Musikalische Literatur fremder Länder, Teil 2. T

Musikbibliothek Wir freuen uns, dass Sie in unserer Musikbibliothek die für Sie interessanten Materialien gefunden und heruntergeladen haben. Die Bibliothek wird ständig mit neuen Werken und Materialien aktualisiert, und beim nächsten Mal werden Sie bestimmt etwas Neues und Interessantes für Sie finden. Die Projektbibliothek wird auf der Grundlage des Lehrplans sowie empfohlener Materialien für die Ausbildung und Horizonterweiterung der Studierenden zusammengestellt. Sowohl Schüler als auch Lehrer finden hier nützliche Informationen, denn... Die Bibliothek enthält auch methodische Literatur. Unsere Haustiere Komponisten und Interpreten Zeitgenössische Künstler Hier finden Sie auch Biografien herausragender Künstler, Komponisten, berühmter Musiker sowie deren Werke. Im Werkbereich veröffentlichen wir Aufnahmen von Aufführungen, die Ihnen beim Lernen helfen werden; Sie werden hören, wie dieses Werk klingt, welche Akzente und Nuancen das Werk hat. Wir erwarten Sie bei classON.ru. V. N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 – 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 – 1791 Franz Schubert 1797 – 1828 www.classon.ru Joseph Haydn 1732 – 1809 Ludwig van Beethoven 1770 – 1827 Fryderyk Chopin 1810 – 1949 Kindererziehung im Bereich der Kunst in Russland Informationen darüber gibt es ab etwa dem 10. Jahrhundert v. Chr. immer häufiger. Die bildende Kunst entwickelt sich – und Künstler stellen Musiker dar, die religiöse Rituale, Feldzüge, Jagden, feierliche Prozessionen und Tänze mit Gesang und Instrumentenspiel begleiten. Solche Bilder wurden insbesondere an den Wänden von Tempeln und bei Ausgrabungen gefundenen Keramikvasen erhalten. Schrift erscheint – und die Autoren von Manuskripten versengen Lieder und Hymnen mit poetischen Texten und liefern interessante Informationen über das Musikleben. Im Laufe der Zeit widmen Schriftsteller philosophischen Diskussionen über Musik, ihrer wichtigen sozialen, einschließlich pädagogischen Rolle sowie der theoretischen Untersuchung der Elemente ihrer Sprache große Aufmerksamkeit. Die meisten dieser Informationen über Musik sind in einigen Ländern der Antike erhalten geblieben, beispielsweise im alten China, im alten Indien, Antikes Ägypten, besonders viel in den sogenannten antiken Ländern – dem antiken Griechenland und dem antiken Rom, wo die Grundlagen der europäischen Kultur gelegt wurden2. Einführung Musik von der Antike bis J. S. Bach Liebe Leute! Letztes Jahr hattest du bereits Musikliteraturunterricht. Sie diskutierten die Grundelemente der Musiksprache, einige musikalische Formen und Genres, die Ausdrucks- und visuellen Möglichkeiten der Musik und das Orchester. Gleichzeitig wurde das Gespräch frei über verschiedene Epochen geführt – mal über die Antike, mal über die Moderne, mal über die Rückkehr in weniger oder weiter von uns entfernte Jahrhunderte. Und nun ist es an der Zeit, sich mit der Musikliteratur in chronologisch sequentieller – historischer – Reihenfolge vertraut zu machen1. Über Musik im antiken Griechenland Auf welche Weise kamen Informationen über die Musik der Antike zu uns? Ein überzeugender Beweis für die große kulturelle und historische Rolle der Antike ist die Tatsache, dass im antiken Griechenland im 8. Jahrhundert v. Chr. Öffentlichkeit Sport - Olympische Spiele. Und zwei Jahrhunderte später begannen dort Musikwettbewerbe abzuhalten – die Pythischen Spiele, die als entfernte Vorfahren moderner Wettbewerbe gelten können. Die Pythischen Spiele fanden in einem Tempel statt, der zu Ehren des Schutzpatrons der Künste, des Gottes der Sonne und des Lichts, Apollo, errichtet wurde. Den Mythen zufolge hat er selbst diese Spiele ins Leben gerufen, nachdem er die monströse Schlange Python besiegt hatte. Es ist bekannt, dass Sakkad aus Argos einst auf ihnen siegte, indem er auf der Aulos, einem Blasinstrument neben der Oboe, ein Programmstück über den Kampf zwischen Apollo und Python spielte. Antike griechische Musik hatte eine charakteristische Verbindung mit Poesie, Tanz und Theater . Gesungen wurden die Heldenepen „Ilias“ und „Odyssee“, die dem legendären Dichter Homer zugeschrieben werden. Sänger waren in der Regel, wie der mythologische Orpheus, die Autoren sowohl poetischer Texte als auch von Musik, und sie selbst begleiteten sich selbst auf der Leier. Bei den Feierlichkeiten wurden Chortanzlieder mit pantomimischen Gesten aufgeführt. В древнегреческих трагедиях и комедиях большая роль принадлежала хору: он комментировал действие, выражал отношение к Производя раскопки, ученые -археологи нашли простейшие по устройству музыкальные инструменты (например, духовые - кости животных с просверленными отверстиями) и определили, что они сделаны около сорока тысяч лет vor. Folglich gab es die Kunst der Musik bereits damals. Nachdem 1877 der Phonograph, das erste Gerät zur mechanischen Aufzeichnung und Wiedergabe von Ton, erfunden worden war, begannen Musiker-Forscher, in jene Ecken der Welt zu reisen, in denen einige Stämme noch ihre primitive Lebensweise bewahrten. Von Vertretern dieser Stämme nahmen sie mit einem Phonographen Proben von Gesangs- und Instrumentalmelodien auf. Aber solche Aufnahmen geben natürlich nur eine ungefähre Vorstellung davon, wie Musik in der Antike aussah. Das Wort „Chronologie“ (es bedeutet „die Abfolge historischer Ereignisse in der Zeit“) kommt von zwei griechischen Wörtern – „chronos“ („Zeit“) und „logos“ („Lehre“). 1 Das lateinische Wort „antiguus“ bedeutet „alt“. Die daraus abgeleitete Definition „antik“ bezieht sich auf die Geschichte und Kultur des antiken Griechenlands und des antiken Roms. 2 2 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich der Kunst in Russland bis hin zu den Taten von Helden. Moderne Musikwissenschaftler verfügen über bestimmte Informationen über die Musik der Antike und beneiden dennoch Historiker anderer Künste. Für eine große Anzahl prächtiger Denkmäler antiker Architektur sind antike bildende Kunst, insbesondere Skulpturen, erhalten geblieben; viele Manuskripte mit den Texten von Tragödien und Komödien der großen antiken Dramatiker wurden entdeckt. Aber Musikwerke, die in denselben Epochen und sogar noch viel später entstanden sind, sind uns im Wesentlichen unbekannt. Warum ist es so passiert? Tatsache ist, dass es sich als sehr schwierige Aufgabe erwies, ein ausreichend genaues und praktisches System der Musiknotation (Notation) zu erfinden, das jeder von Ihnen beherrschte, als er gerade anfing, Musik zu lernen. Es dauerte viele Jahrhunderte, es zu lösen. Zwar haben die alten Griechen die Buchstabenschreibweise erfunden. Sie bezeichneten die Stufen musikalischer Modi mit bestimmten Buchstaben des Alphabets. Aber rhythmische Symbole (aus Strichen) wurden nicht immer hinzugefügt. Erst Mitte des 19. Jahrhunderts n. Chr. lüfteten Wissenschaftler endlich die Geheimnisse dieser Notation. Wenn es ihnen jedoch gelang, das Höhenverhältnis der Töne in antiken griechischen Musikmanuskripten genau zu entschlüsseln, dann war das Verhältnis der Dauer nur ungefähr. Und es wurden nur sehr wenige solcher Manuskripte gefunden, und sie enthalten nur Aufnahmen einiger einstimmiger Werke (z. B. Hymnen) und häufiger deren Auszüge. ausreichende Sichtbarkeit. Daher verwenden Musiker seit langem Hilfshinweissymbole. Diese Symbole wurden über den Worten der Gesänge angebracht und bezeichneten entweder einzelne Klänge oder kleine Gruppen davon. Sie gaben weder in der Höhe noch in der Dauer Hinweise auf das genaue Verhältnis der Geräusche. Doch mit ihrem Umriss erinnerten sie die Interpreten an die Bewegungsrichtung der Melodie, die sie auswendig kannten und von einer Generation zur nächsten weitergaben. In den Ländern West- und Mitteleuropas, deren Musik später in diesem Lehrbuch besprochen wird, wurden solche Ikonen Neumas genannt. Neumas wurden bei der Aufnahme alter katholischer liturgischer Gesänge – gregorianischer Gesänge – verwendet. Dieser gebräuchliche Name leitet sich vom Namen von Papst Gregor I3 ab. Der Legende nach stellte er Ende des 6. Jahrhunderts die Hauptsammlung dieser monophonen Gesänge zusammen. Sie sind dazu gedacht, während des Gottesdienstes nur von Männern und Jungen gesungen zu werden – Solo und Chor im Unisono – und sind auf Gebetstexte in Latein 4 geschrieben. Frühe unveränderliche Aufnahmen gregorianischer Gesänge können nicht entziffert werden. Doch im 11. Jahrhundert erfand der italienische Mönch Guido d'Arezzo („aus Arezzo“) eine neue Notationsmethode. Er unterrichtete Sängerknaben im Kloster und wollte, dass sie sich geistliche Gesänge leichter auswendig lernen konnten. Zu dieser Zeit war Neumen wurden auf einer horizontalen Linie darüber und darunter platziert. Diese Linie entsprach einem bestimmten Klang und legte so die ungefähre Höhe der Aufnahme fest. Und Guido kam auf die Idee, vier parallele Linien zu zeichnen ( „Herrscher“) im gleichen Abstand voneinander aufzustellen und Neumen auf und zwischen ihnen zu platzieren. So entstand der Vorläufer des modernen Notensystems – wie ein streng gezeichneter Umriss, der es ermöglichte, das Tonhöhenverhältnis von Klängen in Tönen und Halbtönen genau anzugeben. Und gleichzeitig wurde die Notenschrift visueller – wie eine Zeichnung, die die Bewegung der Melodie, ihre Biegungen darstellt. Guido bezeichnete die den Herrschern entsprechenden Laute mit Buchstaben des lateinischen Alphabets. Ihre Umrisse begannen sich später zu verändern und verwandelten sich schließlich in Zeichen, die Schlüssel genannt wurden. Und die Neumas, die auf den Linealen und zwischen ihnen „sitzten“, verwandelten sich schließlich in einzelne Noten, deren Köpfe zunächst die Form von Quadraten hatten. Fragen und Aufgaben 1. Wann wurden laut Wissenschaftlern die ältesten Musikinstrumente hergestellt? Was bedeutet das? 2. Was ist ein Phonograph, wann wurde er erfunden und wie begannen Forscher, ihn zu nutzen? 3. Über die Musik welcher Länder der Antike sind die meisten Informationen erhalten? Bestimmen Sie anhand der Karte, um welches Meer herum diese drei Länder lagen. 4. Wann und wo wurden die antiken Musikwettbewerbe – die Pythischen Spiele – ausgetragen? 5. Mit welchen Künsten war Musik im antiken Griechenland eng verbunden? 6. Welche Schreibweise wurde von den alten Griechen erfunden? Wieso ist es ungenau? Den Titel „Papst“ trägt der Geistliche, der die katholische Kirche als internationale spirituelle Organisation leitet. Der Katholizismus gehört neben der Orthodoxie und dem Protestantismus zu den christlichen Glaubensrichtungen. 4 Die alten Römer sprachen Latein. Nach dem Untergang des Römischen Reiches im Jahr 476 wurde Latein nach und nach nicht mehr gesprochen. Daraus entstanden die sogenannten romanischen Sprachen – Italienisch, Französisch, Spanisch, Portugiesisch. 3 Wie im Mittelalter eine praktische Notation entstand (der Anfang dieses Buches). historische Periode (vermutlich das 6. Jahrhundert n. Chr.) geriet die Buchstabenschreibweise fast in Vergessenheit. Es enthielt keine 3 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland Gerüchte über eine neue Notationsmethode erreichten – wie eine Art Wunder – Papst Johannes XIX. Er rief Guido herbei und sang eine ihm unbekannte Melodie aus einer erfundenen Aufnahme. Anschließend wurde die Anzahl der parallelen Linien mehrfach geändert, teilweise sogar auf achtzehn erhöht. Erst gegen Ende des 17. Jahrhunderts „siegte“ der heutige Fünflinienstab. Wir haben viele verschiedene Schlüssel verwendet. Erst im 19. Jahrhundert wurden der Violin- und der Bassschlüssel am häufigsten verwendet. Nach der Erfindung von Guido d'Arezzo verbrachten sie lange Zeit damit, ein weiteres schwieriges Problem zu lösen – wie man die Notation verbessern kann, damit sie das genaue Verhältnis der Töne nicht nur in der Höhe, sondern auch in der Dauer anzeigt. Nach einiger Zeit kamen sie kam auf die Idee, hierfür Notensymbole unterschiedlicher Form zu verwenden. .Doch dazu kamen zunächst viele herkömmliche Regeln hinzu, die die praktische Anwendung erschwerten. Und im Laufe mehrerer Jahrhunderte a Nach und nach wurde eine bequemere Notation entwickelt – genau die, die wir heute noch verwenden. Nach Beginn des 17. Jahrhunderts wurde sie nur im Detail verbessert. Und ihr rhythmisches Prinzip, nach dem wir so lange gesucht hatten, scheint es nun zu sein sei das Einfachste, was es gibt: Es besteht darin, dass eine ganze Note in ihrer Dauer immer gleich zwei Hälften ist – andere im Stil, eine Hälfte – zwei Viertel, ein Viertel – zwei Achtel usw., dass der Taktstrich begann zur Trennung von Takten im 16. Jahrhundert, und ab dem 17. Jahrhundert begann man, die Größe zu Beginn der Notenschrift unbedingt anzugeben. Allerdings gab es damals nicht nur Musikhandschriften, sondern auch Notendrucke. Denn der Notendruck begann schon bald nach der Erfindung des Buchdrucks – gegen Ende des 15. Jahrhunderts. In der Antike und lange Zeit im Mittelalter war die Musik in der Regel monophon. Es gab nur wenige einfache Ausnahmen. Zum Beispiel hat ein Sänger ein Lied vorgetragen und es dupliziert (d. h. gleichzeitig reproduziert), während er ein Instrument gespielt hat. Gleichzeitig können Stimme und Instrument manchmal ein wenig auseinandergehen, voneinander abweichen und sich bald wieder annähern. So erschienen und verschwanden in einem monophonen Klangstrom „Inseln“ aus Zweistimmigkeit. Doch an der Wende vom ersten zum zweiten Jahrtausend n. Chr. begann sich der polyphone Stil konsequent weiterzuentwickeln und wurde in der Folge in der professionellen Musikkunst dominant. Diese komplexe und langjährige Formation konzentrierte sich hauptsächlich auf den Bereich der katholischen Kirchenmusik. Die Sache begann mit der Erfindung (von wem – unbekannt) der folgenden Technik. Ein Sänger (oder mehrere Sänger) sang die Hauptstimme – eine langsame, fließende Melodie aus gregorianischem Choral. Und die zweite Stimme bewegte sich streng parallel – genau im gleichen Rhythmus, nur immer im Abstand einer Oktave, oder einer Quarte, oder einer Quinte. Für unsere Ohren klingt es jetzt sehr dürftig, „leer“. Aber vor tausend Jahren überraschte und erfreute ein solcher Gesang, der unter den Bögen einer Kirche oder Kathedrale widerhallte, und eröffnete der Musik neue Ausdrucksmöglichkeiten. Nach einiger Zeit suchten Kirchenmusiker nach flexibleren und vielfältigeren Möglichkeiten, die zweite Stimme zu dirigieren. Und dann fingen sie an, immer geschickter drei, vier Stimmen und später manchmal sogar mehr Stimmen zu kombinieren. Fragen und Aufgaben 1. Warum war die Schreibweise von Buchstaben in der Praxis unpraktisch? 2. Was erzählten die Neumas den mittelalterlichen Sängern? 3. Was ist gregorianischer Gesang und warum wird er so genannt? 4. Erklären Sie das Wesentliche der Erfindung von Guido d'Arezzo. 5. Was war das nächste Problem, das nach Guidos Erfindung gelöst werden musste? 6. Seit wann hat sich die Notation nicht mehr wesentlich geändert? Lange Gesänge mit drei und vier Stimmen, die es bereits gab Deutlich voneinander unterschieden entstand zu Beginn des 13. Jahrhunderts der Kirchenmusiker Perotin. Er war ein herausragender Vertreter der Gesangskunst – der Pariser „Schule Notre Dame“ („Schule Unserer Lieben Frau“). Perotins Gesänge erklangen in einem Gebäude von bemerkenswerter Schönheit. Dies ist ein berühmtes Denkmal mittelalterlicher gotischer Architektur, das von den Franzosen beschrieben wurde Schriftsteller XIX Jahrhundert von Victor Hugo im berühmten Roman „Notre Dame de Paris“. Wie sich die Polyphonie in der Musik zu entwickeln begann. Aus dem Griechischen übersetzt bedeutet dieses Wort „Polyphonie“. Aber Polyphonie ist nur eine Art Polyphonie, bei der zwei oder mehr gleiche Stimmen gleichzeitig erklingen, wobei jede von ihnen ihre eigene unabhängige Melodielinie hat. Wenn eine Stimme die Hauptmelodie leitet und die anderen ihr untergeordnet sind (sie begleiten, begleiten), dann ist dies Homophonie - die andere. Dank der Verbesserung der Notation begannen nach und nach, insbesondere seit dem 13. Jahrhundert, Musikhandschriften immer genauer entschlüsselt werden. Dies ermöglichte es, nicht nur Informationen über die Musikkultur, sondern auch die Musik vergangener Epochen selbst kennenzulernen. Es war kein Zufall, dass die Erfolge der Notation mit dem Beginn der Entwicklung der Polyphonie zusammenfielen – wichtige Etappe in der Geschichte der Musikkunst. 4 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst In Russland ist die Messe zu einem wichtigen Musikgenre geworden. Die reguläre Messe 5 umfasst sechs Hauptgesänge, die auf lateinischen Gebetstexten basieren. Dies sind „Kyriyo eleizon“ („Herr, erbarme dich“), „Gloria“ („Herrlichkeit“), „Credo“ („Ich glaube“), „Sanctus“ („Heilig“), „Benedictus“ („Gesegnet“) ) und „Agnus Dei“ („Lamm Gottes“). Zunächst erklang der gregorianische Choral in Messen monophon. Doch etwa im 15. Jahrhundert verwandelte sich die Messe in einen Zyklus komplexer polyphoner Stimmen 6. Gleichzeitig begann man, Imitationen sehr geschickt einzusetzen. Aus dem Lateinischen übersetzt bedeutet „imitatio“ „Nachahmung“. In der Musik kann man manchmal außermusikalische Geräusche nachahmen, zum Beispiel das Trillern einer Nachtigall, das Kuckucksgeräusch eines Kuckucks oder das Rauschen der Meereswellen. Man spricht dann von Onomatopöie oder Klangbildern. Und Nachahmung in der Musik ist eine Technik, bei der eine Melodie, die mit einer Stimme endet, von einer anderen Stimme genau (oder nicht ganz genau) aus einem anderen Klang wiederholt wird. Andere Stimmen können dann auf die gleiche Weise eintreten. In homophoner Musik können kurzzeitig Imitationen auftreten. Und in der polyphonen Musik ist dies eine der wichtigsten Entwicklungstechniken. Es hilft, die melodische Bewegung nahezu kontinuierlich zu gestalten: Pausen und Kadenzen gleichzeitig in allen Stimmen kommen in polyphoner Musik nur in seltenen Ausnahmen vor7. Durch die Kombination von Imitationen mit anderen polyphonen Techniken schufen Komponisten ihre großen Chorwerke, in denen vier oder fünf Stimmen zu einem komplexen Klanggeflecht verflochten sind. Darin ist die Melodie des gregorianischen Chorals bereits schwer zu erkennen und ebenso schwer ist es, die Gebetsworte zu hören. Es gab sogar Messen, bei denen die Melodien populärer weltlicher Lieder als Hauptmelodien verwendet wurden. Diese Situation beunruhigte die höchsten katholischen Kirchenbehörden. Mitte des 16. Jahrhunderts sollte der mehrstimmige Gesang im Gottesdienst gänzlich verboten werden. Doch zu einem solchen Verbot kam es nicht, dank des wunderbaren italienischen Komponisten Palestrina, der fast sein ganzes Leben in Rom verbrachte und dem päpstlichen Hof (seinem) nahe stand Vollständiger Name- Giovanni Pierluigi da Palestrina, also „aus Palestrina“ – einer kleinen Stadt unweit von Rom). Palestrina gelang es mit seinen Messen (und er schrieb mehr als hundert davon) eine Art Polyphonie. Da die Begleitung eine akkordharmonische Grundlage hat, wird die homophone Struktur der musikalischen Darbietung auch homophonisch-harmonisch genannt. Fragen und Aufgaben 1. Seit wann kann man Musikhandschriften genauer entziffern? 2. Mit welcher wichtigen neuen Etappe in der Geschichte der Musikkunst fielen die Erfolge der Notation zusammen? 3. Wann, in welcher Musik und auf der Grundlage welcher Melodien begann sich die Polyphonie konsequent zu formen? 4. Was war parallel zweistimmig? Singen Sie mehrere parallele Quarten, Quinten und Oktaven zusammen. 5. Was ist der Unterschied zwischen Polyphonie und Homophonie? Wie sich die Polyphonie weiter entwickelte Während sich die Polyphonie im Kirchengesang zu entwickeln begann, weltliche Musik weiterhin herrschte Monophonie. Beispielsweise wurden viele Aufnahmen einstimmiger Lieder entschlüsselt, die im 12.-14. Jahrhundert von mittelalterlichen Dichtern und Sängern komponiert und aufgeführt wurden. Im Süden Frankreichs, in der Provence, wurden sie Troubadours genannt, im Norden Frankreichs - Trouvères, in Deutschland - Minnesänger. Viele von ihnen waren berühmte Ritter und besangen in ihren Liedern oft die Schönheit und Tugend der „schönen Dame“, die sie verehrten. Die Melodien der Lieder dieser Dichter-Sänger ähnelten oft Volksweisen, darunter auch Tanzmelodien, und der Rhythmus war dem Rhythmus des poetischen Textes untergeordnet. Später, im 14.-16. Jahrhundert, schlossen sich deutsche Dichtersänger aus dem Kreis der Handwerker zu Zünften zusammen und nannten sich Meistersinger („Meistersänger“). Kirchenpolyphonie und weltliche Liedmonophonie erwiesen sich nicht als voneinander isoliert. So in Durch die Stimmen, die dem gregorianischen Gesang in geistlichen Gesängen hinzugefügt wurden, machte sich der Einfluss weltlicher Lieder (z. B. Lieder von Troubadours und Trouvères) bemerkbar. Gleichzeitig erschienen bis zum Ende des 13. Jahrhunderts rein weltliche polyphone Werke Frankreich, wo die Stimmen aller Stimmen auf Melodien mit Liedcharakter basierten und die Texte nicht auf Latein, sondern auf Französisch verfasst wurden. Im Laufe der Zeit gibt es in der katholischen Kirchenmusik auch besondere Messen, die kirchlichen Feiertagen gewidmet sind. Erinnern wir uns dass ein Zyklus ein Werk aus mehreren separaten Teilen (oder Stücken) ist, die durch ein gemeinsames Konzept vereint sind. 7 Kadenz (Trittfrequenz) – eine melodische und harmonische Wendung, die das gesamte Musikwerk oder seinen Abschnitt vervollständigt. 5 6 5 www.classon.ru Kinder Ausbildung auf dem Gebiet der Kunst in Russland, um zu beweisen, dass polyphone Kompositionen zwar sehr gekonnt sind, aber dennoch transparent klingen und liturgische Texte klar hörbar sind. Palestrinas Musik ist einer der Höhepunkte der antiken Chorpolyphonie des sogenannten strengen Stils. Es entführt uns in die Welt der erleuchteten, erhabenen Kontemplation – als strahle es eine gleichmäßige, friedliche Ausstrahlung aus. Dichter, Musiker, Wissenschaftler und Kunstliebhaber. Sie waren von der Idee begeistert, eine neue Art des ausdrucksstarken Sologesangs mit Begleitung zu schaffen und mit dieser zu kombinieren theatralische Aktion. So entstanden die ersten Opern, deren Handlung der antiken Mythologie entnommen war. Das allererste ist „Daphne“, komponiert vom Komponisten Jacopo Peri (zusammen mit J. Korea) und dem Dichter O. Rinuccini. Es wurde 1597 in Florenz aufgeführt (das Gesamtwerk ist nicht erhalten). In der antiken griechischen Mythologie ist Daphne die Tochter der Flussgottheit Ladon und der Erdgöttin Gaia. Auf der Flucht vor der Verfolgung von Apollo betete sie um Hilfe zu den Göttern und wurde in einen Lorbeer (auf Griechisch „Daphne“ – „Lorbeer“) verwandelt – den heiligen Baum von Apollo. Da Apollo als Schutzgott der Künste galt, begann man, die Gewinner der Pythischen Spiele, deren Gründer Apollo galt, mit einem Lorbeerkranz zu krönen. Ein Lorbeerkranz und ein separater Lorbeerzweig sind zu Symbolen für Sieg, Ruhm und Belohnung geworden. Zwei weitere Opern aus dem Jahr 1600 (eine von J. Peri, die andere von G. Caccini) werden beide „Euridice“ genannt, weil sie beide dasselbe verwenden poetischer Text, basierend auf dem antiken griechischen Mythos des legendären Sängers Orpheus. Die ersten italienischen Opern wurden in Palästen und Häusern adliger Persönlichkeiten aufgeführt. Das Orchester bestand aus einigen alten Instrumenten. Es wurde von einem Musiker geleitet, der Becken (die italienische Bezeichnung für Cembalo) spielte. Es gab noch keine Ouvertüre und der Beginn der Aufführung wurde durch Trompetenfanfaren angekündigt. Und in den Gesangspartien herrschte das Rezitativ vor, bei dem die musikalische Entwicklung dem poetischen Text untergeordnet war. Bald jedoch erlangte die Musik in der Oper eine immer eigenständigere und wichtigere Bedeutung. Sein großes Verdienst gebührt dem ersten herausragenden Opernkomponisten – Claudio Monteverdi. Seine erste Oper, Orpheus, wurde 1607 in Mantua aufgeführt. Ihr Held ist wieder derselbe legendärer Sänger, der mit seiner Kunst den Gott Hades besänftigte unterirdisches Königreich starb und entließ Eurydike, die geliebte Frau des Orpheus, auf die Erde. Aber Orpheus verstieß gegen die Bedingung des Hades, Eurydike kein einziges Mal anzusehen, bevor er sein Königreich verließ, und verlor sie erneut für immer. Monteverdis Musik verlieh dieser traurigen Geschichte eine beispiellose lyrische und dramatische Ausdruckskraft. Gesangspartien, Chöre und Orchesterepisoden erhielten in Monteverdis Orpheus einen viel vielfältigeren Charakter. In diesem Werk begann sich ein melodisch-ariatischer Stil herauszubilden – das wichtigste Unterscheidungsmerkmal der italienischen Opernmusik. Nach dem Vorbild von Florenz begann man nicht nur in Mantua, sondern auch in italienischen Städten wie Rom, Venedig und Neapel mit der Komposition und Aufführung von Opern zu beginnen. Auch in anderen europäischen Ländern begann das Interesse an dem neuen Genre zu wachsen, und ihre Fragen und Aufgaben 1. Wer sind Troubadoure, Trouvères, Minnesänger und Meistersinger? 2. Gibt es einen Zusammenhang zwischen altkirchlicher Polyphonie und weltlichen Liedmelodien? 3. Nennen Sie die Hauptteile der regulären Messe. 4. Nennen Sie Beispiele für Lautmalerei in der Musik. 5. Was nennt man Nachahmung in der Musik? 6. Was hat Palestrina in seinen Massen erreicht? Die Geburt der Oper. Oratorium und Kantate Kurz vor Beginn des 17. Jahrhunderts – dem ersten Jahrhundert der als Moderne bezeichneten historischen Periode – ereignete sich in der Musikkunst ein Ereignis von äußerster Bedeutung: Die Oper wurde in Italien geboren. Seit der Antike ist Musik in verschiedenen Theateraufführungen zu hören. In ihnen konnten neben Instrumental- und Chorstücken auch einzelne Gesangssoli, beispielsweise Lieder, aufgeführt werden. Und in der Oper wurden Sängerinnen und Sänger zu Schauspielern und Schauspielerinnen. Ihr von einem Orchester begleiteter Gesang begann in Kombination mit Bühnengeschehen den Hauptinhalt der Aufführung zu vermitteln. Ergänzt wird es durch Bühnenbilder, Kostüme und oft auch Tänze – Ballett. So führte die Musik in der Oper zu einer engen Zusammenarbeit verschiedener Künste. Dies eröffnete ihr neue große künstlerische Möglichkeiten. Opernsänger begannen mit beispielloser Kraft die persönlichen emotionalen Erfahrungen der Menschen zu vermitteln – sowohl freudige als auch traurige. Wichtigstes Ausdrucksmittel der Oper war zugleich die homophone Kombination der Sologesangsstimme mit der Orchesterbegleitung. Und wenn sich bis zum 17. Jahrhundert die professionelle Musik in Westeuropa hauptsächlich in der Kirche entwickelte und das größte Genre die Messe war, dann wurde das Musiktheater zum Hauptzentrum, und das größte Genre war die Oper. Ende des 16. Jahrhunderts versammelte sich in der italienischen Stadt Florenz ein Kreis. 6 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst In Russland machten es die Herrscher zur Gewohnheit, italienische Musiker zu ihrem Hofgottesdienst einzuladen. Dies trug dazu bei, dass die italienische Musik lange Zeit zur einflussreichsten in Europa wurde. In Frankreich entstand im 17. Jahrhundert eine eigene Nationaloper, die sich von der italienischen unterschied. Ihr Gründer, Jean-Baptiste Lyulli, ist gebürtiger Italiener. Dennoch hat er die Besonderheiten der französischen Kultur richtig erkannt und einen einzigartigen französischen Opernstil geschaffen. In Lullys Opern nahmen einerseits Rezitative und kleine Arien mit rezitativischem Charakter, andererseits Balletttänze, feierliche Märsche und monumentale Chöre einen großen Platz ein. Zusammen mit mythologischen Handlungssträngen, üppigen Kostümen und der Darstellung magischer Wunder mit Hilfe von Theatermaschinen entsprach all dies dem Glanz und der Pracht des höfischen Lebens während der Herrschaft des französischen Königs Ludwig XIV. Die erste Oper in Deutschland, „Daphne“ (1627), wurde vom größten deutschen Komponisten der Vor-Bach-Ära, Heinrich Schütz, geschaffen. Aber ihre Musik ist nicht erhalten geblieben. Doch die Voraussetzungen für die Entwicklung der Operngattung im Land waren noch nicht gegeben: Sie entstanden erst mit Beginn des 19. Jahrhunderts. Und in Schütz‘ Werk nahmen ausdrucksstarke vokal-instrumentale Kompositionen auf der Grundlage spiritueller Texte den Hauptplatz ein. Im Jahr 1689 wurde in London die erste englische Oper „Dido und Aeneas“ des Komponisten von bemerkenswertem Talent, Henry Purcell, aufgeführt. Die Musik dieser Oper besticht durch herzliche Texte, poetische Fantasie und farbenfrohe Volksbilder. Nach Purcells Tod gab es jedoch fast zwei Jahrhunderte lang keine herausragenden Musikschöpfer unter den englischen Komponisten. An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert, gleichzeitig mit der Oper und auch in Italien, die Geburt einer Kantate. Sie ähneln der Oper darin, dass sie auch von Solisten, einem Chor und einem Orchester aufgeführt werden und dass sie auch Arien, Rezitative, Vokalensembles, Chöre, Orchesterepisoden. Aber in der Oper erfahren wir etwas über die Entwicklung des Geschehens (die Handlung) nicht nur durch das, was die Solisten singen, sondern auch durch das, was sie tun und was im Allgemeinen auf der Bühne passiert. Aber im Oratorium und in der Kantate gibt es keine Bühnenhandlung. Sie werden im Konzertumfeld aufgeführt, ohne Kostüme oder Dekorationen. Es gibt aber auch einen Unterschied zwischen Oratorium und Kantate, wenn auch nicht immer eindeutig. Normalerweise ist ein Oratorium ein größeres Werk mit einer weiter entwickelten religiösen Handlung. Es hat oft einen episch-dramatischen Charakter. In diesem Zusammenhang enthält das Oratorium häufig einen narrativen Rezitativteil des Sänger-Geschichtenerzählers. Eine besondere Art spiritueller Oratorien ist „Passion“ oder „Passiv“ (aus dem Lateinischen übersetzt als „Leiden“). Die Passion erzählt vom Leiden und Sterben des am Kreuz gekreuzigten Jesus Christus. 7 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich der Kunst in Russland Kantaten werden je nach Inhalt des verbalen Textes in geistliche und weltliche unterteilt. Im 17. Jahrhundert und zu Beginn des 18. Jahrhunderts entstanden in Italien viele kleine Kammerkantaten. Sie bestanden aus abwechselnd zwei oder drei Rezitativen mit zwei oder drei Arien. In der Folge verbreiteten sich Kantaten mit überwiegend zeremoniellem Charakter. Spirituelle Kantaten und „Passionen“ unterschiedlicher Bauart erlebten in Deutschland die größte Entwicklung. Arien, und es ist faszinierend, virtuose Passagenbewegungen einzusetzen. Im Erbe von Corelli und Vivaldi nimmt die Gattung der Triosonaten einen großen Platz ein. In den meisten Triosonaten werden die beiden Hauptstimmen von Violinen gespielt, und der dritte Teil, der Begleitpart, wird von einem Cembalo oder einer Orgel gespielt, wobei die Bassstimme von einem Cello oder Fagott verdoppelt wird. Im Anschluss an die Triosonate erschien eine Sonate für Violine oder ein anderes Instrument mit Cembalobegleitung. sowie Concerto Grosso – Konzert für Orchester (erste Streicher). Viele Werke dieser Genres zeichnen sich durch die Form einer antiken Sonate aus. Normalerweise handelt es sich dabei um einen Zyklus aus vier Teilen mit einem Tempoverhältnis von „langsam-schnell-langsam-schnell“. Etwas später, bereits im 18. Jahrhundert, begann Vivaldi, Solokonzerte für Violine und einige andere Instrumente mit Orchesterbegleitung zu komponieren. Dort etablierte sich ein dreiteiliger Zyklus: „schnell-langsam-schnell“. Fragen und Aufgaben 1. Wo und wann wurde die Oper geboren? Erklären Sie, wie sich die Oper von unterscheidet Theateraufführung mit Musik. 2. Was ist das wichtigste Ausdrucksmittel in der Opernmusik? 3. Wie heißt Claudio Monteverdis erste Oper und welche Qualitäten wurden in ihrer Musik deutlich? 4. Erzählen Sie uns etwas über die Besonderheiten antiker französischer Opern. 5. Nennen Sie die erste in Deutschland geschriebene Oper und die erste in England geschriebene Oper. 6. Was ist der Hauptunterschied zwischen Oratorium und Kantate und der Oper? 7. Was sind „Leidenschaften“ („passiv“)? Die jahrhundertelange Geschichte der Orgel begann im alten Ägypten. Bis zum 17. Jahrhundert war es ein sehr komplexes Instrument mit vielfältigen künstlerischen Möglichkeiten. Kleine Orgeln waren damals sogar in Privathäusern zu finden. Sie wurden für Bildungsaktivitäten verwendet und auf ihnen wurden Variationen der Melodien von Volksliedern und Tänzen aufgeführt. Und große Orgeln mit funkelnden Pfeifenreihen und mit Schnitzereien verzierten Holzkörpern erklangen wie heute in Kirchen und Kathedralen. Heutzutage sind auch in vielen Konzertsälen Orgeln vorhanden. Moderne Orgeln verfügen über mehrere tausend Pfeifen und bis zu sieben Klaviaturen (Manuale), die wie Treppenstufen übereinander angeordnet sind. Es gibt so viele Pfeifen, weil sie in Gruppen – Register – unterteilt sind. Die Register werden über spezielle Hebel ein- und ausgeschaltet, um eine andere Klangfarbe (Klangfarbe) zu erhalten. Die Orgeln sind außerdem mit einem Pedal ausgestattet. Dies ist eine Ganzfußtastatur mit vielen großen Tasten. Durch das Drücken mit den Füßen kann der Organist Bassklänge erzeugen und auch über längere Zeit halten (solche gehaltenen Klänge nennt man auch Pedal oder Orgelpunkt). In Bezug auf den Klangreichtum und die Fähigkeit, das leichteste Pianissimo mit einem donnernden Fortissimo zu vergleichen, sucht die Orgel unter den Musikinstrumenten ihresgleichen. Im 17. Jahrhundert erreichte die Orgelkunst in Deutschland einen besonders hohen Höhepunkt. Wie in anderen Ländern waren auch deutsche Kirchenorganisten sowohl Komponisten als auch Interpreten. Sie begleiteten nicht nur geistliche Gesänge, sondern führten auch Soli auf. Unter ihnen waren viele talentierte Virtuosen und Improvisatoren, die mit ihrem Spiel ganze Scharen von Menschen anzogen. Einer der bemerkenswertesten unter ihnen ist Dietrich Buxtehude. Der junge Johann Sebastian Bach kam zu Fuß aus einer anderen Stadt, um ihm beim Spielen zuzuhören. Buxtehudes vielfältiges und umfangreiches Oeuvre repräsentiert die Hauptgattungen der Orgelmusik seiner Zeit. Dabei handelt es sich einerseits um Präludien, Fantasien und Über die Instrumentalmusik des 17. Jahrhunderts, ihre Gattungen und Formen. Lange Zeit wurden beim Spielen von Instrumenten meist Stimmpartien in Vokalwerken oder begleiteten Tänzen dupliziert. Auch instrumentale Transkriptionen von Vokalkompositionen waren üblich. Die eigenständige Entwicklung der Instrumentalmusik intensivierte sich erst im 17. Jahrhundert. Gleichzeitig entwickelte es die künstlerischen Techniken weiter, die sich in der Vokalpolyphonie entwickelt hatten. Angereichert wurden sie mit homophonen Elementen, die auf Gesang und Tanz basieren. Gleichzeitig begannen Instrumentalkompositionen von den Ausdrucksleistungen der Opernmusik beeinflusst zu werden. Die Geige verfügt neben brillanten virtuosen Fähigkeiten über eine sehr melodische Stimme. Und gerade im Heimatland der Oper, Italien, begann sich die Violinmusik besonders erfolgreich zu entwickeln. Ende des 17. Jahrhunderts blühte das Werk von Arcangelo Corelli auf und die schöpferische Tätigkeit von Antonio Vivaldi begann. Diese herausragenden italienischen Komponisten schufen viele Instrumentalwerke unter Mitwirkung und Hauptrolle der Violine. In ihnen kann die Violine so ausdrucksstark singen wie die menschliche Stimme in einer Opern-Toccata. In ihnen wechseln sich polyphone Episoden frei mit improvisierten Episoden ab – Passagen und Akkorde. Andererseits handelt es sich um strenger konstruierte Stücke, die zur Entstehung der Fuge führten, der komplexesten Form der imitativen Polyphonie. Buxtehude fertigte auch viele Orgelbearbeitungen protestantischer Gesänge in Form von Chorvorspielen an. Im Gegensatz zum gregorianischen Gesang ist dies die allgemeine Bezeichnung für geistliche Gesänge nicht auf Latein, sondern auf Deutsch. Sie entstanden im 16. Jahrhundert, als sich eine neue Art christlicher Lehre, der Protestantismus, vom Katholizismus trennte. Die melodische Grundlage des protestantischen Chorals waren deutsche Volkslieder. Im 17. Jahrhundert begann man, den protestantischen Choral mit Unterstützung einer Orgel von allen Gemeindemitgliedern im Chor vorzutragen. Für solch Chorarrangements Typisch ist eine vierstimmige Akkordstruktur mit einer Melodie in der Oberstimme. Später wurde eine solche Struktur als Choral bezeichnet, auch wenn sie in einem Instrumentalwerk vorkommt. Die Organisten spielten auch Saitentasteninstrumente und komponierten für sie. Die allgemeine Bezeichnung für Werke für diese Instrumente lautet Tastenmusik8. Die ersten Informationen über Saitentasteninstrumente stammen aus dem 14.-15. Jahrhundert. Im 17. Jahrhundert war das Cembalo das am weitesten verbreitete Instrument. So nennt man es in Frankreich, in Italien heißt es Cembalo, in Deutschland heißt es Keelflügel, in England heißt es Cembalo. Der Name kleinerer Instrumente in Frankreich ist Epinet, in Italien - Spinette Englands - Virginel. Das Cembalo ist der Vorfahre des Klaviers, das ab Mitte des 18. Jahrhunderts in Gebrauch kam. Beim Drücken der Tasten des Cembalos scheinen an den Stangen angebrachte Federn oder Lederzungen die Saiten einzuklemmen. Das Ergebnis sind abrupte, klingende und gleichzeitig leicht rauschende Geräusche. Bei einem Cembalo hängt die Klangstärke nicht von der Kraft ab, mit der die Tasten angeschlagen werden. Daher ist es unmöglich, darauf Crescendi und Diminuendi zu machen – anders als beim Klavier, bei dem dies aufgrund einer flexibleren Verbindung der Tasten mit den auf die Saiten schlagenden Hämmern möglich ist. Das Cembalo verfügt möglicherweise über zwei oder drei Tastaturen und eine Vorrichtung, mit der Sie die Klangfarbe ändern können. Der Klang eines anderen kleinen Tasteninstruments – des Clavichords – ist schwächer als der Klang des Cembalos. Aber auf dem Clavichord ist ein melodischeres Spiel möglich, weil seine Saiten nicht gezupft, sondern Metallplatten darauf gedrückt werden. Eines der Hauptgenres der Antike Cembalomusik- eine Suite aus mehreren abgeschlossenen Teilen, die in derselben Tonart geschrieben sind. Jeder Teil verwendet normalerweise eine Art Tanzbewegung. Die Grundlage der antiken Suite bilden vier Tänze unterschiedlicher, nicht immer eindeutig identifizierter nationaler Herkunft. Dies sind die langsame Allemande (ursprünglich aus Deutschland), die aktivere Courante (ursprünglich aus Frankreich), die langsame Sarabande (ursprünglich aus Spanien) und die schnelle Gigue (ursprünglich aus Irland oder England). Ab Ende des 17. Jahrhunderts begann man nach dem Vorbild der Pariser Cembalisten, Suiten durch französische Tänze wie Menuett, Gavotte, Bourrée und Passier zu ergänzen. Sie wurden zwischen den Haupttänzen eingefügt und bildeten Zwischenabschnitte („integ“ bedeutet aus dem Lateinischen übersetzt „zwischen“). Die alte französische Cembalomusik zeichnet sich durch Eleganz, Anmut und eine Fülle kleiner melodischer Verzierungen wie Mordents und Triller aus. Der französische Cembalostil erlebte seine Blütezeit im Werk von François Couperin (1668–1733), auch „der Große“ genannt. Er schuf etwa zweieinhalbhundert Stücke und fasste sie zu siebenundzwanzig Suiten zusammen. Nach und nach dominierten darin Stücke mit unterschiedlichen Programmtiteln. Meistens handelt es sich dabei um Miniaturporträts von Frauen auf dem Cembalo – treffende Klangskizzen bestimmter Charaktereigenschaften, Erscheinungen und Verhaltensweisen. Dies sind zum Beispiel die Stücke „Gloomy“, „Touching“, „Nimble“, „Abstract“, „Mischievous“. Sein großer Zeitgenosse Johann Sebastian Bach zeigte großes Interesse an der französischen Cembalomusik, darunter auch an den Stücken von François Couperin. Fragen und Aufgaben 1. Als es intensiver wurde unabhängige Entwicklung Instrumentalgenres? 2. Nennen Sie das Lieblingsinstrument von Arcangelo Corelli und Antonio Vivaldi. 3. Erzählen Sie uns etwas über den Aufbau der Orgel. 4. In welchem ​​Land erreichte die Orgelkunst einen besonders hohen Höhepunkt? Was ist ein protestantischer Choral? 5. Erzählen Sie uns etwas über den Aufbau des Cembalos. Welche Tanzbewegungen werden in den Hauptteilen der antiken Cembalosuite verwendet? Daher stellte der einleitende Teil des Lehrbuchs kurz einige wichtige Ereignisse in der Welt der Musik seit der Antike vor. Es handelte sich um einen historischen „Ausflug“ mit dem Ziel, das Erbe der großen westeuropäischen Musiker des 18. und 19. Jahrhunderts näher kennenzulernen. Eine Zeit lang hieß das Keyboard „Musik für alle“. Tasteninstrumente, darunter ein Tasten- und Blasinstrument - Orgel. 8 9 www.classon.ru Kinderbildung im Bereich Kunst in Russland Lebensweg Johann Rod, Familie, Kindheit. Johann Sebastian Bach wurde 1685 in Thüringen, einer Region Mitteldeutschlands, in der von Wäldern umgebenen Kleinstadt Eisenach geboren. In Thüringen waren die schlimmen Folgen des Dreißigjährigen Krieges (1618–1648), in dem zwei große Gruppierungen europäischer Mächte aufeinanderprallten, noch zu spüren. Die Vorfahren Johann Sebastians, die eng mit dem deutschen Handwerker- und Bauernleben verbunden waren, mussten diesen verheerenden Krieg überstehen. Sein Ururgroßvater namens Veit war Bäcker, aber er liebte die Musik so sehr, dass er sich nie von einer Zither, einem Instrument ähnlich einer Mandoline, trennte und auch beim Mahlen des Mehls bei Ausflügen in die Mühle spielte. Und unter seinen Nachkommen, die sich in ganz Thüringen und angrenzenden Regionen niederließen, gab es so viele Musiker, dass jeder, der diesen Beruf ausübte, „Bach“ genannt wurde. Dies waren Kirchenorganisten, Geiger, Flötisten, Trompeter, einige zeigten Talent als Komponisten. Sie standen im Dienst städtischer Gemeinden und an den Höfen der Herrscher kleiner Fürstentümer und Herzogtümer, in die Deutschland zersplittert war. Sebastian Bach 1685-1750 Das Schicksal der Musik dieses großen deutschen Komponisten mehr als dreihundert Jahre nach seiner Geburt ist erstaunlich. Zu Lebzeiten erlangte er vor allem als Organist und Kenner von Musikinstrumenten Anerkennung, nach seinem Tod geriet er für mehrere Jahrzehnte fast in Vergessenheit. Doch dann begannen sie nach und nach, sein Werk wiederzuentdecken und es als kostbaren Kunstschatz zu bewundern, unübertroffen an Können, unerschöpflich an Tiefe und Menschlichkeit seines Inhalts. „Kein Bach! „Das Meer sollte sein Name sein.“ Das hat ein anderes Musikgenie über Bach gesagt – Beethoven9. Bach schaffte es nur, einen sehr kleinen Teil seiner Werke selbst zu veröffentlichen. Mittlerweile sind mehr als tausend davon veröffentlicht (viele weitere sind verloren). Die erste vollständige Sammlung von Bachs Werken begann hundert Jahre nach seinem Tod in Deutschland zu drucken und umfasste 46 umfangreiche Bände. Und zählen Sie zumindest grob, wie viel gedruckt wurde und wie viel noch gedruckt wird verschiedene Länder separate Ausgaben von Bachs Musik sind unmöglich. So groß ist die unaufhörliche Nachfrage danach. Denn es nimmt ein riesiges und Ehrenplatz nicht nur im Weltkonzertrepertoire, sondern auch im Bildungsbereich. Johann Sebastian Bach ist nach wie vor der Lehrer buchstäblich aller, die sich mit Musik beschäftigen. Er ist ein ernsthafter und strenger Lehrer, der Konzentrationsfähigkeit erfordert, um die Kunst der Aufführung polyphoner Werke zu beherrschen. Aber wer keine Angst vor Schwierigkeiten hat und auf seine Forderungen achtet, wird hinter seiner Strenge die weise und herzliche Güte spüren, die er mit seinen wunderschönen unsterblichen Schöpfungen lehrt. Das Geburtshaus von J. S. Bach in Eisenach 9 „Bach“ bedeutet auf Deutsch „Bach“. 10 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst Der Vater von Johann Sebastian war Geiger, Stadt- und Hofmusiker in Eisenach. Er begann, seinem jüngsten Sohn Musik beizubringen und schickte ihn auf eine kirchliche Schule. Der Junge besaß eine schöne hohe Stimme und sang im Schulchor. Als er zehn Jahre alt war, starben seine Eltern. Der ältere Bruder, ein Kirchenorganist im Nachbarort Ohrdruf, kümmerte sich um das Waisenkind. Er schickte seinen jüngeren Bruder auf das örtliche Lyzeum und gab ihm selbst Unterricht im Orgelspiel. Später wurde Johann Sebastian auch Cembalist, Geiger und Bratschist. Und von Kindheit an beherrschte er das selbstständige Komponieren von Musik, indem er die Werke verschiedener Autoren neu schrieb. Ein Notizbuch, das ihn besonders interessierte, musste er in mondhellen Nächten heimlich von seinem älteren Bruder abschreiben. Doch als die lange, schwierige Arbeit abgeschlossen war, entdeckte er dies, ärgerte sich über Johann Sebastian wegen seiner eigenmächtigen Tat und nahm ihm gnadenlos das Manuskript weg. Start unabhängiges Leben. Lüneburg. Im Alter von fünfzehn Jahren wagte Johann Sebastian einen entscheidenden Schritt – er zog in die ferne norddeutsche Stadt Lüneburg, wo er als Chorschüler in die Schule an der Klosterkirche eintrat. IN Schulbibliothek er konnte sich mit einer Vielzahl von Manuskripten von Werken deutscher Musiker vertraut machen. In Lüneburg und Hamburg, wo er über Landstraßen spazierte, konnte man talentierten Organisten beim Spielen lauschen. Möglicherweise besuchte Johann Sebastian in Hamburg das Opernhaus – damals das einzige in Deutschland, das Aufführungen nicht auf Italienisch, sondern auf Deutsch gab. Drei Jahre später schloss er die Schule erfolgreich ab und machte sich auf die Suche nach einem Job in der Nähe seines Heimatlandes. Weimar. Nachdem er kurze Zeit als Geiger und Organist in drei Städten gedient hatte, ließ sich Bach 1708, bereits verheiratet, für neun Jahre in Weimar (Thüringen) nieder. Dort war er Organist am Hofe des Herzogs und dann Vizekapellmeister (Assistent des Leiters der Kapelle – einer Gruppe von Sängern und Instrumentalisten). Noch als Teenager begann Bach in Ohrdruf Musik zu komponieren, insbesondere arrangierte er einen protestantischen Choral für die Orgel, sein Lieblingsinstrument. Und in Weimar erschienen eine Reihe seiner wunderbaren reifen Orgelwerke, etwa Toccata und Fuge in d-Moll, Passacaglia10 in c-Moll und Choralvorspiele. Zu dieser Zeit war Bach ein unübertroffener Interpret und Improvisator auf der Orgel und dem Cembalo. Dies wurde überzeugend bestätigt nächster Fall. Eines Tages reiste Bach in die sächsische Hauptstadt Dresden, wo sie beschlossen, einen Wettbewerb zwischen ihm und Louis Marchand, dem berühmten französischen Organisten und Cembalisten, zu veranstalten. Doch nachdem er zum ersten Mal gehört hatte, wie Bach mit erstaunlichem kreativen Einfallsreichtum auf dem Cembalo improvisierte, beeilte er sich, Dresden heimlich zu verlassen. Der Wettbewerb fand nicht statt. Am Weimarer Hof bot sich die Gelegenheit, die Werke italienischer und italienischer Künstler kennenzulernen Französische Komponisten. Bach reagierte mit großem Interesse und künstlerischer Initiative auf ihre Leistungen. So hat er beispielsweise eine Reihe freier Arrangements für Cembalo und Orgel von Antonio Vivaldis Violinkonzerten angefertigt. So entstanden die ersten Keyboardkonzerte in der Geschichte der Musikkunst. Drei Jahre lang musste Bach in Weimar jeden vierten Sonntag eine neue geistliche Kantate komponieren. Insgesamt sind auf diese Weise mehr als dreißig Werke entstanden. Als jedoch der betagte Hofkapellmeister starb, dessen Aufgaben eigentlich von Bach wahrgenommen wurden, wurde die frei gewordene Stelle nicht ihm, sondern dem mittelmäßigen Sohn des Verstorbenen übertragen. Aus Empörung über diese Ungerechtigkeit reichte Bach seinen Rücktritt ein. Wegen seiner „respektlosen Forderung“ wurde er mit Hausarrest belegt. Aber er zeigte mutige, stolze Beharrlichkeit und bestand auf sich selbst. Und einen Monat später musste der Herzog widerwillig den „unbarmherzigen Befehl“ erteilen, den rebellischen Musiker freizulassen. Köthen. Ende 1717 zog Bach mit seiner Familie nach Köthen. Die Stelle des Hofkapellmeisters wurde ihm vom Landesfürsten Leopold von Anhalt zu Köthen angeboten kleiner Staat neben Thüringen. Er war ein guter Musiker – er sang, spielte Cembalo und Viola da Gamba 11. Der Prinz unterstützte seinen neuen Kapellmeister finanziell gut und behandelte ihn mit großem Respekt. Zu Bachs Aufgaben, die relativ wenig Zeit in Anspruch nahmen, gehörte die Leitung einer Kapelle aus achtzehn Sängern und Instrumentalisten, die Begleitung des Prinzen und das Spielen des Cembalos selbst. Viele Bach-Werke für verschiedene Instrumente entstanden in Köthen. Darunter ist Keyboardmusik sehr vielfältig vertreten. Einerseits handelt es sich um Stücke für Anfänger – Passacaglia ist ein langsamer dreibeiniger Tanz spanischen Ursprungs. Auf dieser Grundlage entstanden Instrumentalstücke in Form von Variationen mit einer im Bass mehrfach wiederholten Melodie. 10 11 Viola da Gamba – antikes Instrument, ähnlich im Aussehen einem Cello. 11 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland kleine Präludien, zwei- und dreistimmige Erfindungen. Sie wurden von Bach für den Unterricht bei seinem ältesten Sohn Wilhelm Friedemann geschrieben. Andererseits ist dies der erste von zwei Bänden eines monumentalen Werks – „Das Wohltemperierte Klavier“, das insgesamt 48 Präludien und Fugen umfasst, und eines großen Konzertwerks – „Chromatische Fantasie und Fuge“. Zur Köthener Zeit gehört auch die Entstehung zweier Sammlungen von Klaviersuiten, die als „Französisch“ und „Englisch“ bezeichnet werden. Fürst Leopold nahm Bach auf Reisen in die Nachbarstaaten mit. Als Johann Sebastian 1720 von einer solchen Reise zurückkehrte, überkam ihn schwere Trauer – seine Frau Maria Barbara war gerade gestorben und hinterließ vier Kinder (drei weitere starben früh). Eineinhalb Jahre später heiratete Bach erneut. Seine zweite Frau, Anna Magdalena, hatte eine gute Stimme und war sehr musikalisch. Während seines Studiums bei ihr stellte Bach zwei „Notizbücher“ für Klavier aus seinen eigenen Stücken und teilweise aus Stücken anderer Autoren zusammen. Anna Magdalena war eine freundliche und fürsorgliche Lebenspartnerin von Johann Sebastian. Sie gebar ihm dreizehn Kinder, von denen sechs das Erwachsenenalter erreichten. Leipzig. Im Jahr 1723 zog Bach nach Leipzig, einem wichtigen Handels- und Kulturzentrum Sachsens im benachbarten Thüringen. Bei Fürst Leopold blieb er bestehen gute Beziehungen . Doch in Köthen waren die Möglichkeiten zur musikalischen Betätigung begrenzt – es gab weder eine große Orgel noch einen Chor. Darüber hinaus wuchs Bach mit älteren Söhnen auf, denen er eine gute Ausbildung ermöglichen wollte. In Leipzig übernahm Bach die Stelle des Kantors – Leiters des Knabenchors und Lehrers der Gesangsschule; in der Thomaskirche. Er musste eine Reihe restriktiver Auflagen akzeptieren, beispielsweise „die Stadt nicht ohne Erlaubnis des Bürgermeisters zu verlassen“. Kantor Bach hatte viele andere Aufgaben. Er musste einen kleinen Schulchor und ein sehr kleines Orchester (oder besser gesagt ein Ensemble) aufteilen, damit die Musik während der Gottesdienste in zwei Kirchen sowie bei Hochzeiten, Beerdigungen und verschiedenen Feiern gehört werden konnte. Und nicht alle Chorknaben hatten gute musikalische Fähigkeiten. Das Schulhaus war schmutzig und verwahrlost, die Schüler waren schlecht ernährt und schäbig gekleidet. Bach, der auch als Leipziger „Musikdirektor“ galt, machte die Kirchenbehörden und die Stadtverwaltung (Magistrat) mehr als einmal auf all dies aufmerksam. Doch im Gegenzug erhielt er wenig materielle Unterstützung, dafür aber viele kleine behördliche Spitzfindigkeiten und Zurechtweisungen. Er brachte seinen Schülern nicht nur das Singen, sondern auch das Spielen von Instrumenten bei; außerdem stellte er auf eigene Kosten einen Lateinlehrer für sie ein. Kirche und Thomasschule (links) in Leipzig. (Aus einem alten Stich). Trotz schwieriger Lebensumstände war Bach von der Kreativität begeistert. In den ersten drei Dienstjahren komponierte und probte er fast jede Woche eine neue geistliche Kantate mit dem Chor. Insgesamt sind etwa zweihundert Werke Bachs dieser Gattung erhalten. Und auch mehrere Dutzend seiner weltlichen Kantaten sind bekannt. Es handelte sich in der Regel um Grüße und Glückwünsche, die an verschiedene Adlige gerichtet waren. Aber unter ihnen gibt es eine Ausnahme wie die in Leipzig geschriebene komische „Kaffeekantate“, ähnlich einer Szene aus einer komischen Oper. Darin wird erzählt, wie sich die junge, lebhafte Lizhen gegen den Willen und die Warnungen ihres Vaters, des alten Nörglers Shlendrian, für die neue Mode des Kaffees interessiert. In Leipzig schuf Bach seine herausragendsten monumentalen Vokal- und Instrumentalwerke – „Die Johannes-Passion“, „Die Matthäus-Passion“12 und die inhaltlich ähnliche h-Moll-Messe sowie eine Vielzahl anderer verschiedene Instrumentalwerke, darunter der zweite Band „Wohltemperiertes Klavier“, eine Sammlung von Johannes und Matthäus (sowie Markus und Lukas) – Anhängern der Lehren Jesu Christi, der die Evangelien zusammenstellte – Geschichten über sein irdisches Leben, sein Leiden ( „Leidenschaft“) und Tod. „Evangelium“ übersetzt aus griechische Sprache bedeutet „gute Nachricht“. 12 12 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland „Die Kunst der Fuge“. Er reiste nach Dresden, Hamburg, Berlin und in andere deutsche Städte, spielte dort Orgel und testete neue Instrumente. Mehr als zehn Jahre lang leitete Bach die „Hochschule für Musik“ in Leipzig, einen Verein bestehend aus Universitätsstudenten und Musikliebhabern – Instrumentalisten und Sängern. Unter der Leitung Bachs gaben sie öffentliche Konzerte mit Werken weltlicher Natur. Im Umgang mit Musikern war er jeglicher Arroganz fremd und sprach über sein seltenes Können so: „Ich musste fleißig lernen, wer genauso fleißig ist, wird das Gleiche erreichen.“ Seine große Familie bereitete Bach viele Sorgen, aber auch viel Freude. In ihrem Kreis könnte er ganze Hauskonzerte organisieren. Vier seiner Söhne wurden berühmte Komponisten. Dies sind Wilhelm Friedemann und Carl Philipp Emanuel (Kinder von Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich und Johann Christian (Kinder von Anna Magdalena). Im Laufe der Jahre verschlechterte sich Bachs Gesundheitszustand. Sein Sehvermögen verschlechterte sich stark. Anfang 1750 unterzog er sich zwei erfolglosen Augenoperationen, erblindete und starb am 28. Juli. Johann Sebastian Bach lebte ein schwieriges und arbeitsreiches Leben, erleuchtet von brillanter kreativer Inspiration. Er hinterließ kein nennenswertes Vermögen und Anna Magdalena starb zehn Jahre später in einem Armenheim. Und Bachs jüngste Tochter Regina Susanna, die bis ins 19. Jahrhundert lebte, wurde durch private Spenden, an denen Beethoven maßgeblich beteiligt war, aus der Armut gerettet. Bachs Musik ist mit der Kultur seines Heimatlandes verbunden. Er hatte nie Gelegenheit, außerhalb zu reisen von Deutschland. Aber er studierte mit Begeisterung Werke deutscher und ausländischer Komponisten. In seinem Werk fasste er die Errungenschaften der europäischen Musikkunst brillant zusammen und bereicherte sie. Die meisten Kantaten, „Johannespassion“, „Matthäuspassion“, Messe in h-Moll und viele andere Werke zu geistlichen Texten hat Bach nicht nur nach Pflicht oder Gewohnheit eines Kirchenmusikers geschrieben, sondern erfüllt von einem aufrichtigen religiösen Gefühl. Sie sind voller Mitgefühl für menschliches Leid, durchdrungen von Menschenverständnis Freuden. Im Laufe der Zeit gingen sie weit über die Grenzen von Kirchen hinaus und beeindruckten immer wieder Zuhörer verschiedener Nationalitäten und Religionen zutiefst. Geistliche und weltliche Werke Bachs sind in ihrer wahren Menschlichkeit miteinander verbunden. Zusammen bilden sie eine ganze Welt musikalischer Bilder . Bachs unübertroffene polyphone Meisterschaft wird durch homophon-harmonische Mittel bereichert. Seine Gesangsthemen sind organisch von instrumentalen Entwicklungstechniken durchdrungen, und Instrumentalthemen sind oft so emotional, als würde etwas Wichtiges ohne Worte gesungen und gesprochen. Toccata und Fuge in d-Moll für Orgel13 Dieses sehr beliebte Werk beginnt mit einem alarmierenden, aber mutigen Willensschrei. Es erklingt dreimal, von einer Oktave zur nächsten absteigend, und führt zu einem donnernden Akkordboom in der unteren Lage. So zeichnet sich zu Beginn der Toccata ein düster schattierter, grandioser Klangraum ab. 1 Adagio Fragen und Aufgaben 1 . Warum ist das Schicksal von Bachs Musik ungewöhnlich? 2. Erzählen Sie uns etwas über Bachs Heimat, seine Vorfahren und seine Kindheit. 3. Wann und wo begann Bach sein unabhängiges Leben? 4. Wie verlief Bachs Wirken in Weimar und wie endete es? 5. Erzählen Sie uns etwas über Bachs Leben in Köthen und seine Werke in diesen Jahren. 6. Welche Instrumente spielte Bach und was war sein Lieblingsinstrument? 7. Warum entschloss sich Bach, nach Leipzig zu ziehen und auf welche Schwierigkeiten stieß er dort? 8. Erzählen Sie uns etwas über die Aktivitäten des Komponisten Bach und des Interpreten Bach in Leipzig. Nennen Sie die Werke, die er dort geschaffen hat. Toccata (auf Italienisch „toccata“ – „berühren“, „blasen“ vom Verb „toccare“, „berühren“, „berühren“) ist ein virtuoses Stück für Tasteninstrumente. 13 13 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland Als nächstes sind kraftvolle „wirbelnde“ virtuose Passagen und breite akkordische „Spritzer“ zu hören. Sie sind mehrfach durch Pausen und Stopps bei verlängerten Akkorden getrennt. Dieser Kontrast zwischen schnellem und Zeitlupe erinnert an vorsichtige Pausen zwischen Kämpfen mit den gewalttätigen Elementen. Und nach der frei improvisatorisch aufgebauten Toccata erklingt eine Fuge. Es konzentriert sich auf die nachahmende Entwicklung eines Themas, in dem das Willensprinzip die elementaren Kräfte zu zügeln scheint: 2 Allegro moderato Nachdem sich die Fuge weit ausgedehnt hat, entwickelt sie sich zu einer Coda – dem letzten, letzten Abschnitt. Hier bricht das improvisatorische Element der Toccata erneut hervor. Aber sie wird schließlich durch eindringliche, gebieterische Bemerkungen beruhigt. Und die letzten Takte des gesamten Werks werden als strenger und majestätischer Sieg des unnachgiebigen menschlichen Willens wahrgenommen. Eine besondere Gruppe von Bachs Orgelwerken bilden die Choralvorspiele. Unter ihnen zeichnen sich eine Reihe relativ kleiner Stücke lyrischer Natur durch tiefe Ausdruckskraft aus. In ihnen wird der Klang der Choralmelodie durch frei entwickelte Begleitstimmen bereichert. So wird beispielsweise eines von Bachs Meisterwerken präsentiert – das Choralvorspiel in f-Moll. Klaviermusik der Erfindung Bach stellte mehrere Sammlungen einfacher Stücke aus denen zusammen, die er komponierte, als er seinen ältesten Sohn Wilhelm Friedemann unterrichtete. In einer dieser Sammlungen platzierte er fünfzehn zweistimmige polyphone Stücke in fünfzehn Tonarten und nannte sie „Erfindungen“. Aus dem Lateinischen übersetzt bedeutet das Wort „Erfindung“ „Erfindung“, „Erfindung“. Bachs zweistimmige Erfindungen, die auch von angehenden Musikern ausgeführt werden können, zeichnen sich durch ihren polyphonen Einfallsreichtum und zugleich durch ihre künstlerische Ausdruckskraft aus. So entsteht die erste zweistimmige Invention in C-Dur aus einem kurzen, sanften und gemächlichen Thema von ruhiger, wohlüberlegter Natur. Die Oberstimme singt es und imitiert es sofort _ wiederholt es in einer weiteren Oktave - die Unterstimme: 14 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland Und zu den Klängen der achten zweistimmigen Invention in F-Dur, Man kann sich einen fröhlichen, leidenschaftlichen Spielwettbewerb vorstellen: Es scheint, als würden sie aufspringen und elastische Bälle rollen. Bei der Wiederholung (Imitation) setzt die Oberstimme die melodische Bewegung fort. Dadurch entsteht ein Gegenpol zum im Bass erklingenden Thema. Darüber hinaus erklingt diese Gegenposition – mit demselben melodischen Muster – manchmal, wenn das Thema in der einen oder anderen Stimme erneut auftritt (Takt 2–3, 7–8, 8–9). In solchen Fällen wird die Gegenaddition als Retention bezeichnet (im Gegensatz zu Non-Retained, die bei jeder Bearbeitung des Themas neu zusammengesetzt wird). Wie in anderen polyphonen Werken gibt es auch in dieser Erfindung Abschnitte, in denen das Thema nicht in seiner vollständigen Form erklingt, sondern nur einige seiner Wendungen verwendet werden. Solche Abschnitte werden zwischen den Themen platziert und als Zwischenspiele bezeichnet. Die allgemeine Integrität der C-Dur-Invention wird durch die Durchführung auf der Grundlage eines Themas gewährleistet, was typisch für polyphone Musik ist. In der Mitte des Stücks kommt es zu einer Abkehr von der Haupttonart und gegen Ende zu einer Rückkehr. Wenn man sich diese Einführung anhört, kann man sich vorstellen, dass zwei Schüler die Lektion fleißig wiederholen und versuchen, es einander besser und ausdrucksvoller zu erzählen. In diesem Stück, das im Aufbau der C-Dur-Invention ähnelt, spielt eine besondere Technik eine große Rolle. Nach der anfänglichen Einführung des Themas in der Oberstimme imitiert die Unterstimme nicht nur dieses, sondern auch seine Fortsetzung (Opposition). So entsteht für einige Zeit eine kontinuierliche kanonische Nachahmung oder ein Lykanon. Gleichzeitig mit den zweistimmigen Erfindungen komponierte Bach fünfzehn dreistimmige polyphone Stücke in denselben Tonarten. Er hat sie benannt! „Symphonien“ (aus dem Griechischen übersetzt als „Konsonanzen“). Denn so wurden früher oft polyphone Instrumentalwerke bezeichnet. Später wurde es jedoch üblich, diese Stücke als dreiteilige Erfindungen zu bezeichnen. Sie verwenden komplexere Techniken der polyphonen Entwicklung. Am meisten leuchtendes Beispiel- dreistimmige Invention in f-Moll (Neunte). Es beginnt mit der gleichzeitigen Präsentation zweier gegensätzlicher Themen. Die Grundlage einer davon, die in der Bassstimme erklingt, ist ein gemessener, intensiver Abstieg durch chromatische Halbtöne. Ähnliche Bewegungen sind in tragischen Arien aus antiken Opern üblich. Es ist wie die düstere Stimme des bösen Schicksals, des Schicksals. Das zweite Thema in der Mitte, Altstimme, ist von traurigen Seufzermotiven durchdrungen: Anschließend werden diese beiden Themen mit noch herzlicheren flehenden Ausrufen eng mit dem dritten Thema verflochten. Bis zum Ende des Stücks bleibt die Stimme des bösen Schicksals unerbittlich. Aber die Stimmen des menschlichen Leids hören nicht auf. Sie enthalten einen unauslöschlichen Funken menschlicher Hoffnung. Und für einen Moment scheint es im letzten F-Dur-Akkord aufzuflammen. Bachs „Symphonie“ h-Moll Cembalo in Bachs Haus in Eisenach 15 www.classon.ru Die künstlerische Kindererziehung in Russland (dreistimmige Invention Nr. 15) zeichnet sich auch durch ihre lyrische Durchdringung aus. Im Vorwort zum Manuskript seiner Erfindungen und „Symphonien“ wies Bach darauf hin, dass diese zur Entwicklung einer „singenden Spielweise“ beitragen sollten. Dies war auf dem Cembalo schwer zu erreichen. Deshalb verwendete Bach zu Hause, auch im Unterricht mit Schülern, lieber ein anderes Saitentasteninstrument, das Clavichord. Sein schwacher Klang ist für den Konzertauftritt ungeeignet. Aber wie bereits erwähnt, werden die Saiten des Clavichords im Gegensatz zum Cembalo nicht gezupft, sondern sanft mit Metallplatten eingespannt. Dies trägt zum Wohlklang des Klangs bei und ermöglicht dynamische Schattierungen. So sah Bach gewissermaßen die Möglichkeiten einer melodiösen und kohärenten Stimmführung auf dem Klavier voraus – einem Instrument, das zu seiner Zeit noch unvollkommen konstruiert war. Und dieser Wunsch des großen Musikers sollte allen modernen Pianisten im Gedächtnis bleiben. Kuranta – Dreitakttanz Französischer Herkunft. Aber französische Cembaloglocken zeichneten sich durch eine gewisse rhythmische Raffinesse und Manierismus aus. Der Courant in Bachs Suite in c-Moll ähnelt der italienischen Version dieser Tanzgattung – lebendiger und beweglicher. Ermöglicht wird dies durch die flexible Kombination zweier Stimmen, die sich gegenseitig anzufeuern scheinen: „Französische Suite“ in c-Moll Drei Sammlungen von Bachs Klaviersuiten tragen unterschiedliche Namen. Er selbst nannte die sechs Suiten der dritten Sammlung „Partitas“ (der Name der Suite „Partita“ findet sich nicht nur in seinen Werken14). Und die anderen beiden Sammlungen – jeweils sechs Stücke – wurden nach Bachs Tod aus nicht ganz klaren Gründen „Französische Suiten“ und „Englische Suiten“ genannt. Die zweite der „Französischen Suiten“ ist in der Tonart c-Moll geschrieben. Gemäß der in alten Suiten etablierten Tradition enthält es vier Hauptteile – Allemande, Courante, Sarabande und Gigue – sowie zwei weitere Zwischenteile – Arie und Menuett, die zwischen Sarabande und Gigue eingefügt sind. Allemande ist ein Tanz, der im 16.-17. Jahrhundert in mehreren europäischen Ländern entstand – England, den Niederlanden, Deutschland, Frankreich und Italien. Beispielsweise war die altdeutsche Allemande ein etwas schwerfälliger Gruppentanz. Aber nachdem ich die Keyboard-Suiten betreten hatte, kam die Allemande dazu XVIII Jahrhundert Ich habe fast meine tänzerischen Züge verloren. Von ihren „Vorfahren“ hatte sie nur einen gemächlichen, ruhigen Gang mit einer Vier- oder Zweiviertelgröße beibehalten. Schließlich entwickelte sich daraus ein locker strukturiertes Vorspiel. Auch die Allemande aus Bachs c-Moll-Suite ähnelt dem nachdenklichen lyrischen Präludium. Am häufigsten führen hier drei Stimmen ihre Zeilen an. Aber manchmal gesellt sich noch eine vierte Stimme dazu. Gleichzeitig ist die melodischste Stimme die oberste: Sarabande ist ein spanischer Tanz im Dreitakt. Früher war es schnell und temperamentvoll, aber später wurde es langsam, feierlich und ähnelte oft einem Trauerzug. Die Sarabande aus Bachs Suite ist von Anfang bis Ende dreiteilig inszeniert. Die Bewegung der Mittel- und Unterstimmen ist stets streng und konzentriert (Viertel und Achtel überwiegen). Und die Bewegung der Oberstimme ist viel freier und beweglicher, sehr ausdrucksstark. Hier dominieren Sechzehntelnoten; Bewegungen in weiten Intervallen (Quinte, Sexte, Septime) sind häufig anzutreffen. Dadurch entstehen zwei kontrastierende Ebenen der musikalischen Präsentation, wodurch ein lyrisch intensiver Klang entsteht15: „In Teile geteilt“ – das Wort „partita“ wird aus dem Italienischen übersetzt (vom Verb „partire“ – „teilen“). In einer Sarabande steht die führende Oberstimme nicht so sehr im Kontrast zu den anderen, sondern ergänzt sie vielmehr. 14 15 16 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst Russlands Präludium und Fuge in c-Moll aus dem ersten Band des „Wohltemperierten Klaviers“ Präludium und Fuge in C-Dur, Präludium und Fuge in c-Moll, Präludium und Fuge in Cis-Dur, Präludium und Fuge in Cis-Moll – und so weiter durch alle zwölf Halbtöne der Oktave. Das Ergebnis sind insgesamt 24 zweiteilige Zyklen „Präludium und Fuge“ in allen Dur- und Moll-Tonarten. So sind beide Bände (insgesamt 48 Präludien und Fugen) von Bachs Wohltemperiertem Klavier aufgebaut. Dieses grandiose Werk gilt als eines der größten der Weltmusikkunst. Präludien und Fugen aus diesen beiden Bänden gehören sowohl zum Unterrichts- als auch zum Konzertrepertoire aller professionellen Pianisten. Zu Bachs Zeiten etablierte sich in der Stimmung von Tasteninstrumenten nach und nach endgültig die gleichschwebende Stimmung – die Einteilung der Oktave in zwölf gleiche Halbtöne. Bisher war das Setup-System komplexer. Damit klangen in Tonarten mit mehr als drei oder vier Zeichen einige Intervalle und Akkorde falsch. Daher vermieden Komponisten die Verwendung solcher Tonalitäten. Bach war der erste, der im Wohltemperierten Klavier auf brillante Weise bewies, dass bei gleichschwebender Stimmung alle 24 Tonarten mit gleichem Erfolg eingesetzt werden können. Dies eröffnete den Komponisten neue Horizonte und erweiterte beispielsweise die Fähigkeit, Modulationen (Übergänge) von einer Tonart zur anderen vorzunehmen. Im Wohltemperierten Klavier etablierte Bach den Typus des zweiteiligen Zyklus „Präludium und Fuge“. Das Vorspiel ist frei aufgebaut. Dabei kann der homophonisch-harmonischen Natur und der Improvisation eine bedeutende Rolle zukommen. Dadurch entsteht ein Kontrast zur Fuge als streng polyphonem Werk. Dabei verbindet die Teile des Zyklus „Präludium und Fuge“ nicht nur eine gemeinsame Tonalität. Zwischen ihnen manifestieren sich jeweils subtile innere Verbindungen auf ihre eigene Weise. Diese allgemeinen typischen Merkmale lassen sich im Präludium und der Fuge in c-Moll aus dem ersten Band des Wohltemperierten Klaviers nachweisen. Das Vorspiel besteht aus zwei Hauptabschnitten. Der geräumigere erste Teil ist vollständig mit schnellen, gleichmäßigen Bewegungen von Sechzehntelnoten in beiden Händen gefüllt. Es ist intern mit ausdrucksstarken melodischen und harmonischen Elementen gesättigt. Es scheint, als würde, vom Ufer zurückgehalten, ein rastloser Strom brodeln: Die Gigue ist ein schneller, verspielter Tanz, der aus Irland und England stammt16. Früher liebten englische Seeleute den Jig-Tanz. In Suiten ist die Gigue meist der letzte Satz. In seinem c-Moll-Giguet verwendet Bach oft die Technik der kanonischen Imitation zwischen zwei Stimmen (wie in der Invention in F-Dur). Die Präsentation dieses Stückes ist durchaus von einem „hüpfenden“ punktierten Rhythmus durchdrungen: Im Vergleich zum Kontrast zwischen Allemande und Courant ist der Kontrast zwischen Sarabande und Gigue schärfer. Aber es wird durch zwei dazwischen eingefügte zusätzliche Teile aufgeweicht. Das Stück mit dem Titel „Aria“ klingt weniger wie eine Solo-Gesangsnummer in einer Oper, sondern eher wie ein ruhiges, einfältiges Lied. Das folgende Menuett ist ein französischer Tanz, der Beweglichkeit mit Anmut verbindet. In dieser Suite mit einer einzigen allgemeinen Tonalität werden alle Teile im übertragenen Sinne auf unterschiedliche Weise verglichen. Die Größen der Vorrichtung sind überwiegend dreilangig. Im 18. Jahrhundert waren es hauptsächlich 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst mit mittlerer Stimme, einem klaren, prominenten, einprägsamen Thema mit elastischem Tanzrhythmus: 11 Moderato Energetische Beharrlichkeit verbindet sich im Thema mit Anmut, einem listigen Unfug späht durch die willensstarke Gelassenheit. Dies bietet Chancen für eine vielfältige und dynamische Weiterentwicklung. Zu Beginn der Durchführung klingt das Thema leicht – das einzige Mal, dass es in einer Dur-Tonart (Es-Dur) aufgeführt wird. In der Reprise erhält von den drei Hauptdarbietungen des Themas in der Haupttonart (c-Moll) die zweite im Bass einen so kraftvollen Umfang, dass sie uns an die Wut der Naturgewalten im Präludium erinnert. Und eine weitere, abschließende Umsetzung des Fugenthemas endet mit einem erleuchteten Dur-Akkord. Diese Ähnlichkeit zwischen den Enden von Präludium und Fuge offenbart die innere emotionale Verwandtschaft der gegensätzlichen Teile des Zyklus. Nachdem er mächtige Energie angesammelt hat, scheint dieser Fluss am Ende des ersten Abschnitts überzulaufen und wird am Anfang des nächsten Abschnitts noch schneller und droht, alles, was sich ihm in den Weg stellt, mitzureißen. Dieser Höhepunkt des Präludiums ist durch einen Tempowechsel zum Schnellsten (Presto) und den Einsatz einer polyphonen Technik – eines zweistimmigen Kanons – gekennzeichnet. Doch die tobenden Elemente werden plötzlich durch die zwingenden Akkordschläge und bedeutungsvollen Phrasen des Rezitativs gestoppt. Hier erfolgt der zweite Tempowechsel – zum langsamsten (Adagio). Und nach dem dritten Tempowechsel zu einem mäßig schnellen A11ego in den letzten Takten des Präludiums verlangsamt der Tonika-Orgelpunkt im Bass allmählich die Bewegung der Sechzehntelnoten in der rechten Hand. Es breitet sich sanft aus und erstarrt auf einem C-Dur-Akkord. Ruhe und Frieden stellen sich ein. Nach solch einer freien, improvisatorischen Vervollständigung des Vorspiels verlagert sich die Aufmerksamkeit auf eine andere, kontrastierende Ebene. Es beginnt eine dreiteilige Fuge. Dieses Wort bedeutet im Lateinischen und Italienischen „Laufen“, „Flucht“, „schneller Fluss“. In der Musik ist eine Fuge ein komplexes polyphones Werk, bei dem die Stimmen einander zu widerhallen scheinen und sich gegenseitig einholen. Die meisten Fugen basieren auf einem einzigen Thema. Fugen mit zwei Themen sind seltener und noch seltener mit drei und vier Themen. Und je nach Stimmenzahl sind Fugen zwei-, drei-, vier- und fünfstimmig. Einthemaige Fugen beginnen mit der Präsentation eines Themas in der Haupttonart in einer Stimme. Das Thema wird dann abwechselnd von anderen Stimmen nachgeahmt. So entsteht der erste Abschnitt der Fuge – die Exposition. Im zweiten Abschnitt – Durchführung – erscheint das Thema nur in anderen Tonarten. Und im dritten und letzten Abschnitt – Reprise9 – wird es erneut in der Haupttonart ausgeführt, aber nicht mehr monophon vorgetragen. Die Ausstellung hier wird sich definitiv nicht wiederholen. Fugen nutzen ausgiebig anhaltende Gegenpositionen und Zwischenspiele. Die fragliche c-Moll-Fuge von Bach beginnt und erscheint in der Fuge – der höchsten Form der polyphonen Musik –, die in Bachs Werk ihre volle Reife und strahlendste Blüte erreicht. Der berühmte russische Komponist und Pianist des 19. Jahrhunderts, Anton Grigorjewitsch Rubinstein, schrieb in seinem Buch „Musik und ihre Vertreter“ voller Bewunderung für das „Wohltemperierte Klavier“, dass man dort „Fugen des Religiösen, Heroischen, Melancholischen“ finden könne , majestätischer, klagender, humorvoller, pastoraler, dramatischer Charakter; Es gibt nur eine Sache, in der sie alle gleich sind: Schönheit. ..“ Johann Sebastian Bach war im gleichen Alter wie der Große Deutscher Komponist Georg Friedrich Händel (1685-1759) ist ein bemerkenswerter Meister der Polyphonie und virtuoser Organist. Sein Schicksal verlief anders. Er verbrachte die meiste Zeit seines Lebens außerhalb Deutschlands und zog von einem Land in ein anderes (er lebte mehrere Jahrzehnte in England). 18 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland Händel ist Autor zahlreicher Opern, Oratorien und verschiedener Instrumentalwerke. ÜBER BILDUNG klassischer Stil in der Musik Fragen und Aufgaben 1 . Was haben Bachs geistliche und weltliche Werke gemeinsam? 2. Erzählen Sie uns etwas über den figurativen Charakter der Toccata und der Fuge in d-Moll für Orgel. 3. Singen Sie die Themen der Bach-Erfindungen, die Sie kennen. Was ist eine Gegenaddition, wenn sie als zurückgehalten bezeichnet wird? 4. Was ist ein Zwischenspiel in einem polyphonen Werk? Welche Nachahmung heißt kanonisch oder kanonisch? 5. Benennen und charakterisieren Sie die Hauptteile der „Französischen Suite“ in c-Moll. 6. Wie ist Bachs Wohltemperiertes Klavier aufgebaut? 7. Was ist der Hauptunterschied zwischen einem Präludium und einer Fuge? Veranschaulichen Sie dies am Beispiel des Präludiums und der Fuge in c-Moll aus dem ersten Band des Wohltemperierten Klaviers. Gibt es Ähnlichkeiten zwischen ihnen? Das Musiktheater des 18. Jahrhunderts, insbesondere seine mittlere und zweite Hälfte, war eine Zeit großer Veränderungen in allen Bereichen der europäischen Musikkunst. Mit Beginn dieses Jahrhunderts entstanden in der italienischen Oper nach und nach zwei Genres: Opera seria (ernsthaft) und Opera buffa (komisch). Die Opera seria wurde weiterhin von mythologischen und historischen Themen dominiert, in denen sogenannte „hohe“ Helden vorkamen – mythologische Gottheiten, Könige antiker Staaten und legendäre Generäle. Und in Buffa-Opern wurden die Handlungsstränge überwiegend zu modernen, alltäglichen Themen. Die Helden waren hier einfache Menschen, die energisch und realistisch handelten. Das erste markante Beispiel der Opera buffa war Giovanni Battista Pergolesis „Die Magd und Madam“, das 1733 in Neapel der Öffentlichkeit vorgestellt wurde. Die Heldin, die unternehmungslustige Dienerin Serpina, heiratet geschickt ihren mürrischen Herrn Uberto und wird selbst zur Geliebten. Wie viele frühe italienische Buffa-Opern wurde „Die Dienerin“ ursprünglich als Bühnenzwischenspiel in den Pausen zwischen den Akten von Pergolesis Opera seria „Der stolze Gefangene“ aufgeführt (denken Sie daran, dass das Wort „Zwischenspiel“ lateinischen Ursprungs ist und „Interaktion“ bedeutet). “). Bald erlangte „The Maid-Mistress“ als eigenständiges Werk in vielen Ländern große Popularität. In Frankreich entstand die komische Oper in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Es entstand aus den heiteren, geistreichen Komödienaufführungen mit Musik, die in den Theatern auf Pariser Jahrmärkten aufgeführt wurden. Und das Beispiel der italienischen Opera buffa verhalf den französischen Messekomödien zu einer komischen Oper, in der Gesangsnummern das Hauptmerkmal der Charaktere waren. Von entscheidender Bedeutung waren hierfür die Auftritte der italienischen „Buffon“-Operntruppe in Paris, als die Hauptstadt Frankreichs von Pergolesis „Die Magd und Herrin“ im wahrsten Sinne des Wortes verzaubert wurde. Im Gegensatz zu italienischen Opera Buffas wechseln sich in französischen Comic-Opern Arien nicht mit Rezitativen, sondern mit gesprochenen Dialogen ab. Gebaut wird auch das Singspiel – eine deutsche und österreichische Art komischer Oper, die in der zweiten erschien. Hauptwerke Vokal- und Instrumentalwerke „Johannespassion“, „Matthäuspassion“, Messe in h-Moll, geistliche Kantaten (ca. 200 erhalten) und Weltliche Kantaten (über 20 erhalten) Orchesterwerke 4 Suiten („Ouvertüren“) 6 „Brandenburgische Konzerte“ Konzerte für Soloinstrumente mit Kammerorchester 7 Cembalokonzerte 3 Konzerte für zwei, 2 für drei Cembali 2 Violinkonzerte Konzert für zwei Violinen Werke für Streichinstrumente Instrumente 3 Sonaten und 3 Partiten für Solovioline 6 Sonaten für Violine und Cembalo 6 Suiten („Sonaten“) für Solocello Orgelwerke 70 Choralvorspiele Präludien und Fugen Toccata und Fuge in d-Moll Passacaglia in c-Moll Klavierwerke Sammlung „Kleine Präludien und Fugen“ 15 zweistimmige Inventionen und 15 dreistimmige Inventionen („Symphonien“) 48 Präludien und Fugen „Das Wohltemperierte Klavier“ 6 „Französische“ und 6 „Englische“ Suiten 6 Suiten (Partiten) „Italienisches Konzert“ für Solo Cembalo „Chromatische Fantasie und Fuge“, „Kunstfugen“ 19 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland in der Hälfte des 18. Jahrhunderts17. Die musikalische Sprache aller Spielarten der komischen Oper zeichnet sich durch eine enge Verbindung zu Volkslied- und Tanzmelodien aus. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ernst Operngenres vom großen deutschen Komponisten Christoph Willibald Gluck (1714-1787) radikal reformiert. Seine erste Reformoper „Orpheus und Eurydike“ (1762) schrieb er auf der Grundlage einer Handlung um die legendäre antike griechische Sängerin, die bereits in den frühesten Opern wiederholt verwendet wurde (dies wurde in der Einleitung besprochen). Glucks Weg zur Reform der Oper war nicht einfach. Er hatte die Gelegenheit, viele europäische Länder zu besuchen – Deutschland, Österreich, Dänemark sowie die von Slawen bewohnte Tschechische Republik sowie Italien – England. Bevor er sich fest in Wien niederließ, inszenierte Gluck 17 seiner Opera seria auf den Bühnen von Theatern in Mailand, Venedig, Neapel, London, Kopenhagen, Prag und anderen Städten. Opern dieser Gattung wurden in den Hoftheatern vieler europäischer Länder aufgeführt. Die Ausnahme war Frankreich. Dort komponierte und inszenierte man Mitte des 18. Jahrhunderts weiterhin ernsthafte Opern ausschließlich im traditionellen französischen Stil. Doch Gluck studierte sorgfältig die Opernpartituren der berühmten französischen Komponisten Jean-Baptiste Lully und Jean-Philippe Rameau. Darüber hinaus schrieb und inszenierte Gluck acht Werke der neuen Gattung der französischen komischen Oper in Wien. Er war zweifellos gut mit den italienischen Buffa-Opern und den deutschen und österreichischen Singspielen vertraut. All dieses Wissen ermöglichte es Gluck, die bereits veralteten Kompositionsprinzipien für ernsthafte Opern entscheidend zu aktualisieren. In seinen Reformopern, die zunächst in Wien und dann in Paris aufgeführt wurden, begann Gluck, die emotionalen Erlebnisse der Figuren mit viel größerer Wahrhaftigkeit und dramatischer Spannung und Wirksamkeit wiederzugeben. Er verzichtete auf die Häufung virtuoser Passagen in den Arien und steigerte die Ausdruckskraft der Rezitative. Seine Opern wurden in der musikalischen und szenischen Entwicklung zielgerichteter, in der Komposition harmonischer. So traten in der Musiksprache und im Aufbau neuer komischer und reformierter ernster Opern wichtige Besonderheiten des neuen, klassischen Stils hervor – die aktive Wirksamkeit der Entwicklung, die Einfachheit und Klarheit der Ausdrucksmittel, kompositorische Harmonie, die allgemeine Edle und erhabenen Charakter der Musik. Dieser Stil nahm im Laufe des 18. Jahrhunderts allmählich Gestalt in der europäischen Musik an, reifte zwischen 1770 und 1780 und dominierte bis zur Mitte des zweiten Jahrzehnts des 19. Jahrhunderts. Es muss berücksichtigt werden, dass die Definition von „klassisch“ eine andere, umfassendere Bedeutung haben kann. Als „Klassik“ (oder „Klassiker“) werden auch musikalische und andere künstlerische Werke bezeichnet, die als vorbildlich, vollkommen, unübertroffen gelten – unabhängig von der Zeit ihrer Entstehung. In diesem Sinne können wir beispielsweise die Massen als Italienisch bezeichnen Komponist XVI Jahrhundert Palestrina und Opern von Prokofjew und Sinfonien von Schostakowitsch - russische Komponisten des 20. Jahrhunderts. Instrumentalmusik Auf der gleichen breiten internationalen Basis wie Glucks Opernreform kam es im 18. Jahrhundert zu einer intensiven Entwicklung der Instrumentalmusik. Es wurde durch die konzertierte Anstrengung von Komponisten aus vielen europäischen Ländern zustande gebracht. Sie stützten sich auf Gesang und Tanz, entwickelten klassische Klarheit und Dynamik der Musiksprache und bildeten nach und nach neue Genres zyklischer Instrumentalwerke – wie die klassische Symphonie, die klassische Sonate und das klassische Streichquartett. Die Sonatenform erlangte bei ihnen große Bedeutung. Daher werden Instrumentalzyklen Sonate oder Sonaten-Symphonie genannt. Sonatenform. Sie wissen bereits, dass die höchste Form der polyphonen Musik eine Fuge ist. Und die Sonatenform ist die höchste Form der homophon-harmonischen Musik, bei der polyphone Techniken nur teilweise eingesetzt werden können. In ihrem Aufbau ähneln sich diese beiden Formen. Wie die Fuge besteht die Sonatenform aus drei Hauptabschnitten: Exposition, Durchführung und Reprise. Es gibt aber auch erhebliche Unterschiede zwischen ihnen. Der Hauptunterschied zwischen der Sonatenform und der Fuge wird sofort in Ausstellung 18 deutlich. Die überwiegende Mehrheit der Fugen ist vollständig auf ein Thema aufgebaut, das in der Ausstellung jeweils abwechselnd ausgeführt wird. Dieses deutsche Wort kommt von „singen“ („singen“) “) und „Spiel“. . 18 Das Wort ist lateinischen Ursprungs und bedeutet „präsentieren“, „zeigen“. 20 www.classon.ru Kinderbildung im Bereich Kunst in Russland Stimme. Und in der Exposition der Sonatenform tauchen in der Regel zwei Hauptthemen mehr oder weniger unterschiedlicher Natur auf. Zuerst erklingt das Thema des Hauptteils, später erscheint das Thema des Nebenteils. Nur darf die Definition von „Seite“ auf keinen Fall als „sekundär“ verstanden werden. Denn tatsächlich spielt das Thema der Nebenstimme in der Sonatensatzform eine nicht weniger wichtige Rolle als das Thema der Hauptstimme. Das Wort „sekundär“ wird hier verwendet, weil es im Gegensatz zum ersten in der Ausstellung notwendigerweise nicht in der Haupttonart, sondern in einer anderen, also wie in einer Nebentonart, erklingt. Wenn in der klassischen Musik der Hauptteil der Exposition Dur ist, wird der Nebenteil in der Tonart der Dominante dargelegt (wenn beispielsweise die Tonart des Hauptteils C-Dur ist, dann die Tonart des Nebenteils). ist G-Dur). Wenn der Hauptteil der Exposition Moll ist, wird der Nebenteil parallel in Dur dargestellt (wenn beispielsweise die Tonart des Hauptteils c-Moll ist, dann ist die Tonart des Nebenteils Es-Dur). Zwischen Haupt- und Nebenpartie wird entweder ein kleines Bündel oder eine Bindepartie platziert. Hier kann ein eigenständiges, melodisch herausragendes Thema vorkommen, häufiger werden jedoch die Intonationen des Themas des Hauptteils verwendet. Der Verbindungsteil fungiert als Übergang zum Seitenteil, er moduliert in die Tonart des Seitenteils. Dadurch wird die Klangstabilität verletzt. Das Ohr beginnt, den Beginn eines neuen „musikalischen Ereignisses“ zu erwarten. Es stellt sich heraus, dass dies das Erscheinungsbild des Themas des Nebenspiels ist. Manchmal geht der Ausstellung eine Einleitung voraus. Und nach dem Seitenteil folgt entweder ein kurzer Schluss oder ein ganzer Schlussteil, oft mit einem eigenständigen Thema. So endet die Exposition und legt den Ton des Seitenteils fest. Auf Anweisung des Komponisten kann die gesamte Exposition wiederholt werden. Die Durchführung ist der zweite Abschnitt der Sonatenform. Darin erscheinen aus der Ausstellung bekannte Themen in neuen Versionen, abgewechselt und auf unterschiedliche Weise verglichen. Bei einer solchen Interaktion geht es oft nicht um ganze Themen, sondern um isolierte Motive und Phrasen. Das heißt, die in der Entwicklung befindlichen Themen scheinen in einzelne Elemente aufgespalten zu sein und offenbaren die in ihnen enthaltene Energie. In diesem Fall kommt es zu einem häufigen Schlüsselwechsel (der Hauptschlüssel ist hier selten und nicht lange betroffen). In unterschiedlichen Tonarten erscheinen Themen und ihre Elemente neu beleuchtet und aus neuen Blickwinkeln dargestellt. Nachdem die Entwicklung auf dem Höhepunkt eine erhebliche Spannung erreicht hat, ändert sich ihr Verlauf. Am Ende dieses Abschnitts wird eine Rückkehr zur Haupttonart vorbereitet und eine Wendung zur Reprise erfolgt. Reprise ist der dritte Abschnitt der Sonatenhauptsatzform. Es beginnt mit der Rückkehr des Hauptteils in der Haupttonart. Das Verbindungsteil führt nicht in einen neuen Schlüssel. Im Gegenteil, es wird die Haupttonart festgelegt, in der nun sowohl der Neben- als auch der Schlussteil wiederholt werden. Somit gleicht die Reprise mit ihrer tonalen Stabilität die Instabilität der Durchführung aus und verleiht dem Ganzen klassische Harmonie. Die Reprise kann manchmal durch eine Schlussstruktur ergänzt werden – eine Coda (abgeleitet vom lateinischen Wort für „Schwanz“). Wenn also eine Fuge erklingt, ist unsere Aufmerksamkeit auf das Zuhören, Denken und Fühlen eines einzigen musikalischen Gedankens gerichtet, der durch ein Thema verkörpert wird. Wenn ein Werk in Sonatenform erklingt, folgt unser Gehör dem Vergleich und der Interaktion zweier Haupt- (und Komplementär-)Themen – als ob es sich um die Entwicklung verschiedener musikalischer Ereignisse, musikalischer Handlungen handelt. Dies ist der Hauptunterschied zwischen den künstlerischen Möglichkeiten dieser beiden Musikformen. Klassischer Sonatenzyklus (Sonaten-Symphonie). Etwa im letzten Drittel des 18. Jahrhunderts nahm der klassische Sonatenzyklus schließlich musikalische Gestalt an. Zuvor in Instrumentalwerke Die vorherrschende Form war die Suite, in der sich langsame und schnelle Sätze abwechselten, und die eng verwandte Form der antiken Sonate. Nun ist im klassischen Sonatenzyklus die Anzahl der Teile (meist drei oder vier) genau festgelegt, ihr Inhalt ist jedoch komplexer geworden. Der erste Teil ist normalerweise in Sonatenform geschrieben, was im vorherigen Absatz besprochen wurde. Es geht in einem schnellen oder mäßig schnellen Tempo. Am häufigsten ist dies A11e§go. Daher wird ein solcher Satz üblicherweise Sonatenallegro genannt. Die darin enthaltene Musik hat oft einen energischen, wirkungsvollen Charakter, oft spannungsgeladen und dramatisch. Der zweite Teil steht im Tempo und im allgemeinen Charakter stets im Kontrast zum ersten. Oft ist es langsam, am lyrischsten und melodischsten. Es kann aber auch anders sein, zum Beispiel ähnlich einer gemächlichen Erzählung oder tänzerisch-anmutigen. Bei einem dreiteiligen Zyklus ist der letzte, dritte Teil, das Finale wiederum schnell, meist rasanter, aber innerlich weniger entwicklungsintensiv Vergleich mit dem ersten. Die Finale klassischer Sonatenzyklen (insbesondere Sinfonien) zeichnen oft Bilder von überfülltem festlichem Vergnügen, und ihre Themen sind ähnlich Volkslieder und tanzen. In diesem Fall wird häufig die Rondo-Form verwendet (von französisch „ronde“ – „Kreis“). Wie Sie wissen, wird hier der erste Abschnitt (Refrain) mehrmals wiederholt, abwechselnd mit neuen Abschnitten (Episoden). 21 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland Ihre erste Oper? 3. Zu welcher Zeit dominierte der klassische Stil in der Musik und bis wann reifte er? Erklären Sie den Unterschied zwischen den beiden Bedeutungen von „klassisch“. 4. Welche Ähnlichkeiten gibt es im allgemeinen Aufbau zwischen Fuge und Sonatenform? Was ist der Hauptunterschied zwischen ihnen? 5. Benennen Sie die Haupt- und Zusatzteile der Sonatenform. Zeichnen Sie das Diagramm. 6. In welcher Beziehung stehen Haupt- und Nebenstimme der Sonatenform in ihrer Exposition und Reprise zueinander? 7. Was ist charakteristisch für die Durchführung in der Sonatensatzform? 8. Beschreiben Sie die Teile des klassischen Sonatenzyklus. 9. Nennen Sie die Haupttypen klassischer Sonatenzyklen in Abhängigkeit von der Besetzung der Interpreten. All dies zeichnet viele Finale vierteiliger Zyklen aus. Aber in ihnen sind zwischen den äußeren Teilen (erster und vierter) zwei mittlere Teile platziert. Einer – langsam – ist normalerweise der zweite in einer Symphonie und der dritte in einem Quartett. Der dritte Satz der klassischen Sinfonien des 18. Jahrhunderts ist das Menuett, das im Quartett den zweiten Platz einnimmt. Wir haben also die Wörter „Sonate“, „Quartett“, „Symphonie“ erwähnt. Der Unterschied zwischen diesen Zyklen hängt von der Zusammensetzung der Darsteller ab. Einen besonderen Platz nimmt die Symphonie ein – ein Werk für Orchester, das in einem großen Raum vor zahlreichen Zuhörern gespielt werden soll. In diesem Sinne steht die Sinfonie dem Konzert nahe – einer dreiteiligen Komposition für ein Soloinstrument mit Orchesterbegleitung. Die häufigsten kammermusikalischen Instrumentalzyklen sind Sonate (für ein oder zwei Instrumente), Trio (für drei Instrumente), Quartett (für vier Instrumente) und Quintett (für fünf Instrumente)19. Die Sonatenform und der Sonaten-Symphonie-Zyklus entstanden wie der gesamte klassische Musikstil im 18. Jahrhundert, das als „Zeitalter der Aufklärung“ (oder „Zeitalter der Aufklärung“) sowie als „Zeitalter“ bezeichnet wird der Vernunft“. In diesem Jahrhundert, insbesondere in seiner zweiten Hälfte, entstanden in vielen europäischen Ländern Vertreter des sogenannten „Dritten Standes“. Dies waren Menschen, die weder Adelstitel noch geistliche Titel besaßen. Sie verdankten ihren Erfolg ihrer eigenen Arbeit und Initiative. Sie verkündeten das Ideal eines „natürlichen Menschen“, dem die Natur selbst schöpferische Energie, einen hellen Geist und tiefe Gefühle schenkte. Dieses optimistische demokratische Ideal spiegelte sich auf seine eigene Weise in der Musik, anderen Kunstformen und der Literatur wider. So wurde beispielsweise der Sieg der menschlichen Vernunft und unermüdlichen Hände zu Beginn der Aufklärung in dem 1719 erschienenen Buch verherrlicht berühmter Roman Der englische Schriftsteller Daniel Defoe „Das Leben und die erstaunlichen Abenteuer von Robinson Crusoe“. Joseph Haydn 1732-1809 Der klassische Musikstil erreichte seine Reife und Hochblüte in den Werken von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven. Das Leben und Werk eines jeden von ihnen dauerte lange Zeit in der österreichischen Hauptstadt Wien. Deshalb werden Haydn, Mozart und Beethoven als Wiener Klassiker bezeichnet. Österreich war ein Vielvölkerreich. Neben den Österreichern, deren Muttersprache Deutsch ist, lebten Ungarn und verschiedene slawische Völker, darunter Tschechen, Serben und Kroaten. Ihre Lieder und Fragen und Aufgaben 1. Nennen Sie die nationalen Spielarten komischer Opern des 18. Jahrhunderts. Wie unterscheidet sich die Struktur der italienischen Opera buffa von der Struktur der französischen komischen Oper? 2. Mit welchen Ländern und Städten war die Tätigkeit des großen Opernreformers Christoph Willibald Gluck verbunden? Über welches Thema hat er geschrieben? Namen anderer Kammerensembles Instrumentalzyklen– Sextett (6), Septett (7), Oktett (8), Nonett (9), Dezimet (10). Die Definition von „Kammermusik“ kommt vom italienischen Wort „Kamera“ – „Raum“. Denn bis ins 19. Jahrhundert hinein wurden Werke für mehrere Instrumente häufig zu Hause aufgeführt, man verstand sie also als „Zimmermusik“. 19 22 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland Tanzmelodien waren sowohl in Dörfern als auch in Städten zu hören. In Wien erklang Volksmusik überall – im Zentrum und am Stadtrand, an Straßenkreuzungen, in öffentlichen Gärten und Parks, in Restaurants und Wirtshäusern, in reichen und armen Privathäusern. Wien war auch ein wichtiges Zentrum der professionellen Musikkultur, das sich um den kaiserlichen Hof, Adelskapellen 1 und aristokratische Salons, Kathedralen und Kirchen drehte. Die italienische Opernserie wird in der österreichischen Hauptstadt seit langem gepflegt, hier hat sie, wie bereits erwähnt, ihren Anfang genommen Opernreform Panne. Musik begleitete die Hoffeste reichlich. Aber auch die fröhlichen Possenaufführungen mit Musik, aus denen das Singspiel entstand, besuchten die Wiener gerne und tanzten gern. Von den drei großen Wienern Musikalische Klassiker Haydn ist der Älteste. Er war 24 Jahre alt, als Mozart geboren wurde, und 38 Jahre alt, als Beethoven geboren wurde. Haydn lebte ein langes Leben. Er überlebte den früh verstorbenen Mozart um fast zwei Jahrzehnte und lebte noch, als Beethoven die meisten seiner reifen Werke bereits geschaffen hatte. Für das private Fürstentheater schrieb er mehr als zwei Dutzend Opern in den Gattungen Seria und Buffa sowie mehrere „Marionettenopern“ für Aufführungen mit Puppen. Der Bereich seiner kreativen Hauptinteressen und Leistungen ist jedoch die symphonische und kammermusikalische Instrumentalmusik. Insgesamt handelt es sich um mehr als 800 Aufsätze3. Unter ihnen sind mehr als 100 Sinfonien, mehr als 80 Streichquartette und mehr als 60 Klaviersonaten von besonderer Bedeutung. In ihren reifen Beispielen offenbarte sich die optimistische Einstellung der Großen mit größter Vollständigkeit, Helligkeit und Originalität. Österreichischer Komponist . Nur manchmal wird dieses helle Weltbild von einer düstereren Stimmung überschattet. Sie werden immer von Haydns unerschöpflicher Lebenslust, scharfer Beobachtungsgabe, fröhlichem Humor, einfacher, gesunder und zugleich poetischer Wahrnehmung der umgebenden Realität überwältigt. Lebensweg Frühe Kindheit. Rohrau und Hainburg. Franz Joseph Haydn wurde 1732 im Dorf Rohrau im Osten Österreichs, nahe der ungarischen Grenze und unweit von Wien, geboren. Haydns Vater war gelernter Kutschenbauer, seine Mutter arbeitete als Köchin auf dem Gut des gräflichen Besitzers von Rohrau. Seine Eltern begannen schon früh, ihrem ältesten Sohn Joseph, der in der Familie liebevoll Zepperlem genannt wurde, beizubringen, fleißig, ordentlich und sauber zu sein. Haydns Vater kannte sich überhaupt nicht mit Musik aus, aber er liebte es zu singen und begleitete sich selbst auf der Harfe, besonders wenn er seine eigene spielte. Gäste versammelten sich in einem kleinen Haus. Zepperl sang mit klarer, silberner Stimme mit und offenbarte ein wunderbares Gehör für Musik. Und als der Junge erst fünf Jahre alt war, wurde er in die Nachbarstadt Hainburg geschickt, um bei einem entfernten Verwandten zu leben, der eine kirchliche Schule und einen Chor leitete. In Hainburg lernte Sepperl Lesen, Schreiben, Zählen, Singen im Chor und begann sich auch die Fähigkeiten des Clavichord- und Geigenspiels anzueignen. Doch das Leben in einer fremden Familie war für ihn nicht einfach. Viele Jahre später erinnerte er sich, dass er damals „mehr Schläge als Essen“ erhielt. Sobald Sepperl in Hainburg angekommen war, wurde ihm befohlen, das Paukenschlagen zu erlernen, um am selben Kirchenumzug mit Musik teilnehmen zu können. Der Junge nahm ein Sieb, streifte ein Stück Stoff darüber und begann fleißig zu trainieren. Er hat seine Aufgabe erfolgreich abgeschlossen. Lediglich bei der Organisation der Prozession war es notwendig, das Instrument einem sehr kleinen Mann auf den Rücken zu hängen. Und er war bucklig, was das Publikum zum Lachen brachte. In der Kapelle des Wiener Stephansdoms. Auf seiner Durchreise durch Hainburg machte der Wiener Domkapellmeister und Hofkomponist Georg Reuther auf seine herausragenden musikalischen Fähigkeiten aufmerksam. Haydn war ein aufrichtig religiöser Mensch. Er ist Autor zahlreicher Messen und anderer Vokal- und Instrumentalwerke, die auf spirituellen Texten basieren. 23 www.classon.ru Kinderbildung im Bereich der russischen Kunst Zepperl. So befand sich der achtjährige Haydn 1740 in der Hauptstadt Österreichs, wo er als Sänger in die Kapelle des Doms (Hauptdom) des Stephansdoms aufgenommen wurde. mache es selbst. Schwieriger Start in ein unabhängiges Leben. Als im Alter von achtzehn Jahren die Stimme des jungen Mannes zu brechen begann – sie wurde vorübergehend heiser und verlor ihre Flexibilität –, wurde er grob und gnadenlos aus der Kapelle geworfen. Da er obdachlos und mittellos war, hätte er an Hunger und Kälte sterben können, wenn er nicht eine Zeit lang bei einem ihm bekannten Sänger Zuflucht gefunden hätte, der mit seiner Frau und seinem Kind in einem winzigen Raum unter dem Dach lebte. Haydn begann, alles Mögliche zu übernehmen musikalische Arbeit : kopierte Noten, gab Penny-Unterricht im Singen und Klavierspielen, nahm als Geiger an Straßeninstrumentalensembles teil, die nachts Serenaden zu Ehren eines der Stadtbewohner aufführten. Schließlich gelang es ihm, ein kleines Zimmer im sechsten, letzten Stock eines Hauses im Zentrum von Wien zu mieten. Der Raum war vom Wind durchzogen, es gab keinen Ofen und im Winter gefror das Wasser oft. Haydn lebte zehn Jahre lang in einer so schwierigen Situation. Aber er ließ sich nicht entmutigen und übte mit Begeisterung seine Lieblingskunst aus. „Als ich an meinem alten, wurmstichigen Klavier saß“, erinnerte er sich in seinem Alter, „neidete ich keinen König um sein Glück.“ Sein lebhafter, fröhlicher Charakter half Haydn, alltägliche Schwierigkeiten zu überwinden. Einmal, zum Beispiel, platzierte er nachts seine Mitmusiker in abgelegenen Ecken einer Wiener Straße, und auf sein Zeichen hin begannen alle zu spielen, was sie wollten. Es entstand ein „Katzenkonzert“, das bei den umliegenden Anwohnern für Aufsehen sorgte. Zwei der Musiker landeten in Polizeigewahrsam, der Initiator der skandalösen „Serenade“ wurde jedoch nicht ausgeliefert. Nachdem er den beliebten Komiker kennengelernt hatte, komponierte Haydn in Zusammenarbeit mit ihm das Singspiel „Der lahme Dämon“ und verdiente einen kleinen Geldbetrag von 20. Und um die professionellen Anweisungen des berühmten italienischen Komponisten und Gesangslehrers Nicola in Anspruch zu nehmen Antonio Porpora begleitete Haydn seine Schüler im Gesangsunterricht und diente ihm darüber hinaus als Lakai. Allmählich erlangte Haydn in Wien sowohl als Lehrer als auch als Komponist Berühmtheit. Er traf berühmte Leute; Musiker und Musikliebhaber. Im Haus eines prominenten Beamten begann er an der Aufführung von Kammerensembles teilzunehmen und schuf seine ersten Streichquartette für Konzerte auf seinem Landsitz. Und Haydn schrieb seine erste Symphonie im Jahr 1759, als ihm ein kleines Orchester zur Verfügung stand und er Leiter der Kapelle des Grafen Morcin wurde. Der Graf behielt nur einzelne Musiker. Haydn, der die Tochter eines Wiener Friseurs heiratete, musste dies geheim halten. Dies dauerte jedoch nur bis 1760, als in Wien, einer großen, wunderschönen Stadt mit prächtigen Gebäuden und architektonischen Ensembles, eine Welle neuer, lebendiger Eindrücke über den Jungen hinwegfegte. Überall erklang multinationale Volksmusik. Feierliche Vokal- und Instrumentalwerke wurden im Dom und am kaiserlichen Hof aufgeführt, wo auch die Kapelle auftrat. Doch die Existenzbedingungen erwiesen sich erneut als schwierig. Während des Unterrichts, der Proben und der Auftritte waren die Chorknaben sehr müde. Sie wurden dürftig ernährt, sie waren ständig halb verhungert. Für Streiche wurden sie hart bestraft. Der kleine Haydn studierte weiterhin fleißig die Kunst des Singens, spielte Klavier und Geige und wollte unbedingt Musik komponieren. Darauf achtete Reuther jedoch nicht. Zu sehr mit seinen eigenen Angelegenheiten beschäftigt, gab er Haydn während der gesamten neun Jahre, die er in der Kapelle verbrachte, nur zwei Kompositionsstunden. Aber Joseph erreichte sein Ziel beharrlich und fleißig. Einige Jahre später schrieb er ein weiteres Singspiel mit dem Titel „The New Lame Demon“. 20 24 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland Die materiellen Angelegenheiten des Grafen gerieten ins Wanken und er löste seine Kapelle auf. Haydns Ehe war erfolglos. Sein Auserwählter zeichnete sich durch einen schwierigen, mürrischen Charakter aus. Sie interessierte sich überhaupt nicht für die kompositorischen Angelegenheiten ihres Mannes – bis zu dem Punkt, dass sie aus den Manuskripten seiner Werke Lockenwickler und Futter für Pastete herstellte. Einige Jahre später begann Haydn getrennt von seiner Frau zu leben. Sie hatten keine Kinder. In der Fürstenkapelle von Esterházy. 1761 ein reicher Ungar; Fürst Kumpel Antal Esterházy lud Haydn als Vizekapellmeister nach Eisenstadt ein. Von diesem Moment an trat Haydn seinen Dienst bei der Familie Esterhazy an, der ganze drei Jahrzehnte dauerte. Fünf Jahre später wurde er Kapellmeister – nachdem der ältere Musiker, der diese Position innehatte, verstorben war. Der Erbe von Pal Antal, der 1762 starb, zeichnete sich durch sein Engagement für Luxus und teure Unterhaltung aus – sein Bruder Miklos 1, genannt der Prächtige. Einige Jahre später verlegte er seinen Wohnsitz von Eisenstadt in ein neues Landschloss mit 126 Zimmern, umgab es mit einem riesigen Park und baute Opernhaus Mit 400 Sitzplätzen und einem Puppentheater erhöhte sich die Zahl der Musiker in der Kapelle deutlich. Die Arbeit dort verschaffte Haydn eine gute finanzielle Unterstützung und darüber hinaus die Möglichkeit, viel zu komponieren und sich sofort in der Praxis zu erproben, indem er die Orchesteraufführung seiner neuen Werke leitete. In Eszterhaza (so der Name der neuen Fürstenresidenz) fanden oft überfüllte Empfänge statt, oft unter Beteiligung hochrangiger ausländischer Gäste. Dadurch wurde Haydns Werk nach und nach auch außerhalb Österreichs bekannt. Aber es gab, wie man sagt, auch eine andere Seite der Medaille. Mit seinem Dienstantritt unterzeichnete Haydn einen Vertrag, nach dem er eine Art musikalischer Diener wurde. Er musste jeden Tag vor und nach dem Mittagessen mit gepuderter Perücke und weißen Strümpfen vor dem Palast erscheinen, um den Befehlen des Prinzen zuzuhören. Der Vertrag verpflichtete Haydn, dringend „jede Musik zu schreiben, die seine Lordschaft wünscht, neue Kompositionen niemandem zu zeigen, geschweige denn zu gestatten, sie zu kopieren, sondern sie ausschließlich für seine Lordschaft aufzubewahren und nichts ohne sein Wissen für irgendjemanden zu komponieren.“ gnädige Erlaubnis.“ . Darüber hinaus war Haydn verpflichtet, die Ordnung in der Kapelle und das Verhalten der Musiker zu überwachen, den Sängern Unterricht zu erteilen und für die Sicherheit von Instrumenten und Noten verantwortlich zu sein. Er wohnte nicht im Palast, sondern in einem Nachbardorf in einem kleinen Haus. Von Eisenstadt zog der fürstliche Hof zuvor im Winter nach Wien. Und von Eszterhazy aus konnte Haydn nur gelegentlich mit dem Fürsten oder mit Sondergenehmigung in die Hauptstadt gelangen. Haydn entwickelte sich in den vielen Jahren, die er in Eisenstadt und Eszterháza verbrachte, vom unerfahrenen Musiker zu einem großen Komponisten, dessen Werk hohe künstlerische Perfektion erreichte und nicht nur in Österreich, sondern weit über die Grenzen hinaus Anerkennung fand. So entstanden sechs „Pariser Symphonien“ (Nr. 82–87) im Auftrag der französischen Hauptstadt, die er 1786 mit Erfolg aufführte. Haydns Treffen mit Wolfgang Amadeus Mozart in Wien reichen bis in die 1780er Jahre zurück. Die freundschaftliche Annäherung wirkte sich positiv auf die Arbeit beider großer Musiker aus. Mit der Zeit begann Haydn seine abhängige Stellung immer deutlicher zu spüren. Seine Briefe an Freunde aus Esterhazy in Wien, geschrieben in der ersten Hälfte des Jahres 1790, enthalten folgende Sätze: „Jetzt – ich sitze in meiner Wildnis – verlassen – wie eine arme Waise – fast ohne Gesellschaft von Menschen – traurig... Die.“ Die letzten Fürsten von Esterhazy besaßen riesige Ländereien, hatten viele Diener und führten in ihren Palästen ein Leben, das einem Königtum ähnelte. Spezial 25 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland Tagelang wusste ich nicht, ob ich Kapellmeister oder Dirigent war... Es ist traurig, die ganze Zeit ein Sklave zu sein...“ Eine neue Wendung Schicksal. Reisen nach England. Im Herbst 1790 starb Miklós Esterházy. Er war ein aufgeklärter Musikliebhaber, spielte Streichinstrumente und konnte nicht anders, als einen „musikalischen Diener“ wie Haydn auf seine Weise zu schätzen. Der Prinz vermachte ihm eine hohe lebenslange Rente. Der Erbe, Miklos Antal, war der Musik gleichgültig und löste die Kapelle auf. Da er jedoch wollte, dass der berühmte Komponist weiterhin als sein Hofkapellmeister geführt wird, erhöhte er sogar die Geldzahlungen an Haydn, der dadurch von offiziellen Pflichten befreit wurde und sich vollständig beherrschen konnte. Haydn zog mit der Absicht, Musik zu komponieren, nach Wien und lehnte zunächst Angebote ab, andere Länder zu besuchen. Doch dann stimmte er einem Angebot zu einer längeren Reise nach England zu und kam Anfang 1791 in London an. So sah Haydn kurz vor seinem sechzigsten Geburtstag das Meer zum ersten Mal mit eigenen Augen und befand sich zum ersten Mal in einem anderen Staat. Im Gegensatz zu Österreich, das in seiner Ordnung noch feudal-aristokratisch war, war England seit langem ein bürgerliches Land, und das gesellschaftliche, auch musikalische Leben Londons unterschied sich stark von dem Wiens. In London, einer riesigen Stadt mit vielen Industrie- und Handelsunternehmen, wurden Konzerte nicht für ausgewählte Personen in die Paläste und Salons des Adels eingeladen, sondern in öffentlichen Sälen organisiert, wo jeder gegen Gebühr kam. Der Name Haydn war in England bereits von einer Aura des Ruhmes umgeben. Sowohl berühmte Musiker als auch Würdenträger behandelten ihn nicht nur auf Augenhöhe, sondern auch mit besonderem Respekt. Seine neuen Werke, bei denen er als Dirigent fungierte, wurden begeistert aufgenommen und großzügig bezahlt. Haydn dirigierte ein großes Orchester von 40-50 Personen, also doppelt so groß wie die Esterhazy-Kapelle. Die Universität Oxford verlieh ihm die Ehrendoktorwürde der Musik. Haydn kehrte anderthalb Jahre später nach Wien zurück. Unterwegs besuchte er die deutsche Stadt Bonn. Dort lernte er erstmals den jungen Ludwig van Beethoven kennen, der bald nach Wien zog, mit der Absicht, bei Haydn zu studieren. Doch Beethoven nahm nicht lange Unterricht bei ihm. Zwei in Alter und Temperament zu unterschiedliche Musikgenies fanden damals kein wirkliches gegenseitiges Verständnis. Allerdings widmete Beethoven seine drei Klaviersonaten (Nr. 1-3) während der Veröffentlichung Haydn. Haydns zweite Englandreise begann 1794 und dauerte sogar etwas mehr als eineinhalb Jahre. Der Erfolg war erneut triumphal. Aus den vielen geschaffenen Werken; Während dieser Reisen und im Zusammenhang mit ihnen waren die zwölf sogenannten „Londoner Symphonien“ von besonderer Bedeutung. Die letzten Jahre des Lebens und der Kreativität. Der nächste Fürst von Esterházy, Miklós II., interessierte sich mehr für Musik als sein Vorgänger. Deshalb reiste Haydn gelegentlich von Wien nach Eisenstadt und schrieb im Auftrag des Fürsten mehrere Messen. Die Hauptwerke des Komponisten der letzten Jahre – zwei monumentale Oratorien „Die Erschaffung der Welt“ und „Die Jahreszeiten“ – wurden mit großem Erfolg in Wien aufgeführt (eines 1799, das andere 1801). Die Darstellung des antiken Chaos, aus dem dann die Welt hervorgeht, die Erschaffung der Erde, die Geburt des Lebens auf der Erde und die Erschaffung des Menschen – das ist der Inhalt des ersten dieser Oratorien. Die vier Teile des zweiten Oratoriums („Frühling“, „Sommer“, „Herbst“, „Winter“) bestehen aus treffenden musikalischen Skizzen der ländlichen Natur und des bäuerlichen Lebens. 26 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst Nach 1803 komponierte Haydn nichts mehr. Er lebte sein Leben ruhig, umgeben von Ruhm und Ehre. Haydn starb im Frühjahr 1809, auf dem Höhepunkt der Napoleonischen Kriege, als die Franzosen in Wien einmarschierten. Celli und Kontrabässe. Die Gruppe der Holzblasinstrumente besteht aus Flöten, Oboen, Klarinetten und Fagotten 21. Haydns Gruppe der Blechblasinstrumente besteht aus Hörnern und Trompeten, beim Schlagzeug verwendete er nur Pauken und erst in der letzten, zwölften „London Symphony“ fügte er eine Triangel hinzu , Becken und eine Trommel. Fragen und Aufgaben 1. Welche drei großen Komponisten gelten als Wiener Musikklassiker? Was erklärt diese Definition? 2. Erzählen Sie uns etwas über das Musikleben Wiens im 18. Jahrhundert. 3. Nennen Sie die wichtigsten Musikgattungen in Haydns Werk. 4. Wo und wie verbrachte Haydn seine Kindheit und Jugend? 5. Wie begann Haydns unabhängige Reise? 6. Wie verliefen Leben und Werk Haydns während seines Gottesdienstes in der Fürstenkapelle von Esterházy? 7. Erzählen Sie uns von Haydns Reisen nach England und seinen den letzten Jahren Leben. Symphonische Kreativität im Jahr 1759 Haydn seine erste Sinfonie schrieb, existierten bereits viele Werke dieser Gattung und entstanden weiterhin. Sie entstanden in Italien, Deutschland, Österreich und anderen europäischen Ländern. Mitte des 18. Jahrhunderts erlangten beispielsweise Sinfonien, die in der deutschen Stadt Mannheim komponiert und aufgeführt wurden, die über das beste Orchester dieser Zeit verfügte, weltweite Berühmtheit. Unter den Komponisten der sogenannten „Mannheimer Schule“ befanden sich viele Tschechen. Einer der Vorläufer der Symphonie ist eine dreiteilige italienische Opernouvertüre (mit dem Tempoverhältnis der Stimmen: „schnell-langsam-schnell“). In den frühen („vorklassischen“) Symphonien wurde noch der Weg zur künftigen klassischen Symphonie geebnet, Unterscheidungsmerkmale was zur Bedeutung des figurativen Inhalts und der Perfektion der Form wurde. Auf diesem Weg schuf Haydn in den 1780er Jahren seine reifen Sinfonien. Und dann erschienen die reifen Sinfonien des noch sehr jungen Mozart, der erstaunlich schnell zu den Höhen künstlerischer Meisterschaft aufstieg. Haydn schuf seine Londoner Sinfonien, die seine Leistungen in diesem Genre krönten, nach Mozarts frühem Tod, der ihn zutiefst schockierte. In Haydns reifen Sinfonien hat sich folgende typische Zusammensetzung eines viersätzigen Zyklus etabliert: Sonata-Allegro, langsamer Satz, Menuett und Finale (meist in Form eines Rondo oder Sonata-Allegro). Gleichzeitig wurde die klassische Zusammensetzung des aus vier Instrumentengruppen bestehenden Orchesters in seinen Grundzügen festgelegt. Die führende Gruppe sind die Streicher. Es umfasst Violinen und Bratschen, und Haydn verwendete nicht immer Klarinetten. Selbst in seinen Londoner Symphonien sind sie nur in fünf (von zwölf) zu hören. 21 27 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland Diese Symphonie ist als „Militär“ bekannt. Einige andere Sinfonien Haydns tragen ebenfalls Titel. In den meisten Fällen stammen sie nicht vom Komponisten selbst und kennzeichnen nur ein bestimmtes, oft bildliches Detail, beispielsweise die Nachahmung eines Gackerns im langsamen Satz der „Chicken“-Sinfonie oder des „Tickens“ im langsamen Satz der „Clock“. „Symphonie. Eine besondere Geschichte ist mit der fis-Moll-Symphonie verbunden, der der Name „Farewell“ verliehen wurde. Es verfügt über einen zusätzlichen fünften Teil (genauer gesagt eine Coda vom Typ Adagio). Während der Aufführung löschen die Orchestermitglieder nacheinander die Kerzen an ihren Konsolen, nehmen ihre Instrumente und gehen. Zurück bleiben nur noch zwei Geiger, die leise und traurig die letzten Takte zu Ende spielen und ebenfalls gehen. Hierzu gibt es folgende Erklärung. Es ist, als hätte Fürst Miklós I. eines Sommers die Musiker seiner Kapelle in Eszterháza länger als gewöhnlich untergebracht. Und sie wollten schnell Urlaub machen, um ihre Familien zu sehen, die in Eisenstadt lebten. Und das ungewöhnliche zweite Finale der Abschiedssymphonie war ein Hinweis auf diese Umstände. Neben Sinfonien schrieb Haydn viele weitere Werke für Orchester, darunter über hundert einzelne Menuette. Und plötzlich verwandelt sich alles freudig: Die Exposition der Sonate Allegro beginnt. Anstatt langsames Tempo - schnell (Allegro con spirito – „Schnell, mit Begeisterung“), statt schwerer Bass-Unisonate – aus den gleichen Klängen von G und As im hohen Register das erste Motiv des bewegenden, ansteckend fröhlichen Tanzthemas des Hauptteils Teil ist geboren. Alle in der Haupttonart dargelegten Motive dieses Themas beginnen mit einer Wiederholung des ersten Tons – wie mit einem glühenden Stempel versehen: Sinfonie in Es-Dur Dies ist die elfte von Haydns zwölf „Londoner Symphonien“. Die Haupttonart ist Es-Dur. Sie ist als „Symphonie mit Tremolo-Pauken“ 22 bekannt. Die Sinfonie besteht aus vier Sätzen. Der erste Teil beginnt mit einer langsamen Einleitung. Das Tremolo („Roll“) einer auf die Grundtonart gestimmten Pauke erklingt leise. Es ist wie ein entfernter Donnerschlag. Dann entfaltet sich das Thema der Einleitung selbst in glatten, breiten „Leisten“. Zunächst wird es im Oktav-Unisono von Celli, Kontrabässen und Fagotten gespielt. Es scheint, als ob einige geheimnisvolle Schatten ruhig schweben und manchmal innehalten. Also zögern sie und erstarren: In den letzten Takten der Einleitung wechseln sich mehrmals die Unisonotöne auf den benachbarten Tönen G und As ab und zwingen das Ohr zu erwarten – was wird als nächstes passieren? Die doppelte Darbietung des Themas durch Streichinstrumente wird durch einen ausgelassenen Tanzspaß ergänzt, der im gesamten Orchester forte erklingt. Dieser Boom rauscht schnell vorbei und im Verbindungsteil taucht erneut ein Hauch von Geheimnis auf. Die Tonstabilität ist gebrochen. Es erfolgt eine Modulation nach B-Dur (Dominante von Es-Dur) – der Tonalität der Nebenstimme. Im Verbindungsteil gibt es kein neues Thema, sondern es erklingt das ursprüngliche Motiv des Paukenthemas – Halbkugeln mit darüber gespannter Haut, die mit zwei Stöcken angeschlagen werden. Jede Hemisphäre kann nur einen Ton in einer Tonhöhe erzeugen. Klassische Symphonien verwenden normalerweise zwei Hemisphären, die auf die Tonika und die Dominante gestimmt sind. 22 28 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst des Hauptteils und eine entfernte Erinnerung an das Eröffnungsthema: Die Exposition endet mit der Angabe der Tonalität des Nebenteils (B-Dur). Die Exposition wird wiederholt und dann folgt die Durchführung. Es ist voll von polyphoner Imitation und tonal-harmonischer Entwicklung von Motiven, die vom Thema des Hauptteils isoliert sind. Das Thema des Nebenspiels taucht gegen Ende der Entwicklung auf. Es ist vollständig in der Tonart Des-Dur dirigiert, weit entfernt von der Haupttonart, das heißt, es erscheint wie in einem neuen, ungewöhnlichen Licht. Und eines Tages (nach einer allgemeinen Pause mit der Fermate) erscheinen im Bass die Intonationen des geheimnisvollen Eröffnungsthemas. Die Durchführung klingt vorwiegend nach Piano und Pianissimo und nur gelegentlich nach Forte und Fortissimo mit einzelnen Sforzando-Akzenten. Dies verstärkt den geheimnisvollen Eindruck. Motive aus dem Thema des Hauptteils ähneln in ihrer Entwicklung manchmal einem fantastischen Tanz. Man kann sich vorstellen, dass dies ein Tanz einiger geheimnisvoller Lichter ist, die manchmal hell aufleuchten. Bei einer Reprise in der Tonart Es-Dur wird nicht nur die Hauptstimme, sondern auch die Nebenstimme wiederholt und die Verbindungsstimme übersprungen. Im Code taucht ein Geheimnis auf. Es beginnt, wie die Einleitung, mit einem Adagio-Tempo, einem ruhigen Paukentremolo und langsamen Unisono-Läufen. Doch schon bald, ganz am Ende des ersten Satzes, kehren das schnelle Tempo, die laute Klangfülle und die fröhlichen Tanz-„Stampfer“ zurück. Der zweite Teil der Symphonie – Andante – ist eine Variation über zwei Themen – ein Lied in c-Moll und einen Liedermarsch in C-Dur. Der Aufbau dieser sogenannten Doppelvariationen ist wie folgt: Das erste und das zweite Thema werden vorgestellt, dann folgen: die erste Variation des ersten Themas, die erste Variation des zweiten Themas, die zweite Variation des ersten Themas, die zweite Variation des zweiten Themas und der Coda, basierend auf dem Material des zweiten Themas. Bis heute streiten Forscher über die Nationalität des ersten Themas. Kroatische Musiker glauben, dass es sich aufgrund seiner Merkmale um ein kroatisches Volkslied handelt, und ungarische Musiker glauben, dass es sich um ein ungarisches Lied handelt. Auch Serben, Bulgaren und Polen finden darin ihre nationalen Züge. Dieser Streit kann nicht mit Sicherheit gelöst werden, da die Aufnahmen so sind. Das Thema des Seitenteils ist wieder ein lustiges Tanzlied. Aber im Vergleich zur Hauptpartei ist sie nicht so energisch, sondern anmutiger und weiblicher. Die Melodie erklingt aus Violinen und Oboe. Eine typische Walzerbegleitung bringt dieses Thema dem Lander näher – einem österreichischen und süddeutschen Tanz, einem der Vorfahren des Walzers: 29 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst Russlands Die alte Melodie und ihre Worte waren nicht gefunden. Anscheinend vereinte es die Merkmale mehrerer slawischer und ungarischer Melodien; Dies ist insbesondere der eigentümliche Zug für die ausgedehnte Sekunde (Es-Fadieuse): Die Variationen des zweiten Themas nehmen den heroischen Marschgang wieder auf, geschmückt mit virtuosen Passagen – Flötenschnörkel. Und im großen Code gibt es unerwartete Wendungen in der Entwicklung „musikalischer Ereignisse“. Zunächst geht das Marschthema in ein sanftes, transparent klingendes über. Dann entwickelt sich das davon isolierte Motiv mit punktiertem Rhythmus intensiv. Dies führt zum plötzlichen Erscheinen der Tonart Es-Dur, woraufhin die abschließende Leitung des Marschthemas hell und feierlich in C-Dur erklingt. Der dritte Teil der Symphonie – das Menuett – verbindet ursprünglich den ruhigen Gang des High-Society-Tanzes mit kapriziösen großen Sprüngen und Synkopen in der Melodie: einer Melodie und einem zweiten, marschierenden Dur-Thema. Im Gegensatz zum ersten hat es gleichzeitig eine gewisse Verwandtschaft damit – einen Quartschlag, eine auf- und dann absteigende Richtung der Melodie und eine erhöhte IV-Stufe (Fadieuse): Dieses skurrile Thema wird durch eine sanfte, ruhige Bewegung hervorgehoben das Trio – der Mittelteil des Menuetts, angesiedelt zwischen dem ersten Abschnitt und durch seine exakte Wiederholung23: Die Darstellung des ersten Themas mit Streichinstrumenten, Klavier und Pianissimo gleicht einer gemächlichen Erzählung, dem Beginn einer Geschichte über einige ungewöhnliche Ereignisse. Das erste davon könnte eine plötzlich laute Darbietung des zweiten, marschierenden Themas sein, bei dem der Streichergruppe Blasinstrumente hinzugefügt werden. Der Erzählton setzt sich in der ersten Variation des ersten Themas fort. Doch zu seinem Klang gesellen sich klagende und vorsichtige Echos. In der ersten Variation des zweiten Themas färbt die Solovioline die Melodie mit skurrilen Musterpassagen. In der zweiten Variation des ersten Themas nimmt die Erzählung plötzlich einen stürmischen, aufgeregten Charakter an (alle Instrumente werden eingesetzt, auch die Pauke). Im zweiten Teil kontrastiert das Menuett (oder besser gesagt seine extremen, anspruchsvollen und skurrilen Abschnitte) mit den volkstümlichen Alltagsthemen einerseits des ersten und zweiten Teils der Symphonie und andererseits ihres letzten, vierten Teils Teil - das Finale. Hier ist, wie es sich für ein klassisches Sonatenallegro gehört, in der Exposition der Hauptteil in der Haupttonart Es-Dur angelegt, der Nebenteil in der Dominanttonart B-Dur und in der Reprise erklingen beide in Es-Dur. Allerdings wurde der Mittelteil von Orchesterwerken im Seitenteil noch lange nicht in der Regel von drei Instrumenten vorgetragen. Daher kommt auch der Name „Trio“. 23 30 www.classon.ru Die Ausbildung von Kindern im Bereich Kunst in Russland ist vollständig neues Thema . Es basiert auf dem Thema des Hauptteils. abgeleitet vom französischen Wort „ronde“, was „Kreis“ oder „Rundtanz“ bedeutet. Fragen und Aufgaben 1. Wann schufen Haydn und Mozart ihre ausgereiften Sinfonien? 2. Aus welchen Teilen besteht eine Haydn-Symphonie normalerweise? Nennen Sie die Instrumentengruppen in Haydns Orchester. 3. Welche Namen von Haydns Sinfonien kennen Sie? 4. Warum heißt Haydns Symphonie in Es-Dur „mit Tremolo oder Marke“? Mit welchem ​​Abschnitt beginnt es? 5. Beschreiben Sie die Hauptthemen der Sonatenform im ersten Satz dieser Symphonie. 6. In welcher Form und zu welchen Themen wurde der zweite Teil der Sinfonie geschrieben? 7. Beschreiben Sie die Hauptthemen und Abschnitte des dritten Teils. 8. Was ist die Besonderheit des Verhältnisses zwischen den Themen des Haupt- und Nebenteils im Finale? Welcher Zusammenhang besteht zwischen dem Charakter der Musik im ersten Teil der Symphonie und im Finale? Somit stellt sich heraus, dass das gesamte Ende auf einem Thema basiert. Wie in einem komplizierten Spiel greift der Komponist das Thema entweder vollständig auf oder kombiniert seine Variationen und Einzelelemente gekonnt. Und sie selbst ist kompliziert. Schließlich erscheint darin zunächst eine harmonische Basis – der sogenannte „goldene Strich“ zweier Hörner – ein typisches Signal von Jagdhörnern. Und erst dann wird dieser Basis eine Tanzmelodie überlagert, die kroatischen Volksliedern nahe kommt. Es beginnt mit dem „Aufstampfen“ eines Tons, und anschließend wird dieses Motiv viele Male wiederholt, nachgeahmt und wechselt von einer Stimme zur anderen. Dies erinnert an das Eröffnungsmotiv des Hauptthemas des ersten Teils und wie es dort entwickelt wird. Darüber hinaus gab der Komponist im Finale das gleiche Tempo an – Allegro con spirito. So dominiert im Finale endlich das Element des heiteren Volkstanzes. Aber es hat hier einen besonderen Charakter – es ähnelt einem komplizierten Rundtanz, einem Gruppentanz, bei dem Tanz mit Gesang und spielerischer Aktion kombiniert wird. Dies wird auch dadurch bestätigt, dass in der Exposition der Hauptteil noch zweimal in der Haupttonart wiederholt wird – nach einer kleinen Übergangsepisode und nach einem Nebenteil. Das heißt, es scheint sich wieder im Kreis zu bewegen. Und dadurch werden Merkmale der Rondoform in die Sonatenform eingeführt. Schon das Wort „Rondo“ verdrängte, wie bereits erwähnt, die Kreativität des Klaviers. Als Haydn seine Werke für Klavier schuf, verdrängte das Klavier nach und nach das Cembalo und das Clavichord aus der musikalischen Praxis. Haydn schrieb seine frühen Werke für diese alten Tasteninstrumente, und in Ausgaben späterer Jahre begann er, „für Cembalo oder Klavier“ und schließlich manchmal nur „für Klavier“ anzugeben. Unter seinen Klavierwerken nehmen die Solosonaten den bedeutendsten Platz ein. Früher glaubte man, dass Haydn nur 52 davon besaß. Doch dann stieg diese Zahl dank der Recherchen von Forschern auf 62. Zu den bekanntesten zählen Sonaten in D-Dur und e-Moll24. Sonate in D-Dur Das Thema des Hauptteils, mit dem der erste Teil dieser Sonate beginnt, ist ein vor Spaß und Fröhlichkeit sprühender Tanz mit jungenhaft verschmitzten Oktavsprüngen, Vorschlagsnoten, Beizen und Klangwiederholungen. Man kann sich solche Musik auch in Operebuffa vorstellen: In früheren Ausgaben sind diese Sonaten als „Nr. 37“ und „Nr. 34“ abgedruckt, in späteren Ausgaben als „Nr. 50“ und „Nr. 53“. 24 31 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland Die Entwicklung des Themas des Nebenteils wird jedoch von schelmischen Sprüngen aus dem Hauptteil und dann von einer pingeligen Passagenbewegung aus dem Verbindungsteil durchdrungen. Es wird intensiver, umfassender und beruhigt sich plötzlich schnell – wie durch eine sofort getroffene Entscheidung. Danach endet die Ausstellung mit einem fröhlich tanzenden Schlussteil. Es ist wieder viel los in der Entwicklung. Hier erfolgt ein Oktavsprung vom Thema des Hauptteils hin zu diesem linke Hand , Sie werden noch schelmischer, und der Passagensatz erreicht eine noch größere Spannung und größere Reichweite als bei der Entwicklung des Themas des Nebenspiels in der Exposition. In der Reprise verdeutlicht der Klang der Neben- und Schlussstimmen in der Haupttonart (D-Dur) die Dominanz der fröhlichen Stimmung. Der stärkste Kontrast wird in die Sonate durch den kurzen zweiten Satz eingeführt, der langsam und zurückhaltend ist. Es ist in der gleichnamigen Tonart d-Moll geschrieben. In der Musik hört man den schweren Schritt der Sarabande, eines alten Tanzes, der oft den Charakter eines Trauerzuges annahm. Und in den ausdrucksstarken melodischen Ausrufen mit Triolen und punktierten Rhythmusfiguren besteht eine Ähnlichkeit mit den traurigen Gesängen der ungarischen Zigeuner: Fröhliche, pingelige Sechzehntelpassagen füllen den verbindenden Teil. Und das Thema des Seitenteils (in der Tonart A-Dur) ist ebenfalls Tanz, nur zurückhaltender und eleganter: 32 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der russischen Kunst Sonate in e-Moll In den frühen 1780er Jahren war Haydn der erste erhielt eine Einladung zu einer Konzertreise nach London. Er bereitete sich fleißig darauf vor, konnte es dann aber aufgrund seiner Dienstpflichten in der Esterhazy-Kapelle nicht durchführen. Möglicherweise spiegelten sich Träume von einer fernen „Übersee“-Reise und die damit verbundenen Erlebnisse in der damals erschienenen e-Moll-Sonate wider. Dies ist die einzige der wenigen Moll-Sonaten Haydns, bei der sich im ersten Satz ein ausgeprägter lyrischer Charakter mit einem sehr schnellen Tempo verbindet. Auch das Thema des Hauptteils dieses Satzes, mit dem die Sonate beginnt, ist eigenartig: Doch in Haydns optimistischer Kunst werden die dunklen Bilder des Todes stets von hellen Bildern des Lebens überwältigt. Und der zweite d-Moll-Teil dieser Sonate, der nicht mit der Tonika, sondern mit dem Dominantsakkord endet, geht direkt zum schnellen D-Dur-Finale 25 über. Das Finale ist in Form eines Rondo aufgebaut, bei dem das Hauptthema der Refrain ist (in der Haupttonart D-Dur) – wird dreimal wiederholt, und zwischen seinen Wiederholungen gibt es wechselnde Abschnitte – Episoden: die erste Episode in d-Moll und die zweite in G-Dur. Hier schlüpfen nur in der ersten d-Moll-Episode traurige Erinnerungen durch – ein Echo des Mittelteils. Die zweite G-Dur-Episode ist bereits nachlässig heiter und mündet in einem komischen „Appell“ der rechten und linken Hand auf demselben Ton. Und das fliegend tanzende Hauptthema des Finales (Rondo-Refrain) ist eines der fröhlichsten bei Haydn: Die ersten Phrasen des Themas bestehen aus einer Kombination zweier Elemente. Im Bass, in der linken Hand, bewegt sich das Klavier auf einem Moll-Dreiklang – wie Rufe, irgendwohin in die Ferne zu eilen. Und unmittelbar in der rechten Hand folgen zitternde, wie zweifelnde, zögernde Motive-Antworten. Die allgemeine Bewegung des Themas ist weich, wellig und schwankend. Darüber hinaus ist die Größe des ersten Teils – 6/8 – typisch für das Genre der Barkarolen – „Lieder auf dem Wasser“26. Im Verbindungsteil erfolgt eine Modulation nach G-Dur parallel zu e-Moll – die Tonalität der Seiten- und Schlussteile. Der Verbindungs- und Schlussteil, gefüllt mit bewegenden Passagen aus Sechzehntelnoten, umrahmt den Seitenteil – leicht, verträumt. Darauf weisen die italienischen Worte „attacca subito il Finale“ hin, was „sofort mit dem Finale beginnen“ bedeutet. Ursprünglich wurden die Lieder der venezianischen Gondolieri Barkarolen genannt. Der Name des Genres selbst leitet sich vom italienischen Wort „barca“ – „Boot“ ab. 25 26 33 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland, als ob sie aufsteigen würde: Die Natur, als die Signale ertönten, als ob sie zur Rückkehr aufriefen, schien das Herz vor freudiger Besorgnis zu flattern! Und hier erscheint nach dem Akkordübergang das Hauptthema des dritten Satzes (Finale). Dies ist der Refrain der Rondoform, in der das Finale geschrieben ist. Es sieht aus wie ein inspiriertes Begleitlied, das Ihnen hilft, „mit vollen Segeln“ in Ihr Heimatland zu eilen: Das Diagramm der Rondoform im Finale lautet also wie folgt: Refrain (e-Moll), erste Episode (E-Dur), Refrain (e-Moll), zweite Episode (E-Dur), Refrain (e-Moll). Beide Episoden sind durch melodische Verwandtschaft mit dem Refrain und untereinander verbunden. Beim Erklingen der Verbindungs-, Seiten- und Schlussstimmen zeichnet die Fantasie verlockende Bilder – wie frei der Rückenwind weht, wie freudig die schnelle Bewegung einen vorwärts trägt. Darüber hinaus überwiegen in der Durchführung, die auf dem Material der Haupt-, Verbindungs- und Schlussstimmen aufbaut, Abweichungen in Moll-Tonarten. In der Haupttonart, also nicht in Dur, sondern in Moll, erklingen in der Reprise die umfangreicher gewordenen Neben- und Schlussstimmen. Dennoch werden Traurigkeit und spirituelle Zweifel letztendlich durch das Streben ins Unbekannte überwunden. Dies ist die Bedeutung der letzten Takte des ersten Satzes, in denen der beschwörende Beginn des Themas des Hauptteils bemerkenswert wiederholt wird. Der zweite Teil der Sonate, langsam, in G-Dur, ist eine Art Instrumentalarie, durchdrungen von einer hellen, kontemplativen Stimmung. Ihre hellen Koloraturen sind durchdrungen von Echos des Vogelgezwitschers und des Plätscherns der Bäche: Fragen und Aufgaben 1. Nennen Sie die Hauptgattung von Haydns Tastenmusik. Wie viele seiner Sonaten sind bekannt? 2. Beschreiben Sie die Hauptabschnitte des ersten Satzes der Sonate in D-Dur. Gibt es in diesem Teil eine Verbindung zwischen Haupt- und Nebenpartei? 3. Welchen Kontrast bildet der zweite Teil zur Musik der D-Dur-Sonate? In welcher Beziehung steht es zum Ende? 4. Erzählen Sie uns von den Strukturmerkmalen und der Natur des Themas des Hauptteils des ersten Satzes der Sonate in e-Moll. Erweitern und charakterisieren Sie die verbleibenden Themen und Abschnitte dieses Teils. 5. Welchen Charakter hat der zweite Satz der Sonate in e-Moll? 6. Erzählen Sie uns etwas über die Form des Finales der Sonate in e-Moll und die Art ihres Hauptthemas. Hauptwerke Über 100 Sinfonien (104) Mehrere Konzerte für verschiedene Instrumente mit Orchester Über 80 Quartette (für zwei Violinen, Bratsche und Cello) (83) 62 Klaviersonaten Oratorien „Die Erschaffung der Welt“ und „Die Jahreszeiten“ 24 Opern Arrangements schottischer und irischer Lieder Egal wie süß ein friedlicher Urlaub irgendwo in der Ferne ist, im Schoß von 34 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland in vielen Genres geschrieben - seine Sinfonien, Instrumentalkonzerte, verschiedene Kammerensembles, Klaviersonaten, Requiem für Chor, Solisten und Orchester. Mozarts phänomenales Talent, das sich ungewöhnlich früh manifestierte und sich schnell entwickelte, machte einen Kreis um seinen Namen; der Heiligenschein des legendären „musikalischen Wunders“. Lebendige Eigenschaften; A. S. Puschkin gab ihm als inspirierten Künstler das Stück („Kleine Tragödie“) „Mozart und Salieri“. Auf dieser Grundlage entstand die gleichnamige Oper von N. A. Rimsky Korsakov. 27. Mozart war P. I. Tschaikowskys Lieblingskomponist. 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Lebensweg Familie. Frühe Kindheit. Der Geburtsort des im Januar 1756 geborenen Wolfgang Amadeus Mozart ist die österreichische Stadt Salzburg. Es liegt malerisch am hügeligen Ufer der schnellen Salzach, die im östlichen Alpenvorland ihren Lauf nimmt. Salzburg war die Hauptstadt eines kleinen Fürstentums, dessen Herrscher den kirchlichen Rang eines Erzbischofs innehatte. Der Vater von Wolfgang Amadeus, Leopold Mozart, diente in seiner Kapelle. Er war ein ernsthafter und hochgebildeter Musiker – ein produktiver Komponist, Geiger, Organist und Lehrer. Die von ihm herausgegebene Schule des Geigenspiels verbreitete sich in mehreren Ländern, darunter auch in Russland. Von den sieben Kindern Leopolds und seiner Frau Anna Maria überlebten nur zwei – der jüngste Sohn Wolfgang Amadeus und die ältere Tochter Maria Anna (Nannerl)! Bruder seit viereinhalb Jahren. Als sein Vater begann, Nannerl, der über hervorragende Fähigkeiten verfügte, das Cembalospielen beizubringen, begann er bald, beim dreijährigen Wolfgang zu lernen, und bemerkte sein ausgezeichnetes Gehör und sein erstaunliches musikalisches Gedächtnis. Vier Jahre lang versuchte der Junge bereits zu komponieren Musik, und seine ersten erhaltenen Cembalostücke wurden von seinem Vater aufgenommen, als der Autor erst fünf Jahre alt war. Es gibt eine bekannte Geschichte darüber, wie der vierjährige Wolfgang versuchte, ein Klavierkonzert zu komponieren. Zusammen mit der Feder tauchte er seine Finger in das Tintenfass und machte Flecken auf dem Notenpapier. Erst als mein Vater sich diese kindische Aufnahme genau ansah, entdeckte er durch die Flecken darin eine unbestrittene musikalische Bedeutung. Einer der größten Musikgenies, der österreichische Komponist Wolfgang Amadeus Mozart, lebte nur 35 Jahre. Davon komponierte er dreißig Jahre lang Musik und leistete mit seinem Vermächtnis von mehr als 600 Werken einen unschätzbaren Beitrag zum goldenen Fundus der Weltkunst. Die wahrste und höchste Einschätzung von Mozarts schöpferischer Begabung zu seinen Lebzeiten wurde von seinem ältesten Zeitgenossen Joseph Haydn abgegeben. „...Dein Sohn“, sagte er einmal zum Vater von Wolfgang Amadeus, „ größter Komponist, den ich persönlich und namentlich kenne; er hat Geschmack und darüber hinaus die größte Kompositionskenntnis.“ Die Musik von Haydn und Mozart, die als Wiener Klassiker bezeichnet werden, verbindet eine optimistische, aktive Wahrnehmung der Welt, eine Kombination aus Einfachheit und Natürlichkeit im Ausdruck von Gefühlen mit ihrer poetischen Erhabenheit und Tiefe. Gleichzeitig gibt es einen erheblichen Unterschied zwischen ihren künstlerischen Interessen. Haydn steht volkstümlichen und lyrisch-epischen Bildern näher, während Mozart lyrischen und lyrisch-dramatischen Bildern näher steht. Mozarts Kunst besticht vor allem durch ihre Sensibilität für menschliche Gefühlserlebnisse sowie ihre Genauigkeit und Lebendigkeit in der Verkörperung verschiedener menschlicher Charaktere. Das hat es großartig gemacht Opernkomponist. Seine Opern, allen voran „Die Hochzeit des Figaro“, „Don Giovanni“ und „Die Zauberflöte“, erfreuen sich seit dem dritten Jahrhundert stets großer Beliebtheit und wurden auf den Bühnen aller Musiktheater aufgeführt. Einen der ehrenvollsten Plätze im Weltkonzertrepertoire nehmen die Werke Mozarts ein. Die Version, dass Salieri Mozart aus Neid vergiftet habe, ist nur eine Legende. Tschaikowsky orchestrierte vier Klavierstücke Mozart und stellte daraus die Suite „Mozartiana“ zusammen. 27 28 35 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland wird ein Violinkonzert geben... auf einem mit einem Schal bedeckten Keyboard spielen, als ob es vor seinen Augen wäre, dann aus der Ferne benennt alle Klänge einzeln oder die Akkorde werden auf dem Klavier oder einem anderen Instrument aufgenommen oder von Gegenständen erzeugt – einer Glocke, einem Glas, einer Uhr. Am Ende wird er nicht nur auf dem Cembalo, sondern auch auf der Orgel so lange improvisieren, wie die Zuhörer wollen, und zwar in allen, auch den schwierigsten Tonarten, die ihm berufen sind ...“ Erste Konzertreisen. Leopold Mozart beschloss, mit seinen hochbegabten Kindern Konzertreisen in die großen Musikzentren zu unternehmen. Die erste Reise – in die deutsche Stadt München – fand Anfang 1762 statt, als Wolfgang kaum sechs Jahre alt war. Sechs Monate später ging die Familie Mozart nach Wien. Dort traten Wolfgang und Nannerl am kaiserlichen Hof auf, hatten großen Erfolg und wurden mit Geschenken überschüttet. Im Sommer 1763 unternahmen die Mozarts eine ausgedehnte Reise nach Paris und London. Doch zunächst besuchten sie eine Reihe deutscher Städte und auf dem Rückweg erneut Paris, außerdem Amsterdam, Den Haag, Genf und mehrere andere Städte. Die Auftritte der kleinen Mozarts, allen voran Wolfgang, erregten überall, selbst an den prunkvollsten Fürstenhöfen, Überraschung und Bewunderung. Nach damaligem Brauch trat Wolfgang in einem mit Gold bestickten Anzug und einer gepuderten Perücke vor einem adeligen Publikum auf, verhielt sich aber gleichzeitig mit rein kindischer Spontaneität; er konnte beispielsweise der Kaiserin auf den Schoß springen . Die Konzerte, die 4-5 Stunden am Stück dauerten, waren für die kleinen Musiker sehr anstrengend, für das Publikum wurden sie jedoch zu einer Art Unterhaltung. In einer der Ankündigungen hieß es: „...Ein Mädchen im zwölften Jahr und ein Junge im siebten Jahr werden ein Konzert auf dem Cembalo spielen... Außerdem wird der Junge 36 www.classon.ru Kindererziehung in Der Bereich der Kunst in Russland Die Konzerttournee dauerte mehr als drei Jahre und brachte Wolfgang viele verschiedene Eindrücke. Er hörte zahlreiche Instrumental- und Vokalwerke, traf einige herausragende Musiker (in London – mit dem jüngsten Sohn von Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Zwischen den Auftritten beschäftigte sich Wolfgang mit Begeisterung mit der Komposition. In Paris wurden vier seiner Sonaten für Violine und Cembalo veröffentlicht, mit dem Hinweis, dass es sich dabei um Werke eines siebenjährigen Jungen handelte. In London schrieb er seine ersten Sinfonien. Rückkehr nach Salzburg und Aufenthalt in Wien. Erste Oper. Ende 1766 kehrte die ganze Familie nach Salzburg zurück. Unter der Anleitung seines Vaters begann Wolfgang, sich systematisch mit der Kompositionstechnik zu beschäftigen. Die Mozarts verbrachten das gesamte Jahr 1768 in Wien. Im Rahmen eines Vertrages mit dem Theater schrieb der zwölfjährige Wolfgang in drei Monaten die Opera buffa „Der eingebildete Einfaltspinsel“ nach italienischen Vorbildern. Die Proben begannen, aber die Aufführung wurde verschoben und dann ganz abgesagt (wahrscheinlich aufgrund der Intrigen neidischer Menschen). Es fand erst im darauffolgenden Jahr in Salzburg statt. In Wien komponierte Wolfgang zahlreiche weitere Musikstücke, darunter fünf Sinfonien, und dirigierte erfolgreich seine feierliche Messe bei der Weihe der neuen Kirche. Reisen nach Italien. Von Ende 1769 bis Anfang 1773 unternahm Wolfgang Amadeus mit seinem Vater drei längere Reisen durch Italien. In diesem „Land der Musik“ trat der junge Mozart mit großem Erfolg in mehr als einem Dutzend Städten auf, darunter Rom, Neapel, Mailand und Florenz. Er dirigierte seine Sinfonien, spielte Cembalo, Violine und Orgel, improvisierte Sonaten und Fugen zu vorgegebenen Themen, Arien zu vorgegebenen Texten, spielte schwierige Werke hervorragend vom Blatt und wiederholte sie in anderen Tonarten. Er besuchte Bologna zweimal, wo er einige Zeit Unterricht beim berühmten Lehrer, Theoretiker und Komponisten Padre Martini nahm. Nachdem er eine schwierige Prüfung (Schreiben einer polyphonen Komposition unter Verwendung komplexer polyphoner Techniken) mit Bravour bestanden hatte, wurde der vierzehnjährige Mozart ausnahmsweise zum Mitglied der Bologna Philharmonic Academy gewählt. Und gemäß der Satzung durften nur Musiker in die Kirche aufgenommen werden, die das zwanzigste Lebensjahr vollendet hatten und über Erfahrung in dieser maßgeblichen Institution verfügten. Als Mozart in Rom die Sixtinische Kapelle in der Vatikanstadt (päpstliche Residenz) 29 besuchte, hörte er einst ein großes polyphones geistliches Werk für zwei Chöre des italienischen Komponisten Gregorio Allegri aus dem 17. Jahrhundert. Dieses Werk galt als Eigentum des Papstes und durfte weder umgeschrieben noch verbreitet werden. Doch Mozart schrieb die gesamte komplexe Chorpartitur auswendig auf, und das päpstliche Chormitglied bestätigte die Richtigkeit der Aufnahme. Italien, ein großes Land nicht nur der Musik, sondern auch der bildenden Künste und der Architektur, bescherte Mozart eine Fülle künstlerischer Eindrücke. Der Besuch von Opernhäusern faszinierte ihn besonders. Der junge Mann beherrschte den italienischen Opernstil so gut, dass er in kurzer Zeit drei Opern schrieb, die dann mit großem Erfolg in Mailand aufgeführt wurden. Dabei handelt es sich um zwei Opera seria – „Mithridates, König von Pontus“ und „Lucius Sulla“ – und eine Hirtenoper auf einer mythologischen Handlung „Ascanio in Alba“30. Ausflüge nach Wien, München, Mannheim, Paris. Trotz seiner glänzenden Schaffens- und Konzerterfolge gelang es Wolfgang Amadeus nicht, am Hofe eines Herrschers der italienischen Staaten tätig zu werden. Ich musste nach Salzburg zurückkehren. Hier regierte anstelle des verstorbenen Erzbischofs ein neuer, despotischerer und unhöflicherer Herrscher. Für die in seinen Diensten stehenden Vater- und Sohn-Mozarts wurde es schwieriger, Urlaub für neue Reisen zu bekommen. Doch das Opernhaus, für das Mozart komponieren wollte, gab es in Salzburg nicht, und andere Möglichkeiten zur musikalischen Betätigung waren begrenzt. Die Reise der beiden Musiker nach Wien konnte nur stattfinden, weil der Salzburger Erzbischof selbst die Hauptstadt Österreichs besuchen wollte. Widerwillig erteilte er den Mozarts auch die Reiseerlaubnis; München, wo eine neue Opera buffa des jungen Komponisten aufgeführt wurde. Und für die nächste Reise gelang es nur Wolfgang Amadeus unter großen Mühen, die Genehmigung zu erhalten. Sein Vater musste in Salzburg bleiben und seine Mutter begleitete seinen Sohn. Der erste längere Stopp fand in der deutschen Stadt Mannheim statt. Hier wurden Wolfgang Amadeus und Anna Maria in seinem Haus von einem der Leiter des damals berühmten Sinfonieorchesters, einem Vertreter der vorklassischen Mannheimer Kompositionsschule, herzlich empfangen. In Mannheim komponierte Mozart von italienischen Künstlern, darunter Michelangelo. 30 Das Königreich Pontus ist ein alter Staat am Schwarzen Meer, hauptsächlich an der heutigen türkischen Küste („Pont Euxine“, d. h. „gastfreundliches Meer“, der altgriechische Name für das Schwarze Meer). Lucius Sulla ist eine antike griechische militärische und politische Persönlichkeit. Pastoral (vom italienischen Wort „pastore“ – „Hirte“) ist ein Werk mit einer Handlung, die das Leben im Schoß der Natur idealisiert. Die Sixtinische Kapelle - Hauskirche Päpste im Vatikan; Es wurde im 15. Jahrhundert unter Papst Sixtus IV. erbaut. Die Wände und die Decke der Kapelle sind mit großartigen 29 37 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland bemalt. Es gibt eine Reihe von Werken, vor allem Instrumentalwerke, die durch den bereits ausgereiften Musikstil gekennzeichnet sind. Aber auch hier gab es für Wolfgang Amadeus keine dauerhafte Stelle frei. Im Frühjahr 1778 kamen Mozart und seine Mutter in Paris an. Die Hoffnung, dort echte Anerkennung zu erlangen und eine herausragende Stellung einzunehmen, erfüllte sich jedoch nicht. In der französischen Hauptstadt hatte man das Wunderkind, dieses scheinbar lebende Spielzeug, bereits vergessen und das aufblühende Talent des jungen Musikers nicht erkannt. Mozart hatte weder bei der Organisation von Konzerten noch bei der Auftragsvergabe für die Oper Erfolg. Er lebte von den mageren Einnahmen aus dem Unterricht, für das Theater konnte er nur Musik für das kleine Ballett „Trinkets“ schreiben. Aus seiner Feder entstanden neue wunderbare Werke, die jedoch damals keine ernsthafte Aufmerksamkeit erregten. Und im Sommer erlitt Wolfgang Amadeus einen schweren Kummer: Seine Mutter wurde krank und starb. Am Anfang nächstes Jahr Mozart kehrte nach Salzburg zurück. Oper „Idomeneo“. Bruch mit dem Erzbischof und Umzug nach Wien. Die wichtigsten Ereignisse der nächsten Jahre für Mozart waren die Entstehung und Aufführung der Oper „Idomeneo, König von Kreta“ in München, ihr großer Erfolg. Hier wurden die besten Qualitäten der italienischen Opera seria mit den Prinzipien von Glucks Opernreform vereint. Dies bereitete den Weg für die Entstehung von Mozarts brillanten, originellen Opernmeisterwerken. ...Das Jahr war 1781. Mozart wurde 25 Jahre alt. Er ist Autor von dreieinhalbhundert Werken voller neuer kreativer Ideen. Und für den Erzbischof von Salzburg ist er nur ein musikalischer Diener, den der arrogante und despotische Besitzer zunehmend unterdrückt und demütigt, ihn zwingt, „über den Köchen, aber unter den Lakaien“ am Tisch in der Volksstube zu sitzen und dies nicht tut Erlauben Sie ihm, ohne Erlaubnis irgendwohin zu gehen oder irgendwo aufzutreten. . All dies wurde für Mozart unerträglich, und er reichte seinen Rücktritt ein. Der Erzbischof lehnte ihn zweimal mit Flüchen und Beleidigungen ab, und sein enger Mitarbeiter warf den Musiker grob aus der Tür. Aber er blieb, nachdem er einen mentalen Schock erlebt hatte, standhaft bei seiner Entscheidung. Mozart war der erste große Komponist, der stolz mit der finanziell sicheren, aber abhängigen Stellung eines Hofmusikanten brach. Wien: das letzte Jahrzehnt. Mozart ließ sich in Wien nieder. Nur gelegentlich verließ er die österreichische Hauptstadt für kurze Zeit, etwa im Zusammenhang mit der Uraufführung seiner Oper Don Giovanni in Prag oder während zweier Konzertreisen in Deutschland. 1782 heiratete er Constance Weber, die sich durch ihr fröhliches Gemüt und ihre Musikalität auszeichnete. Nach und nach wurden Kinder geboren (aber von den sechs starben vier als Säuglinge). Mozarts Einkünfte aus Konzertauftritten als Interpret seiner Klaviermusik, aus der Veröffentlichung von Werken und der Aufführung von Opern waren unregelmäßig. Darüber hinaus wusste Mozart als freundlicher, vertrauensvoller und unpraktischer Mensch nicht, wie er mit Geldangelegenheiten umsichtig umgehen sollte. Die Ernennung Ende 1787 zum schlecht bezahlten Hofkammermusikanten, dessen Aufgabe es ausschließlich war, Tanzmusik zu komponieren, bewahrte ihn nicht vor der oft erlebten Geldnot. Insgesamt hat Mozart in zehn Wiener Jahren mehr als zweieinhalbhundert neue Werke geschaffen. Darunter glänzten seine herausragenden künstlerischen Leistungen in vielen Genres. Im Jahr von Mozarts Hochzeit wurde sein glanzvolles Singspiel „Die Entführung aus dem Serail“ mit großem Erfolg in Wien aufgeführt; humor31. Und die Opera buffa „Die Hochzeit des Figaro“, original; Dazu gehören die in den letzten Wiener Jahren entstandenen Genres „Lustdrama“ „Don Juan“ und das Opernmärchen „Die Zauberflöte“. zu den höchsten Gipfeln, erreicht durch Musiktheater im gesamten! seine Geschichte. Mozart schrieb im Sommer 1788 seine drei besten Sinfonien, darunter auch die g-Moll (Nr. 40), die sich als seine letzten herausstellten. Im selben Jahrzehnt erschienen zahlreiche weitere Instrumentalwerke des Komponisten – das vierteilige Orchesterwerk „Kleine Nachtserenade“, eine Reihe von Klavierkonzerten, Sonaten und verschiedene Kammerensembles. Sechs seiner Streichquartette widmete Mozart Haydn, zu dem ihn eine herzliche Beziehung entwickelte. freundschaftliche Beziehungen . In diesen Jahren studierte Mozart mit großem Interesse die Werke von Bach und Händel. Mozarts jüngstes Werk ist das Requiem, eine Trauermesse für Chor, Solisten und Orchester32. Im Juli 1791 wurde es vom Komponisten in Auftrag gegeben, von einem Mann, der seinen Namen nicht nennen wollte. Dies schien mysteriös und konnte düstere Vorahnungen hervorrufen. Erst wenige Jahre später stellte sich heraus, dass der Auftrag von einem Wiener Grafen stammte, der ein Werk eines anderen kaufen und als sein eigenes ausgeben wollte. Aufgrund einer schweren Erkrankung konnte Mozart das Requiem nicht vollständig vollenden. Es wurde nach Entwürfen eines Schülers des Komponisten angefertigt. Es gibt eine Geschichte, dass am Vorabend des Todes des großen Musikers, der in der Nacht des 5. Dezember 1791 folgte, Freunde mit ihm Teile eines unvollendeten Werks sangen. Dem traurigen Konzept des Requiems entsprechend erlangte die inspirierte lyrische und dramatische Ausdruckskraft von Mozarts Musik eine besondere Erhabenheit und Ernsthaftigkeit. Aus Geldmangel wurde Mozart in einem Gemeinschaftsgrab für 31 32 Serail beigesetzt – die weibliche Hälfte in den Häusern wohlhabender östlicher Adliger. Das lateinische Wort „Requiem“ bedeutet „Ruhe“. 38 www.classon.ru Die künstlerische Ausbildung der Kinder ist in Russland schlecht und der genaue Ort seiner Beerdigung ist unbekannt. denn Suzanne verkleidete sich in ihrem Kleid als Gräfin. Almaviva schämt sich für seine Frau und ist gezwungen, Figaro und Suzanne nicht länger daran zu hindern, ihre Hochzeit zu feiern, die einen „verrückten Tag“ voller unerwarteter Ereignisse aller Art auf fröhliche und glückliche Weise beendet. Die Oper beginnt mit einer Ouvertüre, die sich großer Beliebtheit erfreut und oft in Sinfoniekonzerten aufgeführt wird.34 Im Gegensatz zu vielen anderen Ouvertüren verwendet diese Ouvertüre keine Themen, die in der Oper selbst vorkommen. Die Gesamtstimmung der weiteren Handlung, ihre faszinierende Schnelligkeit und überschäumende Fröhlichkeit werden hier anschaulich vermittelt. Die Ouvertüre ist in Sonatenform geschrieben, jedoch ohne Durchführung, die durch eine kurze Verbindung zwischen Exposition und Reprise ersetzt wird. Dabei stechen fünf Themen deutlich hervor, die sich schnell gegenseitig ablösen. Die erste und zweite davon bilden die Hauptcharge, die dritte und vierte die Nebencharge und die fünfte die Endcharge. Sie sind alle energisch, aber gleichzeitig hat jeder seinen eigenen besonderen Charakter. Das erste Thema des Hauptteils, unisono von Streichinstrumenten und Fagotten vorgetragen, bewegt sich schnell und mit verschmitzter Beweglichkeit: Fragen und Aufgaben 1. Was hat Mozarts Musik mit Haydns Musik gemeinsam? Was ist der Unterschied zwischen den künstlerischen Interessen dieser beiden Wiener Klassiker? 2. Erzählen Sie uns etwas über die Familie und frühe Kindheit von Wolfgang Amadeus Mozart. 3. In welchen Ländern und Städten trat Mozart als kleiner Junge auf? Wie waren diese Auftritte? 4. In welchem ​​Alter schrieb Mozart seine erste Opera Buffa? Wie hieß es und wo wurde es angesiedelt? 5. Erzählen Sie uns von den Reisen des jungen Mozart nach Italien. 6. Welche Städte besuchte Mozart später? War seine Reise nach Paris erfolgreich? 7. Erzählen Sie uns von Mozarts Bruch mit dem Salzburger Erzbischof. 8. Beschreiben Sie das letzte Jahrzehnt von Mozarts Leben und Werk. Nennen Sie die wichtigsten Werke, die er in dieser Zeit geschaffen hat. Oper „Die Hochzeit des Figaro“ Die Uraufführung von Mozarts Oper „Die Hochzeit des Figaro“ fand 1786 in Wien statt. Die ersten beiden Aufführungen wurden vom Komponisten selbst am Cembalo dirigiert. Der Erfolg war enorm, viele der Nummern wurden als Zugaben wiederholt. Das Libretto (mündlicher Text) dieser Oper in vier Akten wurde in italienischer Sprache von Lorenzo da Ponte verfasst und basiert auf der Komödie „Der verrückte Tag oder Die Hochzeit des Figaro“ des französischen Schriftstellers Beaumarchais. Im Jahr 1875 übersetzte P. I. Tschaikowsky dieses Libretto ins Russische, und in seiner Übersetzung wird die Oper in unserem Land aufgeführt. Mozart bezeichnete „Die Hochzeit des Figaro“ als „Opera buffa“. Aber es ist nicht nur eine unterhaltsame Komödie mit lustigen Situationen. Hauptsächlich Figuren in der Musik als eine Vielzahl lebender menschlicher Charaktere dargestellt. Und die Grundidee von Beaumarchais' Stück stand Mozart nahe. Denn es besteht darin, dass Graf Almavivas Diener Figaro und seine Braut, die Magd Suzanne, sich als klüger und anständiger erweisen als ihr Titelherr, dessen Intrigen sie geschickt aufdecken. Der Graf selbst hat Gefallen an Suzanne gefunden und versucht, ihre Hochzeit zu verschieben. Doch Figaro und Susanna überwinden geschickt alle auftretenden Hindernisse und ziehen die Frau des Grafen und den jungen Pagen Cherubino 33 auf ihre Seite. Am Ende arrangieren sie alles so, dass der Graf am Abend im Garten den zweiten Fanfarenschwung akzeptiert: Nach dem Pagen – ein Junge oder Jugendlicher adliger Herkunft, der im Dienst einer adligen Person dient. Das verbindende Thema des Hauptteils und des ausgefüllten Teils unterscheidet sich hauptsächlich. Erinnern wir uns daran, dass das Wort „Ouvertüre“ vom französischen Verb „ouvrir“ abgeleitet ist, was „öffnen“, „beginnen“ bedeutet. 33 34 39 www.classon.ru fett Kindererziehung im Bereich der russischen Kunst in tonleiterartigen Passagen, das erste Thema des Seitenteils erscheint, dessen Melodie von Violinen gespielt wird. Das Thema hat einen rhythmisch skurrilen, leicht kapriziösen, aber anhaltenden Charakter: Gesangsnummern. So erklingt die erste Solonummer in der Partie des Figaro (sie ist dem Bariton anvertraut) – eine kleine Arie (Cavatina) – unmittelbar nachdem Suzanne ihrem Verlobten mitgeteilt hat, dass der Graf begonnen hat, sie mit seinen Annäherungsversuchen zu verfolgen. In diesem Zusammenhang summt Figaro spöttisch die Melodie im Satz des Menuetts – ein galanter High-Society-Tanz (die extremen Abschnitte der dreiteiligen Reprisenform der Cavatina): Das zweite Thema des Seitenteils ähnelt entscheidenden Ausrufen: Und die Das Thema des Schlussteils ist am ausgewogensten, als würde es alles klären: In der Reprise werden die Seiten- und Schlussteile in der Haupttonart D-Dur wiederholt. Sie werden von einer Coda begleitet, die den heiteren und lebhaften Charakter der Ouvertüre zusätzlich unterstreicht. In dieser Oper von Mozart nehmen Vokalensembles einen großen Platz ein, hauptsächlich Duette (für zwei Charaktere) und Terzette (für drei Charaktere). Sie werden durch Rezitative getrennt, die von einem Cembalo begleitet werden. Und der zweite, dritte und letzte, vierte Akt enden mit Finales – großen Ensembles mit der Beteiligung von sechs bis elf Charakteren. Die Soli werden auf unterschiedliche Weise in die dynamische Entwicklung der Handlung einbezogen. Und im Mittelteil der Kavatina wird der verhaltene Satz durch einen schnellen ersetzt, die anmutige Dreitaktmelodie wird durch eine durchsetzungsfähige Zweitaktmelodie ersetzt. Hier bringt Figaro bereits entschieden seine Absicht zum Ausdruck, die heimtückischen Pläne seines Meisters um jeden Preis zu verhindern: 40 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland Die berühmteste Nummer in der Rolle des Figaro ist seine Arie „Ein verspielter Junge , lockig, verliebt.“ Es ist an den jungen Pagen Cherubino gerichtet. Er hörte versehentlich, wie der Graf Suzanne seine Liebe gestehen wollte, und so wurde ein so unerwünschter Zeuge zum Militärdienst befohlen. In seiner Arie macht sich Figaro fröhlich und witzig über die aktuelle Situation lustig und malt Bilder des harten Militärlebens für den jungen Mann, der vom Hofleben verwöhnt wird. Dies spiegelt sich in der Musik durch eine gekonnte Kombination von lebhafter Tanzbarkeit mit „militanten“ Fanfarenbewegungen wider. Dies ist der dreifach erklingende Refrain in Form eines Rondos: Der andere ist eine kleine Arie mit Liedcharakter: „Das Herz wird von heißem Blut bewegt.“ Dies ist ein zurückhaltenderes Bekenntnis zärtlicher Gefühle, schüchtern an die Gräfin selbst gerichtet: Suzanne (Sopran) wird in vielen Ensembles als energisch, geschickt und einfallsreich charakterisiert und steht Figaro in dieser Hinsicht in nichts nach. Gleichzeitig wird ihr Bild in der hellen, verträumten Arie aus dem vierten Akt subtil poetisiert. Darin richtet Suzanne im Geiste einen sanften Appell an Figaro: Cherubino selbst (seine Rolle wird von einer tiefen Frauenstimme – Mezzosopran) gespielt – wird in zwei Arien als leidenschaftlicher junger Mann dargestellt, der seine eigene immer noch nicht verstehen kann Gefühle, bereit, sich bei jedem Schritt zu verlieben. Eine davon ist eine sowohl freudige als auch ehrfürchtige Arie „Ich kann es nicht sagen, ich kann es nicht erklären.“ Darin verbindet sich Melodie mit Rhythmus, als ob sie zeitweise vor Aufregung pulsiert: 41 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland Fragen und Aufgaben 1. Wann und wo fand die Uraufführung von Mozarts Oper „Die Hochzeit des Figaro“ statt? 2. Auf welcher Komödie basiert das Libretto? 3. Was ist die Hauptidee dieser Arbeit? 4. Wie ist die Ouvertüre zur Oper aufgebaut? 5. Erzählen Sie uns etwas über die Besonderheiten der beiden Solonummern in der Rolle des Figaro. 6. Welche Stimme wird Cherubinos Partei zugeordnet? Singen Sie die Melodien seiner Arien. 7. Wie wird Suzanne in den Ensembles und wie in der Arie aus dem vierten Akt charakterisiert? Die vierte Variante (mit der linken Hand über die rechte) ist dagegen kühner ausladend. Die fünfte Variation, in der das zunächst gemächliche Tempo des Andante grazioso in ein sehr langsames Adagio übergeht, ist eine melodische Instrumentalarie, die von Koloraturen gefärbt ist. Und dann entspricht der Tempowechsel ins Schnelle (Allegro) dem fröhlichen Tanzcharakter der letzten, sechsten Variation. Der zweite Teil der Sonate ist das Menuett. Wie üblich ist es in einer dreiteiligen Reprisenform aufgebaut, mit einer exakten Wiederholung der Musik des ersten Satzes in der Reprise. Dazwischen liegt der Mittelteil (Trio) 35. In allen Teilen des Menuetts werden maskuline, entschlossene und herrisch schwungvolle Intonationen mit femininen Intonationen verglichen, sanft und sanft, ähnlich ausdrucksstarken lyrischen Ausrufen und Appellen. Sonate in A-Dur für Klavier Shiroko berühmte Sonate Mozarts A-Dur, die gemeinhin als „Türkische Marschsonate“ bezeichnet wird, ist ein ungewöhnlich konstruierter Zyklus. Der erste Satz ist hier kein Sonatenallegro, sondern sechs Variationen über ein leichtes und ruhiges, unschuldig anmutiges Thema. Es sieht aus wie ein Lied, das man in guter, friedlicher Stimmung im Wiener Musikleben singen könnte. Ihr sanft wiegender Rhythmus ähnelt der Bewegung der Siciliana – einem alten italienischen Tanz oder Tanzlied: Der Komponist nannte den dritten Teil der Sonate (Finale) „A11a Turca“ – „Im türkischen Stil“. Später wurde diesem Finale der Name „Türkischer Marsch“ zugewiesen. Mit der für europäische Ohren ungewöhnlichen Intonationsstruktur türkischer Volks- und Berufsmusik gibt es hier keine Gemeinsamkeiten. Aber im 18. Jahrhundert entstand in der europäischen, hauptsächlich theatralischen Musik eine Mode für Märsche, die üblicherweise als „türkisch“ bezeichnet werden. Sie nutzen die Klangfarben des „Janitscharen“-Orchesters, das von Blas- und Schlaginstrumenten dominiert wurde – große und kleine Trommeln, Becken, Triangel. Janitscharen waren die Bezeichnung für Soldaten der Infanterieeinheiten der türkischen Armee. Die Musik ihrer Märsche wurde von den Europäern als wild, laut und „barbarisch“ empfunden. Es gibt keine scharfen Kontraste zwischen den Variationen, aber sie haben alle einen unterschiedlichen Charakter. In der ersten Variation dominiert eine anmutige, skurrile melodische Bewegung, in der zweiten wird anmutige Verspieltheit mit einer humorvollen Note kombiniert (bemerkenswert sind die „schalkhaften“ Vorschlagsnoten in der linken Hand). Die dritte Variation – die einzige, die nicht in A-Dur, sondern in a-Moll geschrieben ist – ist erfüllt von leicht traurigen melodischen Figurationen, die sich gleichmäßig und wie mit sanfter Schüchternheit bewegen: Am Ende des Trios steht die Bezeichnung „Minuetto da capo“. . Italienisch – „vom Kopf“, „von Anfang an“. 35 „Da capo“ übersetzt von 42 www.classon.ru Kindererziehung im Bereich Kunst in Russland Das Finale ist in einer ungewöhnlichen Form geschrieben. Es kann als dreiteiliges Lied mit Refrain (in A-Dur) definiert werden. Durch das wiederholte Halten des Refrains erhält die Struktur des Finales Züge eines Rondo36. Der erste Teil – mit leicht „wirbelnden“ Motiven (a-Moll) – und der Mittelteil – mit einem melodiösen Passagensatz (fis-Moll) – verbinden auf natürliche Weise anmutige Tanzbarkeit mit einem klaren Marschgang: Lange Zeit glaubte man das Mozart komponierte die Sonate in A-Dur im Sommer 1778 in Paris. Doch dann entdeckten sie die Information, dass dies einige Jahre später in Wien geschah. Solche Informationen sind umso plausibler, als dort 1782 die Uraufführung von Mozarts Singspiel „Die Entführung aus dem Serail“ stattfand. Darin findet die Handlung in der Türkei statt, und in der Musik der Ouvertüre und in den beiden Marschchören ist eine deutliche Nachahmung der „Janitscharen“-Musik zu erkennen. Außerdem ist es laut; Erst 1784, als das Werk veröffentlicht wurde, fügte Mozart die prägnante „Janitscharen“-Coda in A-Dur dem Finale der Senate hinzu. Bemerkenswert ist auch, dass in der Sonate, wie auch in „Die Entführung aus dem Serail“, den Gattungen Gesang und Marsch eine große Rolle zukommt. Dabei kam die für Mozart sehr charakteristische Verbindung zwischen Instrumentalmusik und Theatermusik zum Vorschein. Fragen und Aufgaben 1. Was ist das Ungewöhnliche an dem Zyklus in Mozarts A-Dur-Sonate? Erklären Sie die Natur des Themas und die sechs Variationen davon im ersten Teil dieser Arbeit. 2. Welche Tanzgattung wird im zweiten Teil der Sonate verwendet? 3. Erklären Sie, warum das Finale der Sonate in A-Dur „Türkischer Marsch“ genannt wird. Was ist das Besondere an seiner Konstruktion? Singen Sie die Hauptthemen. 4. Welches musikalische und theatralische Werk Mozarts spiegelt die Musik seines „Türkischen Marsches“ wider? Symphonie in g-Moll 1788 in Wien geschrieben, die Symphonie in g-Moll! (Nr. 40) ist eines der inspiriertesten Werke des großen Komponisten. Der erste Satz der Symphonie ist ein Sonatenallegro in sehr schnellem Tempo. Es beginnt mit dem Thema des Hauptteils, das als vertrauliches, aufrichtiges lyrisches Bekenntnis sofort in den Bann zieht. Es wird von Violinen zur sanft wiegenden Begleitung anderer Streichinstrumente gesungen. In seiner Melodie erkennt man den gleichen aufgeregten Rhythmus wie zu Beginn von Cherubinos erster Arie aus der Oper „Die Hochzeit des Figaro“ (siehe Beispiel 37). Nun handelt es sich aber um „erwachsenere“, ernstere und mutigere Texte: Der Refrain (in A-Dur) erklingt dreimal, er gleicht einer Art „Janitscharen-Lärmchor“, in der linken Hand ist eine Imitation eines a zu hören Trommelwirbel: In diesem Zusammenhang wird der „Türkische Marsch“ manchmal auch „Rondo im türkischen Stil“ („Rondo alla Turca“) genannt. 36 43 www.classon.ru Kinderbildung im Bereich Kunst in Russland Eine kleine Entwicklung). Aber es gibt keine Kontraste darin, alles gehorcht der allgemeinen hellen Stimmung, die von Anfang an im von den Streichinstrumenten erklingenden Hauptteil bestimmt wird: Die Männlichkeit des Charakters steigert sich im Verbindungsteil, in den sich der Hauptteil entwickelt. Es erfolgt eine parallele Modulation in g-Moll B-Dur – die Tonart des Seitenteils. Sein Thema ist im Vergleich zum Hauptthema leichter, anmutiger und femininer. Es wird durch chromatische Intonationen sowie wechselnde Klangfarben von Streich- und Holzblasinstrumenten gefärbt: Im siebten Takt erscheint hier eine leicht „flatternde“ Figur aus zwei Zweiunddreißigstelnoten. Anschließend durchdringt es entweder die Melodielinien aller Themen oder scheint sie zu umhüllen und erscheint in unterschiedlichen Registern für unterschiedliche Instrumente. Diese sind wie Echos der Stimmen der friedlichen Natur. Nur manchmal sind sie ein wenig besorgt, aber man kann sie sowohl aus der Nähe als auch aus der Ferne hören. Nach etablierter Tradition ist der dritte Teil der Symphonie das Menuett. Aber nur der Mittelteil – das Trio – ist darin eindeutig traditionell. Mit seiner sanften Bewegung, der Melodie der Stimmen und der Tonart G-Dur leitet das Trio die Haupt- und Extremabschnitte in g-Moll dieses Menuetts ein, das in seiner lyrischen und dramatischen Spannung im Allgemeinen ungewöhnlich ist. Es scheint, dass wir nach der stillen Betrachtung der Natur, die im Andante zum Ausdruck kommt, nun in die Welt der spirituellen Ängste und Unruhen zurückkehren mussten, die den ersten Teil der Symphonie beherrschten. Dies entspricht der Rückkehr der Haupttonalität der Symphonie – g-Moll: Im Schlussteil kommt es zu einem neuen Energieschub. Hier kommt der wiederholten und beharrlichen Entwicklung des ersten – dreistimmigen – Motivs des Themas des Hauptteils die Hauptrolle zu. Mit dem Beginn einer eher seltsamen Entwicklung scheinen sich die Wolken besorgniserregend zusammenzuziehen. Vom hellen B-Dur geht es scharf in die düstere, ferne Tonart Fis-Moll über. Das Thema des Hauptteils entwickelt sich in der Entwicklung dramatisch weiter. Es durchläuft eine Reihe von Tonalitäten, ist in einzelne Phrasen und Motive unterteilt und wird oft in verschiedenen Stimmen des Orchesters nachgeahmt. Das erste Motiv dieses Themas pulsiert sehr intensiv. Aber schließlich wird sein Pulsieren schwächer, seine Beklommenheit wird gezügelt und eine Reprise beginnt. Der Einfluss der in der Durchführung erreichten hohen dramatischen Intensität ist jedoch auch in diesem Abschnitt des ersten Teils spürbar. Hier nimmt die Länge des Verbindungsteils deutlich zu, was dazu führt, dass die Neben- und Schlussstimmen nicht in Dur, sondern in der Haupttonart g-Moll dargestellt werden, was ihren Klang dramatischer macht. Der zweite Satz der Symphonie ist Andante in Es-Dur. Dem lyrisch-dramatischen ersten Teil steht seine sanfte und sanfte Ruhe gegenüber. Die Andante-Form ist ebenfalls Sonate (wobei g-Moll die Haupttonart des vierten Satzes der Symphonie ist – das Finale, das in einem sehr schnellen Tempo läuft. Das Finale ist in Sonatenform geschrieben. Das Leitthema in diesem Teil der Symphonie ist das Thema des Hauptteils. Zusammen mit dem Thema des Hauptteils des ersten Satzes gehört es zu den hellsten Instrumentalthemen Mozarts. Aber wenn das Thema im ersten Teil wie ein zärtliches und ehrfurchtsvolles lyrisches Bekenntnis klingt, dann ist es das Thema Das Finale ist ein leidenschaftlicher lyrisch-dramatischer Appell, voller Mut und wird entscheiden. 44 www.classon.ru Kindererziehung auf dem Gebiet der Kunst in Russland 2. Erzählen Sie uns von den Hauptthemen des ersten Satzes der Symphonie und ihrer Entwicklung. 3. Welcher Art ist die Musik im zweiten und dritten Satz der Symphonie? 4. Was ist das Leitthema im Finale der Symphonie? Wie unterscheidet sich sein Charakter vom Charakter des Themas des Hauptteils des ersten Teils? 5. Wie ist das Thema des Hauptspiels des Finales aufgebaut? Worauf basiert die Entwicklung? Hauptwerke Dieser feurige Ruf entsteht durch den schnellen Anstieg der Melodie entlang der Akkordklänge; sein Impuls scheint von energischen Melodiefiguren beantwortet zu werden, die um einen Klang kreisen. Wie im ersten Satz der Symphonie erklingt das anmutige Thema des Seitenteils des Finales in der Ausstellung besonders hell, wenn es in B-Dur aufgeführt wird: 19 Opern Requiem Etwa 50 Sinfonien 27 Konzerte für Klavier und Orchester 5 Konzerte für Violine und Orchester Konzerte mit Orchesterbegleitung Flöten, Klarinette, Fagott, Horn, Flöte und Harfe Streichquartette (mehr als 20) und Quintette Sonaten für Klavier, Violine und Klavier Variationen, Fantasien, Rondos, Menuette für Klavier Der Schlussteil basiert auf dem zweites Element des Themas des Hauptteils. In der Entwicklung des Finales wird das erste, beschwörende Element des Themas des Hauptteils besonders intensiv entwickelt. Durch die Konzentration harmonischer und polyphoner Entwicklungstechniken – Dirigieren in vielen Tonarten und Imitation von Appellen – wird eine hohe dramatische Spannung erreicht. In der Reprise ist das Verhalten des Seitenteils in der Haupttonart g-Moll leicht von Traurigkeit geprägt. Und das zweite Element des Themas des Hauptteils (affirmative, energische Figuren) erklingt wie in der Exposition als Grundlage des Schlussteils in der Reprise. Infolgedessen bildet das Finale dieser brillanten mazartianischen Schöpfung einen hellen lyrisch-dramatischen Höhepunkt des gesamten Sonaten-Symphonie-Zyklus, der in seiner Zielstrebigkeit der durchgängigen figurativen Entwicklung beispiellos ist. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Der große deutsche Komponist Ludwig van Beethoven ist der jüngste der drei brillanten Musiker, die als Wiener Klassiker bezeichnet werden. Beethoven hatte die Gelegenheit zu leben und zu schaffen an der Wende vom 17. zum 19. Jahrhundert, in einer Zeit gewaltiger gesellschaftlicher Veränderungen und Umbrüche. Seine Jugend fiel mit den Zeiten, Fragen und Aufgaben 1 zusammen. Wann und wo schuf Mozart die Sinfonie Nr. 40 g-Moll? 45 www.classon.ru Kinderbildung im Bereich Kunst in Russland

(Schätzungen: 3 , Durchschnitt: 3,67 von 5)

Titel: Musikalische Literatur Ausland

Über das Buch „Musikalische Literatur fremder Länder“ von I. A. Prokhorov

Das von I. Prokhorova zusammengestellte Lehrbuch mit dem Titel „Musikliteratur ausländischer Länder“ ist für das unabhängige Studium gedacht. Dies erklärt die Prägnanz und Zugänglichkeit der Präsentation des Materials.

Das Buch „Musikalische Literatur fremder Länder“ stellt den Studierenden Kurzbiografien und die besten Kreationen vor berühmte Komponisten. Kinder können etwas über das Leben und Werk von Genies wie I.S. erfahren. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert und F. Chopin. I. Prokhorova hat die Geschichten talentierter Komponisten nicht allzu detailliert beschrieben; im Lehrbuch finden Sie die wichtigsten Lebensdaten, Herkunft, Ränge und Titel, Tätigkeitsbereich, Bedingungen, die die Berufswahl beeinflusst haben. Das Buch erzählt von den wichtigsten Stationen des Lebens und Schaffens von Musikern und ihren gesellschaftspolitischen Ansichten.

Die Publikation „Musikalische Literatur des Auslandes“ richtet sich an Studierende von Musikschulen, jedoch an alle, die eine Vorliebe dafür haben klassische Werke, werden in diesem Buch etwas Interessantes für sich finden. Der Text von I. Prochorow wurde durch Erläuterungen einiger musikalischer und außermusikalischer Konzepte angereichert, was ihn weniger akademisch macht. Der Teil, der das Leben der Musiker beschreibt, wird im Kontext des historischen und kulturellen Lebens der europäischen Länder dieser Zeit präsentiert. Dies gibt den Studierenden die Möglichkeit, ein tieferes und umfassenderes Verständnis der Bedingungen zu erlangen, unter denen legendäre Komponisten lebten und arbeiteten.

Da das Buch „Musikalische Literatur fremder Länder“ für die Heimlektüre gedacht ist, werden alle darin enthaltenen symphonischen Werke in einer vierhändigen Bearbeitung angeboten. Bemerkenswert ist, dass die Geschichte über das Werk Bachs, die laut Programm ganz am Ende des Jahres studiert wird, am Anfang steht. Der Autor hat diesen Schritt unternommen, um die Chronologie der Präsentation beizubehalten.

Der Verfasser dieses Buches ist zuversichtlich, dass die regelmäßige Nutzung des Lehrbuchs bei den Schülern die Lust am eigenständigen Kennenlernen populärer und wissenschaftlicher Musikliteratur wecken wird. Darüber hinaus können die Kinder die Fähigkeiten zum Lesen von Musikwerken vom Blatt entwickeln und stärken und sich auch an das Spiel zu vier Händen gewöhnen.
Durch das selbstständige Erlernen berühmter Werke können Sie diese im Unterricht im Beisein anderer Kinder aufführen, was den gemeinsamen Unterricht aktiver macht und die Wahrnehmung klassischer Musik deutlich verbessert.

Auf unserer Website zum Thema Bücher lifeinbooks.net können Sie Bücher kostenlos ohne Registrierung herunterladen oder lesen Online-Buch„Musikalische Literatur fremder Länder“ von I. A. Prokhorov in den Formaten epub, fb2, txt, rtf, pdf für iPad, iPhone, Android und Kindle. Das Buch wird Ihnen viele schöne Momente und echte Lesefreude bereiten. Die Vollversion können Sie bei unserem Partner erwerben. Auch hier finden Sie Letzte Neuigkeiten Lernen Sie aus der Welt der Literatur die Biografien Ihrer Lieblingsautoren kennen. Für Schreibanfänger gibt es einen eigenen Bereich mit nützlichen Tipps und Tricks, interessanten Artikeln, dank derer Sie sich selbst im literarischen Handwerk versuchen können.

Grundlegende Hinweise zur Musikliteratur ausländischer Länder sind eine Ergänzung zu bestehenden Lehrbüchern zur Musikliteratur. Der Inhalt des Lehrbuches entspricht dem Lehrplan des Faches PO.02.UP.03. „Musikalische Literatur“ der berufsvorbereitenden Allgemeinbildung im Bereich Musikkunst „Klavier“, „Streichinstrumente“, „Blas- und Schlaginstrumente“, „Volksinstrumente“, „ Chorgesang", empfohlen vom Kulturministerium der Russischen Föderation.

Grundlegende Hinweise zur Musikliteratur dienen der Entwicklung der humanitären Bildung und der besonderen Kompetenzen der Studierenden, insbesondere: „...musikalisches Denken, Fähigkeiten zur Wahrnehmung und Analyse musikalischer Werke zu entwickeln, Kenntnisse über die Gesetze der musikalischen Form, die Besonderheiten der musikalischen Sprache und die Ausdrucksmittel der Musik zu erwerben“ 1 .

Im Lehrbuch wird das Werk von Komponisten im Kontext kultureller und historischer Epochen dargestellt und in engem Zusammenhang mit diesen untersucht historische Ereignisse und verwandte Künste. Das Material der Notizen stellt die wichtigsten Thesen der Forschung zur Musikgeschichte und Musikliteratur von V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova und anderen berühmten Musikwissenschaftlern dar, verallgemeinertes und komprimiertes Lehrmaterial in Form von Tabellen, Diagrammen und visuellen Hilfsmitteln. Visuelle Unterlagen (Reproduktionen von Gemälden berühmter Künstler, Porträts von Komponisten, ihren Verwandten und Freunden, prominente Personen Kultur und Kunst, historische Persönlichkeiten usw.) begleiten und ergänzen nicht nur verbale Informationen, sondern sind Informationsträger im Bereich der bildenden Künste, stehen in direktem Zusammenhang mit Epochen und Strömungen der Musik, dem Werk von Komponisten und spiegeln die Geschichte, Kultur und Kunst europäischer Länder.

Der Inhalt der Begleitnotizen besteht aus vier Abschnitten, die wiederum in Themen gegliedert sind, die Entwicklungsperioden der europäischen Musik von der Musikkultur des antiken Griechenlands bis zum Werk romantischer Komponisten des 19. Jahrhunderts abdecken. Daher untersucht der erste Abschnitt die Musikkultur des antiken Griechenlands, des Mittelalters und der Renaissance. Der zweite Abschnitt befasst sich mit der Barockzeit, dem Werk von J. S. Bach und G. F. Händel. Der dritte Abschnitt ist der Epoche des Klassizismus gewidmet, wobei der Schwerpunkt auf dem Werk der Wiener Klassiker – J. Haydn, W. A. ​​​​​​Mozart und L. Beethoven – liegt. Im vierten Abschnitt werden Materialien zur Epoche der Romantik, die Werke von F. Schubert und F. Chopin vorgestellt Kurze Review Werke der romantischen Komponisten des 19. Jahrhunderts F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.

Das Handbuch enthält außerdem Wörterbücher zu Bedeutungen, Begriffen und Konzepten im Text, eine kurze Analyse und Musikbeispiele der untersuchten Werke.

Neben einer strengen Darstellung des Materials in Tabellen und Diagrammen enthält das Handbuch interessante Fakten aus dem Leben der Komponisten, die in Form einer Erzählung präsentiert und von farbenfrohen künstlerischen Illustrationen begleitet werden, was die Wahrnehmung und Aufmerksamkeit der Kinder erfrischt.

Grundlegende Hinweise zur Musikliteratur des Auslands richten sich an Studierende von Kinderkunstschulen, Kindermusikschulen des zweiten und dritten Studienjahres (Klassen 5 und 6), die in zusätzlichen berufsvorbereitenden allgemeinbildenden Programmen im Bereich Musikkunst studieren . Lehrer musiktheoretischer und spezieller Disziplinen von Kindermusikschulen und Kinderkunstschulen können das Lehrbuch beim Erlernen neuer Materialien, beim Wiederholen und Systematisieren behandelter Themen, bei der Vorbereitung auf die Zwischen- und Abschlussprüfung von Schülern, bei der Vorbereitung auf musiktheoretische Olympiaden und beim selbstständigen Arbeiten von verwenden Studenten, Gruppen- und Einzeltraining, teilweise bei der Umsetzung zusätzlicher allgemeiner Entwicklungsprogramme in im Bereich der Musikkunst, in kulturellen und pädagogischen Aktivitäten.

Den Begleitunterlagen liegt ein Arbeitsbuch bei, das für den Einsatz im Präsenzunterricht gedacht ist.

Nachfolgend finden Sie Fragmente des Handbuchs „Grundlegende Hinweise zur Musikliteratur des Auslands“.

Bezüglich des Kaufs des Handbuchs „Grundlegende Hinweise zur Musikliteratur des Auslands“ von Tatyana Guryevna Savelyeva wenden Sie sich bitte an die Autorin unter [email protected]

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1 Beispielprogramm für das Studienfach PO.02. UP.03. Musikalische Literatur. - Moskau 2012

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VON DEN COMPILERN
Dieses Buch ist ein Lehrbuch zur Musikliteratur jener historischen Periode, die mit den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts beginnt. Dies ist das erste Mal, dass ein solches Lehrbuch erscheint: Die fünfte Auflage endet bekanntlich mit den Werken von K-Debussy und M. Ravel.
Das Buch enthält Merkmale verschiedener nationaler Musikschulen, die seine Gesamtstruktur bestimmten. Der erste Abschnitt charakterisiert die allgemeinen Prozesse, die auf ihre eigene Weise in der Musikkunst verschiedener Länder und im Werk von Komponisten verschiedener Persönlichkeiten umgesetzt wurden. Jeder nachfolgende Abschnitt besteht aus einem Überblick über die Musikkultur eines bestimmten Landes sowie einem monografischen Abschnitt, der dem Werk der bedeutendsten Komponisten dieser Schule gewidmet ist. Lediglich der dem Werk von I. Strawinsky gewidmete Abschnitt unterscheidet sich in seiner Struktur: Er enthält keinen einleitenden Überblick. Und das ist verständlich: Nachdem Strawinsky aufgrund besonderer Umstände den größten Teil seines Lebens außerhalb Russlands verbracht hatte, blieb er ein russischer Meister und gehörte keiner der ausländischen Schulen an. Sein entscheidender Einfluss kreative Prinzipien für fast alle führenden Musiker unseres Jahrhunderts lässt sich Strawinsky nicht entziehen großes Bild Entwicklung der Musikkunst des 20. Jahrhunderts. Die Aufnahme dieses monografischen Kapitels in das Lehrbuch der ausländischen Musikliteratur ist auch auf die Besonderheiten des Bildungsprogramms der Schule zurückzuführen: auf den Zeitpunkt des Studiums ausländische Musik Studenten des 20. Jahrhunderts sind weder mit der Persönlichkeit noch mit der Musik von I. Strawinsky überhaupt vertraut. Sie werden sich dieser Seite der Musikkunst erst am Ende des IV. Kurses zuwenden, in dem nur die erste russische Schaffensperiode des Komponisten betrachtet wird.

Die Aufmerksamkeit der Verfasser und Autoren des Lehrbuchs liegt sowohl auf der Darstellung der allgemeinen musikalischen und historischen Prozesse der betrachteten Zeit als auch auf der Analyse der herausragendsten Werke, die zu Klassikern unseres Jahrhunderts geworden sind. Aufgrund der außergewöhnlichen Komplexität der Ereignisse der Musikkunst des 20. Jahrhunderts, ihrer Widersprüchlichkeit, ihrer gegenseitigen Überschneidungen und ihres schnellen Wandels nehmen Rezensionskapitel in diesem Buch einen viel größeren Platz ein als in früheren Ausgaben. Dennoch versuchten die Verfasser, den methodischen Grundsätzen des Fachs entsprechend, den Schwerpunkt auf Analysen musikalischer Werke zu legen, die in diesem Fall die Vielfalt kreativer Methoden, Denkweisen, unterschiedlicher stilistischer Lösungen und die Vielfältigkeit offenlegen sollen Kompositionstechniken der Meister unseres Jahrhunderts.

Aufgrund der Tatsache, dass das Buch ein breites Panorama der Musikkunst bietet und die Analyse in vielen Fällen sehr komplex ist (was größtenteils durch das Material selbst vorgegeben ist), halten es die Verfasser für möglich, dieses Lehrbuch nicht nur an Studierende der darstellenden Künste zu richten , sondern auch von theoretischen Abteilungen Musikschulen. Der Inhalt des Buches ermöglicht einen selektiven Umgang damit im Bildungsprozess; Die Tiefe und Ausführlichkeit des Studiums der Kapitel wird von den Lehrkräften selbst bestimmt, abhängig vom Vorbereitungsgrad der Studierenden, der materiellen Ausstattung des Bildungsprozesses mit Noten und Musikaufnahmen und der im Lehrplan vorgesehenen Stundenzahl diesen Teil des Kurses.
An diesem Buch hat ein großes Autorenteam gearbeitet. Daher sind unterschiedliche Arten der Materialpräsentation unvermeidlich; gleichzeitig strebten die Verfasser bereits bei der Herangehensweise danach, einheitliche methodische Prinzipien zu wahren.

INHALT
Von den Compilern
Entwicklungswege der ausländischen Musikkunst des 20. Jahrhunderts.
Musikkultur Österreichs
GUSTAV MAHLER
Stimmliche Kreativität. „Lieder des wandernden Lehrlings“
Symphonische Kreativität. Erste Symphonie
ARNOLD SCHÖNBERG
Leben und kreativer Weg
„Überlebender aus Warschau“
ALBAN BERG
Leben und kreativer Weg
Musikdrama „Wozzeck“
Konzert für Violine und Orchester
ANTON WEBERN.
Leben und kreativer Weg
Musikkultur Deutschlands
RICHARD STRAUSS
Leben und kreativer Weg
Symphonische Kreativität. Symphonische Dichtungen „Don Juan“ und „Till Eulenspiegel“
PAUL HINDEMITH
Leben und kreativer Weg
Symphonische Kreativität. Symphonie „Der Künstler Mathis“.
CARL ORF
Leben und kreativer Weg
Die Hauptgattungen von Carl Orffs Werk und ihre Besonderheiten.
Oper „Clever Girl“
„Carmina Burana“
IGOR STRAVINSKY
Leben und kreativer Weg
„Symphonie der Psalmen“
Oper „Oedipus Rex“
Musikkultur Frankreichs.
ARTHUR HONEGGER
Leben und kreativer Weg
Theater- und Oratorienkreativität. Oratorium „Jeanne d'Arc auf dem Scheiterhaufen“
Symphonische Kreativität. Dritte Symphonie („Liturgische“)
DARIUS MILLO
Leben und kreativer Weg
Vokal-Instrumental, Kreativität. „Feuerschloss“
FRANCIS POULENC
Leben und kreativer Weg
Oper „Die menschliche Stimme“
Musikkultur Spaniens
MANUEL DE FALLA
Leben und kreativer Weg
Ballett „Liebe die Zauberin“
Oper „Ein kurzes Leben“