Το πρόβλημα της δημιουργίας μιας ιδανικής πόλης. Ιδανική Πόλη

Η Αναγέννηση είναι μια από τις σημαντικότερες περιόδους πολιτιστική ανάπτυξηανθρωπότητα, γιατί είναι αυτή τη στιγμή που τα θεμέλια της θεμελιωδώς νέο πολιτισμό, υπάρχει ένας πλούτος ιδεών, σκέψεων, συμβόλων που θα χρησιμοποιηθούν ενεργά από τις επόμενες γενιές στο μέλλον. Τον XV αιώνα. στην Ιταλία, γεννιέται μια νέα εικόνα της πόλης, η οποία αναπτύσσεται περισσότερο σαν έργο, ένα μελλοντικό μοντέλο παρά μια πραγματική αρχιτεκτονική ενσάρκωση. Φυσικά, στην Ιταλία της Αναγέννησης έκαναν πολύ καλλωπισμό των πόλεων: ίσιωσαν δρόμους, ισοπέδωσαν προσόψεις, ξόδεψαν πολλά χρήματα για τη δημιουργία πεζοδρομίων κ.λπ. Οι αρχιτέκτονες έχτισαν επίσης νέα σπίτια, τοποθετώντας τα σε κενούς χώρους ή, σε σπάνιες περιπτώσεις , τα ανήγειρε αντί για γκρεμισμένα παλιά.κτίσματα. Γενικά, η ιταλική πόλη στην πραγματικότητα παρέμεινε μεσαιωνική στο αρχιτεκτονικό της τοπίο. Δεν ήταν περίοδος ενεργούς αστικής ανάπτυξης, αλλά ήταν ακριβώς αυτή την εποχή που τα αστικά ζητήματα άρχισαν να αναγνωρίζονται ως ένας από τους σημαντικότερους τομείς της πολιτιστικής δόμησης. Εμφανίστηκαν πολλές ενδιαφέρουσες πραγματείες για το τι είναι πόλη και όχι μόνο ως πολιτικό, αλλά και ως κοινωνικοπολιτιστικό φαινόμενο. Πώς εμφανίζεται μια νέα πόλη στα μάτια των ουμανιστών της Αναγέννησης, διαφορετική από τη μεσαιωνική;

Σε όλα τα πολεοδομικά μοντέλα, τα έργα και τις ουτοπίες τους, η πόλη πρώτα απ' όλα απελευθερώθηκε από το ιερό της πρωτότυπο - την ουράνια Ιερουσαλήμ, την κιβωτό, που συμβολίζει τον χώρο της ανθρώπινης σωτηρίας. Κατά την Αναγέννηση, η ιδέα ιδανική πόλη, το οποίο δημιουργήθηκε όχι μόνο στο θείο πρωτότυπο, αλλά ως αποτέλεσμα ατομικού δημιουργική δραστηριότητααρχιτέκτονας. Ο διάσημος L. B. Alberti, συγγραφέας του κλασικού Ten Books on Architecture, ισχυρίστηκε ότι οι πρωτότυπες αρχιτεκτονικές ιδέες του έρχονται συχνά τη νύχτα, όταν η προσοχή του αποσπάται και βλέπει όνειρα στα οποία εμφανίζονται πράγματα που δεν αποκαλύπτονται κατά τη διάρκεια της εγρήγορσης. Αυτή η εκκοσμικευμένη περιγραφή της δημιουργικής διαδικασίας είναι αρκετά διαφορετική από τις κλασικές χριστιανικές πράξεις της όρασης.

Η νέα πόλη εμφανίστηκε στα έργα των Ιταλών ουμανιστών ανταποκρινόμενη όχι στους ουράνιους, αλλά στους επίγειους κανονισμούς στον κοινωνικό, πολιτικό, πολιτιστικό και οικιακό σκοπό της. Χτίστηκε όχι με την αρχή της ιεροχωρικής συστολής, αλλά με βάση μια λειτουργική, απόλυτα κοσμική χωρική οριοθέτηση, και χωρίστηκε σε χώρους πλατειών, δρόμων, που συγκεντρώνονταν γύρω από σημαντικά οικιστικά ή δημόσια κτίρια. Μια τέτοια ανακατασκευή, αν και στην πραγματικότητα πραγματοποιήθηκε σε κάποιο βαθμό, για παράδειγμα, στη Φλωρεντία, πραγματοποιήθηκε σε μεγαλύτερο βαθμό στις εικαστικές τέχνες, στην κατασκευή αναγεννησιακών έργων ζωγραφικής και σε αρχιτεκτονικά έργα. Η πόλη της Αναγέννησης συμβόλιζε τη νίκη του ανθρώπου επί της φύσης, την αισιόδοξη πεποίθηση ότι ο «χωρισμός» του ανθρώπινου πολιτισμού από τη φύση στον νέο ανθρωπογενή κόσμο της είχε λογικά, αρμονικά και όμορφα εδάφη.

Ο άνθρωπος της Αναγέννησης είναι ένα πρωτότυπο του πολιτισμού της κατάκτησης του διαστήματος, που ολοκλήρωσε με τα χέρια του αυτό που αποδείχθηκε ημιτελές από τον δημιουργό. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο, κατά τον σχεδιασμό πόλεων, οι αρχιτέκτονες αγαπούσαν να δημιουργούν όμορφα έργα, βασισμένα στην αισθητική σημασία διαφόρων συνδυασμών γεωμετρικών σχημάτων, στα οποία ήταν απαραίτητο να τοποθετηθούν όλα τα κτίρια που είναι απαραίτητα για τη ζωή της αστικής κοινότητας. Οι ωφελιμιστικές σκέψεις έσβησαν στο παρασκήνιο και το ελεύθερο αισθητικό παιχνίδι των αρχιτεκτονικών φαντασιώσεων υπέταξε τη συνείδηση ​​των πολεοδόμων εκείνης της εποχής. Η ιδέα της ελεύθερης δημιουργικότητας ως βάσης για την ύπαρξη του ατόμου είναι μια από τις σημαντικότερες πολιτιστικές επιταγές της Αναγέννησης. Η αρχιτεκτονική δημιουργικότητα σε αυτή την περίπτωση ενσάρκωσε επίσης αυτή την ιδέα, η οποία εκφράστηκε στη δημιουργία κτιριακών έργων που έμοιαζαν περισσότερο με κάποιες περίπλοκες διακοσμητικές φαντασιώσεις. Στην πράξη, αυτές οι ιδέες αποδείχτηκαν ότι εφαρμόστηκαν κυρίως στη δημιουργία διαφόρων τύπων λιθόστρωτων οδοστρωμάτων, τα οποία ήταν καλυμμένα με πλάκες κανονικού σχήματος. Ήταν αυτές, ως οι κύριες καινοτομίες, για τις οποίες καμαρώνονταν οι κάτοικοι της πόλης, αποκαλώντας τους «διαμάντι».

Η πόλη σχεδιάστηκε αρχικά ως ένα τεχνητό προϊόν, που αντιτίθεται στη φυσικότητα του φυσικού κόσμου, επειδή, σε αντίθεση με τη μεσαιωνική πόλη, υπέταξε και κυριάρχησε τον ζωτικό χώρο και δεν ταίριαζε μόνο στο έδαφος. Ως εκ τούτου, οι ιδανικές πόλεις της Αναγέννησης είχαν μια αυστηρή γεωμετρικό σχήμαμε τη μορφή τετραγώνου, σταυρού ή οκτάγωνου. Σύμφωνα με την εύστοχη έκφραση της Ι. Ε. Ντανίλοβα, τα αρχιτεκτονικά έργα εκείνης της εποχής ήταν, σαν να λέγαμε, πάνω στο έδαφος από ψηλά ως επισφράγιση της κυριαρχίας του ανθρώπινου νου, στον οποίο υπόκεινται τα πάντα. Στην εποχή της Νέας Εποχής, ο άνθρωπος επεδίωκε να κάνει τον κόσμο προβλέψιμο, λογικό, για να απαλλαγεί από το ακατανόητο παιχνίδι της τύχης ή της τύχης. Έτσι, ο L. B. Alberti, στο έργο του «On the Family», υποστήριξε ότι ο λόγος παίζει πολύ μεγαλύτερο ρόλο στις αστικές υποθέσεις και στην ανθρώπινη ζωή από την τύχη. Ο διάσημος θεωρητικός της αρχιτεκτονικής και του πολεοδομικού σχεδιασμού μίλησε για την ανάγκη δοκιμής και κατάκτησης του κόσμου, επεκτείνοντας σε αυτόν τους κανόνες των εφαρμοσμένων μαθηματικών και της γεωμετρίας. Από αυτή την άποψη, η πόλη της Αναγέννησης ήταν η υψηλότερη μορφή κατάκτησης του κόσμου, ο χώρος, επειδή τα πολεοδομικά έργα περιλάμβαναν την αναδιοργάνωση του φυσικού τοπίου ως αποτέλεσμα της επιβολής ενός γεωμετρικού πλέγματος οριοθετημένων χώρων σε αυτό. Σε αντίθεση με τον Μεσαίωνα, ήταν ένα ανοιχτό μοντέλο, το κέντρο του οποίου δεν ήταν ο καθεδρικός ναός, αλλά ο ελεύθερος χώρος της πλατείας, που άνοιγε από όλες τις πλευρές με δρόμους, με θέα στο βάθος, πέρα ​​από τα τείχη της πόλης.

Οι σύγχρονοι ειδικοί στον τομέα του πολιτισμού δίνουν όλο και μεγαλύτερη προσοχή στα προβλήματα της χωρικής οργάνωσης των πόλεων της Αναγέννησης, ειδικότερα, το θέμα της πλατείας της πόλης, η γένεση και η σημασιολογία της συζητούνται ενεργά σε διάφορα διεθνή συμπόσια. Ο R. Barth έγραψε: «Η πόλη είναι ένα ύφασμα που δεν αποτελείται από ισοδύναμα στοιχεία στα οποία μπορούν να απαριθμηθούν οι λειτουργίες τους, αλλά από στοιχεία που είναι σημαντικά και ασήμαντα... Επιπλέον, πρέπει να σημειώσω ότι τα πάντα μεγαλύτερη αξίααρχίζουν να δίνουν ουσιαστικό κενό αντί για κενό του νοήματος. Με άλλα λόγια, τα στοιχεία γίνονται όλο και πιο σημαντικά όχι από μόνα τους, αλλά ανάλογα με τη θέση τους.

Η μεσαιωνική πόλη, τα κτίρια της, η εκκλησία ενσάρκωναν το φαινόμενο της εγγύτητας, την ανάγκη να ξεπεραστεί κάποιο φυσικό ή πνευματικό εμπόδιο, είτε πρόκειται για καθεδρικό ναό είτε για ένα παλάτι παρόμοιο με ένα μικρό φρούριο, αυτό είναι ένα ιδιαίτερο, χωρισμένο από έξω κόσμοςχώρος. Η διείσδυση εκεί συμβόλιζε πάντα την εξοικείωση με κάποιο κρυμμένο μυστικό. Η πλατεία, από την άλλη, ήταν σύμβολο μιας τελείως διαφορετικής εποχής: ενσάρκωνε την ιδέα του ανοίγματος όχι μόνο προς τα πάνω, αλλά και προς τα πλάγια, μέσα από δρόμους, σοκάκια, παράθυρα κ.λπ. Οι άνθρωποι έμπαιναν πάντα στην πλατεία από έναν κλειστό χώρο. Αντίθετα, κάθε τετράγωνο δημιουργούσε την αίσθηση ενός αμέσως ανοιχτού και ανοιχτού χώρου. Οι πλατείες των πόλεων, όπως λέμε, συμβόλιζαν την ίδια τη διαδικασία της απελευθέρωσης από τα μυστικά μυστικά και ενσάρκωναν ανοιχτά αποιεροποιημένο χώρο. Ο L. B. Alberti έγραψε ότι η πιο σημαντική διακόσμηση των πόλεων δόθηκε από τη θέση, την κατεύθυνση, την αντιστοιχία, την τοποθέτηση των δρόμων και των πλατειών.

Αυτές οι ιδέες υποστηρίχθηκαν από την πραγματική πρακτική του αγώνα για την απελευθέρωση των αστικών χώρων από τον έλεγχο μεμονωμένων οικογενειακών φυλών, που έλαβε χώρα στη Φλωρεντία τον XIV και XV αιώνα. Ο F. Brunelleschi αυτή τη χρονική περίοδο σχεδιάζει τρεις νέες πλατείες στην πόλη. Από τις πλατείες αφαιρούνται επιτύμβιες στήλες διαφόρων ευγενών προσώπων, αναλόγως ξαναχτίζονται αγορές. Η ιδέα του ανοιχτού χώρου ενσαρκώνεται από τον L. B. Alberti σε σχέση με τους τοίχους. Συμβουλεύει τη χρήση κιονοστοιχιών όσο το δυνατόν συχνότερα προκειμένου να τονιστεί η συμβατικότητα των τοίχων ως εμπόδιο. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η αψίδα στο Alberti γίνεται αντιληπτή ως το αντίθετο από τις κλειδωμένες πύλες της πόλης. Η καμάρα είναι πάντα ανοιχτή, σαν να χρησιμεύει ως πλαίσιο για το άνοιγμα όψεων και έτσι συνδέει τον αστικό χώρο.

Η αναγεννησιακή αστικοποίηση δεν συνεπάγεται την εγγύτητα και την απομόνωση του αστικού χώρου, αλλά, αντίθετα, τη διανομή του εκτός πόλης. Το επιθετικό επιθετικό πάθος του «κατακτητή της φύσης» καταδεικνύεται από τα έργα του Francesco di Giorgio Martini. Ο Yu. M. Lotman έγραψε για αυτή τη χωρική παρόρμηση, χαρακτηριστικό των πραγματειών του. Τα φρούρια Martini στις περισσότερες περιπτώσεις έχουν το σχήμα ενός αστεριού, το οποίο αποκαλύπτεται προς όλες τις κατευθύνσεις από τις γωνίες των τειχών με προμαχώνες που εκτείνονται έντονα προς τα έξω. Αυτή η αρχιτεκτονική λύση οφειλόταν σε μεγάλο βαθμό στην εφεύρεση της οβίδας. Τα κανόνια, τα οποία ήταν τοποθετημένα σε προμαχώνες πολύ προχωρημένους στο διάστημα, κατέστησαν δυνατή την ενεργή αντιμετώπιση των εχθρών, τους χτυπούσαν σε μεγάλη απόσταση και τους εμποδίζουν να φτάσουν στα κύρια τείχη.

Ο Leonardo Bruni, στα εγκωμιαστικά έργα του για τη Φλωρεντία, μας παρουσιάζει μάλλον παρά μια πραγματική πόλη, αλλά ένα ενσωματωμένο κοινωνικοπολιτισμικό δόγμα, γιατί προσπαθεί να «διορθώσει» την αστική διάταξη και να περιγράψει τη θέση των κτιρίων με έναν νέο τρόπο. Ως αποτέλεσμα, το Palazzo Signoria αποδεικνύεται ότι βρίσκεται στο κέντρο της πόλης, από το οποίο, ως σύμβολο της αστικής ισχύος, αποκλίνουν οι δακτύλιοι των τειχών, οι οχυρώσεις κ.λπ., ευρύτερα από ό,τι στην πραγματικότητα. Σε αυτήν την περιγραφή, ο Μπρούνι αναχωρεί από το κλειστό μοντέλο μιας μεσαιωνικής πόλης και προσπαθεί να ενσαρκώσει νέα ιδέατην ιδέα της αστικής επέκτασης, που είναι ένα είδος συμβόλου μιας νέας εποχής. Η Φλωρεντία αρπάζει κοντινά εδάφη και υποτάσσει τεράστιες περιοχές.

Έτσι, η ιδανική πόλη στον XV αιώνα. συλλαμβάνεται όχι σε μια κατακόρυφη ιεροποιημένη προβολή, αλλά σε έναν οριζόντιο κοινωνικο-πολιτιστικό χώρο, που νοείται όχι ως σφαίρα σωτηρίας, αλλά ως ένα άνετο περιβάλλον διαβίωσης. Γι' αυτό η ιδανική πόλη απεικονίζεται από καλλιτέχνες του 15ου αιώνα. όχι ως κάποιο μακρινό στόχο, αλλά από μέσα, ως μια όμορφη και αρμονική σφαίρα της ανθρώπινης ζωής.

Ωστόσο, είναι απαραίτητο να σημειωθούν ορισμένες αντιφάσεις που υπήρχαν αρχικά στην εικόνα της αναγεννησιακής πόλης. Παρά το γεγονός ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου εμφανίστηκαν υπέροχες και άνετες κατοικίες ενός νέου τύπου, που δημιουργήθηκαν κυρίως "για χάρη του λαού", η ίδια η πόλη αρχίζει ήδη να γίνεται αντιληπτή ως ένα πέτρινο κλουβί, το οποίο δεν επιτρέπει η ανάπτυξη μιας ελεύθερης δημιουργικής ανθρώπινης προσωπικότητας. Το αστικό τοπίο μπορεί να εκληφθεί ως κάτι που έρχεται σε αντίθεση με τη φύση και, όπως γνωρίζετε, η φύση (ανθρώπινη και μη) είναι το αντικείμενο αισθητικού θαυμασμού για τους καλλιτέχνες, τους ποιητές και τους στοχαστές εκείνης της εποχής.

Η αρχή της αστικοποίησης του κοινωνικο-πολιτιστικού χώρου, ακόμη και στις πρωταρχικές, υποτυπώδεις και ενθουσιωδώς αντιληπτές μορφές του, προκάλεσε ήδη ένα αίσθημα οντολογικής μοναξιάς, εγκατάλειψης στον νέο, «οριζόντιο» κόσμο. Στο μέλλον, αυτή η δυαδικότητα θα αναπτυχθεί, μετατρέποντας σε οξεία αντίφαση της πολιτιστικής συνείδησης της σύγχρονης εποχής και οδηγώντας στην εμφάνιση ουτοπικών αντιαστικών σεναρίων.

Έχουμε τη μεγαλύτερη βάση πληροφοριών στο RuNet, ώστε να μπορείτε πάντα να βρείτε παρόμοια ερωτήματα

Αυτό το θέμα ανήκει σε:

Πολιτισμολογία

Θεωρία πολιτισμού. Η πολιτισμολογία στο σύστημα της κοινωνικο-ανθρωπιστικής γνώσης. Βασικές πολιτισμικές θεωρίες και σχολές της εποχής μας. Η δυναμική του πολιτισμού. Ιστορία του πολιτισμού. Αρχαίος πολιτισμός - το λίκνο Ευρωπαϊκός πολιτισμός. Πολιτισμός Ευρωπαϊκός Μεσαίωνας. Πραγματικά προβλήματα σύγχρονο πολιτισμό. Εθνικά πρόσωπα του πολιτισμού σε έναν παγκοσμιοποιούμενο κόσμο. Γλώσσες και κώδικες πολιτισμού.

Αυτό το υλικό περιλαμβάνει ενότητες:

Ο πολιτισμός ως προϋπόθεση ύπαρξης και ανάπτυξης της κοινωνίας

Η πολιτισμολογία ως ανεξάρτητο γνωστικό πεδίο

Έννοιες πολιτιστικών σπουδών, αντικείμενο, θέμα, καθήκοντα

Η δομή της πολιτισμικής γνώσης

Μέθοδοι πολιτιστικής έρευνας

Η ενότητα ιστορικού και λογικού στην κατανόηση του πολιτισμού

Αρχαίες ιδέες για τον πολιτισμό

Κατανόηση του πολιτισμού στο Μεσαίωνα

Η κατανόηση του πολιτισμού στην ευρωπαϊκή φιλοσοφία της σύγχρονης εποχής

Γενικά χαρακτηριστικά πολιτισμικών σπουδών του 20ου αιώνα.

Πολιτισμική έννοια του O. Spengler

Θεωρία ολοκλήρωσης του πολιτισμού P. Sorokin

Ψυχαναλυτικές έννοιες του πολιτισμού

Βασικές προσεγγίσεις στην ανάλυση της ουσίας του πολιτισμού

Μορφολογία του πολιτισμού

Κανόνες και αξίες του πολιτισμού

Λειτουργίες πολιτισμού

Αναγεννησιακή τέχνη στην Ιταλία (XIII-XVI αιώνες).

ΥΛΙΚΑ ΤΟΥ ΠΟΡΟΥ http://artclassic.edu.ru ΧΡΗΣΙΜΟΠΟΙΗΣΑΜΕ ΓΙΑ ΤΗ ΣΥΝΤΑΞΗ ΤΗΣ ΣΕΛΙΔΑΣ

Χαρακτηριστικά της τέχνης της Αναγέννησης στην Ιταλία.

Η τέχνη της Αναγέννησης προέκυψε στη βάση του ουμανισμού (από το λατινικό humanus - «άνθρωπος») - μια τάση της κοινωνικής σκέψης που ξεκίνησε τον 14ο αιώνα. στην Ιταλία, και στη συνέχεια κατά το δεύτερο μισό του 15ου και τον 16ο αιώνα. εξαπλώθηκε σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Ο ανθρωπισμός διακήρυξε την υψηλότερη αξία του ανθρώπου και του καλού του. Οι οπαδοί αυτής της τάσης πίστευαν ότι κάθε άτομο έχει το δικαίωμα να αναπτύσσεται ελεύθερα ως άτομο, συνειδητοποιώντας τις ικανότητές του. Οι ιδέες του ουμανισμού ενσωματώθηκαν πλήρως και ζωντανά στην τέχνη, το κύριο θέμα της οποίας ήταν ένα όμορφο, αρμονικά ανεπτυγμένο άτομο με απεριόριστες πνευματικές και δημιουργικές δυνατότητες. Οι ουμανιστές εμπνεύστηκαν από την αρχαιότητα, η οποία τους χρησίμευσε ως πηγή γνώσης και υπόδειγμα καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. Το μεγάλο παρελθόν της Ιταλίας, θυμίζοντας συνεχώς τον εαυτό του, γινόταν τότε αντιληπτό ως η ύψιστη τελειότητα, ενώ η τέχνη του Μεσαίωνα έμοιαζε ανίκανη και βάρβαρη. Ο όρος «αναβίωση», που προέκυψε τον 16ο αιώνα, σήμαινε τη γέννηση μιας νέας τέχνης, που αναβίωσε τον κλασικό αρχαίο πολιτισμό. Ωστόσο, η τέχνη της Αναγέννησης οφείλει πολλά στην καλλιτεχνική παράδοση του Μεσαίωνα. Το παλιό και το νέο ήταν άρρηκτα συνδεδεμένα και αντιμέτωπα. Με όλη την αντιφατική ποικιλομορφία της προέλευσής της, η τέχνη της Αναγέννησης χαρακτηρίζεται από μια βαθιά και θεμελιώδη καινοτομία. Έθεσε τα θεμέλια του ευρωπαϊκού πολιτισμού της σύγχρονης εποχής. Όλες οι μεγάλες μορφές τέχνης - ζωγραφική και γραφικά, γλυπτική, αρχιτεκτονική - έχουν αλλάξει τρομερά.
Στην αρχιτεκτονική, οι δημιουργικά επεξεργασμένες αρχές της αρχαίας σύστημα παραγγελιών , εμφανίστηκαν νέοι τύποι δημόσιων κτιρίων. Η ζωγραφική εμπλουτίστηκε με τη γραμμική και εναέρια προοπτικήγνώση της ανατομίας και των αναλογιών του ανθρώπινου σώματος. Το γήινο περιεχόμενο διείσδυσε στα παραδοσιακά θρησκευτικά θέματα των έργων τέχνης. Αυξημένο ενδιαφέρον για την αρχαία μυθολογία, την ιστορία, τις καθημερινές σκηνές, τα τοπία, τα πορτρέτα. Μαζί με τις μνημειώδεις τοιχογραφίες που κοσμούσαν αρχιτεκτονικές κατασκευές, εμφανίστηκε μια εικόνα. προήλθε η ελαιογραφία.
Η τέχνη δεν έχει πάψει ακόμη να είναι τέχνη, αλλά η δημιουργική ατομικότητα του καλλιτέχνη, του οποίου οι δραστηριότητες εκείνη την εποχή ήταν πολύ διαφορετικές, είχε ήδη πάρει την πρώτη θέση. Το παγκόσμιο ταλέντο των δασκάλων της Αναγέννησης είναι εκπληκτικό - συχνά εργάζονταν ταυτόχρονα στον τομέα της αρχιτεκτονικής, της γλυπτικής και της ζωγραφικής, συνδύασαν το πάθος τους για τη λογοτεχνία, την ποίηση και τη φιλοσοφία με τη μελέτη των ακριβών επιστημών. Η έννοια μιας δημιουργικά πλούσιας ή «αναγεννησιακής» προσωπικότητας έγινε αργότερα μια οικιακή λέξη.
Στην τέχνη της Αναγέννησης τα μονοπάτια της επιστημονικής και καλλιτεχνικής κατανόησης του κόσμου και του ανθρώπου ήταν στενά συνυφασμένα. Το γνωστικό του νόημα ήταν άρρηκτα συνδεδεμένο με την υπέροχη ποιητική ομορφιά· στην προσπάθειά του για φυσικότητα, δεν κατέβηκε στη πεζή καθημερινότητα. Η τέχνη έχει γίνει μια παγκόσμια πνευματική ανάγκη.
Η διαμόρφωση της αναγεννησιακής κουλτούρας στην Ιταλία έγινε σε οικονομικά ανεξάρτητες πόλεις. Στην άνοδο και την άνθηση της τέχνης της Αναγέννησης, σημαντικό ρόλο έπαιξαν η Εκκλησία και οι υπέροχες αυλές των μη στεφανωμένων κυρίαρχων - οι κυρίαρχες πλούσιες οικογένειες, που ήταν οι μεγαλύτεροι προστάτες και πελάτες έργων ζωγραφικής, γλυπτικής και αρχιτεκτονικής. Τα κύρια κέντρα του πολιτισμού της Αναγέννησης ήταν αρχικά οι πόλεις Φλωρεντία, Σιένα, Πίζα, στη συνέχεια Πάντοβα, Φεράρα, Γένοβα, Μιλάνο και αργότερα, στο δεύτερο μισό του 15ου αιώνα, η πλούσια έμπορος Βενετία. Τον XVI αιώνα. κεφάλαιο Ιταλική Αναγέννησηέγινε Ρώμη. Από τότε, όλα τα άλλα πολιτιστικά κέντρα, εκτός από τη Βενετία, έχουν χάσει την προηγούμενη σημασία τους.
Στην εποχή της ιταλικής Αναγέννησης, συνηθίζεται να διακρίνουμε διάφορες περιόδους:

Πρωτο-Αναγέννηση (δεύτερο μισό XIII-XIV αιώνα),

Πρώιμη Αναγέννηση (XV αιώνας),

Υψηλή Αναγέννηση (τέλη 15ου - πρώτο τρίτο του 16ου αιώνα)

Ύστερη Αναγέννηση (τελευταία δύο τρίτα του 16ου αιώνα).

Πρωτοαναγεννησιακή

Στον ιταλικό πολιτισμό των αιώνων XIII-XIV. Στο πλαίσιο των ισχυρών ακόμα βυζαντινών και γοτθικών παραδόσεων, άρχισαν να εμφανίζονται χαρακτηριστικά μιας νέας τέχνης, η οποία αργότερα θα ονομαζόταν τέχνη της Αναγέννησης. Ως εκ τούτου, αυτή η περίοδος της ιστορίας της ονομάστηκε Πρωτοαναγεννησιακή(από το ελληνικό "πρωτός" - "πρώτος", δηλ. προετοίμασε την έναρξη της Αναγέννησης). Δεν υπήρξε παρόμοια μεταβατική περίοδος σε καμία από τις ευρωπαϊκές χώρες. Στην ίδια την Ιταλία, η πρωτοαναγεννησιακή τέχνη προέκυψε και αναπτύχθηκε μόνο στην Τοσκάνη και τη Ρώμη.
Στην ιταλική κουλτούρα, τα χαρακτηριστικά του παλιού και του νέου ήταν συνυφασμένα. Ο τελευταίος ποιητής του Μεσαίωνα και ο πρώτος ποιητής της νέας εποχής, ο Dante Alighieri (1265-1321), δημιούργησε την ιταλική λογοτεχνική γλώσσα. Αυτό που ξεκίνησε ο Δάντης συνεχίστηκε από άλλους μεγάλους Φλωρεντίνους του 14ου αιώνα - τον Francesco Petrarch (1304-1374), τον ιδρυτή της ευρωπαϊκής λυρικής ποίησης, και τον Giovanni Boccaccio (1313-1375), τον ιδρυτή του είδους του μυθιστορήματος (διηγήματος) στον κόσμο. βιβλιογραφία. Το καμάρι της εποχής είναι οι αρχιτέκτονες και γλύπτες Niccolo και Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio και ο ζωγράφος Τζιότο ντι Μποντόνε .
Αρχιτεκτονική
Η ιταλική αρχιτεκτονική ακολούθησε για μεγάλο χρονικό διάστημα τις μεσαιωνικές παραδόσεις, οι οποίες εκφράστηκαν κυρίως με τη χρήση μεγάλου αριθμού γοτθικών μοτίβων. Την ίδια στιγμή, η ίδια η ιταλική γοτθική ήταν πολύ διαφορετική από τη γοτθική αρχιτεκτονική της βόρειας Ευρώπης: έλκονταν προς την ηρεμία μεγάλες μορφές, ακόμη και ελαφριές, οριζόντιες διαιρέσεις, φαρδιές επιφάνειες τοίχων. Το 1296 ξεκίνησε η κατασκευή στη Φλωρεντία Καθεδρικός ναός Santa Maria del Fiore. Ο Arnolfo di Cambio ήθελε να στεφανώσει τον βωμό του καθεδρικού ναού με έναν τεράστιο τρούλο. Ωστόσο, μετά το θάνατο του αρχιτέκτονα το 1310, η κατασκευή καθυστέρησε, ολοκληρώθηκε ήδη την περίοδο Πρώιμη Αναγέννηση. Το 1334, σύμφωνα με το σχέδιο του Giotto, ξεκίνησε η κατασκευή του καμπαναριού του καθεδρικού ναού, του λεγόμενου καμπαναριού - ένας λεπτός ορθογώνιος πύργος με οριζόντιες διαιρέσεις ανά πατώματα και κομψά γοτθικά παράθυρα, η αψιδωτή μορφή του οποίου ήταν διατηρήθηκε στην ιταλική αρχιτεκτονική για μεγάλο χρονικό διάστημα.
Από τα πιο διάσημα παλάτια της πόλης είναι το Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) στη Φλωρεντία. Πιστεύεται ότι χτίστηκε από τον Arnolfo di Cambio. Είναι ένας βαρύς κύβος με ψηλό πύργο, επενδεδυμένο με σκληρή πέτρα ρουστίκ. Η τριώροφη πρόσοψη είναι διακοσμημένη με ζευγαρωμένα παράθυρα εγγεγραμμένα σε ημικυκλικά τόξα, γεγονός που δίνει σε ολόκληρο το κτίριο μια εντύπωση συγκρατημένης λιτότητας. Το κτίριο καθορίζει την εμφάνιση του παλιού κέντρου της πόλης, εισβάλλοντας στην πλατεία με σκληρό όγκο.
Γλυπτική
Νωρίτερα από ό,τι στην αρχιτεκτονική και τη ζωγραφική, οι καλλιτεχνικές αναζητήσεις σκιαγραφήθηκαν στη γλυπτική, και κυρίως στη σχολή των Πιζάν, ιδρυτής της οποίας ήταν ο Niccolò Pisano (περίπου 1220 - μεταξύ 1278 και 1284). Ο Niccolo Pisano γεννήθηκε στην Απουλία, στη νότια Ιταλία. Πιστεύεται ότι σπούδασε γλυπτική στα νότια σχολεία, όπου άκμασε το πνεύμα της αναβίωσης των κλασικών παραδόσεων της αρχαιότητας. Χωρίς αμφιβολία, ο Niccolo μελέτησε τη γλυπτική διακόσμηση των υστερορωμαϊκών και παλαιοχριστιανικών σαρκοφάγων. Το παλαιότερο του σήμερα διάσημα έργαγλύπτης - εξάγωνος μαρμάρινος άμβωνας, που κατασκευάστηκε από τον ίδιο για το βαπτιστήριο στην Πίζα (1260), - έγινε ένα εξαιρετικό έργο της αναγεννησιακής γλυπτικής και είχε τεράστιο αντίκτυπο στην περαιτέρω ανάπτυξή του. Το κύριο επίτευγμα του γλύπτη είναι ότι κατάφερε να δώσει όγκο και εκφραστικότητα στις φόρμες, και κάθε εικόνα έχει σωματική δύναμη.
Από το εργαστήριο του Niccolò Pisano προήλθαν οι αξιόλογοι δάσκαλοι της γλυπτικής της Πρωτο-Αναγέννησης - ο γιος του Giovanni Pisano και ο Arnolfo di Cambio, γνωστός και ως αρχιτέκτονας. Ο Arnolfo di Cambio (περίπου 1245 - μετά το 1310) έλκεται προς τη μνημειακή γλυπτική, στην οποία χρησιμοποίησε τις παρατηρήσεις της ζωής του. Ένα από τα καλύτερα έργα που έκανε μαζί με τον πατέρα και τον γιο του Pisano - Συντριβάνι στην Piazza Perugia(1278). Το Fonte Maggiore, διακοσμημένο με πολλά αγάλματα και ανάγλυφα, έχει γίνει το καμάρι της πόλης. Απαγορευόταν να πίνουν ζώα από αυτό, να παίρνουν νερό σε βαρέλια κρασιού ή μέσα άπλυτα πιάτα. Το μουσείο της πόλης έχει διατηρήσει θραύσματα από ανακλινόμενες φιγούρες που έφτιαξε ο Arnolfo di Cambio για το σιντριβάνι. Σε αυτές τις φιγούρες, ο γλύπτης κατάφερε να μεταφέρει όλο τον πλούτο των κινήσεων του ανθρώπινου σώματος.
Ζωγραφική
Στην τέχνη της ιταλικής Αναγέννησης κυρίαρχη θέση κατείχε η τοιχογραφία. Κατασκευάστηκε σε τεχνική νωπογραφίας. Με χρώματα που παρασκευάζονταν σε νερό, έγραφαν είτε σε βρεγμένο γύψο (στην πραγματικότητα τοιχογραφία) είτε σε στεγνό - αυτή η τεχνική ονομάζεται "a secco" (μετάφραση από τα ιταλικά - "στεγνό"). Το κύριο συνδετικό υλικό του σοβά είναι ο ασβέστης. Επειδή Ο ασβέστης χρειάζεται λίγο χρόνο για να στεγνώσει, η τοιχογραφία έπρεπε να γίνει γρήγορα, συχνά σε μέρη, μεταξύ των οποίων υπήρχαν συνδετικές ραφές. Από το δεύτερο μισό του XV αιώνα. η τεχνική της νωπογραφίας άρχισε να συμπληρώνεται με τη ζωγραφική ενός secco. Το τελευταίο επέτρεπε την πιο αργή εργασία και επέτρεπε το φινίρισμα των εξαρτημάτων. Της εργασίας στις τοιχογραφίες προηγήθηκε η παραγωγή sinopia - βοηθητικά σχέδια που εφαρμόστηκαν κάτω από την τοιχογραφία στην πρώτη στρώση σοβά. Αυτά τα σχέδια έγιναν με κόκκινη ώχρα, η οποία εξορύχθηκε από πηλό κοντά στην πόλη της Σινώπης, που βρίσκεται στην ακτή της Μαύρης Θάλασσας. Σύμφωνα με το όνομα της πόλης, το χρώμα ονομαζόταν Sinop, ή sinopia, αργότερα τα ίδια τα σχέδια άρχισαν να ονομάζονται με τον ίδιο τρόπο. Η Σινωπία χρησιμοποιήθηκε στην ιταλική ζωγραφική από τον 13ο έως τα μέσα του 15ου αιώνα. Ωστόσο, δεν κατέφυγαν όλοι οι ζωγράφοι στη βοήθεια της sinopia - για παράδειγμα, Τζιότο ντι Μποντόνε, ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της εποχής της Πρωτο-Αναγέννησης, έκανε χωρίς αυτούς. Σταδιακά, η συνωπία εγκαταλείφθηκε. Από τα μέσα του XV αιώνα. Τα χαρτόνια χρησιμοποιήθηκαν ευρέως στη ζωγραφική - προπαρασκευαστικά σχέδια που έγιναν σε χαρτί ή σε ύφασμα σε μέγεθος μελλοντικών έργων. Τα περιγράμματα του σχεδίου μεταφέρθηκαν σε υγρό σοβά με τη βοήθεια ανθρακόσκονης. Το φυσούσαν μέσα από τις τρύπες που είχαν τρυπηθεί στο περίγραμμα και το πιέσανε στον σοβά με κάποιο αιχμηρό εργαλείο. Μερικές φορές η σύνοψη από ένα σκίτσο σκίτσο μετατρεπόταν σε ένα τελειωμένο μνημειακό σχέδιο και τα χαρτόνια αποκτούσαν την αξία ανεξάρτητων έργων ζωγραφικής.

Ο ιδρυτής του νέου ιταλικού στυλ ζωγραφικής είναι ο Cimabue (στην πραγματικότητα Cenny di Pepo, περ. 1240 - περ. 1302). Ο Cimabue ήταν διάσημος στη Φλωρεντία ως δεξιοτέχνης των επίσημων ζωγραφιών και των εικόνων του βωμού. Οι εικόνες του χαρακτηρίζονται από αφαίρεση και στατικό χαρακτήρα. Και παρόλο που ο Cimabue ακολούθησε τις βυζαντινές παραδόσεις στο έργο του, στα έργα του προσπάθησε να εκφράσει τα γήινα συναισθήματα, να απαλύνει την ακαμψία του βυζαντινού κανόνα.
Ο Piero Cavallini (μεταξύ 1240 και 1250 - γύρω στο 1330) έζησε και εργάστηκε στη Ρώμη. Είναι ο συγγραφέας των ψηφιδωτών της εκκλησίας της Santa Maria in Trastevere (1291), καθώς και των τοιχογραφιών της εκκλησίας της Santa Cecilia στο Trastevere (περίπου 1293). Στα έργα του, ο Καβαλίνι έδωσε στις φόρμες όγκο και απτή.
Επιτεύγματα που υιοθέτησε και συνέχισε ο Cavallini Τζιότο ντι Μποντόνε(1266 ή 1267 - 1337), ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης της Πρωτο-Αναγέννησης. Το όνομα του Τζιότο συνδέεται με μια στροφή στην ανάπτυξη της ιταλικής ζωγραφικής, τη ρήξη της με τους μεσαιωνικούς καλλιτεχνικούς κανόνες και τις παραδόσεις της ιταλοβυζαντινής τέχνης του 13ου αιώνα. Πλέον διάσημα έργα Giotto - τοιχογραφίες στο παρεκκλήσι Arena στην Πάντοβα (1304-06). Οι τοιχογραφίες διακρίνονται για τη σαφήνειά τους, την ακομπλεξάριστη αφήγηση, την παρουσία καθημερινών λεπτομερειών που δίνουν ζωντάνια και φυσικότητα στις απεικονιζόμενες σκηνές. Απορρίπτοντας τον κανόνα της εκκλησίας που κυριαρχούσε στην τέχνη εκείνης της εποχής, ο Τζιότο απεικονίζει τους χαρακτήρες του σαν αληθινοί άνθρωποι: με αναλογικά, οκλαδόν σώματα, στρογγυλά (και όχι επιμήκη) πρόσωπα, το σωστό κόψιμο των ματιών κ.λπ. Οι άγιοι του δεν αιωρούνται πάνω από το έδαφος, αλλά στέκονται σταθερά πάνω του και με τα δύο πόδια. Σκέφτονται περισσότερο τα γήινα παρά τα ουράνια, βιώνοντας εντελώς ανθρώπινα συναισθήματα και συναισθήματα. Για πρώτη φορά στην ιστορία της ιταλικής ζωγραφικής, η ψυχική κατάσταση των ηρώων ενός πίνακα μεταφέρεται με εκφράσεις προσώπου, χειρονομίες, στάση. Αντί για το παραδοσιακό χρυσό φόντο, οι τοιχογραφίες του Giotto απεικονίζουν τοπία, εσωτερικούς χώρους ή γλυπτικές ομάδες στις προσόψεις των βασιλικών.
Στο δεύτερο μισό του XIV αιώνα. το γραφικό σχολείο της Σιένα έρχεται στο προσκήνιο. Ο μεγαλύτερος και πιο εκλεπτυσμένος δάσκαλος της ζωγραφικής της Σιένα του 14ου αιώνα. ήταν ο Simone Martini (περ. 1284-1344). Το πινέλο του Simone Martini κατέχει την πρώτη εικόνα στην ιστορία της τέχνης ενός σκυροδέματος ιστορικό γεγονόςμε ένα πορτρέτο ενός σύγχρονου. Αυτή η εικόνα " Condotiere Guidoriccio da Fogliano«στην αίθουσα Mappamondo (Χάρτες του κόσμου) στο Palazzo Publico (Σιένα), που ήταν το πρωτότυπο για πολλά μελλοντικά ιππικά πορτρέτα. Το βωμό Ο Ευαγγελισμός της Σιμόνε Μαρτίνι, που τώρα φυλάσσεται στην γκαλερί Ουφίτσι στη Φλωρεντία, απολαμβάνει επάξια φήμη.

Χαρακτηριστικά της Αναγέννησης. Πρωτοαναγεννησιακή

Χαρακτηριστικά της Αναγέννησης

Πρώιμη Αναγέννηση

Τον XV αιώνα. η τέχνη της Ιταλίας κατείχε κυρίαρχη θέση στην καλλιτεχνική ζωή της Ευρώπης. Στη Φλωρεντία τέθηκαν τα θεμέλια μιας ανθρωπιστικής κοσμικής (δηλαδή, όχι εκκλησιαστικής) κουλτούρας, η οποία ώθησε τη Σιένα και την Πίζα στο παρασκήνιο. Η πολιτική εξουσία εδώ ανήκε σε εμπόρους και τεχνίτες, η ισχυρότερη επιρροή στις υποθέσεις της πόλης ασκήθηκε από αρκετές πλούσιες οικογένειες, οι οποίες ανταγωνίζονταν συνεχώς μεταξύ τους. Ο αγώνας αυτός έληξε στα τέλη του 14ου αιώνα. νίκη του τραπεζικού οίκου Medici. Ο επικεφαλής της, ο Κόζιμο ντε Μέντιτσι, έγινε ο αμίλητος ηγεμόνας της Φλωρεντίας. Συγγραφείς, ποιητές, επιστήμονες, αρχιτέκτονες, καλλιτέχνες συνέρρευσαν στην αυλή του Cosimo Medici. Η αναγεννησιακή κουλτούρα της Φλωρεντίας έφτασε στο αποκορύφωμά της υπό τον Lorenzo de' Medici, με το παρατσούκλι ο Μεγαλοπρεπής. Ο Λορέντζο ήταν μεγάλος προστάτης των τεχνών και των επιστημών, ο δημιουργός της Πλατωνικής Ακαδημίας, όπου συγκεντρώθηκαν τα εξαιρετικά μυαλά της Ιταλίας, ποιητές και φιλόσοφοι, όπου διεξήχθησαν εκλεπτυσμένες συζητήσεις που εξύψωναν το πνεύμα και το μυαλό.

Αρχιτεκτονική

Υπό τον Cosimo και τον Lorenzo Medici, μια πραγματική επανάσταση έλαβε χώρα στην αρχιτεκτονική της Φλωρεντίας: εκτεταμένη κατασκευή ξεκίνησε εδώ, η οποία άλλαξε σημαντικά το πρόσωπο της πόλης. Ο πρόγονος της αναγεννησιακής αρχιτεκτονικής στην Ιταλία ήταν Φίλιπο Μπρουνελέσκι(1377-1446) - αρχιτέκτονας, γλύπτης και επιστήμονας, ένας από τους δημιουργούς της επιστημονικής θεωρίας της προοπτικής. Το μεγαλύτερο μηχανικό επίτευγμα του Μπρουνελέσκι ​​ήταν η κατασκευή του θόλου. Καθεδρικός ναός Santa Maria del Fioreστη Φλωρεντία. Χάρη στη μαθηματική και τεχνική ιδιοφυΐα του, ο Brunelleschi κατάφερε να λύσει το πιο δύσκολο πρόβλημα της εποχής του. Η κύρια δυσκολία που αντιμετώπισε ο πλοίαρχος προκλήθηκε από το γιγάντιο άνοιγμα του μεσαίου σταυρού (42 μ.), το οποίο απαιτούσε ιδιαίτερες προσπάθειες για τη διευκόλυνση της εξάπλωσης. Ο Brunelleschi έλυσε το πρόβλημα εφαρμόζοντας ένα έξυπνο σχέδιο: έναν ελαφρύ κοίλο θόλο που αποτελείται από δύο κοχύλια, ένα σύστημα πλαισίου από οκτώ νευρώσεις που συνδέονται με δακτυλίους που τα περιβάλλουν, ένα ελαφρύ φανάρι που έκλεινε και φόρτωσε την καμάρα. Ο τρούλος του καθεδρικού ναού της Santa Maria del Fiore έγινε ο πρόδρομος πολλών εκκλησιών με τρούλο στην Ιταλία και σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες.

Ο Brunelleschi ήταν ένας από τους πρώτους στην αρχιτεκτονική της Ιταλίας που κατανόησε δημιουργικά και ερμήνευσε αρχικά το αρχαίο σύστημα τάξης ( Ospedale degli Innocenti (Καταφύγιο ιδρυών), 1421-44), σηματοδότησε την αρχή της δημιουργίας εκκλησιών με τρούλο με βάση την αρχαία τάξη ( Εκκλησία του San Lorenzo ). Ένα πραγματικό στολίδι της Πρώιμης Αναγέννησης δημιουργήθηκε από τον Brunelleschi με παραγγελία μιας πλούσιας οικογένειας της Φλωρεντίας Παρεκκλήσι Pazzi(ξεκίνησε το 1429). Ο ανθρωπισμός και η ποίηση του έργου του Brunelleschi, η αρμονική αναλογία, η ελαφρότητα και η κομψότητα των κτιρίων του, η διατήρηση της επαφής με τις παραδόσεις του γοτθικού, η δημιουργική ελευθερία και η επιστημονική εγκυρότητα των ιδεών του καθόρισαν τη μεγάλη επιρροή του Brunelleschi στη μετέπειτα ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής της Αναγέννησης.

Ένα από τα κύρια επιτεύγματα της ιταλικής αρχιτεκτονικής του XV αιώνα. ήταν η δημιουργία ενός νέου τύπου παλατιών πόλεων, του palazzo, που λειτούργησε ως πρότυπο για δημόσια κτίρια μιας μεταγενέστερης εποχής. Χαρακτηριστικά του παλάτσο του 15ου αιώνα είναι μια σαφής διαίρεση του κλειστού όγκου του κτιρίου σε τρεις ορόφους, μια ανοιχτή αυλή με θερινές στοές, η χρήση σκουριάς (πέτρα με χονδρικά λοξότμητη ή κυρτή μπροστινή επιφάνεια) για την επένδυση της πρόσοψης, καθώς και ένα έντονα εκτεταμένο διακοσμητικό γείσο. . Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα αυτού του στυλ είναι η κεφαλαιουχική κατασκευή του μαθητή του Brunelleschi, Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), του αυλικού αρχιτέκτονα της οικογένειας των Μεδίκων, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), που χρησίμευσε ως πρότυπο για την κατασκευή πολλών φλωρεντινών ανακτόρων. Η δημιουργία του Michelozzo είναι κοντά Palazzo Strozzi(ιδρύθηκε το 1481), το οποίο συνδέεται με το όνομα του αρχιτέκτονα και γλύπτη Benedetto da Maiano (1442-97).

Ξεχωριστή θέση στην ιστορία της ιταλικής αρχιτεκτονικής κατέχει Leon Battista Alberti(1404-72). Ένας πλήρως προικισμένος και ευρέως μορφωμένος άνθρωπος, ήταν ένας από τους πιο λαμπρούς ουμανιστές της εποχής του. Το φάσμα των ενδιαφερόντων του ήταν ασυνήθιστα ποικίλο. Κάλυψε την ηθική και το δίκαιο, τα μαθηματικά, τη μηχανική, την οικονομία, τη φιλοσοφία, την ποίηση, τη μουσική, τη ζωγραφική, τη γλυπτική, την αρχιτεκτονική. Ένας λαμπρός στυλίστας, ο Alberti άφησε πολλά έργα στα λατινικά και τα ιταλικά. Στην Ιταλία και στο εξωτερικό, ο Alberti κέρδισε τη φήμη ενός εξαιρετικού θεωρητικού της τέχνης. Οι περίφημες πραγματείες «Δέκα βιβλία για την αρχιτεκτονική» (1449-52), «Περί ζωγραφικής», «Στο άγαλμα» (1435-36) ανήκουν στην πένα του. Αλλά η αρχιτεκτονική ήταν το κύριο επάγγελμα του Alberti. Στο αρχιτεκτονικό έργο, ο Alberti έλκεται προς τολμηρές, πειραματικές λύσεις, χρησιμοποιώντας καινοτόμα την αρχαία καλλιτεχνική κληρονομιά. Ο Alberti δημιούργησε ένα νέο τύπο παλατιού της πόλης ( Palazzo Rucellai ). Στη θρησκευτική αρχιτεκτονική, επιδιώκοντας τη μεγαλοπρέπεια και την απλότητα, ο Alberti χρησιμοποίησε μοτίβα ρωμαϊκών αψίδων θριάμβου και στοές στο σχεδιασμό των προσόψεων ( Εκκλησία του Sant'Andreaστη Μάντοβα, 1472-94). Το όνομα Alberti δικαίως θεωρείται ένα από τα πρώτα μεταξύ των μεγάλων δημιουργών του πολιτισμού της ιταλικής Αναγέννησης.

Γλυπτική

Τον XV αιώνα. Η ιταλική γλυπτική, που έχει αποκτήσει ανεξάρτητη σημασία ανεξάρτητη από την αρχιτεκτονική, ανθίζει. Οι παραγγελίες για τη διακόσμηση δημόσιων κτιρίων αρχίζουν να μπαίνουν στην πρακτική της καλλιτεχνικής ζωής. διοργανώνονται καλλιτεχνικοί διαγωνισμοί. Ένας από αυτούς τους διαγωνισμούς - για την κατασκευή του μπρούτζου των δεύτερων βόρειων θυρών του βαπτιστηρίου της Φλωρεντίας (1401) - θεωρείται σημαντικό γεγονός που άνοιξε ΝΕΑ ΣΕΛΙΔΑστην ιστορία της ιταλικής γλυπτικής της Αναγέννησης. Τη νίκη κατέκτησε ο Λορέντζο Γκιμπέρτι (1381-1455).

Ένας από τους πιο μορφωμένους ανθρώπους της εποχής του, ο πρώτος ιστορικός Ιταλική τέχνη, ένας λαμπρός σχεδιαστής, ο Ghiberti αφιέρωσε τη ζωή του σε ένα είδος γλυπτικής - ανάγλυφο. Η κύρια αρχή της τέχνης του ο Ghiberti θεωρούσε την ισορροπία και την αρμονία όλων των στοιχείων της εικόνας. Το αποκορύφωμα του έργου του Γκιμπέρτι ήταν ανατολικές πόρτες του βαπτιστηρίου της Φλωρεντίας (1425-52), που απαθανάτισε το όνομα του κυρίου. Η διακόσμηση των θυρών περιλαμβάνει δέκα τετράγωνες συνθέσεις από επιχρυσωμένο μπρούτζο (" Δημιουργία του Αδάμ και της Εύας”), με την ασυνήθιστη εκφραστικότητα τους που θυμίζει γραφικούς πίνακες. Ο καλλιτέχνης κατάφερε να μεταφέρει το βάθος του χώρου, κορεσμένο με εικόνες της φύσης, φιγούρες ανθρώπων, αρχιτεκτονικές δομές. Με το ελαφρύ χέρι του Μιχαήλ Άγγελου, οι ανατολικές πόρτες του βαπτιστηρίου της Φλωρεντίας άρχισαν να ονομάζονται «Πύλες του Παραδείσου».

Το εργαστήριο Ghiberti έγινε σχολείο για μια ολόκληρη γενιά καλλιτεχνών, και συγκεκριμένα, ο διάσημος Donatello, ο μεγάλος μεταρρυθμιστής της ιταλικής γλυπτικής, εργάστηκε εκεί. Το έργο του Donatello (περ. 1386-1466), που απορρόφησε τις δημοκρατικές παραδόσεις του πολιτισμού της Φλωρεντίας τον 14ο αιώνα, είναι μια από τις κορυφές στην ανάπτυξη της τέχνης της Πρώιμης Αναγέννησης. Ενσάρκωσε την αναζήτηση νέων, ρεαλιστικών μέσων απεικόνισης της πραγματικότητας, χαρακτηριστικό της τέχνης της Αναγέννησης, μεγάλη προσοχήστον άνθρωπο και στον πνευματικό του κόσμο. Η επίδραση του έργου του Donatello στην ανάπτυξη της ιταλικής αναγεννησιακής τέχνης ήταν τεράστια.

Η δεύτερη γενιά των γλυπτών της Φλωρεντίας έλκεται προς μια πιο λυρική, ειρηνική, κοσμική τέχνη. Ο πρωταγωνιστικός ρόλος σε αυτό ανήκε στην οικογένεια των γλυπτών della Robbia. Ο αρχηγός της οικογένειας, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), έγινε διάσημος για τη χρήση της τεχνικής του λούστρου σε στρογγυλή γλυπτική και ανάγλυφο. Η τεχνική του γλάσου (majolica), γνωστή από την αρχαιότητα στους λαούς της Μικράς Ασίας, μεταφέρθηκε στην Ιβηρική Χερσόνησο και στο νησί της Μαγιόρκα (εξ ου και το όνομά της) τον Μεσαίωνα και στη συνέχεια διαδόθηκε ευρέως στην Ιταλία. Η Lucca della Robbia δημιούργησε μετάλλια με ανάγλυφα σε βαθύ μπλε φόντο για κτίρια και βωμούς, γιρλάντες από λουλούδια και φρούτα, προτομές από μαγιόλικα της Παναγίας, του Χριστού και αγίων. Η χαρούμενη, κομψή, ευγενική τέχνη αυτού του πλοιάρχου έλαβε μια άξια αναγνώριση από τους συγχρόνους του. Μεγάλη τελειότητα στην τεχνική της μαγιόλικα πέτυχε επίσης ο ανιψιός του Andrea della Robbia (1435-1525) ανάγλυφα στην πρόσοψη του Ospedale degli Innocenti).

Ζωγραφική

Ο τεράστιος ρόλος που έπαιξε ο Brunelleschi στην αρχιτεκτονική της Πρώιμης Αναγέννησης, και ο Donatello στη γλυπτική, ανήκε στον Masaccio (1401-1428) στη ζωγραφική. Ο Masaccio πέθανε νέος, πριν συμπληρώσει τα 27 του χρόνια, κι όμως κατάφερε να κάνει πολλά στη ζωγραφική. Ο διάσημος ιστορικός τέχνης Vipper είπε: «Ο Masaccio είναι μια από τις πιο ανεξάρτητες και συνεπείς ιδιοφυΐες στην ιστορία της ευρωπαϊκής ζωγραφικής, ο ιδρυτής ενός νέου ρεαλισμού…» Συνεχίζοντας την αναζήτηση του Giotto, ο Masaccio σπάει με τόλμη τις μεσαιωνικές καλλιτεχνικές παραδόσεις. Σε τοιχογραφία "Trinity"(1426-27), δημιουργήθηκε για την εκκλησία της Santa Maria Novella στη Φλωρεντία, για πρώτη φορά σε τοιχογραφία πίνακας του Masaccioεφαρμόζει πλήρη προοπτική. Στις τοιχογραφίες του παρεκκλησιού Brancacci της εκκλησίας της Santa Maria del Carmine στη Φλωρεντία (1425-28) - το κύριο δημιούργημα της σύντομης ζωής του - ο Masaccio δίνει στις εικόνες μια πρωτόγνωρη ζωντάνια, τονίζει τη σωματικότητα και τη μνημειακότητα των χαρακτήρων του, μεταφέρει αριστοτεχνικά η συναισθηματική κατάσταση του ψυχολογικού βάθους των εικόνων. Σε Τοιχογραφία "Αποβολή από τον Παράδεισο"ο καλλιτέχνης λύνει το πιο δύσκολο έργο της εποχής του να απεικονίσει μια γυμνή ανθρώπινη φιγούρα. Η σκληρή και θαρραλέα τέχνη του Masaccio είχε τεράστιο αντίκτυπο στην καλλιτεχνική κουλτούρα της Αναγέννησης.

Η εξέλιξη της ζωγραφικής της Πρώιμης Αναγέννησης ήταν διφορούμενη: οι καλλιτέχνες έκαναν τη δική τους, μερικές φορές με διαφορετικούς τρόπους. Η κοσμική αρχή, η επιθυμία για μια συναρπαστική αφήγηση, το λυρικό γήινο συναίσθημα βρήκαν ζωντανή έκφραση στα έργα του Fra Filippo Lippi (1406-69), ενός μοναχού του τάγματος των Καρμελιτών. Γοητευτικός δάσκαλος, συγγραφέας πολλών συνθέσεων βωμού, μεταξύ των οποίων ο πίνακας θεωρείται ο καλύτερος « Λατρεία του Παιδιού » δημιουργήθηκε για το παρεκκλήσι στο Palazzo Medici - Riccardi, ο Filippo Lippi κατάφερε να μεταδώσει μέσα τους την ανθρώπινη ζεστασιά και την ποιητική αγάπη για τη φύση.

Στα μέσα του XV αιώνα. ο πίνακας της Κεντρικής Ιταλίας γνώρισε μια γρήγορη ανθοφορία, χαρακτηριστικό παράδειγμαπου μπορεί να υπηρετήσει η δημιουργικότητα Piero della Francesca(1420-92), ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης και θεωρητικός της τέχνης της Αναγέννησης. Η πιο αξιοσημείωτη δημιουργία του Piero della Francesca - κύκλος τοιχογραφιών στην εκκλησία του San Francesco στο Arezzo,που βασίζονται στο μύθο του Ζωοδόχου Δέντρου του Σταυρού. Οι τοιχογραφίες, διατεταγμένες σε τρεις βαθμίδες, ανιχνεύουν την ιστορία του ζωογόνου σταυρού από την αρχή, όταν ένα ιερό δέντρο φυτρώνει από τον σπόρο του παραδεισένιου δέντρου της γνώσης του καλού και του κακού στον τάφο του Αδάμ. ("Θάνατος του Αδάμ") μέχρι το τέλος, όταν ο βυζαντινός αυτοκράτορας Ηράκλειος επιστρέφει πανηγυρικά το χριστιανικό λείψανο στην Ιερουσαλήμ (« Μάχη μεταξύ Ηρακλείου και Χοσρόης » ). Το έργο του Piero della Francesca ξεπέρασε τις τοπικές σχολές ζωγραφικής και καθόρισε την ανάπτυξη της ιταλικής τέχνης γενικότερα.

Στο δεύτερο μισό του 15ου αιώνα, πολλοί ταλαντούχοι τεχνίτες εργάστηκαν στη βόρεια Ιταλία στις πόλεις Βερόνα, Φεράρα και Βενετία. Μεταξύ των ζωγράφων αυτής της εποχής, ο πιο διάσημος είναι ο Andrea Mantegna (1431-1506) - ένας δεξιοτέχνης της καβαλέτας και της μνημειακής ζωγραφικής, σχεδιαστής και χαράκτης, γλύπτης και αρχιτέκτονας. Ο ζωγραφικός τρόπος του καλλιτέχνη διακρίνεται από το κυνήγι των μορφών και των σχεδίων, την αυστηρότητα και την αλήθεια των γενικευμένων εικόνων. Χάρη στο χωρικό βάθος και τη γλυπτική φύση των μορφών, ο Mantegna επιτυγχάνει την εντύπωση μιας πραγματικής σκηνής παγωμένης για μια στιγμή - οι χαρακτήρες του φαίνονται τόσο ογκώδεις και φυσικοί. Το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του ο Mantegna έζησε στη Μάντοβα, όπου δημιούργησε το πιο διάσημο έργο του - τοιχογραφία "Chamber degli Sposi"στο εξοχικό κάστρο του μαρκήσιου L. Gonzaga. Με τη ζωγραφική και μόνο, δημιούργησε εδώ ένα πολυτελές αναγεννησιακό εσωτερικό, ένα μέρος για τελετουργικές δεξιώσεις και διακοπές. Η τέχνη του Mantegna, που γνώρισε μεγάλη φήμη, επηρέασε ολόκληρη τη βόρεια ιταλική ζωγραφική.

Ξεχωριστή θέση στη ζωγραφική της Πρώιμης Αναγέννησης ανήκει Σάντρο Μποτιτσέλι(στην πραγματικότητα Alessandro di Mariano Filipepi), ο οποίος γεννήθηκε το 1445 στη Φλωρεντία στην οικογένεια ενός πλούσιου βυρσοδέψης. Το 1459-64. ο νεαρός σπουδάζει ζωγραφική με τον διάσημο Φλωρεντινό δεξιοτέχνη Φίλιπο Λίπι. Το 1470 άνοιξε το δικό του εργαστήριο στη Φλωρεντία και το 1472 έγινε μέλος της Συντεχνίας του Αγίου Λουκά.

Η πρώτη δημιουργία του Μποτιτσέλι ήταν η σύνθεση "Δύναμη", την οποία ερμήνευσε για την εμπορική αυλή της Φλωρεντίας. Ο νεαρός καλλιτέχνης κέρδισε γρήγορα την εμπιστοσύνη των πελατών και κέρδισε φήμη, η οποία τράβηξε την προσοχή του Λορέντζο του Μεγαλοπρεπούς, του νέου ηγεμόνα της Φλωρεντίας, έγινε κύριος της αυλής και το αγαπημένο του. Ο Μποτιτσέλι εκτέλεσε τους περισσότερους πίνακές του για τα σπίτια του δούκα και άλλων ευγενών οικογενειών της Φλωρεντίας, καθώς και για εκκλησίες, μοναστήρια και δημόσια κτίρια στη Φλωρεντία.

Δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1470 και του 1480 έγινε για τον Μποτιτσέλι μια περίοδος δημιουργικής ανθοφορίας. Για την κύρια πρόσοψη της εκκλησίας της Santa Maria Novella, γράφει τη σύνθεση " Λατρεία των Μάγων«- ένα είδος μυθοποιημένου ομαδικό πορτρέτοτην οικογένεια των Μεδίκων. Λίγα χρόνια αργότερα, ο καλλιτέχνης δημιουργεί την περίφημη μυθολογική του αλληγορία «Άνοιξη».

Το 1481, ο Πάπας Σίξτος Δ' διέταξε μια ομάδα ζωγράφων, μεταξύ των οποίων ήταν και ο Μποτιτσέλι, να διακοσμήσουν το παρεκκλήσι του με τοιχογραφίες, οι οποίες αργότερα έλαβαν το όνομα «Σιξτίνα». Τοιχογραφίες στην Καπέλα Σιξτίνα του Μποτιτσέλι Πειρασμός του Χριστού », « Σκηνές από τη ζωή του Μωυσή », « Τιμωρία Κορέας, Ντάθαν και Άβιρον". Τα επόμενα χρόνια, ο Μποτιτσέλι ολοκλήρωσε μια σειρά από 4 νωπογραφίες βασισμένες σε μικρές ιστορίες από τον Δεκαμερώνα του Μποκάτσιο, δημιούργησε τα πιο διάσημα μυθολογικά έργα του («Η Γέννηση της Αφροδίτης», « Παλλάς και Κένταυρος”), καθώς και αρκετές συνθέσεις βωμού για εκκλησίες της Φλωρεντίας (“ Στέψη της Παναγίας », « Βωμός του San Barnaba"). Πολλές φορές στράφηκε στην εικόνα της Παναγίας (" Madonna del Magnificat », « Μαντόνα με ρόδι », « Η Μαντόνα με ένα βιβλίο”), εργάστηκε επίσης στο είδος πορτρέτου (“ Πορτρέτο του Giuliano Medici», «Πορτρέτο νεαρής γυναίκας», «Πορτρέτο νεαρού άνδρα»).

Στη δεκαετία του 1490, κατά την περίοδο των κοινωνικών κινημάτων που συγκλόνισαν τη Φλωρεντία και τα μυστικιστικά κηρύγματα του μοναχού Σαβοναρόλα, ηθικολογικές νότες και δράματα εμφανίζονται στην τέχνη του Μποτιτσέλι («Συκοφαντία», « Θρήνος για τον Χριστό », « μυστικιστικά Χριστούγεννα"). Υπό την επίδραση του Σαβοναρόλα, σε μια κρίση θρησκευτικής ανάτασης, ο καλλιτέχνης κατέστρεψε ακόμη και μερικά από τα έργα του. Στα μέσα της δεκαετίας του 1490, με τον θάνατο του Λορέντζο του Μεγαλοπρεπούς και την εκδίωξη του γιου του Πιέτρο από τη Φλωρεντία, ο Μποτιτσέλι έχασε τη φήμη του ως μεγάλος καλλιτέχνης. Ξεχασμένος, ζει ήσυχα τη ζωή του στο σπίτι του αδελφού Σάιμον. Το 1510 ο καλλιτέχνης πέθανε.

Η εξαίσια τέχνη του Botticelli με στοιχεία στυλιζαρίσματος (δηλαδή γενίκευση εικόνων με χρήση συμβατικών τεχνικών - απλοποίηση χρώματος, σχήματος και όγκου) θεωρείται μια από τις κορυφές της ανάπτυξης της ζωγραφικής. Η τέχνη του Μποτιτσέλι, σε αντίθεση με τους περισσότερους δασκάλους της πρώιμης Αναγέννησης, βασίστηκε στην προσωπική εμπειρία. Εξαιρετικά ευαίσθητος και ειλικρινής, ο Μποτιτσέλι πέρασε μια δύσκολη και τραγική διαδρομή δημιουργικής αναζήτησης - από την ποιητική αντίληψη του κόσμου στα νιάτα του μέχρι τον μυστικισμό και τη θρησκευτική ανάταση στην ενήλικη ζωή.

ΠΡΩΙΜΗ ΑΝΑΣΤΟΛΗ

ΠΡΩΙΜΗ ΑΝΑΣΤΟΛΗ

Υψηλή Αναγέννηση

Η Υψηλή Αναγέννηση, που χάρισε στην ανθρωπότητα τόσο μεγάλους δασκάλους όπως Λεονάρντο Ντα Βίντσι, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, καλύπτει μια σχετικά σύντομη χρονική περίοδο - το τέλος του 15ου και το πρώτο τρίτο του 16ου αιώνα. Μόνο στη Βενετία η άνθηση της τέχνης συνεχίστηκε μέχρι τα μέσα του αιώνα.

Οι θεμελιώδεις αλλαγές που σχετίζονται με τα καθοριστικά γεγονότα της παγκόσμιας ιστορίας, οι επιτυχίες της προηγμένης επιστημονικής σκέψης, διεύρυναν ατελείωτα τις ιδέες των ανθρώπων για τον κόσμο - όχι μόνο για τη γη, αλλά και για το διάστημα. Η αντίληψη για τον κόσμο και την ανθρώπινη προσωπικότητα φαινόταν να διευρύνεται. στην καλλιτεχνική δημιουργικότητα, αυτό αντικατοπτρίστηκε όχι μόνο στη μαγευτική κλίμακα των αρχιτεκτονικών δομών, των μνημείων, των επίσημων κύκλων τοιχογραφιών και των ζωγραφικών έργων, αλλά και στο περιεχόμενό τους, στην εκφραστικότητα των εικόνων. Η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης είναι μια ζωντανή και πολύπλοκη καλλιτεχνική διαδικασία με εκθαμβωτικά λαμπερά ups και επακόλουθες κρίσεις.

Ντονάτο Μπραμάντε.

Η Ρώμη έγινε το κέντρο της αρχιτεκτονικής της υψηλής Αναγέννησης, όπου διαμορφώθηκε ένα ενιαίο κλασικό στυλ με βάση προηγούμενες ανακαλύψεις και επιτυχίες. Οι δάσκαλοι χρησιμοποίησαν δημιουργικά το αρχαίο σύστημα τάξης, δημιουργώντας δομές, η μεγαλειώδης μνημειακότητα των οποίων ήταν σε αρμονία με την εποχή. Ο Donato Bramante (1444-1514) έγινε ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της αρχιτεκτονικής της υψηλής Αναγέννησης. Τα κτίρια του Bramante διακρίνονται από τη μνημειακότητα και το μεγαλείο, την αρμονική τελειότητα των αναλογιών, την ακεραιότητα και τη σαφήνεια των λύσεων σύνθεσης και του χώρου και την ελεύθερη, δημιουργική χρήση των κλασικών μορφών. το υψηλότερο δημιουργικό επίτευγμαΤο Bramante είναι μια ανακατασκευή του Βατικανού (ο αρχιτέκτονας δημιούργησε στην πραγματικότητα ένα νέο κτίριο, συμπεριλαμβανομένου οργανικά διάσπαρτα παλιά κτίρια σε αυτό). Ο Μπραμάντε έγραψε επίσης το σχέδιο του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. Με το έργο του ο Μπραμάντε καθόρισε την ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής τον 16ο αιώνα.

Λεονάρντο Ντα Βίντσι.

Στην ιστορία της ανθρωπότητας δεν είναι εύκολο να βρεις άλλο εξίσου λαμπρή προσωπικότητα, ως ιδρυτής της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης Λεονάρντο Ντα Βίντσι(1452-1519). Η περιεκτική φύση των δραστηριοτήτων αυτού του μεγάλου καλλιτέχνη, γλύπτη, αρχιτέκτονα, επιστήμονα και μηχανικού έγινε σαφής μόνο όταν εξετάστηκαν διάσπαρτα χειρόγραφα από την κληρονομιά του, που αριθμούν πάνω από επτά χιλιάδες φύλλα που περιείχαν επιστημονικά και αρχιτεκτονικά έργα, εφευρέσεις και σκίτσα. Είναι δύσκολο να ονομάσουμε τον τομέα της γνώσης που δεν θα είχε αγγίξει η ιδιοφυΐα του. Η οικουμενικότητα του Λεονάρντο είναι τόσο ακατανόητη που ο διάσημος βιογράφος των μορφών της Αναγέννησης, Τζόρτζιο Βαζάρι, δεν μπορούσε να εξηγήσει αυτό το φαινόμενο διαφορετικά από την παρέμβαση του ουρανού: «Ό,τι κι αν στραφεί αυτός ο άνθρωπος, κάθε του πράξη φέρει τη σφραγίδα της θεότητας».

Στη διάσημη «Πραγματεία για τη ζωγραφική» (1498) και σε άλλες σημειώσεις, ο Λεονάρντο έδωσε μεγάλη προσοχή στη μελέτη του ανθρώπινου σώματος, στις πληροφορίες για την ανατομία, τις αναλογίες, τη σχέση μεταξύ των κινήσεων, τις εκφράσεις του προσώπου και τη συναισθηματική κατάσταση ενός ατόμου. Ο Λεονάρντο ασχολήθηκε επίσης με τα προβλήματα του chiaroscuro, της ογκομετρικής μοντελοποίησης, της γραμμικής και εναέριας προοπτικής. Ο Λεονάρντο απέτισε φόρο τιμής όχι μόνο στη θεωρία της τέχνης. Δημιούργησε μια σειρά από υπέροχα βωμούς και πορτρέτα. Το πινέλο του Λεονάρντο ανήκει σε ένα από τα πιο διάσημα έργα της παγκόσμιας ζωγραφικής - τη "Μόνα Λίζα" ("La Gioconda"). Ο Λεονάρντο δημιούργησε μνημειώδεις γλυπτικές εικόνες, σχεδίασε και κατασκεύασε αρχιτεκτονικές κατασκευές. Ο Λεονάρντο παραμένει μια από τις πιο χαρισματικές προσωπικότητες της Αναγέννησης μέχρι σήμερα. Ένας τεράστιος αριθμός βιβλίων είναι αφιερωμένος σε αυτόν, η ζωή του μελετάται με τον πιο λεπτομερή τρόπο. Και, ωστόσο, πολλά στη δουλειά του παραμένουν μυστήριο και συνεχίζουν να ενθουσιάζουν τα μυαλά των ανθρώπων.

Ραφαέλ Σάντι.

Στα ύψη της ιταλικής Αναγέννησης ανήκει και η τέχνη του Ραφαέλ Σάντι (1483-1520). Η ιδέα της υπέροχης ομορφιάς και της αρμονίας συνδέεται με το έργο του Ραφαήλ στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης. Είναι γενικά αποδεκτό ότι στον αστερισμό των λαμπρών δασκάλων της Υψηλής Αναγέννησης, ήταν ο Ραφαήλ που ήταν ο κύριος φορέας της αρμονίας. Η αδιάκοπη προσπάθεια για μια φωτεινή, τέλεια αρχή διαποτίζει όλο το έργο του Ραφαήλ, συνθέτει το εσωτερικό του νόημα. Το έργο του είναι εξαιρετικά ελκυστικό στη φυσική του κομψότητα (" Σιξτίνα Μαντόνα"). Ίσως αυτός είναι ο λόγος που ο πλοίαρχος κέρδισε μια τέτοια εξαιρετική δημοτικότητα στο κοινό και είχε πολλούς οπαδούς μεταξύ των καλλιτεχνών ανά πάσα στιγμή. Ο Ραφαήλ δεν ήταν μόνο ένας καταπληκτικός ζωγράφος, ζωγράφος πορτρέτων, αλλά και ένας τοιχογράφος που εργάστηκε στην τεχνική της νωπογραφίας, ένας αρχιτέκτονας και ένας διακοσμητής. Όλα αυτά τα χαρίσματα εκδηλώθηκαν με ιδιαίτερη δύναμη στους πίνακές του στα διαμερίσματα του Πάπα Ιούλιου Β' στο Βατικανό («Σχολή Αθηνών»). Στην τέχνη ενός λαμπρού καλλιτέχνη, γεννήθηκε μια νέα εικόνα ενός άνδρα της Αναγέννησης - όμορφη, αρμονική, τέλεια σωματικά και πνευματικά.

Michelangelo Buonarotti.

Σύγχρονος Λεονάρντο Ντα Βίντσικαι ο Ραφαέλ ήταν ο αιώνιος αντίπαλός τους - Μικελάντζελο Μπουοναρότι , μεγαλύτερος δάσκαλοςΥψηλή Αναγέννηση - γλύπτης, ζωγράφος, αρχιτέκτονας και ποιητής. Δικος μου δημιουργικό τρόποαυτός ο τιτάνας της αναγέννησης ξεκίνησε με τη γλυπτική. Τα κολοσσιαία αγάλματά του έχουν γίνει σύμβολο ενός νέου ανθρώπου - ενός ήρωα και ενός μαχητή ("David"). Ο πλοίαρχος έχτισε πολλές αρχιτεκτονικές και γλυπτικές κατασκευές, η πιο γνωστή από τις οποίες είναι το παρεκκλήσι των Μεδίκων στη Φλωρεντία. Το μεγαλείο αυτών των έργων βασίζεται στην κολοσσιαία ένταση των συναισθημάτων των χαρακτήρων ( Σαρκοφάγος του Giuliano de' Medici). Ιδιαίτερα όμως διάσημοι είναι οι πίνακες του Μιχαήλ Άγγελου στο Βατικανό, στην Καπέλα Σιξτίνα, στους οποίους απέδειξε ότι ήταν λαμπρός ζωγράφος. Ίσως κανένας στον κόσμο της τέχνης, ούτε πριν ούτε μετά τον Μιχαήλ Άγγελο, δεν έχει δημιουργήσει χαρακτήρες τόσο δυνατούς σε σώμα και πνεύμα (" Δημιουργία του Αδάμ"). Η τεράστια, απίστευτα περίπλοκη τοιχογραφία στην οροφή έγινε από τον καλλιτέχνη μόνο, χωρίς βοηθούς. Παραμένει αξεπέραστη μέχρι σήμερα. μνημειακό έργοΙταλική ζωγραφική. Αλλά εκτός από τις τοιχογραφίες της οροφής της Καπέλα Σιξτίνα, ο πλοίαρχος, ήδη σε μεγάλη ηλικία, δημιούργησε την άκρως εμπνευσμένη "Τελευταία Κρίση" - σύμβολο της κατάρρευσης των ιδανικών της μεγάλης του εποχής.

Ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε πολύ και γόνιμα στην αρχιτεκτονική, συγκεκριμένα, επέβλεπε την κατασκευή του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου και του συνόλου Πλατεία Καπιτωλίουστη Ρώμη. Το έργο του μεγάλου Μιχαήλ Άγγελου αποτέλεσε μια ολόκληρη εποχή και ήταν πολύ μπροστά από την εποχή του, έπαιξε κολοσσιαίο ρόλο στην παγκόσμια τέχνη, ειδικότερα, επηρέασε τη διαμόρφωση των αρχών του μπαρόκ.

Giorgione και Titian.

Στην ιστορία της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης, η Βενετία μπήκε σε μια φωτεινή σελίδα, όπου η ζωγραφική βρίσκεται στο αποκορύφωμά της. Ο Giorgione θεωρείται ο πρώτος κύριος της Υψηλής Αναγέννησης στη Βενετία. Η τέχνη του είναι πολύ ιδιαίτερη. Το πνεύμα της καθαρής αρμονίας και κάποιας ιδιαίτερης οικείας περισυλλογής και ονειροπόλησης βασιλεύει σε αυτό. Έγραφε συχνά υπέροχες ομορφιές, πραγματικές θεές. Συνήθως αυτό είναι μια ποιητική μυθοπλασία - η ενσάρκωση ενός ονείρου, θαυμασμού για ένα ρομαντικό συναίσθημα και μια όμορφη γυναίκα. Στους πίνακές του υπάρχει ένας υπαινιγμός αισθησιακού πάθους, γλυκιάς απόλαυσης, απόκοσμης ευτυχίας. Με την τέχνη του Giorgione, η βενετσιάνικη ζωγραφική απέκτησε μια πανιταλική σημασία, επιβεβαιώνοντας τα καλλιτεχνικά της χαρακτηριστικά.

Ο Τιτσιάν μέσαέμεινε στην ιστορία της ιταλικής τέχνης ως τιτάνας και επικεφαλής της βενετικής σχολής, ως σύμβολο της ακμής της. Στο έργο αυτού του καλλιτέχνη, η πνοή μιας νέας εποχής εκδηλώθηκε με ιδιαίτερη δύναμη - θυελλώδη, τραγική, αισθησιακή. Το έργο του Τιτσιάνο διακρίνεται από μια εξαιρετικά ευρεία και ευέλικτη κάλυψη τύπων και ειδών ζωγραφικής. Ο Τιτσιάν ήταν ένας από τους ιδρυτές της μνημειώδους ζωγραφικής του βωμού, του τοπίου ως ανεξάρτητου είδους, διαφόρων τύπων πορτρέτων, συμπεριλαμβανομένων των πανηγυρικών-τελετών. Στο έργο του τέλειες εικόνεςδίπλα δίπλα με φωτεινούς χαρακτήρες, τραγικές συγκρούσεις -με σκηνές χαρμόσυνης χαράς, θρησκευτικές συνθέσεις- με μυθολογικούς και ιστορικούς πίνακες.

Ο Τιτσιάν ανέπτυξε ένα νέο τεχνική ζωγραφικής, που άσκησε εξαιρετική επίδραση στην περαιτέρω, μέχρι τον 20ο αιώνα, ανάπτυξη των παγκόσμιων καλών τεχνών. Ο Τιτσιάν ανήκει στους μεγαλύτερους χρωματιστές της παγκόσμιας ζωγραφικής. Οι πίνακές του λάμπουν με χρυσό και μια πολύπλοκη γκάμα δονούμενων φωτεινών τόνων χρώματος. Ο Τιτσιάν, που έζησε σχεδόν έναν αιώνα, επέζησε από την κατάρρευση των αναγεννησιακών ιδεωδών, το έργο του πλοιάρχου ανήκει κατά το ήμισυ στην Ύστερη Αναγέννηση. Ο ήρωάς του, που μπαίνει στον αγώνα ενάντια στις εχθρικές δυνάμεις, πεθαίνει, αλλά διατηρεί το μεγαλείο του. Η επιρροή του μεγάλου εργαστηρίου του Τιτσιάνου επηρέασε όλη την ενετική τέχνη.

ΥΨΗΛΗ ΑΝΑΣΤΟΛΗ

ΥΨΗΛΗ ΑΝΑΣΤΟΛΗ

Ύστερη Αναγέννηση

Στο δεύτερο μισό του XVI αιώνα. στην Ιταλία, η παρακμή της οικονομίας και του εμπορίου μεγάλωνε, ο καθολικισμός μπήκε σε αγώνα με τον ουμανιστικό πολιτισμό, η τέχνη βρισκόταν σε βαθιά κρίση. Ενίσχυσε τις αντιαναγεννησιακές τάσεις, ενσαρκωμένες στον μανιερισμό. Ωστόσο, ο μανιερισμός σχεδόν δεν επηρέασε τη Βενετία, η οποία στο δεύτερο ημίχρονο XVI αιώναέγινε το κύριο επίκεντρο της τέχνης της Ύστερης Αναγέννησης. Σύμφωνα με την υψηλή ανθρωπιστική αναγεννησιακή παράδοση, στις νέες ιστορικές συνθήκες στη Βενετία, αναπτύχθηκε το έργο των μεγάλων δασκάλων της Ύστερης Αναγέννησης, εμπλουτισμένο με νέες μορφές - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Το έργο του βορειοϊταλού αρχιτέκτονα Andrea Palladio (1508-80), που βασίζεται σε μια βαθιά μελέτη της αρχαίας και αναγεννησιακής αρχιτεκτονικής, είναι μια από τις κορυφές στην τέχνη της Ύστερης Αναγέννησης. Ο Palladio ανέπτυξε τις αρχές της αρχιτεκτονικής, οι οποίες αναπτύχθηκαν στην αρχιτεκτονική του ευρωπαϊκού κλασικισμού του 17ου-18ου αιώνα. και έλαβε το όνομα Παλλαδιανισμός. Ο αρχιτέκτονας περιέγραψε τις ιδέες του στο θεωρητικό έργο Four Books on Architecture (1570). Τα κτίρια του Palladio (κυρίως αστικά ανάκτορα και βίλες) είναι γεμάτα χαριτωμένη ομορφιά και φυσικότητα, αρμονική πληρότητα και αυστηρή τάξη, διακρίνονται από σαφήνεια και σκοπιμότητα σχεδιασμού και οργανική σύνδεση με το περιβάλλον ( Palazzo Chiericati). Η ικανότητα εναρμόνισης της αρχιτεκτονικής με το γύρω τοπίο εκδηλώθηκε με ιδιαίτερη δύναμη στις βίλες Palladio, εμποτισμένες με μια ελεγειακή και φωτισμένη αίσθηση της φύσης και χαρακτηρίζονται από την κλασική σαφήνεια και την απλότητα των μορφών και της σύνθεσης ( Βίλα Κάπρα (Ροτόντα)). Ο Palladio δημιούργησε το πρώτο μνημειακό θεατρικό κτίριο στην Ιταλία, το Teatro Olimpico. Η επίδραση του Palladio στην ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής στους επόμενους αιώνες ήταν τεράστια.

Veronese και Tintoretto..

Εορταστικός χαρακτήρας που επιβεβαιώνει τη ζωή Ενετική Αναγέννησηπιο ξεκάθαρα εκδηλώνεται στο έργο του Πάολο Βερονέζε. Μνημειώδης καλλιτέχνης, δημιούργησε υπέροχα διακοσμητικά σύνολα τοιχογραφιών και οροφής με πολλούς χαρακτήρες και διασκεδαστικές λεπτομέρειες. Ο Veronese δημιούργησε το δικό του στυλ: οι θεαματικοί, θεαματικοί πίνακές του είναι γεμάτοι συναισθήματα, πάθος και ζωή, και οι ήρωες, η βενετική αριστοκρατία, βρίσκονται συνήθως σε πατρικιακά ανάκτορα ή με φόντο την πολυτελή φύση. Παρασύρονται από μεγαλειώδη γλέντια ή μαγευτικές γιορτές («Γάμος στην Κανά»). Ο Βερονέζε ήταν ο κύριος της εύθυμης Βενετίας, των θριάμβων της, ο ποιητής της χρυσής λάμψης της. Ο Veronese είχε ένα εξαιρετικό χάρισμα ως χρωματιστής. Τα χρώματά του διαποτίζονται από φως, έντονα και δεν δίνουν απλώς χρώμα στα αντικείμενα, αλλά μετατρέπονται τα ίδια σε αντικείμενο, μετατρέπονται σε σύννεφα, ύφασμα, ανθρώπινο σώμα. Εξαιτίας αυτού, η πραγματική ομορφιά των μορφών και των αντικειμένων πολλαπλασιάζεται με την ομορφιά του χρώματος και της υφής, που παράγει ισχυρό συναισθηματικό αντίκτυπο στον θεατή.

Το εντελώς αντίθετο του Βερονέζε ήταν ο σύγχρονος του Τιντορέτο (1518-94) - ο τελευταίος μεγάλος δάσκαλος της Ιταλικής Αναγέννησης. Η αφθονία των εξωτερικών καλλιτεχνικών επιρροών διαλύθηκε στη μοναδική δημιουργική ατομικότητα του Tintoretto. Στο έργο του ήταν μια γιγάντια φιγούρα, ο δημιουργός της ηφαιστειακής ιδιοσυγκρασίας, των βίαιων παθών και της ηρωικής έντασης. Το έργο του γνώρισε τεράστια επιτυχία τόσο μεταξύ των σύγχρονων όσο και των επόμενων γενεών. Ο Τιντορέτο διακρίθηκε από μια πραγματικά απάνθρωπη ικανότητα εργασίας, ακούραστη αναζήτηση. Ένιωσε την τραγωδία της εποχής του πιο έντονα και βαθύτερα από τους περισσότερους συγχρόνους του. Ο πλοίαρχος επαναστάτησε ενάντια στις καθιερωμένες παραδόσεις στις εικαστικές τέχνες - την τήρηση της συμμετρίας, της αυστηρής ισορροπίας, της στατικής. διεύρυνε τα όρια του χώρου, τον εμπόρευσε με δυναμική, δραματική δράση, άρχισε να εκφράζει πιο έντονα τα ανθρώπινα συναισθήματα. 1590 . Η τέχνη του μανιερισμού ξεφεύγει από τα αναγεννησιακά ιδεώδη της αρμονικής αντίληψης του κόσμου. Ο άνθρωπος βρίσκεται στο έλεος των υπερφυσικών δυνάμεων. Ο κόσμος εμφανίζεται ασταθής, κλονισμένος, σε κατάσταση σήψης. Οι μανιεριστικές εικόνες είναι γεμάτες άγχος, ανησυχία, ένταση. Ο καλλιτέχνης απομακρύνεται από τη φύση, προσπαθεί να την ξεπεράσει, ακολουθώντας στο έργο του μια υποκειμενική «εσωτερική ιδέα», η βάση της οποίας δεν είναι ο πραγματικός κόσμος, αλλά η δημιουργική φαντασία. το μέσο απόδοσης είναι ο «όμορφος τρόπος» ως το άθροισμα ορισμένων τεχνικών. Ανάμεσά τους είναι η αυθαίρετη επιμήκυνση των μορφών, ο πολύπλοκος φιδίσιος ρυθμός, η μη πραγματικότητα του φανταστικού χώρου και του φωτός, και μερικές φορές ψυχρά διαπεραστικά χρώματα.

Ο Jacopo Pontormo (1494-1556) ήταν ο μεγαλύτερος και πιο προικισμένος δεξιοτέχνης του μανιερισμού, ένας ζωγράφος με περίπλοκο δημιουργικό πεπρωμένο. Στο δικό του διάσημος πίνακας « Κάθοδος από τον Σταυρό» η σύνθεση είναι ασταθής, οι φιγούρες είναι επιτηδευμένα σπασμένες, τα ανοιχτά χρώματα είναι έντονα. Φραντσέσκο Ματσόλα, με το παρατσούκλι Parmigianino (1503-40) άρεσε να εντυπωσιάζει τον θεατή: για παράδειγμα, έγραψε το " Αυτοπροσωπογραφία σε κυρτό καθρέφτη". Η σκόπιμη σκοπιμότητα τον διακρίνει διάσημος πίνακας « Η Μαντόνα με μακρύ λαιμό ».

Ο ζωγράφος της αυλής των Μεδίκων Agnolo Bronzino (1503-72) είναι γνωστός για τα τελετουργικά πορτρέτα του. Απηχούσαν την εποχή των αιματηρών θηριωδιών και της ηθικής παρακμής που κατέλαβε τους υψηλότερους κύκλους της ιταλικής κοινωνίας. Οι ευγενείς πελάτες του Bronzino, λες, χωρίζονται από τον θεατή με μια αόρατη απόσταση. η ακαμψία των πόζες τους, η απάθεια των προσώπων τους, ο πλούτος των ρούχων τους, οι χειρονομίες των όμορφων μπροστινών χεριών τους - όλα αυτά είναι σαν ένα εξωτερικό κέλυφος που κρύβει μια εσωτερική ελαττωματική ζωή. Στο πορτρέτο της Ελεονόρας του Τολέδο με τον γιο της (περίπου 1545), το απρόσιτο της ψυχρής, απόμακρης εικόνας ενισχύεται από το γεγονός ότι η προσοχή του θεατή απορροφάται πλήρως από το επίπεδο μεγάλο σχέδιο των υπέροχων μπροκάρ ρούχων της δούκισσας. Ο τύπος του αυλικού πορτρέτου που δημιούργησαν οι Μανιεριστές επηρέασε την προσωπογραφία του 16ου-17ου αιώνα. σε πολλές άλλες ευρωπαϊκές χώρες.

Η τέχνη του μανιερισμού ήταν μεταβατική: η Αναγέννηση έσβηνε στο παρελθόν, είχε έρθει η ώρα για ένα νέο πανευρωπαϊκό καλλιτεχνικό στυλ- μπαρόκ.

Τέχνη της Βόρειας Αναγέννησης.

Χώρες Βόρεια Ευρώπηδεν είχαν το αρχαίο παρελθόν τους, αλλά η περίοδος της Αναγέννησης ξεχωρίζει στην ιστορία τους: από τη στροφήXV – XVIγια το δεύτερο ημίχρονοXVIIαιώνας. Αυτή τη φορά διακρίνεται από τη διείσδυση των ιδεωδών της Αναγέννησης σε διάφορες σφαίρες του πολιτισμού και τη σταδιακή αλλαγή του στυλ της. Όπως στη γενέτειρα της Αναγέννησης, στην τέχνη της Βόρειας Αναγέννησης, το ενδιαφέρον για τον πραγματικό κόσμο άλλαξε τις μορφές της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας. Ωστόσο, η τέχνη των βόρειων χωρών δεν χαρακτηριζόταν από το πάθος της ιταλικής ζωγραφικής, δοξάζοντας τη δύναμη του ανθρώπου-τιτάνα. Οι μπέργκερ (οι λεγόμενοι πλούσιοι κάτοικοι της πόλης) εκτιμούσαν περισσότερο την ακεραιότητα, την πιστότητα στο καθήκον και τον λόγο, την ιερότητα του συζυγικού όρκου και της εστίας. Στους κύκλους των burgher, αναπτύχθηκε το δικό τους ιδανικό για ένα άτομο - ένα ξεκάθαρο, νηφάλιο, ευσεβές και επιχειρηματικό. Η τέχνη των burghers ποιητοποιεί τον απλό μέσο άνθρωπο και τον κόσμο του - τον κόσμο της καθημερινότητας και των απλών πραγμάτων.

Δάσκαλοι της Αναγέννησης στην Ολλανδία.

Νέα χαρακτηριστικά της τέχνης της Αναγέννησης εμφανίστηκαν κυρίως στην Ολλανδία, η οποία ήταν μια από τις πλουσιότερες και πιο βιομηχανοποιημένες χώρες της Ευρώπης. Λόγω της εκτεταμένης τους διεθνείς σχέσειςΗ Ολλανδία δέχτηκε νέες ανακαλύψεις πολύ πιο γρήγορα από άλλες σκανδιναβικές χώρες.

Άνοιξε το αναγεννησιακό στιλ στην Ολλανδία Γιαν Βαν Άικ(1390-1441). Το πιο διάσημο έργο του είναι Βωμός της Γάνδης, στο οποίο ο καλλιτέχνης άρχισε να εργάζεται με τον αδελφό του και συνέχισε να εργάζεται μετά τον θάνατό του μόνος του για άλλα 6 χρόνια. Ο βωμός της Γάνδης, που δημιουργήθηκε για τον καθεδρικό ναό της πόλης, είναι μια δίπλωση δύο επιπέδων, σε 12 σανίδες από τις οποίες υπάρχουν εικόνες της καθημερινής, καθημερινής ζωής (στις εξωτερικές σανίδες, που φάνηκαν όταν έκλεισε η πτυχή) και εορταστική, χαρούμενη, μεταμορφωμένη ζωής (στις εσωτερικές πόρτες, που φάνηκαν ανοιχτές κατά τη διάρκεια εκκλησιαστικές αργίες). Αυτό είναι ένα μνημείο τέχνης, που δοξάζει την ομορφιά της επίγειας ζωής. Το συναισθηματικό συναίσθημα του Βαν Άικ - «ο κόσμος είναι σαν παράδεισος», κάθε σωματίδιο του οποίου είναι όμορφο - εκφράζεται καθαρά και ξεκάθαρα. Ο καλλιτέχνης βασίστηκε σε πολλές παρατηρήσεις από τη φύση. Όλες οι φιγούρες και τα αντικείμενα έχουν τρισδιάστατο όγκο και βάρος. Οι αδερφοί Van Eycke ήταν από τους πρώτους που ανακάλυψαν τις δυνατότητες ελαιογραφία; από αυτή τη στιγμή αρχίζει η σταδιακή μετατόπιση της τέμπερας από αυτήν.

Στο δεύτερο μισό του XVαιώνα, γεμάτος πολιτικές και θρησκευτικές διαμάχες, στην ολλανδική τέχνη ξεχωρίζει μια σύνθετη, ιδιόμορφη τέχνη Ιερώνυμος Μπος(1450;-1516). Πρόκειται για έναν πολύ περίεργο καλλιτέχνη με εξαιρετική φαντασία. Έζησε στον δικό του και τρομερό κόσμο. Στους πίνακες του Bosch υπάρχει μια συμπύκνωση μεσαιωνικών λαογραφικών αναπαραστάσεων, γκροτέσκων μοντάζ του ζωντανού και του μηχανικού, του τρομερού και του κωμικού. Στις συνθέσεις του, που δεν είχαν κέντρο, δεν υπάρχει κεντρικός χαρακτήρας. Ο χώρος σε πολλά στρώματα είναι γεμάτος με πολυάριθμες ομάδες μορφών και αντικειμένων: τερατώδη υπερβολικά ερπετά, φρύνους, αράχνες, τρομερά πλάσματα στα οποία συνδυάζονται μέρη διαφορετικών πλασμάτων και αντικειμένων. Ο σκοπός των συνθέσεων της Bosch είναι η ηθική οικοδόμηση. Ο Bosch δεν βρίσκει αρμονία και τελειότητα στη φύση, οι δαιμονικές του εικόνες θυμίζουν τη ζωτικότητα και την πανταχού παρουσία του παγκόσμιου κακού, τον κύκλο της ζωής και του θανάτου.

Ο άνθρωπος στους πίνακες του Bosch είναι αξιολύπητος και αδύναμος. Στο τρίπτυχο λοιπόν Μεταφορά σανού» ο καλλιτέχνης αποκαλύπτει την ιστορία της ανθρωπότητας. Η αριστερή πτέρυγα αφηγείται την ιστορία της πτώσης του Αδάμ και της Εύας, η δεξιά απεικονίζει την Κόλαση και όλες τις φρικαλεότητες που περιμένουν τους αμαρτωλούς εδώ. Το κεντρικό μέρος της εικόνας εικονογραφεί τη λαϊκή παροιμία «Ο κόσμος είναι άχυρα, ο καθένας παίρνει από αυτόν ό,τι προλαβαίνει να αρπάξει». Η Bosch δείχνει πώς οι άνθρωποι παλεύουν για ένα κομμάτι σανό, πεθαίνουν κάτω από τις ρόδες ενός βαγονιού, προσπαθούν να σκαρφαλώσουν σε αυτό. Στην κορυφή του βαγονιού, αποκηρύσσοντας τον κόσμο, οι ερωτευμένοι τραγουδούν και φιλιούνται. Από τη μια πλευρά τους είναι ένας άγγελος και από την άλλη ο διάβολος: ποιος θα κερδίσει; Ανατριχιαστικά πλάσματα σέρνουν το κάρο στον κάτω κόσμο. Πίσω από όλες τις πράξεις των ανθρώπων, ο Θεός κοιτάζει σαστισμένος. Μια ακόμα πιο ζοφερή διάθεση είναι εμποτισμένη με την εικόνα " Φέροντας τον Σταυρό»: Ο Χριστός κουβαλά τον βαρύ σταυρό του, περιτριγυρισμένος από αποκρουστικούς ανθρώπους με φουσκωμένα μάτια και ανοιχτά στόματα. Για χάρη τους ο Κύριος θυσιάζεται, αλλά ο σταυρός του θάνατος θα τους αφήσει αδιάφορους.

Ο Μπος είχε ήδη πεθάνει όταν γεννήθηκε ένας άλλος διάσημος Ολλανδός καλλιτέχνης - Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος(1525-1569), με το παρατσούκλι Muzhitsky για πολλούς πίνακες που απεικονίζουν τη ζωή των αγροτών. Ο Μπρίγκελ έλαβε ως βάση πολλών θεμάτων λαϊκές παροιμίες, καθημερινές ανησυχίες των απλών ανθρώπων. Η πληρότητα των εικόνων των έργων ζωγραφικής " αγροτικός γάμος" Και " χωρικός χορός«κουβαλά τη δύναμη των λαϊκών στοιχείων. Ακόμα και οι εικόνες βιβλικές ιστορίεςΤα έργα του Μπρίγκελ κατοικούνται από Ολλανδούς και τα γεγονότα της μακρινής Ιουδαίας διαδραματίζονται με φόντο χιονισμένους δρόμους κάτω από τον σκοτεινό ουρανό του πατρίδα (« Κήρυγμα Ιωάννου του Προδρόμου"). Δείχνοντας φαινομενικά ασήμαντο, δευτερεύον, ο καλλιτέχνης μιλά για το κύριο πράγμα στη ζωή των ανθρώπων, αναδημιουργεί το πνεύμα της εποχής του.

Ένας μικρός καμβάς Κυνηγοί στο χιόνι” (Ιανουάριος) από τη σειρά “The Seasons” θεωρείται ένα από τα αξεπέραστα αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής. Κουρασμένοι κυνηγοί με σκυλιά επιστρέφουν σπίτι. Μαζί τους ο θεατής μπαίνει στον λόφο, από τον οποίο ανοίγεται ένα πανόραμα μιας μικρής πόλης. Χιονισμένες όχθες του ποταμού, αγκάθια δέντρα πάγωσαν στον καθαρό παγωμένο αέρα, πουλιά πετούν, κάθονται σε κλαδιά δέντρων και στέγες σπιτιών, οι άνθρωποι είναι απασχολημένοι με τις καθημερινές τους δραστηριότητες. Όλα αυτά τα φαινομενικά μικροπράγματα, μαζί με το γαλάζιο του ουρανού, τα μαύρα δέντρα, το λευκό χιόνι, δημιουργούν στην εικόνα ένα πανόραμα του κόσμου που ο καλλιτέχνης αγαπά με πάθος.

Ο πιο τραγικός πίνακας του Μπρίγκελ Παραβολή των Τυφλών«Γράφτηκε από τον καλλιτέχνη λίγο πριν πεθάνει. Αυτή εικονογραφεί ιστορία του ευαγγελίου«Αν οι τυφλοί οδηγήσουν τους τυφλούς, θα πέσουν και οι δύο στο λάκκο». Ίσως αυτή είναι μια εικόνα της ανθρωπότητας, τυφλωμένης από τις επιθυμίες της, που κινείται προς το θάνατό της. Ωστόσο, ο Brueghel δεν κρίνει, αλλά, κατανοώντας τους νόμους της σχέσης των ανθρώπων μεταξύ τους, με το περιβάλλον, διεισδύοντας στην ουσία της ανθρώπινης φύσης, αποκαλύπτει στους ίδιους τους ανθρώπους, τη θέση τους στον κόσμο.

Ζωγραφική στη Γερμανία κατά την Αναγέννηση.

Χαρακτηριστικά της Αναγέννησης στην τέχνη της Γερμανίας εμφανίζονται αργότερα από ό,τι στην Ολλανδία. Η ακμή του γερμανικού ουμανισμού, των κοσμικών επιστημών και του πολιτισμού πέφτει στα πρώτα χρόνιαXVIV. Ήταν μια σύντομη περίοδος κατά την οποία ο γερμανικός πολιτισμός έδωσε στον κόσμο την υψηλότερη καλλιτεχνική αξία. Πρώτα απ 'όλα, θα πρέπει να περιλαμβάνουν έργα Άλμπρεχτ Ντύρερ(1471-1528) - ο σημαντικότερος καλλιτέχνης της Γερμανικής Αναγέννησης.

Ντύρερ - τυπικός εκπρόσωποςΑναγέννηση, ήταν ζωγράφος, χαράκτης, μαθηματικός και μηχανικός, έγραψε πραγματείες για την οχύρωση και τη θεωρία της τέχνης. Επί αυτοπροσωπογραφίεςεμφανίζεται ευφυής, ευγενής, συγκεντρωμένος, γεμάτος βαθιές φιλοσοφικές σκέψεις. Στους πίνακες, ο Dürer δεν αρκείται στην επίσημη ομορφιά, αλλά επιδιώκει να δώσει μια συμβολική έκφραση αφηρημένων σκέψεων.

Ξεχωριστή θέση στη δημιουργική κληρονομιά του Dürer έχει η σειρά Apocalypse, η οποία περιλαμβάνει 15 μεγάλες ξυλογραφίες. Ο Dürer επεξηγεί τις προβλέψεις από την «Αποκάλυψη του Ιωάννη του Θεολόγου», για παράδειγμα, το φύλλο « τέσσερις ιππείς"Συμβολίζει τρομερές καταστροφές - πόλεμο, λοιμό, πείνα, άδικη κρίση. Το προαίσθημα της αλλαγής, των σκληρών δοκιμασιών και των καταστροφών, που εκφράστηκε σε χαρακτικά, αποδείχτηκε προφητικό (η Μεταρρύθμιση και οι Αγροτικοί και θρησκευτικοί πόλεμοι που την ακολούθησαν σύντομα άρχισαν).

Ένας άλλος μεγάλος καλλιτέχνης εκείνης της εποχής ήταν Λούκας Κράναχ ο Πρεσβύτερος(1472-1553). Το Ερμιτάζ φιλοξενεί τους πίνακές του Μαντόνα και παιδί κάτω από τη μηλιά" Και " Γυναικείο πορτρέτο". Σε αυτά βλέπουμε ένα γυναικείο πρόσωπο, αποτυπωμένο σε πολλούς από τους πίνακες του πλοιάρχου (λέγεται ακόμη και "Cranach"): ένα μικρό πηγούνι, μια στενή σχισμή ματιών, χρυσαφένια μαλλιά. Ο καλλιτέχνης γράφει προσεκτικά κοσμήματα και ρούχα, οι πίνακές του είναι μια γιορτή για τα μάτια. Η αγνότητα και η αφέλεια των εικόνων σας κάνουν να κοιτάξετε ξανά αυτούς τους πίνακες. Ο Cranach ήταν ένας υπέροχος ζωγράφος πορτρέτων, δημιούργησε εικόνες πολλών διάσημων συγχρόνων - του Martin Luther (που ήταν φίλος του), του δούκα Henry της Σαξονίας και πολλών άλλων.

Αλλά ο πιο διάσημος πορτραίτης της Βόρειας Αναγέννησης μπορεί αναμφίβολα να αναγνωριστεί ως ένας άλλος Γερμανός ζωγράφος. Hans Holbein ο νεότερος(1497-1543). Για μεγάλο χρονικό διάστημα ήταν ο αυλικός ζωγράφος του Άγγλου βασιλιά ΕρρίκουVIII. Στο πορτρέτο του, ο Χόλμπαϊν αποδίδει τέλεια την αυτοκρατορική φύση του βασιλιά, ο οποίος δεν είναι εξοικειωμένος με την αμφιβολία. Μικρά έξυπνα μάτια σε ένα σαρκώδες πρόσωπο προδίδουν έναν τύραννο μέσα του. Πορτρέτο του Χάινριχ VIII ήταν τόσο αξιόπιστος που τρόμαξε τους ανθρώπους που γνώριζαν τον βασιλιά. Ο Χόλμπαϊν ζωγράφισε πορτρέτα πολλών διάσημων ανθρώπων εκείνης της εποχής, ιδιαίτερα του πολιτικού και συγγραφέα Τόμας Μορ, του φιλόσοφου Έρασμου του Ρότερνταμ και πολλών άλλων.

Η ανάπτυξη του πολιτισμού της Αναγέννησης στη Γερμανία, την Ολλανδία και ορισμένες άλλες ευρωπαϊκές χώρες διακόπηκε από τη Μεταρρύθμιση και τους θρησκευτικούς πολέμους που την ακολούθησαν. Κατόπιν αυτού ήρθε η ώρα για τη διαμόρφωση νέων αρχών στην τέχνη, που εισήλθαν στο επόμενο στάδιο της ανάπτυξής της.

Αναγεννησιακή τέχνη

Αναγέννηση- αυτή είναι η ακμή όλων των τεχνών, συμπεριλαμβανομένου του θεάτρου, της λογοτεχνίας και της μουσικής, αλλά, αναμφίβολα, το κυριότερο από αυτά, που εξέφραζε πληρέστερα το πνεύμα της εποχής του, ήταν οι καλές τέχνες.

Δεν είναι τυχαίο ότι υπάρχει μια θεωρία ότι η Αναγέννηση ξεκίνησε με το γεγονός ότι οι καλλιτέχνες δεν ήταν πλέον ικανοποιημένοι με το πλαίσιο του κυρίαρχου «βυζαντινού» στυλ και, αναζητώντας μοντέλα για το έργο τους, ήταν οι πρώτοι που στράφηκαν στο στην αρχαιότητα. Ο όρος «Αναγέννηση» (Αναγέννηση) εισήχθη από τον ίδιο τον στοχαστή και καλλιτέχνη της εποχής, Τζόρτζιο Βαζάρι («Βιογραφία διάσημων ζωγράφων, γλυπτών και αρχιτεκτόνων»). Έτσι ονόμασε την εποχή από το 1250 έως το 1550. Από τη σκοπιά του αυτή ήταν η εποχή της αναβίωσης της αρχαιότητας. Για τον Vasari η αρχαιότητα εμφανίζεται με ιδανικό τρόπο.

Στο μέλλον, το περιεχόμενο του όρου έχει εξελιχθεί. Η αναβίωση άρχισε να σημαίνει τη χειραφέτηση της επιστήμης και της τέχνης από τη θεολογία, μια ψύξη προς τη χριστιανική ηθική, τη γέννηση των εθνικών λογοτεχνιών, την επιθυμία του ανθρώπου για ελευθερία από τους περιορισμούς της Καθολικής Εκκλησίας. Δηλαδή, η Αναγέννηση, στην ουσία, άρχισε να σημαίνει ανθρωπισμός.

ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗ, ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗ(Γαλλικό renais sance - αναγέννηση) - μια από τις μεγαλύτερες εποχές, σημείο καμπής στην ανάπτυξη της παγκόσμιας τέχνης μεταξύ του Μεσαίωνα και της νέας εποχής. Η Αναγέννηση καλύπτει τους XIV-XVI αιώνες. στην Ιταλία, XV-XVI αιώνες. σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Το όνομά του - Αναγέννηση (ή Αναγέννηση) - αυτή η περίοδος στην ανάπτυξη του πολιτισμού που έλαβε σε σχέση με την αναβίωση του ενδιαφέροντος για αρχαία τέχνη. Ωστόσο, οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής όχι μόνο αντέγραψαν παλιά μοτίβα, αλλά έβαλαν και ένα ποιοτικά νέο περιεχόμενο σε αυτά. Η Αναγέννηση δεν πρέπει να θεωρείται καλλιτεχνικό στυλ ή κατεύθυνση, αφού σε αυτήν την εποχή υπήρχαν διάφορα καλλιτεχνικά στυλ, τάσεις, ρεύματα. Το αισθητικό ιδανικό της Αναγέννησης διαμορφώθηκε στη βάση μιας νέας προοδευτικής κοσμοθεωρίας - του ουμανισμού. Ο πραγματικός κόσμος και ο άνθρωπος ανακηρύχθηκαν ύψιστη αξία: Ο άνθρωπος είναι το μέτρο όλων των πραγμάτων. Ο ρόλος του δημιουργικού ατόμου έχει αυξηθεί ιδιαίτερα.

Το ανθρωπιστικό πάθος της εποχής ενσωματώθηκε καλύτερα στην τέχνη, η οποία, όπως και στους προηγούμενους αιώνες, είχε στόχο να δώσει μια εικόνα του σύμπαντος. Το νέο ήταν ότι προσπάθησαν να ενώσουν το υλικό και το πνευματικό σε ένα σύνολο. Ήταν δύσκολο να βρεις άτομο αδιάφορο για την τέχνη, αλλά δόθηκε προτίμηση στις καλές τέχνες και την αρχιτεκτονική.

Ιταλική ζωγραφική του 15ου αιώνα ως επί το πλείστον μνημειακές (τοιχογραφίες). Η ζωγραφική κατέχει ηγετική θέση μεταξύ των ειδών καλών τεχνών. Ανταποκρίνεται πλήρως στην αναγεννησιακή αρχή της «μίμησης της φύσης». Ένα νέο οπτικό σύστημα διαμορφώνεται με βάση τη μελέτη της φύσης. Ο καλλιτέχνης Masaccio συνέβαλε επάξια στην ανάπτυξη της κατανόησης του όγκου, στη μετάδοσή του με τη βοήθεια του chiaroscuro. Η ανακάλυψη και η επιστημονική τεκμηρίωση των νόμων της γραμμικής και εναέριας προοπτικής επηρέασαν σημαντικά την περαιτέρω μοίρα της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Μια νέα πλαστική γλώσσα γλυπτικής διαμορφώνεται, ιδρυτής της ήταν ο Donatello. Ανέστησε το ανεξάρτητο στρογγυλό άγαλμα. Το καλύτερο έργο του είναι το γλυπτό του Δαβίδ (Φλωρεντία).

Στην αρχιτεκτονική αναβιώνουν οι αρχές του αρχαίου συστήματος τάξης, αναδεικνύεται η σημασία των αναλογιών, διαμορφώνονται νέοι τύποι κτιρίων (παλάτι, εξοχική βίλα κ.λπ.), η θεωρία της αρχιτεκτονικής και η έννοια της ιδανικής πόλης. που αναπτύσσεται. Ο αρχιτέκτονας Brunelleschi έχτισε κτίρια στα οποία συνδύασε την αρχαία κατανόηση της αρχιτεκτονικής και τις παραδόσεις του ύστερου γοτθικού, επιτυγχάνοντας μια νέα εικονιστική πνευματικότητα της αρχιτεκτονικής, άγνωστη στους αρχαίους. Κατά τη διάρκεια της υψηλής Αναγέννησης, η νέα κοσμοθεωρία ενσωματώθηκε καλύτερα στο έργο των καλλιτεχνών που δικαίως αποκαλούνται ιδιοφυΐες: Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ραφαήλ, Μικελάντζελο, Τζορτζιόνε και Τιτσιάνο. Τα δύο τελευταία τρίτα του 16ου αιώνα που ονομάζεται ύστερη Αναγέννηση. Αυτή την περίοδο η κρίση καλύπτει την τέχνη. Γίνεται ρυθμισμένο, αυλικό, χάνει τη ζεστασιά και τη φυσικότητα του. Ωστόσο, μεμονωμένοι μεγάλοι καλλιτέχνες - Titian, Tintoretto συνεχίζουν να δημιουργούν αριστουργήματα κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου.

Η Ιταλική Αναγέννηση είχε τεράστιο αντίκτυπο στην τέχνη της Γαλλίας, της Ισπανίας, της Γερμανίας, της Αγγλίας και της Ρωσίας.

Η άνοδος στην ανάπτυξη της τέχνης της Ολλανδίας, της Γαλλίας και της Γερμανίας (XV-XVI αιώνες) ονομάζεται Βόρεια Αναγέννηση. Το έργο των ζωγράφων Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder είναι η κορυφή αυτής της περιόδου στην ανάπτυξη της τέχνης. Στη Γερμανία, ο A. Dürer ήταν ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης της Γερμανικής Αναγέννησης.

Οι ανακαλύψεις που έγιναν κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης στον τομέα του πνευματικού πολιτισμού και της τέχνης είχαν μεγάλη ιστορική σημασία για την ανάπτυξη της ευρωπαϊκής τέχνης στους επόμενους αιώνες. Το ενδιαφέρον για αυτούς συνεχίζεται μέχρι σήμερα.

Η Αναγέννηση στην Ιταλία πέρασε από διάφορα στάδια: πρώιμη Αναγέννηση, υψηλή Αναγέννηση, ύστερη Αναγέννηση. Η Φλωρεντία έγινε η γενέτειρα της Αναγέννησης. Τα θεμέλια της νέας τέχνης αναπτύχθηκαν από τον ζωγράφο Masaccio, τον γλύπτη Donatello και τον αρχιτέκτονα F. Brunelleschi.

Ο πρώτος που δημιούργησε πίνακες αντί για εικόνες ήταν ο μεγαλύτερος δάσκαλος της Πρωτο-Αναγέννησης Τζιότο.Ήταν ο πρώτος που προσπάθησε να μεταφέρει χριστιανικές ηθικές ιδέες μέσω της απεικόνισης πραγματικών ανθρώπινων συναισθημάτων και εμπειριών, αντικαθιστώντας τον συμβολισμό με την απεικόνιση πραγματικού χώρου και συγκεκριμένων αντικειμένων. Στις περίφημες τοιχογραφίες του Τζιότο στο Παρεκκλήσι αρένα στην Πάντοβαμπορείτε να δείτε αρκετά ασυνήθιστους χαρακτήρες δίπλα στους αγίους: βοσκούς ή έναν κλώστη. Κάθε άτομο στο Giotto εκφράζει αρκετά συγκεκριμένες εμπειρίες, έναν συγκεκριμένο χαρακτήρα.

Στην εποχή της πρώιμης Αναγέννησης στην τέχνη, λαμβάνει χώρα η ανάπτυξη της αρχαίας καλλιτεχνικής κληρονομιάς, διαμορφώνονται νέα ηθικά ιδανικά, οι καλλιτέχνες στρέφονται στα επιτεύγματα της επιστήμης (μαθηματικά, γεωμετρία, οπτική, ανατομία). Πρωταγωνιστικό ρόλο στη διαμόρφωση των ιδεολογικών και υφολογικών αρχών της τέχνης της πρώιμης Αναγέννησης διαδραματίζει ο Φλωρεντία. Στις εικόνες που δημιουργήθηκαν από δασκάλους όπως ο Donatello, ο Verrocchio, το έφιππο άγαλμα του condottiere Gattamelata David του Donatello κυριαρχεί στις ηρωικές και πατριωτικές αρχές ("St. George" και "David" του Donatello και "David" του Verrocchio).

Ο Masaccio ήταν ο ιδρυτής της αναγεννησιακής ζωγραφικής.(τοιχογραφίες στο παρεκκλήσι Brancacci, "Trinity"), ο Masaccio ήταν σε θέση να μεταφέρει το βάθος του χώρου, συνέδεσε τη φιγούρα και το τοπίο με μια ενιαία συνθετική ιδέα και έδωσε στα άτομα εκφραστικότητα πορτρέτου.

Αλλά ο σχηματισμός και η εξέλιξη του εικονογραφικού πορτρέτου, που αντανακλούσε το ενδιαφέρον του πολιτισμού της Αναγέννησης για τον άνθρωπο, συνδέονται με τα ονόματα των καλλιτεχνών της σχολής Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Το έργο του καλλιτέχνη ξεχωρίζει στην πρώιμη Αναγέννηση Σάντρο Μποτιτσέλι.Οι εικόνες που δημιούργησε είναι πνευματικοποιημένες και ποιητικές. Οι ερευνητές σημειώνουν την αφαίρεση και τον εκλεπτυσμένο διανοουμενισμό στα έργα του καλλιτέχνη, την επιθυμία του να δημιουργεί μυθολογικές συνθέσεις με περίπλοκο και κρυπτογραφημένο περιεχόμενο ("Άνοιξη", "Η Γέννηση της Αφροδίτης"). Ένας από τους βιογράφους του Μποτιτσέλι είπε ότι οι Μαντόνες και οι Αφροδίτες του δίνουν την εντύπωση απώλεια, προκαλώντας μας ένα αίσθημα ανεξίτηλης θλίψης... Άλλοι έχασαν τον ουρανό, άλλοι - τη γη.

"Άνοιξη" "Γέννηση της Αφροδίτης"

Το αποκορύφωμα στην ανάπτυξη των ιδεολογικών και καλλιτεχνικών αρχών της ιταλικής Αναγέννησης είναι Υψηλή Αναγέννηση. Ο ιδρυτής της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης είναι ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, ένας σπουδαίος καλλιτέχνης και επιστήμονας.

Αυτός δημιούργησε ολόκληρη γραμμήΑριστουργήματα: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Αυστηρά μιλώντας, το ίδιο το πρόσωπο της Gioconda διακρίνεται από εγκράτεια και ηρεμία, το χαμόγελο που δημιούργησε την παγκόσμια φήμη της και που αργότερα έγινε αναπόσπαστο μέρος των έργων της σχολής Leonardo είναι ελάχιστα αντιληπτό σε αυτό. Αλλά μέσα στην απαλά λιώσιμη ομίχλη που τυλίγει το πρόσωπο και τη φιγούρα, ο Λεονάρντο κατάφερε να κάνει να νιώσει την απεριόριστη μεταβλητότητα των ανθρώπινων εκφράσεων του προσώπου. Αν και τα μάτια της Τζοκόντα κοιτάζουν προσεκτικά και ήρεμα τον θεατή, λόγω της σκίασης των κόγχων των ματιών της, μπορεί κανείς να σκεφτεί ότι είναι ελαφρώς συνοφρυωμένα. τα χείλη της είναι συμπιεσμένα, αλλά οι ελάχιστα αντιληπτές σκιές σκιαγραφούνται κοντά στις γωνίες τους, που σε κάνουν να πιστεύεις ότι κάθε λεπτό θα ανοίγουν, θα χαμογελούν, θα μιλάνε. Η ίδια η αντίθεση ανάμεσα στο βλέμμα της και το μισό χαμόγελο στα χείλη της δίνει μια ιδέα για την αντιφατική φύση των εμπειριών της. Δεν ήταν μάταιο που ο Λεονάρντο βασάνιζε το μοντέλο του με πολύωρες συνεδρίες. Όπως κανένας άλλος, κατάφερε να μεταφέρει σκιές, αποχρώσεις και ημίτονο σε αυτή την εικόνα, και δημιουργούν ένα αίσθημα τρεμούλας ζωής. Δεν είναι περίεργο που ο Vasari σκέφτηκε ότι στο λαιμό της Mona Lisa μπορείτε να δείτε πώς χτυπάει μια φλέβα.

Στο πορτρέτο της Τζοκόντα, ο Λεονάρντο όχι μόνο μετέφερε τέλεια το σώμα και το ατμοσφαιρικό περιβάλλον που το τυλίγει. Έβαλε επίσης σε αυτό μια κατανόηση του τι χρειάζεται το μάτι για να δημιουργήσει μια εικόνα μια αρμονική εντύπωση, γι' αυτό όλα μοιάζουν σαν να γεννιούνται φυσικά η μία από την άλλη, όπως συμβαίνει στη μουσική όταν επιλύεται μια τεταμένη ασυμφωνία. από μια αρμονική συγχορδία. Η Τζοκόντα είναι τέλεια εγγεγραμμένη σε ένα αυστηρά αναλογικό ορθογώνιο, το μισό της σχήμα σχηματίζει κάτι ολόκληρο, τα διπλωμένα χέρια δίνουν την εικόνα της πληρότητα. Τώρα, φυσικά, δεν μπορούσε να γίνει λόγος για τις περίεργες μπούκλες του πρώιμου Ευαγγελισμού της Θεοτόκου. Ωστόσο, όσο μαλακά κι αν είναι όλα τα περιγράμματα, η κυματιστή κούκλα των μαλλιών της Τζοκόντα είναι σε αρμονία με το διάφανο πέπλο και το κρεμαστό ύφασμα πεταμένο στον ώμο βρίσκει την ηχώ στις απαλές περιελίξεις του μακρινού δρόμου. Μέσα σε όλα αυτά ο Λεονάρντο δείχνει την ικανότητά του να δημιουργεί σύμφωνα με τους νόμους του ρυθμού και της αρμονίας. «Όσον αφορά την τεχνική, η Μόνα Λίζα πάντα θεωρούνταν κάτι ανεξήγητο. Τώρα νομίζω ότι μπορώ να απαντήσω σε αυτό το αίνιγμα», λέει ο Frank. Σύμφωνα με τον ίδιο, ο Λεονάρντο χρησιμοποίησε την τεχνική που ανέπτυξε «sfumato» (ιταλικά «sfumato», κυριολεκτικά - «εξαφανίστηκε σαν καπνός»). Το κόλπο είναι ότι τα αντικείμενα στους πίνακες δεν πρέπει να έχουν ξεκάθαρα όρια, τα πάντα πρέπει να μεταβαίνουν ομαλά από το ένα στο άλλο, τα περιγράμματα των αντικειμένων μαλακώνουν με τη βοήθεια της ομίχλης του φωτός-αέρα που τα περιβάλλει. Η κύρια δυσκολία αυτής της τεχνικής έγκειται στις μικρότερες πινελιές (περίπου ένα τέταρτο του χιλιοστού) που δεν είναι προσβάσιμες για αναγνώριση ούτε στο μικροσκόπιο ούτε με τη χρήση ακτίνων Χ. Έτσι, χρειάστηκαν αρκετές εκατοντάδες συνεδρίες για να ζωγραφιστεί ένας πίνακας του Ντα Βίντσι. Η εικόνα της Μόνα Λίζα αποτελείται από περίπου 30 στρώσεις υγρής, σχεδόν διάφανης λαδομπογιά. Για τέτοιου είδους κοσμήματα, ο καλλιτέχνης προφανώς έπρεπε να χρησιμοποιήσει μεγεθυντικό φακό. Ίσως η χρήση μιας τέτοιας εντατικής εργασίας τεχνικής εξηγεί για πολύ καιρόδουλειά στο πορτρέτο - σχεδόν 4 χρόνια.

, "Το τελευταίο δείπνο"κάνει μια μόνιμη εντύπωση. Στον τοίχο, σαν να τον ξεπερνάει και να πηγαίνει τον θεατή στον κόσμο της αρμονίας και των μεγαλοπρεπών οραμάτων, ξετυλίγεται το αρχαίο ευαγγελικό δράμα της εξαπατημένης εμπιστοσύνης. Και αυτό το δράμα βρίσκει την επίλυσή του σε μια γενική παρόρμηση που στρέφεται προς τον κεντρικό ήρωα - έναν σύζυγο με πένθιμο πρόσωπο, που δέχεται αυτό που συμβαίνει ως αναπόφευκτο. Ο Χριστός μόλις είχε πει στους μαθητές του: «Ένας από εσάς θα με προδώσει». Ο προδότης κάθεται με τους άλλους. οι παλιοί δάσκαλοι απεικόνιζαν τον Ιούδα καθισμένο χωριστά, αλλά ο Λεονάρντο έδειξε τη ζοφερή του απομόνωση πολύ πιο πειστικά, καλύπτοντας τα χαρακτηριστικά του με μια σκιά. Ο Χριστός είναι υποταγμένος στη μοίρα του, γεμάτος συναίσθηση της θυσίας του άθλου του. Το γερμένο κεφάλι του με χαμηλωμένα μάτια, η χειρονομία των χεριών του είναι απείρως όμορφες και μεγαλειώδεις. Ένα γοητευτικό τοπίο ανοίγεται από το παράθυρο πίσω από τη φιγούρα του. Ο Χριστός είναι το κέντρο όλης της σύνθεσης, όλης εκείνης της δίνης των παθών που μαίνονται τριγύρω. Η θλίψη και η ηρεμία του είναι, σαν να λέγαμε, αιώνια, φυσική - και αυτό είναι το βαθύ νόημα του δράματος που παρουσιάζεται. Αναζητούσε τις πηγές των τέλειων μορφών τέχνης στη φύση, αλλά ο Ν. Μπερντιάεφ τον θεωρεί υπεύθυνο για την επερχόμενη διαδικασία της εκμηχάνισης και της εκμηχάνισης της ανθρώπινης ζωής, που έβγαλαν έναν άνθρωπο από τη φύση.

Η ζωγραφική επιτυγχάνει την κλασική αρμονία στη δημιουργικότητα Ραφαήλ.Η τέχνη του εξελίσσεται από τις πρώιμες ψυχρές εικόνες της Ούμπριας των Madonnas (Madonna Conestabile) στον κόσμο του «ευτυχισμένου χριστιανισμού» των φλωρεντινών και ρωμαϊκών έργων. Το «Madonna with a Goldfinch» και το «Madonna in an Chair» είναι απαλά, ανθρώπινα και ακόμη και συνηθισμένα στην ανθρωπιά τους.

Όμως η εικόνα της «Σιξτίνας Μαντόνα» είναι μεγαλειώδης, συνδέοντας συμβολικά τον ουράνιο και τον επίγειο κόσμο. Πάνω απ 'όλα, ο Raphael είναι γνωστός ως ο δημιουργός ευγενικών εικόνων των Madonnas. Αλλά στη ζωγραφική, ενσάρκωσε τόσο το ιδανικό του παγκόσμιου ανθρώπου της Αναγέννησης (πορτρέτο του Καστιλιόνε) όσο και το δράμα των ιστορικών γεγονότων. Η Σιξτίνα Μαντόνα (περίπου 1513, Δρέσδη, Πινακοθήκη Τέχνης) είναι ένα από τα πιο εμπνευσμένα έργα του καλλιτέχνη. Γράφτηκε ως βωμός για την εκκλησία της μονής του Αγ. Sixtus in Piacenza, αυτός ο πίνακας, ως προς το σχέδιο, τη σύνθεση και την ερμηνεία της εικόνας, διαφέρει σημαντικά από τις Madonnas της περιόδου της Φλωρεντίας. Αντί για μια οικεία και γήινη εικόνα μιας όμορφης νεαρής κοπέλας που ακολουθεί συγκαταβατικά τις διασκεδάσεις δύο μωρών, εδώ έχουμε ένα υπέροχο όραμα που εμφανίστηκε ξαφνικά στον ουρανό εξαιτίας μιας κουρτίνας που τράβηξε κάποιος πίσω. Περιτριγυρισμένη από μια χρυσή λάμψη, πανηγυρική και μεγαλειώδης, η Μαρία περπατά μέσα από τα σύννεφα, κρατώντας μπροστά της το Χριστόπαιδο. Αριστερά και δεξιά γονατίζουν μπροστά στον Αγ. Σίξτου και Αγ. Βαρβάρα. Η συμμετρική, αυστηρά ισορροπημένη σύνθεση, η καθαρότητα της σιλουέτας και η μνημειώδης γενίκευση των μορφών προσδίδουν στη Sistine Madonna ένα ιδιαίτερο μεγαλείο.

Σε αυτή την εικόνα, ο Ραφαήλ, ίσως σε μεγαλύτερο βαθμό από οπουδήποτε αλλού, κατάφερε να συνδυάσει τη ζωντανή αλήθεια της εικόνας με τα χαρακτηριστικά της ιδανικής τελειότητας. Η εικόνα της Παναγίας είναι περίπλοκη. Η συγκινητική αγνότητα και η αφέλεια μιας πολύ νέας γυναίκας συνδυάζονται μέσα του με σταθερή αποφασιστικότητα και ηρωική ετοιμότητα για θυσία. Αυτός ο ηρωισμός κάνει την εικόνα της Παναγίας να σχετίζεται με τις καλύτερες παραδόσεις του ιταλικού ουμανισμού. Ο συνδυασμός του ιδανικού και του πραγματικού σε αυτή την εικόνα φέρνει στο νου τα γνωστά λόγια του Ραφαέλ από μια επιστολή προς τον φίλο του B. Castiglione. «Και θα σου πω», έγραψε ο Ραφαήλ, «ότι για να γράψω μια ομορφιά, πρέπει να δω πολλές ομορφιές ... αλλά λόγω της έλλειψης ... στις όμορφες γυναίκες, χρησιμοποιώ κάποια ιδέα που μου έρχεται στο μυαλό . Το αν έχει κάποια τελειότητα, δεν ξέρω, αλλά προσπαθώ πολύ σκληρά για να το πετύχω. Αυτά τα λόγια ρίχνουν φως στη δημιουργική μέθοδο του καλλιτέχνη. Προχωρώντας από την πραγματικότητα και στηριζόμενος σε αυτήν, ταυτόχρονα προσπαθεί να υψώσει την εικόνα πάνω από κάθε τι τυχαίο και παροδικό.

Μιχαήλ Άγγελος(1475-1564) - αναμφίβολα ένας από τους πιο εμπνευσμένους καλλιτέχνες στην ιστορία της τέχνης και, μαζί με τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, την πιο ισχυρή μορφή της ιταλικής υψηλής αναγέννησης. Ως γλύπτης, αρχιτέκτονας, ζωγράφος και ποιητής, ο Μιχαήλ Άγγελος άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στη μεταγενέστερη δυτική τέχνη γενικότερα.

Θεωρούσε τον εαυτό του Φλωρεντινό - αν και γεννήθηκε στις 6 Μαρτίου 1475 στο μικρό χωριό Caprese κοντά στην πόλη Arezzo. Ο Μιχαήλ Άγγελος αγάπησε βαθιά την πόλη του, την τέχνη, τον πολιτισμό της και μετέφερε αυτή την αγάπη μέχρι το τέλος των ημερών του. Πέρασε τα περισσότερα από τα ώριμα χρόνια του στη Ρώμη, δουλεύοντας για τους πάπες. Ωστόσο, άφησε διαθήκη, σύμφωνα με την οποία το σώμα του θάφτηκε στη Φλωρεντία, σε έναν όμορφο τάφο στην εκκλησία του Santa Croce.

Ερμήνευσε ο Μιχαήλ Άγγελος μαρμάρινο γλυπτό Αποκαθήλωση(Θρήνος Χριστού) (1498-1500), που βρίσκεται ακόμα στην αρχική του θέση - στον καθεδρικό ναό του Αγίου Πέτρου. Πρόκειται για ένα από τα πιο διάσημα έργα στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης. Την πιέτα ολοκλήρωσε πιθανότατα ο Μιχαήλ Άγγελος πριν τα 25 του χρόνια. Αυτό είναι το μόνο έργο που έχει υπογράψει. Η νεαρή Μαρία απεικονίζεται με τον νεκρό Χριστό στα γόνατα, μια εικόνα δανεισμένη από τη βορειοευρωπαϊκή τέχνη. Το βλέμμα της Μαρίας δεν είναι τόσο λυπημένο όσο σοβαρό. Αυτό το ΨΗΛΟΤΕΡΟ ΣΗΜΕΙΟέργο του νεαρού Μιχαήλ Άγγελου.

Όχι λιγότερο σημαντικό έργο του νεαρού Μιχαήλ Άγγελου ήταν μια γιγάντια μαρμάρινη εικόνα (4,34 μ.). Δαβίδ(Ακαδημία, Φλωρεντία), εκτελέστηκε μεταξύ 1501 και 1504, μετά την επιστροφή στη Φλωρεντία. Ήρωας Παλαιά Διαθήκηαπεικονίζεται από τον Μιχαήλ Άγγελο με τη μορφή ενός όμορφου, μυώδους, γυμνού νεαρού άνδρα που κοιτάζει ανήσυχα στην απόσταση, σαν να αξιολογεί τον εχθρό του - τον Γολιάθ, με τον οποίο πρέπει να πολεμήσει. Η ζωηρή, τεταμένη έκφραση του προσώπου του Δαβίδ είναι χαρακτηριστική για πολλά από τα έργα του Μιχαήλ Άγγελου - αυτό είναι ένα σημάδι του ατομικού γλυπτικού του τρόπου. Το David, το πιο διάσημο γλυπτό του Μιχαήλ Άγγελου, έχει γίνει σύμβολο της Φλωρεντίας και τοποθετήθηκε αρχικά στην Piazza della Signoria μπροστά από το Palazzo Vecchio, το δημαρχείο της Φλωρεντίας. Με αυτό το άγαλμα, ο Μιχαήλ Άγγελος απέδειξε στους συγχρόνους του ότι όχι μόνο ξεπέρασε όλους τους σύγχρονους καλλιτέχνες, αλλά και τους δασκάλους της αρχαιότητας.

Ζωγραφική στο θησαυροφυλάκιο της Καπέλα ΣιξτίναΤο 1505, ο Μιχαήλ Άγγελος κλήθηκε στη Ρώμη από τον Πάπα Ιούλιο Β' για να εκπληρώσει δύο εντολές. Το πιο σημαντικό ήταν η τοιχογραφία του θόλου της Καπέλα Σιξτίνα. Δουλεύοντας ξαπλωμένος σε ψηλές σκαλωσιές ακριβώς κάτω από την οροφή, ο Μιχαήλ Άγγελος δημιούργησε τις πιο όμορφες εικονογραφήσεις για μερικές βιβλικές ιστορίες μεταξύ 1508 και 1512. Στο θησαυροφυλάκιο του παπικού παρεκκλησίου, απεικόνισε εννέα σκηνές από το Βιβλίο της Γένεσης, ξεκινώντας με τον Διαχωρισμό του Φωτός από το Σκοτάδι και περιλαμβάνουν τη Δημιουργία του Αδάμ, τη Δημιουργία της Εύας, τον Πειρασμό και την πτώση του Αδάμ και της Εύας και τον Κατακλυσμό . Γύρω από τους κύριους πίνακες εναλλάσσονται εικόνες προφητών και σιβύλλων σε μαρμάρινους θρόνους, άλλων χαρακτήρων της Παλαιάς Διαθήκης και των προγόνων του Χριστού.

Για να προετοιμαστεί για αυτό το σπουδαίο έργο, ο Μιχαήλ Άγγελος έφτιαξε έναν τεράστιο αριθμό από σκίτσα και χαρτόνια, στα οποία απεικόνιζε τις φιγούρες των καθιστών σε διάφορες πόζες. Αυτές οι βασιλικές, δυνατές εικόνες αποδεικνύουν την αριστοτεχνική κατανόηση της ανθρώπινης ανατομίας και κίνησης από τον καλλιτέχνη, που έδωσε ώθηση σε μια νέα κατεύθυνση στη δυτικοευρωπαϊκή τέχνη.

Δύο άλλα εξαιρετικά αγάλματα, Δεσμευμένος φυλακισμένος και θάνατος σκλάβου(και οι δύο περ. 1510-13) βρίσκονται στο Λούβρο του Παρισιού. Επιδεικνύουν την προσέγγιση του Μιχαήλ Άγγελου στη γλυπτική. Κατά τη γνώμη του, οι φιγούρες απλώς περικλείονται μέσα στο μαρμάρινο τετράγωνο και είναι δουλειά του καλλιτέχνη να τις απελευθερώσει αφαιρώντας την περίσσεια πέτρα. Συχνά ο Μιχαήλ Άγγελος άφηνε τα γλυπτά ημιτελή, είτε επειδή δεν χρειάζονταν πλέον είτε απλώς επειδή έχασαν το ενδιαφέρον τους για τον καλλιτέχνη.

Βιβλιοθήκη του Σαν Λορέντζο Το έργο του τάφου του Ιούλιου Β' απαιτούσε αρχιτεκτονική μελέτη, αλλά η σοβαρή δουλειά του Μιχαήλ Άγγελου στον αρχιτεκτονικό τομέα ξεκίνησε μόλις το 1519, όταν του δόθηκε εντολή να προσόψει τη Βιβλιοθήκη του Αγίου Λαυρεντίου στη Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης επέστρεψε ξανά ( αυτό το έργο δεν υλοποιήθηκε ποτέ). Στη δεκαετία του 1520 σχεδίασε επίσης την κομψή είσοδο της Βιβλιοθήκης δίπλα στην εκκλησία του San Lorenzo. Αυτές οι δομές ολοκληρώθηκαν λίγες μόνο δεκαετίες μετά τον θάνατο του συγγραφέα.

Ο Μιχαήλ Άγγελος, οπαδός της δημοκρατικής παράταξης, συμμετείχε στα έτη 1527-29 στον πόλεμο κατά των Μεδίκων. Οι αρμοδιότητές του περιελάμβαναν την κατασκευή και την ανοικοδόμηση των οχυρώσεων της Φλωρεντίας.

Παρεκκλήσια Μεδίκων.Αφού έζησε στη Φλωρεντία για μια μάλλον μακρά περίοδο, ο Μιχαήλ Άγγελος ολοκλήρωσε μεταξύ 1519 και 1534 την ανάθεση της οικογένειας των Μεδίκων για την ανέγερση δύο τάφων στο νέο σκευοφυλάκιο της εκκλησίας του San Lorenzo. Σε μια αίθουσα με ψηλό θολωτό θόλο, ο καλλιτέχνης έστησε δύο υπέροχους τάφους στους τοίχους, που προορίζονταν για τον Lorenzo De Medici, δούκα του Urbino και για τον Giuliano De Medici, δούκα του Nemours. Δύο σύνθετοι τάφοι θεωρήθηκαν ως αναπαραστάσεις αντίθετων τύπων: ο Lorenzo - ένα άτομο εγκλεισμένο στον εαυτό του, ένα στοχαστικό, αποτραβηγμένο άτομο. Ο Τζουλιάνο, αντίθετα, είναι δραστήριος, ανοιχτός. Πάνω από τον τάφο του Lorenzo, ο γλύπτης τοποθέτησε αλληγορικά γλυπτά του Πρωινού και του Βραδιού, και πάνω από τον τάφο του Giuliano - αλληγορίες της ημέρας και της νύχτας. Οι εργασίες για τους τάφους των Μεδίκων συνεχίστηκαν μετά την επιστροφή του Μιχαήλ Άγγελου στη Ρώμη το 1534. Δεν επισκέφτηκε ποτέ ξανά την αγαπημένη του πόλη.

Τελευταία κρίση

Από το 1536 έως το 1541, ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε στη Ρώμη για τη ζωγραφική του τοίχου του βωμού της Καπέλα Σιξτίνα στο Βατικανό. Η μεγαλύτερη τοιχογραφία της Αναγέννησης απεικονίζει την ημέρα της Τελευταίας Κρίσεως.Ο Χριστός, με μια πύρινη αστραπή στο χέρι, χωρίζει αναπόφευκτα όλους τους κατοίκους της γης στους σωζόμενους δίκαιους, που απεικονίζονται στην αριστερή πλευρά της σύνθεσης, και στους αμαρτωλούς που κατεβαίνουν Η κόλαση του Δάντη (αριστερή πλευρά της τοιχογραφίας). Ακολουθώντας αυστηρά τη δική του παράδοση, ο Μιχαήλ Άγγελος ζωγράφισε αρχικά όλες τις φιγούρες γυμνές, αλλά μια δεκαετία αργότερα κάποιος πουριτανός καλλιτέχνης τις «έντυσε» καθώς το πολιτιστικό κλίμα έγινε πιο συντηρητικό. Ο Μιχαήλ Άγγελος άφησε τη δική του αυτοπροσωπογραφία στην τοιχογραφία - το πρόσωπό του μαντεύεται εύκολα στο δέρμα που σκίστηκε από τον Άγιο Μάρτυρα Απόστολο Βαρθολομαίο.

Αν και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ο Μιχαήλ Άγγελος είχε και άλλες εικονογραφικές παραγγελίες, όπως η ζωγραφική του παρεκκλησίου του Αποστόλου Παύλου (1940), πρώτα από όλα προσπάθησε να αφιερώσει όλη του τη δύναμη στην αρχιτεκτονική.

Θόλος του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου.Το 1546, ο Μιχαήλ Άγγελος διορίστηκε αρχιτέκτονας του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου στο Βατικανό, ο οποίος ήταν υπό κατασκευή. Το κτίριο χτίστηκε σύμφωνα με το σχέδιο του Donato Bramante, αλλά ο Μιχαήλ Άγγελος έγινε τελικά υπεύθυνος για την κατασκευή της αψίδας του βωμού και για την ανάπτυξη της μηχανικής και καλλιτεχνικής λύσης για τον τρούλο του καθεδρικού ναού. Η ολοκλήρωση της κατασκευής του καθεδρικού ναού του Αγίου Πέτρου ήταν το υψηλότερο επίτευγμα του Φλωρεντίνου δασκάλου στον τομέα της αρχιτεκτονικής. Κατά τη μακρόχρονη ζωή του, ο Μιχαήλ Άγγελος ήταν στενός φίλος πρίγκιπες και παπών, από τον Λορέντζο των Μεδίκων έως τον Λέοντα Χ, τον Κλήμη Η' και τον Πίο Γ', καθώς και πολλών καρδιναλίων, ζωγράφων και ποιητών. Ο χαρακτήρας του καλλιτέχνη, η θέση του στη ζωή είναι δύσκολο να κατανοηθεί ξεκάθαρα μέσα από τα έργα του - είναι τόσο διαφορετικά. Εκτός ίσως από την ποίηση, στα δικά του ποιήματα, ο Μιχαήλ Άγγελος στρεφόταν πιο συχνά και βαθύτερα στα ζητήματα της δημιουργικότητας και της θέσης του στην τέχνη. Μεγάλη θέση στα ποιήματά του δίνουν τα προβλήματα και οι δυσκολίες που είχε να αντιμετωπίσει στο έργο του και οι προσωπικές σχέσεις με τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους εκείνης της εποχής.Ένας από τους πιο γνωστούς ποιητές της Αναγέννησης, ο Lodovico Ariosto έγραψε έναν επιτάφιο για Αυτό διάσημος καλλιτέχνης: «Ο Μικέλε είναι κάτι παραπάνω από θνητός, είναι ένας θεϊκός άγγελος».

ΣΕΛΙΔΑ \* ΣΥΓΧΩΝΕΥΣΗ 2

ομοσπονδιακή υπηρεσίασιδηροδρομικές μεταφορές

Κρατικό Πανεπιστήμιο Μεταφορών της Σιβηρίας

Τμήμα «Φιλοσοφίας»

ΚΑΛΛΙΤΕΧΝΙΚΕΣ ΕΙΚΟΝΕΣ ΤΗΣ ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗΣ

Εκθεση ΙΔΕΩΝ

Στον κλάδο "Πολιτισμός"

Σχεδιασμένο κεφάλι

Καθηγητής φοιτητής γρ. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(υπογραφή) (υπογραφή)

08.12.2012

(ημερομηνία επιθεώρησης) (ημερομηνία υποβολής για επιθεώρηση)

έτος 2012

Εισαγωγή

Η Αναγέννηση θεωρείται μια από τις πιο λαμπρές περιόδους στην ιστορία της ανάπτυξης του ευρωπαϊκού πολιτισμού. Μπορούμε να πούμε ότι η αναβίωση είναι μια ολόκληρη πολιτιστική εποχή στη διαδικασία της μετάβασης από τον Μεσαίωνα στη νέα εποχή, κατά την οποία σημειώθηκε μια πολιτιστική αναταραχή (σημείο καμπής, στροφή). Οι θεμελιώδεις αλλαγές συνδέονται με την εξάλειψη της μυθολογίας.

Παρά την προέλευση του όρου Αναγέννηση (fr. Renaissance, «Αναγέννηση»), δεν υπήρξε αναβίωση της αρχαιότητας και δεν θα μπορούσε να υπάρξει. Ο άνθρωπος δεν μπορεί να επιστρέψει στο παρελθόν του. Η Αναγέννηση, χρησιμοποιώντας τα μαθήματα της αρχαιότητας, εισήγαγε καινοτομίες. Δεν επανέφερε στη ζωή όλα τα αρχαία είδη, αλλά μόνο εκείνα που ήταν χαρακτηριστικά των φιλοδοξιών της εποχής και του πολιτισμού του. Η Αναγέννηση συνδύασε μια νέα ανάγνωση της αρχαιότητας με μια νέα ανάγνωση του Χριστιανισμού.

Η συνάφεια του επιλεγμένου θέματος οφείλεται στη σύνδεση μεταξύ της σύγχρονης εποχής και της Αναγέννησης - αυτή είναι μια επανάσταση, πρώτα απ 'όλα, στο σύστημα αξιών, στην αξιολόγηση όλων όσων υπάρχουν και σε σχέση με αυτό.

Ο κύριος σκοπός της εργασίας είναι να δείξει τις θεμελιώδεις αλλαγές που έχουν συμβεί στην κοσμοθεωρία των μεγαλύτερων μορφών της υπό εξέταση εποχής.

1. Πολιτισμός της Αναγέννησης

XIII-XVI Οι αιώνες ήταν μια εποχή μεγάλων αλλαγών στην οικονομία, την πολιτική και τον πολιτισμό. Η ραγδαία ανάπτυξη των πόλεων και η ανάπτυξη της βιοτεχνίας, και αργότερα η μετάβαση στη βιομηχανική παραγωγή, άλλαξαν το πρόσωπο της μεσαιωνικής Ευρώπης.

Οι πόλεις ήρθαν στο προσκήνιο. Λίγο πριν από αυτό, οι πιο ισχυρές δυνάμεις του μεσαιωνικού κόσμου -η αυτοκρατορία και ο παπισμός- βρίσκονταν σε βαθιά κρίση. ΣΕ XVI αιώνα, η παρακμάζουσα Αγία Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία του γερμανικού έθνους έγινε το σκηνικό των δύο πρώτων αντιφεουδαρχικών επαναστάσεων - του Μεγάλου Αγροτικού Πολέμου στη Γερμανία και της Ολλανδικής Εξέγερσης.

Η μεταβατική φύση της εποχής, η διαδικασία απελευθέρωσης από τα μεσαιωνικά μονοπάτια που λαμβάνει χώρα σε όλους τους τομείς της ζωής, την ίδια στιγμή, η ακόμη υπανάπτυξη των αναδυόμενων καπιταλιστικών σχέσεων δεν θα μπορούσε παρά να επηρεάσει τα χαρακτηριστικά της καλλιτεχνικής κουλτούρας και της αισθητικής σκέψης εκείνης της εποχής .

Σύμφωνα με τον A. V. Stepanov, όλες οι αλλαγές στη ζωή της κοινωνίας συνοδεύτηκαν από μια ευρεία ανανέωση του πολιτισμού - την άνθηση των φυσικών και ακριβών επιστημών, τη λογοτεχνία στις εθνικές γλώσσες και τις καλές τέχνες. Με καταγωγή από τις πόλεις της Ιταλίας, αυτή η ανανέωση κατέλαβε στη συνέχεια άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Ο συγγραφέας πιστεύει ότι μετά την εμφάνιση της τυπογραφίας, άνοιξαν άνευ προηγουμένου ευκαιρίες για τη διάδοση λογοτεχνικών και επιστημονικών έργων και η πιο τακτική και στενή επικοινωνία μεταξύ των χωρών συνέβαλε στη διείσδυση νέων καλλιτεχνικών τάσεων.

Αυτό δεν σήμαινε ότι ο Μεσαίωνας υποχώρησε πριν από τις νέες τάσεις: οι παραδοσιακές ιδέες διατηρήθηκαν στη μαζική συνείδηση. Η εκκλησία αντιστάθηκε στις νέες ιδέες, χρησιμοποιώντας ένα μεσαιωνικό μέσο - την Ιερά Εξέταση. Η ιδέα της ελευθερίας του ανθρώπου συνέχισε να υπάρχει σε μια κοινωνία χωρισμένη σε τάξεις. Η φεουδαρχική μορφή εξάρτησης των αγροτών δεν εξαφανίστηκε τελείως, και σε ορισμένες χώρες (Γερμανία, Κεντρική Ευρώπη) υπήρξε επιστροφή στη δουλοπαροικία. Το φεουδαρχικό σύστημα έδειξε αρκετά μεγάλη ζωτικότητα. Καθε ευρωπαϊκή χώρατο έζησε με τον δικό του τρόπο και μέσα στο δικό του χρονολογικό πλαίσιο. Ο καπιταλισμός υπήρχε για πολύ καιρό ως τρόπος ζωής, καλύπτοντας μόνο ένα μέρος της παραγωγής τόσο στην πόλη όσο και στην ύπαιθρο. Ωστόσο, η πατριαρχική μεσαιωνική βραδύτητα άρχισε να υποχωρεί στο παρελθόν.

Οι μεγάλες γεωγραφικές ανακαλύψεις έπαιξαν τεράστιο ρόλο σε αυτή την ανακάλυψη. Για παράδειγμα, το 1492. Ο H. Columbus, αναζητώντας έναν τρόπο για την Ινδία, διέσχισε τον Ατλαντικό Ωκεανό και προσγειώθηκε κοντά στις Μπαχάμες, ανακαλύπτοντας μια νέα ήπειρο - την Αμερική. Το 1498 Ο Ισπανός ταξιδιώτης Βάσκο ντα Γκάμα, έχοντας στρογγυλοποιήσει την Αφρική, έφερε με επιτυχία τα πλοία του στις ακτές της Ινδίας. ΜΕ XVI V. Οι Ευρωπαίοι διεισδύουν στην Κίνα και την Ιαπωνία, για τις οποίες προηγουμένως είχαν μόνο την πιο ασαφή ιδέα. Από το 1510 αρχίζει η κατάκτηση της Αμερικής. ΣΕ XVII V. Ανακαλύφθηκε η Αυστραλία. Η ιδέα του σχήματος της γης έχει αλλάξει: το ταξίδι γύρω από τον κόσμο του F. Magellan επιβεβαίωσε την εικασία ότι έχει το σχήμα μπάλας.

Η περιφρόνηση για οτιδήποτε γήινο αντικαθίσταται πλέον από ένα μανιώδη ενδιαφέρον για τον πραγματικό κόσμο, για τον άνθρωπο, για τη συνείδηση ​​της ομορφιάς και του μεγαλείου της φύσης, κάτι που θα μπορούσε να αποδειχθεί αναλύοντας τα πολιτιστικά μνημεία της Αναγέννησης. Η υπεροχή της θεολογίας έναντι της επιστήμης, αδιαμφισβήτητη στον Μεσαίωνα, κλονίζεται από την πίστη στις απεριόριστες δυνατότητες του ανθρώπινου νου, που γίνεται το ύψιστο μέτρο της αλήθειας. Δίνοντας έμφαση στο ενδιαφέρον για το ανθρώπινο σε αντίθεση με το θείο, οι εκπρόσωποι της νέας κοσμικής διανόησης αυτοαποκαλούνταν ανθρωπιστές, αντλώντας αυτή τη λέξη από την έννοια " studia humanitanis », εννοώντας τη μελέτη όλων όσων συνδέονται με την ανθρώπινη φύση και τον πνευματικό του κόσμο.

Για τα έργα και την τέχνη της Αναγέννησης, η ιδέα ενός ελεύθερου όντος με απεριόριστες δημιουργικές δυνατότητες έγινε χαρακτηριστική. Συνδέεται με τον ανθρωποκεντρισμό στην αισθητική της Αναγέννησης και την κατανόηση του ωραίου, του υψηλού, του ηρωικού. Η αρχή μιας όμορφης καλλιτεχνικής και δημιουργικής ανθρώπινης προσωπικότητας συνδυάστηκε από τους θεωρητικούς της Αναγέννησης με μια προσπάθεια να υπολογίσουν μαθηματικά κάθε είδους αναλογίες, συμμετρίες και προοπτικές.

Η αισθητική και καλλιτεχνική σκέψη αυτής της εποχής βασίζεται για πρώτη φορά σε ανθρώπινη αντίληψηως τέτοιο και σε μια αισθησιακά πραγματική εικόνα του κόσμου. Εδώ, η υποκειμενιστική-ατομικιστική δίψα για αισθήσεις ζωής είναι επίσης εντυπωσιακή, ανεξάρτητα από τη θρησκευτική και ηθική ερμηνεία τους, αν και η τελευταία, κατ' αρχήν, δεν αμφισβητείται. Η αισθητική της Αναγέννησης επικεντρώνει την τέχνη στη μίμηση της φύσης. Ωστόσο, στην πρώτη θέση εδώ δεν είναι τόσο η φύση όσο ο καλλιτέχνης, ο οποίος στη δημιουργική του δραστηριότητα παρομοιάζεται με τον Θεό.

Ο Ε. Τσάμπερλιν θεωρεί την ευχαρίστηση ως μια από τις σημαντικότερες αρχές για την αντίληψη των έργων τέχνης, γιατί αυτό υποδηλώνει μια σημαντική δημοκρατική τάση σε αντίθεση με τη σχολαστική «μάθηση» προηγούμενων αισθητικών θεωριών.

Η αισθητική σκέψη της Αναγέννησης περιέχει όχι μόνο την ιδέα της απολυτοποίησης του ανθρώπινου ατόμου σε αντίθεση με τη θεϊκή προσωπικότητα του Μεσαίωνα, αλλά και μια ορισμένη επίγνωση των περιορισμών αυτού του ατομικισμού, βασισμένη στην απόλυτη αυτοεπιβεβαίωση του το άτομο. Εξ ου και τα κίνητρα της τραγωδίας, που βρίσκονται στα έργα του W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo και άλλων. Αυτή είναι η αντιφατική φύση ενός πολιτισμού που έχει απομακρυνθεί από τα αρχαία μεσαιωνικά απόλυτα, αλλά λόγω ιστορικών συνθηκών δεν έχει βρει ακόμη νέα. αξιόπιστα θεμέλια.

Η σύνδεση τέχνης και επιστήμης είναι ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του πολιτισμού. Οι καλλιτέχνες αναζήτησαν υποστήριξη στις επιστήμες, τονώνοντας συχνά την ανάπτυξή τους. Η Αναγέννηση σηματοδοτείται από την ανάδειξη καλλιτεχνών-επιστημόνων, μεταξύ των οποίων η πρώτη θέση ανήκει στον Λεονάρντο ντα Βίντσι.

Έτσι, ένα από τα καθήκοντα της Αναγέννησης είναι η κατανόηση από τον άνθρωπο ενός κόσμου γεμάτου θεϊκή ομορφιά. Ο κόσμος ελκύει έναν άνθρωπο επειδή είναι πνευματικοποιημένος από τον Θεό. Αλλά στην Αναγέννηση, υπήρχε μια άλλη τάση που αισθάνεται ένα άτομο για την τραγωδία της ύπαρξής του.

2. Η εικόνα του κόσμου και του ανθρώπου στα έργα μεγάλων δασκάλωναναγέννηση

Ο όρος «Renaissance» (μετάφραση του γαλλικού όρου «Renaissance») υποδηλώνει τη σύνδεση του νέου πολιτισμού με την αρχαιότητα. Ως αποτέλεσμα της γνωριμίας με την Ανατολή, ιδιαίτερα με το Βυζάντιο, κατά την εποχή των Σταυροφοριών, οι Ευρωπαίοι γνώρισαν αρχαία ουμανιστικά χειρόγραφα, διάφορα μνημεία αρχαίας τέχνης και αρχιτεκτονικής. Όλες αυτές οι αρχαιότητες άρχισαν να μεταφέρονται εν μέρει στην Ιταλία, όπου συλλέχθηκαν και μελετήθηκαν. Αλλά ακόμη και στην ίδια την Ιταλία υπήρχαν πολλά αρχαία ρωμαϊκά μνημεία, τα οποία άρχισαν επίσης να μελετώνται προσεκτικά από εκπροσώπους της ιταλικής αστικής διανόησης. Στην ιταλική κοινωνία, προέκυψε ένα βαθύ ενδιαφέρον για τις κλασικές αρχαίες γλώσσες, αρχαία φιλοσοφία, ιστορία και λογοτεχνία. Ιδιαίτερα σημαντικό ρόλο σε αυτό το κίνημα έπαιξε η πόλη της Φλωρεντίας. Από τη Φλωρεντία ήρθε μια σειρά εξέχουσες μορφέςνέο πολιτισμό.

Χρησιμοποιώντας την αρχαία ιδεολογία, που δημιουργήθηκε κάποτε με τις πιο ζωντανές, με την οικονομική έννοια, πόλεις της αρχαιότητας, η νέα αστική τάξη την ξαναδούλεψε με τον δικό της τρόπο, διατυπώνοντας τη νέα της κοσμοθεωρία, εντελώς αντίθετη από την κοσμοθεωρία της φεουδαρχίας που επικρατούσε πριν. Το δεύτερο όνομα του νέου ιταλική κουλτούρα- Ο ανθρωπισμός απλώς το αποδεικνύει.

Η ανθρωπιστική κουλτούρα έθεσε στο επίκεντρο της προσοχής της τον ίδιο τον άνθρωπο (humanus - human) και όχι τον θεϊκό, απόκοσμο, όπως συνέβαινε στη μεσαιωνική ιδεολογία. Ο ασκητισμός δεν είχε πλέον θέση στην ανθρωπιστική κοσμοθεωρία. Το ανθρώπινο σώμα, τα πάθη και οι ανάγκες του δεν θεωρούνταν κάτι «αμαρτωλό» που έπρεπε να καταπιεστεί ή να βασανιστεί, αλλά ως αυτοσκοπός, ως το πιο σημαντικό πράγμα στη ζωή. Η γήινη ύπαρξη αναγνωρίστηκε ως η μόνη πραγματική. Η γνώση της φύσης και του ανθρώπου ανακηρύχθηκε η ουσία της επιστήμης. Σε αντίθεση με τα απαισιόδοξα κίνητρα που κυριαρχούσαν στην κοσμοθεωρία των μεσαιωνικών σχολαστικών και μυστικιστών, τα αισιόδοξα κίνητρα κυριαρχούσαν στην κοσμοθεωρία και τη διάθεση των ανθρώπων της Αναγέννησης. τους χαρακτήριζε η πίστη στον άνθρωπο, στο μέλλον της ανθρωπότητας, στον θρίαμβο της ανθρώπινης λογικής και του διαφωτισμού. Ένας γαλαξίας εξαιρετικών ποιητών και συγγραφέων, επιστημόνων και μορφών διάφορα είδηη τέχνη συμμετείχε σε αυτό το μεγάλο νέο πνευματικό κίνημα. Τη δόξα της Ιταλίας έφεραν τόσο υπέροχοι καλλιτέχνες: ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο Τζορτζιόνε, ο Μιχαήλ Άγγελος, ο Ραφαήλ, ο Τιτσιάν.

Το αναμφισβήτητο επίτευγμα της Αναγέννησης ήταν η γεωμετρικά σωστή κατασκευή της εικόνας. Ο καλλιτέχνης έφτιαξε την εικόνα χρησιμοποιώντας τις τεχνικές που ανέπτυξε. Το κύριο πράγμα για τους ζωγράφους εκείνης της εποχής ήταν να παρατηρούν τις αναλογίες των αντικειμένων. Ακόμα και η φύση έπεσε κάτω από μαθηματικά κόλπα.

Με άλλα λόγια, οι καλλιτέχνες στην Αναγέννηση προσπάθησαν να μεταφέρουν μια ακριβή εικόνα, για παράδειγμα, ενός ατόμου με φόντο τη φύση. Εάν συγκριθεί με τις σύγχρονες μεθόδους αναδημιουργίας μιας εικόνας σε κάποιο είδος καμβά, τότε, πιθανότατα, μια φωτογραφία με επακόλουθη προσαρμογή θα βοηθήσει να κατανοήσουμε τι προσπαθούσαν οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης.

Οι ζωγράφοι της Αναγέννησης πίστευαν ότι είχαν το δικαίωμα να διορθώσουν τα ελαττώματα της φύσης, δηλαδή, εάν ένα άτομο είχε άσχημα χαρακτηριστικά του προσώπου, οι καλλιτέχνες τα διόρθωσαν με τέτοιο τρόπο ώστε το πρόσωπο να γίνει γλυκό και ελκυστικό.

Απεικονίζοντας βιβλικές σκηνές, οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης προσπάθησαν να καταστήσουν σαφές ότι οι γήινες εκδηλώσεις ενός ατόμου μπορούν να απεικονιστούν πιο καθαρά εάν χρησιμοποιούν ιστορίες της Βίβλου. Μπορείτε να καταλάβετε τι είναι η πτώση, ο πειρασμός, η κόλαση ή ο παράδεισος, αν αρχίσετε να εξοικειωθείτε με τη δουλειά των καλλιτεχνών εκείνης της εποχής. Η ίδια εικόνα της Madonna μας μεταφέρει την ομορφιά μιας γυναίκας και επίσης φέρει κατανόηση της γήινης ανθρώπινης αγάπης.

Έτσι, στην τέχνη της Αναγέννησης συμπλέκονταν στενά οι δρόμοι της επιστημονικής και καλλιτεχνικής κατανόησης του κόσμου και του ανθρώπου. Το γνωστικό του νόημα ήταν άρρηκτα συνδεδεμένο με την υπέροχη ποιητική ομορφιά· στην προσπάθειά του για φυσικότητα, δεν κατέβηκε στη πεζή καθημερινότητα. Η τέχνη έχει γίνει μια παγκόσμια πνευματική ανάγκη.

συμπέρασμα

Έτσι, η Αναγέννηση, ή η Αναγέννηση, είναι μια εποχή στη ζωή της ανθρωπότητας, που χαρακτηρίζεται από μια κολοσσιαία άνοδο στην τέχνη και την επιστήμη. Η Αναγέννηση ανακήρυξε τον άνθρωπο την υψηλότερη αξία της ζωής.

Στην τέχνη, το κύριο θέμα ήταν ένα άτομο με απεριόριστες πνευματικές και δημιουργικές δυνατότητες.Η τέχνη της Αναγέννησης έθεσε τα θεμέλια του ευρωπαϊκού πολιτισμού της Νέας Εποχής, άλλαξε ριζικά όλα τα κύρια είδη τέχνης.

Στην αρχιτεκτονική, έχουν αναπτυχθεί νέοι τύποι δημόσιων κτιρίων.Η ζωγραφική εμπλουτίστηκε με γραμμική και εναέρια προοπτική, γνώση της ανατομίας και των αναλογιών του ανθρώπινου σώματος.Το γήινο περιεχόμενο διείσδυσε στα παραδοσιακά θρησκευτικά θέματα των έργων τέχνης. Αυξημένο ενδιαφέρον για την αρχαία μυθολογία, την ιστορία, τις καθημερινές σκηνές, τα τοπία, τα πορτρέτα. Υπήρχε μια εικόνα, υπήρχε μια ζωγραφιά λαδομπογιές. Η δημιουργική ατομικότητα του καλλιτέχνη πήρε την πρώτη θέση στην τέχνη.

Στην τέχνη της Αναγέννησης τα μονοπάτια της επιστημονικής και καλλιτεχνικής κατανόησης του κόσμου και του ανθρώπου ήταν στενά συνυφασμένα.Η τέχνη έχει γίνει μια παγκόσμια πνευματική ανάγκη.

Αναμφίβολα, η Αναγέννηση είναι μια από τις πιο όμορφες εποχές στην ιστορία της ανθρωπότητας.

ΒΙΒΛΙΟΓΡΑΦΙΑ

1. Kustodieva T.K. ΙΤΑΛΙΚΗ ΤΕΧΝΗ ΤΗΣ ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗΣ ΤΩΝ XIII-XVI ΑΙΩΝΩΝ (ΔΟΚΙΜΙΟ-ΟΔΗΓΟΣ) / Т.К. KUSTODIEVA, ART, 1985. 318 Σ.
2. ΕΙΚΟΝΕΣ ΑΓΑΠΗΣ ΚΑΙ ΟΜΟΡΦΙΑΣ ΣΤΟΝ ΠΟΛΙΤΙΣΜΟ ΤΗΣ ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗΣ / L.M. ΜΠΡΑΓΙΝΑ, Μ., 2008. 309 Π.
3. Stepanov A.V. ΤΕΧΝΗ ΤΗΣ ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗΣ. ΙΤΑΛΙΑ XIV-XV ΑΙΩΝΕΣ / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610 Σ.
4. Stepanov A.V. ΤΕΧΝΗ ΤΗΣ ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗΣ. ΟΛΛΑΝΔΙΑ, ΓΕΡΜΑΝΙΑ, ΓΑΛΛΙΑ, ΙΣΠΑΝΙΑ, ΑΓΓΛΙΑ / A.V. STEPANOV, AZBUKA-CLASSICS, 2009. 640 Σ.
5. CAMBERLIN E. Η ΕΠΟΧΗ ΤΗΣ ΑΝΑΓΕΝΝΗΣΗΣ. ΖΩΗ, ΘΡΗΣΚΕΙΑ, ΠΟΛΙΤΙΣΜΟΣ / E. CAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 Σελ.

Η ιταλική αρχιτεκτονική της Πρώιμης Αναγέννησης (Quattrocento) άνοιξε μια νέα περίοδο στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής αρχιτεκτονικής, εγκαταλείποντας την κυρίαρχη στην Ευρώπη γοτθική τέχνηκαι με την έγκριση νέων αρχών που βασίστηκαν στο σύστημα παραγγελιών.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η αρχαία φιλοσοφία, η τέχνη και η λογοτεχνία μελετήθηκαν σκόπιμα και συνειδητά. Έτσι, η αρχαιότητα επιστρώθηκε στις ισχυρές αιωνόβιες παραδόσεις του Μεσαίωνα, ιδιαίτερα στη χριστιανική τέχνη, εξαιτίας της οποίας η ιδιαίτερα πολύπλοκη φύση του πολιτισμού της Αναγέννησης βασίζεται στη μεταμόρφωση και τη συνένωση παγανιστικών και χριστιανικών θεμάτων.

Το Quattrocento είναι η εποχή των πειραματικών αναζητήσεων, όταν όχι η διαίσθηση, όπως στην εποχή της Πρωτο-Αναγέννησης, αλλά η ακριβής επιστημονική γνώση ήρθε στο προσκήνιο. Τώρα η τέχνη έπαιζε το ρόλο της καθολικής γνώσης του γύρω κόσμου, για την οποία γράφτηκαν πολλές επιστημονικές πραγματείες του 15ου αιώνα.

Ο πρώτος θεωρητικός της αρχιτεκτονικής και της ζωγραφικής ήταν ο Leon Batista Alberti, ο οποίος ανέπτυξε τη θεωρία γραμμική προοπτική, βασισμένο σε μια αληθινή εικόνα στην εικόνα του βάθους του διαστήματος. Αυτή η θεωρία αποτέλεσε τη βάση νέων αρχών αρχιτεκτονικής και πολεοδομικού σχεδιασμού με στόχο τη δημιουργία μιας ιδανικής πόλης.

Οι δάσκαλοι της Αναγέννησης άρχισαν να στρέφονται ξανά στο όνειρο του Πλάτωνα για μια ιδανική πόλη και μια ιδανική πολιτεία και ενσάρκωσαν εκείνες τις ιδέες που ήταν ήδη οι κύριες στον αρχαίο πολιτισμό και τη φιλοσοφία - τις ιδέες της αρμονίας μεταξύ ανθρώπου και φύσης, τις ιδέες του ανθρωπισμού. Έτσι, η νέα εικόνα της ιδανικής πόλης ήταν αρχικά μια συγκεκριμένη φόρμουλα, μια ιδέα, μια τολμηρή διεκδίκηση για το μέλλον.

Η θεωρία και η πράξη του αναγεννησιακού πολεοδομικού σχεδιασμού αναπτύχθηκαν παράλληλα μεταξύ τους. Ξαναχτίστηκαν παλιά κτίρια, χτίστηκαν νέα, ενώ παράλληλα γράφτηκαν πραγματείες για την αρχιτεκτονική, την οχύρωση και την ανάπλαση των πόλεων. Οι συγγραφείς των πραγματειών (Alberti και Palladio) ήταν πολύ μπροστά από τις ανάγκες της πρακτικής κατασκευής, χωρίς να περιγράφουν τελειωμένα έργα, αλλά παρουσιάζοντας μια γραφικά απεικονισμένη ιδέα, την ιδέα μιας ιδανικής πόλης. Έδωσαν επίσης σκεπτικό για το πώς πρέπει να τοποθετηθεί η πόλη σε επίπεδο άμυνας, οικονομίας, αισθητικής και υγιεινής.

Ο Alberti ήταν στην πραγματικότητα ο πρώτος που διακήρυξε τις βασικές αρχές του ιδανικού αστικού συνόλου της Αναγέννησης, που αναπτύχθηκε συνθέτοντας την αρχαία αίσθηση του μέτρου και την ορθολογιστική προσέγγιση της νέας εποχής. Έτσι, οι αισθητικές αρχές των πολεοδόμων της Αναγέννησης ήταν:

• συνοχή των αρχιτεκτονικών κλιμάκων των κύριων και δευτερευόντων κτιρίων·
• η αναλογία του ύψους του κτιρίου και του χώρου που βρίσκεται μπροστά του (από 1:3 έως 1:6).
• έλλειψη παράφωνων αντιθέσεων.
• ισορροπία σύνθεσης.

Η ιδανική πόλη ήταν πολύ συναρπαστική για πολλούς από τους μεγάλους δασκάλους της Αναγέννησης. Το σκέφτηκε και ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, του οποίου η ιδέα ήταν να δημιουργήσει μια πόλη δύο επιπέδων, όπου οι εμπορευματικές μεταφορές κινούνταν κατά μήκος του κατώτερου επιπέδου και οι επίγειοι και οι πεζόδρομοι βρίσκονταν στο ανώτερο επίπεδο. Τα σχέδια του Ντα Βίντσι συνδέθηκαν επίσης με την ανοικοδόμηση της Φλωρεντίας και του Μιλάνου, καθώς και με τη χάραξη της ατράκτου πόλης.

Μέχρι το τέλος του 16ου αιώνα, πολλοί θεωρητικοί του πολεοδομικού σχεδιασμού είχαν προβληματιστεί από το ζήτημα των αμυντικών κατασκευών και των εμπορικών χώρων. Έτσι, οι πύργοι και τα τείχη των φρουρίων αντικαταστάθηκαν από χωμάτινους προμαχώνες, οι οποίοι απομακρύνθηκαν από τα όρια της πόλης, εξαιτίας των οποίων, στα περιγράμματά τους, οι πόλεις άρχισαν να θυμίζουν αστέρι πολλαπλών ακτίνων.

Και παρόλο που ούτε μια ιδανική πόλη δεν χτίστηκε σε πέτρα (εκτός από μικρές πόλεις-φρούρια), πολλές αρχές για την οικοδόμηση μιας τέτοιας πόλης έγιναν πραγματικότητα ήδη τον 16ο αιώνα, όταν άρχισαν να χαράσσονται ευθύγραμμοι δρόμοι στην Ιταλία και σε πολλές άλλες χώρες που συνέδεαν σημαντικά στοιχεία του αστικού συνόλου.