Πατήστε για την απόδοση. Χωριουδάκι

Ιγκόρ ΓκολοβατένκοΑποφοίτησε από το Ωδείο της Μόσχας στην τάξη ορχήστρας όπερας και συμφωνικής ορχήστρας (τάξη καθηγητή G. N. Rozhdestvensky). Σπούδασε σόλο τραγούδι στην Ακαδημία χορωδιακή τέχνηπήρε το όνομά του από τον V. S. Popov (τάξη του καθηγητή D. Yu. Vdovin).

Το 2006 έκανε το ντεμπούτο του στο «Mes of Life» του F. Delius με την Εθνική Φιλαρμονική Ορχήστρα της Ρωσίας υπό τη διεύθυνση του Vladimir Spivakov. Από το 2007 έως το 2014 ήταν σολίστ με το Θέατρο Όπερας Novaya της Μόσχας, όπου έπαιξε πρωταγωνιστικούς ρόλους στις όπερες Eugene Onegin και Iolanta του P. Tchaikovsky, La Traviata, Il trovatore και Aida του G. Verdi, L'elisir d'amore. » G. Donizetti, Ο κουρέας της Σεβίλλης του G. Rossini, Rural Honor του P. Mascagni.

Από το 2014 - σολίστ του θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας. Έπαιξε ως Lopakhin (The Cherry Orchard του F. Fenelon), Germont and Rodrigo (La Traviata and Don Carlos του G. Verdi), Marseille (La Boheme του G. Puccini), Doctor Malatesta (Don Pasquale του G. Donizetti), Lionel and Robert (The Maid of Orleans and Iolanthe του Π. Τσαϊκόφσκι).

Βραβευμένη στους διεθνείς διαγωνισμούς «Three centuries of classical romance» στην Αγία Πετρούπολη και στο διαγωνισμό Ιταλών τραγουδιστών όπερας στο θέατρο Μπολσόι.

Οι ξένες δεσμεύσεις του τραγουδιστή περιλαμβάνουν παραστάσεις στην Εθνική Όπερα του Παρισιού, την Κρατική Όπερα της Βαυαρίας, το Ναπολιτάνικο Θέατρο San Carlo, τα θέατρα του Παλέρμο, του Μπέργκαμο, της Τεργέστης, της Λιλ, του Λουξεμβούργου, το Colon Theatre στο Μπουένος Άιρες, την Εθνική Όπερα του Σαντιάγο στη Χιλή, την Εθνική Λυρική Σκηνή της Ελλάδος, την Εθνική όπερα της Λετονίας καθώς και στα διάσημα Φεστιβάλ Όπερας του Wexford και του Glyndebourne.

Ο Igor Golovatenko συνεργάστηκε με διάσημοι μαέστροι, συμπεριλαμβανομένων των Mikhail Pletnev, Vladimir Spivakov, Tugan Sokhiev, Vasily Sinaisky, Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, Christophe-Matthias Muller, Enrique Mazzola, Robert Trevigno; μεταξύ των σκηνοθετών με τους οποίους συνεργάστηκε ο τραγουδιστής είναι οι Francesca Zambello, Adrian Noble, Elijah Moshinsky, Rolando Panerai.

Συχνά παίζει με ρωσικά εθνική ορχήστραυπό τη διεύθυνση του Mikhail Pletnev (συγκεκριμένα συμμετείχε σε παραστάσεις συναυλιών των όπερων Carmen του G. Bizet, The Tales of Hoffmann του G. Offenbach και Eugene Onegin του P. Tchaikovsky, καθώς και στη μουσική του E. Grieg για τον G. Το δράμα του Ibsen Peer Gynt "). Συμμετέχει στο Μεγάλο Φεστιβάλ της Ρωσικής Εθνικής Ορχήστρας. Έχει εμφανιστεί με την Εθνική Φιλαρμονική Ορχήστρα της Ρωσίας υπό τη διεύθυνση του Vladimir Spivakov και την Κρατική Συμφωνική Ορχήστρα " Νέα Ρωσίαυπό τη διεύθυνση του Γιούρι Μπασμέτ.

Laura Claycomb

Laura Claycombδικαίως θεωρείται μια από τις πιο ευέλικτες τραγουδίστριες της γενιάς της - παγκόσμιο κοινό και μουσική κριτικήτόσο η υπέροχη φωνή της τραγουδίστριας όσο και το ευρύ φάσμα των υποκριτικών της ικανοτήτων είναι εξίσου θαυμαστές. Βραβευμένη σε πολλούς σημαντικούς διεθνείς διαγωνισμούς (συμπεριλαμβανομένου του Διεθνούς Διαγωνισμού Τσαϊκόφσκι το 1994, όπου της απονεμήθηκε το ΙΙ βραβείο και Αργυρό μετάλιο), η Laura Claycomb τράβηξε για πρώτη φορά την προσοχή πάνω της μετά το ντεμπούτο της στην Όπερα της Γενεύης στο Capulets e Montecchi του Bellini το 1994, όταν έπρεπε να αντικαταστήσει μια άρρωστη συνάδελφο την τελευταία στιγμή. Ο ρόλος της Ιουλιέτας έφερε την πρώτη της μεγάλη επιτυχία - αργότερα τον ερμήνευσε στην Όπερα του Λος Άντζελες, στην Όπερα του Πίτσμπουργκ και στην Όπερα της Βαστίλης του Παρισιού. Ένας άλλος ρόλος «στέμμα» της τραγουδίστριας ήταν η Gilda στο «Rigoletto» του Βέρντι, που τραγούδησε στην Όπερα του Χιούστον, στην Όπερα της Βαστίλης του Παρισιού, στην Όπερα της Λωζάνης, στο Μπιλμπάο, στην Όπερα του Σαλέρνο και στην Όπερα του Νέου Ισραήλ. Άλλοι ρόλοι bel canto ήταν η Lucia ("Lucia di Lammermoor" του Donizetti στην Όπερα του Νέου Ισραήλ, η Grand Opera του Χιούστον), η Linda ("Linda di Chamouni" του Donizetti στη Σκάλα του Μιλάνου), η Μαρία ("Daughter of the Regiment" του Donizetti στη Μεγάλη Όπερα του Χιούστον), την Αντέλ (Κόμης Όρι του Ροσίνι στην Όπερα της Λωζάνης) και την Οφηλία (Άμλετ του Τόμας στο θέατρο Βέρντι στην Τεργέστη). Τις προηγούμενες σεζόν, η Laura Claycomb έπαιξε με επιτυχία ως Zerbinetta (Ariadne auf Naxos by R. Strauss) στην Όπερα του Λος Άντζελες και στο Παλέρμο.

Ένας άλλος τομέας ενδιαφέροντος για την τραγουδίστρια είναι η μπαρόκ μουσική, όπου η συμβολή της εκτιμάται δεόντως από κορυφαίους ειδικούς μαέστρους μουσική XVIIIαιώνα: Christoph Rousset, Mark Minkowski, Ivor Bolton, Roy Goodman, Harry Bicket. Η Λόρα Κλέικομπ έχει ερμηνεύσει τους ρόλους της Κλεοπάτρας (ο Ιούλιος Καίσαρας του Χάντελ στην Όπερα του Χιούστον, στο Μπαρόκ Θέατρο Ντότννχολμ στη Σουηδία και στο Φεστιβάλ Μονπελιέ), της Μοργκάνα (Η Αλκίνα του Χέντελ στην Εθνική Όπερα της Αγγλίας), της Ντρουσίλλα (Η στέψη της Πόππα από τον Μοντεβέρντι στο Όπερα Ολλανδίας) , Ginevra ("Handel's Ariodante" στην Εθνική Όπερα της Βαυαρίας και στην Όπερα Garnier στο Παρίσι), Polissene ("Handel's Radamist" στο Φεστιβάλ Όπερας Santa Fe στις ΗΠΑ), Romilda ("Ξέρξης" του Handel στο Houston Grand Opera), Semele (" Semele του Handel στη Φλαμανδική Όπερα). Η Laura Claycomb έχει συνεργαστεί με διακεκριμένους σκηνοθέτες όπερας όπως οι Peter Sellars, Robert Lepage, Robert Carsen, David Poutney, Julie Taymor, Jérôme Savary, David McVicar, Olivier Pi, Nicolas Joel, Pierre Audi, Catharina Thomas, Luca Ronconi και John Cox.

Το ρεπερτόριο συναυλιών του τραγουδιστή καλύπτει τη μουσική τεσσάρων αιώνων. Είναι εξίσου άνετη στη μουσική του Μότσαρτ, του Μπετόβεν, του Μπερλιόζ, δίνει μεγάλη σημασία στο σύγχρονο ρεπερτόριο: το ντεμπούτο της στο Φεστιβάλ του Σάλτσμπουργκ έγινε στην όπερα του Γκιόργκι Λιγκέτι Ο μεγάλος νεκρός, η Esa-Pekka Salonen της εμπιστεύτηκε την παγκόσμια πρεμιέρα. του φωνητικού του κύκλου Five Fragments from Sappho », στα σόλο προγράμματά της βάζει συχνά τα έργα των Stravinsky, Copland, Messiaen, Saariaho. Μεταξύ των μαέστρων με τους οποίους έχει συνεργαστεί η Laura Claycomb είναι οι Pierre Boulez, Esa-Pekka Salonen, Richard Hickox, Valery Gergiev, Roger Norrington, Michael Tilson-Thomas, Kent Nagano, Ivan Fischer, Evelino Pido, Carlo Rizzi και πολλοί άλλοι. Η δισκογραφία του τραγουδιστή, που εκπροσωπείται από άλμπουμ στις Sony, Virgin Classics, Chandos, περιλαμβάνει συνθέσεις από τον Handel μέχρι τον Ligeti.

Τις τελευταίες σεζόν, η Laura Claycomb έχει εμφανιστεί στις σκηνές της Μεγάλης Όπερας του Χιούστον (“Die Fledermaus” του I. Strauss), του Θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας (“La Sonnambula” του Μπελίνι), του Φεστιβάλ Όπερας του Glyndebourne (“Ariadne auf Naxos » από τον R. Strauss), την Όπερα της Φλωρεντίας (“ Candide by Bernstein), το Φεστιβάλ Bregenz (Μαγικός αυλός του Μότσαρτ), την Όπερα του Μπέργκεν (Το Χρυσό Κόκορα του Rimsky-Korsakov), καθώς και σε προγράμματα συναυλιών που διευθύνουν μαέστροι όπως ο Michael Tilson-Thomas, Valery Gergiev και Zubin Mehta.

Ράφαλ Σιβέκ

Ο τραγουδιστής έκανε το επαγγελματικό του ντεμπούτο το 2002 στην Εθνική Λυρική Σκηνή της Βαρσοβίας ως Γκρέμιν (Ευγένιος Ονέγκιν του Τσαϊκόφσκι). Ράφαλ Σιβέκπαίζει συχνά στην Ιταλία. Συγκεκριμένα, τραγούδησε το Collena (La Boheme του Πουτσίνι) στο Arena di Verona και στο φεστιβάλ Μιούζικαλ του Μάη της Φλωρεντίας, τον Κόμη Ρούντολφ (La Sonnambula του Μπελίνι) στο Θέατρο. Ο Γ. Βέρντι στην Τεργέστη, ο Βασιλιάς Μάρκος (Τριστάνος ​​και η Ιζόλδη του Βάγκνερ) στην Όπερα της Ρώμης, ο Οροβέζα (Νόρμα του Μπελίνι) στο Teatro Comunale της Μπολόνια, ο Ντον Μπαζίλιο (Ο Κουρέας της Σεβίλλης του Ροσίνι) στο Μπάρι, στο Παλέρμο και στην Πιατσέντσα, ο Τιμούρα (Τουραντότ). από τον Πουτσίνι) στο Φεστιβάλ Πουτσίνι στο Tore del Lago.

Είναι αναγνωρισμένος ερμηνευτής των ρόλων του Βέρντι. Έχει παίξει το ρόλο του Βασιλιά Φίλιππου (Δον Κάρλος) με τη Φιλαρμονική Ορχήστρα του Ισραήλ υπό τη διεύθυνση Zubin Mehta, καθώς και στο Teatro Regio του Τορίνο υπό τη διεύθυνση του Semyon Bychkov. το μέρος του Ramfis (Aida) στο Σάο Πάολο (διεύθυνση από τον Lorin Maazel) και το Ρίο ντε Τζανέιρο. το μέρος του Ζαχαρία (Ναμπούκο) στην Εθνική Όπερα της Βαρσοβίας. Wurma (Louise Miller) στη Βαλένθια (μαέστρος Lorin Maazel), Πάρμα και Μόντενα. Padre Guardiana ("Force of Destiny") στην Όπερα του Λοτζ (Πολωνία), de Silva ("Ernani") στο Θέατρο. V. Bellini στην Κατάνια.

Τραγούδησε το Thibault d'Arc (Τα Υπηρέτρια της Ορλεάνης του Τσαϊκόφσκι) στο Concertgebouw του Άμστερνταμ, το τραγούδι του Αρχιεπισκόπου Szymanowski (King Roger) στο Chatelet Theatre στο Παρίσι, το Commander (Don Giovanni του Μότσαρτ) στο La Monnaie, την Όπερα της Λιλ στο Μπολς και την Όπερα της Λιλ. . Άλλοι αρραβώνες περιλαμβάνουν τον Sir George Walton (Puritani του Bellini) στην Όπερα του Łódź, τον Sparafucile (Rigoletto του Verdi) στο Φεστιβάλ Savonlinna, τον Timur (Turandot) στην αίθουσα Bunka Kaikan στο Τόκιο. Στη Βαρσοβία έπαιξε ως Hunding (Valkyrie του Wagner), Seneca (The Coronation of Poppea του Monteverdi), Sarastro ( μαγικό φλάουτο Mozart), Raymond («Lucia di Lammermoor» του Donizetti), Don Basilio («The Barber of Seville»), Zachariah («Nabucco»), Sparafucile («Rigoletto»), Timur («Turandot»).

Μεταξύ των αρραβώνων το 2010/12: The Grand Inquisitor (Don Carlos) στην Κρατική Όπερα του Βερολίνου, Ramfis (Aida) στην Όπερα της Ρώμης, Timur (Turandot), Ramfis (Aida), Wurm (Louise Miller)) και Fafner (Wagner's Siegfried). ) στην Κρατική Όπερα της Βαυαρίας.

Τη σεζόν 2012/13, ερμήνευσε το μέρος του Βλαντιμίρ Γιαροσλάβιτς (Πρίγκιπας Ιγκόρ Μποροντίν) στην Κρατική Όπερα του Αμβούργου, του Μεγάλου Ιεροεξεταστή (Δον Κάρλος) και του Ράμφη (Αΐντα) στην Κρατική Όπερα του Βερολίνου, του Βασιλιά Φίλιππου (Δον Κάρλος) στο Εθνική Όπερα της Βαρσοβίας, Διοικητής (Don Giovanni) στην Όπερα της Ζυρίχης, Daland (Ο Ιπτάμενος Ολλανδός του Βάγκνερ) στην Κρατική Όπερα της Βαυαρίας. Το 2013, πήρε μέρος σε μια παραγωγή του Δον Κάρλος του Βέρντι στο Θέατρο Ροσίνι ως Φίλιππος Β' (μαέστρος Robert Trevigno, σκηνοθέτης Adrian Noble).

Παίζει συχνά στη σκηνή της συναυλίας. Έχει ερμηνεύσει το Ρέκβιεμ του Βέρντι υπό τη διεύθυνση της Λορίν Μάαζελ στο Μιλάνο, την Καζαμπλάνκα, το Μπουσέτο και την Ιερουσαλήμ και την Ένατη Συμφωνία του Μπετόβεν στη Ρώμη, το Μιλάνο, τις Βρυξέλλες και την Ταορμίνα. Υπό τη σκυτάλη του Zubin Meta, τραγούδησε στη Ρωμαϊκή Ακαδημία της Santa Cecilia (Ρέκβιεμ του Βέρντι) και στο φεστιβάλ Μιούζικαλ Μάη της Φλωρεντίας (Ενάτη Συμφωνία του Μπετόβεν). Στη Βερόνα πήρε μέρος στην παράσταση Stabat Mater του Rossini (μαέστρος Alberto Zedda). Συμμετείχε σε παραστάσεις της Γλαγολιτικής Λειτουργίας του Janáček στο Εαρινό Φεστιβάλ της Πράγας, στο Φεστιβάλ Μπετόβεν στη Βόννη, καθώς και στη Μπρατισλάβα, το Μπρνο και το Λιντς. Στη Φιλαρμονική της Βαρσοβίας έλαβε μέρος σε παραστάσεις του Ρέκβιεμ του Βέρντι, του Stabat Mater του Dvořák, της Πανηγυρικής Λειτουργίας του Μπετόβεν, της Μικρής Πανηγυρικής Λειτουργίας του Ροσίνι, της Στέψης και του Ρέκβιεμ του Μότσαρτ, της Λειτουργίας σε Β ελάσσονα του J.S. Bach. Στη Ρίγα τραγούδησε στο Credo του Krzysztof Penderecki υπό τη διεύθυνση του συγγραφέα.

Ντόρις Λάμπρεχτ

Ντόρις ΛάμπρεχτΓεννημένη στο Λιντς (Αυστρία), σπούδασε φωνητική στο Ωδείο του Παρισιού με την Jeanne Berbier, μετά την οποία εκπαιδεύτηκε στην Εθνική Όπερα του Παρισιού. Είναι περιζήτητο στο πιο ποικιλόμορφο ρεπερτόριο - από Monteverdi, Bach, Handel και Rameau μέχρι τα έργα σύγχρονων Γάλλων συνθετών. Οι πιο σημαντικές αρραβώνες της περιλαμβάνουν τον Ριγκολέτο του Βέρντι στην Εθνική Όπερα του Ρήνου στο Στρασβούργο και την Τραβιάτα του Βέρντι στο Φεστιβάλ Πορτοκαλιού, τους Ληστές του Όφενμπαχ στην Εθνική Όπερα του Παρισιού και τον Μαγικό Αυλό του Μότσαρτ στα Φεστιβάλ Αιξ-αν-Προβάνς και Λυών. όπερα, Όφενμπαχ Η La Belle Helena στην Όπερα της Ζυρίχης, η Λουλού του Μπεργκ στην Όπερα Μετς και οι Χάνσελ και Γκρέτελ του Χάμπερντινκ στην Όπερα της Φλάνδρας.

Τα τελευταία χρόνια, η Doris Lamprecht έχει τραγουδήσει στην Όπερα της Λιλ (Faust του Gounod), στο Parisian Theatre du Chatelet (Arabella του R. Strauss, Pollicino του H. W. Henze), στην Εθνική Όπερα του Παρισιού (Ramo's Platea, "Daughter of the Regiment" του Donizetti, «Hansel and Gretel» του Humperdinck, «Faust» του Gounod, «Electra» του R. Strauss), Opera Avignon («Eugene Onegin» του Tchaikovsky), Parisian Opera Comique («Fra Diavolo» του Auber), Opera. Sainte-Etienne («Άμλετ» του Τόμας), Όπερα Ολλανδίας («Romeo and Juliet» του Gounod), Όπερα της Γενεύης («The Rosenkavalier» του R. Strauss, «Juliet» του Martin), το θέατρο Liceu της Βαρκελώνης (« Σταχτοπούτα» του Massenet), την Όπερα της Λυών («Comte Ory» του Rossini), καθώς και στις όπερες του Στρασβούργου, της Νάντης, της Μαδρίτης, της Μασσαλίας, της Nancy και του Tours. Ο τραγουδιστής έχει εμφανιστεί με εξαιρετικούς μαέστρους όπως οι Nikolaus Harnoncourt, Michel Plasson, Christophe Rousset, Jean-Christophe Spinozi, Jacques Lacombe, Mikhail Yurovsky, Jiri Beloglavek, Alain Altinoglu, William Christie, Marc Minkowski και Stefano Montanari.

Αλεξέι Νεκλιούντοφ

Αλεξέι ΝεκλιούντοφΕίναι βραβευμένος με πολλούς ρωσικούς και διεθνείς διαγωνισμούς, συμπεριλαμβανομένου του IV Ανοιχτού Διαγωνισμού για Νέους Τραγουδιστές Alexander Pirogov (I βραβείο, 2007), του XV Bella voce International Vocal Competition (II βραβείο και του Hope Prize από το Μορφωτικό Ίδρυμα Μόσχας, 2007) . Από το 2009, σπούδασε στην Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης V. S. Popov στην τάξη του καθηγητή S. G. Nesterenko. Τον Απρίλιο του 2010, ο Alexei έκανε το ντεμπούτο του στη σκηνή της Μεγάλης Αίθουσας του Ωδείου με την Εθνική Φιλαρμονική Ορχήστρα της Ρωσίας υπό τη διεύθυνση του Vladimir Spivakov, ερμηνεύοντας το μέρος του τενόρου στο Ρέκβιεμ του C. Saint-Saens.

Το 2012, ο Alexei έγινε ιδιοκτήτης επιχορήγησης από την Εθνική Φιλαρμονική Ορχήστρα της Ρωσίας, ένα χρόνο αργότερα έλαβε υποτροφία από το Ίδρυμα M. Magomayev. Το 2013 και το 2014 συμμετείχε στο διεθνές φεστιβάλ κλασσική μουσική V. Spivakov στο Colmar (Γαλλία). Ο τραγουδιστής έχει εμφανιστεί με μαέστρους όπως οι Vladimir Fedoseev, Mikhail Pletnev, Vladimir Yurovsky, Otto Tausk, Konstantin Orbelian, Peter Neumann, Fabio Mastrangelo, Stefano Montanari, Andreas Shpering. Πήρε μέρος στα φεστιβάλ "Cherry Forest", "Vladimir Spivakov προσκαλεί ..." και πολλά άλλα.

Το 2013, ο Alexei Neklyudov έγινε σολίστ στο Δημοτικό Θέατρο Novaya της Μόσχας με το όνομα E. V. Kolobov, όπου έπαιξε ρόλους στις όπερες The Snow Maiden του N. A. Rimsky-Korsakov, Salome του R. Strauss, Eugene Onegin του P. I. Tchaikov. . Από το 2014, ο Alexey είναι προσκεκλημένος σολίστ στο Θέατρο Μπολσόι της Ρωσίας. Στη Νέα Σκηνή του Θεάτρου συμμετείχε σε μια νέα παραγωγή της όπερας του W. A. ​​Mozart «Έτσι το κάνουν όλοι…» (στο μέρος του Ferrando, σκηνοθέτης Floris Visser, μαέστρος Stefano Montanari), στην παραγωγή του The Snow. Maiden από τον N. A. Rimsky-Korsakov (σκηνοθέτης Alexander Titel, μαέστρος Tugan Sokhiev) και παράσταση συναυλίας της όπερας του G. Rossini Journey to Reims (μαέστρος Tugan Sokhiev). Τον Μάιο του 2015, ερμήνευσε το μέρος του Lykov στην όπερα του N. A. Rimsky-Korsakov βασιλική νύφηστην Όπερα του Τελ Αβίβ (Ισραήλ). Τον Ιούνιο του 2015 πήρε μέρος στο Summer Academy Festival στο Aix-en-Provence (Γαλλία). Στο Baden Staatstheater στην Καρλσρούη, ο τραγουδιστής ερμηνεύει τα μέρη του Nemorino (L'elisir d'amore του G. Donizetti), του Tamino (The Magic Flute του W. A. ​​Mozart), του Oronte (Alcina του G. F. Handel) και του Lord Percy ( Anna Boleyn» του G. Donizetti). Μεταξύ των επερχόμενων παραστάσεων του τραγουδιστή είναι το ντεμπούτο του στην Komische Oper του Βερολίνου, στην Deutsche Oper am Rhein στο Ντίσελντορφ, στο Φεστιβάλ Bregenz και στο Θέατρο του St. Gallen.

Ντμίτρι Σκορίκοφ

Ντμίτρι Σκορίκοφγεννήθηκε το 1974 στη Ρούζα. Αποφοίτησε από την Ακαδημαϊκή Μουσική Σχολή του Ωδείου της Μόσχας με πτυχίο διεύθυνσης χορωδίας (τάξη του καθηγητή Igor Agafonnikov) και τη Μόσχα κρατικό ινστιτούτομουσική με το όνομα Schnittke, με ειδίκευση στο " σόλο τραγούδι» (τάξη καθηγήτριας Αλευτίνας Μπελούσοβα).

Αμέσως μετά την αποφοίτησή του έγινε σολίστ του Θεάτρου Ελικών-Όπερα (2002). Το ρεπερτόριό του περιλαμβάνει περισσότερους από είκοσι πρωταγωνιστικούς ρόλους, μεταξύ των οποίων οι Don Bartolo και Leporello ("The Marriage of Figaro" και "Don Giovanni" του Mozart), Don Pasquale ("Don Pasquale" του Donizetti), Falstaff ("Falstaff" του Verdi). Timur ("Turandot Puccini), Advocate Kolenatiy (Makropulos Remedy του Yanachek), Boris Godunov and Pimen (Boris Godunov του Mussorgsky), Gremin και Kochubey (Eugene Onegin και Mazepa του Tchaikovsky), Salieri (Rimsky-Rimsky's Factory) και Korsarov. (Τσαάντσκι του Μανότσκοφ).

Από το 2016 είναι προσκεκλημένος σολίστ του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου Σαμάρα. Προτάθηκε για την Εθνική θεατρικό βραβείο « Χρυσή Μάσκα"(2017) για το ρόλο του Boris Timofeevich Izmailov στην όπερα Lady Macbeth Περιοχή Mtsensk» Σοστακόβιτς. Στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας ερμήνευσε τους ρόλους του Βογιεβόντα Πόλκαν (Το χρυσό κόκορα του Ρίμσκι-Κόρσακοφ) και του Μάγκα Τσελί (Η αγάπη για τα τρία πορτοκάλια του Προκόφιεφ). Στο Θέατρο Μιχαηλόφσκι της Αγίας Πετρούπολης έπαιξε στις όπερες Ο κουρέας της Σεβίλλης του Ροσίνι (Ντον Μπαρτόλο), Λα μποέμ του Πουτσίνι (Κόλιν) και Γοργόνα του Ντβόρζακ (Βοντιάνοι). Το 2014, πήρε μέρος στο 6ο Μεγάλο Φεστιβάλ της Ρωσικής Εθνικής Ορχήστρας στη σκηνή του Μεγάρου Μουσικής Τσαϊκόφσκι, όπου ερμήνευσε τον ρόλο του Πισάρ στην όπερα " Νύχτα Μαΐου» Ρίμσκι-Κόρσακοφ.

Έχει περιοδεύσει με τον θεατρικό θίασο σε Γαλλία, Ισπανία, Ιταλία, Ολλανδία, Ισραήλ, Λίβανο, Αζερμπαϊτζάν, Κίνα, Νότια Κορέα και Ταϊλάνδη. Διευθύνει ενεργή συναυλιακή δραστηριότητα στη Μόσχα και σε άλλες πόλεις της Ρωσίας, παίζει με συμφωνικές ορχήστρες και ορχήστρες λαϊκών οργάνων. Συνεργάστηκε με διάσημους μαέστρους: Gennady Rozhdestvensky, Eri Klas, Mikhail Pletnev, Vasily Sinaisky, Vladimir Ponkin, Yuri Bashmet, Mikhail Tatarnikov και άλλους. Συμμετείχε σε κοινά έργα με τα αστέρια της παγκόσμιας σκηνής της όπερας, συμπεριλαμβανομένων των Elena Obraztsova, Dmitry Hvorostovsky, Anna Netrebko, Dmitry Korchak και Laura Claycomb. Τακτικός συμμετέχων στο πρόγραμμα "Romance of Romance" στο τηλεοπτικό κανάλι "Culture".

Ιγκόρ Μορόζοφ

Γεννήθηκε το 1990 στο Ryazan. Αποφοίτησε από τη Σχολή Χορωδίας της Μόσχας με το όνομα A. V. Sveshnikov (2010) και την Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης με το όνομα V. S. Popov (2016) με πτυχίο στη διεύθυνση χορωδίας και το ακαδημαϊκό τραγούδι. Βραβευμένος σε διεθνείς διαγωνισμούς, Πανρωσικός διαγωνισμός "Νεαρά ταλέντα της Ρωσίας". Νικητής του βραβείου Elena Obraztsova "Για μια φωτεινή αρχή στην τέχνη". Προτάθηκε για την Εθνική Ρωσίας μουσικό βραβείοστην κατηγορία «Τραγουδιστής της Χρονιάς» (2016).

Το 2013, έκανε το ντεμπούτο του στη σκηνή της όπερας, παίζοντας σε μια παραγωγή της όπερας του Richard Strauss Der Rosenkavalier στην Ιστορική Σκηνή του Θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας υπό τη διεύθυνση του Vasily Sinaisky. Σήμερα είναι σολίστ του Θεάτρου Όπερας Ελικών.

Ως προσκεκλημένος καλλιτέχνης, συνεργάστηκε με τη Ρωσική Εθνική Ορχήστρα, την Κρατική Ορχήστρα της Ρωσίας με το όνομα E.F. Svetlanov, την Ακαδημαϊκή Συμφωνική Ορχήστρα της Φιλαρμονικής της Μόσχας, τους μαέστρους Alberto Zedda, Mikhail Pletnev, Vladimir Yurovsky, Marco Zambelli, Alexander Vedernikov. Συμμετείχε στις παραστάσεις του Αλέκο του Ραχμανίνοφ, της Σαλώμης του Ρίτσαρντ Στράους, της Άννας Μπολέιν του Ντονιτσέτι, της Ερμιόνης του Ροσίνι και του Δαίμονα του Ρουμπινστάιν. Τραγούδησε σόλο μέρη στα Ρέκβιεμ του Μότσαρτ και του Σαιν-Σανς, στο The Pinezhsky Tale of the Duel and the Death of Pushkin του Leonid Desyatnikov.

Το 2016 έκανε το ντεμπούτο του στην Εθνική Λυρική Σκηνή της Κροατίας εθνικό θέατρο, το Δημοτικό Θέατρο του Σάο Πάολο, το Βασιλικό Θέατρο de la Monnaie στις Βρυξέλλες, στην αίθουσα Concertgebouw στο Άμστερνταμ. Το 2017 εμφανίστηκε για πρώτη φορά στην Όπερα της Νίκαιας και στο Δημοτικό Θέατρο του Σαντιάγο (το 2020 θα επιστρέψει σε αυτή τη σκηνή για να συμμετάσχει στην παραγωγή της όπερας " Φωτιά Άγγελος» Προκόφιεφ). Την άνοιξη του 2018 τραγούδησε στο The Demon του Rubinstein στη Βαρκελώνη.

Συμμετείχε σε βιντεοσκοπήσεις παραστάσεων της Helikon-Opera για το κανάλι Kultura TV: Sadko του Rimsky-Korsakov (ο πρωταγωνιστής) και Eugene Onegin του Tchaikovsky (Lensky).

Alexander Miminoshvili

Alexander Miminoshviliγεννήθηκε στην επικράτεια της Σταυρούπολης. Μετα την αποφοιτηση Μουσική Σχολή, μπήκε στο τμήμα φωνητικής του Περιφερειακού Κολλεγίου Τεχνών της Μόσχας. Το 2006 μπήκε ρωσική ακαδημίαθεατρικών τεχνών (ΡΑΤΗ-ΓΗΤΗΣ) στη σχολή μουσικό θέατρο, με επικεφαλής τον D. A. Bertman (δάσκαλος φωνητικής T. V. Bashkirova), ο οποίος αποφοίτησε το 2011. Ενώ ήταν ακόμη φοιτητής στο RATI, ερμήνευσε με επιτυχία υπεύθυνους ρόλους σε μια σειρά από παραστάσεις του εκπαιδευτικού θεάτρου RATI-GITIS (Mussorgsky's Marriage, Yu. musical theatre "Helikon-Opera". Στο "Helikon" ο Alexander Miminoshvili ερμηνεύει ένα εκτεταμένο και ποικίλο ρεπερτόριο - τα μέρη του Figaro στο Le nozze di Figaro του Μότσαρτ, του Angelo στον Απαγορευμένο έρωτα του Wagner, του Renato στο Un ballo in maschera του Verdi, του Quarterly στο Lady Macbeth της συνοικίας Mtsentakovich, Η Ντανκάιρα στην Κάρμεν του Μπιζέ.

Από το 2011, είναι μόνιμος προσκεκλημένος σολίστ του θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας - στο Μπολσόι ερμήνευσε τα μέρη των Papageno (Μαγικός αυλός του Μότσαρτ), Schonar (La Boheme του Puccini), Μαύρη Γάτα (Παιδί του Ραβέλ και Μαγεία), Dancair ( Carmen) Bizet), Donald ("Billy Bud" Britten). Συμμετείχε στην πρεμιέρα νέα παραγωγήαπό την όπερα του Μότσαρτ "That's the Way Everyone Do It" (το μέρος του Γκουλιέλμο) στη Νέα Σκηνή του Θεάτρου Μπολσόι το 2013. Είναι επίσης προσκεκλημένος σολίστ του Μουσικού Θεάτρου. K. S. Stanislavsky και Vl. I. Nemirovich-Danchenko («The Blind» L. Auerbach, και «Songs at the Well» E. Langer).

Ο Alexander Miminoshvili συνεργάστηκε με μαέστρους όπως οι Vladimir Spivakov, Stefano Montanari, Tugan Sokhiev, Vladimir Ponkin, Evgeny Brazhnik, Vasily Sinaisky. Πήρε μέρος σε περιοδείες στο θέατρο «Helikon-Opera», τόσο στη Ρωσία όσο και στο εξωτερικό.

στο εξωτερικο. Συμμετείχε στην καλοκαιρινή ακαδημία του φεστιβάλ στην Aix-en-Provence.

Από τις σημαντικότερες δεσμεύσεις του τραγουδιστή των τελευταίων χρόνων είναι η συμμετοχή στην παραγωγή της όπερας του Francesco Cavalli «Erismena» στο Μουσικό Φεστιβάλ Aix-en-Provence, το μέρος του Figaro στην όπερα του Μότσαρτ «The Marriage of Figaro» στη σκηνή του την Όπερα της Ζυρίχης, την επανέναρξη των παραστάσεων του «Έτσι το κάνουν όλοι» του Μότσαρτ σε σκηνοθεσία Τουγκάν Σόχιεφ στο Θέατρο Μπολσόι. Ο τραγουδιστής σχεδιάζει να επιστρέψει στην Όπερα της Ζυρίχης για τις παραστάσεις του Le nozze di Figaro, το ντεμπούτο του στο Βασιλικό ΘέατροΒερσαλλίες στο «The Imaginary Mad Woman» του Francesco Sacrati υπό τη διεύθυνση του Leonardo Garcia Alarcon.

Ντμίτρι Ορλόφ

Ντμίτρι Ορλόφαποφοίτησε από την Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης V. S. Popov (τάξη Dmitry Vdovin) και στη συνέχεια μεταπτυχιακές σπουδές (τάξη Svetlana Nesterenko). Έχει περιοδεύσει με τη Χορωδία της Ακαδημίας σε Μεξικό, ΗΠΑ, Καναδά, Ελβετία, Γερμανία, Γαλλία, Αγγλία. Συμμετείχε σε συναυλίες των Ντμίτρι Χβοροστόφσκι, Γιόνας Κάουφμαν, Ρενέ Φλέμινγκ. Το 2007-2008 πήρε μέρος στο έργο " Διεθνές σχολείοφωνητική ικανότητα.

Η τραγουδίστρια είναι βραβευμένη XIII Διεθνέςμαθητικός φωνητικός διαγωνισμός Bella voce στη Μόσχα (2005, δεύτερο βραβείο), καθώς και διπλωματούχος του XXIV Διεθνούς Φωνητικού Διαγωνισμού Glinka στη Μόσχα (2011). Το 2008 ο Ντμίτρι Ορλόφ ερμήνευσε το ρόλο του Λόρδου Σίδνεϊ στη συναυλία του Rossini's Journey to Reims στην Αίθουσα Δωματίου του Διεθνούς Οίκου Μουσικής της Μόσχας. Στη συνέχεια, πήρε μέρος στην παραγωγή αυτής της όπερας στο Aix-en-Provence. Το 2009, ο τραγουδιστής ερμήνευσε τον ομώνυμο ρόλο σε μια ειδική παιδική παραγωγή του Wagner's The Flying Dutchman στο Φεστιβάλ Μπαϊρόιτ. Το 2010, έπαιξε ως Δούκας της Βερόνας σε μια συναυλία του Romeo and Juliet του Gounod στο Μέγαρο Μουσικής Τσαϊκόφσκι. Στο Διεθνές Φεστιβάλ στο Όλντενμπουργκ τραγούδησε τον ομώνυμο ρόλο στον Αλέκο του Ραχμάνινοφ.

Από το 2010, ο Ντμίτρι Ορλόφ εργάζεται στο Θέατρο Όπερας Novaya της Μόσχας που φέρει το όνομα του E. V. Kolobov. Στη σκηνή του θεάτρου ερμηνεύει τους ρόλους των Βλαντιμίρ Γκαλίτσκι (Πρίγκιπας Ιγκόρ Μποροντίν), Μαλιούτα Σκουράτοφ (Η νύφη του Τσάρου του Ρίμσκι-Κόρσακοφ), Αλιντόρο (Σταχτοπούτα του Ροσίνι), Φίγκαρο (Ο γάμος του Φίγκαρο του Μότσαρτ), Κούρβεναλ (Τρίσταν και Ισόλντε Βάγκνερ), Μπέρτραντ («Ιολάντα» του Τσαϊκόφσκι), Ζαρέτσκι («Ευγένιος Ονέγκιν» του Τσαϊκόφσκι), Μολιέρος, Βαρόνος, Δάσκαλος Φιλοσοφίας («Σχολή Συζύγων» του Μαρτίνοφ) και πολλοί άλλοι.

Timofey Dubovitsky

Timofey DubovitskyΑποφοίτησε από το Κολλέγιο Μουσικής του Νοβοσιμπίρσκ που πήρε το όνομά του A. Murova (τμήμα φωνητικής, τάξη V. A. Prudnik). Από το 2009 έως το 2011 σπούδασε στο Κρατικό Ωδείο του Νοβοσιμπίρσκ. M. I. Glinka στην τάξη του καθηγητή V. A. Prudnik. Βραβευμένος με το πρώτο βραβείο του διαγωνισμού "Young Voices of Siberia" (2009). Από το 2011 έως το 2013 σπούδασε στην Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης. V. S. Popov στην τάξη του καθηγητή D. Yu. Vdovin. σήμερα είναι φοιτητής του πέμπτου έτους της Ακαδημίας στην τάξη του καθηγητή S. G. Nesterenko. Τον Μάρτιο του 2012 έκανε το ντεμπούτο του στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι της Ρωσίας ως ο Πουλοπώλης στην όπερα του Ρίτσαρντ Στράους The Rosenkavalier (μαέστρος Vasily Sinaisky). Τον Απρίλιο του 2013 συμμετείχε σε συναυλία της όπερας Salome του R. Strauss με την Κρατική Ακαδημαϊκή Συμφωνική Ορχήστρα της Ρωσίας. E. F. Svetlanov υπό τη διεύθυνση του Vladimir Yurovsky.

Igor Podoplelov

Γεννήθηκε στις 9 Απριλίου 1993 στην πόλη Kirov. Από το 2009 έως το 2013 σπούδασε στο A. N. Scriabin College of Music. Σήμερα φοιτά στην Ακαδημία Χορωδιακής Τέχνης V. S. Popov (τάξη του καθηγητή N. B. Nikulina). Καλλιτέχνης της χορωδίας του Μουσικού Θεάτρου της Μόσχας "Helikon-Opera". Βραβευμένος σε διεθνείς διαγωνισμούς. Το 2015, στο ρωσικό φωνητικό διαγωνισμό "Silver Voice" κέρδισε το βραβείο II. Τον Οκτώβριο του 2015, ο τραγουδιστής συμμετείχε σε μια παράσταση συναυλίας της όπερας "Hamlet" του Tom στο Μέγαρο Μουσικής

Ο Τσαϊκόφσκι με τη Φιλαρμονική Ακαδημαϊκή Συμφωνική Ορχήστρα της Μόσχας υπό τη διεύθυνση του Benjamin Pyonnier.

Ακαδημαϊκή Συμφωνική Ορχήστρα της Φιλαρμονικής της Μόσχας

Ακαδημαϊκή Συμφωνική Ορχήστρα της Φιλαρμονικής της ΜόσχαςΣε όλη την ιστορία της, υπήρξε μια από τις καλύτερες εγχώριες ορχήστρες και εκπροσωπεί επάξια τη ρωσική μουσική κουλτούρα στο εξωτερικό.

Η ορχήστρα δημιουργήθηκε τον Σεπτέμβριο του 1951 υπό την Επιτροπή Ραδιοφωνίας της Ομοσπονδιακής Ένωσης, το 1953 έγινε μέλος του προσωπικού της Φιλαρμονικής της Μόσχας. Η καλλιτεχνική του εικόνα και το ερμηνευτικό του στυλ διαμορφώθηκαν υπό την καθοδήγηση διάσημων Ρώσων μαέστρων. Πρώτα καλλιτεχνικός διευθυντήςκαι ο κύριος μαέστρος του συνόλου ήταν ο Samuil Samosud (1951–1957). Το 1957-1959 η ορχήστρα, με επικεφαλής τον Natan Rakhlin, κέρδισε τη φήμη μιας από τις καλύτερες στην ΕΣΣΔ. Το 1958 στον Ι ΔΙΕΘΝΗΣ ΔΙΑΓΩΝΙΣΜΟΣΗ Ορχήστρα Τσαϊκόφσκι υπό τη διεύθυνση του Kirill Kondrashin συνόδευσε τη θριαμβευτική παράσταση του Van Clyburn και το 1960 ήταν το πρώτο ρωσικό συμφωνικό σύνολο που περιόδευσε στις Ηνωμένες Πολιτείες.

Ο Kirill Kondrashin κατευθύνθηκε Συμφωνική ορχήστραΦιλαρμονική Μόσχας για 16 χρόνια (1960-1976). Αυτά τα χρόνια έχουν γίνει ορόσημοστην ιστορία του συνόλου: ο μαέστρος έκανε πρεμιέρες της Τέταρτης και Δέκατης Τρίτης Συμφωνίας του Σοστακόβιτς, το δικό του ποίημα "The Execution of Stepan Razin", την καντάτα του Προκόφιεφ "Στην 20η επέτειο του Οκτωβρίου", ερμήνευσε και ηχογράφησε πολλές από τις συμφωνίες του Μάλερ. Το 1973, η ορχήστρα έλαβε τον τίτλο του ακαδημαϊκού. Η ορχήστρα έπαιξε ακόμα περισσότερη μουσική του 20ου αιώνα υπό τη διεύθυνση του Dmitry Kitayenko (1976–1990), συμπεριλαμβανομένων των πρεμιέρων έργων των Khrennikov, Denisov, Schnittke, Butsko, Tishchenko. Για πρώτη φορά στην ΕΣΣΔ παίχτηκαν η «Τουρανγκαλίλα» του Μεσσιάεν, η καντάτα «Μπροστά στα αστέρια» και οι «Ύμνοι του Ρέκβιεμ» του Στραβίνσκι. Στο μέλλον, η ομάδα οδηγήθηκε από τον Vasily Sinaisky (1991-1996) και τον Mark Ermler (1996-1998).

Οι μεγαλύτεροι εγχώριοι και ξένοι μαέστροι - Andre Kluitans, Igor Markevich, Charles Munsch, Zubin Mehta, George Enescu, Neeme Jarvi, Maris Jansons, Jansug Kakhidze, Kurt Mazur, Evgeny Svetlanov, συνθέτες Benjamin Britten, Igor Stravinsky, Krzysztof-the-Petronder εξέδρα της ορχήστρας. Με αυτήν την ομάδα συνδέεται η μοναδική εμπειρία διεύθυνσης του Svyatoslav Richter. Σχεδόν όλοι οι μεγάλοι σολίστ του δεύτερου μισού του 20ου αιώνα έπαιξαν με την ορχήστρα: Isaac Stern, Yehudi Menuhin, Glenn Gould, Emil Gilels, David Oistrakh, Leonid Kogan, Daniil Shafran, Yakov Flier, Nikolai Petrov, Mstislav Rostropovich, Vladimir Krainev. , Maurizio Pollini, Eliso Virsaladze , Natalia Gutman και πολλοί άλλοι. Η ορχήστρα έχει ηχογραφήσει περισσότερους από 350 δίσκους και CD, πολλά από τα οποία έχουν λάβει τα υψηλότερα διεθνή βραβεία στον τομέα της ηχογράφησης και εξακολουθούν να είναι περιζήτητα.

Ένα νέο στάδιο στην ιστορία της Φιλαρμονικής Ορχήστρας της Μόσχας ξεκίνησε το 1998, όταν επικεφαλής της ήταν ο Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ Γιούρι Σιμόνοφ. Υπό την ηγεσία του, η ομάδα έχει επιτύχει εξαιρετικά δημιουργικά επιτεύγματα. Σήμερα, η ορχήστρα είναι ένας από τους πυλώνες της ρωσικής φιλαρμονικής ζωής, εμφανίζεται συχνά σε ρωσικές πόλεις (τα τελευταία δέκα χρόνια έχουν δώσει συναυλίες σε περισσότερες από 40 πόλεις), περιοδείες με επιτυχία στο Ηνωμένο Βασίλειο, τη Γερμανία, την Ισπανία, την Ιαπωνία, το Χονγκ Κονγκ, Κίνα, Κορέα.

ΣΕ πρόσφατες δεκαετίεςερμηνεύεται με την ορχήστρα εξαιρετικοί μουσικοίπαρόντες: Marc-Andre Hamlen, Valery Afanasiev, Yuri Bashmet, Boris Berezovsky, Yujia Wang, Maxim Vengerov, Stefan Vladar, Khibla Gerzmava, David Geringas, Barry Douglas, Lilia Zilberstein, Sumi Cho, Laura Claycomb, Alexander Knyazev, Serge Lill

Nikolai Lugansky, Konstantin Lifshitz, Oleg Mayzenberg, Denis Matsuev, Ekaterina Mechetina, Victoria Mullova, Daniel Pollak, Vadim Repin, Sergei Roldugin, Dmitry Sitkovetsky, Viktor Tretyakov; μαέστροι Luciano Acocella, Semyon Bychkov, Alexander Vedernikov, Michael Güttler, Alexander Dmitriev, Marco Zambelli, Thomas Sanderling, Alexander Lazarev, Andres Mustonen, Vassily Petrenko, Benjamin Pyonnier, Gintaras Rinkevicius, Alexander Sladkovsky, Leonard Marinondeck, Sandiuli Jansons και πολλοί άλλοι.

Μία από τις προτεραιότητες της ορχήστρας είναι να συνεργαστεί με μια νέα γενιά μουσικών: ως μέρος του κύκλου Stars of the 21st Century, η ορχήστρα συνεργάζεται με ταλαντούχους σολίστ που ξεκινούν το δρόμο τους μεγάλη σκηνή, προσκαλεί νέους καλλιτέχνες στις συνδρομές της φιλαρμονικής. Η ορχήστρα συμμετέχει τακτικά σε διεθνή και πανρωσικά μαθήματα για νέους μαέστρους του Γιούρι Σιμόνοφ, που διοργανώνει η Φιλαρμονική της Μόσχας.

Οι δραστηριότητες του μαέστρου Simonov και της ορχήστρας στοχεύουν σε μεγάλο βαθμό στην εκπαίδευση των μικρών ακροατών. Ο συνδρομητικός κύκλος "Tales with a Orchestra", που λαμβάνει χώρα στη Μόσχα και σε πολλές πόλεις της Ρωσίας με τη συμμετοχή σταρ του θεάτρου και του κινηματογράφου, έχει αποκτήσει τεράστια δημοτικότητα. Ανάμεσά τους η Marina Alexandrova, η Maria Aronova, η Alena Babenko, ο Valery Barinov, ο Sergei Bezrukov, η Anna Bolshova, η Olga Budina, ο Valery Garkalin, ο Sergei Garmash, η Nonna Grishaeva, η Ekaterina Guseva, η Evgenia Dobrovolskaya, ο Mikhail Efremov, ο Evgeny Knyazeev, , Dmitry Nazarov, Alexander Oleshko, Irina Pegova, Yulia Peresild, Mikhail Porechenkov, Evgenia Simonova, Grigory Siyatvinda, Daniil Spivakovsky, Yuri Stoyanov, Evgeny Stychkin, Victoria Tolstoganova, Mikhail Trukhin, Gennady Seripan Khazakurov, Churaulge Khazakurov, Ch. Αυτό το έργο έφερε στον μαέστρο Simonov τον τίτλο του βραβείου του Γραφείου του Δημάρχου της Μόσχας στον τομέα της λογοτεχνίας και της τέχνης για το 2008. Το 2010, ο Γιούρι Σιμόνοφ και η ορχήστρα έγιναν βραβευμένοι του Βραβείου Εθνικής Εφημερίδας Μουσικής Επιθεώρησης στην υποψηφιότητα Μαέστρος και Ορχήστρα.

Τα τελευταία χρόνια, η ομάδα έχει παρουσιάσει πολλές πρεμιέρες στη Μόσχα, στη Ρωσία και στον κόσμο. Έγιναν συνθέσεις των Andrey Eshpay, Boris Tishchenko, Krzysztof Penderetsky, Philip Glass, Alexander Tchaikovsky, Sergei Slonimsky, Valentin Silvestrov, Eduard Artemiev, Gennady Gladkov, Sofia Gubaidulina, Alexei Rybnikov, Ephraim Kuzmaitos και άλλοι συνθέτες του Podgaitos. Τη σεζόν 2019/20, η ορχήστρα περιοδεύει στο Ηνωμένο Βασίλειο και τη Γερμανία, τον Νοέμβριο του 2019 συνοδεύει τις παραστάσεις των διαγωνιζομένων στον III Πανρωσικό Διαγωνισμό Μουσικής στην ειδικότητα "Όπερα και Συμφωνική Διεύθυνση", η κριτική επιτροπή της οποίας ηγείται του Γιούρι Σιμόνοφ, συμμετέχει παραδοσιακά στα εγκαίνια και το κλείσιμο του ΧΧ Διεθνούς Τηλεοπτικού Διαγωνισμού για νέους μουσικούς Καρυοθραύστη.

Κρατική Ακαδημαϊκή Ρωσική Χορωδία με το όνομα A. V. Sveshnikov

Η ιστορία της ομάδας ξεκινά από το 1936, όταν, με βάση φωνητικό σύνολουπό την Επιτροπή Ραδιοφωνίας της ΕΣΣΔ, που οργανώθηκε από τον θρυλικό χοράρχη Alexander Sveshnikov, με εντολή της Επιτροπής Τεχνών υπό το Συμβούλιο των Λαϊκών Επιτρόπων της ΕΣΣΔ, Κρατική χορωδίαΗ ΕΣΣΔ. Στις 26 Φεβρουαρίου 1937 πραγματοποιήθηκε η πρώτη συναυλία του συγκροτήματος στην Αίθουσα των Στήλων του Σώματος των Ενώσεων. Ο επίτιμος καλλιτέχνης της RSFSR Alexander Sveshnikov (1936–1937, 1941–1980) και ο καθηγητής του Ωδείου της Μόσχας Nikolai Danilin (1937–1939) έγιναν οι πρώτοι διευθυντές της Κρατικής Χορωδίας. Στο μέλλον, η χορωδία διευθυνόταν από διάσημους μαέστρους: Igor Agafonnikov (1980–1987), Vladimir Minin (1987–1990), Evgeny Tytyanko (1991–1995), Igor Raevsky (1995–2007), Boris Tevlin (2008–201). ). Επί του παρόντος, ο καλλιτεχνικός διευθυντής της ομάδας είναι ένας μαθητής του Boris Tevlin, Evgeny Volkov.

Η Κρατική Χορωδία της ΕΣΣΔ έγινε η ναυαρχίδα της εθνικής χορωδιακής τέχνης, η οποία κέρδισε διεθνές κύρος. Ξεχωριστή θέση ανάμεσα στις πολλές ηχογραφήσεις της Κρατικής Χορωδίας κατέχει η Ολονύχτια Αγρυπνία του Ραχμανίνοφ υπό τη διεύθυνση του Alexander Sveshnikov (1965), ένα αριστούργημα ερμηνείας που έχει κερδίσει πολυάριθμα διάσημα βραβεία.

Το ρεπερτόριο του συγκροτήματος περιλαμβάνει κλασικά χορωδιακά, μουσική σοβιετικών και σύγχρονων συνθετών, καθώς και αποκλειστικά προγράμματα συγγραφέων: "Ρωσικό Χορωδιακό Κοντσέρτο", " Ορθόδοξη μουσικήκόσμος", "Συνθέτες - μαθητές της σχολής Sveshnikov", "Ρωσικά τραγούδια σε κλασικές και σύγχρονες διασκευές", "Ρωσικά και ξένα κοσμικά κλασικά", "Αγαπημένα τραγούδια του περασμένου αιώνα", "Ύμνοι και γιορτές της Ρωσίας", "Τραγούδια και πορείες του ρωσικού αυτοκρατορικού στρατού », «Μουσική της Επανάστασης του 1917», κ.λπ.

σημαντικό ρόλο σε δημιουργική δραστηριότηταΗ Γκόσχορα συμμετέχει σε μοναδικά συναυλιακά και θεατρικά έργα. Ανάμεσά τους μια συναυλία-παράσταση για την 70ή επέτειο της πλήρους απελευθέρωσης του Λένινγκραντ από τον φασιστικό αποκλεισμό («Leningraders. 900 days in the name of life»), συναυλίες-παραστάσεις «A Hero of Our Time» για την 200η επέτειο του η γέννηση του Μιχαήλ Λέρμοντοφ και η «Μουσική ως μοίρα» για τα 100 χρόνια του Γκεόργκι Σβιρίντοφ και άλλων Η Κρατική Χορωδία συμμετέχει ενεργά σε διεθνή φεστιβάλ. Τα τελευταία χρόνια, η ομάδα έχει εμφανιστεί σε κορυφαίους συναυλιακούς χώρους σε Μεγάλη Βρετανία, Γαλλία, Ιαπωνία, Πολωνία, Λετονία, Λιθουανία, Μολδαβία, Γεωργία.

Το 2010, η Κρατική Χορωδία ηχογράφησε σε CD 12 χορωδίες από τον Σεργκέι Τανέγιεφ σύμφωνα με τα λόγια του Γιάκοβ Πολόνσκι, το 2013 - Ύμνος Ρωσική Ομοσπονδίαστην ορχηστρική έκδοση του Jan Frenkel (ASO MGAF, μαέστρος - Yuri Simonov), το 2016 δημιούργησε ένα soundtrack για την τελευταία συναυλία των Παγκοσμίων Χορωδιακών Αγώνων στο Σότσι ("Hymn to the Earth" του Alexei Rybnikov - παγκόσμια πρεμιέρα).

Στο πλαίσιο της συνεργασίας με το Ίδρυμα Ανοιχτής Θάλασσας, η Κρατική Χορωδία παρουσίασε μια συναυλία και σκηνική εκδοχή της όπερας Carmen του Bizet (μαέστρος Mikhail Simonyan, σκηνοθέτης Yuri Laptev). Με την υποστήριξη του ιδρύματος, πραγματοποιήθηκε συναυλία προς τιμήν της 80ης επετείου της κολεκτίβας στην Ιστορική σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Επίσης, πραγματοποιήθηκαν επετειακές εκδηλώσεις στην Αίθουσα των Στήλων. Μια ιδιαίτερα φωτεινή σελίδα στην ιστορία της ομάδας ήταν η συμμετοχή της στο διεθνές έργο "Ημέρα της Ρωσίας στον κόσμο - Ημέρα Ρωσίας": την ημέρα της εθνικής εορτής της Ρωσικής Ομοσπονδίας, η χορωδία έδωσε σόλο συναυλίεςστο Gaveau Hall στο Παρίσι (2015), στο London Barbican Center (2016) και στην Αίθουσα Συνελεύσεων στην Ιερουσαλήμ (2017).

Το 2018, με την ανθολογία του στρατιωτικού τραγουδιού Slava Russkaya, η Κρατική Χορωδία έγινε ο νικητής του διαγωνισμού για επιχορηγήσεις από τον Πρόεδρο της Ρωσικής Ομοσπονδίας. Ερευνητικές, εκπαιδευτικές και συναυλιακές δραστηριότητες στο πλαίσιο του έργου υποστηρίχθηκαν από πληρεξούσιους του Προέδρου σε όλες τις ομοσπονδιακές περιφέρειες.

Ο Evgeny Volkov γεννήθηκε στη Μόσχα το 1975. Αποφοίτησε από το θεωρητικό τμήμα του Ακαδημαϊκού Μουσική Σχολήστο Ωδείο της Μόσχας, στη Σχολή Διεύθυνσης και Χορωδίας του Ωδείου της Μόσχας (με άριστα) και μεταπτυχιακές σπουδές (τάξη χορωδιακή διεύθυνσηΚαθηγητής Boris Tevlin; τάξη ορχήστρας όπερας και συμφωνικής του καθηγητή Igor Dronov). Από το 2000 - λέκτορας στο Ωδείο της Μόσχας, από το 2009 - αναπληρωτής καθηγητής. Το 2002–2008 - Κορυφαίος χοράρχης της Χορωδίας Δωματίου του Ωδείου της Μόσχας υπό τη διεύθυνση του Boris Tevlin, το 2008-2012. - αρχιχοράρχης Μετά από πρόσκληση του μαέστρου, το 2008 ανέλαβε τη θέση του χοράρχη της Κρατικής Χορωδίας του A.V. Sveshnikov, το 2011 έγινε ο επικεφαλής χορωδός του συγκροτήματος, το 2012 - καλλιτεχνικός διευθυντής. Από το 2013 - Μέλος του Προεδρείου της Πανρωσικής Χορωδιακής Εταιρείας.

Benjamin Pionnier

Benjamin Pionnierγεννήθηκε το 1977, αποφοίτησε από το Εθνικό Ωδείο της Νίκαιας ως πιανίστας. Μετά την ολοκλήρωση των σπουδών του στο Ωδείο, βελτιώθηκε στο Παρίσι με την Brigitte Angerer και ηγήθηκε μιας έντονης συναυλιακής δραστηριότητας ως σολίστ και μέλος διαφόρων συνόλων δωματίου. Ξεκίνησε την καριέρα του ως διεύθυνση ορχήστρας σπουδάζοντας στο Ηνωμένο Βασίλειο υπό τον George Hirst και έγινε βραβευμένος με τον διάσημο διαγωνισμό διεύθυνσης του Μάντσεστερ που πραγματοποιήθηκε από το Royal Northern College of Music. Αργότερα βοήθησε πολλούς επιφανείς μαέστρους στην προετοιμασία παραστάσεων όπερας, συμπεριλαμβανομένων των James Levine, Michel Plasson, Antonello Allemandi και Paolo Olmi.

Το οπερατικό ρεπερτόριο του Benjamin Pionnier περιλαμβάνει δεκάδες όπερες, συμπεριλαμβανομένων έργων των Gluck, Mozart, Donizetti, Gounod, Offenbach, Bizet, Lehar, Verdi και Puccini. Από το γαλλικό ρεπερτόριο διηύθυνε τις όπερες Carmen, Romeo and Juliet, The Pearl Seekers, Tales of Hoffmann, Parisian Life, Werther, Faust και Lakme. Για τρεις σεζόν - από το 2006 έως το 2009 - υπηρέτησε ως καλλιτεχνικός σύμβουλος στην Όπερα της Νίκαιας και στη Φιλαρμονική Ορχήστρα της Νίκαιας. Μεταξύ των προσεχών δεσμεύσεων του μαέστρου είναι οι παραγωγές του " Παριζιάνικη ζωή»Offenbach στο Παρίσι, Offenbach's Tales of Hoffmann στη Σιγκαπούρη, Beauty of Perth του Bizet στη Νίκαια. Τον Φεβρουάριο του 2010 διηύθυνε με επιτυχία μια συναυλία του Ρωμαίου και Ιουλιέτας του Gounod στη Μόσχα στο Μέγαρο Μουσικής Τσαϊκόφσκι. P. I. Tchaikovsky ως μέρος της συνδρομής "Opera Masterpieces". Από το 2011 έως το 2013 ήταν κύριος μαέστρος της Εθνικής Λυρικής Σκηνής της Σλοβενίας στο Μάριμπορ. Μεταξύ των αρραβώνων του μαέστρου τα τελευταία χρόνια είναι η Carmen του Bizet στο Χονγκ Κονγκ, η Σεούλ και η Όπερα της Σαγκάης, ο Faust του Gounod στο Μπουένος Άιρες, το The Merry Widow του Lehár στην Αβινιόν, το Orfeo ed Eurydice του Gluck στη Νίκαια. Ο Benjamin Pionnier έχει συνεργαστεί με ορχήστρες όπως η Φιλαρμονική Ορχήστρα της Νίκαιας, η Orchester National de Montpellier, το Teatro Massimo στην Κατάνια, η Orchester d'Avignon, η Orchester National Opera στο Laurens και πολλές άλλες.

Μιχαήλ Φιχτενγκόλτς

Χωρίς κεντρικό χαρακτήρα

Ο Άμλετ ανέβηκε στη Novaya Opera

ΣΤΗ ΝΕΑ ΣΕΖΟΝ Νέα Όπερα"Συνεχίζει την παλιά του πολιτική ρεπερτορίου και προμηθεύει τακτικά το κοινό με σπάνια οπερατικά, που παλαιότερα ήταν γνωστά μόνο από βιβλία. "Άμλετ", γραμμένο από τον Γάλλο συνθέτη του δεύτερου μισού 19ος αιώναςΟ Ambroise Thomas σπάνια αναφέρεται ακόμη και σε βιβλία: τυχαία, έπεσε από τα μάτια των συνήθως περίεργων μουσικολόγων, αλλά τράβηξε το μάτι του Evgeny Kolobov, γνώστη και συλλέκτη σπανίων. Μετά τον Kolobov, ο οποίος έδωσε τη μουσική στον νεαρό συνάδελφό του Dmitry Volosnikov, ο Άμλετ εκτιμήθηκε επίσης από το κοινό - οδυνηρά καλή και ποιητική αυτή η μουσική, αν και στερείται σαιξπηρικής κλίμακας και μια βροχερή δίνη παθών, αλλά, αναμφίβολα, διαθέτει ένα ορισμένο κέφι.

Ωστόσο, οποιαδήποτε άνθρωπος του πολιτισμούΠροσπαθήστε ακόμα να συγκρίνετε την όπερα του Τομ με τη διάσημη λογοτεχνική πηγή της. Σε σύγκριση με τον Σαίξπηρ, ο Τόμα φαίνεται να είναι μινιατουριστής: μειώνει στο μισό τον αριθμό των χαρακτήρων (δεν υπάρχει ούτε ο Λαέρτης ούτε ο Πολώνιος, ούτε το αιώνιο ζευγάρι Ρόζενκραντζ και Γκίλντενστερν) και αναδεικνύει τη γραμμή αγάπης του Άμλετ και της Οφηλίας. Οι σκηνοθέτες συνέχισαν τη μεταρρύθμιση και «συμπίεσαν» τη μουσική κατά μιάμιση φορά, αφήνοντας μόνο τον πυρήνα της πλοκής και παρουσιάζοντας ένα συμπαγές δίπρακτο δράμα διάρκειας δύο ωρών. Ο Evgeny Kolobov, χωρίς να εμφανιστεί στη σκηνή, έβαλε το χέρι του στην παρτιτούρα και ενορχηστρώθηκε εκ νέου κάποια θραύσματα (αυτό το κάνει πάντα, ανεξάρτητα από το αν το χρειάζεται ή όχι το έργο). Στο τελευταίο επεισόδιο, εμφανίστηκε η ταμπέλα του "υπογραφή", ένα είδος υπογραφής του μαέστρου - ένα όργανο που ονομάζεται "κουτί" με έναν θαμπό ήχο χτυπήματος, σχεδιασμένο να ενσταλάξει φόβο στο κοινό και στους ήρωες. Έγιναν τα πάντα για να διασφαλιστεί ότι η παράσταση έμπαινε εύκολα και ανώδυνα στο ύφος του θεάτρου και εγκαταστάθηκε στο ρεπερτόριο.

Είναι ακόμα δύσκολο να πει κανείς πόσο επιτυχημένη είναι αυτή η δουλειά για το θέατρο. Ένα προφανές πλεονέκτημα είναι το ίδιο το γεγονός της σκηνοθεσίας μιας σύνθεσης άγνωστης στη Ρωσία και ο αρκετά ικανός ήχος της από τραγουδιστές και ορχήστρα. Ένα προφανές μείον είναι η δραματική έλλειψη ευθυγράμμισης της δράσης που σκηνοθετεί ο Valery Racu. Η παράσταση δεν έχει πρόσωπο - ο κύριος χαρακτήρας που θα μπορούσε να ηγηθεί της δράσης: ο Άμλετ (νεαρός και πολλά υποσχόμενος τενόρος Ιβάν Κουζμίν) και η Οφηλία (πρώην θέατρο, σοπράνο Μαρίνα Ζούκοβα) μετατρέπονται σε αναποφάσιστα παιδιά, συντρίβονται από τη μοίρα και τα δικά τους συμπλέγματα. Το εγκληματικό ζευγάρι - ο Claudius και η Gertrude (Vladimir Kudashev και Elena Svechnikova) - είναι ακόμα πιο απρόσωπο και μέτριο. Φαίνεται, πρωταγωνιστικός ρόλοςστο νέο «Άμλετ» παίζει το σκοτάδι που περιβάλλει τους ήρωες και έχει σχεδιαστεί για να απεικονίζει, προφανώς, τις εσοχές της ανθρώπινης ψυχής με τα κρυφά της πάθη. Στην αρχή, το εξωτερικό περιβάλλον που κερδίζει - η αρχαία ενδυμασία των ηρώων και των πρόσθετων με βαριά επιχρύσωση και μαύρο βελούδο (τα πολυτελή κοστούμια της Marina Azizyan) με φόντο το απόλυτο σκοτάδι - χυδαιώνεται από τον πρωτόγονο τεχνικό εξοπλισμό: ολόκληρη η παράσταση με μια τρομερή creak οδηγεί μια ξύλινη πλατφόρμα γύρω από τη σκηνή, γίνεται ο τρίτος τροχός στα λυρικά ντουέτα του Άμλετ και η Οφηλία και ουρλιάζει στο αποκορύφωμα.

Μουσικά, η όπερα αποδείχθηκε πιο ομοιόμορφη και συμπαγής, αν και είναι δύσκολο να καταλάβουμε γιατί ήταν απαραίτητο να κρύψουμε την ορχήστρα βαθιά στη σκηνή - όπου είναι ακόμη δύσκολο να δούμε, πόσο μάλλον να ακούσουμε. Η όμορφη χορωδία Novoopersky ακούγεται επίσης από μακριά, και μόνο οι κύριοι χαρακτήρες εμφανίζονται σε τρομακτική γειτνίαση με το αμφιθέατρο. Το αντρικό μέρος των ερμηνευτών εμφανίστηκε στην πρεμιέρα πολύ καλύτερα από το γυναικείο μέρος: ούτε η τρελή Οφηλία, ούτε η δυνατά Γερτρούδη (δεν φαίνεται να υπάρχει ίχνος από τα πρώην υψηλής ποιότητας φωνητικά της Έλενα Σβέχνικοβα) τα σωστά χρώματαγια τους χαρακτήρες σας. Ας ελπίσουμε ότι στην επόμενη παραγωγή της Όπερας της Novaya, τον Ριγκολέτο του Βέρντι, θα υπάρχουν ακόμα αξέχαστοι χαρακτήρες - ο Ντμίτρι Χβοροστόφσκι έχει προσκληθεί να παίξει το ρόλο του παλιού καμπούρι, που μάλλον δεν θα υποκύψει στην αυθαιρεσία του σκηνοθέτη.

ώρα MN, 12 Νοεμβρίου 2000

Τζούλια Μπεντερόβα

Ο Άμλετ δεν πεθαίνει

Τουλάχιστον στη Νέα Λυρική Σκηνή

«Μεταξύ του Άμλετ του Σαίξπηρ και του Άμλετ του Αμπρουάζ Τόμας», σημειώνει ο Βαλέρι Ράκου, σκηνοθέτης της παράστασης στην Όπερα Novaya, «μόνο ομοιότηταΥπάρχει επίσης μια εξωτερική ομοιότητα μεταξύ του "Άμλετ" της "Νέας Όπερας" και της παλιάς ταινίας με τον Σμοκτουνόφσκι στον ρόλο του Πρίγκιπα της Δανίας: τα χρώματα και το φως είναι αναγνωρίσιμα, οπτικότητα τύπου "φιγούρα - φόντο", πίσω από το σώμα - σκοτάδι χωρίς σημάδια ζωής Έτσι, η βύθιση της σκηνής στο μαύρο σκοτάδι, η απουσία ντεκόρ, ο τύπος πορτρέτου της σκηνογραφικής γραφικότητας τονίζει τη γραφικότητα της σπάνιας μουσικής του Ambroise Thomas και απαλύνει ελαφρώς την ελαφρότητα της όπερας λιμπρέτο.

Ο Άμλετ του Ambroise Thomas ανέβηκε για πρώτη φορά στη Μεγάλη Όπερα του Παρισιού το 1868. Η πρεμιέρα συνοδεύτηκε από επιτυχία στο κοινό και συμπονετική κριτική. Μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του '60 του 19ου αιώνα, ο Τόμας, στη νεολαία του, ήταν επιμελής μαθητής των καλύτερων Γάλλων καθηγητών, ο οποίος έκανε με επιτυχία το ντεμπούτο του στη σκηνή της Opera Comic σε ηλικία 26 ετών, ιδιοκτήτης του κύρους Το βραβείο της Ρώμης, τότε έπαψε να είναι δημοφιλές, αλλά πήρε τη θέση του διευθυντή αυτού του θεάτρου, και πάλι, σε ηλικία 57 ετών, γίνεται ένας από τους πιο αγαπημένους συγγραφείς όπερας στο Παρίσι.

Ο Άμλετ του Τομ, παρά την παρουσία ενός φαντάσματος και την έγχυση δηλητηρίου στο αυτί του, είναι πρώτα και κύρια μια δραματική ιστορία αγάπης. Εδώ η Οφηλία πεθαίνει, αλλά ο θάνατος του ίδιου του Άμλετ, τυφλωμένος από τη σκέψη της εκδίκησης και ψύχραιμος απέναντι στην άτυχη κοπέλα, παραμένει εκτός πλοκής. Η μουσική του Τομ είναι πλαστική και γραφική. Αυτή είναι εν μέρει η αξία του ίδιου του συνθέτη, εν μέρει - του μαέστρου και καλλιτεχνικού διευθυντή του θεάτρου Yevgeny Kolobov, ο οποίος, ως συνήθως, έκανε τη μουσική έκδοση και την ενορχήστρωση του ελάχιστα γνωστού κειμένου όπερας. Και μερικά επεισόδια από τη μουσική του Τομ - όπως το τραγούδι της Οφηλίας που πεθαίνει - μόνο κατά τύχη δεν μπήκαν στις ανθολογίες των επιτυχιών της όπερας.

Η ορχήστρα, τοποθετημένη στα βάθη της σκηνής, πίσω από την πλάτη των χαρακτήρων, ακούγεται ζουμερή και εκφραστική, αποδεικνύεται ένας από τους χαρακτήρες της παράστασης (έτσι πολλαπλασιάζεται η κατασκευή «θέατρο μέσα στο θέατρο» και η παράσταση στη «Νέα Όπερα» συνδυάζεται με την παράσταση στο βασίλειο της Δανίας), και η μόνη πραγματικότητα, που διακρίνεται στην αφηρημένη μαυρίλα του φόντου.

Το αρκετά παραδοσιακό, ενδυματολογικό ύφος σκηνοθεσίας και σκηνογραφίας, που ηρεμεί απαλά το δειλό κοινό της όπερας, παίζει ωστόσο στο πεδίο της πραγματικής νεωτερικότητας, τσακίζοντας εκείνο το μέρος του κοινού που δεν μπορεί να φάει την αποστεωμένη παραδοσιακότητα. Εδώ, η κύρια τεχνική είναι μια τεράστια, κινούμενη πλατφόρμα - "γλώσσα", πάνω στην οποία, οι χαρακτήρες φεύγουν ομαλά για το αμφιθέατρο. Αυτή η εκδοχή του κινηματογραφικού zoom-in είναι ένας άλλος τρόπος για να μετατραπεί το κοινό σε υποκείμενα του Κλαύδιου και της Γερτρούδης, που ατενίζει τους ηθοποιούς του δρόμου που παίζουν μια σπαρακτική ιστορία.

Όπως εκείνοι οι κωμικοί, οι τραγουδιστές της «Νέας Όπερας» παίζουν πρώτα απ' όλα επιμελώς τον «Άμλετ». Παίζουν ότι ζητάνε. Σαν να προσπαθείς να μην αποσπάσεις την προσοχή με πολύ εκλεπτυσμένα φωνητικά, πολύ εκλεπτυσμένη υποκριτική. Αυτός ο Άμλετ (Ilya Kuzmin), εκείνη η Οφηλία (Μαρίνα Ζούκοβα) είναι πολύ λεπτομερείς, αλλά λίγο ενδιαφέρον. Στη γενική λειτουργία μάσκας της σκηνής, αν δεν διαγραφεί, τουλάχιστον η τυπική φωνητική εικόνα λειτουργεί αθόρυβα για τον εαυτό της. Και κάθε πάσχων δεν μπορεί να το αντιληφθεί ως έντονη έλλειψη φωνητικής ομορφιάς, αλλά με κάποιο τρόπο να το ερμηνεύσει εννοιολογικά και να ηρεμήσει σε αυτό. Δεν είναι περίεργο που η παράσταση, με όλο της τον σκοτεινό τραγικό τόνο, και μαζί της το θεατρικό πρόγραμμα, είναι στημένη με τόσο ήρεμο τρόπο: «Ο Ambroise Thomas πέθανε ήσυχα, περιτριγυρισμένος από την οικογένειά του και τους ευγνώμονες μαθητές του…»

Newstime, 13 Νοεμβρίου 2000

Ekaterina Biryukova

Άμλετ με ένα τρίξιμο

Ο Σαίξπηρ στη Νέα Όπερα

Ο Ambroise Thomas, ένας Γάλλος, αποφάσισε να μελοποιήσει το κύριο αριστούργημα του Σαίξπηρ το 1868. Βρίσκοντας τον εαυτό του πρόσωπο με πρόσωπο με ένα σπουδαίο έργο, ο συνθέτης δεν δίστασε να κάνει με αυτό το ίδιο πράγμα που θα έκανε με οποιαδήποτε άλλη πλοκή που θα έπρεπε να προσαρμοστεί για μια τρέχουσα μέση όπερα. Μαζί με τους λιμπρετίστές του Carré και Barbier, αφαίρεσε σχεδόν όλες τις σκέψεις από αυτό, μείωσε σημαντικά τον αριθμό των ηρώων (για παράδειγμα, ο Rosencrantz και ο Guildenstern έπεσαν κάτω από το μαχαίρι), έκανε μια ιστορία αγάπης την κύρια ιστορία και, κατά συνέπεια, φούσκωσε την κύρια γυναίκα ρόλο όσο το δυνατόν περισσότερο. Αυτό είναι κατανοητό: αν στην εποχή του Σαίξπηρ τον ρόλο της Οφηλίας έπαιζε ένα ανεπιτήδευτο αγόρι, τότε στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα κανείς δεν θα ανέβαζε μια όπερα στην οποία δεν υπήρχε νικητήριο μέρος για την πριμαντόνα. Ποιος, αν όχι ο Τόμας, ο σκηνοθέτης του παριζιάνικου «Opera Comic», δεν θα το ήξερε αυτό. Ως αποτέλεσμα, το πιο διάσημο νούμερο του «Άμλετ» είναι η αποχαιρετιστήρια άρια της Οφηλίας, που περιλαμβάνεται στο χρυσό ρεπερτόριο της σοπράνο της κολορατούρα. Από αυτό είναι εύκολο να κρίνουμε τις μουσικές προτιμήσεις του Tom - Bellini, Donizetti, Gounod.

Οι λιμπρετιστές συνεργάστηκαν και με το φινάλε, διάσημο για τους ατελείωτους θανάτους του. Στην έκδοση της όπερας, έχουμε σχεδόν αίσιο τέλος. Είναι αλήθεια ότι δεν έρχεται στο γάμο - η Οφηλία πετάγεται, όπως θα έπρεπε. Αλλά ο Άμλετ, που μαχαίρωσε τον Κλαύδιο και έστειλε τη Γερτρούδη σε ένα μοναστήρι, στεφανώνεται και του ψάλλει δόξα. Υπάρχει ένας λεγόμενος «τελικός για το Κόβεντ Γκάρντεν» όπου ο Τόμας έκανε την όπερα του σε περιοδεία. Για τους συμπατριώτες του Σαίξπηρ, ο Άμλετ έπρεπε ακόμα να θανατωθεί. Στην αγγλική εκδοχή, ο Δανός πρίγκιπας αναφωνεί "Οφηλία, πεθαίνω μαζί σου!" - και πέφτει. Μετά του τραγουδούν πάλι δόξα. Έγινε ακόμα πιο ηλίθιο.

Τώρα οι σκηνοθέτες όπερας δεν είναι προς τιμήν του Άμλετ (η μουσική είναι πιο δημοφιλής από πρώιμη όπερα Tom - "Minion"), αν και υπάρχει ένας εξαιρετικός ερμηνευτής του ρόλου του τίτλου - Thomas Hampson. Για να αντεπεξέλθετε στον εθελοντισμό των λιμπρετιστών και της μουσικής δεύτερης διαλογής, χρειάζεστε τόσο ισχυρή σκηνοθετική απόφαση όσο και υψηλή ποιότητα μουσικό έργο. Και οι δύο στην Όπερα Novaya, που αποφάσισε εδώ και καιρό να αναπληρώσει το ρεπερτόριό της με τον σπάνιο Άμλετ, ήταν αρχικά αναμενόμενα. Ο ρόλος του σκηνοθέτη δεν προσφέρθηκε σε κανέναν, αλλά στον Alexander Sokurov. Ακόμα κι αν αποδείχτηκε εντελώς αβάσιμος στη νέα του ιδιότητα ως σκηνοθέτης όπερας, τότε τουλάχιστον ο συνδυασμός των ονομάτων Shakespeare-Thomas-Sokurov θα μπορούσε να είναι διασκεδαστικός. Αλλά ο Σοκούροφ, αναστατωμένος από το γεγονός ότι τόσοι πολλοί άνθρωποι τραγουδούν στην όπερα, έχασε κάθε ενδιαφέρον για την παραγωγή. Μαζί του, ο καλλιτεχνικός διευθυντής του θεάτρου Yevgeny Kolobov έχασε το ενδιαφέρον του για τον Άμλετ. Και διανθισμένη με την μάλλον παράλογη ιδέα του Σοκούροφ - να μεταφέρει την ορχήστρα από τον παραδοσιακό λάκκο στην πίσω τσέπη της σκηνής - η όπερα δόθηκε στα χέρια του επιτελικού διευθυντή της Νέας Όπερας, Valery Raku, του διευθυντή ορχήστρας Dmitry Volosnikov και της ταινίας καλλιτέχνης Marina Azizyan.

Δεν προέκυψε τίποτα καλό από αυτό. Η καλύτερη στιγμή στην παραγωγή είναι η περίφημη «Ποντικοπαγίδα», στην οποία παίζουν αστείες κούκλες και τουλάχιστον λίγο χιούμορ ξεφεύγει. Όλα τα άλλα είναι σκοτεινά και μίζερα. Η κινητή πλατφόρμα, στην οποία κάθονται οι ήρωες με τη σειρά τους, αρχίζει πάντα να τρίζει ακριβώς την ώρα της άριας. Αυτό προκαλεί ιδιαίτερα καταθλιπτική εντύπωση, αφού, λόγω της απομακρυσμένης ορχήστρας, το τρίξιμο γίνεται η κύρια συνοδεία των φωνητικών μερών. Ο Άμλετ (νεαρός επιμελής βαρύτονος Ilya Kuzmin) τακτοποιεί τα πράγματα με το βασιλικό ζεύγος, με τον εαυτό του και με όλο τον κόσμο, τυλίγοντας τον εαυτό του σε κάποιο είδος κουρτίνας με λουλούδια με τον πιο ακατάστατο τρόπο. Το καρικατούρα φάντασμα του δολοφονημένου πατέρα, βαμμένο και ντυμένο με βαμπού, φαίνεται να μην εμφανίζεται από τον επόμενο κόσμο, αλλά από έναν κύκλο αγροτικών ερασιτεχνικών παραστάσεων. Η Οφηλία (έμπειρη, με ευκολία στη φωνή Μαρίνα Ζούκοβα), τυλιγμένη σε μια τεράστια άκαμπτη τσάντα και μοιάζει με κοντάρι για περπάτημα, γλιστράει στην πλατφόρμα με το στομάχι της, πέφτει από αυτήν πάνω στο πολυαιθυλένιο που απεικονίζει νερό και βρίσκεται εκεί μέχρι το τέλος.

Το τέλος, όμως, δεν είναι μακριά, γιατί η πεντάωρη όπερα μειώθηκε στο μισό. Και, ως συνήθως στη «Νέα Όπερα» - επανενορχηστρωμένη. Η παρτιτούρα δεν αντιμετωπίστηκε πιο σωστά απ' ό,τι ο Τομ με τον Σαίξπηρ. Υπήρχε επίσης μια θέση για το αγαπημένο όργανο κρουστών στην Όπερα Novaya - ένα κουτί που μοιάζει με μετρονόμο στον ήχο (ακόμη και ο Μπόρις Γκοντούνοφ δεν μπορεί να κάνει χωρίς αυτήν τη σχετικά πρόσφατη εφεύρεση). Υπάρχει επίσης ένα πλήρες σόλο σαξόφωνου - που σημαίνει, προφανώς, ένα φιλικό γεια στην ομώνυμη παράσταση του Peter Stein. Ποια από τις διαθέσιμες εκδόσεις της όπερας - γαλλική ή αγγλική - εμφανίζεται στη Νέα Όπερα δεν είναι ξεκάθαρο. Πιθανότατα Ρώσος και ο πιο αποτυχημένος.

Vedomosti, 14 Νοεμβρίου 2000

Βαντίμ Ζουράβλεφ

Ομελέτα από τον Άμλετ

Ετοιμάζεται για τρία χρόνια στη «Νέα Όπερα»

Για τρία χρόνια στο Novaya Opera Theatre της Μόσχας, ο σκηνοθέτης Alexander Sokurov και ο μαέστρος Yevgeny Kolobov δούλεψαν τη σπάνια, ακόμη και για τα δυτικά πρότυπα, όπερα Άμλετ του Γάλλου συνθέτη Ambroise Thomas. Η πρώτη παραγωγή όπερας του Sokurov υποτίθεται ότι θα έκανε πολύ θόρυβο και το θέατρο δεν τσιγκουνεύτηκε την προώθηση. Αλλά πριν από ένα χρόνο, ο σκηνοθέτης του κινηματογράφου εγκατέλειψε την παραγωγή και ο Kolobov δεν είχε άλλη επιλογή από το να παραδώσει την ορχήστρα στον νεαρό μαέστρο Dmitry Volosnyakov. Ως εκ τούτου, στις παραστάσεις της πρεμιέρας, υπήρχε η αίσθηση ότι η νέα παράσταση του θεάτρου κυκλοφόρησε γιατί δεν υπήρχε πού να πάει.

Ο Γάλλος συνθέτης Ambroise Thomas αγαπούσε να ξαναφτιάχνει λογοτεχνικά θέματα με πάθος. Η πρώτη του επιτυχημένη εμπειρία ήταν η όπερα «Μινιόν» του Γκαίτε και το 1868 έφερε τον «Άμλετ» του Σαίξπηρ στον παραλογισμό. Η όπερα βαμπούκα βασισμένη στον Σαίξπηρ εκτεινόταν σε πέντε πράξεις και τελείωσε με τη δολοφονία του θείου Κλαύδιου και την άνοδο του Άμλετ στο θρόνο με τα επιδοκιμαστικά επιφωνήματα της χορωδίας. Η Όπερα Novaya εγκατέλειψε αμέσως ένα τέτοιο φινάλε, αποφασίζοντας να κόψει την όπερα στη μέση. Ο ίδιος ο Evgeny Kolobov ανέλαβε τη μείωση της παρτιτούρας και την εκ νέου ενορχήστρωσή της, και πολλοί το θεωρούν κατόρθωμα. Χρειάζεται όμως ακόμα να μάθουμε τι περισσότερο υπάρχει σε αυτή τη χειρονομία του μαέστρου - ασκητισμός ή λιτότητα. Άλλωστε με αυτόν τον τρόπο το θέατρο αποφεύγει να πληρώσει τους εκδότες για τη χρήση μιας σπάνιας παρτιτούρας. Στην εκδοχή του Kolobov, ο "Άμλετ" χάνει το μοναδικό του αναμφισβήτητο πλεονέκτημα - την κομψότητα της γαλλικής λυρικής όπερας και η γοητεία με τα ξύλινα κουτιά (όπως στο "Boris Godunov") αμφισβητεί τη σκοπιμότητα τέτοιων μηχανορραφιών με την παρτιτούρα. Ο Τόμα εμφανίζεται ως κακή αντιγραφή μιας ιταλικής όπερας από την εποχή του Βέρντι και με την εξαφάνιση του στυλ χάνεται το νόημα της στροφής σε μια σπανιότητα.

Λένε ότι ο Kolobov δεν κουράζεται να συγκλονίζει τον γουέστερν ιμπρεσάριο, που καυχιέται για την ενορχήστρωση του «Mary Stuart» του Donizetti, φτιαγμένη απευθείας από τη βιντεοκασέτα. Στη Δύση αυτό θεωρείται αγανάκτηση και κανείς δεν επιτρέπεται να αγγίξει τα σκορ. Όμως ο Κολόμποφ κάνει ό,τι γουστάρει στο θέατρό του, ειδικά από τη στιγμή που το κοινό δεν έχει ακόμη ευκαιρία για σύγκριση.

Η άρνηση του Sokurov πρέπει να πληρωθεί από τον σκηνοθέτη πλήρους απασχόλησης του θεάτρου Valery Rak, ο οποίος, οπλισμένος με μια παραδοσιακή προσέγγιση στα έργα του Σαίξπηρ, προσπαθεί να αναβιώσει την όπερα βαμπού.

Ένας τόσο σπουδαίος σκηνοθέτης όπως ο Πίτερ Στάιν έχει ήδη πέσει σε αυτή την παγίδα με τον Άμλετ μπροστά στα μάτια του κοινού της Μόσχας. Τι να πούμε για τον μέσο σκηνοθέτη του μουσικού θεάτρου, του οποίου οι παραγωγές πριν από αυτό έμοιαζαν περισσότερο με όμορφα διακοσμημένες συναυλίες. Ο Ρακού είναι σπουδαίος ειδικός στα ζοφερά θρίλερ, οπότε ο «Άμλετ» ταιριάζει σε μια σειρά από παραστάσεις του σκηνοθέτη στη «Νέα Όπερα» - «Βάλι» και «Τα Δύο Φόσκαρι». Επιπλέον, ο θίασος της Όπερας Novaya απλά δεν έχει τραγουδιστές με τέτοιες υποκριτικές αποσκευές για να ενσαρκώνουν θρυλικές εικόνες. Η ορχήστρα στην παράσταση κατέληξε στο πίσω μέρος της σκηνής, αλλά δεν υπάρχει εξήγηση για αυτό. Μόνο η μουσική υποφέρει και οι τραγουδιστές υποφέρουν, τεντώνοντας το λαιμό τους προς τα παρασκήνια, όπου είναι κρεμασμένες τηλεοράσεις με την εικόνα του μαέστρου. Η σκηνογράφος Marina Azizyan ήταν πάντα γνωστή ως άνθρωπος του μπαλέτου, έτσι τα κοστούμια των σολίστ και της χορωδίας είναι πλούσια διακοσμημένα με χρυσό και στρας σε στυλ μπαλέτου. Το κύριο στοιχείο της σκηνογραφίας - μια γιγάντια ξύλινη γλώσσα πάνω στην οποία διαδραματίζονται σχεδόν όλες οι κύριες σκηνές - σέρνεται στους πάγκους, τρίζει και παρεμβαίνει στη μουσική. Για δύο ώρες, το κοινό αναζητά ευτυχισμένες στιγμές σε μια σκοτεινή σκηνή, συλλαμβάνοντας από τη γαλλική ομιλία αντί για το όνομα του κύριου ήρωα είτε "Amle" (αυτό είναι στα γαλλικά), είτε "Omelet" (αυτό είναι στο Nizhny Novgorod). Επομένως, όταν η Μαρίνα Ζούκοβα κάνει μια σειρά από βιρτουόζους ρουλάδες στη διάσημη σκηνή της τρέλας της Οφηλίας, η αίθουσα ξεσπά σε πρωτοφανή χειροκροτήματα. Ο βαρύτονος Ilya Kuzmin (Άμλετ) λαμβάνει πολύ λιγότερα χειροκροτήματα για την άρια του για το κρασί (αντικαθιστώντας το «To be or not to be» του Σαίξπηρ), αλλά το έργο του φαίνεται το πιο σοβαρό σε αυτήν την αδιευκρίνιστη και μη αναγκαία πια παράσταση.

Izvestia, 15 Νοεμβρίου 2000

Πέτερ Ποσπελόφ

Ο Άμλετ είναι ζωντανός

Πρεμιέρα στη Νέα Όπερα

Στην αφίσα της όπερας της Μόσχας - ένα νέο όνομα. Το θέατρο του Evgeny Kolobov, γνωστό για το πάθος του για τα σπάνια, ανέβασε μια μισοξεχασμένη όπερα του Γάλλου συνθέτη Ambroise Thomas (1811-1896) «Άμλετ». Η επιτυχία της παράστασης δεν εμπόδισε η μετατροπή της τραγωδίας του μεγάλου Βρετανού σε λυρικό δράμα στις γαλλική γλώσσακαι συνέβαλε στον αποκεφαλισμό μιας πεντάπρακτης γαλλικής όπερας σε σχήμα δύο πράξεων της Μόσχας.

Με ένα υπέροχο έργο, μπορείτε να κάνετε ό,τι θέλετε - αφήστε κάτι να μείνει, αποφάσισαν ο Ambroise Thomas και οι λιμπρετίστας του. Στο φινάλε της όπερας «Άμλετ» (επιτυχημένη πρεμιέρα στο Παρίσι - 1868), όλοι οι χαρακτήρες (με εξαίρεση την πνιγμένη Οφηλία και τον σκοτωμένο Κλαύδιο, αλλά συμπεριλαμβανομένου του ζωντανού και αβλαβούς Πολώνιου και του Λαέρτη) στέκονται στη σκηνή και τραγουδούν: «Ζήτω ο Άμλετ, ο βασιλιάς μας! Στην έκδοση του συγγραφέα για το Λονδίνο (πρεμιέρα στο Covent Garden, 1869), έγινε μια παραχώρηση στο τοπικό κοινό: ο Άμλετ μαχαιρώνεται μέχρι θανάτου. Στην έκδοση της Μόσχας, ο Άμλετ παραμένει στη σκηνή σε μια πένθιμη πόζα. Ο σκηνοθέτης Valery Raku εξηγεί στο πρόγραμμα: «Αυτά τα ρεύματα αίματος που πλημμύρισαν τη σαιξπηρική σκηνή είναι αδύνατα στον λυρικό κόσμο του Tom, αλλά στη γλώσσα της μουσικής περιγράφει έναν τέτοιο θάνατο της ψυχής, μετά τον οποίο ο φυσικός θάνατος δεν έχει πλέον νόημα. ."

Μπορείτε να χειριστείτε ακόμα πιο ελεύθερα ένα ελάχιστα γνωστό έργο, αποφάσισαν στην Όπερα Novaya. Και συνδύασαν πέντε πράξεις της παρτιτούρας του Τομ σε δύο, πέταξαν εντελώς έξω τον Λαέρτη, τον Πολώνιο, τους τυμβωρύχους, το μπαλέτο… Αυτό δεν συνέβη με τον Ευγένιο Ονέγκιν, ούτε με το " Μπόρις Γκοντούνοφ", ούτε καν με την "La Traviata", πηγαίνοντας στη "Νέα Όπερα" στις εκδόσεις του Yevgeny Kolobov. Μπορεί κανείς να παρηγορηθεί, πρώτον, από το γεγονός ότι αυτό δεν βλάπτει με κανέναν τρόπο τη ρωσική παράδοση: θυμάται ο εγχώριος ακροατής από την όπερα μόνο το Βακχικό Τραγούδι του Άμλετ - η κορωνίδα των μεγάλων βαρύτονων από φθαρμένους δίσκους γραμμοφώνου, και δεύτερον, επειδή η όπερα του Τομ είναι υπερβολικά μεγάλη στο πρωτότυπο (ωστόσο, τελικά τη σκηνοθετούν στο Σαν Φρανσίσκο και στη Γενεύη;) , δεν είναι αριστούργημα της πρώτης σειράς, και τα κοψίματα κάνουν μόνο καλό.

Ίσως θα έπρεπε να συμφωνήσουμε με αυτό. Και για να μην φταίμε για τις αλλαγές στην ενορχήστρωση, που προκαλούνται από την ανάγκη να φέρουμε την παλιά παρτιτούρα στη σύνθεση και τη δομή της σύγχρονης ορχήστρας. Και επίσης να χαίρεσαι με το πόσο αυθεντικό ακούγεται το σαξόφωνο στην ορχήστρα - μια μοντέρνα καινοτομία που επινοήθηκε στο μέσα του δέκατου ένατουαιώνα από τον Βέλγο Σαξ. Παρεμπιπτόντως, η μόνη ολοκληρωμένη ηχογράφηση (EMI CDS 7 54820-2, με τον Thomas Hampson στον ομώνυμο ρόλο) κυκλοφόρησε λίγο πριν ο Peter Stein ανεβάσει τον "Hamlet" του: τώρα είναι ξεκάθαρο από πού του ήρθε η ιδέα να βάλει το σαξόφωνο στο χέρια του ηθοποιού Yevgeny Mironov.

Το αριστούργημα του Τομ, αν και δεν είναι η πρώτη σειρά, αν και κομμένο και επανατοποθετημένο, εξακολουθεί να συμπληρώνει τη γνώριμη ιστορία της μουσικής - ακούγοντας το τραγούδι του θανάτου της Οφηλίας, μπορεί κανείς να μαντέψει την πηγή έμπνευσης για τον Βέρντι, ο οποίος έγραψε τη θανατική προσευχή της Δεσδαιμόνας στον Οθέλλο. Άλλωστε, ο «Άμλετ» είναι όμορφος ως παράδειγμα καθαρού γαλλικού τρόπου. Και εδώ υπάρχει κάτι για να τιμήσουμε τον νεαρό μαέστρο Ντμίτρι Βολόσνικοφ με έναν ευγενικό λόγο.

Κατά κανόνα, οποιαδήποτε από τις ομάδες όπερας μας, ακόμα και οι καλύτερες, είναι ένα σύνολο φωνών διαφορετικής φύσης. η επιθυμία για μια ενιαία φωνητική αρχή εκδηλώνεται μόνο σε σπάνιες περιπτώσεις παράστασης μπαρόκ όπερας που απαιτούν ειδική προσέγγισηνα ακούγεται (και αυτός είναι ακριβώς ο τομέας ενδιαφέροντος του Βολόσνικοφ - έχει ήδη ανεβάσει τη Διδώ και τον Αινεία του Πέρσελ στο φουαγιέ του θεάτρου). Τα έργα των νεαρών τραγουδιστών Ilya Kuzmin (Άμλετ), Lyudmila Kaftaykina (Ophelia) και Vladimir Kudashev (Claudius) στερούνταν δεξιοτεχνίας και ακρίβειας. Αλλά αυτοί, ακόμα και οι ερμηνευτές δευτερευόντων μερών (Σεργκέι Σερεμέτ και Μαξίμ Οστρούχοφ) προσπάθησαν να κουβαλήσουν με το τραγούδι τους αυτό που τους υποχρέωνε ο μαέστρος - την κομψότητα της γραμμής, την έλλειψη δύναμης, ένα εύλογο μέτρο στοργής (ο τιμώμενος Η καλλιτέχνης Έλενα Σβέχνικοβα έπεσε ενοχλητικά από το γενικό σύνολο). Λαμβάνοντας υπόψη ότι δύο σύνολα τραγουδούν την όπερα, τα πλεονεκτήματα του Ντμίτρι Βολόσνικοφ πρέπει να πολλαπλασιαστούν στα δύο: σχεδόν για πρώτη φορά ακούσαμε από τη σκηνή της όπερας μας τα αποτελέσματα της συστηματικής δουλειάς του μαέστρου σε ένα συγκεκριμένο φωνητικό ύφος κοινό για όλους τους τραγουδιστές - σε αυτήν την περίπτωση, το στυλ γαλλικής λυρικής όπερας.

Το ίδιο ισχύει για τη χορωδία, η οποία, δυστυχώς, με τη θέληση των κόπτων, τραγούδησε μόνο στο πρώτο μισό της παράστασης, και την ορχήστρα, που υπήρχε σε μια ειδική θέση: μερικές φορές αδέξια, αλλά συχνά ακούγονταν πολύ όμορφα, εξήχθη από λάκκο ορχήστρας(στη θέση του χτίστηκε ένα τέλμα από πολυαιθυλένιο, που τελικά έγινε ο τάφος της Οφηλίας) και στάλθηκε στο μακρινό αμπάρι, πίσω από τη σκηνή - που ανέτρεψε την οργανική ισορροπία μεταξύ της ορχήστρας και των τραγουδιστών. Από την άλλη, το θέαμα μιας μακρινής ορχήστρας με φράκα και λαμπάκια έπαιξε το ρόλο ενός σημασιολογικού σκηνικού στη σκηνογραφία της Marina Azizyan, τονίζοντας τη συμβατικότητα του «θέατρου στο θέατρο» (η σκηνή της «ποντικιπαγίδας» παίχτηκε διασκεδαστικά από τρεις γκροτέσκο μίμοι). Τσιγκούνης ξύλινες κατασκευές, πάνω στο οποίο εκτυλισσόταν η δράση, έμοιαζε ταυτόχρονα με το αμφιθέατρο της σαιξπηρικής αρένας και το μοχθηρό πηγάδι (και το «κουτί», που χτυπά ξεδιάντροπα στην ορχήστρα πάνω από την παρτιτούρα του Τομ, είναι εκκρεμές). Τα κύρια πλεονεκτήματα της παραγωγής του Valery Raku, η οποία είναι σταθερά βαρετή (η δεύτερη πράξη πρόσθεσε ελάχιστα στην πρώτη) και μερικές φορές αραιωμένη με προαιρετικά παιχνίδια με στηρίγματα (σαν μια κουρτίνα στριμμένη σε πλεξούδα), παρέμειναν όπως πάντα η εσωτερική μουσικότητα και η ικανότητα να βρει το σωστό, με καλό οπερατικό τρόπο για φωνητικές καταστάσεις σχεδιάζοντας πόζες και μισές-σκηνές.

Είναι ενδιαφέρον ότι ο πρώτος υποψήφιος για το ρόλο του σκηνοθέτη ήταν ο Alexander Sokurov, ένας από τους πιο μουσικούς σκηνοθέτες, αλλά τα σχέδιά του έμοιαζαν τόσο ριζοσπαστικά που ακόμη και ο ατρόμητος καλλιτεχνικός διευθυντής του θεάτρου, Evgeny Kolobov, δεν τόλμησε να το ρισκάρει. Ίσως είχε δίκιο: ο «Άμλετ» δεν έγινε αίσθηση, αλλά ζωντάνεψε και τραγούδησε στα γαλλικά και στο γαλλικό πνεύμα. Το αν αυτή η εμπειρία είναι προορισμένη να συνεχιστεί - αυτό είναι το ερώτημα.

Βραδινή Λέσχη, 17-23 Νοεμβρίου 2000

Ντμίτρι Μορόζοφ

Ο πρίγκιπας της Δανίας έκανε περιτομή

Ambroise Thomas, Hamlet. "Νέα Όπερα"

Κατά τη διάρκεια του ταξιδιού από την ιδέα στην από καιρό υποσχεμένη παραγωγή, το πλοίο εγκαταλείφθηκε πρώτα από τον σκηνοθέτη Alexander Sokurov, του οποίου η δημόσια ανακοινωθείσα συμμετοχή δημιούργησε το σκηνικό για μια αίσθηση, και στη συνέχεια από τον ίδιο τον Maestro Kolobov. Και οι δύο, όμως, δεν εξαφανίστηκαν χωρίς ίχνος. Η σκηνογραφία και τα κοστούμια της Marina Azizyan έμειναν από τη σκηνή του Sokurov και αυτό είναι ίσως το μόνο πράγμα που μας επιτρέπει να μιλάμε για αυτή την παράσταση ως φαινόμενο θεάτρου.

Το μονοπάτι του Kolobov είναι πολύ πιο αμφιλεγόμενο. Στον διάδοχό του σε αυτό το έργο, Ντμίτρι Βολόσνικοφ, άφησε τη δική του μουσική έκδοση και ενορχήστρωση (η τελευταία είναι ιδιαίτερα αμφίβολη όσον αφορά τη συμμόρφωση με το ύφος της γαλλικής λυρικής όπερας, καθώς και το στοιχειώδες γούστο, με το οποίο ο Kolobov ο ενορχηστρωτής έχει σταθερή προβλήματα). Με τη σειρά του, ο νεαρός και αναμφίβολα προικισμένος μαέστρος, ενθαρρυμένος από μια τέτοια προφανή έλλειψη ευλάβειας για τη μουσική του συγγραφέα από το αφεντικό του, προχώρησε ακόμη περισσότερο, υποβάλλοντας την όπερα σε περαιτέρω περιτομή. Ως αποτέλεσμα, μέρος των χαρακτήρων και σχεδόν το μισό σκορ έμειναν πίσω.

Μπορεί να αντιταχθεί ότι για το ευρύ κοινό όλες αυτές οι λεπτομέρειες δεν έχουν ιδιαίτερη σημασία, γι' αυτό το αποτέλεσμα είναι το πιο σημαντικό. Λοιπόν, αν αγνοήσουμε τον Άμλετ του Σαίξπηρ και την ομώνυμη όπερα του Τομ και θεωρήσουμε την παράσταση μια ελεύθερη σύνθεση βασισμένη και στα δύο, τότε δεν μπορούμε παρά να παρατηρήσουμε τα πλεονεκτήματα, ωστόσο, υπάρχουν χωριστά και δεν θέλουν να σχηματίσουν μια συνεκτική εικόνα.

Όλοι είναι ήδη συνηθισμένοι στο γεγονός ότι στη «Νέα Όπερα» η ορχήστρα και η χορωδία είναι συνήθως στην πρώτη γραμμή. Αυτή τη φορά η ευθυγράμμιση αποδείχθηκε κάπως διαφορετική: οι τραγουδιστές ήταν στην πρώτη θέση. Όχι μόνο οι έμπειρες τεχνίτες Marina Zhukova (Ophelia) και Elena Svechnikova (Gertrude) αξίζουν τον υψηλότερο έπαινο, αλλά και η πολύ νεαρή Ilya Kuzmin στον ομώνυμο ρόλο. Ο Vladimir Kudashev έδειξε τον εαυτό του πολύ άξιο στον ρόλο του Claudius. Το μέρος της χορωδίας (χοράρχης Αντρέι Λαζάρεφ) κατέλαβε μια μέτρια θέση στην παράσταση και η ορχήστρα, ωθημένη βαθιά στη σκηνή από τους σκηνοθέτες, χαμένη αισθητά στη φωτεινότητα του ήχου. Κέρδισε κάτι η παράσταση; Δυστυχώς, ο σκηνοθέτης Valery Racu δεν κατάφερε να κερδίσει την παρουσία της ορχήστρας στη σκηνή, με αποτέλεσμα να είναι μόνο οφθαλμικός πόνος.

Γενικά, η σκηνοθεσία είναι η πιο ευάλωτη πλευρά της παράστασης. Δεν πρόκειται για τη στατική mise-en-scène. Ενώ οι χαρακτήρες κάνουν τις ομιλίες τους, σχεδόν ακίνητοι στέκονται στην πλατφόρμα, αυτό δεν ενοχλεί, ειδικά επειδή ο σκηνοθέτης εδώ «καλύπτεται» πολύ καλά από έναν από τους καλύτερους σχεδιαστές φωτισμού μας Gleb Filshtinsky. Αλλά μόλις ο σκηνοθέτης, προσπαθώντας να ζωντανέψει τη σκηνική δράση, κάνει τον Άμλετ σε μια κινούμενη σκηνή κυριολεκτικά να «συναντήσει» τον Κλαύδιο και τη Γερτρούδη, ή όταν οι χαρακτήρες οργανώνουν περιοδικά παιχνίδια χωρίς νόημα γύρω από μια μικρή εσωτερική κουρτίνα, αρχίζεις να σκέφτεσαι ότι ένα πλήρες η απουσία σκηνοθεσίας θα ήταν προτιμότερη από τέτοιου είδους «παρουσία σκηνοθέτη».

Το αποτέλεσμα, λοιπόν, αποδείχθηκε πολύ αμφίρροπο. Η έκκληση στα σπάνια από μόνη της αξίζει ευγνωμοσύνης, αλλά σε αυτή την περίπτωση το θέατρο δεν κατάφερε να δικαιολογήσει πειστικά την επιλογή του. Εάν το έργο του Τομ, κατά τη γνώμη της διοίκησης της Όπερας της Novaya, απαιτεί τέτοιες ριζοσπαστικές ζωοτομίες, δεν θα ήταν καλύτερο να σκηνοθετήσουμε κάτι άλλο; Επιπλέον, ακόμη και εκείνο το "μέρος της μουσικής που ακουγόταν στην παράσταση δεν ήταν πολύ συναρπαστικό. Ο Ambroise Thomas φταίει γι' αυτό; Ή μήπως είναι ακόμα ο λόγος που η γαλλική λυρική όπερα είναι ένα λεπτό θέμα, που αποκαλύπτει τις ομορφιές της μόνο σε όσους είναι κατάλληλα για αυτήν χωρίς σκεπτικισμό, που έλκονται από αγάπη, όχι χειρουργική φαγούρα;

Κύριοι χαρακτήρες:
Άμλετ (βαρύτονος), Οφηλία (σοπράνο), Κλαύδιος (μπάσο), Γερτρούδη (μέτζο), Λαέρτης (τενόρος), Φάντασμα (μπάσο), Μάρκελλος (τενόρος), Οράτιο (μπάσο), Πολώνιος (μπάσο), Two Gravediggers (βαρύτονος, τενόρος), κ.λπ.

Η δράση διαδραματίζεται στη μεσαιωνική Δανία.

Οικόπεδο:
1 πράξη.
Στο βασιλικό κάστρο της Ελσινόρης βρίσκεται σε εξέλιξη η πανηγυρική στέψη του Κλαύδιου, που συνάπτει γάμο με τη διάδοχο του θρόνου, Γερτρούδη, χήρα του αποθανόντος βασιλιά, αδελφού του Κλαύδιου. Όλη η αριστοκρατία συγκεντρώθηκε, μόνο ο γιος του αποθανόντος βασιλιά και της Γερτρούδης, ο πρίγκιπας Άμλετ, λείπει. Αφού τελειώσει η τελετή, όλοι διαλύονται. Εμφανίζεται ο Άμλετ. Τον συναντά η κόρη της Πολόνια, Οφηλία. Αγαπά τον πρίγκιπα, τον οποίο πρόκειται σύντομα να παντρευτεί, και ανησυχεί που φεύγει από την αυλή. Ο Άμλετ τη διαβεβαιώνει για το αμετάβλητο των συναισθημάτων του για εκείνη. Εν τω μεταξύ, οι φίλοι του Άμλετ, Μάρκελλος και Οράτιο, αναζητούν τον πρίγκιπα για να τους αναφέρει ότι το βράδυ τους εμφανίστηκε ένα Φάντασμα - η σκιά του νεκρού πατέρα του.
Τα μεσάνυχτα, ο Άμλετ καλεί το Φάντασμα. Του εμφανίζεται και, αφού είπε για την απάτη του Κλαύδιου και της Γερτρούδης, που σκότωσαν τον πατέρα του, καλεί σε εκδίκηση. Ο Άμλετ πρέπει να τιμωρήσει τον Κλαύδιο, αλλά να γλιτώσει τη μητέρα του!
2 πράξη.
Η Οφηλία περπατά στο πάρκο της Ελσινόρ. Είναι λυπημένη, της φαίνεται ότι ο Άμλετ έχει κρυώσει απέναντί ​​της. Θέλοντας να αποσπαστεί η προσοχή, το κορίτσι παίρνει το βιβλίο. Ξαφνικά βλέπει τον Άμλετ. Αλλά ο πρίγκιπας δεν την βλέπει, και τον παρακολουθεί κρυφά. Παρατηρώντας, τελικά, την αγαπημένη του, τον Άμλετ, ωστόσο, φεύγει σιωπηλά, χωρίς να ανεβαίνει ποτέ κοντά της. Μπείτε η Γερτρούδη. Κοιτάζει τη λυπημένη Οφηλία. Το κορίτσι ζητά την άδεια από τη βασίλισσα να φύγει από την αυλή και να αποσυρθεί στο μοναστήρι, επειδή ο πρίγκιπας την έχει ερωτευτεί. Η Γερτρούδη την πείθει να μείνει, ελπίζοντας να μάθει τους λόγους για τη ζοφερή διάθεση του πρίγκιπα και την παράξενη συμπεριφορά του. Εμφανίζεται ο Κλαύδιος. Η Οφηλία φεύγει. Η Γερτρούδη ενημερώνει τον άντρα της για τις ανησυχίες της. Της φαίνεται ότι ο Άμλετ ξέρει για τα εγκλήματά τους. Ο Κλαύδιος ηρεμεί τη βασίλισσα, διαβεβαιώνοντας ότι ο πρίγκιπας είναι απλώς τρελός. Η συζήτησή τους διακόπτεται από την είσοδο του Άμλετ. Στο βάθος ακούγονται οι ήχοι εύθυμης μουσικής. Ο Άμλετ εξηγεί ότι αποφάσισε να καλέσει ένα θίασο κωμικών στο παλάτι για διασκέδαση. Η τρομαγμένη βασίλισσα φεύγει μαζί με τον Κλαύδιο. Ο Μάρκελλος μπαίνει με ηθοποιούς. Ο Άμλετ τους εξηγεί πώς πρέπει να παίξουν μια παντομίμα για τον ύπουλο φόνο του βασιλιά Γκονζάγκο. Στη συνέχεια καλεί όλους να πιουν κρασί και τραγουδά ένα ποτό τραγούδι.
Οι αυλικοί συγκεντρώνονται στην πλατεία μπροστά από το κάστρο. Η παντομίμα ξεκινά. Ο Άμλετ σχολιάζει αυτό που συμβαίνει στη σκηνή, όπου ο γέρος βασιλιάς, που αποκοιμήθηκε στην αγκαλιά της βασίλισσας, χύνεται από έναν προδότη δηλητήριο σε ένα ποτήρι και κατακτά δόλια το στέμμα του. Έξαλλος, ο Κλαύδιος διατάζει να εκδιώξουν τους ηθοποιούς και ο Άμλετ, προσποιούμενος τον παράφρονα, του κόβει το στέμμα, ισχυριζόμενος ότι βρήκε τον δολοφόνο.
3 πράξη.
Ο Άμλετ είναι μόνος στις κάμαρες. Συλλογίζεται αιώνια ερώτηση- να ζει κανείς ή να μην ζει? Εμφανίζεται ο Κλαύδιος. Δεν παρατηρεί τον πρίγκιπα, βασανίζεται από φόβους και είναι η διαθήκη του Πολώνιου. Ο Άμλετ ακούει τη συνομιλία τους από μακριά και συνειδητοποιεί ότι στη συνωμοσία εμπλέκεται και ο πατέρας της Οφηλίας. Άρα δεν θα γίνει γάμος με την Οφηλία!
Μπείτε στην ΟΦΗΛΙΑ με τη Βασίλισσα. Ο Άμλετ πείθει την Οφηλία να πάει σε μοναστήρι, δεν πρόκειται να παντρευτεί. Η Οφηλία βγάζει ευσυνείδητα τη βέρα της, τη δίνει στον πρίγκιπα και φεύγει. Ο Άμλετ, που μένει μόνος με τη μητέρα του, την κατηγορεί για ένα ύπουλο έγκλημα και την απειλεί με σπαθί. Η βασίλισσα εκλιπαρεί για συγχώρεση. Το φάντασμα που εμφανίστηκε ξαφνικά καλεί τον Άμλετ και αυτός, έχοντας συνέλθει, απελευθερώνει τη βασίλισσα.
4 πράξη.
Διακοπές στο χωριό. Χωρικοί και κυνηγοί υποδέχονται με χαρά τον ερχομό της άνοιξης. Ξεκινούν αστείοι χοροί - ο χορός των κυνηγών, το βαλς μαζούρκα. Η Οφηλία έρχεται στο πάρτι. Είναι με ένα λευκό φόρεμα με λουλούδια στα χέρια. Το βλέμμα της είναι τρελό. Η άτυχη γυναίκα τραγουδά, σαν σε παραλήρημα, μετά μιλάει για το τζιπ, σέρνοντας ταξιδιώτες στον πάτο. Η Οφηλία κυριεύεται από οράματα, ρίχνεται στο νερό.
Πράξη 5
Σε ένα νεκροταφείο κοντά στην Ελσινόρη, δύο τυμβωρύχοι σκάβουν έναν τάφο και πίνουν. Εμφανίζεται ο Άμλετ. Δεν γνωρίζει ακόμα για τον θάνατο της Οφηλίας. Καταδιώκεται από τον Λαέρτη και, θέλοντας να εκδικηθεί την αδερφή του, προκαλεί τον πρίγκιπα σε μονομαχία. Η μονομαχία που έχει ξεκινήσει διακόπτεται με νεκρώσιμο ακολουθία. Ο Άμλετ, συνειδητοποιώντας ότι η Οφηλία είναι νεκρή, θέλει να αυτοκτονήσει. Αλλά το Φάντασμα που του εμφανίστηκε πάλι θυμίζει στον πρίγκιπα την εκδίκηση και ο Άμλετ, έχοντας συγκεντρώσει όλες του τις δυνάμεις, σκοτώνει τον Κλαύδιο με ένα χτύπημα σπαθιού. Τώρα η βασίλισσα πρέπει να αποσυρθεί σε ένα μοναστήρι και ο Άμλετ ανεβαίνει στον θρόνο. Όλοι επαινούν τον νέο μονάρχη!

Δεύτερο πιο δημοφιλές μετά Τσιράκι, η όπερα του Τομ γράφτηκε σε ένα είδος κοντά στο γαλλικό μεγάλη όπερα (το οποίο αποδεικνύεται από μαζικές σκηνές μεγάλης κλίμακας, παρουσία μπαλέτου κ.λπ.), «αραιωμένο» με στυλιστικά στοιχεία, μελωδία και τονισμούς που ενυπάρχουν στο λυρική όπερα. Λαμβάνοντας ως βάση τη μεγάλη τραγωδία του Σαίξπηρ, ο συνθέτης απλοποίησε πολύ το περιεχόμενό της, επικεντρώνοντας την προσοχή στη γραμμή αγάπης. Κατ' αρχήν, τέτοιες μεταμορφώσεις τόσο στη μεγάλη όσο και στη λυρική όπερα ήταν αρκετά φυσικές (βλέπουμε το ίδιο πράγμα, για παράδειγμα, στο Φάουστ). Πρέπει να γνωρίζουμε ότι η τέχνη της όπερας ζει σύμφωνα με τους δικούς της εσωτερικούς νόμους και είναι άσκοπο να την αξιολογήσουμε από την άποψη της αντιστοιχίας της με τη λογοτεχνική πηγή. Ωστόσο, ο συνθέτης πήγε πολύ μακριά εδώ, όχι μόνο συντόμευσε την πλοκή της τραγωδίας, αλλά άλλαξε ριζικά την κατάργηση - ο Άμλετ παραμένει ζωντανός και γίνεται βασιλιάς! Υπάρχουν και άλλες σημαντικές διαφορές, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που σχετίζονται με τη μοίρα άλλων χαρακτήρων. Ωστόσο, εδώ δεν έγινε μόνο ο «βολονταρισμός» του Τομ. Το θέμα είναι ότι δεν πρέπει να ξεχνάμε ότι πολλές από τις γνωστές σε εμάς πλοκές της κλασικής λογοτεχνίας (συμπεριλαμβανομένων εκείνων του Σαίξπηρ, του ίδιου του Γκαίτε ή του Σίλερ κ.λπ.) ανάγονται σε πιο αρχαίους θρύλους. Και σε αυτή την περίπτωση, ο συνθέτης χρησιμοποίησε, μαζί με τη σαιξπηρική τραγωδία, τα κίνητρα της παλαιοσκανδιναβικής έπος του Άμλετ με «ευτυχές» τέλος, που μας έχει φτάσει στο λατινικό χειρόγραφο «The Acts of the Danes», γραμμένο. από τον μεσαιωνικό Δανό χρονικογράφο και ιερέα Saxo Grammatik (περίπου 1140 - μεταξύ 1206 και 1220), ο οποίος γεννήθηκε στο Roskilde.

Όπως προαναφέρθηκε, έχουμε να κάνουμε με μια όπερα και ένα έργο πρέπει να κρίνεται αποκλειστικά και μόνο με βάση τη δική του αισθητική και μουσικο-δραματουργική αξία. Από αυτή την άποψη, το G. είναι ένα αναμφισβήτητα ενδιαφέρον και σημαντικό έργο στην ιστορία του είδους, αν και όχι χωρίς αντιφάσεις που ενυπάρχουν στο έργο του Τομ στο σύνολό του. Φωτεινά μελωδικά και ορχηστρικά ευρήματα, εγκάρδια επεισόδια συνδυάζονται σε αυτό με μάλλον μπανάλ και δευτερεύουσα μουσική σειράς άλλων σκηνών.

Τα πιο εντυπωσιακά και εντυπωσιακά επεισόδια της όπερας περιλαμβάνουν μια μεγάλη σκηνή τρέλας και θανάτου της Οφηλίας. A vos jeux, mes amis 4η πράξη τους. Ελεύθερο και, ταυτόχρονα, πολύ οργανικό και πειστικό στη δραματική του εξέλιξη και αλλαγή διάθεσης, θυμίζει παρόμοια επεισόδια σε ιταλικές όπερες της ακμής του bel canto (Donizetti, Bellini). Η ομοιότητα ενισχύεται από τον δεξιοτεχνικό χαρακτήρα του μέρους της ηρωίδας. Το δημοφιλές «Βακχικό τραγούδι» του Άμλετ είναι πολύ αποτελεσματικό. O vin, dissipe la tristesseαπό τη 2η πράξη. Οι αρχικές καινοτομίες περιλαμβάνουν επίσης τη χρήση σαξοφώνων στην παρτιτούρα (η σκηνή στην πλατεία από τη 2η πράξη), που επινόησε ο A. Saks λίγο πριν (1840).

Να σημειωθεί ότι το πομπώδες και τεχνητό τέλος της όπερας έγινε αντικείμενο κριτικής. Επιπλέον, έγιναν προσπάθειες να επιστρέψουμε τουλάχιστον εν μέρει στο σαιξπηρικό διάλειμμα. Υπάρχει μια έκδοση που έκανε ο συγγραφέας για την πρεμιέρα στο Covent Garden, στην οποία ο Άμλετ, όπως αρμόζει σε μια σαιξπηρική τραγωδία, πεθαίνει. Αυτή η έκδοση δεν έλαβε περαιτέρω διανομή, πρακτικά δεν εκτελέστηκε, αν και υπάρχει ηχογράφηση που έγινε από τον μαέστρο Αποστέωση(1983), που πραγματοποιήθηκε από την Ουαλική Όπερα (σολίστ Milnes, Sutherland), όπου η δράση τελειώνει με το θάνατο του Άμλετ, που σκοτώθηκε από τον Λαέρτη, και σταματάει η αδέξια τελική χορωδία του "Vive Hamlet".

Η όπερα έκανε πρεμιέρα στη Μεγάλη Όπερα και γνώρισε εξαιρετική επιτυχία. Τους κύριους ρόλους ερμήνευσε ένας εξαιρετικός Γάλλος βαρύτονος εμπρός(Ήταν γι' αυτόν που ο Τόμα ανακατασκεύασε επειγόντως το μέρος του πρωταγωνιστή που είχε αρχικά σχεδιαστεί ως μέρος του τενόρου) και ο διάσημος τραγουδιστής Κ. Nilson. Ο ρόλος του τίτλου που ερμήνευσε ο Faure έκανε τόσο έντονη εντύπωση στους συγχρόνους του που ο μεγάλος Edouard Manet ζωγράφισε ένα πορτρέτο του καλλιτέχνη σε αυτόν τον ρόλο (1877).

Το 1869 ο Nilsson τραγούδησε επίσης στην ήδη αναφερθείσα αγγλική πρεμιέρα της όπερας στη σκηνή του Covent Garden. Την ίδια χρονιά έγινε η γερμανική πρεμιέρα στη Λειψία. Σύντομα η όπερα ανέβηκε στην Ιταλία, μεταφρασμένη στα ιταλικά. Το 1872 έγινε μια αμερικανική πρεμιέρα στην Ακαδημία Μουσικής της Νέας Υόρκης. Η δημοτικότητα του Γ. ήταν πολύ υψηλή. Μπορούν επίσης να σημειωθούν παραστάσεις στη Βαρκελώνη (1876), στο Μιλάνο (1878). Το 1883, η 200ή της παράσταση έλαβε χώρα στη Μεγάλη Όπερα. Το 1884 η όπερα ανέβηκε στο Μητροπολιτικό Θέατρο με Sembrichστο μέρος του τίτλου, το 1889 Όπερα της Βιέννης. Το 1908 στην πρώτη σεζόν του θεάτρου Ανω κάτω τελείαλαμπρός ως Άμλετ Ruffo. Το 1914, στη σκηνή της Μεγάλης Όπερας, τραγούδησε το μέρος της Οφηλίας Lipkivska. Ο ρόλος της Οφηλίας ήταν στο ρεπερτόριο πολλών υπέροχων τραγουδιστών, ανάμεσά τους Nordica, Νεβάδα, Μέλμπακαι τα λοιπά.

Στη ρωσική σκηνή, ο G. παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1892 στο Θέατρο Shelaputin από την ιδιωτική Ένωση Όπερας (στον ομώνυμο ρόλο Ο Ταρτάκοφ). Το 1893 έκανε το ντεμπούτο του στη Ρωσία ως Άμλετ. Ο Μπατιστίνι. Το ερμήνευσε στη χώρα μας και στο Cotogni. Στην προεπαναστατική Ρωσία, η όπερα ανέβηκε επανειλημμένα σε ιδιωτικές επιχειρήσεις, αλλά ποτέ δεν εμφανίστηκε στις αυτοκρατορικές σκηνές.

Σε όλο τον 20ό αιώνα Ο Γ. παρέμεινε όπερα ρεπερτορίου. Ωστόσο, η δημοτικότητά του αυξήθηκε ιδιαίτερα προς τα τέλη του αιώνα. Από τις παραγωγές αυτής της περιόδου, σημειώνουμε τις παραστάσεις στην Όπερα της Νέας Υόρκης (1982, Milnesστον ομώνυμο ρόλο), Τορίνο και Λιντς (1990), Μόντε Κάρλο (1992, στον ομώνυμο ρόλο Χάμπσον) Vienna Volksoper (1995, Σκόφουςστον ομώνυμο ρόλο), Γενεύη, Κοπεγχάγη και Σαν Φρανσίσκο (1996), Καρλσρούη (1998), Παρίσι (2000), Κόβεντ Γκάρντεν (2003, Keenleysideστον ομώνυμο ρόλο), ξανά στη Γενεύη (2006), στο Met (2010, με τους Keenleyside και Dessay) και τα λοιπά.

Στη Ρωσία, στη σοβιετική εποχή, ο Γ. δεν εμφανιζόταν σε αφίσες. Μόνο το 2000 μια νέα παραγωγή της όπερας ανέβηκε στην Όπερα Novaya της Μόσχας υπό τη διεύθυνση του Kolobova. Σε αυτή τη δίπρακτη παράσταση, η παρτιτούρα της όπερας (όπως συνέβαινε συχνά στο αργότερα δουλειά Kolobov) έχει υποστεί σημαντικές αλλαγές. Πολλές σκηνές έχουν κοπεί, μεταξύ των οποίων το πανηγύρι του χωριού, η σκηνή της μονομαχίας, ενώ λείπουν και αρκετοί χαρακτήρες (Λαέρτης, Πολώνιος, τυμβωρύχοι). Η πλοκή απέκτησε πιο συμβολικό χαρακτήρα και το τέλος έγινε διφορούμενο. Ο Άμλετ, στην καρδιά του οποίου δεν υπάρχει πια θυμός, απλά αποχαιρετά όλους και φεύγει.

Σύντομη δισκογραφία:
CD Decca (στούντιο) – σκην. R. Boning, σολίστ S. Milns, D. Sutherland, D. Morris, B. Konrad, G. Vinberg.
EMI (στούντιο) - σκην. A.de Almeida, σολίστ T.Hampson, D.Anderson, S.Rami, D.Graves, G.Kunde.

Απεικόνιση:
Ambroise Thomas.

1 - Στο εξής πληκτρολογημένο στα ιταλικαη λέξη παραπέμπει τον αναγνώστη στο αντίστοιχο λήμμα στο Λεξικό Όπερας. Δυστυχώς, πριν από τη δημοσίευση πλήρες κείμενολεξικό, θα είναι αδύνατο να χρησιμοποιηθούν τέτοιες αναφορές.

Ambroise Thomas (08/05/1811, Metz - 02/12/1896, Παρίσι) - Γάλλος συνθέτης. Γιος δασκάλου μουσικής. Αποφοίτησε από το Ωδείο του Παρισιού, όπου σπούδασε με τους F. Kalkbrenner, P. Zimmermann (πιάνο) και Lesueur (σύνθεση). Το 1832 έλαβε το Prix de Rome για την καντάτα Hermann and Ketty. Μετά από μια τριετή παραμονή στη Ρώμη, ο Θωμάς έζησε στη Βιέννη για περίπου ένα χρόνο και επέστρεψε στο Παρίσι το 1836, όπου αφοσιώθηκε στη σύνθεση όπερας. Από το 1837, τα έργα του Τόμας παίζονταν τακτικά στην παρισινή σκηνή. Η πρώτη του όπερα ήταν η μονόπρακτη «Διπλή Σκάλα» βασισμένη στην κωμωδία του E. Scribe (αναρτήθηκε το 1837). Η πλοκή της επόμενης όπερας του Τομ «The Barber of the Regency» (μετά το 1838) συνδέθηκε με τη ρωσική ιστορία (η δράση της όπερας διαδραματίζεται στη Ρωσία τον 18ο αιώνα). Οι πρώτες 8 όπερες του Τομ είχαν μέτρια επιτυχία. Αλλά τα δύο επόμενα του κωμικές όπερες- Το "Kadi" από την ανατολική ζωή (μετά. 1849) και το "A Midsummer Night's Dream" βασισμένο στην κωμωδία του Σαίξπηρ (μετά. 1850) - έκαναν το όνομα του συνθέτη ευρέως γνωστό όχι μόνο στη Γαλλία, αλλά και πολύ πέρα ​​από τα σύνορά της. Το 1851 ο Τόμας εξελέγη μέλος του Ινστιτούτου της Γαλλίας και σε του χρόνουπροσκλήθηκε ως καθηγητής σύνθεσης στο Ωδείο του Παρισιού (μεταξύ των μαθητών του - Jules Massenet). από το 1871 - διευθυντής του ωδείου.

Ο Θωμάς συνεχίζει να γράφει κωμικές όπερες σύμφωνα με την παράδοση της γαλλικής σχολής όπερας της εποχής. Το 1859, η όπερα Faust του Gounod ανέβηκε στο Παρίσι με πρωτοφανή επιτυχία. Κάτω από την εντύπωση αυτής της παράστασης, ο Θωμάς, στρεφόμενος και στο έργο του Γκαίτε «Τα χρόνια της διδασκαλίας του Βίλχελμ Μάιστερ», δημιούργησε τη λυρική όπερα «Μινιόν» (μετά. 1866). Οι Παριζιάνοι δέχτηκαν με ενθουσιασμό την παράσταση και σύντομα το «Mignon» καθιερώθηκε στο ρεπερτόριο πολλών όπερων στον κόσμο. Μαζί με τον Φάουστ, αυτή η όπερα έχει τις περισσότερες παραστάσεις στο Παρίσι. Η παραγωγή της επόμενης όπερας του Τομ Άμλετ (1868) ήταν επίσης επιτυχημένη.

Το «Μινιόν» και ο «Άμλετ» παρέκαμψαν όλες τις πρωτοκλασάτες σκηνές στην Ευρώπη. Ο Θωμάς έγραψε επίσης τα μπαλέτα "La Gipsy" και "Betty", τις όπερες "Raymond", "Le songe d" une nuit d "йty", "Francesca da Rimini", καντάτες, εμβατήρια, μοτέτες, κουιντέτα, κουαρτέτα, νυχτερινά, χορωδίες και άλλα Η χαριτωμένη μελωδική μουσική και η εξαιρετικά καλή ενορχήστρωση τοποθετούν τον Τομ στους σημαντικότερους Γάλλους συνθέτες.

Επειδή το λιμπρέτο δεν ακολουθεί ακριβώς τον Σαίξπηρ, κάνω μια σύντομη περιγραφή

Άμλετ και Οφηλία - Dante Gabriel Rossetti

Χωριουδάκι

Όπερα σε πέντε πράξεις

Libretto Kare και Barbier

Χαρακτήρες

Άμλετ (βαρύτονος)

Κλαύδιος, Βασιλιάς της Δανίας (βαρύτονος)

Hamlet's Father's Shadow (μπάσο)

Marcellus, φίλος του Άμλετ (τενόρος)

Οράτιο, φίλος του Άμλετ (βαρύτονος)

Polonius, chamberlain (βαρύτονος)

Ο Λαέρτης, ο γιος του

Βασίλισσα (σοπράνο)

Οφηλία, κόρη του Πολώνιου (σοπράνο)

Η δράση διαδραματίζεται στην Ελσινόρη (Δανία) τον 16ο αιώνα.

Δράση πρώτη. Εικόνα πρώτη. Αίθουσα στο παλάτι. Οι αυλικοί χαιρετούν τον βασιλιά Κλαύδιο της Δανίας, ο οποίος μόλις παντρεύτηκε τη γυναίκα του προκατόχου του Γερτρούδη. Ο βασιλιάς, γυρίζοντας στη Γερτρούδη, της ζητά να ξεχάσει τη θλίψη και να γίνει βοηθός του στις επιχειρήσεις. Όταν όλοι φεύγουν, εμφανίζεται ο Δανός πρίγκιπας Άμλετ, ο γιος της Γερτρούδης. Θρηνεί το θάνατο του πατέρα του και την ευμετάβλητη μητέρα του: έχουν περάσει μόλις δύο μήνες από το θάνατο του πατέρα του, όταν η μητέρα του τον ξέχασε και έδωσε το χέρι της στον Κλαύδιο, τον αδελφό του αείμνηστου βασιλιά. «Ω, γυναίκα!» λέει ο Άμλετ, «το όνομά σου είναι αστάθεια και κενό!» Βλέποντας την κόρη του θαλαμοφύλακα Πολώνιου Οφηλία να μπαίνει στην αίθουσα, ο Άμλετ ορμάει κοντά της. Μια τρυφερή σκηνή διαδραματίζεται ανάμεσά τους. Όταν μαθαίνει ότι ο Άμλετ αποχαιρέτησε τον βασιλιά και πρόκειται να φύγει, η Οφηλία εκφράζει φόβο ότι έχει πάψει να την αγαπά και ως εκ τούτου θέλει να φύγει από το παλάτι. Ο Άμλετ της λέει ότι δεν είναι κάποιος που η καρδιά του είναι ικανή να προδώσει τους ιερούς όρκους αγάπης και τη διαβεβαιώνει ότι την αγαπά ακόμα και φεύγει από το δικαστήριο για άλλους λόγους. Μπαίνει ο Λαέρτης, ο αδερφός της Οφηλίας. Ήρθε για να αποχαιρετήσει τον πρίγκιπα και την αδερφή, καθώς ο βασιλιάς τον στέλνει στη Νορβηγία. Λέει ότι πρόκειται να πολεμήσει για την τιμή της πατρίδας του και αν δεν προορίζεται να επιστρέψει, τότε ας παρηγορηθεί η Οφηλία από την αγάπη του Άμλετ, στον οποίο την εμπιστεύεται. Ο Άμλετ ορκίζεται ότι θα προστατεύει πάντα την Οφηλία. Ο Λαέρτης τον αποχαιρετά και φεύγει με την Οφηλία. Ο Άμλετ τους κοιτάζει με θλίψη. Κυρίες και κύριοι συγκεντρώνονται για ένα νέο γλέντι. Οι αξιωματικοί Μάρκελλος και Οράτιο, φίλοι του Άμλετ, αναζητούν τον πρίγκιπα για να του πουν για την εμφάνιση της σκιάς του νεκρού βασιλιά στις επάλξεις.

Εικόνα δύο. Φρούριο κοντά στο παλάτι. Νύχτα. Ο Οράτιο, ο Μάρκελλος και ο Άμλετ περιμένουν το φάντασμα του αείμνηστου βασιλιά, που εμφανίστηκε σε αυτό το μέρος χθες το βράδυ. Από το παλάτι μπορείτε να ακούσετε τους ήχους της μουσικής και το θόρυβο ενός χαρούμενου γλεντιού. Τα μεσάνυχτα απεργίες. Εμφανίζεται η σκιά του βασιλιά, του πατέρα του Άμλετ. Ο Άμλετ, τρομερά ενθουσιασμένος από το όραμα, στρέφεται προς το φάντασμα ζητώντας να του αποκαλύψει, έναν αγαπημένο γιο, τον λόγο της εμφάνισής του. Η σκιά του βασιλιά κάνει σημάδι στον Μαρσέλιο και στον Οράτιο να φύγουν. Καθώς φεύγουν, ο Άμλετ πλησιάζει τη σκιά και της ζητά να του πει τι θέλει ο πατέρας του να κάνει. Η σκιά κληροδοτεί την εκδίκηση στον Άμλετ και του αποκαλύπτει ότι ο πατέρας του έπεσε στα χέρια του αδελφού του Κλαύδιου, ο οποίος τον δηλητηρίασε δόλια κατά τη διάρκεια του ύπνου του για να καταλάβει τον θρόνο της Δανίας και της Γερτρούδης. Η σκιά λέει ότι έχει έρθει η ώρα της ανταπόδοσης, ο γιος πρέπει να εκδικηθεί τον θάνατο του πατέρα του, αλλά ας γλιτώσει τη βασίλισσα, τη μητέρα του, την οποία ο ίδιος ο Θεός θα τιμωρήσει για τη συμμετοχή στο έγκλημα. Καθώς πλησιάζει το πρωί, η σκιά εξαφανίζεται. Ο Άμλετ ορκίζεται να εκπληρώσει τη θέληση του φαντάσματος και να εκδικηθεί τους δράστες της δολοφονίας.

Δράση δεύτερη. Εικόνα πρώτη. Κήπος στο παλάτι του βασιλιά. Η Οφηλία ονειρεύεται τον Άμλετ. Την βασανίζει η ζοφερή, στοχαστική εμφάνισή του. Ο Άμλετ εμφανίζεται στο βάθος. Βλέποντάς τον, η Οφηλία προσπαθεί να τον προσελκύσει κοντά της με αθώα φιλαρέσκεια, αλλά, προς μεγάλη της πικρία, ο απασχολημένος Άμλετ δεν της δίνει σημασία και φεύγει γρήγορα. Η Οφηλία κλαίει νομίζοντας ότι ο Άμλετ την έχει ερωτευτεί. Μπείτε η βασίλισσα, η μητέρα του Άμλετ. Η Οφηλία λέει στη βασίλισσα για τη θλίψη της και ζητά να την αφήσουν να πάει στο μοναστήρι, όπου θα μπορούσε να βρει παρηγοριά στη θλίψη της. Η βασίλισσα λέει ότι δεν καταλαβαίνει την περίεργη συμπεριφορά και την ψυχική κατάσταση του γιου της τον τελευταίο καιρό και διαβεβαιώνει την Οφηλία ότι ο Άμλετ την αγαπά όπως πριν. Ζητά από την Οφηλία να γιατρέψει τον Άμλετ από τη λαχτάρα και να μην πάει στο μοναστήρι. Η Οφηλία, συγκινημένη από την παράκληση της βασίλισσας, δέχεται να μείνει στο παλάτι. Βλέποντας τον βασιλιά να μπαίνει, η βασίλισσα διατάζει την Οφηλία να φύγει. Η βασίλισσα προειδοποιεί τον Κλαύδιο: φαίνεται ότι ο Άμλετ αντιλήφθηκε το έγκλημά τους. Ο βασιλιάς τη διαβεβαιώνει ότι ο γιος της δεν ξέρει τίποτα. Μπαίνει ο Άμλετ μυστηριώδης και κοροϊδευτικός. Ο βασιλιάς του απλώνει το χέρι και ζητά από τον Άμλετ να ονομαστεί πατέρας. Ο Άμλετ παρατηρεί ότι ο πατέρας του κοιμάται σε έναν κρύο τάφο. Στη συνέχεια, ο βασιλιάς τον προσκαλεί να κάνει ένα ταξίδι στην Ιταλία για να χαλαρώσει λίγο. Ο Άμλετ αρνείται να ταξιδέψει και δηλώνει ότι, για λόγους διασκέδασης, έχει καλέσει στο παλάτι έναν θίασο ηθοποιών, οι οποίοι πρόκειται να δώσουν μια ενδιαφέρουσα παράσταση. Ο Βασιλιάς και η Βασίλισσα εκφράζουν την ετοιμότητά τους να παρακολουθήσουν αυτή την παράσταση και να φύγουν. Ο Άμλετ, φροντίζοντας τους αναχωρητές, λέει ότι η ώρα της εκδίκησης πλησιάζει. Εμφανίζεται ένας θίασος ηθοποιών. Ο Άμλετ τους δέχεται, τους παραγγέλνει το έργο «Ο φόνος του Γκονζάγκο», πίνει μαζί τους και με ένα πικρό γέλιο υμνεί το κρασί, που φέρνει τη λήθη στον άνθρωπο σε μέρες θλίψης και θλίψης.

Εικόνα δύο. Αίθουσα στο παλάτι. Στα βάθη της θεατρικής σκηνής. Παρουσία του βασιλιά και της βασίλισσας, του Άμλετ και των αυλικών δίνεται στη σκηνή η παντομίμα «The Murder of Gonzago». Κάτω από αυτόν τον τίτλο, ο Άμλετ κανόνισε τη σκηνή της δολοφονίας του πατέρα του, θέλοντας να βασανίσει τον Κλαύδιο και τη μητέρα του. Καθοδηγεί τον Marcellio και τον Horatio να ακολουθήσουν την εντύπωση που θα κάνει η παράσταση στον βασιλιά, και ο Sami δίνει μια εξήγηση για το τι συμβαίνει στη σκηνή: «Ο βασιλιάς Gonzago συνοδεύεται από τη βασίλισσα Genevieve, η οποία του ψιθυρίζει ήπια λόγια. Αισθάνεται κουρασμένος , ο Γκονζάγκο κάθεται και αποκοιμιέται στο στήθος της βασίλισσας από την κούραση "Ο κακός εμφανίζεται, κρατώντας στα χέρια του ένα κύπελλο με δηλητήριο. Με τη βοήθεια μιας ερωτευμένης βασίλισσας, χύνει δηλητήριο στο στόμα του κοιμισμένου βασιλιά. ο βασιλιάς πεθαίνει, και ο κακός παίρνει το στέμμα του και γίνεται βασιλιάς»... Αυτή η ιστορία και η παντομίμα κάνουν τον βασιλιά να χλομιάζει πολύ. Ο βασιλιάς διατάζει να διώξουν τους ηθοποιούς. Έτσι, ο Άμλετ πείθεται τελικά για την ενοχή του βασιλιά. Προσποιούμενος τον τρελό για να το ξεφύγει, ο Άμλετ αποκαλεί τον Κλαύδιο κακό, τον δολοφόνο του αδελφού του, και του κόβει το στέμμα από το κεφάλι, δηλώνοντας ότι ο δολοφόνος δεν μπορεί να το φορέσει. Όλοι υποχωρούν τρομαγμένοι. Ο βασιλιάς και η βασίλισσα τρέχουν μακριά. Ο Άμλετ πέφτει αναίσθητος στην αγκαλιά του Οράτιο και του Μαρσέλιο.

Δράση τρίτη. Δωμάτιο της Βασίλισσας. Στο βάθος διακρίνεται ένα ολόσωμο πορτρέτο του πατέρα του Κλαύδιου και του Άμλετ. Ανάλογο για προσευχή. Ο Άμλετ μπαίνει και σταματά σε σκέψεις. Το έγκλημα του βασιλιά είναι ξεκάθαρο, και μάταια τον γλιτώνει, αναβάλλοντας την εκδίκηση. Θυμάται τον αείμνηστο πατέρα του και ξεστομίζει έναν μονόλογο γεμάτο φιλοσοφική απαισιοδοξία: «Να είσαι ή να μην είσαι;» Ακούγοντας την προσέγγιση του πατριού του, ο Άμλετ κρύβεται πίσω από την κουρτίνα. Μπείτε ο Κλαύδιος. Βασανίζεται από πόνους συνείδησης, και προσεύχεται στους πρόποδες του αναλόγιου. Θα ήθελε να είναι στη θέση του αδερφού του, «αιωρείται στα χωριά του παραδείσου», και να μην υποφέρει εδώ στη γη. Ο Άμλετ, που εμφανίζεται πίσω από την κουρτίνα, λέει ότι τώρα θα ήταν εύκολο να σκοτώσει τον βασιλιά, αλλά σταματά όταν βλέπει ότι προσεύχεται. Ο Άμλετ υπόσχεται στον εαυτό του να τον σκοτώσει αργότερα, όχι κατά τη διάρκεια της προσευχής, και κρύβεται ξανά. Ο βασιλιάς, ακούγοντας τα βήματα του Άμλετ, πετάει πάνω και φοβισμένος καλεί τον καμαριέρα του Πολώνιο. Ο Πολώνιος μπαίνει και ηρεμεί τον βασιλιά, ο οποίος βλέπει το φάντασμα του δολοφονημένου πατέρα του Άμλετ. Από τα περαιτέρω λόγια του Πολώνιου, ο Άμλετ μαθαίνει ότι ο πανούργος αυλικός είναι συνεργός του Κλαύδιου. Ο Πολώνιος οδηγεί τον βασιλιά μακριά. Ο Άμλετ βγαίνει πίσω από την κουρτίνα. Η βασίλισσα εμφανίζεται με την Οφηλία και λέει στον Άμλετ ότι όλα είναι έτοιμα για την τελετή του γάμου του με την Οφηλία. Ο Άμλετ, χωρίς να απαντήσει στη βασίλισσα, πλησιάζει την Οφηλία και της λέει ότι ο γάμος τους δεν μπορεί να γίνει, αφού η καρδιά του είναι «κρύα σαν μάρμαρο και απρόσιτη στην αγία αγάπη». πρέπει να τον ξεχάσει και να πάει σε ένα μοναστήρι. Η Οφηλία κλαίει για τον έρωτά της και δίνει πίσω στον Άμλετ το δαχτυλίδι του. Η βασίλισσα πείθει τον Άμλετ να μείνει πιστός στην Οφηλία, αλλά, εντυπωσιασμένη από τη ζοφερή εμφάνισή του, απομακρύνεται από αυτόν με φρίκη. Η Οφηλία φεύγει με απόγνωση. Ο Άμλετ, που μένει μόνος με τη μητέρα του, θυμωμένος την εκθέτει σε ένα τρομερό έγκλημα. Η βασίλισσα τον εκλιπαρεί για έλεος. Ο Άμλετ δηλώνει ότι δεν θα τη σκοτώσει, αλλά θα την αφήσει στη «δικαιοσύνη του ουρανού». Δείχνοντας τα πορτρέτα και των δύο συζύγων της Γερτρούδης, λέει ότι το ένα είναι «η ενσάρκωση της ομορφιάς και της δύναμης, του μεγαλείου και της καλοσύνης», το άλλο είναι «γεμάτο κακία και εξαχρείωση», και έδωσε την αγάπη της στον τελευταίο, συμμετέχοντας στη δολοφονία του πρώτου της συζύγου . Η βασίλισσα πέφτει με φρίκη στα πόδια του Άμλετ, ζητώντας της έλεος. Ο Άμλετ ορκίζεται να εκδικηθεί τον θάνατο του πατέρα του και απαρνείται τη μητέρα του. Ξαφνικά εμφανίζεται η σκιά του βασιλιά, ορατή μόνο στον Άμλετ. το φάντασμα λέει στον γιο να γλιτώσει τη μητέρα του. Η βασίλισσα, βλέποντας το περιπλανώμενο βλέμμα του γιου της, τον ρωτάει τι του συμβαίνει. Ο Άμλετ δείχνει τη σκιά του πατέρα της. Η βασίλισσα, μη βλέποντας τίποτα, πιστεύει ότι ο Άμλετ έχει χάσει τα μυαλά του. Παρηγορεί τη βασίλισσα και τη συμβουλεύει να μετανοήσει και να προσευχηθεί.

Δράση τέταρτη. Αγροτικό τοπίο. Στα βάθη είναι μια λίμνη. Μια ομάδα Δανών χωρικών διασκεδάζει με ανοιξιάτικους χορούς και παιχνίδια. Εμφανίζεται η Οφηλία που έχει χάσει τα μυαλά της από τη στεναχώρια. Ονειρεύεται τον Άμλετ και αναπολεί τον δυστυχισμένο έρωτά της. Αγροτιάδες την περιτριγυρίζουν και λυπούνται τον πάσχοντα. Μαζεύει λουλούδια, τα μοιράζει στα κορίτσια και τραγουδά μια λυπημένη μπαλάντα για μια γοργόνα που πιάνει τους ανθρώπους που κοιμούνται στην ακτή με τα δίχτυα της. Θλιμμένοι οι χωρικοί διαλύονται. Η Οφηλία ακούει τις φωνές των γοργόνων να την καλούν και ξαφνικά της φαίνεται ότι έρχεται ο Άμλετ. Για να τον τιμωρήσει για την πολύωρη αναμονή του, αποφασίζει να κρυφτεί ανάμεσα στις γοργόνες και ρίχνεται στα κύματα. Το φόρεμα τη στηρίζει για αρκετή ώρα στην επιφάνεια του νερού και σιγά-σιγά βυθίζεται, παρασυρόμενη από το ρεύμα, επαναλαμβάνοντας τα λόγια αγάπης που άκουσε κάποτε από τον Άμλετ.

Δράση πέμπτη. Νεκροταφείο. Δύο τυμβωρύχοι, σκάβοντας έναν τάφο για την Οφηλία, φιλοσοφούν για την αδυναμία κάθε τι γήινου και ότι «ο σκοπός της ύπαρξης είναι το κρασί». Μπείτε στον Άμλετ. Ήρθε εδώ, ξεφεύγοντας από τη δίωξη των δολοφόνων του βασιλιά, που τον θέλει νεκρό. Με βαθιά θλίψη, ο Άμλετ θυμάται την Οφηλία και της ζητάει νοερά συγχώρεση. Ο Άμλετ περιμένει να συναντήσει τον Οράτιο εδώ, αλλά εμφανίζεται ο Λαέρτης, που έχει επιστρέψει από τη Νορβηγία. Ο Λαέρτης κατηγορεί τον Άμλετ για το θάνατο της Οφηλίας. Πολεμούν με σπαθιά, αλλά σταματούν όταν ακούν τους ήχους μιας νεκρικής πορείας. Προβάλλεται η νεκρώσιμος ακολουθία με το σώμα της Οφηλίας. Ο Άμλετ, στη θέα της νεκρής Οφηλίας, θέλει να μαχαιρώσει τον εαυτό του με ένα στιλέτο, αλλά οι φίλοι του τον εμποδίζουν. Εμφανίζεται η σκιά του πατέρα του Άμλετ, η οποία διατάζει τον γιο του να ολοκληρώσει το έργο της εκδίκησης. Όλοι ξαφνιάζονται με την εμφάνιση του φαντάσματος. Ο Άμλετ αποκαλύπτει το μυστήριο του εγκλήματος και σκοτώνει τον Κλαύδιο. Το φάντασμα λέει στη Γερτρούδη να πάει στο μοναστήρι και εξαφανίζεται. Οι αυλικοί χαιρετούν τον νέο βασιλιά της Δανίας στο πρόσωπο του Άμλετ.

hamlet: thomas hampson, br;

ophelie: June Anderson, sopr;

claudius: Samuel Ramey, bs;

laerte: gregory kunde, δέκα;

gertrude: denyce graves, msopr;

lo spettro: jean courtis, bs:

marcellus: gerard garino, δέκα;

horatio: françois le roux, bs;

polonius: michel trempont, bs;

2 μπεκίνι: thierry felix, br; Τζήν pierre furlan, δέκα?

london philarmonic orch ε

Ο Ambroise Thomas έγραψε μια όπερα με το όνομα Άμλετ, η οποία παρουσιάστηκε για πρώτη φορά από τη Μεγάλη Όπερα του Παρισιού τον Μάρτιο του 1868. Οι διθυραμβικές κριτικές μιλούν για απίστευτη επιτυχία. Το λιμπρέτο για την όπερα σε πέντε πράξεις δημιουργήθηκε από τους Carré και Barbier, βασισμένο στην ομώνυμη τραγωδία του Σαίξπηρ. Η όπερα ήταν το επόμενο βήμα του συνθέτη προς την κατάκτηση ενός νέου είδους - της Γαλλικής Μεγάλης Όπερας. Αξίζει να σημειωθεί ότι το λιμπρέτο δημιουργήθηκε με την πιο απλοποιημένη μορφή, η οποία αντικατοπτρίστηκε στην εικόνα του πρωταγωνιστή και στο νόημα της ίδιας της όπερας, που από φιλοσοφική μετατράπηκε σε ερωτική και λυρική. ερωτικό δράμααποτέλεσαν τη βάση του λιμπρέτου, αλλά το τραγικό φινάλε του Σαίξπηρ αλλάζει και στην όπερα παρουσιάζεται μόνο ο θάνατος του ύπουλου Κλαύδιου. Στον Άμλετ δίνεται ο θρόνος, που σηματοδοτεί τον θρίαμβο της δικαιοσύνης. Αξίζει να σημειωθεί ότι αυτή η εκδοχή (της ιστορίας του Άμλετ είναι κοντά στην αρχαιότερη γνωστή ερμηνείαοικόπεδο στη Σκανδιναβική έκδοση, που δημιουργήθηκε γύρω στο 1200. Ο συγγραφέας του σκανδιναβικού έπος ήταν ο μεσαιωνικός χρονικογράφος Saxo Grammatik.

Στη ρωσική σκηνή, η όπερα ανέβηκε στο θέατρο της Μόσχας Shelaputin το 1892. Στη σύγχρονη παραγωγή, οι κριτικοί γιορτάζουν την παράσταση που ανέβηκε στο Μόντε Κάρλο το 1992. Για όλους τους λάτρεις αυτού του είδους τέχνης, σήμερα υπάρχει μια μοναδική ευκαιρία να ακούσουν μουσική δωρεάνοι πιο διάσημες άριες από την όπερα Άμλετ στην ιστοσελίδα του Orpheus Club. Εδώ μπορείτε επίσης να παρακολουθήσετε το βίντεο της παράστασης στο διαδίκτυο. σύγχρονες επιλογέςδιάφορες όπερες.

Η πλοκή της όπερας ξεκινά με μια σκηνή στο μπροστινό μέρος αίθουσα του βασιλικού παλατιού της Ελσινόρης, όπου στέφεται ο Κλαύδιος, που έγινε σύζυγος της Γερτρούδης, χήρας του μεγαλύτερου αδελφού του. Ο Άμλετ απουσιάζει και μπαίνει στη σκηνή στο τέλος της τελετής, βυθισμένος σε σκέψεις γυναικείας απιστίας. Γίνεται μια συνάντηση μεταξύ του πρίγκιπα και της Οφηλίας, η οποία στεναχωριέται που ο Άμλετ φεύγει από την αυλή και νομίζει ότι ο νεαρός έχει πάψει να την αγαπά. Ο Λαέρτης κάνει εκστρατεία και εμπιστεύεται τη μοίρα της αδερφής του στον πρίγκιπα. Ο κόσμος διασκεδάζει, ο Οράτιο και ο Μάρκελλος φέρνουν νέα για το φάντασμα του πατέρα του Άμλετ.

Άμλετ με φίλουςε πλανάδα του κάστρου, όπου όλοι περιμένουν την εμφάνιση ενός φαντάσματος. Τα μεσάνυχτα, εμφανίζεται ένα φάντασμα που λέει στον Άμλετ να σκοτώσει τον Κλαύδιο και να γλιτώσει τη μητέρα του. Ο Άμλετ υπόσχεται να εκπληρώσει τα πάντα.

Το περιεχόμενο της όπερας συνεχίζεται με μια εικόνα των θαλάμων στο παλάτι, την εικόνα της Οφηλίας, νιώθοντας την ψυχρότητα του πρίγκιπα. Διαβάζει ένα βιβλίο για την απιστία της αγάπης και, βλέποντας την επιβεβαίωση των φόβων της, ζητά από τη βασίλισσα να φύγει από την αυλή. Όμως η βασίλισσα πιστεύει ότι η Οφηλία θα βοηθήσει να μάθει το μυστικό από τον γιο της. Ανησυχεί μήπως ο Άμλετ μάθει την αλήθεια για τον θάνατο του πατέρα της. Ο Κλαύδιος την παρηγορεί. Ο Άμλετ πρόκειται να ταξιδέψει και στον χωρισμό κάλεσε τους ηθοποιούς που θα έπρεπε να δείξουν στην παράσταση δολοφονία του Γκονζάγκο. Πριν την παράσταση όλοι διασκεδάζουν και πίνουν κρασί, στο οποίο ο Άμλετ βλέπει το ενδεχόμενο της λήθης.

Περαιτέρω, ο συγγραφέας της όπερας δείχνει την πλατεία μπροστά από το παλάτι, όπου διοργανώνεται η παράσταση. Ο Άμλετ προσφέρθηκε εθελοντικά να σχολιάσει την υποκριτική και συνιστά στους φίλους του να παρακολουθούν τον βασιλιά. Περιγράφει τον θάνατο του πατέρα του, Κλαύδιου, με εντολή να διώξει τους ηθοποιούς, υποδυόμενος τον εαυτό του. Ο Άμλετ, φερόμενος ως παράφρων, του παίρνει το στέμμα και τον κατηγορεί για φόνο.

Ακολουθεί μια εικόνα στην οποία ο ήρωας αναλογίζεται ένα σοβαρό θέμα, όπως αναφέρει η άρια «να είσαι ή να μην είσαι» καιαπό την όπερα Άμλετ. Μπαίνει ο Κλαύδιος, ο οποίος σταματώντας στον σταυρό, ζητά από τον αδερφό του να τον ελεήσει. Ο Άμλετ υπόσχεται στον εαυτό του να σκοτώσει τον βασιλιά στον θρόνο που καταλαμβάνει. Ο Κλαύδιος φοβάται, τηλεφωνεί στον Πολώνιο, από τη συνομιλία και των δύο Γαμετών μαθαίνει ότι ο πατέρας της Οφηλίας ενεπλάκη στον θάνατο του πατέρα του.

Σε αυτή τη βάση, ο Άμλετ αρνείται να παντρευτεί την Οφηλία, η οποία είναι ήδη ντυμένη με το ντύσιμο της νύφης. Του επιστρέφει το δαχτυλίδι. Η βασίλισσα είναι σε φόβο, που αυξάνεται με τα καταγγελτικά λόγια του γιου της. Αφήνει τη μητέρα του ζωντανή, αλλά μόνο λόγω της εμφάνισης της σκιάς του πατέρα του. Αυτό το επεισόδιο πείθει τελικά τη βασίλισσα για την τρέλα του γιου της.

Το σύντομο περιεχόμενο αποκαλύπτεται περαιτέρω από την εικόνα μιας γιορτής του χωριού προς τιμήν του ερχομού της άνοιξης. Μια ταραγμένη Οφηλία εμφανίζεται στην όχθη του ποταμού, συμμετέχει στη γιορτή και λέει στα κορίτσια μια ιστορία για χλωμό Velise. Φαντάζεται ότι έχει παντρευτεί τον Άμλετ, προσβεβλημένη από την πολύωρη αναμονή, θέλει να του κρυφτεί στα καλάμια όπου κρύβονται οι βέλσες. Εκφωνώντας τον όρκο πίστης στον Άμλετ, ρίχνεται στο νερό.

Η σκηνή στο νεκροταφείο, όπου ο Άμλετ, κρυμμένος από τους δολοφόνους του βασιλιά, περιπλανιέται. Βλέπει τυμβωρύχους να σκάβουν τάφο και να πίνουν κρασί. Στρέφεται διανοητικά στην Οφηλία για συγχώρεση. Δεν γνωρίζει ότι η Οφηλία είναι νεκρή, αλλά εμφανίζεται ο αδερφός της κοπέλας και τον προκαλεί σε μονομαχία, η οποία διακόπτεται μόνο λόγω της προσέγγισης της νεκρώσιμης τελετής. Η Οφιλία, ξαπλωμένη σε ένα φέρετρο, γεννά σκέψεις αυτοκτονίας, αλλά η σκιά του πατέρα της σταματά την παρόρμηση του Άμλετ. Το φάντασμα διατάζει να σκοτωθεί ο Κλαύδιος και ο Άμλετ τον μαχαιρώνει με σπαθί. Η Γερτρούδη στέλνεται σε ένα μοναστήρι και ο θρόνος πηγαίνει στον Άμλετ. Ο νέος είναι σε απόγνωση, πρέπει να βασιλέψει για το καλό των υπηκόων του όταν η ψυχή του θαφτεί με την Οφηλία.