서 Dadaists(H.Ball, R.Hülzenbeck, G.Arp)는 연극과 음악의 밤을 열었습니다.
프랑스 국민 "dada" - 나무 어린이 말 (Tzara는 무작위로 Larousse의 "사전"을 열었습니다),
- "dada" - 일관되지 않은, 베이비 토크,
다다는 공허함이다. 기본적으로 이 단어는 아무 의미가 없습니다. 의미가 없으면 의미가 있습니다.
다다이즘의 창시자 중 한 명인 독일의 시인이자 음악가인 휴고 볼(Hugo Ball, 1886-1927)은 독일인에게 그것은 "멍청한 순진함의 지표"와 모든 종류의 "유치함"이라고 믿었습니다. 우리를 감싸고 있는 공허함은 더 높은 우려, 검투사의 몸짓, 노쇠한 사람이 하는 게임은 여전히 남아 있습니다... 거짓된 도덕의 공개적인 공연입니다."
다다이즘의 원칙은 세계 문화의 전통과의 단절, 문화와 현실로부터의 도피, 무방비 상태의 사람이 던져지는 혼돈과 광기로서의 세계관, 비관주의, 불신, 가치의 부정, 일반적인 상실감과 존재의 무의미 함, 이상과 삶의 목적의 파괴 . 다다이스트의 작업에서 현실은 불합리한 지점에 도달했습니다. 그들은 언어 혁명의 도움으로 사회와 싸웠습니다. 언어를 파괴하고 사회를 파괴했습니다. Dadaists는 주로 그들의 슬로건과 충격적인 행동으로 알려져 있으며, 그 다음에는 예술적 텍스트로 알려져 있습니다. 다다이스트의 작품은 언뜻 무의미해 보이는 단어와 소리의 비합리적이고 무질서한 조합에 충격을 주고 표현하도록 설계되었습니다. 아이러니, 에로티시즘, 블랙 유머, 무의식의 혼합은 다다이즘의 인공물의 구성 요소입니다.
레디메이드.
레디메이드 - (eng. 레디메이드 - "레디") - 작품 - 정상적인 기능을 하는 환경에서 제거되어 미술 전시회에 그대로 전시된 실용적인 아이템. 1913년 뉴욕에서 최초의 레디메이드를 전시한 설립자 마르셀 뒤샹(1887-1968): 흰 의자에 놓인 자전거 바퀴(1913), 폐품상에서 가끔 구입한 병 건조기(1914), "분수"(1917) - 매장에서 전시장으로 직접 배송되는 소변기.
뒤샹은 자신의 외모만큼 주제를 더 잘 보여줄 수 있는 화보는 없다고 믿었다. 그것을 묘사하기 위해 노력하는 것보다 원본에서 대상 자체를 드러내는 것이 더 쉽습니다. 예술 전시 공간에 어떤 물체를 도입하는 것은 이 "소개"가 인정된 예술가에 의해 수행된 경우 예술 작품으로서의 지위를 합법화했습니다.
초현실주의.
초현실주의 (fr. 초현실주의- "초현실주의")는 1920 년대에 나타났습니다. 프로이트주의, 직관주의, 다다이즘의 예술적 발견 및 형이상학 적 회화의 예술적, 미적 토양에서 발생한 방향으로 프랑스에서.
초현실주의의 미학은 Andre Breton(1896-1966)의 2 "초현실주의 선언문"에 설명되어 있습니다. 초현실주의자들은 과학주의, 논리, 이성, 전통 미학의 "족쇄"로부터 인간 정신의 해방을 요구했습니다. 초현실주의의 2가지 주요 원칙: 자동 쓰기 및 꿈 기록. 비논리성, 역설성, 놀라움의 방법의 악화. 시청자를 의식의 다른 수준으로 이끄는 초현실적인(초현실적인) 예술적 분위기. 초현실주의에서 인간과 세계, 공간과 시간은 유동적이고 상대적입니다. 세상의 혼돈은 혼돈을 낳는다 예술적 사고- 이것이 초현실주의 미학의 원리이다. 초현실주의는 사람을 신비하고 알 수 없고 극적으로 긴장된 우주와 데이트하게 합니다. 외로운 남자가 신비한 세계와 마주한다.
회화의 초현실주의: J. Miro, I. Tanguy, G. Arp, S. Dali, M. Ernst, A. Masson, P. Delvaux, F. Picabia, S. Matta.
"초현실주의는 나다." ( "The Persistence of Memory", "Gala"등의 작품). 그의 캔버스는 웅장한 "신의 장례식", 가슴에 죽어가는 사람,이 상실에 대한 차가운 눈물과 같습니다. 그의 캔버스에서 변이되고 왜곡된 인식할 수 없는 세계는 얼어붙거나 경련을 일으킨다. 목표는 세상의 모든 것이 상호 변환 가능하다는 것을 보여주는 것입니다. 불행한 아이러니.
영화의 초현실주의는 Luis Buñuel 감독(1900-1983)의 작품으로 대표됩니다.
영화는 꿈을 닮았고 미스터리와 관련이 있다. Buñuel의 영화 "The Andalusian Dog"는 눈을 자르는 장면으로 유명합니다. 이것은 초현실적 인 몸짓 (행위) 장면이며 그의 영화 "Beauty of the Day", "Woman without Love"는 놀랍습니다.
"팝 아트"(eng. 대중 예술 - "대중, 공공 예술")라는 용어는 1965 년 비평가 L. Allway에 의해 소개되었습니다. 추상 미술. 팝아트 이론가들은 어떤 맥락에서 각각의 오브제는 본래의 의미를 잃고 예술 작품이 된다고 주장한다. 예술가의 임무는 인식을 위한 특정 컨텍스트를 구성하여 평범한 대상에 예술적 특성을 부여하는 것입니다. 라벨과 광고의 시학. 팝 아트는 일상적인 사물의 구성이며 때로는 모델이나 조각과 결합됩니다.
대표자: R. Hamilton, E. Paolozzi, L. Allway, R. Banham, P. Blake, R.B. 중국, D.Hockney, P.Phillips. 미국: Robert Rauschenberg(1925-2008), Jesper Johns(b.1930), Andy Warhol, R. Lichtenstein, K. Oldenburg, D. Dyne 등.
Andy Warhol은 The Factory에서 자신의 작품을 대량 생산하기 위해 스텐실을 사용했습니다. 그가 개인적으로 알고 있었던 그의 유명한 diptych "Merlin". 약해지고 퇴색하는 "복사"페인트에 대한 아이디어 : 유명인이되고 반복 가능하고 취약 해지며 점차적으로 존재하지 않고 죽음의 어둠 속에서 지워집니다. Jasper Johns는 미국 국기를 그렸습니다. 그는 신문을 조각으로 자르고 페인트와 왁스로 덮었습니다.
미니멀리즘.
미니멀리즘은 "그래픽 및 표현 수단"의 한계 경제 원칙을 선언한 예술 경향인 팝 아트의 잡다한 세계에 대한 반응으로, 최소한의 수량으로 예술가의 최소한의 개입으로 기술적 세부 사항과 디자인이었습니다. 생성된 객체의 구성. 더 자주 이들은 신중한 색상으로 칠해진 금속 조각품이었습니다.
대표자: S. LeWitt, D. Flavin, K. Andre, R. Morris, D. Judd, F. Stellar.
토지 예술.
Land-art (eng. Land-art - "nature-art")는 예술가의 활동이 자연으로 옮겨지고 예술품의 재료가 순전히 천연 소재또는 최소한의 인공 요소와의 조합. 1960~1980년대. 예술가 V. de Maria, M. Heitzer, D. Oppenheim, R. Smithson, Christo 등은 접근하기 어려운 자연 경관과 사막에서 대규모 프로젝트를 수행했습니다. 산에서, 마른 호수 바닥에서 예술가들은 거대한 구덩이와 도랑을 팠습니다. 다양한 모양, 바위 조각의 기괴한 더미를 만들고 바다 만에 나선형 돌을 배치하고 석회 등을 사용하여 초원에 거대한 그림을 그렸습니다. 그들의 프로젝트를 통해 Land-arists는 현대 도시 문명, 금속 및 플라스틱의 미학에 항의했습니다.
개념주의.
개념주의 (Eng. 개념 - "개념, 아이디어, 개념")는 1968 년 미국 예술가 T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, J. Kossuth, L. Weiner에 의해 입증되었습니다. Joseph Kossuth(b.1945)는 개념 예술이라는 프로그램 기사 "Art after Philosophy"(1969)에서 문화 현상그것은 전통적인 예술과 철학을 대체했습니다. 개념은 작업 뒤에 있는 아이디어입니다. 작업은 문서화된 프로젝트, 개념의 문서 고정 및 구체화 과정이어야 합니다. 예를 들어, 뉴욕 현대 미술관의 J. Kossuth의 구성 "One and Three Chairs"(1965)는 의자의 세 가지 "hypostases"를 나타냅니다. 백과 사전에서 의자에 대한 설명.
극장과 영화의 모더니즘.
모더니즘의 이데올로기 중 한 명인 프랑스 철학자 자크 라캉(1901-1981)은 인간에게 위협이 되는 많은 신경증, 정신병 및 기타 장애의 원인이 정신 생활인간은 "인간 자아의 연극적 효과"입니다. 식별 과정 (자신의 실제 "I"검색)에 참여하는 사람은 가면을 바꾸면서 게임의 유혹에 자신을 노출시킵니다. 모더니스트 극장은 인간 분열의 비극, "나"의 연약함을 반영하여 세상의 부조리를 보여 주면서 동시에 인간의 정신을 자기 고립에서 해방시키는 일종의 치료 및 카타르시스 기능을 수행했습니다. 외로움의 야생.
비극극장. 무대 공간에서의 실현은 극작가의 특정 작업이 아니라 상호 작용하는 이미지와 상호 관련된 갈등의 전체론적 세계로 인식하는 그의 전체 작업입니다.
대표: 영국의 영화제작자이자 개혁가인 고든 크레이그.
에픽 극장. 쾌활한 상대성과 도덕적 부도덕, 배우와 이미지 간의 냉소적 의사 소통의 자유를 기반으로 새로운 관계 시스템을 만듭니다.
대표: 독일 극작가이자 감독 Bertolt Brecht (1898-1956) - 극장 "베를린 앙상블"의 창립자.
사회적 가면의 극장. 연극적 가면은 개인의 특성 없이 특정한 사회적 유형을 표현한다. 예를 들어, V. Meyerhold의 공연 ( "The Bedbug", "The Forest", "The Lady with the Camellias"등)의 각 캐릭터는 강당을 향하고 독립적으로 청중에게 자신에 대해보고했습니다. 사람들 사이의 관계가 약해지고 갈등이 모호해집니다.
대표: 러시아 실험 감독 Vsevolod Meyerhold(1874-1940).
"폭력의 극장" 그들은 극장을 고대 형태의 의식 성소로 되돌리려 고 노력했습니다. 시청자는 "초월 적 트랜스"에 빠지면서 원래의 "우주적"활력 요소에 합류 할 수 있습니다.
대표: Antonin Artaud(1896-1948).
부조리의 극장.
주요 모토 : "표현할 것도없고, 표현할 것도없고, 표현할 힘도없고, 표현하고 싶은 욕망도없고, 표현해야 할 의무도 없다."
주요 대표자 : Eugene Ionesco (1909-1994), 그의 작품 "Bald Singer", "Lesson", "Chairs"등. 일상을 판타지로, 인간관계와 감정을 과장함으로써 인간 존재의 부조리를 보여주고자 한다. 예를 들어, 연극 "수업"에서 수학 교사는 "산술은 철학으로 이어지고 철학은 범죄로 이어집니다", "단어는 죽일 수 있습니다"라는 논리에 따라 학생을 죽입니다. 연극 "의자"에서 두 노인이 의자를 들고 오지 않는 연사를 기다립니다. 홀과이 노인들의 영혼에있는 공간의 공허함 이미지가 한계에 이르렀습니다. Ionesco의 비극 코미디 "Waiting for Godot"에서 장면은 길이며 그 옆에는 두 명의 영웅이 앉아있는 외로운 나무가 있습니다. 그들의 만남은 순간, 순간이다. 과거는 더 이상 없고 미래는 오지 않았다. 영웅들은 그들이 어디에서 왔는지 모르고 시간의 흐름에 대해 전혀 모릅니다. 그들은 아무것도 할 힘이 없습니다. 그들은 약하고 아픈 것 같습니다. 그들은 Godot를 기다리고 있습니다. 그리고 그들은 그것이 누구인지 깨닫지 못합니다. 연극 "Endgame"에서 행동은 영웅이 의자에 갇혀 독립적으로 움직일 수 없는 한 방에서 이루어집니다. 사막 공간의 연극 '오 해피 데이즈'에서 여주인공 비니는 한 점에 묶여 있다. 1막에서는 허리까지 흙으로 덮여 있고, 2막에서는 머리만 보인다. 여주인공이 붙어 있는 공간의 한 지점에 대한 은유는 죽음, 즉 모든 사람을 자신에게로 끌어들이는 무덤입니다.
"불합리한 극장"의 대표자 : A. Adamov, J. Genet, S. Beckett.
"Photogeny"- 프랑스 감독이자 영화 이론가 인 Louis Delluc (1890-1924)의 스타일로 빠르고 느린 촬영 방법, 연관 편집, 내적 중요성을 강조하는 이중 구성, 주제의 신비.
기념비적인 스타일.
기념비적 인 스타일의 영화는 대본이없는 영화로 작품의 의미는 등장 인물이나 줄거리의 전개가 아니라 새로운 유형의 몽타주 인 "매력의 몽타주"를 통해 관객에게 전달되며 제스처가 중요합니다. 역할.
대표: 러시아 영화 감독 Sergei Eisenstein (1898-1948), 그의 영화 "전함 Potemkin", "Ivan the Terrible", "Alexander Nevsky"등
포스트 할리우드 스타일.
그것은 제2차 세계 대전 이후 유럽에서 일어난 "경제적 기적"의 결과에 대한 반응으로 발생했습니다. 철학적 기반은 F. Nietzsche ( "신의 죽음에 관한 것")와 O. Spengler (유럽의 쇠퇴에 관한 것)의 아이디어입니다. 영화의 주인공은 복지사회의 엑스트라다.
따라서 독일 감독이자 시나리오 작가 인 Rainer Werner Fassbinder (1945-1982)는 T. Mann 작품의 모티프를 범죄 연대기 요소, L. Beethoven의 음악과 축구 팬의 비명 등을 결합했습니다.
음악의 모더니즘.
20세기 중반 독일의 철학자이자 사회학자. 테오도르 아도르노(1903-1969)는 진정한 음악은 외부 세계에서 개인의 혼란스러운 느낌을 전달하고 모든 사회적 과제로부터 완전히 차단된 음악이라고 믿었습니다.
특정 음악.
자연 또는 인공 소리를 녹음한 다음 혼합 및 편집합니다.
대표: 프랑스의 음향학자이자 작곡가인 Pierre Schaeffer(1910-1995).
Aleatorica.
음악에서 가장 중요한 것은 무작위성입니다. 따라서 체스 게임의 움직임, 오선지에 잉크 뿌리기, 주사위 던지기 등을 기반으로 많은 도움을 받아 음악 구성을 만들 수 있습니다.
대표자: 독일 작곡가, 피아니스트, 지휘자 Karlheinz Stockhausen(1928년 출생), 프랑스 작곡가 Pierre Vulez.
점묘법.
일시 중지로 둘러싸인 갑작스러운 소리 형태의 음악과 짧은 2-3 소리, 모티프.
대표: 오스트리아의 작곡가 겸 지휘자 안톤 베베른(1883-1945).
일렉트로닉 음악.
전자 음향 및 사운드 재생 장비의 도움으로 생성된 음악입니다.
대표자: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper.
XIX-XX 세기의 전환기에
소개
인간 발달의 이정표 시대의 문화 역사는 항상 흥미 롭습니다. 세기가 바뀌면서 음악의 새로운 현상, 기술과 기술을 거부 할뿐만 아니라 젊은 작곡가, 예술가 및 작가로 대표되는 새로운 경향이 발생하기 때문입니다. 뿐만 아니라 세계에 대한 자신의 비전을 제공하여 자신을 채우고 있습니다. 새로운 철학그림, 시, 음악을 쓰는 방법뿐만 아니라 이데올로기.
러시아 아방가르드 현상이 오랫동안 존재하지 않았음에도 불구하고 Kazimir Malevich와 Wassily Kandinsky와 같은 위대한 예술가 덕분에 많은 예술 작품을 남긴 덕분에 수십 년 밖에 걸리지 않았습니다. 지난 세기의 두 번째 10년은 말레비치와 칸딘스키를 피카소와 동등하게 만들었습니다. 특별한 의미"러시아 아방가르드"의 일반적인 개념은 그림뿐만 아니라 건축, 조각, 영화, 디자인 및 문학을 포함한 당시의 모든 예술에 특징적인 몇 가지 경향으로 구성되어 있다는 사실이 있습니다. 예술의 아방가르드 경향이 다른 나라에서 발전했다는 사실에도 불구하고 러시아에는 많은 경향이 나타났습니다. 그들은 또한 "Russian avant-garde"라는 이름을 받았습니다. 러시아 아방가르드 예술가들의 유산은 여전히 매우 인기가 있습니다. 이들은 예술가의 그림과 시인의 시이며 그중 특별한 장소는 Vladimir Mayakovsky의 작품이 차지합니다. 그리고 우리 시대에 Muscovites의 눈을 즐겁게하는 탁월한 건물과 건축물.
프로젝트의 관련성.
20세기와 21세기의 전환기는 우리가 살고 있는 바로 그 시대입니다. 그렇기 때문에 낭만주의와 후기 낭만주의 예술이 작품에서 아방가르드 사상을 선포 한 작곡가, 예술가, 시인으로 대체 된 지난 세기의 문화사에 관심을 갖게되었습니다. 나는 아방가르드의 선구자들의 생각을 이해하고 싶었습니다. 왜냐하면 오늘날에도 100년 이상 전에 그들이 제시한 많은 아이디어가 우리 시대의 예술에서 나타나고 있고 많은 작곡가들이 여전히 저자가 제안한 작곡 기법을 사용하고 있기 때문입니다. 20세기 초 음악계의 아방가르드 예술가들이 주목을 받으며, 이에 대한 옹호론과 반대론을 불러일으키고 있다.
창의적인 프로젝트 작업 단계.
프로젝트 작업에서 특정 작업의 솔루션과 관련된 작업의 주요 단계를 식별할 수 있습니다.
나. 문제화 단계 . 다음 질문에 답하려고 시도한 프로젝트 주제 인 문제의 공식화.
근본적인 질문:
예술에서 아방가르드란 무엇인가?
아방가르드 출현의 역사는 무엇입니까?
새롭고 아방가르드적인 관점은 20세기 초의 철학, 회화, 시, 음악에서 어떻게 나타납니까?
젊은 작가들은 작품의 내용을 전달하는 어떤 방법을 제공합니까?
아방가르드의 특징은 다양한 형태의 예술에서 어떻게 발현되는가?
20세기 초에 등장한 새로운 작곡 기법은 무엇입니까?
세계 문화사에서 20세기 초반 아방가르드주의의 의미는 무엇인가?
따라서, 연구 주제 XX 세기의 전위적인 글과 음악,시 및 그림 작품입니다.
예상 결과:
1. 아방가르드 아이디어의 출현과 발전에 대한 역사적 연구를 수행하면 시야를 넓히는 데 도움이 됩니다.
2. 확장 자신의 아이디어 XIX-XX 세기의 전환기에 발생한 문화 현상에 대해;
3. Novovensk 학교의 작곡가가 제안한 12음성 기법을 고려하고 연구할 때 분석 기술 개발
4. 아방가르드의 표현을 반영하는 프레젠테이션 만들기 다양한 방식미술.
2. 목표 설정 단계. 우리 활동의 목적은 이 주제와 실제 구현을 검색하고 연구하는 것입니다.
프로젝트의 목표: 20세기 초반 아방가르드 예술의 다양한 영역에 대한 지식.
프로젝트 목적:
아방가르드의 틀 내에서 예술의 다양한 방향에 대해 알아보십시오.
그들 중 일부의 세부 사항, 이데올로기 적 내용을 결정하십시오.
세계 문화 발전을 위한 아방가르드의 중요성을 밝힙니다.
이 주제의 내용을 반영하는 창의적인 프로젝트를 기반으로 프레젠테이션을 만듭니다.
우리는 프로젝트의 연구 부분을 2개월(60일) 내에 완료할 계획이므로 다음과 같은 작업 계획이 작성되었습니다.
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№ |
해야 할 일 |
집행기간 |
성능 |
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1. |
프로젝트의 목적과 목표에 대해 생각하기 |
1 일 |
완료 |
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2. |
작업 및 계획 단계 기록 |
1 일 |
완료 |
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3. |
프로젝트 개발 작성 |
2일 |
완료 |
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4. |
품종 및 특성에 대한 자료 선택 예술적 언어아방가르드 안에서. |
15 일 |
완료 |
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5. |
출처 작업: 주제에 관한 문헌 검토 음악, 시 및 그림 예술 작품에 대한 지식;
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25일 |
완료 |
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6. |
프로젝트의 텍스트 생성. 연구 자료의 체계화. |
5 일 |
완료 |
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7. |
완료된 작업에 대한 평가 |
2일 |
완료 |
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8. |
작업 편집 |
1 일 |
완료 |
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9. |
프레젠테이션 만들기 작업 |
8일 |
완료 |
프로젝트 완료 시간 - 2개월(60일)
우리 작업에서는 다음을 사용했습니다. 행동 양식:
다양한 예술(회화, 음악, 문학)의 작품에서 나타나는 아방가르드적 특징의 종합적인 비교분석 방법
예술 작품에서와 같이 역사적 분석 방법에 따라 새로운 철학적 아이디어의 특징, 새로운 비 유적 내용이 나타납니다.
연구 자료를 설명하는 방법.
연구 자료의 연구 및 분석.
프로젝트 제품의 생산 및 디자인.
연구 자료 발표 준비.
20 세기 초 아방가르드 예술의 출현 역사와 예술적 중요성을 가진 급우의 지인.
어린이 미술 학교의 음악 문학 수업, 중등 학교의 모스크바 예술 극장 수업에서 프로젝트 내용 발표 및 발표.
프로젝트 작업 진행 상황에 대한 보고서를 작성하기 위해 WORD 텍스트 편집기의 기능이 사용되었습니다.
프레젠테이션을 개발할 때 다음 컴퓨터 기술이 마스터되었습니다. 사무용 프로그램 Microsoft Word, Microsoft PowerPoint.
이 프로젝트의 구현 결과 정보 검색 작업 기술, 주제 공개를 위해 가장 중요한 자료를 선택하고 평가하는 능력이 향상되었습니다.
프레젠테이션 형식의 학생들을 위한 창의적인 보고서가 열렸습니다.
이 프로젝트는 전 러시아 경쟁 창의적인 프로젝트학생들.
결과 발표 준비.
학생들의 창의적인 프로젝트에 대한 전 러시아 대회에서 얻은 결과 발표.
문학
인터넷
관심있는 문제에 대한 어린이 미술 학교 교사와의 대화.
사전 작업
인터넷 사이트 작업
음악, 시, 예술 작품 분석.
습득한 지식을 중등학교의 역사 및 세계 예술 문화 수업에 적용.
이 창의적인 프로젝트를 음악 문학 수업의 예시 자료로 사용하십시오.어린이 미술 학교에서.
"아방가르드"라는 용어는 1920년대에 등장하여 제2차 세계대전 이후에 비로소 정착되었습니다. 아방가르드 현상은 연극, 문학, 음악, 특히 시각 예술과 같은 다양한 예술 유형의 특징입니다. 아방가르드 예술가들은 사실적인 예술 운동의 특징인 전통적인 기법을 포기했습니다. 시각 예술의 새로운 경향(큐비즘, 최고주의, 추상주의 등)은 객관성과 구상성에서 벗어나려는 노력으로 수렴되었습니다. 아방가르드주의는 모든 토대를 부정하는 것이 특징이며, 이 방향은 예술적 전통의 연속성에 대한 어떠한 표현도 부정합니다.
다양한 역사적 단계에서 아방가르드의 역할은 1900-1910년의 연속적인 흐름에 의해 수행되었습니다. - Fauvism, Cubism, Futurism, Expressionism, Dadaism, 추상 미술의 등장 시간; 1920~1930년대 초현실주의가 대두되고 전후 시대에 추상 표현주의, 타치즘, 비공식 예술 등 추상화의 새로운 경향이 발생합니다. 1960~1970년대 - "클래식" 아방가르드에서 네오 아방가르드 또는 포스트모더니즘으로의 과도기적 시대. 예술적이고 반예술적인 표현의 많은 기술, 방법, 형식을 만들어냄으로써 전위 예술가들은 사진, 영화, 전자 음악과 같은 새로운 유형의 예술의 출현과 발전에 기여했습니다.
모든 다양성으로 창의적인 프로그램아방가르드, 우리는 여전히 끊임없는 항의의 입장, 원시적인 것에 집중하기 위해 고전적 형태의 섬세함과 아름다움의 거부, 끊임없이 스스로를 갱신하는 능력과 같은 많은 공통된 특징을 골라낼 수 있습니다. 이미지는 그림의 완전한 변위까지 표현 변형, 분석적 조음 및 다양한 게임 변형을 거칩니다. 자족적인 형태를 거부하는 아방가르드 예술가들은 다양한 방식으로 작품에 역동성을 부여하면서 그것을 '열기' 위해 노력한다. 이러한 "열린"작업은 작업의 의미를 드러내는 과정에 시청자의 참여를 전제로합니다. 시청자는 자신에게 제공된 수수께끼와 역설을 풀고 기호와 상징에 고유 한 의미를 부여합니다. 대표적인 예이것이 회화에서 절대주의의 "풀림"입니다. 절대주의 1910년 K. Malevich에 의해 만들어졌습니다. 방향의 목적은 물리적 세계의 다른 형태의 기초가 되는 단순한 형태(사각형, 원, 삼각형, 직선)로 현실을 표현하는 것입니다. 이 방향의 그림에는 위, 아래, 오른쪽, 왼쪽의 개념이 없습니다. 마치 공간에서와 같이 모든 방향이 동일합니다. 독립된 세계가 나타납니다. Malevich의 유명한 "Black Square"는 트렌드의 화보 선언문이되었습니다.
러시아 아방가르드의 다른 많은 흐름의 기초가 된 과도기적 현상은 입방체 미래파. 이 방향은 이탈리아 미래파와 프랑스 큐비즘의 전통을 결합했습니다. O. Rozanova, L. Popova, N. Udaltsova, N. Goncharova, A. Exter, K. Malevich는 일정 기간 동안 입방체 미래주의 정신으로 작업했습니다. 이 작품들은 현실의 특정 형태와 그림을 만드는 전통적인 규칙에서 추상화되어 가능한 한 추상적이었습니다.
아방가르드의 주요 특징
1. "학문", "박물관"으로 분류되는 모든 것에 대한 정력적인 거부와 함께 민속에 대한 창의적인 관심과 함께 문학의 전통적인 구분을 전문적이고 비전문적으로 거부합니다.
2. Maxim Shapir에 따르면 미적 인식의 자동화를 극복하는 방법으로 "이해 불가"에 대한 의식적이고 때로는 충격적인 태도, 따라서 "완전하거나 부분적인 오해가 아방가르드 예술가의 계획에 유기적으로 들어갑니다.
3. 사이의 경계를 모호하게 만들고자 하는 욕구 다른 장르더욱이 개별 예술 형식은 시각적 시와 같은 하이브리드 형식으로 절정에 이릅니다.
4. 자신의 "인증된" 장르, 기술 또는 기법을 찾는 것. 대중의 마음과 문화의 기억 속에서 앞으로는 다른 이름 없이 이 장르와 엄격하게 연관될 것입니다. 따라서 Dmitry Avaliani의 전화 카드는 리프 터너였으며 Alexander Gornon은 음운론에서 독점적으로 흥미 롭습니다.
5. 아방가르드 예술가들이 자신과 작품을 발표하는 터무니없고 수치스러운 성격.
아방가르드주의는 회화, 문학, 영화, 음악 등 예술의 많은 영역에 영향을 미쳤습니다. 몇 가지 아방가르드 운동을 고려하십시오. 아방가르드 문학으로 넘어 갑시다.
미래파- 20세기 10-30년대의 아방가르드 운동인 모더니즘의 분파로 1909년 이탈리아에서 발생했습니다. . 미래학자들은 반대했다 문학적 전통. 그들은 교수와 고고학자로부터 이탈리아를 해방시키기 위해 박물관과 도서관의 파괴를 요구했고, 그들에 따르면 생각의 게으름과 무 활동을 노래했던 오래된 문화는 미래 학자들에 의해 새로운 문화에 반대되었습니다. 미래학자들은 심리학이 바닥까지 소진되어 무생물의 가사로 대체될 것이기 때문에 문학에서 심리학에 반대했다. 그들은 여성의 미소나 눈물보다 시뻘겋게 달궈진 나무나 쇠가 더 강한 감정을 불러일으킨다고 생각한다. 미래파는 명사를 생각나는 대로 붙이고, 지각의 동역학을 지연시키는 형용사를 없애고, 보조어 없이 단어를 연결하는 어휘 파괴를 단행했다. 미래학자들은 난해한 언어로 청중을 놀라게 했다. 시각 예술에서 역동성, 시대정신, 추상적인 선으로 전달하는 미래학자와 놀라운 모양, 잡색. 음악이 쌓인 포효, 소음.
미래주의에는 다른 특징이 있습니다. 슬라브 국가. 러시아에서 가장 분명하게 나타났습니다. 미래파는 1911년에 스스로를 선언했습니다. 러시아 미래 학자들은 인공 단어, 비논리적 구문 구조를 만들었습니다. 예를 들어, 러시아 미래학자 O. Kruchenykh는 그런 시를 썼습니다.
구멍, 불, 실
우베슈르
스쿰
당신은 부와 함께
지레즈
그는이 다섯 줄에 A.S. 의 전체시보다 더 많은 러시아 국민이 있다고 말했습니다. 푸쉬킨.
회화의 뱅가드 .
이자형 
표현주의- 현재 유럽 예술 20세기 초반 독일과 오스트리아를 중심으로 가장 발전한 모더니즘 시대. 표현주의는 현실을 재현하는 것이 아니라 작가의 감정 상태를 표현하는 것을 추구합니다. 표현주의는 1차 세계대전에 대한 첨예하고 고통스러운 반응으로 생겨났고 혁명적 운동. 세계대전의 학살로 트라우마를 겪은 세대는 현실을 실망, 불안, 공포 등의 프리즘을 통해 지극히 주관적으로 인식했다. 고통과 비명의 모티브는 매우 흔합니다. 독일 표현주의는 그들의 선조를 후기 인상파로 간주했다. XIX 후반 19세기에 이르러 색과 선의 새로운 표현 가능성을 열어 현실의 재현에서 주관적 상태의 표현으로 옮겨갔다. Vincent, van Gogh, Edvard Munch 및 James Ensor의 극적인 캔버스는이 예술가들의 매너의 모든 개성과 함께 압도적 인 기쁨, 분노, 공포의 감정으로 스며 듭니다. 진부함, 추악함 및 모순 현대 생활표현주의자들은 짜증, 혐오, 불안의 감정을 각진 꼬인 선, 빠르고 거친 획의 도움으로 전달했습니다.
에드바르트 뭉크. 비명
비명을 지르는 색상. 시청자를 무관심하게 만들지 않고 시청자에게 미치는 영향을 높이기 위해 극도로 대조되는 색상을 선호했습니다. 언뜻 보기에 평범해 보이는 현대 거리의 사진들은 감성적인 색채가 넘쳐흐르는 표현주의의 붓 아래에서 받아들여진다.
20세기 초, 큐비즘이라는 새로운 방향이 예술에 나타났습니다. 이 방향은 객체의 분해 및 변형을 기반으로 합니다. 묘사 된 물체는 기하학적 평면으로 분해되고 모양이 특정 방식으로 이동합니다. 큐비즘의 기원은 유명한 파블로 피카소의 이름과 밀접한 관련이 있습니다. 피카소의 큐비즘은 원시주의에 대한 작가의 관심에서 비롯되었다. 아프리카 조각. 그는 1907-1908년에 그녀에게 관심을 갖게 되었습니다. 다진 형태 아프리카 미술이미지의 추상적 일반화에 대한 통합된 피카소의 열망
입체파회화에서 - 단지 대상의 이미지가 아니라 대상의 이미지, 
그것은 정신적으로 파괴되고 예술가의 마음 속에서 재창조됩니다. 대부분의 경우 입체파 스타일의 캔버스에있는 개체는 실제 프로토 타입과 완전히 연결되지 않고 추상 기호로 바뀌며 그 의미는 한 명의 저자에게만 제공됩니다. 큐비즘의 스타일은 그림의 발전에 큰 영향을 미치고 질감과 볼륨 및 공간을 전달하는 방법에 대한 예술가의 생각을 바 꾸었습니다.
러시아 입체파에 대해 이야기하면이 방향의 발전이 유럽 국가와는 약간 다른 방식으로 진행되었음을 이해해야합니다. Chagall, Malevich, Archipenko, Altman 및 Lentulov의 작품은 종종 러시아 큐비즘에 기인하지만 그들의 작품은 예술의 다른 경향의 예로도 볼 수 있습니다. 의심할 여지 없이 회화의 큐비즘은 엄청난 충격을 주었다. 추상적 창의성의 길을 연 사람은 청중에게 Cubists의 작품에 묘사 된 상징을 해석 할 수있는 기회를 제공했습니다. 회화의 큐비즘은 미래주의, 구성주의 등과 같은 추상 미술 운동의 발전을 위한 기초 역할을 하는 관객과 예술가의 대중 의식을 준비했습니다.
아버지 연극 아방가르드 Alfred Jarry는 1896 년 파리의 상징주의 극장 "Creativity"무대에서 처음 상연 된 연극 King Ubu의 저자로 간주됩니다. 고전주의에 길들여진 파리지앵들은 외설적인 스타일에 충격을 받았고 익숙하지 않은 연극 형식에 당황했습니다. 많은 연극 역사가들은 알프레드가 초현실주의, 부조리, "잔인한 연극" 등 20세기의 모든 아방가르드 연극 운동을 탄생시켰다고 주장합니다. 러시아에서는이 연극이 실제로 상연되지 않았으며 2001 년 모스크바 극장 중 하나에서 공연되었습니다.
아방가르드 운동의 모든 대표자들은 극장 개혁에 찬성했지만 F.T. 그들의 연극 이론은 20세기 이후의 모든 유럽 무대 연출에 영향을 미쳤습니다. 이탈리아 미래주의와 다다이즘은 A. Jarry의 작품이라는 공통된 뿌리를 가지고 있습니다. .
미래파와 다다이스트는 당대의 연극 체계에 의문을 제기했습니다. 새로운 극장 솔루션미래학자들은 12개의 이론적 선언 문서로 입증되었습니다. 그들의 비판은 드라마투르기의 우위에 대한 비난으로 시작되었다. 연극 예술, 무료 창작 요소 인 게임에 대한 폭력으로 간주되었습니다. 선언문에서 미래 학자들은 즉흥적이고 역동적이며 초현실적 인 새로운 극장의 창조를 발표했습니다. 그들은 학문적 연극의 주요 요소인 단어에서 우선순위를 두어 물리적 행동에 부여했습니다. 극작의 장소는 장면의 골격이 있었지만 행동의 논리, 이미지의 심리적 발달이 없었던 말이없는 짧은 연극이 차지했습니다. 그 후 20세기 후반. 예술가의 플라스틱 극장이 일어났습니다. 미래파와 다다이즘 모두 20세기 초의 주요 정복에 대해 회의적이었다. - 감독의 극장. 감독에서 그들은 예술에서 부르주아를 보았다. 무대 위의 물건, 테이블이나 의자와 같은 존재에 지나지 않는 배우의 위치도 거부했다.
음악의 아방가르드는 어떻게 나타나는가?
음악에 대한 논의로 돌아가서, 상대적으로 짧은 시간에 이러한 음악적 혁신이 어떻게 다른 점서로 전혀 접촉하지 않은 작곡가들 사이에서 "음악의 법칙을 위반"하고 개종 한 "오래된 음악 규범에서 한 배교자의 악의적 인 영향"에 대해 여기서 말할 수 없습니다. 그의 다른 동료들은 그의 믿음에. 아시다시피 Scriabin, Schoenberg, Stravinsky, Bartok, Ives, Roslavets, Lurie 등과 같은 작가들은 절대적으로 독립적으로 행동했으며 용기, 독창성 및 분리 측면에서 서로 유사하면서도 서로 대조적인 결과에 도달했습니다. 과거의 음악 언어에서. 이 모든 다른 작곡가들을 하나로 묶은 가장 중요한 것은 그 시간의 공간을 침범하는 우주적 과정을 듣는 것이라고 말할 수 있습니다. 그리고 그들의 미적 형성에 결정적인 것으로 밝혀진 것은 바로 이 요인이었습니다. 19세기 후반 음악 언어의 발전 경로. 드라마틱하고 강렬했다. 예술에서 항상 그렇듯이 일부 시스템은 구식이 되고 새로운 시스템이 그 자리를 대신합니다. 이것이 아방가르드의 본질입니다. 러시아 뮤지컬 아방가르드에서는 근본적으로 다른 두 세대, 즉 1910~1920년대의 아방가르드와 1960~1980년대의 아방가르드로 구분해야 합니다. 그들 사이에 약간의 연속성이 있지만 중요하지 않습니다.
아방가르드 1910~1920년대
연구원들은 초기 뮤지컬 아방가르드가 매우 이질적인 현상이라고 지적합니다. 여기서 가장 중요한 것은 일종의 "새로운 세계관", "건전한 세계관"을 찾는 것입니다. "신세계 청력"에 따라 소리, 음높이 시스템, 음색, 하모니 등 많은 기본 음악 범주가 다시 생각되었습니다. 거의 모든 초기 아방가르드 예술가들은 어떤 식으로든 전통적인 평균율 시스템을 업데이트하고 새로운 톤 분할 시스템을 발명했습니다. 기질의 갱신과 관련하여 소리에 대한 새로운 태도에 대한 질문이 생겼습니다. 이상적으로는 아방가르드 주의자들은이 접근 방식에 해당하는 새로운 악기 또는 장치를 발명하기 위해 노력했습니다. 유명한 테레민 (엔지니어 L.S. "와 "Crystal"이 만든 세계 최초의 전기 음향 악기). 이 악기는 근본적으로 새로운 소노릭을 제공했지만 전통적인 피아노, 오르간을 "개선"하고 새로운 연주 기술을 적용하려는 시도가 자주 이루어졌습니다.
20세기 음악에서 아방가르드 운동의 창조물 중 하나는 12음계였습니다. 이 기술의 저자는 Anton Webern, Alban Berg 등과 같은 뛰어난 학생들을 가르친 교사 인 "New Vienna School"의 창시자 인 오스트리아 작곡가 Arnold Schoenberg였습니다.
Dodecaphony는 우리에게 친숙한 온음계를 대체했습니다. 온음계의 본질은 유럽 귀가 구별하는 12가지 소리(소위 변덕계) 중 7개만 취하여 이를 기반으로 작곡을 할 수 있다는 것입니다. 7개의 소리가 음조를 형성했습니다. 예를 들어, C 장조에서 가장 간단한 조는 잘 알려진 척도인 do, re, mi, fa, salt, la, si를 사용합니다. 간단히 말해서 이 건반은 피아노의 흰색 건반만 사용합니다. C단조의 조성은 mi 대신 E-flat이 나타난다는 점에서 다릅니다. 즉, C단조의 키에서 소위 변조, 즉 감소 또는 증가에 의해 원래 키와 다른 관련 키로 전환하는 것을 제외하고는 더 이상 단순한 미를 사용할 수 없습니다. 반음씩. 점차적으로 19세기 말. 변조는 점점 더 대담 해졌고 작곡가는 Webern의 말로 "자신을 너무 많이 허용하기 시작했습니다." 그리고 이제 메이저와 마이너의 대조가 점차 사라지기 시작했습니다. 그것은 Chopin으로 시작하고 이미 Brahms에서 명확하게 볼 수 있으며 Gustav Mahler의 음악은 이것을 기반으로합니다. 20세기 초까지. 음악 형식을 실험한 Novye 작곡가들은 막다른 골목에 이르렀습니다. 12개의 음색을 모두 사용하여 음악을 작곡할 수 있다는 것이 밝혀졌습니다. 그것은 혼돈이었습니다. 고통스러운 무조 기간이었습니다.
음악적 혼돈에서 벗어나는 두 가지 상반된 길이 있었다. 첫 번째는 다조성을 통한 온음계의 복잡성, 즉 소리의 동시성을 통해 - Stravinsky, Hindemith, Shostakovich가 갔다. 두 번째로 어려운 길은 New Viennese가 택한 것으로, 이것은 이전 시스템의 일부에서 전체 시스템을 생성하는 것입니다.
사실은 XIX 세기 말까지입니다. 온음계 원리뿐만 아니라 고전적인 비엔나 화성 자체, 즉 멜로디를 이끄는 목소리가 있지만 반주가 있다는 원리도 있습니다. 음악의 역사에서 비엔나 화성은 선율과 반주의 위계가 없고 여러 개의 동일한 성부가 있는 대위법 또는 다성음이 선행되었습니다.
Novovenets는 대체로 엄격한 바흐 이전 대위법 체계로 돌아갔습니다. 화성을 원칙으로 삼음으로써 그들은 보다 쉽게 새로운 방식으로 음악을 구성할 수 있었습니다. 12음의 동등성(무조성)을 포기하지 않고 Schoenberg는 구성을 구성할 때 모든 반복되지 않는 12음의 시퀀스를 통과해야 하는 규칙을 도입한 후 반복되고 변경될 수 있습니다. 즉, 1 ) 직접; 2) rakhodnaya, 즉 끝에서 처음으로 이동합니다. 3) 거꾸로, 즉 수평에 대해 거꾸로 된 것처럼, 4) 쉘에서 거꾸로. 작곡가는 그의 무기고에 4개의 시리즈를 가지고 있었습니다. 물론 이것은 매우 적었습니다. 그런 다음 시리즈가 모든 단계에서 시작할 수 있고 원래 톤 및 반음 시퀀스만 유지하는 규칙이 도입되었습니다. 그런 다음 12개의 평균율 톤을 곱한 4개의 시리즈는 48개의 가능성을 제공했습니다. 이것이 12음 음악의 본질이다. 그 기초는 모든 소리의 평등입니다.
20세기 예술 현상으로서의 러시아 아방가르드
러시아 아방가르드는 1890년부터 1930년까지 러시아에서 번성했던 중요한 예술적 현상을 가리키는 일반적인 용어입니다. 일부 초기 징후는 1850년대와 이후 1960년대로 거슬러 올라갑니다. "러시아 아방가르드"라는 용어로 정의되는 20세기 예술 현상은 특정 예술 프로그램이나 스타일과 일치하지 않습니다. 이 용어는 마침내 전쟁 전인 1907-1914년에 러시아 예술에서 형성되어 혁명 기간 동안 전면에 등장하고 혁명 후 첫 10년 동안 성숙에 도달한 급진적 혁신 경향에 할당됩니다. 예술적 아방가르드의 다양한 흐름은 19세기의 학문적 전통과 절충주의적 미학뿐만 아니라 당시 모든 곳에서 모든 형태로 지배적이었던 아르누보 스타일의 새로운 예술과의 결정적인 단절로 통합됩니다. 건축과 회화에서 연극과 디자인에 이르기까지 러시아 아방가르드의 공통점은 문화 유산에 대한 급진적인 거부, 예술적 창의성의 연속성에 대한 완전한 거부, 파괴적이고 창의적인 원칙의 결합이었습니다. 예술과 삶의 다른 영역에서.
러시아에서 이러한 추세의 주요 대표자는 V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender 등입니다.
아방가르드 예술의 모든 흐름은 영적 내용을 실용주의로, 감정을 냉정한 계산으로, 예술적 이미지를 단순한 조화로, 형태의 미학을, 구성을 구성으로, 큰 아이디어를 공리주의로 대체하는 것이 특징입니다. 방랑자 운동과 19 세기 "60 년대"에서 분명히 드러난 전통적인 러시아 최대주의는 러시아 혁명에 의해서만 강화되었으며 소비에트 러시아가 아방가르드 예술의 발상지로 간주된다는 사실로 이어졌습니다. 세계.
새로운 예술은 억제되지 않은 자유로 정복하고 매혹하고 매혹하지만 동시에 내용과 형식의 완전성 파괴, 파괴를 증언합니다. 아방가르드 미술의 일부 경향에 내재된 아이러니, 유희, 카니발리즘, 가장무도회의 분위기는 가면을 씌울 뿐만 아니라 오히려 작가 영혼의 깊은 내면의 불화를 드러낸다. 아방가르드의 이데올로기는 그 자체로 파괴적인 힘을 지니고 있습니다. N. Berdyaev에 따르면 1910년대에 "훌리건 세대"가 러시아에서 성장하고 있었습니다.
아방가르드는 예술을 통한 인간 의식의 급진적 변화, 기존 사회의 영적 타성을 파괴할 미학적 혁명을 목표로 한 반면, 아방가르드의 예술적 유토피아 전략과 전술은 훨씬 더 결정적이고 무정부주의적이며 반항적이었습니다. 아름다움과 신비의 절묘한 "중심"의 창조에 만족하지 않고 존재의 기본 물질성에 반대하는 아방가르드는 삶의 거친 문제, "거리의 시학", 현대의 혼란스러운 리듬을 이미지에 도입했습니다. 강력한 창조력과 파괴력을 지닌 도시, 자연. 한 번 이상 그는 자신의 작품에서 "반 예술"의 원칙을 선언적으로 강조하여 이전의 더 전통적인 스타일뿐만 아니라 전체적으로 잘 확립 된 예술 개념을 거부했습니다.
아방가르드 트렌드의 스펙트럼은 훌륭합니다. 변형은 모든 유형의 창의성을 포함했지만 순수 예술은 지속적으로 새로운 운동의 창시자 역할을 했습니다. 후기 인상주의의 거장들은 아방가르드의 가장 중요한 경향을 미리 결정했습니다. 그것의 초기 전선은 Fauvism과 Cubism의 대표자들에 의한 그룹 공연에 의해 윤곽이 잡혔습니다. 미래주의는 아방가르드의 국제적 접촉을 강화하고 예술(예술, 문학, 음악, 연극, 사진 및 영화)의 상호 작용을 위한 새로운 원칙을 도입했습니다. 1900-10년대에는 새로운 트렌드가 속속 탄생했습니다. 표현주의, 다다이즘, 초현실주의, 무의식에 대한 감수성 인간의 정신구성주의에서 아방가르드의 비합리적인 선을 표시했지만 반대로 합리적이고 건설적인 의지가 나타났습니다. 유럽 아방가르드의 모든 흐름이 러시아 아방가르드에 반영된 것은 아닙니다. Dadaism, 초현실주의, Fauvism 및 기타 일부와 같은 흐름은 유럽에서만 일반적이었습니다.
1910년대의 전쟁과 혁명 동안 정치적, 예술적 아방가르드는 활발히 교류했습니다. 정치의 좌파 세력은 선동과 선전 목적으로 아방가르드를 이용하려 했고, 이후 전체주의 정권(주로 독일과 소련)은 아방가르드를 지하로 몰아내며 엄격한 검열로 아방가르드를 억압하려 했습니다.
정치적 자유주의의 조건 하에서 1920년대 이후 아방가르드는 이전의 대립적 파토스를 잃어버리고 근대성과 동맹을 맺고 대중 문화. 20세기 중반까지 이전의 "혁명적" 에너지를 대부분 소진한 아방가르드의 위기는 주요 대안으로 포스트모더니즘을 형성하는 동기가 되었습니다.
1917년은 모든 것을 바꿔 놓았습니다. 즉시 분명해지지 않았습니다. 처음 5년(1917-1922년의 영웅적인 5년)은 여전히 희망의 여지를 남겼습니다. 그러나 곧 환상은 사라졌다. 천재와 노동, 선언문 및 세계적으로 유명한 거장들의 열띤 토론에 의해 러시아에서 만들어진 모더니스트 예술의 웅장한 요새 파괴의 드라마가 시작되었습니다. 1920년대와 1930년대로 접어들면서 비현실적인 트렌드는 완전히 금지되었습니다. 일부 예술가는 다른 나라로 떠났습니다. 다른 사람들은 억압되거나 잔인한 필연성에 굴복하여 전위적인 탐색을 포기했습니다. 1932년 수많은 예술 협회가 마침내 문을 닫았습니다. 당국은 단일 예술가 연합을 만들었습니다.
러시아 아방가르드는 실제로 20세기의 현상이라고 결론지을 수 있습니다. 그 이전에는 어떤 다른 예술 스타일도 감히 전통 예술에 도전하지 못했기 때문입니다.
결론
이 주제를 연구한 결과 20세기 음악의 전체 발전은 세기 초의 창조적 폭발에 의해 결정되었다고 안전하게 말할 수 있습니다. 세기 초의 새로운 미적 경험의 발현은 2차원 세계에서 3차원 세계로의 전환과 비교할 수 있습니다. 20세기 초 예술의 고조현상은 두 가지로 설명할 수 있다. 하나는 기적과 섭리적 현상이고, 두 번째는 어느 날 갑자기 이렇게 나타난 영적 부의 점진적인 축적이다. 결국 그 이전의 고급문화는 새문화의 자양토였다. Schoenberg는 Bach, Beethoven, Wagner 및 Brahms의 전통에서 성장하지 않았다면 결코 Schoenberg로 형성되지 않았을 것입니다. 이 아이디어는 문학과 그림과 매우 관련이 있습니다.
가설새로운 철학적 과학적 견해의 출현은 사람의 삶의 철학, 사람의 세계관의 표현으로서 사람의 문화 생활에 다양한 새로운 경향을 유발합니다. 사실이다. 이것은 예술가, 음악 작품 및 시적 창작물의 그림에 대한 친분을 확인했습니다.
이 프로젝트를 진행하면서 다양한 유형의 예술에 대한 이해를 넓히고 20세기 초 문화에 대한 더 깊은 이해에 기여했습니다. 많은 흥미로운 것들을 보고 배울 수 있도록 도와주었습니다. 작곡, 문학 및 회화 작품
프로젝트 작업 결과를 바탕으로 교실에서 우리 그룹의 학생들 앞에서 20 세기 초 아방가르드에 대한 프레젠테이션과 이야기를 발표했습니다. 음악 문학. 사람들은 내 프로젝트에 관심을 보였고 내가 제공한 정보에 큰 관심을 보였습니다.
결론 프로젝트 활동아방가르드 작품 연구 자료가 지적 성장에 기여했을뿐만 아니라 상상력과 영감을 활성화하여 창의적 잠재력을 실현했음을 보여주는 컴퓨터 프레젠테이션을 만들었습니다.
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업로드 -> 연구 작업 Baltasinsky 지구 임업의 예에 대한 Arsky 임업 숲의 생태 상황
아방가르드의 주요 방향 중 하나입니다. 전통적인 예술과 달리 현실을 모방하지 않고 그 요소를 재현하지 않습니다. 추상 미술의 대상은 작가의 툴킷인 색상, 선 및 형태입니다. 최초의 추상 작품은 1900년대 후반과 1910년대 초반에 바실리 칸딘스키에 의해 만들어졌습니다. 첫 번째 추상 작업은 그의 "원이 있는 그림"(1911)으로 간주됩니다. 1912-1915년에는 루키즘(Larionov, 1912)과 절대주의(Malevich, 1915)의 추상적 회화 체계가 등장했다.
전위
처음에 이 용어는 군사 업무와 관련하여 사용되었습니다. 정치적 사건- 1885년까지 프랑스 비평가 Théodore Duret은 예술 비평. 그러나 이런 의미에서 그 단어는 뿌리를 내리지 못했습니다. 1950년대에 와서야 20세기 초 아방가르드의 러시아 미술을 처음으로 불렀던 프랑스 비평가 미셸 세포르 덕분에 미술사로 돌아왔습니다.
온전함
이 용어는 1913년 봄에 예술가, 작가, 출판인 및 저널리스트인 Ilya Zdanevich에 의해 만들어졌습니다. Mikhail Larionov와 그의 서클의 예술가들의 예술적, 미적 아이디어는 전능함의 기초를 형성했습니다. "Target"전시회 카탈로그에서 그는 입체파, 미래파, 오르페즘 등 기존의 모든 스타일을 인식했습니다. 같은 해 11월 5일, Zdanevich는 Natalia Goncharova 전시회 폐막식에서 모스크바에서 자신의 개념을 공개적으로 발표했습니다. 강의 제목은 "Natalia Goncharova and All-Happiness"였습니다. 그 후 Zdanevich는 강의와 토론에서 전능함의 아이디어를 전파하기 위해 상트 페테르부르크로갔습니다. 이러한 공연은 전위적인 터무니없는 캐릭터의 특징이었습니다. 그래서 1914년 4월 9일 '페이스 페인팅' 공연이 끝날 무렵 즈다네비치는 자신의 얼굴을 검은색 페인트로 칠했고, 같은 해 4월 17일 '신발 숭배' 액션에서 아름답다고 생각하며 신발의 아름다움을 “자동차와 엔진처럼 아름답다”고 노래했다.
울타리 그림
울타리 비문의 플롯과 스타일에 대한 호소는 아방가르드와 신 원시주의의 가장 특징적인 특징 중 하나입니다. 이 방향은 신 원시주의 시대의 Larionov의 작품에서 특히 두드러집니다.
구성주의
엘 리시츠키. Nikitsky Gates 근처의 초고층 빌딩 프로젝트, Tverskoy Boulevard에서 본 전망 charnelhouse.org 라틴어 구성에서 - "건설". 구성주의의 주요 특징은 엄격함, 간결함 및 기하학적 형태입니다. 이 스타일은 예술가이자 미술 이론가인 Alexei Gan이 1922년에 같은 이름의 책에서 공식적으로 지정했습니다. 가장 유명한 구성주의자 중에는 Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, 건축가 Moses Ginzburg, Konstantin Melnikov 및 Vesnin 형제가 있습니다. 가장 널리 퍼진 구성주의 다른 지역예술적 창의성: 연극적 풍경과 의상, 책 디자인, 건축 등
우주론
라자르 키데켈. 미래의 도시. 지상 도시 위. 1927년 newsfeed.kosmograd.com 1870년대에 생겨난 철학적 개념으로 외계 공간과 우주에 대해 생각한 철학자와 과학자를 가리킨다. 비객관적 또는 추상적 예술은 우주론의 발전에 기여한 반면, 말레비치의 제자인 예술가 Ivan Kudryashov와 건축가 Lazar Khidekel은 기하학적 비객관성의 우주적 측면과 우주론의 개념을 발전시켰습니다.
입체파
조르주 브라크. 바이올린과 촛대. 1910년샌프란시스코 현대 미술관 큐비즘은 1908년 가을 조르주 브라크와 파블로 피카소의 작품으로 프랑스에서 형성되었습니다. 그것은 다른 방식으로 러시아에 침투합니다. 따라서 예술가 Alexandra Exter는 정기적으로 파리의 새로운 유행 스타일에 대한 다양한 정보를 제공하고 1908 년 수집가 Sergei Ivanovich Shchukin은 Bolshoy Znamensky Lane에있는 그의 저택을 모든 사람에게 공개합니다. 무엇보다도 컬렉션에는 Cubists의 작품이 포함되어 있으며 미래의 탬버린은 정기적으로 갤러리를 방문합니다. 1912년, 예술가이자 시인인 David Burliuk "Cubism"의 기사가 "A Slap in the Face of Public Taste" 컬렉션에 실렸습니다. 큐비즘은 세계에 대한 평면적 이해 또는 변화된 구성의 정경을 의미하며 가장 중요한 기술은 여러 관점에서 대상을 묘사하는 것입니다. 3년 후, "입체파에서 절대주의로"라는 선언문에서 카지미르 말레비치는 운동의 본질을 "두 가지 형태의 만남"에서 비롯된 "불협화음"으로 정의합니다. , 물체를 옮기는 것이 아니라 그림을 만드는 것입니다.<...>큐비즘 시대에 작가는 그 의미와 본질과 목적을 가진 사물 자체를 파괴했다.
입체 미래주의
나탈리아 곤차로바. 공장. 1912년주립 러시아 박물관 이 개념은 1912년 프랑스 비평가 마르셀 불랑제(Marcel Boulanger)가 처음으로 사용했으며 이듬해 러시아 문화에 널리 퍼졌습니다. 시적 예술 그룹 "Gileya"와 "Union of Youth"그룹의 예술가들은 스스로를 Cubo-Futurists라고 생각합니다. 입방체 미래주의 작품에서 세계는 파편으로 조각나거나 요소로 분해되어 나타납니다. 1913년 11월, Malevich는 Union of Youth 전시회 카탈로그에서 자신의 작품을 입방체 미래주의라고 부릅니다. 1912-1913 년에 Natalia Goncharova ( "Factory")의 입방체 미래 그림이 나타났습니다.
왼쪽 예술
알렉산더 로드첸코. 잡지 표지 옵션 "레프" "레프"-1923-1925 년 모스크바에서 발행 된 잡지 "Left Front", 편집장-Vladimir Mayakovsky. 여러 객실은 Alexander Rodchenko가 장식했습니다.(O. Brik의 만화). 1924년주립 박물관 미술그들을. A. S. 푸쉬킨
1915년 봄 뻬쩨르부르그에서 좌파 경향의 그림이 전시된 후 "미래파"라는 개념과 함께 "좌파 미술"이라는 용어가 혁신적인 예술에 적용되기 시작했습니다. 1917년에 세 개의 연맹이 만들어졌습니다. 그들 중 하나는 "좌파"라고 불렸고 대다수의 아방가르드 예술가를 통합했습니다. 1919년에 이르러 이 용어는 그 의미가 바뀌었습니다. 1920년대 초, 후자는 Lef 잡지를 중심으로 그룹을 형성했습니다.
선형주의
알렉산더 로드첸코. 선형 디자인 108호. 1920 monoskop.org 1919년 알렉산더 로드첸코(Alexander Rodchenko)가 비객관적 예술의 흐름 중 하나를 나타내는 용어를 발명했습니다. 그는 초기 구성주의 선언문에서 “구성의 요소이자 회화의 독립적인 형태로서 선을 도입하고 발표했습니다.”라고 썼습니다.
레이즘
미하일 라리오노프. 수탉 (빛나는 연구). 1912년Mikhail Larionov가 개발한 최초의 비객관적 페인팅 시스템 중 하나입니다. Larionov는 Rayonism이 가시적 물질 세계와 영적 세계를 하나의 조화로 연결해야한다고 믿었습니다. 작가는 1912년에 최초의 Luchist 작품을 만들었고 동시에 World of Art 전시회에 전시되었습니다. 1913년과 1914년에 Larionov의 Luchist 그림이 Target 및 Number 4 전시회에 전시되었습니다. 현실적인 Rayonism은 동물적인 플롯이 특징입니다. rayonism의 다음 단계 - pneumorayism - 다른 기술의 사용 (예 : 종이 삽입물, 메모, 십자가 등과 같은 기호).
동양풍
아티스트 프로그램의 중요한 부분 초기 아방가르드. 동양 미술의 영향은 주로 이론과 매니페스토에 반영되어 기법보다는 플롯과 주제로 아방가르드 예술가들을 매료시켰다. 중요한 것은 예술의 특성에 대한 연구가 아니라 동양의 분위기에 몰입하는 것입니다. 오리엔탈리즘에 대한 이론적 정당성은 Mikhail Larionov와 Ilya Zdanevich에 의해 개발되었습니다. 그리고 Larionov가 "Jack of Diamonds"와 헤어진 이유가 된 것은 바로 동양에 대한 사랑이었습니다. 아티스트는 모방 서구주의 구성원을 비난했습니다. 그러나 1910년대 중반에 이르러 동양이라는 주제는 잊혀지고 오리엔탈리즘은 고갈되었다.
원시주의
미하일 라리오노프. 봄. 계절(새 프리미티브). 1912년국립 트레차코프 갤러리 초기 러시아 아방가르드(1900년대 후반~1910년대 초반)의 방향. 원시주의의 특징 중에는 유아적이고 유치한 형태와 인물의 비율, 어색한 가소성, 아마추어 그림의 모방, 순진한 멋짐이 있습니다. 여기서 근본적인 역할은 국가 전통, 고대 및 민속 예술, 우선 아이콘, 부목, 조각 고풍. 처음으로이 단어는 Blue Rose 전시회에 관한 기사에서 시인이자 비평가 인 Sergei Makovsky에 의해 사용되었습니다. 역사적 경험의 무게에 지치지 않습니다.<...>주요 과제로 이해되는 현대 의식 원시주의는 예술적 해방의 마지막 승리입니다. 1907년 여름, 이 용어는 헤르손에서 벌리우크 전시회를 발표할 때도 사용되었습니다.
절대주의
카지미르 말레비치. 제목 없음. 1916년경솔로몬 R. 구겐하임 재단 페기 구겐하임 컬렉션, 베니스 그래서 1915년 12월 말레비치는 "마지막 미래파 전시회" 0.10 ""에 전시된 그의 작품을 설명했습니다. 그의 "블랙 스퀘어"는 순수하게 기하학적인 비객관적 형태라는 새로운 실험 분야를 열었습니다. 1920년 초 말레비치는 비쳅스크에서 가르치기 위해 떠났고 그곳에서 절대주의는 우노비스의 새로운 교육학인 "새로운 예술의 긍정"의 기초가 되었습니다.
미래파
자코모 발라. 속도 + 소리. 1913-1914솔로몬 R. 구겐하임 재단 페기 구겐하임 컬렉션, 베니스, 1976 이탈리아어 futuro에서 - "미래". 미래주의는 Filippo Tommaso Marinetti 덕분에 1909년 이탈리아에서 시작되어 예술적 창의성의 모든 영역으로 퍼졌습니다. 미래주의의 근간은 변화된 세계에 대응하는 새로운 예술 언어이다. David Burliuk에 따르면 러시아 예술가와 작가들은 1911년에 이 용어를 사용하기 시작했습니다. 그러나 당시 미래학자들은 스스로를 미래학자 또는 미래인이라고 불렀다. 미래주의에 가장 가까운 그룹은 Donkey Tail과 Youth Union이었습니다. 미래주의는 1914년까지 러시아 회화에서 특히 인기가 있었습니다.
아방가르드(avant-garde)라는 단어 자체는 군사용어에서 유래한 것으로 본군 앞에서 적진에 침입하여 그 길을 닦는 소수의 정예부대를 의미하며, 신조어로서 이 용어의 미술사적 의미는 다음과 같다. 사용된 알렉상드르 베누아(1910), 20세기 초반에 취득. 그 이후로 고전 아방가르드는 고전, 즉 최초의 모더니즘의 품에서 태어난 이질적이고 다르게 중요한 예술 운동, 경향 및 학교의 총체라고 불리며 현대 모더니스트에 대한 반항적 인 반대를 나타냅니다. 규범, 특히 전통적인 예술 개념 , 작업 및 형식. Lev Rubinshtein은 "모더니즘"은 오늘 이렇게 말합니다. 그런 의미에서 똑같아요 전통 예술, 그러나 동일한 것을 설명하기 위해 새로운 언어를 채택했습니다. 반면 아방가르드주의는 항상 또 다른 예술을 창조하며 그 수단을 갱신하는 것이 아니라 예술 자체의 대상을 갱신합니다. 이러한 원칙, 즉 실증적이고 종종 공격적인 급진주의, Alexei Zverev가 전체 현상의 "주요 구별 기능"으로 꼽은 "비 전통성의 지배자"는 물론 설정에서 현실을 인식 가능하고 생생하게 재현하기위한 도약으로 선정했습니다. 완전한 분석적 변형에 대한 진정한 형태인 아방가르드주의는 유지되었고 우리나라의 두 번째 모더니즘 시대에 대한 미학적으로 날카로운 반응인 아방가르드의 새로운 출현은 단기적이지만 폭풍우가 치는 승리와 시간적으로 일치했습니다. 서양 예술 관행의 반문화”.
이제 아방가르드주의는 보리스 그로이스(Boris Groys)의 용어를 사용하자면 모더니즘 또는 말하자면 고전주의 못지않게 "아카이브"됩니다. 그러나 한 세기가 넘도록 식지 않은 열정을 가진 예술 혁명가들은 여전히 "아방가르드는 죽었지만 나는 아직 살아있다!" 일반적인 특징그리고 이 현상 전체의 징후, 그리고 두 번째로 고전적인 아방가르드와 1950년대와 1960년대에 부활하고 나중에 포스트모더니즘과 동맹-적대라는 극적인 관계를 맺은 아방가르드 사이의 차이점을 지적하는 것은 다음과 같습니다. 여전히 현대적인 느낌.
따라서 상수에 대해 이야기하는 경우 다음을 포함해야 합니다.
- a) 그림주의에 대한 표현력에 대한 무조건적인 선호와 창작 과정-연극 분야에서 영화 분야에서 Anatoly Vasiliev와의 리허설 컬트로 이어지는 창의적인 결과-Alexei German 및 Yuri와의 지칠 줄 모르는 긴 촬영 Nordshtein 및 문학 분야-이미 복제 된 "걸작"보다 초안의 우선 순위 (원고로 채워진 전설적인 Khlebnikov 베갯잇은이 담론에 대한 방대한 은유입니다);
- b) "학문", "박물관"으로 표시된 모든 것에 대한 정력적인 거부와 함께 민속에 대한 창의적인 관심 (주로 이국적인 ), 순진한 예술, graphomania, 어린이의 창의성, 정신 질환자, 알코올 중독자 및 마약 중독자;
- c) 미적 인식의 자동성을 극복(또는 파괴)하는 방법으로서 "이해 불가"에 대한 의식적이고 때로는 충격적인 태도, 따라서 Maxim Shapir에 따르면 "완전하거나 부분적인 오해는 아방가르드 예술가의 수취인을 지각의 주체에서 대상으로, 창작자-예술가가 존경하는 미학적 사물로 계획하고 전환합니다.”;
- c) 시각적(진공 포함) 시와 낭랑한 시와 같은 혼합 형태로 절정에 달하는 서로 다른 장르와 개별 예술 유형 사이의 경계를 모호하게 만들고자 하는 욕구;
- d) 실수로 팔 아래에 나타난 것처럼 보이는 재료를 결합하는 "공학적"접근 방식과 Boris Groys가 강조한 것처럼 과학 및 기술 진보의 성과를 실제로 사용하는 것-의지 및 " "받을 자격이 없는" 대상에 가치를 부여하는 능력, 즉 예술가로 선출되기 전과 제쳐두고 그 자체로는 가치가 없습니다. 존중 );
- e) 자신의 "인증된" 장르, 기술 또는 기술에 대한 검색, 대중의 마음과 문화의 기억 속에서 이제부터 엄격하게 이것과 연관되고 다른 이름과 연관되지 않습니다(따라서 Dmitry Avaliani의 전화 카드 잎을 바꾸는 사람이었고 Alexander Gornon은 음운론에 독점적으로 흥미롭고 Lev Rubinstein은 색인 카드에시를 쓰는 사람입니다);
- f) 아방가르드 예술가의 전기는 예술 작품보다 조작의 대상이 아니기 때문에 활동적인 삶을 구축하는 파토스는 이러한 의미에서 Dmitry Aleksandrovich Prigov에 대해 자신의 이미지가 그의 최고의 창의적 업적이라고 말합니다.
- e) 아방가르드 예술가들이 그들 자신과 그들의 작품을 발표하는 터무니없고 수치스러운 성격으로 인해 이러한 발표는 종종 연극이나 공연으로 진행됩니다.
위의 모든 것은 우리 세기에 이미 일어난 혼란스럽고 미학적으로 연약하고 윤리적으로 조정되지 않은 포스트모더니즘의 맥락에 몰입하는 것에서 예술과 예술 모두에서 목표 설정에 대한 완전한 아이러니와 근본적인 거부를 나타냅니다. 아방가르드주의는 심각한 변화를 겪어야 했습니다. 그는 예술뿐만 아니라 현실도 재구성하려는 유토피아주의와 혁명적 충동을 거의 완전히 잃었습니다. Boris Groys가 아이러니없이 말했듯이“스탈린 시대에는 아방가르드의 꿈을 실현하고 통합 된 예술 형식으로 사회 전체 생활을 조직하는 것이 실제로 가능했기 때문일 것입니다. 아방가르드 자체에 바람직해 보이는 것들." 그러나 “오늘날의 아방가르드 예술가들은 Mayakovsky의 메시아적 허세, 권력에 대한 의지, 트리뷴과 같은 본성을 물려받은 것이 아니라, 물론 “Zemshar 위원장”이라고 외치지만 꿈속에서나 실현되지 않거나 실현 가능한 명령으로 남아 있는 이 명령에 반대하지 않는다. 아방가르드 예술가들은 자신의 연구실에서 대중을 피해 숨거나(Ry Nikonova 또는 Viktor Sosnora와 같은) 좁은 범위의 동수들에게만 공개하거나, 공개적인 표현의 경우 기념비라기보다는 쇼 비즈니스 인물에 가깝습니다. 바리케이드의 Mayakovsky 또는 Svoboda.
삶을 디자인하는 디자인이 의도적으로 사회가 아닌 자신의 이미지만을 겨냥할 때 이러한 사회적 야망의 상실은 오늘날의 아방가르드가 소외된 이유 중 하나였을 가능성이 있습니다. 예술적 위험과 독자 기대의 초점. 그러나 두 가지를 더 언급하자면 가능한 이유. 다음은 "독자는 실험을 좋아하지 않는다. 거의 성공하지 못하기 때문입니다. 성공적인 실험자 한 명에게는 진보와 문명의 희생양이 15~20명 있습니다. 그들의 이름은 불멸이고 그들의 위업은 불멸입니다. 문학적 과정그들 없이는 거의 불가능합니다. 문학 - 꽤. 그리고 두 번째 이유에 대해 노보시비르스크 연구원 E. Tyryshkina는 "아방가르드의 숙달 순간이 줄어 듭니다"라고 섬세하게 말했습니다. 또한 재능의 개념, 창의적인 재능도 줄어들어 결국에는 - 누가 논쟁할까요? - 그들은 예술의 모든 것을 절대적으로 결정합니다.
예술의 아방가르드 경향은 20세기에 발생했다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 이것은 모든 현대의 권위있는 출처에 의해 표시됩니다. 우리는 외국어 사전에서 다음과 같이 읽습니다. 예술적 표현력. 전위주의자들은 예술을 사회적 의미가 결여된 특별한 미적 영역으로 본다. 예술적 표현 수단의 공식적인 갱신이 가장 중요합니다.
소비에트 백과 사전에서: “아방가르드(프랑스 아방가르드)는 20세기 예술 문화의 운동으로, 기존의 규범과 전통을 깨고 표현 수단의 참신함을 그 자체로 목적으로 전환합니다. 아방가르드주의는 모더니즘과 밀접한 관련이 있으며 아나키스트-주관주의적 개인주의적 세계관을 반영한다. 아방가르드의 원칙은 표현주의, 입체파, 미래파, 다다이즘, 초현실주의와 같은 문학 및 예술 운동에 의해 채택되었습니다. '의식의 흐름 문학', '신소설', 불합리한 드라마 등'에서도 호평을 받았다.
Humanitarian Encyclopedic Dictionary에서 :“아방가르드 (프랑스 아방가르드 - 전방 분리)는 예술의 확립 된 원칙과 규범을 깨는 20 세기 예술 문화의 운동입니다. 예술적 언어의 근본적으로 새로운 표현 수단과 청중에게 영향을 미치는 방법을 찾기 위해 노력합니다. 아방가르드주의는 외적으로 다른 여러 흐름을 통합하며, 그 미학적 본질은 중앙 미적 범주를 새롭고 독창적인 아름다운 범주로 공개적으로 선언하거나 숨겨진 대체로 귀결됩니다.
따라서 공식적이고 학술적이며 권위 있는 백과사전 출판사들은 픽션의 진보된 운동으로서의 아방가르드가 20세기에 발생했음을 만장일치로 인정합니다. 20권으로 된 대 러시아 백과사전의 새 판에서는 이전에 믿었던 것처럼 아방가르드의 흐름이 20세기에 일어났다는 것도 인식될 것 같습니다. 진짜야? 예술적 가치 시스템의 링크가 끊어지면 전체 체인의 약점을 어느 정도 나타내는 것으로 알려져 있기 때문에 질문은 유휴 상태가 아닙니다.
질문을 명확히 하기 위해: 예술 문화의 경향으로서 아방가르드주의는 정말로 20세기에 발생했는가? -- 이 글의 저자는 르네상스부터 19세기 중반까지 세계 문학의 시적 창작 과정을 분석하고, 고대부터 과거의 시 가사 발전사를 분석했다. 그의 연구에서이 기사의 저자는 미국 시인 Walt Whitman의 작품에 주목했습니다. Walt Whitman이 시집 Leaves of Grass(1855년 6월 4일)를 출판한 지 150년 이상이 지났습니다. 이 책은 문자 그대로 미국 독자들을 낙담시키고 용기와 혁신으로 그들을 놀라게했으며 미국 신문계를 흥분 시켰으며 모든 대죄에 대한 비난과 비난이 저자에게 쏟아졌습니다. 저속한 패러디와 모욕이 쏟아졌습니다.
그러나 그는 누구입니까,이 신생-독자들은 당황했습니다-그리고 그는 무엇을 할 수 있습니까? 이것은 신자에 대한 노골적인 신성 모독입니다. 그는 신인 척합니다. 그는 단지 부도덕하고 건방진 글쟁이일 뿐입니다...
Lanier는 "Whitman에 따르면 대초원이 광대하면 방탕이 칭찬받을 만하고 미시시피 강이 가득 차면 모든 미국인이 신이라는 것이 밝혀졌습니다. "라고 썼습니다.
그의 글에서 Walt Whitman은 죄인에게 하나님의 아들의 특성을 부여했습니다. 그는 지구상에서 존경과 존경을 받아온 모든 신과 신들에 대한 헌신을 부인하지 않았습니다. 비뚤어진 사회, 그 위선과 위선을 비판하면서 Whitman은 모든 사람이 평등하다고 주장했습니다. 인간 존엄성지구상의 모든 생명의 미덕으로.
무료 (자유시)로 작성된 Whitman의 미니어처는 Richard Aldington, Hilda Doolittle, Ezra Pound, David Herbert Lawrence와 같은 많은 영미 이미지 아티스트의 학교였습니다. Whitman은 그의 작품 스타일을 채택한 Carl Sandburg와 Edgar Lee Masters가 뒤를이었습니다.
Whitman의 혁신은 러시아 시인들에게 갈채를 받았습니다. 러시아 시인들은 그의 추종자가 되었을 뿐만 아니라 어떤 경우에는 그들의 시적 작품에서 어느 정도 그의 아방가르드의 예를 따랐습니다. 예를 들어 Fet의 우주 테마는 의심할 여지 없이 Whitman의 시학에서 영감을 받았습니다. "Song of Myself"에서 Whitman은 다음과 같이 외칩니다.
그레이트 밝은 태양, 얼마나 빨리 나를 죽일 것입니다
같은 태양이 내 안에 뜨지 않았다면...
의심 할 여지없이이 조각의 영향으로 Fet은 신에게로 향합니다.
아니, 당신은 나에게 강력하고 이해할 수 없습니다
무력하고 순간적인 나 자신이
나는 그 세라프처럼 가슴에 안고
불은 온 우주보다 강하고 밝다...
I. S. Turgenev는 Whitman이 출판하지는 않았지만 그의 시적 번역에 매료되었습니다.
비트, 비트, 드럼! - 불어, 불어, 불어!
창문을 통해, 문을 통해 무자비한 사람들의 뻔뻔스러운 힘처럼 돌진하십시오.
I. S. Turgenev "Fathers and Sons"의 작업에서 허무주의자 Bazarov의 원형은 Whitman이었습니다. Whitman은 남북 전쟁 중 군 병원에서 일하면서 베인 손을 군인의 괴저 상처에 대고 혈액 중독을 받았으며 그의 남은 생애는 병상에 누워 마비되었습니다. 그럼에도 불구하고 Whitman은 쾌활했습니다. 환자를 도우면서 혈액 중독으로 고통받는 Turgenev의 Bazarov의 운명은 비극적이었습니다.
20세기 초 콘스탄틴 발몬트는 휘트먼의 시파를 "감동"시켰습니다. 조금 후에 Blok, Mandelstam, Mayakovsky와 같은 Whitman 학교 추종자들의 전체 은하계가 러시아에 나타났습니다. Mayakovsky는 일반적으로 그의 시적 글쓰기 방식을 Whitman에서 물려 받았다고 널리 믿어졌습니다. 이와 관련하여 Mayakovsky에 대한 Yesenin의 잘 알려진 비우호적 인 에피 그램이 나타났습니다.
어, 발진! 어, 열! Mayakovsky - 평범함!
얼굴은 기름으로 영양을 공급받습니다.”라고 Whitman은 껍질을 벗겼습니다.
20세기 초 시적 창작의 아방가르드적 방향은 휘트먼파와 니체파라는 두 가지 주요 경로를 따라 발전했다고 볼 수 있다. 상징주의와 절정주의는 니체에게 더 끌렸고, 미래주의와 상상주의는 휘트먼의 출처에서 공급되었습니다. Whitman의 아이디어가 일부 정교회 계층에서도 받아 들여진 것도 주목할 만합니다. 따라서 Surozh의 Anthony의 잘 알려진 표현은 "... 사람은 자신이 아니라 하나님의 면전에서 행복을 찾습니다. "라는 Whitman의 생각을 정확히 반복합니다.
Walt Whitman의 저서 "Leaves of Grass"는 용기와 혁신으로 세상을 놀라게했으며 세계 문학 형성 과정에 근본적인 영향을 미쳤으며 가장 높고 넓은 의미에서 진정한 아방가르드였습니다. 따라서 세계 아방가르드 시 출현의 출발점은 20세기가 아니라 19세기 중반으로 보아야 한다.
러시아를 포함한 아방가르드 예술의 추가 발전은 현재까지 잘 알려져 있습니다. 새로운 학교터무니없는 미니어처, 설립자는 현재 독일에 살고있는 러시아 출신의 젊고 재능있는 작가 Yuri Tuboltsev입니다. 잡지“지식. 이해. Skill”은 출판된 기사 “Yuri Tuboltsev and the Literature Miniature of the avant-garde”에서 그의 “확장된 부조리의 시학”의 내용을 이미 알고 있습니다.
Yuri Tuboltsev는 처음으로 느꼈습니다. 중대한 상황문학에서 그의 창의적 노력의 주요 벡터를 아방가르드의 새롭고 알려지지 않은 랜드 마크인 확장 된 부조리의 철학 인 부조리 철학으로 즉시 지시했습니다. 그는 인터넷과 전통적인 문학 영역에서 그로 인한 발판을 마련해야 하는 어려운 과제에 직면하게 될 것입니다. 아방가르드주의는 생명 그 자체에 의해 살아납니다. 현실 자체는 단어 마스터의 해당 창의성을 요구하며 일반적으로 젊은 작가는 새로운 방향의 리더가됩니다. Yuri Tuboltsev는 의도적이고 지속적으로 굳어진 습관을 극복하고 새로운 문학 분야의 영역에 들어갑니다. 젊은 작가는 독특하고 기괴한 방식으로 표현된 많은 미적 아름다움을 가지고 있습니다. 그의 부조리의 시학에서 시와 미니어처는 현실과 허구의 관계에 대한 접근 방식에서 다재다능함과 독창성으로 구별됩니다. 그의 정교한 미니어처 작품은 예술적 단어, 그리고 그들의 실제적인 목적; 그들은 포괄적인 거짓말, 위선, 역겨움, 탐욕, 권력자의 불신 등의 이면을 보여준다. 많이 있다.
따라서 아방가르드 시가 출현한 시기는 19세기 중반부터 가벼운 손월트 휘트먼(1855, 풀잎). 아방가르드 문학의 현대 경향도 정의되었습니다. "확장 된 부조리의 시학", 부조리. 그러나 또 다른 질문이 생깁니다. 아방가르드 시가 초기 역사적 시기에 알려졌습니까? 가장 오래된 시의 원천인 고대 인도 슬로카(구절)에 침투해 봅시다. 현재 세계 위기가 악화되는시기에 우리 시대의 많은 선진 사람들 유럽 문명일반적으로 그리고 특히 영성, 예술, 문화 및 문학에서 그들은 일어나는 모든 일에 대해 생각했습니다. "다음에 어디로 갈 수 있습니까?"라는 주제에 대한 실망과 반성 기간이 시작되었습니다. 점점 더 사람들은 인류의 요람 인 고대 바라 타의 땅인 "동방의 별"에 눈을 돌리기 시작했습니다. 마음의 눈을 동쪽으로 돌리자. 우리가 관심을 갖는 질문에 대한 답을 찾으려고 노력합시다. 현대 인도 영토에서 고대에 아방가르드 시가 알려졌습니까?
Devanagari 언어는 지구상에서 가장 오래된 언어입니다. 안에 황금기인류의 모든 사람들은 동일한 데바나가리 언어를 사용했는데, 이는 문자의 원래 음절 체계였으며 산스크리트 언어로 변형되었습니다. 산스크리트어와 유사성 슬라브어특히 East Slavic 언어의 경우 기본 어휘 기금, 문법 구조, 포먼트의 역할 및 기타 여러 세부 사항 측면에서 놀랍습니다. 러시아어와 마찬가지로 Sanskrit 및 Devanagari 언어는 단어의 소리 구조에 대한 시각적 수단으로서 매우 풍부하고 자음의 유연성이 있으며 이는 다른 언어의 특징 중 일부에 불과합니다. 산스크리트어 및 러시아어 구문의 악기 및 사운드 구조는 별도로 취한 구성 단어의 악기 및 사운드 구조와 크게 다를 수 있습니다. 언어의 이러한 속성은 번역으로 거의 전달되지 않는 매우 강력하고 독창적 인 예술적 표현 수단을 만듭니다. 이것은 러시아 시와 산스크리트 시적 슬로카의 시학에 내재된 매우 중요한 독창성입니다.
러시아 시학과 마찬가지로 산스크리트 시에서 중요한 역할은 예술적 표현의 수단으로서 내적 운율, 연상 및 두운에 속합니다. Bryusov가 보여준 것처럼 그러한 시적 기법은 이미 Pushkin에 의해 널리 사용되었지만 이론적으로는 19세기 말과 20세기 초의 시인들에 의해 개발되었습니다. 러시아 시인 중 A. Bely, V. Bryusov가 신중하게 연구했습니다. 상징 주의자들과 미래 주의자들은 이러한 기술을 현대 시학의 특별한 업적으로 간주하고 과시했습니다 (“... 그리고 세이버와 같은 어조는 급히 운율을 자릅니다”, I. Severyanin). 그러나 이것은 전혀 사실이 아닙니다. 언급된 모든 기술은 고대에 이미 알려져 있었습니다. 그들은 그리스와 로마의 시인들이 완벽하게 소유했습니다.
산스크리트 시, 심지어 서사시조차도 이 "최신 유행의 외침"을 미묘하고 신중하게 사용하는 정도를 궁금해하기만 하면 됩니다. 러시아의 근대성과 아방가르드주의가 산스크리트 시에 숨을 불어넣는 것. 형식이 쫓기고 언어가 완벽한 "라마 이야기"와 같은 서사적 기념물에는 모든 종류의 두운, 내부 운율이 있습니다. 그들의 재물은 "Lakshmana 's Motif"-Sh, 때로는-L, 다양한 악기 및 다양한 두운 변형 (러시아 시인 A. S. Pushkin, V. V. Mayakovsky, V. Ya Bryusov 및 기타). 여기에서 구성과 도구의 측면에서 모두 매우 복잡하게 개발된 바그너적 의미의 "특징적인 모티프"에 대해 말하는 것이 적절합니다.
"The Tale of Rama"는 Aryans가 수천 년 동안 국가와 문화를 확립할 운명이었던 새로운 땅의 지배에 대한 시적인 이야기입니다. Rama는 Aryan India의 창립자로 영광입니다. 시간이 지나면서 라마야나는 마하바라타의 형태를 갖추게 되었습니다. 마하바라타 서사시에서 아방가르드 표현의 존재에 대한 예로 전투 후 쿠루크셰트라 전장에서 과부의 노래를 인용해 보겠습니다.
과부(암송)
내 주 최고,
내가 옳지 않아?!
그가 살아나게 해줘
친구 없이 - 난 죽었어 ...
친구는 필요없어
나에게는 빵과 피가 있다!
친구는 필요없어
나 오늘의 하늘!
친구를 데려오지 않아도
나는 봄컬러!
친구는 필요없어
나는 행복하고 가볍습니다!
난 집이 필요 없어
들판과 정원!
친구가 없으면 내 인생
필요 없음! 필요 없음!..
그를 살려주세요!
난 친구 없이 죽었어!
전능하신 나의 주님
내가 이미 옳지 않습니까?
그리고 마하바라타의 산스크리트 슬로카에 아방가르드의 존재에 대한 또 다른 예가 있습니다. 쿠루크셰트라 전장에서의 전투 중 연극 "마하바라타의 비전"에서 발췌한 것입니다.
바퀴와 차축, 견인봉을 잃어버리고,
전차 전투에서 충돌합니다. 그리고 낯선 사람
그리고 현지인들은 고통에 시달렸습니다.
코끼리는 두터운 라이더에게 위협적으로 충돌했습니다.
말, 병거 및 기병을 짓밟습니다.
그리고 화살은 분노한 코끼리를 꿰뚫었습니다.
그리고 코끼리들은 서로의 위에 무더기로 떨어졌고,
그리고 지역은 그들의 포효로 울려 퍼졌습니다.
그러자 사람들은 탄식했고 말들은 울었습니다.
골짜기가 흔들리고 산봉우리가 흔들렸으며
Bhishma의 Pandavas는 분노로 가득 차 있습니다.
그들은 오른쪽과 왼쪽에 화살로 공격했습니다.
잡고, 넘어뜨리고, 허리를 쳐라! --
전투기는 전차를 둘러싸고 소리 쳤습니다 ...
그리고 육신에는 비슈마를 위한 자리가 없었고,
빗물처럼 화살이 비추지 않는 곳 b:
피와 흙 한가운데 바늘처럼 튀어나온,
뻣뻣한 고슴도치처럼!..
그래서 Bhishma는 그의 라티의 눈앞에 쓰러졌습니다.
해질녘에 그의 전차에서 떨어졌다.
동쪽으로 쓰러진 머리가 위협적으로 -
불멸자와 필멸자가 외침을 들었고,
일몰에 떨어지는 - 피 묻은 들판에,
그는 판다바들에게 용기와 단호함을 주었다.
그러나 이것은 가족 중 가장 강한 사람이 떨어지는 것입니다.
그런 다음 Kauravas는 혼란에 빠졌습니다.
그 트렁크, 그들은 한탄, 전차에서 떨어졌다,
측정하지 않고 그는 국경의 쿠루를 측정했습니다.
파괴적인 전투에서 두려움, 후퇴,
두 인턴 진영의 전사들…
그들은 방패와 호전적인 강철도 없이
강철의 전사로 유명한 비슈마 주변...
그는 친구와 적들에게 둘러싸여 있었고,
세상의 창조주가 어떻게 신들에게 둘러싸여 있는가
용사를 공경하고 장소를 잊고
판다바들이 카우라바들과 함께 왔어요!..
인도철학에서 비극적 갈등의 본질은 해결이다. 도덕적 질문, 승리는 항상 도덕법 뒤에, 진리 뒤에 있습니다. (Rus의 먼 조상에 의해 동일한 도덕법이 제정되었습니다. 러시아 속담을 기억합시다. 신은 권능이 아니라 진리 안에 있습니다). 비교 예를 들어 그리스 문학에서 비극적 충돌의 본질은 맹목적인 운명과 개인 및 도덕적 원칙의 투쟁이며 이점은 항상 운명에 남아 있습니다. "오 지구, 나의 어머니, 오 영원한 에테르, 내가 신으로부터 견디는 고통을보세요-순진한"-이것이 사슬에 묶인 프로 메테우스의 충돌이 비극적으로 끝나는 방식입니다-전체 그리스 세계관 (Aeschylus)의 의인화.
흥미로운 사실은 고대 인도 서사시 "라마야나"와 러시아시의 천재 A. S. 푸쉬킨의 시적 유사점입니다. "라마 이야기"계획과 푸쉬킨의 "루슬란과 류드밀라"계획의 완전한 일치는 놀랍습니다 (마법사는 아내를 납치하고 남편은 마법사를 찾아 그와 싸우고 아내를 돌려줍니다). 이 계획이 어떤 방식으로 푸쉬킨에 도달했는지 알아내는 것은 문학적으로 매우 흥미로울 것입니다.
따라서 시에서의 아방가르드 예술은 오늘날 공식적으로 받아들여지는 20세기가 아니라 19세기 중반에 발생했습니다. Walt Whitman의 저서 "Leaves of Grass"의 출판은 세계의 아방가르드 시 흐름의 전체 시스템을 표시했습니다. 더욱이 아방가르드 시의 가장 현대적인 기법은 산스크리트 시에서도 알려지고 성공적으로 사용되었습니다. 서사시 작품라마야나와 마하바라타처럼.
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소비에트 백과 사전 (Third ed.), M .: 소비에트 백과 사전, 1985. C. 11.
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Sigachev A. A. 아방가르드, 시간 및 부조리에 대해 // 전자 저널“Knowledge. 이해. 기술". 2009. 5호. 문헌학. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev_Absurdsophy/
Sigachev A. A. Indo-Rus. M .: Medina-Print LLC, 2006. P. 96. (마하바라타의 비전 - 연극)
