Renesanso tapyba. Italų renesanso tapyba Renesanso menininkų paveikslai

Renesansas yra vienas ryškiausių pasaulio meno istorijoje. Ji apima XIV-XVI a. Italijoje, XV-XVI a. šalyse į šiaurę nuo Alpių. Šis kultūros raidos laikotarpis gavo pavadinimą - Renesansas (arba Renesansas) dėl susidomėjimo senovės menu atgimimo, kreipiantis į jį kaip į gražų idealą, modelį. Tačiau, žinoma, naujas menas yra daug daugiau nei praeities mėgdžiojimas.

Donatello. Deividas. 1430-ieji. Bronza. Nacionalinis muziejus. Florencija.



Giotto. Kristaus raudojimas. GERAI. 1305 m. Koplyčios del Arenos freska. Paduja.



S. Botticelli. Pavasaris. GERAI. 1477–1478 m Drobė, aliejus. Uffizi galerija. Florencija.



A. Mantegna. Ludovico ir Francesco Gonzagos susitikimas. Tarp 1471-1474 m Camera degli Sposi vakarinės sienos freska (fragmentas). Mantuja.



Leonardas da Vinčis. Monos Lizos portretas (vadinamasis „La Gioconda“). GERAI. 1503 Mediena, aliejus. Luvras. Paryžius.



Leonardas da Vinčis. Paskutinė vakarienė. 1495-1497 m Aliejinė ir tempera tapyba ant Santa Maria delle Grazie vienuolyno valgyklos sienos (detaliau). Milanas.



Rafaelis. Atėnų mokykla. 1509-1511 m Freska Stanza della Segnatura. Vatikanas.



Mikelandželas. Delfų Sibilė. 1508–1512 m Siksto koplyčios lubų freska (fragmentas). Vatikanas.





Janas van Eikas. Arnolfini poros portretas. 1434 Mediena, aliejus. Nacionalinė galerija. Londonas.



Hugo van der Goesas. Ganytojų garbinimas. 1474–1475 m Mediena, aliejus. Uffizi galerija. Florencija.



A. Dureris. Magų garbinimas. 1504 Drobė, aliejus. Uffizi galerija. Florencija.



L. Cranachas vyresnysis. Madona po obelimi. Po 1525 m. Aliejus ant drobės. Valstybinis Ermitažo muziejus. Sankt Peterburgas.



A. Dureris. Keturi raiteliai. 1498 Medžio raižinys. Iš serijos „Apokalipsė“.

Renesanso meninė kultūra susiformavo kultūros augimo, spartaus ekonominio augimo, naujos socialinės santvarkos atsiradimo – senojo, viduramžių gyvenimo būdo irimo bei kapitalistinių santykių atsiradimo – laikotarpiu. F. Engelsas apie Renesansą rašė: „Tai buvo didžiausia pažangi revoliucija, kurią žmonija patyrė iki tol, era, kuriai reikėjo titanų ir kuri pagimdė titanus minties, aistros ir charakterio stiprybe, įvairiapusiškumu ir mokymusi. .

Vietiniai ekonominiai ir socialiniai pokyčiai paskatino naujos progresyvios pasaulėžiūros – humanizmo (iš lotyniško žodžio humanus – „humaniškas“) atsiradimą. Visus humanistus įkvėpė tikėjimas kūrybinėmis žmogaus galiomis, begaline žmogaus proto galia.

Šiuo metu formuojasi ir įvairiai pasireiškia aktyvaus, stiprios valios žmogaus idealas. Jis smalsus, kupinas nežinomybės troškimo, turi išvystytą grožio jausmą.

Renesansas iškėlė sampratą žmogaus protas, jo gebėjimas suprasti pasaulį. Sparti mokslo raida - charakteristikaŠis laikotarpis. Ieškodami idealo, humanistai ypatingą dėmesį skyrė žmonijos istorijai. Senovės kultūra pasirodė esanti arčiausiai jų siekių.

Daugelis to meto išsilavinusių žmonių rodė abejingumą religijai. Ir nors dailininkai piešė paveikslus daugiausia religine tematika, religiniuose vaizduose jie įžvelgė poetinę per šimtmečius sukauptos žmonių gyvenimo patirties išraišką. Jie užpildė senus krikščioniškus mitus nauju gyvenimo turiniu.

Iš visų kultūros sričių menas Italijoje užėmė pirmąją vietą. Tai buvo natūrali to meto žmonių kūrybinė išraiška.

Renesanso menas, kaip ir ankstesnių epochų menas, siekė suprasti pasaulio – žemiškojo ir dangiškojo – sandarą. Nauja buvo tai, kad idėjos apie dievybę ir dangiškas galias nebėra interpretuojamos kaip nesuprantama, bauginanti paslaptis ir, svarbiausia, šis menas yra persmelktas tikėjimo žmogumi, dėl jo intelekto ir kūrybinių galimybių.

Gyvenimas Renesanso laikais buvo glaudžiai susijęs su menu. Ji buvo neatsiejama jo dalis ne tik kaip apmąstymų, bet ir kaip darbo ir kūrybos objektas. Menas tarsi siekė ne tik užpildyti bažnyčias ir rūmus, bet ir rasti sau vietą miestų aikštėse, gatvių sankryžose, namų fasaduose ir jų interjeruose. Sunku buvo rasti menui neabejingą žmogų. Kunigaikščiai, pirkliai, amatininkai, dvasininkai ir vienuoliai dažnai buvo meną išmanantys žmonės, klientai ir menininkų globėjai. Mecenatų dosnumą kurstė savęs išaukštinimo troškulys.

Meno raidą labai palengvino tai, kad dideli miestai greitai įgytas turtas sukauptas. Tačiau lengva sėkmė nesugadino net pačių gobšiausių menininkų šlovės ir pelno, nes griežti gildijos organizacijos principai meninis darbas vis dar buvo stiprūs. Jaunuoliai buvo ruošiami dirbdami subrendusio meistro padėjėjais. Štai kodėl daugelis menininkų taip gerai išmanė meno amatą. Dailės kūriniai iš XV a. atlikta su rūpesčiu ir meile. Net tais atvejais, kai jie neturi talento ar genialumo pėdsakų, mes visada žavimės geru meistriškumu.

Iš visų menų pirmoji vieta atiteko vaizduojamajam menui ir architektūrai. Nenuostabu, kad didžiųjų XV amžiaus dailininkų vardai. žinomas bet kuriam išsilavinusiam žmogui.

Renesansas trunka kelis šimtmečius. Jo ankstyvoji stadija Italijoje siekia XV amžiaus pirmąją pusę, tačiau ją parengė visas meno raidos kursas antroje XIII–XIV a. pusėje.

Florencija tapo Renesanso gimtine. Renesanso „tėvais“ vadinami dailininkas Masaccio, skulptorius Donatello ir architektas F. Brunelleschi. Kiekvienas savaip, bet kartu padeda pamatus naujam menui. Masaccio, būdamas maždaug 25 metų, pradėjo tapyti Brancacci koplyčią Santa Maria del Carmine bažnyčioje Florencijoje. Jo sukurti įvaizdžiai kupini žmogiško orumo, apdovanoti fizine jėga ir grožiu. Pagrindinė Masaccio meninė priemonė yra galingas chiaroscuro, išvystytas tūrio supratimas. Menininkas mirė nesulaukęs 30 metų, tačiau jo mokiniai ir pasekėjai toliau ieškojo kažko naujo monumentaliosios tapybos, perspektyvos ir kolorito srityje.

Italijos mene XV a. ugdomas savitas meninės tiesos supratimas. Dailininkai ir toliau piešia savo objektus iš bažnytinių legendų, bažnyčių sienas puošia vien bibliniai siužetai, tačiau šios scenos perkeliamos į Italijos miestų aikštes ir gatves, vykstančios tarsi amžininkų akyse, ir to dėka pati kasdienybė įgauna didingai istorinį pobūdį. Menininkai legendinėse scenose įtraukia klientų portretus ir net autoportretus. Kartais vaizdingoje kompozicijoje yra gatvės su atsitiktiniais praeiviais, aikštės su triukšminga minia, žmonės su moderniais kostiumais šalia šventų asmenų.

Pagrindinis skiriamasis tapybos bruožas buvo moksliškai pagrįsta perspektyva. Menininkai tuo didžiavosi kaip atradimu ir niekino savo pirmtakus, kurie to nežinojo. Jie trimatėje erdvėje galėjo matematiškai tiksliai sukonstruoti sudėtingas, daugiafigūrias kompozicijas. Tiesa, Florencijos tapytojai apsiribojo linijine perspektyva ir beveik nepastebėjo oro aplinkos vaidmens. Tačiau istorinė perspektyvos atradimo reikšmė buvo didžiulė. Didžiųjų tapytojų rankose ji tapo galinga menine priemone, padėjusia išplėsti meniškai įkūnijamų reiškinių spektrą, į tapybą įtraukti erdvę, kraštovaizdį ir architektūrą.

Italų tapyba XV a. – daugiausia monumentalūs. Jis buvo atliktas ant sienų freskos technika ir pagal savo pobūdį sukurtas taip, kad būtų suvokiamas iš toli. Italų meistrai mokėjo savo atvaizdams suteikti visuotinai reikšmingą charakterį. Jie atmetė smulkmenas ir smulkmenas ir pažvelgė į pasaulį žmonių akimis, kurie mokėjo įžvelgti žmogaus esmę jo geste, kūno judesiuose, laikysenoje.

Renesanso skulptūros įkūrėjas buvo Donatello. Vienas pagrindinių jo laimėjimų buvo vadinamosios apvalios statulos atgaivinimas, padėjęs pamatus vėlesniais laikais skulptūros raidai. Dauguma brandus darbas Donatello – Dovydo statula (Florencija).

Brunelleschi suvaidino lemiamą vaidmenį plėtojant Renesanso architektūrą. Jis atgaivina senovinį architektūros supratimą, kartu neatsisakydamas ir viduramžių paveldo.

Brunelleschi atgaivino tvarką, iškėlė proporcijų svarbą ir padarė jas naujos architektūros pagrindu. Visa tai jam padėjo atlikti romėnų griuvėsių tyrimas, kurį jis kruopščiai išmatavo ir su meile nukopijavo. Tačiau tai nebuvo akla antikos imitacija. Brunelleschi statytuose pastatuose (Našlaičių prieglaudoje, Pazzi koplyčioje Florencijoje ir kt.) architektūra alsuoja tuo dvasingumu, kurio senoliai nežinojo.

Italai labai domėjosi proporcijomis mene, ypač architektūroje. Jų kūryba džiugina žiūrovą savo formų proporcingumu. Gotikinė katedra jau sunkiai įžiūrima dėl savo milžiniško dydžio; Atrodo, kad Renesanso pastatus apima vienas žvilgsnis, o tai leidžia įvertinti nuostabų jų dalių proporcingumą.

Masaccio, Donatello, Brunelleschi toli gražu nebuvo vieni savo ieškojimų. Su jais vienu metu dirbo daug puikių menininkų. Kita karta Renesanso menininkai XV amžiaus antroje pusėje. praturtina naują meną ir skatina plačią jo sklaidą. Be Florencijos, kur svarbiausias šių laikų meistras buvo S. Botticelli, nauji meno centrai ir vietinės mokyklos atsirado Umbrijoje, Šiaurės Italijoje, Venecijoje. Čia dirbo tokie puikūs meistrai kaip Antonello da Messina, A. Mantegna, Giovanni Bellini ir daugelis kitų.

XV–XVI amžių sandūroje Italijoje sukurti paminklai išsiskiria tobulumu ir branda. Šis aukščiausio italų meno žydėjimo laikotarpis paprastai vadinamas aukštuoju renesansu. Tarp daugybės gabių meistrų armijos šiuo metu yra tokių, kurie teisėtai vadinami genijais. Tai Leonardo da Vinci, Raphaelis Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, o Giorgione, Titianas, A. Palladio pasirodė kiek vėliau. Šio laikotarpio istorija daugiausia yra šių meistrų darbo istorija.

Paskutiniai du trečdaliai XVI a. vadinamas vėlyvuoju renesansu. Tai stiprėjančios feodalinės reakcijos laikotarpis. Katalikų bažnyčia skelbia kampaniją prieš humanizmą visomis jo apraiškomis. Krizė apėmė ir meną. Menininkai, kaip taisyklė, apsiriboja motyvų ir technikų skolinimu iš didžiųjų meistrų. Jų darbuose daug rafinuotumo, aštrumo, grakštumo, tačiau kartais – kartėlio ir abejingumo, trūksta šilumos ir natūralumo. pabaigoje – XVI a. krizė stiprėja. Menas tampa labiau reglamentuotas, teismingesnis. Ir tuo metu kūrė puikūs menininkai – Ticianas, Tintoretas, bet tai buvo tik puikūs asmenys.

Renesanso kultūros krizė, žinoma, nereiškė, kad Renesanso palikimas buvo prarastas; ji ir toliau buvo pavyzdys ir kultūrinio įvertinimo matas. Italų renesanso meno įtaka didžiulė. Ji sulaukia atsako Prancūzijoje, Ispanijoje, Vokietijoje, Anglijoje, Rusijoje.

Nyderlanduose, Prancūzijoje ir Vokietijoje XV–XVI amžiai taip pat pasižymėjo meno, ypač tapybos, iškilimu. Tai vadinamojo šiaurinio renesanso laikotarpis.

Jau XIII-XIV a. Čia kūrėsi laisvosios prekybos ir amatų miestai, vystėsi prekyba. XV amžiaus pabaigoje. Šiaurės kultūros centrai stiprina ryšius su Italija. Menininkai čia rado sektinų pavyzdžių. Tačiau net ir pačioje Italijoje olandų meistrai dirbo ir buvo labai vertinami. Italams ypač patiko nauji aliejiniai paveikslai ir medžio raižiniai.

Abipusė įtaka neatmeta originalumo, išskiriančio Šiaurės renesanso meną. Čia tvirčiau išlaikomos senosios gotikos meno tradicijos. Kova už humanistinius idealus šiose šalyse buvo daugiau aštrus charakteris. Visą Vakarų Europą sukrėtęs XVI amžiaus pradžios valstiečių karas Vokietijoje prisidėjo prie to, kad menas šiaurėje įgavo ryškesnį žmonių pėdsaką. Italijos ir Šiaurės Renesansas, nepaisant visų jų skirtumų, yra tarsi du to paties srauto kanalai.

Didžiausias olandų dailininkas XV a. - Janas van Eikas. Tikrai talentingi meistrai buvo Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling ir Luke of Leiden. Pieterio Bruegelio vyresniojo kūryba yra XVI amžiaus vidurio Šiaurės renesanso meno viršūnė.

Vokietijoje didžiausias vokiečių renesanso atstovas buvo Albrechtas Diureris. Bet ne vienintelė. Čia dirbo tokie žymūs menininkai kaip Mathisas Niethardtas, Lucasas Cranachas vyresnysis, Hansas Holbeinas jaunesnysis ir kiti.

Renesanso laikais įvykusi revoliucija dvasinės kultūros ir meno srityje turėjo milžinišką istorinę reikšmę. Dar niekada Vakarų Europoje menas nebuvo užėmęs tokios svarbios vietos visuomenėje. Per ateinančius tris šimtmečius Europos menas vystėsi remiantis Renesanso menininkų priimtais ir įteisintais principais. Renesanso menas išlieka patrauklus ir šiandien.

Italijai sunkiais laikais prasidėjo trumpalaikis Italijos Renesanso „aukso amžius“ – vadinamasis aukštasis renesansas, aukščiausias taškas Italijos meno klestėjimo laikotarpis. Taigi Aukštasis Renesansas sutapo su įnirtingų Italijos miestų kovos už nepriklausomybę laikotarpiu. Šių laikų menas buvo persmelktas humanizmo, tikėjimo žmogaus kūrybinėmis galiomis, neribotomis jo galimybių galimybėmis, protinga pasaulio sandara, pažangos triumfu. Dailėje – pilietinės pareigos, aukštų moralinių savybių, didvyriškumo, gražiojo įvaizdžio, harmoningai išplėtoto, problemos, stiprios dvasios ir žmogaus herojaus kūnas, sugebėjęs pakilti aukščiau kasdienybės lygio. Tokio idealo paieškos atvedė meną prie sintezės, apibendrinimo, prie bendrų reiškinių dėsningumų atskleidimo, prie jų loginio ryšio identifikavimo. Aukštojo Renesanso menas atsisako smulkmenų ir nereikšmingų detalių vardan apibendrinto vaizdo, vardan harmoningos gražių gyvenimo aspektų sintezės troškimo. Tai vienas iš pagrindinių skirtumų Aukštasis Renesansas nuo ankstyvo.

Leonardo da Vinci (1452-1519) buvo pirmasis menininkas, aiškiai įkūnijęs šį skirtumą. Pirmasis Leonardo mokytojas buvo Andrea Verrocchio. Angelo figūra mokytojos paveiksle „Krikštas“ jau aiškiai parodo praėjusios eros menininko pasaulio suvokimo skirtumą ir nauja era: jokio priekinio Verrocchio plokštumo, geriausias šviesos ir šešėlių tūrio ir nepaprasto vaizdo dvasingumo modeliavimas. . Tyrėjai datuoja „Madoną su gėle“ („Benois Madonna“, kaip anksčiau buvo vadinama savininkų vardu) su Verrocchio išvykimo iš dirbtuvių laiku. Per šį laikotarpį Leonardo kurį laiką neabejotinai veikė Botticelli. Nuo XV amžiaus 80-ųjų. Išliko dvi nebaigtos Leonardo kompozicijos: „Magių garbinimas“ ir „Šv. Jeronimas“. Tikriausiai devintojo dešimtmečio viduryje senovine temperos technika buvo sukurta „Madonna Litta“, kurios įvaizdyje pasirodė Leonardo tipas. moteriškas grožis: sunkūs, pusiau nuleisti akių vokai ir subtili šypsena suteikia madonos veidui ypatingo dvasingumo.

Derinant mokslinius ir kūrybinius principus, turinčius tiek loginių, tiek meninis mąstymas, Leonardo visą gyvenimą praleido užsiimdamas moksliniais tyrimais kartu su vaizduojamuoju menu; išsiblaškęs jis atrodė lėtas ir paliko mažai meno. Milano teisme Leonardo dirbo menininku, mokslo techniku, išradėju, matematiku ir anatomu. Pirmasis didelis kūrinys, kurį jis atliko Milane, buvo „Uolų Madona“ (arba „Grotos Madona“). Tai pirmasis paminklas altoriaus kompozicija Aukštasis Renesansas, įdomus dar ir tuo, kad visapusiškai išreiškė Leonardo rašymo stiliaus bruožus.

Dauguma puikus darbas Leonardo Milane, aukščiausias jo meno pasiekimas buvo Santa Maria della Grazie vienuolyno valgyklos sienos tapyba „Paskutinės vakarienės“ (1495–1498) tema. Kristus viduje Paskutinį kartą vakarienės metu susitinka su savo mokiniais, kad praneštų apie vieno iš jų išdavystę. Leonardo menas ir mokslas egzistavo neatsiejami. Užsiimdamas menu jis atliko mokslinius tyrimus, eksperimentus, stebėjimus, per perspektyvą nuėjo į optikos ir fizikos sritis, per proporcijų problemas - į anatomiją ir matematiką ir kt. „Paskutinė vakarienė“ užbaigia visą menininko etapą. moksliniai tyrimai. Tai taip pat naujas meno etapas.

Leonardo paskyrė laiko nuo anatomijos, geometrijos, fortifikacijos, melioracijos, kalbotyros, versifikacijos ir muzikos studijų, kad galėtų dirbti prie „Arklio“, jojimo paminklo Francesco Sforza, dėl kurio pirmiausia atvyko į Milaną ir kurį baigė visu dydžiu. 90-ųjų pradžioje molyje. Paminklui nebuvo lemta įsikūnyti į bronzą: 1499 metais prancūzai įsiveržė į Milaną, o Gaskono arbaletai nušovė jojimo paminklą. 1499 metais prasidėjo Leonardo klajonių metai: Mantuja, Venecija ir galiausiai dailininko gimtinė Florencija, kur nutapė kartoninį „Šv. Anna su Marija ant kelių“, iš kurio Milane (kur grįžo 1506 m.) jis kuria aliejinį paveikslą.

Florencijoje Leonardo pradėjo dar vieną tapybos darbą: pirklio del Giocondo žmonos Monos Lizos portretą, kuris tapo vienu iš labiausiai garsūs paveikslai pasaulyje.

Monos Lizos Džokondos portretas – ryžtingas žingsnis Renesanso meno raidos link

Pirmą kartą portreto žanras tapo tokio paties lygio kaip kompozicijos religinėmis ir mitologinėmis temomis. Nepaisant visų neginčijamų fiziognominių panašumų, Quattrocento portretai išsiskyrė jei ne išoriniu, tai vidiniu suvaržymu. Monos Lizos didingumą perteikia vien jos pabrėžtinai tūrinės figūros, stipriai išstumtos į drobės kraštą, sugretinimas su tarsi iš toli matomu kraštovaizdžiu su uolomis ir upeliais, tirpstančiu, viliojančiu, nepagaunamu ir todėl, nepaisant. visa motyvo tikrovė, fantastiška.

1515 m., Prancūzijos karaliaus Pranciškaus I pasiūlymu, Leonardo visam laikui išvyko į Prancūziją.

Leonardo buvo didžiausias savo laiko menininkas, genijus, atvėręs naujus meno horizontus. Po savęs paliko nedaug kūrinių, bet kiekvienas iš jų buvo kultūros istorijos etapas. Leonardo taip pat žinomas kaip įvairiapusis mokslininkas. Jo moksliniai atradimai, pavyzdžiui, jo tyrimai orlaivių srityje, yra įdomūs mūsų astronautikos amžiuje. Tūkstančiai Leonardo rankraščių puslapių, apimančių visas žinių sritis, liudija jo genialumo universalumą.

Renesanso monumentaliojo meno idėjos, kuriose susiliejo antikos tradicijos ir krikščionybės dvasia, ryškiausiai išreiškė Rafaelio (1483-1520) kūrybą. Jo mene dvi pagrindinės užduotys rado brandų sprendimą: plastiškas žmogaus kūno tobulumas, išreiškiantis visapusiškai išsivysčiusios asmenybės vidinę harmoniją, kurioje Rafaelis sekė antiką, ir sudėtinga daugiafigūrė kompozicija, perteikianti visą žmogaus įvairovę. pasaulis. Rafaelis praturtino šias galimybes, pasiekdamas nuostabią laisvę vaizduojant erdvę ir judėjimą joje žmogaus figūra, nepriekaištinga harmonija tarp aplinkos ir žmogaus.

Nė vienas iš Renesanso meistrų pagoniškos senovės esmės nesuvokė taip giliai ir natūraliai kaip Rafaelis; Ne be reikalo jis laikomas menininku, kuris senovės tradicijas labiausiai susiejo su Vakarų Europos šiuolaikiniu menu.

Rafaelis Santi gimė 1483 m. Urbino mieste, viename iš centrų meninė kultūra Italija, Urbino kunigaikščio dvare, dvaro tapytojo ir poeto, kuris buvo pirmasis būsimojo meistro mokytojas, šeimoje.

Ankstyvasis Rafaelio kūrybos laikotarpis puikiai būdingas didelė nuotrauka tondo „Madonna Conestabile“ pavidalu, pasižymintis paprastumu ir griežtai atrinktų detalių lakoniškumu (su visu kompozicijos nedrąsumu) bei ypatingu, būdingu visoms Rafaelio kūrybai, subtiliu lyriškumu ir ramybės jausmu. 1500 m. Rafaelis išvyko iš Urbino į Perudžą mokytis garsaus Umbrijos menininko Perudžino, kurio įtakoje buvo parašyta „Marijos sužadėtuvė“ (1504), dirbtuvėse. Ritmo pojūtis, plastinių masių proporcingumas, erdviniai intervalai, figūrų ir fono santykis, pagrindinių tonų derinimas („Sužadėtuvėse“ tai auksinis, raudonas ir žalias derinys su švelniu mėlynu dangaus fonu) sukuria harmoniją, jau akivaizdu ankstyvuosiuose Rafaelio darbuose ir išskiria jį iš ankstesnės eros menininkų.

Visą savo gyvenimą Rafaelis ieškojo šio atvaizdo Madonoje; daugybė jo darbų, interpretuojančių Madonos atvaizdą, pelnė jam pasaulinę šlovę. Menininko nuopelnas pirmiausia yra tas, kad jis sugebėjo motinystės idėjoje įkūnyti visus subtiliausius jausmų atspalvius, lyriškumą ir gilų emocionalumą sujungti su monumentalia didybe. Tai matoma visose jo madonose, pradedant jaunatviškai nedrąsia „Madonna Conestabile“: „Žaliųjų Madonoje“, „Madonoje su auksagalviu“, „Madona fotelyje“ ir ypač Rafaelio dvasios ir įgūdžių viršūnėje. - „Siksto Madonoje“.

„Siksto Madona“ – vienas tobuliausių kalbiniu požiūriu Rafaelio kūrinių: griežtai dangaus silueto Marijos ir Kūdikio figūrą vienija bendras judėjimo ritmas su Šv. Apatinėje kompozicijos dalyje yra barbarai ir popiežius Sikstas II, kurių gestai skirti Madonai, taip pat dviejų angelų vaizdai (labiau kaip puti, taip būdinga Renesansui). Figūras taip pat vienija bendra auksinė spalva, tarsi personifikuojanti Dieviškąjį spindesį. Tačiau pagrindinis dalykas yra Madonos veido tipas, įkūnijantis senovinio grožio idealo sintezę su krikščioniškojo idealo dvasingumu, kuris taip būdingas Aukštojo Renesanso pasaulėžiūrai.

Siksto Madona yra vėlyvas Rafaelio kūrinys.

XVI amžiaus pradžioje. Roma ima viršų kultūros centras Italija. Šiame mieste aukštojo renesanso menas pasiekia didžiausią žydėjimą, kur globojančių popiežių Julijaus II ir Leono X valia vienu metu dirba tokie menininkai kaip Bramantė, Mikelandželas ir Rafaelis.

Rafaelis piešia pirmąsias dvi strofas. Stanza della Segnatura (parašų, antspaudų kambarys) nutapė keturias freskas-alegorijas apie pagrindines žmogaus dvasinės veiklos sferas: filosofiją, poeziją, teologiją ir jurisprudenciją („Atėnų mokykla“, „Parnasas“, „Disputa“). , „Matavimas, išmintis ir stiprybė“. Antrajame kambaryje, vadinamame „Eliodoro posmu“, Rafaelis piešė freskas ant istorinių ir legendinių scenų, šlovinančių popiežių: „Eliodoro išvarymas“

Viduramžių ir ankstyvojo Renesanso mene mokslai ir menai buvo įprasta vaizduoti atskirų alegorinių figūrų pavidalu. Rafaelis šias temas sprendė daugiafigūrių kompozicijų pavidalu, kartais vaizduojančių tikrus grupinius portretus, įdomius tiek individualizavimu, tiek tipiškumu.

Studentai taip pat padėjo Rafaeliui tapyti šalia popiežiaus kambarių esančias Vatikano lodžijas, nutapytas pagal jo eskizus ir jam prižiūrint senovinių ornamentų motyvais, daugiausia iš naujai atrastų senovinių grotų (iš čia ir pavadintas „groteskas“).

Rafaelis atliko įvairių žanrų kūrinius. Jo, kaip dekoratoriaus, režisieriaus ir pasakotojo, dovana visiškai atsiskleidė aštuonių kartoninių Siksto koplyčios gobelenų serijoje apaštalų Petro ir Pauliaus gyvenimo scenose („Stebuklingas žuvies laimikis“, pavyzdys). Šie paveikslai per visą XVI-XVIII a. tarnavo kaip savotiškas klasicizmo etalonas.

Rafaelis taip pat buvo didžiausias savo eros portretų tapytojas. („Popiežius Julijus II“, „Leo X“, dailininko draugė rašytoja Castiglione, gražuolė „Dona Velata“ ir kt.). O jo portretiniuose vaizduose, kaip taisyklė, vyrauja vidinė pusiausvyra ir harmonija.

Gyvenimo pabaigoje Rafaelis buvo neproporcingai apkrautas įvairiausių darbų ir užsakymų. Net sunku įsivaizduoti, kad visa tai galėtų padaryti vienas žmogus. Jis buvo centrinė figūra meninis gyvenimas Roma, po Bramantės mirties (1514 m.), tapo vyriausiuoju Šv. katedros architektu. Petras, buvo atsakingas už archeologinius kasinėjimus Romoje ir jos apylinkėse bei senovės paminklų apsaugą.

Rafaelis mirė 1520 m.; ankstyva mirtis amžininkams buvo netikėta. Jo pelenai palaidoti Panteone.

Trečias pagal dydį Aukštojo Renesanso meistras – Mikelandželas – gerokai pralenkė Leonardo ir Rafaelį. Pirmoji jos pusė kūrybinis kelias patenka į Aukštojo Renesanso meno klestėjimo laikotarpį, o antrasis - per kontrreformaciją ir baroko meno formavimosi pradžią. Iš nuostabios Aukštojo Renesanso menininkų galaktikos Mikelandželas visus pranoko savo vaizdų turtingumu, pilietiniu patosu ir jautrumu visuomenės nuotaikų kaitai. Taigi kūrybinis Renesanso idėjų žlugimo įkūnijimas.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) 1488 m. Florencijoje pradėjo atidžiai studijuoti senovinę skulptūrą. Jo reljefas „Kentaurų mūšis“ jau yra Aukštojo Renesanso kūrinys savo vidine harmonija. 1496 m. jaunasis menininkas išvyko į Romą, kur sukūrė savo pirmuosius šlovę atnešusius darbus: „Bacchus“ ir „Pieta“. Žodžiu, užfiksuotas senovės vaizdų. „Pieta“ atveria visą eilę meistro darbų šia tema ir iškelia jį tarp pirmųjų Italijos skulptorių.

Grįžęs į Florenciją 1501 m., Mikelandželas Sinjorijos vardu įsipareigojo nulipdyti Dovydo figūrą iš marmuro luito, kurį prieš jį sugadino nelaimingas skulptorius. 1504 m. Mikelandželas baigė statyti garsiąją statulą, kurią florentiečiai vadino „Milžinu“ ir pastatė priešais Palazzo Vecchia, miesto rotušę. Paminklo atidarymas virto valstybine švente. Dovydo įvaizdis įkvėpė daugelį Quattrocento menininkų. Tačiau Mikelandželas jį vaizduoja ne kaip berniuką, kaip „Donatelas“ ir „Verrocchio“, o kaip jauną vyrą, visą savo jėgų žydėjimą, ir ne po mūšio su milžino galva prie kojų, o prieš mūšį, šiuo metu. didžiausios jėgos įtampos. IN gražus vaizdas Dovydas griežtu veidu skulptorius perteikė titanišką aistros jėgą, nepalenkiamą valią, pilietinę drąsą ir beribę laisvo žmogaus galią.

1504 m. Mikelandželas (kaip jau minėta kalbant apie Leonardo) pradeda piešti „Penkių šimtų salę“ Sinjorijos rūmuose.

1505 metais popiežius Julijus II pakvietė Mikelandželą į Romą pastatyti savo kapo, bet tada atsisakė užsakymo ir užsakė ne tokį grandiozinį Siksto koplyčios lubų paveikslą Vatikano rūmuose.

Mikelandželas vienas dirbo Siksto koplyčios lubų tapyboje 1508–1512 m., nutapydamas apie 600 kvadratinių metrų plotą. m (48x13 m) 18 m aukštyje.

Mikelandželas centrinę lubų dalį skyrė sakralinės istorijos scenoms, pradedant nuo pasaulio sukūrimo. Šias kompozicijas įrėmina tas pats tapytas karnizas, tačiau sukuria architektūros iliuziją, skiria ir vaizdingi strypai. Vaizdingi stačiakampiai pabrėžia ir praturtina tikrąją lubų architektūrą. Po vaizdingu karnizu Mikelandželas piešė pranašus ir sibiles (kiekviena figūra apie tris metrus), liunetėse (arkos virš langų) vaizdavo epizodus iš Biblijos ir Kristaus protėvius kaip paprasti žmonės užsiėmęs kasdiene veikla.

Devyniose centrinėse kompozicijose atskleidžiami pirmųjų kūrimo dienų įvykiai, Adomo ir Ievos istorija, pasaulinis tvanas, o visos šios scenos, tiesą sakant, yra himnas jam būdingam žmogui. Netrukus po darbų Sikste mirė Julius II, o jo įpėdiniai grįžo prie antkapio idėjos. 1513-1516 m. Mikelandželas šiam antkapiui atlieka Mozės ir vergų (belaisvių) figūrą. Mozės atvaizdas yra vienas galingiausių subrendusio meistro kūryboje. Jis investavo į jį svajonę apie išmintingą, drąsų vadovą, kupiną titaniškos jėgos, išraiškos, valios savybių, reikalingų tada jo tėvynei suvienyti. Vergų figūros nebuvo įtrauktos į galutinę kapo versiją.

1520–1534 metais Mikelandželas dirbo prie vieno reikšmingiausių ir tragiškiausių skulptūros kūrinių – prie Medičių kapo (Florenco San Lorenzo bažnyčia), išreikšdamas visus išgyvenimus, ištikusius tiek patį meistrą, tiek jo. Gimtasis miestas, ir visą šalį. Nuo 20-ųjų pabaigos Italiją tiesiogine prasme draskė išoriniai ir vidiniai priešai. 1527 m. samdiniai kareiviai nugalėjo Romą, protestantai apiplėšė katalikų šventoves amžinas miestas. Florencijos buržuazija nuverčia Medičius, kurie vėl valdė nuo 1510 m.

Sunkaus pesimizmo nuotaikos, didėjančio gilaus religingumo būsenoje Mikelandželas dirba prie Medičių kapo. Jis pats pastatė Florencijos San Lorenzo bažnyčios priestatą – nedidelę, bet labai aukštą patalpą, dengtą kupolu, dvi zakristijos sienas (jos vidų) papuošė skulptūriniais antkapiais. Vieną sieną puošia Lorenzo figūra, priešingą – Giuliano, o apačioje prie jų kojų – sarkofagai, papuošti alegoriniais skulptūriniais atvaizdais – greitai tekančio laiko simboliais: „Rytas“ ir „Vakaras“ Lorenzo antkapiniame paminkle „Naktis“ ir „Diena“ Giuliano antkapiniame paminkle.

Abu vaizdai – Lorenzo ir Giuliano – neturi portretinio panašumo, todėl ir skiriasi nuo tradicinių XV a.

Paulius III, iškart po jo išrinkimo, pradėjo atkakliai reikalauti, kad Mikelandželas įvykdytų šį planą, o 1534 m., nutraukęs kapo darbus, kuriuos baigė tik 1545 m., Mikelandželas išvyko į Romą, kur Siksto koplyčioje pradėjo savo antrąjį darbą. - į paveikslą "Paskutinis teismas" (1535-1541) - grandiozinis kūrinys, išreiškęs žmonių giminės tragediją. Naujųjų bruožai menine sistema dar aiškiau pasirodė šiame Mikelandželo kūrinyje. Kūrybinis nuosprendis, baudžiantis Kristus pastatytas kompozicijos centre, o aplink jį sukamaisiais sukamaisiais judesiais vaizduojami nusidėjėliai, besiveržiantys į pragarą, teisieji, kylantys į dangų, ir mirusieji, kylantys iš kapų į Dievo teismą. Viskas kupina siaubo, nevilties, pykčio, sumaišties.

Dailininkas, skulptorius, poetas Mikelandželas taip pat buvo puikus architektas. Jis baigė Florencijos Laurentiano bibliotekos laiptus, suprojektavo Kapitolijaus aikštę Romoje, pastatė Pijaus vartus (Porta Pia), o nuo 1546 metų dirba Šv. Petras, kurį pradėjo Bramante. Mikelandželui priklauso kupolo piešinys ir piešinys, kuris buvo atliktas po meistro mirties ir iki šiol yra vienas iš pagrindinių miesto panoramoje dominuojančių bruožų.

Mikelandželas mirė Romoje, sulaukęs 89 metų. Jo kūnas naktį buvo nuvežtas į Florenciją ir palaidotas seniausioje gimtojo miesto Santa Croce bažnyčioje. Vargu ar galima pervertinti Mikelandželo meno istorinę reikšmę, poveikį jo amžininkams ir vėlesnėms epochoms. Kai kurie užsienio tyrinėtojai jį interpretuoja kaip pirmąjį baroko menininką ir architektą. Bet labiausiai jis įdomus kaip didžiųjų realistinių Renesanso tradicijų nešėjas.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, pravarde Giorgione (1477-1510), yra tiesioginis savo mokytojo pasekėjas ir tipiškas Aukštojo Renesanso menininkas. Jis pirmasis Venecijos žemėje atsigręžė į literatūrines ir mitologines temas. Kraštovaizdis, gamta ir gražus nuogas žmogaus kūnas jam tapo meno ir garbinimo objektu.

Jau pirmame žinomame kūrinyje „Madonna iš Kastelfranko“ (apie 1505 m.) Giorgione pasirodo kaip visiškai įsitvirtinusi menininkė; Madonos įvaizdis kupinas poezijos, mąslaus svajingumo, persmelktos tos liūdesio nuotaikos, kuri būdinga visiems moteriškiems Džordžonės įvaizdžiams. Per pastaruosius penkerius savo gyvenimo metus menininkas sukūrė geriausius savo darbus, atliktus aliejaus technika, daugiausia in Venecijos mokykla per tą laikotarpį. . 1506 m. paveiksle „Perkūnas“ Giorgione vaizduoja žmogų kaip gamtos dalį. Vaiką slaugančios moters, jaunuolio su lazda (kurį galima supainioti su kariu su alebarda) vienija ne joks veiksmas, o šiame didingame kraštovaizdyje juos vienija bendra nuotaika, bendra dvasios būsena. „Miegančios Veneros“ (apie 1508–1510 m.) įvaizdis persmelktas dvasingumo ir poezijos. Jos kūnas parašytas lengvai, laisvai, grakščiai, ne be reikalo tyrinėtojai kalba apie Giorgione ritmų „muzikalumą“; tai nėra be jausmingo žavesio. "Kaimo koncertas" (1508-1510)

Ticianas Vecellijus (1477–1576) - didžiausias menininkas Venecijos renesansas. Kūrė kūrinių tiek mitologine, tiek krikščioniška temomis, dirbo portreto žanre, išskirtinis koloristinis talentas, neišsemiamas kompozicinis išradingumas, o laimingas ilgaamžiškumas leido palikti turtingą kūrybinį palikimą, turėjusį didžiulę įtaką jo palikuonims.

Jau 1516 m. jis tapo pirmuoju respublikos dailininku, nuo 20-ųjų - garsiausiu Venecijos menininku.

Apie 1520 m. Feraros kunigaikštis užsakė jam paveikslų seriją, kurioje Ticianas pasirodo kaip antikos dainininkas, sugebėjęs pajusti ir, svarbiausia, įkūnyti pagonybės dvasią („Bacchanalia“, „Veneros šventė“, „ Bachas ir Ariadnė“).

Turtingi Venecijos patricijai užsakė Ticianui sukurti altorių paveikslus, jis sukūrė didžiules ikonas: „Marijos ėmimas į dangų“, „Pesaro Madona“.

„Marijos įvedimas į šventyklą“ (apie 1538 m.), „Venera“ (apie 1538 m.)

(grupinis popiežiaus Pauliaus III portretas su sūnėnais Ottavio ir Aleksandru Farnese, 1545–1546)

Jis vis dar daug rašo senovės temomis („Venera ir Adonis“, „Piemuo ir nimfa“, „Diana ir Akteonas“, „Jupiteris ir Antiopė“), tačiau vis dažniau atsigręžia į krikščionišką temą, į kankinystės scenas, kuriose pagonybės. linksmumą, senovinę harmoniją keičia tragiška nuostata („Kristaus plakimas“, „Atgailaujanti Marija Magdalietė“, „Šv. Sebastianas“, „Raudos“),

Tačiau amžiaus pabaigoje čia jau ryškūs artėjančios naujos epochos mene, naujos meninės krypties bruožai. Tai matyti dviejų pagrindinių šio amžiaus antrosios pusės menininkų – Paolo Veronese ir Jacopo Tintoretto – kūryboje.

Paolo Cagliari, pravarde Veronese (gimė Veronoje, 1528-1588), buvo lemta tapti paskutiniu šventinės, džiūgaujančios XVI amžiaus Venecijos dainininku.

: „Puota Levio namuose“ „Santuoka Galilėjos Kanoje“ San Giorgio Maggiore vienuolyno valgykla

Jacopo Robusti, mene žinomas kaip Tintoretto (1518-1594) („tintoretto“ – dažytojas: dailininko tėvas buvo šilko dažytojas). „Šv. Morkaus stebuklas“ (1548 m.)

(„Arsinėjos gelbėjimas“, 1555 m.), „Įvadas į šventyklą“ (1555 m.),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro Piombino, Villa Rotonda Vičencoje, po jo mirties baigė studentai pagal jo projektą, daug pastatų Vičencoje). Antikos studijų rezultatas – knygos „Romos senovė“ (1554 m.), „Keturios knygos apie architektūrą“ (1570–1581), tačiau, remiantis sąžiningu tyrinėtojo pastebėjimu, antika jam buvo „gyvas organizmas“.

Olandų renesansas tapyboje prasideda nuo brolių Huberto (mirė 1426 m.) ir Jano (apie 1390-1441) van Eyckų „Gento altoriaus“, kurį 1432 m. užbaigė Janas van Eyckas. Van Eyckas patobulino. alyvos technologija: aliejus leido visapusiškiau perteikti olandų menininkų dėmesį patraukusį objektyvaus pasaulio blizgesį, gylį, turtingumą, spalvingą jo skambesį.

Iš daugelio Jano van Eycko madonų garsiausia yra „Kanclerio Rollino Madona“ (apie 1435 m.)

(„Žmogus su gvazdiku“; „Žmogus turbane“, 1433 m.; dailininko žmonos Margaret van Eyck portretas, 1439 m.

Olandijos menas, spręsdamas tokias problemas, daug skolingas Rogier van der Weyden (1400?-1464) „Nusileidimas nuo kryžiaus“ yra tipiškas Weydeno kūrinys.

XV amžiaus antroje pusėje. yra išskirtinio talento meistro Hugo van der Goeso (apie 1435–1482 m.) darbas „Marijos mirtis“.

Hieronymus Bosch (1450-1516), tamsių mistinių vizijų kūrėjas, kuriame taip pat atsigręžia į viduramžių alegorizmą, „Gražumų sodas“

Olandų renesanso viršūnė, be jokios abejonės, buvo Pieterio Bruegelio vyresniojo, pravarde Mužitskis (1525/30-1569) („Lienos virtuvė“, „Riebalų virtuvė“). „Žiemos peizažas“ ciklas „Metų laikai“ (kitas pavadinimas – „Medžiotojai sniege“, 1565), „Karnavalo ir gavėnios mūšis“ (1559).

Albrechtas Dureris (1471-1528).

„Rožančiaus šventė“ (kitas pavadinimas „Madona su Rožančiu“, 1506 m.), „Raitelis, mirtis ir velnias“, 1513 m.; „Šv. Jeronimas“ ir „Melancholija“,

Hansas Holbeinas jaunesnysis (1497-1543), "Mirties triumfas" ("Mirties šokis") Jane Seymour portretas, 1536 m.

Albrechtas Altdorferis (1480–1538)

Renesanso Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (apie 1420-1481), Karolio VII portretas

Jean Clouet (apie 1485/88-1541), François Clouet (apie 1516-1572) sūnus – svarbiausias XVI amžiaus Prancūzijos menininkas. Elžbietos Austrietės portretas, apie 1571 m. (Henriko II, Marijos Stiuart portretas ir kt.)

Renesanso tapyba

Renesanso tapybos pradžia laikoma Ducento era, t.y. XIII a. Protorenesansas vis dar glaudžiai susijęs su viduramžių romanikos, gotikos ir bizantietiškomis tradicijomis. XIII pabaigos – XIV amžiaus pradžios menininkai. dar toli iki mokslinio supančios tikrovės tyrimo. Jie išsako savo mintis apie tai, taip pat pasitelkdami įprastus Bizantijos vaizdinės sistemos vaizdus – uolėtas kalvas, simbolinius medžius, įprastus bokštelius. Bet kartais išvaizda architektūrinės konstrukcijos atkurta taip tiksliai, kad rodo eskizų iš gyvenimo egzistavimą. Tradiciniai religiniai personažai pradedami vaizduoti pasaulyje, apdovanotame tikrovės savybėmis – apimtimi, erdvine gyliu, materialia substancija. Pradedama ieškoti perdavimo būdų tūrio ir trimatės erdvės plokštumoje. Šių laikų meistrai atgaivino iš antikos laikų žinomą formų šviesos ir šešėlių modeliavimo principą. Jo dėka figūros ir pastatai įgauna tankį ir tūrį.

Matyt, pirmasis senovės perspektyvą panaudojo Florencijos Cenni di Pepo (1272–1302 m. informacija), pravarde Cimabue. Deja, jo dauguma reikšmingas darbas– paveikslų serija Apokalipsės, Marijos ir apaštalo Petro gyvenimo Asyžiaus Šv. Frančesko bažnyčioje temomis pasiekė mus beveik sunaikinta. Geriau išsaugotos jo altorių kompozicijos, esančios Florencijoje ir Luvro muziejuje. Jie taip pat grįžta prie Bizantijos prototipų, tačiau juose aiškiai matyti naujo požiūrio į religinę tapybą bruožai. Cimabue grįžta iš italų tapybos

XIII a., perėmęs Bizantijos tradicijas į jų tiesioginę kilmę. Juose jis pajuto tai, kas liko neprieinama amžininkams – darnią kilnaus heleniško vaizdų grožio pradžią.

Rigidiškumas ir schematiškumas užleidžia vietą muzikiniam linijų glotnumui. Madonnos figūra nebeatrodo eteriška. Viduramžių tapyboje angelai buvo interpretuojami kaip ženklai, kaip Dievo Motinos atributai, vaizduojami kaip mažos simbolinės figūrėlės. Perku juos visiškai iš Cimabue nauja prasmė, yra įtrauktos į sceną, tai gražios jaunos būtybės, numatančios tuos grakščius angelus, kurie pasirodys tarp XV amžiaus meistrų.

Cimabue kūrybiškumas buvo tų naujų procesų, kurie nulėmė, atspirties taškas tolimesnis vystymas tapyba. Tačiau meno istorijos negalima paaiškinti vien evoliuciniais terminais. Kartais joje būna aštrių šuolių. Didieji menininkai pasirodo kaip drąsūs novatoriai, atmetantys tradicinę sistemą. Tokiu XIV amžiaus italų tapybos reformatoriumi reikėtų pripažinti Giotto di Bondone (1266-1337). Tai genijus, kuris aukštai pakyla virš savo amžininkų ir daugelio savo pasekėjų.

Gimęs florentietis, dirbo daugelyje Italijos miestų. Žymiausi iki mūsų atkeliavę Giotto darbai yra Padujos arenos koplyčios paveikslų ciklas, skirtas evangelijos pasakojimams apie Kristaus gyvenimą. Šis unikalus tapybinis ansamblis yra vienas žymiausių istorijos kūrinių Europos menas. Vietoj skirtingų viduramžių tapybai būdingų atskirų scenų ir figūrų Giotto sukūrė vieną epinį ciklą. 38 scenos iš Kristaus ir Marijos gyvenimo („Marijos ir Elžbietos susitikimas“, „Judo bučinys“, „Raudos“ ir kt.) tapybos kalba sujungtos į vientisą pasakojimą. Vietoj įprasto auksinio bizantiško fono Giotto pristato kraštovaizdžio foną. Figūros nebeplaukia erdvėje, o randa tvirtą pagrindą po kojomis. Ir nors jie dar neaktyvūs, tačiau rodo norą perteikti žmogaus kūno anatomiją ir judėjimo natūralumą. Giotto formoms suteikia beveik skulptūrišką apčiuopiamumą, sunkumą ir tankumą. Jis modeliuoja reljefą, palaipsniui pašviesindamas pagrindinį spalvingą foną. Šis chiaroscuro modeliavimo principas, sudaręs galimybę dirbti švariomis, ryškiomis spalvomis be tamsių šešėlių, italų tapyboje dominuoja iki XVI a.

Giotto paveiksle atlikta reforma padarė didelį įspūdį visiems jo amžininkams.

Giotto įtaka savo jėgą ir vaisingumą įgijo tik po šimtmečio. Quattrocento menininkai įvykdė Giotto iškeltas užduotis. Ankstyvojo Renesanso etapas vadinamas pergalingu meno istorijos laikotarpiu. Meninės kūrybos dosnumas ir mastas XV amžiaus Italijoje sukuria precedento neturinčios skulptorių ir tapytojų kūrybinės veiklos įspūdį.

Quattrocento tapybos pradininko šlovė priklauso Florencijos dailininkui Masaccio, kuris mirė labai jaunas (1401-1428). Jo freskose pagal anatomijos dėsnius nutapytos figūros susietos tarpusavyje ir su kraštovaizdžiu. Jo kalvos ir medžiai driekiasi į tolį, sudarydami natūralią oro aplinką. Žmonių ir gamtos gyvenimai susijungia į vientisą visumą, į vientisą dramatišką veiksmą. Tai naujas žodis pasauliniame tapybos mene.

Florencijos mokykla ilgą laiką išliko pirmaujanti italų mene. Jo viduje taip pat buvo konservatyvesnis judėjimas. Šio judėjimo menininkai buvo vienuoliai, todėl meno istorijoje jie buvo vadinami vienuoliniais. Vienas garsiausių tarp jų buvo Džovanio Beato brolis Angelico da Fiesole (1387-1455).

Būdingas vėlyvosios Quattrocento tapybos bruožas – mokyklų ir krypčių įvairovė. Šiuo metu susiformavo Florencijos, Umbijos (Piero della Francesca, Pinturicchio, Perugino), Šiaurės Italijos (Mantegni), Venecijos (Giovanni Bellini) mokyklos.

Vienas is labiausiai iškilių menininkų Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - garsaus tirono, politiko, filantropo, poeto ir filosofo Lorenzo Medici, pravarde Didingasis, estetinių idealų atstovas. Šio nekarūnuoto suvereno dvaras buvo meninės kultūros centras, jungęs žymius filosofus, mokslininkus ir menininkus.

Botticelli kūryboje yra savita viduramžių mistikos sintezė su antikinėmis tradicijomis, gotikos ir renesanso idealais. Jo mitologiniai vaizdai Vyksta simbolizmo atgimimas. Gražias senovės deives jis vaizduoja ne jausmingomis žemiško grožio formomis, o romantiškais, sudvasintais, didingais vaizdais. Paveikslas, kuris jį išgarsino, yra „Veneros gimimas“. Čia matome unikalų moters Botticelli įvaizdį, kurio negalima supainioti su kitų menininkų darbais. Botticelli nuostabiai sujungė pagonišką jausmingumą ir padidintą dvasingumą, skulptūrišką moteriškumą ir švelnų trapumą, rafinuotumą, linijinį tikslumą ir emocionalumą, kintamumą. Jis yra vienas poetiškiausių menininkų meno istorijoje. Mėgsta simbolines, alegorines temas, mėgsta svajoti ir reikštis užuominomis.

Ankstyvasis Renesansas truko apie šimtmetį. Jis baigiasi aukštuoju renesansu, kuris trunka tik apie 30 metų. Roma tuo metu tapo pagrindiniu meninio gyvenimo centru.

Jei Quattrocento menas yra analizė, ieškojimai, atradimai, jaunatviškos pasaulėžiūros gaivumas, tai Aukštojo Renesanso menas yra rezultatas, sintezė, išmintinga branda. Meninio idealo paieškos Quattrocento laikotarpiu meną vedė į apibendrinimą, prie bendrų raštų atradimo. Pagrindinis skirtumas tarp Aukštojo Renesanso meno yra tas, kad vardan apibendrinto vaizdo atsisakoma smulkmenų, detalių, smulkmenų. Visą patirtį, visas pirmtakų paieškas didieji Cinquecento meistrai suspaudžia grandioziniame apibendrinime.

Gražaus, stiprios valios žmogaus įvaizdis yra pagrindinis to meto meno turinys. Skirtingai nuo XV amžiaus meno, jai būdingas noras suvokti ir įkūnyti bendrą gyvenimo reiškinių modelį.

Tai buvo Renesanso titanų era, kuri pasaulio kultūrai suteikė Leonardo, Rafaelio ir Mikelandželo darbus. Pasaulio kultūros istorijoje šie trys genijai, nepaisant visų savo skirtumų, kūrybinė individualybė įkūnija pagrindinę italų renesanso vertybę – grožio, jėgos ir intelekto harmoniją. Jų gyvenimas liudija apie Renesansui būdingą visuomenės požiūrio į kūrybingą menininko asmenybę pasikeitimą. Dailės meistrai tapo pastebimomis ir vertingomis visuomenės figūromis, pagrįstai buvo laikomi labiausiai išsilavinusiais savo laiko žmonėmis.

Ši savybė, galbūt labiau nei kitos Renesanso epochos figūros, tinka Leonardo da Vinci (1452–1519). Jis sujungė meninį ir mokslinį genialumą. Leonardo buvo mokslininkas, tyrinėjęs gamtą ne dėl meno, o dėl mokslo. Štai kodėl mus pasiekė tiek mažai baigtų Leonardo darbų. Jis pradėjo tapyti ir jų atsisakė, kai tik problema jam atrodė aiškiai suformuluota. Daugelis jo pastebėjimų numato Europos mokslo ir tapybos raidą ištisus šimtmečius. Šiuolaikiniai moksliniai atradimai skatina domėtis jo moksliniais inžineriniais brėžiniais.

Jo Madona grotoje yra pirmasis monumentalus Aukštojo Renesanso altoriaus paveikslas. Tai didelis Renesanso tapyboje įprasto formato paveikslas, primenantis langą, suapvalintas viršuje.

Naujas meno etapas buvo Santa Maria del Grazie vienuolyno valgyklos sienos tapyba pagal Paskutinės vakarienės siužetą, kurią nutapė daugelis Quattrocento menininkų. „Paskutinė vakarienė“ – kertinis akmuo klasikinis menas, ji įgyvendino Aukštojo Renesanso programą. Prie šio darbo Leonardo dirbo 16 metų. Didžiulė freska, kurioje figūros nutapytos pusantro karto didesnės nei natūralaus dydžio, tapo išmintingo monumentaliosios tapybos dėsnių, siejamų su realia interjero erdve, supratimo pavyzdžiu. Jis įkūnijo menininko mokslinius tyrimus fizikos, optikos, matematikos ir anatomijos srityse, būtinus sprendžiant proporcijų ir perspektyvos problemas didžiulėje vaizdinėje erdvėje. Svarbiausia, kad puikus Leonardo darbas turi didžiulę psichologinę galią. Nė vienas menininkas, vaizduojantis Paskutinę vakarienę prieš Leonardo, nekėlė tokios sunkios užduoties – per reakciją skirtingi žmonės, asmenybės, temperamentai, emociniai atsakymai, kad parodytų vieningą šios puikios akimirkos prasmę. 12 apaštalų, 12 skirtingų personažų pasireiškia skirtingais būdais emocinio sukrėtimo momentu. Per jų emocines reakcijas, išreikštas judesiu, atskleidžiami amžini žmogaus klausimai: apie meilę ir neapykantą, atsidavimą ir išdavystę, kilnumą ir niekšybę.

Vienas garsiausių paveikslų pasaulyje buvo Leonardo kūrinys „La Gioconda“. Šis pirklio del Džokondo žmonos portretas šimtmečius traukė dėmesį, apie jį prirašyta šimtai puslapių komentarų, jis buvo vogtas, klastojamas, kopijuotas, jam priskiriamos raganiškos galios. Nepagaunama Gioconda veido išraiška nepaiso tikslaus aprašymo ir atkūrimo. Šis portretas tapo Renesanso meno šedevru.

Pirmą kartą pasaulio meno istorijoje portreto žanras atsidūrė tame pačiame lygyje su kompozicijomis religine tema.

Renesanso monumentaliojo meno idėjos ryškiai išreikštos Raphaelio Santi (1483–1520) kūryboje. Leonardo sukūrė klasikinis stilius, Rafaelis jį patvirtino ir išpopuliarino. Rafaelio menas dažnai apibrėžiamas kaip „aukso vidurys“.

Rafaelio kūryba išsiskiria klasikinėmis savybėmis – aiškumu, kilniu paprastumu, harmonija. Visa tai siejama su dvasine Renesanso kultūra. Jis buvo 30 metų jaunesnis už Leonardo ir mirė beveik kartu su juo, meno istorijoje nuveikęs tiek daug, kad sunku įsivaizduoti, kad vienas žmogus galėjo visa tai padaryti. Universalus menininkas, architektas, monumentalistas, portretų ir daugiafigūrų kompozicijų meistras, talentingas dekoratorius, buvo pagrindinė Romos meninio gyvenimo figūra. Jo meistriškumo viršūnė buvo „Siksto Madona“, nutapyta 1516 m. Pjačencos benediktinų vienuolynui (dabar paveikslas yra Drezdene). Daugeliui tai yra gražiausio, ką menas gali sukurti, matas.

Ši altoriaus kompozicija šimtmečius buvo suvokiama kaip grožio ir harmonijos formulė. Tragiškas jausmas sklinda iš nuostabiai dvasingų Madonos ir Kūdikėlio Dievo veidų, kuriuos ji dovanoja, kad išpirktų žmonių nuodėmes. Madonnos žvilgsnis nukreiptas tarsi pro žiūrovą, kupinas graudžios įžvalgos. Šis vaizdas įkūnija senovės grožio idealo sintezę su krikščioniškojo idealo dvasingumu.

Istorinis Rafaelio meno nuopelnas yra tas, kad jis sujungė du pasaulius į vieną – krikščioniškąjį ir pagoniškąjį. Nuo to laiko naujasis meninis idealas tvirtai įsitvirtino m religinis menas Vakarų Europa.

Renesanso skulptūra

Ryškus Rafaelio genijus toli gražu nebuvo psichologinis vidinis pasaulisžmogus kaip Leonardo, bet dar labiau svetimas tragiškai Mikelandželo pasaulėžiūrai. Michelangelo Buonarroti (1475-1564) gyveno ilgą, sunkų ir didvyrišką gyvenimą. Jo genialumas pasireiškė architektūroje, tapyboje, poezijoje, bet ryškiausiai – skulptūroje. Jis pasaulį suvokė plastiškai, visose meno srityse pirmiausia yra skulptorius. Žmogaus kūnas jam atrodo pats verčiausias vaizdavimo objektas. Bet tai ypatingos, galingos, herojiškos veislės žmogus. Mikelandželo menas skirtas žmogaus kovotojo, jo herojiškos veiklos ir kančios šlovinimui. Jo kūrybai būdinga gigantomanija, titaniška pradžia. Tai aikščių, visuomeninių pastatų, o ne rūmų salių menas, menas žmonėms, o ne teismo aristokratams.

XV amžius buvo monumentaliosios skulptūros klestėjimo laikotarpis Italijoje. Jis iš interjerų iškyla ant bažnyčių ir civilinių pastatų fasadų, į miesto aikštę, tapdamas miesto ansamblio dalimi.

Vienas iš ankstyviausių ir labiausiai žinomų kūrinių Mikelandželas – penkių metrų Dovydo statula Florencijos aikštėje, simbolizuojanti jauno Dovydo pergalę prieš milžiną Galijotą. Paminklo atidarymas virto populiaria švente, mat florentiečiai Dovyde įžvelgė jiems artimą didvyrį, pilietį ir respublikos gynėją.

Renesanso skulptoriai atsigręžė ne tik į tradicinę krikščioniški vaizdai, bet ir gyviems žmonėms, amžininkams. Skulptūrinio portreto, antkapio paminklo, portretinio medalio, jojamosios statulos žanro raida siejama su šiuo siekiu įamžinti tikro amžininko įvaizdį. Šios skulptūros puošė miestų aikštes, keisdamos jų išvaizdą.

Renesanso skulptūra grįžta prie senųjų skulptūros tradicijų. Paminklai antikvarinė skulptūra tapti tyrimo objektu, plastinės kalbos pavyzdžiu. Skulptūra prieš dažymą nukrypsta nuo viduramžių kanonų ir eina nauju vystymosi keliu. Galbūt tai paaiškinama vieta, kurią jis užėmė viduramžių bažnyčiose. Statant dideles katedras buvo sukurtos dirbtuvės, kurios rengė čia dirbusius skulptorius ir dekoratorius. geras pasiruošimas. Skulptorių dirbtuvės buvo pagrindiniai meninio gyvenimo centrai ir vaidino svarbų vaidmenį tiriant antiką ir žmogaus kūno anatomiją. Ankstyvojo Renesanso skulptūros laimėjimai padarė didelę įtaką tapytojams, kurie gyvą žmogų suvokė per plastiškumo prizmę. Renesanso skulptoriai pasiekia pilną žmogaus kūno prasmę, išlaisvina jį iš po drabužių masės, kurioje slėpėsi viduramžių gotikos figūros. Kelią, kurį Hellas nuėjo per tris šimtmečius, Renesanso laikais baigė trys meistrų kartos.

Renesanso tapyba yra ne tik Europos, bet ir pasaulio meno aukso fondas. Renesanso laikotarpis pakeitė tamsiuosius viduramžius, pavaldžius bažnyčios kanonų šerdį, ir buvo ankstesnis prieš vėlesnį Švietimą ir Naujuosius amžius.

Verta skaičiuoti laikotarpio trukmę priklausomai nuo šalies. Kultūros klestėjimo era, kaip įprasta vadinti, prasidėjo Italijoje XIV amžiuje, vėliau išplito visoje Europoje ir pasiekė apogėjų iki XV amžiaus pabaigos. Istorikai šį meno laikotarpį skirsto į keturis etapus: proto-renesanso, ankstyvojo, aukštojo ir vėliau Renesansas. Italų renesanso tapyba, žinoma, yra ypač vertinga ir įdomi, tačiau negalima pamiršti ir prancūzų, vokiečių ir olandų meistrų. Apie juos Renesanso laikotarpių kontekste ir bus kalbama toliau straipsnyje.

Prorenesansas

Protorenesanso laikotarpis tęsėsi nuo XIII amžiaus antrosios pusės. iki XIV amžiaus Jis glaudžiai susijęs su viduramžiais, kurių vėlyvoje stadijoje atsirado. Proto-Renesansas yra Renesanso pirmtakas, jungiantis Bizantijos, romantikos ir gotikos tradicijas. Naujosios eros tendencijos pirmiausia atsirado skulptūroje, o tik paskui tapyboje. Pastarajai atstovavo dvi Sienos ir Florencijos mokyklos.

Pagrindinė to laikotarpio figūra buvo menininkas ir architektas Giotto di Bondone. Florencijos tapybos mokyklos atstovas tapo reformatoriumi. Jis apibūdino kelią, kuriuo jis toliau vystėsi. Renesanso tapybos bruožai atsirado būtent šiuo laikotarpiu. Visuotinai pripažįstama, kad Giotto savo darbuose sugebėjo įveikti Bizantijai ir Italijai būdingą ikonų tapybos stilių. Jis padarė erdvę ne dvimatę, o trimatę, naudodamas chiaroscuro, kad sukurtų gylio iliuziją. Nuotraukoje – paveikslas „Judo bučinys“.

Florencijos mokyklos atstovai stovėjo prie Renesanso ištakų ir padarė viską, kad tapyba išvestų iš ilgo viduramžių sąstingio.

Protorenesanso laikotarpis buvo padalintas į dvi dalis: prieš ir po jo mirties. Iki 1337 metų dirbo patys ryškiausi meistrai ir įvyko svarbiausi atradimai. Vėliau Italiją užklupo maro epidemija.

Renesanso tapyba: trumpai apie ankstyvąjį laikotarpį

Ankstyvasis Renesansas apima 80 metų laikotarpį: nuo 1420 iki 1500 metų. Šiuo metu jis dar nėra visiškai nukrypęs nuo praeities tradicijų ir vis dar siejamas su viduramžių menu. Tačiau jau jaučiamas naujų tendencijų dvelksmas, meistrai vis dažniau ima atsigręžti į klasikinės antikos elementus. Galiausiai menininkai visiškai atsisako viduramžių stiliaus ir pradeda drąsiai naudoti geriausius senovės kultūros pavyzdžius. Atminkite, kad procesas vyko gana lėtai, žingsnis po žingsnio.

Ryškūs ankstyvojo Renesanso atstovai

Italų menininko Piero della Francesca kūryba visiškai priklauso ankstyvajam Renesanso laikotarpiui. Jo darbai išsiskiria kilnumu, didingu grožiu ir harmonija, tikslia perspektyva, švelniomis spalvomis, pripildytomis šviesos. Paskutiniais savo gyvenimo metais, be tapybos, giliai studijavo matematiką ir net parašė du savo traktatus. Kitas mokinys buvo jo garsus dailininkas, Luca Signorelli, o stilius atsispindėjo daugelio Umbrijos meistrų darbuose. Aukščiau esančioje nuotraukoje yra freskos, esančios San Francesco in Arezzo bažnyčioje, fragmentas „Šebos karalienės istorija“.

Domenico Ghirlandaio yra dar vienas ryškus Florencijos renesanso tapybos mokyklos atstovas ankstyvas laikotarpis. Jis buvo garsios menininkų dinastijos įkūrėjas ir dirbtuvių, kuriose pradėjo jaunasis Mikelandželas, vadovas. Ghirlandaio buvo garsus ir sėkmingas meistras, užsiėmęs ne tik freskų tapyba (Tornabuoni koplyčia, Sikstas), bet ir molberto tapyba („Magių garbinimas“, „Gimimas“, „Senis su anūku“, „Džiovanos portretas“). Tornabuoni“ - paveikslėlyje žemiau).

Aukštasis Renesansas

Šis laikotarpis, kai stilius vystėsi nuostabiai, patenka į 1500–1527 m. Tuo metu italų meno centras iš Florencijos persikėlė į Romą. Tai siejama su ambicingo, iniciatyvaus Julijaus II, į savo dvarą pritraukusio geriausius Italijos menininkus, pakilimu į popiežiaus sostą. Periklio laikais Roma tapo kažkuo panaši į Atėnus ir patyrė neįtikėtiną augimo ir statybų bumą. Kartu vyrauja harmonija tarp meno šakų: skulptūros, architektūros ir tapybos. Renesansas juos suvedė. Atrodo, kad jie eina koja kojon, vienas kitą papildo ir sąveikauja.

Antika nuodugniau tyrinėjama Aukštojo Renesanso laikotarpiu ir atkuriama maksimaliai tiksliai, griežtai ir nuosekliai. Orumas ir ramybė pakeičia flirtuojantį grožį, o viduramžių tradicijos visiškai pamirštamos. Renesanso viršūnę žymi trijų didžiausių kūryba italų meistrai: Rafaelis Santi (paveikslas „Donna Velata“ aukščiau esančiame paveikslėlyje), Mikelandželas ir Leonardo da Vinci („Mona Liza“ – pirmoje nuotraukoje).

Vėlyvasis Renesansas

Vėlyvasis Renesansas apima laikotarpį nuo 1530-ųjų iki 1590-ųjų iki 1620-ųjų Italijoje. Menotyrininkai ir istorikai šių laikų kūrinius sumažina iki bendro vardiklio, turinčio didelį susitarimą. Pietų Europa buvo paveiktas joje triumfavusios kontrreformacijos, kuri labai atsargiai suvokė bet kokį laisvą mąstymą, taip pat ir antikos idealų prisikėlimą.

Florencijoje vyravo manierizmas, pasižymintis dirbtinėmis spalvomis ir laužytomis linijomis. Tačiau Parmą, kur dirbo Correggio, jis pasiekė tik po meistro mirties. turėjo savo vystymosi kelią Venecijos tapyba vėlyvasis Renesansas. Palladio ir Titianas, dirbę ten iki 1570 m., yra ryškiausi jos atstovai. Jų darbas neturėjo nieko bendra su naujomis tendencijomis Romoje ir Florencijoje.

Šiaurės renesansas

Šis terminas vartojamas apibūdinti Renesansą visoje Europoje, apskritai už Italijos ribų ir ypač vokiškai kalbančiose šalyse. Jis turi daugybę funkcijų. Šiaurės renesansas nebuvo vienalytis ir kiekvienoje šalyje pasižymėjo specifiniais bruožais. Meno istorikai ją skirsto į kelias kryptis: prancūzų, vokiečių, olandų, ispanų, lenkų, anglų ir kt.

Europos pabudimas nuėjo dviem keliais: humanistinės pasaulietinės pasaulėžiūros raida ir sklaida bei religinių tradicijų atnaujinimo idėjų plėtra. Abu lietė, kartais susiliejo, bet kartu buvo ir antagonistai. Italija pasirinko pirmąjį kelią, o Šiaurės Europa – antrąjį.

Renesansas šiaurės menui, įskaitant tapybą, beveik neturėjo įtakos iki 1450 m. Nuo 1500 m. jis išplito visame žemyne, tačiau kai kur vėlyvosios gotikos įtaka išliko iki baroko atsiradimo.

Šiaurės renesansui būdinga nemaža gotikos stiliaus įtaka, mažiau atidus dėmesys Antikos ir žmogaus anatomijos studijoms, naudojant išsamią ir kruopščią rašymo techniką. Reformacija jam padarė didelę ideologinę įtaką.

Prancūzijos šiaurinis renesansas

Arčiausiai italų yra prancūzų tapyba. Prancūzijos kultūrai tapo Renesansas svarbus etapas. Šiuo metu monarchija ir buržuaziniai santykiai aktyviai stiprėjo, viduramžių religinės idėjos nublanko į antrą planą, užleisdamos vietą humanistinėms tendencijoms. Atstovai: Francois Quesnelis, Jeanas Fouquet (nuotraukoje – meistro „Melen Diptiko“ fragmentas), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Vokiečių ir olandų šiaurinis renesansas

Išskirtinius Šiaurės renesanso kūrinius sukūrė vokiečių ir flamandų-olandų meistrai. Religija ir toliau vaidino reikšmingą vaidmenį šiose šalyse ir padarė didelę įtaką tapybai. Renesansas Nyderlanduose ir Vokietijoje pasuko kitu keliu. Skirtingai nei italų meistrų darbai, šių šalių menininkai nestatė žmogaus į visatos centrą. Per beveik visą XV a. jie vaizdavo jį gotikiniu stiliumi: lengvu ir eteriniu. Ryškiausi olandų renesanso atstovai yra Hubertas van Eyckas, Janas van Eyckas, Robertas Campenas, Hugo van der Goesas, vokietis – Albertas Dureris, Lucasas Cranachas vyresnysis, Hansas Holbeinas, Matthiasas Grunewaldas.

Nuotraukoje – A. Durerio autoportretas iš 1498 m.

Nepaisant to, kad šiaurės meistrų darbai gerokai skiriasi nuo italų tapytojų darbų, jie bet kuriuo atveju pripažįstami neįkainojamais vaizduojamojo meno eksponatais.

Renesanso tapybai, kaip ir visai kultūrai, būdingas pasaulietinis charakteris, humanizmas ir vadinamasis antropocentrizmas, arba, kitaip tariant, pirminis domėjimasis žmogumi ir jo veikla. Per šį laikotarpį tai įvyko tikras klestėjimas susidomėjimas senovės menu ir įvyko jo atgimimas. Era padovanojo pasauliui puikių skulptorių, architektų, rašytojų, poetų ir menininkų galaktiką. Niekada anksčiau ar vėliau kultūros klestėjimas nebuvo toks plačiai paplitęs.

Renesanso laikais įvyksta daug pokyčių ir atradimų. Ištiriami nauji žemynai, plėtojama prekyba, išrandami svarbūs dalykai, tokie kaip popierius, jūrinis kompasas, parakas ir daugelis kitų. Didelę reikšmę turėjo ir tapybos pokyčiai. Renesanso tapyba sulaukė didžiulio populiarumo.

Pagrindiniai stiliai ir tendencijos meistrų kūryboje

Šis laikotarpis buvo vienas vaisingiausių meno istorijoje. Daugelio iškilių meistrų šedevrų šiandien galima rasti įvairiuose meno centruose. Pirmoje XV amžiaus pusėje Florencijoje pasirodė novatoriai. Jų Renesanso tapyba pažymėjo pradžią nauja era meno istorijoje.

Šiuo metu mokslas ir menas tampa labai glaudžiai susiję. Menininkai ir mokslininkai siekė įvaldyti fizinį pasaulį. Dailininkai bandė pasinaudoti tikslesnėmis idėjomis apie žmogaus kūną. Daugelis menininkų siekė realizmo. Stilius prasideda Leonardo da Vinci paveikslu „Paskutinė vakarienė“, kurį jis nutapė beveik ketverius metus.

Vienas žinomiausių kūrinių

Jis buvo nutapytas 1490 m. Milano Santa Maria delle Grazie vienuolyno valgykla. Paveikslas vaizduoja paskutinį Jėzaus valgį su savo mokiniais prieš jį sulaikant ir nužudant. Šiuo laikotarpiu menininko kūrybą stebėję amžininkai pastebėjo, kaip jis galėjo piešti nuo ryto iki vakaro, net nesustodamas valgyti. Ir tada jis galėjo kelioms dienoms apleisti savo paveikslą ir visiškai prie jo nesiartinti.

Menininkui labai rūpėjo paties Kristaus ir išdaviko Judo atvaizdas. Kai paveikslas pagaliau buvo baigtas, jis teisėtai pripažintas šedevru. „Paskutinė vakarienė“ vis dar yra viena populiariausių. Renesanso reprodukcijos visada buvo labai paklausios, tačiau šis šedevras yra pažymėtas nesuskaičiuojama daugybe kopijų.

Pripažintas šedevras arba paslaptinga moters šypsena

Tarp XVI amžiuje Leonardo sukurtų darbų yra portretas, vadinamas Mona Liza, arba La Gioconda. Šiuolaikinėje eroje tai bene garsiausias paveikslas pasaulyje. Išpopuliarėjo daugiausia dėl drobėje pavaizduotos moters veido nesuvokiamos šypsenos. Kas lėmė tokią paslaptį? Sumanus meistro darbas, gebėjimas taip meistriškai užtemdyti akių ir burnos kampučius? Tikslus šios šypsenos pobūdis negali būti nustatytas iki šiol.

Kitos šios nuotraukos detalės nekonkuruoja. Verta atkreipti dėmesį į moters rankas ir akis: kaip tiksliai dailininkė ją tapydama elgėsi su smulkiausiomis drobės detalėmis. Ne mažiau įdomus yra dramatiškas peizažas paveikslo fone, pasaulis, kuriame viskas tarsi tėkmėje.

Kitas garsus tapybos atstovas

Ne mažiau garsus atstovas Renesansas – Sandro Botticelli. Tai puikus italų tapytojas. Jo Renesanso paveikslai taip pat yra labai populiarūs tarp Platus pasirinkimasžiūrovų. „Magių garbinimas“, „Madona ir vaikas, įžengęs į sostą“, „Apreiškimas“ - šie Botticelli darbai, skirti religinei temai, tapo didžiuliais menininko pasiekimais.

Kitas garsus meistro darbas – „Madonna Magnificat“. Ji išgarsėjo per Sandro gyvenimą, tai liudija daugybė reprodukcijų. Panašios apskritimo formos drobės buvo gana paklausios penkioliktojo amžiaus Florencijoje.

Naujas posūkis menininko kūryboje

Nuo 1490 m. Sandro pakeitė savo stilių. Jis tampa asketiškesnis, spalvų derinys dabar kur kas santūresnis, dažnai vyrauja tamsūs tonai. Naujas kūrėjo požiūris į kūrinių rašymą aiškiai matomas „Marijos karūnavimo“, „Kristaus raudos“ ir kituose paveiksluose, kuriuose vaizduojama Madona su Kūdikiu.

Tuo metu Sandro Botticelli tapyti šedevrai, pavyzdžiui, Dantės portretas, neturi peizažo ir interjero fonų. Vienas iš ne mažiau reikšmingų menininko kūrinių yra „Mistinės Kalėdos“. Paveikslas buvo nutapytas 1500 m. pabaigoje Italijoje kilusios suirutės įtakoje. Daugelis Renesanso menininkų paveikslų ne tik išpopuliarėjo, bet ir tapo pavyzdžiu vėlesnei dailininkų kartai.

Menininkas, kurio drobes gaubia susižavėjimo aura

Rafaelis Santi da Urbino buvo ne tik architektas. Jo Renesanso tapyba žavisi formų aiškumu, kompozicijos paprastumu ir vizualiniu žmogaus didybės idealo pasiekimu. Kartu su Mikelandželu ir Leonardo da Vinci jis yra vienas iš tradicinių didžiausių šio laikotarpio meistrų trejybės.

Jis gyveno palyginti trumpą gyvenimą, tik 37 metus. Tačiau per tą laiką jis sukūrė daugybę savo šedevrų. Kai kurie jo darbai yra Vatikano rūmuose Romoje. Ne visi žiūrovai gali savo akimis pamatyti Renesanso menininkų paveikslus. Šių šedevrų nuotraukos yra prieinamos visiems (kai kurios iš jų pateikiamos šiame straipsnyje).

Žymiausi Rafaelio kūriniai

1504–1507 metais Rafaelis sukūrė visą seriją Madonų. Paveikslai išsiskiria kerinčiu grožiu, išmintimi ir kartu tam tikru nušvitusiu liūdesiu. Garsiausias jo paveikslas buvo Sikstas Madonna. Ji pavaizduota sklandanti danguje ir sklandžiai besileidžianti link žmonių su Kūdikiu ant rankų. Būtent šį judesį menininkas sugebėjo labai meistriškai pavaizduoti.

Šį kūrinį labai gyrė daugelis garsių kritikų ir visi priėjo prie tos pačios išvados, kad tai tikrai retas ir neįprastas. Visi Renesanso menininkų paveikslai turi ilgą istoriją. Tačiau ji tapo populiariausia dėl savo nesibaigiančių klajonių, pradedant nuo jos sukūrimo momento. Išgyvenęs daugybę išbandymų, jis pagaliau užėmė deramą vietą tarp Drezdeno muziejaus parodų.

Renesanso paveikslai. Žymių paveikslų nuotraukos

Ir dar vienas žymus italų tapytojas, skulptorius ir architektas, turėjęs didžiulę įtaką Vakarų meno raidai – Michelangelo di Simoni. Nepaisant to, kad jis daugiausia žinomas kaip skulptorius, yra ir gražių jo paveikslų. O reikšmingiausia iš jų – Siksto koplyčios lubos.

Šis darbas buvo atliktas ketverius metus. Erdvė užima apie penkis šimtus kvadratinių metrų, joje yra daugiau nei trys šimtai figūrų. Pačiame centre yra devyni Pradžios knygos epizodai, suskirstyti į kelias grupes. Žemės sukūrimas, žmogaus sukūrimas ir jo nuopuolis. Tarp garsiausių paveikslų ant lubų yra „Adomo sukūrimas“ ir „Adomas ir Ieva“.

Jo ne mažiau garsus darbas yra „Paskutinis teismas“. Jis buvo pagamintas ant Siksto koplyčios altoriaus sienos. Freska vaizduoja antrąjį Jėzaus Kristaus atėjimą. Čia Mikelandželas, tapydamas Jėzų, nepaiso standartinių meninių konvencijų. Jis pavaizdavo jį masyvios raumeningos kūno struktūros, jauną ir bebarzdotį.

Religijos prasmė, arba Renesanso menas

Italijos Renesanso tapyba tapo Vakarų meno raidos pagrindu. Daugelis populiarių šios kartos kūrėjų kūrinių daro didžiulę įtaką menininkams, besitęsiančią iki šiol. Didieji to laikotarpio meno atstovai daugiausia dėmesio skyrė religinėms temoms, dažnai dirbdami pagal turtingų mecenatų, tarp jų ir paties popiežiaus, užsakymus.

Religija tiesiogine prasme įsiskverbė į kasdienis gyvenimasšios eros žmonių, yra giliai įsišaknijęs menininkų mintyse. Beveik visi religiniai paveikslai randami muziejuose ir meno saugyklose, tačiau renesanso paveikslų, susijusių ne tik su šia tema, reprodukcijų galima rasti daugelyje įstaigų ir net įprastuose namuose. Žmonės be galo žavėsis darbais žinomi meistrai tą laikotarpį.