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예술 사진이란 무엇입니까?

오늘날 우리 중 누구도 예술적 사진이 예술가로서의 사진가의 창의적인 비전을 반영하는 예술이라는 사실을 의심하지 않습니다. 그러나 수십 년에 걸친 사진 발전의 여명기에도 사진이 예술에 귀속될 수 있는지 아니면 단순히 우리 주변 세계에 대한 정보를 포착하고 전달하는 수단에 불과한 것인지에 대한 첨예한 질문이 있었습니다.

수년 동안 사진은 조각, 영화, 회화, 연극과 함께 예술계에서 자신의 자리를 차지했습니다. 그러나 이제 모든 사진가는 각도, 색상 또는 촬영 순간의 선택과 같은 사진 수단을 통해 세계와 현상에 대한 자신의 태도를 표현할 수 있습니다.

최초의 사진 인쇄물이 등장했을 때 아무도 사진을 진지하게 받아들이지 않았습니다. 그녀는 제한된 사람들에게만 단순한 애지중지 및 어린이 놀이로 간주되었습니다. 처음 몇 년 동안 사진은 기술적 한계로 인해 다큐멘터리나 예술적 가치 또는 조명 솔루션의 자유와 사진가의 창의적인 비전을 주장할 수 없었습니다.

19세기에는 손으로 만든 작품만이 예술품으로 분류될 수 있다고 널리 믿었습니다. 따라서 다양한 물리적, 화학적 방법을 통해 얻은 사진 인쇄물은 단순히 예술의 지위를 주장할 수 없었습니다. 이미 1세대 사진가들이 몇 가지 흥미로운 기술과 접근 방식으로 사진의 구성을 다소 활기차게 만들려고 노력했음에도 불구하고 사진은 여론의 눈에는 계속해서 재미있는 장신구였습니다.

사진은 그 당시 비평가들에 의해 현실의 기계적인 사본으로만 간주되었으며 예술적 회화의 유사성에 불과했습니다. 1920년대와 1930년대까지 기사와 출판물은 사진이 예술인지 아니면 사진가 자신이 아니라 기술이 중요한 역할을 하는 응용되고 실용적인 기술인지에 대한 질문을 진지하게 고려했습니다.

사진이 예술로 발전하는 데에는 몇 가지 기간이 있습니다. 사진이 발달한 여명기에도 회화와 크게 다르지 않았다. 회화 기법사진에서. 그들은 주로 기념비적이고 움직이지 않는 물체를 촬영했습니다. 이러한 최초의 사진 인쇄물은 초상화 또는 풍경의 장르에 속했습니다. 또한 19세기 신문산업의 등장으로 사진은 특정 사건에 대한 단순한 기록증거의 틈새를 차지하게 되었다. 그 당시에는 사진의 표현력과 예술성에 대한 의문이 없었다고 말할 수 있습니다. 사진이 언제부터 예술이 되었습니까?

아마도 정확한 날짜는 제공되지 않을 것입니다. 그러나 사진 역사가들은 1856년에 일어난 중요한 사건에 주목합니다. 그런 다음 Swede Oscar G. Reilander는 30가지의 서로 다른 리터칭 네거티브 필름으로 독특한 결합 인쇄물을 만들었습니다. "Two Roads of Life"라는 제목의 그의 사진은 두 젊은이의 삶에 대한 고대 사가를 묘사하는 것 같았습니다. 사진의 주인공 중 한 명은 다양한 미덕, 자비, 종교, 공예로 변하고 다른 한 명은 반대로 삶의 죄악 된 매력을 좋아합니다. 도박, 포도주와 부도덕. 이 우화적인 사진은 즉시 널리 알려지게 되었습니다. 그리고 맨체스터 전시회 후 빅토리아 여왕은 앨버트 왕자 컬렉션을 위해 Reilander의 사진을 직접 획득했습니다.

이 결합된 사진은 사진과 관련된 최초의 독립 작업 중 하나에 기인할 수 있습니다. Oscar G. Reilander의 창의적인 접근 방식은 물론 그가 로마 아카데미에서 받은 고전 미술사 교육에 의존했습니다. 앞으로 포토 몽타주, 이중 노출 개발, 놀라운 다중 노출 사진에 대한 다양한 실험이 그의 이름과 관련됩니다.

Reilander 사례 계속 재능있는 예술가 5개의 네거티브 필름으로 만든 "Leaving" 합성 사진으로 유명해진 사진작가 Henry Peach Robinson. 이 예술적인 사진은 그녀의 아버지가 바라보는 동안 그녀의 여동생과 어머니가 슬픔에 잠긴 채 의자에서 죽어가는 소녀의 사진이었습니다. 열린 창. 그림 "Leaving"은 진실을 왜곡했다는 비판을 받았지만 그럼에도 불구하고 큰 인기를 얻었습니다. 그것은 즉시 영국 왕실에 의해 인수되었고 왕세자는 로빈슨에게 그러한 사진 중 한 장을 인화하라는 상설 명령까지 내렸습니다.

"퇴거". G. P. 로빈슨

로빈슨 자신은 영국과 유럽에서 이른바 화보 사진의 선두 주자가 되었습니다. 이러한 사진 예술의 방향은 20세기 첫 10년까지 사진에서 지배적인 위치를 차지했습니다. 화보 촬영에는 많은 화보 효과와 기법이 사용되었습니다.

사진은 오랫동안 그림의 "그림자"를 떠날 수 없었습니다. 그러나 지난 세기 초 독립 예술로서의 사진의 발전은 정기 전시회를 통해 크게 촉진되었으며, 단순하고 아름다운 사진과 함께 "예술 작품"이라는 제목에 걸 맞는 흥미로운 사진을 볼 수 있습니다. 그러한 첫 번째 중 하나 국제 전시회 1905년 뉴욕에서 알프레드 스티글리츠(Alfred Stieglitz)가 개관한 291이라는 겸손한 이름의 사진 갤러리가 있었습니다. 이것은 현대 미술의 실제 전시회였습니다. 유명한 예술가사진가들과 같은 줄에 섰다.

1920년대와 1930년대가 시작되면서 신문과 잡지의 대량 생산과 직결되는 사진의 새로운 시대가 시작되었습니다. 사진은 다큐멘터리와 보도 사진을 위해 스타일을 바꿉니다. 다큐멘터리와 예술적 구현은 사진에서 점차 하나의 전체로 얽혀 있습니다. 르포와 다큐멘터리 사진을 통해 매일 조국과 세계의 역사를 만들어가는 새로운 세대의 사진가들이 등장했습니다. 이 시기에 이데올로기적, 사회적 요소가 가미된 예술적 표현력은 사진과 밀접하게 연결되었다.

사진은 실제 사건을 반영하는 역사적 진실의 전달자가됩니다. 당연히 1920년대와 1930년대에는 다양한 포스터, 사진 앨범, 잡지가 특별한 가치를 지녔습니다. 사진을 자급 자족하는 예술 형식으로 바꾸려는 사진 예술가의 커뮤니티와 사회가 나타나기 시작한 것은이 기간 동안이었습니다.

그러나 우리나라에서는 이러한 긍정적인 프로세스가 실제로 1930년대 말에 동결되었습니다. 철의 장막오랫동안 국내 사진은 국제적인 예술 생활의 경향으로부터 고립되었습니다. 재능있는 소비에트 사진가들은 사회주의 사실주의 사진 보도만을 다루어야 했습니다. 제2차 세계대전 중에는 많은 이들이 전선을 방문하여 위대한 승리의 기억에 남을 순간을 영화에 담을 수 있었습니다.

1960년대와 1970년대에 사진은 다시 독립적인 예술 작품으로 간주되었습니다. 포토리얼리즘 시대, 다양한 사진 기술과 예술적 기법. 이 시기를 기점으로 대중의 관심의 주변부에 있던 사진의 모든 영역이 비로소 예술에서 독자적인 예술적 가치로 제시될 권리를 얻게 되었다. 작가의 의도와 사진가의 창조적 비전이 핵심이 되는 사진이라는 새로운 장르가 등장하고 있다. 당시 유명한 사진작가들은 그들의 작품에서 사회적 불평등, 빈곤, 아동 노동 착취 등과 같은 상징적인 사회적 문제를 다루기 시작했습니다.

우리는 필름에서 디지털 카메라로의 전환에 사진의 또 다른 혁명을 빚지고 있습니다. 디지털 이미지 형식을 통해 사진가는 단순히 주변의 현실을 반영하는 것에서 어느 정도 벗어날 수 있었습니다. 디지털 카메라와 컴퓨터의 등장으로 그래픽 편집기사진 작가는 시청자가 이미지 제작자의 창의적인 비전에 대해 알게되고 비현실적인 세계에 몰입 할 수있는 방식으로 이미지를 변형 할 수있는 기회를 얻었습니다. 요즘 사진이 대중적 현상이 되었지만, 선택성과 특별한 개인의 "비전"은 예술로서의 사진에 여전히 중요하며, 사람이 사진 수단을 사용하여 실제 예술 작품을 만들 수 있게 합니다.

물론 디지털 카메라가 몇 분 만에 수백 장의 사진을 찍을 수 있다는 사실에도 불구하고 모든 프레임이 예술적인 것으로 분류될 수는 없습니다. 현대 사진가는 단축법, 빛과 그림자의 능숙한 유희, 촬영 순간의 섬세한 선택 및 기타 기술을 통해 자신의 세계관 또는 작가의 의도를 표현합니다. 따라서 사진의 중심에는 여전히 기술자가 아닌 사진가가 있습니다. 사람 만이 자신의 내면 세계를 이미지에 담을 수있어 사진이 새로운 감정으로 "무성"해지고 사진 작가 자신의 재능이 드러납니다.

쿠리체프 안드레이

교육 및 연구 작업은 현대 미술에 대한 추가 연구의 일환으로 작성되었습니다. 주제는이 시대에 매우 흥미 롭습니다. 학생은 "사진"과 같은 유형의 순수 예술 출현의 역사를 자신의 수준에서 탐구하려고 시도했습니다. 십대는 “사진은 현실을 객관적으로 반영하는가? 사진은 예술인가? 그리고 왜 사진이 등장한 후에도 미술이 사라지지 않았을까요? 학생은 자신의 프로젝트와 이 주제에 대한 청소년 연구의 흥미로운 결과를 발표하고 분석했습니다.

작품은 읽기 쉽고 흥미롭고 자료는 논리적으로 구성되고 제시됩니다. 학생은 주제의 관련성을 강조하고 연구의 목표와 목표를 명확하게 설정했습니다.

작업의 주요 긍정적 측면은 다음과 같습니다.

십대의 관점에서 순수 예술의 한 형태로서의 사진을 살펴봅니다.
학생들이 관심있는 문제에 대한 필요한 지식 습득, 자신의 사고 개발 및 자기 개선.

다운로드:

시사:

시 예산 교육 기관

평균 종합 학교 10위 파블로보

부서 - 인도주의

섹션 - 미술사

업무 완료:

쿠리체프 안드레이, 15세

학생 9 "B"반

과학 고문: Shitova Olga Konstantinovna,

세계 교사 예술 문화

파블로보

2015년 2월

유지하기 ..................................................................................3
주요 부분 .................................................................. .4-12

"사진은 예술인가?"

사진의 탄생과 의미........................ ....4-6
사진은 현실을 객관적으로 반영하는가?
사진은 예술인가? 그리고 왜 사진이 등장한 후에도 순수예술은 사라지지 않았는가? ..................8-9
연구 ..................................................................................10-12

결론. 결론 ..................................................................12
문헌 ..................................................................................13

소개

지금은 모든 것을 위해 존재한다.

사진으로 마무리.

사진은 시간을 미라로 만든다.

앙리 바쟁

전통예술과는 다르다고 생각합니다.사진 실용적인 응용 프로그램이 있습니다. 과학, 교육 과정, 법의학(범죄 현장 사진, 남겨진 증거 등), 광고 사업, 신분증, 디자인 등 인간 생활의 많은 영역에서 유용합니다. 그리고 그렇다면사진은 예술인가?

표적:

사진이 예술 형식인지 알아보십시오.

작업:

탄생의 역사와 사진의 의미를 배웁니다.
사진이 현실을 객관적으로 반영하고 있는지 알아볼까요?
사진이 등장한 후에도 순수 예술이 사라지지 않은 이유를 알아보세요.

내 가설:

사진은 사진 예술보다 더 넓은 개념입니다. 카메라로 찍은 모든 것이 예술이 되는 것은 아닙니다.

연구 방법

2. 본체

2.1. 사진의 탄생과 의미

"사진"이라는 단어는 그리스어에서 "라이트 페인팅"으로 번역됩니다. 빛은 사진에서 이미지 생성의 주요 요소입니다. 사진 기술의 기원은 고대부터 알려진 광학 현상에 있습니다. 빛의 광선이 카메라 옵스큐라(라틴어로 "어두운 방")의 작은 구멍에 들어가면 카메라 아래에 있는 조명 대상의 반전된 이미지가 화면에 나타납니다. 반대편 벽.

실제 이미지를 포착한 최초의 사람은 Nicéphore Niépce였습니다. 그것은 XIX 세기의 20 년대에 일어났습니다. 실험 후 몇 년 후. 그것은 XIX 세기의 20 년대에 일어났습니다. Niepce의 실험이 있은 지 몇 년 후 Louis Jacques Daguerre는 카세트에서 은층으로 덮인 얇은 동판을 사용하여 사진 이미지를 얻었습니다. 이 판을 daguerreotypes라고합니다. 1839년 프랑스 과학 아카데미는 다게르의 공로를 인정하고 프랑스 과학자의 발견을 인류의 재산으로 삼았습니다.

1839년은 공식적으로 사진이 탄생한 해입니다.

Daguerreotypes는 단일 사본이었습니다. 즉, 사본을 만드는 것은 불가능했으며 아시다시피 사진은 네거티브를 얻고 포지티브를 만드는 두 가지 작업으로 나뉩니다. 네거티브를 만드는 기술은 1840년 Fox Tabol에 의해 발견되었습니다.

그 이후로 많은 것이 변했습니다. 필름이 등장하고 컬러 사진을 만드는 기술이 개발되었으며 얼마 전 광학 이미지를 전기 신호로 변환하는 전자 기술을 기반으로 디지털 인쇄가 등장했습니다.

사진의 탄생은 기술의 발전만으로 설명할 수 없다.

19세기의 30-40년은 다음과 같은 예술 방향의 탄생을 표시합니다. 비판적 사실주의. 실재론의 가정 중 하나는 다음과 같이 공식화될 수 있습니다. 인간의 모든 원칙은 절대적입니다. 모든 사람이 자신의 사진을 가지고 있다는 사실은(비록 여권에만 있더라도) 우리 각자가 삶에서 서로 동등하다는 것을 증명합니다. 사진은 삶과 영원에 대한 우리의 참여를 확인합니다.

사실주의 작품에서 인간의 삶에서 처리 역사적 맥락(영웅은 항상 시대와 관련하여 주어집니다).

일상 생활, 세부 사항에 대한 관심 -이 모든 것이 사실적인 작업과 사진의 특징입니다.

사진은 과거의 수호자입니다. 우리는 역사적 시대, 가족 생활 등을 연구합니다. 사진으로. R. Arnheim은 사진의 일반적인 속성을 다음과 같이 공식화했습니다. 스스로 공부하십시오. 경험을 확장하고 보존하고 중요한 메시지를 교환하십시오 ...”(Arnheim R. 예술 심리학에 대한 새로운 에세이 - M., 1994, p. 132).

2.2. 사진은 현실을 객관적으로 반영하는가?

공부하는 다른 출처, 나는 과학자들이 사진의 현실적인 잠재력에 대해 다른 추정치를 가지고 있다는 것을 배웠습니다. 예를 들어, 프랑스 과학자 A. Bazin은 물체의 사진 이미지가 "이 물체 자체"라고 주장했습니다. 연구자에 따르면 사진은 객관적이다. “대상과 그 이미지 사이에는 다른 대상을 제외하고는 아무것도 없기 때문이다… 사진은 꽃이나 눈 결정과 같은 "자연적인"현상으로 우리에게 영향을 미칩니다 ...”(Bazen A. 영화 란 무엇입니까? - M., 1972. - p. 44). 사진의 미학적 가능성은 언어나 인위적 매개 없이 직접적으로 나타나는 실재의 드러남에 있다. 카메라 렌즈는 “주체를 습관적 관념과 편견으로부터 해방”시키고, 영화는 “시간적 차원에서 사진적 객관성의 완성으로 우리 앞에 나타난다… …”(Bazin A., 45쪽).

반대 입장도 있다. Yu.M은 “우리 모두 알고 있습니다. Lotman, - 사진이 얼마나 다르고 왜곡될 수 있는지. 사람을 더 가까이 알수록 사진에서 더 많은 차이점을 발견합니다. 우리에게 정말 친숙한 얼굴을 가진 모든 사람의 경우 초상화를 선호합니다. 좋은 예술가사진에서 그와 동등합니다. 그것에서 우리는 더 많은 유사점을 찾을 것입니다. 그러나 우리에게 알려지지 않은 사람의 초상화와 사진이 주어지고 더 믿을만한 것을 선택하라는 요청을 받으면 우리는 주저하지 않고 사진에 멈출 것입니다. 이것이 이러한 유형의 텍스트의 "다큐멘터리"성의 매력입니다 "(Lotman Yu.M. On Art. - St. Petersburg, 2000. - p. 297).

결론: 이 설문 조사대다수(66.7%)가 사진이 현실을 객관적으로 반영한다고 믿고 나머지는

(33.3%) 그렇게 생각하지 않는다.

2.3. 사진은 예술인가? 그리고 왜 사진이 등장한 후에도 미술이 사라지지 않았을까요?

많은 사진이 매일, 더 정확하게는 표현력이없고 비 예술적입니다. 즉, 단순한 "현실의 사본"입니다. 물론 우리 집(매우 일상적인) 사진에서 이미지의 대상은 우리 자신, 친척, 사랑하는 사람, 친구 등 우리에게 가장 흥미로울 것입니다. 이 사진들이 예술이 될까요? 우리를 위해-의심의 여지없이 얼마나 많은 감정과 기억을 불러 일으키는 지. 그리고 우리에게 생소한 다른 사람들에게는 우리 사진에 묘사된 대상이 흥미로울까요? 여기가 더 어렵습니다.

"현실에서 가져온 사본"이 예술이 되려면 어떤 조건이 필요합니까? 분명히 다른 모든 예술과 동일합니다. "예술은 ... 활동, 현실의 개인적인 의미를 발견, 표현 및 전달하는 작업을 충족하는 유일한 활동입니다."(Leontiev A.N. Selectedpsychological works. - M., 1983. - p. 237).

A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray 등과 같은 20세기의 뛰어난 거장들은 사진을 예술로 만들었습니다.

친구와 실험을 했습니다.그의 앞에 두 장의 사진을 놓았다.

내 친구는 그것들을 보고 직관적인 감각에 의존하여 하나는 "예술적"이고 다른 하나는 "비예술적"이라고 식별했습니다. 내 질문에 "그는 왜 이런 결론을 내렸습니까?" -다소 모호한 답변이 이어졌습니다. 전달, 당신은 어떤 느낌을 참조하십시오…

이러한 생각을 좀 더 구체적으로 표현하려고 노력했습니다.

비예술적 사진 제작에서 두 참가자는 친구로 지명되었습니다: 풍경과 카메라; 예술 사진 제작에서 그는 풍경, 장치, 사진 작가의 세 참가자를 지명했습니다.

첫 번째 경우 사진은 렌즈의 시야에 떨어지는 것을 자동으로 캡처하고 두 번째 경우 실제 풍경에 무언가를 추가했습니다.

사실, 일반적으로 강조 표시라고하는 표시는 다음과 같습니다. 고유 한 특징예술: 작가의 주관성의 존재, ... 묘사 된 대상에 대한 생각의 도입, 예술가의 세계에 대한 일반적인 이해와 관련하여 대상의 재구성. 즉, "예술의 사실이 된 물질 세계는 인간화되고 영화화되며 의미를 얻습니다"(Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialogue with the screen, - Talin, 1994. - p. 19-20.)

사진을 찍을 때 우리는 주변 미에 개입하고 우리가 어떻게 든 좋아했거나 단순히 필요했거나 어떤 종류의 경험과 일치하여 어떤 생각을 표현한 현실의 "조각"을 "절단"합니다.

물론 예술로서의 사진도 나름의 표현 수단이 있다. 우리는 사진을 볼 때 플롯뿐만 아니라 평면, 각도, 프레임의 구성, 빛, 색상에도 주의를 기울입니다. 그것들을 창의적으로 사용하고, 이것 또는 저 광학, 흑백 또는 컬러 필름, 그리고 이제 컴퓨터의 엄청난 기능을 사용하여 우리는 세상의 대상을 우리 방식으로 해석하고 복잡한 예술적 이미지를 만들 수 있습니다. 그러나 표현 수단의 무기고에 대한 지식이 고품질의 예술적 이미지를 보장하지는 않습니다. 모든 예술과 마찬가지로 여기에는 특별한 감각, 영감 및 취향이 필요합니다.

첫 번째 설문조사: 사진이 등장한 후에도 미술이 사라지지 않은 이유는 무엇입니까?

결론: 이 설문 조사에 따르면 조사 대상자의 84%는 사진이 순수 예술 중 하나가 되었다고 믿고 있으며 16%는 사진이 순수 예술보다 훨씬 젊고 아마도 미래에 사진을 대체할 것이라고 믿고 있다고 결론을 내릴 수 있습니다.

결론: 응답자의 32%는 좋은 사진작가가 되기 위해서는 가장 현대적이고 고품질의 장비가 필요하다고 믿고 있으며 64%는 여전히 중요한 것은 기술이 아니라 누가 그것을 사용하는지라고 믿고 있습니다.

결론: 이 질문은 저에게도 여전히 논란의 여지가 있습니다. 사진에서 Photoshop 사용에 대한 지지자와 반대자의 수는 두 개의 동일한 진영으로 나뉘었고 이 질문은 우리에게 답이 없는 상태로 남을 것입니다.

결론: 이 설문조사에 따르면 응답자의 80%가 사진이 예술이라고 믿고 있고 4%는 부정적이며 16%는 이 질문에 대한 답을 모른다고 판단할 수 있습니다. 어떻게 생각하나요?

결론

내 가설이 확인되었습니다. 사진이 항상 예술은 아닙니다.

사진을 사랑하고, 전문가의 걸작에 감탄하고, 고품질의 사진을 만들고, 독특한 작품그리고 동시에 자신의 창작물 판매 목표를 설정하지 않습니다. 그 대답은 분명합니다. 사진은 예술입니다 !!! 그리고 단순히 자신을 위해, 기억을 위해 사진을 찍는 사람들에게 사진은 단순히 삶의 혜택이자 필요조건이다.

글쎄요, 사진이 예술이냐 아니냐는 질문은 우리 존재의 의미만큼 답하기 어려운 질문이 아닐까 생각합니다. 어떤 사람들은 사진이 마음에 들었는데 찍지 않았으면 하는 것이 예술이라고 생각합니다. 그러나 제 생각에는 당신이 좋아하는 모든 것이 예술인 것은 아니며 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 결국, 아름다움과 추함, 선과 악 - 이것들은 뗄래야 뗄 수 없는 것이기 때문에 똑같이 예술을 채워야 합니다. 아름다움만 본다면 우리는 그것을 인식하지 못할 것입니다. 악과 추함은 폐에 산소만큼 필요합니다. 절대적인 행복을 꿈꾸는 사람들은 오히려 잘못되었습니다. 그들은 전쟁이 없으면 평화가 없을 것이고 슬픔을 경험하지 않으면 그램이 아닌 행복에 대해 알지 못할 것이라는 것을 이해하지 못합니다. 삶 자체가 지루할 것이고 모든 의미를 잃을 것입니다. 사람의 삶을 가장 강렬하고 다양하게 만드는 정반대로 가득 찬 세상에서 사는 것이 훨씬 더 흥미 롭습니다.

문학

Arnheim R. 예술 심리학에 대한 새로운 에세이. - M., 1994, p.132
Bazin A. 영화란 무엇인가? - M., 1972. - p.44
Leontiev A.N. 선택된 심리학 작품. - M., 1983. - p. 237
Lotman Yu., Tsivyan Yu., 화면과의 대화, - Talin, 1994.- 19-20.
http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg

아침에 일어나면 보통 무엇을 합니까? 아마도 많은 사람들이 스마트폰에 손을 뻗어 Vkontakte, Facebook 또는 Twitter에서 뉴스 피드를 스크롤하기 시작하지만 가장 인기 있는 소셜 네트워크지난 몇 년 동안 Instagram이되었습니다. 어떤 사람들은 그것 없이는 그들의 삶을 더 이상 상상할 수 없습니다. 사진을 보여주는 것은 의식이 되었습니다. 덕분에 감정과 행동의 순간을 전달하기가 더 쉬워졌습니다.

사진의 발명은 19세기 초로 거슬러 올라간다. 여러 사람이 거의 동시에 제작에 참여했습니다. 토마스 웨지우드와 함께 윌리엄 헨리 폭스영국과 조셉 니엡스와 함께 루이 다게르프랑스. 그러나 이미지를 수정하려는 시도는 훨씬 일찍 이루어졌습니다. 이는 중세부터 사용된 카메라 옵스큐라("암실")로 증명됩니다. 안에 이 순간 문제의나중에 렌즈가 삽입되기 시작한 작은 구멍이있는 상자에 대해. 첫 번째 카메라는 카메라 반대쪽 벽에서 구멍을 통해 들어오는 빛이 반전된 이미지를 주기 때문에 사용하기가 상당히 어려웠습니다.

사진은 19세기에 진정한 센세이션을 일으켰습니다. 첫째, 곧 상업화되었고, 둘째, 기술 발전에 직접적인 자극을 주어 이미지 개선이 비약적으로 진행되었습니다. 바로 아래는 13년 간격으로 찍은 두 장의 사진입니다. 그들의 창조자는 조셉 니엡스.

핀홀 카메라

이 사진은 1826년에 찍은 것으로, 자연에서 찍은 최초의 사진입니다.

1839년에 찍은 사진

사실 위의 이미지는 마차로 밝혀졌어야 하는데 너무 빨리 달리고 있어서 카메라가 포착할 시간이 없었고, 이 사진은 8시간의 "노출"로 촬영되었습니다. 사진이 실제로 등장한 것은 올해였습니다.

1860년대에 그들은 셔터 속도를 8시간에서 30초로 줄이는 데 성공하여 사진 분야에서 전례 없는 인기를 얻었습니다.

사진의 발전은 거침없이 앞으로 나아갔다. 점차적으로 그들은 진정한 예술 작품이 되었고, 사람들이 세상을 있는 그대로 볼 수 있게 되었고 보다 현실적인 형식으로 새로운 지평을 표현할 수 있게 되었습니다.

독립 예술로서의 사진의 형성은 XIX 후반에서 XX 세기 초반에 나타나기 시작했습니다. 기술은 사진작가가 촬영하는 모든 샷이 모델이나 풍경의 가장 작은 특징을 포착하는 지점에 이르렀습니다. 그 순간, 예술에는 두 가지 경향이 통합되어 있었습니다. 예술적 감각: 그래서 모더니즘과 인상주의가 하나가 되었습니다. 이 조합은 보여줍니다 프레드 홀랜드의 날, 그는 1898년 필라델피아 살롱에서 사이클 "세븐"을 전시했습니다. 마지막 말". 그림은 그리스도의 삶의 마지막 순간을 보여줍니다.

Fred Holland Day의 마지막 일곱 마디. 사진은 저자 자신을 보여줍니다.

그러나 Fred Day가 사진의 고전적인 표현을 고수했다면 아방가르드 접근 방식이 모든 것을 바꿔 놓았습니다. 알프레드 스티글리츠누가 우리에게 사진을 만들었는지 현대 세계. 그의 특별한 접근업계에서 진정한 혁명을 일으켰습니다. 그는 정물화를 포착하기 시작했고 사진 초상화에 새로운 경향을 가져왔습니다. Stieglitz는 그의 작품뿐만 아니라 유럽 예술가들의 작품도 전시된 뉴욕에 여러 아트 갤러리를 소유했습니다.

20세기 사진의 전형적인 예라고 할 수 있는 그의 작품이다.

몇 년 후 그는 Fred Day와 함께 "Photo-Secession"을 설립하여 최초의 사진 예술 운동이 되었습니다. Stiglitz는 또한 그가 만든 잡지를 통해 그의 사진을 홍보했습니다. "와 함께아메라 노트» 그리고 « 카메라 일하다» , 잡지를 사는 모든 사람에게 예술의 새로운 단어가 주어졌습니다. 사진 작가는 광범위하게 여행했기 때문에 그의 컬렉션에는 미국 도시 풍경뿐만 아니라 유럽의 이미지도 포함되었습니다. 그의 여행 내내 Stieglitz는 사진이 그림만큼 영예로운 자리를 차지할 자격이 없다고 느꼈던 예술 엘리트의 경멸에 대처해야 했습니다. 위에서 언급했듯이 Alfred Stiglitz는 이러한 고정 관념을 깨고 그의 작업에 대중의 관심을 끌 수 있었습니다. Stieglitz는 사진에서 상업적인 목표를 추구한 적이 없다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 대중적인 믿음과는 달리 그는 진정한 예술가였습니다. 모델.

Alfred Stieglitz 이후에 등장한 사진 작가의 목록은 많습니다. 일부는 그를 모방했고, 다른 일부는 미국에서 20세기 내내 급속도로 발전한 상업 산업에 집중했습니다. 짧은 존재 기간 동안 사진은 자신에 대한 대중의 태도를 여러 번 바꿀 수 있었다고 결론 지을 수 있습니다. 상업적인 사업에서 고급 예술로 넘어갔다가 다시 산업으로 바뀌었지만 20세기 초 사진가들이 우리에게 선사한 걸작들은 영원히 남을 것이다. 그것들은 사람들이 지금보다 사진을 조금 더 높이 평가했었다는 것을 일깨워주기 위해 존재합니다.

사진이 탄생할 당시 미학은 손으로 만든 작품만이 예술이 될 수 있다는 견해가 지배적이었다. 기술적인 물리적, 화학적 방법의 도움으로 얻은 현실의 이미지는 그러한 지위를 주장조차 할 수 없습니다. 그리고 이미지의 예술성에 이끌린 최초의 사진가들이 현실을 표현하기 위해 상당한 구성적 독창성을 보여주었지만(때로는 인식할 수 없을 정도로 변경함) 시스템 공공 가치뮤즈 중 하나의 역할에 대한 우선 순위, 사진은 오랫동안 적합하지 않았습니다.

그러나 모든 현대 유형의 "기술 예술"(사진, 영화, 텔레비전)은 유사한 진화를 경험했습니다. 존재 초기에는 일종의 재미있는 매력이었고 정보를 전송하는 기술적 수단이었으며 그 과정에서만 이러한 정보 및 커뮤니케이션 시스템 내에서 새로운 예술, 언어를 생성하면서 커뮤니케이션 및 예술적 기능으로의 전환이 있었습니다. 그렇다고 사진과 예술의 관계 문제가 논의되지 않은 것은 아니다. 사진이 제공하는 가능성을 강조한 프랑스 화가 Delaroche(1797-1856)는 "오늘부터 회화는 죽었다"고 썼습니다. 대조적으로, 한 독일 잡지는 그 반대라고 주장했습니다. "... 사진의 발견은 높은 가치 1913년, 실용적이고 예술적인 사진에 대한 Riga 잡지 "Rays"("Stari")는 사진이 예술인지 아니면 단지 실용적인지에 대한 질문을 논의하는 "사진과 예술"이라는 특별 기사를 발행했습니다. 이 글의 저자는 사진이 예술이냐는 물음은 사진이 존재하는 한 유효할 것이라는 결론에 도달했다. 기술적 측면예술에 새로운 것이 아니라 사진에서만 역사적으로 새로운 측면에서 나타났습니다. 사진 장비의 소유, 여기에서 기술을 습득하는 것은 예를 들어 게임 기술을 습득하는 것보다 쉬운 작업처럼 보입니다. 악기. 이 가벼움은 사진을 예술로 보는 비평가들을 오도하는 것입니다. 예술가 Delaroche는 새로운 현상에서 그의 예술적 특징그리고 그 강력한 예술적 잠재력.

사진이 등장한 후 첫 해(다게레오타입 시대)에는 여론과 다양한 문화 분야의 전문가들에 의해 사진이 재미있는 장신구로 분류되었습니다. 이 시기의 사진은 아직 다큐멘터리의 품질이나 정보성, 빛의 해결책과 발견의 자유, 즉 오늘날 이론이 사진을 정의하는 것으로 간주하는 특징 중 어느 것도 가지고 있지 않았습니다. 사진의 발전은 주로 사회적 필요에 의해 결정되었습니다. 신문 산업의 부상으로 사진은 보도의 주류가 되었습니다. 사진을 기반으로 한 최초의 "동영상"(영화)이 등장했을 때 사진 자체는 표현력과 정교함이 그림과 그래픽보다 열등한 겸손한 다큐멘터리 증거였습니다. 사진을 둘러싼 이론적 논쟁이 끊임없이 일어났습니다. 예술적 가치 측면에서 사진과 그림을 비교할 수 있습니까? 사진은 기술이 작가의 솜씨를 대체하는 변질된 회화가 아닌가? 반대로 사진이 아니다. 현대적인 다양성회화, 그 기능의 채택과 심화, 기술 문명에서의 회화의 수정, 문화적, 미적 의미의 변화 전통 회화? 그러나 이것은 예술적 삶의 두 가지 현상, 분명히 서로에게 끌리고 상호 작용하는 두 가지 유형의 예술의 병치에 지나지 않습니다. 사진은 르네상스 시대에도 회화의 가장 중요한 과제 중 하나였던 사실을 그림으로 고정하는 실용적인 기능에서 회화를 해방시켰습니다. 사진은 회화의 발전을 도왔고 회화의 고유한 특수성을 완전히 식별하는 데 기여했다고 말할 수 있습니다. 그러나 사진은 또한 순수 예술 발전의 수세기에 걸친 경험에서 많은 것을 흡수했습니다. "프레임 속" 세계에 대한 바로 그 비전은 회화의 유산입니다. 액자는 문화사에서 최초의 현실의 스토리보드다. 축소 및 원근법 구축, 3차원 공간의 평면 이미지로 사진을 "읽는" 시청자의 능력 - 이 모든 것이 훌륭합니다. 문화 유산그림에서 물려받은 사진. 그림이 사진에 미치는 영향은 엄청납니다. 동시에 사진의 과제는 2차원적이며 2차원적입니다. 회화의 예술적 경험을 완전히 마스터하십시오.

중 하나 핵심 문제모든 종류의 예술을 식별하는 것은 언어의 문제입니다. 사진의 시각적 언어의 역사를 분석하면 그 발전의 여러 기간이 구별됩니다. 처음에는 노출 시간이 불가피했기 때문에 사진가들은 기념비적이고 움직일 수없는 (산, 집) 촬영을 선호했습니다. 인물 사진의 경우 모델이 오랫동안 정지해야 했습니다. 당시 사진 속 인물들은 긴장되고 집중되어 있다. 이 첫 번째 기간은 1839년에 시작되어 10년이 조금 넘게 주요 기간으로 계속되었습니다. 두 번째 기간은 셔터 속도를 수십 분에서 초로 줄이는 동시에 더 많은 것을 반영할 수 있는 가능성을 확장하는 새로운 사진 기술의 출현과 관련이 있습니다. 넓은 범위현실의 객체. 사진가들은 전체를 포착하려고 노력했습니다. 세계. 여행자-사진가들은 여러 나라를 여행하며 공간뿐만 아니라 깊이도 탐구하기 시작했습니다. 공공 생활, 청중에게 통찰력있는 선물 심리적 초상화일반화 된 이미지의 다양한 사회 계층에서 그의 동시대. 사진의 자연스러움과 독창성은 단순함에 매료된 신선함을 창조했습니다.

19세기 말~20세기 초. 사진에서는 작품 제작에 손을 의도적으로 개입시키는 것과 관련된 방법 인 그림주의가 개발되었습니다. 그것은 기술 혁신인 건식 기술에 필수적입니다. 이 기술의 단점(색조의 풍부함 부족)은 인쇄 중에 잉크를 적용하여 보완했습니다. 작품을 만들 때 사진가와 작가는 가장 자주 한 사람으로 결합됩니다. 사진 자료는 번역을 위한 "인터라인"으로 간주되어 예술적 처리. 수동 억양은 사진 이미지의 직접성을 흐리게 했습니다. 회화주의의 모순을 극복하려는 시도는 부조화와 재현에 인위적으로 부과되지 않고 현실 자체에 유기적으로 내재된 풍부한 음조, 내면의 음악성으로 대응한 예술가들에 의해 이루어졌다. 몽타주 없이 형태의 관계에 깊은 인간적 감정을 도입했다.

사진은 세상의 냉정한 거울이 아니라, 사진 속의 예술가는 촬영 각도, 빛의 분포, 명암, 자연의 원본성의 전달, 능력을 통해 사진에 포착된 현상에 대한 개인적인 태도를 표현할 수 있습니다. 촬영에 적합한 순간을 선택하는 것 등. 사진 작가는 다른 예술 형식의 예술가보다 미학적으로 마스터 된 대상과 관련하여 덜 활동적이지 않습니다. 사진 기술은 현실의 묘사를 촉진하고 단순화합니다. 이와 관련하여 촬영 과정을 마스터하는 데 최소한의 시간을 투자하여 만족스럽게 신뢰할 수 있는 이미지를 얻을 수 있습니다. 그림에 대해서도 마찬가지입니다.

사진의 기술적 수단은 신뢰할 수 있는 이미지를 얻기 위한 인간의 노력을 최소한으로 줄였습니다. 모든 사람이 선택한 대상을 캡처할 수 있습니다. 촬영의 기술적 측면은 사진 장비를 담당합니다. 여기에는 장인 정신의 전통과 특정 매개 변수가 있습니다. 그러나 기술의 목적은 다릅니다. "모방"의 완전한 효과를 보장하는 것이 아니라 반대로 디스플레이에 대한 인간 관계의 본질과 중요성을 강조하기 위해 디스플레이의 침입, 의도적 변형입니다.

사진의 예술적 본질에 대한 논의는 주로 전통적인 예술 형식(사진은 20세기 예술 문화의 종합적 혁신)과의 근본적인 유사성을 발견하고 주장한다는 측면에서, 그리고 사진의 근본적인 특징을 인식한다는 측면에서 가능합니다. 전통적인 예술 형식과의 차이(사진은 20세기 특유의 혁신 문화). 연구의 이러한 각 측면에는 고유한 내부 논리가 있으며, 다른 하나를 무시하여 하나를 절대화하는 것이 아니라 조화로운 조합만이 사진의 예술적 가능성과 본질을 어느 정도 객관적으로 결정할 수 있습니다. 작품의 예술성은 아름다움, 조화, 즐거움, 개인 및 교육적 영향의 경험으로 입증됩니다 (그러나 후자는 순간적이고 구체적으로 분리하고 고정하기가 매우 어렵습니다). 예술 형식으로서의 사진의 특수성은 다큐멘터리, 이미지의 진정성, 순간을 영속시키는 능력입니다. 사진 작업에 주의를 집중함으로써 여러 가지를 골라낼 수 있습니다. 중요한 특성사진의 특징을 드러낸다. 사진의 식별된 각 특징은 자세한 설명과 함께 제공될 수 있습니다. 사진의 본질을 예술 형식으로 정의하는 작업은 첫째, 예술적 이미지를 생성하기 위해 재료의 본질에서 추상화하고 직접적인 "전면"지각이 가능한지 확인하는 것이며, 둘째로 어떤 사회적 그리고 문화적 기능 이 또는 저 예술적 형식 수행 , 특정 재료와 결합, 즉 예술 작품이 예술가의 자의식과 예술적 삶을 이해하는 여론 및 이론적 형식에 의해 얼마나 순수하고 적절하게 고정되는지. 사진에서 예술적 이미지의 특수성은 화보 이미지다큐멘터리 가치. 사진은 결합하는 이미지를 제공합니다 예술적 표현력현실의 본질적인 순간을 확실하고 정지된 이미지로 구현합니다. 대대장이 병사들을 일으켜 공격하는 장면, 브레스트 요새 수비 영웅들의 만남을 그린 유명한 사진은 역사적 문서의 예술적 힘과 의미를 결합합니다.

일반적으로 사진 이미지는 iso-essay입니다. 생활 사실사진에서는 거의 추가 처리 및 변경없이 활동 영역에서 예술 영역으로 옮겨졌습니다. 그러나 사진은 중요한 자료를 가져와 현실을 반전시켜 우리가 새로운 방식으로 보고 인식하도록 할 수 있습니다. 주목된 패턴은 그것의 정보-의사소통적 의미와 의사소통-예술적 의미의 교차점에서 작동한다: 단순한 사실은 정보 영역에 기인할 수 있지만, 그것의 예술적 해석은 이미 다른 질서의 현상일 것이다. 그리고 사진의 최종 결과와 효과를 결정하는 것은 촬영되는 사실에 대한 사진가의 미적 태도입니다.

예술적인 측면에서 사진을 고려할 때 다큐멘터리적 성격에 대해 고민할 필요가 있다. 사진에는 다음이 포함됩니다. 예술적 초상화동시대, 순간 언론 사진(문서), 사진 보고서. 물론 서비스별 스냅샷 요구는 불가능하다. 고급 예술, 하지만 예술성이 높은 모든 작품에서 비디오 정보와 사진 문서만을 보는 것도 불가능합니다. 다큐멘터리, 진정성, 현실 - 이것은 사진에서 가장 중요한 것입니다. 이 근본적인 속성에 현대 문화에 대한 사진의 세계적인 영향에 대한 이유가 있습니다. 사진의 다른 특성, 그 특징, 전체 문화에 대한 중요성은 사진과 개별 예술 유형을 비교할 때 구체화됩니다. 다큐멘터리는 사진의 출현과 함께 예술과 문화에 처음으로 침투한 특성입니다. 에서 사용 중 다른 유형예술, 이 특성은 매번 그 특수성을 통해 굴절되어 새로운 파생물을 형성했습니다. 다른 형태의 예술에서 다큐멘터리를 풍부하게 하는 이러한 파생물은 사진으로 돌아와 예술 문화의 기금뿐만 아니라 예술 형식으로서의 사진의 미적 실천 가능성을 확장하고 풍부하게 합니다. 비 예술적 사진, 즉 사용 된 기술 측면에서 다큐멘터리, 기능 측면에서 저널리즘, 정보 부하 외에도 미적 측면도 있습니다. 아시다시피 포토 저널리즘은 사진에 내재 된 다큐멘터리와 태어날 때부터 모든 종류의 다큐멘터리에 직접 호소합니다. 그러나 이 속성은 작업에 따라 다르게 사용됩니다. 사진 연대기 (이벤트에 대한 성실하고 철저하며 프로토콜에 정확한 정보)와 관련하여 사진 작성자의 개성이 드러나지 않습니다. 그것은 전적으로 사실의 고정, 디스플레이의 궁극적인 신뢰성에 종속됩니다. 또 다른 것은 포토 저널리즘입니다. 여기에서 사진 작가는 현실의 사실도 다루지 만 기본적으로 작가의 비전에서 프리젠 테이션이 수행되며 작가의 개인적인 평가에 따라 채색됩니다. 사진 분야의 다큐멘터리와 예술성은 서로 융합되고 중첩됩니다. 일반적으로 현대 사진은 이데올로기 및 예술, 의미 및 표현, 사회 및 미학의 모든 측면의 통일성으로 존재합니다.

예술 형식으로서의 사진의 특정 측면은 색상 선택에서 나타납니다. 예술적 스타일, 장르, 그림 언어, 사진 자료 처리를 위한 특정 기술, 제작 중인 작품에 대한 사진가의 개인적인 태도 등 색상은 현대 사진의 가장 중요한 구성 요소 중 하나입니다. 그것은 사진 이미지를 사물의 실제 형태에 더 가깝게 만들고자 하는 욕구의 영향으로 사진에서 발생했습니다. 색상은 사진 이미지를 더욱 사실적으로 보이게 합니다. 이 요소는 처음에는 컬러링 프레임의 필요성을 야기했으며 나중에 컬러 사진의 발전에 자극을 주었다. 중요한 것은 색의 의미 형성 사용이 역사적으로 성장한 회화 전통의 영향입니다. 가장 높은 성과를 거둔 예술 사진은 이미지가 정적이라는 주장을 반복해서 거부했습니다. 그리고 색상은 부동성을 부정하는 데 중요한 역할을 합니다. 컬러 사진의 경험을 바탕으로 우리는 사진에서 컬러를 사용하는 규칙을 공식화할 수 있습니다. 첫 번째는 기본적으로 중요한 경우에만 컬러로 촬영하는 것입니다. 컬러 없이는 의도한 바를 전달하는 것이 불가능할 때입니다. 두 번째 규칙: 이전의 문화적 경향에 의해 축적되고 축적된 색상, 빛, 톤과 음영의 놀이, 회화, 연극 및 이후 관련 기술인 영화 및 텔레비전과 같은 오래된 예술 형식의 경험은 효과적으로 사용될 수 있습니다. 사진에 사용됩니다. 세 번째 규칙: 색상 대비를 사용하여 의미 대비를 만듭니다. 사진은 아직 색상을 완전히 마스터하지 못했습니다. 그녀는 모든 것을 흡수해야 할 것입니다 색상 팔레트평화. 색채는 미학적으로 사진에 의해 지배되어야 하며 이미지의 수단일 뿐만 아니라 현실에 대한 개념적 이해의 수단이 되어야 한다.

예술적 스타일은 사진의 이론과 실제에서 특별한 문제입니다. 장르 문제의 틀 안에서는 해결되지 않습니다. 경험적 측면에서 스타일은 파스텔, 수채화 샷, 그래픽으로 엄격한 사진 작업 및 일반화 된 "오일"이미지이며 사진 수단으로 캔버스에 그림을 완전히 모방합니다. 이론적으로 미학에서 스타일의 문제는 명백히 충분히 발전되지 않았지만 사진과 관련하여 확인할 수 있다. 사진에서는 예술적 스타일의 존재와 부재가 모두 매우 분명합니다. 자연주의적이고 다큐멘터리적인 영상은 렌즈의 공간에 들어간 모든 작은 것들과 세부 사항을 세심하게 보여줄 것입니다. 그러나 그것은 조직화되지 않은 시야의 혼돈이 될 것입니다. 그러한 사진을 작가의 시야에서 예술적으로, 문체로 장식하면 완전히 다른 작품이 나올 것입니다. "거울", 자연 주의적, 순수 반사 사진에서 작가의 편차의 방향, 성격 및 강도는 사진 작업의 스타일을 결정합니다. 순전히 개별적이거나 특정 학교, 전통, 예술 프로그램. 사진 스타일의 특징은 연상적이고 예술적일 수 있습니다.

스타일의 문제와 밀접한 관련이 있는 것은 사진 예술의 국가적 정체성에 대한 문제입니다. 정도에 따라 사진의 다양한 경향은 국가에 대한 의존도를 나타냅니다. 문화적 전통. 예를 들어, 르포나 민족지적인 르포 사진은 다음과 직접 관련이 있습니다. 문화 생활사람, 리듬 일상 생활, 일상적인 표현에서 사람들의 영혼과 함께. 예술적이고 건설적이거나 장식적인 것과 같은 다른 경향은 국가적 내용을 예술적이고 미학적으로 추상적인 형태로 재현합니다. 사진의 모든 스타일과 장르, 국립학교세계의 예술성에 대한 마스터의 특정 숙달을 기반으로 합니다.

프레임 안의 시간은 모호하지 않고 일차원적이지 않다. 여기에서 2개의 주요 레이어가 구별되며, 이는 합성적으로 병합된 것입니다. 이러한 층은 즉각적이고 기념비적이며 극 상관 관계에도 불구하고 상호 의존적입니다. 예술적 세계는 모든 구성 요소, 예술적 사진의 모든 세부 사항의 조화로운 통합으로 통합됩니다.

사진은 사진가-아티스트의 존재를 포함합니다. 주의를 기울일 가치가있는 것과 외부의 임의의 불완전한 것을 구별 할 수있는 특별한 개인 "비전"인 신중한 선택성이 필요합니다. 캡처된 모든 프레임이 예술 작품이 되는 것은 아니며, 분명히 모든 영화가 성공적인 사진 작업을 만드는 것은 아닙니다. 예술가가 끊임없이 매일 스케치를 하는 것처럼 사진가는 세상에 대한 그의 사진 비전인 눈을 훈련합니다. 일상 업무실행 기술을 연마하고 사진 예술의 가능한 대상에 대한 도덕적, 윤리적 및 미적 태도의 안정적인 원칙을 개발할 수 있습니다. 사진가는 많은 자질을 갖추어야 합니다. 그는 심리학자여야 하고, 묘사되는 인물의 성격을 이해하고, 그의 자기 노출의 순간을 포착하고, 자세, 표정, 표정, 배경 및 프레젠테이션 각도에서 비밀스러운 자기 표현을 찾을 수 있어야 합니다. 그의 내면 세계와 그에 대한 태도를 완전히 드러냅니다. 사진가는 삶과 삶의 다양한 측면에 대한 깊은 지식을 가지고 있어야 합니다.적어도 일반적으로 이 과정의 기술, 사진가는 연구자여야 합니다. 주제를 체계적이고 지속적으로 작업하여 작품의 순환을 만들어냄으로써 마스터는 결국 역사적 가치로 변하는 다큐멘터리의 순간을 포착하는 데 그치지 않습니다. 사회학적, 민족지학적, 역사적 인물다른 방법으로 사용할 수 있습니다. 그는 예술 작품을 만들 뿐만 아니라 사진과 같은 흥미롭고 풍부한 인식론적 형식을 사용하여 특정 주제에 대한 연구자로 활동합니다. 동시에 그것은 촬영된 현상에 대한 예술적 지식과 평가의 방법으로 변모한다.

사진가의 얼굴에는 기술과 미학의 남자, 정확성과 명료함을 사랑하는 남자, 쇄도하는 영감에 사로잡힌 남자, 이미지와 조화를 볼 수 있는 감성과 사색의 남자가 하나가 되어야 한다. 합성된 사진가는 그에게 특별한 책임을 부과하는 시대의 연대기 작가 역할을 합니다. 미개발 필드가 그 앞에 열리며 다양한 영역으로 구분되는 영역을 표시하기 위해 경로와 경로를 배치해야합니다. 기능사진. 미학은 예술가에게 레시피를 제공하지 않으며 성공을 보장하지 않습니다. 그것은 검색에 대한 지침만을 제공하며, 그 결과는 궁극적으로 저자의 재능과 작업에 달려 있습니다. 마지막 단계에서 창작 과정미학은 이미지에 대한 예술적 감상을 개발하는 데 도움이 됩니다.

비평은 사진가 자신의 이론적이고 비판적인 사고를 포함하여 사진의 발전에 중요한 역할을 합니다. 권위 있고 유능한 비판과 이론은 사진가와 시청자 모두를 방해하고 산만하게 만드는 아마추어적인 논쟁을 멈출 수 있습니다. 사진비평을 위해서는 사진을 하나의 사회예술적 현상으로 종합적으로 고찰하는 것이 중요하다. 비판적 분석의 일부 측면에는 다음이 포함됩니다. 사진 작품의 사회적 중요성); 사진의 문화 연구(현대 문화 현상으로서의 사진과 문화적 가치 체계에서의 위치; 기준은 이 영역에서 정의됨) 문화적 중요성사진 작품); 사진의 심리학(고정된 시각적 기억으로서의 사진과 부재의 "존재" 요소, 이 측면은 개인적 중요성의 기준을 개발하는 데 도움이 됨); 사진의 인식론 (사진에서 물체의 선택과 반사의 특이성, 사진에서 무조건적이고 조건부, 사진에서 현실로부터의 "접근"과 "거리"; 실물과 같은 문제는 이것과 관련이 있습니다-예술의 기준, 진실 ); 사진의 공리학(사진의 대상에 대한 주관적 태도의 가능성, 묘사된 것을 평가하는 문제, 이 수준에서 예술성을 평가하는 기준이 형성됨); 사진의 기호학(사진의 언어, 알파벳, 형태, 구문, 문법; 여기에서 정보 내용에 대한 기준이 결정됨); 사진의 미학 (미적 현상으로서의 사진, 사진의 비 유적 및 예술적 가능성, 세계의 미적 풍부함 및 사진의 예술적 발전, 미적 의미의 기준이 표현되는 곳).

고려 다양한 측면예술 사진, 당신은 그 본질을 공식화하고 사진을 정의하려고 노력할 수 있습니다. 사진 예술은 정지된 이미지에 현실의 본질적인 순간을 예술적으로 표현하고 확실하게 포착하는 다큐멘터리적 가치의 시각적 이미지를 화학적 및 기술적 수단으로 창조하는 것입니다. 사진에서는 민족지학적-사회학적, 보도, 포스터-광고, 예술적-구성적, 장식적, 상징적-개념적, 인상주의와 같이 매우 명확하게 정의된 몇 가지 경향이 결정화되었습니다. 이러한 각 방향은 고유하고 명확하게 정의된 문화 및 의사 소통 기능을 수행합니다. 이러한 지침은 상호 배타적이지 않습니다. 원칙적으로 동일한 사진 작가가 여러 곳에서 작업합니다. 예술 사진의 준기능성을 염두에 두는 것이 매우 중요합니다. 예를 들어 예술적이고 건설적인 기능이 민족지학적, 사회학적 기능을 배제하지 않고 그 반대도 마찬가지입니다. 국가 전통과 함께. 모든 종류의 예술과 마찬가지로 사진은 예술, 의식 및 예술적 세계관의 발전에 대한 일반 법칙의 적용을 받습니다. 예술적 이미지는 역사적으로 경험적으로 인식된 현실을 기반으로 성장하며 예술가와 외부 세계 사이의 문화적, 의미적 매개의 형성과 발전을 반영합니다.

모든 종류의 예술의 발전은 자신의 예술에 대한 자기 인식으로 볼 수 있습니다. 문화적 기능, 즉 특정 유형의 예술 내에서 예술적 자의식의 형성으로. 사진에 있어서 이것은 민족지학적-사회학적, 르포, 포스터 사진과 같은 현대적 현실과 접하면서 필연적으로 계속해서 발전하고 심화되는 예술가-사진가를 의미한다. 예술적 이미지상징적-개념적 사진의 틀 안에서. 이런 의미에서 개념 사진은 말하자면 예술적 삶과 개인적인 경험의 결과이며, 덕분에 사진가는 마스터가 되고 지속적인 가치를 창출합니다. 그러나 이것으로부터 또 다른 것이 뒤따릅니다. 예술 사진의 모든 방향과 장르는 예술 형식으로서의 사진의 통합적 특수성을 구성하며, 각각의 특징과 예술적 가능성을 이해함으로써만 누적되고 통합된 아이디어를 창출할 수 있습니다. 새로운 사진, 현대적인 형태어떤 면에서는 예술에 대한 기존 이해의 전형이며, 어떤 면에서는 예술 문화의 틀 내에서 그리고 현대 미술의 틀 내에서 예술 형식의 시스템, 관계 및 기능에 대한 이해에 대한 자체의 역사적 의미론적 조정을 도입합니다. 일반적으로 문화.