ตัวนำโซเวียต วาทยกรที่มีชื่อเสียงของโลก วาทยกรที่มีชื่อเสียงที่สุด

G. โลมาคิน(พ.ศ.2354-2428). ชื่อเสียงของครูสอนร้องเพลงที่มีความสามารถมาถึง Lomakin เร็วและแพร่กระจายไปทั่วเมืองหลวงทางตอนเหนืออย่างรวดเร็ว เขาได้รับเชิญให้สอนในสถาบันการศึกษาหลายแห่ง: นักเรียนนายร้อย, ทหารเรือและกองพลหน้า, สถานศึกษา, โรงเรียนการละคร, โรงเรียนกฎหมาย (ซึ่ง P.I. ไชคอฟสกีศึกษาอยู่ในเวลานั้น) ในโรงเรียนแห่งนี้ G.Ya ได้พบกับ Lomakin กับนักวิจารณ์ศิลปะ V.V. สตาซอฟ นักวิจารณ์ชาวรัสเซียที่โดดเด่นได้กล่าวถึง "โรงเรียนที่ยอดเยี่ยม" ของ Lomakin "เส้นทางการเรียนรู้ที่ถูกต้อง" "พรสวรรค์โดยกำเนิด" "ความสำคัญและทักษะในการเป็นผู้นำคณะนักร้องประสานเสียง" ซึ่งมีบทบาทสำคัญในอาชีพการงานของเพื่อนร่วมชาติของเรา พ.ศ. 2405 ร่วมกับ นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงศศ.ม. Balakirev Lomakin จัดฟรี โรงเรียนดนตรี- เพื่อตรัสรู้และให้ความรู้แก่ประชาชน ที่โรงเรียน G.Ya Lomakin ไม่เพียง แต่สร้างคณะนักร้องประสานเสียงใหม่ที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังสามารถจัดการศึกษาของครูสอนดนตรีในอนาคตได้อีกด้วย ลูกศิษย์ของเขาหลายคนกลายเป็น นักดนตรีที่มีชื่อเสียง: นักร้อง, ผู้ควบคุมวง, ครู Gavriil Yakimovich อุทิศช่วงปีสุดท้ายของชีวิตให้กับการแต่งเพลง: ก่อนหน้านั้นเขาสามารถแต่งเพลงได้อย่างเหมาะสมและเริ่มต้นเท่านั้นในช่วงเวลาสั้น ๆ ของช่วงพักระหว่างชั้นเรียนกับนักร้องประสานเสียง ในช่วงเวลานั้นพระองค์ทรงสร้าง ทั้งเส้นการแต่งเพลงสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ และในปี 1883 เมื่อ M.A. Balakirev, Lomakin ยังได้รับโอกาสที่หายากในการเผยแพร่ผลงานของเขา เขาให้พวกเขาแก้ไขและแก้ไขใบปรู๊ฟ วันสุดท้ายชีวิตของตัวเอง.

เอ. อาร์คันเกลสกี้ (2389-2467)

โบสถ์ศาล

นักร้องอิสระ (พ.ศ. 2423).

โบสถ์ของ Count Sheremetyev

ประวัติย่อ. สโมเลนสกี (2391-2452)

ผู้อำนวยการโรงเรียน Synodal (2432-2444)

ผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียงในราชสำนัก (พ.ศ. 2444-2446)

ผู้อำนวยการหลักสูตรผู้สำเร็จราชการส่วนตัว (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)

เทียบกับ ออร์ลอฟ (2399-2450)

คณะนักร้องประสานเสียงแห่งสมาคมนักร้องประสานเสียงแห่งรัสเซีย (พ.ศ. 2421-2429)

โบสถ์แห่งสมาคมนักร้องประสานเสียงแห่งรัสเซีย (พ.ศ. 2425-2431)

ผู้สำเร็จราชการคณะนักร้องประสานเสียง (พ.ศ. 2429-2450)

Alexander Dmitrievich Kastalsky (2399-2469)

คณะนักร้องประสานเสียง (ผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2444)

พาเวล กริกอรีวิช เชสโนคอฟ (2420-2487).

คณะนักร้องประสานเสียงส่วนตัว A.P. คายูโทวา.

นักร้องประสานเสียงของสมาคมนักร้องประสานเสียงแห่งรัสเซีย (พ.ศ. 2459-2460)

โบสถ์ผู้สำเร็จราชการแห่งมอสโก

นิโคไล มิคาอิโลวิช ดานิลิน (พ.ศ. 2399-2488).

คณะนักร้องประสานเสียง (พ.ศ. 2453-2461)

นักร้องประสานเสียงส่วนตัว Kayutov (2458-2460)

โบสถ์วิชาการเลนินกราด

คณะนักร้องประสานเสียงของรัฐสหภาพโซเวียต

Sveshnikov Alexander Vasilievich(พ.ศ. 2433-2523), ผู้ควบคุมวงประสานเสียง, ศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต (พ.ศ. 2499), วีรบุรุษแห่งแรงงานสังคมนิยม (พ.ศ. 2513) ในปี พ.ศ. 2479-37 เขาเป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของ State Choir of the USSR ซึ่งจัดขึ้นบนพื้นฐานของ All-Union Radio Vocal Ensemble ที่เขาสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2471; ในปี พ.ศ. 2480-2484 - เลนินกราด โบสถ์; ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2484 - คณะนักร้องประสานเสียงแห่งรัฐรัสเซีย (ต่อมาคือคณะนักร้องประสานเสียงรัสเซียแห่งสหภาพโซเวียต) ผู้จัดงาน (2487) และผู้อำนวยการมอสโก โรงเรียนร้องเพลงประสานเสียง (ตั้งแต่ พ.ศ. 2534 Academy of Choral Art ตั้งชื่อตาม S.) ศาสตราจารย์ (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2489) อธิการ (พ.ศ. 2491-2517) มอสโก เรือนกระจก รางวัลแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต (2489)

ยูร์ลอฟ อเล็กซานเดอร์ อเล็กซานโดรวิช (2470-73),ผู้ควบคุมวงนักร้องศิลปินประชาชนของ RSFSR (1970), อาเซอร์ไบจาน สส.(2515). นักเรียน A.V. สเวชนิคอฟ. ตั้งแต่ปี 1958 ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์และหัวหน้าวาทยกรของ Rep. รัสเซีย โบสถ์ประสานเสียง (ตั้งแต่ปี 2516 ตั้งชื่อตามเขา) ศาสตราจารย์ด้านดนตรี Ped. สถาบัน. Gnesins (ตั้งแต่ปี 1970) รางวัลแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต (2510)

เทฟลินผู้ควบคุมวงประสานเสียง Boris Grigorievich ศาสตราจารย์ (2524) หัวหน้าภาควิชา การร้องเพลงประสานเสียงเรือนกระจกแห่งรัฐมอสโก ตั้งชื่อตาม P. I. Tchaikovsky (2536-2550) ศิลปินแห่งชาติ สหพันธรัฐรัสเซีย (1995).

คาซัคคอฟ Semyon Abramovich (2452-2548) - อาจารย์, ศาสตราจารย์, หัวหน้าภาควิชาร้องเพลงประสานเสียงที่ Kazan State Conservatory

มิน Vladimir Nikolayevich (b. 1929), ผู้ควบคุมวงประสานเสียง, ศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต (1988) นักศึกษา V.G. Sokolova, A.V. สเวชนิคอฟ. ตั้งแต่ปี 1972 มือ. ก่อตั้งโดยเขามอสโก คณะนักร้องประสานเสียงตั้งแต่ปี 2530 (ในเวลาเดียวกัน) ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของรัฐ รัสเซีย คณะนักร้องประสานเสียง ตั้งแต่ พ.ศ. 2521 ศาสตราจารย์ (อธิการบดี พ.ศ. 2514-2522) Musical-ped. สถาบัน. Gnesin รางวัลแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต (2525)

มิทรียัก Gennady Alexandrovich - ผู้ควบคุมวงประสานเสียงและโอเปร่าและซิมโฟนี, ผู้มีเกียรติในงานศิลปะของรัสเซีย, ผู้กำกับศิลป์และ หัวหน้าวงคณะนักร้องประสานเสียงแห่งรัฐของรัสเซีย ตั้งชื่อตาม A.A. Yurlov และ Capella "มอสโกเครมลิน" รองศาสตราจารย์ภาควิชาการขับร้องประสานเสียง สถาบันการศึกษาของรัสเซียเพลงให้พวกเขา กเนสินิข์.

ข้อกำหนดสำหรับผู้ควบคุมวงประสานเสียง

เทคนิคการกำกับการแสดงที่ยอดเยี่ยม

สามารถวางสมาชิกของคณะนักร้องประสานเสียงเป็นส่วน ๆ ได้อย่างถูกต้อง เสียงร้องและช่วง;

สำรวจความหลากหลายทั้งหมดได้อย่างง่ายดาย ผลงานดนตรีสไตล์ ยุค ทิศทางต่างๆ รู้พื้นฐานทางทฤษฎีของการบันทึกและการอ่านโน้ตเพลง

มีประสาทหูที่ดีในด้านดนตรี มีสัมผัสของจังหวะ และมีรสนิยมทางศิลปะที่พัฒนาแล้ว

ประเภท เพลงประสานเสียง

วิลลาเนลล่า(เพลงหมู่บ้านอิตาลี) - เพลงอิตาลีในศตวรรษที่ 15-16 ส่วนใหญ่ 3 เสียงพร้อมพาร์อัล การเคลื่อนไหวของเสียง ตัวละครที่มีชีวิตชีวา เนื้อหาที่เป็นโคลงสั้น ๆ หรือตลกขบขัน

แคนนอน(บรรทัดฐานกรีก, กฎ) - โพลีโฟนิก ดนตรี. แบบฟอร์มตาม อย่างต่อเนื่องเคร่งครัดเลียนแบบซึ่ง เสียงซ้ำทำนองของเสียงนำเข้ามาก่อนที่จะจบลงด้วยเสียงก่อนหน้า แคนนอนมีความโดดเด่นด้วยจำนวนเสียง, ช่วงเวลาระหว่างพวกเขา (แคนนอนในพรีมา, ห้า, อ็อกเทฟ, ฯลฯ ), จำนวนหัวข้อที่เลียนแบบพร้อมกัน (แคนนอนธรรมดา, สองเท่า, ตัวอย่างเช่น, ในลำดับที่ 4 ของ Mozart's Requiem เป็นต้น) รูปแบบของเลียนแบบ (ศีลเพิ่มขึ้น ลดลง) ในสิ่งที่เรียกว่า infinite canon จุดจบของเมโลดี้จะผ่านไปสู่จุดเริ่มต้น ดังนั้นเสียงสามารถป้อนซ้ำกี่ครั้งก็ได้ ในแคนนอนที่มี "ตัวบ่งชี้ตัวแปร" (Vl. Protopopov) ในระหว่างการเลียนแบบรูปแบบและจังหวะที่ไพเราะจะถูกรักษาไว้ แต่ช่วงเวลาจะเปลี่ยนไป การเลียนแบบที่ยอมรับในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งมักใช้ในการขับร้อง op.; มีบทละครที่เขียนในรูปแบบของ K. (“Echo” โดย O. Lasso, “Song of the Lark” โดย F. Mendelssohn, arr. N.A. Rimsky-Korsakov “I Walk with a Loafer” เป็นต้น)

กันต์(จาก lat, cantus - ร้องเพลง, เพลง) - ประเภทของเพลงประสานเสียงหรือเพลงทั้งมวลแบบเก่า ถือกำเนิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 ในโปแลนด์ ต่อมา - ในยูเครน จากเพศที่ 2 ศตวรรษที่ 17 - ในรัสเซียซึ่งแพร่หลายในฐานะเพลงประเภทแรก ๆ ของเมือง ไปที่จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 - แนวเพลงโปรดประจำบ้าน เพลงประจำวัน ในตอนแรก เพลงลาดเทเป็นเพลงสวดที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับศาสนา ต่อมามีเนื้อหาเกี่ยวกับฆราวาส ขอบปรากฏขึ้น โคลงสั้น ๆ พระดื่มตลกเดินขบวน ฯลฯ ในยุคของปีเตอร์มหาราช panegyric cantes ที่เรียกว่า วีว่า; แสดงโดยนักร้องประสานเสียงในช่วงงานเฉลิมฉลองและขบวนแห่ชัย พร้อมด้วยเสียงปืนใหญ่ เสียงประโคม และเสียงระฆัง ลักษณะโวหารของ Kant: รูปแบบคู่, การอยู่ใต้บังคับบัญชา จังหวะดนตรีบทกวี; ความชัดเจนของจังหวะและความนุ่มนวลของเมโลดี้ ส่วนใหญ่เป็นคลังเสียง 3 เสียงที่มีการเคลื่อนไหวขนานกันของเสียงบน 2 เสียง เบสมักได้รับการพัฒนาอย่างไพเราะ มีการเลียนแบบด้วย ใน cante มีความสัมพันธ์ตามธรรมชาติของทำนองและความกลมกลืนความสมดุลของฟังก์ชันฮาร์มอนิก - ส่วนย่อย, ตัวเด่น, โทนิค B. Asafiev ชี้ให้เห็นว่า "ในวิวัฒนาการของดนตรีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 ขอบกลายเป็นชนิด สารานุกรมโดยสังเขปสไตล์โฮโมโฟนิกที่ประสบความสำเร็จ” (“Musical Form as a Process”, L., 1963, p. 288) Kant ถูกแจกจ่ายในคอลเลกชันที่เขียนด้วยลายมือโดยไม่ระบุผู้แต่งข้อความและดนตรี แม้ว่ามักใช้บทกวี กวีร่วมสมัย Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov และอื่น ๆ arr แรก นา เพลง. ขอบเริ่มซับซ้อนขึ้นเรื่อย ๆ ทำให้ได้รับคุณลักษณะของความโรแมนติก ต่อมา (ในศตวรรษที่ 19) เพลงของทหาร การดื่ม นักเรียน และเพลงปฏิวัติบางส่วนถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของความลาดเท อิทธิพลของ Kant ยังพบในภาษารัสเซีย เพลงคลาสสิคกับ Glinka ("Glory" จากโอเปร่า "Ivan Susanin") ฯลฯ

คันทาทา(cantare ของอิตาลี - ร้องเพลง) - งานสำหรับนักร้องเดี่ยว, นักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา, ตัวละครที่เคร่งขรึมหรือโคลงสั้น ๆ - มหากาพย์ Cantatas สามารถร้องเพลงประสานเสียง (ไม่มีนักร้องเดี่ยว) ห้อง (ไม่มีนักร้องประสานเสียง) โดยมีหรือไม่มีเปียโนคลอ ในการเคลื่อนไหวเดียวหรือประกอบด้วยตัวเลขที่เสร็จสมบูรณ์หลายตัว จาก oratorio (คล้ายกับในแง่ของวิธีการแสดงออก) cantata มักจะแตกต่างกันในขนาดที่เล็กกว่า ความสม่ำเสมอของเนื้อหา และพล็อตที่พัฒนาน้อยกว่า แคนทาทามีต้นกำเนิดในอิตาลี (ศตวรรษที่ 17) โดยเริ่มแรกเป็นท่อนสำหรับการร้องเพลง (ตรงกันข้ามกับโซนาตา) ซึ่งหมายความว่า Cantata เกิดขึ้นในผลงานของ J. S. Bach ผู้เขียน Cantata เกี่ยวกับจิตวิญญาณ ตำนาน และเรื่องในชีวิตประจำวัน ในรัสเซีย cantata ปรากฏตัวในศตวรรษที่ 18 และมาถึงการพัฒนาในศตวรรษที่ 19 และ 20: cantata การแสดงละครเดี่ยว (“ The Black Shawl” โดย Verstovsky), คำอวยพร, วันครบรอบ, โคลงสั้น ๆ, เนื้อเพลง - ปรัชญา cantatas (“ เพลงอำลา ของนักเรียนของ Catherine และ Smolny Institutes” โดย Glinka ; "Moscow", "To Joy" โดย Tchaikovsky; "The Svitezyanka" โดย Rimsky-Korsakov; "John of Damascus", "หลังจากอ่านสดุดี" โดย Taneyev; "Spring ", "The Bells" โดย Rachmaninov; "Cantata สำหรับการเปิดอนุสาวรีย์ Glinka" โดย Balakirev ฯลฯ ง.)

ประเภท Cantata ได้รับการพัฒนาในด้านความคิดสร้างสรรค์ นักแต่งเพลงโซเวียตโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานเกี่ยวกับหัวข้อประวัติศาสตร์ความรักชาติและสมัยใหม่ (Alexander Nevsky โดย Prokofiev, Symphony-cantata "On the Kulikovo Field" โดย Shaporin, "Cantata about the Motherland" โดย Arutyunyan เป็นต้น) ทันสมัย นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน K. Orff เขียน stage cantatas (Carmina Burana และคนอื่นๆ)

มาดริกัล(อิตาลี) เพลงเนื้อเพลงในภาษาพื้นเมือง (ไม่เหมือนบทสวดใน lat, lang.) แต่เดิมเป็นแบบโมโนโฟนิก ในช่วงต้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ศตวรรษที่ 14) มีการแสดง 2-3 เสียง ในยุค ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย(ศตวรรษที่ 16) ครอบครองศูนย์กลางสถานที่ในดนตรีฆราวาสซึ่งเป็นตัวแทนขององค์ประกอบเสียงหนึ่งส่วนหรือหลายส่วนของคลังโพลีโฟนิกสำหรับ 4-5 เสียง; ถูกเผยแพร่นอกประเทศอิตาลี แนวเพลงมาดริกัลมีโคลงสั้น ๆ เด่น ๆ ซึ่งเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ ข้อความบทกวี(แล้วแต่ภาพประกอบของแต่ละคำ) มาดริกัลในแง่ของท่วงทำนอง (ไม่เหมือนกับ frotolla, villanella, chanson ฯลฯ ) มีการพัฒนาในแวดวงชนชั้นสูง ดนตรีพื้นบ้าน, มักจะซับซ้อนเกินไป; ในขณะเดียวกันก็มีความหมายก้าวหน้าขยายขอบเขตของภาพและความหมายที่แสดงออก เรียบง่ายมากขึ้นซึ่งเกี่ยวข้องกับคติชนวิทยามาดริกัลอังกฤษทางอารมณ์ของศตวรรษที่ 16-17 (ที. มอร์ลีย์, ดี. ดาวแลนด์, ดี. วิลบี). ในศตวรรษที่ 17 เพลงมาดริกัลออกจากสไตล์เสียงร้องแบบโพลีโฟนิก โดยเน้นเสียงเดี่ยวพร้อมเครื่องดนตรีประกอบ ผู้เชี่ยวชาญที่โดดเด่นของมาดริกัล (ในขั้นตอนต่าง ๆ ของการพัฒนา) ได้แก่ Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi

โมเท็ต(จากภาษาฝรั่งเศส mot - word) - แนวเสียง โพลีโฟนิก ดนตรี. ในขั้นต้นในฝรั่งเศส (ศตวรรษที่ 12-14) หลาย ๆ แห่งรวมกันเป็นโมเตต (บ่อยที่สุด 3) ท่วงทำนองอิสระที่มีข้อความต่างกัน: ในเสียงต่ำ (อายุ) - คริสตจักร สวดมนต์เป็นข้อความภาษาละติน ตรงกลาง (motet) และตอนบน (trilum) - เพลงรักหรือการ์ตูนในภาษาฝรั่งเศส คริสตจักรคาทอลิกต่อสู้กับ "โมเตตหยาบคาย" ดังกล่าวโดยเปรียบเทียบ (จากศตวรรษที่ 15) กับเพลงสวดแบบโพลีโฟนิกกับข้อความภาษาละตินเพลงเดียว Madrigals ถูกเขียนขึ้นสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง (ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 และมีดนตรีประกอบ) ประกอบด้วยหลายส่วน (2, 3 หรือมากกว่านั้น) ในรูปแบบโพลีโฟนิก มักจะอยู่ในคลังคอร์ด ในศตวรรษที่ 17 มีโมเทตสำหรับนักร้องเดี่ยวพร้อมดนตรีประกอบ

โอเปร่าคอรัส- หนึ่งในองค์ประกอบหลักของการแสดงโอเปร่าสมัยใหม่ ในการเชื่อมต่อกับยุค, ประเภท, ความแตกต่างของนักแต่งเพลง, คณะนักร้องประสานเสียงในละครโอเปร่า บทบาทที่แตกต่างกันจากการสร้างพื้นหลังในประเทศ, องค์ประกอบตกแต่ง, ผู้เข้าร่วมในอารัมภบท, สลับฉากไปจนถึง Ch. ผู้ทำหน้าที่. ในโอเปร่าซีเรีย ("โอเปร่าจริงจัง" ในศตวรรษที่ 17-18) เกือบจะไม่มีคณะนักร้องประสานเสียงในโอเปร่าบัฟฟา ("โอเปร่าการ์ตูน" ในศตวรรษที่ 18) ปรากฏเป็นระยะ ๆ (เช่นในรอบชิงชนะเลิศ) บทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงในฐานะผู้ถือภาพลักษณ์ของผู้คนในโอเปร่าของ Gluck และ Cherubini ได้รับความเข้มแข็งขึ้น แม้ว่าบ่อยครั้งจะเป็นคณะนักร้องประสานเสียงก็ตาม ฉากในนั้นมีตัวละคร oratorio คงที่ การร้องประสานเสียงในละครโอเปร่าของยุโรปตะวันตกช่วงหนึ่งในสามของศตวรรษที่ 19 มีความสำคัญมากขึ้นในการแสดงละครโดย Rossini (William Tell), Verdi (Nabucco, Battle of Legnano) พร้อมภาพลักษณ์ของวีรบุรุษ; ในโอเปร่าของ Meyerbeer การมีส่วนร่วมของคณะนักร้องประสานเสียงเน้นจุดไคลแมกซ์ที่น่าทึ่ง เนื้อเพลงโอเปร่าศตวรรษที่ 19 คณะนักร้องประสานเสียงมีส่วนในการสร้างบรรยากาศที่เหมาะสม สีสันประจำชาติ อารมณ์ (op. Bizet, Verdi, Gounod); ในโอเปร่าพื้นบ้านนักร้องประสานเสียงมีลักษณะใกล้เคียงกับเพลงพื้นบ้านการเต้นรำ (op. Monyushko, Smetana) มาตุภูมิ ศิลปะการร้องเพลงประสานเสียงทางโลกมีการแสดงครั้งแรกโดยคณะนักร้องประสานเสียงโอเปร่า (ศตวรรษที่ 18, op. Fomin, Pashkevich และอื่น ๆ ); และในอนาคตนักร้องประสานเสียงจะครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่ในรัสเซีย โอเปร่าเป็น "ความเชื่อหลักที่สำคัญและการยืนยันสัญชาติและประชาธิปไตย" (B. Asafiev) ความคิดสร้างสรรค์ของโอเปร่าและการร้องเพลงประสานเสียงมาตุภูมิ นักแต่งเพลงมีความหลากหลายเป็นพิเศษ

ในโอเปร่าประวัติศาสตร์รักชาติ (Ivan Susanin ของ Glinka, Prince Igor ของ Borodin, The Maid of Pskov ของ Rimsky-Korsakov ฯลฯ ) คณะนักร้องประสานเสียงกลายเป็นตัวเอกพร้อมกับตัวละคร โดยเฉพาะ ( ความสำคัญอย่างยิ่งได้รับคณะนักร้องประสานเสียงในละครเพลงพื้นบ้านของ Mussorgsky (“ Boris Godunov”, “ Khovanshchina”) ซึ่งมีการนำเสนอภาพลักษณ์ของผู้คนในหลาย ๆ ด้านในการพัฒนา ในโอเปร่าประจำวันของรัสเซียโดย Verstovsky ("Askold's Grave"), Dargomyzhsky ("Mermaid"), Serov ("Enemy Force"), Tchaikovsky ("Cherevichki", "The Enchantress") ฯลฯ มีความเกี่ยวพันใกล้ชิดกับชาวบ้าน เพลง. ความคิดริเริ่มระดับชาติสะท้อนให้เห็นในฉากการร้องเพลงประสานเสียงของโอเปร่าที่เกี่ยวข้องกับธีมตะวันออก (Ruslan and Lyudmila ของ Glinka, The Demon ของ Rubinstein, Prince Igor ของ Borodin เป็นต้น) การร้องเพลงประสานเสียงหมายถึงค้นหาแอปพลิเคชั่นในการพรรณนาถึงเรื่องราวที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov) คณะนักร้องประสานเสียงยังใช้ในแผนการปราศรัย โดยปกติในอารัมภบท บทส่งท้าย (โอเปร่าโดย Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin ฯลฯ ในการแสดงเพลงสรรเสริญ ฯลฯ (“The Maid of Orleans” โดย Tchaikovsky, “Khovanshchina ” โดย Mussorgsky ฯลฯ ) ประเพณี การมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของคณะนักร้องประสานเสียงในโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียยังคงดำเนินต่อไปในความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของโซเวียต: โอเปร่าของนักแต่งเพลงโซเวียตชาวรัสเซีย "สงครามและสันติภาพ", "เซมยอนคอตโก" โดย Prokofiev, "The Decembrists" โดย Shaporin, "Katerina Izmailova" โดย Shostakovich, "Emelyan Pugachev" โดย Koval, "Quiet Don" ” และ "Virgin Soil Upturned" โดย Dzerzhinsky, "October" โดย Muradeli, "Virineya" โดย Slonimsky และอื่น ๆ อีกมากมาย โอเปร่าแห่งชาติประกอบด้วยการประสานเสียงแยกจากกันและฉากการร้องประสานเสียงที่พัฒนาแล้ว โอเปร่า คณะนักร้องประสานเสียงมีการแสดงเฉพาะของตัวเอง: ประการแรกคือความสว่างที่ยอดเยี่ยม, ความนูนของความแตกต่างเล็กน้อย (คล้ายกับการออกแบบตกแต่ง), การเน้นที่ข้อความ, ความสามารถในการ "บินผ่านวงออเคสตรา" ใน หอประชุม. เพราะว่า ประสานเสียงโอเปร่ามักจะมีการเคลื่อนไหว, ความมั่นใจเป็นพิเศษ, ความเป็นอิสระของผู้เข้าร่วมแต่ละคนเป็นสิ่งจำเป็น เพื่อพัฒนาคุณสมบัติเหล่านี้ ในบางกลุ่ม นักร้องจะเรียนรู้จังหวะเวลาเมื่อศึกษาส่วนของตน การมีอยู่ของฉากที่คณะนักร้องประสานเสียงไม่เห็นผู้ควบคุมวง จำเป็นต้องมีสิ่งที่เรียกว่า การออกอากาศ (วาทยกร) ดำเนินการจากเบื้องหลังโดยนักร้องประสานเสียง ในเวลาเดียวกัน เพื่อให้บรรลุการซิงโครไนซ์ของการแสดง ลีดบางส่วนถูกทำให้เป็น "คะแนน" ของผู้ควบคุมวง (มากหรือน้อย ขึ้นอยู่กับความลึกของคณะนักร้องประสานเสียง)

ORATORIO(จาก lat, wow - ฉันพูดว่าฉันอธิษฐาน) - ดนตรีชิ้นสำคัญสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง, ศิลปินเดี่ยว, orc.; คอมพ์ จาก วงดนตรีเสียง, arias, recitatives, วงออเคสตราที่สมบูรณ์, oratorio มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 เกือบจะพร้อมกันกับ cantata และ Opera และมีโครงสร้างใกล้เคียงกับพวกเขา มันแตกต่างจาก Cantata ในขนาดที่ใหญ่ขึ้น โครงเรื่องที่มีรายละเอียด ตัวละครระดับมหากาพย์-ละคร และจากโอเปร่าที่องค์ประกอบการเล่าเรื่องเด่นกว่าละครที่กำลังพัฒนา Oratorio พัฒนามาจากการแสดงละครสรรเสริญ (เพลงสรรเสริญทางวิญญาณ) ที่แสดงในห้องพิเศษของโบสถ์ - บทปราศรัย ชนิดพิเศษ oratorio - ความหลงใหล; ในแง่ของโครงสร้างและประเภท oratorio ยังรวมถึงมวล, requiem, Stabat Mater และอื่น ๆ ประเภท oratorio ถึงจุดสูงสุดในผลงานของ Bach และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Handel ผู้สร้างประเภทของ oratorio มหากาพย์วีรบุรุษ; Oratorios ของ Haydn ถูกทำเครื่องหมายด้วยลักษณะเฉพาะของประเภทในประเทศและโคลงสั้น ๆ - ปรัชญา ในศตวรรษที่ 19 แยง. ประเภท Oratorio สร้างสรรค์โดย Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi และคนอื่นๆ ในศตวรรษที่ 20 - Honegger, Britten และอื่น ๆ คำแรกหมายถึงคำปราศรัยของรัสเซีย "Minin and Pozharsky" โดย Degtyarev; Oratorios จำนวนหนึ่งสร้างขึ้นโดย A. Rubinstein (“Babylonian pandemonium”, “Paradise Lost” เป็นต้น) ในโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียมีการใช้เทคนิคสไตล์ oratorio กันอย่างแพร่หลายในรูปแบบของฉากการร้องเพลงประสานเสียงขนาดใหญ่ (Ivan Susanin, Ruslan และ Lyudmila โดย Glinka, Judith ของ Serov, Prince Igor ของ Borodin, Sadko ของ Rimsky-Korsakov เป็นต้น) ประเภทของ oratorio ถูกใช้อย่างกว้างขวางโดยนักแต่งเพลงชาวโซเวียตเมื่อรวบรวมธีมทางประวัติศาสตร์และร่วมสมัย (“Emelyan Pugachev” โดย Koval, “The Legend of the Battle for the Russian Land” โดย Shaporin, “Song of the Forests” โดย Shostakovich, “On Guard เพื่อสันติภาพ” โดย Prokofiev, “Requiem” โดย Kabalevsky, “ Mahogany "Zarina และอื่น ๆ )

เพลง- รูปแบบที่ง่ายและธรรมดาที่สุด เสียงเพลงซึ่งรวมภาพกวีเข้ากับละครเพลง ลักษณะเด่นของเพลงคือมีท่วงทำนองที่สมบูรณ์ อิสระ ไพเราะ มีโครงสร้างเรียบง่าย ดนตรีของเพลงสอดคล้องกับเนื้อหาทั่วไปของข้อความโดยไม่มีรายละเอียด (เช่น ในเพลงโคลงทั่วไป) มีเพลงพื้นบ้านและเพลงอาชีพ (ผลิตโดยนักแต่งเพลง) ที่แตกต่างกันในแนวเพลง ที่มา โครงสร้าง ฯลฯ แนวเพลงร้องประสานเสียงเป็นเรื่องธรรมดา: เพลงพื้นบ้าน(ชาวนาและคนเมือง), เพลงมวลของโซเวียต, ทบ. คณะนักร้องประสานเสียงของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและโซเวียต ในดนตรียุโรปตะวันตก เพลงประสานเสียงได้รับการปลูกฝัง นักแต่งเพลงโรแมนติก(เวเบอร์ ชูเบิร์ต เมนเดลโซห์น ชูมันน์ บราห์มส์) ในความหมายโดยนัย คำว่า เพลง. หรือเพลง (เพื่อเน้นมหากาพย์ ความเคร่งขรึม ความสง่างามของงานกวี) ใช้ในชื่องานดนตรีที่สำคัญ แคนทาทา (เช่น เพลงแห่งโชคชะตาของบรามส์ เพลงแห่งชัยชนะ)

ร้องเพลงประสานเสียง- บทสวดมนต์ในศาสนาคาทอลิกและ คริสตจักรโปรเตสแตนต์. เพลงโปรเตสแตนต์โพลีโฟนิก (นำเสนอในศตวรรษที่ 16 โดยผู้นำการปฏิรูป) ร้องโดยชุมชนทั้งหมดเป็นภาษาเยอรมัน ท่วงทำนองของการร้องเพลงประสานเสียงนั้นโดดเด่นด้วยจังหวะการนั่งนิ่ง โกดังร้องเพลงประสานเสียง (หรือเรียกง่ายๆ ว่าร้องประสานเสียง) การนำเสนอคอร์ดด้วยระยะเวลาที่สม่ำเสมอในการเคลื่อนไหวช้าๆ

อิทัลกัม

ผู้ควบคุมวงและที่ปรึกษาชาวอิสราเอลที่มีชื่อเสียงซึ่งช่วยให้ผู้นำจากธุรกิจ การศึกษา รัฐบาล การแพทย์ และสาขาอื่นๆ กลายเป็น "ผู้นำ" ของทีมและบรรลุความสามัคคีผ่านการทำงานร่วมกัน

อิเทย์ ทัลแกมให้เหตุผลว่าทักษะความเป็นผู้นำนั้นเป็นสากล และรูปแบบการสื่อสารของวาทยกรกับวงออเคสตร้าก็มีหลายวิธีที่คล้ายกับความสัมพันธ์ของเจ้านายกับพนักงานในบริษัท แต่ไม่มีหลักการสากลสำหรับการจัดความสัมพันธ์ดังกล่าว ผู้เขียนแบ่งปันข้อสังเกตของเขาเกี่ยวกับวิธีการจัดการวงออเคสตราที่วาทยกรผู้ยิ่งใหญ่สังเกตและแบ่งออกเป็นหกประเภทตามเงื่อนไข

1. การครอบงำและการควบคุม: Ricardo Mutti

ริคาร์โด มุตตี วาทยกรชาวอิตาลีใส่ใจในรายละเอียดและพิถีพิถันในการจัดการวงออเคสตราทั้งในการซ้อมและการแสดง ความแตกต่างทั้งหมดของเกมมุ่งเน้นไปที่ท่าทางของเขา: เขาแจ้งให้นักดนตรีทราบเกี่ยวกับโทนเสียงที่เปลี่ยนไปก่อนที่พวกเขาจะต้องทำใหม่ มุตติควบคุมทุกย่างก้าวของผู้ใต้บังคับบัญชา ไม่มีใครและไม่มีอะไรเหลืออยู่โดยที่เขาไม่สนใจ

การควบคุมทั้งหมดเกิดจากการที่วาทยกรเองรู้สึกกดดันจากผู้บริหารระดับสูง: คณะกรรมการหรือจิตวิญญาณปัจจุบันของนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ ผู้นำแบบนี้มักจะถูกประณามจากซุปเปอร์อีโก้ที่โหดเหี้ยมเสมอ

ผู้นำที่โดดเด่นไม่มีความสุข ผู้ใต้บังคับบัญชาของเขาเคารพเขา แต่ไม่ชอบเขา ตัวอย่างของ Mutti แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนเป็นพิเศษ ระหว่างเขากับผู้นำสูงสุดของมิลาน โรงละครโอเปร่า"La Scala" มีความขัดแย้ง ผู้ควบคุมวงแสดงความต้องการของเขาต่อเจ้าหน้าที่ หากไม่ได้รับการตอบสนอง เขาขู่ว่าจะออกจากโรงละคร เขาหวังว่าวงออร์เคสตราจะเข้าข้างเขา แต่นักดนตรีบอกว่าพวกเขาสูญเสียความมั่นใจในตัวผู้นำ มุตติต้องเกษียณ

คุณคิดว่าแท่นวางของวาทยกรนี้เป็นบัลลังก์หรือไม่? สำหรับฉันแล้ว นี่คือเกาะร้างที่ความเหงาเข้าครอบงำ

ริคาร์โด มุตติ

อย่างไรก็ตาม เรื่องนี้ ริคาร์โด มุตติถือเป็นหนึ่งใน ตัวนำที่ยิ่งใหญ่ที่สุดศตวรรษที่ XX Itay Talgam กล่าวว่าในการสัมมนาเกี่ยวกับการบริหารงานบุคคล นักศึกษาส่วนใหญ่กล่าวว่าพวกเขาไม่ต้องการผู้นำเช่นนี้ แต่สำหรับคำถาม: "ความเป็นผู้นำของเขามีประสิทธิภาพหรือไม่? เขาสามารถบังคับให้ผู้ใต้บังคับบัญชาทำงานได้หรือไม่” เกือบทุกคนตอบตกลง

ผู้นำที่โดดเด่นไม่เชื่อในความสามารถของพนักงานในการจัดระเบียบตัวเอง เขารับผิดชอบอย่างเต็มที่สำหรับผลลัพธ์ แต่ต้องการการเชื่อฟังโดยไม่มีข้อกังขา

เมื่อมันใช้งานได้

ชั้นเชิงนี้สมเหตุสมผลเมื่อมีปัญหาเกี่ยวกับระเบียบวินัยในทีม ผู้เขียนยกตัวอย่างจากชีวประวัติของ Mutti และเล่าถึงประสบการณ์ของเขากับวง Israel Philharmonic Orchestra นี่เป็นทีมที่ยอดเยี่ยม แต่รูปแบบการทำงานของเขาก่อตัวขึ้นที่จุดเชื่อมต่อของวัฒนธรรมยุโรป เมดิเตอร์เรเนียน และตะวันออกกลาง ความหลากหลายของประเพณีนำไปสู่การขาดระเบียบวินัยภายในวงออเคสตรา

ในขณะนั้น เมื่อไม้ของ Mutti ถูกแช่แข็งในอากาศเพื่อรอโน้ตตัวแรก นักดนตรีคนหนึ่งตัดสินใจขยับเก้าอี้ของเขา มีเสียงเอี๊ยดอ๊าด ผู้ควบคุมวงหยุดและพูดว่า: "สุภาพบุรุษ ฉันไม่เห็นคำว่า "เก้าอี้ลั่นดังเอี๊ยด" ในคะแนนของฉัน" ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา มีเพียงเสียงดนตรีดังขึ้นในห้องโถง

เมื่อมันไม่ได้ผล

ในกรณีอื่นๆ ทั้งหมด และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่องานของพนักงานเกี่ยวข้องกับ รูปแบบการจัดการของ Mutti ไม่รวมข้อผิดพลาด และในความเป็นจริงมักนำไปสู่การค้นพบใหม่

2 เจ้าพ่อ: Arturo Toscanini

ผู้ควบคุมวง Arturo Toscanini แสดงการมีส่วนร่วมสูงสุดในชีวิตของวงออเคสตราในการซ้อมและบนเวที เขาไม่อายในการแสดงออกและตำหนินักดนตรีสำหรับความผิดพลาดของพวกเขา Toscanini มีชื่อเสียงไม่เพียง แต่สำหรับความสามารถของเขาในฐานะวาทยกรเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความเป็นมืออาชีพด้วย

Toscanini คำนึงถึงความล้มเหลวของผู้ใต้บังคับบัญชาทุกครั้งเพราะความผิดพลาดของคนคนหนึ่งคือความผิดพลาดของทุกคนโดยเฉพาะผู้ควบคุมวง เขาเรียกร้องจากผู้อื่น แต่ไม่เกินตัวเขาเอง: เขามาซ้อมล่วงหน้าและไม่ได้ขอสิทธิพิเศษ นักดนตรีแต่ละคนเข้าใจว่าผู้ควบคุมวงกังวลอย่างจริงใจเกี่ยวกับผลลัพธ์และไม่ได้โกรธเคืองกับการเล่นที่ไม่ถูกต้อง

Toscanini ต้องการความทุ่มเทอย่างเต็มที่จากนักดนตรีและคาดหวังการแสดงที่ไร้ที่ติ เขาเชื่อในความสามารถของพวกเขาและถูกรวบรวมในคอนเสิร์ต เห็นได้ชัดว่าเขาภูมิใจใน "ครอบครัว" ของเขาเพียงใดหลังจากการแสดงที่ประสบความสำเร็จ

แรงจูงใจที่สำคัญของพนักงานในทีมดังกล่าวคือความปรารถนาที่จะทำงานได้ดี "เพื่อพ่อ" ผู้นำเช่นนี้เป็นที่รักและเคารพ

เมื่อมันใช้งานได้

ในกรณีที่ทีมพร้อมที่จะยอมรับหลักการพื้นฐานสามประการของวัฒนธรรมครอบครัว: ความมั่นคง การเอาใจใส่ และการสนับสนุนซึ่งกันและกัน สิ่งสำคัญคือผู้จัดการต้องมีอำนาจ มีความสามารถในสายงานของตน ความสำเร็จระดับมืออาชีพ. ผู้นำแบบนี้ควรได้รับการปฏิบัติเหมือนพ่อ ดังนั้นเขาควรฉลาดกว่าและมีประสบการณ์มากกว่าลูกน้อง

หลักการจัดการนี้มักใช้เมื่อทีมประสบปัญหา ช่วงเวลาที่ยากลำบาก. ในช่วงของการเสริมสร้างความเข้มแข็งของสหภาพแรงงาน บริษัทขนาดใหญ่แนะนำคำขวัญจากหมวดหมู่ "เราเป็นครอบครัวเดียวกัน!" ฝ่ายบริหารพยายามปรับปรุงสภาพการทำงานเปิดโอกาสให้พนักงานได้รับ การศึกษาเพิ่มเติม,ประพฤติ กิจกรรมขององค์กรและจัดหาแพ็คเกจทางสังคมให้กับผู้ใต้บังคับบัญชา ทั้งหมดนี้มีวัตถุประสงค์เพื่อสร้างแรงจูงใจให้พนักงานทำงานเพื่อประโยชน์ของเจ้าหน้าที่ที่ดูแลพวกเขา

เมื่อมันไม่ได้ผล

ในองค์กรสมัยใหม่บางแห่ง ที่บางครั้งความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลมีความสำคัญมากกว่าลำดับชั้นที่เป็นทางการ ในกลุ่มดังกล่าว การมีส่วนร่วมทางอารมณ์อย่างลึกซึ้งไม่ได้บอกเป็นนัย

หลักการจัดการดังกล่าวไม่เพียงต้องการอำนาจและความสามารถของผู้นำเท่านั้น แต่ยังต้องใช้ความสามารถของผู้ใต้บังคับบัญชาในการปรับความคาดหวังที่วางไว้ Itay Talgam พูดถึงประสบการณ์การเรียนกับวาทยกร Mendy Rodan เขาเรียกร้องอย่างมากจากนักเรียนและมองว่าความล้มเหลวทุกครั้งเป็นความพ่ายแพ้ส่วนตัว แรงกดดันนี้ควบคู่ไปกับการสบถทำให้ผู้เขียนถูกกดขี่ เขาตระหนักว่าครูคนนี้จะช่วยให้เขาได้รับประกาศนียบัตร แต่จะไม่นำความคิดสร้างสรรค์มาสู่เขา

3. ตามคำแนะนำ: Richard Strauss

ผู้เขียนกล่าวว่าผู้จัดการหลายคนที่เข้าร่วมการสัมมนาของเขารู้สึกขบขันกับพฤติกรรมของสเตราส์บนเวทีเท่านั้น ผู้เยี่ยมชมเลือกเขาในฐานะผู้นำที่มีศักยภาพโดยพิจารณาจากเจ้านายเช่นนี้คุณไม่สามารถยุ่งกับงานได้ คอนดักเตอร์หลุบตาลง ตัวเขาเองดูเหินห่างและเหลือบมองส่วนใดส่วนหนึ่งของวงออเคสตราเป็นครั้งคราวเท่านั้น

วาทยกรคนนี้ไม่ได้มีเป้าหมายเพื่อสร้างแรงบันดาลใจ เขาแค่ควบคุมวงดนตรีเท่านั้น แต่ถ้าคุณดูอย่างใกล้ชิดจะเห็นได้ชัดว่าอะไรคือพื้นฐานของหลักการจัดการดังกล่าว - ทำตามคำแนะนำ สเตราส์ไม่ได้จดจ่ออยู่กับนักดนตรี แต่สนใจโน้ต แม้ว่าวงออร์เคสตราจะเล่นงานของเขาก็ตาม จากสิ่งนี้เขาแสดงให้เห็นว่าการปฏิบัติตามกฎอย่างเคร่งครัดมีความสำคัญเพียงใดและปฏิบัติงานอย่างชัดเจนโดยไม่อนุญาตให้ตีความเอง

ควรเข้าใจว่าการขาดการตีความและการค้นพบในดนตรีนั้นไม่เลวเลย แนวทางนี้ทำให้คุณสามารถเปิดเผยโครงสร้างของงาน เพื่อเล่นมันในแบบที่ผู้เขียนตั้งใจไว้

ผู้นำเช่นนี้ไว้วางใจผู้ใต้บังคับบัญชา ต้องการให้พวกเขาปฏิบัติตามคำสั่งและเชื่อว่าพวกเขาจะสามารถปฏิบัติตามได้ ทัศนคตินี้ประจบสอพลอและกระตุ้นพนักงาน พวกเขาได้รับความมั่นใจในตนเอง ข้อเสียเปรียบหลักของวิธีการคือไม่มีใครรู้ว่าจะเกิดอะไรขึ้นหากสถานการณ์ที่ไม่ได้ระบุไว้ในคำแนะนำเกิดขึ้น

เมื่อมันใช้งานได้

หลักการควบคุมนี้ใช้ได้ผลในกรณีต่างๆ บางครั้งก็สะดวกสบายที่สุดสำหรับมืออาชีพที่ใจเย็นซึ่งเคยชินกับการทำงานตามตัวอักษรของกฎหมาย บางครั้งจำเป็นต้องให้คำแนะนำที่จำเป็นแก่พนักงานเช่นเมื่อมีปฏิสัมพันธ์ กลุ่มที่แตกต่างกันผู้ใต้บังคับบัญชา

ผู้เขียนยกตัวอย่างประสบการณ์ของเขากับวงออร์เคสตราและวงร็อค Natasha's Friends ปัญหาเกิดขึ้นเนื่องจากนักดนตรีจากกลุ่มมาถึงจุดสิ้นสุดของชั่วโมงที่สองของการซ้อมสามชั่วโมง พวกเขาแน่ใจว่าจะไม่มีอะไรหยุดพวกเขาจากการอุทิศเวลาที่เหลือของวันให้กับดนตรี โดยไม่ได้คิดถึงข้อเท็จจริงที่ว่าการซ้อมวงออร์เคสตราอยู่ภายใต้กรอบเวลาที่เข้มงวดกว่า

เมื่อมันไม่ได้ผล

หลักการจัดการตามคำแนะนำต่อไปนี้ใช้ไม่ได้หากควรส่งเสริมความสามารถในการสร้างและสร้างสรรค์แนวคิดใหม่ เช่นเดียวกับการเชื่อฟังผู้นำอย่างสมบูรณ์ การปฏิบัติตามคำแนะนำหมายถึงการไม่มีข้อผิดพลาดที่นำไปสู่การค้นพบใหม่ นอกจากนี้ยังสามารถกีดกันพนักงานจากความกระตือรือร้นในวิชาชีพ

ผู้เขียนยกตัวอย่างจากชีวประวัติของวาทยกร Leonard Bernstein ชาวอิสราเอล วงดุริยางค์ฟิลฮาร์โมนิกภายใต้การดูแลของเขาซ้อมตอนจบของซิมโฟนีของมาห์เลอร์ เมื่อผู้ควบคุมวงให้สัญญาณทองเหลืองเข้ามา ก็มีความเงียบตอบกลับมา Bernstein เงยหน้าขึ้นมอง: นักดนตรีบางคนออกไปแล้ว ความจริงก็คือการสิ้นสุดการซ้อมกำหนดไว้เวลา 13:00 น. นาฬิกาคือ 13:04 น.

4. กูรู: เฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจัน

มาสโทรเฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจานแทบไม่ลืมตาบนเวทีและไม่มองไปที่นักดนตรี เขาคาดหวังเพียงว่าผู้ใต้บังคับบัญชาของเขาดูเหมือนจะพิจารณาความปรารถนาของเขาอย่างน่าอัศจรรย์ สิ่งนี้นำหน้าด้วยงานเบื้องต้น: ผู้ควบคุมวงอธิบายความแตกต่างของเกมอย่างระมัดระวังในการซ้อม

กูรูไม่ได้ให้กรอบเวลาหรือกำหนดจังหวะแก่นักดนตรี เขาเพียงฟังอย่างตั้งใจและถ่ายทอดความนุ่มนวลและความลึกของเสียงให้วงออเคสตราฟัง นักดนตรีนั้นสมบูรณ์แบบสำหรับกันและกัน พวกเขาเองกลายเป็นวาทยกรที่พึ่งพากันและพัฒนาทักษะการเล่นด้วยกันครั้งแล้วครั้งเล่า

วิธีการดังกล่าวพูดถึงความเย่อหยิ่งของผู้นำ: เขาทำหน้าที่โดยไม่ผ่านกฎเกณฑ์ที่เป็นที่ยอมรับและมั่นใจในความสำเร็จเสมอ ในขณะเดียวกัน สมาชิกในทีมต้องพึ่งพาอาศัยซึ่งกันและกันมากกว่าคำสั่งของฝ่ายบริหาร พวกเขาตกเป็นของอำนาจที่จะมีอิทธิพลต่อผลงานโดยตรง พวกเขามีความรับผิดชอบเพิ่มเติม ดังนั้นการอยู่ในทีมเช่นนี้สำหรับบางคนอาจเป็นการทดสอบทางจิตวิทยาที่ยาก รูปแบบการจัดการนี้คล้ายกับการครอบงำของ Mutti ตรงที่ผู้นำไม่พร้อมสำหรับการเจรจาและกำหนดวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับองค์กรต่อผู้ใต้บังคับบัญชา

เมื่อมันใช้งานได้

เมื่อการทำงานของทีมเชื่อมโยงกับความคิดสร้างสรรค์ของพนักงาน เช่น ในสาขาศิลปะ ศิลปินชาวอเมริกัน Saul Levitt จ้างศิลปินรุ่นเยาว์ (รวมหลายพันคน) อธิบายแนวคิดและให้คำแนะนำบางอย่าง หลังจากนั้นผู้ใต้บังคับบัญชาไปสร้างโดยไม่มีการควบคุมของ Levitt เขาสนใจที่ผลลัพธ์ ไม่ใช่การยอมจำนนในกระบวนการ เขาเป็นผู้นำที่มีเหตุผลและชาญฉลาด เขาเข้าใจเรื่องนั้นดี ความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันเสริมสร้างโครงการเท่านั้น นี่คือสิ่งที่ทำให้เขาเป็นศิลปินที่มีการจัดแสดงมากที่สุดในโลก: ตลอดชีวิตของเขา เขาจัดนิทรรศการเดี่ยวมากกว่า 500 ครั้ง

เมื่อมันไม่ได้ผล

ในแต่ละทีมความเหมาะสมของหลักการจัดการนี้ขึ้นอยู่กับหลายปัจจัยของแต่ละคน แนวทางนี้มักนำไปสู่ความล้มเหลว ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไม Cadbury & Schweppes จึงสร้างหลักธรรมาภิบาลของ Cadbury ซึ่งอธิบายขั้นตอนที่ออกแบบมาเพื่อปกป้องบริษัทจากอัตตาที่มากเกินไปของผู้นำ และให้ข้อมูลสำคัญแก่ผู้เข้าร่วมทุกคนในกระบวนการ

ผู้เขียนยังบอก เรื่องเตือนใจจากประสบการณ์ของตัวเอง เขาต้องการเริ่มงานกับ Tel Aviv Symphony Orchestra ด้วยนวัตกรรมที่มีชื่อเสียง Itai Talgam แบ่งส่วนเครื่องสายออกเป็น quartets และวางเครื่องเป่าไว้ระหว่างเครื่อง เขาแนะนำว่าวิธีนี้ทำให้นักดนตรีแต่ละคนรู้สึกเหมือนเป็นศิลปินเดี่ยว การทดลองล้มเหลว: ผู้เข้าร่วมไม่สามารถสื่อสารได้ เนื่องจากอยู่ไกลกัน ดังนั้นพวกเขาจึงเล่นได้แย่มาก

5 นักเต้นชั้นนำ: คาร์ลอส ไคลเบอร์

Carlos Klaiber เต้นรำบนเวที: กางแขนออก กระโดดขึ้นและลง ก้มตัว และแกว่งไปมาจากด้านหนึ่งไปอีกด้านหนึ่ง ในบางครั้งเขานำวงออร์เคสตราด้วยปลายนิ้ว และบางครั้งเขาก็แค่ยืนฟังนักดนตรี บนเวที วาทยกรแบ่งปันความสุขและทวีคูณ เขามีวิสัยทัศน์ที่ชัดเจนเกี่ยวกับรูปแบบและเป็นผู้นำของนักดนตรี แต่เขาไม่ได้เป็นผู้นำ แต่ในฐานะนักเต้นเดี่ยว เขาต้องการให้ผู้ใต้บังคับบัญชามีส่วนร่วมในการตีความอย่างต่อเนื่องและไม่โหลดรายละเอียดคำแนะนำของเขา

ผู้นำดังกล่าวไม่ได้จัดการคน แต่เป็นกระบวนการ ช่วยให้ผู้ใต้บังคับบัญชามีขอบเขตสำหรับนวัตกรรม กระตุ้นให้พวกเขาสร้างด้วยตัวเอง พนักงานแบ่งปันอำนาจและความรับผิดชอบกับผู้นำ ในทีมแบบนี้ มันเป็นเรื่องง่ายที่จะแก้ไขข้อผิดพลาดและแม้แต่เปลี่ยนเป็นสิ่งใหม่ ผู้จัดการ "การเต้นรำ" ให้ความสำคัญกับพนักงานที่มีความทะเยอทะยานโดยเลือกพวกเขาเป็นผู้ที่สามารถปฏิบัติงานตามคำแนะนำได้อย่างเป็นเรื่องเป็นราว

เมื่อมันใช้งานได้

หลักการที่คล้ายกันนี้ใช้เมื่อพนักงานทั่วไปอาจมีข้อมูลที่เกี่ยวข้องมากกว่าเจ้านาย ตัวอย่างเช่น ผู้เขียนได้อ้างถึงประสบการณ์ของเขาในการทำงานกับหน่วยงานต่างๆ เพื่อต่อต้านการก่อการร้าย ตัวแทนในภาคสนามต้องสามารถตัดสินใจได้ด้วยตนเอง บางครั้งอาจฝ่าฝืนคำสั่งโดยตรงจากผู้บังคับบัญชา เพราะเขามีความรู้ที่สมบูรณ์และทันสมัยที่สุดเกี่ยวกับสถานการณ์

เมื่อมันไม่ได้ผล

เมื่อพนักงานไม่สนใจชะตากรรมของบริษัท ผู้เขียนยังอ้างว่าวิธีการดังกล่าวไม่สามารถกำหนดเทียมได้ สิ่งนี้จะใช้ได้ก็ต่อเมื่อคุณสามารถชื่นชมยินดีอย่างแท้จริงในความสำเร็จของพนักงานและผลงาน

6. การค้นหาความหมาย: Leonard Bernstein

ความลับของการโต้ตอบของ Leonard Bernstein กับวงออเคสตราไม่ได้ถูกเปิดเผยบนเวที แต่ปิดเป็นความลับ ผู้ควบคุมวงไม่ต้องการแยกอารมณ์ ประสบการณ์ชีวิตและแรงบันดาลใจจากดนตรี สำหรับนักดนตรีแต่ละคน เบิร์นสไตน์ไม่ได้เป็นเพียงผู้นำเท่านั้น แต่ยังเป็นเพื่อนอีกด้วย เขาไม่ได้เชิญมืออาชีพ แต่เป็นคนทำงาน: ในวงออเคสตราของเขา อันดับแรก แต่ละคนแสดง ฟังและแต่งเพลง และจากนั้นผู้ใต้บังคับบัญชาเท่านั้น

เบิร์นสไตน์วางต่อหน้านักดนตรี คำถามหลัก: "เพื่ออะไร?" นี่คือ: เขาไม่ได้บังคับให้เขาเล่น แต่ทำให้คน ๆ นั้นอยากเล่น ทุกคนมีคำตอบของตัวเองสำหรับคำถามของเบิร์นสไตน์ แต่ทุกคนต่างรู้สึกเท่าเทียมกันว่ามีส่วนร่วมในสาเหตุเดียวกัน

เมื่อมันใช้งานได้

การสนทนาของฝ่ายจัดการกับพนักงานและการให้ความหมายกับกิจกรรมของพวกเขาจะเป็นประโยชน์ต่อองค์กรใด ๆ ที่งานของสมาชิกในทีมไม่ได้นำไปสู่การกระทำที่คล้ายคลึงกัน เงื่อนไขสำคัญสำหรับสิ่งนี้คือพนักงานต้องเคารพผู้นำและถือว่าเขามีความสามารถ

เมื่อมันไม่ได้ผล

Itay Talgam พูดถึงสถานการณ์เมื่อเขาพยายามใช้วิธี Bernstein แต่พบเพียงความเข้าใจผิดในส่วนของผู้ใต้บังคับบัญชาของเขา เหตุผลก็คือนักดนตรีหลายคนของ Tel Aviv Symphony Orchestra แก่กว่ามากและไม่รู้จักเขาเลย การซ้อมครั้งแรกไม่เป็นไปด้วยดี “มีบางอย่างผิดปกติ” ทัลแกมบอกกับวงออร์เคสตรา - ฉันไม่รู้ว่าอะไร จังหวะ, น้ำเสียง, อย่างอื่น? คุณคิดอย่างไร? แก้ไขอะไรได้บ้าง? นักดนตรีรุ่นเก่าคนหนึ่งยืนขึ้นและพูดว่า “เรามาจากไหน วาทยกรไม่ได้ถามเราว่าจะทำอะไร เขารู้ว่าต้องทำอะไร”

ในหนังสือ “The Ignorant Maestro” อิเทย์ ทัลกัมไม่เพียงแต่พูดถึงหลักการบริหารของวาทยกรที่ดีเท่านั้น แต่ยังเผยให้เห็นถึงสามประการ คุณสมบัติที่สำคัญผู้นำที่มีประสิทธิภาพ: ความไม่รู้ การให้ความหมายกับความว่างเปล่า และการฟังที่สร้างแรงบันดาลใจ ผู้เขียนไม่เพียงพูดคุยเกี่ยวกับสิ่งที่ผู้นำควรเป็น แต่ยังเกี่ยวกับบทบาทของผู้ใต้บังคับบัญชาในการสื่อสารในการทำงาน หลักการสากลไม่มีการจัดการผู้จัดการที่มีประสิทธิภาพแต่ละคนพัฒนาอย่างอิสระ และคุณสามารถเรียนรู้บางอย่างและนำเทคนิคบางอย่างไปใช้ได้จากวาทยกรผู้ยิ่งใหญ่ทั้งหกคนที่เขียนถึงในหนังสือเล่มนี้

10 ธันวาคม 2557

วัฒนธรรมทางดนตรีไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากไม่มีวาทยกร เช่นเดียวกับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ที่ขาดผู้กำกับ อุตสาหกรรมวรรณกรรมและสิ่งพิมพ์ที่ขาดบรรณาธิการ โครงการแฟชั่นที่ไม่มีดีไซเนอร์ หัวหน้าวงออเคสตร้ารับประกันการทำงานร่วมกันของเครื่องดนตรีทั้งหมดในระหว่างการแสดง ผู้ควบคุมวงเป็นตัวละครหลักบนเวทีของ Philharmonic ห้องคอนเสิร์ตหรือแพลตฟอร์มเพลงอื่น ๆ

อัจฉริยะ

การสอดประสานกันของวงซิมโฟนีออร์เคสตร้าที่ประสานเสียงได้หลากหลาย เครื่องดนตรีสำเร็จได้ด้วยฝีมือของวาทยกร ไม่น่าแปลกใจเลยที่ผู้ที่มีความสามารถมากที่สุดจะได้รับตำแหน่งและตำแหน่งสูงมากมายและในหมู่คนที่พวกเขาเรียกว่า "อัจฉริยะ" และแน่นอนการครอบครองกระบองของผู้ควบคุมวงอย่างไร้ที่ติช่วยให้คุณนำไปให้นักดนตรีทุกคนที่นั่งอยู่ในนั้น หลุมวงความแตกต่างทั้งหมดของแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ ทันใดนั้นวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ก็เริ่มส่งเสียงเหมือนทั้งหมดและ องค์ประกอบดนตรีในขณะเดียวกันก็ปรากฏให้เห็นในความงดงามทั้งหมดของมัน

วาทยกรที่มีชื่อเสียงรวมตัวกันบนพื้นฐานของทักษะ พวกเขาทั้งหมดไปโรงเรียน ศิลปะชั้นสูงไม่ได้รับความนิยมและการยอมรับจากประชาชนทั่วไปในทันที ได้รับความนิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ส่วนใหญ่แล้วตัวนำที่มีชื่อเสียงนอกเหนือจากกิจกรรมคอนเสิร์ตยังมีส่วนร่วมในการสอนจัดหลักสูตรฝึกอบรมสำหรับนักดนตรีรุ่นเยาว์รวมถึงชั้นเรียนปริญญาโท

เสียสละ

ศิลปะในการบรรเลงวงออเครสตร้าต้องอาศัยการฝึกฝนหลายปี พัฒนาอย่างต่อเนื่อง วาทยกรที่มีชื่อเสียงบางคนมีความโดดเด่นในเรื่องความอุตสาหะในการสร้างสรรค์เป็นพิเศษ การเสียสละตนเอง เมื่อชีวิตส่วนตัวถูกผลักไสให้อยู่กับเบื้องหลังและเหลือเพียงเสียงดนตรีเท่านั้น อย่างไรก็ตาม สถานการณ์นี้ดีสำหรับงานศิลปะ

วาทยกรที่มีชื่อเสียงที่สุดผูกพันกับสัญญาบางอย่าง กลุ่มดนตรีและสิ่งนี้ทำให้พวกเขาบรรลุผลสำเร็จ ระดับสูงการแสดงผลงานดนตรี ในเวลาเดียวกันจำเป็นต้องมีความเข้าใจซึ่งกันและกันซึ่งจะเป็นเครื่องรับประกันความสำเร็จของกิจกรรมคอนเสิร์ต

ผู้ควบคุมวงโอเปร่าที่มีชื่อเสียง

มีชื่อในลำดับชั้นดนตรีโลกที่ทุกคนรู้จัก ชื่อของนักแสดงโอเปร่าที่มีชื่อเสียงสามารถพบได้บนโปสเตอร์ ป้ายโฆษณา เรือสำราญ จะถูกตั้งชื่อตามพวกเขา ความนิยมนี้สมควรได้รับเนื่องจากมีเพียงไม่กี่คนที่ยังคงสามารถอุทิศทั้งชีวิตให้กับดนตรีได้อย่างไร้ร่องรอย วาทยกรที่มีชื่อเสียงที่สุดเดินทางไปทั่วโลก ทัวร์กับกลุ่มดนตรีต่างๆ หรือวงออเคสตร้าชั้นนำในสาขาหลัก ศูนย์ดนตรี. การแสดงโอเปร่าต้องการความสอดคล้องกันเป็นพิเศษของวงออร์เคสตรา พร้อมด้วยเสียงร้อง อาเรีย และคาวาตินา ในหน่วยงานดนตรีทั้งหมด คุณสามารถค้นหาชื่อของผู้ควบคุมวงโอเปร่าที่มีชื่อเสียงซึ่งสามารถได้รับเชิญสำหรับฤดูกาลหรือการแสดงหลายชุด ผู้แสดงที่มีประสบการณ์รู้รูปแบบงานและลักษณะนิสัยของแต่ละคน สิ่งนี้ช่วยให้พวกเขาเลือกได้ถูกต้อง

ตัวนำที่มีชื่อเสียงของรัสเซีย

ดนตรีโดยเฉพาะโอเปร่ามีองค์ประกอบหลายอย่าง นี่คือวงออเคสตราซึ่งมีเครื่องดนตรีหลากหลายชนิด: ลม, เครื่องสาย, คันธนู, เครื่องกระทบ ศิลปินเดี่ยว นักร้องประสานเสียง นักร้องประสานเสียง และผู้เข้าร่วมอื่นๆ ในการแสดง ชิ้นส่วนที่แตกต่างกันของการแสดงโอเปร่าจะรวมเป็นหนึ่งเดียวโดยผู้อำนวยการการแสดงและผู้ควบคุมวงดนตรี นอกจากนี้ หลังมีส่วนร่วมในการกระทำตั้งแต่ต้นจนจบ มีวาทยกรในรัสเซียซึ่งกำกับการแสดงโอเปร่าไปตามเส้นทางที่แท้จริงเพียงเส้นทางเดียวที่นำผู้ชมไปสู่งานศิลปะที่แท้จริง

ตัวนำที่มีชื่อเสียงของรัสเซีย (รายการ):

• อเล็กซานดรอฟ อเล็กซานเดอร์ วาซิลิเยวิช
• บาชเมต ยูริ อบราโมวิช
• เบซรอดนายา สเวตลานา โบริซอฟนา
• โบโกสลอฟสกี้ นิกิตา วลาดิมิโรวิช
• โบรเนวิตสกี้ อเล็กซานเดอร์ อเล็กซานโดรวิช
• วาซิเลนโก เซอร์เกย์ นิกิโฟโรวิช
• การันยัน จอร์จี อบราโมวิช
• เจอร์กีเยฟ วาเลรี อบิซาโลวิช
• โกเรนสไตน์ มาร์ค โบริโซวิช
• Diaghilev เซอร์เกย์ อเล็กซานโดรวิช
• Evtushenko Alexei Mikhailovich
• Ermakova ลุดมิลา วลาดิมิรอฟนา
• คาบาเลฟสกี้ ดมิทรี โบริโซวิช
• Kazhlaev Murad Magomedovich
• โคแกน พาเวล ลีโอนิโดวิช
• Lundstrem Oleg Leonidovich
• มราวินสกี้ เยฟเจนีย์ อเล็กซานโดรวิช
• Svetlanov Evgeny Fyodorovich
• สปิวาคอฟ วลาดิเมียร์ เทโอโดโรวิช

วาทยกรชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงทุกคนสามารถเป็นผู้นำวงดุริยางค์ซิมโฟนีต่างประเทศได้สำเร็จ การซ้อมเพียงไม่กี่ครั้งก็เพียงพอแล้ว ความเป็นมืออาชีพของนักดนตรีช่วยเอาชนะทั้งอุปสรรคด้านภาษาและความแตกต่างของสไตล์

คนดังระดับโลก

วาทยกรชื่อดังของโลกได้แก่ นักดนตรีที่มีความสามารถได้รับการยอมรับจากคนทั่วไป

พาเวล โคแกน

วาทยกรชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุดผู้มอบศิลปะให้กับโลกมานานกว่าสี่สิบปี ความนิยมเป็นประวัติการณ์ ชื่อของเกจิอยู่ในรายชื่อวาทยกรร่วมสมัยที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสิบคน นักดนตรีเกิดในครอบครัวของนักไวโอลินชื่อดัง Leonid Kogan และ Elizaveta Gilels ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2532 เขาเป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ถาวร และเป็นหัวหน้าวงดนตรีของ MGASO (วงดุริยางค์ซิมโฟนีแห่งรัฐมอสโก) ในเวลาเดียวกันเขาเป็นตัวแทนของรัสเซียในศูนย์ดนตรีที่สำคัญของอเมริกา

Pavel Kogan แสดงทั่วโลกด้วยวงดุริยางค์ซิมโฟนีที่ดีที่สุด งานศิลปะของเขาถือว่าไม่มีใครเทียบได้ มาสโทรได้รับรางวัล State Prize of Russia มีชื่อเรื่องว่า "People's Artist of Russia" Pavel Kogan ยังได้รับรางวัลมากมายรวมถึง Order of Merit for the Fatherland และ Order of the Arts

เฮอร์เบิร์ต ฟอน คาราจัน

Herbert von Karajan วาทยกรชื่อดังระดับโลกชาวออสเตรียเกิดในครอบครัวของผู้อพยพชาวกรีก ตอนอายุแปดขวบ เขาเข้าเรียนที่ Mozarteum Conservatory ในซาลซ์บูร์ก ซึ่งเขาศึกษาเป็นเวลา 10 ปี และได้รับทักษะการแสดงดนตรีขั้นพื้นฐาน ในเวลาเดียวกัน Karajan รุ่นเยาว์กำลังเรียนรู้ที่จะเล่นเปียโน

การเปิดตัวครั้งแรกเกิดขึ้นในปี 1929 ที่ Salburg Festival Theatre เฮอร์เบิร์ตแสดงโอเปร่าเรื่อง Salome โดย Richard Strauss ในช่วงปี 1929 ถึง 1934 เขาเป็นหัวหน้า Kapellmeister ที่โรงละครในเมือง Ulm ของเยอรมัน จากนั้นคาราจัน เป็นเวลานานอยู่ที่แท่นควบคุมวงของวง Vienna Philharmonic Orchestra จากนั้นเขาก็แสดงโอเปร่าเรื่อง Walpurgis Night ของ Charles Gounod

ชั่วโมงที่ดีที่สุดสำหรับผู้ควบคุมวงเกิดขึ้นในปี 1938 เมื่อโอเปร่าเรื่อง "Tristan and Isolde" ของ Richard Wagner แสดงโดยเขาประสบความสำเร็จอย่างมาก หลังจากนั้น Herbert ได้รับการขนานนามว่า "Miracle Karajan"

ลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์

ลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์ วาทยกรชาวอเมริกัน (พ.ศ. 2461-2533) เกิดจากพ่อแม่ผู้อพยพชาวยิว การศึกษาดนตรีลีโอนาร์ดเริ่มต้นตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เขาเรียนรู้ที่จะเล่นเปียโน อย่างไรก็ตามเด็กชายค่อยๆมีส่วนร่วมในการแสดงและในปีพ. ชื่อเรื่องว่านก

ขอบคุณ มีความเป็นมืออาชีพสูง Leonard Bernstein ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วและเป็นผู้นำวง New York Philharmonic Orchestra ตั้งแต่อายุยังน้อย มีความครอบคลุม คนที่มีความคิดสร้างสรรค์ตัวนำมีส่วนร่วมในวรรณกรรม เขาเขียนหนังสือเกี่ยวกับดนตรีประมาณสิบเล่ม

วาเลรี เกอร์กีเยฟ

วาทยกรชื่อดัง Valery Abisalovich Gergiev เกิดเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม พ.ศ. 2496 ที่กรุงมอสโกว ตอนอายุสิบเก้าเขาเข้า Leningrad Conservatory เข้าร่วมเป็นนักศึกษาใน การแข่งขันระหว่างประเทศตัวนำในเบอร์ลินซึ่งเขาได้อันดับสอง

หลังจากจบการศึกษาจากเรือนกระจกในปี พ.ศ. 2520 ผู้ควบคุมวงรุ่นเยาว์ได้รับการยอมรับให้เป็นผู้ช่วยที่ Kirov Theatre Yuri Temirkanov กลายเป็นที่ปรึกษาของเขาและในปี 1978 Valery Gergiev ยืนอยู่ที่แท่นและเล่นโอเปร่าเรื่อง War and Peace ของ Prokofiev ในปี 1988 เขาเข้ามาแทนที่ Yuri Temirkanov หลังจากที่เขาออกจาก Leningrad Philharmonic

ปี พ.ศ. 2535 มีการกลับมาที่ Kirov Theatre ที่มีชื่อทางประวัติศาสตร์ว่า "Mariinsky Theatre" ผู้ชมละครของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเพื่อไปดูการแสดงโอเปร่าจะถูกบันทึกไว้ล่วงหน้าหลายเดือน วันนี้ Valery Gergiev เป็นหัวหน้าผู้ควบคุมวงของโรงละครและผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์

Evgeny Svetlanov

วาทยกรชื่อดังชาวรัสเซียและชาวโลก Evgeny Fedorovich Svetlanov (2471-2545) ทิ้งร่องรอยไว้อย่างชัดเจน มรดกทางวัฒนธรรมรัสเซีย. เขามีชื่อเรื่องว่า "Hero of Socialist Labour" และ "People's Artist of the USSR" เขาเป็นผู้ได้รับรางวัลเลนินและรางวัลแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต

อาชีพสร้างสรรค์ของ Svetlanov เริ่มขึ้นทันทีหลังจากสำเร็จการศึกษาจากสถาบัน Gnessin ในปี 2494 เขาศึกษาต่อที่ Moscow Conservatory ในชั้นเรียนการแสดงโอเปร่าและซิมโฟนีและการประพันธ์เพลง

การเปิดตัวเกิดขึ้นในปี 2497 บนเวที โรงละครบอลชอยในการผลิตโอเปร่าเรื่อง The Maid of Pskov ของ Rimsky-Korsakov ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2506 ถึง พ.ศ. 2508 เขาเป็นหัวหน้าวงดนตรีของโรงละครบอลชอย ระหว่างการทำงาน ระดับการแสดงโอเปร่าก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด

ในปี พ.ศ. 2508-2543 การทำงานร่วมกันในสำนักงาน ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์และหัวหน้าวาทยกรของ State Symphony Orchestra แห่งสหภาพโซเวียต (ต่อมาคือรัสเซีย)

วลาดิมีร์ สปิวาคอฟ

วาทยกรชาวรัสเซีย Spivakov Vladimir Teodorovich เกิดในปี 2487 ในเมืองอูฟา ในปี 1968 เขาสำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory ในปี 1970 เขาสำเร็จการศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา

Mastery Vladimir Spivakov ศึกษาที่ Gorky Conservatory กับศาสตราจารย์ Israel Gusman ต่อมาเขาได้เข้าเรียนหลักสูตรพิเศษในสหรัฐอเมริกากับ Leonard Bernstein และ Lorin Maazel

ปัจจุบันเขาเป็นผู้นำถาวรและผู้ควบคุมวงของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตร้า Virtuosi ของมอสโกซึ่งเขาจัดขึ้นเป็นการส่วนตัวในปี 2522 เขาได้แสดงร่วมกับวงออร์เคสตร้าของยุโรปและกลุ่มดนตรีของสหรัฐอเมริกา จัดแสดงที่โรงละคร La Scala, Cecilia Academy, Philharmonic แห่งเมืองโคโลญจน์ของเยอรมัน และ French Radio เขาเป็นประธานของ International House of Music ในมอสโกว

ยูริ แบชเมต

Bashmet Yuri Abramovich วาทยกรชาวรัสเซียเกิดเมื่อวันที่ 24 มกราคม พ.ศ. 2496 ในเมือง Rostov-on-Don ศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต สี่ รางวัลของรัฐสหพันธรัฐรัสเซีย.

ในปี 1976 เขาสำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory ในปี พ.ศ. 2515 ขณะที่ยังเป็นนักเรียนอยู่ เขาได้รับไวโอลิน-วิโอลา ปรมาจารย์ชาวอิตาลีเปาโล เทสตอเร สร้างในปี 1758 เกี่ยวกับเรื่องนี้ เครื่องดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์ Bashmet ยังคงเล่นในวันนี้

เขาเริ่มกิจกรรมคอนเสิร์ตในปี 2519 และอีกสองปีต่อมาเขาได้รับตำแหน่งสอนที่ Moscow Conservatory ในปี 1996 Yuri Bashmet ได้สร้าง "Experimental Viola Department" ซึ่งเป็นที่ศึกษาเกี่ยวกับส่วนประกอบของวิโอลาในซิมโฟนี โอเปร่า และ ดนตรีแชมเบอร์. จากนั้นเขาได้รับตำแหน่งศาสตราจารย์ที่ Moscow Conservatory ปัจจุบันมีส่วนร่วมในกิจกรรมการกุศลและกิจกรรมเพื่อสังคม

วัฏจักร โปรแกรมคอนเสิร์ต (รัสเซีย, 2010). 10 ประเด็น

ไม่มีตัวเลขที่มีอำนาจอีกต่อไปในปัจจุบัน วัฒนธรรมดนตรีมากกว่าตัวแทนของวาทยกรระดับโลก ผู้สร้างวงจรได้เลือกชื่อที่สำคัญสิบชื่อ ได้แก่ Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons รวมถึงเพื่อนร่วมงานชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียง วันนี้พวกเขาเป็นปรมาจารย์และผู้นำวงออเคสตร้าที่ใหญ่ที่สุดที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล

แต่ละโปรแกรมขึ้นอยู่กับการแสดงของหนึ่งในมาสโทรที่มีชื่อกับวงออเคสตราของเขา

ศิลปินเดี่ยว: นักไวโอลิน Vadim Repin และ Sergei Krylov นักโอโบ Alexei Utkin นักเปียโน Denis Matsuev และคนอื่น ๆ

โปรแกรมนี้มีความหลากหลายมากที่สุด - จาก I.S. Bach ถึง A. Schoenberg และ A. Pärt ผลงานทั้งหมดเป็นผลงานชิ้นเอกของดนตรีโลก

ผู้ดำเนินรายการคือนักเปียโน Denis Matsuev

รุ่นที่ 1 .
ศิลปินเดี่ยว Vadim Repin
โปรแกรม: I. Stravinsky ซิมโฟนีในสามการเคลื่อนไหว; เอ็ม บรูช ไวโอลินคอนแชร์โต้หมายเลข 1 ใน G minor; แอล. เบโธเฟน. ซิมโฟนีหมายเลข 7

ฉบับที่ 2 Vladimir Fedoseev และ Bolshoi Symphony Orchestra พี.ไอ. ไชคอฟสกี.
โปรแกรม: L. Beethoven ซิมโฟนีหมายเลข 4
บันทึกที่ Golden Hall of the Musikverein ในกรุงเวียนนา

พิมพ์ครั้งที่ 3 "Maris Jansons และ Bavarian Radio Symphony Orchestra"
โปรแกรม: R. Wagner บทนำและ "Death of Isolde" จากโอเปร่าเรื่อง "Tristan and Isolde"; อาร์. สเตราส์. ชุดเพลงวอลทซ์จากโอเปร่าเรื่อง Der Rosenkavalier

ประเด็นที่ 4 "Daniel Barenboim และ Divan Orchestra ตะวันตก-ตะวันออก"
โปรแกรม: V.A. โมสาร์ท. คอนแชร์โตหมายเลข 7 ใน F เมเจอร์สำหรับสามเปียโนและวงออร์เคสตรา ศิลปินเดี่ยว - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said อ. โชนเบิร์ก. รูปแบบสำหรับวงออร์เคสตรา จี. แวร์ดี. การแสดงโอเปร่าเรื่อง Force of Destiny

ฉบับที่ 5 "วลาดิมีร์ สปิวาคอฟ และวงดุริยางค์ฟีลฮาร์โมนิกแห่งชาติของรัสเซีย"
เซอร์เก โปรโคฟีเยฟ คอนแชร์โตหมายเลข 3 สำหรับเปียโนและวงออร์เคสตรา ซิมโฟนีหมายเลข 1 "คลาสสิก" ศิลปินเดี่ยว Denis Matsuev บันทึกใน ห้องโถงใหญ่เรือนกระจกมอสโกในปี 2551

พิมพ์ครั้งที่ 6 "Lauryn Maazel และ Arturo Toscanini Symphony Orchestra"
โปรแกรม: Giacchino Rossini ทาบทามโอเปร่าเรื่อง "Italian in Algiers"; โยฮันเนส บรามส์. ซิมโฟนีหมายเลข 2
บันทึกในห้องโถงใหญ่ของเรือนกระจกมอสโก

ประเด็นที่ 7 Yuri Temirkanov และวง Symphony Orchestra ของ St. Petersburg Philharmonic ดี.ดี. ชอสตาโควิช.

พิมพ์ครั้งที่ 8. Yuri Bashmet และวง Moscow Soloists Chamber Ensemble
ในโปรแกรม: โจเซฟ ไฮเดินน์- คอนแชร์โตสำหรับเชลโลและวงออร์เคสตรา ศิลปินเดี่ยว Steven Isserlis (บริเตนใหญ่), Niccolo Paganini - 5 caprices (จัดโดย E. Denisov สำหรับไวโอลินและแชมเบอร์ออร์เคสตรา) ศิลปินเดี่ยว Sergey Krylov (อิตาลี); เวอร์จิเนีย Mozart - Divertimento หมายเลข 1
บันทึกใน BZK

พิมพ์ครั้งที่ 9 Mikhail Pletnev และวงดุริยางค์แห่งชาติรัสเซีย
ดำเนินการโดยชาวรัสเซีย วงดุริยางค์แห่งชาติห้องชุดจากบัลเล่ต์โดย P.I. ไชคอฟสกี” สวอนเลค" รวบรวมโดย Mikhail Pletnev บันทึกเสียงที่ State Academic Bolshoi Theatre of Russia ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของ Great RNO Festival ปี 2009

ฉบับที่ 10 Valery Gergiev และวง Symphony Orchestra โรงละครมาริอินสกี้
ในการดำเนินการ ซิมโฟนีออร์เคสตร้าโรงละคร Mariinsky ดำเนินการโดย Valery Gergiev แสดงเพลงฮิตของวงออเคสตรา - การทาบทามจากโอเปร่าโดย Rossini, Verdi, Wagner, เพลงวอลทซ์จากบัลเลต์ของ Tchaikovsky, ชิ้นส่วนจากโรมิโอและจูเลียตของ Prokofiev