Uch pada literatur musik asing. "Sastra Musik Negara Asing" dan

Perpustakaan Musik Kami senang Anda telah menemukan dan mengunduh materi yang Anda minati di perpustakaan musik kami. Perpustakaan terus diperbarui dengan karya dan materi baru, dan lain kali Anda pasti akan menemukan sesuatu yang baru dan menarik untuk Anda. Perpustakaan proyek diselesaikan berdasarkan kurikulum, serta bahan yang direkomendasikan untuk mengajar dan memperluas wawasan siswa. Baik siswa maupun guru akan menemukan informasi yang berguna di sini. perpustakaan juga menyajikan literatur metodologis. Hewan peliharaan kami Komposer dan pemain Artis kontemporer Di sini Anda juga akan menemukan biografi artis terkemuka, komposer, musisi terkenal, serta karya mereka. Di bagian kerja, kami memposting rekaman pertunjukan yang akan membantu Anda dalam belajar, Anda akan mendengar bagaimana suara, aksen, dan nuansa karya ini bekerja. Kami menunggu Anda di classON.ru. VN Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 1770 - 1827 Fryderyk Chopin 1810 - 1949 Pendidikan anak-anak di Rusia tentang dia menjadi semakin banyak berlimpah dari sekitar abad ke-10 SM. Seni visual berkembang - dan seniman menggambarkan musisi yang mengiringi upacara keagamaan, kampanye militer, berburu, prosesi khusyuk, tarian dengan nyanyian dan alat musik. Gambar seperti itu telah dilestarikan, khususnya, di dinding candi dan vas keramik yang ditemukan selama penggalian. Tulisan muncul - dan penulis manuskrip memperkenalkan teks puisi lagu dan himne ke dalamnya, memberikan informasi menarik tentang kehidupan musik. Seiring waktu, penulis menaruh banyak perhatian pada diskusi filosofis tentang musik, peran sosialnya yang penting, termasuk peran pendidikan, serta studi teoritis tentang unsur-unsur bahasanya. Sebagian besar informasi ini telah disimpan tentang musik di beberapa negara di Dunia Kuno, misalnya di Tiongkok Kuno , India Kuno, Mesir Kuno, terutama di negara-negara kuno - Yunani Kuno dan Roma Kuno, tempat fondasi budaya Eropa diletakkan2. Pendahuluan Musik dari zaman kuno hingga J.S. Bach Anak-anak terkasih! Tahun lalu Anda sudah mendapat pelajaran literatur musik. Mereka membahas elemen dasar bahasa musik, beberapa bentuk dan genre musik, kemungkinan musik ekspresif dan visual, dan orkestra. Pada saat yang sama, perbincangan dilakukan dengan bebas tentang berbagai zaman - baik tentang zaman kuno, atau tentang modernitas, atau kembali ke abad yang kurang atau lebih jauh dari kita. Dan sekarang saatnya berkenalan dengan literatur musik dalam urutan kronologis - historis -1. Tentang musik di Yunani Kuno Bagaimana kita mendapatkan informasi tentang musik Dunia Kuno Bukti yang meyakinkan tentang peran besar budaya dan sejarah zaman kuno adalah kenyataan bahwa di Yunani kuno pada abad ke-8 SM kompetisi olahraga publik, Olimpiade, lahir . Dan dua abad kemudian, kompetisi musik mulai diadakan di sana - Permainan Pythian, yang dapat dianggap sebagai nenek moyang jauh dari kompetisi modern. Permainan Pythian diadakan di kuil, dibangun untuk menghormati pelindung seni, dewa matahari dan cahaya, Apollo. Menurut mitos, setelah mengalahkan ular Python yang mengerikan, dia sendiri yang membuat permainan ini. Diketahui bahwa begitu mereka dimenangkan oleh Sakkad dari Argos, memainkan aulos, alat musik tiup yang dekat dengan oboe, sebuah program drama tentang perjuangan Apollo, dengan Python. Untuk musik Yunani kuno ada hubungan karakteristik dengan puisi, tari, teater. Puisi epik heroik "Iliad" dan "Odyssey", yang dikaitkan dengan penyair legendaris Homer, dinyanyikan dengan suara nyanyian. Penyanyi biasanya, seperti Orpheus mitologis, penulis teks puisi dan musik, dan mereka sendiri mengiringi diri mereka sendiri dengan kecapi. Lagu dansa paduan suara dengan gerakan pantomim dibawakan pada kemeriahan tersebut. Dalam tragedi dan komedi Yunani kuno, paduan suara memiliki peran besar: dia mengomentari tindakan tersebut, mengungkapkan sikapnya saat menggali, para arkeolog menemukan alat musik paling sederhana (misalnya, alat musik tiup - tulang binatang dengan lubang bor) dan menentukan bahwa mereka dibuat sekitar empat puluh ribu tahun yang lalu. Konsekuensinya, seni musik sudah ada saat itu. Setelah fonograf ditemukan pada tahun 1877 - alat pertama untuk perekaman mekanis dan reproduksi suara, peneliti-musisi mulai melakukan perjalanan ke penjuru dunia di mana beberapa suku masih memiliki gaya hidup primitif. Dari perwakilan suku-suku tersebut, dengan bantuan fonograf, mereka merekam sampel nyanyian dan lagu-lagu instrumental. Tetapi rekaman semacam itu, tentu saja, hanya memberikan gambaran kasar tentang seperti apa musik di zaman kuno itu. Kata "kronologi" (artinya "urutan peristiwa sejarah dalam waktu") berasal dari dua kata Yunani - "chronos" ("waktu") dan "logos" ("doktrin"). 1 Kata Latin "antiguus" berarti "kuno". Istilah "kuno" yang berasal darinya mengacu pada sejarah dan budaya Yunani Kuno dan Roma Kuno. 2 2 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia berdasarkan perbuatan para pahlawan. Ahli musik modern memiliki informasi tertentu tentang musik di dunia kuno namun iri pada sejarawan seni lain. Untuk sejumlah besar monumen arsitektur kuno yang megah, seni rupa kuno, terutama patung, telah dilestarikan, banyak manuskrip telah ditemukan dengan teks tragedi dan komedi oleh penulis drama kuno yang hebat. Tetapi karya musik yang dibuat di era yang sama dan bahkan jauh kemudian pada dasarnya tetap tidak kita ketahui. Mengapa itu terjadi? Faktanya adalah ternyata menjadi tugas yang sangat sulit untuk menemukan sistem notasi musik (notasi) yang cukup akurat dan nyaman, yang Anda masing-masing kuasai ketika Anda baru mulai belajar musik. Butuh waktu berabad-abad untuk menyelesaikannya. Benar, orang Yunani kuno menemukan notasi huruf. Mereka menandai langkah-langkah mode musik dengan huruf alfabet tertentu. Tetapi tanda ritmis (dari tanda hubung) tidak selalu ditambahkan. Baru pada pertengahan abad ke-19 M, para ilmuwan akhirnya mengungkap rahasia notasi ini. Namun, jika mereka mampu menguraikan rasio tinggi suara dalam manuskrip musik Yunani kuno dengan tepat, maka rasio durasinya hanya kira-kira. Selain itu, sangat sedikit manuskrip yang ditemukan, dan hanya berisi catatan dari beberapa karya monofonik (misalnya, himne) dan lebih sering - fragmennya. visibilitas yang cukup. Oleh karena itu, musisi telah lama menggunakan ikon petunjuk tambahan. Ikon-ikon ini ditempatkan di atas kata-kata nyanyian dan menunjukkan suara individu atau kelompok kecilnya. Mereka tidak menunjukkan rasio suara yang tepat baik dalam tinggi maupun durasi. Namun dengan prasasti mereka, mereka mengingatkan para pemainnya tentang arah gerakan melodi, yang hafal dan mewariskannya dari satu generasi ke generasi lainnya. Di negara-negara Eropa Barat dan Tengah, yang musiknya akan dibahas nanti dalam buku pelajaran ini, ikon semacam itu disebut neumes. Neume digunakan untuk merekam himne liturgi Katolik kuno - nyanyian Gregorian. Nama umum ini berasal dari nama Paus Gregorius I3. Menurut legenda, di penghujung abad ke-6, ia menyusun kumpulan utama nyanyian monofonik tersebut. Dimaksudkan untuk dilakukan selama kebaktian gereja hanya oleh pria dan anak laki-laki - solo dan serempak oleh paduan suara, mereka ditulis dalam teks doa Latin. Tetapi pada abad ke-11, biksu Italia Guido d'Arezzo ("dari Arezzo") menemukan cara notasi baru. Dia mengajar anak laki-laki bernyanyi di biara dan ingin memudahkan mereka menghafal nyanyian spiritual. Pada saat itu, neuma mulai dipasang garis horisontal , di atas dan di bawahnya. Baris ini berhubungan dengan satu suara tertentu dan dengan demikian menetapkan perkiraan tingkat nada rekaman. Dan Guido mendapatkan ide untuk menggambar empat garis paralel ("penggaris") sekaligus pada jarak yang sama satu sama lain dan menempatkan neume di atasnya dan di antara keduanya. Beginilah nenek moyang staf musik modern muncul - semacam kanvas bergaris ketat, yang memungkinkan untuk secara akurat menunjukkan rasio ketinggian suara dengan nada dan seminada. Dan pada saat yang sama, notasi musik menjadi lebih visual - seperti gambar yang menggambarkan pergerakan melodi, tikungannya. Suara-suara yang sesuai dengan para penguasa, Guido menunjuk huruf-huruf alfabet Latin. Prasasti mereka kemudian mulai berubah dan akhirnya berubah menjadi tanda yang disebut kunci. Dan neumes, "duduk" di atas penggaris dan di antara mereka, akhirnya berubah menjadi not terpisah, di mana kepala pertama kali berbentuk kotak. Soal dan tugas 1 . Menurut para ilmuwan, kapan alat musik tertua dibuat? Apa yang dikatakan? 2. Apa itu fonograf, kapan ditemukan, dan bagaimana peneliti mulai menggunakannya? 3. Tentang musik negara mana di Dunia Kuno yang paling banyak menyimpan informasi? Tentukan di peta - di sekitar laut mana tiga negara tersebut berada. 4. Kapan dan di mana kompetisi musik kuno - Permainan Pythian - mulai diadakan? 5. Seni apa yang erat kaitannya dengan musik di Yunani Kuno? 6. Notasi apa yang ditemukan oleh orang Yunani kuno? Dalam hal apa itu tidak akurat? Gelar "Paus Roma" dipegang oleh seorang pendeta yang mengepalai Gereja Katolik sebagai organisasi spiritual internasional. Katolik adalah salah satu kredo Kristen bersama dengan Ortodoksi dan Protestan. 4 Orang Romawi kuno berbicara bahasa Latin. Setelah jatuhnya Kekaisaran Romawi pada tahun 476, bahasa Latin secara bertahap berhenti digunakan. Dari situlah muncul apa yang disebut bahasa Roman - Italia, Prancis, Spanyol, Portugis. 3 Betapa nyamannya notasi dibuat Pada Abad Pertengahan (awal periode sejarah ini dianggap sebagai abad ke-6 M), notasi huruf hampir dilupakan. 3 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Rumor tentang metode notasi baru - seperti keajaiban - sampai ke Paus Yohanes XIX. Dia memanggil Guido untuk dirinya sendiri dan menyanyikan melodi yang tidak dia kenal menurut rekaman yang diciptakan. Di masa depan, jumlah penguasa paralel diubah berkali-kali, itu terjadi - bahkan bertambah menjadi delapan belas. Baru pada akhir abad ke-17 staf lima baris saat ini "menang". Banyak kunci berbeda juga digunakan. Baru pada abad ke-19 kunci treble dan bass menjadi yang paling umum. Setelah penemuan Guido d'Arezzo, tugas sulit lainnya diselesaikan untuk waktu yang lama - bagaimana meningkatkan notasi sehingga menunjukkan rasio suara yang tepat tidak hanya dalam tinggi, tetapi juga durasinya. menggunakan tanda musik untuk ini, berbeda bentuknya. banyak aturan konvensional ditambahkan pada awalnya, sehingga sulit untuk diterapkan dalam praktik. Dan selama beberapa abad, notasi yang lebih nyaman dikembangkan secara bertahap - persis seperti yang kami lanjutkan untuk digunakan sekarang. Setelah permulaan abad ke-17, itu diperbaiki hanya secara detail. Dan prinsip ritmenya, yang telah dicari begitu lama, sekarang tampaknya menjadi yang paling sederhana. Ini terdiri dari fakta bahwa seluruh nada dalam durasi selalu sama dengan dua bagian - berbeda dalam gaya, satu setengah - dua perempat, seperempat - dua per delapan, dan seterusnya.bahwa palang mulai memisahkan palang pada abad ke-16, dan ukurannya pada awal abad notasi musik ditunjukkan tanpa gagal adalah dari abad ke-17. Namun, saat itu tidak hanya manuskrip musik yang ada, tetapi juga nota cetak. Untuk pencetakan musik dimulai tak lama setelah penemuan percetakan - menjelang akhir abad ke-15. Di dunia kuno dan untuk waktu yang lama di Abad Pertengahan, musik biasanya monofonik. Hanya ada beberapa pengecualian kecil. Misalnya, seorang penyanyi membawakan sebuah lagu dan mengisinya (yaitu, memainkannya pada waktu yang sama) sambil memainkan alat musik. Pada saat yang sama, suara dan instrumen terkadang bisa sedikit menyimpang, menyimpang satu sama lain, dan segera menyatu kembali. Jadi, dalam aliran suara monofonik, "pulau" dua suara muncul dan menghilang. Namun pada pergantian milenium pertama dan kedua era kita, gudang polifonik mulai berkembang secara konsisten dan kemudian menjadi dominan dalam seni musik profesional. Formasi yang kompleks dan panjang ini berfokus terutama di bidang musik gereja Katolik. Kasus ini dimulai dengan penemuan (oleh siapa - tidak diketahui) teknik berikut. Satu penyanyi (atau beberapa penyanyi) menampilkan suara utama - melodi nyanyian Gregorian yang halus dan lambat. Dan suara kedua bergerak secara paralel - persis dalam ritme yang sama, hanya sepanjang waktu pada jarak satu oktaf, atau satu kuart, atau satu kuint. Sekarang, di telinga kami, kedengarannya sangat buruk, “kosong”. Tetapi seribu tahun yang lalu, nyanyian seperti itu, bergema di bawah lengkungan gereja, katedral, kagum dan gembira, membuka kemungkinan ekspresif baru untuk musik. Setelah beberapa waktu, musisi gereja mulai mencari metode yang lebih fleksibel dan bervariasi untuk memimpin suara kedua. Dan kemudian mereka mulai menggabungkan tiga, empat suara dengan lebih dan lebih terampil, terkadang bahkan lebih banyak suara. Soal dan tugas 1 . Apa yang merepotkan dalam notasi surat praktik? 2. Apa yang disarankan neumes kepada para penyanyi abad pertengahan? 3. Apa nyanyian Gregorian dan mengapa disebut demikian? 4. Jelaskan inti dari penemuan Guido d'Arezzo. 5. Apa tugas selanjutnya yang harus diselesaikan setelah penemuan Guido? 6. Sejak kapan notasi tidak lagi berubah secara signifikan? musisi gereja Perotyn. Dia adalah perwakilan nyanyian yang luar biasa seni - "Sekolah Notre Dame" Paris ("Sekolah Bunda Maria"). Nyanyian Perotin terdengar di sebuah bangunan dengan keindahan luar biasa. Ini adalah monumen terkenal arsitektur Gotik abad pertengahan, yang dijelaskan oleh orang Prancis penulis ke-19 abad oleh Victor Hugo dalam novel terkenal Katedral Notre Dame. Bagaimana polifoni mulai berkembang dalam musik Maka polifoni mulai berkembang. Diterjemahkan dari bahasa Yunani, kata ini berarti "polifoni". Tetapi polifoni hanya disebut polifoni jenis ini, di mana dua atau lebih suara yang setara terdengar secara bersamaan, masing-masing memiliki garis melodinya sendiri-sendiri. Jika satu suara memimpin melodi utama, sementara yang lain berada di bawahnya (mengiringinya, mengiringinya), maka ini adalah homofoni - yang lain Berkat peningkatan notasi, secara bertahap, terutama sejak abad ke-13, manuskrip musik mulai lebih banyak dan lebih akurat diuraikan. Hal ini memungkinkan untuk berkenalan tidak hanya dengan informasi tentang budaya musik, tetapi juga dengan musik di masa lalu. Bukan kebetulan bahwa keberhasilan notasi bertepatan dengan awal perkembangan polifoni - tahapan penting dalam sejarah seni musik. 4 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Misa telah menjadi genre musik utama. Misa Biasa 5 mencakup enam nyanyian utama untuk teks-teks devosional Latin. Ini adalah "Kiriyo Eleison" ("Tuhan, kasihanilah"), "Gloria" ("Glory"), "Credo" ("I Believe"), "Sanctus" ("Holy"), "Benedictus" ("Blessed" ) dan " Agnus Dei" ("Domba Allah"). Awalnya, nyanyian Gregorian terdengar dalam satu suara secara massal. Tetapi sekitar abad ke-15, massa telah berubah menjadi siklus bagian polifonik yang kompleks 6. Pada saat yang sama, imitasi mulai digunakan dengan sangat terampil. Diterjemahkan dari bahasa Latin "imitatio" berarti "imitasi". Dalam musik, terkadang seseorang dapat meniru suara ekstra musik, misalnya getar burung bulbul, panggilan burung kukuk, suara ombak laut. Kemudian disebut onomatopoeia atau onomatopoeia. Dan peniruan dalam musik adalah teknik ketika, setelah melodi yang diakhiri dengan satu suara, suara lain dengan tepat (atau tidak cukup akurat) mengulanginya dari suara lain. Suara lain kemudian dapat masuk dengan cara yang sama. Dalam musik homofonik, imitasi mungkin muncul sebentar. Dan dalam musik polifonik, ini adalah salah satu metode pengembangan utama. Ini membantu membuat gerakan melodi hampir terus menerus: jeda dan irama secara bersamaan di semua suara terjadi dalam musik polifonik hanya dalam bentuk pengecualian yang jarang7. Menggabungkan imitasi dengan perangkat polifonik lainnya, komposer membuat massa mereka besar. karya paduan suara, di mana empat atau lima suara terjalin menjadi jalinan suara yang kompleks. Di dalamnya, melodi nyanyian Gregorian sudah sulit dibedakan dan sama sulitnya mendengar kata-kata doa. Bahkan ada massa yang menggunakan melodi lagu-lagu sekuler populer sebagai yang utama. Situasi ini mengkhawatirkan otoritas spiritual Katolik tertinggi. Pada pertengahan abad ke-16, biasanya nyanyian polifonik akan dilarang selama kebaktian gereja. Tetapi larangan seperti itu tidak terjadi berkat komposer Italia yang luar biasa Palestrina, yang menghabiskan hampir seluruh hidupnya di Roma dan dekat dengan istana kepausan (miliknya nama lengkap- Giovanni Pierluigi da Palestrina, yaitu, "dari Palestrina" - sebuah kota kecil dekat Roma). Palestrina, dengan massanya (dan dia menulis lebih dari seratus), mengatur penampilan polifoni. Karena iringan memiliki dasar akord-harmonik, gudang presentasi musik homofonik juga disebut homofonik-harmonik. Soal dan tugas 1 . Sejak kapan manuskrip musik menjadi semakin akurat diuraikan? 2. Dengan tahapan baru yang penting apa dalam sejarah seni musik bertepatan dengan keberhasilan notasi? 3. Kapan, dalam musik apa dan berdasarkan melodi apa polifoni secara bertahap terbentuk? 4. Apa itu dua suara paralel? Bernyanyilah bersama beberapa perempat paralel, kelima dan oktaf. 5. Apa perbedaan antara polifoni dan homofoni? Bagaimana polifoni terus berkembang Sementara polifoni mulai berkembang dalam nyanyian gereja, monofoni terus mendominasi musik sekuler. Misalnya, banyak rekaman lagu monofonik, yang digubah dan dibawakan oleh penyair-penyanyi abad pertengahan pada abad 12-14, telah diuraikan. Di selatan Prancis, di Provence, mereka disebut troubadour, di utara Prancis - trouver, di Jerman - minnesinger. Banyak dari mereka adalah ksatria terkenal dan dalam lagu mereka sering menyanyikan keindahan dan kebajikan dari "wanita cantik" yang mereka puja. Melodi lagu-lagu penyair-penyanyi ini seringkali mirip dengan lagu-lagu rakyat, termasuk lagu-lagu tarian, dan ritmenya di bawah ritme teks puisi. Belakangan, pada abad XIV-XVI, penyair-penyanyi Jerman dari kalangan pengrajin bersatu dalam bengkel, menyebut diri mereka Meistersingers ("penyanyi ahli"). Polifoni gereja dan monofoni lagu sekuler ternyata tidak diisolasi satu sama lain. Jadi, di suara-suara yang ditambahkan dalam nyanyian spiritual ke nyanyian Gregorian, pengaruh lagu-lagu sekuler (misalnya, lagu-lagu penyanyi dan penyanyi) menjadi nyata. Pada saat yang sama, pada akhir abad ke-13, karya polifonik murni sekuler muncul di Prancis , di mana bagian dari semua suara didasarkan pada melodi karakter lagu, dan teksnya tidak disusun dalam bahasa Latin, tetapi dalam bahasa Prancis. Seiring waktu, dalam Katolik musik gereja kebanyakan ada juga misa khusus yang didedikasikan untuk hari libur gereja. Ingatlah bahwa sebuah siklus adalah karya dari beberapa bagian (atau lakon) yang terpisah, disatukan oleh ide yang sama. 7 Irama (cadence) adalah pergantian melodi dan harmonik yang melengkapi seluruh karya musik atau bagiannya. 5 6 5 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia membuktikan bahwa komposisi polifonik, namun tetap sangat terampil, dapat berbunyi secara transparan dan teks liturgi dapat didengar dengan jelas. Musik Palestrina adalah salah satu puncak dari polifoni paduan suara kuno yang disebut gaya ketat. Itu membawa kita ke dunia kontemplasi luhur yang tercerahkan - seolah-olah itu memancarkan pancaran cahaya yang menenangkan. penyair, musisi, ilmuwan, dan pecinta seni. Mereka terbawa oleh gagasan untuk menciptakan jenis ekspresif baru bernyanyi solo dengan iringan dan menggabungkannya dengan aksi teatrikal. Beginilah opera pertama lahir, yang plotnya diambil dari mitologi kuno. Yang pertama adalah "Daphne", yang disusun oleh komposer Jacopo Peri (bersama dengan Y. Korea) dan penyair O. Rinuccini. Itu dilakukan pada tahun 1597 di Florence (pekerjaan secara keseluruhan belum dilestarikan). Dalam mitologi Yunani kuno, Daphne adalah putri dewa sungai Ladon dan dewi bumi Gaia. Melarikan diri dari penganiayaan Apollo, dia berdoa memohon bantuan kepada para dewa dan diubah menjadi pohon salam (dalam bahasa Yunani "daphne" - "laurel") - pohon suci Apollo. Karena Apollo dianggap sebagai dewa pelindung seni, pemenang Pertandingan Pythian mulai dimahkotai dengan karangan bunga laurel, yang pendirinya dianggap Apollo. Karangan bunga laurel dan cabang laurel yang terpisah telah menjadi simbol kemenangan, kemuliaan, dan penghargaan. Dua opera lain yang disusun pada tahun 1600 (satu oleh J. Peri, yang lainnya oleh G. Caccini) keduanya disebut "Eurydice" karena keduanya menggunakan teks puitis yang sama berdasarkan mitos Yunani kuno tentang penyanyi legendaris Orpheus. Opera Italia pertama dipertunjukkan di istana dan rumah orang-orang bangsawan. Orkestra terdiri dari beberapa instrumen kuno. Itu dipimpin oleh seorang musisi yang memainkan cembalo (nama Italia untuk harpsichord). Belum ada pembukaan, dan awal pertunjukan digembar-gemborkan oleh kemeriahan terompet. Dan di bagian vokal, resitatif menang, di mana perkembangan musiknya berada di bawah teks puisi. Namun, tak lama kemudian, musik mulai memperoleh makna yang semakin mandiri dan penting dalam opera. Ini adalah kelebihan dari komposer opera luar biasa pertama - Claudio Monteverdi. Opera pertamanya - "Orpheus" - dipentaskan pada 1607 di Mantua. Pahlawannya sekali lagi adalah penyanyi legendaris yang, dengan seninya, menenangkan Hades, dewa dunia bawah. alam orang mati, dan dia melepaskan Eurydice, istri tercinta Orpheus, ke bumi. Tapi kondisi Hades - sebelum meninggalkan kerajaannya, tidak pernah melihat Eurydice - Orpheus dilanggar dan lagi, selamanya, kehilangan dia. Ini cerita sedih Musik Monteverdi memberikan ekspresi liris dan dramatis yang belum pernah terjadi sebelumnya. Bagian vokal, paduan suara, episode orkestra menjadi jauh lebih beragam di Orpheus Monteverdi. Dalam karya ini, gaya ariose yang merdu mulai terbentuk - kualitas pembeda terpenting dari musik opera Italia. Mengikuti contoh Florence, opera mulai disusun dan dipertunjukkan tidak hanya di Mantua, tetapi juga di kota-kota Italia seperti Roma, Venesia, dan Napoli. Ketertarikan pada genre baru mulai muncul di genre lain negara-negara Eropa ah, dan Pertanyaan dan tugas mereka 1 . Siapakah troubadour, trouvers, minnesingers dan mastersingers? 2. Apakah ada hubungan antara polifoni gereja kuno dan melodi lagu sekuler? 3. Sebutkan bagian utama dari massa biasa. 4. Berikan contoh onomatopoeia dalam musik. 5. Apa yang disebut imitasi dalam musik? 6. Apa yang berhasil dicapai Palestrina dalam massanya? Kelahiran opera. Oratorio dan kantata Tepat sebelum awal abad ke-17 - abad pertama periode sejarah yang disebut Zaman Baru - sebuah peristiwa yang sangat penting terjadi dalam seni musik: opera lahir di Italia. Musik telah digunakan dalam berbagai pertunjukan teater sejak zaman kuno. Di dalamnya, bersama dengan nomor instrumental dan paduan suara, solo vokal individu, seperti lagu, dapat dibawakan. Dan dalam opera, penyanyi dan penyanyi menjadi aktor dan aktris. Nyanyian mereka diiringi orkestra yang dipadukan dengan aksi panggung mulai menyampaikan isi utama pertunjukan. Dilengkapi dengan pemandangan, kostum, dan seringkali juga tarian - balet. Jadi, dalam opera, musik memimpin komunitas seni yang berbeda. Ini membuka kemungkinan artistik baru yang besar untuknya. Penyanyi opera dan penyanyi wanita mulai menyampaikan secara pribadi perasaan jiwa orang - senang dan sedih. Pada saat yang sama, sarana ekspresif terpenting dalam opera adalah kombinasi homofonik dari suara nyanyian solo dengan iringan orkestra. Dan jika hingga abad ke-17 musik profesional di Eropa Barat berkembang terutama di gereja, dan genre terbesar adalah massa, maka teater musikal menjadi pusat utama, dan genre terbesar adalah opera. Pada akhir abad ke-16 di kota Florence, Italia, lingkaran 6 berkumpul www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia, para penguasa menganggapnya sebagai kebiasaan untuk mengundang musisi Italia ke layanan pengadilan mereka. Ini berkontribusi pada fakta bahwa musik Italia telah lama menjadi yang paling berpengaruh di Eropa. Di Prancis, pada abad ke-17, opera nasionalnya sendiri muncul, berbeda dengan opera Italia. Pendirinya - Jean-Baptiste L yul l dan - Italia sejak lahir. Meski demikian, ia dengan tepat merasakan kekhasan budaya Prancis dan menciptakan semacam gaya opera Prancis. Dalam opera Lully, resitatif dan arias kecil yang bersifat resitatif, di satu sisi, menempati tempat yang luas, dan di sisi lain, tarian balet, pawai yang khusyuk, dan paduan suara yang monumental. Bersama dengan plot mitologis, kostum yang luar biasa, penggambaran keajaiban magis dengan bantuan mesin teater, semua ini sesuai dengan kecemerlangan dan kemegahan kehidupan istana pada masa pemerintahan raja Prancis Louis XIV. Opera pertama di Jerman, Daphne (1627), diciptakan oleh komposer Jerman terhebat di era pra-Bach, Heinrich Schüttz. Tapi musiknya tidak bertahan. Dan tidak ada syarat untuk perkembangan genre opera di negara ini: mereka benar-benar terbentuk hanya dengan permulaan abad ke-19. Dan dalam karya Schutz, tempat utama ditempati oleh komposisi instrumen vokal ekspresif pada teks spiritual. Pada tahun 1689, opera Inggris pertama, Dido dan Aeneas, oleh komposer berbakat luar biasa, Henry Purcell, dipertunjukkan di London. Musik opera ini memikat dengan lirik yang menyentuh hati, fantasi puitis, dan gambaran sehari-hari yang penuh warna. Namun, setelah kematian Purcell, selama hampir dua abad, tidak ada pencipta musik yang menonjol di antara para komposer Inggris. Pada pergantian abad 16-17, bersamaan dengan opera dan juga di Italia, oratori dan cant ata lahir. Ini mirip dengan opera di mana solois, paduan suara dan orkestra juga berpartisipasi dalam penampilan mereka, dan di dalamnya mereka juga membunyikan arias, resitatif, ansambel vokal, paduan suara, episode orkestra. Namun dalam opera kita belajar tentang perkembangan peristiwa (plot) tidak hanya dari apa yang dinyanyikan oleh penyanyi solo, tetapi juga dari apa yang mereka lakukan dan apa yang umumnya terjadi di atas panggung. Dan di oratorio dan kantata aksi panggung TIDAK. Mereka dibawakan dalam suasana konser, tanpa kostum dan pemandangan. Namun ada juga perbedaan antara oratorio dan kantata, meski tidak selalu jelas. Biasanya oratorio merupakan karya yang berukuran lebih besar dan dengan alur religi yang lebih berkembang. Ini sering memiliki karakter epik-dramatis. Dalam hal ini, bagian resitatif naratif dari penyanyi-narator sering dimasukkan ke dalam oratorio. Jenis khusus oratorio spiritual adalah "gairah", atau "pasif" (diterjemahkan dari bahasa Latin - "penderitaan"). "Gairah" menceritakan tentang penderitaan dan kematian Yesus Kristus, yang disalibkan di kayu salib. 7 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Kantata, tergantung pada isi teks verbal, dibagi menjadi spiritual dan sekuler. Pada abad ke-17 dan awal abad ke-18, banyak kantata kamar kecil muncul di Italia. Mereka terdiri dari dua atau tiga bacaan bergantian dengan dua atau tiga arias. Di masa depan, kantata yang sebagian besar bersifat khidmat tersebar luas. Kantata spiritual dan "nafsu" dari berbagai konstruksi paling berkembang di Jerman. arias, dan sangat menarik untuk menyebarkan gerakan bagian virtuoso. Dalam warisan Corelli dan Vivaldi, tempat yang luas termasuk dalam genre trio sonata. Di sebagian besar sonata trio, dua bagian utama dimainkan oleh biola, dan bagian ketiga diiringi oleh harpsichord atau organ, dengan suara bass digandakan oleh cello atau bassoon. Mengikuti trio sonata, muncul sonata untuk biola atau instrumen lain yang diiringi harpsichord. serta concerto grosso - konser untuk orkestra (dawai pertama). Banyak karya dari genre ini yang dicirikan oleh bentuk sonata kuno. Ini biasanya merupakan siklus empat bagian dengan rasio tempo lambat-cepat-lambat-cepat. Beberapa saat kemudian, di abad ke-18, Vivaldi mulai mengarang konser solo untuk biola dan beberapa instrumen lain dengan iringan orkestra. Ada siklus tiga bagian: "cepat-lambat-cepat". Soal dan tugas 1 . Di mana dan kapan opera lahir? Jelaskan bagaimana opera berbeda dari pertunjukan teater dengan musik. 2. Apa sarana ekspresi terpenting dalam musik opera? 3. Apa nama opera pertama Claudio Monteverdi, dan kualitas apa yang diwujudkan dalam musiknya? 4. Ceritakan tentang ciri-ciri opera Prancis kuno. 5. Sebutkan opera pertama yang ditulis di Jerman dan opera pertama yang ditulis di Inggris. 6. Apa perbedaan utama antara oratorio dan kantata dari opera? 7. Apa itu "nafsu" ("pasif")? Bahkan di Mesir kuno, organ memulai sejarahnya yang berusia berabad-abad. Pada abad ke-17, itu telah menjadi instrumen yang sangat kompleks dengan kemungkinan artistik yang luas. Organ kecil kemudian dapat ditemukan bahkan di rumah-rumah pribadi. Mereka digunakan untuk sesi pelatihan, mereka memainkan variasi melodi lagu dan tarian daerah. Dan organ besar dengan deretan pipa berkilauan, dengan tubuh kayu berukir, terdengar, seperti sekarang, di gereja dan katedral. Saat ini, ada juga organ di banyak ruang konser. Di organ modern, ada beberapa ribu pipa dan hingga tujuh keyboard (manual), terletak satu di atas yang lain - seperti tangga. Ada begitu banyak pipa karena dibagi menjadi beberapa kelompok - register. Register dihidupkan dan diaktifkan dengan tuas khusus untuk mendapatkan warna (timbre) suara yang berbeda. Organ juga dilengkapi dengan pedal. Ini adalah keyboard seluruh kaki dari banyak tombol besar. Dengan menekannya dengan kaki, pemain organ dapat mengeluarkan dan juga mempertahankan suara bass untuk waktu yang lama (suara yang dipertahankan seperti itu juga disebut pedal atau titik organ). Dalam hal kekayaan warna nada, jika memungkinkan, membandingkan pianissimo yang paling ringan dengan fortissimo yang menggelegar, organ tidak ada bandingannya di antara alat musik. Pada abad ke-17, seni organ mencapai puncak kejayaannya di Jerman. Seperti di negara lain, organ gereja Jerman adalah komposer dan pemain. Mereka tidak hanya mengiringi nyanyian rohani, tetapi juga bermain solo. Di antara mereka ada banyak virtuoso berbakat dan improvisasi yang menarik banyak orang dengan permainan mereka. Salah satu yang paling luar biasa di antara mereka adalah Dietrich Buxtehude. Johann Sebastian Bach muda datang dengan berjalan kaki dari kota lain untuk mendengarkan dia bermain. Karya Buxtehude yang bervariasi dan ekstensif mewakili jenis utama musik organ pada masa itu. Di satu sisi, ini adalah pendahuluan, fantasi, dan musik instrumental abad ke-17, genre dan bentuknya Untuk waktu yang lama, memainkan instrumen paling sering menggandakan bagian suara dalam karya vokal atau mengiringi tarian. Aransemen instrumental komposisi vokal juga dibagikan. Pengembangan diri musik instrumental diintensifkan hanya pada abad ke-17. Bersamaan dengan itu, teknik artistik yang berkembang dalam polifoni vokal terus berkembang di dalamnya. Mereka diperkaya dengan unsur gudang homofonik, berdasarkan nyanyian dan tarian. Pada saat yang sama, pencapaian ekspresif musik opera mulai memengaruhi komposisi instrumental. Biola, bersama dengan kemampuan virtuoso yang brilian, memiliki suara yang sangat merdu. Dan di tempat kelahiran opera, di Italia, musik biola mulai berkembang dengan sangat sukses. Di penghujung abad ke-17, karya Arcangelo Corelli berkembang pesat dan aktivitas kreatif Antonio Vivaldi dimulai. Komposer Italia yang luar biasa ini menciptakan banyak karya instrumental dengan partisipasi dan peran utama biola. Di dalamnya, biola dapat bernyanyi secara ekspresif seperti suara manusia dalam opera 8 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang toccatas seni Rusia. Di dalamnya, episode polifonik bergantian secara bebas dengan bagian dan akord improvisasi. Di sisi lain, ini adalah potongan-potongan yang dibangun lebih ketat, yang menyebabkan munculnya fugue, bentuk polifoni tiruan yang paling kompleks. Buxtehude juga membuat banyak adaptasi organ dari paduan suara Protestan dalam bentuk pendahuluan paduan suara. Tidak seperti nyanyian Gregorian, ini adalah nama umum untuk nyanyian spiritual bukan dalam bahasa Latin, tetapi dalam Jerman. Mereka muncul pada abad ke-16, ketika doktrin Kristen jenis baru, Protestantisme, dipisahkan dari Katolik. Dasar melodi nyanyian Protestan adalah lagu-lagu rakyat Jerman. Pada abad ke-17, nyanyian Protestan mulai dibawakan oleh paduan suara oleh semua umat paroki dengan dukungan organ. Untuk aransemen paduan suara seperti itu, gudang akord empat suara dengan melodi di suara atas adalah tipikal. Selanjutnya, gudang seperti itu disebut paduan suara, meskipun terjadi dalam karya instrumental. Para pemain organ juga memainkan instrumen keyboard bersenar dan menggubahnya. Nama umum untuk karya instrumen ini adalah musik clavier8. Informasi pertama tentang alat musik gesek berasal dari abad 14-15. Pada abad ke-17, harpsichord telah menjadi yang paling umum. Jadi disebut di Prancis, di Italia disebut cembalo, di Jerman - kielflugel, di Inggris - harpsichord. Nama instrumen yang lebih kecil di Prancis adalah epinet, di Italia - spinet Inggris - perawan. Harpsichord adalah nenek moyang piano, yang mulai digunakan sejak pertengahan abad ke-18. Saat Anda menekan tuts harpsichord, bulu atau lidah kulit yang dipasang di batang tampak menjepit senar. Ternyata dendeng, nyaring dan pada saat yang sama terdengar sedikit gemerisik. Pada harpsichord, kekuatan bunyi tidak bergantung pada kekuatan pukulan pada tuts. Oleh karena itu, tidak mungkin membuat crescendo dan diminuendos di atasnya - tidak seperti piano, yang memungkinkan hal ini karena sambungan tuts yang lebih fleksibel dengan palu yang memukul senar. Harpsichord mungkin memiliki dua atau tiga keyboard dan perangkat yang memungkinkan Anda mengubah warna suara. Suara instrumen keyboard kecil lainnya - clavichord - lebih lemah dari suara harpsichord. Namun di sisi lain, clavichord dapat dimainkan dengan lebih merdu, karena senarnya tidak dipetik, melainkan pelat logam yang ditekan di atasnya. Salah satu genre utama kuno musik harpsichord- rangkaian beberapa bagian yang dilengkapi dengan formulir, ditulis dengan kunci yang sama. Pada setiap bagian biasanya digunakan gerakan sejenis tarian. Dasar dari rangkaian kuno adalah empat tarian yang berbeda, tidak selalu dijelaskan dengan tepat asal kebangsaan. Ini adalah allemande santai (kemungkinan dari Jerman), lonceng yang lebih gesit (dari Prancis), sarabande lambat (dari Spanyol), dan gigue cepat (dari Irlandia atau Inggris). Sejak akhir abad ke-17, mengikuti contoh pemain harpsichord Paris, suite mulai dilengkapi dengan tarian Prancis seperti minuet, gavotte, bourre, dan passepied. Mereka disisipkan di antara tarian utama, membentuk bagian intermedia ("integ" dalam bahasa Latin berarti "antara"). Musik harpsichord Prancis kuno dibedakan oleh keanggunan, keanggunan, dan banyaknya ornamen melodi kecil, seperti morden dan getar. Gaya harpsichord Prancis berkembang dalam karya François Couperin (1668 - 1733), dijuluki Yang Agung. Dia menciptakan sekitar dua setengah ratus drama dan menggabungkannya menjadi dua puluh tujuh suite. Lambat laun mereka mulai didominasi oleh lakon dengan berbagai nama acara. Paling sering, ini seperti miniatur harpsichord. potret wanita- sketsa suara yang ditujukan dengan baik dari beberapa sifat karakter, penampilan, sikap. Seperti, misalnya, lakon "Suram", "Menyentuh", "Cepat", "Tersebar", "Mischievous". Johann Sebastian Bach kontemporernya yang hebat menunjukkan minat yang besar pada musik harpsichord Prancis, termasuk permainan Francois Couperin. Soal dan tugas 1 . Kapan perkembangan independen genre instrumental meningkat? 2. Apa instrumen favorit Arcangelo Corelli dan Antonio Vivaldi. 3. Beritahu kami tentang struktur organ. 4. Di negara manakah seni organ berkembang pesat? Apa itu nyanyian Protestan? 5. Beri tahu kami tentang perangkat harpsichord. Gerakan tarian apa yang digunakan di bagian utama suite harpsichord lama? Nah, pada bagian pengantar buku teks tersebut secara singkat memperkenalkan beberapa peristiwa penting dalam dunia musik sejak zaman dahulu. Itu adalah "tamasya" sejarah untuk membantu mengenal lebih jauh warisan musisi besar Eropa Barat yang bekerja pada abad ke-18 dan ke-19. Untuk beberapa waktu, clavier disebut musik untuk semua orang. instrumen papan ketik, termasuk instrumen keyboard-wind - organ. 8 9 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Jalan hidup Johann Rod, keluarga, masa kecil. Johann Sebastian Bach lahir pada tahun 1685 di Thuringia - salah satu wilayah di Jerman Tengah, di kota kecil Eisenach, dikelilingi oleh hutan. Di Thuringia, akibat serius dari Perang Tiga Puluh Tahun (1618-1648), di mana dua kelompok besar kekuatan Eropa bentrok, masih terasa. Perang yang menghancurkan ini terjadi pada nenek moyang Johann Sebastian, yang terkait erat dengan lingkungan pengrajin dan petani Jerman. Kakek buyutnya, bernama Veit, adalah seorang tukang roti, tetapi dia sangat menyukai musik sehingga dia tidak pernah berpisah dengan sitar, alat musik yang mirip dengan mandolin, bahkan selama perjalanan ke penggilingan dia bermain saat tepung sedang digiling. Dan di antara keturunannya yang menetap di Thuringia dan daerah sekitarnya, ada begitu banyak musisi sehingga setiap orang yang menjalankan profesi ini disebut "Bach" di sana. Mereka adalah pemain organ gereja, pemain biola, pemain suling, pemain terompet, beberapa di antaranya menunjukkan bakat sebagai komposer. Mereka melayani kotamadya kota dan di pengadilan para penguasa kerajaan kecil dan kadipaten tempat Jerman terbagi. Sebastian Bach 1685-1750 Menakjubkan adalah nasib musik komposer Jerman yang hebat ini, yang kelahirannya telah berlalu lebih dari tiga ratus tahun. Selama hidupnya, ia mendapat pengakuan terutama sebagai organis dan penikmat alat musik, dan setelah kematiannya ia hampir dilupakan selama beberapa dekade. Tetapi kemudian secara bertahap mereka mulai menemukan kembali karyanya dan mengaguminya sebagai harta karun artistik yang berharga, keterampilan yang tak tertandingi, kedalaman yang tak habis-habisnya, dan konten kemanusiaan. "Bukan arus! "Laut pasti namanya." Demikian dikatakan tentang Bach jenius musik lainnya - Beethoven9. Bach sendiri hanya berhasil menerbitkan sebagian kecil dari karyanya. Sekarang sudah lebih dari seribu yang diterbitkan (lebih banyak lagi yang hilang). Karya lengkap pertama Bach mulai dicetak di Jerman seratus tahun setelah kematiannya, dan membutuhkan empat puluh enam volume. Dan bahkan tidak mungkin untuk menghitung secara kasar berapa banyak yang telah dicetak dan berapa banyak edisi terpisah dari musik Bach yang terus dicetak di berbagai negara. Begitu besar permintaan yang berkelanjutan untuk itu. Untuk itu menempati luas dan tempat kehormatan tidak hanya dalam repertoar konser dunia, tetapi juga dalam repertoar pendidikan. Johann Sebastian Bach terus menjadi guru dari semua orang yang terlibat dalam musik. Ia seorang guru yang serius dan tegas, membutuhkan kemampuan konsentrasi untuk menguasai seni pertunjukan karya polifonik. Tetapi orang yang tidak takut pada kesulitan dan memperhatikan persyaratannya akan merasakan di balik ketegasannya kebijaksanaan dan kebaikan hati, yang dia ajarkan dengan ciptaan abadi yang indah. Rumah di Eisenach tempat JSBach lahir 9 "Bach" berarti "aliran" dalam bahasa Jerman. 10 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Ayah Johann Sebastian adalah seorang pemain biola, musisi kota dan pengadilan di Eisenach. Dia mulai mengajar musik kepada putra bungsunya dan mengirimnya ke sekolah gereja. Memiliki suara tinggi yang indah, bocah lelaki itu bernyanyi di paduan suara sekolah. Ketika dia berumur sepuluh tahun, orang tuanya meninggal. Kakak laki-laki, seorang pemain organ gereja di kota tetangga Ohrdruf, merawat anak yatim piatu itu. Dia menugaskan adik laki-lakinya ke kamar bacaan lokal dan memberinya pelajaran organ sendiri. Belakangan, Johann Sebastian juga menjadi pemain harpsichord, pemain biola, dan pemain biola. Dan sejak kecil dia menguasai komposisi musiknya sendiri, menulis ulang komposisi dari berbagai penulis. Dia harus menulis ulang satu buku catatan musik yang sangat menarik baginya pada malam bulan purnama, secara diam-diam dari kakak laki-lakinya. Tetapi ketika kerja keras yang panjang selesai, dia menemukan ini, menjadi marah kepada Johann Sebastian atas tindakannya yang tidak sah dan tanpa ampun mengambil manuskrip itu darinya. Awal dari kehidupan mandiri. Lüneburg. Pada usia lima belas tahun, Johann Sebastian mengambil langkah tegas - dia pindah ke kota Lüneburg yang jauh di utara Jerman, di mana dia masuk sekolah di gereja biara sebagai pemegang beasiswa. Di perpustakaan sekolah, ia bisa berkenalan dengan sejumlah besar manuskrip komposisi musisi Jerman. Di Lüneburg dan Hamburg, di mana dia pergi melalui jalan pedesaan, orang dapat mendengarkan permainan organ berbakat. Ada kemungkinan Johann Sebastian mengunjungi gedung opera di Hamburg - saat itu satu-satunya di Jerman yang tampil bukan dalam bahasa Italia, tetapi dalam bahasa Jerman. Ia berhasil lulus sekolah tiga tahun kemudian dan mulai mencari pekerjaan yang lebih dekat dengan tanah kelahirannya. Weimar. Setelah sempat menjabat sebagai pemain biola dan organis di tiga kota, Bach pada tahun 1708, sudah menikah, menetap di Weimar (Thuringia) selama sembilan tahun. Di sana dia adalah seorang pemain organ di istana adipati, dan kemudian master wakil capella (asisten kepala kapel - sekelompok penyanyi dan instrumentalis). Saat remaja, di Ohrdruf, Bach mulai menggubah musik, khususnya mengaransemen paduan suara Protestan untuk organ, alat musik favoritnya. Dan di Weimar, sejumlah karya organ dewasanya yang luar biasa muncul, seperti Toccata dan Fugue di D minor, Passacaglia10 di C minor, pendahuluan paduan suara. Pada saat itu, Bach telah menjadi pemain dan improvisasi yang tak tertandingi pada organ dan harpsichord. Ini secara meyakinkan dikonfirmasi oleh kasus berikut. Suatu ketika Bach pergi ke Dresden, ibu kota Saxony, di mana mereka memutuskan untuk mengatur kompetisi antara dia dan Louis Marchand, pemain organ dan harpsichordist Prancis yang terkenal. Tapi dia, setelah sebelumnya mendengar bagaimana Bach berimprovisasi pada harpsichord dengan kecerdikan kreatif yang luar biasa, buru-buru meninggalkan Dresden secara diam-diam. Persaingan tidak terjadi. Di pengadilan Weimar ada kesempatan untuk berkenalan dengan karya komposer Italia dan Prancis. Bach memperlakukan pencapaian mereka dengan penuh minat dan inisiatif artistik. Misalnya, dia membuat sejumlah aransemen gratis untuk harpsichord dan organ konser biola Antonio Vivaldi. Beginilah konser clavier pertama dalam sejarah seni musik lahir. Selama tiga tahun di Weimar, Bach seharusnya membuat kantata spiritual baru setiap hari Minggu keempat. Secara total, lebih dari tiga puluh karya muncul dengan cara ini. Namun, ketika ketua band pengadilan tua, yang tugasnya sebenarnya dilakukan oleh Bach, meninggal, posisi kosong itu tidak diberikan kepadanya, tetapi kepada putra almarhum yang tidak kompeten. Marah dengan ketidakadilan tersebut, Bach mengajukan pengunduran dirinya. Untuk "permintaan yang tidak sopan", dia ditempatkan di bawah tahanan rumah. Tapi dia menunjukkan keuletan yang berani dan bangga, bersikeras sendiri. Dan sebulan kemudian, sang duke harus dengan enggan memberikan "perintah tanpa ampun" untuk melepaskan musisi bandel itu ke alam liar. Köthen. Pada akhir tahun 1717, Bach dan keluarganya pindah ke Köthen. Tempat kepala band istana ditawarkan kepadanya oleh Pangeran Leopold Anhalt dari Köthen, penguasa sebuah negara bagian kecil di sekitar Thuringia. Dia adalah musisi yang baik - dia bernyanyi, memainkan harpsichord dan viola da gamba 11. Pangeran memberikan dukungan keuangan yang baik kepada bandmaster barunya dan memperlakukannya dengan sangat hormat. Tugas Bach, yang memakan waktu relatif sedikit, termasuk mengarahkan sebuah kapel yang terdiri dari delapan belas vokalis dan instrumentalis, mengiringi pangeran, dan memainkan harpsichord sendiri. Di Köthen, banyak Bach yang bekerja berbagai alat. Musik clavier sangat beragam di antara mereka. Di satu sisi, ini adalah karya untuk pemula - Passacaglia adalah tarian lambat tiga arah yang berasal dari Spanyol. Atas dasar itu, muncul karya-karya instrumental berupa variasi dengan melodi yang diulang-ulang dalam bas. 10 11 Viola da gamba adalah instrumen kuno yang terlihat seperti cello. 11 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia pendahuluan kecil, penemuan dua bagian dan tiga bagian. Itu ditulis oleh Bach untuk dipelajari bersama putra sulungnya, Wilhelm Friedemann. Di sisi lain, ini adalah yang pertama dari dua jilid dari sebuah karya monumental - "The Well-Tempered Clavier", yang secara total mencakup 48 pendahuluan dan fugue, dan komposisi besar dari rencana konser - "Chromatic Fantasy and Fugue". Pembuatan dua koleksi suite clavier, yang dikenal sebagai "Prancis" dan "Inggris", juga termasuk dalam periode Köthen. Pangeran Leopold membawa Bach bersamanya dalam perjalanan ke negara bagian tetangga. Ketika Johann Sebastian kembali pada tahun 1720 dari perjalanan seperti itu, dia sangat berduka - istrinya Maria Barbara baru saja meninggal, meninggalkan empat anak (tiga lagi meninggal lebih awal). Satu setengah tahun kemudian, Bach menikah lagi. Istri keduanya, Anna Magdalena, memiliki suara yang bagus dan sangat musikal. Belajar bersamanya, Bach menyusun dua "Buku Catatan" yang lebih keren dari karya-karyanya sendiri dan sebagian dari karya-karya penulis lain. Anna Magdalena adalah pendamping yang baik hati dan perhatian dalam kehidupan Johann Sebastian. Dia memberinya tiga belas anak, enam di antaranya bertahan hingga dewasa. Leipzig. Pada 1723, Bach pindah ke Leipzig, pusat komersial dan budaya utama Saxony, tetangga Thuringia. Dengan Pangeran Leopold dia menyimpannya hubungan baik . Tetapi di Köthen, kemungkinan aktivitas musik terbatas - tidak ada organ besar maupun paduan suara. Selain itu, Bach memiliki putra sulung yang ingin dia beri pendidikan yang baik. Di Leipzig, Bach menjabat sebagai penyanyi - kepala paduan suara anak laki-laki dan guru sekolah menyanyi; di Gereja St. Thomas (Thomaskirche). Ia harus menerima sejumlah syarat yang membatasi, misalnya "tidak meninggalkan kota tanpa izin walikota". Cantor Bach memiliki banyak tugas lain. Dia harus membagi paduan suara sekolah kecil dan orkestra yang sangat kecil (atau lebih tepatnya, ansambel) menjadi beberapa bagian sehingga musik terdengar selama kebaktian di dua gereja, serta di pesta pernikahan, di pemakaman, dan di berbagai perayaan. Dan tidak semua anak laki-laki paduan suara memiliki data musik yang bagus. Rumah sekolah itu kotor, terabaikan, murid-muridnya diberi makan dengan buruk dan berpakaian pengemis. Bach, yang pada saat yang sama dianggap sebagai "direktur musik" Leipzig, menarik perhatian otoritas gereja dan pemerintah kota (hakim) untuk semua ini. Tetapi sebagai imbalannya dia menerima sedikit bantuan materi, tetapi banyak cerewet dan teguran kantor kecil. Dengan siswa, dia tidak hanya terlibat dalam menyanyi, tetapi juga memainkan alat musik, selain itu, dia menyewa seorang guru bahasa Latin untuk mereka dengan biaya sendiri. Gereja dan sekolah St. Thomas (kiri) di Leipzig. (Dari ukiran tua). Terlepas dari keadaan hidup yang sulit, Bach dengan antusias terlibat dalam kreativitas. Dalam tiga tahun pertama pengabdiannya, dia menyusun dan mempraktikkan kantata spiritual baru dengan paduan suara hampir setiap minggu. Secara total, sekitar dua ratus karya Bach dalam genre ini telah dilestarikan. Dan beberapa lusin kantata sekulernya juga dikenal. Biasanya, mereka menyambut dan memberi selamat, ditujukan kepada berbagai orang bangsawan. Namun di antara mereka ada pengecualian seperti komik "Coffee Cantata" yang ditulis di Leipzig, mirip dengan adegan dari opera komik. Ini menceritakan bagaimana Lizhen yang muda dan lincah kecanduan mode baru untuk minum kopi, bertentangan dengan keinginan dan peringatan ayahnya, Schlendrian tua yang suka menggerutu. Di Leipzig, Bach menciptakan karya instrumental vokal monumentalnya yang paling menonjol - The Passion Menurut John, Passion Menurut Matthew12 dan Misa di B minor, dekat dengan isinya, serta sejumlah besar berbagai komposisi instrumental, termasuk jilid kedua " Well-Tempered Clavier", kumpulan Yohanes dan Matius (serta Markus dan Lukas) adalah pengikut ajaran Yesus Kristus, yang menyusun Injil - cerita tentang kehidupan duniawinya, penderitaan ("nafsu") dan kematian. "Injil" dalam bahasa Yunani berarti "kabar baik". 12 12 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia "The Art of the Fugue". Dia melakukan perjalanan ke Dresden, Hamburg, Berlin dan kota-kota Jerman lainnya, memainkan organ di sana, menguji instrumen baru. Selama lebih dari sepuluh tahun, Bach mengepalai "Music College" di Leipzig - sebuah perkumpulan yang terdiri dari mahasiswa dan pecinta musik - instrumentalis dan penyanyi. Di bawah arahan Bach, mereka mengadakan konser publik dari karya-karya yang bersifat sekuler. Berkomunikasi dengan musisi, dia tidak asing dengan kesombongan apa pun dan berbicara tentang keahliannya yang langka sebagai berikut: "Saya harus bekerja keras, siapa pun yang keras akan mencapai hal yang sama." Banyak kekhawatiran, tetapi juga banyak kegembiraan membawa Bach ke keluarga besarnya. Di lingkarannya, dia bisa mengatur seluruh konser rumah. Empat putranya menjadi komposer terkenal. Ini adalah Wilhelm Friedemann dan Carl Philipp Emanuel (anak-anak Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich dan Johann Christian (anak-anak Anna Magdalena). Selama bertahun-tahun, kesehatan Bach memburuk. Penglihatannya memburuk dengan tajam. Pada awal 1750, dia menjalani dua kali operasi mata yang gagal, menjadi buta, dan meninggal pada 28 Juli. Johann Sebastian Bach menjalani kehidupan yang keras dan pekerja keras, diterangi oleh inspirasi kreatif yang cemerlang. Dia tidak meninggalkan kekayaan yang berarti, dan Anna Magdalena meninggal sepuluh tahun kemudian di rumah amal untuk orang miskin. Dan putri bungsu Bach, Regina Susanna, yang hidup sampai abad ke-19, diselamatkan dari kemiskinan melalui sumbangan pribadi, di mana Beethoven mengambil bagian yang besar Kreativitas musik Bach terhubung dengan budaya negara asalnya. dan komposer asing. Dalam karyanya, ia dengan cemerlang menggeneralisasi dan memperkaya pencapaian seni musik Eropa. Sebagian besar kantata, "John Passion", "Matthew Passion", Mass in B minor dan banyak karya teks spiritual lainnya ditulis oleh Bach tidak hanya sesuai dengan tugas atau kebiasaan seorang musisi gereja, tetapi dihangatkan oleh perasaan religius yang tulus. Mereka penuh dengan belas kasih atas kesedihan manusia, dijiwai dengan pemahaman tentang kegembiraan manusia. Seiring waktu, mereka melampaui kuil dan melakukannya tidak berhenti mengesankan pendengar dari berbagai negara dan agama Komposisi spiritual dan sekuler Bach terkait satu sama lain dalam kemanusiaan sejati mereka. seluruh dunia gambar musik. Keahlian polifonik Bach yang tak tertandingi diperkaya dengan sarana homofonik-harmonik. Tema vokalnya diresapi secara organik dengan teknik perkembangan instrumental, dan tema instrumental seringkali sangat jenuh secara emosional, seolah-olah sesuatu yang penting dinyanyikan dan diucapkan tanpa kata-kata. Toccata dan Fugue di D Minor untuk Organ13 Karya yang sangat populer ini dimulai dengan seruan keinginan yang mengkhawatirkan namun berani. Itu terdengar tiga kali, jatuh dari satu oktaf ke oktaf lainnya, dan mengarah ke gemuruh chordal yang menggelegar di nada bawah. Jadi, di awal toccata, ruang suara megah yang teduh dan gelap diuraikan. 1 Adagio Soal dan tugas 1 . Apa yang tidak biasa tentang nasib musik Bach? 2. Ceritakan tentang tanah air Bach, leluhurnya, dan masa kecilnya. 3. Kapan dan di mana kehidupan mandiri Bach dimulai? 4. Bagaimana aktivitas Bach di Weimar berlangsung dan bagaimana akhirnya? 5. Ceritakan tentang kehidupan Bach di Köthen dan tentang karya-karyanya di tahun-tahun ini. 6. Instrumen apa yang dimainkan Bach dan apa instrumen favoritnya? 7. Mengapa Bach memutuskan pindah ke Leipzig, dan kesulitan apa yang dia hadapi di sana? 8. Ceritakan tentang aktivitas Bach sebagai komposer dan Bach sebagai pemain di Leipzig. Sebutkan karya yang dia buat di sana. Toccata (dalam bahasa Italia "toccata" - "touch", "hit" dari kata kerja "toccare" "touch", "touch") adalah karya virtuoso untuk instrumen keyboard. 13 13 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Selanjutnya, bagian virtuoso "berputar" yang kuat dan "semburan" chordal yang lebar terdengar. Mereka beberapa kali dipisahkan oleh jeda dan berhenti pada akord yang diperpanjang. Oposisi gerakan cepat dan lambat ini mengingatkan pada jeda yang hati-hati antara pertarungan dengan elemen kekerasan. Dan setelah toccata yang dibangun secara improvisasi, suara fugue terdengar. Ini berfokus pada pengembangan imitatif dari satu tema, di mana prinsip berkemauan keras mengekang kekuatan unsur, seolah-olah: 2 Allegro moderato Berkembang luas, fuga berkembang menjadi coda - bagian terakhir, bagian terakhir. Di sini sekali lagi elemen improvisasi dari toccata muncul. Tapi dia akhirnya ditenangkan oleh ucapan imperatif yang tegang. Dan jeruji terakhir dari keseluruhan pekerjaan dianggap sebagai kemenangan yang keras dan agung dari keinginan manusia yang tak terhindarkan. Sekelompok khusus karya organ Bach adalah pembuka paduan suara. Di antara mereka, sejumlah karya liris yang relatif kecil dibedakan oleh ekspresi yang dalam. Di dalamnya, suara melodi paduan suara diperkaya dengan suara pengiring yang dikembangkan secara bebas. Beginilah, misalnya, salah satu mahakarya Bach, pendahuluan paduan suara dalam F minor, disajikan. Penemuan musik Clavier Bach menyusun beberapa koleksi potongan sederhana dari antara yang dia buat saat mengajar putra sulungnya Wilhelm Friedemann. Dalam salah satu koleksi ini, dia menempatkan lima belas keping polifonik dua suara dalam lima belas kunci dan menyebutnya "penemuan". Diterjemahkan dari bahasa Latin, kata "penemuan" berarti "penemuan", "penemuan". Penemuan dua bagian Bach, tersedia untuk pertunjukan oleh musisi pemula, benar-benar luar biasa dalam hal kecerdikan polifonik dan, pada saat yang sama, ekspresi artistik. Jadi, penemuan dua bagian pertama dalam C mayor lahir dari tema pendek, halus, dan tidak tergesa-gesa dengan karakter yang tenang dan masuk akal. Itu dinyanyikan dengan suara atas dan langsung ditiru _ berulang dalam oktaf lain - yang lebih rendah: 14 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang bola memantul seni Rusia. Selama pengulangan (peniruan) suara atas, suara melanjutkan gerakan melodi. Beginilah oposisi terhadap tema yang terdengar dalam bass terbentuk. Lebih jauh, pertentangan ini - dengan pola melodi yang sama - terkadang berbunyi saat tema muncul kembali dalam satu suara atau lainnya (bilah 2-3, 7-8, 8-9). Dalam kasus seperti itu, oposisi disebut dipertahankan (sebagai lawan dari yang tidak dipertahankan, yang digubah lagi setiap kali tema diperkenalkan). Seperti dalam karya polifonik lainnya, ada bagian dalam penemuan ini di mana temanya tidak dibunyikan dalam bentuk lengkapnya, tetapi hanya putaran individualnya yang digunakan. Bagian seperti itu ditempatkan di antara presentasi topik dan disebut selingan. Keutuhan umum penemuan dalam C diberikan oleh pengembangan berdasarkan satu tema, yang khas untuk musik polifonik. Di tengah-tengah karya, penyimpangan dari kunci utama dilakukan, dan menjelang akhir ia kembali. Mendengarkan penemuan ini, dapat dibayangkan bahwa dua siswa rajin mengulang pelajaran, berusaha saling bercerita dengan lebih baik, dengan ekspresi yang lebih besar. Dalam bagian ini, strukturnya mirip dengan penemuan C mayor, teknik khusus memainkan peran besar. Mengikuti pengenalan awal tema Pada suara atas, suara rendah tidak hanya menirunya, tetapi juga kelanjutannya (kontraposisi). Jadi, untuk beberapa waktu, kanonik dan imitasi terus menerus, atau lycanon, muncul. Bersamaan dengan penemuan dua suara, Bach menyusun lima belas keping polifonik tiga suara dengan kunci yang sama. Dia menamai mereka! "simfoni" (diterjemahkan dari bahasa Yunani - "konsonan"). Karena di masa lalu, karya instrumental polifonik sering disebut demikian. Tetapi kemudian menjadi kebiasaan untuk menyebut potongan-potongan ini sebagai penemuan tiga bagian. Mereka menggunakan teknik pengembangan polifonik yang lebih kompleks. Paling contoh utama- penemuan tiga bagian dalam F minor (kesembilan). Itu dimulai dengan pengenalan simultan dari dua tema yang kontras. Dasar dari salah satunya, yang terdengar dengan suara bas, adalah keturunan tegang terukur di sepanjang seminada kromatik. Gerakan seperti itu sering terjadi dalam arias tragis dari opera lama. Itu seperti suara suram dari takdir yang jahat, takdir. Tema kedua di tengah, suara alto diresapi dengan desahan motif sedih: Di masa depan, tema ketiga terkait erat dengan kedua tema ini dengan seruan memohon yang lebih tajam. Hingga akhir lakon, suara takdir yang jahat tetap tak terhindarkan. Tapi suara kesedihan manusia tidak berhenti. Mereka memiliki percikan harapan manusia yang tak terpadamkan. Dan untuk sesaat sepertinya berkedip di akord F mayor terakhir. Simfoni Bach dalam B Harpsichord Kecil di Rumah Bach di Eisenach 15 www.classON.ru Pendidikan Anak-anak di Ruang Seni Rusia (Penemuan Tiga Bagian No. 15) juga terkenal karena penetrasi lirisnya. Dalam kata pengantar manuskrip penemuan dan "simfoni" -nya, Bach menunjukkan bahwa mereka harus membantu mengembangkan "cara bermain bernyanyi". Di harpsichord, ini sulit dicapai. Oleh karena itu, Bach lebih suka di rumah, termasuk di kelas dengan siswanya, untuk menggunakan alat musik gesek lainnya - clavichord. Suaranya yang lemah tidak cocok untuk pertunjukan konser. Namun, seperti yang telah disebutkan, tidak seperti harpsichord, senar clavichord tidak dipetik, tetapi dijepit dengan lembut dengan pelat logam. Ini berkontribusi pada merdu suara dan memungkinkan Anda membuat nuansa dinamis. Jadi, Bach, seolah-olah, meramalkan kemungkinan suara merdu dan koheren yang mengarah pada piano - instrumen yang pada masanya desainnya masih belum sempurna. Dan keinginan musisi hebat ini harus diingat oleh semua pianis modern. Courante - tarian tiga ketukan keturunan Prancis . Tetapi untuk lonceng harpsichord Prancis, beberapa kecanggihan ritmis dan tingkah laku yang khas. Courante di suite Bach di C minor mirip dengan variasi Italia dari genre tarian ini - lebih hidup dan mobile. Ini difasilitasi oleh kombinasi fleksibel dari dua suara yang tampaknya saling memprovokasi: "French suite" di C minor Tiga koleksi suite clavier Bach memiliki nama yang berbeda. Dia sendiri menyebut enam suite yang termasuk dalam koleksi ketiga "partitas" (nama suite "partita" tidak hanya ditemukan di dirinya14). Dan dua koleksi lainnya - masing-masing enam buah - mulai disebut "French Suites" dan "English Suites" setelah kematian Bach, karena alasan yang tidak diklarifikasi secara pasti. Yang kedua dari "French Suites" ditulis dengan kunci C minor. Menurut tradisi yang ditetapkan di suite kuno, itu berisi empat bagian utama - Allemande, Courante, Sarabande dan Gigue, serta dua bagian perantara lainnya - Aria dan Minuet, disisipkan di antara Sarabande dan Gigue. Allemande adalah tarian yang terbentuk pada abad XVI-XVII di beberapa negara Eropa - Inggris, Belanda, Jerman, Prancis, dan Italia. Jadi, misalnya, allemande Jerman kuno adalah tarian kelompok yang membosankan. Tapi, setelah memasuki suite clavier, pada abad ke-18 allemande hampir kehilangan fitur tariannya. Dari "leluhur" nya dia hanya mempertahankan gaya berjalan santai dengan ukuran empat atau dua perempat. Itu akhirnya menjadi pendahuluan yang dibangun secara longgar. Sepertinya pendahuluan liris yang bijaksana dan Allemande dari suite Bach di C minor. Di sini, paling sering, tiga suara memimpin dialog mereka. Namun terkadang suara keempat terhubung dengan mereka. Pada saat yang sama, suara yang paling merdu adalah yang paling atas: Sarabande adalah tarian Spanyol tiga bagian. Dulu cepat, temperamental, dan kemudian menjadi lambat, khusyuk, sering kali mendekati prosesi pemakaman. Sarabande dari suite Bach telah berusia dari awal hingga akhir di gudang tiga bagian. Pergerakan suara tengah dan bawah selalu ketat, terkonsentrasi (seperempat dan seperdelapan mendominasi). Dan pergerakan suara atas jauh lebih bebas dan bergerak, sangat ekspresif. Nada keenam belas berlaku di sini, gerakan dengan interval lebar (kelima, keenam, ketujuh) sering ditemukan. Dengan demikian, dua lapisan presentasi musik yang kontras terbentuk, suara yang intens secara liris tercipta15: "Dibagi menjadi beberapa bagian" - kata "partita" diterjemahkan dari bahasa Italia (dari kata kerja "partire" - "membagi"). Dalam sarabande, suara atas terkemuka tidak terlalu kontras dengan yang lain, tetapi dilengkapi olehnya. 14 15 16 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Prelude and Fugue in C minor dari volume pertama The Well-Tempered Clavier Prelude and Fugue in C Major, Prelude and Fugue in C Minor, Prelude and Fugue in C Sharp Major, Prelude dan Fugue C-sharp minor - dan seterusnya hingga dua belas seminada yang termasuk dalam oktaf. Hasilnya adalah total 24 siklus "prelude and fugue" dua bagian di semua kunci mayor dan minor. Beginilah cara kedua volume (total - 48 prelude dan fugues) dari Bach's Well-Tempered Clavier dibangun. Karya megah ini diakui sebagai salah satu seni musik terbesar di dunia. Pendahuluan dan fugues dari dua jilid ini termasuk dalam repertoar pelatihan dan konser semua pianis profesional. Pada masa Bach, dalam penyetelan instrumen keyboard, temperamen seragam akhirnya terbentuk secara bertahap - membagi oktaf menjadi dua belas seminada yang sama. Sebelumnya, sistem kustomisasi lebih kompleks. Dengan dia, pada kunci dengan lebih dari tiga atau empat karakter, beberapa interval dan akord terdengar tidak selaras. Oleh karena itu, komposer menghindari penggunaan kunci tersebut. Bach adalah orang pertama yang dengan gemilang membuktikan dalam The Well-Tempered Clavier bahwa dengan temperamen yang sama, semua 24 kunci dapat digunakan dengan keberhasilan yang sama. Ini membuka cakrawala baru bagi para komposer, meningkatkan, misalnya, kemampuan untuk membuat modulasi (transisi) dari satu kunci ke kunci lainnya. Dalam Well-Tempered Clavier, Bach menetapkan jenis siklus dua gerakan "pendahuluan dan fuga". Prelude dibangun dengan bebas. Di dalamnya, gudang dan improvisasi homofonik-harmonik mungkin memiliki peran penting. Ini menciptakan kontras dengan fugue sebagai karya polifonik yang ketat. Pada saat yang sama, bagian-bagian dari siklus "prelude and fugue" tidak hanya disatukan oleh nada suara yang sama. Di antara mereka, dalam setiap kasus, koneksi internal halus dimanifestasikan dengan caranya sendiri. Ciri-ciri umum yang umum ini dapat ditelusuri di Prelude dan Fugue in C minor dari volume pertama The Well-Tempered Clavier. Pendahuluan terdiri dari dua bagian utama. Yang pertama lebih luas diisi penuh dengan gerakan seragam cepat keenam belas di kedua tangan. Itu jenuh dari dalam dengan elemen melodi dan harmonik yang ekspresif. Seolah-olah, dibatasi oleh pantai, arus yang gelisah sedang bergolak: Gigue adalah tarian yang lincah dan ceria, berasal dari Irlandia dan Inggris16. Di masa lalu, para pelaut Inggris suka menari jig. Di suite, gigue biasanya merupakan gerakan terakhir dan terakhir. Dalam Giguet C minornya, Bach sering menggunakan teknik peniruan kanonis antara dua suara (seperti dalam Invention in F mayor). Penyajian lakon ini diresapi dengan ritme titik-titik yang “memantul”: Dibandingkan dengan kontras antara Allemande dan Courante, kontras antara Sarabande dan Gigue lebih tajam. Tapi itu dilunakkan dengan dua bagian tambahan yang disisipkan di antara keduanya. Bagian yang disebut "Aria" tidak lebih terdengar seperti nomor vokal solo dalam sebuah opera, tetapi seperti lagu yang tenang dan cerdik. Minuet berikutnya adalah tarian Prancis yang memadukan mobilitas dengan keanggunan. Jadi dalam rangkaian ini, dengan satu nada suara umum, semua bagian dibandingkan secara berbeda dalam istilah kiasan. Dimensi jig didominasi tiga arah. Pada abad XVIII ini terutama 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia dengan suara sedang, tema yang jelas, timbul, diingat dengan baik dengan ritme tarian yang elastis: 11 Moderato Ketekunan energik dipadukan dalam tema dengan keanggunan, peeps kenakalan yang licik melalui ketenangan berkemauan keras. Ini memberikan peluang untuk pengembangan lebih lanjut yang beragam dan dinamis. Pada awal pengembangan, temanya terdengar ringan - satu-satunya saat dilakukan dengan kunci mayor (E-flat mayor). Dalam reprise, dari tiga bagian utama dari tema di kunci utama (C minor), yang kedua, di bass, memperoleh ruang lingkup yang begitu kuat sehingga membuat orang mengingat kekuatan alam yang mengamuk di pendahuluan. Dan satu hal lagi, implementasi terakhir dari tema fugue diakhiri dengan akord mayor rumah yang tercerahkan. Dalam kesamaan akhir dari pendahuluan dan fuga, hubungan emosional internal dari bagian-bagian yang kontras dari siklus terungkap. Setelah mengumpulkan energi yang kuat, aliran ini di akhir bagian pertama, seolah-olah, meluap ke tepi dan di awal bagian berikutnya menjadi lebih terburu-buru, mengancam untuk menyapu semua yang dilewatinya. Klimaks pendahuluan ini ditandai dengan perubahan tempo menjadi yang tercepat (Pgesto) dan penggunaan perangkat polifonik - kanon dua suara. Tetapi unsur-unsur yang mengamuk tiba-tiba dihentikan oleh sapuan akord yang angkuh dan frasa resitatif yang bermakna. Inilah perubahan kecepatan kedua - ke yang paling lambat (Adagio). Dan setelah perubahan tempo ketiga menjadi A11eggo yang cukup cepat di bar terakhir pendahuluan, titik organ tonik di bass secara bertahap memperlambat pergerakan nada keenam belas di tangan kanan. Itu menjadi menyebar dengan lembut dan membeku pada akord C mayor. Ada kedamaian, ketenangan. Setelah penyelesaian pendahuluan yang bebas dan improvisasi, perhatian beralih ke bidang yang berbeda dan kontras. Fugue tiga suara dimulai. Kata ini dalam bahasa Latin dan Italia berarti "berlari", "terbang", "arus cepat". Dalam musik, fugue adalah karya polifonik yang kompleks, di mana suara-suara itu tampak bergema, saling mengejar. Sebagian besar fugue didasarkan pada satu tema. Yang kurang umum adalah fugue dengan dua tema, bahkan lebih jarang dengan tiga atau empat tema. Dan menurut jumlah suara, fugue terdiri dari dua, tiga, empat dan lima bagian. Fugue gelap tunggal dimulai dengan presentasi tema di kunci utama dalam satu suara. Tema tersebut kemudian ditiru secara bergantian oleh suara-suara lainnya. Beginilah bagian pertama dari fugue, eksposisi, dibentuk. Di bagian kedua - pengembangan - tema hanya muncul di kunci lain. Dan di bagian ketiga, bagian terakhir - reprise9 - dilakukan lagi di kunci utama, tetapi tidak lagi disajikan dalam satu suara. Eksposisi di sini jelas tidak diulang. Dalam fugues, kontraposisi dan selingan yang dipertahankan banyak digunakan. Fugue C-minor Bach, yang dipertanyakan, dimulai, muncul di Fugue - bentuk musik polifonik tertinggi - telah mencapai kematangan penuh dan berbunga paling cemerlang dalam karya Bach. Komposer dan pianis Rusia terkenal abad ke-19, Anton Grigoryevich Rubinstein, dalam bukunya "Music and Its Representatives", menulis, mengagumi "Well-Tempered Clavier", yang dapat ditemukan di sana "fugues of religious, heroic, melancholic, karakter agung, sedih, lucu, pastoral, dramatis; dalam satu hal mereka semua sama - dalam keindahan ... ”Zaman Johann Sebastian Bach adalah komposer hebat Jerman Georg Friedrich Handel (1685-1759) - ahli polifoni yang luar biasa, seorang pemain organ virtuoso. Nasibnya berbeda. Dia menghabiskan sebagian besar hidupnya di luar Jerman, berpindah dari satu negara ke negara lain (dia tinggal di Inggris selama beberapa dekade). 18 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Handel adalah penulis banyak opera, oratorio, berbagai karya instrumental. Pembentukan gaya klasik dalam musik Soal dan tugas 1 . Apa kesamaan karya spiritual dan sekuler Bach? 2. Ceritakan tentang sifat kiasan Toccata dan Fugue dalam D minor untuk organ. 3. Nyanyikan tema penemuan Bach yang Anda ketahui. Apa oposisi ketika disebut ditahan? 4. Apa yang dimaksud dengan selingan dalam karya polifonik? Imitasi mana yang disebut kanonik atau kanon? 5. Sebutkan dan jelaskan bagian utama "French Suite" di C minor. 6. Bagaimana Clavier Pemarah Bach dibangun? 7. Apa perbedaan utama antara pendahuluan dan fuga? Tunjukkan ini dengan contoh Prelude dan Fugue dalam C minor dari volume pertama The Well-Tempered Clavier. Apakah ada kesamaan di antara mereka juga? Teater musikal abad ke-18, terutama pertengahan dan paruh kedua, merupakan masa perubahan besar di semua bidang seni musik Eropa. Dengan dimulainya abad ini, dua genre secara bertahap muncul dalam opera Italia - opera seria (serius) dan opera buffa (komik). Plot mitologis dan sejarah masih berlaku dalam serial opera, di mana yang disebut pahlawan "tinggi" muncul - dewa mitologis, raja negara kuno, komandan legendaris. Dan dalam opera buffa, plotnya menjadi plot sehari-hari yang didominasi modern. Pahlawan di sini adalah orang biasa yang bertindak penuh semangat dan realistis. The Servant Lady karya Giovanni Battista Pergolesi karya Giovanni Battista Pergolesi, yang muncul di hadapan publik pada tahun 1733 di Naples, adalah contoh mencolok pertama dari penggemar opera. Pahlawan wanita, pelayan Serpina yang giat, dengan cekatan menikahi tuannya yang pemarah, Uberto, dan menjadi nyonya sendiri. Seperti banyak opera penggemar Italia awal, The Servant-Mistress awalnya dilakukan sebagai selingan panggung selama jeda antara aksi seria opera Pergolesi The Proud Prisoner (ingat bahwa kata "selingan" berasal dari bahasa Latin dan berarti "interaksi"). Segera, The Servant-Madam memperoleh ketenaran besar di banyak negara sebagai karya independen. Opera komik lahir di Prancis pada paruh kedua abad ke-18. Itu muncul dari pertunjukan komedi yang ceria dan jenaka dengan musik yang dibawakan di bioskop di pameran Paris. Dan untuk berubah menjadi opera komik, di mana nomor vokal menjadi ciri utama karakternya, contoh opera buffa Italia membantu komedi adil Prancis. Untuk pertunjukan di Paris ini, rombongan opera "buffon" Italia sangat penting, ketika ibu kota Prancis benar-benar terpesona oleh "Nyonya Pelayan" Pergolesi. Tidak seperti penggemar opera Italia, dalam opera komik Prancis, nomor timbul bergantian bukan dengan pelafalan, tetapi dengan dialog percakapan. Singspire juga dibangun - berbagai opera komik Jerman dan Austria, yang muncul di karya kedua Karya utama Karya vokal dan instrumental "The Passion menurut John", "Passion menurut Matius" Misa dalam B minor Kantata suci (sekitar 200 selamat) dan kantata sekuler (bertahan lebih dari 20) Karya orkestra 4 suite ("overture") 6 Konser "Brandenburg" untuk instrumen solo dengan orkestra kamar 7 konser untuk harpsichord 3 konser untuk dua, 2 untuk tiga harpsichord 2 konser untuk biola Konser untuk dua biola Karya untuk alat musik gesek 3 sonata dan 3 partitas untuk solo biola 6 sonata untuk biola dan harpsichord 6 suite (“sonata”) untuk cello solo Karya organ 70 pendahuluan paduan suara Pendahuluan dan fugue Toccata dan fugue dalam D minor Passacaglia dalam C minor Karya keyboard Koleksi "Little Preludes and Fugues" 15 penemuan dua bagian dan 15 penemuan tiga bagian ("simfoni") 48 pendahuluan dan fugues dari Clavier yang Pemarah 6 "Prancis dan 6 suite bahasa Inggris 6 suite (partite) Concerto Italiano untuk harpsichord solo Chromatic Fantasy dan Fugue Art of Fugue 19 www.classON.ru Bahasa musik dari semua jenis opera komik dicirikan oleh keterkaitan yang erat dengan lagu daerah dan melodi tarian. Di paruh kedua abad ke-18, serius genre opera secara radikal mereformasi komposer besar Jerman Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Dia menulis opera reformis pertamanya, Orpheus dan Eurydice (1762), berdasarkan kisah penyanyi Yunani kuno yang legendaris, yang telah berulang kali digunakan dalam opera sejak awal (ini dibahas di Pendahuluan). Gluck mengikuti jalan yang sulit menuju reformasinya di opera. Dia kebetulan mengunjungi banyak negara Eropa - Jerman, Austria, Denmark, serta di Republik Ceko yang dihuni oleh orang Slavia, bersama dengan Italia - di Inggris. Sebelum menetap dengan mantap di Wina, Gluck mementaskan 17 serial operanya di panggung teater di Milan, Venesia, Naples, London, Kopenhagen, Praha, dan kota-kota lain. Opera dari genre ini dipertunjukkan di teater pengadilan di banyak negara Eropa. Pengecualiannya adalah Prancis. Di sana, di pertengahan abad ke-18, mereka terus menggubah dan mementaskan opera serius hanya dengan gaya tradisional Prancis. Tapi Gluck dengan hati-hati mempelajari partitur opera dari komposer Prancis terkenal Jean-Baptiste Lully dan Jean-Philippe Rameau. Selain itu, Gluck menulis dan berhasil mementaskan delapan karya di Wina dalam genre baru opera komik Prancis. Dia tidak diragukan lagi sangat mengenal opera buffa Italia, dengan singspiel Jerman dan Austria. Semua pengetahuan ini memungkinkan Gluck untuk dengan tegas memperbarui prinsip komposisi yang sudah ketinggalan zaman untuk opera yang serius. Dalam opera reformisnya, yang dipentaskan pertama kali di Wina dan kemudian di Paris, Gluck mulai menyampaikan pengalaman emosional para karakter dengan kejujuran yang jauh lebih besar dan intensitas serta efektivitas yang dramatis. Dia menolak untuk menumpuk bagian virtuoso di arias, dan meningkatkan ekspresi pelafalan. Operanya menjadi lebih terarah dalam hal perkembangan musik dan panggung, dan lebih harmonis dalam komposisi. Jadi, dalam bahasa musik dan dalam konstruksi komik baru dan opera serius yang direformasi, ciri-ciri pembeda penting dari gaya klasik baru diidentifikasi - keefektifan aktif pengembangan, kesederhanaan dan kejelasan sarana ekspresif, harmoni komposisi, dan kemuliaan umum dan karakter luhur musik. Gaya ini berangsur-angsur terbentuk dalam musik Eropa selama abad ke-18, matang pada 1770-1780 dan mendominasi hingga pertengahan dekade kedua abad ke-19. Perlu dicatat bahwa definisi "klasik" mungkin memiliki arti lain yang lebih luas. "Klasik" (atau "klasik") juga disebut karya musik dan karya seni lainnya yang telah diakui sebagai teladan, sempurna, tak tertandingi - terlepas dari waktu pembuatannya. Dalam pengertian ini, massa juga bisa disebut klasik, atau klasik. komposer Italia Palestrina abad XVI, dan opera Prokofiev, dan simfoni Shostakovich - komposer Rusia abad XX. Musik Instrumental Pada dasar internasional yang sama luasnya dengan reformasi opera Gluck, pada abad ke-18 terjadi perkembangan intensif musik instrumental. Itu dilakukan dengan upaya bersama para komposer dari banyak negara Eropa. Berdasarkan lagu dan tarian, mengembangkan kejernihan dan dinamisme klasik bahasa musik, mereka secara bertahap membentuk genre baru dari karya instrumental siklik - seperti simfoni klasik, sonata klasik, kuartet gesek klasik. Bentuk sonata sangat penting di dalamnya. Oleh karena itu, siklus instrumental disebut sonata atau sonata-simfoni. bentuk sonata. Anda sudah tahu bahwa bentuk musik polifonik tertinggi adalah fugue. Dan bentuk sonata adalah bentuk tertinggi dari musik harmonik homofonik, di mana teknik polifonik terkadang hanya dapat digunakan. Dalam konstruksinya, kedua bentuk ini mirip satu sama lain. Seperti fuga, ada tiga bagian utama dalam bentuk sonata: eksposisi, pengembangan, dan rekapitulasi. Tetapi ada juga perbedaan yang signifikan di antara mereka. Perbedaan utama antara bentuk sonata dan fugue langsung terlihat di eksposisi 18. Sebagian besar fugue seluruhnya dibangun di atas satu tema, yang dilakukan secara bergantian di setiap eksposisi. Kata Jerman ini berasal dari "singen" ("sing") dan "Spiel" ("bermain") . 18 Kata tersebut berasal dari bahasa Latin, yang berarti "presentasi", "pertunjukan". 20 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni suara di Rusia. Dan dalam pemaparan bentuk sonata, biasanya muncul dua tema utama yang karakternya kurang lebih berbeda. Pertama, tema bagian utama berbunyi, kemudian muncul tema bagian samping. Tetapi Anda tidak boleh memahami definisi "sisi" sebagai "sekunder". Karena sebenarnya tema bagian samping memainkan peran yang tidak kalah pentingnya dalam bentuk sonata dibandingkan dengan tema bagian utama. Kata "sekunder" digunakan di sini karena, tidak seperti yang pertama, kata itu harus berbunyi dalam eksposisi bukan di kunci utama, tetapi di kunci lain, yaitu, seolah-olah di kunci sekunder. Dalam musik klasik, jika bagian utama dalam eksposisi adalah mayor, maka bagian samping dinyatakan dalam kunci dominan (misalnya, jika kunci bagian utama adalah C mayor, maka kunci bagian samping adalah G. besar). Jika bagian utama eksposisi adalah minor, maka bagian samping dinyatakan dalam mayor paralel (misalnya, jika kunci bagian utama adalah C minor, maka kunci bagian samping adalah E-flat mayor). Entah bundel kecil atau kumpulan penghubung ditempatkan di antara pihak utama dan pihak samping. Tema independen yang timbul secara melodi juga dapat muncul di sini, tetapi intonasi tema bagian utama lebih sering digunakan. Bagian penghubung bertindak sebagai transisi ke bagian samping, itu memodulasi menjadi kunci bagian samping. Dengan demikian, stabilitas tonal dilanggar. Rumor mulai mengharapkan timbulnya "acara musik" baru. Ternyata tampilannya bertema side party. Terkadang eksposisi dapat didahului dengan pendahuluan. Dan setelah bagian samping, baik kesimpulan kecil terdengar, atau keseluruhan bagian terakhir, seringkali dengan tema independen. Beginilah eksposisi berakhir, memperbaiki nada bagian samping. Atas arahan komposer, seluruh eksposisi dapat diulang. Pengembangan - bagian kedua dari bentuk sonata. Di dalamnya, topik yang akrab dari eksposisi muncul dalam versi baru, bergantian dengan cara yang berbeda, dan dibandingkan. Interaksi semacam itu seringkali tidak melibatkan seluruh tema, tetapi motif dan frasa yang diisolasi darinya. Artinya, topik dalam pengembangan seolah-olah dibagi menjadi elemen-elemen terpisah, mengungkapkan energi yang terkandung di dalamnya. Dalam hal ini, sering terjadi pergantian kunci (kunci utama jarang terpengaruh di sini dan tidak lama). Tampil dalam kunci yang berbeda, tema dan elemennya tampak diterangi dengan cara baru, ditampilkan dari sudut pandang baru. Setelah perkembangan dalam perkembangan mencapai ketegangan yang signifikan pada klimaksnya, arahnya berubah arah. Di akhir bagian ini, kembali ke kunci utama sedang disiapkan, ada pergantian ke reprise. Reprise adalah bagian ketiga dari bentuk sonata. Itu dimulai dengan kembalinya bagian utama di kunci utama. Bagian penghubung tidak mengarah ke kunci baru. Sebaliknya, ini memperbaiki kunci utama, di mana bagian sekunder dan terakhir sekarang diulang. Jadi reprise, dengan stabilitas tonalnya, menyeimbangkan sifat perkembangan yang tidak stabil dan memberikan harmoni klasik secara keseluruhan. Reprise terkadang dapat dilengkapi dengan konstruksi akhir - coda (berasal dari kata Latin yang berarti "ekor"). Jadi, saat fugue berbunyi, perhatian kita tertuju pada mendengarkan, berpikir dan merasakan menjadi satu ide musik yang diwujudkan dalam satu tema. Ketika sebuah karya terdengar dalam bentuk sonata, pendengaran kita mengikuti perbandingan dan interaksi dua tema utama (dan pelengkap) - seolah mengikuti perkembangan berbagai acara musik, aksi musik. Inilah perbedaan utama antara kemungkinan artistik dari kedua bentuk musik ini. Siklus sonata klasik (sonata-simfoni). Kira-kira pada sepertiga terakhir abad ke-18, siklus sonata klasik akhirnya terbentuk dalam musik. Sebelumnya, karya instrumental didominasi oleh bentuk suite, di mana bagian lambat dan cepat bergantian, dan dekat dengan bentuk sonata lama. Sekarang, dalam siklus sonata klasik, jumlah bagian (biasanya tiga atau empat) telah ditentukan dengan tepat, tetapi isinya menjadi lebih rumit. Gerakan pertama biasanya ditulis dalam bentuk sonata, yang telah dibahas pada paragraf sebelumnya. Dia pergi cepat atau sedang langkah cepat. Paling sering itu adalah A11eggo. Karena itu, gerakan seperti itu biasa disebut sonata allegro. Musik di dalamnya seringkali berkarakter energik, efektif, seringkali menegangkan, dramatis. Gerakan kedua selalu kontras dengan gerakan pertama dalam tempo dan karakter umum. Seringkali lambat, paling liris dan merdu. Tapi bisa juga berbeda, misalnya mirip dengan narasi yang lambat atau anggun menari Dalam siklus tiga bagian, bagian terakhir, bagian ketiga, final kembali cepat, biasanya lebih cepat, tetapi perkembangannya kurang intens secara internal dibandingkan ke yang pertama. Bagian akhir dari siklus sonata klasik (terutama simfoni) sering kali melukiskan gambaran kesenangan pesta yang ramai, dan temanya dekat dengan lagu dan tarian daerah. Dalam hal ini, bentuk rondo sering digunakan (dari bahasa Prancis "ronde" - "lingkaran"). Seperti yang Anda ketahui, bagian pertama di sini (refrain) diulangi beberapa kali, bergantian dengan bagian baru (episode). 21 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia opera pertamanya? 3. Jam berapa gaya klasik berkembang dan sampai jam berapa gaya klasik mendominasi musik? Jelaskan perbedaan antara dua definisi "klasik". 4. Apa persamaannya konstruksi umum antara bentuk fugue dan sonata? Dan apa perbedaan utama di antara mereka? 5. Sebutkan bagian utama dan tambahan dari bentuk sonata. Gambar diagramnya. 6. Bagaimana bagian utama dan samping dari bentuk sonata berkorelasi satu sama lain dalam eksposisi dan pengulangannya? 7. Apa ciri khas perkembangan dalam bentuk sonata? 8. Jelaskan bagian-bagian dari siklus sonata klasik. 9. Sebutkan jenis utama siklus sonata klasik tergantung pada komposisi pemainnya. Semua ini membedakan banyak final dari siklus empat bagian. Namun di dalamnya, di antara bagian ekstrim (pertama dan keempat), ditempatkan dua bagian tengah. Satu - lambat - dalam sebuah simfoni biasanya yang kedua, dan di kuartet - yang ketiga. Gerakan ketiga simfoni klasik abad ke-18 adalah Minuet, yang menempati posisi kedua dalam kuartet. Jadi, kami menyebutkan kata "sonata", "kuartet", "simfoni". Perbedaan antara siklus ini tergantung pada komposisi pemainnya. Sebuah tempat khusus milik simfoni - sebuah karya untuk orkestra, yang dirancang untuk terdengar di ruangan besar di depan banyak pendengar. Dalam pengertian ini, konser dekat dengan simfoni - komposisi tiga gerakan untuk instrumen solo dengan iringan orkestra. Siklus instrumen kamar yang paling umum adalah sonata (untuk satu atau dua instrumen), trio (untuk tiga instrumen), kuartet (untuk empat instrumen), kwintet (untuk lima instrumen)19. Bentuk sonata dan siklus simfoni sonata, seperti seluruh gaya klasik dalam musik, dibentuk pada abad ke-18, yang disebut "zaman Pencerahan" (atau "Zaman Pencerahan"), serta "zaman Pencerahan". dari Alasan”. Di abad ini, terutama di paruh kedua, perwakilan dari apa yang disebut "negara ketiga" dinominasikan di banyak negara Eropa. Ini adalah orang-orang yang tidak memiliki gelar bangsawan atau gelar spiritual. Mereka berutang kesuksesan mereka pada pekerjaan dan inisiatif mereka sendiri. Mereka memproklamasikan cita-cita "manusia alami", yang diberkahi dengan energi kreatif, pikiran yang cerah, dan perasaan yang dalam oleh alam itu sendiri. Cita-cita demokrasi yang optimis ini tercermin dengan caranya sendiri melalui musik dan bentuk seni dan sastra lainnya. Misalnya, kemenangan pikiran manusia dan tangan yang tak kenal lelah di awal Pencerahan dimuliakan oleh novel terkenal karya penulis Inggris Daniel Defoe yang diterbitkan pada tahun 1719, The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe. Joseph Haydn 1732-1809 Gaya musik klasik mencapai kedewasaan dan berkembang dalam karya-karya Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart dan Ludwig van Beethoven. Kehidupan dan pekerjaan mereka masing-masing menghabiskan waktu lama di Wina, ibu kota Austria. Oleh karena itu, Haydn, Mozart, dan Beethoven disebut sebagai karya klasik Wina. Austria adalah kerajaan multinasional. Di dalamnya, bersama dengan orang Austria, yang bahasa ibunya adalah bahasa Jerman, tinggal orang Hongaria dan berbagai bangsa Slavia, termasuk Ceko, Serbia, Kroasia. Lagu mereka dan Pertanyaan dan tugas 1 . Sebutkan varietas nasional opera komik Abad XVIII. Apa perbedaan antara konstruksi opera buffa Italia dan konstruksi opera komik Prancis? 2. Dengan negara dan kota apa aktivitas pembaru opera besar Christoph Willibald Gluck terhubung? Pada plot apa dia menulis Nama-nama siklus instrumental ansambel kamar lainnya - sextet (6), septet (7), octet (8), nonet (9), decimet (10). Definisi "musik kamar" berasal dari kata Italia "kamera" - "kamar". Hingga abad ke-19, gubahan beberapa alat musik sering dimainkan di rumah, artinya dipahami sebagai “musik kamar”. 19 22 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang melodi seni tari Rusia dapat didengar baik di desa maupun di kota. Di Wina, musik rakyat terdengar di mana-mana - di tengah dan di pinggiran, di persimpangan jalan, di taman dan taman umum, di restoran dan pub, di rumah pribadi kaya dan miskin. Wina juga merupakan pusat utama budaya musik profesional, berpusat di sekitar istana kekaisaran, kapel bangsawan 1 dan salon aristokrat, katedral, dan gereja. Opera seria Italia telah lama dibudidayakan di ibu kota Austria, di sini, seperti yang telah disebutkan, Gluck memulai reformasi operanya. Musik berlimpah mengiringi pesta istana. Tetapi orang-orang Wina dengan rela menghadiri pertunjukan lelucon lucu dengan musik, dari mana singshpil lahir, dan mereka sangat suka menari. Dari tiga Wina besar musik klasik Haydn adalah yang tertua. Dia berusia 24 tahun saat Mozart lahir dan 38 tahun saat Beethoven lahir. Haydn berumur panjang. Dia selamat dari Mozart, yang meninggal lebih awal, hampir dua dekade dan masih hidup ketika Beethoven telah menciptakan sebagian besar karya dewasanya. Untuk teater pangeran pribadi, ia menulis lebih dari dua lusin opera dalam genre seria, buffa, serta beberapa opera "boneka" untuk pertunjukan yang dimainkan oleh wayang. Tetapi bidang minat dan pencapaian kreatif utamanya adalah musik instrumental simfoni dan kamar2. Total lebih dari 800 komposisi3. Diantaranya, lebih dari 100 simfoni, lebih dari 80 kuartet gesek, dan lebih dari 60 sonata clavier sangat penting. Dalam sampel dewasa mereka dengan kelengkapan, kecerahan, dan orisinalitas terbesar, pandangan dunia yang optimis dari komposer Austria yang hebat terungkap. Hanya terkadang sikap ceria ini dipicu oleh suasana hati yang lebih suram. Mereka selalu diliputi oleh kecintaan Haydn yang tiada habisnya pada kehidupan, pengamatan yang tajam, humor yang ceria, sederhana, sehat, dan pada saat yang sama persepsi puitis tentang realitas di sekitarnya. Jalan hidup Anak usia dini. Rorau dan Hainburg. Franz Joseph Haydn lahir pada tahun 1732 di desa Rorau, yang terletak di timur Austria, dekat perbatasan Hongaria dan tidak jauh dari Wina. Ayah Haydn adalah seorang kusir yang terampil, ibunya bekerja sebagai juru masak di perkebunan bangsawan, pemilik Rorau. Putra sulungnya Josef, yang akrab dipanggil Zepperl dalam keluarga, orang tuanya sejak dini mulai membiasakannya dengan ketekunan, ketelitian, kebersihan. Ayah Haydn sama sekali tidak mengenal musik, tetapi dia suka menyanyi, mengiringi dirinya sendiri dengan harpa, terutama saat bermain harpa. para tamu berkumpul di sebuah rumah kecil. Zepperl bernyanyi bersama dengan suara keperakan yang jernih, memperlihatkan telinga yang luar biasa untuk musik. Dan ketika bocah itu baru berusia lima tahun, dia dikirim ke kota tetangga Hainburg ke seorang kerabat jauh yang memimpin sekolah gereja dan paduan suara. Di Hainburg, Sepperl belajar membaca, menulis, berhitung, bernyanyi dalam paduan suara, dan juga mulai menguasai keterampilan memainkan clavichord dan biola. Namun tidak mudah baginya untuk hidup dalam keluarga yang asing. Bertahun-tahun kemudian, dia ingat bahwa dia kemudian menerima "lebih banyak pengocok daripada makanan". Begitu Zepperl sampai di Hainburg, dia diperintahkan untuk belajar menabuh timpani untuk mengikuti prosesi gereja yang sama dengan musik. Bocah itu mengambil saringan, menarik selembar kain di atasnya, dan mulai berolahraga dengan rajin. Dia berhasil menyelesaikan tugasnya. Hanya saat mengatur prosesi barulah mereka harus menggantung alat musik di punggung orang yang sangat pendek. Dan dia bungkuk, yang menyebabkan tawa dari penonton. Di kapel Katedral St. Stephen di Wina. Setelah mengunjungi Hainburg, kepala band katedral Wina dan komposer istana Georg Reuter menarik perhatian pada kemampuan musiknya yang luar biasa, Haydn adalah seorang penganut yang tulus. Dia adalah penulis sejumlah massa dan karya vokal dan instrumental lainnya berdasarkan teks spiritual. 23 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Zepperl. Jadi pada tahun 1740, Haydn yang berusia delapan tahun menemukan dirinya di ibu kota Austria, di mana dia diterima sebagai penyanyi paduan suara di kapel katedral (utama) Katedral St. melakukannya sendiri. Awal yang sulit dari kehidupan mandiri. Ketika, pada usia delapan belas tahun, suara pemuda itu mulai pecah - untuk sementara menjadi serak dan kehilangan kelenturan, dia dengan kasar dan kejam diusir dari kapel. Menemukan dirinya sendiri tanpa tempat berlindung dan dana, dia bisa mati kelaparan dan kedinginan jika dia tidak dilindungi selama beberapa waktu oleh seorang penyanyi yang akrab yang tinggal bersama istri dan anaknya di sebuah kamar kecil di bawah atap. Haydn mulai mengerjakan karya musik apa pun yang muncul: dia menyalin not, memberikan pelajaran sen dalam menyanyi, memainkan clavier, berpartisipasi sebagai pemain biola dalam ansambel instrumental Street yang menampilkan serenade di malam hari untuk menghormati salah satu penduduk kota. Akhirnya, dia bisa menyewa kamar kecil di lantai enam dan lantai terakhir sebuah rumah di tengah kota Wina. Ruangan itu tertiup angin, tidak ada kompor di dalamnya, di musim dingin airnya sering membeku. Haydn hidup dalam keadaan sulit selama sepuluh tahun. Tapi dia tidak berkecil hati dan dengan antusias terlibat dalam seni favoritnya. “Ketika saya duduk di clavier lama saya yang dimakan cacing,” kenangnya di masa tuanya, “Saya tidak iri dengan kebahagiaan raja mana pun.” Haydn dibantu untuk mengatasi kesulitan sehari-hari dengan karakternya yang lincah dan ceria. Suatu kali, misalnya, pada malam hari dia menempatkan sesama musisi di sudut-sudut terpencil di salah satu jalan di Wina, dan atas isyaratnya, semua orang memainkan apa yang dia suka. Hasilnya adalah "konser kucing" yang membuat heboh warga sekitar. Dua musisi berakhir di polisi, tetapi penghasut "serenade" yang memalukan itu tidak diekstradisi. Berkenalan dengan aktor komik populer, Haydn bekerja sama dengannya menggubah singspiel "The Lame Demon" dan mendapatkan sedikit uang , melayaninya sebagai bujang. Lambat laun, Haydn mulai mendapatkan ketenaran di Wina baik sebagai guru maupun sebagai komposer. Dia bertemu orang-orang terkenal; pemusik dan pecinta musik. Di rumah seorang pejabat terkemuka, ia mulai berpartisipasi dalam pertunjukan ansambel kamar dan menciptakan kuartet gesek pertamanya untuk konser di tanah pedesaannya. Dan Haydn menulis simfoni pertamanya pada tahun 1759, ketika dia menerima orkestra kecil yang dimilikinya, menjadi kepala kapel Count Morzin. Hitungannya hanya menyimpan musisi yang belum menikah. Haydn, yang menikahi putri seorang penata rambut Wina, terpaksa merahasiakannya. Tetapi ini berlanjut hanya sampai tahun 1760, ketika di Wina, sebuah kota besar yang indah dengan bangunan-bangunan megah dan ansambel arsitektur, gelombang kesan baru yang hidup menyapu bocah itu. Musik rakyat multinasional terdengar di sekitar. Di katedral dan di istana kekaisaran, tempat paduan suara juga tampil, karya vokal dan instrumental yang khusyuk dipertunjukkan. Namun kondisi keberadaannya ternyata sulit lagi. Di kelas, latihan dan pertunjukan, anak-anak paduan suara sangat lelah. Mereka diberi makan dengan buruk, mereka selalu setengah kelaparan. Mereka dihukum berat karena lelucon mereka. Little Haydn terus rajin mempelajari seni menyanyi, memainkan clavier dan biola, dan dia sangat ingin menggubah musik. Namun, Reuter tidak memperhatikan hal ini. Terlalu sibuk dengan urusannya sendiri, selama sembilan tahun Haydn tinggal di kapel, dia hanya memberinya dua pelajaran komposisi. Tapi Josef mengejar tujuannya dengan keras kepala, rajin.Beberapa tahun kemudian dia menulis singspiel lain berjudul "The New Lame Imp". 20 24 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia, urusan material count terguncang dan dia membubarkan kapelnya. Pernikahan Haydn tidak berhasil. Orang pilihannya dibedakan oleh karakter yang berat dan pemarah. Dia sama sekali tidak tertarik dengan urusan mengarang suaminya - sampai-sampai dia membuat papillotte dan pelapis untuk pate dari manuskrip gubahannya. Beberapa tahun kemudian, Haydn mulai hidup terpisah dari istrinya. Mereka tidak punya anak. Di kapel pangeran Esterhazy. Pada 1761 seorang Hongaria yang kaya; Pangeran Pal Antal Esterhazy mengundang Haydn ke Eisenstadt sebagai wakil kapellmeister. Sejak saat itu, pelayanan Haydn dengan keluarga Esterhazy dimulai, yang berlangsung selama tiga dekade penuh. Lima tahun kemudian, dia menjadi bandmaster - setelah musisi tua yang memegang posisi ini meninggal dunia. pewaris Pala Antal, yang meninggal pada tahun 1762, dibedakan oleh komitmennya pada kemewahan dan hiburan mahal, saudaranya Myklosh 1, yang dijuluki Yang Agung. Beberapa tahun kemudian, dia memindahkan kediamannya dari Eisenstadt ke istana pedesaan baru dengan 126 kamar, mengelilinginya dengan taman besar, dan membangun Teater Opera untuk 400 kursi dan teater boneka, secara signifikan meningkatkan jumlah musisi di kapel. Bekerja di dalamnya memberi Haydn dukungan finansial yang baik, dan sebagai tambahan - kesempatan untuk banyak mengarang dan segera menguji dirinya sendiri dalam latihan, mengarahkan penampilan orkestra dari karya barunya. Di Esterhaz (sebutan untuk kediaman pangeran yang baru), resepsi yang ramai sering diadakan, seringkali dengan partisipasi tamu asing berpangkat tinggi. Berkat ini, karya Haydn lambat laun dikenal di luar Austria. Tapi dalam semua ini, seperti yang mereka katakan, ada sisi lain dari koin. Ketika dia memasuki layanan, Haydn menandatangani kontrak, yang dengannya dia menjadi semacam pelayan musik. Dia harus muncul setiap hari, sebelum dan sesudah makan malam, di depan Istana dengan rambut palsu dan stoking putih, untuk mendengarkan perintah sang pangeran. Kontrak tersebut mewajibkan Haydn untuk segera menulis "musik apa pun yang diinginkan Yang Mulia, tidak menunjukkan komposisi baru kepada siapa pun, dan terlebih lagi tidak mengizinkan siapa pun menghapusnya, tetapi menyimpannya semata-mata untuk ketuhanannya dan tanpa sepengetahuan dan kebaikannya. izin untuk tidak menulis apa pun untuk siapa pun". Selain itu, Haydn diharuskan untuk menjaga ketertiban di kapel dan perilaku musisi, memberikan pelajaran kepada penyanyi, dan bertanggung jawab atas keamanan instrumen dan not. Dia tidak tinggal di istana, tapi di desa tetangga, di sebuah rumah kecil. Dari Eisenstadt, istana pangeran biasa pindah ke Wina pada musim dingin. Dan dari Esterhazy, Haydn hanya bisa masuk ke ibu kota sesekali dengan pangeran atau dengan izin khusus. Selama bertahun-tahun dihabiskan di Eisenstadt dan Esterhase, Haydn berubah dari seorang musisi pemula menjadi seorang komposer hebat, yang karyanya mencapai kesempurnaan artistik yang tinggi dan diakui tidak hanya di Austria, tetapi juga jauh melampaui perbatasannya. Jadi, enam "Paris Symphonies" (No. 82-87) ditulis olehnya atas perintah dari ibu kota Prancis, di mana mereka terdengar sukses pada tahun 1786. Pertemuan Haydn dengan Wolfgang Amadeus Mozart di Wina dimulai pada tahun 1780-an. Pemulihan hubungan yang bersahabat memiliki efek menguntungkan pada karya kedua musisi hebat tersebut. Seiring waktu, Haydn semakin sadar akan posisinya yang bergantung. Dalam suratnya kepada teman-teman dari Esterhazy di Wina, yang ditulis pada paruh pertama tahun 1790, terdapat ungkapan seperti: “Sekarang - saya duduk di hutan belantara saya - ditinggalkan - seperti anak yatim piatu yang malang - hampir tanpa ditemani orang - sedih .. Pangeran terakhir Esterhazy memiliki perkebunan yang luas, memiliki banyak pelayan dan menjalani kehidupan kerajaan di istana mereka. Khusus 25 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Saya tidak tahu selama berhari-hari apakah saya seorang pemimpin band atau pemimpin band... Menyedihkan menjadi budak sepanjang waktu...» Giliran baru di takdir. Perjalanan ke Inggris. Miklós Esterházy meninggal pada musim gugur tahun 1790. Dia adalah pencinta musik yang tercerahkan, memainkan alat musik gesek dan tidak bisa tidak menghargai dengan caranya sendiri "pelayan musik" seperti Haydn. Pangeran mewariskannya pensiun seumur hidup yang besar. Pewaris Miklos Antal, acuh tak acuh terhadap musik, membubarkan kapel. Tetapi berharap komposer terkenal itu terus menjadi kepala band istananya, dia bahkan meningkatkan pembayaran tunai kepada Haydn, yang, dengan demikian, dibebaskan dari tugas resmi dan dapat sepenuhnya mengatur dirinya sendiri. Haydn pindah ke Wina dengan niat untuk menggubah musik, dan pada awalnya menolak tawaran untuk mengunjungi negara lain. Namun kemudian dia menyetujui tawaran untuk melakukan perjalanan jauh ke Inggris dan pada awal tahun 1791 tiba di London. Maka, menjelang ulang tahunnya yang keenam puluh, Haydn melihat laut untuk pertama kalinya dengan matanya sendiri dan untuk pertama kalinya menemukan dirinya berada di negara bagian lain. Tidak seperti Austria, yang masih feodal-aristokrat dalam caranya, Inggris telah lama menjadi negara borjuis, dan kehidupan sosial, termasuk musik, di London sangat berbeda dari Wina. Di London, kota besar dengan banyak perusahaan industri dan komersial, konser berlaku bukan untuk orang-orang terpilih yang diundang ke istana dan salon bangsawan, tetapi diselenggarakan di aula publik, di mana setiap orang datang dengan bayaran. Nama Haydn di Inggris sudah dikelilingi oleh halo kemuliaan. DAN musisi terkenal , dan orang-orang berpangkat tinggi memperlakukannya tidak hanya sederajat, tetapi juga dengan rasa hormat khusus. Karya-karya barunya, di mana ia bertindak sebagai konduktor, disambut dengan antusias dan dibayar dengan murah hati. Haydn memimpin orkestra besar yang terdiri dari 40-50 orang, dua kali ukuran kapel Esterhazy. Universitas Oxford menganugerahinya gelar Doktor Musik kehormatan. Haydn kembali ke Wina satu setengah tahun kemudian. Dalam perjalanan dia mengunjungi kota Bonn di Jerman. Di sana dia pertama kali bertemu dengan Ludwig van Beethoven muda, yang segera pindah ke Wina dengan tujuan untuk belajar dengan Haydn. Tapi Beethoven tidak lama mengambil pelajaran darinya. Dua jenius musik, terlalu berbeda dalam usia dan temperamen, tidak menemukan saling pengertian yang nyata saat itu. Namun, Beethoven mendedikasikan tiga sonata pianonya (No. 1-3) untuk Haydn selama publikasi. Perjalanan kedua Haydn ke Inggris dimulai pada 1794 dan berlangsung bahkan lebih dari satu setengah tahun. Sukses kembali berjaya. Dari sekian banyak karya yang tercipta; selama perjalanan ini dan sehubungan dengan mereka, dua belas apa yang disebut "Simfoni London" sangat penting. Tahun-tahun terakhir kehidupan dan kreativitas. Pangeran Esterházy berikutnya, Miklós II, lebih tertarik pada musik daripada pendahulunya. Oleh karena itu, Haydn terkadang mulai lari dari Wina ke Eisenstadt dan menulis beberapa massa atas perintah pangeran. Karya utama komposer beberapa tahun terakhir - dua oratorio monumental "The Creation of the World" dan "The Seasons" - dipentaskan di Wina dengan sukses besar (satu pada 1799, yang lain pada 1801). Penggambaran kekacauan kuno, dari mana dunia kemudian muncul, penciptaan Bumi, kelahiran kehidupan di Bumi dan penciptaan manusia - begitulah isi oratorio pertama ini. Empat bagian dari oratorio kedua ("Musim Semi", "Musim Panas", "Musim Gugur", "Musim Dingin") terdiri dari sketsa musik alam pedesaan dan kehidupan petani yang ditujukan dengan baik. 26 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Setelah 1803, Haydn tidak menulis apa pun. Dia diam-diam menjalani hidupnya, dikelilingi oleh kemuliaan dan kehormatan. Haydn meninggal pada musim semi 1809, pada puncak Perang Napoleon, ketika Prancis memasuki Wina. cello dan bass ganda. Kelompok alat musik tiup kayu terdiri dari seruling, obo, klarinet, dan bassoon 21. Kelompok alat musik kuningan Haydn dibentuk oleh terompet dan terompet, dan dia hanya menggunakan timpani dari alat musik perkusi dan hanya di Simfoni London kedua belas yang terakhir dia menambahkan segitiga , simbal dan drum. Soal dan tugas 1 . Apa tiga komposer hebat yang disebut musik klasik Wina? Apa yang menjelaskan definisi seperti itu? 2. Ceritakan tentang kehidupan musik Wina pada abad ke-18. 3. Apa yang utama genre musik dalam karya Haydn. 4. Di mana dan bagaimana masa kecil dan masa muda Haydn berlalu? 5. Bagaimana Haydn memulai perjalanan mandirinya? 6..Bagaimana kehidupan dan pekerjaan Haydn berlangsung selama pelayanannya di kapel pangeran Esterhazy? 7. Ceritakan tentang perjalanan Haydn ke Inggris dan tahun-tahun terakhir hidupnya. Kreativitas simfoni Ketika Haydn menulis simfoni pertamanya pada tahun 1759, banyak karya bergenre ini sudah ada dan terus diciptakan. Mereka muncul di Italia, Jerman, Austria, dan negara-negara Eropa lainnya. Pada pertengahan abad ke-18, misalnya, simfoni yang digubah dan dipertunjukkan di kota Mannheim, Jerman, yang memiliki orkestra terbaik saat itu, mendapatkan ketenaran umum. Di antara para komposer yang disebut "sekolah Mannheim" ada banyak orang Ceko. Salah satu nenek moyang simfoni adalah overture opera Italia tiga bagian (dengan rasio bagian sesuai tempo: "cepat-lambat-cepat".). Pada simfoni awal ("pra-klasik"), jalan menuju simfoni klasik masa depan masih mengaspal, yang ciri khasnya adalah pentingnya konten figuratif dan kesempurnaan bentuk. Mengambil jalan ini, Haydn sampai pada simfoni dewasanya di tahun 1780-an. Dan pada saat yang sama, simfoni dewasa dari Mozart yang masih sangat muda muncul, dengan luar biasa cepat naik ke puncak penguasaan artistik. Haydn menciptakan London Symphonies, yang memahkotai pencapaiannya dalam genre ini, setelah kematian Mozart sebelum waktunya, yang sangat mengejutkannya. Dalam simfoni dewasa Haydn, komposisi tipikal dari siklus empat gerakan berikut ini ditetapkan: sonata allegro, slow movement, minuet, dan finale (biasanya dalam bentuk rondo atau sonata allegro). Pada saat yang sama, komposisi klasik orkestra dari empat kelompok instrumen ditentukan dalam fitur utamanya. Grup terkemuka - string. Ini termasuk biola, biola, Haydn tidak selalu menggunakan klarinet. Bahkan di London Symphonies-nya, mereka hanya muncul di lima (dari dua belas). 21 27 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Simfoni ini dikenal dengan nama "Militer". Ada juga nama untuk beberapa simfoni Haydn lainnya. Dalam kebanyakan kasus, mereka tidak diberikan oleh komposernya sendiri dan menandai hanya satu detail, seringkali bergambar, misalnya, tiruan decak di bagian lambat simfoni "Ayam" atau "berdetak" - di bagian lambat simfoni " Jam". Sebuah cerita khusus dikaitkan dengan simfoni di F-sharp minor, yang diberi nama "Perpisahan". Ini memiliki bagian kelima tambahan (lebih tepatnya, Adagio dari tipe coda). Selama pertunjukannya, satu per satu anggota orkestra memadamkan lilin di konsol mereka, mengambil instrumen mereka dan pergi. Hanya tersisa dua pemain biola, yang diam-diam dan sedih memainkan bar terakhir dan juga pergi. Ada penjelasan berikut untuk ini. Seolah-olah suatu kali di musim panas, Pangeran Miklos I menunda para musisi kapelnya di Esterhaz lebih lama dari biasanya. Dan mereka ingin berlibur secepatnya agar bisa bertemu dengan keluarga mereka yang tinggal di Eisenstadt. Dan final kedua yang tidak biasa dari Farewell Symphony berfungsi sebagai petunjuk dari keadaan ini. Selain simfoni, Haydn memiliki banyak karya lain untuk orkestra, termasuk lebih dari seratus minuet individu. Dan tiba-tiba semuanya berubah dengan gembira: eksposisi sonata allegro dimulai. Alih-alih tempo lambat - cepat (Allegro con spirito - "Cepat, dengan antusias"), alih-alih unison bass yang berat - motif pertama dari tema tarian bagian utama yang bergerak, ceria dan ceria, lahir dari suara G yang sama dan A-flat dalam register tinggi. Semua motif dari tema ini, yang dinyatakan dalam kunci utama, dimulai dengan pengulangan bunyi pertama - seolah-olah dengan menginjak-injak dengan kuat: Simfoni dalam E-flat mayor Ini adalah yang kesebelas dari dua belas "Simfoni London" Haydn. Kunci utamanya adalah E-flat mayor. Ini dikenal sebagai "simfoni tremolo timpani" 22. Simfoni ini terdiri dari empat gerakan. Bagian pertama dimulai dengan pengenalan yang lambat. Tremolo ("fraksi") dari timpani yang disetel ke tonik terdengar lembut. Itu seperti gulungan guntur yang jauh. Kemudian tema pendahuluan terungkap dalam "tepian" lebar yang mulus. Pertama, dimainkan dalam oktaf serempak dengan cello, double bass dan bassoon. Sepertinya beberapa bayangan misterius diam-diam mengambang, terkadang berhenti. Di sini mereka ragu-ragu dan membeku: pada langkah terakhir pendahuluan, serempak bergantian beberapa kali pada suara tetangga G dan A-flat, memaksa telinga untuk berharap - apa yang akan terjadi selanjutnya? Tema ini diulangi dua kali oleh alat musik gesek piano, dilengkapi dengan raungan liar keseruan menari, yang terdengar ahli di seluruh orkestra. Gemuruh ini dengan cepat berlalu, dan sedikit misteri muncul lagi di bagian penghubung. Stabilitas nada rusak. Ada modulasi di B-flat mayor (dominan E-flat mayor) - kunci bagian samping. Tidak ada tema baru di bagian penghubung, tetapi motif asli dari tema Timpani terdengar - belahan dengan kulit terentang di atasnya, yang dipukul dengan dua tongkat. Setiap belahan bumi hanya dapat menghasilkan bunyi satu nada. Simfoni klasik biasanya menggunakan dua belahan yang disetel ke tonik dan dominan. 22 28 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia bagian utama dan pengingat jauh dari tema pengantar: Eksposisi diakhiri dengan penegasan kunci bagian samping (B-flat mayor). Eksposisi diulangi, dan pengembangan mengikuti. Itu jenuh dengan imitasi polifonik dan pengembangan motif tonal-harmonik yang diisolasi dari tema bagian utama. Tema permainan sampingan muncul menjelang akhir pengembangan. Itu dilakukan sepenuhnya dalam kunci D-flat mayor, jauh dari yang utama, yaitu, tampaknya, dalam cahaya baru yang tidak biasa. Dan suatu hari (setelah jeda umum dengan fermata) intonasi dari tema pengantar yang misterius juga muncul di bass. Perkembangannya terdengar dominan piano dan pianissimo, dan hanya sesekali - forte dan fortissimo dengan aksen sforzando terpisah. Ini meningkatkan kesan misteri. Motif dari tema pesta utama dalam perkembangannya terkadang menyerupai tarian yang aduhai. Dapat dibayangkan bahwa ini adalah tarian dari beberapa lampu misterius, terkadang berkedip terang. Dalam reprise di kunci E-flat mayor, tidak hanya bagian utama, tetapi juga bagian samping diulangi, dan pengikatnya dilewati. Beberapa misteri muncul dalam kode. Ini dimulai, seperti pendahuluan, dengan tempo Adagio, tremolo timpani yang tenang, dan gerakan serempak yang lambat. Namun tak lama kemudian, di akhir bagian pertama, tempo cepat, kemerduan yang nyaring, dan tarian ceria yang “menghentak” kembali. Bagian kedua dari simfoni - Andante - adalah variasi dari dua tema - lagu dalam C minor dan lagu berbaris dalam C mayor. Konstruksi dari apa yang disebut variasi ganda ini adalah sebagai berikut: tema pertama dan kedua diuraikan, kemudian diikuti: variasi pertama dari tema pertama, variasi pertama dari tema kedua, variasi kedua dari tema pertama, kedua variasi tema dan kode kedua, berdasarkan materi tema kedua. Hingga hari ini, para peneliti berdebat tentang kewarganegaraan dari topik pertama. Musisi Kroasia percaya bahwa dari segi fiturnya, dia adalah orang Kroasia lagu rakyat , dan Hongaria - bahwa ini adalah lagu Hongaria. Orang Serbia, Bulgaria, Polandia juga menemukan ciri nasional mereka di dalamnya. Sengketa ini tidak bisa diselesaikan dengan pasti, karena rekaman tema bagian samping seperti itu lagi-lagi menjadi tarian yang ceria. Tapi dibandingkan dengan partai utama, dia tidak begitu energik, tapi lebih anggun, feminin. Melodi terdengar pada biola dengan obo. Iringan waltz yang khas membawa tema ini lebih dekat ke pendarat - tarian Austria dan Jerman Selatan, salah satu nenek moyang waltz: 29 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia melodi kuno dan kata-katanya tidak ditemukan. Rupanya, ciri-ciri dari beberapa lagu Slavia dan Hongaria telah digabungkan di dalamnya; seperti itu, khususnya, adalah gerakan aneh untuk detik yang diperbesar (E-flat - fadiez): variasi dari tema kedua melanjutkan langkah berbaris heroik, dihiasi dengan bagian virtuoso - rahmat seruling. Dan dalam kode besar, perubahan tak terduga dalam perkembangan "acara musik" terjadi. Pertama, tema berbaris berubah menjadi suara yang lembut dan transparan. Kemudian motif yang diisolasi darinya dengan ritme titik-titik berkembang secara intensif. Hal ini menyebabkan munculnya nada suara E-flat mayor secara tiba-tiba, setelah itu bagian terakhir dari tema pawai terdengar cerah dan khusyuk dalam C mayor. Bagian ketiga dari simfoni - Minuet - awalnya menggabungkan gaya berjalan yang bermartabat dari tarian masyarakat kelas atas dengan lompatan lebar yang berubah-ubah dan sinkopasi dalam melodi: Nyanyian dan tema utama berbaris kedua. Berbeda dengan yang pertama, pada saat yang sama memiliki beberapa kesamaan dengannya - ketukan keempat, arah melodi yang naik dan turun dan langkah keempat yang ditinggikan (fadiez): Tema aneh ini dipicu oleh gerakan yang halus dan tenang di Trio - bagian tengah Minuet, terletak di antara bagian pertama dan pengulangan persisnya23: Eksposisi tema pertama dengan alat musik gesek piano dan pianissimo seperti narasi santai, seperti awal cerita tentang beberapa peristiwa yang tidak biasa. Yang pertama mungkin disajikan dengan presentasi yang tiba-tiba keras dari tema kedua berbaris, di mana alat musik tiup ditambahkan ke grup senar. Nada naratif dipertahankan dalam variasi pertama dari tema pertama. Tapi gema sedih dan waspada bergabung dengan suaranya. Pada variasi pertama dari tema kedua, biola solo mewarnai melodi dengan bagian-bagian berpola aneh. Pada variasi kedua dari tema pertama, narasinya tiba-tiba mengambil karakter yang ribut dan gelisah (semua instrumen digunakan, termasuk timpani). Yang kedua, Minuet (atau lebih tepatnya, bagiannya yang sangat aneh dalam hal karakternya) kontras dengan tema rakyat dan sehari-hari, di satu sisi, bagian pertama dan kedua dari simfoni, dan di sisi lain, itu terakhir, bagian keempat - penutup. Di sini, sebagaimana seharusnya dalam allegro sonata klasik, dalam eksposisi bagian utama disajikan dalam kunci utama E-flat mayor, bagian samping di kunci dominan B-flat mayor, dan dalam reprise keduanya mereka terdengar di jurusan E-flat. Namun, di bagian samping, untuk waktu yang lama, karya orkestra bagian tengah biasanya dibawakan oleh tiga instrumen. Dari sinilah nama "trio" berasal. 23 30 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia adalah topik yang sama sekali baru. Itu dibangun di atas bahan tema pesta utama. diproduksi dari kata Perancis "ronde", yang berarti "lingkaran" atau "tarian melingkar". Soal dan tugas 1 . Kapan Haydn dan Mozart datang untuk menggubah simfoni dewasa mereka? 2. Bagian apa yang biasanya terdiri dari simfoni Haydn? Sebutkan kelompok instrumen dalam orkestra Haydn. 3. Judul simfoni Haydn apa yang Anda ketahui? 4. Mengapa simfoni Haydn dalam E-flat mayor disebut "dengan tremolo atau Taurus"? Dimulai dari bagian apa? 5. Jelaskan tema utama bentuk sonata pada gerakan pertama simfoni ini. 6. Dalam bentuk apa dan pada topik apa bagian kedua dari simfoni itu ditulis? 7. Jelaskan topik utama dan bagian dari bagian ketiga. 8. Apa kekhasan korelasi antara tema bagian utama dan bagian samping di bagian akhir? Apa hubungan karakter musik pada gerakan pertama simfoni dan bagian akhirnya? Jadi, ternyata keseluruhan finale didasarkan pada satu tema. Sang komposer, seolah-olah dalam permainan yang rumit, benar-benar melanjutkan temanya, atau dengan terampil menggabungkan varian dan elemen individualnya. Dan dia menarik dalam dirinya sendiri. Bagaimanapun, dasar harmonik pertama kali muncul di dalamnya - yang disebut "gerakan emas" dari dua tanduk - sinyal khas dari tanduk berburu. Dan baru kemudian melodi tarian, yang mirip dengan lagu rakyat Kroasia, dilapiskan atas dasar ini. Ini dimulai dengan "menginjak" satu suara, dan kemudian motif ini diulangi berkali-kali, ditiru, berpindah dari satu suara ke suara lainnya. Ini mengingatkan pada motif pembuka tema utama gerakan pertama dan bagaimana perkembangannya di sana. Selain itu, sang komposer menunjukkan tempo yang sama di final - Allegro con spirito. Dengan demikian, di bagian akhir, unsur tarian rakyat yang ceria akhirnya berkuasa. Namun di sini ia memiliki karakter khusus - terlihat seperti tarian melingkar yang rumit, tarian kelompok yang menggabungkan tarian dengan lagu dan aksi permainan. Ini juga dikonfirmasi oleh fakta bahwa dalam eksposisi bagian utama diulang dua kali lagi di kunci utama - setelah episode transisi kecil dan setelah bagian samping. Artinya, sepertinya melanjutkan, membuat gerakan melingkar. Dan ini memperkenalkan ciri-ciri bentuk rondo ke dalam bentuk sonata. Kata "rondo", seperti yang telah disebutkan, kreativitas clavier Ketika Haydn menciptakan karya claviernya, piano secara bertahap menggantikan harpsichord dan clavichord dari latihan musik. Haydn menulis komposisi awalnya untuk instrumen keyboard kuno ini, dan pada edisi selanjutnya dia mulai menyebutkan "untuk harpsichord atau piano" dan, akhirnya, terkadang hanya "untuk piano". Di antara karya-karyanya yang lebih clavier, tempat terpenting adalah milik sonata solo. Sebelumnya, Haydn diyakini hanya memiliki 52. Namun kemudian, berkat pencarian para peneliti, jumlah ini meningkat menjadi 62. Yang paling terkenal adalah sonata dalam D mayor dan E minor24. Sonata in D Major Tema bagian utama, yang mengawali bagian pertama sonata ini, adalah tarian yang memercikkan kegembiraan dan keceriaan dengan lompatan oktaf nakal yang kekanak-kanakan, nada anggun, morden, dan pengulangan suara. Musik semacam itu juga dapat dibayangkan dimainkan dalam sebuah operebuffa: Pada edisi sebelumnya, sonata ini dicetak sebagai "No. 37" dan "No. 34", dan pada edisi selanjutnya sebagai "No. 50" dan "No. 53" . 24 31 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Tapi kemudian lompatan nakal dari bagian utama menembus ke pengembangan tema bagian samping, dan kemudian - bagian rewel Gerakan dari bagian penghubung. Itu menjadi lebih tegang, menyapu, dan tiba-tiba dengan cepat menjadi tenang - seolah-olah dengan keputusan seketika. Setelah itu, eksposisi diakhiri dengan pesta terakhir yang menari dengan santai. Sekali lagi ada banyak keributan yang hidup dalam pembangunan. Di sini oktaf melompat dari tema bagian utama, bergerak ke tangan kiri, menjadi lebih nakal, dan gerakan bagian mencapai ketegangan yang lebih besar dan cakupan yang lebih luas daripada pengembangan tema bagian sekunder dalam eksposisi. Dalam reprise, suara samping dan bagian terakhir di kunci utama (D mayor) dengan tegas menetapkan dominasi suasana hati yang gembira. Kontras terkuat dimasukkan ke dalam sonata oleh gerakan kedua yang singkat, yang karakternya lambat dan tertahan. Itu ditulis dengan kunci dengan nama yang sama di D minor. Tapak berat sarabande terdengar dalam musik - tarian kuno, sering kali mengambil karakter prosesi pemakaman. Dan dalam seruan melodi ekspresif dengan kembar tiga dan figur ritmis bertitik ada kesamaan dengan melodi sedih gipsi Hungaria: Bagian enam belas yang ceria dan cerewet mengisi bagian yang menghubungkan. Dan tema bagian samping (dalam kunci A mayor) juga dapat ditarikan, hanya lebih terkendali, anggun: 32 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Sonata di E Minor . Dia dengan rajin mempersiapkannya, tetapi kemudian tidak dapat melaksanakannya karena tugas resminya di Kapel Esterhazy. Mungkin saja impian perjalanan "luar negeri" yang jauh dan pengalaman yang terkait dengannya tercermin dalam sonata E minor yang muncul saat itu. Ini adalah satu-satunya dari sedikit sonata minor Haydn di mana pada gerakan pertama karakter liris yang diucapkan dipadukan dengan tempo yang sangat cepat. Tema dari bagian utama gerakan ini, yang dimulai dengan sonata, juga khas: Tetapi dalam seni optimis Haydn, gambaran kematian yang suram selalu dikalahkan oleh gambaran hidup yang cerah. Dan bagian kedua D minor dari sonata ini, yang tidak diakhiri dengan tonik, tetapi pada akord yang dominan, langsung melewati final D mayor yang terburu-buru 25. Final dibangun dalam bentuk rondo, di mana tema utamanya adalah refrein ( di kunci utama D mayor) - diulang tiga kali, dan di antara pengulangannya ada bagian yang berubah - episode: episode pertama di D minor, dan yang kedua - di G mayor. Di sini, hanya di episode pertama, di episode D minor, kenangan sedih lolos - gema di bagian tengah. Episode kedua, di G mayor, sudah ceria sembarangan dan mengarah ke "roll call" komik tangan kanan dan kiri pada nada yang sama. Dan tema utama terbang dan menari dari final (refrain rondo) adalah salah satu yang paling ceria dari Haydn: Frasa pembuka dari tema tersebut dibuat di sini dari kombinasi dua elemen. Di bass, di tangan kiri, piano bergerak dengan triad tonik minor - seperti panggilan untuk bergegas ke suatu tempat yang jauh. Dan tepat di sana, di tangan kanan, ikuti dengan gemetar, seolah-olah meragukan, motif-jawaban yang ragu-ragu. Gerakan umum temanya lembut, bergelombang, bergoyang. Selain itu, ukuran gerakan pertama - 6/8 - adalah tipikal dari genre barcarolle - "lagu di atas air"26. Di bagian penghubung, ada modulasi ke G mayor sejajar dengan E minor - kunci bagian samping dan akhir. Bagian penghubung dan terakhir, diisi dengan bagian yang bergerak dari keenam belas, membingkai bagian samping - ringan, melamun Hal ini ditunjukkan dengan kata Italia "attacca subito il Finale", yang berarti "segera memulai akhir". Awalnya, lagu para pendayung gondola Venesia disebut barcarolles. Nama genre itu sendiri berasal dari kata Italia "barca" - "perahu". 25 26 33 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia seolah membumbung tinggi: alam, dengan bunyi sinyal, seolah menyerukan perjalanan pulang, hati seolah mulai bangkit dalam kecemasan yang menggembirakan! Dan di sini, setelah transisi akor, tema utama dari gerakan ketiga (final) muncul. Ini adalah refrain dari bentuk rondo di mana Finale ditulis. Sepertinya lagu pengiring yang menginspirasi yang membantu untuk bergegas "dengan layar penuh" ke tanah air mereka: Jadi, skema bentuk rondo, di bagian akhir, adalah sebagai berikut: refrain (E minor), episode pertama (E mayor) , ulangi (E minor), episode kedua ( E mayor), ulangi (E minor). Kedua episode tersebut terhubung dengan refrain dan satu sama lain dengan afinitas melodi. Saat bagian penghubung, sekunder, dan terakhir berbunyi, imajinasi menarik gambar yang menggoda - betapa bebasnya angin sepoi-sepoi bertiup, betapa riangnya gerakan cepat yang dibawa ke depan. Selanjutnya, dalam pengembangan, dibangun di atas bahan bagian utama, penghubung dan bagian akhir, penyimpangan pada kunci minor berlaku. Pada bagian utama, bukan mayor, tetapi nada minor, bagian sekunder dan terakhir yang menjadi suara yang lebih luas dalam reprise. Namun demikian, kesedihan dan keraguan spiritual akhirnya dikalahkan dengan berjuang ke jarak yang tidak diketahui. Begitulah makna dari bar terakhir dari gerakan pertama, di mana awal yang memohon dari tema partai utama diulangi secara luar biasa. Bagian kedua dari sonata, lambat, dalam G mayor, adalah sejenis aria instrumental, dijiwai dengan suasana kontemplatif yang ringan. Warna terangnya penuh dengan gema kicauan burung, aliran bergumam: Pertanyaan dan tugas 1. Apa genre utamanya musik clavier Haydn. Berapa banyak sonata-nya yang diketahui? 2. Jelaskan bagian utama dari gerakan pertama sonata dalam D mayor. Apakah ada hubungan di bagian ini antara bagian utama dan samping? 3. Kontras apa yang dibawa gerakan kedua sonata dalam D mayor ke dalam musik? Apa hubungannya dengan final? 4. Ceritakan tentang ciri-ciri struktur dan sifat tema bagian utama sonata bagian pertama dalam E minor. Matang dan cirikan sisa topik dan bagian dari bagian ini. 5. Apa karakter gerakan kedua sonata di E minor? 6. Ceritakan tentang bentuk penutup sonata di E minor dan sifat tema utamanya. Karya utama Lebih dari 100 simfoni (104) Serangkaian konserto untuk berbagai instrumen dan orkestra Lebih dari 80 kuartet (untuk dua biola, viola dan cello) (83) 62 clavier sonata Penciptaan dan Musim oratorio 24 opera Aransemen lagu-lagu Skotlandia dan Irlandia Namun, tidak masalah betapa manisnya istirahat yang damai di suatu tempat yang jauh, di pangkuan 34 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia yang ditulis dalam banyak genre - simfoni, konser instrumental, berbagai ansambel kamar, sonata piano, Requiem untuk paduan suara, solois dan orkestra. Bakat fenomenal Mozart yang luar biasa awal dan berkembang pesat tercipta di sekitar namanya; halo dari "keajaiban musik" yang legendaris. Karakteristik cerah; dia diberikan sebagai artis yang diilhami oleh A. S. Pushkin dalam drama ("tragedi kecil") "Mozart dan Salieri". Menurutnya, opera dengan nama yang sama oleh N. A. Rimsky Korsakov ditulis 27. Mozart adalah komposer favorit P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Jalan Hidup Keluarga. Anak usia dini. Tempat kelahiran Wolfgang Amadeus Mozart, yang lahir pada Januari 1756, adalah kota Salzburg di Austria. Itu tersebar dengan indah di tepi perbukitan sungai Salzach yang cepat, yang mengalir di kaki timur pegunungan Alpen. Salzburg adalah ibu kota sebuah kerajaan kecil, yang penguasanya memiliki martabat spiritual seorang uskup agung. Ayah dari Wolfgang Amadeus, Leopold Mozart, melayani di kapelnya. Dia adalah seorang musisi yang serius dan berpendidikan tinggi - seorang komposer, pemain biola, organis, dan guru yang produktif. "Sekolah Bermain Biola" yang diterbitkannya didistribusikan di beberapa negara, termasuk Rusia. Dari tujuh anak Leopold dan istrinya Anna Maria, hanya dua yang selamat - putra bungsu Wolfgang Amadeus dan putri Maria Anna (Nannerl), yang lebih tua! saudara selama empat setengah tahun. Ketika ayahnya mulai mengajar Nannerl, yang memiliki kemampuan luar biasa, bermain harpsichord, dia segera mulai belajar dengan Wolfgang yang berusia tiga tahun, memperhatikan telinga terbaiknya dan ingatan musik yang luar biasa, selama empat tahun bocah itu telah mencoba melakukannya menggubah musik, dan karya harpsichord pertamanya yang masih hidup direkam oleh ayahnya, ketika penulisnya baru berusia lima tahun. Ada sebuah cerita tentang bagaimana Wolfgang yang berusia empat tahun mencoba membuat konser clavier. Bersama dengan pulpennya, dia mencelupkan jarinya ke dalam wadah tinta dan membubuhkan noda di atas kertas musik. Tidak ketika ayah saya mengintip ke dalam rekaman kekanak-kanakan ini, melalui noda dia menemukan makna musik yang tidak diragukan lagi di dalamnya. Salah satu jenius musik terbesar, komposer Austria Wolfgang Amadeus Mozart hidup sampai usia 35 tahun. Dari jumlah tersebut, ia menggubah musik selama tiga puluh tahun dan, meninggalkan warisan lebih dari 600 karya, memberikan kontribusi yang tak ternilai bagi dana emas seni dunia. Penilaian paling setia dan tertinggi atas hadiah kreatif Mozart selama masa hidupnya diberikan oleh sesepuh Joseph Haydn. “... Putramu,” dia pernah berkata kepada ayah dari Wolfgang Amadeus, “adalah komposer terhebat yang saya kenal secara pribadi dan namanya; dia memiliki selera, dan selain itu, pengetahuan terbesar dalam komposisi. Musik Haydn dan Mozart, yang disebut klasik Wina, memiliki kesamaan persepsi aktif-efektif yang optimis tentang dunia, kombinasi kesederhanaan dan kealamian dalam mengungkapkan perasaan dengan keagungan dan kedalaman puitisnya. Pada saat yang sama, ada perbedaan yang signifikan antara minat artistik mereka. Haydn lebih dekat dengan gambar folk-everyday dan liris-epik, dan dengan Mozart - sebenarnya liris dan liris-dramatis. Seni Mozart sangat menawan dengan kepekaannya terhadap pengalaman emosional seseorang, serta ketelitian dan keaktifan dalam perwujudan berbagai karakter manusia. Ini membuatnya menjadi komposer opera yang luar biasa. Opera-operanya, dan terutama The Marriage of Figaro, Don Giovanni dan The Magic Flute, telah menikmati kesuksesan yang tidak berubah selama abad ketiga, dipentaskan di panggung semua teater musikal. Salah satu tempat paling terhormat dalam repertoar konser dunia ditempati oleh karya Mozart Versi Salieri yang meracuni Mozart karena iri hati hanyalah sebuah legenda. Tchaikovsky mengatur empat potongan piano Mozart dan menyusun suite "Mozartiana" dari mereka. 27 28 35 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia akan menampilkan konser biola... bermain di keyboard ditutupi dengan sapu tangan serta jika itu di depan matanya, maka dari kejauhan dia akan menyebutkan semua suara yang satu per satu atau dalam akord akan dibawa ke clavier atau instrumen lain atau diterbitkan oleh benda - bel, gelas, jam. Pada akhirnya, dia akan berimprovisasi tidak hanya pada harpsichord, tetapi juga pada organ selama yang diinginkan penonton, dan pada kunci apa pun, bahkan yang paling sulit, yang mereka sebut dia ... ”Perjalanan konser pertama. Leopold Mozart memutuskan untuk mulai melakukan perjalanan konser ke pusat musik besar bersama anak-anaknya yang berbakat. Perjalanan pertama - ke kota Munich di Jerman - terjadi pada awal tahun 1762, ketika Wolfgang baru berusia enam tahun. Enam bulan kemudian, keluarga Mozart pergi ke Wina. Di sana, Wolfgang dan Nannerl tampil di istana kekaisaran, sukses besar, dan dihujani hadiah. Pada musim panas 1763 keluarga Mozart melakukan perjalanan besar ke Paris dan London. Tetapi pertama-tama mereka mengunjungi sejumlah kota di Jerman, dan dalam perjalanan kembali - lagi di Paris, juga di Amsterdam, Den Haag, Jenewa, dan beberapa kota lainnya. Penampilan Mozart kecil, terutama Wolfgang, menimbulkan kejutan dan kekaguman di mana-mana, bahkan di istana kerajaan yang paling megah sekalipun. Menurut kebiasaan pada masa itu, Wolfgang muncul di hadapan hadirin yang mulia dengan setelan hitam bersulam dan wig bubuk, tetapi pada saat yang sama ia berperilaku dengan spontanitas yang kekanak-kanakan, ia dapat, misalnya, berlutut ke permaisuri. . Konser yang berlangsung selama 4-5 jam berturut-turut sangat melelahkan bagi para musisi cilik, dan bagi publik berubah menjadi semacam hiburan. Inilah yang dikatakan di salah satu pengumuman: “... Seorang gadis di tahun kedua belas dan seorang anak laki-laki di tahun ketujuh akan memainkan konser di harpsichord ... Selain itu, anak laki-laki 36 www.classON.ru Children's pendidikan di bidang seni Rusia Tur konser berlanjut selama lebih dari tiga tahun dan membawa berbagai macam kesan kepada Wolfgang. Dia mendengar sejumlah besar instrumental dan karya vokal , bertemu dengan beberapa musisi luar biasa (di London - dengan putra bungsu Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Di sela-sela pertunjukan, Wolfgang dengan antusias mempelajari komposisi. Di Paris, empat sonata untuk biola dan harpsichordnya tidak dicetak lagi, menunjukkan bahwa ini adalah karya seorang bocah lelaki berusia tujuh tahun. Di London, dia menulis simfoni pertamanya. Kembali ke Salzburg dan tinggal di Wina. Opera pertama. Pada akhir tahun 1766 seluruh keluarga kembali ke Salzburg. Wolfgang mulai secara sistematis terlibat dalam teknik mengarang di bawah bimbingan ayahnya. Keluarga Mozart menghabiskan seluruh tahun 1768 di Wina. Di bawah kontrak dengan teater, Wolfgang yang berusia dua belas tahun menulis, mengikuti model Italia, opera penggemar The Imaginary Simple Girl dalam tiga bulan. Latihan dimulai, tetapi pertunjukan mulai ditunda dan kemudian dibatalkan sama sekali (mungkin karena intrik orang yang iri). Itu terjadi hanya tahun depan di Salzburg. Di Wina, Wolfgang juga menggubah banyak karya musik lainnya, termasuk lima simfoni, dan berhasil memimpin Misa khidmatnya pada konsekrasi sebuah gereja baru. Perjalanan ke Italia. Dari akhir 1769 hingga awal 1773, Wolfgang Amadeus melakukan tiga perjalanan jauh keliling Italia bersama ayahnya. Di "negeri musik" ini, Mozart muda tampil dengan sukses besar di lebih dari selusin kota, termasuk Roma, Napoli, Milan, Florence. Dia membawakan simfoninya, memainkan harpsichord, biola dan organ, mengimprovisasi sonata dan fugue pada tema tertentu, arias pada teks tertentu, memainkan karya sulit dari pandangan dengan sangat baik dan mengulanginya dengan kunci lain. Dua kali dia mengunjungi Bologna, di mana untuk beberapa waktu dia mengambil pelajaran dari guru terkenal - ahli teori dan komposer Padre Martini. Dengan gemilang setelah lulus ujian yang sulit (setelah menulis komposisi polifonik menggunakan teknik polifonik kompleks), Mozart yang berusia empat belas tahun terpilih sebagai anggota Akademi Filharmonik Bologna sebagai pengecualian khusus. Dan menurut piagam, hanya musisi yang telah mencapai usia dua puluh tahun dan dengan pengalaman tinggal awal di lembaga resmi ini yang diizinkan masuk. Di Roma, saat mengunjungi Kapel Sistina di Vatikan (kediaman kepausan) 29, Mozart pernah mendengar komposisi spiritual polifonik besar untuk dua paduan suara oleh komposer Italia abad ke-17 Gregorio Allegri. Karya ini dianggap milik Paus dan tidak boleh disalin atau disebarluaskan. Tetapi Mozart menuliskan seluruh skor paduan suara yang kompleks dari ingatan, dan penyanyi kepausan mengkonfirmasi keakuratan rekaman tersebut. Italia - negara yang hebat tidak hanya untuk musik, tetapi juga seni rupa dan arsitektur - memberi Mozart banyak kesan artistik. Dia sangat terpesona dengan mengunjungi gedung opera. Pemuda itu begitu menguasai gaya opera Italia sehingga dia menulis tiga opera dalam waktu singkat, yang kemudian dipentaskan dengan sukses besar di Milan. Ini adalah dua serial opera - "Mithridates, King of Pontus" dan "Lucius Sulla" - dan opera pastoral di plot mitologis "Ascanio in Alba"30. Perjalanan ke Wina, Munich, Mannheim, Paris. Terlepas dari kesuksesan kreatif dan konser yang brilian, Wolfgang Amadeus gagal mendapatkan layanan di pengadilan salah satu penguasa negara bagian Italia. Saya harus kembali ke Salzburg. Di sini, alih-alih mendiang uskup agung, seorang penguasa baru yang lebih lalim dan kasar memerintah. Menjadi lebih sulit bagi Mozart, yang melayaninya, untuk menerima cuti untuk perjalanan baru. Dan gedung opera, yang ingin dibuat oleh Mozart, tidak tersedia di Salzburg, dan peluang lain untuk aktivitas musik terbatas. Perjalanan ke Wina untuk kedua musisi tersebut hanya dimungkinkan berkat fakta bahwa Uskup Agung Salzburg sendiri ingin mengunjungi ibu kota Austria. Dengan enggan, dia juga memberikan izin kepada Mozart untuk bepergian; Munich, di mana penggemar opera baru dipentaskan komponis muda. Dan untuk perjalanan selanjutnya, hanya Wolfgang Amadeus yang berhasil mendapatkan izin dengan susah payah. Ayahnya terpaksa tinggal di Salzburg, dan ibunya pergi menemani putranya. Perhentian panjang pertama terjadi di kota Mannheim, Jerman. Di sini Wolfgang Amadeus dan Anna Maria diterima dengan ramah di rumahnya oleh salah satu pemimpin orkestra simfoni yang terkenal, perwakilan dari sekolah komposer Mannheim pra-klasik. Di Mannheim, Mozart disusun oleh seniman Italia, termasuk Michelangelo. 30 Kerajaan Pontus adalah negara kuno di Laut Hitam, terutama pantai Turki saat ini ("Pont Euxinus", yaitu, "laut yang ramah", nama Yunani kuno untuk Laut Hitam). Lucius Sulla adalah seorang tokoh militer dan politik Yunani kuno. Pastoral (dari kata Italia "pastor" - "gembala") adalah karya dengan plot yang mengidealkan kehidupan di pangkuan alam. Kapel Sistina - gereja rumah para paus di Vatikan; itu dibangun pada abad ke-15 di bawah Paus Sixtus IV. Dinding dan langit-langit kapel dicat dengan 29 37 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia seluruh baris karya, terutama instrumental, ditandai dengan permulaan kedewasaan gaya musik . Tapi tidak ada lowongan pekerjaan tetap untuk Wolfgang Amadeus di sini juga. Pada musim semi 1778, Mozart dan ibunya tiba di Paris. Namun, harapan untuk mendapat pengakuan nyata di sana dan menduduki posisi terkemuka tidak terwujud. Di ibu kota Prancis, anak ajaib, mainan yang tampaknya hidup ini, telah dilupakan, dan mereka gagal mengenali bakat musisi muda yang berkembang pesat. Mozart tidak beruntung baik dengan penyelenggaraan konser, atau dengan menerima pesanan opera. Dia hidup dengan penghasilan yang menyedihkan dari pelajaran, untuk teater dia hanya bisa menulis musik untuk balet kecil "Trinkets". Karya-karya baru yang luar biasa keluar dari bawah penanya, tetapi kemudian tidak menarik perhatian serius pada diri mereka sendiri. Dan di musim panas Wolfgang Amadeus menderita kesedihan yang berat: ibunya jatuh sakit dan meninggal. Awal tahun depan, Mozart kembali ke Salzburg. Opera Idomeneo. Putus hubungan dengan uskup agung dan pindah ke Wina. Peristiwa terpenting di tahun-tahun mendatang bagi Mozart adalah penciptaan dan pementasan opera Idomeneo, King of Crete di Munich, sukses besar. Di sini kualitas terbaik dari serial opera Italia dipadukan dengan prinsip reformasi opera Gluck. Ini membuka jalan bagi munculnya mahakarya opera Mozart yang sangat orisinal. ... Itu tahun 1781. Mozart berusia 25 tahun. Dia adalah penulis dari tiga setengah ratus karya, penuh dengan ide kreatif baru. Dan untuk uskup agung Salzburg, dia hanyalah seorang pelayan musik, yang semakin ditindas dan dipermalukan oleh tuan yang sombong dan lalim, memaksanya untuk duduk di meja di kamar rakyat "di atas juru masak, tetapi di bawah antek", tidak mengizinkannya untuk pergi ke mana pun tanpa izin, atau untuk tampil di mana saja. Semua ini menjadi tak tertahankan bagi Mozart, dan dia mengajukan pengunduran dirinya. Uskup agung dua kali menolaknya dengan kutukan dan hinaan, dan rombongannya dengan kasar menendang musisi itu keluar dari pintu. Tetapi dia, setelah mengalami goncangan spiritual, tetap teguh dalam keputusannya. Mozart adalah komposer hebat pertama yang dengan bangga melepaskan diri dari posisi musisi istana yang aman secara finansial tetapi bergantung. Wina: dekade terakhir. Mozart menetap di Wina. Hanya sesekali dia meninggalkan ibu kota Austria sebentar, misalnya, sehubungan dengan produksi pertama opera Don Giovanni di Praha atau selama dua tur konser di Jerman. Pada 1782 ia menikah dengan Constance Weber, yang dibedakan oleh watak dan musikalitasnya yang ceria. Satu demi satu, anak-anak lahir (tetapi dari enam, empat meninggal sebagai bayi). Penghasilan Mozart dari pertunjukan konser sebagai pemain musik claviernya, dari publikasi komposisi dan produksi opera tidak teratur. Selain itu, Mozart, sebagai orang yang baik hati, dapat dipercaya, dan tidak praktis, tidak tahu bagaimana mengelola masalah uang dengan hati-hati. Penunjukan pada akhir tahun 1787 untuk posisi musisi ruang pengadilan yang dibayar rendah, yang diperintahkan untuk hanya menggubah musik dansa, tidak menyelamatkannya dari kebutuhan uang yang sering dialami. Untuk semua itu, dalam sepuluh tahun Wina, Mozart menciptakan lebih dari dua setengah ratus karya baru. Di antara mereka bersinar pencapaian artistiknya yang paling cemerlang dalam banyak genre. Pada tahun pernikahan Mozart, singspiel-nya The Abduction from the Seraglio, sparkling, dipentaskan di Wina dengan sukses besar; humor31. Dan opera-buffa "The Marriage of Figaro", asli oleh; genre "drama riang" "Don Juan" dan dongeng opera "Suling Ajaib", yang muncul di tahun-tahun Wina terakhir, adalah milik puncak tertinggi, dicapai oleh teater musikal secara keseluruhan! sejarahnya. Tiga dari Anda simfoni terbaik, yang ternyata menjadi yang terakhir, termasuk G minor (No. 40), tulis Mozart pada musim panas 1788. Pada dekade yang sama, banyak karya instrumental lain dari komposer muncul - orkestra empat bagian "Little Night Serenade", sejumlah konserto piano, sonata, dan berbagai ansambel kamar. Mozart mendedikasikan enam kuartet geseknya untuk Haydn, yang memiliki hubungan hangat dengannya. hubungan persahabatan. Dengan penuh minat, Mozart mempelajari karya Bach dan Handel selama tahun-tahun ini. Karya terbaru Mozart adalah Requiem, misa bagi orang mati untuk paduan suara, solois, dan orkestra. Pada Juli 1791, itu diperintahkan kepada komposer oleh seorang pria yang tidak mau menyebutkan namanya. Tampaknya misterius, bisa menimbulkan firasat suram. Hanya beberapa tahun kemudian ternyata pesanan tersebut datang dari seorang bangsawan Wina yang ingin membeli karya orang lain dan menjadikannya sebagai miliknya. Sakit parah, Mozart tidak dapat menyelesaikan Requiem sepenuhnya. Itu diselesaikan menurut draf oleh salah satu siswa komposer. Ada sebuah cerita bahwa pada malam kematian musisi hebat itu, yang terjadi pada malam tanggal 5 Desember 1791, teman-temannya menyanyikan bagian dari pekerjaan yang masih belum selesai bersamanya. Sesuai dengan desain sedih dalam Requiem, lirik yang terinspirasi dan ekspresi dramatis dari musik Mozart memperoleh keagungan dan keseriusan khusus. Karena kekurangan dana, Mozart dimakamkan di kuburan umum untuk 31 32 Seraglio - separuh perempuan di rumah bangsawan timur yang kaya. Kata Latin "requiem" berarti "damai". 38 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia buruk, dan tempat pemakamannya yang tepat masih belum diketahui. untuk Susanna, sang countess mengenakan gaunnya. Malu oleh istrinya, Almaviva terpaksa tidak lagi mencegah Figaro dan Susanna merayakan pernikahan mereka, yang mengakhiri "hari gila" dengan riang dan bahagia, penuh dengan segala macam kejadian tak terduga. Opera dimulai dengan overture yang sangat populer dan sering dibawakan dalam konser simfoni 34. Tidak seperti banyak overture lainnya, overture ini tidak menggunakan tema yang terdengar di dalam opera itu sendiri. Di sini suasana umum dari aksi selanjutnya tersampaikan dengan jelas, kecepatannya yang memukau dan keceriaan yang membara. Pembukaan ditulis dalam bentuk sonata, tetapi tanpa pengembangan, yang digantikan oleh hubungan singkat antara eksposisi dan reprise. Pada saat yang sama, lima tema dibedakan dengan jelas, dengan cepat saling menggantikan. Yang pertama dan kedua merupakan batch utama, yang ketiga dan keempat - batch samping, yang kelima - batch terakhir. Semuanya energik, tetapi pada saat yang sama masing-masing memiliki karakter khusus. Tema pertama dari bagian utama, yang dimainkan oleh alat musik gesek dan bassoon secara serempak, bergerak dengan lincah, dengan ketangkasan yang nakal: Pertanyaan dan tugas 1. Apa kesamaan musik Mozart dengan musik Haydn? Dan apa perbedaan minat artistik dari kedua karya klasik Wina ini? 2. Ceritakan tentang keluarga Anda dan anak usia dini Wolfgang Amadeus Mozart. 3. Di negara dan kota apa Mozart tampil sebagai anak kecil? Bagaimana pertunjukan ini? 4. Pada usia berapa Mozart menulis penggemar opera pertamanya? Apa namanya dan di mana letaknya? 5. Ceritakan tentang perjalanan Mozart muda ke Italia. 6. Kota apa yang kemudian dikunjungi Mozart? Apakah perjalanannya ke Paris berhasil? 7. Ceritakan tentang perpisahan Mozart dengan uskup agung Salzburg. 8. Jelaskan dekade terakhir kehidupan dan karya Mozart. Sebutkan karya utama yang diciptakannya selama periode ini. Opera "The Marriage of Figaro" Penayangan perdana opera Mozart "The Marriage of Figaro" berlangsung di Wina pada tahun 1786. Komposernya sendiri memimpin harpsichord untuk dua pertunjukan pertama. Keberhasilannya sangat besar, banyak tetapi tindakan itu diulangi untuk encore. Libretto (teks verbal) opera ini dalam empat babak ditulis dalam bahasa Italia oleh Lorenzo da Ponte berdasarkan komedi penulis Prancis Beaumarchais Crazy Day, atau The Marriage of Figaro. Pada tahun 1875, P. I. Tchaikovsky menerjemahkan libretto ini ke dalam bahasa Rusia, dan dalam terjemahannya opera tersebut dipertunjukkan di negara kita. Mozart menyebut The Marriage of Figaro sebagai penggemar opera. Tapi ini bukan hanya komedi yang menghibur dengan situasi lucu. Utama karakter digambarkan oleh musik sebagai berbagai karakter manusia yang hidup. Dan ide utama lakon Beaumarchais dekat dengan Mozart. Karena itu terdiri dari fakta bahwa pelayan Count Almaviva Figaro dan mempelai wanita, pelayan Susanna, ternyata lebih pintar dan lebih baik daripada tuan mereka yang bergelar, yang intriknya dengan cekatan mereka ungkapkan. Count sendiri menyukai Susanna, dan dia mencoba untuk menunda pernikahannya. Tapi Figaro dan Susanna dengan cerdik mengatasi semua rintangan yang muncul, menarik istri bangsawan dan halaman muda Cherubino ke pihak mereka untuk melayani orang yang mulia. Tema penghubung partai utama, partai yang diisi berbeda terutama Ingat bahwa kata "overture" berasal dari kata kerja Prancis "ouvrir", yang berarti "membuka", "memulai". 33 34 39 www.classON.ru pendidikan anak-anak yang berani di bidang seni Rusia dengan bagian-bagian skala, tema pertama dari bagian samping muncul, yang melodinya dibawakan oleh biola. Temanya memiliki karakter yang berirama aneh, sedikit berubah-ubah, tetapi gigih: nomor vokal. Jadi, nomor solo pertama di bagian Figaro (dia dipercayakan dengan bariton) - aria kecil (cavatina) - terdengar segera setelah Susanna memberi tahu tunangannya bahwa hitungan mulai mengejar pacarannya. Dalam hal ini, Figaro dengan mengejek menyanyikan melodi dalam gerakan minuet - tarian masyarakat kelas atas yang gagah (bagian ekstrim dari bentuk reprise tiga bagian dari cavatina): Tema kedua dari bagian samping menyerupai seruan yang menentukan: Dan tema bagian terakhir adalah yang paling seimbang, seolah-olah menyelesaikan semuanya: Di reprise, bagian samping dan bagian terakhir sudah diulangi di kunci utama D mayor. Mereka bergabung dengan coda, yang lebih jauh menekankan karakter pembukaan yang ceria dan hidup. Dalam opera Mozart ini, tempat yang luas ditempati oleh ansambel vokal, terutama duet (untuk dua karakter) dan tercetes (untuk tiga karakter). Mereka dipisahkan oleh resitatif yang diiringi oleh harpsichord. Dan babak kedua, ketiga dan terakhir, keempat diakhiri dengan final - ansambel besar dengan partisipasi enam hingga sebelas karakter. Solo termasuk dalam pengembangan aksi yang dinamis cara yang berbeda... Di bagian tengah cavatina, gerakan yang ditahan diganti dengan yang cepat, melodi tiga ketukan yang elegan diganti dengan dua ketukan yang tegas. Di sini Figaro sudah dengan tegas mengungkapkan niatnya untuk mencegah "rencana berbahaya tuannya dengan segala cara: Itu ditujukan ke halaman muda Cherubino. Dia secara tidak sengaja mendengar bagaimana hitungan mencoba menyatakan cintanya kepada Suzanne, dan saksi yang tidak diinginkan seperti itu diperintahkan untuk pergi pelayanan militer. Dalam aria-nya, Figaro dengan ceria dan jenaka mengejek situasi, melukis seorang pemuda yang dimanjakan oleh kehidupan istana, gambaran kehidupan militer yang keras. Dalam musik, hal ini tercermin dari kombinasi keterampilan menari yang provokatif dengan gerakan gembar-gembor yang "militan". Ini adalah pengulangan yang dibunyikan tiga kali dalam bentuk rondo: Yang lainnya adalah aria kecil yang mirip lagu "Darah panas menggairahkan hati." Ini adalah pengakuan perasaan lembut yang lebih terkendali, dengan malu-malu ditujukan kepada Countess sendiri: Susanna (soprano) digambarkan dalam banyak ansambel sebagai energik, cekatan, dan banyak akal, tidak kalah dalam hal ini dengan Figaro. Pada saat yang sama, citranya secara halus dipuitiskan dalam aria mimpi cerah dari tindakan keempat. Di dalamnya, Susanna secara mental menyapa Figaro dengan daya tarik yang lembut: Adapun Cherubino sendiri (bagiannya dilakukan dengan suara wanita yang rendah - mezzo-soprano), dia digambarkan dalam dua arias sebagai pemuda yang bersemangat, masih tidak dapat memahami perasaan sendiri , siap untuk jatuh cinta di setiap kesempatan. Salah satunya adalah aria yang gembira dan bergetar, "Katakan, saya tidak bisa menjelaskan". Ini menggabungkan melodi dengan ritme, seolah-olah sesekali berdenyut dengan kegembiraan: 41 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Pertanyaan dan tugas 1 . Kapan dan di mana pemutaran perdana Le nozze di Figaro karya Mozart? 2. Komedi apa yang menjadi dasar libretto-nya? 3. Apa gagasan utama dari karya ini? 4. Bagaimana pembukaan opera dibangun? 5. Beri tahu kami tentang fitur dari dua nomor solo di bagian Figaro. 6. Suara apa yang dipercayakan dengan bagian Cherubino? Nyanyikan melodi ariasnya. 7. Bagaimana Susanna dicirikan dalam ansambel dan bagaimana - dalam aria dari babak keempat? Variasi keempat (dengan melempar tangan kiri ke kanan), sebaliknya, lebih berani menyapu. Variasi kelima, di mana tempo awal Andante grazioso yang lambat digantikan dengan yang sangat lambat - Adagio, adalah aria instrumental yang merdu, diwarnai dengan coloratura. Dan kemudian perubahan kecepatan menjadi cepat (Allegro) sesuai dengan karakter tarian ceria dari variasi keenam yang terakhir. Gerakan kedua sonata adalah Minuet. Seperti biasa, itu dibangun dalam bentuk pengulangan tiga gerakan dengan pengulangan yang tepat dalam pengulangan musik gerakan pertama. Di antara mereka ada bagian tengah (Trio) 35. Di semua bagian Minuet, intonasi sapuan yang tegas dan angkuh dibandingkan dengan intonasi feminin yang lembut dan halus, mirip dengan seruan liris ekspresif. Sonata in A Major untuk Clavier Mozart sonata terkenal di A mayor, biasa disebut Sonata Maret Turki, adalah siklus yang dibangun secara tidak biasa. Gerakan pertama di sini bukanlah sonata allegro, tetapi enam variasi pada tema yang ringan dan tenang, serta anggun. Sepertinya lagu yang bisa dinyanyikan dalam suasana hati yang baik dan damai dalam kehidupan musik Wina. Dalam ritme yang bergoyang lembut, ada kemiripan dengan gerakan Siciliana - tarian atau lagu dansa Italia kuno: Komposernya menyebut bagian ketiga dari sonata (akhir) "A11a Turca" - "Dengan cara Turki." Belakangan, nama "Turkish March" diberikan untuk final ini. Tidak ada kesamaan dengan struktur intonasi rakyat Turki dan musik profesional, yang tidak biasa di telinga orang Eropa. Tetapi pada abad ke-18, di Eropa, terutama musik teater, muncul mode pawai, yang secara konvensional disebut "Turki". Mereka menggunakan warna timbre orkestra "Janissary", yang didominasi oleh alat musik tiup dan perkusi - drum besar dan snare, simbal, segitiga. Prajurit unit infanteri tentara Turki disebut Janissari. Musik pawai mereka dianggap oleh orang Eropa sebagai musik yang liar, berisik, "biadab". Tidak ada kontras yang tajam antara variasi tersebut, tetapi semuanya memiliki karakter yang berbeda. Pada variasi pertama, gerakan melodi aneh yang anggun berlaku, pada variasi kedua - keceriaan yang anggun dipadukan dengan semburat humor (nada anggun yang "nakal" di bagian kiri patut diperhatikan). Variasi ketiga - satu-satunya yang ditulis bukan dalam A mayor, tetapi dalam A minor - diisi dengan figurasi melodi yang sedikit sedih, bergerak secara merata, seolah-olah dengan rasa malu yang lembut: Di akhir Trio ada sebutan "Minuetto da capo" . Italia - "dari kepala", "dari awal". 35 "Da capo" diterjemahkan dari 42 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia Final ditulis dalam bentuk yang tidak biasa. Ini dapat didefinisikan sebagai paduan suara tiga bagian (dalam A mayor). Pengulangan paduan suara yang berulang-ulang memberikan struktur bagian akhir ciri-ciri rondo. Gerakan pertama - dengan motif "melingkar" yang mudah (A minor) - dan gerakan tengah - dengan gerakan bagian yang merdu (F-sharp minor) - secara alami menggabungkan kemampuan menari yang anggun dengan langkah berbaris yang jelas: Untuk waktu yang lama diyakini bahwa Mozart menyusun sonata di A mayor pada musim panas tahun 1778 di Paris. Tetapi kemudian mereka menemukan informasi bahwa ini terjadi beberapa tahun kemudian, di Wina. Informasi seperti itu semakin masuk akal karena di sana, pada tahun 1782, pemutaran perdana singspiel Mozart "The Abduction from the Seraglio" berlangsung. Di dalamnya, aksi berlangsung di Turki, dan dalam musik pembukaan, dan dalam dua paduan suara seperti pawai, peniruan musik "Janissary" terlihat. Selain itu, apakah itu berisik? Mozart menambahkan coda "Janissary" di A mayor ke final senat hanya pada tahun 1784, ketika karya itu diterbitkan. Patut dicatat juga bahwa dalam sonata, seperti dalam "The Abduction from the Seraglio", genre lagu dan mars memiliki peran besar. Dalam semua ini, keterikatan musik instrumental dengan musik teater yang menjadi ciri khas Mozart terwujud. Soal dan tugas 1 . Apa yang tidak biasa tentang siklus sonata Mozart di A mayor? Ceritakan tentang sifat tema dan enam variasinya di bagian pertama karya ini. 2. Genre tarian apa yang digunakan pada sonata bagian kedua? 3. Jelaskan mengapa penutup sonata dalam A mayor disebut Pawai Turki. Apa kekhasan konstruksinya? Nyanyikan tema utamanya. 4. Dengan karya musik dan teater apa Mozart menggemakan musik "Turkish March" -nya? Symphony in G Minor Dibuat di Wina pada tahun 1788, Symphony in G minor! (No. 40) adalah salah satu karya komposer hebat yang paling menginspirasi. Gerakan pertama simfoni adalah sonata allegro dengan tempo yang sangat cepat. Itu dimulai dengan tema bagian utama, yang langsung memikat sebagai pengakuan liris yang rahasia dan tulus. Itu dinyanyikan oleh biola dengan iringan lembut yang bergoyang dari alat musik gesek lainnya. Ritme bersemangat yang sama dapat dikenali dalam melodinya seperti di awal aria pertama Cherubino dari opera The Marriage of Figaro (lihat contoh 37). Tapi sekarang lebih "dewasa", lirik yang serius dan berani: Bagian refrein (dalam A mayor) terdengar tiga kali, seperti semacam "reffrain suara Janissary", di bagian tangan kiri tiruan dari drum roll terdengar: Dalam hal ini, "Pawai Turki" terkadang disebut "Rondo dalam gaya Turki" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni di Rusia Perkembangan kecil). Tetapi tidak ada kontras di dalamnya, semuanya mematuhi suasana cerah umum, yang ditentukan sejak awal di bagian utama yang berbunyi pada alat musik gesek: Maskulinitas karakter ditingkatkan di bagian penghubung, di mana bagian utama berkembang . Ada modulasi ke B-flat mayor sejajar dengan G minor - kunci bagian samping. Temanya lebih ringan, anggun dan feminim dibandingkan dengan tema utamanya. Itu diwarnai oleh intonasi kromatik, serta pergantian warna nada dari instrumen senar dan alat musik tiup kayu: Di bilah ketujuh, sosok dua nada tiga puluh detik yang "berkibar" ringan muncul di sini. Kedepannya, ia kemudian merasuk ke dalam garis melodi semua tema, lalu seolah membungkusnya, tampil dalam register berbeda dengan instrumen berbeda. Itu seperti gema suara alam yang damai. Hanya kadang-kadang sedikit terganggu, sekarang terdengar dari dekat, lalu dari kejauhan. Menurut tradisi yang sudah mapan, gerakan ketiga dari simfoni tersebut adalah Minuet. Tapi di dalamnya hanya bagian tengah - Trio - yang jelas tradisional. Dengan gerakannya yang halus, suara yang merdu, dan nada suara dalam G mayor, Trio memicu bagian ekstrem utama G-minor dari Minuet ini, yang secara keseluruhan tidak biasa dalam hal ketegangan lirik dan dramatis. Ternyata setelah kontemplasi yang tenang alam, yang terkandung dalam Andante, kini harus kembali ke dunia kecemasan dan keresahan spiritual yang mendominasi bagian pertama simfoni. Ini sesuai dengan kembalinya kunci utama simfoni - G minor: Semburan energi baru terjadi di bagian terakhir. Di sini peran utama termasuk dalam pengembangan yang berulang dan gigih dari motif pertama - tiga suara - dari tema bagian utama. Dengan dimulainya perkembangan yang agak ekspansif, awan tampak berkumpul dengan cemas. Dari mayor B-flat ringan, ada belokan tajam ke kunci jauh yang suram dari minor F-sharp. Dalam perkembangannya, tema pesta utama berkembang secara dramatis. Itu melewati berbagai kunci, dibagi menjadi frase dan motif yang terpisah, dan mereka sering ditiru dalam suara orkestra yang berbeda. Motif pertama dari tema ini berdenyut sangat kencang. Tapi akhirnya denyutnya melemah, menahan gemetarnya, dan muncul kembali. Namun, dampak dari intensitas dramatik tinggi yang dicapai dalam pembangunan tercermin dalam bagian pertama ini. Di sini panjang bagian penghubung bertambah secara signifikan, ini mengarah ke presentasi bagian samping dan akhir tidak lagi di mayor, tetapi di kunci utama G minor, yang membuat suaranya lebih dramatis. Gerakan kedua simfoni adalah Andante di E flat mayor. Ini kontras dengan bagian pertama yang dramatis dan liris dengan ketenangannya yang lembut dan lembut. Bentuk Andante juga sonata (dengan G minor menjadi kunci utama dan bagian keempat dari simfoni - penutup, berjalan dengan sangat cepat. Penutup ditulis dalam bentuk sonata. Tema utama di bagian simfoni ini adalah tema bagian utama Bersama dengan tema bagian utama bagian pertama, mengacu pada Tetapi jika tema pada bagian pertama terdengar seperti pengakuan liris yang lembut dan penuh hormat, maka tema penutupnya adalah liris yang penuh gairah -seruan dramatis, penuh keberanian dan kami akan memutuskan 44 www.classON.ru Pendidikan anak-anak di bidang seni Rusia 2. Beri tahu kami tentang topik utama bagian pertama simfoni dan perkembangannya 3. Apa karakternya musik di bagian kedua dan ketiga simfoni? 4. Apa tema utama di bagian akhir simfoni? Apa perbedaan karakternya dengan karakter tema bagian utama bagian pertama? 5. Bagaimana apakah tema bagian utama yang dibangun apa yang menjadi dasar pembangunan dalam pembangunan? akord, dorongannya sepertinya dijawab oleh sosok melodi energik yang mengitari satu suara. Seperti pada gerakan pertama simfoni, tema anggun dari bagian samping penutup sangat cerah dalam eksposisi ketika dibawakan dalam B flat mayor: 19 opera Requiem Sekitar 50 simfoni 27 concerto untuk clavier dan orkestra 5 concerto untuk biola dan orkestra Konser dengan iringan orkestra untuk seruling, klarinet, bassoon, terompet, seruling dengan kuartet dawai harpa (lebih dari 20) dan kuintet Sonata untuk clavier, untuk biola dan clavier Variasi, fantasi, rondo, minuets untuk clavier Bagian terakhir didasarkan pada elemen kedua dari tema bagian utama. Dalam pengembangan bagian akhir, unsur tema pesta utama yang pertama dan menarik berkembang secara intensif. Ketegangan dramatis yang tinggi dicapai dengan konsentrasi metode pengembangan harmonik dan polifonik - melakukan banyak kunci dan panggilan absen imitatif. Di reprise, penampilan bagian samping di kunci utama G minor sedikit dibayangi oleh kesedihan. Dan elemen kedua dari tema bagian utama (afirmatif, figur energik), seperti dalam eksposisi, terdengar di jantung bagian terakhir dalam reprise. Hasilnya, akhir dari kreasi Mazart yang cerdik ini membentuk puncak liris dan dramatis yang cerah dari seluruh siklus simfoni sonata, yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam tujuannya melalui pengembangan figuratif. Ludwig van Beethoven 1770-1827 Komposer besar Jerman Ludwig van Beethoven adalah yang termuda dari tiga musisi brilian yang disebut klasik Wina. Beethoven kebetulan hidup dan berkreasi pada pergantian abad ke-17 dan ke-19, di era perubahan dan pergolakan sosial yang megah. Masa mudanya bertepatan dengan waktu, Pertanyaan dan tugas 1 . Kapan dan di mana Mozart membuat Symphony in G minor No.40? 45 www.classON.ru Pendidikan seni anak-anak di Rusia

(peringkat: 3 , rata-rata: 3,67 dari 5)

Judul: Sastra musik dari negara asing

Tentang buku "Sastra Musik Negara Asing" oleh I. A. Prokhorov

Buku teks berjudul "Sastra Musik Negara Asing", yang disusun oleh I. Prokhorova, ditujukan untuk Belajar sendiri. Ini menjelaskan singkatnya dan aksesibilitas penyajian materi.

Buku "Sastra Musik Negara Asing" akan memperkenalkan siswa pada biografi singkat dan karya terbaik dari komposer terkenal. Anak-anak akan dapat belajar tentang kehidupan dan karya para jenius seperti I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert dan F. Chopin. I. Prokhorova tidak menjelaskan terlalu detail cerita komposer berbakat, di buku teks Anda akan menemukan tanggal utama kehidupan, asal usul, judul dan gelar, bidang kegiatan, kondisi yang memengaruhi pilihan profesi. Buku tersebut akan menceritakan tentang tahapan utama kehidupan dan karya musisi, pandangan sosial dan politik mereka.

Publikasi "Sastra Musik Negara Asing" ditujukan untuk siswa sekolah musik, namun setiap orang yang tidak cuek dengan karya klasik akan menemukan sesuatu yang menarik untuk diri mereka sendiri dalam buku ini. I. Prokhorova memperkaya teks dengan penjelasan beberapa konsep musik dan non-musik, yang membuatnya kurang akademis. Bagian yang menggambarkan kehidupan musisi disajikan dalam konteks sejarah dan kehidupan budaya negara-negara Eropa pada masa itu. Ini memberi siswa kesempatan untuk pemahaman yang lebih dalam dan lebih luas tentang kondisi di mana para komposer legendaris hidup dan bekerja.

Karena buku "Sastra Musik Negara Asing" dimaksudkan untuk dibaca di rumah, semuanya karya simfoni hadir di dalamnya ditawarkan dalam pengaturan empat tangan. Perlu dicatat bahwa cerita tentang karya Bach, yang menurut programnya dipelajari di akhir tahun, ditempatkan di awal. Langkah ini penulis ambil demi melihat kronologis pemaparan.

Penyusun buku ini yakin bahwa penggunaan buku teks secara teratur akan membangkitkan selera siswa untuk mengenal diri sendiri dengan literatur musik populer dan ilmiah. Selain itu, anak-anak akan dapat mengembangkan dan memperkuat keterampilan membaca. karya musik dari lembaran, dan juga biasakan bermain dengan empat tangan.
Pembelajaran mandiri karya terkenal akan memungkinkannya untuk dibawakan selama pelajaran, di hadapan anak-anak lain, yang akan membuat kelas kolektif lebih aktif dan secara signifikan meningkatkan persepsi musik klasik.

Di situs kami tentang buku lifeinbooks.net Anda dapat mengunduh secara gratis tanpa registrasi atau membaca online buku "Sastra Musik Negara Asing" oleh I. A. Prokhorov dalam format epub, fb2, txt, rtf, pdf untuk iPad, iPhone, Android dan Kindle. Buku ini akan memberi Anda banyak momen menyenangkan dan kesenangan nyata untuk membaca. Anda dapat membeli versi lengkap dari mitra kami. Juga, di sini Anda akan menemukan berita terbaru dari dunia sastra, pelajari biografi penulis favorit Anda. Untuk penulis pemula, ada bagian terpisah dengan tip dan trik yang berguna, artikel menarik, berkat itu Anda dapat mencoba menulis.

DARI COMPILER
Buku ini adalah buku teks tentang literatur musik periode sejarah yang dimulai dengan dekade terakhir Abad XIX. Buku teks semacam itu muncul untuk pertama kalinya: edisi kelima berakhir, seperti yang Anda ketahui, dengan karya K-Debussy dan M. Ravel.
Buku tersebut memuat gambaran tentang berbagai sekolah musik nasional, yang menentukan struktur keseluruhannya. Bagian pertama memberikan gambaran tentang proses umum yang diterapkan dengan caranya sendiri dalam seni musik di berbagai negara dan dalam karya komposer dari berbagai kepribadian. Setiap bagian berikutnya terdiri dari ikhtisar budaya musik suatu negara, serta bagian monografi yang didedikasikan untuk karya komposer paling penting di sekolah ini. Hanya bagian yang dikhususkan untuk karya I. Stravinsky yang berbeda dalam strukturnya: tidak berisi ulasan pengantar. Dan ini bisa dimengerti: bagaimanapun juga, setelah menghabiskan sebagian besar hidupnya di luar Rusia karena keadaan khusus, Stravinsky tetap menjadi master Rusia dan bukan anggota sekolah asing mana pun. Pengaruhnya yang menentukan prinsip kreatif hampir semua musisi terkemuka abad kita tidak mengizinkan untuk menghapus Stravinsky dari gambaran keseluruhan perkembangan seni musik abad XX. Dimasukkannya bab monografi ini ke dalam buku teks sastra musik asing juga disebabkan oleh kekhasan kurikulum di sekolah: pada saat mereka mempelajari musik asing abad ke-20, siswa sama sekali tidak mengenal baik kepribadian maupun kepribadian. musik I. Stravinsky. Mereka akan beralih ke halaman seni musik ini hanya pada akhir kursus keempat, di mana hanya periode Rusia pertama dari karya komposer yang dipertimbangkan.

Perhatian para penyusun dan penulis buku teks ini difokuskan pada pertunjukan musik umum dan proses sejarah dari periode yang ditinjau, dan pada analisis karya-karya paling menonjol yang telah menjadi karya klasik abad kita. Mengingat kompleksitas luar biasa dari peristiwa seni musik abad ke-20, heterogenitasnya, persilangan timbal balik, dan perubahannya yang cepat, bab ulasan telah menempati tempat yang jauh lebih besar dalam buku ini daripada edisi sebelumnya. Namun demikian, sesuai dengan prinsip metodologi subjek, penyusun berusaha untuk tetap fokus pada analisis karya musik, yang pada kasus ini dirancang untuk mengungkap keragaman metode kreatif, cara berpikir, solusi gaya yang berbeda, dan keragaman teknik komposisi para master abad kita.

Mengingat fakta bahwa buku tersebut memberikan panorama seni musik yang luas, dan analisisnya dalam banyak kasus sangat rumit (yang sebagian besar telah ditentukan sebelumnya oleh materi itu sendiri), penyusun menganggap mungkin untuk mengarahkan buku teks ini kepada siswa tidak hanya dari melakukan, tetapi juga dari departemen teoritis. sekolah musik. Isi buku memungkinkan pendekatan selektif dalam proses pendidikan; kedalaman dan detail pembelajaran bab ditentukan oleh guru sendiri, tergantung pada tingkat kesiapan siswa, perlengkapan materi proses pendidikan dengan catatan dan rekaman musik, dan jumlah jam yang dialokasikan oleh kurikulum untuk bagian ini tentu saja.
Sekelompok besar penulis mengerjakan buku ini. Karenanya tak terhindarkan berbagai cara penyajian materi; pada saat yang sama, dalam pendekatannya, para penyusun mencoba mempertahankan prinsip-prinsip metodologis yang seragam.

ISI
Dari kompiler
Cara perkembangan seni musik asing abad XX.
Budaya musik Austria
Gustav Mahler
Kreativitas vokal. "Lagu Pelajar Keliling"
Kreativitas simfoni. Simfoni Pertama
ARNOLD SCHENBERG
Hidup dan jalur kreatif
"Orang yang selamat dari Warsawa"
ALBAN BERG
Hidup dan jalur kreatif
Drama musikal Wozzeck
Concerto untuk biola dan orkestra
ANTON WEBERN.
Hidup dan jalur kreatif
Budaya musik Jerman
RICHARD STRAUSS
Hidup dan jalur kreatif
Kreativitas simfoni. Puisi simfoni "Don Juan" dan "Til Ulenspiegel"
PAULUS HINDEMITH
Hidup dan jalur kreatif
Kreativitas simfoni. Simfoni "Artis Mathis".
CARL ORF
Hidup dan jalur kreatif
Genre utama karya Karl Orff dan ciri-cirinya.
Opera "Gadis Pintar"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Hidup dan jalur kreatif
"Simfoni Mazmur"
Opera "Oedipus Rex"
Budaya musik Perancis.
ARTHUR ONEGGER
Hidup dan jalur kreatif
Kreativitas teater dan pidato. Oratorio "Joan of Arc dipertaruhkan"
Kreativitas simfoni. Simfoni Ketiga ("Liturgi")
DARIUS MIJO
Hidup dan jalur kreatif
Vokal-instrumental, kreativitas. "Istana Api"
Francis Poulenc
Hidup dan jalur kreatif
Opera "Suara Manusia"
Budaya musik Spanyol
MANUEL DE FALLA
Hidup dan jalur kreatif
Balet "Cinta adalah penyihir"
Opera "Hidup Singkat"

Catatan pendukung tentang sastra musik negara asing merupakan tambahan dari buku teks sastra musik yang ada. Isi manual sesuai dengan program subjek PO.02.UP.03. "Sastra musik" dari program pendidikan umum pra-profesional tambahan di bidang seni musik "Piano", "Instrumen string", "Instrumen angin dan perkusi", "Instrumen rakyat", " Nyanyian paduan suara”, direkomendasikan oleh Kementerian Kebudayaan Federasi Rusia.

Catatan pendukung sastra musik dirancang untuk mengembangkan pendidikan kemanusiaan dan kompetensi khusus siswa, khususnya: "... untuk membentuk pemikiran musikal, keterampilan persepsi dan analisis karya musik, memperoleh pengetahuan tentang pola bentuk musik, tentang kekhasan bahasa musik, sarana ekspresif musik " 1 .

Buku teks menyajikan karya komposer dalam konteks era budaya dan sejarah, dipelajari dalam kaitannya dengan peristiwa sejarah dan seni terkait. Materi abstraknya adalah tesis utama penelitian tentang sejarah musik dan sastra musik oleh V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova dan ahli musik terkenal lainnya, bahan ajar yang digeneralisasi dan ringkas dalam bentuk tabel, diagram dan pendukung visual. Dukungan visual (reproduksi lukisan oleh seniman terkenal, potret komposer, kerabat dan teman mereka, tokoh budaya dan seni terkemuka, tokoh sejarah dll.) tidak hanya menemani dan melengkapi informasi verbal, tetapi merupakan pembawa informasi di bidang seni rupa, terkait langsung dengan era dan tren musik, karya komposer, mencerminkan sejarah, budaya, dan seni negara-negara Eropa.

Isi catatan referensi terdiri dari empat bagian, yang selanjutnya dibagi menjadi topik-topik yang mencakup periode perkembangan musik Eropa dari budaya musik Yunani Kuno hingga karya komposer romantis abad ke-19. Jadi bagian pertama mengkaji budaya musik Yunani Kuno, Abad Pertengahan, dan Renaisans. Bagian kedua mempelajari era Barok, karya J. S. Bach dan G. F. Handel. Bagian ketiga dikhususkan untuk era klasisisme, di mana penekanannya adalah pada karya klasik Wina - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart dan L. Beethoven. Bagian keempat menyajikan materi tentang era romantisme, diberikan karya F. Schubert dan F. Chopin ulasan singkat karya komposer romantis abad ke-19 F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, J. Brahms, J. Bizet.

Manual ini juga mencakup kamus makna, istilah dan konsep yang ditemukan dalam teks, analisis singkat dan contoh musik dari karya yang dipelajari.

Seiring dengan penyajian materi yang ketat dalam tabel dan diagram, manual tersebut juga disertakan Fakta Menarik dari kehidupan penggubah, disajikan dalam bentuk narasi dan disertai dengan ilustrasi artistik yang penuh warna, menyegarkan persepsi dan perhatian anak-anak.

Catatan referensi tentang literatur musik negara asing ditujukan untuk siswa Sekolah Seni Anak, Sekolah Musik Anak tahun kedua dan ketiga studi (kelas 5 dan 6), yang sedang mempelajari program pendidikan umum pra-profesional tambahan di lapangan dari seni musik. Guru musik-teori dan disiplin khusus Sekolah Musik Anak-anak, Sekolah Seni Anak dapat menggunakan buku teks saat mempelajari materi baru, mengulangi dan mensistematisasikan topik yang dibahas, mempersiapkan sertifikasi menengah dan akhir siswa, mempersiapkan Olimpiade teori musik, kerja mandiri siswa, kelompok dan pelatihan individu, sebagian selama pelaksanaan program pengembangan umum tambahan di bidang seni musik, dalam kegiatan budaya dan pendidikan.

Terlampir pada catatan dasar buku kerja, yang dirancang untuk bekerja di dalam kelas.

Di bawah ini adalah penggalan dari manual "Catatan Pendukung tentang Sastra Musik Negara Asing".

Untuk pembelian manual Tatyana Guryevna Savelyeva "Catatan Referensi tentang Sastra Musik Negara Asing", silakan hubungi penulis di [email dilindungi]

_____________________________________________

1 Program percontohan untuk mata pelajaran PO.02. UP.03. Sastra Musik. - Moskow 2012

______________________________________________________