ประเภทของวงออร์เคสตร้าที่แสดงดนตรีบรรเลงและซิมโฟนิก เกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี เกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ได้ยินเสียงฟ้าร้องดังก้องมาแต่ไกล ที่นี่ฟ้าร้องรุนแรงขึ้นเรื่อย ๆ ฟ้าแลบ ฝนห่าใหญ่เริ่มขึ้น เสียงฝนดังขึ้น แต่พายุเฮอริเคนก็ค่อยๆ สงบลง แสงอาทิตย์ส่องออกมา และเม็ดฝนก็ส่องแสงภายใต้รังสีของมัน
เสียงซิมโฟนีที่หกของเบโธเฟน
ฟัง! ทันเดอร์แสดงโดยรำมะนา เสียงฝนถูกถ่ายทอดโดยดับเบิ้ลเบสและเชลโล ไวโอลินและฟลุตเล่นในลักษณะที่ราวกับว่าลมพัดอย่างบ้าคลั่ง
วงดุริยางค์บรรเลงซิมโฟนี

ซิมโฟนีออร์เคสตร้า. เขาถูกเรียก เสียงมหัศจรรย์: สามารถถ่ายทอดเฉดสีของเสียงได้หลากหลาย
ตามกฎแล้วในวงดุริยางค์ซิมโฟนีมีเครื่องดนตรีมากกว่าร้อยชิ้น นักดนตรีนั่งอย่างเข้มงวด คำสั่งบางอย่าง. ทำให้คอนดักเตอร์ควบคุมวงออร์เคสตราได้ง่ายขึ้น
เบื้องหน้าเป็นเครื่องสาย พวกเขาถักทอพื้นฐานของผ้าดนตรีซึ่งเครื่องดนตรีอื่น ๆ ใช้เฉดสีกับเสียงของพวกเขา: ฟลุต, โอโบ, คลาริเน็ต, ปี่, ทรัมเป็ต, ฮอร์น, ทรอมโบนและเครื่องกระทบ - กลอง, ทิมปานี, ฉิ่ง
คุณสามารถดูเครื่องดนตรีหลักของวงดุริยางค์ซิมโฟนีได้ในรูปภาพ บางครั้งนักแต่งเพลงแนะนำเครื่องดนตรีที่ไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา อาจเป็นออร์แกน เปียโน ระฆัง แทมบูรีน แคสทาเน็ต
คุณต้องเคยได้ยินเพลง "Saber Dance" จากบัลเลต์ "Gayane" ของ Aram Khachaturian หนึ่งในท่วงทำนองหลักในการเต้นรำนี้ดำเนินการโดยแซกโซโฟน เป็นครั้งแรกที่แซกโซโฟนเข้าสู่วงดุริยางค์ซิมโฟนีเฉพาะในศตวรรษที่ 19 และตั้งแต่นั้นมาก็มักจะได้ยินในงานซิมโฟนี

เครื่องดนตรีปรากฏขึ้นเมื่อหลายศตวรรษก่อน เครื่องเคาะที่เก่าแก่ที่สุดของพวกเขา - กลอง, เถิดเทิง, ทิมปานี - อยู่ในหมู่คนดึกดำบรรพ์แล้ว แน่นอนว่าเครื่องมือเปลี่ยนไปตามกาลเวลา ทิมปานีสมัยใหม่จึงแตกต่างจากบรรพบุรุษของพวกเขามาก หากก่อนหน้านี้เป็นหม้อเหล็กที่หุ้มด้วยหนังของสัตว์ ปัจจุบัน กลองทิมปานีทำด้วยทองแดง ขันด้วยพลาสติก และขันสกรูเพื่อให้ปรับแต่งได้ละเอียด
ในวงดุริยางค์ซิมโฟนี การเคาะเป็นพื้นฐาน จังหวะดนตรี. พวกเขายังใช้เพื่อแสดงเสียงฟ้าร้อง ฝนตก เสียงปืน การเดินขบวนอย่างเคร่งขรึมของกองทหารในขบวนพาเหรด ฯลฯ พวกเขาให้พลังและเสียงของวงออเคสตรา
บางคนคิดว่าการเล่นเครื่องเพอร์คัชชันไม่ใช่เรื่องยากเลย ตีพูดฉิ่งเมื่อจำเป็น - แค่นั้น อันที่จริง การเล่นเครื่องดนตรีที่ดูเหมือนง่ายๆ นั้นต้องใช้ทักษะที่ยอดเยี่ยม ฉาบให้เสียงต่างกัน ขึ้นอยู่กับว่าคุณตีมันแรงแค่ไหน เสียงของพวกเขาสามารถดังเสียดแทงและคล้ายกับเสียงใบไม้ ในงานบางประเภท ฉิ่งจะบรรเลงเดี่ยว ตัวอย่างเช่น ใน "โรมิโอกับจูเลียต" แนวแฟนตาซีของไชคอฟสกี พวกเขานำท่วงทำนองที่สื่อถึงความเป็นปฏิปักษ์ของสองตระกูล - มงทากิวและคาปุเลต์

ฉิ่งมักจะสับสนกับทิมปานี แต่ทิมปานีเล่นด้วยวิธีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง โดยตีด้วยไม้ที่หุ้มด้วยสักหลาด
บางทีคุณอาจคุ้นเคยกับเครื่องลมมากที่สุด หลายท่านคงเคยเห็นและเคยได้ยินว่าเสียงเป็นอย่างไร
จากเทพนิยายและตำนาน บางครั้งเราเรียนรู้ประวัติความเป็นมาของเครื่องดนตรี ดังนั้นในตำนานกรีกโบราณเรื่องหนึ่งจึงกล่าวกันว่าเทพเจ้าแห่งป่าและทุ่งนาซึ่งเป็นนักบุญอุปถัมภ์ของคนเลี้ยงแกะ Pan ตกหลุมรักนางไม้ Syrinx แพนน่ากลัวมาก - มีกีบและเขาปกคลุมด้วยขนสัตว์ นางไม้ที่สวยงามหนีจากเขาหันไปหาเทพเจ้าแห่งแม่น้ำเพื่อขอความช่วยเหลือ และเขาเปลี่ยน Syrinx ให้เป็นกก จากนั้นแพนก็เป่าขลุ่ยเสียงหวาน
Shepherd's reed pipe เป็นเครื่องลมเครื่องแรก เหลนของท่อนี้ ได้แก่ ฟลุต บาสซูน คลาริเน็ต และโอโบ เครื่องดนตรีเหล่านี้มีรูปร่างหน้าตาที่แตกต่างกันและให้เสียงที่แตกต่างกัน
โดยปกติแล้วในวงออร์เคสตราที่อยู่ด้านหลังจะมีเครื่องเป่าทองเหลืองอยู่ด้านหลัง
นานมาแล้ว ผู้คนสังเกตเห็นว่าหากคุณเป่าเปลือกหอยหรือเขาของสัตว์ พวกมันสามารถสร้างเสียงดนตรีได้ จากนั้นพวกเขาก็เริ่มทำเครื่องมือจากโลหะคล้ายกับเขาและเปลือกหอย ใช้เวลาหลายปีกว่าพวกมันจะกลายเป็นอย่างที่คุณเห็นในภาพ
นอกจากนี้ยังมีเครื่องเป่าหลายเครื่องในวงมโหรี ได้แก่ ทูบาส ฮอร์น และทรอมโบน ที่ใหญ่ที่สุดคือทูบา เครื่องดนตรีประเภทขับร้องเบสนี้มีขนาดใหญ่ยักษ์จริงๆ
ดูที่ท่อตอนนี้ เธอคล้ายกับแตรมาก กาลครั้งหนึ่งนานมาแล้ว เสียงแตรเรียกนักรบเข้าสู่สนามรบ เปิดวันหยุด และในวงออร์เคสตรา เธอได้รับความไว้วางใจให้เล่นส่วนสัญญาณง่ายๆ เป็นครั้งแรก แต่แล้วหลอดเป่าก็ดีขึ้น และทรัมเป็ตก็เริ่มถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวบ่อยขึ้นเรื่อยๆ ในบัลเล่ต์ "Swan Lake" ของ P. I. Tchaikovsky มี "การเต้นรำของชาวเนเปิล" สังเกตว่าการโซโลของทรัมเป็ตนั้นยอดเยี่ยมเพียงใด

และถ้าเครื่องดนตรีทองเหลืองทั้งหมดเป่ารวมกัน คุณจะได้ท่วงทำนองที่ทรงพลังและยิ่งใหญ่
แต่ที่สำคัญที่สุดในวงออเคสตรา เครื่องสาย. ลำพังมีไวโอลินหลายสิบตัว และยังมีไวโอลินตัวที่ 2 เชลโล และดับเบิ้ลเบสอีกด้วย
เครื่องสายมีความสำคัญที่สุด พวกเขาเป็นผู้นำวงออร์เคสตรา บรรเลงทำนองหลัก
ไวโอลินได้รับการขนานนามว่าเป็นราชินีแห่งวงออร์เคสตรา มีการเขียนคอนแชร์โตพิเศษมากมายสำหรับไวโอลิน แน่นอนคุณเคยได้ยินเกี่ยวกับ Paganini นักไวโอลินผู้ยิ่งใหญ่ ในมือของนักดนตรีพ่อมดผู้นี้ ไวโอลินตัวเล็กที่สง่างามนี้ให้เสียงเหมือนวงออร์เคสตราทั้งวง
ไวโอลินเกิดในอิตาลีในเมืองเครโมนา ไวโอลินของปรมาจารย์ชาวอิตาลีที่ดีที่สุด Amati, Guarneli, Stradivari และ Russians I. Batov, A. Leman ถือว่าไม่มีใครเทียบได้จนถึงทุกวันนี้
ตอนนี้คุณรู้เพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนี เมื่อคุณฟังเพลง ให้พยายามแยกแยะเครื่องดนตรี "ด้วยเสียง"
แน่นอนว่าสิ่งนี้อาจทำได้ยากในทันที แต่จำไว้ว่าคุณเรียนรู้ที่จะอ่านอย่างไร คุณเริ่มต้นจากหนังสือเล่มเล็กๆ ง่ายๆ ได้อย่างไร จากนั้นเติบโตขึ้น เรียนรู้มากขึ้น และเริ่มอ่านหนังสือที่จริงจังและชาญฉลาด
ดนตรียังต้องเข้าใจ หากคุณไม่เล่นให้ลองฟังบ่อยขึ้นและเพลงจะเปิดเผยความลับของโลกมหัศจรรย์และเหลือเชื่อให้กับคุณ

มาริน่า ราเจวา
เรื่องย่อของ NOD "Symphonic Orchestra"

สรุปบทเรียน

« ซิมโฟนีออร์เคสตร้า»

สำหรับเด็กอายุ 5-6 ปี

เตรียมไว้: ผู้อำนวยการเพลง

Razheva Marina Anatolievna

เทโคโว 2015

เป้า: แนะนำเด็กก่อนวัยเรียนให้รู้จักดนตรีคลาสสิก

งาน เพื่อสร้างการรับรู้ทางสุนทรียภาพของโลกรอบตัวเด็ก

มีส่วนร่วมในวัฒนธรรมดนตรี

เพื่อสร้างความต้องการในการรับรู้ของดนตรี

พัฒนาความสามารถทางปัญญาและความคิดสร้างสรรค์

เสริมสร้างคำศัพท์

เขตพื้นที่การศึกษา - “การศึกษาทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์”

รูปแบบขององค์กร - การทำงานเป็นทีมครูกับเด็ก

ประเภทของกิจกรรมสำหรับเด็ก: ความรู้ความเข้าใจ การสื่อสาร ดนตรีและศิลปะ

วัสดุและอุปกรณ์: ศูนย์ดนตรีสำหรับฟังเพลง, เครื่องดนตรีเด็ก, งานนำเสนอ

งานเบื้องต้น: ในชั้นเรียนดนตรี เด็กควรทำความคุ้นเคยกับเครื่องดนตรีพื้นฐาน วงดุริยางค์ซิมโฟนี, เสียงจริงของพวกเขา , สีเสียงต่ำ แยกแยะกลุ่มเครื่องมือ: เครื่องสาย, เครื่องเป่า, เพอร์คัชชัน, ซิงเกิล

เนื้อหาซอฟต์แวร์

1. ขยายความรู้ของเด็ก ๆ เกี่ยวกับคุณสมบัติของเสียงเครื่องดนตรี

2.ปลูกฝังความสนใจอยากฟังเสียงเครื่องดนตรี

3. พัฒนาทักษะ DMI ต่อไป (เครื่องดนตรีสำหรับเด็ก)

4. พัฒนาการได้ยินเสียงต่ำของเด็ก

ผลตามแผน

การก่อตัวของความคิดเกี่ยวกับ วงดุริยางค์ซิมโฟนี.

เสริมสร้างความสามารถในการแยกแยะเสียงของเครื่องดนตรี วงดุริยางค์ซิมโฟนี.

มีส่วนร่วมในเกมบน DMI

รู้สึกถึงความจำเป็นในการรับรู้ดนตรีในการแสดง วงดุริยางค์ซิมโฟนี.

ความก้าวหน้าของหลักสูตร

เด็ก ๆ เข้าไปในห้องโถงและแสดงการเคลื่อนไหวทางดนตรีและจังหวะที่ซับซ้อนตามปกติจากนั้นไปที่เก้าอี้อย่างสงบ

นาย. ทักทายเด็ก ๆ ด้วยการสวดมนต์ "สวัสดี!", ผู้เขียน…

นาย. ดึงความสนใจของเด็ก ๆ ไปที่หน้าจอ ซึ่งเด็ก ๆ จะได้เห็นนักดนตรีกลุ่มใหญ่

นาย. พวกคุณเห็นอะไรในภาพนี้

คำตอบของเด็ก

นาย. ใช่มัน วงออร์เคสตรา - กลุ่มนักดนตรีที่เล่นดนตรีชิ้นเดียวกันด้วยกัน นักดนตรีแต่ละคนแสดงบทบาทของตนตามโน้ตซึ่งเรียกว่าโน้ตเพลง คะแนนอยู่บนอัฒจรรย์พิเศษ - คอนโซล

ตอนนี้ฉันอยากจะให้ปริศนาแก่คุณ ลองเดากันดูนะครับ

เขา จัดการวงออเคสตรา,

นำความสุขมาสู่ผู้คน

เพียงแค่โบกไม้กายสิทธิ์

เพลงจะเริ่มเล่น

เขาไม่ใช่หมอหรือคนขับรถ

นี่คือใคร? (ตัวนำ)

เด็ก. ตัวนำ

นาย. ถึง วงออเคสตราฟังอย่างกลมกลืนและกลมกลืน - มันถูกควบคุมโดยตัวนำ เขายืนเผชิญหน้ากับนักดนตรี ตัวนำสามารถทำให้ เล่นวงออเคสตราและรวดเร็ว, และช้า ๆ และเงียบ ๆ และเสียงดัง - เท่าที่คุณต้องการ! แต่เขาไม่พูดอะไรแม้แต่คำเดียว เขาใช้เพียงกระบองนำเวทมนตร์ของเขาเท่านั้น ด้านหน้าของตัวนำมีโน้ตหนาหนาซึ่งมีการทาสีส่วนต่างๆของนักดนตรีทั้งหมด บันทึกดังกล่าวเรียกว่า clavier

ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีประเภทคำนับ 4 สาย เป็นเครื่องดนตรีที่ให้เสียงสูงที่สุดในตระกูลนี้และมีความสำคัญที่สุดใน วงออเคสตรา.

เชลโล - ไวโอลินตัวใหญ่ซึ่งเล่นขณะนั่ง เชลโลมีเสียงต่ำที่เข้มข้น

ดับเบิ้ลเบส - เสียงที่ต่ำที่สุดและมีขนาดใหญ่ที่สุด (สูงสุด 2 เมตร)ท่ามกลางตระกูลสตริง เครื่องมือโค้งคำนับ. เล่นยืนหรือบนเก้าอี้พิเศษ ตัวนี้เป็นรองพื้นเบส (พื้นฐาน)ทั้งหมด วงออเคสตรา.

ขลุ่ยอยู่ในกลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ แต่ขลุ่ยสมัยใหม่มักจะทำจากไม้ ส่วนมากทำจากโลหะ บางครั้งก็ทำด้วยพลาสติกและแก้ว เครื่องดนตรีที่คล่องตัวและมีเทคนิคมากที่สุดในตระกูลเครื่องลม ขลุ่ยมักจะได้รับความไว้วางใจ เดี่ยวออเคสตร้า.

นาย. พวกทำไมเครื่องดนตรีถึงเรียกว่าเครื่องลม?

คำตอบของเด็ก

นาย. ใช่พวกเขาระเบิดจริงๆ จะถูกต้องกว่าหากกล่าวว่าเครื่องลมจะส่งเสียงเมื่อเป่าลมเข้าไป

ตอนนี้คุณเห็นและได้ยินเสียงแตรทองเหลือง ทรัมเป็ตมีเสียงสูงโปร่งเหมาะกับการประโคม การประโคมใช้เพื่อส่งสัญญาณ - เคร่งขรึมหรือคล้ายสงครามในงานเฉลิมฉลอง ขบวนพาเหรดทหาร

ข้างหน้าคุณคือทรอมโบน ทรอมโบนเล่นไลน์เบสมากกว่าเมโลดิก มันแตกต่างจากเครื่องเป่าทองเหลืองอื่น ๆ โดยการปรากฏตัวของหลังเวทีที่เคลื่อนย้ายได้ซึ่งนักดนตรีจะเปลี่ยนเสียงของเครื่องดนตรีไปมา

เฟรนช์ฮอร์น - ฮอร์น เดิมสืบเชื้อสายมาจากเขาล่าสัตว์ เขาสามารถนุ่มนวลและแสดงออกหรือแข็งกระด้างและมีรอยข่วน

นาย. ตั้งชื่อเครื่องตี.

เด็ก. กลอง, แทมบูรีน, มาราคัส, สามเหลี่ยม, เมทัลโลโฟน, แคสทาเนต, ระฆัง, เขย่าแล้วมีเสียง, ระฆัง

นาย. ถูกต้องแล้ว มีเครื่องเพอร์คัชชันมากมาย แต่ใช้ไม่ได้ทั้งหมด วงดุริยางค์ซิมโฟนี.

ตั้งชื่อเครื่องมือที่คุณเห็นบนสไลด์

กลอง,ฉิ่ง,ระนาด.

สไลด์ 14.15.

นอกจากนี้พวก วงออเคสตรามีการใช้เครื่องดนตรีเดี่ยว และคุณต้องรู้และชื่อ

ได้อย่างถูกต้อง

เด็ก. เปียโน. พิณ

นาย. ขวา. นี่คือคอนเสิร์ตแกรนด์เปียโนและเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุด - พิณ

และพวกคุณต้องการที่จะรู้สึกเหมือนเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ วงออเคสตรา? จากนั้นฉันขอแนะนำให้คุณนำเครื่องดนตรีของคุณไปและเล่นเพลงที่ไพเราะมาก

การแสดง "Rondo ในสไตล์ตุรกี"- ว. โมสาร์ท หรือ

"ซนลาย"- อ. ฟิลิปเปนโก.

นาย. ขอบคุณเพื่อน. ฉันชอบมัน.

แล้วคุณล่ะคิดว่าเครื่องดนตรีอย่างบาลาไลก้าหรือแซกโซโฟนสามารถเล่นได้ วงออเคสตรา. และในอะไร? ความจริงก็คือว่าเครื่องมือเหล่านี้เป็นส่วนหนึ่งของอื่นๆ ออเคสตร้า.

ดูภาพประกอบเหล่านี้อย่างใกล้ชิด ยกเว้น วงดุริยางค์ซิมโฟนีมีประเภทอื่น ๆ ออเคสตร้า: บราส, โฟล์ค, ป๊อป, แจ๊ส พวกเขาแตกต่างกันในองค์ประกอบของเครื่องดนตรีและจำนวนนักดนตรี ใน วงดุริยางค์ซิมโฟนีโดยเฉลี่ยประมาณ 60-70 คน แต่บางครั้ง - 100 คนขึ้นไป นักดนตรีถูกจัดเรียงตามลำดับที่แน่นอน พวกเขารวมกันเป็นกลุ่มของเครื่องดนตรีที่คล้ายกันในเสียงต่ำ:

เครื่องสาย เครื่องลมไม้ เครื่องทองเหลือง และเครื่องกระทบ นักดนตรีกลุ่มเดียวกันนั่งข้างกันฟังดีกว่า และนั่นทำให้เกิดเสียงที่สอดคล้องกัน

และตอนนี้ฉันต้องการเชิญคุณเล่นเกม

ทำความรู้จักกับเครื่องมือ

สไลด์ 17, 18, 19.

นาย. เรามีช่วงเวลาที่วิเศษกับคุณ คุณชอบมันไหม? ชื่ออะไร วงออเคสตราวันนี้เจอใคร? คุณชอบเครื่องดนตรีอะไร (เด็กตอบทีละคน). ฉันได้เตรียมไพ่ปริศนาให้คุณซึ่งคุณจะพยายามแก้กับแม่หรือพ่อและเดา (ที่ด้านหลังของภาพเงา - จุด).

โปรดมาหาฉัน ฉันอยากจะขอบคุณและบอกลา (เด็กหลับตา ผู้อำนวยเพลงลูบหัว)

• พื้นหลัง
• ประเภทออเคสตร้าและแบบฟอร์ม
• โบสถ์มันไฮม์
• นักดนตรีในศาล

พื้นหลัง

ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนรู้จักผลกระทบของเสียงเครื่องดนตรีต่ออารมณ์ของมนุษย์: การบรรเลงพิณ พิณ ซิทารา เคมันชะ หรือขลุ่ยอ้อที่นุ่มนวลแต่ไพเราะทำให้เกิดความรู้สึกเบิกบาน ความรัก หรือความสงบสุข และเสียง เขาสัตว์ (เช่น โชฟาร์ในภาษาฮีบรู ) หรือท่อโลหะมีส่วนทำให้เกิดความรู้สึกเคร่งขรึมและเคร่งศาสนา กลองและเครื่องกระทบอื่น ๆ ที่เพิ่มเข้าไปในแตรและแตรช่วยรับมือกับความกลัวและปลุกความก้าวร้าวและความเข้มแข็ง เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่าการเล่นเครื่องดนตรีที่คล้ายกันหลายชิ้นร่วมกันนั้นไม่เพียงช่วยเพิ่มความสว่างของเสียงเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อจิตใจของผู้ฟังด้วย ซึ่งเป็นผลแบบเดียวกับที่เกิดขึ้นเมื่อคนจำนวนมากร้องเพลงทำนองเดียวกันพร้อมกัน ดังนั้น ไม่ว่าผู้คนจะตั้งถิ่นฐานอยู่ที่ใด สมาคมนักดนตรีก็ค่อยๆ เริ่มปรากฏขึ้น การเล่นดนตรีประกอบกับการต่อสู้หรืองานเฉลิมฉลองในที่สาธารณะ: พิธีกรรมในวัด การแต่งงาน การฝังศพ พิธีราชาภิเษก ขบวนพาเหรดทางทหาร การละเล่นในพระราชวัง

การอ้างอิงเป็นลายลักษณ์อักษรครั้งแรกเกี่ยวกับความสัมพันธ์ดังกล่าวสามารถพบได้ใน Pentateuch ของโมเสสและในเพลงสดุดีของดาวิด: ในตอนต้นของเพลงสดุดีบางเพลงมีการอุทธรณ์ต่อหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงพร้อมคำอธิบายว่าควรใช้เครื่องดนตรีชนิดใดประกอบ ข้อความนี้หรือข้อความนั้น มีกลุ่มนักดนตรีในเมโสโปเตเมียและฟาโรห์อียิปต์ ในจีนและอินเดียโบราณ กรีกและโรม ในประเพณีการแสดงโศกนาฏกรรมของชาวกรีกโบราณ มีเวทีพิเศษที่นักดนตรีนั่งร่วมกับการแสดงของนักแสดงและนักเต้นด้วยการเล่นเครื่องดนตรี การยกระดับแพลตฟอร์มดังกล่าวเรียกว่า "วงออร์เคสตรา" ดังนั้นสิทธิบัตรสำหรับการประดิษฐ์คำว่า "วงออเคสตรา" จึงยังคงอยู่กับชาวกรีกโบราณแม้ว่าในความเป็นจริงแล้ววงออเคสตราจะมีอยู่ก่อนหน้านี้มากก็ตาม

ปูนเปียกจากวิลล่าโรมันใน Boscoreal 50-40s ก่อนคริสต์ศักราช อีพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน

ใน วัฒนธรรมยุโรปตะวันตกสมาคมนักดนตรีโดยวงออเคสตราไม่ได้เริ่มเรียกทันที ตอนแรกในยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเรียกว่าโบสถ์ ชื่อนี้เชื่อมโยงกับสถานที่เฉพาะที่มีการแสดงดนตรี โบสถ์ดังกล่าวมีขึ้นที่โบสถ์หลังแรก จากนั้นจึงขึ้นศาล และยังมีโบสถ์ประจำหมู่บ้านซึ่งประกอบด้วยนักดนตรีสมัครเล่น โบสถ์เหล่านี้เป็นปรากฏการณ์ที่ยิ่งใหญ่ และแม้ว่าระดับของนักแสดงในหมู่บ้านและเครื่องดนตรีของพวกเขาจะเทียบไม่ได้กับศาลมืออาชีพและโบสถ์ในวัด แต่ก็ไม่ควรประมาทอิทธิพลของประเพณีของหมู่บ้านและดนตรีพื้นบ้านในเมืองที่ต่อมามีต่อนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่และดนตรียุโรป วัฒนธรรมดนตรีโดยทั่วไป. ดนตรีของ Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti ได้รับการหล่อเลี้ยงโดยประเพณีการทำดนตรีบรรเลงพื้นบ้าน

เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมที่เก่าแก่กว่านั้น ในยุโรปไม่มีการแบ่งส่วนแรกออกเป็นเสียงดนตรีและดนตรีบรรเลง ตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น ทุกสิ่งถูกครอบงำโดย โบสถ์คริสต์, ก เพลงบรรเลงในคริสตจักรมันพัฒนาเป็นเสียงประกอบสนับสนุนพระวจนะซึ่งครอบงำอยู่เสมอ - หลังจากนั้น "ในตอนเริ่มต้นคือพระวจนะ" ดังนั้นอุโบสถในยุคแรกจึงเป็นทั้งคนร้องและคนร่วมร้อง

เมื่อถึงจุดหนึ่งคำว่า "วงออเคสตรา" จะปรากฏขึ้น แม้ว่าจะไม่ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ตัวอย่างเช่นในเยอรมนีคำนี้ก่อตั้งขึ้นช้ากว่าในประเทศโรมานซ์ ในอิตาลี วงออร์เคสตรามักจะหมายถึงเครื่องดนตรีมากกว่าส่วนที่เป็นเสียงของดนตรี วงออร์เคสตราเป็นคำที่ยืมโดยตรงจากประเพณีกรีก วงออเคสตร้าของอิตาลีเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พร้อมกับการกำเนิดของประเภทโอเปร่า และเนื่องจากความนิยมเป็นพิเศษของประเภทนี้ คำนี้จึงพิชิตโลกทั้งใบได้อย่างรวดเร็ว ดังนั้นจึงปลอดภัยที่จะกล่าวว่าดนตรีออร์เคสตร้าร่วมสมัยมีแหล่งที่มา 2 แห่งคือ วัดและโรงละคร

มิสซาคริสต์มาส. ของจิ๋วจาก Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry โดยพี่น้อง Limburg ศตวรรษที่ 15นางสาว. 65/1284 ล. 158r / Musee Conde / วิกิมีเดียคอมมอนส์

และในประเทศเยอรมนี เป็นเวลานานจัดขึ้นในชื่อ "โบสถ์" ในการฟื้นฟูยุคกลาง จนถึงศตวรรษที่ 20 วงออร์เคสตร้าในราชสำนักของเยอรมันจำนวนมากถูกเรียกว่าโบสถ์ หนึ่งในวงออร์เคสตร้าที่เก่าแก่ที่สุดในโลกปัจจุบันคือโบสถ์แห่งรัฐแซกซอน (และในอดีต - ศาลแซกซอน) ในเดรสเดน ประวัติศาสตร์ย้อนกลับไปกว่า 400 ปี เธอปรากฏตัวที่ศาลของ Saxon Electors ผู้ซึ่งชื่นชมความสวยงามอยู่เสมอและเหนือกว่าเพื่อนบ้านในแง่นี้ ยังคงมีโบสถ์ประจำรัฐเบอร์ลินและไวมาร์ รวมถึงโบสถ์ Meiningen Court ที่มีชื่อเสียง ซึ่งริชาร์ด สเตราส์เริ่มเป็นนักดนตรีวง (ปัจจุบันเป็นวาทยกร) อย่างไรก็ตาม คำว่า "kapellmeister" ในภาษาเยอรมัน (chapel master) บางครั้งยังคงใช้โดยนักดนตรีในปัจจุบันโดยเทียบเท่ากับคำว่า "conductor" แต่บ่อยครั้งในความหมายเชิงแดกดัน บางครั้งก็ในแง่ลบ (ในความหมายของช่างฝีมือ ไม่ใช่ศิลปิน) และในสมัยนั้นคำนี้ออกเสียงด้วยความเคารพในฐานะชื่อของอาชีพที่ซับซ้อน: "หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงหรือวงออเคสตราซึ่งแต่งเพลงด้วย" จริงอยู่ในวงออเคสตร้าของเยอรมันบางวงคำนี้ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นการกำหนดตำแหน่ง - ตัวอย่างเช่นใน Leipzig Gewandhaus Orchestra หัวหน้าวงดนตรียังคงเรียกว่า Gewandhaus Kapellmeister

ศตวรรษที่ XVII-XVIII: วงออเคสตราเป็นเครื่องราชอิสริยาภรณ์

พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ใน Royal Ballet of the Night โดย Jean Baptiste Lully ร่างโดยอองรี เดอ กิสเซ็ต 1653ในการผลิต กษัตริย์เล่นบทบาทของดวงอาทิตย์ขึ้น วิกิมีเดียคอมมอนส์

วงออร์เคสตรายุคเรอเนซองส์และวงออเคสตรายุคบาโรกในยุคต่อมา ส่วนใหญ่เป็นวงในราชสำนักหรือคณะสงฆ์ จุดประสงค์ของพวกเขาคือการไปสักการะหรือเพื่อเอาใจและให้ความบันเทิงแก่ผู้ที่มีอำนาจ อย่างไรก็ตาม ผู้ปกครองศักดินาหลายคนมีสุนทรียภาพที่ค่อนข้างพัฒนา และนอกจากนี้ พวกเขาชอบอวดซึ่งกันและกัน บางคนโอ้อวดกองทัพ บางคนมีสถาปัตยกรรมที่แปลกประหลาด บางคนจัดสวน และบางคนมีโรงละครหรือวงออเคสตราในราชสำนัก

ตัวอย่างเช่น กษัตริย์หลุยส์ที่ 14 ของฝรั่งเศส มีวงออร์เคสตรา 2 วง ได้แก่ Ensemble of the Royal Stables ซึ่งประกอบด้วยเครื่องลมและเครื่องเคาะ และวงที่เรียกว่า "24 violins of the king" นำโดย นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง Jean Baptiste Lully ผู้ซึ่งร่วมมือกับ Moliere และลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะผู้สร้าง อุปรากรฝรั่งเศสและวาทยกรมืออาชีพคนแรก ต่อมา พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 แห่งอังกฤษ (พระราชโอรสในพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 1 ที่ถูกประหารชีวิต) ซึ่งเสด็จกลับจากฝรั่งเศสระหว่างการฟื้นฟูระบอบกษัตริย์ในปี พ.ศ. 2203 ก็ทรงสร้าง "ไวโอลิน 24 กษัตริย์" ขึ้นในโบสถ์หลวงตามต้นแบบของฝรั่งเศส Royal Chapel นั้นมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 และรุ่งเรืองถึงขีดสุดในรัชสมัยของสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 1 ผู้จัดงานในราชสำนักคือ William Bird และ Thomas Tallis และที่ราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 เฮนรี เพอร์เซลล์ นักแต่งเพลงชาวอังกฤษผู้ปราดเปรื่องทำหน้าที่ควบรวมตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในเวสต์มินสเตอร์แอบบีย์และในโบสถ์หลวง ในศตวรรษที่ 16-17 ในอังกฤษมีอีกชื่อหนึ่งที่เรียกเฉพาะสำหรับวงออร์เคสตรา ซึ่งมักจะเป็นวงเล็กๆ ซึ่งก็คือ "มเหสี" ในยุคบาโรกต่อมา คำว่า "มเหสี" เลิกใช้ไป และแนวคิดของแชมเบอร์ ซึ่งก็คือดนตรี "ห้อง" ปรากฏขึ้นแทน

ชุดนักรบจาก " รอยัลบัลเลต์กลางคืน." ร่างโดยอองรี เดอ กิสเซ็ต 1653วิกิมีเดียคอมมอนส์

กลายเป็นความบันเทิงรูปแบบบาโรก ปลาย XVII- จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ XVIII หรูหรามากขึ้น และไม่สามารถจัดการด้วยเครื่องมือจำนวนน้อยได้อีกต่อไป ลูกค้าต้องการ "ขนาดใหญ่และแพงกว่า" แม้ว่าแน่นอนว่าทุกอย่างขึ้นอยู่กับความเอื้ออาทรของ "ผู้อุปถัมภ์ที่มีชื่อเสียง" หากบาคถูกบังคับให้เขียนจดหมายถึงปรมาจารย์ของเขา โดยเกลี้ยกล่อมให้จัดสรรไวโอลินอย่างน้อยสองหรือสามตัวต่อเครื่องดนตรีหนึ่งชิ้น จากนั้นที่ฮันเดล ช่างโอโบ 24 คน นักเป่าปี่ 12 คน นักเล่นฮอร์น 9 คนเข้าร่วมการแสดงครั้งแรกของบาค "ดนตรีสำหรับดอกไม้ไฟหลวง" , นักเป่าแตร 9 คน และนักตีกลอง 3 คน (เช่น นักดนตรี 57 คน สำหรับ 13 ท่อนที่กำหนด) และในการแสดง "พระเมสสิยาห์" ของฮันเดลในลอนดอนในปี พ.ศ. 2327 มีผู้เข้าร่วม 525 คน (แม้ว่างานนี้จะเป็นของมากกว่า ยุคปลายเมื่อผู้แต่งเพลงไม่มีชีวิตอยู่แล้ว) นักแต่งเพลงสไตล์บาโรกส่วนใหญ่เขียนโอเปร่า และวงออเคสตร้าโอเปร่าละครมักเป็นห้องทดลองสร้างสรรค์สำหรับนักแต่งเพลงเสมอมา ซึ่งเป็นสถานที่สำหรับการทดลองทุกประเภท รวมถึงเครื่องมือที่ไม่ธรรมดาด้วย ตัวอย่างเช่น Monteverdi ยังคงอยู่ ต้น XVIIศตวรรษ เขาแนะนำให้รู้จักกับวงออเคสตราของโอเปร่า Orpheus ซึ่งเป็นหนึ่งในโอเปร่าเรื่องแรกๆ ในประวัติศาสตร์ โดยเป็นส่วนหนึ่งของทรอมโบนเพื่อแสดงถึงความโกรธเกรี้ยวในนรก

ตั้งแต่ช่วงเวลาของ Florentine Camerata (ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17) ในวงออเคสตราใด ๆ ที่มีส่วนต่อเนื่องของเบสโซซึ่งเล่นโดยนักดนตรีทั้งกลุ่มและบันทึกในบรรทัดเดียวในเสียงเบส ตัวเลขใต้ไลน์เบสแสดงถึงลำดับฮาร์มอนิกบางอย่าง และนักแสดงต้องด้นสดเนื้อดนตรีและการตกแต่งทั้งหมด นั่นคือสร้างใหม่ในแต่ละการแสดง ใช่ และองค์ประกอบก็แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับว่าโบสถ์ใดมีเครื่องดนตรีอะไรบ้าง การมีเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดหนึ่งชิ้นซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็นฮาร์ปซิคอร์ดเป็นสิ่งที่จำเป็น เพลงคริสตจักรเครื่องดนตรีนี้มักเป็นอวัยวะ คันชักหนึ่งสาย - เชลโล, วิโอลาดากัมบาหรือวิโอโลน (ผู้บุกเบิกดับเบิลเบสสมัยใหม่); พิณดึงสายหรือธีออร์โบหนึ่งสาย แต่บังเอิญว่าในกลุ่ม Basso Continuo มีผู้เล่นหกหรือเจ็ดคนพร้อมๆ กัน รวมทั้งฮาร์ปซิคอร์ดหลายตัว (Purcell และ Rameau มีสามหรือสี่ตัว) ในศตวรรษที่ 19 คีย์บอร์ดและเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาหายไปจากวงออร์เคสตรา แต่ปรากฏขึ้นอีกครั้งในศตวรรษที่ 20 และตั้งแต่ทศวรรษ 1960 เป็นต้นมา มีความเป็นไปได้ที่จะใช้เครื่องดนตรีเกือบทุกชนิดในโลกในวงดุริยางค์ซิมโฟนี ซึ่งเกือบจะเป็นรูปแบบบาโรกที่มีความยืดหยุ่นในแนวทางการบรรเลง ดังนั้นเราจึงสามารถพิจารณาได้ว่าบาร็อคเป็นผู้ให้กำเนิดวงออเคสตราสมัยใหม่

เครื่องมือวัด โครงสร้าง สัญกรณ์

ย่อมาจากคำอธิบายเกี่ยวกับคติของ Beat of Lieban ในรายชื่ออาราม San Millan de la Cogoglia 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

คำว่า "วงออเคสตรา" สำหรับผู้ฟังสมัยใหม่มักเกี่ยวข้องกับข้อความที่ตัดตอนมาจากดนตรีของ Beethoven, Tchaikovsky หรือ Shostakovich ด้วยเสียงที่ยิ่งใหญ่และในเวลาเดียวกันที่นุ่มนวลซึ่งฝากไว้ในความทรงจำของเราจากการฟังออเคสตร้าสมัยใหม่ - การแสดงสดและในการบันทึก แต่วงออเคสตร้าไม่ได้ฟังแบบนี้เสมอไป ท่ามกลางความแตกต่างมากมายระหว่างออเคสตร้าโบราณกับออเคสตร้าสมัยใหม่ สิ่งสำคัญคือเครื่องดนตรีที่นักดนตรีใช้ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เครื่องดนตรีทั้งหมดให้เสียงที่เงียบกว่าเครื่องดนตรีสมัยใหม่มาก เนื่องจากห้องที่ใช้เล่นดนตรีนั้น (โดยทั่วไป) มีขนาดเล็กกว่าห้องแสดงคอนเสิร์ตสมัยใหม่มาก และไม่มีแตรโรงงาน ไม่มีกังหันนิวเคลียร์ ไม่มีเครื่องยนต์สันดาปภายใน ไม่มีเครื่องบินความเร็วเหนือเสียง เสียงทั่วไปของชีวิตมนุษย์เงียบกว่าทุกวันนี้หลายเท่า ความดังยังคงวัดได้จากปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ เช่น เสียงคำรามของสัตว์ป่า เสียงฟ้าร้องระหว่างพายุฝนฟ้าคะนอง เสียงน้ำตก เสียงแตกของต้นไม้ล้มหรือเสียงก้องของภูเขาถล่ม และเสียงคำรามของฝูงชนในจัตุรัสกลางเมืองในงานแสดงสินค้า วัน. ดังนั้นดนตรีจึงสามารถแข่งขันกับความสว่างได้เฉพาะกับธรรมชาติเท่านั้น

สายที่ใช้ดีดเครื่องสายทำจากเอ็นวัว (ปัจจุบันทำจากโลหะ) คันธนูมีขนาดเล็กกว่า เบากว่า และมีรูปร่างแตกต่างกันเล็กน้อย ด้วยเหตุนี้เสียงของเครื่องสายจึง "อุ่นขึ้น" แต่ "นุ่มนวล" น้อยกว่าในปัจจุบัน เครื่องลมไม้ไม่มีวาล์วที่ทันสมัยและอุปกรณ์ทางเทคนิคอื่นๆ ที่ช่วยให้เล่นได้อย่างมั่นใจและแม่นยำมากขึ้น เครื่องลมไม้ในยุคนั้นให้เสียงที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแง่ของเสียงต่ำ บางครั้งก็แปร่งๆ (ทั้งหมดขึ้นอยู่กับทักษะของนักแสดง) และเงียบกว่าเครื่องสมัยใหม่หลายเท่า เครื่องลมทองเหลืองเป็นธรรมชาติทั้งหมด กล่าวคือ สามารถผลิตเสียงได้เฉพาะสเกลที่เป็นธรรมชาติ ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเพียงพอที่จะบรรเลงประโคมสั้นๆ เท่านั้น แต่ไม่สามารถขยายท่วงทำนองได้ หนังสัตว์ถูกขึงบนกลองและทิมปานี (การปฏิบัตินี้ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน แม้ว่าเครื่องเพอร์คัชชันที่มีเยื่อพลาสติกจะปรากฏตัวมานานแล้วก็ตาม)

ลำดับของวงออเคสตราโดยทั่วไปต่ำกว่าวันนี้ - โดยเฉลี่ยครึ่งเสียงและบางครั้งก็เป็นโทนเสียงทั้งหมด แต่ที่นี่ไม่มีกฎข้อเดียว: ระบบโทนเสียงสำหรับอ็อกเทฟแรก ที่ราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 พวกเขาปรับความถี่ A จาก 400 เป็น 408 เฮิรตซ์ ในเวลาเดียวกัน อวัยวะในวัดมักจะถูกปรับให้มีโทนเสียงที่สูงกว่าฮาร์ปซิคอร์ดที่ยืนอยู่ในห้องของพระราชวัง (อาจเป็นเพราะความร้อนเนื่องจากเครื่องสายเพิ่มขึ้นจากความร้อนแห้งและในทางกลับกัน ลดลง จากความหนาวเย็น เครื่องลม มักมีแนวโน้มกลับด้าน) ดังนั้นในสมัยของบาคจึงมีระบบหลักสองระบบ: ระบบที่เรียกว่า kammer-ton (สมัยใหม่ "ส้อมเสียง" - คำที่มาจากมัน) นั่นคือ "ระบบห้อง" และ orgel-ton นั่นคือ , "ระบบอวัยวะ" (หรือที่เรียกว่า "เสียงร้องประสานเสียง") และห้องสำหรับการปรับเสียง A อยู่ที่ 415 เฮิรตซ์ ในขณะที่การปรับเสียงของออร์แกนจะสูงกว่าเสมอ และบางครั้งก็สูงถึง 465 เฮิรตซ์ และถ้าเราเปรียบเทียบกับการปรับแต่งคอนเสิร์ตสมัยใหม่ (440 เฮิรตซ์) อันแรกจะต่ำกว่าครึ่งโทนและอันที่สองจะสูงกว่าอันที่ทันสมัยครึ่งหนึ่ง ดังนั้นในแคนทาทาของบาคบางชิ้นที่เขียนขึ้นโดยคำนึงถึงระบบออร์แกน ผู้เขียนจึงเขียนส่วนของเครื่องลมทันทีในการย้ายตำแหน่ง นั่นคือ สูงกว่าส่วนของคณะนักร้องประสานเสียงและเบสโซคอนตินิวโอครึ่งก้าว นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าเครื่องลมซึ่งใช้เป็นหลักในดนตรีแชมเบอร์ในศาลไม่ได้ปรับให้เข้ากับการปรับแต่งออร์แกนที่สูงขึ้น (ฟลุตและโอโบอาจต่ำกว่าคาเมอร์โทนเล็กน้อยด้วยซ้ำ ดังนั้นจึงมีเครื่องที่สามด้วย - คาเมอร์โทนต่ำ) โทนเสียง) และถ้าวันนี้คุณลองเล่นแคนทาทาจากโน้ตโดยไม่รู้ตัว คุณจะได้รับเสียงขรมที่ผู้เขียนไม่ได้ตั้งใจ

สถานการณ์ที่มีระบบ "ลอยตัว" ยังคงมีอยู่ในโลกจนถึงสงครามโลกครั้งที่สองนั่นคือไม่เพียง ประเทศต่างๆแต่ในเมืองต่างๆ ของประเทศเดียวกัน ระบบอาจแตกต่างกันอย่างเห็นได้ชัด ในปี พ.ศ. 2402 รัฐบาลฝรั่งเศสพยายามสร้างมาตรฐานการปรับจูนเป็นครั้งแรกโดยออกกฎหมายรับรองการปรับความถี่ A - 435 เฮิรตซ์ แต่ในประเทศอื่น ๆ การปรับจูนยังคงแตกต่างกันอย่างมาก และในปี 2498 เท่านั้น องค์การระหว่างประเทศกฎหมายเกี่ยวกับการปรับแต่งคอนเสิร์ตที่ 440 เฮิรตซ์ได้ถูกนำมาใช้ในมาตรฐานจนถึงทุกวันนี้

ไฮน์ริช อิกนาซ บีเบอร์ แกะสลักจาก 1681วิกิมีเดียคอมมอนส์

นักประพันธ์ยุคบาโรกและคลาสสิกยังได้ดำเนินการอื่นๆ ในด้านการปรับเสียง ซึ่งเกี่ยวข้องกับดนตรีสำหรับเครื่องสาย มันเป็นเรื่องของเกี่ยวกับเทคนิคที่เรียกว่า "scordatura" นั่นคือ "การปรับสาย" ในขณะเดียวกัน เครื่องสายบางสาย เช่น ไวโอลินหรือวิโอลา ก็ได้รับการปรับให้มีช่วงห่างที่ผิดปกติสำหรับเครื่องดนตรี ด้วยเหตุนี้นักแต่งเพลงจึงมีโอกาสที่จะใช้สตริงเปิดจำนวนมากขึ้นอยู่กับคีย์ของการประพันธ์ซึ่งนำไปสู่การกำทอนของเครื่องดนตรีที่ดีขึ้น แต่ scordatura นี้มักไม่ได้บันทึกด้วยเสียงจริง แต่เป็นการขนย้าย ดังนั้นหากไม่มีการเตรียมเครื่องดนตรี (และนักแสดง) เบื้องต้น การแสดงองค์ประกอบดังกล่าวจึงเป็นไปไม่ได้ ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงของ scordatura คือวงจรของไวโอลิน sonatas Rosary (ลึกลับ) ของ Heinrich Ignaz Bieber (1676)

ในยุคเรอเนซองส์และช่วงต้นของยุคบาโรก ช่วงของโหมดต่างๆ และช่วงต่อมาของคีย์ ซึ่งคีตกวีสามารถแต่งเพลงได้นั้นถูกจำกัดด้วยอุปสรรคตามธรรมชาติ ชื่อของสิ่งกีดขวางนี้คือลูกน้ำพีทาโกรัส Pythagoras นักวิทยาศาสตร์ชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่เป็นคนแรกที่แนะนำเครื่องมือปรับแต่งตามส่วนที่ห้าบริสุทธิ์ซึ่งเป็นหนึ่งในช่วงแรกของมาตราส่วนธรรมชาติ แต่กลายเป็นว่าถ้าคุณปรับเครื่องสายด้วยวิธีนี้ หลังจากผ่านไปครบวงหนึ่งในห้า (สี่อ็อกเทฟ) โน้ต C-sharp จะฟังดูสูงขึ้นมากใน C และตั้งแต่สมัยโบราณ นักดนตรีและนักวิทยาศาสตร์ได้พยายามค้นหาระบบปรับแต่งเครื่องดนตรีในอุดมคติ ซึ่งสามารถเอาชนะข้อบกพร่องตามธรรมชาติของสเกลธรรมชาติ - ความไม่สม่ำเสมอของมัน - ซึ่งจะทำให้ใช้โทนเสียงทั้งหมดได้อย่างเท่าเทียมกัน

แต่ละยุคมีระบบระเบียบของตัวเอง และแต่ละระบบก็มีลักษณะเฉพาะของมันเอง ซึ่งฟังดูผิดหูของเรา คุ้นชินกับเสียงของเปียโนสมัยใหม่ ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมดได้รับการปรับในสเกลเดียวกัน โดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น 12 เซมิโทนที่เท่ากันอย่างสมบูรณ์ การสร้างเครื่องแบบอยู่ใกล้มาก จิตวิญญาณที่ทันสมัยการประนีประนอมที่ทำให้สามารถแก้ปัญหาของเครื่องหมายจุลภาคของพีทาโกรัสได้ทุกครั้ง แต่ต้องเสียสละความงามตามธรรมชาติของเสียงบริสุทธิ์ในสามและห้า นั่นคือไม่มีช่วงใด (ยกเว้นอ็อกเทฟ) ที่เล่นโดยเปียโนสมัยใหม่ที่สอดคล้องกับสเกลธรรมชาติ และในระบบระเบียบมากมายที่มีอยู่ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ยุคกลางตอนปลาย, ช่วงเวลาบริสุทธิ์จำนวนหนึ่งถูกรักษาไว้เนื่องจากคีย์ทั้งหมดได้รับเสียงแต่ละเสียงที่คมชัด แม้หลังจากการประดิษฐ์อารมณ์ที่ดี (ดู Clavier อารมณ์ดีของ Bach) ซึ่งทำให้สามารถใช้คีย์ทั้งหมดบนฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนได้ แต่คีย์เองยังคงรักษาสีของตัวเองไว้ ดังนั้นการเกิดขึ้นของทฤษฎีพื้นฐานของผลกระทบสำหรับดนตรีบาโรก ซึ่งความหมายทางดนตรีทั้งหมด - ทำนอง ความกลมกลืน จังหวะ จังหวะ พื้นผิว และการเลือกโทนเสียง - มีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับสภาวะทางอารมณ์ที่เฉพาะเจาะจง ยิ่งไปกว่านั้น โทนเสียงเดียวกันอาจฟังดูเป็นอภิบาล ไร้เดียงสาหรือเย้ายวน โศกเศร้าอย่างเคร่งขรึมหรือข่มขู่ปีศาจได้ ขึ้นอยู่กับระบบที่ใช้ในขณะนั้น

สำหรับนักแต่งเพลง การเลือกคีย์ใดคีย์หนึ่งนั้นเชื่อมโยงความสัมพันธุ์กับอารมณ์บางอย่างอย่างแยกไม่ออกจนกระทั่งช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ยิ่งกว่านั้น หากสำหรับ Haydn D major ฟังดูเหมือน "การขอบคุณอย่างยิ่งใหญ่ ความเข้มแข็ง" สำหรับเบโธเฟน มันก็ฟังดูเหมือน "ความเจ็บปวด ความปวดร้าว หรือการเดินขบวน" Haydn เชื่อมโยง E major กับ "ความคิดเกี่ยวกับความตาย" และสำหรับ Mozart มันหมายถึง "ความมีชัยที่ศักดิ์สิทธิ์และสูงส่ง" (คำคุณศัพท์ทั้งหมดนี้เป็นคำพูดจากผู้แต่งเอง) ดังนั้นในคุณธรรมที่จำเป็นของนักดนตรีที่เล่นดนตรียุคแรกคือระบบความรู้ทางดนตรีและวัฒนธรรมทั่วไปหลายมิติซึ่งทำให้สามารถรับรู้โครงสร้างทางอารมณ์และ "รหัส" ขององค์ประกอบต่างๆโดยผู้แต่งหลายคนและในเวลาเดียวกันความสามารถในการ ใช้เทคนิคนี้ในเกม

นอกจากนี้ยังมีปัญหาเกี่ยวกับสัญกรณ์: นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 17-18 จงใจบันทึกข้อมูลเพียงบางส่วนที่เกี่ยวข้องกับการแสดงที่กำลังจะมาถึงของงาน การใช้ถ้อยคำ ความแตกต่างเล็กน้อย การประกบ และการตกแต่งที่วิจิตรงดงามโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - เป็นส่วนสำคัญของสุนทรียศาสตร์แบบบาโรก - ทั้งหมดนี้ถูกทิ้งไว้ให้นักดนตรีเลือกอย่างเสรี ซึ่งกลายเป็นผู้ร่วมสร้างนักแต่งเพลง ไม่ใช่แค่ผู้ปฏิบัติตามเจตจำนงของเขา ดังนั้น การแสดงดนตรีสไตล์บาโรกและคลาสสิกยุคแรกอย่างเชี่ยวชาญอย่างแท้จริงด้วยเครื่องดนตรีโบราณจึงเป็นงานที่ยากไม่น้อย (หากไม่มาก) ไปกว่าการบรรเลงดนตรียุคหลังด้วยเครื่องดนตรีสมัยใหม่อย่างเชี่ยวชาญ เมื่อกว่า 60 ปีที่แล้ว ผู้ที่ชื่นชอบการเล่นเครื่องดนตรีโบราณกลุ่มแรก ("ผู้นิยมของแท้") ปรากฏตัวขึ้น พวกเขามักจะพบกับความเกลียดชังในหมู่เพื่อนร่วมงาน ส่วนหนึ่งเกิดจากความเฉื่อยของนักดนตรีของโรงเรียนดั้งเดิม และอีกส่วนหนึ่งมาจากทักษะที่ไม่เพียงพอของผู้บุกเบิกความถูกต้องทางดนตรีเอง ในแวดวงดนตรี มีทัศนคติเชิงประชดประชันต่อพวกเขาในฐานะผู้แพ้ที่ไม่พบประโยชน์สำหรับตนเองดีไปกว่าการเผยแพร่คำร้องทุกข์ปลอมๆ บน "ไม้เหี่ยว" (เครื่องลมไม้) หรือ "เศษเหล็กที่เป็นสนิม" (เครื่องเป่าลมทองเหลือง) และทัศนคตินี้ (น่าเสียดายอย่างแน่นอน) ยังคงมีอยู่จนกระทั่งเมื่อเร็ว ๆ นี้ จนกระทั่งเห็นได้ชัดว่าระดับการเล่นเครื่องดนตรีโบราณได้เติบโตขึ้นอย่างมากในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา ซึ่งอย่างน้อยที่สุดในวงการบาโรกและคลาสสิกยุคต้น เหนือกว่าวงออเคสตร้าสมัยใหม่ที่ให้เสียงที่น่าเบื่อหน่ายและน่าเบื่อหน่าย

ประเภทและรูปแบบวงออเคสตร้า

ชิ้นส่วนของภาพเหมือนของ Pierre Moucheron กับครอบครัวของเขา ไม่ทราบผู้เขียน 1563 Rijksmuseum อัมสเตอร์ดัม

เช่นเดียวกับคำว่า "ออร์เคสตรา" ไม่ได้หมายถึงสิ่งที่เราหมายถึงในปัจจุบันเสมอไป ดังนั้นคำว่า "ซิมโฟนี" และ "คอนเสิร์ต" ในขั้นต้นจึงมีความหมายต่างกันเล็กน้อย และค่อยๆ เมื่อเวลาผ่านไปพวกเขาได้รับความหมายสมัยใหม่

คอนเสิร์ต

คำว่า "คอนเสิร์ต" มีที่มาที่เป็นไปได้หลายประการ นิรุกติศาสตร์สมัยใหม่มีแนวโน้มที่จะแปลว่า "เพื่อบรรลุข้อตกลง" จากคอนแชร์แตร์ของอิตาลี หรือ "ร้องเพลงด้วยกัน สรรเสริญ" จากภาษาละติน concinere, concino อีกคำแปลที่เป็นไปได้คือ "ข้อพิพาท การแข่งขัน" จากภาษาละตินว่าคอนแชร์แตร์: นักแสดงแต่ละคน (ศิลปินเดี่ยวหรือกลุ่มศิลปินเดี่ยว) แข่งขันกันในดนตรีกับทีม (วงออร์เคสตรา) ในช่วงต้นของยุคบาโรก งานที่ใช้เสียงร้องมักถูกเรียกว่าคอนแชร์โต ต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อแคนตาตา ซึ่งมาจากภาษาละติน canto, cantare ("ร้องเพลง") เมื่อเวลาผ่านไป คอนแชร์โตกลายเป็นแนวเพลงที่ใช้บรรเลงเพียงอย่างเดียว (แม้ว่าในบรรดาผลงานของศตวรรษที่ 20 จะพบสิ่งที่หายากเช่นคอนแชร์โตสำหรับเสียงและวงออเคสตราโดย Reinhold Gliere) ยุคบาโรกสร้างความแตกต่างระหว่างคอนแชร์โตเดี่ยว (เครื่องดนตรีชิ้นเดียวและวงออร์เคสตราประกอบ) และ " คอนเสิร์ตใหญ่” (คอนแชร์โตกรอสโซ) ซึ่งดนตรีถูกถ่ายโอนระหว่างศิลปินเดี่ยวกลุ่มเล็ก ๆ (คอนแชร์ติโน) และกลุ่มที่มีเครื่องดนตรีมากกว่า (ริเปียโน นั่นคือ "การเติม" "การเติม") นักดนตรีของกลุ่ม ripieno เรียกว่า ripienists นักเล่นดนตรีประกอบเหล่านี้เองที่กลายมาเป็นผู้บุกเบิกของผู้เล่นวงออเคสตร้าสมัยใหม่ ในฐานะริเปียโน มีเพียงเครื่องสายเท่านั้นที่เกี่ยวข้อง เช่นเดียวกับเบสโซคอนตินูโอ และศิลปินเดี่ยวอาจแตกต่างกันมาก: ไวโอลิน เชลโล โอโบ เครื่องบันทึก บาสซูน วิโอลาดามูร์ ลูต แมนโดลิน ฯลฯ

คอนแชร์โตกรอสโซมีสองประเภท: คอนแชร์โตดาเชียซา ("คอนเสิร์ตในโบสถ์") และคอนแชร์โตดาคาเมรา ("แชมเบอร์คอนเสิร์ต") ทั้งสองถูกนำมาใช้โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณ Arcangelo Corelli ผู้ประพันธ์เพลงคอนแชร์โต 12 รอบ (1714) วัฏจักรนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อฮันเดล ซึ่งทิ้งวงคอนแชร์โตกรอสโซไว้สองวง ซึ่งได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของแนวเพลงประเภทนี้ คอนแชร์โตบรันเดนบูร์กของบาคยังมีคุณลักษณะที่ชัดเจนของคอนแชร์โตกรอสโซอีกด้วย

ความรุ่งเรืองของคอนแชร์โตเดี่ยวสไตล์บาโรกเกี่ยวข้องกับชื่อของอันโตนิโอ วิวัลดี ผู้แต่งคอนแชร์โตมากกว่า 500 เพลงสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ ที่มาพร้อมกับเครื่องสายและเบสโซต่อเนื่องในชีวิตของเขา เพลงประสานเสียงและซิมโฟนีบรรเลง) ตามปกติแล้วการบรรยายแบ่งออกเป็นสามส่วนโดยมีจังหวะสลับกัน: เร็ว - ช้า - เร็ว; โครงสร้างนี้มีความโดดเด่นในตัวอย่างเครื่องดนตรีคอนแชร์โตในเวลาต่อมา - จนถึง ต้น XXIศตวรรษ. ผลงานการสร้างสรรค์ของ Vivaldi ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือวงรอบ "The Seasons" (1725) สำหรับไวโอลินและวงเครื่องสาย ซึ่งแต่ละคอนแชร์โตจะนำหน้าด้วยบทกวี (บางที Vivaldi เขียนเอง) บทกวีบรรยายถึงอารมณ์และเหตุการณ์สำคัญของฤดูกาลหนึ่งๆ ซึ่งรวมไว้ในดนตรีแล้ว คอนแชร์โตทั้งสี่นี้ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของวงคอนแชร์โตขนาดใหญ่ 12 วงที่มีชื่อว่า Contest of Harmony and Invention ปัจจุบันถือเป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกของรายการเพลง

ประเพณีนี้ได้รับการสานต่อและพัฒนาโดยฮันเดลและบาค ยิ่งไปกว่านั้น ฮันเดลยังแต่งออร์แกนคอนแชร์โต 16 ชิ้น และบาคนอกเหนือจากคอนแชร์โตแบบดั้งเดิมสำหรับไวโอลินหนึ่งและสองตัวในเวลานั้น ยังได้เขียนคอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งเคยเป็นเครื่องดนตรีเฉพาะของกลุ่มเบสโซคอนตินิวโอมาก่อน . ดังนั้น Bach จึงถือได้ว่าเป็นบรรพบุรุษของเปียโนคอนแชร์โตสมัยใหม่

ซิมโฟนี

ซิมโฟนีในภาษากรีกแปลว่า "ความสอดคล้อง", "เสียงร่วม" ในประเพณีกรีกและยุคกลางโบราณ ซิมโฟนีถูกเรียกว่า euphony of Harmony (ในภาษาดนตรีปัจจุบัน - ความสอดคล้องกัน) และในช่วงเวลาไม่นานมานี้ เครื่องดนตรีต่างๆ เริ่มถูกเรียกว่า Symphony เช่น ขิม, Hurdy Gurdy, Spinet หรือ บริสุทธิ์. และเมื่อถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 คำว่า "ซิมโฟนี" เริ่มถูกใช้เป็นชื่อขององค์ประกอบสำหรับเสียงและเครื่องดนตรี ควรเรียกตัวอย่างแรกสุดของซิมโฟนีดังกล่าวอย่างไร ซิมโฟนีดนตรี Lodovico Grossi da Viadana (1610), Sacred Symphonies โดย Giovanni Gabrieli (1615) และ Sacred Symphonies (op. 6, 1629 และ 10, 1649) โดย Heinrich Schutz โดยทั่วไปแล้วตลอดช่วงยุคบาโรก การประพันธ์เพลงที่หลากหลายทั้งทางสงฆ์และฆราวาสเรียกว่าซิมโฟนี บ่อยครั้งที่ซิมโฟนีเป็นส่วนหนึ่งของวงจรขนาดใหญ่ ด้วยการถือกำเนิดขึ้นของประเภทของโอเปร่าซีเรียของอิตาลี (“โอเปร่าซีเรียส”) ซึ่งเกี่ยวข้องกับชื่อของ Scarlatti เป็นหลัก บทนำเกี่ยวกับโอเปร่าหรือที่เรียกว่าการทาบทามถูกเรียกว่าซิมโฟนีโดยปกติจะแบ่งออกเป็นสามส่วน: เร็ว - ช้าเร็ว. นั่นคือ "ซิมโฟนี" และ "การทาบทาม" มีความหมายเกี่ยวกับสิ่งเดียวกันมาช้านาน โดยวิธีการใน อิตาเลี่ยนโอเปร่าประเพณีการเรียกการทาบทามว่าซิมโฟนียังคงมีอยู่จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 (ดูโอเปร่าในยุคแรกๆ ของแวร์ดี เช่น เนบูคัดเนสซาร์)

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา แฟชั่นสำหรับซิมโฟนีหลายท่อนบรรเลงได้เกิดขึ้นทั่วยุโรป พวกเขามีบทบาทสำคัญในทั้งสองอย่าง ชีวิตสาธารณะเช่นเดียวกับในการบริการคริสตจักร อย่างไรก็ตามแหล่งกำเนิดและการแสดงซิมโฟนีหลักคือที่ดินของขุนนาง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 (ช่วงเวลาของการปรากฏตัวของซิมโฟนี Haydn วงแรก) มีศูนย์กลางหลักสามแห่งสำหรับการแต่งซิมโฟนีในยุโรป - มิลาน เวียนนา และมันไฮม์ ต้องขอบคุณกิจกรรมของศูนย์ทั้งสามแห่งนี้ แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Mannheim Court Chapel และนักแต่งเพลง ตลอดจนงานของ Joseph Haydn ที่แนวเพลงซิมโฟนีได้เบ่งบานครั้งแรกในยุโรปในเวลานั้น

โบสถ์มันไฮม์

แจน สตามิทซ์วิกิมีเดียคอมมอนส์

โบสถ์ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้ผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาร์ลส์ที่ 3 ฟิลิปในไฮเดลเบิร์ก และหลังจากปี 1720 ยังคงมีอยู่ในมันไฮม์ ถือได้ว่าเป็นต้นแบบวงแรกของวงออเคสตราสมัยใหม่ ก่อนที่จะย้ายไปมันไฮม์ โบสถ์แห่งนี้มีจำนวนมากกว่าหลังอื่นๆ ในอาณาเขตโดยรอบ ในมันไฮม์นั้นเติบโตมากยิ่งขึ้นและด้วยการดึงดูดความร่วมมือ นักดนตรีที่มีความสามารถในเวลานั้นคุณภาพของการแสดงก็ดีขึ้นอย่างมากเช่นกัน ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1741 คณะนักร้องประสานเสียงนำโดย Jan Stamitz นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวเช็ก จากเวลานี้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับการสร้างโรงเรียน Mannheim วงออเคสตราประกอบด้วยเครื่องสาย 30 เครื่อง เครื่องลมคู่: ฟลุต 2 ชิ้น โอโบ 2 ชิ้น คลาริเน็ต 2 ชิ้น (จากนั้นก็ยังเป็นแขกรับเชิญในวงออเคสตรา) เบสซูน 2 ชิ้น แตร 2-4 ชิ้น ทรัมเป็ตและทิมปานี 2 ชิ้น ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่ในยุคนั้น ตัวอย่างเช่นในโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy ซึ่ง Haydn ทำหน้าที่เป็นหัวหน้าวงดนตรีมาเกือบ 30 ปีในช่วงเริ่มต้นของกิจกรรมจำนวนนักดนตรีไม่เกิน 13-16 คนที่ Count Morzin ซึ่ง Haydn รับใช้เมื่อหลายปีก่อน Esterhazy และเขียนซิมโฟนีชุดแรกของเขามีนักดนตรีมากขึ้น น้อยลง - ที่นั่นตัดสินโดยคะแนนของ Haydn ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่มีแม้แต่ฟลุต ในช่วงปลายทศวรรษ 1760 โบสถ์ Esterhazy มีนักดนตรีเพิ่มขึ้นเป็น 16-18 คน และในช่วงกลางทศวรรษ 1780 มีนักดนตรีถึงจำนวนสูงสุด 24 คน และในมันไฮม์มีคนเล่นเครื่องสายเพียงลำพัง 30 คน

แต่คุณธรรมหลักของอัจฉริยะ Mannheim ไม่ใช่ปริมาณของพวกเขา แต่เป็นคุณภาพที่น่าทึ่งและความสอดคล้องกันของการแสดงโดยรวมในเวลานั้น แจน สตามิทซ์ และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ที่แต่งเพลงให้กับวงออร์เคสตราวงนี้หลังจากนั้น เขาพบว่าเอฟเฟ็กต์ที่มีความซับซ้อนมากขึ้นเรื่อยๆ จนไม่เคยได้ยินมาก่อน ซึ่งต่อมาก็กลายเป็นที่มาของชื่อโบสถ์มันไฮม์: การเพิ่มขึ้นของเสียง (crescendo) การจางหายไปของเสียง (diminuendo), การหยุดชะงักร่วมกันของเกมอย่างกะทันหัน (การหยุดชั่วคราวทั่วไป) รวมถึงตัวเลขทางดนตรีต่างๆ เช่น: จรวด Mannheim (การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของท่วงทำนองตามเสียงของคอร์ดที่สลายตัว), นก Mannheim ( การเลียนแบบเสียงนกร้องในทางเดินเดี่ยว) หรือการถึงจุดสุดยอดของมานน์ไฮม์ (การเตรียมการสำหรับวงเวียนใหญ่ และจากนั้นในช่วงเวลาชี้ขาดคือการหยุดเล่นเครื่องเป่าทั้งหมดและการเล่นเครื่องสายบางสายที่กระฉับกระเฉง) เอฟเฟ็กต์เหล่านี้จำนวนมากพบชีวิตที่สองของพวกเขาในผลงานของโมสาร์ทและเบโธเฟนรุ่นเยาว์รุ่นราวคราวเดียวกับมันไฮม์ และบางส่วนยังคงมีอยู่จนถึงทุกวันนี้

นอกจากนี้ สตามิทซ์และเพื่อนร่วมงานของเขาค่อยๆ ค้นพบรูปแบบในอุดมคติของซิมโฟนีสี่ท่อน ซึ่งได้มาจากต้นแบบแบบบาโรกของโซนาตาโบสถ์และแชมเบอร์โซนาตา ตลอดจนการทาบทามโอเปร่าของอิตาลี Haydn เข้าสู่วงจรสี่ส่วนเหมือนเดิมอันเป็นผลมาจากการทดลองหลายปีของเขา โมสาร์ทวัยเยาว์ไปเยือนมันไฮม์ในปี 2320 และรู้สึกประทับใจอย่างมากกับดนตรีและวงออร์เคสตร้าที่เขาได้ยินที่นั่น กับ Christian Cannabih ซึ่งเป็นผู้นำวงออเคสตราหลังจากการเสียชีวิตของ Stamitz โมสาร์ทมีมิตรภาพส่วนตัวตั้งแต่เขาไปเยือนมันไฮม์

นักดนตรีในศาล

ตำแหน่งของนักดนตรีในศาลซึ่งได้รับเงินเดือนนั้นได้เปรียบมากในเวลานั้น แต่แน่นอนว่ามันจำเป็นมาก พวกเขาทำงานหนักมากและต้องเติมเต็มความปรารถนาทางดนตรีของปรมาจารย์ พวกเขาสามารถมารับได้ตอนตีสามหรือตีสี่และบอกว่าเจ้าของต้องการเพลงเพื่อความบันเทิง - เพื่อฟังเซเรเนด นักดนตรีที่ยากจนต้องเข้าไปในห้องโถง วางตะเกียงและเล่น บ่อยครั้งที่นักดนตรีทำงานเจ็ดวันต่อสัปดาห์ - แน่นอนว่าไม่มีแนวคิดเช่นอัตราการผลิตหรือวันทำงาน 8 ชั่วโมงสำหรับพวกเขา (ตามมาตรฐานสมัยใหม่นักดนตรีวงออเคสตราไม่สามารถทำงานได้มากกว่า 6 ชั่วโมงต่อวัน เมื่อพูดถึงการซ้อมคอนเสิร์ตหรือ การแสดงละคร). เราต้องเล่นทั้งวัน เราก็เลยเล่นทั้งวัน อย่างไรก็ตามเจ้าของ คนรักดนตรีส่วนใหญ่มักจะเข้าใจว่านักดนตรีไม่สามารถเล่นโดยไม่หยุดพักเป็นเวลาหลายชั่วโมง - เขาต้องการทั้งอาหารและพักผ่อน

รายละเอียดของภาพวาดโดย Nicola Maria Rossi 1732บริดจ์แมนอิมเมจ/โฟโตดอม

โบสถ์ Haydn และ Prince Esterhazy

ตำนานเล่าว่า Haydn ผู้ประพันธ์เพลง Farewell Symphony ที่มีชื่อเสียงได้บอกเป็นนัยกับ Esterhazy เจ้านายของเขาเกี่ยวกับการพักผ่อนที่สัญญาไว้แต่ลืมไปแล้ว ในตอนจบ นักดนตรีทุกคนลุกขึ้นยืน ดับเทียนและจากไป - คำใบ้ค่อนข้างเข้าใจได้ และเจ้าของเข้าใจพวกเขาและปล่อยให้พวกเขาไปพักผ่อน - ซึ่งพูดถึงเขาเป็นคนที่มีความเข้าใจและมีอารมณ์ขัน แม้ว่ามันจะเป็นเรื่องแต่ง แต่มันก็สื่อถึงจิตวิญญาณของยุคนั้นได้อย่างน่าทึ่ง - ในช่วงเวลาอื่น ๆ คำแนะนำดังกล่าวเกี่ยวกับความผิดพลาดของเจ้าหน้าที่อาจทำให้นักแต่งเพลงต้องเสียค่าใช้จ่ายอย่างมาก

เนื่องจากผู้อุปถัมภ์ของ Haydn เป็นคนที่ค่อนข้างมีการศึกษาและอ่อนไหวต่อดนตรี เขาจึงวางใจได้ว่าการทดลองใดๆ ของเขา ไม่ว่าจะเป็นซิมโฟนีในหกหรือเจ็ดท่วงท่าหรือความซับซ้อนของวรรณยุกต์ที่น่าทึ่งในตอนพัฒนาการ ได้รับคำประณาม ดูเหมือนว่าจะตรงกันข้าม: ยิ่งรูปแบบซับซ้อนและผิดปกติมากเท่าไหร่ก็ยิ่งชอบมากขึ้นเท่านั้น
อย่างไรก็ตาม ไฮเดินกลายเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนแรกที่ปลดปล่อยตัวเองจากความรู้สึกสบาย ๆ นี้ แต่โดยทั่วไปแล้วการดำรงอยู่ของข้าราชบริพารอย่างทาส เมื่อ Nikolaus Esterházy เสียชีวิต ทายาทของเขาได้ยกเลิกวงออเคสตรา แม้ว่าเขาจะยังคงรักษาตำแหน่งของ Haydn และเงินเดือน (ที่ลดลง) ของหัวหน้าวงดนตรีก็ตาม ดังนั้น Haydn จึงได้รับการลางานโดยไม่มีกำหนดโดยไม่ได้ตั้งใจและใช้ประโยชน์จากคำเชิญของ Johann Peter Salomon ผู้แสดงละครไปลอนดอนเมื่ออายุค่อนข้างมาก ที่นั่นเขาสร้างสไตล์ออเคสตร้าใหม่ ดนตรีของเขาหนักแน่นและเรียบง่ายขึ้น การทดลองถูกยกเลิก นี่เป็นเพราะความจำเป็นทางการค้า: เขาพบว่าประชาชนชาวอังกฤษทั่วไปมีการศึกษาน้อยกว่าผู้ฟังที่มีความซับซ้อนในที่ดิน Esterhazy - สำหรับเธอ คุณต้องเขียนให้สั้นลง ชัดเจนขึ้น และกระชับขึ้น แม้ว่าซิมโฟนีแต่ละชิ้นที่เขียนโดย Esterhazy จะมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว แต่ซิมโฟนีของลอนดอนก็เป็นประเภทเดียวกัน พวกเขาทั้งหมดเขียนขึ้นเฉพาะในสี่ส่วน (ในเวลานั้นมันเป็นรูปแบบซิมโฟนีที่พบมากที่สุดซึ่งนักแต่งเพลงของโรงเรียนมันไฮม์และโมสาร์ทใช้อย่างเต็มที่): sonata allegro บังคับในส่วนแรก ยิ่ง หรือส่วนที่สองที่ช้าน้อยกว่า ตอนจบและตอนจบที่รวดเร็ว ประเภทของวงออเคสตราและรูปแบบดนตรี ตลอดจนรูปแบบการพัฒนาทางเทคนิคของรูปแบบที่ใช้ในซิมโฟนีชิ้นสุดท้ายของไฮเดิน ได้กลายเป็นต้นแบบของเบโธเฟนไปแล้ว

ปลายศตวรรษที่ 18 - 19: โรงเรียนเวียนนาและเบโธเฟน

ภายใน Theatre an der Wien ในกรุงเวียนนา แกะสลัก ศตวรรษที่ 19ภาพ Brigeman / Fotodom

ไฮเดินมีอายุยืนกว่าโมสาร์ทซึ่งอายุน้อยกว่าเขา 24 ปี และพบจุดเริ่มต้นของอาชีพของเบโธเฟน ไฮเดินทำงานเกือบทั้งชีวิตในฮังการีในปัจจุบัน และในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขาประสบความสำเร็จอย่างมากในลอนดอน โมสาร์ทมาจากซาลซ์บูร์ก และเบโธเฟนเป็นชาวเฟลมมิ่งที่เกิดในบอนน์ แต่เส้นทางที่สร้างสรรค์ของดนตรียักษ์ใหญ่ทั้งสามนั้นเชื่อมโยงกับเมืองซึ่งในรัชสมัยของจักรพรรดินีมาเรียเทเรซ่าและจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 ลูกชายของเธอได้รับตำแหน่งเมืองหลวงแห่งดนตรีของโลก - กับเวียนนา ดังนั้นผลงานของไฮเดิน โมสาร์ท และเบโธเฟนจึงถูกจารึกไว้ในประวัติศาสตร์ว่าเป็น "สไตล์คลาสสิกแบบเวียนนา" จริงอยู่ควรสังเกตว่าผู้เขียนเองไม่ได้คิดว่าตัวเองเป็น "คลาสสิก" เลยและเบโธเฟนคิดว่าตัวเองเป็นนักปฏิวัติผู้บุกเบิกและแม้แต่ผู้ทำลายล้างประเพณี แนวคิดของ "สไตล์คลาสสิก" เป็นสิ่งประดิษฐ์ในเวลาต่อมา (กลางศตวรรษที่ 19) คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้คือความสามัคคีที่กลมกลืนกันของรูปแบบและเนื้อหา ความสมดุลของเสียงในกรณีที่ไม่มีส่วนเกินแบบพิสดารและความกลมกลืนแบบโบราณของสถาปัตยกรรมทางดนตรี

มงกุฎแห่งเวียนนา สไตล์คลาสสิกในพื้นที่ ดนตรีออเคสตร้าซิมโฟนีในลอนดอนของ Haydn ซิมโฟนีสุดท้ายของ Mozart และซิมโฟนีของเบโธเฟนทั้งหมดมักถูกพิจารณา ในซิมโฟนีตอนปลายของ Haydn และ Mozart ศัพท์ดนตรีและไวยากรณ์ของสไตล์คลาสสิกได้ถูกสร้างขึ้นในที่สุด เช่นเดียวกับองค์ประกอบของวงออเคสตราซึ่งตกผลึกแล้วในโรงเรียน Mannheim และยังถือว่าเป็นคลาสสิก: กลุ่มเครื่องสาย (แบ่งออกเป็น ไวโอลินตัวที่หนึ่งและตัวที่สอง, วิโอลา, เชลโลและดับเบิ้ลเบส), เครื่องลมไม้ที่ประกอบด้วยคู่ - โดยปกติแล้วจะมีฟลุตสองอัน, โอโบสองตัว, บาสซูนสองตัว แต่เริ่มจาก ผลงานล่าสุดโมสาร์ทและคลาริเน็ตก็เข้าสู่วงออเคสตราอย่างมั่นคงและเป็นที่ยอมรับ ความหลงใหลในคลาริเน็ตของโมสาร์ทมีส่วนอย่างมากในการจำหน่ายเครื่องดนตรีนี้อย่างกว้างขวางในฐานะส่วนหนึ่งของกลุ่มเครื่องเป่าของวงออร์เคสตรา โมสาร์ทได้ยินคลาริเน็ตในปี 1778 ในเมืองมันไฮม์ในซิมโฟนีของสตามิทซ์ และเขียนจดหมายถึงบิดาอย่างชื่นชมว่า "โอ้ ถ้าเรามีคลาริเน็ต!" - ความหมายโดย "พวกเรา" โบสถ์ Salzburg Court ซึ่งเปิดตัวคลาริเน็ตในปี 1804 เท่านั้น อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่าในปี ค.ศ. 1769 คลาริเน็ตถูกใช้เป็นประจำในวงดนตรีทหารระดับเจ้าเมือง

สำหรับเครื่องลมไม้ที่กล่าวถึงแล้ว มักจะเพิ่มเขาสองแตร และบางครั้งก็มีแตรและรำมะนาอีกสองตัว เพลงไพเราะจากกองทัพ แต่เครื่องดนตรีเหล่านี้ใช้ในซิมโฟนีเท่านั้น คีย์ของคีย์อนุญาตให้ใช้ท่อธรรมชาติ ซึ่งมีอยู่ในการปรับเสียงเพียงไม่กี่แบบ มักจะอยู่ใน D หรือ C major; บางครั้งก็ใช้ทรัมเป็ตในซิมโฟนีที่เขียนด้วย G major แต่ไม่เคยใช้ทิมปานี ตัวอย่างของซิมโฟนีที่มีแตรแต่ไม่มีทิมปานีคือซิมโฟนีหมายเลข 32 ของโมสาร์ท ท่อนกลองทิมปานีถูกเพิ่มเข้าไปในคะแนนในภายหลังโดยบุคคลที่ไม่ปรากฏชื่อ และถือว่าไม่น่าเชื่อถือ สันนิษฐานได้ว่าความไม่ชอบของผู้เขียนในศตวรรษที่ 18 สำหรับ G major ที่เกี่ยวข้องกับทิมปานีนั้นอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าสำหรับรำมะนาพิสดาร (ปรับไม่ได้โดยแป้นเหยียบสมัยใหม่ที่สะดวก แต่ใช้สกรูปรับความตึงด้วยตนเอง) เขียนเพลงที่ประกอบด้วยโน้ตเพียงสองตัวคือโทนิค (ระดับเสียงที่ 1) และตัวเด่น (ระดับเสียงที่ 5) ซึ่งถูกเรียกให้สนับสนุนท่อที่เล่นโน้ตเหล่านี้ แต่โน้ตหลักของคีย์ G เมเจอร์ใน อ็อกเทฟบนของกลองทิมปานีฟังดูแหลมเกินไปและในส่วนล่าง - อู้อี้เกินไป ดังนั้น ทิมปานีใน G major จึงถูกหลีกเลี่ยงเนื่องจากความไม่ลงรอยกัน

เครื่องดนตรีอื่น ๆ ทั้งหมดได้รับการยอมรับในโอเปร่าและบัลเลต์เท่านั้นและบางชิ้นก็เป่าได้แม้ในโบสถ์ (เช่น ทรอมโบนและแตรเบสใน Requiem, ทรอมโบน, แตรเบสและปิคโคโลใน " ขลุ่ยวิเศษ", กลองเพลง "Janissary" ใน "Abduction from the Seraglio" หรือแมนโดลินใน "Don Giovanni" โดย Mozart, แตรเบสและพิณในบัลเล่ต์ของ Beethoven เรื่อง "The Works of Prometheus")

ความต่อเนื่องของเบสโซค่อยๆ เลิกใช้ เริ่มแรกหายไปจากดนตรีออเคสตร้า แต่ยังคงอยู่ในโอเปร่าระยะหนึ่งเพื่อประกอบการบรรยาย (ดู The Marriage of Figaro, All Women Do It และ Don Giovanni ของ Mozart แต่ต่อมา - V ต้น XIXศตวรรษในบาง การ์ตูนโอเปร่ารอสซินีและโดนิเซ็ตติ)

หากไฮเดินน์ตกลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะผู้ประดิษฐ์ดนตรีซิมโฟนิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุด โมสาร์ทก็ได้ทดลองกับวงออร์เคสตราในโอเปร่ามากกว่าในซิมโฟนีของเขา หลังมีความเข้มงวดมากขึ้นอย่างไม่มีที่เปรียบในการปฏิบัติตามบรรทัดฐานของเวลานั้น แม้ว่าจะมีข้อยกเว้นก็ตาม ตัวอย่างเช่น ในปรากหรือปารีสซิมโฟนีไม่มี minuet นั่นคือประกอบด้วยเพียงสามส่วน มีแม้แต่ซิมโฟนีจังหวะเดียวหมายเลข 32 ใน G major (อย่างไรก็ตาม สร้างขึ้นจากแบบจำลองการทาบทามของอิตาลีในสามส่วน เร็ว - ช้า - เร็ว นั่นคือสอดคล้องกับบรรทัดฐานยุคก่อนไฮด์เนียแบบเก่า) . แต่ในทางกลับกันซิมโฟนีนี้เกี่ยวข้องกับเขามากถึงสี่เขา (เช่นเดียวกับในซิมโฟนีหมายเลข 25 ใน G minor และในโอเปร่า Idomeneo) คลาริเน็ตถูกนำมาใช้ในซิมโฟนีหมายเลข 39 (มีการกล่าวถึงความรักในเครื่องดนตรีเหล่านี้ของโมสาร์ทแล้ว) แต่ไม่มีโอโบแบบดั้งเดิม และซิมโฟนีหมายเลข 40 ยังมีอยู่ในสองเวอร์ชัน - มีและไม่มีคลาริเน็ต

ในแง่ของพารามิเตอร์ที่เป็นทางการ โมสาร์ทเคลื่อนไหวในซิมโฟนีส่วนใหญ่ของเขาตามแผนการของมานน์ไฮมม์และไฮด์เนียน แน่นอนว่าเป็นการทำให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นและขัดเกลาด้วยพลังแห่งอัจฉริยะของเขา แต่จะไม่เปลี่ยนแปลงสิ่งใดที่จำเป็นในระดับโครงสร้างหรือองค์ประกอบ อย่างไรก็ตามในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต โมสาร์ทเริ่มศึกษางานของนักเล่นโพลีโฟนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตอย่างละเอียดและลึกซึ้ง - ฮันเดลและบาค ต้องขอบคุณสิ่งนี้ เนื้อสัมผัสของดนตรีของเขาจึงเต็มไปด้วยลูกเล่นโพลีโฟนิกหลากหลายชนิดมากขึ้น ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการผสมผสานระหว่างโฮโมโฟนีแบบโฮโมโฟนีของซิมโฟนีในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 กับฟิวก์แบบบาคคือซิมโฟนีลำดับที่ 41 ของโมซาร์ท "จูปิเตอร์" เป็นการเริ่มต้นการคืนชีพของโพลีโฟนีในฐานะวิธีการพัฒนาที่สำคัญที่สุดในประเภทซิมโฟนี จริงอยู่ Mozart เดินตามเส้นทางที่คนอื่นทุบตีต่อหน้าเขา: ตอนจบของสองซิมโฟนีโดย Michael Haydn หมายเลข 39 (พ.ศ. 2331) และ 41 (พ.ศ. 2332) ซึ่งโมสาร์ทรู้จักอย่างไม่ต้องสงสัยก็เขียนขึ้นในรูปแบบของความทรงจำเช่นกัน

ภาพเหมือนของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน โจเซฟ คาร์ล สตีลเลอร์. 1820วิกิมีเดียคอมมอนส์

บทบาทของเบโธเฟนในการพัฒนาวงออร์เคสตรานั้นมีความพิเศษ ดนตรีของเขาเป็นการผสมผสานที่ยิ่งใหญ่ของสองยุค: คลาสสิกและโรแมนติก หากใน First Symphony (1800) Beethoven เป็นนักเรียนที่ซื่อสัตย์และเป็นผู้ติดตามของ Haydn และในบัลเล่ต์ The Works of Prometheus (1801) เขาเป็นผู้สืบทอดประเพณีของ Gluck จากนั้นใน Third, Heroic Symphony (1804) ที่นั่น เป็นการทบทวนประเพณีของไฮเดิน-โมสาร์ทในขั้นสุดท้ายและไม่สามารถเพิกถอนได้ในคีย์ที่ทันสมัยกว่า ซิมโฟนีที่สอง (ค.ศ. 1802) ภายนอกยังคงใช้รูปแบบคลาสสิก แต่มีนวัตกรรมมากมาย และที่สำคัญคือการเปลี่ยนมินูเอตแบบดั้งเดิมด้วย scherzo ชาวนาหยาบ ("เรื่องตลก" ในภาษาอิตาลี) ตั้งแต่นั้นมานาทีที่ ซิมโฟนีของเบโธเฟนไม่พบอีกต่อไปยกเว้นการใช้คำว่า "minuet" ในเชิงแดกดันในชื่อของการเคลื่อนไหวที่สามของซิมโฟนีที่แปด - "At the pace of the minuet" (ตามเวลาที่แปดถูกแต่งขึ้น - 1812 - minuets เลิกใช้ไปทุกที่แล้ว และ Beethoven ในที่นี้ใช้การอ้างอิงประเภทนี้อย่างชัดเจนว่าเป็นสัญญาณของ "อดีตที่หอมหวานแต่ห่างไกล") แต่ยังมีความแตกต่างแบบไดนามิกมากมายและการถ่ายโอนธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างมีสติไปยังเชลโลและดับเบิ้ลเบสในขณะที่ไวโอลินมีบทบาทที่ผิดปกติสำหรับพวกเขาในฐานะนักดนตรีประกอบและการแยกฟังก์ชั่นของเชลโลและดับเบิ้ลเบส (นั่นคือการปลดปล่อยดับเบิ้ลเบสเป็นเสียงอิสระ) และการขยาย การพัฒนา codas ในส่วนที่รุนแรง (เกือบจะเปลี่ยนเป็นการพัฒนาครั้งที่สอง) ล้วนเป็นร่องรอยของสไตล์ใหม่ ซึ่งพบการพัฒนาที่น่าทึ่งในครั้งต่อไป ซิมโฟนีที่สาม

ในเวลาเดียวกัน ซิมโฟนีที่สองเป็นจุดเริ่มต้นของซิมโฟนีที่ตามมาเกือบทั้งหมดของเบโธเฟน โดยเฉพาะซิมโฟนีที่สามและหก รวมถึงซิมโฟนีที่เก้า ในบทนำของส่วนแรกของภาคสอง มีบรรทัดฐาน D-minor ที่คล้ายกับธีมหลักของภาคที่เก้าสองหยด และส่วนที่เชื่อมโยงของตอนจบของภาคสองเกือบจะเป็นภาพร่างของ “Ode to Joy” จากตอนจบของ Ninth เดียวกัน แม้จะใช้เครื่องดนตรีเหมือนกันก็ตาม

ซิมโฟนีที่สามเป็นทั้งซิมโฟนีที่ยาวที่สุดและซับซ้อนที่สุดในบรรดาซิมโฟนีทั้งหมดที่แต่งขึ้นจนถึงตอนนี้ และ ภาษาดนตรีและในการศึกษาเนื้อหาอย่างเข้มข้นที่สุด ประกอบด้วยไดนามิกคอนทราสต์ที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนในยุคนั้น (จากเปียโน 3 ตัวเป็น 3 ฟอร์ท!) และที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนแม้เมื่อเปรียบเทียบกับโมสาร์ท ทำงานใน "การเปลี่ยนแปลงระดับเซลล์" ของแรงจูงใจดั้งเดิม ซึ่งไม่ได้มีอยู่เฉพาะในแต่ละการเคลื่อนไหวเท่านั้น แต่ยังคงแทรกซึมอยู่ในวัฏจักรสี่ส่วนทั้งหมด สร้างความรู้สึกของการเล่าเรื่องเดียวและไม่สามารถแบ่งแยกได้ ซิมโฟนีที่กล้าหาญไม่ใช่ลำดับที่กลมกลืนกันของส่วนตัดกันของวงจรการบรรเลงอีกต่อไป แต่สมบูรณ์ แนวใหม่ในความเป็นจริง - นวนิยายซิมโฟนีเรื่องแรกในประวัติศาสตร์ดนตรี!

การใช้วงออร์เคสตราของเบโธเฟนไม่ใช่แค่ความเก่งเท่านั้น แต่ยังผลักดันผู้บรรเลงไปสู่ขีดจำกัด และมักจะเกินขีดจำกัดทางเทคนิคที่เป็นไปได้ของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น วลีที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟนที่ส่งถึง Ignaz Schuppanzig นักไวโอลินและผู้นำของ Count Lichnowsky Quartet ซึ่งเป็นนักแสดงคนแรกของวงเบโธเฟนหลายวง เพื่อตอบสนองต่อคำวิจารณ์ของเขาเกี่ยวกับ "ความเป็นไปไม่ได้" ของข้อความเบโธเฟนท่อนหนึ่ง ซึ่งบ่งบอกลักษณะทัศนคติของนักแต่งเพลงที่มีต่อปัญหาทางเทคนิคได้อย่างน่าทึ่ง ในเพลง: "ฉันจะสนใจอะไรกับไวโอลินผู้โชคร้ายของเขา ในเมื่อพระวิญญาณตรัสกับฉัน!" แนวคิดทางดนตรีต้องมาก่อนเสมอ และหลังจากนั้นควรมีวิธีการนำไปใช้ แต่ในขณะเดียวกัน เบโธเฟนก็ตระหนักดีถึงความเป็นไปได้ของวงออร์เคสตราในยุคสมัยของเขา โดยวิธีการที่มีความคิดเห็นอย่างกว้างขวางเกี่ยวกับ ผลเสียอาการหูหนวกของเบโธเฟน ซึ่งถูกกล่าวหาว่าสะท้อนให้เห็นในผลงานเพลงของเขาในภายหลัง และด้วยเหตุนี้จึงยกเหตุผลว่าภายหลังมีการล่วงล้ำเข้าไปในเพลงของเขาในรูปแบบของการรีทัชทุกรูปแบบ เป็นเพียงตำนานเท่านั้น ก็พอรับฟังได้ ประสิทธิภาพที่ดีซิมโฟนีหรือควอร์เต็ตช่วงปลายของเขาบนเครื่องดนตรีของแท้ เพื่อให้แน่ใจว่าไม่มีข้อบกพร่อง แต่มีเพียงทัศนคติในอุดมคติสูงและไม่ประนีประนอมต่องานศิลปะของพวกเขา โดยอิงจากความรู้โดยละเอียดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีในยุคนั้นและความสามารถของพวกเขา หากเบโธเฟนมีวงออเคสตร้าสมัยใหม่ที่มีความสามารถทางเทคนิคสมัยใหม่ไว้ใช้งาน เขาคงจะประพันธ์ด้วยวิธีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ในแง่ของการบรรเลง ในซิมโฟนีสี่ชุดแรกของเขา เบโธเฟนยังคงยึดมั่นในมาตรฐานของซิมโฟนีชุดต่อมาของไฮเดินและโมสาร์ท แม้ว่า Heroic Symphony จะใช้แตรสามแตรแทนที่จะเป็นสองแตรแบบดั้งเดิม หรือแตรสี่เสียงที่หาได้ยากแต่เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไป นั่นคือ เบโธเฟนตั้งข้อสงสัยถึงหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ในการปฏิบัติตามประเพณีใดๆ เขาต้องการเสียงแตรที่สามในวงออร์เคสตรา และเขาก็แนะนำมัน

และในซิมโฟนีที่ห้า (พ.ศ. 2351) เบโธเฟนได้แนะนำเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ทหาร อย่างไรก็ตาม หนึ่งปีก่อนเบโธเฟน Joachim Nicholas Eggert นักแต่งเพลงชาวสวีเดนใช้ทรอมโบนในซิมโฟนีของเขาใน E flat major (1807) และในทั้งสามท่วงท่า ไม่ใช่แค่ในตอนจบเหมือนที่เบโธเฟนทำ ดังนั้นในกรณีของทรอมโบน ฝ่ามือไม่ได้มีไว้สำหรับนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ แต่สำหรับเพื่อนร่วมงานที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าของเขา

ซิมโฟนีที่หก (Pastoral) เป็นวงจรรายการแรกในประวัติศาสตร์ของซิมโฟนี ซึ่งไม่เพียง แต่ซิมโฟนีเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแต่ละส่วนด้วยคำอธิบายของโปรแกรมภายในบางประเภท - คำอธิบายความรู้สึกของ ชาวเมืองที่พบว่าตัวเองอยู่ในธรรมชาติ จริงๆ แล้ว คำอธิบายเกี่ยวกับธรรมชาติในดนตรีไม่ใช่เรื่องใหม่ตั้งแต่สมัยบาโรก แต่แตกต่างจาก The Seasons ของ Vivaldi และตัวอย่างรายการดนตรีแบบบาโรกอื่น ๆ เบโธเฟนไม่ได้จัดการกับการเขียนเสียงเป็นตอนจบในตัวของมันเอง The Sixth Symphony ในคำพูดของเขาเองคือ ซิมโฟนีอภิบาลเป็นเพียงหนึ่งเดียวในงานของเบโธเฟนที่วงจรซิมโฟนิกสี่ส่วนถูกละเมิด: เชอร์โซตามด้วยการเคลื่อนไหวที่สี่โดยไม่มีการขัดจังหวะ ในรูปแบบอิสระ ชื่อพายุฝนฟ้าคะนอง และหลังจากนั้นก็ไม่มีการหยุดชะงัก ตอนจบ ดังนี้. ดังนั้นจึงมีห้าการเคลื่อนไหวในซิมโฟนีนี้

วิธีการของเบโธเฟนในการประสานเสียงของซิมโฟนีนี้น่าสนใจอย่างยิ่ง: ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกและครั้งที่สอง เขาใช้เฉพาะเครื่องสาย เครื่องลมไม้ และเขาสองแตรเท่านั้น ในเชอร์โซ ทรัมเป็ต 2 ชิ้นเชื่อมต่อกับพวกเขา ในพายุฝนฟ้าคะนอง ทิมปานีมีพิคโคโลฟลุตและทรอมโบน 2 ชิ้นเชื่อมต่อกัน และในตอนจบ ทิมปานีและปิคโคโลก็เงียบลงอีกครั้ง ทรัมเป็ตและทรอมโบนจะหยุดทำหน้าที่ประโคมแบบดั้งเดิมและ รวมกันเป็นวงประสานเสียงทั่วไปของลัทธิความเชื่อเรื่องพระเจ้า

จุดสุดยอดของการทดลองของเบโธเฟนในสาขาการประสานเสียงคือซิมโฟนีที่เก้า: ในตอนจบ ไม่เพียงแต่ใช้ทรอมโบน ขลุ่ยปิกโคโล และคอนทร้าบาสซูนที่กล่าวถึงแล้วเท่านั้น แต่ยังใช้เครื่องเพอร์คัชชัน "ตุรกี" ทั้งชุดด้วย - กลองใหญ่จานและสามเหลี่ยมและที่สำคัญที่สุด - คณะนักร้องประสานเสียงและศิลปินเดี่ยว! อย่างไรก็ตาม ทรอมโบนในตอนจบของเพลงที่เก้ามักถูกใช้เป็นส่วนขยายของท่อนร้องประสานเสียง และนี่เป็นการอ้างอิงถึงประเพณีของคริสตจักรและดนตรีออราทอริโอทางโลก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการหักเหของไฮด์เนียน-โมสาร์ท (ดู " Creation of the World" หรือ "The Seasons" ของ Haydn, Mass before minor หรือ Mozart's Requiem) ซึ่งหมายความว่าซิมโฟนีนี้เป็นการผสมผสานระหว่างแนวเพลงซิมโฟนีและแนวออราทอริโอทางจิตวิญญาณ ซึ่งเขียนขึ้นจากบทกวีทางโลกโดยชิลเลอร์เท่านั้น นวัตกรรมที่เป็นทางการที่สำคัญอีกประการหนึ่งของซิมโฟนีหมายเลขเก้าคือการจัดเรียงใหม่สำหรับการเคลื่อนไหวช้าและเชอร์โซ เชอร์โซคนที่เก้าซึ่งอยู่ในอันดับที่สองไม่ได้แสดงบทบาทของความแตกต่างที่ร่าเริงซึ่งทำให้ฉากจบอีกต่อไป แต่กลายเป็นความต่อเนื่องของ "การทหาร" ที่โหดร้ายและสมบูรณ์ของภาคแรกที่น่าเศร้า และการเคลื่อนไหวครั้งที่สามที่ช้ากลายเป็นศูนย์กลางทางปรัชญาของซิมโฟนีโดยตกลงบนโซนของส่วนสีทองอย่างแม่นยำ - ครั้งแรก แต่ไม่ใช่กรณีสุดท้ายในประวัติศาสตร์ของดนตรีซิมโฟนี

ด้วยซิมโฟนีหมายเลขเก้า (ค.ศ. 1824) บีโธเฟนก้าวกระโดดเข้าสู่ยุคใหม่ สิ่งนี้เกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่ร้ายแรงที่สุด - กับการเปลี่ยนแปลงครั้งสุดท้ายจากการตรัสรู้ไปสู่ยุคอุตสาหกรรมใหม่ เหตุการณ์แรกเกิดขึ้น 11 ปีก่อนสิ้นศตวรรษก่อนหน้า เหตุการณ์ที่มีตัวแทนทั้งสามของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเป็นสักขีพยาน แน่นอนว่าเรากำลังพูดถึงการปฏิวัติฝรั่งเศส

, เชลโล , ดับเบิ้ลเบส . รวมตัวกันในมือของนักดนตรีที่มีประสบการณ์ ภายใต้ความประสงค์ของวาทยกร พวกเขาสร้างเครื่องดนตรีที่สามารถแสดงและถ่ายทอดด้วยเสียงต่างๆ เนื้อหาดนตรีรูปใด ๆ ความคิดใด ๆ การผสมผสานเครื่องดนตรีหลายชนิดของวงออร์เคสตราทำให้ได้ชุดเสียงที่หลากหลายอย่างไม่รู้จักหมดสิ้น ตั้งแต่เสียงดังสนั่น หูหนวก จนแทบไม่ได้ยิน ตั้งแต่เสียงแหลมบาดหูไปจนถึงเสียงแผ่วเบา และคอร์ดหลายชั้นของความซับซ้อนใด ๆ และช่องท้องที่มีลวดลายและคดเคี้ยวของเครื่องประดับไพเราะต่างกันและผ้าใยแมงมุมขนาดเล็กเสียงเล็ก ๆ "เศษ" เมื่อตาม การแสดงออกเป็นรูปเป็นร่าง S. S. Prokofiev "ราวกับว่าพวกเขากำลังปัดฝุ่นวงออเคสตรา" และความพร้อมเพรียงอันทรงพลังของเครื่องดนตรีหลายชนิดที่เล่นเสียงเดียวกันพร้อมกัน - ทั้งหมดนี้ขึ้นอยู่กับวงออเคสตรา กลุ่มออเคสตร้ากลุ่มใดกลุ่มหนึ่ง - เครื่องสาย, เครื่องเป่า, เครื่องเพอร์คัชชัน, เครื่องดึง, คีย์บอร์ด - สามารถแยกตัวออกจากวงอื่นและนำเสียงบรรยายทางดนตรีของตนเองในขณะที่วงอื่นเงียบ แต่ทั้งหมดทั้งหมด บางส่วนหรือในฐานะตัวแทนของแต่ละบุคคล เมื่อรวมกับกลุ่มอื่นหรือบางส่วน ก่อตัวเป็นโลหะผสมเสียงต่ำที่ซับซ้อน เป็นเวลากว่าสองศตวรรษที่ความคิดที่หวงแหนที่สุดของนักแต่งเพลง ซึ่งเป็นเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ของศิลปะแห่งเสียง มีความเชื่อมโยงกับดนตรีที่คิดขึ้น เขียนขึ้น และบางครั้งก็จัดสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

การจัดวางเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ทุกคนที่รักดนตรีรู้จักและจำชื่อของ J. Haydn, W. A. ​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok และปรมาจารย์คนอื่น ๆ ที่มีซิมโฟนี, ห้องสวีท, การทาบทาม, บทกวีไพเราะ , ภาพวาด, จินตนาการ, คอนเสิร์ตบรรเลงร่วมกับวงออเคสตรา ในที่สุด cantatas, oratorios, Operas และ ballets ถูกเขียนขึ้นสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนีหรือมีส่วนร่วม ความสามารถในการเขียนสำหรับเขาเป็นพื้นที่สูงสุดและซับซ้อนที่สุดของศิลปะการประพันธ์ดนตรีซึ่งต้องการความรู้พิเศษอย่างลึกซึ้ง ประสบการณ์ที่ดีฝึกฝนและที่สำคัญที่สุด - ความสามารถพิเศษทางดนตรี, พรสวรรค์, พรสวรรค์

ประวัติความเป็นมาของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตร้าคือประวัติของการปรับโครงสร้างอย่างค่อยเป็นค่อยไปของเครื่องดนตรีเก่าและการประดิษฐ์เครื่องดนตรีใหม่ การเพิ่มองค์ประกอบ ประวัติของการปรับปรุงวิธีการใช้เครื่องดนตรีแบบผสมผสาน นั่นคือ ประวัติของดนตรีศาสตร์สาขานั้นที่เรียกว่าออร์เคสตราหรือเครื่องดนตรี และสุดท้ายคือประวัติของดนตรีซิมโฟนี โอเปร่า โอราทอรีโอ คำศัพท์ทั้งสี่นี้ แนวคิดทั้งสี่ด้านของ "วงดุริยางค์ซิมโฟนี" มีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด อิทธิพลของพวกเขาที่มีต่อกันและกันนั้นมีความหลากหลาย

คำว่า "วงออเคสตรา" ในภาษากรีกโบราณหมายถึงพื้นที่รูปครึ่งวงกลมหน้าเวทีโรงละครซึ่งเป็นที่ตั้งของคณะนักร้องประสานเสียง - ผู้มีส่วนร่วมที่ขาดไม่ได้ในการแสดงละครในยุคของ Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes ประมาณปี ค.ศ. 1702 คำนี้หมายถึงพื้นที่ขนาดเล็กที่มีไว้สำหรับกลุ่มนักเล่นเครื่องดนตรีที่เล่นโอเปร่า เรียกว่ากลุ่มเครื่องดนตรีในเชมเบอร์มิวสิค ในช่วงกลางของศตวรรษที่สิบแปด นำเสนอความแตกต่างที่ชัดเจนสำหรับประวัติศาสตร์ของวงออเคสตรา - วงออเคสตราขนาดใหญ่ไม่เหมาะกับวงแชมเบอร์มิวสิคขนาดเล็ก - วงดนตรี จนถึงเวลานั้นยังไม่มีเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างดนตรีเชมเบอร์กับดนตรีออเคสตร้า

แนวคิดของ "วงดุริยางค์ซิมโฟนี" ปรากฏขึ้นในยุคของลัทธิคลาสสิกเมื่อ K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart อาศัยและทำงาน มันเกิดขึ้นแล้วหลังจากที่นักแต่งเพลงเริ่มเขียนชื่อเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นที่เล่นเสียงนี้หรือเสียงนี้หรือแนวดนตรีนั้นอย่างถูกต้องในโน้ต ราวต้นศตวรรษที่ 17 K. Monteverdi ใน "Orpheus" ก่อนที่แต่ละหมายเลขจะแสดงเฉพาะเครื่องดนตรีที่สามารถเล่นได้ คำถามว่าใครควรจะเล่นที่สายยังคงเปิดอยู่ ดังนั้นในโรงละครโอเปร่า 40 แห่งในเมืองเวนิสของเขา การแสดงอย่างหนึ่งของ Orpheus อาจแตกต่างจากที่อื่น J. B. Lully นักแต่งเพลง นักไวโอลิน วาทยกร น่าจะเป็นคนแรกที่ประพันธ์ชุดเครื่องดนตรีเฉพาะสำหรับชุดที่เรียกว่า "24 Violins of the King" ซึ่งเป็นวงเครื่องสายที่จัดตั้งขึ้นในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 และนำโดย Lully เอง . เขามีเสียงสูงของกลุ่มเครื่องสายที่สนับสนุนโดยโอโบ และเสียงต่ำโดยปี่ โอโบและบาสซูนไม่มีสาย ตรงกันข้ามกับ อย่างเต็มกำลังเข้าร่วมในส่วนตรงกลางขององค์ประกอบของเขา

ตลอดศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 พื้นฐานเริ่มต้นของวงออเคสตราถูกสร้างขึ้น - กลุ่มสตริง มีการเพิ่มตัวแทนของตระกูลลมทีละน้อย - ขลุ่ยโอโบและบาสซูนและแตร คลาริเน็ตเข้าสู่วงออเคสตราในเวลาต่อมาเนื่องจากความไม่สมบูรณ์อย่างมากในเวลานั้น M. I. Glinka ใน "Notes on Instrumentation" เรียกเสียงปี่ว่า "ห่าน" อย่างไรก็ตาม กลุ่มลมที่ประกอบด้วยฟลุต โอโบ คลาริเนต และฮอร์น (สองในทั้งหมด) ปรากฏในปรากซิมโฟนีของโมสาร์ท และก่อนหน้านั้นในเอฟ. กอสเซกชาวฝรั่งเศสร่วมสมัยของเขา ใน London Symphonies ของ Haydn และซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ L. Beethoven แตรสองตัวปรากฏขึ้นเช่นเดียวกับทิมปานี ในศตวรรษที่ 19 กลุ่มเครื่องลมในวงออร์เคสตราได้รับการปรับปรุงเพิ่มเติม เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของดนตรีออเคสตร้า ฟลุตปิกโคโล คอนทร้าบาสซูน และทรอมโบน 3 ชิ้น ซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เฉพาะในละครโอเปร่า มีส่วนร่วมในตอนจบของซิมโฟนีลำดับที่ 5 ของเบโธเฟน R. Wagner เพิ่มทูบาอีกอันและทำให้จำนวนไปป์เป็นสี่ วากเนอร์เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าเป็นหลัก แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นนักซิมโฟนีและนักปฏิรูปที่โดดเด่นของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ความปรารถนาของนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ XIX-XX การเพิ่มสีสันของจานเสียงนำไปสู่การเปิดตัวเครื่องดนตรีจำนวนมากที่มีความสามารถพิเศษด้านเทคนิคและเสียงต่ำในวงออร์เคสตรา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX องค์ประกอบของวงออเคสตร้านั้นน่าประทับใจและบางครั้งก็มีสัดส่วนที่ใหญ่โต ดังนั้น ซิมโฟนีลำดับที่ 8 ของมาห์เลอร์จึงไม่ถูกเรียกว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมหนึ่งพันคน" โดยบังเอิญ ในผืนผ้าใบซิมโฟนิกและโอเปร่าของ R. Strauss มีเครื่องเป่าหลายชนิดปรากฏขึ้น: อัลโตและเบสฟลุต, บาริโทนโอโบ (แฮ็คเคลโฟน), คลาริเน็ตขนาดเล็ก, คลาริเน็ตคอนทราเบส, อัลโตและท่อเบส ฯลฯ

ในศตวรรษที่ XX วงออเคสตราถูกเติมเต็มด้วยเครื่องเพอร์คัชชันเป็นหลัก ก่อนหน้านี้ สมาชิกปกติของวงออร์เคสตราคือ 2–3 ทิมปานี, ฉิ่ง, เบสและกลองสแนร์, สามเหลี่ยม, แทมบูรีนและเถิดเทิง, ระฆัง, ระนาด ตอนนี้นักแต่งเพลงใช้ชุดของออเคสตร้าเบลที่ให้ระดับสีที่เรียกว่าเซเลสตา พวกเขาแนะนำเครื่องดนตรีเช่น flexatone, ระฆัง, castanets สเปน, กล่องไม้ที่ส่งเสียงดัง, เครื่องสั่น, แส้แคร็กเกอร์ (การเป่าของมันเหมือนการยิง), ไซเรน, ลมและฟ้าร้อง, แม้กระทั่งการร้องเพลงของนกไนติงเกล บันทึกไว้ในบันทึกพิเศษ (ใช้ในบทกวีไพเราะโดยนักแต่งเพลงชาวอิตาลี O. Respighi "The Pines of Rome")

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XX ตั้งแต่ดนตรีแจ๊สไปจนถึงวงดุริยางค์ซิมโฟนี เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน เช่น ไวบราโฟน ทอมทอม บองโก รวมกัน กลองชุด- กับ "ชาร์ลสตัน" ("ไฮแฮท"), มาราคัส

สำหรับกลุ่มเครื่องสายและเครื่องเป่านั้น การก่อตัวของวงในปี 1920 เสร็จสมบูรณ์โดยพื้นฐานแล้ว วงออเคสตราบางครั้งรวมถึงตัวแทนบุคคลของกลุ่มแซกโซโฟน (ในผลงานของ Wiese, Ravel, Prokofiev), แตรวง (คอร์เน็ตของ Tchaikovsky และ Stravinsky), ฮาร์ปซิคอร์ด, ดอมราและบาลาไลกา, กีตาร์, แมนโดลิน ฯลฯ นักแต่งเพลงกำลังสร้างผลงานมากขึ้นเรื่อยๆ สำหรับการประพันธ์เพลงบางส่วนของวงดุริยางค์ซิมโฟนี: สำหรับเครื่องสายอย่างเดียว สำหรับเครื่องสายและเครื่องทองเหลือง สำหรับเครื่องเป่าลมที่ไม่มีเครื่องสายและเครื่องเคาะ สำหรับเครื่องสายที่มีเครื่องเคาะ

นักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 20 เขียนเพลงให้กับวงแชมเบอร์ออร์เคสตร้ามากมาย ประกอบด้วยสาย 15-20 สาย เครื่องเป่าลมไม้ 1 เครื่อง แตร 1 หรือ 2 เครื่อง กลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันที่มีผู้บรรเลง 1 คน พิณ 1 ตัว (อาจมีเปียโนหรือฮาร์ปซิคอร์ดแทน) นอกจากนี้ยังมีผลงานสำหรับกลุ่มศิลปินเดี่ยวซึ่งมีตัวแทนหนึ่งคนจากแต่ละกลุ่ม (หรือจากบางส่วน) เช่นซิมโฟนีแชมเบอร์และบทละครของ A. Schoenberg, A. Webern, ชุด "The Story of a Soldier" ของ Stravinsky การแต่งเพลง นักแต่งเพลงโซเวียต- โคตรของเรา M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov และคนอื่น ๆ ผู้เขียนหันไปใช้องค์ประกอบที่ผิดปกติมากขึ้นเรื่อย ๆ หรืออย่างที่พวกเขาพูดว่าฉุกเฉิน พวกเขาต้องการเสียงที่แปลกและหายาก เนื่องจากบทบาทของเสียงต่ำในดนตรีสมัยใหม่มีมากขึ้นกว่าเดิม

อย่างไรก็ตามเพื่อให้มีโอกาสแสดงดนตรีทั้งเก่าและใหม่และล่าสุดองค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนียังคงมีเสถียรภาพ วงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่แบ่งออกเป็นวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ (นักดนตรีประมาณ 100 คน) วงกลาง (70–75 คน) วงเล็ก (50–60 คน) บนพื้นฐานของวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ คุณสามารถเลือกองค์ประกอบที่จำเป็นสำหรับการแสดงสำหรับแต่ละงานได้: หนึ่งรายการสำหรับ "Eight Russian เพลงพื้นบ้าน” โดย A.K. Lyadov หรือ “String Serenade” ของ Tchaikovsky อีกชิ้นหนึ่งสำหรับผืนผ้าใบอันโอ่อ่าของ Berlioz, Scriabin, Shostakovich สำหรับ “Petrushka” ของ Stravinsky หรือ “Bolero” ที่ลุกเป็นไฟของ Ravel

นักดนตรีบนเวทีเป็นอย่างไร? ในศตวรรษที่ XVIII-XIX ไวโอลินตัวแรกนั่งทางซ้ายของตัวนำ ส่วนตัวที่สองทางขวา วิโอลานั่งหลังไวโอลินตัวแรก และเชลโลอยู่หลังตัวที่สอง ด้านหลัง กลุ่มสตริงพวกเขานั่งเป็นแถว: ด้านหน้าของกลุ่มเครื่องลมไม้และด้านหลังกลุ่มทองเหลือง ดับเบิลเบสอยู่ในพื้นหลังทางด้านขวาหรือซ้าย พื้นที่ที่เหลืออุทิศให้กับฮาร์ป เซเลสตา เปียโน และเครื่องเพอร์คัชชัน ในประเทศของเรา นักดนตรีนั่งตามแผนการที่เปิดตัวในปี 1945 โดยวาทยกรชาวอเมริกัน L. Stokowski ตามโครงร่างนี้ เชลโลจะถูกวางไว้เบื้องหน้าแทนที่จะเป็นไวโอลินตัวที่ 2 ทางด้านขวาของตัวนำ สถานที่เดิมของพวกเขาถูกครอบครองโดยไวโอลินตัวที่สอง

วงดุริยางค์ซิมโฟนีนำโดยวาทยกร เขารวบรวมนักดนตรีของวงออเคสตราและนำความพยายามทั้งหมดของพวกเขาไปสู่การปฏิบัติตามแผนการแสดงของเขาในระหว่างการซ้อมและในคอนเสิร์ต การนำขึ้นอยู่กับระบบการเคลื่อนไหวของมือที่ออกแบบมาเป็นพิเศษ ผู้ควบคุมวงมักจะถือกระบองไว้ในมือขวา บทบาทที่สำคัญที่สุดคือใบหน้าท่าทางการแสดงออกทางสีหน้า ผู้ดำเนินรายการต้องเป็นผู้มีการศึกษาสูง เขาต้องการความรู้ด้านดนตรีในยุคและสไตล์ต่างๆ เครื่องดนตรีออร์เคสตราและความสามารถของพวกเขา หูที่แหลมคม ความสามารถในการเจาะลึกลงไปในความตั้งใจของนักแต่งเพลง ความสามารถของนักแสดงจะต้องรวมกับความสามารถในการจัดองค์กรและการสอนของเขา

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจเกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

เราขอเชิญคุณทำความคุ้นเคยกับสิ่งที่น่าสนใจและ ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจเกี่ยวข้องกับวงดุริยางค์ซิมโฟนีซึ่งรวบรวมไว้ค่อนข้างมากจากประวัติศาสตร์อันเก่าแก่หลายศตวรรษ เราหวังว่าด้วยข้อมูลที่น่าสนใจดังกล่าว เราไม่เพียงแต่จะทำให้ผู้ชื่นชอบศิลปะบัลเลต์ประหลาดใจเท่านั้น แต่ยังได้ค้นพบสิ่งใหม่ ๆ แม้กระทั่งสำหรับมืออาชีพที่แท้จริงในสาขานี้

• การก่อตัวของวงดุริยางค์ซิมโฟนีเกิดขึ้นเป็นเวลาหลายศตวรรษจากวงเล็ก ๆ และเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 16-17 เมื่อแนวเพลงใหม่ปรากฏขึ้นและจำเป็นต้องเปลี่ยนทีมนักแสดง องค์ประกอบขนาดเล็กสมบูรณ์ถูกกำหนดในศตวรรษที่สิบแปดเท่านั้น
• จำนวนนักดนตรีอาจแตกต่างกันไปตั้งแต่ 50 ถึง 110 คน ขึ้นอยู่กับงานหรือสถานที่แสดง จำนวนนักแสดงมากที่สุดเท่าที่เคยบันทึกไว้หมายถึงการแสดงในเมืองออสโลที่สนามกีฬา Yllevaal ในปี 1964 ซึ่งมีผู้เข้าร่วม 20,100 คน
• บางครั้งคุณอาจได้ยินชื่อวงดุริยางค์ซิมโฟนีสองวงสามวง ซึ่งกำหนดโดยจำนวนเครื่องเป่าที่แสดงในนั้นและระบุขนาดของวง
• เขามีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาวงออเคสตรา แอล. เบโธเฟน ดังนั้นในงานของเขาจึงมีการจัดตั้งวงดุริยางค์ซิมโฟนีคลาสสิกหรือวงเล็กขึ้น และในระยะเวลาต่อมาได้มีการระบุคุณลักษณะของการประพันธ์เพลงขนาดใหญ่
• วงดุริยางค์ซิมโฟนีใช้การจัดที่นั่งแบบเยอรมันและแบบอเมริกันสำหรับนักดนตรี ดังนั้นจึงใช้ภาษารัสเซีย - อเมริกัน
• ในบรรดาวงออร์เคสตร้าทั้งหมดในโลก มีเพียงวงเดียวเท่านั้นที่เลือกวาทยกรของตนเอง และในกรณีนี้ สามารถทำได้ทุกเมื่อ นี่คือวง Vienna Philharmonic
• มีกลุ่มที่ไม่มีตัวนำเลย เป็นครั้งแรกที่แนวคิดดังกล่าวได้รับการยอมรับในปี พ.ศ. 2465 โดย Persimfans ในรัสเซีย นี่เป็นเพราะอุดมการณ์ของเวลาซึ่งให้คุณค่ากับการทำงานเป็นทีม วงออเคสตร้าอื่น ๆ ก็ทำตามตัวอย่างนี้ แม้กระทั่งทุกวันนี้ในปรากและออสเตรเลียก็ยังมีวงออเคสตราที่ไม่มีวาทยกร

• วงออเคสตราได้รับการปรับตามโอโบหรือส้อมเสียงซึ่งในทางกลับกันจะดังขึ้นและสูงขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป ความจริงก็คือในตอนแรกในประเทศต่าง ๆ มันฟังดูแตกต่างกัน ในศตวรรษที่ 18 ในเยอรมนี เสียงของมันต่ำกว่าภาษาอิตาลี แต่สูงกว่าภาษาฝรั่งเศส เชื่อกันว่ายิ่งตั้งค่าสูงเท่าไหร่ เสียงก็จะยิ่งสว่างมากขึ้นเท่านั้น และวงดนตรีทุกวงก็พยายามทำสิ่งนี้ นั่นคือเหตุผลที่พวกเขาเพิ่มเสียงจาก 380 Hz (บาโรก) เป็น 442 Hz ในยุคของเรา ยิ่งกว่านั้นตัวเลขนี้ได้กลายเป็นตัวเลขควบคุม แต่พวกเขายังสามารถจัดการได้เกิน 445 Hz เช่นเดียวกับที่ทำในเวียนนา
• จนถึงศตวรรษที่ 19 หน้าที่ของวาทยกรก็รวมถึงการบรรเลงด้วย ฮาร์ปซิคอร์ด หรือ ไวโอลิน . นอกจากนี้พวกเขาไม่มีกระบองของผู้ควบคุมวงนักแต่งเพลงหรือนักดนตรีใช้เครื่องดนตรีหรือพยักหน้า
• นิตยสาร Gramophone อันทรงเกียรติของอังกฤษซึ่งได้รับการยอมรับว่าเป็นสิ่งพิมพ์ที่เชื่อถือได้ในด้านดนตรีคลาสสิกได้เผยแพร่รายชื่อวงออเคสตร้าที่ดีที่สุดในโลก วงดนตรีของรัสเซียอยู่ในอันดับที่ 14, 15 และ 16